Die berühmtesten Musicals Zusammenfassung Entwicklung des Musicals

Das Musical entstand aus einer Mischung vieler unterhaltsamer Unterhaltungsgenres – von Varieté bis Ballett. Das erste Musical „Black Crook“ wurde 1866 in New York aufgeführt. Es war eine Mischung aus Ballett, Melodram, Komödie und Operette. Es war diese Aufführung, die zur Grundlage eines neuen, ungewöhnlichen Genres wurde. Musikkomödien, die etwas später an Popularität gewannen, führten die Idee von Black Crook fort, allerdings traten in ihnen aktuelle Themen in den Vordergrund. Musikalische Melodien durchgeführt Berühmte Schauspieler, und die Handlung war ein optionales, fast sekundäres Element.

Seitdem sind die relevantesten und musikalischsten Bewegungen und Themen ihrer Zeit in Musicals festgehalten. Das Genre der Musikkomödie entwickelte sich schnell und talentierte Menschen begannen, sich ihm zuzuwenden. In Zusammenarbeit mit angesehenen Dichtern und Schriftstellern schufen sie umfassende Geschichten, die für den Betrachter leicht und verständlich sind. musikalische Form. Lange Zeit wurden alle Musicals ausschließlich in Amerika und Großbritannien produziert, doch 1985 feierte „Les Miserables“ den Durchbruch und wurde das erste französische Musical. Tatsächlich inspirierten sie das Schreiben vieler anderer französischer, österreichischer, deutscher und ungarischer Werke.

Die berühmtesten Musicals

Liste der meisten Berühmte Werke im Musikgenre ohne Zweifel „My wunderschöne Dame". Das Libretto des Musicals wurde von Alan Lerner nach dem Theaterstück Pygmalion von Bernard Shaw erstellt. Musik für das Musical Eric Lowe. Die Handlung dieses Musicals wiederholt als Ganzes die Handlung des Stücks. Darin wird erzählt, wie ein berühmter Phonetikprofessor mit seinem Freund darüber stritt, er könne aus einem gewöhnlichen Blumenmädchen eine kultivierte junge Dame machen. Der Professor gewann den Streit, der jedoch zu unerwarteten Konsequenzen führte. My Fair Lady wurde 1956 am Broadway uraufgeführt. Die Aufführung war ein voller Erfolg, die Karten wurden sechs Monate im Voraus gekauft. Einige Jahre später wurde der Film „My Fair Lady“ gedreht, in dem die einzigartige Audrey Hepburn die Hauptrolle spielte.

Es gibt ein Studioalbum „Jesus Christ Super Star“. Auf dieser Aufnahme werden alle Rollen von den herausragenden Rocksängern ihrer Zeit gespielt.

Auf Basis von Christopher Isherwoods „Berlin Stories“ entstand ein einzigartiges Musical „Cabaret“. Im „Kabarett“ wir redenüber einen jungen amerikanischen Schriftsteller, der es Anfang der dreißiger Jahre nach Berlin verschlägt, wo er sich in eine Kabarettsängerin verliebt. Ihre Romanze erwies sich als ungewöhnlich und sehr hell. Doch als der Schriftsteller nach Paris ziehen will, weigert sich die Geliebte, ihm zu folgen. Mit fortschreitender Handlung füllt sich das Kabarett mit Menschen, die Hakenkreuze auf den Ärmeln tragen. Die Musik wurde von John Kander und Fred Ebb komponiert. Cabaret wurde erstmals 1966 am Broadway gezeigt. Später wurde das legendärer Film mit Liza Minnelli.

Im Film „My Fair Lady“ singt anstelle von Audrey Hepburn professioneller Sänger Marni Nixon.

Das umstrittene und berühmte Musical „Jesus Christ Superstar“ wurde von Andrew Lloyd Weber und Tim Rye geschaffen. Ursprünglich wollten sie mit modernen, aber gleichzeitig recht traditionellen musikalischen Mitteln kreieren. Aber es stellte sich heraus, dass es Rock war, bei dem dramatische Elemente völlig fehlen und die gesamte Handlung auf Rezitativen und Gesang basiert. In den Texten von Arien wird es häufig verwendet moderne Sprache, und die Arien selbst sind als Werke berühmter Rockbands stilisiert. Das Musical handelt von letztes Leben Jesus. Tatsächlich ist die Hauptfigur des Musicals ein enttäuschter Judas Iskariot. Das Musical wurde 1971 am Broadway uraufgeführt.

Über die interessantesten und schönsten Vertreter einer solchen Musik- und Theaterbühnengattung wie des Musicals verraten wir Ihnen in dieser Top 10 der besten Musicals.

10 Klänge der Musik

Die Musik für dieses Musical wurde von Richard Rodgers und Oscar Hammerstein II geschrieben, das Libretto von Howard Lindsey und Russell Crouse. Das Musical erzählt die Geschichte eines jungen Mädchens namens Maria. Sie ist eine Waise, die Nonne werden wird. Andere glauben jedoch, dass diese Rolle nicht ganz für sie geeignet ist. Deshalb geht Maria zu einer Familie mit sieben Kindern und ihrem Vater. Dort wird das Mädchen das Gefühl der Liebe erfahren.

9Mamma Mia!

Dieses Musical mit Libretto entstand auf Basis von mehr als zwei Dutzend Liedern von ABBA. Ein junges Mädchen, Sophie, bereitet sich auf ihre Hochzeit mit Sky vor. Sie möchte, dass ihr Vater sie, die Braut, zum Altar führt. Das Problem ist jedoch, dass Sophie ihren Vater nie gesehen hat und ihre Mutter Donna nichts über ihn erzählt hat. Sophie findet zufällig das Tagebuch ihrer Mutter und erfährt die Namen der drei Personen, mit denen Donna in dem Jahr, in dem Sophie geboren wurde, eine romantische Beziehung hatte. Das Mädchen lädt die drei Männer zur Hochzeit ein, indem sie ihnen in Donnas Namen schreibt.

8 Meine schöne Dame

Dieses Musical entstand Frederick Low basierend auf Bernard Shaws Komödie Pygmalion. Henry Higgins ist ein berühmter Professor und Junggeselle, der mit seinem Lebensstil zufrieden ist. Eines Tages argumentiert er mit einem Freund, dass er in sechs Monaten aus einem Straßenblumenverkäufer eine Dame machen könne, die in der „High Society“ auftreten könne. Doch Henry ahnt nicht, dass neben der bevorstehenden Liebe auch Veränderungen auf ihn warten.

7 Moulin Rouge!

Dieses Musical wurde 2001 veröffentlicht. Satine ist eine berühmte Schauspielerin und Kurtisane im Kabarett Moulin Rouge. Sie muss den Herzog verführen und Geld für eine Theaterproduktion bekommen. Doch ein armer Dichter namens Christian verliebt sich in das Mädchen. Satin erwidert seine Gefühle. Der Herzog erfährt davon und die Handlung säumt eine Dreiecksbeziehung.

6 Ausgestoßene

Die Komponisten der Musik für dieses Musical sind Claude-Michel Schönberg und Alain Boublil. Das englische Libretto stammt von Herbert Kretzmer. Diese Arbeit Basierend auf dem Roman „Les Misérables“ von Victor Hugo. Das Musical Les Misérables spielt im Frankreich des 19. Jahrhunderts. Jean Valjean ist ein ehemaliger Sträfling. Er ist ein Flüchtling vor der Justiz und vor Polizeiinspektor Javert. Eines Tages willigt Jean ein, sich um Cosette zu kümmern, deren Mutter, eine Fabrikarbeiterin Fantine, gestorben ist. Er ahnt nicht, dass diese Entscheidung ihr Leben unwiderruflich verändern wird.

5 Katzen

Das Musical „Cats“ wurde von Andrew Lloyd Webber nach dem Kinderbuch „Popular Cat Science by an Old Possum“ von Thomas Stearns Eliot kreiert. Im Zentrum der Erzählung des Musicals steht ein besonderer Katzenball. Ein Katzenstamm versammelt sich auf einer riesigen Mülldeponie, um einen Tanz unter dem Mond aufzuführen und herauszufinden, wer nach dem Tod in den Katzenhimmel kommen und ein neues Leben bekommen kann.

4 Romeo und Julia. Vom Hass zur Liebe

Text und Musik für dieses Musical stammen von Gerard Presgurvik. Dieses Werk erzählt die Geschichte des klassischen Theaterstücks „Romeo und Julia“ von William Shakespeare. In diesem Musical geht es um zwei Familien, die sich gegenseitig hassen, und um die Kinder dieser Familien, die ein Gefühl der Liebe verbindet.

3 Notre Dame de Paris

Manchmal wird dieses Musical auch „Die Kathedrale“ genannt Notre Dame von Paris". Es entstand nach dem Roman „Kathedrale Notre Dame“ von Victor Hugo. Die Hauptfigur des Musicals ist die schöne junge Zigeunerin Esmeralda. Der Priester Claude Frollo, der bucklige Glöckner Quasimodo und Phoebe de Chateauper, die mit einem anderen Mädchen verlobt ist, verlieben sich in sie. Auch der Dichter Pierre Gringoire empfindet Mitleid mit dem Mädchen. Die komplizierte romantische Zeile am Ende wendet sich für viele Charaktere dieses Musical tötlich.

2 Letzter Test

Die Musik für dieses Musical wurde von Anton Kruglov geschrieben und die Texte wurden von Elena Khanpira geschrieben. „The Final Trial“ basiert auf den Büchern „The Saga of the Spear“ von Laura und Tracey Hickman und Margaret Weiss. Der dunkle Magier Raistlin will die Göttin der Dunkelheit – Takhisis – besiegen und so Macht und Autorität erlangen. Dazu nimmt er die Priesterin des Lichtgottes – Crysania – mit. Raistlin und Crysania sind ineinander verliebt, aber Raistlins endgültige Entscheidung, seine letzte Prüfung, liegt vor ihm. Und der Preis für den Fehler eines Zauberers wird für ihn unglaublich hoch sein. Es gibt ein alternatives Ende des Musicals.

1 Phantom der Oper

Die Musik für dieses Musical wurde von Andrew Lloyd Webber geschrieben und das Libretto stammt von Charles Hart und Richard Stilgoe. Dieses Musical basiert auf dem Roman „Das Phantom der Oper“ von Gaston Leroux. Die Opernsängerin Christine Daae ist in Viscount Raoul de Chagny verliebt. Doch ihrer Beziehung stehen Schwierigkeiten und Gefahren im Weg, denn das geheimnisvolle Phantom der Oper liebt das Mädchen.

Eine Vielzahl von Musicals kann einem Menschen eine Welt voller schöner Musik und interessanter Geschichten eröffnen.

1. „My Fairy Lady“ (My Fairy Lady) (1956)

Frederick Lowe (Musik) und Alan Jay Lerner (Libretto und Text) analysierten das dramatische Material von Bernard Shaws Stück „Pygmalion“ und beschlossen, ein Musical zu schreiben. Die Handlung des Musicals wiederholt weitgehend Shaws Stück, die Geschichte der Transformation Hauptfigur vom vulgären Blumenmädchen bis zur bezaubernden jungen Dame.

Professor für Phonetik Henry Higgins schließt mit seinem Sprachkollegen Colonel Pickering eine Wette ab, um aus einem Londoner Blumenmädchen namens Eliza Doolittle eine echte Dame zu machen. Eliza zieht in das Haus des Professors, das Lernen ist nicht einfach, aber am Ende macht sie Fortschritte. Beim Botschaftsball besteht Eliza die Prüfung mit Bravour. Das Ende des Musicals ist optimistisch – Eliza kehrt zu ihrem Lehrer Higgins zurück.

Das Musical wurde am 15. März 1956 uraufgeführt. Die Londoner Premiere fand im April 1958 statt. Die Rolle des Higgins wurde von Rex Harrison gespielt und Eliza wurde von Julie Andrews gespielt. Die Show erfreute sich sofort großer Beliebtheit, die Tickets waren sechs Monate im Voraus ausverkauft. Der überwältigende Erfolg des Musicals war für seine Macher jedoch eine völlige Überraschung.

Das Musical wurde 2.717 Mal am Broadway und 2.281 Mal in London aufgeführt, in elf Sprachen, darunter Hebräisch, übersetzt und in mehr als zwanzig Ländern erfolgreich aufgeführt. Das Musical erhielt 6 Tony Awards. Die ursprüngliche Broadway-Besetzung verzeichnete über fünf Millionen verkaufte Exemplare, und der gleichnamige Film von George Cukor kam 1964 in die Kinos. Warner Brothers zahlte die Rekordsumme von 5,5 Millionen US-Dollar für die Filmrechte an dem Musical. Die Rolle der Eliza ging an Audrey Hepburn und Rex Harrison wechselte erfolgreich von der Bühne auf die große Leinwand. Der Film wurde für einen Oscar nominiert und erhielt acht der zwölf Statuetten.

Das Musical „My Fair Lady“ erfreut sich noch immer großer Beliebtheit beim Publikum und dank Produzent Cameron Mackintosh und Regisseur Trevor Nunn ist die Show nun auch in London zu sehen.

2. „The Sound of Music“ (The Sound of Music) (1959)

1958 schlossen sich die amerikanischen Drehbuchautoren Howard Lindsay und Russell Cruz zusammen mit dem Produzenten Richard Halliday und seiner Frau, der Schauspielerin Mary Martin, zusammen, um an einem Theaterstück zu arbeiten, das auf dem deutschen Film „Die Familie von Trapp“ basierte. Der Film erzählt von einer österreichischen Familie, die vor der Verfolgung durch die Nazis gezwungen war, ihre Heimat zu verlassen und nach Amerika zu gehen. Die Geschichte wurde nicht erfunden – der Film basierte auf einem Buch von Maria von Trapp, einer direkten Teilnehmerin der beschriebenen Ereignisse.

Mary Martin war ein Musiktheaterstar, und obwohl es dieses Mal eine dramatische Aufführung war, konnte sie sich das Vergnügen, als Sängerin aufzutreten, nicht verkneifen. Zunächst für musikalische Gestaltung die Autoren beabsichtigten zu verwenden Volkslieder und religiöse Hymnen aus dem Repertoire der Familie von Trapp. Mary wollte jedoch ein speziell für sie geschriebenes Lied aufführen. Der Komponist Richard Rogers und der Librettist Oscar Hammerstein halfen Martin dabei. Sie komponierten völlig neue Musiknummern und machten das Stück zum Musical „The Sound of Music“.

16. November 1959 Premiere am Broadway. Regie führte David Jay Donahue. Die Hauptrolle spielte natürlich Mary Martin, die Rolle des Hauptmanns von Trapp – Theodor Bickel. Das in Mary Martin verliebte Publikum hatte Mühe, in das Musical einzusteigen, das ihm hervorragende Gagen einbrachte.

„The Sound of Music“ wurde 1443 Mal gespielt und gewann 8 Tony Awards, darunter „Bestes Musical“ und „Bestes Musical“. Originalalbum wurde mit einem Grammy ausgezeichnet. 1961 tourte das Musical durch die Vereinigten Staaten und im selben Jahr wurde die Show in London uraufgeführt, wo sie mehr als sechs Jahre lang lief und damit zum am längsten laufenden amerikanischen Musical in der Geschichte des West End wurde.

Im Juni 1960 erwarb 20th Century Fox die Filmrechte für 1,25 Millionen Dollar. Die Handlung des Films unterschied sich etwas von der im Stück erzählten Geschichte, aber gerade in dieser Version erlangte The Sound of Music weltweite Berühmtheit. Der Film hatte seine Weltpremiere am 2. März 1965 in New York. Der Film wurde in zehn Kategorien für den Oscar nominiert und gewann fünf davon.

Die Verfilmung war nicht die letzte Seite in der Geschichte des Musicals, sie erfreut sich immer noch großer Beliebtheit beim Publikum und wird auf der ganzen Welt aufgeführt. In den 1990er Jahren war die Show in Großbritannien, Südafrika, China, den Niederlanden, Schweden, Island, Finnland, Peru, Israel und Griechenland zu sehen.

3. „Cabaret“ (Kabarett) (1966)

Die literarische Grundlage dafür legendärer Auftritt Als Erzählzyklus dienten „Berlin Stories“ von Christopher Isherwood über Deutschland in den frühen 30er Jahren und das Theaterstück „I am a camera“ von John Van Druten. Das Musical erzählt von der Romanze eines jungen Mannes Amerikanischer Schriftsteller Cliff Bradshaw und Sängerin des Berliner Kabaretts „Kit-Kat Club“ Sally Bowles.

Im Berlin der 1930er Jahre gerät das Schicksal des jungen Engländers Brian Roberts, eines aufstrebenden Schriftstellers, der gezwungen war, durch Unterricht zusätzliches Geld zu verdienen, ins Wanken. Die Bekanntschaft mit der amerikanischen Kabarettsängerin Sally beschert Brian ein frisches, unvergessliches Erlebnis. Der Schriftsteller und die Sängerin verliebten sich ineinander, doch es ist ihnen bestimmt, die Trennung zu überleben. Sally weigert sich, mit ihrer Geliebten nach Paris zu gehen, Cliff verlässt damit Berlin gebrochenes Herz. Das Kabarett, der letzte Zufluchtsort des Freiheitsgeistes, ist voller Menschen mit Hakenkreuzen auf dem Ärmel ...

Die Uraufführung fand am 20. November 1966 statt. Die Produktion wurde vom berühmten Broadway-Regisseur Harold Prince geleitet, John Kantser schrieb die Musik, Songtexte – Fred Ebb, Libretto – Joe Masteroff. Zur Originalbesetzung gehörten Joel Gray (Entertainer), Jill Haworth (Sally), Bert Convy (Cliff) und andere.

Die Produktion überstand 1.165 Aufführungen und erhielt 8 Tony Awards, darunter in der Nominierung für das beste Musical. 1972 wurde Bob Fosseys Cabaret mit Joel Gray (Entertainer), Liza Minnelli (Sally) und Michael York (Bryan) veröffentlicht. Der Film erhielt acht Oscars.

1987 spielte Joel Gray erneut die Rolle des Entertainers bei der Wiederaufnahme der Serie. 1993 wurde in London und fünf Jahre später am Broadway eine völlig neue Produktion von „Cabaret“ unter der Regie von Regisseur Sam Mendes uraufgeführt. Auch diese Fassung des Stücks wurde mehrfach ausgezeichnet. Das Musical erlebte etwa 2.377 Aufführungen und 37 Vorpremieren und endete am 4. Januar 2004.

4. „Jesus Christus– Superstar“ (Jesus Christ Superstar) (1971)

„Jesus Christ“ wurde von Andrew Lloyd Webber (komponierte Musik) und Tim Rice (Libretto) nicht als traditionelles Musical, sondern als vollwertige Oper eines modernen Autors konzipiert musikalische Sprache, in Übereinstimmung mit allen Operntraditionen(Heldenarie, Chor, Heldinnenarie usw.). Im Gegensatz zu traditionellen Musicals gibt es in „Jesus Christ“ keine dramatischen Stücke – alles basiert auf Gesang und Rezitativen. Die Kombination von Rockmusik mit klassischen Motiven, die Verwendung moderner Vokabeln in den Texten, deren hohe Qualität, das sogenannte Durchsingen-Prinzip (die ganze Geschichte wird ausschließlich durch Lieder erzählt, ohne Verwendung unbesungener Dialoge) machten „Jesus „Christ Superstar“ ein echter Hit.

Das Musical „Jesus Christ Superstar“ erzählt die Geschichte der letzten sieben Tage im Leben von Jesus von Nazareth, gesehen durch die Augen seines Schülers Judas Iskariot, desillusioniert von dem, was aus den Lehren Christi geworden war. Die Handlung umfasst den Zeitraum vom Einzug Jesu in Jerusalem bis zu seiner Hinrichtung auf Golgatha.

Erstmals erklang die Oper 1970 in Form eines Albums, auf dem Ian Gillan, der Sänger der „Goldenen Komposition“, die Hauptrolle spielte. dunkellila Die Rolle des Judas wurde von Murray Head, Maria Magdalena und Yvonne Elliman gespielt. Auf der Broadway-Bühne wurde das Musical erstmals 1971 gezeigt. Einige Kritiker glauben, dass Jesus als der erste Hippie auf der Erde dargestellt wurde. Die Broadway-Produktion dauerte nur 18 Monate.

Eine Neuproduktion des Musicals entstand 1972 im Londoner Theater, die Rolle von Jesus wurde von Paul Nicholas und Judas von Stephen Tate gespielt. Diese Produktion war erfolgreicher, lief acht Jahre lang auf der Bühne und wurde zum am längsten laufenden Musical. Der amerikanische Regisseur Norman Jewison drehte 1973 einen Spielfilm, der auf dem Werk basiert. Der Film gewann 1974 einen Oscar für beste Musik. Neben großartiger Musik und Gesang ist der Film auch wegen seiner ungewöhnlichen Interpretation des Themas Christus interessant, das eine Alternative zum orthodoxen Christentum darstellt.

Eines der berühmtesten Musicals, auch Rockoper genannt, sorgte für große Kontroversen und wurde zum Kultwerk einer ganzen Hippie-Generation, ohne heute an Aktualität zu verlieren. „Jesus Christ Superstar“ wurde übersetzt in verschiedene Sprachen, wurde wiederholt aufgeführt und ist seit mehr als 30 Jahren auf den Bühnen Australiens, Neuseelands, Ungarns, Bulgariens, Frankreichs, Schwedens, Amerikas, Mexikos, Chiles, Panamas, Boliviens, Deutschlands, Japans und Großbritanniens aufgeführt.

5. „Chicago“ (Chicago) (1975)

Am 11. März 1924 veröffentlichte die Chicago Tribune in Chicago, Illinois, einen Artikel der Journalistin Maureen Dallas Watkins über eine bestimmte Varieté-Schauspielerin, die ihren Freund getötet hatte. Da Geschichten über Sexualkriminalität bei den Lesern besonders beliebt waren, erschien am 3. April 1924 ein weiterer Artikel von Watkins. Diesmal ging es darum Verheiratete Frau die ihren Geliebten erschossen hat. Der Hype, der diese und andere begleitete Kriminalgeschichten, hinterließ bei Maureen den stärksten Eindruck. Später verließ sie die Zeitung und studierte Schauspiel an der Yale University. Dort schrieb sie als pädagogische Aufgabe das Theaterstück „Chicago“.

Am 30. Dezember 1926 wurde Chicago am Broadway eröffnet. Das Stück hielt 182 Aufführungen stand, 1927 wurde der gleichnamige Film gedreht und 1942 kam der Film „Roxy Hart“ von William Velman mit Ginger Rogers in der Titelrolle in die Kinos.

Bob Fossey, der berühmte Choreograf und Broadway-Regisseur, kam an einer solchen Handlung nicht vorbei. Für die Umsetzung des Projekts engagierte Fossey den Komponisten John Kander und die Librettisten Fred Ebb und Bob Fossey. Die Partitur von „Chicago“ ist eine brillante Stilisierung amerikanischer Hits der späten 20er Jahre, auch von der Art und Weise, wie sie präsentiert wird Musikalisches Material und sein Thema „Chicago“ kommt dem Varieté sehr nahe.

Dies ist die Geschichte der Corps-de-Ballett-Tänzerin Roxie Hart, die ihren Geliebten kaltblütig ermordete. Im Gefängnis trifft Roxy auf Velma Kelly und andere Mörder. Roxy wird von der Gefängniswärterin, Oberin Mama Morton, und dem schlauen Anwalt Billy Flynn unterstützt. Das Gericht hält Roxy für unschuldig, doch das bereitet ihr keine Freude. In der letzten Szene des Musicals kündigt der Entertainer das Debüt des „Duos zweier funkelnder Sünder“ an, der Chicagoer Krimiköniginnen Velma Kelly und Roxie Hart. Sie gelangten ins Showbusiness.

Das Musical wurde am 3. Juni 1975 im 46th Street Theatre mit Gwen Verdon als Roxy, Chita Rivera als Velma und Jerry Orbach als Billy uraufgeführt. Chicago wurde erst 1979 im West End eröffnet. Diese Produktion hatte nichts mit der Leistung von Bob Fossey zu tun. Nach 898 Vorstellungen am Broadway und 600 Vorstellungen im West End wurde die Show abgesetzt. 1996 wurde die Show unter der Leitung von Walter Bobby und der Choreografin Ann Rinking wiederbelebt. Die vier Aufführungen im City Centre stießen auf so große Begeisterung, dass die Produzenten der Show beschlossen, sie an den Broadway zu verlegen. Zur Besetzung gehörten Ringing selbst als Roxy, Bebe Neuwirth als Velma, James Naughton als Billy Flynn und Joel Gray als Amos. „Chicago“ wurde mit sechs Tony Awards sowie einem Grammy Award für das beste Album ausgezeichnet.

1997 wurde das Musical im Londoner Adelphi Theatre uraufgeführt. „Chicago“ aus London wurde mit dem Laurence Olivier Award als „Bestes Musical“ ausgezeichnet, und Ute Lemper – als „ Beste Schauspielerin Musical". Die Aufführung in aktualisierter Form wurde in Kanada, Australien, Singapur, Hongkong, Holland, Argentinien, Deutschland, Schweden, Mexiko, Japan, der Schweiz, Österreich, Portugal und Russland gezeigt.

Ende 2002 veröffentlichte das Filmstudio Miramax eine Verfilmung des Musicals mit Catherine Zeta-Jones (Velma), Renee Zellweger (Roxy) und Richard Gere (Billy Flynn), Regie und Choreographie führte Rob Marshall. Der Film „Chicago“ wurde vom Publikum begeistert aufgenommen und mit dem „Golden Globe“ in der Kategorie „Bestes Musical oder beste Komödie“ ausgezeichnet. Darüber hinaus wurde der Film in zwölf Nominierungen für den Oscar nominiert, von denen er sechs gewann.

6. „Evita“ (Evita) (1978)

Im Oktober 1973 fuhr Tim Rice Auto und hörte zufällig das Ende einer Radiosendung. In der Sendung ging es um Evita Peron, die Frau des argentinischen Diktators Juan Peron, und diese Geschichte interessierte den Dichter. Tim Rice war der Meinung, dass Evas Lebensgeschichte durchaus Gegenstand eines neuen Musicals sein könnte. Sein Co-Autor Lloyd Webber war von der Idee nicht begeistert, stimmte aber nach einiger Überlegung zu.

Rice studierte die Biografie der Hauptfigur seines zukünftigen Musicals eingehend, spazierte durch Londoner Bibliotheken und reiste nach Argentinien, wo er den größten Teil der Handlung schrieb. „Evita“ vereint verschiedene Musikstile, die Partitur enthält lateinamerikanische Motive. Tim Rice führt einen Erzähler, einen gewissen Che (dessen Prototyp Ernesto Che Guevara ist), in das Musical ein.

Im Sommer 1976 wurden den Gästen des ersten Sidmonton Festivals die ersten Demoaufnahmen eines neuen Musicals von Andrew Lloyd Webber und Tim Rice präsentiert. Bald begann das Studio „Olympic“ mit der Aufnahme des Albums. Die Rolle der Evita wurde von der Schauspielerin Julie Covington gespielt, der junge Sänger Colm Wilkinson wurde zu Che und Peron wurde von Paul Jones gespielt. Album hatte wilder Erfolg. Bereits drei Monate nach der Veröffentlichung wurden 500.000 Exemplare verkauft, und selbst in Argentinien, wo die CD verboten war, hielt es jede Familie mit etwas Selbstachtung für notwendig, sie zu kaufen.

Starregisseur Hal Prince begann mit der Arbeit an der Produktion. Elaine Page wurde die neue Evita und der berühmte Rocksänger David Essex wurde eingeladen, die Rolle des Che zu spielen. Evita wurde am 21. Juni 1978 uraufgeführt. Das Stück war ein großer Erfolg und erhielt den Preis der West End Theatre Society als „Bestes Musical des Jahres 1978“, Elaine Page erhielt den Preis als beste Hauptdarstellerin in einem Musical. Die CD der ursprünglichen Londoner Besetzung von Evita wurde in den ersten Wochen nach dem Verkaufsstart mit Gold ausgezeichnet.

Am 8. Mai 1979 wurde Evita in Los Angeles eröffnet. Vier Monate nach der amerikanischen Erstaufführung, am 21. September 1979, trat dieselbe Besetzung erstmals am Broadway auf. „Evita“ eroberte die Herzen des Publikums und erhielt 7 Tony Awards.

Nach dem Erfolg am Broadway wurde das Musical in zahlreichen Ländern aufgeführt: Australien, Spanien, Mexiko, Österreich, Japan, Israel, Korea, Südafrika, Ungarn. Die Dreharbeiten begannen zwanzig Jahre nach Evitas Geburt. Die Regie wurde Alan Parker anvertraut, Madonna spielte Eva Peron, der spanische Filmstar Antonio Banderas wurde eingeladen, die Rolle des Che zu spielen, Peron - Britischer Schauspieler Jonathan Price. Speziell für den Film geschrieben neues Lied- „Du musst mich lieben“, was seinen Autoren den „Oscar“ einbrachte.

7. „Les Misérables“ (Les Miserables) (1980)

Der Roman „Les Miserables“ von Victor Hugo erfuhr seine zweite Geburt in einem Musical des Komponisten Claude-Michel Schönberg und des Librettisten Alain Boublil. Die Arbeit an dem Musical dauerte zwei Jahre und schließlich wurde eine zweistündige Skizze des zukünftigen Musicals aufgenommen. Mit Hilfe des Librettisten Jean-Marc Nathel wurde aus dieser Skizze ein Konzeptalbum, das 1980 erschien und 260.000 Mal verkauft wurde. Das Markenzeichen des Musicals war ein Kupferstich mit der Darstellung einer kleinen Cosette.

Die Bühnenfassung wurde den Parisern am 17. September 1980 im Palais des Sports präsentiert. Die Aufführung wurde von über einer halben Million Menschen besucht. Maurice Barrier spielte die Rolle von Jean Valjean, Jacques Mercier – Javert, Rose Laurence – Fantine, Marie – Eponina, Fabienne Guyon – Cosette.

1982 machte der junge Regisseur Peter Ferago, dem das Konzeptalbum Les Misérables sehr gefiel, den britischen Produzenten Cameron Mackintosh darauf aufmerksam. McIntosh machte aus dem Projekt eine Show der Extraklasse. über die Schöpfung neue Version Das Musical „Les Misérables“ hatte ein starkes Team: Regisseure waren Trevor Nunn und John Kead, den englischen Text komponierte Herbert Kretzmer in enger Zusammenarbeit mit den Machern des Musicals selbst. Die Aufführung wurde im Barbican Theatre unter der Schirmherrschaft der Royal Shakespeare Company aufgeführt. Die Uraufführung der Neufassung des Musicals fand am 8. Oktober 1985 statt. Die „langlebigste“ Produktion des Musicals „Les Misérables“ ist stolz auf das Palace Theatre in London. Insgesamt wurde die Aufführung in diesem Theater mehr als sechstausend Mal aufgeführt.

1987 überquerten Les Misérables den Atlantik, ließen sich am Broadway nieder und begannen damit ihren Siegeszug um die Welt. Obwohl das Musical bereits über zwanzig Jahre alt ist, verlässt es die Bühne nicht und erfreut sich weiterhin großer Beliebtheit auf der ganzen Welt. Les Misérables wurde in viele Sprachen übersetzt: Japanisch, Hebräisch, Ungarisch, Isländisch, Norwegisch, Deutsch, Polnisch, Schwedisch, Niederländisch, Dänisch, Tschechisch, Spanisch, Mauretanien, Kreolisch, Flämisch, Finnisch, Portugiesisch. Insgesamt wurde das Musical „Les Misérables“ von Bewohnern von zweihundert Städten in zweiunddreißig Ländern der Welt gesehen. Die Schöpfung von Alan Boublil und Claude-Michel Schonberg wurde von mehr als 20 Millionen Zuschauern auf der ganzen Welt verfolgt.

8. „Cats“ (Katzen) (1981)

Grundlage für „Cats“ war ein Zyklus von Kindergedichten von T.S. Eliots Old Possum's Book of Practical Cats, veröffentlicht 1939 in England. Dies ist eine Sammlung ironischer Skizzen von Katzencharakteren und -gewohnheiten, hinter denen sich leicht verschiedene Menschentypen erraten lassen.

Andrew Lloyd Webber begann Anfang der 70er Jahre, Lieder zu schreiben, die auf Eliots Gedichten basierten. Bis 1980 hatte der Komponist genügend musikalisches Material gesammelt, das beschlossen wurde, in einem Musical verarbeitet zu werden. Die Katzenausstellung war ein Erfolg: Die Briten sind für ihre Liebe zu diesen Tieren bekannt. Das musikalische Team bestand aus talentierte Menschen– produziert von Cameron Mackintosh, Regie Trevor Nunn, Bühnenbildner John Napier und choreografiert von Gillian Lynn.

Bei der Bühnenaufführung von Webbers Liedern war das Hauptproblem der Macher des Musicals das Fehlen einer Handlung. Glücklicherweise verfügten die Autoren dank der Witwe von T. S. Eliot, Valerie, über Briefe und Entwürfe des Dichters, aus denen sie nach und nach Ideen für die Handlung des Stücks herausfischten.

An die Darsteller des Musicals wurden besondere Anforderungen gestellt – sie mussten nicht nur gut singen und über eine perfekte Diktion verfügen, sondern auch äußerst plastisch sein. In Großbritannien war es nicht einfach, eine Truppe von 20 Personen zu rekrutieren, daher gehörten zu den Darstellern der Premiere des Royal Ballet Wayne Sleep, der Popsänger Paul Nicholas, die Schauspielerin Elaine Paige und eine junge Sängerin und Tänzerin Sarah Brightman.

Im „Cats“-Theater des Designers John Napier gibt es keinen Vorhang, Saal und Bühne sind ein einziger Raum und die Handlung findet nicht frontal, sondern in der gesamten Tiefe statt. Die Bühne ist als Mülldeponie konzipiert und ein Berg malerischen Mülls, die Kulisse ist mit hochentwickelter Elektronik ausgestattet. Die Schauspieler verwandeln sich in anmutige Katzen mit mehrschichtigem Make-up, handbemalten Trikots, Perücken aus Yakhaar, Pelzkragen, Schwänzen und glitzernden Kragen.

Das Musical wurde am 11. Mai 1981 in London uraufgeführt und ein Jahr später am Broadway uraufgeführt. Bis zu ihrem Ende am 11. Mai 2002 fand die Aufführung in London mit großem Erfolg statt und erhielt den Titel der am längsten laufenden Theaterproduktion der Geschichte. Englisches Theater(über 6.400 Vorstellungen). Das Musical „Cats“ brach in den USA alle erdenklichen Rekorde. Im Jahr 1997 wurde das Musical nach 6.138 Aufführungen als das Broadway-Musical mit der längsten Geschichte anerkannt. Über 8 Millionen Menschen haben die Londoner Produktion in 21 Jahren gesehen und ihre Macher haben 136 Millionen Pfund verdient.

Während seines Bestehens wurde das Musical mehr als vierzig Mal aufgeführt, es wurde von mehr als 50 Millionen Zuschauern in dreißig Ländern besucht, in 14 Sprachen übersetzt und die Gesamtsumme der Gagen belief sich auf momentanüber 2,2 Milliarden US-Dollar. Zu den Auszeichnungen von Cats zählen der Laurence Olivier Award und der Evening Standard Award für das beste Musical, sieben Tony Awards und der französische Molière Award. Aufnahmen sowohl der Londoner als auch der Broadway-Originalbesetzung wurden mit Grammys ausgezeichnet.

9. „Das Phantom der Oper“ ( Das Phantom der Oper (1986)

Die Geburtsstunde des Musicals begann im Jahr 1984, als Britischer Komponist Andrew Lloyd Webber heiratete die junge Schauspielerin und Sängerin Sarah Brightman. Basierend auf der Stimme von Sarah komponierte Lloyd Webber „Requiem“, aber er wollte das Talent seiner Frau in einem größeren Werk unter Beweis stellen. Auf dieser Grundlage entstand das Musical „Das Phantom der Oper“. gleichnamiger Roman Französischer Schriftsteller Gaston Leroux. Es ist düster und romantische Geschichteüber ein übernatürliches Wesen, das in einem Kerker unter der Pariser Oper lebte.

Sarah Brightman spielte die Rolle der Hauptfigur – Christina Daae. Den männlichen Hauptpart übernahm Michael Crawford. Die Rolle von Christinas Liebhaber Raul wurde in der Premierenbesetzung von Steve Barton gespielt. Das Libretto stammt von Richard Stilgoe und Andrew Lloyd-Webber, die Texte stammen von Charles Hart. Die Theaterkünstlerin Maria Bjornson entwarf die berühmte Phantommaske und bestand darauf, dass der berüchtigte fallende Kronleuchter auf das Publikum und nicht auf die Bühne herabgelassen wurde.

Das Musical wurde am 9. Oktober 1986 im Her Majesty's Theatre im Beisein von Mitgliedern der königlichen Familie uraufgeführt. Die erste Broadway-Produktion von „The Phantom“ wurde im Januar 1988 im New Yorker Majestic Theater uraufgeführt. Mit 10,3 Millionen Zuschauern wurde es nach Cats das am zweitlängsten laufende Stück in der Broadway-Geschichte.

Mehr als 65.000 Aufführungen von „The Phantom“ wurden in 18 Ländern aufgeführt, darunter Japan, Österreich, Kanada, Schweden, Deutschland und Australien. Produktionen von „Das Phantom der Oper“ wurden mit mehr als 50 prestigeträchtigen Preisen ausgezeichnet, darunter drei Laurence Olivier Awards und sieben Tony Awards, sieben Drama Desk Awards und der Evening Standard Award. „Das Phantom der Oper“ gewann die Sympathien von mehr als 58 Millionen Zuschauern aus aller Welt. Fast 11 Millionen Menschen haben es allein in New York bereits gesehen, weltweit sind es über 80 Millionen. Die Einnahmen aus dem Ticketverkauf für das Phantom der Oper überstiegen 3,2 Milliarden US-Dollar.

10. „Mamma Mia“ (Mamma Mia) (1999)

Die Idee, ein originelles Musical basierend auf ABBA-Songs zu schaffen, stammt von Produzentin Judy Kramer. Grundlage des Musicals sind 22 Lieder der Gruppe. Da im Original alle Lieder von Frauen gesungen wurden, z Startpunkt Es wurde eine Geschichte über eine Mutter und eine Tochter über zwei Generationen erzählt. Es galt, eine Geschichte zu erfinden, die den berühmten Hits des schwedischen Quartetts würdig ist. Die Schriftstellerin Katherine Johnson kam zu Hilfe und schrieb eine Geschichte über eine Familie, die auf den griechischen Inseln lebt. Geschichte ist für den Betrachter nicht weniger interessant als Lieder. Katherine konnte die Songs logischerweise zu einer Single zusammenfügen Handlung Die Lieder sind in Dialoge unterteilt und mit neuen Intonationen gefärbt. Die Musik wurde von Benny Anderson und Björn Ulvaeus geschrieben und von Phyllida Lloyd inszeniert.

„Mama Mia“ ist eine moderne, ironische, romantische Komödie, in der zwei Hauptstränge auftauchen: eine Liebesgeschichte und eine Beziehung zwischen zwei Generationen. Die Handlung der Aufführung ist eine Verflechtung komödiantischer Situationen, die durch die fröhliche Musik von ABBA, originelle Kostüme und witzige Dialoge der Charaktere unterstrichen werden. Die Essenz des Projekts kommt im charakteristischen Logo „Mama Mia“ zum Ausdruck – dem Bild einer glücklichen Braut. Dieses Bild ist zu einer international anerkannten Marke geworden.

Ein junges Mädchen, Sophie, steht kurz vor der Hochzeit. Sie möchte ihren Vater zur Hochzeit einladen, um sie vor den Traualtar zu führen. Aber sie weiß nicht, wer er ist, da ihre Mutter Donna nie über ihn gesprochen hat. Sophie findet das Tagebuch ihrer Mutter, in dem sie Beziehungen zu drei Männern beschreibt. Sofia beschließt, allen dreien Einladungen zu schicken. Die interessantesten Dinge passieren, wenn Gäste zur Hochzeit eintreffen ... Mama heiratet gleichzeitig mit ihrer Tochter.

Der erste Test des Musicals „Mama Mia“ fand am 23. März 1999 statt, als die Vorpremiere in London gezeigt wurde. Dann ließe sich die Reaktion des Publikums mit einem Wort beschreiben: Freude: Die Leute im Saal saßen keine Minute auf ihren Plätzen – sie tanzten in den Gängen, sangen mit und klatschten. Die Uraufführung fand am 6. April 1999 statt.

Nach der Londoner Produktion wird das Musical „Mama Mia“ parallel an 11 verschiedenen Orten auf der ganzen Welt aufgeführt. 11 weltweite Produktionen bringen mehr als 8 Millionen US-Dollar pro Woche ein. Mehr als 27 Millionen - gesamt Zuschauer auf der ganzen Welt, die das Musical „Mama Mia“ besuchten. Weltweit besuchen täglich mehr als 20.000 Menschen das Musical „Mama Mia“.

Weltweiter Kinoeinnahmen von 1,6 Milliarden US-Dollar durch Mama Mia.

Das Musical wurde acht Jahre lang in mehr als 130 Kinos aufgeführt Großstädte. Das Album mit der ersten Produktion von „Mama Mia“ wurde in den USA, Australien und Korea mit „Platin“ ausgezeichnet; Doppelplatin in Großbritannien und Gold in Deutschland, Schweden und Neuseeland.

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2. Der Ursprung des Musicals. Ursprünge………………………………………….. 3
- Ministerschau
- Spiri?chuels
- Jazz
3 . Musikalische Genres………………………………………..... 6
4. Entwicklung des Musicals. Bemerkenswerte Komponisten und Auftritte…………. 6
- Musikstil (Einfluss von Jazz, Ragtime, Hippie-Ideen)
- Bestandteile des Musicals

Definition von „musikalisch“

Was ist Musical?
Die Musikalische Enzyklopädie antwortet so: „Ein musikalisches Bühnengenre, das die Ausdrucksmittel der Musik nutzt, dramatisch, choreografisch und…“ Opernkunst. Ihre Kombination und Wechselbeziehung verliehen dem Musical eine besondere Dynamik, ein charakteristisches Merkmal vieler Musicals war die Lösung schwerwiegender dramaturgischer Probleme mit einfachen künstlerischen Mitteln.
Musical- ein Musical, oder, wie man oft schreibt und sagt, ein Musical - eine Kurzform der Begriffe Musikalische Komödie (Musikkomödie) und Musikstück (Musikstück, Musikalische Performance) - Es handelt sich um ein Bühnenwerk, in dem Lieder und Dialoge, Musik und Tänze vermischt werden. Das Musical ist eines der angesagtesten Genres des modernen Musiktheaters. Manche halten es nur für eine amerikanische Variante der Operette. Darin liegt kein großer Fehler. Kunstgattungen neigen dazu, sich zu entwickeln, und die Operette hat ihre nationalen und Genrespezifität mehr als einmal verändert. Die sentimentalen und melodramatischen Operetten von I. Kalman und F. Lehar unterschieden sich so sehr von der Wiener Operette des späten 19. Jahrhunderts, und die Musikkomödien sowjetischer Autoren unterschieden sich so sehr von westlichen Produktionen, dass sie manchmal auch Anlass gaben, über sie zu sprechen neues Genre. Die Worte „Das ist keine Operette“ waren vielen Operettenautoren des 20. Jahrhunderts wohlbekannt. Aber es ist im amerikanischen Musiktheater Es gab jenen qualitativen Sprung, der es vielen erlaubt, das Musical als eigenständiges Bühnengenre zu betrachten, obwohl es in enger Beziehung und Kontinuität zur Operette steht.
Die Ursprünge dieses Genres sind Operette, Komische Oper, Varieté, Burleske. Handlungsstränge für Musicals sind oft bekannten literarischen Werken entnommen, aus Weltdramen wie „My Fair Lady“ von Bernard Shaw, „Kiss Me, Kate!“ von Shakespeare, „Der Mann aus La Mancha“ von Cervantes, „Oliver!“ und „Open House Night“ von Dickens. Musicals gehören zu den kommerziellsten Theaterkünsten. Das liegt an ihrer Unterhaltung und den teuren Spezialeffekten.Geschichten.

Der Ursprung des Musicals. Ursprünge
Die Kunst, Geschichten durch Lieder zu erzählen, reicht bis in die Antike zurück. Die alten Griechen schlossen Musik und Tanz in ihr Leben ein Theateraufführungen bereits im 5. Jahrhundert v. Chr. Einige von ihnen schrieben für jedes Musical spezielle Lieder, andere verwendeten bestehende. Diese Stücke kombinierten Humor, politische und soziale Satire und alles andere, was die Massen unterhalten konnte. Mit Hilfe von Liedern war es möglich, Aktionen zu kommentieren und über das Geschehen zu sprechen. Die Römer kopierten fast alle Formen und Traditionen des griechischen Theaters, nahmen aber auch einige Änderungen vor. Insbesondere begannen sie, Schuhe mit Metall zu polstern, um die Bewegungen der Tänzer besser hören zu können, was die Bedeutung von Spezialeffekten betonte.
Der Geburtsort des Musicals sind zu Recht die Vereinigten Staaten von Amerika. Der amerikanische Weg der Entwicklung, sei es im politischen oder kulturellen Bereich, gilt als etwas Besonderes. Historiker nennen es „Amerikanischer Weg“. Aufgrund der großen Zahl von Einwanderern und Puritanern konnte sich die Theaterkunst in Amerika nicht in der gleichen Weise entwickeln wie die europäische.
Die Puritaner, die nicht nur für die Reinheit des Glaubens, sondern auch für die Reinheit des Lebens kämpften, drängten den Menschen die Meinung auf, dass das Theater ein niedriges, heuchlerisches Genre sei. Sie waren sich sicher, dass ein Mensch nur durch Askese und Intellekt spirituelle Entwicklung erreichen kann – weder das eine noch das andere, so die Puritaner, gab es im Theater. Trotz solch harter und unerträglicher Unterdrückung verschwand das amerikanische Theater nicht, aber einige seiner Genres kamen nie ans Licht. Bis zum 19. Jahrhundert war das Theater in Amerika verboten, gegenkulturelle, also grobe, vereinfachte Formen davon blühten auf. Die Schauspieler waren größtenteils Einwanderer aus Europa oder „schwarze Amerikaner“, sie fügten den Theateraufführungen ihre Folk-Folk hinzu. So kam es in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu einer Formierung. Die Aufführungen im amerikanischen Theater waren überwiegend unterhaltsam. Zuerst erscheint etwas, und dann denkt eine Person darüber nach, wie man es benennen soll. So werden diese Aufführungen benannt. „Minister-Show“(Der Begriff selbst erschien 1837) – der Name selbst spricht von der Ironie seiner Schöpfer. Und das, obwohl die Tradition, sich als Schwarze zu verkleiden, schon damals bei den Heimauftritten weißer Siedler in Amerika eine Rolle spielte spätes XVII Jahrhundert, als integrale Form der Unterhaltungskunst, entwickelten sich Minstrel-Shows in den späten 1820er Jahren. in den USA. Den Anstoß für die Popularität der Minstrel-Show gaben Auftritte Thomas Dartmouth Reis, insbesondere seine Anzahl "Jim Crow"- Musikkomposition und Tanz imitieren den Negerstil. Die Popularität dieser Nummer war so groß, dass Rice das Pseudonym „Jim Crow“ annahm und durch Amerika und Europa tourte. In den 1830er Jahren trat er in seine Fußstapfen. Ähnliche Instrumental-Gesangs-Ensembles und Solokünstler traten auf. Mitte der 1840er Jahre. Minstrel-Shows, auch „äthiopische“ Shows genannt (die neben Musik und Tanz auch kleine Comedy-Sketche mit Dialogen, Sketche usw. beinhalteten), haben sich in den USA, insbesondere in den nördlichen Bundesstaaten, zu einer der beliebtesten Unterhaltungsformen entwickelt . Die Minnesänger parodierten das Leben und die Manieren der Neger und stellten sie oft auf die hässlichste Weise als faule, dumme und prahlerische Sklaven dar. Der Humor der Show war durch die Verwendung von Wortspielen unverblümt. Oftmals gab es im Auftrag eines Bauernsklaven eine Satire auf die aktuelle Politik. Unter den Minnesängern gab es praktisch keine Schwarzen, erst ab Mitte der 1850er Jahre. die ersten vollständig schwarzen Minnesängertruppen tauchten auf. Paradoxerweise schminkten sie auch ihr Gesicht, sodass es wie eine Theatermaske aussah. Neger-Minstrel-Shows lockten auch ein Publikum an, das die Auftritte echter Schwarzer sehen wollte. Der ursprünglich rassistische Charakter der Minstrel-Show behinderte jedoch ihre Entwicklung unter schwarzen Künstlern (insbesondere im Süden).
Angesichts der immer stärker werdenden abolitionistischen Tendenzen in der nordamerikanischen Gesellschaft wurden Minstrel-Shows in diesem Licht als Kanal für die Ideen der Sklaverei gesehen. Gleichzeitig wurden Minstrel-Shows in vielen Bundesstaaten des Südens nach und nach verboten, da sie dort mit der Unterhaltung der Nordländer in Verbindung gebracht wurden. Während des Bürgerkriegs begann der Niedergang der Minstrel-Show-Branche: Zu dieser Zeit erfreuten sich ähnliche Genres wachsender Beliebtheit. Varietés, Varieté und Musikkomödien. Touren kleiner Minnesängertruppen verlagerten sich weiter in die Peripherie. Gleichzeitig wurde in New York das Minstrel-Genre in riesige, reich dekorierte Shows unter Beteiligung ausländischer Akrobaten und anderer Zirkuselemente umgewandelt; Bald war schwarzes Make-up bei solchen Auftritten nicht mehr obligatorisch. In den 1870er Jahren V Musikabteilung Menstrel Show führte spirituelle Negerlieder ein, Spirituals. In diesem Fall wurden die Lieder nicht nachgeahmt, sondern direkt von umherziehenden schwarzen Musikern entlehnt.Die Quelle der Negro Spirituals sind spirituelle Hymnen, die von weißen Siedlern nach Amerika gebracht wurden. Das Thema der Spirituals waren biblische alttestamentliche Geschichten, die an die spezifischen Bedingungen des Alltags und Lebens der Schwarzen angepasst und einer folkloristischen Verarbeitung unterzogen wurden. Sie verbinden die charakteristischen Elemente afrikanischer Aufführungstraditionen (kollektive Improvisation, charakteristischer Rhythmus mit ausgeprägter Polyrhythmik (Polyrhythmus), Glissandklänge, untemperierte Akkorde, besondere Emotionalität) mit den Stilmerkmalen amerikanischer puritanischer Hymnen, die auf anglo-keltischer Basis entstanden sind. Spirituals haben eine Frage-Antwort-(Verantwortungs-)Struktur, die im Dialog des Predigers mit den Gemeindemitgliedern zum Ausdruck kommt.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte das Genre der Minnesängershows ihre Nützlichkeit völlig verloren und existierte nur noch in den ländlichen Gebieten der Südstaaten. Bis 1919 gab es nur noch drei bedeutende Minnesängertruppen. Eine solche Faszination für die Kultur der „Schwarzen“ konnte, wenn auch zunächst scherzhaft, nur Konsequenzen haben. Seine bemerkenswerteste Folge war die Geburt – Jazz. Jazz wurde auf der Bühne aktiv für die Inszenierung von Burlesque-Aufführungen und Aufführungen im Geiste des Farce-Vaudevilles eingesetzt. Diese Produktionen wurden bereits unter Beteiligung von Schauspielern und Musikern aufgeführt. Jazz erfreute sich so großer Beliebtheit, dass es zu Beginn des Zweiten Weltkriegs schwierig war, in ganz Amerika eine Unterhaltungsshow zu finden, die keine Jazzelemente enthielt. Aus der primitiven Negermusik entwickelte sich Jazz zu Musik, die von der Philosophie des amerikanischen Lebens erzählt, und infolgedessen veränderte sich auch das dramatische Genre der Aufführungen. Der Jazz vereinte alle bis dahin so unterschiedlichen Genres – so entstand das Musical.
In den Produktionen des Musicals werden verschiedene Spezialeffekte aktiv eingesetzt, es entstehen einzigartige Tricks, die den Zuschauer atemberaubend machen!

Musikbezogene Genres
Wie immer wieder gesagt wurde, war der Jazz ein großer Impuls für die Entwicklung der Musikkultur, daher werden Jazzaufführungen zweifellos weit entfernt, aber dennoch mit dem Musical verwandt sein. Geht man davon aus, dass das Musical vieles aufgenommen hat, was für dramatische Inszenierungen charakteristisch ist – d.h. Theater, dann gehören zu den verwandten Genres:
- Theater
- Melodram
- Komödie
- Tragödie
- Tragikomödie
- Farce
- Farce-Vaudeville

Musikalische Entwicklung. Berühmte Komponisten und Musicals. Musikstil.
In den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg gaben die talentierten Emigranten Herbert, Friml, Romberg Impulse für die aktive Entwicklung des Musicals in Amerika. In der Zeit der 20er und 30er Jahre, mit dem Aufkommen der neuen amerikanischen Komponisten Jerome Kern, George Gershwin und Col Porter, erhält das Musical eine wahrhaft amerikanische Note. Das Libretto wurde komplizierter, in den Rhythmen machte sich der Einfluss von Jazz und Ragtime bemerkbar, in den Liedern zeigten sich typisch amerikanische Wendungen. Viele Lieder aus Musicals sind zu Musical-Klassikern geworden. Die schauspielerischen Fähigkeiten der Sänger haben deutlich zugenommen. Gershwin gewann 1932 erstmals den Pulitzer-Preis für seine Arbeit am Musical Of Thee I Sing (1931). Premiere berühmte Oper Porgy and Bess fand Ende 1935 in New York statt und bestand aus einer ganzen Besetzung klassisch ausgebildeter afroamerikanischer Sänger – für die damalige Zeit eine mutige künstlerische Entscheidung.
Mit der gemeinsamen Arbeit von Rogers und Hammerstein entstehen Produktionen wie "Oklahoma!" (1943), ihr erstes Musical. Die Handlung findet 1906 in Oklahoma, in der Nähe der Stadt Claremore, statt. Dann entstand auf dem sogenannten Indianergebiet der neue Bundesstaat Oklahoma. Das Stück basiert auf der Idee der Freundschaft und Zusammenarbeit zwischen verschiedenen Bevölkerungsgruppen des Staates: zwischen seinen ursprünglichen Bewohnern – Viehzüchtern und Neuankömmlingen aus dem Nachbarstaat Missouri – Bauern. Im Mittelpunkt der Handlung steht eine Liebesgeschichte zwischen dem Cowboy Curly MacLaine und einem jungen Mädchen, Lori Williams, die auf ihrer eigenen Farm arbeitet. "Oklahoma!" kann den Titel des ersten Musicals im modernen Sinne des Wortes für sich beanspruchen. Zum ersten Mal wurden Gesang und Tanzeinlagen zu einer vollständigen Geschichte kombiniert, basierend auf einem ernsthaften dramatischen Drehbuch, das auf dem Theaterstück „The Lilacs Are Turning Green“ von Lynn Riggs aus dem Jahr 1931 basiert. Zuvor waren Lieder in Musikkomödien einsteckbare Nummern, die wenig mit der Handlung zu tun hatten.
„Karussell (1945), « Südpazifik », ausgezeichnet hohes Level Dramaturgie. Sie hatten schlagender Erfolg an die Öffentlichkeit.
Musical "Südpazifik" erstellt von Richard Rogers und Oscar Hammerstein, basierend auf James Micheners Roman A Pacific Story (1948). Das Libretto wurde von Hammerstein in Zusammenarbeit mit Joshua Logan geschrieben. Im Mittelpunkt der Handlung steht das Thema Rassendiskriminierung. Das Musical wurde 1949 am Broadway uraufgeführt. „South Pacific“ war sofort ein Erfolg, wurde für zehn Tony Awards nominiert und gewann in allen Kategorien, darunter den Tony Award für das beste Musical, das beste Musical und das beste Libretto. Viele Lieder erlangten später große Berühmtheit: „Bali Ha „i“, „I“ m Gonna Wash That Man Right Outta My Hair“, „Some Enchanted Evening“, „Happy Talk“, „Younger than Springtime“, „I“ m in Liebe mit einem wunderbaren Kerl". Von 1950 bis 1955 fand in den Vereinigten Staaten eine landesweite Tournee des Musicals statt, die in fünf Jahren in 118 Städten aufgeführt wurde. Die Rolle von Nellie Forbush in diesen Produktionen wurde von der amerikanischen Schauspielerin Janet Blair gespielt 1958 wurde der gleichnamige Film gedreht. Die Rollen wurden von Rossano Brazzi und Mitzi Gaynor gespielt.

Die Version von „The South“ aus dem Jahr 2008 wurde zur besten Neuproduktion eines klassischen Musicals gekürt und gewann Auszeichnungen für die beste Regie, den besten Hauptdarsteller, das beste Kostümdesign, die beste Beleuchtung und den besten Ton.
Ein Musical schreiben „My Fair Lady“ (1956) Frederick Lowe, Komponist von Musik, und Alan Lerner, Autor von Libretto und Texten, ließen sich vom Drama von Bernard Shaw inspirieren „Pygmallion“. Es ist nicht überraschend, dass ihre Handlung gemeinsame Kreativität wiederholt das Drama von Shaw, das erzählt, wie die Hauptfigur, die ursprünglich ein gewöhnliches Blumenmädchen war, zu einer jungen, charmanten Dame wird. Laut der Handlung des Musicals kam es während des Streits zwischen dem Phonetikprofessor und seinem Freund, dem Linguisten, zu einer solchen Transformation. Eliza Doolittle zog in das Haus des Wissenschaftlers, um den schwierigen Weg der Ausbildung zu beschreiten. Am Ende, beim Botschaftsball, besteht das Mädchen die schwierige Prüfung mit Bravour. Das Musical wurde am 15. März 1956 uraufgeführt. In London fand die Aufführung erst im April 1958 statt. Rex Harrison fungierte als Professor-Lehrer und Julie Andrews bekam die Rolle der Eliza. Die Show erfreute sich sofort großer Beliebtheit, die Karten dafür waren sechs Monate im Voraus ausverkauft. Für die Macher war das eine echte Überraschung. Infolgedessen wurde die Aufführung 2717 Mal am Broadway und 2281 Mal in London aufgeführt. Das Musical wurde in elf Sprachen übersetzt und in mehr als zwanzig Ländern gespielt. „My Fair Lady“ gewann Tony Awards. Insgesamt wurden über 5 Millionen Aufnahmen des Musicals mit seiner Broadway-Originalbesetzung verkauft. 1964 kam der gleichnamige Film in die Kinos, und die Chefs von Warner Brothers zahlten die Rekordsumme von 5,5 Millionen US-Dollar für das Recht, das Musical zu drehen. Eliza wurde von Audrey Hepburn gespielt und Rex Harrison wurde ihr Partner, nachdem er von der Bühne ins Kino gewechselt war. Und der Erfolg des Films war überwältigend – er wurde für 12 Oscars nominiert und gewann 8 davon. Das Musical ist beim Publikum so beliebt, dass es nun in London zu sehen ist. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Handlung der Musicals ernster, es erschienen „West Side Story“ (1957) Leonard Bernstein. Basierend auf Shakespeares Tragödie "Romeo und Julia", während die Handlung im modernen New York spielt. Die Ausdruckskraft der Tänze zeigte die wachsende Bedeutung der Choreografie. Die Handlung spielt Mitte der 1950er Jahre in New York und erzählt von der Konfrontation zwischen zwei Straßenbanden – „Rockets“ („Jets“), Nachkommen weißer Einwanderer, und „Sharks“ („Sharks“), Puertoricanern. Der Protagonist, das ehemalige Rocket-Mitglied Tony, verliebt sich in Maria, die Schwester von Bernardo, dem Anführer der Sharks. Drama, entspannende Musik und das Aufwerfen akuter sozialer Probleme brachten der Musik Weltruhm, wenn auch nicht sofort. Die von Bernstein für das Musical geschriebenen Musikkompositionen erfreuten sich großer Beliebtheit. Insgesamt umfasst das Musical 11 Musiknummern: „Something's Coming“, „Maria“, „America“, „Somewhere“, „Tonight“, „Jet Song“, „I Feel Pretty“, „A Boy Like That“, „ One Hand, One Heart“, „Mensch, Officer Krupke“ und „Cool“. Die ursprüngliche Broadway-Produktion von 1957 (Regie und Choreografie von Harold Robbins und produziert von Robert Griffith und Harold Prince) war das Debüt des obskuren Librettisten Stephen Sondheim am Broadway. Die Premiere fand am 26. September auf der Bühne des Theaters „Wintergarten“ statt. Das Musical wurde 732 Mal aufgeführt, bevor es auf Welttournee ging. Das Musical gewann 1957 den Tony Award für Choreografie, verlor jedoch gegen The Music Man in der Kategorie Bestes Musical. Die Produktion gewann außerdem in 10 von 11 Nominierungen einen Oscar. Auch der gleichnamige Film aus dem Jahr 1961, der auf dem Musical-Drehbuch basiert, wurde ausgezeichnet. Derzeit wird das Musical häufig in Bildungseinrichtungen, regionalen Theatern und sogar Weltklasse-Opernhäusern aufgeführt.

In den späten 60er Jahren des 20. Jahrhunderts kommt es unter dem Einfluss neuer Musikstile zu einem neuen Verständnis des Musicals als Genre. In einem psychedelischen Musical „Haare“ (1967) spiegelte damals modische Ideen wider Hippie, was der Produktion den Titel „Primitive American Lyrical Rock Musical“ einbrachte.Musik geschrieben von Galt McDermot, Texte von James Rado und Jerome Ranyi. Die Uraufführung fand am 17. Oktober 1967 in New York statt. Im April 1968 wurde der Film auf eine der Bühnen am Broadway verlegt, wo er 1.873 Mal aufgeführt wurde. Im selben Jahr wurde es in Los Angeles und London aufgeführt. Im November 1999 zeigte das Moskauer Varieté-Theater eine amerikanische Autorenversion des Musicals, inszeniert von Regisseur Bo Crowell und Produzent Michael Butler zusammen mit dem Stas Namin Moskauer Musiktheater und Theater. Dann wurde die Produktion adaptiert und im Januar 2000 fand die Premiere der russischen Fassung im Theater des jungen Zuschauers statt. Das Musical wird immer noch erfolgreich im Stas Namin Moskauer Theater für Musik und Theater aufgeführt.
Seit den 70er Jahren wird die Zahl der Aufführungen reduziert, dafür werden Bühnenbilder und Kostüme neuer Musicals immer luxuriöser. Die Produktion brachte drastische Veränderungen im Konzept des Musicals mit sich „Jesus Christ Superstar“ („Jesus Christ Superstar“ 1971) Die Musik für das Werk wurde vom legendären Andrew Lloyd Weber geschrieben und Tim Rice schrieb das Libretto. Ursprünglich war geplant, eine vollwertige Oper zu schaffen, die moderne Musiksprache und alle relevanten Traditionen nutzen sollte – die Arien der Hauptfiguren hätten vorhanden sein sollen. Der Unterschied zwischen diesem Musical und dem Traditionellen besteht darin, dass es hier keine dramatischen Elemente gibt, sondern alles auf Rezitativen und Gesang basiert. Hier wird Rockmusik mit klassischer Geschichte kombiniert, modernes Vokabular in den Texten verwendet und die ganze Geschichte ausschließlich durch Lieder erzählt. All dies machte „Jesus Christ Superstar“ zu einem Superhit. Die Geschichte handelt von den letzten sieben Tagen im Leben Jesu, die vor den Augen von Judas Iskariot vergehen, der von den Lehren Christi enttäuscht ist. Die Handlung beginnt mit dem Einzug Jesu in Jerusalem und endet mit der Hinrichtung des Heiligen. Die Oper wurde 1970 erstmals in Form eines Albums aufgeführt, auf dem der Deep Purple-Sänger Ian Gillan die Hauptrolle spielte. Die Rolle des Judas wurde von Murray Head gespielt und Maria Magdalena wurde von Yvonne Elliman geäußert. 1971 erschien das Musical am Broadway. Viele bemerken, dass Jesus in der Produktion als der erste Hippie auf dem Planeten dargestellt wird. Die Produktion dauerte nur anderthalb Jahre auf der Bühne, erhielt jedoch 1972 in London einen neuen Atem. Die Hauptrolle spielte Paul Nicholas, Judas wurde von Stefan Tate verkörpert. Diese Version des Musicals wurde erfolgreicher und dauerte ganze acht Jahre. Basierend auf dem Werk wurde wie üblich auch ein Spielfilm von Regisseur Norman Jewison gedreht. Der Oscar für die beste Musik ging 1973 an dieses Werk. Der Film ist nicht nur wegen seiner hervorragenden Musik und seines Gesangs interessant, sondern auch wegen seiner ungewöhnlichen Interpretation des Themas Jesus, das aus einer alternativen traditionellen Sichtweise erscheint. Dieses Musical wird oft als Rockoper bezeichnet, das Werk hat viele Kontroversen ausgelöst und ist zu einem Kult für die Hippie-Generation geworden. „Jesus Christ Superstar“ ist auch heute noch aktuell und wurde in viele Sprachen übersetzt. Seit mehr als 30 Jahren wird das Musical auf der ganzen Welt aufgeführt – auf den Bühnen Australiens, Japans, Frankreichs und Mexikos, Chiles und Deutschlands, Großbritanniens und der USA.
Das ernste Thema des Musicals „Evita“ („Evita“, 1978) bewies den langen Weg, den das Genre in seiner Entwicklung zurückgelegt hat. Die Idee, ein Musical zu schaffen, entstand durch Zufall – im Oktober 1973 hörte Tim Rice im Auto das Ende einer Radiosendung, in der es um Evita Peron ging. Die Frau war die Frau des argentinischen Diktators Juan Peron, der Dichter interessierte sich für ihre Lebensgeschichte. Sein Co-Autor Lloyd Webber war zunächst nicht begeistert von der Geschichte, stimmte aber schließlich zu, daran zu arbeiten. Rice hat die Geschichte seiner Hauptfigur gründlich studiert, dafür verbrachte er viel Zeit in Londoner Bibliotheken und besuchte sogar das ferne Argentinien. Hier entstand der Hauptteil der Handlung. Tim Rice führte einen Erzähler in das Musical ein, einen gewissen Che, dessen Vorbild Ernesto Che Guevara war. Die Geschichte selbst erzählt von Eva Duarte, die im Alter von 15 Jahren nach Buenos Aires kam und zunächst eine berühmte Schauspielerin und dann die Frau des Präsidenten des Landes wurde. Die Frau half den Armen, trug aber auch zur Herrschaft der Diktatur in Argentinien bei. „Evita“ kombinierte verschiedene Musikstile, wobei lateinamerikanische Motive die Grundlage der Partitur bildeten. Die ersten Demos des Musicals wurden den Kritikern beim ersten Festival in Sidmonton präsentiert, und dann begannen die Aufnahmen zum Album im Olympic-Studio. Evita war die Schauspielerin Julie Covington und Che war der junge Sänger Colm Wilkinson. Die Rolle des Peron ging an Paul Jones. Das Album war ein großer Erfolg – ​​innerhalb von drei Monaten wurden eine halbe Million Exemplare verkauft. Obwohl „Evita“ in Argentinien offiziell verboten war, galt der Erhalt der Platte als Prestigefrage. Das Musical wurde am 21. Juni 1978 unter der Regie von Hal Prince veröffentlicht. In seiner Produktion ging die Rolle der Evita an Elaine Page und Che wurde vom berühmten Rocksänger David Essex gespielt. Das Stück war so erfolgreich, dass es zum besten Musical des Jahres 1978 gekürt wurde. Die Hauptdarstellerin selbst erhielt für ihre Leistung in Evita eine Auszeichnung. Die ersten Wochen nach der Veröffentlichung der Aufnahme des Musicals auf der CD machten es zu Gold. Am 8. Mai 1979 fand die Premiere von „Evita“ in Amerika, in Los Angeles, statt und vier Monate später kam die Aufführung am Broadway. Die Beliebtheit von „Evita“ wurde durch sieben „Tony“-Auszeichnungen bewiesen, die sie erhielt. Der Erfolg des Musicals ermöglichte es ihm, viele Länder zu besuchen – Korea, Ungarn, Australien, Mexiko, Japan, Israel und andere. 20 Jahre nach der Geburt des Musicals wurde beschlossen, einen darauf basierenden Film zu drehen. Der Regisseur war Alan Parker, die Hauptrolle, Evita Peron, wurde von Madonna gespielt, die Rolle des Che wurde Antonio Banderas anvertraut, Peron wurde von Jonathan Pryce gespielt. Der Film enthielt einen neuen Song von Webber und Rice, „You Must Love Me“, der einen Oscar für den besten Originalsong gewann.
Webbers Schöpfung „Katzen“ („Cats“, 1981). Die Grundlage für dieses beliebte Musical war ein Zyklus von Kindergedichten von T.S. Eliots Old Possum's Book of Practical Cats, 1939 in England veröffentlicht. Die Sammlung sprach mit Ironie über die Gewohnheiten und Gewohnheiten von Katzen, aber hinter diesen Merkmalen ließen sich leicht menschliche Merkmale erraten. Elliots Gedichte gefielen Andy Lloyd Webber, der in den 70er Jahren langsam Musik für sie komponierte. Und so hatte der Komponist 1980 genug Material gesammelt, um daraus ein Musical zu machen. Da die Briten Katzen sehr lieben, war ihre Show zum Erfolg verurteilt. Zum Team gehörten neben Webber auch der Produzent Cameron McIntosh, der Regisseur Trevor Nunn, der Künstler John Napier und die Choreografin Gillian Lynn. Doch bei der Bühnenumsetzung der Lieder stellte sich heraus, dass es an einer sinnvollen Handlung mangelte. Dank Eliots Witwe wurden jedoch Entwürfe und Briefe des Dichters gefunden, aus denen die Autoren des Musicals Ideen für die Zusammenstellung der Handlungsskizze des Stücks zusammentragen konnten. Bei „Cats“ wurden besondere Anforderungen an die Künstler gestellt – es reichte nicht aus, gut zu singen und deutlich zu sprechen, man musste auch sehr plastisch sein. Es stellte sich heraus, dass es in England selbst fast unmöglich war, eine Truppe von 20 solcher Schauspieler zu rekrutieren, darunter den Popsänger Paul Nicholas, die Schauspielerin Elaine Paige, die junge Tänzerin und Sängerin Sarah Brightman sowie den Star Königliches Ballett Wayne Schlaf. Das „Cats“-Theater wurde von seinem eigenen Designer – John Napier – entworfen, daher gibt es überhaupt keinen Vorhang und Bühne und Saal verschmelzen zu einem einzigen Raum. Die Aktion findet nicht frontal statt, sondern in der gesamten Tiefe. Die Szene selbst ist als Müllkippe gerahmt – darauf liegen Berge malerischen Mülls, aber tatsächlich ist die Szenerie mit hochentwickelter Ausrüstung ausgestattet. Schauspieler erscheinen mit Hilfe eines komplexen, vielschichtigen Make-ups in Form anmutiger Katzen. Ihre Bodys sind handbemalt, ihre Perücken sind aus Yakwolle, ihre Schwänze und Kragen sind aus Wolle und sie tragen glänzende Kragen. Das Musical erschien erstmals am 11. Mai 1981 in London vor der Öffentlichkeit und kam ein Jahr später am Broadway an. Dadurch konnte „Cats“ bis zu seiner Schließung am 11. Mai 2002 die am längsten laufende Produktion in der Geschichte des britischen Theaters werden. Insgesamt fanden 6.400 Vorstellungen statt, die Produktion wurde von mehr als 8 Millionen Menschen gesehen und die Macher konnten rund 136 Millionen Pfund verdienen. Und in den Staaten brach das Musical alle möglichen Rekorde. Bereits 1997 überstieg die Zahl der Aufführungen 6100, was es ermöglichte, die Aufführung als die wichtigste Langleber des Broadway zu bezeichnen. Infolgedessen wurde „Cats“ im Laufe der Zeit mehr als 40 Mal ausgestrahlt, die Gesamtzahl der Zuschauer in 30 Ländern überstieg 50 Millionen, die Lieder wurden in 14 Sprachen aufgeführt und die Gesamtsumme der Gagen belief sich auf 2,2 Milliarden US-Dollar. Das Musical erhielt viele Auszeichnungen, darunter die berühmtesten: den Laurence Olivier Award, den Evening Standard Award für das beste Musical, 7 Tony Awards und den Molière Award in Frankreich. Aufnahmen der Originalkompositionen vom Broadway und London erhielten einen Grammy.
Ein weiteres beliebtes Werk Webbers war das Musical "Phantom der Oper"(„Das Phantom der Oper“), das Detektiv- und Thrillerelemente vereint. Die Zusammenarbeit von Sarah Brightman und Andrew Lloyd Webber bei „Cats“ führte 1984 zu ihrer Hochzeit. Für seine Frau schuf der Komponist das „Requiem“, doch dieses Werk konnte das Talent des Sängers nicht im großen Stil unter Beweis stellen. Webber beschloss daher, ein neues Musical zu schaffen, das zum Phantom der Oper wurde und auf dem gleichnamigen Roman des Franzosen Gaston Leroux aus dem Jahr 1910 basiert. Eine romantische, aber düstere Geschichte erzählt von einem Mann, der in einem Kerker darunter lebt Pariser Oper ein mysteriöses Wesen mit übernatürlichen Kräften. Die Hauptrolle in der Produktion, Christina Daae, ging natürlich an Sarah Brightman. Auftragnehmer Männerparty war Michael Crawford. Im ersten Teil von Christinas Liebhaber Raoul spielte Steve Barton. Richard Stilgoe arbeitete mit Andrew Lloyd Webber am Libretto und Charles Hart schrieb die Texte. Die Theaterkünstlerin Maria Bjornson gab dem Phantom die berühmte Maske und bestand auf der Entscheidung, den berüchtigten fallenden Kronleuchter nicht auf die Bühne, sondern direkt auf das Publikum herabzulassen. Das Phantom der Oper wurde am 9. Oktober 1986 im Royal Theatre uraufgeführt, sogar Mitglieder der Familie Ihrer Majestät waren anwesend. Und im Januar 1988 fand die erste Broadway-Produktion des Musicals statt, sie fand im New York Majestic Theater statt. Das Phantom der Oper wurde nach Cats das am zweitlängsten laufende Musical in der Geschichte des Broadway. Infolgedessen sahen allein in New York etwa 11 Millionen Menschen die Show. Das Musical wurde in 18 Ländern aufgeführt, etwa 65.000 Aufführungen fanden statt, mehr als 58 Millionen Menschen sahen es dort und Gesamtzahl Die Zuschauerzahl auf der ganzen Welt hat bereits die 80-Millionen-Marke überschritten. Das Ergebnis sind über 50 wohlverdiente Auszeichnungen und Preise. Das Musical erhielt drei Laurence Olivier Awards und sieben Tony Awards, sieben Drama Desk Awards und den Evening Standard Award. Die Gesamteinnahmen aus dem Phantom der Oper beliefen sich auf 3,2 Milliarden Dollar. Der Roman inspirierte die Regisseure zu bis zu sieben Filmen, der letzte davon, gedreht im Jahr 2004, wurde dreimal für einen Oscar nominiert, derselbe Webber war der Produzent und Komponist.

Das angloamerikanische Musicalmonopol endete 1985 mit der Premiere einer französischen Produktion auf der Londoner Bühne. „Les Miserables“ („Les Miserables“) Der Komponist Claude-Michel Schonberg und der Librettist Alain Boublil haben Victor Hugos bereits klassischem Les Misérables eine zweite Geburt beschert. Die Arbeit an der Entstehung des Musicals dauerte zwei Jahre. Das Ergebnis war eine zweistündige Skizze, die dann in ein Konzeptalbum mit einer Auflage von 260.000 Exemplaren umgewandelt wurde. Seltsam Visitenkarte Musical war ein Stich mit der Darstellung der kleinen Cosette. Die Bühnenfassung wurde am 17. September 1980 im Palais des Sports in Paris präsentiert. Infolgedessen wurde die Aufführung von mehr als einer halben Million Menschen verfolgt. Die Rolle von Jean Valjean wurde von Maurice Barrier gespielt, Javert von Jacques Mercier, Fantine von Rose Laurence und Cosette von Fabienne Guyon. Das Konzeptalbum „Les Misérables“ gefiel dem jungen Regisseur Peter Ferago, der den englischen Produzenten Cameron Mackintosh für die Arbeit gewinnen konnte. Dadurch war es möglich, eine wirklich hochklassige Show zu kreieren. An der Produktion arbeitete ein professionelles Team – die Regisseure Trevor Nunn und John Caed – und passte den Text an englische Sprache Herbert Kretzmer mit Hilfe der Macher des Musicals. Als Ergebnis - die Uraufführung der Aufführung unter der Schirmherrschaft der Royal Shakespeare Company im Barbican Theatre am 8. Oktober 1985. Bisher wurde „Les Misérables“ am häufigsten im Londoner Palace Theatre aufgeführt, dort fanden mehr als 6.000 Aufführungen des Musicals statt. 1987 kam „Les Miserables“ an den Broadway und damit begann ihre Prozession um die Welt. Obwohl die Aufführung mehr als zwanzig Jahre alt ist, ist sie immer noch auf den Bühnen der Welttheater zu sehen. „Les Misérables“ wurde in viele Sprachen übersetzt, darunter auch in exotische Sprachen wie Japanisch, Mauretaniisch und Kreolisch. Insgesamt wurde dieses Musical in 32 Ländern der Welt aufgeführt. Die Kreationen von Schönberg und Boublil wurden schließlich von mehr als 20 Millionen Menschen gesehen. Das hohe Niveau des Musicals als Genre beweist „Miss Saigon“ („Miss Saigon“), eine modernisierte Version von Puccinis Madama Butterfly.Zu Beginn des 20. Jahrhunderts faszinierte Puccini das Publikum mit seiner romantischen Oper Madama Butterfly. Im letzten Viertel des letzten Jahrhunderts erhielt die Liebesgeschichte eines Mädchens aus dem Osten und eines Soldaten aus dem Westen eine neue Inkarnation. 1975 endete der Vietnamkrieg mit dem Fall von Saigon und vierzehn Jahre später wurde Miss Saigon in der Londoner Musikszene gekrönt.
Die Idee, ein Musical über die tragische Liebe zu schaffen, die während des Vietnamkriegs entstand, entstand durch Zufall. 1985 wurde Schönberg auf ein in einem der Magazine veröffentlichtes Foto aufmerksam – es zeigte eine Vietnamesin und ihre kleine Tochter am Flughafen in Ho Che Min (ehemals Saigon). Das Mädchen musste ein Flugzeug besteigen und in die USA fliegen, wo ihr Vater, ein ehemaliger amerikanischer Soldat, auf sie wartete. Die Mutter beschloss, sich von ihrer Tochter zu trennen, in der Hoffnung, dass ihr Vater ihr eine bessere Zukunft ermöglichen würde. Schönberg erinnert sich, wie ihn die stille Trauer der Frau traf: Sie war schrecklicher als die bittersten Tränen. Sein Glück zu opfern, um seinem Kind Glück zu schenken, ist laut dem Komponisten „das höchste Opfer“. Ein ähnliches Opfer brachte die Heldin von Giacomo Puccinis berühmter Oper Madama Butterfly, die sich im Namen des Glücks ihres Sohnes umbrachte. "„Miss Saigon“ ist, in den Worten von Alain Boublil, „zuallererst tragische Geschichte Liebe, keine Geschichte über den Vietnamkrieg“, aber das Motiv des Aufeinandertreffens verschiedener Kulturen, Religionen und Rassen, das zu sinnlosem Blutvergießen eskalierte, verleiht dieser Geschichte eine epische Dimension.
Bei der Definition eines Musicals als Genre gibt es einen Punkt, nach dem ein Musical Theater und Tanz in sich synthetisiert, das heißt, Ballett, Pop-Choreographie und moderne Choreographie werden Elemente des Musicals sein. In den Musicals des letzten Jahrzehnts hat sich Stripplastik durchgesetzt: Elemente der leichten Erotik plus klassisches Ballett. Etwas Ähnliches wurde erstmals vor vielen Jahren im Musical „Chicago“ auf der Bühne gezeigt. Dort wurde mit Hilfe von Streifenplastiken das letzte Abschiedsgespräch zweier Liebender gezeigt, von denen der eine an diesem Abend durch die Hände des anderen sterben muss. Ballett in seiner reinsten Form findet man heute in modernen Musicals nur noch selten, Elemente der Ballettschule sind jedoch immer präsent. So ist beispielsweise der Tanz der Straßenkatzen im gleichnamigen Musical „Cats“ nichts anderes als eine weibliche Ballettrolle. Ein interessanter Ansatz zur Definition von Genres im Zusammenhang mit dem Musical wurde von sowjetischen Musikkritikern gewählt. Das Musical galt als eine Art Operette. Zitat zum Nachdenken: „Heute wird das Musical als Genre der unteren Operette durch Gruppen zweier Art repräsentiert: Erstens sind dies Broadway-Theater mit einem Stück, die mit dem Ziel geschaffen wurden, ein Werk zu fördern und zu verwerten, und die.“ Ein anderer Typ sind reisende Operngruppen. Sie werden mit dem Ziel geschaffen, in der Provinz eine Reihe einfacher Bühnenaufführungen zu zeigen. So dumm es auch erscheinen mag, die moderne Musikkritik erkennt auch, dass Oper und Operette zwei sind Musik Genre, die im Zusammenhang mit dem Musical betrachtet werden können und sollten.
Die drei Hauptbestandteile eines Musicals- Musik, Texte und Libretto. Das Libretto eines Musicals bezieht sich auf das „Stück“ oder die Geschichte der Show – und zwar auf die gesprochene (nicht gesungene) Zeile. „Libretto“ kann sich jedoch auch auf Dialog und Text zusammen beziehen, wie ein Libretto in einer Oper. Musik und Text bilden zusammen eine Partitur. Die Interpretation des Musicals durch das Kreativteam hat großen Einfluss auf die Art und Weise, wie das Musical präsentiert wird. Zum Kreativteam gehören ein Regisseur, ein Musikdirektor und in der Regel ein Choreograf. Die Produktion von Musicals wird auch gestalterisch durch technische Aspekte wie Bühnenbild, Kostüme,
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