Musikalische Literatur. Zyklische Formen im Musiklexikon Musiklexikon: Musiklexikon Was ist klassische Musik

Abschnitt 2 Gattungen der Chormusik

Themen 11-12 ZYKLEN IN DER VOKAL-CHOR-MUSIK

Gesang und Chor instrumentale Werke Komponisten kombinieren oft in Zyklen. Lass uns erinnern Instrumentaler Zyklus Camille Saint-Saëns Karneval der Tiere. Die Musik dieses Werks ist voller Humor, sie enthält Tierstimmen.

Das beliebteste Stück vieler Fans der Arbeit von K, Saint-Saens ist "The Swan". IN Hauptthema Dieses vom Cello vorgetragene Werk zeigt die anmutige Bewegung eines Schwans auf dem Wasser.

Ein Gesangszyklus ist ein Zyklus von Romanzen oder Liedern, die durch eine Idee vereint sind.

Erinnern Sie sich, welche Stücke aus dem Zyklus „Karneval der Tiere“ von C. Saint-Saens Sie in früheren Kursen gehört haben. Was verbindet die Werke dieses Zyklus?

Der russische Komponist Modest Petrovich Mussorgsky schuf den unübertroffenen Vokalzyklus „Children’s“, bestehend aus sieben musikalischen Miniaturen zur Aufführung durch einen oder zwei Sänger, begleitet von Klavier. Die Strophen für jede dieser kleinen Szenen wurden vom Komponisten selbst geschrieben.

Eine Miniatur ist ein kleines Musikstück, meistens ein Instrumentalstück.

Im ersten Stück With the Nanny überredet ein Kind sein Kindermädchen, es zu erzählen verschiedene Geschichten. Die Besonderheit dieses Werks liegt darin, dass der Komponist die emotionale Anziehungskraft des Knaben mit einem Rezitativ zum Ausdruck bringt. Die betonten Silben in den Worten ah fallen mit dem melodischen Sprung zusammen. Dank dieser musikalischen Mittel entsteht der Eindruck einer lebendigen kindlichen Sprache.

Das zweite Werk des Zyklus - "In the Corner" beginnt mit einer "hohen" emotionalen Note der Nanny, die wütend auf ihr Haustier Mikhasik ist. Die Kugel abgewickelt, die Stangen verloren! Ähti! Alle Schleifen fallen gelassen! Der Strumpf war mit Tinte bespritzt!“ 3 Ecken, um die sentimentale Antwort des Jungen zu hören, verkörpert in Moll-Intonationen mit fallendem Ende. Das Kind erklärt dem Kindermädchen, dass das Kätzchen den Schaden angerichtet hat, nicht er.

Cover der gedruckten Noten des Zyklus "Kinder". Mussorgsky

Mikhas 'Sprache entwickelt sich allmählich - die Dynamik ändert sich, das Tempo beschleunigt sich, die unsichere Intonation von Ausreden wird zu den Schreien eines beleidigten Kindes. In den letzten vier Takten verlangsamt sich das Tempo der Musik etwas – der Junge „droht“ dem Kindermädchen, dass er sie in Zukunft nicht mehr lieben wird, weil sie ihn beleidigt hat.

Der Zyklus umfasste die Stücke "Käfer", "Mit einer Puppe", "Für den kommenden Schlaf", "Katzenseemann", "Am Stiel". Andere, die der Komponist seinen Freunden vorspielte, sind in musikalischer Form nicht erhalten.

In jedem Teil zeigen Kinder ihre Charaktereigenschaften auf unterschiedliche Weise. Lebenssituationen. Dazu verbindet der Autor Wort und Musik harmonisch. Durch dieses Zusammenspiel erweckt jedes der musikalischen und poetischen Stücke den Eindruck eines vollendeten und abgeschlossenen Werkes, das das Recht hat, außerhalb des Zyklus zu leben.

Modest Mussorgsky, „Mit dem Kindermädchen“, „In der Ecke“ aus dem Gesangszyklus „Kinder“.

Hat es dir von den Gesangsszenen am besten gefallen? Mit welchen musikalischen Mitteln erschließt der Komponist die Welt des Kindes? Achten Sie auf die Ausdruckskraft der Gesangsmelodie, ihre Verbindung zum Text. Welche Rolle spielt die instrumentale Begleitung bei der Schaffung musikalischer und poetischer Bilder?

PORTRÄT EINES KOMPONISTEN

Modest Petrowitsch Mussorgski:

„Wenn der klangliche Ausdruck des menschlichen Denkens und Fühlens in einfacher Sprache in meiner Musik richtig wiedergegeben wird und diese Wiedergabe musikalisch und künstlerisch erfolgt, dann ist alles in Ordnung!“

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) – Russischer innovativer Komponist, Autor der Opern-Meisterwerke „Boris Godunov“ und „Chovanshchina“, dessen Musik tiefe nationale Wurzeln hat. Er ist auch Autor von Orchester- und Kammerinstrumentalwerken, Romanzen, auf deren Entstehung er sich stützte Volkskunst. Die Werke des Künstlers zeichnen sich durch Tiefe, Dramatik und Wahrhaftigkeit der Bilder aus.

Geboren in mit. Karevo, Provinz Pskow. Studium und Arbeit in St. Petersburg, Militärdienst. Fachmann Musikalische Bildung der komponist hat es nicht kapiert und hat als amateur (amateur) angefangen musik zu machen.

Später beschloss er jedoch, sein Leben der Kunst zu widmen und verließ den Dienst.

Aktiv Kreative Aktivitäten begann in den Reihen des berühmten nationalpatriotischen Kreises russischer Komponisten "The Mighty Handful". Materielle Not zwang ihn jedoch, wieder als Beamter in verschiedenen Institutionen zu arbeiten, was ihn von der Kreativität ablenkte.

1879 zusammen mit Opernsänger Daria Leonova machte eine Konzertreise durch die Städte der Ukraine. Ukrainische Motive spiegeln sich in seiner unvollendeten Oper „ Sorochinskaya-Messe nach dem gleichnamigen Werk von Nikolai Gogol.

Denkmal für N. Mussorgsky in der Nähe Musikschule in Kriwoj Rog (Ukraine)

1. Welche Werke werden zu musikalischen Zyklen zusammengefasst? Was ist die Grundlage des Vokalzyklus?

2. Geben Sie Beispiele für musikalische in der Arbeit: instrumental, vokal, in Form eines Zyklus geschrieben.

Musikprojekt. Abschnitt eingeben Schulbibliothek„Musik für Kinder“. Holen Sie sich Bilder über Kinder, die Epigraphillustrationen für jeden Zyklus sein können, aus Ihrer Musikbibliothek. Beliebige Zuordnung. Erstellen Sie einen Zyklus von mehreren bekannte Lieder zu einem bestimmten Thema, geben Sie ihm einen Namen. Denken Sie über den Aufbau des Gesangszyklus, die Entwicklung der Musik gemäß der gewählten Handlung des Werks und den Inhalt der umgebenden Lieder nach.

Die musikalischen Zyklen umfassen Sammlungen von Liedern oder Theaterstücken, die nach einem bestimmten Thema erstellt oder mit den Autoren von Fragmenten ihrer eigenen Opern, Ballette, Symphonien abgeschlossen wurden.

Eines der beliebtesten Themen, das Komponisten schon immer dazu inspiriert hat, „magische“ Musik zu kreieren, sind die Weihnachtsfeiertage. So, Klavierzyklus Miniaturen über die Melodien von Weihnachtsliedern, die im Leben der Ukrainer üblich sind, gehören zum Werk von Vasily Barvinsky.

blieb nicht weg und ausländische Künstler, von denen viele den Zuhörern freudige Minuten weihnachtlicher Musik bescherten. Zum Beispiel, Britischer Komponist Benjamin Britten hat einen Chorzyklus mit Weihnachtsliedern geschaffen, der in den Weihnachtsferien in zu hören ist Konzerthallen verschiedene Länder.

Ich bin in der Welt der Musik: Ich nehme wahr, ich verstehe

Benjamin Britten, „Wreath of Carols“ oder „Wreath of Christmas Carols“ für Chor, Solisten und Harfe (Nr. 2, 5, 10).

Beschreiben Sie die allgemeine Stimmung der Arbeit und der Person Chorminiaturen. Welche Klangfarben bringt der Klang der Harfe?

PORTRÄT EINES KOMPONISTEN

Benjamin Britten:

„Gib nicht auf, wenn du ein neues Stück zum ersten Mal hörst und es nicht verstehst … Denke daran, dass Musik keine Unterhaltung ist, obwohl dies der Zweck von Unterhaltungsmusik ist.“

Benjamin Britten (1913–1976) – britischer Pianist, Dirigent, einer der größten Komponisten des 20. Jahrhunderts, in dessen Werk fast alle Musikrichtungen vertreten sind.

Geboren in Suffolk als Sohn eines Arztes. Als Kind entdeckt musikalische Fähigkeit und begann ein Musikstudium unter der Anleitung seiner Mutter, einer Amateurpianistin und aktives Mitglied des örtlichen Chors. Die ersten kleinen Stücke inspiriert von Eindrücken Familienleben Sie erschien früh – im Alter von 8 Jahren. Im Alter von 12 Jahren schrieb Benjamin die „Simple Symphony“ für Streichorchester, und mit 16 trat er in das Royal College of Music (Conservatory) ein. Während seines Studiums schrieb er viele Choral-, Symphonie- u Kammer arbeitet darunter mehrere Kinderlieder. Seitdem hat sich der Autor immer wieder der Musik für Kinder zugewandt.

Der junge Komponist bekam seinen ersten Job bei einer Filmgesellschaft Dokumentarfilme wo es ein kleines Instrumentalensemble gab. Dank seiner Filmarbeit lernte Britten schnell, Musik zu schreiben, auch wenn es keine Inspiration gab, und zu verschiedenen, oft gar nicht poetischen Themen (z. B. über das Entladen eines Schiffes).

1939, als die 2 Weltkrieg, Britten ging nach Amerika. Als Antwort auf tragische Ereignisse die in Europa stattfanden, entstand die Kantate "Heldenballade" - gewidmet dem Kampf gegen den Faschismus in Spanien. Für drei Jahre kehrte der Komponist in seine Heimat zurück und ließ sich in der Küstenstadt Aldbor nieder. Mehrere Opern sahen dort die Welt, insbesondere „Peter Grimes“.

Der Künstler schrieb auch viele Musikstücke für Kinder und Jugendliche. Im Stück „Lasst uns eine Oper machen“ junge Zuschauer selbst teilnehmen.

OY POLY PFLUG ERZ

Oh, das Feld hat einen Erzpflug.

Guten Abend, guten Abend

Gute Leute zur Gesundheit!

(Wiederholt sich nach jeder Zeile.)

Dort geht Vasilko mit einem Pflug.

Seine Mutter bringt ihm Essen.

Ori, Sohn, Thuyu-Maisfeld.

Ja, und etwas Weizen essen.

1. Nennen Sie die Ihnen bekannten Vokalchorzyklen und deren Autoren.

2. Denken Sie daran und erklären Sie, wann Weihnachts- und Neujahrslieder gesungen werden und wann sie großzügig sind.

Musikprojekt. Fragen Sie, welche Weihnachtslieder und Weihnachtslieder in Ihrer Gegend üblich sind. Schreiben Sie die Titel und Texte Ihrer Lieblingslieder auf. Nehmen Sie, wenn möglich, Melodien auf. Erstellen Sie zusammen mit Eltern oder Erwachsenen einen „Kranz aus Weihnachtsliedern und Großzügigkeit für meine Familie“ oder „Weihnachtskranz aus Liedern aus meinem Land“.

Sonatenform mit Episode wird verwendet in verschiedene Genres: Einzelstücke, Finale zyklischer Formen, langsame Stimmen.

Eine Episode kann die eine oder andere ausgefüllte Form haben.

In einigen Fällen erscheint von Episode zu Wiederholung ein Bündel.

Darüber hinaus gibt es kombinierte Mittelteile in Sonatenform, die eine Durchführung mit einer Episode verwenden oder umgekehrt.

Dramaturgie in Sonatenform. Das Wesen der Sonatendramaturgie (Sonate) liegt nicht in der Struktur der Sonatenform, sondern im Entwicklungsprozess selbst. Dieser Prozess drückt sich in besonderen Beziehungen und Funktionen des thematischen Materials aus. Im Gegensatz zu der für eine komplexe dreistimmige Form oder Rondo typischen Gegenüberstellung oder Durcharbeitung zeichnet sich die Sonatenform durch eine dynamische Kombination aus, die sich in der intensiven Vorbereitung der folgenden Themen oder Abschnitte ausdrückt.

Noch wichtiger für die Sonatendramaturgie ist die Rolle und Interaktion der Funktionen des Materials in der Exposition, von denen es drei gibt:

1. das Hauptmaterial, das im Werk eine große Rolle spielt und die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich zieht (Hauptthemen);

2. vorbereitendes Material, das die Erwartung auf das nächste weckt (Einführung, Links, Vorhersagen);

3. abschließendes Material mit positivem Charakter (abschließende Themen, Codes).

Im Verhältnis von Haupt- und Nebenparteien besteht immer ein Ungleichgewicht zugunsten von P.P. Dies wird durch die Größe des letzteren und insbesondere durch seine tonale Fixierung durch Material von bejahender Natur und Kadenz erleichtert.

Die Sonatenform wird im Sonaten-Symphonie-Zyklus (erster Satz, Finale, langsamer Satz), Einzelwerken eigenständiger Natur, Ouvertüren, seltener Vokalmusik und Opernszenen verwendet. 41. Verbindungen von Teilen eines instrumentalen zyklischen Werkes.

Zyklische Formen in der Musik sind musikalische Formen eines Werks, die auf das Vorhandensein getrennter Teile hindeuten, die in ihrer Struktur unabhängig sind, aber durch eine einheitliche Absicht verbunden sind. In der Geschichte der akademischen Musik sind die Zyklen „Präludium-Fuge“, Suiten-Zyklen, Sonaten-Symphonie-Zyklen bekannt. Ein Zyklus kann auch als eine Reihe miteinander verbundener Werke (von denen jedes eine zyklische Form haben kann oder nicht) oder als Konzertprogramme bezeichnet werden. In der nicht-akademischen Musik (Jazz, Rock) können Konzeptalben und separate Hauptwerke zu zyklischen Formen tendieren.

Der zweiteilige Zyklus „Präludium-Fuge“ ist seit dem Barock bekannt. Es schlägt die Funktionalisierung des Präludiums als improvisatorische Einführung in die Fuge vor.

Die "Präludium-Fuge"-Zyklen können auf der Grundlage eines formalen oder thematischen Prinzips zu größeren Zyklen kombiniert werden. Das berühmteste Beispiel ist das Wohltemperierte Klavier von J. S. Bach, das auf dem Prinzip einer bestimmten Abwechslung modaler Entsprechungen aufgebaut ist. Ein Beispiel aus der Musik des 20. Jahrhunderts sind „24 Präludien und Fugen“ von D. D. Schostakowitsch.

Die seit dem 16. Jahrhundert bekannte Suite zeichnet sich aus durch:

die Verbindung einzelner Teile des Werks mit traditionellen angewandten (Gesang, Tanz) Genres, die Einfachheit der Struktur der Teile;

Kontrast Nebeneinanderstellung von Teilen;

eine Tendenz zur Einheit oder engsten Verwandtschaft der Tonarten der Stimmen.

Die Höhepunkte des Genres in der Barockmusik sind die Suiten von J. S. Bach und G. F. Händel in der Klassik - W. A. ​​​​Mozart und J. Haydn. Im 19. Jahrhundert wandten sich bedeutende Komponisten hauptsächlich aus Gründen der Stilisierung der Gattung der Suite zu (E. Grieg, M. Ravel und andere).

Im 20. Jahrhundert wurde die Gattung der Suite grundlegend neu gedacht, neue Techniken wurden darauf angewandt (wie z. B. dodekaphonische Orchestersuiten von A. Schönberg und A. Berg), Neues Material(zB in der Suite „1922“ von P. Hindemith werden Modetänze der entsprechenden Zeit verwendet: Shimmy, Boston, Ragtime).

Einige Werke der nicht-akademischen Musik (hauptsächlich Progressive Rock) tendieren ebenfalls zur Suitenform. Beispiele hierfür sind „Lizard“ aus dem selbstbetitelten Album von King Crimson und „Atom Heart Mother“ aus dem selbstbetitelten Album von Pink Floyd. Als „Rock-Suiten“ werden aber auch oft Kompositionen bezeichnet, die eher zu freien und gemischten Formen (in traditioneller musiktheoretischer Terminologie) tendieren.

Der Sonaten-Symphonie-Zyklus umfasst die abstraktesten Gattungen der akademischen Musik, wie Symphonie, Sonate, Quartett, Konzert. Es zeichnet sich aus durch:

Abstraktion von der angewandten Natur der Musik (selbst wenn angewandtes Material als Material irgendeines Teils verwendet wird);

die Möglichkeit figurativer und semantischer Kontraste zwischen einzelnen Teilen (bis zu ihrer direkten Opposition);

komplexe tonale Entwicklung;

etablierte Funktionen und Formen einzelner Stimmen (charakteristisch für einzelne Gattungen der Sonaten-Symphonie).

Die klassische Sonate entstand im 18. Jahrhundert, erreichte ihren Höhepunkt in der Wiener Klassik und bleibt, mit einigen Vorbehalten, eine lebendige Gattung. Die Gattung Sinfonie entstand Mitte des 18. Jahrhunderts, sie erreichte auch in der Wiener Klassik ihren Höhepunkt und ist bis heute eine lebendige Gattung der akademischen Musik. (Die symphonische Form sollte nicht mit Symphonismus verwechselt werden, was auch für Werke charakteristisch sein kann, die nicht zu dieser Form gehören). Das Quartett hat die Form eines Sonatenzyklus im Werk von J. Haydn angenommen und im Werk der Wiener Klassik weiterentwickelt. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden Leitmotive und monothematische Prinzipien für viele Werke dieser Gattung charakteristisch. Das Konzert als eine Art sonatensymphonisches zyklisches Werk, das durch den Gegensatz des Klangs des Gesamtensembles und einzelner Gruppen oder Solisten gekennzeichnet ist, nahm in seiner heute bekannten Form gegen Ende des 18. Jahrhunderts Gestalt an.

Ein Musikwerk kann aus Teilen bestehen, die nach einem anderen Prinzip als in den aufgeführten Gattungen zusammengefügt sind, und dennoch bis zu einem gewissen Grad einen zyklischen Charakter haben. Dies sind viele Genres angewandter geistlicher Musik (Messe, geistliches Konzert, Vigil), Kantaten, Vokal- und Vokalchorzyklen (erzählerisch und lyrisch).

Es können auch ganze Werke zu einem Zyklus zusammengefasst werden (die wiederum jeweils zyklischen Charakter haben können oder auch nicht). Dies sind die oben erwähnten Präludien- und Fugenzyklen, R. Wagners Tetralogie Der Ring des Nibelungen, Konzeptalben der nicht-akademischen Musik sowie einzelne Hauptwerke der Jazz- und Rockmusik. 42. Musiksprache.

Musiksprache ist, wie andere Sprachsysteme, eine solche Organisation, deren Darstellung in Form eines hierarchischen Systems mehr Erklärungskraft hat als eine einfache taxonomische Beschreibung. Infolgedessen wird akzeptiert, dass die von uns beobachteten Musiktexte "musikalische Sprache" darstellen, die die Verwirklichung, das Produkt eines idealen (nicht direkt beobachtbaren) Systems ist - der musikalischen "Sprache". ... Zunächst bedarf der eigentliche Begriff der "musikalischen Sprache" (und dementsprechend der "musikalischen Sprache") einer Klärung. Ersteres wird als System verstanden, das keineswegs nur in literarischen Texten verwirklicht ist, die manche Konstruktionsmuster reduzieren. Apropos. B. „die Sprache der Werke Beethovens“, meinen wir ein System, das nicht nur diese Werke generiert, sondern auch alle möglichen Texte, die die für Beethovens Werke charakteristischen Muster bewahren. . . . Musikalische Sprache erweist sich mit diesem Verständnis als offen, das heißt, sie besteht aus unendlich vielen Texten. .

Als nächstes ist uns der Stilbegriff wichtig. Dieses Konzept kann als eine Reihe von Texten definiert werden, die postuliert werden, um die Implementierung eines Systems darzustellen. Andererseits. In Bezug auf unterschiedliche Stile wird davon ausgegangen, dass sie unterschiedliche Systeme implementieren. .

Die Struktur des musikalischen Systems wird als Hierarchie von Ebenen dargestellt. So ist es offenbar möglich, die Ebene einzelner Klänge, die Ebene von Klangkombinationen, die harmonische Ebene (die Ebene von Akkorden), die Ebene (oder mehrere Ebenen) der formalen Artikulation herauszugreifen. Innerhalb einer Ebene gibt es Einheiten der gleichen Ordnung - Klänge, Kombinationen von Klängen, Akkorde, verschiedene Abschnitte der Form. Das Modell jeder Ebene sollte offensichtlich Texte erzeugen, die aus der Sicht dieser Ebene korrekt sind.“ 43. Musikalisch-lexikalische Strukturen

Neben dem rein terminologischen Vokabular enthält das Wörterbuch eine umfangreiche Schicht allgemeinen literarischen Vokabulars, das in der Musikliteratur zur Bewertung und Beschreibung von Musikwerken sowie zur Beschreibung ihrer Wirkung verwendet wird Innere Person, auf die ästhetische Wahrnehmung des Zuhörers. Das Wörterbuch wurde mit Englisch und Amerikanisch erstellt erklärende Wörterbücher durch Musik, musikalische Enzyklopädie, sowie Originaltexte aus Musikbüchern. Das menschliche Leben ist ohne klangkünstlerische Bilder, die bei der Wahrnehmung von Musik im mentalen Raum entstehen, nicht vorstellbar. Diese Monografie untersucht die inhaltliche Struktur „musikalischer“ Fragmente des Weltbildes, dargestellt durch modernes Englisch. Analysiert werden die kognitiven Strukturen, die der Wahrnehmung musikalischen Vokabulars sowohl durch einen Profi als auch durch einen Laien zugrunde liegen. Metaphorische Modelle werden als kognitive Grundlage für die Bildung musikalischer Begriffe und allgemein verwendeter musikalischer Vokabeln der englischen Sprache vorgestellt. Betrachtet wird die Funktionsweise der Musiksprache in Texten mit unterschiedlichen Anteilen von Wort- und Bildanteilen. Dieses Buch ist ein weiterer Schritt in der Erforschung der Beziehung zwischen den beiden Welten – Sprache und Musik. Das Buch richtet sich an alle, die sich für Fragen der mentalen Strukturierung der sprachlichen Wahrnehmung der umgebenden Realität interessieren. 44. Einfache musikalische Mittel und ihre Semantik

Das Werk besteht aus separaten musikalischen Phrasen - kleinen integralen musikalischen Fragmenten. Musikalische Phrasen werden zu Perioden kombiniert. Ähnlich klingende Perioden werden zu Teilen zusammengefasst. Fragmente (Phrasen, Perioden, Teile) eines Musikwerks werden durch lateinische Buchstaben gekennzeichnet: A, B, C usw. Verschiedene Kombinationen von Fragmenten bilden verschiedene musikalische Formen. Eine übliche Form in der klassischen Musik – ABA (Liedform) – bedeutet also, dass der ursprüngliche Teil A verschwindet, wenn er durch Teil B ersetzt wird, und am Ende des Stücks wiederholt wird.

Es gibt auch eine komplexere Strukturierung: Motiv (das kleinste Element einer musikalischen Form; 1-2 Takte), Phrase (ein vollständiger musikalischer Gedanke; 2-4 Takte), Satz (der kleinste Teil einer Melodie, ergänzt durch eine Art von Kadenz; 4-8 Takte), Punkt (musikalisches Formelement; 8-16 Takte; 2 Sätze)

Verschiedene Arten, die Elemente einer Melodie zu entwickeln und zu vergleichen, führten zur Bildung verschiedener Typen Musikalische Formen:

Einteilige Form (A)

Es wird auch als Balladenform oder Luft bezeichnet. Die primitivste Form. Die Melodie kann mit geringfügigen Änderungen wiederholt werden (Form AA1A2...). Beispiele: Liedchen.

Zweiteiliges Formular (AB)

Es besteht aus zwei gegensätzlichen Fragmenten - einem Argument und einem Gegenargument (zum Beispiel das Stück "The Orgel Grinder Sings" aus P. I. Tchaikovskys "Children's Album"). Wenn die Fragmente jedoch nicht kontrastieren, das zweite Fragment also auf dem Material des ersten aufbaut, dann wird aus der zweiteiligen Form eine Variation der einteiligen Form. Trotzdem werden solche Werke (zB das Theaterstück „Erinnerung“ aus R. Schumanns „Album für die Jugend“) manchmal als zweiteilig bezeichnet.

Dreiteiliges Formular (ABA)

Es wird auch Lied oder ternär genannt. Es gibt 2 Arten von dreiteiligen Formularen - einfach und komplex; einfach, jeder Abschnitt ist eine Periode, der mittlere kann ein kurzer Übergang sein; in Komplex - jeder Abschnitt ist in der Regel eine zweiteilige oder einfache dreiteilige Form.

konzentrische Form

Die konzentrische Form besteht aus drei oder mehr Teilen, die sich nach der mittleren in umgekehrter Reihenfolge wiederholen, zum Beispiel: A B C B A 45. Semantik musikalischer Kompositionsformen

Das musikalisch-kompositorische System verfügt über einen so detaillierten Satz von Konzepten, dass es musikalische Werke bis ins kleinste Detail „sehen“ kann. Keine andere Musikwissenschaft hat eine solche Schärfe und Genauigkeit der „Vision“ – Musikgeschichte, Aufführungstheorie, Musikethnographie, Musikästhetik usw. Gleichzeitig neigen musikalische und kompositorische Konzepte dazu, Semantiken zu „akquirieren“, die sich in der langjährigen Erfahrung von Musikern in der Kommunikation mit dem musikerklärenden Begriffssystem bilden. Semantik und sich selbst Musikalische Kompositionen- ihre Arten, Sorten, Einzelfälle. Musikalische Formen erfassen die Natur des musikalischen Denkens, darüber hinaus ein vielschichtiges Denken, das die Ideen der Epoche, die nationale Kunstschule, den Stil des Komponisten usw. widerspiegelt. So sollen sowohl der Betrachtungsgegenstand - die Formen, Kompositionen musikalischer Werke - als auch die Analysemethoden mit der expressiven und semantischen Sphäre der Musik in Verbindung gebracht werden.

Die Theoretische Musikwissenschaft befasst sich mit zwei Arten von Sprachen – der künstlerischen Sprache der Musik und der wissenschaftlichen Sprache theoretischer Konzepte über Musik. Es gibt einen kategorischen Unterschied zwischen diesen Sprachen, aber es gibt auch eine Ähnlichkeit - das Vorhandensein etablierter semantischer Bedeutungen. IN musikalische Sprache Semantik hat einen assoziativ-expressiven Charakter, mit assoziativ-begrifflicher Beimischung, in wissenschaftlicher - im Gegenteil, assoziativ-begrifflicher mit assoziativ-expressiver Beimischung; In der Musik ist die Einheit der Sprache die Intonation, in der Musiktheorie der Wortbegriff. Für die Methodik der Musikanalyse ist es wichtig, dass immer wieder Verbindungen zwischen musikalischen Intonationen und musikwissenschaftlichen Begriffen (Wörtern) hergestellt werden, wodurch die Sprache der Musik mit zunehmender Signifikanz, Begrifflichkeit und Bildlichkeit, Ausdruckskraft – der Sprache der Musikwissenschaft – durchtränkt wird. Nehmen wir als Beispiel „Sonatenentwicklung“. Einerseits ist der Interpret musikalisch und künstlerisch verpflichtet, diesen Abschnitt der Sonatenform so instabil, fantasievoll zu spielen, dass ein konzeptionelles Zeichen „in der Luft“ des Konzertsaals schweben soll: „this is Entwicklung". Andererseits sollte in Bezug auf die theoretische Wissenschaft das Zeichen, das Konzept der „Sonatenentwicklung“ die Vorstellung einer Art musikalischer Instabilität, Fantasie hervorrufen und von einigen imaginären Intonationsklängen einer Sonatenentwicklung umgeben sein. Im Funktionieren des „Mechanismus“ einer solchen Verbindung zwischen den Elementen musikalisch-künstlerischer und musiktheoretischer Sprache ist es ein Garant dafür, dass die Operationen der musikalischen Analyse (bei gehöriger Geschicklichkeit Kunst) dazu dienen können, das Ausdrucks- und Semantische freizulegen Logik eines musikalischen Werkes.

Die "musikalische Formenlehre" entstand historisch in Deutschland Ende des 18. Jahrhunderts. und hatte zum Ziel, die Normen der kompositorischen Struktur für Werke verschiedener Genres zu bestimmen - Motette, Opernarie, Sonate usw. Das fundamentale Grundlagenwerk zur musikalischen Form „The Doctrine of Musical Composition“ von A.B. Marx (1837-1847), betrachtete "Formen" in einer systemischen Einheit mit Gattungen und allen Aspekten der musikalischen Komposition - Intervalle, Harmonie, Polyphonie, Instrumentierung usw. Es war nicht das Wort „Form“, das in den Titel gestellt wurde, sondern das Wort „Komposition“. Das Wort „Form“ hatte eine lange philosophische Tradition und entsprach unter anderem der Kategorie der Schönheit – ausgehend von Plotins „Metaphysik der Schönheit“ (3. Jahrhundert), die im 18.-19. Jahrhundert wieder auflebte. Shaftesbury und Winkelman. Und Glinka sagte: "Form bedeutet das Verhältnis von Teilen und Ganzem, Form bedeutet Schönheit."

Dabei ist der Begriff „musikalische Form“ nicht identisch mit dem Begriff „Form“ in Philosophie und Ästhetik. „Musikalische Form“ ist eine Mono-Kategorie, die nicht in einer Dyade oder Triade mit anderen Kategorien verbunden ist. Es steht nicht im Gegensatz zum „Inhalt“, sondern hat Inhalt, also das expressiv-semantische, intonatorische Wesen eines musikalischen Werkes. In der philosophischen Tradition ist "Form" nicht unabhängig und wird nur im Zusammenhang mit komplementären Kategorien verstanden: Materie und "eidos" (dh "Form" - bei Platon), Materie, Form, Inhalt (bei Hegel), Form und Inhalt (bei Schiller). , in marxistisch-leninistischer Philosophie und Ästhetik). Angesichts der Nichtidentität von philosophischer und musikalischer „Form“, sowie nach Ansicht des Autors auch der Obsoleszenz der philosophischen Dyade „Inhalt-Form“, empfiehlt es sich, eine neuere, semiotische Opposition in der Musikwissenschaft zu verwenden: „ die Inhaltsebene - die Ausdrucksebene".

I. Musikform als Phänomen;

II. Musikform als historisch typisierte Komposition;

III. musikalische Form als individuelle Komposition eines Werkes.

Der Inhalt der musikalischen Form als Phänomen (I) entspricht dem Inhaltsbegriff von Musik und Kunst überhaupt. In der Kunst insgesamt werden Schichten verschmolzen, die man „besonders“ und „nicht-besonders“ nennen kann. Die "Nicht-Spezial"-Schicht reflektiert echte Welt einschließlich seiner negativen Aspekte. „Besonders“ ist die ideale Welt der Schönheit, die die ethische Idee der Güte für den Menschen, die ästhetische Idee der Harmonie des Universums und psychologisch das Gefühl der Freude trägt. Die musikalische Form wird in erster Linie mit dem „besonderen“ Inhalt der Kunst in Verbindung gebracht. Und das ganze System der Musik- und Kompositionstheorien lehrt das Erreichen von Harmonie, nicht Kakophonie, die Kohärenz von Stimmen, nicht ihre Trennung, rhythmische Organisation, nicht Desorganisation, am Ende - die Bildung von Formen, die Konstruktion von Form und nicht Formlosigkeit . Und sie strebt danach, universelle Kompositionsregeln zu entwickeln, die sich nicht je nach der konkreten Idee eines bestimmten Werks ändern. Demnach ist die Wissenschaft der musikalischen Form die Wissenschaft der musikalischen Schönheit, der ideellen, „besonderen“ Schicht des Inhalts der Musik.

Der Inhalt, die Semantik der musikalischen Form als historisch typisierte Komposition (II) wird auf der Grundlage des gleichen sprachlichen Mechanismus gebildet wie die Semantik Musik Genre. Genreformen sind die gregorianische Messe, mittelalterliches Rondo, Virele, Ballata, Le und andere, die Genrefärbung ist klassische zwei- und dreiteilige "Liedformen", "Adagioform" und andere. Die Semantik musikalischer Formen wird maßgeblich von ästhetischen, künstlerische Ideen die Ära, die die Entstehung der einen oder anderen Form beeinflusste oder zur Blüte führte. Zum Beispiel enthalten die Mischformen des 19. Jahrhunderts, die in der Ära des figurativen und konstruktiven Einflusses auf die Musik der poetischen Gattungen von Balladen, Gedichten, die Semantik der Erzählung über ungewöhnliche Ereignisse mit wundersamen Verwandlungen (Verwandlungen), mit ein stürmisches, kulminierendes Ende. Die semantische Etablierung typischer, historisch ausgewählter musikalischer Formen ist das methodische Merkmal dieses Lehrbuchs.

Die musikalische Form als individuelle Komposition eines Werkes (III) tritt in zwei Hauptfällen auf: 1) Konkretisierung einer historisch typisierten Form, 2) einer individuellen, untypisierten Form. In beiden Fällen wird die sinnvolle Bedeutung der Form von der lebhaft ursprünglichen Idee der Komposition bestimmt. So hat Chopins Nocturne in c-moll, geschrieben in einer typisch komplexen dreiteiligen Form, ein seltenes Merkmal – eine transformierte Reprise, die sich im romantischen Plot-Poem-Denken des 19. Jahrhunderts widerspiegelte. Und die untypisierte Form beispielsweise des Dritten Quartetts von Gubaidulina entspringt der einzigartigen Idee des Zusammenspiels von Klangausdrucksarten beim Pizzicato- und Bogenspiel.

Von den drei Inhaltsebenen der musikalischen Form ist die erste, die Metaebene, universell und in allen musikalischen Werken vorhanden. Die zweite, im semiotischen Sinne der Gattungskategorie nahestehende, semantisch klarste, ist historisch lokal. Die dritte Ebene ist unverzichtbar, aber ihre Abstufungen reichen von einer minimalen Abweichung vom Standard der Standardform bis hin zu einer unnachahmlichen, einzigartigen musikalischen Komposition. 46. ​​​​Textur als Element der Musiksprache.

Rechnung (lat. factura - Gerät, Struktur) - typische Weise Entwurf einer polyphonen Musikkomposition in einem der (polyphonen) Musiklager. In der russischen Musikwissenschaft wird der (metaphorische) Begriff „musikalischer Stoff“ oft als Synonym für Textur verwendet. Beispielsweise beschreibt der Ausdruck „Chortextur“ die typische Zusammensetzung des musikalischen Gewebes in monorhythmischen Arrangements. Kirchenlieder("Choralakh") I.S. Bach und andere Barockkomponisten, "arpeggierte Textur" - in den Klaviersonaten von D. Scarlatti, Pointillismus - Textur, bestehend aus "isolierten" Tönen, die auf einzelne Stimmen oder Instrumente verteilt sind, in der Musik von A. Webern usw.

Der Begriff der Textur ist eng mit dem Konzept eines musikalischen Lagerhauses verbunden, das sich in typischen Phrasen ausdrückt, z. B. „alte homophone Textur“, „polyphone Textur“, „heterophone Textur“ usw. 47. Melodie als Element der Tonsprache.

Um Musik zu verstehen, sind drei Dinge notwendig, zwei davon liegen auf der Hand, das dritte nicht.

Die erste notwendige Sache ist die Fähigkeit, Elemente der musikalischen Sprache nach Gehör zu unterscheiden - dynamisch, klanglich, rhythmisch, melodisch, harmonisch, polyphon, strukturell. Sie sollten keine Angst vor diesen besonderen Wörtern haben - alles ist nicht so schwierig.

Dynamische Elemente sind die offensichtlichsten. Die Musik kann leise oder laut sein, und der Ton kann ein- oder ausgeblendet werden.

Klangfarbenelemente sind das, was zum Beispiel die Klänge verschiedener Musikinstrumente voneinander unterscheidet. Wir können mit minimaler musikalischer Erfahrung den Klang einer Violine unmissverständlich von dem Klang eines Klaviers unterscheiden. Lassen Sie uns als erste Annäherung zustimmen, dass die Klangfarbe das ist, was uns verschiedene Klangquellen erkennen lässt – die Stimme einer Flöte und die Stimme einer Harfe, die Stimme der Mutter und die Stimme des Vaters.

Rhythmische Elemente sind in der einfachsten Darstellung Verhältnisse von Tondauern. Musik existiert in der Zeit, und einige Klänge dauern länger als andere. Tatsächlich ist alles viel komplizierter, aber wir beschränken uns zunächst auf eine solche Definition.

Melodische Elemente sind das Verhältnis von Klängen in der Höhe. In diesem Fall sollten die Sounds nicht gleichzeitig, sondern der Reihe nach abgespielt werden. Eigentlich ist wieder alles komplizierter, aber fürs Erste reicht diese Definition. Wenn Ihnen nicht ganz klar ist, was „Tonhöhe“ ist, dann hier eine verständliche Definition: Damit ein Ton entstehen kann, muss es einen Klangkörper geben – eine Glocke, eine Saite, eine Luftsäule in einer Röhre ( Flöte, Orgelpfeife usw.). Der Klangkörper schwingt mit der einen oder anderen Geschwindigkeit (z. B. 100 oder 500 Schwingungen pro Sekunde). Je mehr Schwingungen pro Sekunde, desto höher der Ton, wie man so schön sagt. Sogar die sogenannten "nichtmusikalischen" Menschen (obwohl es in der Natur praktisch keine solchen Menschen gibt, aber sie sagen es) unterscheiden zwischen Klängen "dick" und "dünn", "dunkel" und "hell" - das ist das Fundamentale Unterscheidung zwischen Tönen in der Tonhöhe.

Harmonische Elemente sind auch das Verhältnis von Tönen in der Höhe, aber jetzt sollten die Töne nicht der Reihe nach, sondern gleichzeitig gespielt werden. Dabei gibt es in der Regel mehr als zwei solcher gleichzeitig wiedergegebener Töne. Und tatsächlich ist wieder alles komplizierter, aber im Moment reicht dies aus, um das Wort "Harmonie" zumindest irgendwie zu verstehen.

Polyphone Elemente sind auch die gleichzeitige Wiedergabe, aber nicht einzelner Klänge, sondern zweier oder mehrerer verschiedener Melodien.

Strukturelemente sind das, was Musik Sprache und Literatur besonders ähnelt. In einem Musikstück können Sie einzelne musikalische „Wörter“, „Phrasen“, „Absätze“, „Kapitel“ hören. Aber das bedeutet nicht, dass musikalische „Wörter“ in die normale Sprache übersetzt werden, wie wir es etwa vom Spanischen ins Russische übersetzen. Und dennoch ist der musikalische Fluss nicht kontinuierlich, sondern wird in kleine und große Teile geteilt, und diese Teilung kann mit dem Gehör wahrgenommen werden.

Wenn ich jetzt plötzlich anfange, über Dynamik, Klangfarbe, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Polyphonie und Struktur zu sprechen, wissen wir schon, wovon wir reden.

Denken Sie daran, dass, wie oben erwähnt, drei Dinge erforderlich sind, um Musik zu verstehen, und bisher haben wir nur über das erste gesprochen – die Fähigkeit, Elemente der musikalischen Sprache nach Gehör zu unterscheiden.

Die moderne Musikwissenschaft nutzt die Grundprinzipien des semiotischen Zugangs zur Musik und ihrer Sprache. Die Sprache der Musik kann als eine im Verlauf der historischen Entwicklung entstandene Gesamtheit musikalischer Mittel (Elemente) betrachtet werden, die eine komplexe Struktur aufweist und als gemeinsames Kulturerbe betrachtet wird, deren Elemente alle miteinander verbunden sind.

Die umgebende Welt ist mit Klängen verschiedener Art gefüllt: Hier sind die Klänge, die der Mensch selbst ausspricht und mit Hilfe von Musikinstrumenten seine Gedanken, Erfahrungen ausdrückt, sowie Klänge, die direkt in der Natur existieren. Jedes Objekt kann Geräusche (sowohl belebte als auch unbelebte) unterschiedlicher Qualität erzeugen. Geräusche sind überall zu hören, sie können überall gehört werden: zu Hause, bei der Arbeit, am Meer, im Wald usw. Manchmal werden gewöhnliche Klänge vom Komponisten auf ein Musikstück übertragen, dann erhalten sie den Status musikalischer, was zu der Idee führt, dass Schreie, die Klänge von Affekten als musikalisch bezeichnet werden können, wenn sie in den Fluss einer musikalischen Botschaft einbezogen werden und sie erhalten eine musikalische Bedeutung.

Zu den Elementen der Sprache der Musik als besonderem Zeichensystem gehören traditionell durch Tonhöhe, Lautstärke, Dauer und Klangfarbe gekennzeichnete Klänge, die eine Melodie, Harmonie (einzelne Konsonanzen, Akkorde) ausmachen. Musikalische Klänge, die miteinander interagieren, bilden metrorhythmische Muster, werden zu einem Werk geformt, das ein bestimmtes musikalisches Bild enthält.

Ein charakteristisches Merkmal der Sprache der Musik ist das Vorhandensein verschiedener Zeichenebenen, die miteinander interagieren. Es gibt folgende Ebenen musikalischer Ausdruckskraft (Musiksprache), die ein Ebenensystem bilden: Tonhöhe (Modus, Harmonie, Klangfarben, Register, Tonalität, Melodie); rhythmisch (rhythmische Muster); kompositorische Seite (der musikalische Prozess als Ganzes): alle Mittel, die eine Komposition erzeugen; Aufführungsinterpretation (Agogik, Artikulation, Schlaganfälle und Aufführungsintonation). Die Sprache der Musik ist ein heterogenes System, das sowohl stark organisierte (harmonische Seite) als auch weniger organisierte (Dynamik) Elemente enthält.

Die Sprache der Musik ist also ein komplexes hierarchisches Mehrebenensystem, das sich durch Entwicklungstendenz, Konsistenz und die Möglichkeit der Aktualisierung der Teile, aus denen es besteht, auszeichnet. 48. Harmonie als Element der Tonsprache.

Harmonie (altgriechisch ἁρμονία - Verbindung, Ordnung; System, Harmonie; Kohärenz, Verhältnismäßigkeit, Harmonie) - ein Komplex von Begriffen der Musiktheorie. Harmonisch wird (auch in der Alltagssprache) ein Zusammenhang von Klängen genannt, der angenehm für das Ohr ist und vom Verstand erfasst wird (musikalisch-ästhetischer Begriff). In wissenschaftlicher Perspektive führt diese Idee zum kompositorischen und technischen Begriff der Harmonie als Zusammenfügung von Klängen zu Konsonanzen und deren regelmäßiger Abfolge. Harmonielehre als wissenschaftliche und pädagogisch-praktische Disziplin untersucht die Tonhöhenorganisation von Musik.

Mit dem Harmoniebegriff wird ein logisch organisiertes Tonsystem charakterisiert: Art des Modus (modale Harmonie, tonale Harmonie), Musikstil (z. charakteristische Akkorde (Harmonie als Synonym für die Wörter „Akkord, Konsonanz“).

Der Harmoniebegriff ist jedoch nicht zu verwechseln mit den Begriffen „Begleitung“, Homophonie (z. B. im Ausdruck „Melodie und Harmonie“ statt „Melodie und Begleitung“ oder statt „Melodie und Akkord“; „Polyphonie“. und Harmonie" statt "Polyphonie und Homophonie").

Klassische Komponisten sind auf der ganzen Welt bekannt. Jeder Name musikalisches Genie- eine einzigartige Individualität in der Kulturgeschichte.

Was ist klassische musik

Klassische Musik - bezaubernde Melodien, geschaffen von talentierten Autoren, die zu Recht als klassische Komponisten bezeichnet werden. Ihre Werke sind einzigartig und werden bei Interpreten und Zuhörern immer gefragt sein. Klassik ist einerseits üblich, strenge, tiefgründige Musik zu nennen, die sich nicht auf die Richtungen bezieht: Rock, Jazz, Folk, Pop, Chanson usw. Andererseits gibt es in der historischen Entwicklung der Musik eine Periode des späten XIII - frühen XX Jahrhunderts, Klassizismus genannt.

Klassische Themen zeichnen sich durch erhabene Intonation, Raffinesse, Farbvielfalt und Harmonie aus. Sie wirken sich positiv auf das emotionale Weltbild von Erwachsenen und Kindern aus.

Entwicklungsstufen der klassischen Musik. Ihre kurze Beschreibung und Hauptvertreter

In der Entwicklungsgeschichte der klassischen Musik lassen sich Etappen unterscheiden:

• Renaissance oder Renaissance - frühes 14. - letztes Viertel des 16. Jahrhunderts. In Spanien und England dauerte die Renaissance bis ins frühe 17. Jahrhundert.
• Barock - ersetzte die Renaissance und dauerte bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts. Spanien war das Zentrum des Stils.
• Klassizismus - eine Zeit der Entwicklung Europäische Kultur von Anfang des 18. bis Anfang des 19. Jahrhunderts.
• Die Romantik ist eine dem Klassizismus entgegengesetzte Richtung. Sie dauerte bis Mitte des 19. Jahrhunderts.
• Klassiker des 20. Jahrhunderts - die Moderne.

Kurze Beschreibung und Hauptvertreter der Kulturepochen

1. Renaissance - eine lange Entwicklungsperiode aller Kulturbereiche. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria komponierten und hinterließen unsterbliche Kreationen für die Nachwelt.

2. Barock - in dieser Zeit erscheinen neue Musikformen: Polyphonie, Oper. In dieser Zeit schufen Bach, Händel und Vivaldi ihre berühmten Kreationen. Bachs Fugen sind nach den Vorgaben der Klassik gebaut: obligatorische Beachtung der Kanons.

3. Klassizismus. Wiener Klassik-Komponisten, die im Zeitalter der Klassik ihre unsterblichen Schöpfungen schufen: Haydn, Mozart, Beethoven. Die Sonatenform erscheint, die Zusammensetzung des Orchesters nimmt zu. und Haydn unterscheiden sich von den schwerfälligen Werken Bachs durch ihren unkomplizierten Aufbau und die Eleganz ihrer Melodien. Es war immer noch ein Klassiker, der nach Perfektion strebte. Beethovens Kompositionen stehen am Rande der Berührung zwischen Romantik und klassische Stile. In der Musik von L. van Beethoven gibt es mehr Sinnlichkeit und Inbrunst als rationale Kanonik. So wichtige Genres wie Symphonie, Sonate, Suite, Oper ragten heraus. Beethoven begründete die Romantik.

4. Romantik. Musikalische Werke zeichnen sich durch Farbe und Dramatik aus. Es werden verschiedene Liedgenres gebildet, zum Beispiel Balladen. Klavierkompositionen von Liszt und Chopin fanden Anerkennung. Die Traditionen der Romantik wurden von Tschaikowsky, Wagner, Schubert geerbt.

5. Klassiker des 20. Jahrhunderts - geprägt vom Wunsch der Autoren nach Neuerungen in Melodien, entstanden die Begriffe Aleatorik, Atonalismus. Die Werke von Strawinsky, Rachmaninov, Glass beziehen sich auf das klassische Format.

Russische klassische Komponisten

Tschaikowsky P.I. - Russischer Komponist Musikkritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Lehrer, Dirigent. Seine Kompositionen sind die meistgespielten. Sie sind aufrichtig, leicht wahrnehmbar, spiegeln die poetische Originalität der russischen Seele wider, malerische Bilder der russischen Natur. Der Komponist schuf 6 Ballette, 10 Opern, mehr als hundert Romanzen, 6 Symphonien. Weltberühmtes Ballett“ Schwanensee“, Oper „Eugen Onegin“, „Kinderalbum“.

Rachmaninow S. V. - funktioniert hervorragender Komponist emotional und fröhlich, und einige sind inhaltlich dramatisch. Ihre Genres sind vielfältig: von kleinen Theaterstücken bis hin zu Konzerten und Opern. Die allgemein anerkannten Werke des Autors: Opern " Geizhals Ritter“, „Aleko“ nach Puschkins Gedicht „Zigeuner“, „Francesca da Rimini“ nach einer Handlung aus „ Göttliche Komödie» Dante, Gedicht „Die Glocken“; Suite "Sinfonische Tänze"; Klavierkonzerte; Vokalisierung für Singstimme mit Klavierbegleitung.

Borodin A.P. war Komponist, Lehrer, Chemiker, Arzt. Die bedeutendste Schöpfung ist die Oper „Prince Igor“ von historische Arbeit"The Tale of Igor's Campaign", das der Autor fast 18 Jahre lang geschrieben hat. Zu seinen Lebzeiten hatte Borodin keine Zeit, es fertigzustellen, nach seinem Tod vollendeten A. Glazunov und N. Rimsky-Korsakov die Oper. Toller Komponist ist der Vorfahre klassische Quartette und Sinfonien in Russland. Die „Bogatyr“-Symphonie gilt als Krönung der weltumspannenden und russischen Nationalhelden-Symphonie. Als herausragend wurden die instrumentalen Kammerquartette Erstes und Zweites Quartett ausgezeichnet. Einer der ersten, der Heldenfiguren aus der altrussischen Literatur in Romanzen einführte.

Großartige Musiker

M. P. Mussorgsky, den man als großen realistischen Komponisten bezeichnen kann, als mutigen Erneuerer, der akute soziale Probleme berührt, als exzellenten Pianisten und exzellenten Sänger. Das bedeutendste Musikalische Werke sind die Opern "Boris Godunov" nach dem dramatischen Werk von A.S. Puschkin und "Khovanshchina" - Volksmusikdrama, Hauptrolle handelnder Charakter diese Opern - die rebellischen Menschen aus verschiedenen sozialen Schichten; Kreativzyklus "Bilder einer Ausstellung", inspiriert von den Werken Hartmanns.

Glinka M.I. - ein berühmter russischer Komponist, der Begründer der klassischen Richtung in der russischen Musikkultur. Er schloss den Prozess der Gründung einer Schule russischer Komponisten ab, die auf dem Wert von Volksmusik und professioneller Musik basierte. Die Werke des Meisters sind von Liebe zum Vaterland durchdrungen, spiegeln die ideologische Ausrichtung der Menschen dieses Landes wider historische Ära. Das weltberühmte Volksdrama „Ivan Susanin“ und die Märchenoper „Ruslan und Ljudmila“ sind zu neuen Trends in der russischen Oper geworden. Symphonische Werke„Kamarinskaja“ und „Spanische Ouvertüre“ von Glinka sind die Grundlagen der russischen Symphonie.

Rimsky-Korsakov N.A. ist ein talentierter russischer Komponist, Marineoffizier, Lehrer, Publizist. Zwei Strömungen lassen sich in seinem Werk verfolgen: historisch („Die Zarenbraut“, „Pskowiter“) und fabelhaft („Sadko“, „Schneewittchen“, Suite „Scheherazade“). Unterscheidungsmerkmal Werke des Komponisten: Originalität auf der Grundlage klassischer Werte, Homophonie im harmonischen Aufbau früher Kompositionen. Seine Kompositionen haben den Stil eines Autors: originelle Orchesterlösungen mit ungewöhnlich aufgebauten Vokalpartituren, die die wichtigsten sind.

Russische klassische Komponisten versuchten, in ihren Werken das für die Nation charakteristische kognitive Denken und die Folklore widerzuspiegeln.

Europäische Kultur

Berühmte klassische Komponisten Mozart, Haydn, Beethoven lebten in der Hauptstadt musikalische Kultur damals - Wien. Genius kombiniert meisterhafte Darbietung, hervorragende kompositorische Lösungen und die Verwendung verschiedener Musikstile: von Volksweisen bis hin zu polyphonen Entwicklungen musikalische Themen. Die großen Klassiker zeichnen sich durch eine umfassende kreative Geistestätigkeit, Kompetenz, Klarheit in der Konstruktion musikalischer Formen aus. In ihren Werken sind Intellekt und Emotion, tragische und komische Komponenten, Leichtigkeit und Besonnenheit organisch miteinander verbunden.

Beethoven und Haydn tendierten zu Instrumentalkompositionen, Mozart beherrschte sowohl Opern- als auch Orchesterkompositionen meisterhaft. Beethoven war ein unübertroffener Schöpfer heroischer Werke, Haydn schätzte und setzte Humor erfolgreich ein, volkstümliche Gattungstypen in seinem Werk, Mozart war ein Universalkomponist.

Mozart ist der Schöpfer der Sonaten-Instrumentalform. Beethoven perfektionierte es, brachte es zu unübertroffenen Höhen. Die Zeit wurde zu einer Blütezeit des Quartetts. Haydn, gefolgt von Beethoven und Mozart, leisten einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung dieser Gattung.

Italienische Meister

Giuseppe Verdi - hervorragender Musiker 19. Jahrhundert entwickelte sich die traditionelle italienische Oper. Er hatte eine tadellose Handwerkskunst. Der Höhepunkt seiner kompositorischen Tätigkeit war Opernwerke„Troubadour“, „La Traviata“, „Othello“, „Aida“.

Niccolo Paganini – geboren in Nizza, eine der musikalisch begabtesten Persönlichkeiten des 18. und 19. Jahrhunderts. Er war ein Virtuose auf der Geige. Er komponierte Capricen, Sonaten, Quartette für Violine, Gitarre, Viola und Cello. Er schrieb Konzerte für Violine und Orchester.

Gioacchino Rossini - im 19. Jahrhundert gearbeitet. Autor von spirituellen und Kammermusik, komponierte 39 Opern. Herausragende Werke - "Der Barbier von Sevilla", "Othello", "Aschenputtel", "Die diebische Elster", "Semiramide".

Antonio Vivaldi ist einer von ihnen Hauptvertreter Geigenkunst des 18. Jahrhunderts. Berühmtheit erlangte er durch sein Bestes bemerkenswerte Arbeit- 4 Violinkonzerte "Jahreszeiten". Lebte ein erstaunlich produktives Leben kreatives Leben, komponierte 90 Opern.

Berühmte italienische klassische Komponisten hinterließen ein ewiges musikalisches Erbe. Ihre Kantaten, Sonaten, Serenaden, Symphonien, Opern werden mehr als einer Generation Freude bereiten.

Besonderheiten der Wahrnehmung von Musik durch ein Kind

Laut Kinderpsychologen wirkt sich das Hören guter Musik positiv auf die psycho-emotionale Entwicklung des Kindes aus. Gute Musik führt in die Kunst ein und bildet einen ästhetischen Geschmack, so denken Lehrer.

Viele bekannte Kreationen wurden von klassischen Komponisten für Kinder unter Berücksichtigung ihrer Psychologie, Wahrnehmung und der Besonderheiten des Alters geschaffen, z.

„Kinderalbum“ von Tschaikowsky P.I. für kleine Pianisten. Dieses Album ist eine Widmung an einen Neffen, der Musik liebte und sehr war begabtes Kind. Die Sammlung umfasst mehr als 20 Stücke, von denen einige auf folkloristischem Material basieren: neapolitanische Motive, russischer Tanz, Tiroler und französische Melodien. Sammlung "Kinderlieder" von Tschaikowsky P.I. designed für auditive Wahrnehmung Kinderpublikum. Aufbruchsgesänge über Frühling, Vögel, einen blühenden Garten („My garden“), über Mitleid mit Christus und Gott („Christ the baby had a garden“).

Klassiker für Kinder

Viele klassische Komponisten arbeiteten für Kinder, deren Werkliste sehr vielfältig ist.

Prokofjew S.S. „Peter und der Wolf“ ist ein symphonisches Märchen für Kinder. Dank dieses Märchens lernen Kinder die Musikinstrumente des Sinfonieorchesters kennen. Der Text der Geschichte wurde von Prokofjew selbst geschrieben.

Schumann R. „Kinderszenen“ sind musikalische Kurzgeschichten mit einfacher Handlung, geschrieben für erwachsene Darsteller, Kindheitserinnerungen.

Debussys Klavierzyklus "Children's Corner".

Ravel M. „Mutter Gans“ nach den Märchen von Ch. Perrault.

Bartok B. „Erste Schritte am Klavier“.

Fahrräder für Kinder Gavrilova S. "Für die Kleinsten"; "Helden der Märchen"; "Kinder über Tiere."

Schostakowitsch D. "Album Klavierstücke für Kinder".

Bach I.S. Notenbüchlein für Anna Magdalena Bach. Er unterrichtete seine Kinder in Musik und schuf spezielle Stücke und Übungen für sie, um technische Fähigkeiten zu entwickeln.

Haydn J. - Stammvater der klassischen Symphonie. Erstellt eine spezielle Symphonie namens "Children's". Die verwendeten Instrumente: Tonnachtigall, Rassel, Kuckuck - geben ihm einen ungewöhnlichen Klang, kindlich und provozierend.

Saint-Saens K. erfand eine Fantasie für Orchester und 2 Klaviere mit dem Titel „Karneval der Tiere“, in der er meisterhaft das Gackern von Hühnern, das Brüllen eines Löwen, die Selbstgefälligkeit eines Elefanten und seine Art der Bewegung wiedergab, mit musikalischen Mitteln ein rührend anmutiger Schwan.

Beim Komponieren von Kompositionen für Kinder und Jugendliche sorgten die großen klassischen Komponisten für Interessantes Handlungsstränge Arbeit, die Verfügbarkeit des vorgeschlagenen Materials unter Berücksichtigung des Alters des Interpreten oder Zuhörers.

Die Realisierbarkeit der Couplet-Variationsform "Glinka" wird durch ihre Verwendung durch sowjetische Komponisten belegt. Gleichzeitig werden Entwicklungstechniken, Ausdrucksmittel (insbesondere harmonische Sprache), aber die Art der Form selbst bleibt erhalten: der Anfangsabschnitt der "Kleinen Kantate" ("Girl's Chastushkas") aus Shchedrins Oper "Not Only Love".

IN Couplet-Variantenform zunächst wird der Gesangspart variiert.

Unterscheidungsmerkmale der Varianz: Eine Variante, die melodische Änderungen impliziert, erlaubt Struktur- und Tonleiteränderungen, behält aber die figurative und gattungsmäßige Einheit bei. Die Folge davon ist die relative Gleichheit von Variante und Thema, während die Variation ein abgeleitetes, sekundäres Phänomen ist, das dem Thema untergeordnet ist.

Die Kombination aus Klarheit, klarer Struktur, vielfältiger Wandlungsfähigkeit und der Fähigkeit, dem Text zu folgen, machen die Couplet-Variante zu einer der häufigsten Formen der Vokalmusik. Diese Form nimmt einen großen Platz ein Songwriting Schubert, Mahler. Aus Sowjetische Komponisten G. Sviridov wendet sich bereitwillig an sie: den Chor „Wie das Lied geboren wurde“, „In diesem Land“ aus „Das Gedicht zur Erinnerung an S. Yesenin“. Andere Beispiele sind Schuberts Gretchen am Spinnrad, Polinas Romanze aus Tschaikowskys Pique Dame.

durch Form

Die Querschnittsform entstand aus der Notwendigkeit, dass die Musik der Entwicklung der Handlung folgt. Mehr als in jeder anderen Form werden hier die bildnerischen und bildnerischen Möglichkeiten der Musik genutzt und ihre Fähigkeit, die emotionale Seite des Textes zu verstärken. Es ist kein Zufall, dass dieser Form große Aufmerksamkeit von jenen Komponisten geschenkt wurde, die besonders sensibel für die subtilsten Schattierungen von Textbildern und psychologischen Obertönen waren – Schubert, Mussorgsky. Die meisten Lieder von Liszt sind in einer durchgehenden Form geschrieben. Diese Form hat einen großen Platz in der Musik eingenommen. spätes XIX- Anfang des 20. Jahrhunderts vor allem in der Gattung "Gedichte mit Musik", die sich im Werk von Wolf verbreitete, in der russischen Musik - bei Medtner, Prokofjew, Gnesin, Tscherepnin, teilweise Rachmaninow und in Vokalwerken über Prosatexte (" das häßliche Entlein» Prokofjew).

Jede End-to-End-Form basiert auf dem Prinzip der kontinuierlichen Erneuerung Musikalisches Material nach dem Inhalt des Textes. Komponisten bemühen sich jedoch darum, bestimmte musikalische verbindende Faktoren in die Querschnittsformen einzuführen. Zu diesem Zweck wurden die Prinzipien der Reprise, des Reprisenschlusses, des durchgehenden Refrains („Leitakkorde“ des Todes in Mussorgskys „Wiegenlied“ und des Chors „bayushki, bayu, bayu“), der intonations-thematischen Verbindung der Teile des Form und tonale Organisation verwendet werden.

Beispiele für eine durchgehende Form: Schuberts „Waldkönig“, Kalinnikovs „The Stars Dim“-Chor.

Thema 14. Zyklische Formen: Suite, Sonaten-symphonischer Zyklus

Suiten

Sonate

zyklisch eine Form genannt, die aus mehreren separaten kontrastierenden Teilen besteht, die in ihrer Form unabhängig sind, aber durch ein einziges künstlerisches Konzept verbunden sind.

Die Hauptmerkmale zyklischer Formen:

♦ das Vorhandensein mehrerer Teile (von 2 bis 10),

♦ Unabhängigkeit der Form jedes Teils,

♦ separate Stimmen (eine Stimme kann separat aufgeführt werden),

♦ Tempokontrast,

♦ Kontrast in der Natur,

♦ tonale Gemeinsamkeit:

a) eine einzige Tonalität aller Stimmen,

b) Erstellen einer tonalen Reprise (Sonaten-Symphonie-Zyklus),

c) Auswahl tonaler Zentren (vorherrschende Tonarten),

♦ allgemeine Absicht:

a) ein Darstellerteam,

b) eine Gattungssphäre,

c) thematische Gemeinschaft,

d) Programm.

Zyklische Formen sind Gesang, Instrumental und Bühne.

Vokal(vokal-instrumentale) Zyklen sind unterteilt in Kantate-ora-torial(Kantate, Oratorium, Messe, Requiem, Passionen) und Kammergesang(Stimmzyklen).

Phasenzyklen: Oper und Ballett.

Werkzeugzyklen

Es gibt zwei Haupttypen zyklischer Formen: die Suite und den Sonaten-Symphonie-Zyklus. Die Eigenständigkeit der Teile des Zyklus wird dadurch bestimmt, dass sie getrennt aufgeführt werden können (Tänze von Suiten, Teile von Sonaten oder Sinfonien).

Suite (Serie, Sequenz) - ein zyklisches Werk, bestehend aus unabhängigen, in Charakter und Tempo kontrastierenden Teilen eines Tanz- oder Genrecharakters. Der Wechsel der Stimmen in einer Suite ist nicht streng, und ihre Anzahl ist nicht geregelt. Oft sind alle Stimmen in der gleichen Tonart geschrieben.

Die Suite hat mehrere historisch festgelegte Typen. Die antike (barocke) Suite entstand schließlich Mitte des 17. Jahrhunderts. - die erste Hälfte des XVIII Jahrhunderts. in der Arbeit von Komponisten verschiedener nationale Schulen: Froberger, Händel, Corelli, Couperin, Rameau usw. In verschiedenen Ländern hieß es anders: in Deutschland - Partita, in England - Unterricht, in Frankreich - Ouvertüre, in Italien - Sonata da camera, Ballett.

Für Suiten des 17. Jahrhunderts. und früher war die thematische Gemeinschaft der Tänze üblich, aber im 18. Jahrhundert. es ist vergleichsweise selten geworden (nicht bei Bach, zu finden bei Händel). Suitentänze schon seit Mitte des 17. Jahrhunderts. verloren ihren angewandten Charakter und im 18. Jahrhundert. ihre Form wurde viel komplizierter, obwohl sich kleine Formen durchsetzten (einfache 2- und 3-stimmige, zusammengesetzte Form, Starosonate, Konzert und Kontrastkomposit).

Die Grundlage der alten Suite des XVII-XVIII Jahrhunderts. bestand aus 4 Tänzen: Allemande, Courant, Sarabande und Jig. Im Zyklus wurden ruhig-langsame Tänze lebhaft-schnellen zweimal gegenübergestellt:

1) allemanda - mäßig langsames Tempo,

2) Glockenspiel - mäßig schnell,

3) Sarabande - sehr langsam,

4) Vorrichtung - sehr schnell.

Allemande - zweiteiliger (Größe 4/4) geschmeidiger Reigentanz in moderatem Tempo, Deutsche Abstammung. Es beginnt wegen des Taktes (bis XVII Jahrhundert) mit einem Achtel oder Sechzehntel Dauer. Was die Anzahl der Stimmen betrifft, ist die Allemande häufiger vierstimmig, mit einer Fülle von Untertönen und Imitationen. Gleichzeitig glättet die polyphone Entwicklung die Tanzbarkeit des Rhythmus. Die Form der Allemande ist eine alte zweistimmige (Teil II - umgekehrte Version von Teil I).

Kurant − dreifacher (3/4 oder 3/2) Tanz Französische Abstammung. Das Tempo ist moderat oder schnell. typischer Rhythmus. Zusammen mit der Allemande am Anfang. 18. Jahrhundert Die Courante ging außer Gebrauch und diente als Stilisierungsobjekt (Bach). Durch die Anzahl der Stimmen ist das Glockenspiel normalerweise zweistimmig. Das Formular ist einfach zweiteilig (am Ende - eine Art Reprise).

Sarabande - dreifacher (3/4 oder 3/2) Tanz spanischen Ursprungs. Kein Initialkick. Typische rhythmische Muster:

in Kadenzen - . Der Wechsel der Harmonien betont den Grundtyp des Rhythmus. Die Sarabande wird von einem Akkordlager (homophon-harmonische Textur) dominiert. Die Form ist tendenziell dreigliedrig (Reprise ist ausgeprägter).

Gigue − schneller Dreiertanz (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16). Englischer Herkunft. Häufige Treffer. Oft einer Fugenentwicklung unterzogen, einschließlich der Umkehrung des Themas im zweiten Teil, je nach Stimmenzahl zwei- oder dreistimmig. Das Formular ist ein einfacher dreiteiliger.

Zusätzlich zu den Haupttänzen werden oft zusätzliche Stücke in die Suite eingeführt:

1) einige Tänze hatten ein Double (Variante), eine Art ornamentale Variation;

2) Vor der Allemande steht ein Präludium (Präambel, Ouvertüre, Toccata, Fantasie, Sinfonia); ein solches Stück kann ein kleiner zwei- oder dreiteiliger Zyklus sein;

3) Innerhalb der Suite (normalerweise zwischen der Sarabande und der Gigue) werden andere Tänze platziert - Menuett, Gavotte, Bourre, Paspier, Rondo, Burleske, Scherzo, Capriccio oder Theaterstücke (Arie).

Von den anderen zyklischen Formen verbreiteten sich im Barock die Sonate und das Konzert.

Klassische Musik im mp3

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