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Über Gitarrenkunst und Ausbildung von Gitarristen. Ein kurzer Abriss über die Geschichte der Gitarre Gitarrenkunst und ihre Erforschung

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Kulturministerium der Ukraine

Staatliche Kulturakademie Charkiw

für die Zulassung zum Studium mit dem Abschluss "Master"

Gitarrenkunst als historisches Phänomen der Musikkultur

Pichulja Taras Olegowitsch

Charkiw 2015

Planen

Einführung

1. Voraussetzungen für die Ausbildung und Entwicklung des Spiels der klassischen Gitarre

1.1 Die Geschichte der Entstehung, Entwicklung und Verbesserung des Gitarrenspiels

1.2 Die Entstehung der Gitarrenkunst in der UdSSR und in Russland

2. Die Entstehungs- und Entwicklungsgeschichte des Pop Jazzrichtung in Kunst

2.1 Arten von Gitarren, die in der Pop-Jazz-Kunst verwendet werden

2.2 Die Hauptrichtungen der Pop-Jazz-Performance der 60-70er Jahre

Literaturverzeichnis

INDirigieren

Musikalische Kunst des XX Jahrhunderts. schnell und rasant entwickelt. Die Hauptmerkmale dieser Entwicklung waren die Assimilation verschiedener Stile und Strömungen, die Herausbildung einer neuen Musiksprache, neue Kompositionsprinzipien, Formgebung und die Herausbildung verschiedener ästhetischer Plattformen. An diesem Prozess sind nicht nur Komponisten, Interpreten, Kunsthistoriker beteiligt, sondern auch Millionen Zuhörer, für die musikalische Werke geschaffen werden.

Die Aktualität des Themas ergibt sich aus der Betrachtung klassischer und Pop-Jazz-Instrumentalmusik aus Sicht der evolutionären Entwicklung der Gitarrenkunst, also der Herausbildung neuer Gattungen und Strömungen.

Ziel der Studie ist es, klassische und Pop-Jazz-Instrumentalmusik, ihren Einfluss auf die Bildung neuer Stile, Aufführungskompetenzen und zu betrachten Gitarrenkultur im Allgemeinen.

Forschungsschwerpunkte:

1) Betrachten Sie die Geschichte der Entstehung, Entwicklung und Bildung der Gitarrenkultur in Europa, Russland und der UdSSR.

2) Betrachten Sie die Ursprünge, den Ursprung und die Bildung neuer Stile in der Pop-Jazz-Kunst.

Gegenstand der Forschung ist die Entstehung klassischer und Pop-Jazz-Instrumentalmusik.

Die methodische Grundlage der Arbeit ist die Methode der Intonationsanalyse, die sich auf die Einheit von musikalischen und sprachlichen Prinzipien als Grundlage europäischer, afrikanischer und russischer künstlerischer Traditionen konzentriert.

Die wissenschaftliche Neuartigkeit der Arbeit liegt darin, dass es sich bei der Arbeit um eine Untersuchung der Entstehung und Entwicklung der Gitarrenkunst und ihres Einflusses auf die Entstehung der Gitarrenkultur handelt.

Der praktische Wert der Arbeit liegt in der Möglichkeit, ihre Materialien im Prozess des Studiums historischer und theoretischer Musikdisziplinen zu verwenden.

1. VoraussetzungenFormationUndEntwicklungSpieleAnklassischGitarre

1.1 Die Geschichte der Entstehung, Entwicklung und Verbesserung des Gitarrenspiels

Die Entstehungs-, Entwicklungs- und Verbesserungsgeschichte dieses Musikinstruments ist so verblüffend und geheimnisvoll, dass sie eher einem spannenden Krimi gleicht. Die ersten Informationen über die Gitarre stammen aus der Antike. Auf den ägyptischen Denkmälern von vor tausend Jahren gibt es Bilder eines Musikinstruments – „Nabla“, das wie eine Gitarre aussieht. Auch in Asien war die Gitarre weit verbreitet, was die Abbildungen auf den Baudenkmälern von Assyrien, Babylon und Phönizien bestätigen. Im 13. Jahrhundert brachten die Araber sie nach Spanien, wo sie bald volle Anerkennung fand. Ende des 15. Jahrhunderts begannen die wohlhabenden Familien Spaniens, in der Förderung der Wissenschaften und der Kunst miteinander zu konkurrieren. Die Gitarre wird neben der Laute und anderen Zupfinstrumenten zu einem beliebten Instrument an Höfen. Im kulturellen Leben Spaniens spielten ab dem 16. Jahrhundert zahlreiche Vereine, Akademien, Zirkel und Versammlungen – „Salons“, die regelmäßig stattfanden – eine wichtige Rolle. Von da an drang die Leidenschaft für Zupfinstrumente in die breite Masse des Volkes, und für sie wurde spezielle Musikliteratur geschaffen. Die Namen der Komponisten, die sie vertraten, bilden eine lange Reihe: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz und viele andere.

Nach einem langen Entwicklungsweg hat die Gitarre ein modernes Aussehen angenommen. Bis zum 18. Jahrhundert war er kleiner und sein Körper eher schmal und langgestreckt. Zunächst waren fünf Saiten auf dem Instrument gesetzt, in Quarten gestimmt, wie bei einer Laute. Später wurde die Gitarre sechssaitig, mit einer Stimmung, die besser zum Spielen in offenen Positionen geeignet ist, um den Klang der offenen Saiten besser auszunutzen. So erhielt die Gitarre Mitte des 19. Jahrhunderts ihre endgültige Form. Darauf erschienen sechs Saiten mit einem System: mi, si, salt, re, la, mi.

Die Gitarre erlangte große Popularität in Europa und wurde in die Länder Nord- und Südamerikas gebracht. Wie ist eine so weit verbreitete Verwendung der Gitarre zu erklären? Vor allem, weil es großes Potenzial hat: Es kann solo gespielt werden, begleitet von Gesang, Violine, Cello, Flöte, es ist in verschiedenen Orchestern und Ensembles zu finden. Kleine Abmessungen und die Möglichkeit der leichten Bewegung im Raum und vor allem ein ungewöhnlich wohlklingender, tiefer und gleichzeitig transparenter Klang rechtfertigen die Liebe zu diesem universellen Musikinstrument bei einer breiten Palette von Bewunderern, vom romantischen Touristen bis zum professionellen Musiker.

Ende des 18. Jahrhunderts tauchten in Spanien Komponisten und Virtuosen auf

F. Sor und D. Aguado, gleichzeitig mit ihnen in Italien - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi und andere. Sie schaffen ein umfangreiches Konzertrepertoire für die Gitarre, das von kleinen Stücken bis zu Sonaten und Konzerten mit Orchester reicht, sowie wunderbare "Schulen für das Spiel der sechssaitigen Gitarre", ein umfangreiches pädagogisches und aufbauendes Repertoire. Obwohl seit den ersten Veröffentlichungen dieser pädagogischen Literatur fast zweihundert Jahre vergangen sind, ist sie immer noch ein wertvolles Erbe für Lehrer und Schüler.

Komponist Sor gibt mit großem Erfolg Konzerte in Städten Westeuropa und Russland. Seine Ballette „Aschenputtel“, „Der Lubok als Maler“, „Herkules“ und „Omphale“ sowie die Oper „Telemachus“ wurden mehrfach in St. Petersburg, Moskau und großen Städten Westeuropas aufgeführt. Polyphoner Stil, reiche Vorstellungskraft und inhaltliche Tiefe charakterisieren Soras Arbeit. Dies ist ein gebildeter Musiker-Komponist, ein virtuoser Gitarrist, der durch die Tiefe seiner Darbietung und die Brillanz seiner Technik beeindruckte. Seine Kompositionen sind fest in das Repertoire der Gitarristen eingegangen. Der Italiener Giuliani ist einer der Gründer der italienischen Gitarrenschule. Er war ein brillanter Gitarrist und auch ein perfekter Geiger. Als 1813 Beethovens siebte Sinfonie unter der Leitung des Autors zum ersten Mal in Wien aufgeführt wurde, wirkte Giuliani als Geiger an der Aufführung mit. Beethoven schätzte Giuliani als Komponist und Musiker sehr. Seine Sonaten, Konzerte mit Orchester werden von modernen Gitarristen aufgeführt, und pädagogische Literatur ist ein wertvolles Erbe für Lehrer und Schüler.

Ich möchte besonders auf die berühmteste und am häufigsten in unserem Land veröffentlichte „Schule für das Spielen der sechssaitigen Gitarre“ des berühmten italienischen Gitarristen-Lehrers, des Komponisten M. Carcassi, eingehen. Im Vorwort zur „Schule“ sagt der Autor: „... Ich hatte nicht die Absicht, eine wissenschaftliche Arbeit zu schreiben. Ich wollte nur das Erlernen der Gitarre erleichtern, indem ich einen Plan aufstellte, der es ermöglichen könnte, sich mit allen Eigenschaften dieses Instruments vertraut zu machen. Nach diesen Worten ist klar, dass M. Carcassi es sich nicht zur Aufgabe gemacht hat, ein universelles Handbuch zum Erlernen des Gitarrenspiels zu erstellen, und es ist auch kaum möglich. Die "Schule" gibt eine Reihe wertvoller Anleitungen zur Technik der linken und rechten Hand, zu verschiedenen charakteristischen Methoden des Gitarrenspiels, zum Spielen in verschiedenen Lagen und Tonarten. Musikbeispiele und Stücke werden nacheinander in aufsteigender Schwierigkeitsstufe gegeben, sie sind mit großem Können als Komponist und Lehrer geschrieben und haben dennoch einen großen Wert als Unterrichtsmaterial.

Obwohl diese "Schule" aus heutiger Sicht eine Reihe schwerwiegender Mängel aufweist. Zum Beispiel wurde einer so wichtigen Technik des Spielens der rechten Hand wie dem Apoyando (Spielen mit Unterstützung) wenig Aufmerksamkeit geschenkt; die Musiksprache, angelehnt an die Musik der westeuropäischen Tradition des 18. Jahrhunderts, ist etwas eintönig; Die Fragen der Entwicklung des Fingersatzes, des melodisch-harmonischen Denkens werden praktisch nicht berührt, wir sprechen nur über die richtige Platzierung der Finger der linken und rechten Hand, wodurch wir viele technische Schwierigkeiten bei der Aufführung lösen, den Klang und die Phrasierung verbessern können , usw.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts tauchte ein neuer glänzender Name des spanischen Komponisten, virtuosen Solisten und Lehrers Francisco Tarrega in der Geschichte der Gitarre auf. Er entwickelt seinen eigenen Schreibstil. In seinen Händen verwandelt sich die Gitarre in ein kleines Orchester.

Die Aufführungsarbeit dieses bemerkenswerten Musikers beeinflusste die Arbeit seiner Freunde - Komponisten: Albeniz, Granados, de Falla und andere. In ihren Klavierwerken hört man oft Gitarrenimitationen. Die schlechte Gesundheit gab Tarrega keine Gelegenheit, Konzerte zu geben, also widmete er sich dem Unterrichten. Wir können mit Sicherheit sagen, dass Tarrega seine eigene Schule des Gitarrenspiels geschaffen hat. Zu seinen besten Schülern gehören Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe und andere berühmte Konzertspieler. Bisher erschienen die „Schools“ von E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens und P. Rocha, basierend auf der Tarrega-Lehrmethode. Betrachten wir diese Methode am Beispiel der „School of Playing the Six-String Guitar“ des berühmten spanischen Gitarristen, Pädagogen und Musikwissenschaftlers E. Pujol näher. Eine Besonderheit der „Schule“ ist eine großzügige und detaillierte Präsentation aller wesentlichen „Geheimnisse“ des klassischen Gitarrenspiels. Die wichtigsten Aspekte der Gitarrentechnik wurden sorgfältig entwickelt: die Position der Hände, das Instrument, die Methoden der Klangerzeugung, Spieltechniken usw. Die Reihenfolge der Anordnung des Materials trägt zur systematischen technischen und künstlerischen Vorbereitung des Gitarristen bei. Die „Schule“ ist vollständig auf dem musikalischen Originalmaterial aufgebaut: Fast alle Etüden und Übungen wurden vom Autor (unter Berücksichtigung der Methodik von F. Tarrega) speziell für die entsprechenden Abschnitte komponiert.

Besonders wertvoll ist, dass diese pädagogische Publikation nicht nur die Schwierigkeiten beim Gitarrenspiel beschreibt, sondern auch detailliert beschreibt, wie man sie überwindet. Insbesondere der Problematik des richtigen Fingersatzes beim Spiel mit rechter und linker Hand, sowie Spieltechniken in unterschiedlichen Lagen, diversen Bewegungen, Verschiebungen der linken Hand wird viel Aufmerksamkeit geschenkt, was sicherlich zur Entwicklung beiträgt des Fingersatzdenkens. Die Wirksamkeit von Pujols "Schule" wird insbesondere durch die Praxis seiner Verwendung in einer Reihe von Bildungseinrichtungen in unserem Land, Europa und Amerika bestätigt.

Von großer Bedeutung für die Entwicklung der weltweiten Gitarrenkunst war die kreative Tätigkeit des größten spanischen Gitarristen des 20. Jahrhunderts. André Segovia. Die herausragende Bedeutung seiner Rolle in der Entwicklungsgeschichte des Instruments lag nicht nur in seiner darstellerischen und pädagogischen Begabung, sondern auch in seinen Fähigkeiten als Organisator und Propagandist. Der Forscher M. Weisbord schreibt: „…um die Gitarre als Konzertinstrument zu etablieren, fehlte ihr, was beispielsweise das Klavier oder die Violine besaßen – ein hochkünstlerisches Repertoire. Das historische Verdienst von Andres Segovia liegt vor allem in der Schaffung eines solchen Repertoires …“. Und weiter: „M. Ponce (Mexiko), M.K. Tedesco (Italien), J. Ibert, A. Roussel (Frankreich), K. Pedrel (Argentinien), A. Tansman (Polen) und D. Duart (England), R. Smith (Schweden)…“. Aus dieser kleinen und bei weitem nicht vollständigen Liste von Komponisten geht hervor, dass es A. Segovia zu verdanken war, dass sich die Geographie professioneller Kompositionen für klassische Gitarre schnell ausdehnte und dieses Instrument im Laufe der Zeit die Aufmerksamkeit vieler herausragender Künstler auf sich zog - E. Vila Lobos, B. Britten. Andererseits gibt es ganze Konstellationen talentierter Komponisten, die auch professionelle Interpreten sind - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin usw.

1. 2 FormationGitarreKunstvUdSSRUndRussland

Heute tourte er erfolgreich durch viele Länder der Welt, darunter vier Besuche in der UdSSR (1926 und 1935, 1936) Er führte Werke klassischer Gitarristen auf: Sora, Giuliani, Transkriptionen von Werken von Tschaikowsky, Schubert, Haydn und Original Werke spanischer Komponisten: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco und andere Komponisten. Segovia hatte viele Treffen mit sowjetischen Gitarristen, auf deren Fragen er bereitwillig antwortete. In Gesprächen über die Technik des Gitarrenspiels wies Segovia auf die besondere Bedeutung nicht nur des Händesetzens, sondern auch des richtigen Einsatzes des Fingersatzes hin. Die Gitarre hat in der Musikkunst Russlands starke Spuren hinterlassen. Der Akademiker J. Shtelin, der von 1735 bis 1785 in Moskau lebte, schrieb, dass sich die Gitarre in Russland langsam verbreitete, aber mit dem Erscheinen der virtuosen Gitarristen Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani und anderen unter anderen Gastdarstellern dieses Werkzeug ist Sympathie zu gewinnen und ist weit verbreitet.

Als in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Russland eine originale siebensaitige Variante mit einem auf eine Oktave verdoppelten G-Dur-Dreiklang und einer um eine Quart versetzten tieferen Saite erworben wurde, erwies sich die Gitarre als optimal für die Bassakkord-Begleitung geeignet eines urbanen Liedes und einer Romanze.

Die wahre Blüte der professionellen Darbietung auf diesem Instrument beginnt dank der kreativen Tätigkeit des herausragenden Lehrer-Gitarristen Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Als ausgebildeter Harfenist widmete er sein ganzes Leben der Förderung der siebensaitigen Gitarre - in seiner Jugend beschäftigte er sich mit Konzerttätigkeit, dann mit Pädagogik und Aufklärung. 1802 begann die Veröffentlichung von A. Sikhras Journal for the Seven-String Guitar in St. Petersburg mit Arrangements russischer Volkslieder und Arrangements musikalischer Klassiker. In den folgenden Jahrzehnten, bis 1838, veröffentlichte der Musiker eine Reihe ähnlicher Zeitschriften, die zu einer deutlichen Steigerung der Popularität des Instruments A.O. Sychra zog eine große Anzahl von Schülern auf und weckte ihr Interesse am Komponieren von Musik für die Gitarre, insbesondere Variationen über Themen von Volksliedmelodien. Die berühmtesten seiner Schüler sind S.N. Aksenov, W.I. Morkov, V.S. Sarenko, FM Zimmerman und andere - hinterließen viele Theaterstücke und Arrangements russischer Lieder. Die Tätigkeit von Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) war von großer Bedeutung für die Entwicklung des professionell-akademischen russischen Gitarrenspiels. Die erste Person, die ihn mit der Gitarre bekannt machte, war S.N. Aksenov wurde er auch sein Mentor.

Seit etwa 1813 ist der Name M.T. Vysotsky wurde weithin populär. Sein Spiel zeichnete sich durch einen originellen Improvisationsstil aus, einen kühnen Höhenflug kreativer Phantasie in wechselnden Volksliedmelodien. MT Vysotsky ist ein Vertreter der improvisatorischen auditiven Aufführungsart – darin steht er der traditionellen russischen Volksmusik nahe. Über andere Vertreter der russischen Gitarrenperformance, die zur Entwicklung der nationalen Musikschule beigetragen haben, kann viel gesagt werden, aber dies ist ein separates Gespräch. Die echte russische Schule zeichnete sich durch folgende Merkmale aus: Klarheit der Artikulation, schöner musikalischer Ton, Konzentration auf die melodischen Fähigkeiten des Instruments und die Schaffung eines spezifischen Repertoires, das in vielerlei Hinsicht einzigartig ist, eine fortschrittliche Methode zur Verwendung spezieller Fingersätze "Rohlinge". , Versuche und Kadenzen, die die Fähigkeiten des Instruments offenbaren.

Das Spielsystem des Instruments beinhaltete das Spielen Musikalische Funktionen, Intonationen und ihre Adressen, die in jeder Tonart separat gespeichert wurden und eine unvorhersehbare Stimmbewegung hatten. Oft wurden solche individuellen Fingersätze, melodisch-harmonischen „Leerzeichen“ eifrig gehütet und nur an die besten Schüler weitergegeben. Improvisation wurde nicht speziell studiert, sie war das Ergebnis einer gemeinsamen technischen Basis, und ein guter Gitarrist war in der Lage, die vertrauten Intonationen eines Liedes mit einer harmonischen Abfolge zu kombinieren. Eine Reihe verschiedener Kadenzen umgab oft eine musikalische Phrase und gab dem musikalischen Stoff eine besondere Färbung. Eine solch erfinderische Lehrmethode scheint eine rein russische Entdeckung gewesen zu sein und findet sich nirgendwo in ausländischen Werken dieser Zeit. Leider die Traditionen der russischen Gitarrenperformance des XVIII-XIX Jahrhunderts. wurden zu Unrecht vergessen, und nur dank der Bemühungen von Enthusiasten ändert sich die Situation in dieser Richtung zum Besseren.

Die Gitarrenkunst entwickelte sich auch in der Sowjetzeit, obwohl die Haltung der Behörden zur Entwicklung dieses Musikinstruments, gelinde gesagt, kühl war. Es ist schwer, die Rolle des herausragenden Lehrers, Interpreten und Komponisten A.M. Ivanov-Kramskoy. Seine Spielschule sowie die Schule des Gitarristen und Lehrers P.A. Agafoshina ist ein unverzichtbares Lehrmittel für junge Gitarristen. Эту деятельность блестяще продолжают их многочисленные ученики и последователи: Е. Ларичев, Н. Комолятов, А. Фраучи, В. Козлов, Н. Кошкин, А. Виницкий (классическая гитара в джазе), С. Руднев (классическая гитара в русском стиле) und viele andere.

Gitarre klassischer Pop-Jazz

2. GeschichteAuftretenUndEvolutionPop-JazzRichtungenvKunst

2.1 Arten von Gitarren, die in der Pop-Jazz-Kunst verwendet werden

In der modernen Popmusik werden hauptsächlich vier Arten von Gitarren verwendet:

1. Flat Top (Flat Top) - die übliche Folk-Gitarre mit Metallsaiten.

2. Classical (Classical) - klassische Gitarre mit Nylonsaiten.

3. Arch Top (Arch Top) – eine Jazzgitarre, geformt wie eine vergrößerte Geige mit „efs“ an den Rändern des Resonanzbodens.

4. E-Gitarre - eine Gitarre mit elektromagnetischen Tonabnehmern und einem monolithischen Holzdeck (Bar).

Noch vor 120-130 Jahren war in Europa und Amerika nur ein Gitarrentyp beliebt. Verschiedene Länder verwendeten unterschiedliche Stimmsysteme, und an manchen Orten änderten sie sogar die Anzahl der Saiten (in Russland gab es beispielsweise sieben statt sechs Saiten). Aber in der Form waren sich alle Gitarren sehr ähnlich - relativ symmetrische obere und untere Teile des Korpus, die am 12. Bund mit dem Hals zusammenlaufen.

Kleine Größe, geschlitzte Handfläche, breiter Hals, fächerförmige Federn usw. - all das zeichnete diesen Gitarrentyp aus. Tatsächlich ähnelt obiges Instrument in Form und Inhalt der heutigen klassischen Gitarre. Und die Form der heutigen klassischen Gitarre gehört dem spanischen Meister Torres, der vor etwa 120 Jahren lebte.

Ende des letzten Jahrhunderts begann die Gitarre dramatisch an Popularität zu gewinnen. Wenn vorher Gitarren nur in Privathäusern und Salons gespielt wurden, tauchte die Gitarre Ende des letzten Jahrhunderts auf Bühnen auf. Der Ton musste verstärkt werden. Damals gab es eine klarere Trennung zwischen den Klassikern und dem, was heute am häufigsten Volksgitarre oder Western genannt wird. Die Technologie begann, Metallsaiten herzustellen, die lauter klangen.

Darüber hinaus wurde das Gehäuse selbst größer, wodurch der Klang tiefer und lauter werden konnte. Allein gelassen ernstes Problem- Die starke Spannung der Metallsaiten tötete tatsächlich das Oberdeck, und die Verdickung der Schalenwände tötete am Ende die Vibration und damit den Klang. Und dann wurde die berühmte X-förmige Federhalterung erfunden. Die Federn wurden kreuzweise verklebt, was die Festigkeit des Oberdecks erhöht, es aber schwingen lässt.

So gab es eine klare Trennung - die klassische Gitarre, die sich seitdem nicht wesentlich verändert hat (nur die Saiten wurden aus Kunststoff und nicht wie früher aus Sehnen hergestellt) und die Folk-Western-Gitarre, die mehrere hatte Formen, ging aber fast immer mit X-förmigen Federn, Metallsaiten, vergrößertem Körper und so weiter.

Gleichzeitig entwickelte sich ein anderer Gitarrentyp - die „Arch Top“ (Bogendecke). Was ist es? Während Unternehmen wie Martin das Problem der Klangverstärkung durch Anbringen von Federn angingen, gingen Unternehmen wie Gibson den anderen Weg und stellten Gitarren her, die wie Geigen geformt und gebaut wurden. Solche Instrumente zeichneten sich durch einen gebogenen oberen Resonanzboden, einen Sattel, der wie ein Kontrabass aussah, und einen Saitenhalter aus. In der Regel hatten diese Instrumente Geigenausschnitte an den Rändern des Resonanzbodens anstelle des traditionellen runden Lochs in der Mitte. Diese Gitarren hatten einen Sound, der nicht warm und tief, sondern ausgewogen und druckvoll war. Bei einer solchen Gitarre war jeder Ton klar hörbar, und Jazzer merkten schnell, was „ ein dunkles Pferd erschienen in ihrem Blickfeld. Dem Jazz verdanken "Archtops" ihre Popularität, für die sie den Spitznamen "Jazzgitarren" erhielten. In den 1930er und 1940er Jahren begann sich die Situation zu ändern – hauptsächlich aufgrund des Aufkommens hochwertiger Mikrofone und Tonabnehmer. Darüber hinaus betrat ein neuer populärer Musikstil, der Blues, die Arena und eroberte sofort die Welt. Wie Sie wissen, entwickelte sich der Blues hauptsächlich durch die Bemühungen armer schwarzer Musiker. Sie spielten es in jeder Hinsicht mit Fingern, Plektren und sogar Bierflaschen (Bierflaschenhälse waren die direkten Vorfahren moderner Slides). Diese Leute hatten kein Geld für teure Instrumente, sie hatten nicht immer die Möglichkeit, sich neue Saiten zu kaufen, was für Jazzgitarren gibt es? Und sie spielten, was sie mussten, meistens auf gebräuchlicheren Instrumenten – Western. In jenen Jahren produzierte die Firma Gibson neben teuren „Archtops“ auch eine große Auswahl an „Consumer“-Folkgitarren. Die Situation auf dem Markt war so, dass Gibson fast das einzige Unternehmen war, das billige, aber qualitativ hochwertige Folk-Gitarren herstellte. Es ist logisch, dass die meisten Blueser aus Geldmangel für etwas Perfekteres die Gibsons in die Hand genommen haben. Also bis jetzt haben sie sich nicht von ihnen getrennt.

Was ist mit Jazzgitarren passiert? Mit dem Aufkommen von Tonabnehmern stellte sich heraus, dass der ausgewogene und klare Klang dieser Art von Instrumenten am besten zum Verstärkersystem der damaligen Zeit passte. Obwohl die Jazzgitarre absolut nichts mit der modernen Fender oder Ibanez zu tun hat, hätte Leo Fender wahrscheinlich nie seine Telecaster und Stratocaster gebaut, wenn ich nicht zuerst mit Jazzgitarren und Tonabnehmern experimentiert hätte. Übrigens wurde später auch Electric Blues gespielt und wird auf Jazzinstrumenten mit Tonabnehmern gespielt, nur die Dicke des Korpus in ihnen wurde reduziert. Ein anschauliches Beispiel dafür ist B.B. King und seine berühmte gitarre"Lussil" (Lussil), die viele heute als Standard-E-Blues-Gitarre betrachten.

Die ersten bekannten Experimente zur Verstärkung eines Gitarrenklangs mit Elektrizität gehen auf das Jahr 1923 zurück, als der Ingenieur und Erfinder Lloyd Loar einen elektrostatischen Tonabnehmer erfand, der die Schwingungen des Resonanzkastens von Saiteninstrumenten aufzeichnete.

1931 erfanden Georges Beauchamp und Adolph Rickenbacker einen elektromagnetischen Tonabnehmer, bei dem ein elektrischer Impuls durch die Wicklung eines Magneten lief und ein elektromagnetisches Feld erzeugte, in dem das Signal einer schwingenden Saite verstärkt wurde. Gegen Ende der 1930er Jahre begannen zahlreiche Experimentatoren, Tonabnehmer in traditionellere spanische Hohlkörpergitarren einzubauen. Nun, die radikalste Option wurde von Gitarrist und Ingenieur Les Paul vorgeschlagen ( Les Paul) -- er hat gerade den Resonanzboden für die Gitarre monolithisch gemacht.

Es war aus Holz und hieß einfach - "Bar" (The Log). Mit einem massiven oder fast massiven Stück begannen andere Ingenieure zu experimentieren. Seit den 40er Jahren des 20. Jahrhunderts tun dies sowohl einzelne Enthusiasten als auch große Unternehmen erfolgreich.

Der Markt der Gitarrenhersteller entwickelt sich weiterhin aktiv und erweitert das Sortiment ständig. Und waren frühere „Trendsetter“ ausschließlich Amerikaner, nehmen heute Yamaha, Ibanez und andere japanische Firmen feste Spitzenpositionen ein und machen sowohl ihre Modelle als auch exzellente Kopien berühmter Gitarren zu den führenden Herstellern.

Einen besonderen Platz nimmt die Gitarre – und zwar vor allem elektrifiziert – in der Rockmusik ein. Fast alle der besten Rockgitarristen gehen jedoch über den Stil der Rockmusik hinaus und zollen dem Jazz großen Tribut, und einige Musiker haben vollständig mit dem Rock gebrochen. Das ist nicht verwunderlich, da sich die besten Traditionen des Gitarrenspiels im Jazz konzentrieren.

Auf einen sehr wichtigen Punkt wird Joe Pass aufmerksam gemacht, der in seiner bekannten Jazzschule schreibt: „Klassische Gitarristen hatten mehrere Jahrhunderte Zeit, um eine organische, konsistente Herangehensweise an das Spiel zu entwickeln – die „richtige“ Methode. Die Jazzgitarre, die Plektrumgitarre, erschien erst in unserem Jahrhundert, und die E-Gitarre ist immer noch ein so neues Phänomen, dass wir gerade erst anfangen, ihre Fähigkeiten als vollwertiges Musikinstrument zu verstehen. Unter solchen Umständen sind die gesammelten Erfahrungen, die Jazztraditionen der Gitarrenbeherrschung, von besonderer Bedeutung.

Bereits in Frühform Blues, „archaisch“ oder „ländlich“, oft auch mit dem englischen Begriff „Country Blues“ (Country Blues) bezeichnet, bildeten die Hauptelemente der Gitarrentechnik, die ihre weitere Entwicklung bestimmten. Separate Techniken von Bluesgitarristen wurden später zur Grundlage für die Bildung nachfolgender Stile.

Die frühesten Aufnahmen des Country-Blues stammen aus der Mitte der 20er Jahre, aber es gibt allen Grund zu der Annahme, dass er sich im Wesentlichen nicht von dem ursprünglichen Stil unterscheidet, der von den Schwarzen der Südstaaten (Texas, Louisiana, Alabama usw.) ) zurück in den 70-80er Jahren des 19. Jahrhunderts.

Zu den herausragenden Sänger-Gitarristen dieser Stilrichtung gehört Blind Lemon Jefferson (1897–1930), der einen spürbaren Einfluss auf viele Musiker ausübte Spätzeit, und nicht nur Blues Blind Blake (1895-1931) war ein brillanter Meister des Gitarren-Ragtime und des Blues, dessen Aufnahmen noch heute durch exzellente Technik und einfallsreiche Improvisation verblüffen. Blake gilt zu Recht als einer der Initiatoren der Verwendung der Gitarre als Soloinstrument. Huddie Leadbetter, allgemein bekannt als Leadbelly (1888-1949), wurde einst „der König der zwölfsaitigen Gitarre“ genannt. Er spielte manchmal im Duett mit Jefferson, obwohl er ihm als Performer unterlegen war. Leadbelly führte charakteristische Bassfiguren in die Begleitung ein – den „Wandering Bass“, der später im Jazz weit verbreitet sein sollte.

Unter den Country-Blues-Gitarristen sticht Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970) hervor, ein virtuoser Musiker, der dem Jazz sehr nahe steht. Sie nahmen exzellenten Blues ohne Gesang auf, und oft spielte er als Vermittler, wobei er nicht nur hervorragende Technik, sondern auch hervorragende Improvisationsfähigkeiten unter Beweis stellte.

Eines der Merkmale der Chicago-Periode in der Entwicklung des traditionellen Jazz, der zum Swing überging, war der Austausch von Instrumenten: Anstelle von Kornett, Tuba und Banjo traten Trompete, Kontrabass und Gitarre in den Vordergrund.

Gründe dafür waren unter anderem das Aufkommen von Mikrofonen und das elektromechanische Aufnahmeverfahren: Die Gitarre erklang endlich voll auf den Schallplatten. Ein wichtiges Merkmal des Chicago Jazz war die zunehmende Rolle der Soloimprovisation. Hier vollzog sich eine bedeutende Wendung im Schicksal der Gitarre: Sie wird zum vollwertigen Soloinstrument.

Dies ist auf den Namen Eddie Lang (Eddie Lang, richtiger Name - Salvador Massaro) zurückzuführen, der viele Jazztechniken, die für andere Instrumente typisch sind, in das Gitarrenspiel einführte - insbesondere die für Blasinstrumente charakteristische Phrasierung. Auch Eddie Lang schuf als Vermittler jene Jazz-Spielweise, die sich später durchsetzte. Er benutzte zunächst eine Plektrumgitarre - eine spezielle Gitarre zum Spielen von Jazz, die sich von der üblichen spanischen durch das Fehlen einer runden Rosette unterschied. Stattdessen erschienen auf dem Deck efs, ähnlich wie Geigen, und ein abnehmbarer Plattenschutz, der vor Pick-Streiks schützt. Eddie Lang im Ensemble zu spielen zeichnete sich durch eine starke Klangproduktion aus. Er benutzte oft vorbeiziehende Klänge, chromatische Sequenzen; Manchmal veränderte er den Winkel des Plektrums zum Griffbrett und erzielte so einen bestimmten Klang.

Charakteristisch für Langs Spielweise sind Akkorde mit gedämpften Streichern, schroffe Akzente, parallele Nonchords, Ganztonskalen, eigenwilliges Glissando, künstliche Flageoletts, erweiterte Akkordfolgen und Blechbläser-Phrasierung. Wir können sagen, dass viele Gitarristen unter dem Einfluss von Eddie Lang begannen, mehr auf Basstöne in Akkorden zu achten und, wenn möglich, eine bessere Stimmführung zu erreichen. Die Erfindung der E-Gitarre war der Anstoß für die Entstehung neuer Gitarrenschulen und Trends. Sie wurden von zwei Jazzgitarristen gegründet: Charlie Christian in Amerika und Django Reinhardt

(Django Reinhardt) in Europa

Der berühmte deutsche Kritiker I. Berendt schreibt in seinem Buch „From Reg to Rock“: „Für einen modernen Jazzmusiker beginnt die Geschichte der Gitarre mit Charlie Christian. Während der zwei Jahre, die er verbrachte Jazz-Szene Er hat das Gitarrenspiel revolutioniert. Natürlich gab es vor ihm Gitarristen, aber es scheint, dass die Gitarre, die vor Christian gespielt wurde, und die, die nach ihm klang, zwei verschiedene Instrumente sind.“

Charlie spielte mit einer Virtuosität, die für seine Zeitgenossen einfach unerreichbar schien. Mit seiner Ankunft wurde die Gitarre zu einem gleichberechtigten Mitglied in Jazzensembles. Er führte erstmals ein Gitarrensolo als dritte Stimme in ein Ensemble mit Trompete und Tenorsaxophon ein und befreite das Instrument von rein rhythmischen Funktionen im Orchester. Vor anderen erkannte C. Christian, dass sich die Technik des E-Gitarrenspiels erheblich von den Methoden des Akustikgitarrenspiels unterscheidet. In Harmonie experimentierte er mit erhöhten und verringerten Akkorden, erfand neue rhythmische Muster für die besten Jazzmelodien (Evergreens). In Passagen verwendete er oft Ergänzungen zu Septakkorden und beeindruckte die Zuhörer mit melodischem und rhythmischem Einfallsreichtum. Er war der erste, der seine Improvisationen entwickelte, indem er sich nicht auf die Harmonie des Themas stützte, sondern auf vorbeiziehende Akkorde, die er zwischen die Hauptakkorde setzte. Im melodischen Bereich ist es durch die Verwendung von Legato anstelle von hartem Staccato gekennzeichnet.

Die Performance von C. Christian zeichnet sich seit jeher durch ihre außergewöhnliche Ausdruckskraft, kombiniert mit intensivem Swing, aus. Jazztheoretiker behaupten, dass er mit seinem Spiel die Entstehung eines neuen Jazzstils Bebop (be-bop) vorwegnahm und einer seiner Schöpfer war.

Zeitgleich mit Christian glänzte in Paris ein ebenso herausragender Jazzgitarrist Django Reinhardt. Charlie Christian bewunderte Django, während er noch in Clubs in Oklahoma auftrat, und wiederholte oft Note für Note seine auf Schallplatten aufgenommenen Soli, obwohl sich diese Musiker in der Spielweise stark voneinander unterschieden. Viele bekannte Musikwissenschaftler und Jazzkünstler sprachen über Djangos Beitrag zur Entwicklung des Jazzstils des Gitarrenspiels und seine Meisterschaft. Laut D. Ellington „ist Django ein Superkünstler. Jede Note, die er nimmt, ist ein Schatz, jeder Akkord zeugt von seinem unerschütterlichen Geschmack.

Django unterschied sich von anderen Gitarristen durch seinen ausdrucksstarken, satten Klang und seine eigentümliche Spielweise, mit langen Kadenzen nach mehreren Takten, plötzlichen schnellen Passagen, stabilem und scharf akzentuiertem Rhythmus. In Momenten des Höhepunkts spielte er oft in Oktaven.

Diese Art von Technik wurde ihm von C. Christian und zwölf Jahre später von W. Montgomery entlehnt. In schnellen Stücken gelang es ihm, ein solches Feuer und einen solchen Druck zu erzeugen, der zuvor nur auf Blasinstrumenten gespielt werden konnte. In den langsamen neigte er zu Präludium und Rhapsodie, nahe am Negro-Blues. Django war nicht nur ein exzellenter virtuoser Solist, sondern auch ein exzellenter Begleiter. Er war vielen seiner Zeitgenossen in der Verwendung von Moll-Septakkorden, verminderten, übermäßigen und anderen Übergangsakkorden voraus. Django achtete sehr auf die Harmonie der harmonischen Schemata der Stücke und betonte oft, dass die Melodie von selbst fließen wird, wenn in den Akkordfolgen alles korrekt und logisch ist.

Als Begleiter verwendete er oft Akkorde, die den Klang der Blechbläser imitierten. Der Beitrag von Charlie Christian und Django Reinhardt zur Geschichte der Jazzgitarre ist von unschätzbarem Wert. Diese beiden herausragenden Musiker zeigten die unerschöpflichen Möglichkeiten Ihres Instruments nicht nur in der Begleitung, sondern auch im Improvisationssolo, bestimmten die Hauptentwicklungsrichtungen der Technik des E-Gitarrenspiels für viele Jahre.

Die zunehmende Rolle der Gitarre als Soloinstrument führte zu dem Verlangen der Interpreten, in kleinen Ensembles (Combos) zu spielen. Hier fühlte sich der Gitarrist als vollwertiges Mitglied des Ensembles, das sowohl die Funktion des Begleiters als auch die des Solisten erfüllte. Die Popularität der Gitarre nahm von Tag zu Tag zu, immer mehr talentierte Jazzgitarristen tauchten auf und die Zahl der Big Bands blieb begrenzt. Darüber hinaus haben viele Leiter und Arrangeure großer Orchester die Gitarre nicht immer in die Rhythmusgruppe eingeführt. Es genügt beispielsweise zu sagen,

Duke Ellington, der es nicht mochte, den Klang von Gitarre und Klavier in der Begleitung zu kombinieren. Doch manchmal wird aus der „mechanischen“ Arbeit, die in einer Bigband den Rhythmus aufrechterhält, eine echte Jazzkunst. Es geht umüber einen der führenden Vertreter des Akkord-Rhythmus-Gitarrenspiels, Freddie Green.

Eine virtuose Akkordtechnik, ein wunderbares Gespür für Swing, ein feines musikalisches Gespür zeichnen sein Spiel aus. Er spielte fast nie solo, wurde aber gleichzeitig oft mit einem Schlepper verglichen, der das gesamte Orchester in Anspruch nahm.

Freddie Green verdankt der Bigband von Count Basie in hohem Maße eine ungewöhnliche Kompaktheit der Rhythmusgruppe, Emanzipation und Prägnanz des Spiels. Dieser Meister hatte großen Einfluss auf Gitarristen, die Begleitung und akkordische Improvisation dem Spiel langer Passagen und monophoner Improvisationen vorziehen. Die Arbeit von Charlie Christian, Django und Freddie Green bildet gleichsam drei Zweige Familienstammbaum Jazz-Gitarre. Allerdings soll noch eine Richtung erwähnt werden, die etwas abseits stand, aber in unserer Zeit immer mehr Anerkennung und Verbreitung findet.

Tatsache ist, dass nicht alle Gitarristen den Stil von Ch. Christian akzeptabel fanden, in dessen Händen die Gitarre den Klang von Blasinstrumenten annahm (es ist kein Zufall, dass viele beim Hören von Charlie Christians Aufnahmen die Stimme seiner Gitarre mit einem Saxophon verwechselten). Zunächst einmal war sein Stil unmöglich für diejenigen, die Finger auf Akustikgitarren spielten.

Viele der von C. Christian entwickelten Techniken (langes Legato, lange Improvisationslinien ohne harmonische Unterstützung, gehaltene Töne, Bends, seltener Einsatz offener Saiten usw.) waren für sie unwirksam, insbesondere beim Spielen von Instrumenten mit Nylonsaiten. Außerdem traten Gitarristen auf, die auf kreative Weise Klassik, Gitarrenspiel, Flamenco und Elemente lateinamerikanischer Musik mit Jazz verbanden. Dazu gehören vor allem zwei herausragende Jazzmusiker: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) und Charlie Byrd (Charlie Byrd), deren Arbeit viele klassische Gitarristen beeinflusst hat und die unbegrenzten Möglichkeiten der akustischen Gitarre in der Praxis demonstriert. Sie können mit gutem Grund als Begründer der Stilrichtung „klassische Gitarre im Jazz“ gelten.

Der Negergitarrist Wes John Leslie Montgomery ist einer der klügsten Musiker der Jazzszene seit C. Christian. Er wurde 1925 in Indianapolis geboren; Für die Gitarre interessierte er sich erst im Alter von 19 Jahren unter dem Einfluss von Charlie Christian Records und der Begeisterung seiner Brüder Buddy und Monk, die Klavier und Kontrabass im Orchester des berühmten Vibraphonisten Lionel Hampton spielten. Er erzielte einen ungewöhnlich warmen, „samtigen“ Klang (mit dem Daumen seiner rechten Hand anstelle eines Plektrums) und entwickelte die Oktavtechnik so weit, dass er ganze improvisierte Chöre in Oktaven mit erstaunlicher Leichtigkeit und Reinheit aufführte, oft ziemlich fair schnelle Tempi. Seine Fähigkeiten beeindruckten die Partner so sehr, dass sie Wes scherzhaft „Mr. Octave“ nannten. Die erste CD mit der Aufnahme von W. Montgomery erschien 1959 und brachte dem Gitarristen sofort Erfolg und breite Anerkennung. Jazzliebhaber waren schockiert von der Virtuosität seines Spiels, der raffinierten und zurückhaltenden Artikulation, der Melodiösität der Improvisationen, einem konstanten Gefühl für Blues-Intonationen und einem lebendigen Sinn für Swing-Rhythmen. Für Wes Montgomery ist es sehr interessant, eine Solo-E-Gitarre mit dem Sound von zu kombinieren großes Orchester, die die Zeichenfolgengruppe enthält.

Die meisten späteren Jazzgitarristen – darunter so berühmte Musiker wie Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell – erkannten den großen Einfluss von Wes Montgomery auf ihr Schaffen. Bereits in den 40er Jahren befriedigten die vom Swing entwickelten Standards viele Musiker nicht mehr. Etablierte Klischees in der Harmonie der Liedform, Vokabular, oft reduziert auf direkte Zitate herausragender Jazzmeister, rhythmische Monotonie und der Einsatz von Swing in der kommerziellen Musik bremsten die Weiterentwicklung des Genres. Nach der "goldenen Periode" des Swing ist es an der Zeit, nach neuen, fortschrittlicheren Formen zu suchen. Es gibt immer mehr neue Richtungen, die in der Regel unter einem gemeinsamen Namen vereint sind - Modern Jazz (Modern Jazz). Dazu gehören Bebop ("Jazz-Staccato"), Hard Bop, Progressive, Cool, Third Current, Bossa Nova und Afro-Cuban Jazz, Modal Jazz, Jazz-Rock, Free Jazz, Fusion und einige andere: Solche Vielfalt, gegenseitige Beeinflussung und Die gegenseitige Durchdringung unterschiedlicher Strömungen erschwert die Analyse des Schaffens einzelner Musiker, zumal viele von ihnen zeitweise auf unterschiedliche Weise gespielt haben. So findet man beispielsweise in den Aufnahmen von Ch. Byrd Boss Nova, Blues, Swing-Themen, Arrangements von Klassikern und Country-Rock und vieles mehr. Im Spiel von B. Kessel - Swing, Bebop, Bossa Nova, Elemente des Modal Jazz etc. Es ist bezeichnend, dass Jazzgitarristen selbst oft ziemlich scharf auf Versuche reagieren, sie in die eine oder andere Jazzrichtung einzuordnen, und dies als primitiven Ansatz zur Bewertung ihrer Arbeit betrachten. Solche Aussagen finden sich bei Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin und anderen.

2 .2 HauptsächlichRichtungenPop-JazzLeistung60-70 - XJahre

Und doch haben sich laut einem der Jazzkritiker, I. Berendt, am Rande der 60er-70er Jahre vier Hauptrichtungen im modernen Gitarrenspiel entwickelt: 1) Mainstream (Mainstream); 2) Jazzrock; 3) Bluesrichtung; 4) Felsen. Die prominentesten Vertreter des Mainstreams sind Jim Hall, Kenny Burrell und Joe Pass. Jim Hall, der „Poet des Jazz“, wie er oft genannt wird, ist seit Ende der 50er Jahre und bis heute in der Öffentlichkeit bekannt und beliebt.

"Jazz Guitar Virtuoso" heißt Joe Pass (Joe Pass, Vollständiger Name Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Kritiker stellten ihn mit Musikern wie Oscar Peterson, Ella Fitzgerald und Barney Kessel gleich. Seine Duette mit Ella Fitzgerald und Herb Ellis, das Trio mit Oscar Peterson und dem Bassisten Nils Pederson und vor allem seine Solo-CDs „Joe Pass the Virtuoso“ erfreuen sich großer Erfolge. Joe Pass war einer der interessantesten und vielseitigsten Jazzgitarristen in der Tradition von Jacgo Reinhardt, Charlie Christian und Wes Montgomery. Seine Arbeit ist wenig beeinflusst von den neuen Strömungen des modernen Jazz: Er bevorzugte Bebop. Neben der Konzerttätigkeit unterrichtete Joe Pass viel und veröffentlichte erfolgreich methodische Arbeiten, unter denen seine Schule "Joe Pass Guitar Style" einen besonderen Platz einnimmt "2E

Allerdings sind nicht alle Jazzgitarristen so dem „Mainstream“ verfallen. Unter herausragende Musiker Hingezogen zum Neuen in der Entwicklung des Jazz sind George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola zu nennen. Der mexikanische Musiker Carlos Santana (Carlos Santana, geb. 1947) spielt im Stil des „Latin Rock“, basierend auf der Darbietung lateinamerikanischer Rhythmen (Samba, Rumba, Salsa etc.) in rockiger Manier, verbunden mit Elementen des Flamenco .

George Benson wurde 1943 in Pittsburgh geboren und sang als Kind Blues und spielte Gitarre und Banjo. Mit 15 Jahren bekam George eine kleine E-Gitarre geschenkt und mit 17, nach dem Abitur, gründete er eine kleine Rock'n'Roll-Band, in der er sang und spielte. Ein Jahr später traf der Jazzorganist Jack McDuff in Pittsburgh ein. Heute betrachten einige Experten seine ersten Aufnahmen mit Jack McDuff als die besten in Bensons gesamter Diskographie. Benson wurde stark von der Arbeit von Django Reinhardt und Wes Montgomery beeinflusst, insbesondere von dessen Technik.

Unter der neuen Generation von Gitarristen, die Jazzrock spielen und einen relativ neuen Jazzstil entwickeln – Fusion – sticht Ol di Meola (AI di Meola) hervor. Die Leidenschaft des jungen Musikers für die Jazzgitarre begann mit dem Hören einer Aufnahme eines Trios mit Larry Coryell (den ein paar Jahre später zufällig Al di Meola in derselben Besetzung ersetzte). Bereits mit 17 nimmt er an Aufnahmen mit Chick Corea teil. Ol di Meola spielt meisterhaft Gitarre – sowohl mit den Fingern als auch mit einem Plektrum. Das von ihm verfasste Lehrbuch „Charakteristische Methoden des Gitarrenspiels durch einen Mediator“ wurde von Fachleuten sehr geschätzt.

Zu den Innovatoren unserer Zeit gehört auch der talentierte Gitarrist Larry Coryell, der eine schwere Zeit durchgemacht hat kreative Weise-- von der Leidenschaft für Rock'n'Roll bis zu den neuesten Trends in der modernen Jazzmusik.

Tatsächlich erlangte nach Django nur ein europäischer Gitarrist weltweit uneingeschränkte Anerkennung und beeinflusste die Entwicklung des Jazz im Allgemeinen – der Engländer John McLaughlin. Die Blütezeit seines Talents fällt in die erste Hälfte der 70er Jahre des 20. Jahrhunderts – eine Zeit, in der der Jazz seine stilistischen Grenzen schnell erweiterte und mit Rockmusik, Experimenten in elektronischer und avantgardistischer Musik sowie verschiedenen volksmusikalischen Traditionen verschmolz. Es ist kein Zufall, dass McLaughlin nicht nur für Jazzfans „ihr Eigen“ ist: Wir finden seinen Namen in jedem Lexikon der Rockmusik. In den frühen 1970er Jahren organisierte McLaughlin das Mahavishnu (Great Vishnu) Orchester. Neben Keyboards, Gitarre, Schlagzeug und Bass führte er die Geige in seine Komposition ein. Mit diesem Orchester nahm der Gitarrist eine Reihe von Schallplatten auf, die vom Publikum begeistert aufgenommen wurden. Rezensenten bemerken die Virtuosität von McLaughlin, Innovation im Arrangement, Frische des Klangs aufgrund der Verwendung von Elementen indischer Musik. Aber die Hauptsache ist, dass das Erscheinen dieser Scheiben die Etablierung und Entwicklung eines neuen Jazz-Trends markiert: Jazz-Rock.

Derzeit sind viele herausragende Gitarristen aufgetreten, die die Traditionen der Meister der Vergangenheit fortsetzen und erweitern. Von großer Bedeutung für die Pop-Jazz-Weltkultur ist das Werk des berühmtesten Schülers von Jimm Hall - Pat Mattini. Seine innovativen Ideen haben die melodisch-harmonische Sprache der modernen Popmusik enorm bereichert. Ich möchte auch die brillanten Auftritts- und Lehrtätigkeiten von Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, Lee Ritenour, dem Schüler von Joe Pass, und vielen anderen hervorheben.

Die Entwicklung der Kunst des Spielens der Pop-Jazz-Gitarre (elektrische und akustische) in unserem Land wäre ohne die langjährige erfolgreiche Bildungs- und Bildungsarbeit von V. Manilov, V. Molotkov und A. Kuznetsov nicht möglich gewesen , A. Vinitsky, sowie ihre Anhänger S. Popov, I. Boyko und andere. Von großer Bedeutung ist die Konzerttätigkeit solcher Musiker wie: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk und viele andere. Mit dem Übergang vom Blues zum Jazz-Rock hat die Gitarre ihre Möglichkeiten nicht nur nicht ausgeschöpft, sondern im Gegenteil in vielen neuen Richtungen des Jazz die Führung übernommen. Errungenschaften auf dem Gebiet der akustischen und elektrifizierten Gitarrenspieltechnik, des Einsatzes von Elektronik, der Einbeziehung von Elementen des Flamenco, des klassischen Stils etc. geben Anlass, die Gitarre als eines der führenden Instrumente dieser Musikrichtung anzusehen. Deshalb ist es für die neue Generation von Musikern so wichtig, die Erfahrung ihrer Vorgänger – Jazzgitarristen – zu studieren. Nur auf dieser Grundlage ist es möglich, nach einer individuellen performativen Spielweise, nach Wegen der Selbstverbesserung und Weiterentwicklung der Pop-Jazz-Gitarre zu suchen

Schlussfolgerungen

In unserer Zeit bleibt das Thema der Entwicklung von Spielfähigkeiten auf einer 6-saitigen Gitarre relevant, da es derzeit viele Schulen und Ausbildungssysteme gibt. Sie umfassen verschiedene Richtungen, von der klassischen Spielschule über Jazz-, Latin-, Bluesschulen.

Bei der Entwicklung der Jazzstilistik spielt eine spezifische Instrumentaltechnik eine sehr wichtige Rolle, die für den Jazzgebrauch des Instruments und seine Ausdrucksmöglichkeiten charakteristisch ist - melodisch, intonatorisch, rhythmisch, harmonisch usw. Der Blues spielte eine wichtige Rolle bei der Entstehung des Jazz. Einer der entscheidenden Faktoren bei der Herausbildung des Blues aus früheren und weniger formalisierten Arten der Negerfolklore war wiederum die ‚Entdeckung‘ der Gitarre in diesem Medium.

Die Geschichte der Entwicklung der Gitarrenkunst kennt viele Namen von Gitarristen-Lehrern, Komponisten und Interpreten, die zahlreiche Lehrmittel zum Erlernen des Gitarrenspiels geschaffen haben, von denen viele direkt oder indirekt mit dem Problem der Entwicklung des Fingersatzdenkens zusammenhängen.

In der Tat umfasst das Konzept eines Gitarristen in unserer Zeit die Beherrschung sowohl der wichtigsten klassischen Techniken, sowohl der Basis als auch der Fähigkeit und des Verständnisses des Stils, der die Funktion begleitet, die Fähigkeit, digital zu spielen und zu improvisieren, alle Feinheiten und Merkmale des Blues- und Jazzdenkens.

Leider haben die Medien in letzter Zeit nicht nur der ernsthaften klassischen, sondern auch den nichtkommerziellen Arten des Pop-Jazz sehr wenig Einfluss gegeben.

AufführengebrauchtLiteratur

1. Bachmin A.A. Selbstlernanleitung zum Spielen der sechssaitigen Gitarre / A.A. Bachmin. M.: ASS-Zentrum, 1999.-80 S.

2. Boyko I.A. Improvisation auf der E-Gitarre. Teil 2 "Grundlagen der Akkordtechnik" - M.; Hobby Center, 2000-96 S.;

3. Boyko I.A. Improvisation auf der E-Gitarre. Teil 3 "Progressive Methode der Improvisation" - M.; Hobbyzentrum, 2001-86 p.

4. Boyko I.A. Improvisation auf der E-Gitarre. Teil 4 "Pentatonik und ihre Ausdrucksmöglichkeiten" - M.; Hobby Center, 2001 - 98 S.; krank.

5. Brandt V.K. Grundlagen der Technik eines Pop-Ensemble-Gitarristen / Pädagogischer und methodischer Leitfaden für Musikschulen - M. 1984 - 56 p.

6. Dmitrievsky Yu.V. / Gitarre von Blues bis Jazz-Rock / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musikalische Ukraine, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. Schule für das Spiel der sechssaitigen Gitarre / A.M. Ivanov-Kramskoy. - M.: Sov. Komponist, 1975. - 120 S.

8. Manilov V.A. Begleiten lernen auf der Gitarre / V.A. Manilow - K .: Musical Ukraine, 1986. - 105 p.

9. Pass, D. Gitarrenstil von Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: „Guitar College“ – M.: „Guitar College“, 2002 – 64 S.; krank.

10. Popov, S. Basis / Komp.; "Gitarrenschule" - M.; "Guitar College", 2003 - 127 S.;

11. Puhol M. Schule für das Spielen der sechssaitigen Gitarre / Per. und die Redaktion von N. Polikarpov - M.; Eulen. Komponist, 1987 - 184 S.

12. Al Di Meola „Technik des Spiels mit einem Vermittler“; Pro. / Komp.; GIDinform

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 Nr. 10 - p. 20-31

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Städtische Haushaltsbildungseinrichtung

Zusatzausbildung für Kinder

Kinderkunstschule p.Novozavidovsky

ZUSÄTZLICHER VORPROFESSIONELLER

ALLGEMEINES BILDUNGSPROGRAMM IN DER REGION

MUSIKALISCHE KUNST

"Volksinstrumente"

GITARRE

Fachbereich

W.00. VARIANTENTEIL

B.03.UP.03. GESCHICHTE DER AUFFÜHRUNG AUF CASSIAN GITARRE

Zur musikalischen Entwicklung im System der zusätzlichen Bildung für Kinder von Kindermusikschulen und Musikabteilungen

Kunstschulen für Kinder

Zusammengestellt von: Bensman Vera Igorevna,

Dozent MBOU DOD DSHI

P. Novozavidovsky

P. Novozavidovsky 2014

Programm genehmigt Genehmigt

Pädagogischer Rat ________________ Saperova I.G.

MBOU DOD DSHI Direktor von MBOU DOD DSHI

P. Novozavidovsky P. Novozavidovsky,

Protokoll Nr. 2 vom 30. Oktober 2014. Bezirk Konakowski,

Region Twer.

Zusammengestellt von: Lehrerin Bensman Vera Igorevna

Gutachter: Dozent der höchsten Kategorie Bensman L.I.

1. Erläuterung.

Merkmale des Fachs, seine Stellung und Rolle im Bildungsprozess;

Der Begriff für die Umsetzung des Themas;

Die im Curriculum vorgesehene Studienzeit für die Durchführung eines Faches;

Form der Durchführung von Präsenzschulungen;

Zweck und Ziele des Fachs;

Die Struktur des Lehrplans des Fachs;

Lehrmethoden;

Beschreibung der sachlichen und technischen Voraussetzungen für die Durchführung des Themas;

Angaben zu den Kosten der Studienzeit;

Lehrplan.

3. Anforderungen an das Ausbildungsniveau der Studierenden.

4. Formen und Methoden der Kontrolle, Notensystem:

Zertifizierung: Ziele, Arten, Form, Inhalt; Abschlussprüfung;

Kriterien für die Bewertung.

5.Methodische Unterstützung des Bildungsprozesses.

6. Referenzliste.

ERLÄUTERUNGEN

Die Gitarre ist eines der beliebtesten Musikinstrumente, die in der professionellen und Amateurpraxis verwendet werden. Ein vielfältiges Gitarrenrepertoire umfasst Musik verschiedener Stilrichtungen und Epochen, darunter Klassik, Pop und Jazz.

Die Gitarre ist nicht nur ein Begleit- und Solomusikinstrument, sie ist eine ganze Welt: Interpreten, Komponisten, Arrangeure, Lehrer, Gitarrenmeister, Historiographen, Sammler, Enthusiasten, Bewunderer, Amateurgitarristen... Sie ist ein würdiger Teil der Weltkultur , deren Studium für viele von Interesse sein wird.

Die Gitarre war der Musik, Malerei, Liedern, Forschung, Prosa, Lehre und handwerklichem Talent, historischen Werken und Poesie gewidmet. M.Yu widmete ihr die bewundernden Zeilen. Lermontow:

Was klingt! ich bin noch

Süße Klänge I.

Ich vergesse Himmel, Ewigkeit, Erde,

Sich selbst...

Merkmale des Fachs, seine Stellung und Rolle im Bildungsprozess;

In Kunstschulen für Kinder wird beim Unterrichten von Schülern der Instrumentalabteilungen der wichtigsten Komponente der Musikausbildung, der Geschichte der Instrumentalaufführung, unzureichende Aufmerksamkeit geschenkt.

Im Unterricht der Musikliteratur werden die Werke der Komponisten studiert und die Interpreten nur erwähnt. Dem Thema Folk-Instrumente und insbesondere dem Gitarreninstrument wird nur sehr wenig Beachtung geschenkt. Die außerschulischen Aktivitäten der Lehrkräfte sind vielfältig und kompensieren diesen Mangel teilweise. Aber das ist nicht genug.

Die Schüler der Kinderschule für Kunst sollten umfangreichere und systematischere Kenntnisse auf dem Gebiet der Entwicklungsgeschichte des Instruments und der musikalischen Darbietung (inländischer und ausländischer Schulen) haben.

Die Aufnahme des Faches in das Curriculum der allgemeinen entwicklungspädagogischen Programme der Kinderschule für Kunst ist zum jetzigen Zeitpunkt insbesondere für die berufsvorbereitenden Programme relevant.

Das Thema beinhaltet die Hervorhebung der Hauptstadien in der Entwicklung des Gitarreninstruments, die Überprüfung der Arbeit herausragender Interpreten, Komponisten und die Einarbeitung Musikalische Werke für dieses Instrument erstellte Aufnahmen von Gitarrenspielern, Preisträgern und Diplomsiegern von Wettbewerben (u.a. Kinder-, Jugend) anhören und ansehen

Das Fach „Geschichte des klassischen Gitarrenspiels“ wird zur Aufnahme in den Bereich „Variable Stimme“ des zusätzlichen berufsvorbereitenden Gesamtentwicklungsprogramms im Bereich Tonkunst „Instrumentalkunst“, „Volksinstrumente“, „Gitarre“ vorgeschlagen. . Sie können auch einen Artikel eingeben Bildungspläne allgemeine Entwicklungsprogramme, die in einer bestimmten Kunstschule für Kinder durchgeführt werden.

Das Autorenprogramm des Fachs „Geschichte des klassischen Gitarrenspiels“ wurde auf der Grundlage der Landesanforderungen für ein zusätzliches vorberufliches allgemeinbildendes Studium im Bereich der Tonkunst entwickelt. (2012) Das Programm ist Teil des Lehrplans für Instrumentalspiel. "Volksinstrumente" Gitarre.

Folgende Materialien wurden bei der Vorbereitung des Programms verwendet:

Pädagogisch-methodischer Komplex „Istrische Darbietung auf Volksinstrumenten“ Spezialität 071301 „Volk künstlerische Kreativität". Zusammengestellt von Zhdanova T.A., Professorin der Abteilung für Orchesterdirigieren und Volksinstrumente der Tjumener Staatlichen Akademie für Kultur und Kunst und Sozialtechnologien. Tjumen, 2011

Chupakhina T.I. "Vorlesungsreihe zur Geschichte der Aufführung auf Volksinstrumenten". Omsk, 2004

Charles Duckart Schule der Gitarre.

Frist für die Durchführung des Themas:

Die Umsetzungsfrist für diesen Artikel beträgt 1 Jahr (35 Wochen)

Mit 5 (6) Studiensemester - in der 5. Klasse.

Im 8. (9.) Studiensemester - in der 8. Klasse.

Die im Curriculum vorgesehene Studienzeit:

Die Gesamtarbeitsintensität des Fachs beträgt 70 Stunden.

Davon: 35 Stunden - Präsenzunterricht, 35 Stunden - selbstständiges Arbeiten.

Die Stundenzahl für das Präsenzstudium beträgt 1 Stunde pro Woche.

Stundenzahl für unabhängige Arbeit(außerschulische Arbeitsbelastung) - 1 Stunde pro Woche.

Die Form der Durchführung von Präsenzschulungen.

Ziele und Ziele des Themas.

Das Fach „Geschichte des klassischen Gitarrenspiels“ ist fester Bestandteil der Vorbereitung eines Absolventen der Kinderkunstschule in der Gitarrenklasse. Gitarrenkunst ist ein Teil der künstlerischen Weltkultur. Sie lässt sich von der Antike bis in die Gegenwart zurückverfolgen und ist organisch mit der Aufführungs- und Repertoire-Instrumentalkultur verbunden. Es wird deutlich, wie breit gefächert die Fragestellungen der Auseinandersetzung mit der Geschichte der Aufführung sind.

Ziel dieses Themas ist es, die historische Bedingtheit und Entwicklungsfolge der Aufführungskunst aufzuzeigen, den Entstehungs- und Entstehungsprozess des Gitarreninstruments nachzuvollziehen; die historischen Formationsmuster und die Hauptmerkmale des Repertoires, die Merkmale der darstellenden Künste auf der Gitarre zu studieren.
Ziel des Studienfachs ist es außerdem, die Entwicklung der gestalterischen Fähigkeiten und der Individualität der Studierenden sowie ein nachhaltiges Interesse an selbstständigen Tätigkeiten im Bereich der Tonkunst zu gewährleisten.
Den Schülern die Notwendigkeit vermitteln, zu wissen, zu lernen, zuzuhören und zu analysieren.
Erreichen eines Bildungsniveaus, das es dem Absolventen ermöglicht, sich unabhängig in der weltweiten Musikkultur zurechtzufinden;

Fachliche Ziele:

Eine der Hauptaufgaben des Studiums dieses Fachs besteht darin, die Schüler zu ermutigen, die Probleme der Geschichte und Theorie der Entwicklung des Instruments, das sie spielen lernen, zu verstehen;
der Erwerb von Kenntnissen im Bereich der Musikkulturgeschichte, die Erweiterung des künstlerischen Horizonts der Studierenden sowie die Entwicklung ihrer Fähigkeit, sich in verschiedenen Aspekten der Gitarrenkunst, Musikrichtungen und -richtungen zurechtzufinden.
Ausstattung mit einem System von Kenntnissen, Fähigkeiten und Methoden musikalischer Betätigung, das in seiner Gesamtheit eine Grundlage für die weitere selbstständige Kommunikation mit Musik, musikalische Selbstbildung und Selbstbildung bietet.
Bildung einer bewussten Motivation unter den besten Absolventen, ihre berufliche Ausbildung fortzusetzen und sie auf Aufnahmeprüfungen an einer professionellen Bildungseinrichtung vorzubereiten.

Strukturen des Curriculums des Faches.

Die in diesem Programm behandelten Probleme werden im Kontext der Entwicklung der Gitarrenkunst unter Berücksichtigung des Prinzips des Historismus und der chronologischen Periodisierung betrachtet.

Das Programm umfasst folgende Abschnitte:

Angaben zu den Kosten der Studienzeit;

Lehrplan;

Anforderungen an das Ausbildungsniveau der Studierenden;

Kontrollformen und -methoden, Notensystem, Abschlusszertifizierung;

Methodische Unterstützung des Bildungsprozesses;

Entsprechend dieser Vorgaben wird der Hauptteil des Programms „Fachliche Inhalte“ aufgebaut.

Lehrmethoden.

Um das gesetzte Ziel zu erreichen und die Ziele des Fachs umzusetzen, werden die folgenden Lehrmethoden verwendet:

Verbal: Vortrag, Geschichte, Gespräch.

Visuell: Material zeigen, illustrieren, anhören.

Praktisch: Arbeiten mit Audio- und Videomaterial. Verfassen von Berichten, Abstracts. Präsentationen vorbereiten.

Emotional: künstlerische Eindrücke.

Beschreibung der sachlichen und technischen Voraussetzungen für die Durchführung des Themas.

Gewährleistung des Unterrichts in diesem Fach: Anwesenheit eines Publikums, das die Hygienestandards und Brandschutzanforderungen erfüllt. Computer oder Laptop, Fernseher, Musikanlage, Multimedia-Projektor + Demoleinwand - wünschenswert. Foto-, Audio- und Videomaterialien unter aktiver Einbeziehung von Internetressourcen.

Ergänzt wird der Bibliotheksbestand durch gedruckte, elektronische Publikationen, pädagogische und methodische Literatur

Jeder Student erhält Zugang zu Bibliotheksbeständen und Beständen an Audio- und Videoaufnahmen. Beim selbstständigen Arbeiten nutzen die Studierenden das Internet zum Sammeln zusätzliches Material die vorgeschlagenen Themen zu studieren.

Angaben zu den Kosten der Studienzeit;

Tabelle 1

Tabelle 2

"Gitarre" Die Studienzeit beträgt 5 (6) Jahre.
Variabler Teil
Artikelname	1 Klasse	2 Zellen	3 Zellen	4 Zellen	5 Zellen	6 Zellen
Geschichte des klassischen Gitarrenspiels

Zwischenzertifizierung

Tisch 3

Tabelle 4

"Gitarre" Die Studienzeit beträgt 8 (9) Jahre.
Variabler Teil
Artikelname	1 Klasse	2 Zellen	3 Zellen	4 Zellen	5 Zellen	6 Zellen	7 Zellen	8 Zellen	9 Zellen
Geschichte der musikalischen Darbietung

Anzahl der Unterrichtswochen
Zwischenzertifizierung

LEHRPLAN

NAME DER THEMEN	Klassenzimmer	Selbstständige Arbeit
Aus der Geschichte der Gitarrenkunst. Entstehung und Entwicklung.
Der Ursprung der Gitarre. Fünf verschiedene Perioden in seiner Geschichte: Gründung, Stagnation, Wiederbelebung, Niedergang, Blüte.	1 Stunde	1 Stunde
Instrumente Vorläufer der Gitarre. Gitarre und Laute. Gitarre in Spanien (13. Jahrhundert) Die Periode der Wiederbelebung der Gitarre ist mit dem italienischen Komponisten, Interpreten und Lehrer Mauro Giuliani (geb. 1781) verbunden.
Fernando Sor (1778-1839) war ein berühmter spanischer Gitarrist und Komponist. Er war einer der ersten, der die polyphonen Möglichkeiten der Gitarre entdeckte. Werke von F. Sor für Gitarre. Seine Abhandlung über die Gitarre. Aguado Dionisio (1784 - 1849) - ein herausragender spanischer Künstler - Virtuose, Komponist. Ein gebürtiger Madrider. Es war ein großer Erfolg in Paris.
Carulli Fernando (1770 - 1841) - ein berühmter Lehrer, Autor der "School of Playing the Guitar", ein Komponist, der etwa vierhundert Werke komponierte, ein italienischer Gitarrist.Giuliani Mauro (1781 - 1829) - ein herausragender italienischer Gitarrist - Performer, Komponist, Lehrer. I.Fortea??????? ??
Matteo Carcassi (1781–1829) - der bedeutendste italienische Gitarrist und Interpret, Autor der School of Guitar Playing,Komponist. Regondi Giulio (1822 - 1872) - berühmter italienischer Gitarrist - Virtuose, Komponist.
Tarrega Francisco Eixea (1852 - 1909) - berühmter spanischer Gitarrist, Gründer der modernen Gitarrenschule Brillanter Konzertsänger, Komponist, Autor der berühmtesten Werke für Gitarre.

Legende des 20. Jahrhunderts - Andres Segovia(1893-1987), Tarregas Schüler und Nachfolger. Der berühmteste Gitarrist des 20. Jahrhunderts.
Zwischenzertifizierung (1. Quartal)
Flamenco-Gitarre. Flamenco-Stil.Paco de Lucia ist ein spanischer Flamenco-Gitarrist.
Gitarre in Europa. berühmte Darsteller.
Gitarristen aus Lateinamerika. Der brasilianische Komponist E. Villa-Lobos (1887-1959). Die Kompositionen von Villa-Lobos sind aus dem Repertoire moderner Gitarristen nicht mehr wegzudenken. Kubanische Gitarristen. Ein heller Vertreter ist Acosta. Anido Maria Luisa (*1907) ist ein herausragender argentinischer Gitarrist. Konzertkünstler, Komponist, Lehrer. Hawaiianische Gitarre und ihre Eigenschaften.
Seminarklassen.
Zwischenabschluss (erstes Halbjahr)
Gitarre in Russland Russland im 19. und frühen 20. Jahrhundert.			3. Quartal
Die Entstehung der Kunst, die siebensaitige Gitarre in Russland zu spielen. Bekanntschaft mit der Gitarre durch die italienischen Gitarristen Giuseppe Sarti, Carlo Conobbio, Pasquale Gagliani. Lieder und Romanzen prominenter Komponisten des 19. Jahrhunderts (A.E. Varlamov, A. L. Gurilev, A.A. Aliabijew, .I. Dubuc., P.P. Bulachow.)
Die Blütezeit der heimischen Berufskunst A. O. Sikhra (1773-1850) - der Patriarch der russischen siebensaitigen Gitarre, ein brillanter Komponist, ein berühmter Lehrer, der eine Galaxie hochtalentierter Gitarristen hervorgebracht hat. Andrei Sikhra und sein Musikverlag. Anhänger von A. Sikhra, seinen Schülern: F. Zimmerman, V. Sarenko, V. Markov, S. Aksenov. Siebensaitige Gitarre und russisches Lied, grausame Romantik.
Der erste Gitarrist, der die sechssaitige Gitarre spielte, war N.P. Markov (1810- ) Techniken für das Gitarrenspiel. Wettbewerb in Brüssel, organisiert von Markov, um das schwindende Interesse an der Gitarre wiederzubeleben. M. D. Sokolovsky (1818-1883) berühmter Konzertkünstler, der einzige Vertreter der heimischen Gitarrenschule seiner Zeit, der europäischen Ruhm erlangte. Seine Aktivitäten in der Popularisierung der Gitarre.
Isakov P. I. (1886 - 1958) - Gitarrist - Konzertspieler, Begleiter, Lehrer, Initiator der Gründung der Gesellschaft der Leningrader Gitarristen. Jaschnew V.I. (1879 - 1962) - Gitarrist-Lehrer, Komponist, Autor (zusammen mit B.L. Volman) der School of Playing the Six-String Guitar. Agafoshin PS (1874 - 1950) - ein talentierter Gitarrist, berühmter Lehrer, Autor der besten heimischen "Schule" für eine sechssaitige Gitarre. Student V.A. Russanow. . Treffen von Segovia und Agafoshin.
Ivanov - Kramskoy Alexander Mikhailovich (1912 - 1973) - der berühmte Gitarrist - Konzertspieler, Komponist, Lehrer. Verdienter Künstler der RSFSR. Schüler P.S. Agafoshina.N.A. Iwanowa - Kramskaja
Berühmte Gitarristen unserer Zeit.
Russische Gitarrenschule. Kreativität von Alexander Kuznetsov. Kreativität V. Shirokogo, V. Derun. A. Frauchi, A. Zimakova. Gitarristen: V.Kozlov, Alexander Chekhov, Nikita Koshkin, Vadim Kuznetsov, N.A.Komolyatov, A.Gitman, E.Filkshtein, A.Borodina.Wladimir Tervo …………Dervoed A. V., Matokhin S. N., Vinitsky A. E. , Reznik A.L.
Ausländische Gitarristen der klassischen Richtung.
Seminare
Abschlussstunde 3. Quartal

Internationale Wettbewerbe. Russische Wettbewerbe. Preisträger, Diplomaten. Feste.
Gitarre in Kammerensembles. Gitarrenorchester.
Klassische Gitarre in Tver und Tver-Region. BIN. Skvortsov, E.A. Baev; Instrumentalduett "Musical Miniatures" - E. Baev - Gitarre, E. Muravyova - Violine, "Art Duet" Natalya Gritsay, Elena Bondar.
Klassische Jazzgitarre. Jazz-Gitarre. Andere Richtungen im Bereich der Gitarrenkunst. Country-Technik. Fincherstil. Verschmelzung. …….Darsteller verschiedener Richtungen.
Wie ist die Gitarre gebaut? Führende Gitarrenbauer. Gitarren-Upgrade. Wie viele Saiten hat eine Gitarre? Narciso Yepes und seine zehnsaitige Gitarre. Neu in der Kunst der klassischen Gitarrenperformance.
Seminar-Beratung.
Abschlussprüfung
GESAMT ZUM RATE GESAMT

3. Anforderungen an das Ausbildungsniveau der Studierenden.

Das Ausbildungsniveau der Studenten ist das Ergebnis der Beherrschung des Programms des Fachs "Geschichte des klassischen Gitarrenspiels", das die Bildung der folgenden Kenntnisse und Fähigkeiten beinhaltet, wie zum Beispiel:

* das Interesse der Studierenden an der Geschichte der musikalischen Darbietung;

* Fähigkeit, in verschiedenen Aspekten der Gitarrenkunst, Musikstile und Richtungen zu navigieren;

* ein wohlgeformter Komplex von Wissen, Fertigkeiten und Fähigkeiten, die es ermöglichen, das gehörte Werk, den Stil und die Art des Interpreten zu beurteilen und zu charakterisieren;

* Kenntnisse, die es Ihnen ermöglichen, Internetressourcen selbstständig zu nutzen.

*Der Absolvent sollte die Hauptthemen des Kurses kennen

4. Formen und Methoden der Kontrolle, Bewertungssystem.

Zertifizierung: Ziele, Arten, Form, Inhalt;

Bewertungskriterien;

Die Kontrolle der Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten der Schüler sorgt für die operative Verwaltung des Bildungsprozesses und erfüllt Schulungs-, Prüfungs-, Bildungs- und Korrekturfunktionen. Verschiedene Formen der Lernfortschrittskontrolle ermöglichen es, den Erfolg und die Qualität des Bildungsprozesses objektiv zu beurteilen. Die wichtigsten Arten der Kontrolle des Fortschritts im Fach

"History of classic guitar performance" sind: Stromkontrolle, Zwischenzertifizierung. Abschlussprüfung.

Aktuelle Bescheinigungdient der Kontrolle der Qualität der Bewältigung des Unterrichtsstoffteils und zielt auf die Feststellung von Einstellungen zum Thema, zur verantwortungsvollen Gestaltung der Hausaufgaben und ist anregend. Die aktuelle Zertifizierung erfolgt in Form einer Umfrage, eines Gesprächs zu einem von Studierenden vorbereiteten Thema und einer Besprechung von gehörten Darbietungen. Mögliche aktuelle Kontrollaufgaben in Form von Tests, sowie Musikquiz.

Der Unterricht zur "Geschichte des Instrumentalspiels" findet in Form eines Vortrags eines Lehrers, von Gesprächen mit Schülern zu einem von ihnen vorbereiteten Thema, einer Schülerbefragung statt;

Ein großer Platz in der Arbeit ist gegeben Musikalische Illustrationen, Anhören und Ansehen relevanter Materialien. Es wird empfohlen, Seminare zu Themen durchzuführen, die von der Lehrkraft oder den Studierenden gewählt werden. Mögliche aktuelle Kontrollaufgaben in Form von Tests, sowie Musikquiz. Basierend auf den Ergebnissen der laufenden Kontrolle werden vierteljährliche Schätzungen abgeleitet.

Zwischenzertifizierung(wird am Ende des ersten und zweiten Semesters angeboten) bestimmt den Entwicklungserfolg der Studierenden und den Grad der Bewältigung der Lernaufgaben in dieser Phase. Formen der Zwischenzertifizierung: Kontrollunterricht, Tests, Berichte, Abstracts, Präsentationen.

Abschlussprüfung

Beim Bestehen der Abschlusszertifizierung muss der Absolvent Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten gemäß den Programmanforderungen nachweisen. Form und Inhalt der Abschlussprüfung für das Fach „Spielgeschichte der klassischen Gitarre“ werden von der Organisation (auf Vorschlag des Dozenten) selbstständig festgelegt. Empfohlene Formen: ein Test mit Beurteilung oder eine schriftliche oder mündliche Prüfung in Form einer Beantwortung vorbereiteter Fragen.

Für die Zertifizierung von Studenten werden Mittel für Bewertungsinstrumente erstellt, die Kontrollmethoden enthalten, mit denen Sie die erworbenen Kenntnisse, Fähigkeiten und Fertigkeiten bewerten können.

Kriterien für die Bewertung

5 ("ausgezeichnet");

4 ("gut");

3 ("befriedigend").

Bewertung - "ungenügend" in diesem Fach ist unerwünscht, da der Lehrer unabhängig vom Entwicklungsstand der Schüler die Möglichkeit hat, einen individuellen Ansatz für jeden Schüler zu finden und seine kreativen Fähigkeiten zu maximieren.

5. Methodische Unterstützung des Bildungsprozesses

Dieses Fach wird von einem Gitarrenlehrer unterrichtet.

Natürlich können wir die Aufnahmen der großen Interpreten der Vergangenheit nicht hören. Das 20. Jahrhundert gibt uns diese Gelegenheit. Wir können über die Traditionen und die Kontinuität der Aufführung von Musik aus verschiedenen Epochen durch Studenten und Anhänger sprechen. (Zum Beispiel: F. Tarrega, Segovia, A. M. Ivanov-Kramskoy, A. Frauchi ……….).

Die Formen des Dirigierunterrichts sind vielfältig, jedoch mit der obligatorischen Einbeziehung in die Arbeit der gesamten Gruppe. Gemeinsames Anhören und Ansehen von Aufnahmen, kreative Aufgaben - Berichte, Abstracts, Eindrücke vom Anhören von Aufnahmen im Unterricht und selbstständig. Die Präsentation des Materials umfasst: einen Vortrag des Lehrers selbst mit Anhören und Ansehen von Audio- und Videomaterialien; Durchführung konkreter Hausaufgaben im Rahmen des Lernstoffes durch alle Studierenden mit anschließender Diskussion. Einen großen Platz in der Arbeit nehmen musikalische Illustrationen, das Zuhören sowie das Betrachten relevanter Materialien ein.Es ist wichtig, dass der Lehrer eine Vielzahl von genau auswählt Musikalisches Material zum Zuhören und Stellen spezifischer Aufgaben, um: Konzentration zu lehren, Hören, Denken zu aktivieren, Aufmerksamkeit auf Details, den Vortragsstil und die Verkörperung der Intention des Komponisten durch den Interpreten zu lenken. Dadurch wird der eigene Geschmack der Schüler entwickelt und sie werden bewusster mit der Aufführung von Werken umgehen.

Es wird empfohlen, Tests in Form von Seminaren, Berichten, Abstracts, kurze Referenzen die die Schüler mithilfe von Online-Ressourcen selbstständig absolvieren können. Und als Hausaufgabe können sich die Schüler die Arbeit in verschiedenen Aufführungen anhören und machen vergleichende Analyse gehört, d.h. Erledige eine kreative Aufgabe.

Eine kreative Arbeitsform in diese Richtung sind auch gemeinsame Ausflüge (wenn möglich) von Schülern mit Lehrern, Eltern zu Instrumentalmusikkonzerten mit anschließender Diskussion im Klassenzimmer. (In unserer Schule werden solche Veranstaltungen regelmäßig aufgrund der günstigen Lage des Dorfes zu den Konzertorganisationen von Twer, Klin, Moskau organisiert. Auch Künstler aus Tver kommen zu uns)

Einen großen Platz nimmt die Vorbereitung des Lehrers und der Schüler auf den Unterricht ein. Es ist ein mühsamer und kreativer Prozess. Sie müssen viel mit Textmaterialien, Audio-, Video- und Internetressourcen arbeiten. Es ist notwendig, die Schüler zu ermutigen, täglich mindestens eine Stunde zu arbeiten. Mit regelmäßigen unabhängigenKlassen wird nicht nur das Interesse an diesem Fach steigen, sondern auch das Bedürfnis nach Selbständigkeit mühevolle Arbeit Hauptfach Gitarre.

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Ihre Wiege waren die Länder des Nahen und Mittleren Ostens, wo sie vor mehreren Jahrtausenden auftauchte.
Doch seinem Erscheinen in der traditionellen Form ging ein langer Entwicklungsweg voraus. Laut einer Reihe von Forschern könnte der Bogen des primitiven Jägers nicht nur als Waffe, sondern auch als Musikinstrument verwendet werden. Werden also mehrere Bogensehnen an einem Bogen gezogen, so verändert sich aufgrund ihrer unterschiedlichen Längen, Spannkräfte und Dicken die Tonhöhe des abgegebenen Tons. Wahrscheinlich war dies das Aussehen des Musikinstruments, das zum Prototyp der assyro-babylonischen und ägyptischen Cithara wurde. Die alten Citharas wiederum wurden zu den „Vorfahren“ der Gitarre.

Auf den altägyptischen Pyramiden und assyrischen Baudenkmälern gibt es Hieroglyphen, die das Nablu-Instrument darstellen, das in seiner Form vage einer Gitarre ähnelt. Interessanterweise benutzten die alten Ägypter dieselbe Hieroglyphe, um die Begriffe „gut“, „gut“, „schön“ zu bezeichnen.
In Mesopotamien und Ägypten erhielten einige Arten von Cithara (einschließlich der ägyptischen Nabla und der arabischen El-Aud) eine weitere konstruktive Entwicklung und verbreiteten sich bereits im 3. - 2. Jahrtausend v. Chr. An der gesamten Mittelmeerküste. neue Ära. Bis jetzt gibt es in den Ländern Kleinasiens ein Musikinstrument "Kinira", das mit der Gitarre verwandt ist.

Im antiken Griechenland am beliebtesten Musikinstrumente waren Kitara (Kitarra), Leier, Harfe, Pandora.
In den ersten Jahrhunderten der Neuzeit war die mit der griechischen verwandte Lateingitarre in den Mittelmeerländern Europas weit verbreitet. Auch die nächste Verwandte der Gitarre, die Laute, war bekannt. Schon der Name „Laute“ kommt vom arabischen Wort „el-aud“, was „hölzern“ oder „wohlklingend“ bedeutet.
Es wird vermutet, dass die Laute und die Gitarre von den Arabern nach Europa gebracht wurden – durch das von ihnen eroberte Spanien und im 8. Jahrhundert. Höchstwahrscheinlich verbreiteten sich diese Instrumente jedoch über das antike Griechenland nach Europa – dank seiner kulturellen Verbindungen zu den Ländern des Nahen und Mittleren Ostens.

Bis ins 16. Jahrhundert war die Gitarre drei- und viersaitig. Sie spielten es mit den Fingern und einem Plektrum (einer Knochen- und Schildkrötenplatte).
Im 16. Jahrhundert tauchte in Spanien eine fünfsaitige Gitarre auf, die seither als spanische Gitarre bekannt ist. Die Saiten wurden verdoppelt, manchmal war die erste Saite ("Sänger") einfach. Von allen europäischen Ländern war die Gitarre in Spanien am weitesten verbreitet, wo sie zu einem echten Volksinstrument wurde.
Mit dem Aufkommen der fünften Saite und der Zunahme ihrer künstlerischen und darstellerischen Fähigkeiten beginnt die Gitarre erfolgreich mit der Laute und der Vihuela, ihren Vorgängern, zu konkurrieren und sie allmählich aus dem musikalischen Gebrauch zu verdrängen.
Es treten eine Reihe talentierter Virtuosen und Komponisten auf, die die Kunst des Gitarrenspiels auf ein sehr hohes Niveau gehoben haben. hohes Niveau. Unter ihnen sind F. Corbetta (1620-1681), Hofgitarrist der Könige von Spanien, Frankreich und England, sein Schüler R. de Vize (1650-1725), Hofgitarrist von König Ludwig XIV. von Frankreich, F. Campion (1686 -1748), G. Suns (1640-1710) und viele andere.
Die ersten Tabulatursammlungen und Lehrmittel für die Gitarre erschienen: „Guitar Book“ von R. de Vize (1682), „New Discoveries of the Guitar“ von F. Campion (1705) und viele andere.

Sie haben alt gedruckt spanische Tänze- Pascals, Chaconnes, Sarabanden, Folianten und andere Stücke.
In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts taucht eine sechssaitige Gitarre auf (laut Historikern wieder in Spanien). Mit dem Aufkommen der sechsten Saite und dem Ersatz von Doppelsaiten durch Einzelsaiten beginnt der Siegeszug der Gitarre über Länder und Kontinente hinweg; gibt es in dieser Form noch. Die musikalischen Möglichkeiten der sechssaitigen Gitarre erwiesen sich als so groß, dass sie zu einem der beliebtesten Instrumente geworden ist.
Das „goldene Zeitalter“ der Gitarre beginnt. Es ist mit den Namen der spanischen Komponisten und Gitarrenvirtuosen F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) und des Italieners F. Carulli (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M Carcassi (1792-1853).

Darsteller

Spanien

SOR José Fernando (Fernando Sor 1778 - 1839)

Spanischer Gitarrist, Komponist und Lehrer. In früher Kindheit zeigte er außergewöhnliche Fähigkeiten und erhielt eine musikalische Ausbildung in einem der katholischen Klöster, wobei er sein Gitarrenspiel selbstständig verbesserte. Soras Gitarrenspiel erregte in London, wohin er nach einem kurzen Aufenthalt in Paris ging, eine echte Sensation. Im Herbst 1823 ging Sor mit seiner Frau, einer französischen Ballerina, nach Russland, wo seine Auftritte ein großer Erfolg waren. In Moskau wurde im Bolschoi-Theater Soras Ballett „Sandrillon“ aufgeführt. 1826 kehrte Sor nach Paris zurück und blieb dort bis zu seinem Lebensende. Seine tiefe und emotionale Musik und die weiche, samtige Klangfülle seines Spiels, auch „Beethoven der Gitarre“ genannt, machten ihn zu einem der größten Gitarristen seiner Zeit.
Sor wurde in Barcelona geboren. Bereits im Alter von fünf Jahren komponierte er Lieder und begleitete sich selbst auf der alten Gitarre seines Vaters. Er erhielt seine musikalische Ausbildung im katholischen Kloster Montserrat bei Barcelona und komponierte bereits im Alter von 13 Jahren komplexe Musik. Einmal erhielt sein Lehrer den Auftrag, eine feierliche Messe für Soli, Chor und Orgel zu komponieren, die er aber krankheitsbedingt nicht fristgerecht vorbereiten konnte. Sor half seinem Lehrer, indem er den Auftrag brillant in einer Nacht erledigte.
Nachdem er seine musikalische Ausbildung abgeschlossen und Gönner gefunden hatte, ließ sich Sor in Madrid nieder und widmete sich ganz der Komposition von Musik und der Verbesserung seiner Gitarrenkenntnisse. 1813 ging er nach Paris, wo er sich bald einen Namen als einer der besten Virtuosen machte und mit seinem Spiel Berlioz, Cherubini und andere in der französischen Hauptstadt lebende Musiker in seinen Bann zog. 1815 ging Soar nach London, wo er mit seinem Gitarrenspiel für Furore sorgte. 1823 war Sor bereits in Russland, wo ihm ebenfalls ein außergewöhnlicher Empfang bereitet wurde. Während einer seiner Reisen nach St. Petersburg wurde Sor an den Hof von Kaiserin Elizaveta Alekseevna, der Frau von Alexander I., eingeladen, die dem Gitarristen große Gunst erwies. Die Nähe zum Hof versprach Sor glänzende Aussichten, und er wollte für immer in Russland bleiben, musste es aber nach dem Tod der Kaiserin verlassen.
Nach seiner Rückkehr nach Westeuropa erfreute sich Sor weiterhin eines beispiellosen Erfolgs. Seine Autorität unter den Gitarristen war extrem hoch. In den 1930er Jahren war die Gitarre jedoch kein modisches Instrument mehr, und auch Sor geriet sowohl als Gitarrist als auch als Komponist aus der Mode. Im Juni 1839 starb Sor, selbst von seinen Mitmusikern halb vergessen.
Soras Musik ist zu einem Teil der Geschichte geworden, viele seiner Gitarrenkompositionen leben weiterhin auf der Konzertbühne, und seine „Schule für die Gitarre“ (1830) wird von vielen als die herausragendste Komposition angesehen, die der Gitarrentechnik gewidmet ist.

Italien

Giuliani Mauro (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

Herausragender italienischer Gitarrist, Komponist, anerkannt von Autoritäten wie J. Haydn und L. Beethoven. Geboren in der Nähe von Neapel. Als Kind lernte er Geige und Flöte spielen, gleichzeitig brachte er sich autodidaktisch das Gitarrespielen bei: Bereits mit zwanzig Jahren erzielte er so glänzende Erfolge, dass er in Italien als bester Gitarrist berühmt wurde. Ab 1800 begann seine Konzerttätigkeit, zunächst in Italien und Frankreich. 1807 kam er mit Konzerten nach Wien, wo er u.a Musikkritiker erkannten ihn einstimmig als den größten Gitarristen der Welt an.
Nachdem er sich in Wien niedergelassen hatte, nahm Giuliani Konzert- und Unterrichtstätigkeiten auf. Zu seinen Freunden zählen L. Beethoven und J. Haydn, die Geiger L. Spohr und J. Mayseder, die Pianisten I. Hummel, I. Moscheles und A. Diabelli.
1816 tourte Giuliani mit großem Erfolg durch Deutschland. 1819 trat er in Rom in Konzerten mit D. Rossini und N. Paganini auf.
Brillante Leistungen Giuliani und seine Aufführung eigener Konzerte für Gitarre und Orchester bewiesen die Gleichberechtigung der Gitarre als Konzertinstrument mit Geige, Cello und Klavier. „Little Orchestra“ – so charakterisierte Beethoven den Klang von Giulianis Gitarre.
1821 kehrte Giuliani nach Italien zurück und ließ sich in Rom nieder. In seinen letzten Lebensjahren tourte er durch Deutschland, Polen, Russland und England und sorgte überall mit seiner Kunst für Freude und Staunen.
M. Giuliani starb 1829 in Neapel.

Carulli Ferdinand (Fernando 1770-1841)

Italienischer Gitarrist, Lehrer und Komponist. Zunächst studierte er Cello. Nachdem er alleine Gitarre spielen gelernt hatte, wurde er professioneller Gitarrist. Schöner Ton, Reinheit und Gewandtheit im Gitarrenspiel sicherten seinen Erfolg in Neapel und dann in Paris, wo er zum Liebling der Salons wurde. Carulli ließ sich 1818 in Paris nieder. Nachdem er als bester Gitarrist seiner Zeit berühmt geworden war, teilte er sich die Meisterschaft mit Matteo Carcassi und hielt sie bis zur Rückkehr von Fernando Sor.
Als prominenter Lehrer und brillanter Interpret veröffentlichte Carulli etwa dreihundert seiner Kompositionen: Stücke für Sologitarre, Konzerte für Gitarre und Orchester, Kammermusikwerke, die sich durch hohes instrumentales und technisches Können auszeichnen. Zwei seiner theoretischen Arbeiten haben breite Anerkennung gefunden; dies sind "Schule für das Spielen der Leier oder Gitarre" (1810) und eine Studie über die Begleitung "Harmonie, wie sie auf die Gitarre angewendet wird" (1825). Besondere Popularität erlangte Carullis „Schule“, die gleichzeitig fünf Auflagen erlebte und nach dem Tod des Autors viele Male veröffentlicht wurde.

Carcassi Matteo (1792-1853)

Einer der berühmtesten italienischen Gitarristen seiner Zeit, Komponist und Lehrer, Anhänger von F. Carulli. In der Geschichte der Gitarre ist er als Autor von „The School of Playing the Guitar“ (1836) und pädagogischen Werken bekannt. Seine Studien für die Gitarre haben sich bis heute erhalten, bilden das Trainingsmaterial für jeden modernen Gitarristen und gelten als klassisch.
Matteo Carcassi lernte schon in jungen Jahren Gitarre in seiner Heimat Italien. Er war noch keine zwanzig, als er sich in Italien bereits einen Namen als Gitarrenvirtuose machte. 1815 begann er in Paris Gitarre und Klavier zu unterrichten. Während einer Konzertreise nach Deutschland 1819 lernte Carcassi den französischen Gitarristen Meissonier kennen, der 1812 seinen Verlag in Paris gründete. Die beiden Gitarristen wurden enge Freunde und Meissonier veröffentlichte die meisten Werke von Carcassi.
1822 sprach man in London nach nur wenigen Konzerten von Carcassy als einem außergewöhnlichen Gitarristen und Lehrer. Er kehrte bald nach Paris zurück, besuchte aber jedes Jahr London, wo sein Gitarrentalent hoch geschätzt und wo er immer erwartet und verehrt wurde.
Als Carcassi zum ersten Mal in Paris auftrat, stand sein Talent einige Zeit im Schatten eines anderen, älteren italienischen Virtuosen-Gitarristen Ferdinando Carulli, aber nach einigen Jahren erlangte Carcassi Anerkennung und großen Erfolg. Er gab jedes Jahr Konzerte in den meisten großen Städten Europas. 1836 kehrte Carcassi kurzzeitig nach Italien zurück, aber Paris blieb bis zu seinem Tod 1853 sein ständiger Wohnsitz.

Frankreich

Küstennapoleon (Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883

Französischer Gitarrist und Komponist. Geboren in der Franche-Comté. Schon in jungen Jahren beginnt er mit der Tätigkeit als Performer und Lehrer. 1830 zog er nach Paris, wo er sich mit F. Sor, D. Aguado, F. Carulli und M. Carcassi anfreundete, die dort gleichzeitig mit ihm lebten und großen Einfluss auf sein Werk hatten. 1856 erhielt er beim internationalen Wettbewerb für die beste Komposition und das beste Instrument, den der russische Gitarrist N. Makarov in Brüssel veranstaltete, den zweiten Preis für seine Komposition „The Great Serenade“.
Cost ist einer der besten französischen Interpreten des 19. Jahrhunderts und wird oft mit Sor verglichen. Aufgrund einer unfallbedingten Handverletzung musste er seine Konzerttätigkeit unterbrechen. Costas eigenes Werk ist relativ klein, zeugt aber von einem herausragenden kompositorischen Talent. Er schrieb etwa 70 Werke für Gitarre: Walzer, Variationen, „Konzert-Rondo“, „Große Serenade“, den Zyklus „Herbstlaub“, „25 Etüden“ (op. 38), Stücke für Oboe und Gitarre etc. In seiner Eben kleine Stücke spüren immer harmonische Harmonie und orchestrale Polyphonie.
Der Name Costa ist auch mit einer neuen, überarbeiteten und erweiterten Ausgabe von Sor's School for the Guitar verbunden, in die Cost eine Transkription der Suite von Robert de Wiese aufgenommen hat. Gestorben in Paris.

Gitarre in Russland

Die Geschichte der Gitarre in Russland ist interessant und sehr originell.
In seiner Entwicklung durchlief es ungefähr die gleichen Stadien wie in den Ländern Westeuropas.
Der russische Historiker N. Karamzin schrieb, dass die Slawen im 6. Jahrhundert gerne Kithara und Harfe spielten und sich auch in harten Feldzügen nicht von ihnen trennten. Gespielt in Russland und der viersaitigen Gitarre.
1769 schrieb Akademiker Shtelin über das Erscheinen der italienischen fünfsaitigen Gitarre in der Regierungszeit von Kaiserin Elisabeth, für die spezielle Musikzeitschriften veröffentlicht wurden.

Ende des 18. Jahrhunderts tauchte in Russland eine sechssaitige Gitarre auf. Bald wird sie in allen Lebensbereichen beliebt. Die ersten Spielschulen für dieses Instrument und verschiedene Notenausgaben werden gedruckt. Die älteste in Russland veröffentlichte Schule ist „Improved Guitar School for Six Strings, or Self-Taught Guitar Playing Guide“ von Ignatius von Geld. Sie ging zu frühes XIX Jahrhundert auf Russisch und Deutsch.
Im gleichen Zeitraum „Etüden“ und „Vier Sonaten“ für Klavier und sechssaitige Gitarre des berühmten Virtuosen, Komponisten und Lehrers P. Galyani, „Neue Zeitschrift für sechssaitige Gitarre“ von A. Berezovsky, „Konzert für sechs -saitige Gitarre mit Orchesterbegleitung" wurden im St. Petersburger Werk des Komponisten Ashanin (1815) veröffentlicht.
1821 - 1823 wurden in Moskau und Nischni Nowgorod "Musikakademien" eröffnet, in denen Jungen und Mädchen Gitarre spielen lernten. Hervorragende russische Gitarrenvirtuosen treten auf - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev.

Wyssozki Michail Timofejewitsch (um 1791-1837)

Russischer virtuoser Gitarrist und Gitarrenkomponist. Er studierte Gitarre bei S. N. Aksenov. Er liebte die Klassiker, besonders Bach, dessen Fugen er versuchte, für die Gitarre zu transkribieren. Dies spiegelte sich im ernsten und edlen Stil seiner Gitarrenkompositionen wider: meist Fantasien und Variationen über Russisch volkstümliche Themen(Zyklen von 4-5 Variationen, umrahmt von "Screensavers" und "Endings"), auch Bearbeitungen für Gitarre von Stücken von V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (mit dem der Musiker eng verbunden war) ua Von diesen wurden 83 gedruckt; seine "Praktische und Theoretische Schule für die Gitarre" (1836) wurde ebenfalls veröffentlicht.

Makarow Nikolai Petrowitsch (1810-1890)

Russischer virtuoser Gitarrist, aktiver Propagandist der Gitarrenkunst.
Geboren in der Stadt Chukhloma, Provinz Kostroma. Er verbrachte seine Kindheit auf den Gütern seines Vaters und seiner Tante M.P. Wolkonskaja. Als Offizier in der Armee gedient.
Seit seiner Kindheit Geige gespielt. Im Alter von 28 Jahren begann er sich für die Gitarre zu interessieren und erzielte mit täglich zehn bis zwölf Stunden Üben bald beachtliche Erfolge.
Makarovs erstes Konzert fand 1841 in Tula im Saal der Adelsversammlung statt, wo er den ersten Teil von Giulianis 3. Konzert spielte.
1852 reiste Makarov ins Ausland, wo er sich mit den größten Gitarristen Europas traf: Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, Gitarrenmeister Scherzer. 1856 organisierte er in Brüssel den 1. Internationalen Wettbewerb für die beste Komposition für Gitarre und das beste Instrument, auf dem er mit großem Erfolg als Solist auftrat. Der 1. Preis für die beste Komposition ging an J.K. Mertz, der 2. Preis an N. Kost, der 1. Preis für das beste Instrument an den österreichischen Meister I. Scherzer, der 2. Preis an den russischen Meister I. Arhuzen. N. Makarov starb im Dorf Funtikovo-Rozhdestvenskoye, Region Tula.

Sokolowski Mark Danilowitsch (1818-1883)

Geboren in der Ukraine in der Nähe von Schytomyr. Ich habe das Gitarrespielen selbst erlernt, nach der Giuliani-, Leniani- und Mertz-Schule.
1841 gab er sein erstes Solokonzert in Schitomir, wo er das Konzert in e-Moll von F. Carulli aufführte. 1846 gab er ein Solokonzert im Saal der Adelsversammlung. Das Konzert war ein großer Erfolg und wurde von über tausend Menschen besucht.
1858 ging Sokolovsky ins Ausland. Mit großem Erfolg sind seine Konzerte in Wien. In den Jahren 1863-1868 unternahm er eine triumphale Tournee durch die großen Städte Europas: Paris, London, Berlin, Brüssel, Dresden, Mailand, Krakau, Warschau. Sie nennen ihn „Great Artist“ in Deutschland, „Paganini of the Guitar“ – in England, „Kosciuszko of Guitarists“ – in Polen.
Am 25. Januar 1869 gab Sokolovsky ein Konzert im überfüllten Saal des Bolschoi-Theaters. Sein Abschiedskonzert (krankheitsbedingt) fand 1877 in St. Petersburg im Saal der Hofsingkapelle statt.
Sokolovsky verbrachte die letzten Jahre seines Lebens in Wilna (Vilnius), wo er sich mit pädagogischen Aktivitäten beschäftigte. Ein schwerer Schlag für ihn war N. Rubinsteins Weigerung, eine Gitarrenklasse am Moskauer Konservatorium zu eröffnen.
Mark Sokolovsky starb 1883 in Wilna und wurde auf dem Rasu-Friedhof in Wilna begraben; Nicht weit davon wurde später der berühmte litauische Künstler und Komponist Mikaelius Konstintinis Čiurlionis begraben.

Lebedew Wassilij Petrowitsch (1867-1907)

Geboren in der Provinz Samara. Ein Schüler des berühmten russischen Gitarristen I. Dekker-Schenk.
Erfolgreiche Konzerte in St. Petersburg und anderen Städten Russlands. 1900 trat er mit dem Orchester der russischen Volksinstrumente VV Andreev in Paris auf der Weltausstellung auf. Die Presse bemerkte den großen Erfolg des Künstlers. Lebedev war der erste Interpret der Gitarrenpartie in N. Paganinis Quartett für Gitarre, Violine, Bratsche und Cello. Er lehrte in St. Petersburg am Pädagogischen Museum und in Teilen des Militärbezirks. Gestorben in Petersburg.

Abfall

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts ging die Gitarrenkunst zurück. Oper, Symphonie und Instrumentalmusik, die ihre Blütezeit erreichten, verdrängten die Gitarre in den Hintergrund und verzögerten ihre Entwicklung um viele Jahrzehnte. Aber in noch größerem Maße trugen dazu kleinbürgerliche Moden und Geschmäcker bei, die sich in allen Schichten der Gesellschaft ausgebreitet haben. Nach dem bildlichen Ausdruck von Segovia, dem größten Gitarristen des 20. Jahrhunderts, "die Gitarre wurde an die Wände von Friseuren gehängt", ihr Hauptzweck war eine primitive Begleitung von Liedern und Romanzen, die Musiker betrachteten die Gitarre nicht mehr als ein ernsthaftes Instrument . Viele alte Traditionen sind zunichte gemacht, unzählige seltene Notizen und Manuskripte sind untergegangen; talentierte Interpreten und Komponisten wurden immer weniger - Dilettantismus und Ignoranz fegten über die Gitarrenkunst.
Der Niedergang erfasste alle europäischen Länder, aber weniger als andere berührte er Spanien, wo eine neue Renaissance der Gitarre begann.
Der Musiker, der der Gitarre den guten Namen zurückgab und ihre Kunst auf eine neue, bisher ungesehene Höhe hob, war Francisco Eschea Tarrega, ein herausragender spanischer Gitarrist, Komponist und Begründer der modernen Schule des Gitarrenspiels.

Wiedergeburt

Tarrega-Eshea Francisco (1852 - 1909)

Herausragender spanischer Gitarrist und Komponist, Gründer der spanischen Gitarrenschule. Geboren am 21. November 1852, gestorben am 5. Dezember 1909. Seit früher Kindheit spielt er Gitarre. Tarregas musikalische Fähigkeiten erregten Aufmerksamkeit, und mit der Unterstützung einer wohlhabenden Familie gelang es ihm, nach Madrid zu gehen und im Oktober 1874 das Konservatorium zu betreten, das er in zwei Fachrichtungen – Klavier und Komposition – mit Bravour abschloss. Trotz seiner guten pianistischen Fähigkeiten bevorzugte Tarrega die Gitarre, deren Spiel er so sehr verbesserte, dass er beschloss, ein eigenes Konzert im Alhambra-Theater in Madrid zu geben. Der große Erfolg, der diesen Auftritt begleitete, entschied die Sache endgültig - Tarrega wurde Gitarrist. Konzertreisen nach Frankreich, Italien, Österreich, Holland und in andere Länder bestätigten die herausragenden Fähigkeiten des Gitarristen. Die Presse verglich Tarrega mit den größten zeitgenössischen Künstlern - dem Geiger Pablo de Sarasate und dem Pianisten Anton Rubinstein.

Barrios (Mangori) Augustinus (Agustin Barrios Mangore 23.05.1885-07.08.1944)

Ein brillanter virtuoser Gitarrist aus Paraguay, dessen Bedeutung fast 50 Jahre nach seinem Tod voll gewürdigt wurde. Geboren in eine Musikerfamilie, in der neben Augustinus sieben weitere Kinder lebten. Er begann sehr früh Gitarre zu spielen. Der erste Lehrer war Gustavo Escalda, der den jungen Gitarristen in die Welt der Musik von Sor, Tarrega, Aguado und anderen Komponisten einführte, deren Werke die Grundlage des traditionellen Gitarrenrepertoires bildeten. Im Alter von 13 Jahren, als er das bemerkenswerte Talent des Kindes bemerkte, das sich bereits in vielen Bereichen manifestiert hatte (er war ausgezeichnet im Zeichnen, hatte erstaunliche mathematische Fähigkeiten und literarisches Talent), wurde er zum Studium an das National College in Asuncion geschickt.
1910 verließ Barrios, der zu diesem Zeitpunkt bereits als virtuoser Gitarrist bekannt geworden war, Paraguay und ging nach Argentinien. In den nächsten 34 Jahren tourte er durch den südamerikanischen Kontinent und gab Konzerte in den Städten Argentinien, Uruguay, Brasilien, Venezuela, Costa Rica und El Salvador. Er reiste auch nach Chile, Mexiko, Guatemala, Honduras, Panama, Kolumbien, Kuba und Hawaii. Zwischen 1934 und 1936 fand seine Reise nach Europa statt - er spielte in Spanien, Deutschland und Belgien.
1932 begann Barrios selbst, sich "Nitsuga Mangori - Paganini-Gitarren" zu nennen (Nitsuga ist die umgekehrte Lesart von Augustinus, und Mangori ist der Name des legendären Anführers der Guarani-Indianer). Etwa Mitte der 30er Jahre begannen bei Barrios gesundheitliche Probleme zu entwickeln – ein krankes Herz erlaubte ihm keine langen und anstrengenden Konzertreisen mehr. Seine letzten Lebensjahre verbrachte er in San Salvador, der Hauptstadt des kleinen mittelamerikanischen Bundesstaates El Salvador, wo er Musik unterrichtete und komponierte und nur gelegentlich Solo-Gitarrenkonzerte gab.
Mangori war nicht nur ein herausragender Interpret, sondern auch ein Komponist, der über 300 Werke für Gitarre besitzt, von denen viele heute zu ihnen zählen die besten Werke je für Sologitarre geschrieben.

Vila-Lobos Heitor (Heitor Villa-Lobos 1887 - 1959)

Herausragender brasilianischer Komponist, Kenner musikalischer Folklore, Dirigent, Lehrer. Geboren am 5. März 1887, gestorben am 17. November 1959. Unterricht bei F. Braga. In den Jahren 1905-1912 reiste er durch das Land, studierte Volkskunde, musikalische Folklore (über 1000 Volksmelodien aufgenommen). Ab 1915 trat er mit Autorenkonzerten auf.
1923-30. lebte hauptsächlich in Paris, kommunizierte mit französischen Komponisten. In den 1930er Jahren leistete er großartige Arbeit bei der Organisation eines einheitlichen Systems der Musikausbildung in Brasilien, gründete eine Reihe von Musikschulen und Chören. Vila-Lobos ist Autor spezieller Lehrmittel ("Praktischer Leitfaden", "Chorgesang", "Solfeggio" usw.), des theoretischen Werks "Musikalische Bildung". Er trat auch als Dirigent auf, förderte die brasilianische Musik in seiner Heimat und in anderen Ländern. Seine musikalische Ausbildung erhielt er in Paris, wo er A. Segovia kennenlernte und dem er später alle seine Kompositionen für Gitarre widmete. Vila-Lobos' Kompositionen für Gitarre haben eine ausgeprägte Volkscharakter, moderne Rhythmen und Harmonien in ihnen sind eng mit den ursprünglichen Liedern und Tänzen der brasilianischen Indianer und Schwarzen verflochten. Leiter der National Composer School. Initiator der Gründung der Brasilianischen Musikakademie (1945, ihr Präsident). Entwicklung eines musikalischen Erziehungssystems für Kinder. Er schrieb 9 Opern, 15 Ballette, 20 Symphonien, 18 symphonische Dichtungen, 9 Konzerte, 17 Streichquartette; 14 „Shoros“ (1920-29), „Brazilian Bahian“ (1944) für Instrumentalensembles, unzählige Chöre, Lieder, Musik für Kinder, Arrangements von Folklore-Samples usw. – insgesamt über tausend der unterschiedlichsten Kompositionen.

Segovia Andrés (1893-1987)

Hervorragender spanischer Gitarrist und Lehrer. Er wurde am 21. Februar 1893 in der Stadt Linares in Andalusien geboren, und einige Wochen später zog die Familie nach Jaen. Die wunderbare Improvisationskunst andalusischer Folkgitarristen und die ursprüngliche Kultur dieses alten Landes haben seine Einstellung stark beeinflusst.
1910 fand im „Artistic Center“ von Granada das erste öffentliche Konzert von Andres Segovia statt, das von seinen Freunden organisiert wurde.
1915 lernte Segovia den Gitarristen Miguel Llobet kennen, dank dem er im Januar 1916 in Barcelona ein Konzert geben konnte. Allerdings wollten sie die Gitarre nicht in große Hallen lassen. Sie war kein beliebtes Instrument, und jeder hatte das Gefühl, dass die Kraft ihres Klangs nicht ausreichte, und sie würde in einem großen Raum einfach nicht gehört werden.
Der Wendepunkt im Schicksal der Gitarre war ein Konzert im Palau Chamber Music in Barcelona, wo Segovia schließlich die Erlaubnis erhielt, aufzutreten. Die Klangschönheit einer Akustikgitarre verzauberte die Zuhörer förmlich.
Die Atmosphäre von Renacimiento, der Bewegung zur Wiederbelebung der Volkstraditionen in der Musik und Kultur Spaniens, trug zum weiteren Erfolg von Segovia bei. In den folgenden sechs Jahren verschaffte sich der Gitarrist Anerkennung für sein Instrument nicht nur in den Konzertsälen von Madrid und Barcelona, sondern auch in anderen Städten Spaniens. Hinzu kommt der Erfolg zweier Tourneen nach Südamerika in den Jahren 1919 und 1921.
Die 20er Jahre des 20. Jahrhunderts wurden zur Zeit der Geburt einer neuen Ära in der Gitarrenkunst und zum Beginn der weltweiten Anerkennung von Segovia. Jede Aufführung von Segovia wurde als Wunder empfunden, als Entdeckung von etwas Neuem. Er wollte Klischees überwinden und die Gitarre als Soloinstrument etablieren.
Dreimal, 1926, 1927, 1935-1936, kam er in die UdSSR und gab mit konstantem Erfolg Konzerte in Moskau, Leningrad, Kiew und Odessa. Segovia trat nicht nur mit Konzerten auf, sondern traf sich auch mit lokalen Gitarristen, hörte ihrem Spiel zu, führte methodische Gespräche und führte offenen Unterricht. Dies wirkte sich auch auf die Entwicklung der Gitarrenkunst in der Sowjetunion aus: Nach der Tournee begannen viele professionelle Musiker, die Gitarre als ein ernsthaft zu studierendes Instrument zu betrachten. Die Folge war die Eröffnung von Gitarrenklassen an Musikschulen (damals Fachschulen) sowie an einzelnen Musikhochschulen. P. S. Agafoshin war ein glühender Anhänger von Segovia, der als erster in der UdSSR die "Schule für das Spielen der sechssaitigen Gitarre" gründete, basierend auf den methodischen Richtlinien des herausragenden Gitarristen. So war Segovia nicht nur Künstler, sondern auch aktiver Förderer seines Instruments.

Gitarre in Russland 2

Agafoshin Petr (1874-1950)

Ein wunderbarer russischer Gitarrist, einer der ersten Lehrer der sechssaitigen Gitarre. P.S. Agafoshin wurde im Dorf Pirogovo in der Provinz Rjasan in eine Bauernfamilie hineingeboren. Leidenschaft für die Gitarre geerbt von seinem Vater (spielte ursprünglich siebensaitige Gitarre). Nach seinem Umzug nach Moskau verbesserte Petr Agafoshin sein Spiel auf seinem Lieblingsinstrument auf eigene Faust, wobei er nur gelegentlich den Rat von Lehrern einholte, darunter V. Rusanov, Herausgeber der Moskauer Zeitschrift "Gitarrist. Eine bedeutende Rolle in künstlerische Entwicklung Agafoshin wurde durch seine Freundschaft mit den Künstlern V. I. Surikov und D. E. Marten, leidenschaftlichen Fans der Gitarre, gespielt. Als Interpret an vielen Konzerten teilgenommen. Begleitete hervorragende Sänger F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo. Die Anerkennung von Agafoshins darstellender Kunst war eine Einladung, 1916 in Massenets Oper „Don Quijote“ am Bolschoi-Theater mitzuwirken, wo er F.I. Schaljapin.
Das Treffen 1926 mit Segovia inspirierte Agafoshin. Er hat kein einziges Konzert des spanischen Künstlers verpasst, sich persönlich mit ihm getroffen. "Nach dem Weggang von Segovia", schrieb Agafoshin, "habe ich mich sofort neu organisiert, die notwendigen Anpassungen an meiner Produktion, an den Spielmethoden vorgenommen. Bei seiner nächsten Ankunft im Frühjahr 1927 war mein Zustand ausgeglichener, da dadurch Zeit war ich selbst schon etwas, daher waren meine weiteren Beobachtungen seines Spiels viel ergiebiger, ich konnte mich auf einzelne Momente und Details seiner Darbietung konzentrieren, besonders jene Stücke, die sich im Prozess meiner Studie befanden.
P.S. Agafoshin arbeitete mehr als 40 Jahre als Orchesterdarsteller am State Maly Theatre. 1930-1950 unterrichtete er einen Gitarrenkurs an der Musikhochschule. Oktoberrevolution und das Moskauer Staatskonservatorium. Viele berühmte sowjetische Gitarristen waren seine Schüler (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov und andere).

Alexander Iwanow-Kramskoi (1912 - 1973)

Hervorragender russisch-sowjetischer Gitarrist, Komponist, Dirigent, Lehrer, Autor der "School of Playing the Six-String Guitar", einer der wenigen sowjetischen Gitarristen, denen der Titel eines Verdienten Künstlers der RSFSR (1959) verliehen wurde. Geboren am 26. Juli 1912 in Moskau. Studium an der gleichnamigen Musikhochschule Oktoberrevolution bei Petr Spiridonovich Agafoshin (sechssaitige Gitarre), dann am Moskauer Konservatorium (Ausbildungskurse). Er spielte eine große Rolle bei der Entwicklung der sechssaitigen Gitarre in Russland.
Er trat als Solist und im Ensemble mit Sängern (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky) auf. Seit 1932 arbeitete er beim All-Union Radio. 1939 erhielt er den 2. Preis beim All-Union Competition for Performers on Folk Instruments. 1939-45. Dirigent des Gesang- und Tanzensembles des NKWD der UdSSR. 1947-52 war er Dirigent des Russischen Volkschores und des Orchesters der Volksinstrumente des All-Union Radio.
Autor von Theaterstücken und Schule für sechssaitige Gitarre. Seine Gitarrenkompositionen (darunter zwei Konzerte für Gitarre und Orchester) sind bei Gitarristen sehr beliebt.
Die pädagogische Tätigkeit von A. M. Ivanov-Kramskoy setzte sich an der Akademischen Musikschule des Moskauer Konservatoriums fort, wo er von 1960 bis 1973 die Gitarrenklasse leitete und viele talentierte Musiker ausbildete. Anschließend lehrte er am Institut für Kultur.
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy war eine prominente Persönlichkeit der Musik und des öffentlichen Lebens, der seine ganze Energie der Förderung der Gitarrenkunst widmete. Nach für lange Jahre Vergessen, dank eines herausragenden Interpreten und Lehrers erlangte die Gitarre wieder den Status eines professionellen Konzertinstruments und begann, an weiterführenden und höheren Musikinstitutionen des Landes unterrichtet zu werden. Gestorben vormittags Ivanov-Kramskoy in Minsk während einer Tour. Er wurde in Moskau auf dem Vvedensky-Friedhof beigesetzt.

Komoliatow Nikolai (geb. 1945)

Einer der besten zeitgenössischen russischen Gitarristen, Lehrer. Geboren 1945 in der Stadt Saransk, 1962-70. studierte an der Schule und dann am Institut. Gnesine in der Klasse des berühmten russischen Gitarristen A. M. Ivanov-Kramskoy. Absolvent des Staatlichen Uralkonservatoriums. M. P. Mussorgsky. Seit Eröffnung der Gitarrenklasse am RAM. Gnesinykh arbeitet als Lehrer und hat im Laufe der Jahre viele Preisträger verschiedener Wettbewerbe vorbereitet. Derzeit ist er Professor der Gitarrenklasse der Russischen Musikakademie. Gnesine.
1996 wurde er Preisträger eines internationalen Wettbewerbs beim Latin American Arts Festival. Er ist Erstaufführung vieler Werke zeitgenössischer Komponisten. Firma "Melody" veröffentlichte zwei Solo-CDs des Interpreten. Die erste CD bestand aus Etüden und Präludien von E. Vila-Lobos, und die zweite enthielt Werke von P. Panin (Zwei Etüden, Zwei Präludien, Tanz des Schamanen und Humoreske) und I. Rekhins Suite „In Erinnerung an E. Vila -Lobo".
In Rezensionen von N. Komoliatovs Konzerten bemerkt die Presse den Klangfarbenreichtum seines Instruments und seine virtuose Technik, die Eleganz und Subtilität des künstlerischen Geschmacks des Musikers.
Für herausragende Leistungen auf dem Gebiet der Gitarrenkunst wurde N. Komoliatov der Titel Verdienter Künstler Russlands verliehen. Seit mehr als 25 Jahren ist er Solist der Moskauer Staatsphilharmonie.

YerzunovV Viktor (geb. 1945)

Gitarrist, Komponist, Musiklehrer. Geboren 1945 in Saransk. Vater starb an der Front. Musikalische Fähigkeiten zeigten sich früh, aber es gab keine Möglichkeit zu studieren.
Er lernte das Spielen erst im Alter von 17 Jahren auf dem Hof. Wir begnügten uns mit drei Hauptakkorden ... Der Wendepunkt war die Bekanntschaft mit Nikolai Komoliatov, dem einzigen Menschen in Saransk, der zu Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy studierte. Ich erinnere mich noch an das erste Präludium von Vila-Lobos, das er bei unserem ersten Treffen spielte.
Und dann ging das Training mit Hilfe einer Selbstlernanleitung für das Gitarrenspiel und „per Korrespondenz“ weiter. Nikolai Komoliatov, der damals als Matrose diente und im Ensemble der Pazifikflotte spielte, nahm in seiner eigenen Aufführung auf einem Tonbandgerät jene Werke auf, deren Notizen Victor hatte, und schickte sie per Post aus Wladiwostok. So verstand er "nach Gehör" die Noten und spielte nach dem Vorbild seines entfernten Lehrers. 1963, nach dem Abitur, arbeitete er als Montagemonteur im Werk Elektrovypryamitel. Er schaffte es sogar in der Mittagspause und nach der Arbeit Gitarre zu spielen – bis in die Nacht hinein. Das Programm für den Eintritt in die Musikschule habe ich selbst erstellt. Ich bin nicht in die Schule am Moskauer Konservatorium gekommen, da es gemäß der Anordnung des Kulturministeriums in diesem Jahr eine Gruppe von Studenten aus Kasachstan und Usbekistan gab. Aber im selben Jahr wurde an der Gnessin-Schule in der Abteilung für Volksinstrumente eine kleine Klasse für sechssaitige Gitarre eröffnet. Zwei der dreißig Bewerber wurden angenommen. Einer von ihnen ist Viktor Erzunov. Nach 3,5 Monaten Studium wurde Viktor in die Reihen der Sowjetarmee eingezogen, wo er drei Jahre in der Kampfeinheit diente. Nach seiner Rückkehr in die Schule lernte er zehn Stunden am Tag, um aufzuholen. Gleichzeitig sammelte er erste Unterrichtserfahrungen. Er selbst hat das Repertoire für die Schüler ausgewählt, um ihnen einen guten Musikgeschmack zu vermitteln.
Der Lehrer von V. Yerzunov, Boris Khlopovsky, ging, um beim Mosconcert zu spielen, und empfahl seinen besten Schüler für eine Lehrstelle. Die vakante Stelle eines Gitarrenlehrers wurde für Viktor Alekseevich sechs Monate lang besetzt, während er sein Studium abschloss. 1971 begann er an der Musikhochschule zu arbeiten. Gnesine. Gleichzeitig eröffnete er auf Einladung von Marina Davydovna Khidekel eine Gitarrenklasse an der Chernogolovskaya School of Arts.
Die ersten Stücke eines bereits gereiften Meisters, ausgewählt nach langjähriger Erprobung durch die Zeit, wurden 1989 in der "Sammlung Pädagogisches Repertoire für Gitarre" zusammen mit den Werken der Klassiker veröffentlicht. Es wurde auch eine vollständige Autorensammlung von Viktor Yerzunovs eigenen Kompositionen "Album des Gitarristen" für Kindermusikschulen veröffentlicht.

Winizki Alexander
(geb. 1950)

Russischer Gitarrist, Komponist, Musiklehrer. Preisträger internationaler Wettbewerbe. Absolvent der Russischen Musikakademie. Gnesine. Er unterrichtet an der Staatlichen Musikhochschule. Gnessins klassische Gitarre, gibt Solokonzerte, schreibt Musik für die Gitarre, leitet Seminare und Meisterkurse zum Thema „Klassische Gitarre im Jazz“. Beteiligt sich an Internationale Festivals Gitarren- und Jazzmusik, tritt erfolgreich im Ausland und in großen Städten Russlands auf. In den Konzertprogrammen von Alexander Vinitsky klingen die Kompositionen des Autors und kombinieren sich verschiedene Stile, sowie Arrangements von Musik von Gershwin, Jobim, Bonff, Gilberto, Powell, Porter, Rodgers und anderen Komponisten. Aufgenommen 7 Discs. Er veröffentlicht seine Werke in den wichtigsten Musikverlagen der Welt. Er war wiederholt Vorsitzender und Jurymitglied internationaler klassischer Gitarrenwettbewerbe in Frankreich, Polen und Russland.

Frauchi Alexander (geb. 1954)

Einer der besten russischen klassischen Gitarristen-Performer. 1954 in Rostow geboren. Er begann seine ersten Schritte in der Musik unter der Anleitung seines Vaters Camille Arturovich Frauchi, einem berühmten Geiger und, wie man so sagt, einem wunderbaren Gitarristen und Lehrer. Er studierte an der Zentralen Musikschule am Konservatorium. Tschaikowsky in Moskau in der Klasse von N. A. Ivanova-Kramskaya und am Konservatorium. Mussorgsky in Swerdlowsk mit G. Mineev. 1979 gewann er den ersten Preis beim nationalen Musikwettbewerb der Interpreten in Leningrad und 1986 den ersten Preis beim Internationalen Gitarrenwettbewerb in Havanna (Kuba). Er gab Solokonzerte und leitete Meisterkurse in Deutschland, Frankreich, Belgien, Großbritannien, den USA, Österreich, Italien, Jugoslawien, Polen, Kuba, Ungarn, Tschechien, Bulgarien, der Türkei und Griechenland. Alexander Frauchi wurde wiederholt als Jurymitglied eingeladen internationale Wettbewerbe Gitarristen. Eine Schallplatte wurde von der Firma Melodiya sowie eine CD-ROM (1994) mit einer Aufnahme der Werke von Nikita Koshkin veröffentlicht.
Verdienter Künstler Russlands, Musiklehrer, Professor an der Russischen Musikakademie (ehemaliges Gnessin Musikalisches und Pädagogisches Institut) in Moskau.