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Shakespeare schuf seine Werke in dieser Zeit. Wer hat für Shakespeare geschrieben? Theaterkarriere in London

William Shakespeare - der große englische Dramatiker und Dichter der Renaissance, der einen großen Einfluss auf die Entwicklung der gesamten Theaterkunst hatte. Bis heute verlassen seine Werke die Theaterbühnen in aller Welt nicht.

William Shakespeare wurde am 23. April 1564 in der Kleinstadt Stratford-upon-Avon geboren. Sein Vater, John Shakespeare, war Handschuhmacher und wurde 1568 zum Bürgermeister der Stadt gewählt. Seine Mutter, Mary Shakespeare aus der Familie Arden, war eine der ältesten Englische Nachnamen. Es wird angenommen, dass Shakespeare an der „Grammar School“ in Stratford studierte, wo er die lateinische Sprache und die Grundlagen des Griechischen studierte und Kenntnisse der antiken Mythologie, Geschichte und Literatur erhielt, die sich in seiner Arbeit niederschlugen. Im Alter von 18 Jahren heiratete Shakespeare Anne Hathaway, aus der eine Tochter, Susanna, und die Zwillinge, Hamnet und Judith, geboren wurden. Die Zeit von 1579 bis 1588 wird üblicherweise als die "verlorenen Jahre" bezeichnet, da es keine genauen Informationen darüber gibt, was Shakespeare getan hat. Um 1587 verließ Shakespeare seine Familie und zog nach London, wo er Theatertätigkeiten aufnahm.

Die erste Erwähnung Shakespeares als Schriftsteller finden wir 1592 in der sterbenden Broschüre des Dramatikers Robert Greene „For a penny of a mind buy for a million remorse“, wo Greene von ihm als einem gefährlichen Konkurrenten („upstart“, „ Krähe, die in unseren Federn zur Schau gestellt wird). 1594 wurde Shakespeare als einer der Anteilseigner von Richard Burbages Lord Chamberlain's Men-Truppe aufgeführt, und 1599 wurde Shakespeare einer der Miteigentümer des neuen Globe Theatre. Zu diesem Zeitpunkt war Shakespeare ein ziemlich wohlhabender Mann geworden zweitgrößte Haus in Stratford, erhält das Recht auf ein Familienwappen und den Adelstitel Lord Gentleman. Shakespeare beschäftigte sich viele Jahre mit Wucher und wurde 1605 Kirchenzehntbauer. 1612 verlässt Shakespeare London und verlässt London kehrt in seine Heimatstadt Stratford zurück Am 25. März 1616 wurde ein Testament von einem Notar aufgesetzt und am 23. April 1616, an seinem Geburtstag, starb Shakespeare.

Der Mangel an biografischen Informationen und viele unerklärliche Fakten führten zu einer ziemlich großen Anzahl von Personen, die für die Rolle des Autors von Shakespeares Werken nominiert wurden. Bis heute gibt es viele Hypothesen (erstmals Ende des 18. Jahrhunderts aufgestellt), dass Shakespeares Stücke von einer ganz anderen Person geschrieben wurden. In den mehr als zwei Jahrhunderten des Bestehens dieser Versionen wurde eine Vielzahl von Bewerbern für die "Rolle" des Autors dieser Stücke vorgeschlagen - von Francis Bacon und Christopher Marlo bis zum Piraten Francis Drake und Queen Elizabeth. Es gab Versionen, die ein ganzes Autorenteam unter dem Namen Shakespeare versteckte. Derzeit gibt es bereits 77 Kandidaten für eine Autorenschaft. Doch wer auch immer er ist – und in zahlreichen Auseinandersetzungen um die Persönlichkeit des großen Dramatikers und Dichters wird es nicht so schnell, vielleicht nie kommen – die Schöpfungen des Genies der Renaissance inspirieren noch heute Regisseure und Schauspieler auf der ganzen Welt.

Ganz kreative Weise Shakespeare - die Zeit von 1590 bis 1612 wird üblicherweise in vier Perioden unterteilt.

Die erste Periode fällt ungefähr auf die Jahre 1590-1594.

Von literarische Geräte es kann als Nachahmungszeit bezeichnet werden: Shakespeare ist seinen Vorgängern noch völlig ausgeliefert. Befürworter eines biografischen Ansatzes zum Studium von Shakespeares Werken definierten diese Zeit nach Stimmung als eine Zeit des idealistischen Glaubens an die besten Aspekte des Lebens: "Der junge Shakespeare bestraft enthusiastisch das Laster in seinen historischen Tragödien und singt enthusiastisch von hohen und poetischen Gefühlen - Freundschaft, Selbstaufopferung und vor allem Liebe" (Vengerov).

In der Tragödie „Titus Andronicus“ würdigte Shakespeare voll und ganz die Tradition zeitgenössischer Dramatiker, die Aufmerksamkeit des Publikums durch forcierte Leidenschaften, Grausamkeit und Naturalismus zu erhalten. Die komischen Schrecken von „Titus Andronicus“ spiegeln direkt und unmittelbar die Schrecken der Stücke von Kid und Marlowe wider.

Wahrscheinlich waren Shakespeares erste Stücke die drei Teile von Heinrich VI. Holinsheds Chroniken dienten als Quelle für diese und nachfolgende historische Chroniken. Das Thema, das alle Shakespeare-Chroniken eint, ist der Wandel in einer Reihe schwacher und unfähiger Herrscher, die das Land in Bürgerkrieg und Bürgerkrieg führten Bürgerkrieg und die Wiederherstellung der Ordnung mit dem Beitritt der Tudor-Dynastie. Wie Marlowe in Edward II, beschreibt Shakespeare nicht nur historische Ereignisse, sondern untersucht die Motive hinter den Handlungen der Charaktere.

"Comedy of Errors" - frühe, "studentische" Komödie, Sitcom. Nach damaligem Brauch eine Umarbeitung des Stücks durch einen modernen englischen Autor, dessen Quelle die italienische Version von Plautus' Komödie Menechma war, die die Abenteuer von Zwillingsbrüdern beschreibt. Die Handlung spielt in Ephesus, das wenig Ähnlichkeit mit einer antiken griechischen Stadt hat: Der Autor überträgt die Zeichen des zeitgenössischen Englands in eine antike Umgebung. Shakespeare fügt eine Geschichte mit zwei Dienern hinzu, wodurch die Handlung noch mehr verwirrt wird. Bezeichnend ist, dass bereits in diesem Werk eine für Shakespeare übliche Mischung aus Komik und Tragik vorkommt: Dem Greis Egeon, der unwissentlich gegen das ephesische Gesetz verstoßen hat, droht die Hinrichtung, und das nur durch eine Verkettung unglaublicher Zufälle , lächerliche Fehler, im Finale kommt ihm die Erlösung. Eine tragische Handlung durch eine komische Szene zu unterbrechen, selbst in den dunkelsten Werken Shakespeares, erinnert in mittelalterlicher Tradition an die Nähe des Todes und gleichzeitig an den unaufhörlichen Fluss des Lebens und seine ständige Erneuerung.

Das Stück „Der Widerspenstigen Zähmung“, das in den Traditionen der Farce Comedy entstanden ist, basiert auf groben Comictechniken. Dies ist eine Variation der in den 1590er Jahren in Londoner Theatern beliebten Handlung über die Befriedung einer Frau durch ihren Ehemann. In einem spannenden Duell treffen zwei aufeinander außergewöhnliche Persönlichkeiten und die Frau ist besiegt. Der Autor proklamiert die Unantastbarkeit der etablierten Ordnung, in der das Familienoberhaupt ein Mann ist.

In den folgenden Stücken entfernt sich Shakespeare von externen komödiantischen Mitteln. Love's Labour's Lost ist eine Komödie, inspiriert von Lilys Stücken, die er für Aufführungen im Maskentheater am Königshof und in Adelshäusern geschrieben hat. Mit einer ziemlich einfachen Handlung ist das Stück ein kontinuierliches Turnier, ein Wettbewerb von Charakteren in witzigen Dialogen, komplexem Wortspiel, dem Komponieren von Gedichten und Sonetten (zu diesem Zeitpunkt beherrschte Shakespeare bereits eine schwierige poetische Form). Die Sprache von „Love’s Labour’s Lost“ – prätentiös, blumig, der sogenannte Euphuismus – ist die Sprache der damaligen englischen Adelselite, die nach der Veröffentlichung von Lilys Roman „Euphues or the Anatomy of Wit“ populär wurde.

Zweite Periode (1594-1601)

Um 1595 erschafft Shakespeare eine seiner beliebtesten Tragödien, Romeo und Julia, eine Entwicklungsgeschichte menschliche Persönlichkeit im Kampf mit äußeren Umständen um das Recht auf freie Liebe. Die aus italienischen Kurzgeschichten (Masuccio, Bandello) bekannte Handlung wurde von Arthur Brooke dem gleichnamigen Gedicht (1562) zugrunde gelegt. Wahrscheinlich diente Brookes Werk als Quelle für Shakespeare. Er verstärkte die Lyrik und Dramatik der Handlung, überdachte und bereicherte die Charaktere der Charaktere, schuf poetische Monologe, die die inneren Erfahrungen der Hauptfiguren enthüllen, und verwandelte so ein gewöhnliches Werk in ein Liebesgedicht der Renaissance. Dies ist eine Tragödie besonderer Art, lyrisch, optimistisch, trotz des Todes der Hauptfiguren im Finale. Ihre Namen sind zu einem Gattungsnamen für die höchste Poesie der Leidenschaft geworden.

Um 1596 entstand ein weiteres von Shakespeares berühmtesten Werken, Der Kaufmann von Venedig. Shylock sehnt sich, genau wie ein anderer berühmter Jude des elisabethanischen Dramas - Barabbas ("Jude von Malta" von Marlo), nach Rache. Aber im Gegensatz zu Barabbas ist Shylock, der ein negativer Charakter bleibt, viel schwieriger. Einerseits ist dies ein gieriger, listiger, sogar grausamer Wucherer, andererseits eine gekränkte Person, deren Vergehen Sympathie hervorruft. Shylocks berühmter Monolog über die Identität eines Juden und jeder anderen Person, "Doesn't a Jew have eyes? .." (Act III, Scene 1) wird von einigen Kritikern als die beste Rede zur Verteidigung der Gleichberechtigung der Juden in angesehen alle Literatur. Das Stück kontrastiert die Macht des Geldes über eine Person mit dem Kult der Freundschaft – ein integraler Bestandteil der Harmonie des Lebens.

Trotz der „Problematik“ des Stücks und der Dramatik der Handlung von Antonio und Shylock steht „Der Kaufmann von Venedig“ in seiner Atmosphäre Märchenstücken wie „Ein Sommernachtstraum“ (1596) nahe. Das zauberhafte Schauspiel wurde vermutlich für die Feierlichkeiten anlässlich der Hochzeit eines der elisabethanischen Adligen geschrieben. Zum ersten Mal in der Literatur stattet Shakespeare fantastische Kreaturen mit menschlichen Schwächen und Widersprüchen aus und erschafft Charaktere. Wie immer überlagert er dramatische Szenen mit komischen: Athenische Handwerker, englischen Arbeitern sehr ähnlich, bereiten für die Hochzeit von Theseus und Hippolyta fleißig und ungeschickt das Stück „Pyramus und Thisbe“ vor, das eine Geschichte unglücklicher Liebe erzählt parodistische Form. Die Forscher waren überrascht von der Wahl der Handlung für das "Hochzeits" -Stück: seine äußere Handlung - Missverständnisse zwischen zwei Liebespaaren, die nur dank des guten Willens von Oberon und Magie gelöst wurden, ein Hohn auf weibliche Launen (Titanias plötzliche Leidenschaft für die Foundation ) - drückt eine äußerst skeptische Sicht auf die Liebe aus. Dieses "eines der poetischsten Werke" hat jedoch eine ernste Konnotation - die Erhebung eines aufrichtigen Gefühls, das eine moralische Grundlage hat.

S. A. Vengerov sah den Übergang zur zweiten Periode „in Abwesenheit jener Poesie der Jugend, die für die erste Periode so charakteristisch ist. Die Helden sind noch jung, aber sie haben bereits ein anständiges Leben geführt und das Wichtigste für sie im Leben ist das Vergnügen. Die Portion ist pikant, lebhaft, aber schon die zarten Reize der Mädchen der Zwei Veroner und noch mehr Julia sind darin überhaupt nicht enthalten.

Gleichzeitig schafft Shakespeare einen unsterblichen und höchst interessanten Typus, der bisher in der Weltliteratur keine Entsprechungen hatte - Sir John Falstaff. Der Erfolg beider Teile von "Heinrich IV" ist nicht zuletzt und das Verdienst dieses höchst frappierend Schauspieler Chronik, die sofort populär wurde. Der Charakter ist zweifellos negativ, aber mit einem komplexen Charakter. Ein Materialist, ein Egoist, ein Mann ohne Ideale: Ehre ist nichts für ihn, ein beobachtender und einsichtiger Skeptiker. Er leugnet Ehre, Macht und Reichtum: Er braucht Geld nur, um sich Nahrung, Wein und Frauen zu beschaffen. Aber die Essenz des Komischen, die Körnung des Bildes von Falstaff ist nicht nur sein Witz, sondern auch ein fröhliches Lachen über sich selbst und die Welt um ihn herum. Seine Stärke liegt in der Menschenkenntnis, alles was einen Menschen bindet ist ihm zuwider, er ist die Verkörperung der Freiheit des Geistes und Skrupellosigkeit. Als Mann der vergangenen Zeit wird er dort nicht gebraucht, wo der Staat mächtig ist. Shakespeare erkennt, dass eine solche Figur in einem Drama über einen idealen Herrscher fehl am Platz ist, und entfernt ihn in Henry V: Das Publikum wird einfach über den Tod von Falstaff informiert. Der Überlieferung nach soll Shakespeare auf Wunsch von Queen Elizabeth, die Falstaff wieder auf der Bühne sehen wollte, ihn in „Die lustigen Weiber von Windsor“ wiederbelebt haben. Aber das ist nur eine blasse Kopie des ehemaligen Falstaff. Er verlor sein Wissen über die Welt um ihn herum, es gibt keine gesunde Ironie mehr, kein Lachen über sich selbst. Nur ein selbstzufriedener Schurke blieb zurück.

Viel erfolgreicher ist der Versuch, im letzten Stück der zweiten Periode, Twelfth Night, wieder zum Falstaff-Typus zurückzukehren. Hier haben wir in der Person von Sir Toby und seinem Gefolge sozusagen eine zweite Ausgabe von Sir John, wenn auch ohne seinen sprühenden Witz, aber mit der gleichen ansteckenden gutmütigen Ritterlichkeit. Auch der derbe Frauenhohn im Widerspenstigen Zähmung fügt sich weitgehend in den Rahmen der „falstaffischen“ Zeit ein.

Dritte Periode (1600-1609)

Die dritte Periode seiner künstlerischen Tätigkeit, die ungefähr die Jahre 1600–1609 umfasst, wird von den Anhängern der subjektivistischen biografischen Herangehensweise an Shakespeares Werk als Zeit der „tiefen spirituellen Dunkelheit“ bezeichnet, wenn man das Erscheinen der melancholischen Figur Jacques in der Komödie bedenkt „ As You Like It“ als Zeichen einer veränderten Weltanschauung und bezeichnet ihn fast nicht als Vorläufer von Hamlet. Einige Forscher glauben jedoch, dass Shakespeare im Bild von Jacques nur die Melancholie verspottete und die Zeit der angeblichen Lebensenttäuschungen (laut den Befürwortern der biografischen Methode) nicht wirklich durch die Fakten von Shakespeares Biografie bestätigt wird. Die Entstehungszeit des Dramatikers größten Tragödien fällt mit der Blüte seiner schöpferischen Kräfte, der Lösung materieller Schwierigkeiten und der Leistung zusammen Hohe Position in der Gesellschaft.

Um 1600 schuf Shakespeare Hamlet, nach Ansicht vieler Kritiker, sein tiefgründigstes Werk. Shakespeare behielt die Handlung der bekannten Rachetragödie bei, richtete aber seine ganze Aufmerksamkeit auf den seelischen Zwiespalt, das innere Drama des Protagonisten. Ein neuer Heldentyp wurde in das traditionelle Rachedrama eingeführt. Shakespeare war seiner Zeit voraus - Hamlet ist nicht der übliche tragische Held, der Rache für die göttliche Gerechtigkeit übt. Als er zu dem Schluss kommt, dass es unmöglich ist, die Harmonie mit einem Schlag wiederherzustellen, erlebt er die Tragödie der Entfremdung von der Welt und verurteilt sich selbst zur Einsamkeit. Nach der Definition von L. E. Pinsky ist Hamlet der erste „nachdenkliche“ Held der Weltliteratur.

Die Helden von Shakespeares „großen Tragödien“ sind herausragende Menschen, in denen sich Gut und Böse vermischen. Angesichts der Disharmonie der Welt um sie herum treffen sie eine schwierige Entscheidung - wie sie darin bestehen sollen, sie erschaffen ihr eigenes Schicksal und tragen die volle Verantwortung dafür.

Gleichzeitig erschafft Shakespeare das Drama Maß für Maß. Trotz der Tatsache, dass es im ersten Folio von 1623 als Komödie eingestuft wird, gibt es in diesem ernsthaften Werk über einen ungerechten Richter fast keine Komik. Sein Name bezieht sich auf die Lehre Christi über die Barmherzigkeit, im Verlauf der Handlung schwebt einer der Helden in Lebensgefahr, und das Ende kann als bedingt glücklich bezeichnet werden. Dieses problematische Werk passt nicht in ein bestimmtes Genre, sondern existiert an der Grenze der Genres: Zurück zur Moral, ist es auf die Tragikomödie ausgerichtet.

Wirkliche Misanthropie kommt nur in "Timon von Athen" zum Vorschein - der Geschichte eines großzügigen und guter Mann, ruiniert von denen, denen er half, und wurde ein Misanthrop. Das Stück hinterlässt einen schmerzhaften Eindruck, obwohl das undankbare Athen nach dem Tod von Timon bestraft wird. Den Forschern zufolge hat Shakespeare einen Misserfolg erlitten: Das Stück ist in einer uneinheitlichen Sprache geschrieben und hat neben seinen Vorzügen noch größere Nachteile. Es ist nicht ausgeschlossen, dass mehr als ein Shakespeare daran gearbeitet hat. Der Charakter von Timon selbst ist gescheitert, manchmal wirkt er wie eine Karikatur, andere Charaktere sind einfach blass. Antony und Cleopatra können als Übergang zu einem neuen Streifen Shakespeares Kreativität angesehen werden. In "Antony and Cleopatra" wird das talentierte, aber jeder moralischen Grundlage entbehrende Raubtier aus "Julius Caesar" von einem wahrhaft poetischen Heiligenschein umgeben, und die Halbverräterin Cleopatra büßt ihre Sünden weitgehend mit einem Heldentod.

Vierte Periode (1609-1612)

Die vierte Periode umfasst mit Ausnahme des Stücks "Henry VIII" (die meisten Forscher sind sich einig, dass es fast vollständig von John Fletcher geschrieben wurde) nur drei oder vier Jahre und vier Stücke - die sogenannten "romantischen Dramen" oder Tragikomödien. In den Stücken der letzten Zeit betonen harte Prüfungen die Freude über die Befreiung von Katastrophen. Verleumdung wird erwischt, Unschuld wird gerechtfertigt, Treue wird belohnt, der Wahnsinn der Eifersucht hat keine tragischen Folgen, Liebende sind in einer glücklichen Ehe vereint. Der Optimismus dieser Werke wird von Kritikern als Zeichen der Versöhnung ihres Autors empfunden. "Pericles", ein Stück, das sich deutlich von allem bisher Geschriebenen unterscheidet, markiert die Entstehung neuer Werke. An Primitivität grenzende Naivität, das Fehlen komplexer Charaktere und Probleme, eine Rückbesinnung auf die für das englische Frührenaissance-Drama charakteristische Handlungskonstruktion – all das deutet darauf hin, dass Shakespeare auf der Suche nach einer neuen Form war. eine Geschichte "darüber, wo alles möglich ist. Die Geschichte eines eifersüchtigen Mannes, der dem Bösen erliegt, seelische Qualen erleidet und durch seine Reue Vergebung verdient. Am Ende besiegt das Gute das Böse, meinen einige Forscher, bekräftigen den Glauben an humanistische Ideale, andere behaupten, der Triumph der christlichen Moral. Der Sturm ist das erfolgreichste der letzten Stücke und gewissermaßen das Finale von Shakespeares Werk. Statt Kampf herrscht hier der Geist der Menschlichkeit und Vergebung. Poetische Mädchen, die jetzt geschaffen wurden – Marina aus „Pericles“, Loss aus „The Winter’s Tale“, Miranda aus „The Tempest“ – das sind Bilder von Töchtern, die in ihrer Tugend schön sind. Forscher neigen dazu, in der Schlussszene von Der Sturm, in der Prospero seiner Magie abschwört und sich zurückzieht, Shakespeares Abschied von der Theaterwelt zu sehen.

Shakespeares Abreise

Um 1610 verließ Shakespeare London und kehrte nach Stratford-upon-Avon zurück. Bis 1612 verlor er den Kontakt zum Theater nicht: 1611 wurde das Wintermärchen geschrieben, 1612 - das letzte dramatische Werk, The Tempest. Die letzten Jahre seines Lebens entfernte er sich von der literarischen Tätigkeit und lebte ruhig und unmerklich mit seiner Familie. Vermutlich lag dies an einer schweren Krankheit – darauf weist Shakespeares erhaltenes Testament hin, deutlich überstürzt am 15. März 1616 verfasst und mit veränderter Handschrift unterschrieben. Am 23. April 1616 starb in Stratford-upon-Avon der berühmteste Dramatiker aller Zeiten und Völker.

Dutzende historischer Dokumente sind über das Leben und Werk von William Shakespeare erhalten geblieben. Seinen Zeitgenossen war er als Dichter und Dramatiker bekannt, dessen Schriften in Versen und Prosa immer wieder veröffentlicht und zitiert wurden. Umstände seiner Geburt, Ausbildung, Lebensstil Die überwiegende Mehrheit der Dramatiker stammte aus Handwerkerfamilien (Shakespeare - der Sohn eines Handschuhmachers, Marlowe - der Sohn eines Schuhmachers, Ben Jonson - der Sohn eines Maurers usw.). Von den Kindern der Handwerker in England wurden die Schauspieltruppen bereits im 15. Jahrhundert wieder aufgefüllt (vielleicht liegt dies an der mittelalterlichen Tradition, Mysterien zu inszenieren, an denen Handwerkerzünfte teilnahmen). Im Allgemeinen Theaterberuf vermutete nichtadlige Herkunft. Gleichzeitig reichte Shakespeares Bildungsniveau für diesen Beruf aus. Er ging durch das übliche Gymnasium (eine Art englische Schule, wo alte Sprachen und Literatur unterrichtet wurden), aber es gab alles für den Beruf eines Dramatikers.- alles entsprach der Zeit, als der Beruf des Dramatikers noch als gering galt, aber die Theater ihren Besitzern bereits ein beachtliches Einkommen bescherten. Schließlich war Shakespeare sowohl Schauspieler als auch Dramatiker und Anteilseigner einer Theatertruppe. Er verbrachte fast zwanzig Jahre damit, zu proben und auf der Bühne aufzutreten. Trotzdem ist immer noch umstritten, ob William Shakespeare der Autor der unter seinem Namen veröffentlichten Theaterstücke, Sonette und Gedichte war. Zweifel kamen erstmals Mitte des 19. Jahrhunderts auf. Seitdem sind viele Hypothesen aufgetaucht, die die Urheberschaft von Shakespeares Werken jemand anderem zuschreiben.

Die Namen von Bacon, Oxford, Rutland, Derby und Marlowe sind natürlich nicht auf die Liste potenzieller Shakespeare-Kandidaten beschränkt. Insgesamt sind es mehrere Dutzend, darunter so exotische wie Queen Elizabeth, ihr Nachfolger König James I. Stuart, Robinson-Crusoe-Autor Daniel Defoe oder der englische Romantiker George Gordon Byron. Aber im Grunde ist es egal, wen genau diese oder jene „Forscher“ für den wahren Shakespeare halten. Wichtiger ist es zu verstehen, warum Shakespeare immer wieder das Recht abgesprochen wird, als Autor seiner Werke bezeichnet zu werden.

Der Punkt ist nicht, dass nichts Sicheres über Shakespeares Leben bekannt ist. Im Gegenteil, nach 200 Jahren Forschung zu Shakespeare ist eine erstaunliche Menge an Beweisen zusammengetragen worden, und es gibt keinen Grund, die Urheberschaft seiner Werke anzuzweifeln: Dafür gibt es absolut keine historischen Gründe.

Für Zweifel gibt es jedoch Gründe emotionaler Natur. Wir sind die Erben des romantischen Wendepunktes, der in eingetreten ist Europäische Kultur zu Beginn des 19. Jahrhunderts, als neue Ideen über das Werk und die Figur des Dichters aufkamen, die in früheren Jahrhunderten unbekannt waren (es ist kein Zufall, dass die ersten Zweifel an Shakespeare genau in den 1840er Jahren aufkamen). In seiner allgemeinsten Form kann diese neue Idee auf zwei miteinander verbundene Merkmale reduziert werden. Erstens: Der Dichter ist in allem ein Genie, einschließlich gewöhnliches Leben, und die Existenz des Dichters ist untrennbar mit seinem Werk verbunden; er unterscheidet sich stark vom durchschnittlichen Einwohner, sein Leben ist wie ein heller Komet, der schnell fliegt und ebenso schnell verbrennt; auf den ersten Blick ist es unmöglich, ihn mit einer Person von nicht poetischer Veranlagung zu verwechseln. Und zweitens: Was immer dieser Dichter schreibt, er wird immer von sich selbst sprechen, von der Einzigartigkeit seiner Existenz; jedes seiner Werke wird ein Bekenntnis sein, jede Zeile wird sein ganzes Leben widerspiegeln, der Korpus seiner Texte ist seine poetische Biographie.

Shakespeare passt nicht in eine solche Vorstellung. Darin ähnelt er seinen Zeitgenossen, aber nur er ist es geworden, um, um Erasmus zu paraphrasieren, ein Dramatiker für alle Zeiten zu werden. Wir verlangen nicht, dass Racine, Moliere, Calderon oder Lope de Vega nach den Gesetzen der romantischen Kunst leben: Wir spüren, dass zwischen uns und ihnen eine Barriere steht. Shakespeares Werk ist in der Lage, diese Barriere zu überwinden. Daher ist bei Shakespeare der Anspruch besonders: Er muss in den Augen vieler den Normen (oder vielmehr Mythen) unserer Zeit entsprechen.

Gegen diesen Wahn gibt es jedoch ein zuverlässiges Heilmittel - wissenschaftliche historische Erkenntnis, eine kritische Auseinandersetzung mit den gängigen Vorstellungen des Jahrhunderts. Shakespeare ist nicht schlechter und nicht besser als seine Zeit, und er ist nicht schlechter und nicht besser als andere historische Epochen - sie müssen nicht verschönert oder verändert werden, sie müssen versucht werden, sie zu verstehen.

Arzamas bietet sechs der langlebigsten Versionen dessen, wer für Shakespeare hätte schreiben können.

Version 1

Francis Bacon (1561-1626), Philosoph, Schriftsteller, Staatsmann

Franz Speck. Kupferstich von William Marshall. England, 1640

Delia Bacon. 1853 Wikimedia Commons

Tochter eines bankrotten Siedlers amerikanischer Staat Connecticut Delia Bacon (1811-1859) war nicht die erste, die versuchte, Shakespeares Schriften Francis Bacon zuzuschreiben, aber sie war es, die die Version der breiten Öffentlichkeit vorstellte. Ihr Glaube an eigene Entdeckung war so ansteckend berühmte Schriftsteller, an die sie sich hilfesuchend wandte – die Amerikaner Ralph Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne und der Brite Thomas Carlisle – konnten ihr nicht widerstehen. Dank ihrer Unterstützung kam Delia Bacon nach England und veröffentlichte 1857 die 675-seitige The Real Philosophy of Shakespeare's Plays. In diesem Buch heißt es, William Shakespeare sei nur ein Analphabet und ein gieriger Geschäftsmann gewesen, und Theaterstücke und Gedichte unter seinem Namen seien von einer Gruppe „hochgeborener Denker und Dichter“ unter der Leitung von Bacon komponiert worden – angeblich auf diese Weise der Autor des „ New Organon" erwartete, Zensurbeschränkungen zu umgehen, die ihn daran hinderten, seine innovative Philosophie offen auszudrücken (dass Theaterstücke auch im elisabethanischen England zensiert wurden, Delia wusste anscheinend nichts davon).

Die Autorin von Genuine Philosophy lieferte jedoch keine Beweise für ihre Hypothese: Die Beweise, glaubte Delia, lagen entweder im Grab von Francis Bacon oder im Grab von Shakespeare. Seitdem glauben das viele Anti-Shakespeare echter Autor befohlen, die Manuskripte von "Shakespearean"-Stücken mit ihm zu begraben, und wenn sie gefunden werden, wird das Problem ein für alle Mal gelöst sein Dies führte einst zu einer regelrechten Belagerung historischer Gräber in ganz England. Delia beantragte als erste die Erlaubnis, Bacons Grab in St. Albany öffnen zu dürfen, jedoch ohne Erfolg..

Delias Ideen fanden viele Anhänger. Als Beleg präsentierten sie kleinere literarische Parallelen zwischen den Werken von Bacon und Shakespeare, die sich durchaus durch die Einheit der Schriftkultur jener Zeit erklären lassen, sowie die Tatsache, dass der Autor von Shakespeares Stücken einen Sinn für Philosophie hatte und hatte über das Leben einer Reihe europäischer Königshäuser informiert. Dies ist zum Beispiel der Hof von Navarra, der in der Komödie Love's Labour's Lost dargestellt wird..

Versuche, die „Bacon-Chiffre“ zu entschlüsseln, können als eine bedeutende Weiterentwicklung der ursprünglichen Hypothese angesehen werden. Tatsache ist, dass Francis Bacon daran gearbeitet hat, die Methoden der Steganographie zu verbessern - der Kryptographie, die für den Uneingeweihten wie eine vollwertige Nachricht mit eigener Bedeutung aussieht. Insbesondere schlug er ein Verfahren zur Verschlüsselung der Buchstaben des englischen Alphabets vor, das an modernen Binärcode erinnert.. Die Baconianer sind sich sicher, dass ihr Held Theaterstücke unter dem Deckmantel von Shakespeare geschrieben hat, keineswegs um des Publikumserfolgs willen - Romeo und Julia, Hamlet und König Lear, Twelfth Night und The Tempest dienten als Deckmantel für geheimes Wissen.

Version 2

Edward de Vere (1550-1604), 17. Earl of Oxford, Höfling, Dichter, Dramatiker, Förderer der Künste und Wissenschaften

Eduard de Ver. Kopie eines verschollenen Porträts von 1575. Unbekannter Künstler. England, 17. Jahrhundert Nationale Porträtgalerie, London

Ein einfacher Englischlehrer, der sich selbst als Nachkomme der Earls of Derby bezeichnete, Thomas Loney (1870-1944), glaubte nicht, dass der "Merchant of Venice" Dieses Stück las Lowney von Jahr zu Jahr mit Schülern in der Klasse. hätte von einem Mann unedler Herkunft geschrieben sein können, der noch nie in Italien gewesen war. Lawney zweifelte an der Urheberschaft der Komödie über Shylock, nahm eine Anthologie elisabethanischer Poesie zur Hand und stellte fest, dass Shakespeares Gedicht „Venus and Adonis“ (1593) in derselben Strophe und im selben Versmaß geschrieben war wie Edward de Veres Gedicht „Women’s Variation“ ( 1587). De Vere, der 17. Earl of Oxford, konnte sich des Alters seiner Familie und einer guten Bekanntschaft mit Italien rühmen, war seinen Zeitgenossen nicht nur als Dichter bekannt, sondern auch als Autor von Komödien (nicht erhalten).

Lowney verhehlte die Amateurhaftigkeit seiner Forschung nicht und war sogar stolz darauf: „Wahrscheinlich ist das Problem immer noch nicht gelöst, gerade weil“, schrieb er im Vorwort zu Shakespeare Identified, „weil Wissenschaftler bis jetzt daran gearbeitet haben. ” Spätere Oxfordianer Das heißt, die Anhänger von Lowneys Version. Es wurde nach Edward de Vere, Earl of Oxford, benannt. beschlossen, die Hilfe von Anwälten in Anspruch zu nehmen: 1987 und 1988 traten die Anhänger von Lowneys Hypothese in Anwesenheit von Richtern des US Supreme Court bzw. des London Middle Temple in einen offenen Streit mit Shakespeare-Gelehrten (in London, sie wurden insbesondere vom angesehensten lebenden Shakespeare-Spezialisten, Professor Stanley Wells, abgelehnt). Unglücklicherweise für die Organisatoren sprachen die Preisrichter beide Male den Wissenschaftlern den Sieg zu. Auf der anderen Seite gelang es den Oxfordianern, die Baconinianer zurückzudrängen – heute ist die Oxfordianische Version des Anti-Shakespeareanismus die populärste.

Zu Loweys berühmtesten Anhängern gehörte der Psychiater Sigmund Freud, der in jungen Jahren zum Baconianismus neigte und 1923 nach Bekanntschaft mit Shakespeare Identified zum Oxfordianismus konvertierte. So begann Freud in den 1930er Jahren, Parallelen zwischen dem Schicksal von König Lear und der Biografie des Earl of Oxford zu entwickeln: Beide hatten drei Töchter, und wenn der englische Earl sich überhaupt nicht um seine eigene kümmerte, dann um den legendären britischen König Im Gegensatz dazu gab er seinen Töchtern alles, was er hatte. 1938 vor den Nazis nach London geflohen, schrieb Freud Loney einen herzlichen Brief und nannte ihn kurz vor seinem Tod den Autor eines „wunderbaren Buches“, mit der Begründung, Oxford habe seinen geliebten Vater in der Kindheit verloren und seinen angeblich gehasst Mutter für ihre nächste Ehe, schrieb er es dem Hamlet-Ödipus-Komplex zu.

Version Nr. 3

Roger Manners (1576-1612), 5. Earl of Rutland, Höfling, Förderer der Künste

Roger Manners, 5. Graf von Rutland. Porträt von Jeremiah van der Eyden. Um 1675 Schloss Belvoir/Bridgeman Bilder/Fotodom

Celestin Damblon (1859-1924), ein belgischer sozialistischer Politiker, Dozent für französische Literatur und symbolistischer Schriftsteller, interessierte sich für die Shakespeare-Frage, nachdem er von einem Dokument erfuhr, das 1908 in einem der Familienarchive gefunden wurde. Daraus folgte, dass 1613 der Butler von Francis Manners, 6. Earl of Rutland, eine große Summe an „Mr. Shakespeare“ und seinen Schauspielkollegen Richard Burbage zahlte, der ein geistreiches Emblem erfand und auf den Schild des Earls malte, damit Manners angemessen erscheinen würde in einem Ritterturnier. . Diese Entdeckung alarmierte Dumblon: Er bemerkte, dass der ältere Bruder von Francis, Roger Manners, 5. Earl of Rutland, 1612 starb, fast zur gleichen Zeit, als Shakespeare aufhörte, für die Bühne zu schreiben. Darüber hinaus war Roger Manners mit dem Earl of Southampton (dem Aristokraten, dem Shakespeare zwei seiner Gedichte widmete und der als Hauptadressat von Shakespeares Sonetten gilt) sowie mit dem Earl of Essex, dessen Sturz 1601 galt, freundschaftlich verbunden wirkte sich indirekt auf die Schauspieler des Globe Theatre aus. Im Februar 1601 versuchte Essex, eine Rebellion gegen die Königin zu starten. Am Tag zuvor überredeten Unterstützer des Grafen die Schauspieler, Shakespeares alte Chronik "Richard II" aufzulegen, in der es um den Sturz des Monarchen ging. Der Aufstand schlug fehl, Essex wurde hingerichtet (sein Ankläger war Francis Bacon). Southampton kam lange ins Gefängnis. Die Schauspieler des Globe wurden zu Erklärungen hinzugezogen, was für sie jedoch keine Folgen hatte.. Manners reiste in die Länder, die als Kulisse für viele von Shakespeares Stücken dienten (Frankreich, Italien, Dänemark), und studierte sogar in Padua bei zwei Dänen, Rosencrantz und Guildenstern (gebräuchliche dänische Nachnamen der Zeit). 1913 fasste Demblont diese und andere Überlegungen in einem auf Französisch verfassten Buch zusammen: Lord Rutland is Shakespeare.

Cover des Buches „The Game of William Shakespeare, or the Mystery of the Great Phoenix“ Verlag "Internationale Beziehungen"

Dumblons Version hat auch in Russland Anhänger: zum Beispiel Ilya Gililov Ilja Gililow(1924-2007) - Literaturkritiker, Schriftsteller, wissenschaftlicher Sekretär der Shakespeare-Kommission Russische Akademie Wissenschaft seit fast drei Jahrzehnten., Autor von The Game of William Shakespeare, or the Secret of the Great Phoenix (1997), behauptete, dass Shakespeare von einer Gruppe von Autoren komponiert wurde, angeführt von der jungen Frau des Earl of Rutland, Elizabeth – der Tochter des berühmten Höflings, Schriftsteller und Dichter Philip Sidney. Gililov begründete dies mit einer völlig willkürlichen Übertragung der Chester-Sammlung, die Shakespeares Gedicht "The Phoenix and the Dove" (1601, nach Gililov - 1613) enthält. Er argumentierte, dass Rutland, Elizabeth und andere Stücke und Sonette zu rein konspirativen Zwecken komponierten – um ihren engen Kreis aufrechtzuerhalten, in dem einige Rituale, die nur von ihnen durchgeführt wurden, bewältigt wurden. Die wissenschaftliche Welt ignorierte Gililovs Buch mit Ausnahme einiger scharfer Antworten.

Version #4

William Stanley (1561-1642), 6. Earl of Derby, Dramatiker, Staatsmann

William Stanley, 6. Graf von Derby. Porträt von William Derby. England, 19. JahrhundertDie rechte Ehre. Graf von Derby/Bridgeman Images/Fotodom

Abel Lefranc. Um 1910 Kongressbibliothek

Der französische Literaturhistoriker und Spezialist für François Rabelais Abel Lefranc (1863-1952) machte sich nach der Veröffentlichung eines Buches des angesehenen englischen Gelehrten James Greenstreet mit dem Titel „The Formerly Unknown Noble Autor von elisabethanischen Komödien“ (1891). Greenstreet gelang es, einen von George Fenner, einem Geheimagenten der katholischen Kirche, unterzeichneten Brief aus dem Jahr 1599 zu finden, der besagte, dass der Earl of Derby für Katholiken nicht nützlich sein könne, da er "damit beschäftigt sei, Theaterstücke für gewöhnliche Schauspieler zu schreiben".

1918 veröffentlichte Lefranc Under the Mask of William Shakespeare, in dem er Derby als einen viel geeigneteren Kandidaten für Shakespeare anerkennt als frühere Bewerber, und sei es nur, weil der Name des Earls William war und seine Initialen mit denen von Shakespeare übereinstimmen. Darüber hinaus unterschrieb er in Privatbriefen auf die gleiche Weise wie der lyrische Held des 135. Sonetts - Will und nicht Wm und nicht Willm, wie es der Stratford Shakespeare selbst auf erhaltenen Dokumenten tat. Darüber hinaus war Derby ein erfahrener Reisender, der insbesondere mit dem Hof von Navarra bestens vertraut war.

Es sei nicht verwunderlich, glaubte Lefranc, dass Heinrich V. mehrere umfangreiche Einschübe aufweise Französisch, worin Derby gut war. Außerdem, so glaubt der Rabelais-Experte, sei das berühmte Falstaff-Bild unter dem Einfluss von Gargantua und Pantagruel entstanden, die zu Shakespeares Zeiten noch nicht ins Englische übersetzt worden seien.

Bei aller Genialität dieser Argumente hatte die Derby-Version kaum eine Chance, mit der Oxfordianischen gleichzusetzen: Lefrancs Buch war auf Französisch geschrieben, und als es herauskam, war Thomas Loney (der sich selbst als Nachkomme des Earl of Derby übrigens) hatte bereits seine Argumente zugunsten von Edward de Vere vorgebracht.

Version #5

Christopher Marlo (1564-1593) Dramatiker und Dichter

Angebliches Porträt von Christopher Marlo. Unbekannter Künstler. 1585 Corpus Christi College, Cambridge

Als Sohn eines Schuhmachers, der im selben Jahr wie Shakespeare geboren wurde und nur dank der Großzügigkeit des Erzbischofs von Canterbury seinen Abschluss in Cambridge machen konnte, erwies sich Christopher Marlowe als fast der einzige Kandidat für Shakespeare unedler Herkunft. Calvin Hoffman (1906-1986), ein amerikanischer Publizist, Dichter und Dramatiker, der 1955 The Murder of the Man Who Was Shakespeare veröffentlichte, schrieb Marlo jedoch zu Liebesaffäre mit dem Adligen Thomas Walsingham, Patron der Dichter und jüngerer Bruder des mächtigen Sir Francis Walsingham, Außenminister und Chef des Geheimdienstes von Königin Elizabeth. Laut Hoffman war es Thomas Walsingham, der, nachdem er erfahren hatte, dass Marlo wegen Atheismus und Blasphemie verhaftet wurde, beschloss, seinen Geliebten zu retten, indem er seinen Mord vortäuschte. Dementsprechend wurde 1593 in einem Wirtshausstreit in Deptford nicht Marlow getötet, sondern ein Landstreicher, dessen Leiche als entstellter Körper des Dramatikers ausgegeben wurde (er wurde durch einen Dolch im Auge getötet). Marlo selbst segelte unter falschem Namen hastig nach Frankreich, versteckte sich in Italien, kehrte aber bald nach England zurück und ließ sich in der Nähe von Skedbury, dem Anwesen von Thomas Walsingham in Kent, nieder. Dort komponierte er "Shakespearean"-Werke und übergab die Manuskripte seinem Gönner. Er schickte sie zuerst an den Kopisten und dann für die Bühneninszenierung an den Londoner Schauspieler William Shakespeare - einen Mann völlig ohne Vorstellungskraft, aber treu und schweigsam.

Cover der Erstausgabe von The Murder of the Man Who Was Shakespeare.
1955 Grosset & Dunlap

Hoffman begann seine Forschungen mit dem Zählen von Phraseologieparallelismen in den Schriften von Marlowe und Shakespeare und lernte später die Werke des amerikanischen Professors Thomas Mendenhall kennen, der "Wörterbuchprofile" verschiedener Schriftsteller zusammenstellte (mit Hilfe eines ganzen Teams von Frauen, die mühsam Millionen von Wörtern und Buchstaben in Wörtern gezählt). Basierend auf diesen Erkenntnissen erklärte Hoffman die vollständige Ähnlichkeit der Stile von Marlowe und Shakespeare. Vor allem aber waren diese "Parallelismen" tatsächlich keine solchen, der andere Teil gehörte zu häufig verwendeten Wörtern und Konstruktionen, und eine gewisse Schicht offensichtlicher Parallelen zeugte von einer bekannten Tatsache: Der junge Shakespeare wurde von den Tragödien von inspiriert Marlowe, der viel vom Autor von „Tamerlane the Great“, „Maltese Jew“ und „Doktor Faust“ gelernt hat Heute kann man nur erahnen, was aus der kreativen Rivalität zwischen den beiden elisabethanischen Genies geworden wäre, wenn Marlowe nicht 1593 gestorben wäre – übrigens detailliert aufgezeichnet vom königlichen Gerichtsmediziner, dessen Schlussfolgerungen von einer 16-köpfigen Jury bezeugt wurden ..

Versuche, eine ganze Gruppe von Autoren hinter Shakespeares Schriften zu entdecken, wurden mehr als einmal unternommen, obwohl sich die Anhänger dieser Version nicht auf eine bestimmte Komposition einigen können. Hier sind einige Beispiele.

1923 veröffentlichte H. T. S. Forrest, ein Beamter der britischen Verwaltung in Indien, ein Buch mit dem Titel The Five Authors of Shakespeare's Sonnets, in dem er von einem Poesieturnier sprach, das vom Earl of Southampton veranstaltet wurde. Laut Forrest konkurrierten fünf große elisabethanische Dichter gleichzeitig um die vom Earl in der Kunst des Komponierens von Sonetten angekündigte Auszeichnung: Samuel Daniel, Barnaby Barnes, William Warner, John Donne und William Shakespeare. Dementsprechend sind alle fünf die Autoren der Sonette, die, wie Forrest glaubte, seitdem fälschlicherweise nur Shakespeare zugeschrieben wurden. Es ist bezeichnend, dass einer aus dieser Gruppe, der Autor des epischen Gedichts „Albion's England“ Warner, überhaupt keine Sonette schrieb, während der andere, John Donne, nur zum Verfassen religiöser Verse auf die Sonettform zurückgriff.

1931 veröffentlichte Gilbert Slater, ein Ökonom und Historiker, The Seven Shakespeares, in dem er die Namen fast aller unter den Anti-Shakespeare-Anhängern beliebtesten Konkurrenten kombinierte. Ihm zufolge wurde Shakespeare komponiert von: Francis Bacon, Earls of Oxford, Rutland und Derby, Christopher Marlowe Slater glaubte, dass Marlowe 1594 unter dem Namen Shakespeare „wiedergeboren“ wurde., sowie Sir Walter Raleigh und Mary, Countess of Pembroke (Schriftsteller und Schwester von Sir Philip Sidney). Frauen wurden nicht oft für die Rolle von Shakespeare angeboten und angeboten, aber für die Gräfin von Pembroke machte Slater eine Ausnahme: „Julius Caesar“ und „Antony and Cleopatra“ zeichnen sich seiner Meinung nach durch eine klare Präsenz weiblicher Intuition aus insbesondere auch „As You Like It“, das Mary nicht nur geschrieben, sondern in Form von Rosalind auch selbst herausgebracht hat.

In Stratford-upon-Avon, Warwickshire, England. Das Kirchenbuch verzeichnet seine Taufe am 26. April. Sein Vater, John Shakespeare, war eine prominente Person in Stratford (laut einigen Quellen handelte er mit Lederwaren) und bekleidete verschiedene Positionen in der Stadtverwaltung bis hin zum Gerichtsvollzieher (Grundstücksverwalter). Mutter war die Tochter eines kleinen Gutsadligen aus Warwickshire, der aus Warwickshire stammte alte Familie Katholiken der Ardennen.

Ende der 1570er Jahre ging die Familie bankrott und um 1580 musste William die Schule verlassen und anfangen zu arbeiten.

Im November 1582 heiratete er Anne Hathaway. Im Mai 1583 wurde ihr erstes Kind geboren - Tochter Susan, im Februar 1585 - die Zwillinge Sohn Hamnet und Tochter Judith.

Es wurde populär zu sagen, dass Shakespeare einer der Theatergruppen in London beitrat, die auf Tournee in Stratford auftraten.

Bis 1593 veröffentlichte Shakespeare nichts, 1593 veröffentlichte er das Gedicht „Venus and Adonis“ und widmete es dem Herzog von Southampton, dem Mäzen der Literatur. Das Gedicht war ein großer Erfolg und wurde zu Lebzeiten des Autors achtmal veröffentlicht. Im selben Jahr trat Shakespeare der Truppe Lord Chamberlain von Richard Burbage bei, wo er als Schauspieler, Regisseur und Dramatiker arbeitete.

Theateraktivitäten unter der Schirmherrschaft von Southampton brachten ihm schnell Reichtum. Sein Vater, John Shakespeare, erhielt nach mehreren Jahren finanzieller Schwierigkeiten das Recht auf ein Wappen in der Heraldischen Kammer. Der verliehene Titel gab Shakespeare das Recht, „William Shakespeare, Gentleman“ zu unterzeichnen.

1592-1594 wurden die Londoner Theater wegen der Pest geschlossen. Während einer unfreiwilligen Pause schuf Shakespeare mehrere Stücke - die Chronik "Richard III", "Die Komödie der Irrungen" und "Der Widerspenstigen Zähmung". 1594, nach der Eröffnung der Theater, schloss sich Shakespeare der neuen Truppe des Lord Chamberlain an.

1595-1596 schrieb er die Tragödie Romeo und Julia, die romantischen Komödien Ein Sommernachtstraum und Der Kaufmann von Venedig.

Dem Dramatiker ging es gut – 1597 kaufte er ein großes Haus mit Garten in Stratford, wohin er mit seiner Frau und seinen Töchtern zog (der Sohn starb 1596) und sich niederließ, nachdem er die Londoner Bühne verlassen hatte.

In den Jahren 1598-1600 entstanden die Höhepunkte von Shakespeares Schaffen als Komiker – „Viel Lärm um nichts“, „Wie es euch gefällt“ und „Zwölfte Nacht“. Gleichzeitig schrieb er die Tragödie „Julius Caesar“ (1599).

Wurde einer der Besitzer, Dramatiker und Schauspieler des eröffneten Theaters "Globe". 1603 nahm König James Shakespeares Truppe unter direkte Schirmherrschaft – sie wurde als Diener Seiner Majestät des Königs bekannt, und die Schauspieler galten als Höflinge als Diener. 1608 wurde Shakespeare Teilhaber des lukrativen Londoner Blackfriars Theatre.

Mit dem Aufkommen des berühmten „Hamlet“ (1600-1601) begann die Zeit der großen Tragödien des Dramatikers. 1601-1606 wurden Othello (1604), King Lear (1605), Macbeth (1606) geschaffen. Das tragische Weltbild Shakespeares prägte jene Werke dieser Zeit, die nicht direkt zur Gattung der Tragödie gehören – die sogenannten „bitteren Komödien“ „Troilus und Cressida“ (1601–1602), „Ende alles gut gut" (1603-1603), Maß für Maß (1604).

In den Jahren 1606-1613 schuf Shakespeare Tragödien basierend auf antiken Themen „Antonius und Kleopatra“, „Coriolanus“, „Timon von Athen“ sowie romantische Tragikomödien, darunter „Das Wintermärchen“ und „Der Sturm“ und die Spätchronik "Heinrich VIII".

Was über Shakespeares Schauspiel bekannt ist, ist, dass er die Rollen des Geistes in Hamlet und Adam in dem Stück As You Like It spielte. Er spielte eine Rolle in dem Theaterstück von Ben Jonson „Everyone in his own way“. Shakespeares letzte beglaubigte Aufführung auf der Bühne war in seinem eigenen Stück The Sejanus. 1613 verließ er die Bühne und ließ sich in seinem Haus in Stratford nieder.

Der Dramatiker wurde in der Holy Trinity Church begraben, wo er zuvor getauft worden war.

Mehr als zwei Jahrhunderte nach Shakespeares Tod zweifelte niemand an Shakespeares Urheberschaft. Seit 1850 sind Zweifel an der Urheberschaft des Dramatikers aufgekommen, die noch heute von vielen geteilt werden. Die Quelle für Shakespeares Biographen war sein Testament, das von Häusern und Besitztümern spricht, aber kein Wort von Büchern und Manuskripten. Es gibt viele Befürworter der negativen Aussage - Shakespeare aus Stratford konnte nicht der Autor solcher Werke sein, weil er ungebildet war, nicht reiste, nicht an der Universität studierte. Stratfordianer (Anhänger der traditionellen Version) und Anti-Stratfordianer haben viele Argumente vorgebracht. Mehr als zwei Dutzend Shakespeare-Kandidaten wurden vorgeschlagen, darunter der Philosoph Francis Bacon und Shakespeares Vorläufer der Transformation dramatische Kunst Christopher Marlo, auch Earls of Derby, Oxford, Rutland genannt.

William Shakespeare gilt als der größte englische Dramatiker, einer der die besten Dramatiker Frieden. Seine Stücke wurden in alle wichtigen Sprachen übersetzt und bilden bis heute die Grundlage des weltweiten Theaterrepertoires. Die meisten von ihnen wurden viele Male gefilmt.

In Russland ist Shakespeares Werk seit dem 18. Jahrhundert bekannt, es ist seit der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu einer Tatsache der russischen Kultur (Verständnis, Übersetzungen) geworden.

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Das Thema fast aller Komödien von Shakespeare ist die Liebe, ihre Entstehung und Entwicklung, der Widerstand und die Intrigen anderer und der Sieg eines strahlenden jungen Gefühls. Die Handlung der Werke findet vor dem Hintergrund wunderschöner Landschaften statt, die in Mondlicht oder Sonnenlicht getaucht sind. So erscheint uns die Zauberwelt von Shakespeares Komödien scheinbar fernab von Spaß. Shakespeare hat die große Fähigkeit, das Komische (die witzigen Duelle von Benedikt und Beatrice in Viel Lärm um nichts, Petruchio und Catharina aus Der Widerspenstigen Zähmung) mit dem Lyrischen und sogar Tragischen (der Verrat von Proteus in The Two Veronians) zu verbinden , die Intrigen von Shylock in Merchant of Venice). Shakespeares Figuren sind erstaunlich facettenreich, ihre Bilder verkörpern die Merkmale, die für Menschen der Renaissance charakteristisch sind: Wille, Unabhängigkeitsdrang und Lebenslust. Von besonderem Interesse sind die Frauenbilder dieser Komödien – den Männern ebenbürtig, frei, energisch, aktiv und unendlich charmant. Shakespeares Komödien sind vielfältig. Shakespeare verwendet verschiedene Genres von Komödien - eine romantische Komödie ("Ein Sommernachtstraum"), eine Komödie von Charakteren ("Der Widerspenstigen Zähmung"), eine Sitcom ("Comedy of Errors").

In derselben Zeit (1590-1600) schrieb Shakespeare eine Reihe historischer Chroniken. Jede davon deckt eine der Perioden der englischen Geschichte ab.

Über die Zeit des Kampfes der Scharlachroten und Weißen Rosen:

Heinrich VI. (drei Teile)

Über die vorangegangene Kampfperiode zwischen den Feudalbaronen und der absoluten Monarchie:

Heinrich IV. (zwei Teile)

Das Genre der dramatischen Chronik ist nur der englischen Renaissance eigen. Dies geschah höchstwahrscheinlich, weil das beliebteste Theatergenre des frühen englischen Mittelalters Mysterien mit weltlichen Motiven waren. Die Dramaturgie der reifen Renaissance wurde unter ihrem Einfluss geformt; und in den dramatischen Chroniken sind viele mysteriöse Merkmale erhalten: eine breite Berichterstattung über Ereignisse, viele Charaktere, ein freier Wechsel von Episoden. Im Gegensatz zu den Mysterien sind die Chroniken jedoch nicht vorhanden biblische Geschichte und die Geschichte des Staates. Dabei bezieht er sich im Wesentlichen auch auf die Ideale der Harmonie – allerdings der Harmonie des Staates, die er im Sieg der Monarchie über den mittelalterlichen feudalen Bürgerkrieg sieht. Im Finale der Stücke triumphiert das Gute; Böses, egal wie schrecklich und blutig sein Weg war, gestürzt. So wird in der ersten Periode von Shakespeares Werk auf verschiedenen Ebenen - persönlich und staatlich - die Hauptidee der Renaissance interpretiert: das Erreichen von Harmonie und humanistischen Idealen.

Im gleichen Zeitraum schrieb Shakespeare zwei Tragödien:

II (tragische) Periode (1601-1607)

Es gilt als die tragische Periode von Shakespeares Werk. Hauptsächlich der Tragödie gewidmet. In dieser Zeit erreicht der Dramatiker den Höhepunkt seines Schaffens:

Von einem harmonischen Weltgefühl ist in ihnen keine Spur mehr, ewige und unlösbare Konflikte offenbaren sich hier. Hier liegt die Tragödie nicht nur im Aufeinanderprallen von Individuum und Gesellschaft, sondern auch in den inneren Widersprüchen in der Seele des Helden. Das Problem wird auf eine allgemeine philosophische Ebene gebracht, und die Charaktere bleiben ungewöhnlich facettenreich und psychologisch voluminös. Gleichzeitig ist es sehr wichtig, dass in den großen Tragödien Shakespeares eine fatalistische Haltung gegenüber dem Schicksal, das die Tragödie vorherbestimmt, völlig fehlt. Das Hauptaugenmerk liegt nach wie vor auf der Persönlichkeit des Helden, der sein eigenes Schicksal und das Schicksal seiner Mitmenschen gestaltet.

Im gleichen Zeitraum schrieb Shakespeare zwei Komödien:

III (romantische) Periode (1608-1612)

Es gilt als die romantische Periode von Shakespeares Werk.

Werke der letzten Periode seines Schaffens:

Es sind poetische Geschichten, die von der Realität weg in die Welt der Träume führen. Die vollständige bewusste Ablehnung des Realismus und der Rückzug in die romantische Fantasie wird von Shakespeare-Forschern natürlich als Enttäuschung des Dramatikers in Bezug auf humanistische Ideale interpretiert, als Anerkennung der Unmöglichkeit, Harmonie zu erreichen. Dieser Weg – vom triumphierend jubelnden Harmonieglauben bis zur müden Enttäuschung – führte eigentlich durch das gesamte Weltbild der Renaissance.

Shakespeares Globe Theater

Die unvergleichliche Weltberühmtheit von Shakespeares Stücken wurde durch die hervorragende Kenntnis des Theaters „von innen“ des Dramatikers ermöglicht. Fast das gesamte Londoner Leben Shakespeares war auf die eine oder andere Weise mit dem Theater verbunden, und ab 1599 mit dem Globe Theatre, das eines davon war große Zentren Kulturelles Leben in England. Hier zog die Truppe von R. Burbage „Servants of the Lord Chamberlain“ in das neu erbaute Gebäude, genau zu der Zeit, als Shakespeare einer der Anteilseigner der Truppe wurde. Shakespeare spielte bis etwa 1603 auf der Bühne - jedenfalls ist nach dieser Zeit von seiner Teilnahme an Aufführungen keine Rede mehr. Anscheinend war Shakespeare als Schauspieler nicht sehr beliebt - es gibt Hinweise darauf, dass er kleinere und episodische Rollen spielte. Trotzdem wurde die Bühnenschule abgeschlossen – die Arbeit auf der Bühne hat Shakespeare zweifellos geholfen, die Mechanismen der Interaktion zwischen Schauspieler und Publikum und die Geheimnisse des Publikumserfolgs besser zu verstehen. Publikumserfolg war für Shakespeare sowohl als Theatergesellschafter als auch als Dramatiker sehr wichtig – und er blieb auch nach 1603 eng mit dem Globe verbunden, auf dessen Bühne fast alle von ihm geschriebenen Stücke aufgeführt wurden. Die Gestaltung des Globe-Saals sah die Zusammenführung von Zuschauern verschiedener Gesellschafts- und Vermögensschichten bei einer Aufführung vor, wobei das Theater Platz für mindestens 1.500 Zuschauer bot. Der Dramatiker und die Schauspieler standen vor der schwierigsten Aufgabe, die Aufmerksamkeit eines heterogenen Publikums zu erhalten. Shakespeares Stücke erfüllten diese Aufgabe in höchstem Maße und erfreuten sich bei Zuschauern aller Kategorien großer Beliebtheit.

Die bewegliche Architektur von Shakespeares Stücken wurde maßgeblich von den Besonderheiten der Theatertechnik des 16. Jahrhunderts bestimmt. - eine offene Bühne ohne Vorhang, ein Minimum an Requisiten, eine extreme Konvention des Bühnenbildes. Dies zwang dazu, sich auf den Schauspieler und seine Bühnenfähigkeiten zu konzentrieren. Jede Rolle in Shakespeares Stücken (oft für einen bestimmten Schauspieler geschrieben) ist psychologisch umfangreich und bietet großartige Möglichkeiten für ihre Bühneninterpretation; die lexikalische Struktur der Sprache ändert sich nicht nur von Stück zu Stück und von Figur zu Figur, sondern wandelt sich auch je nach innerer Entwicklung und Bühnengegebenheiten (Hamlet, Othello, Richard III. etc.). Kein Wunder, dass viele weltberühmte Schauspieler in den Rollen von Shakespeares Repertoire glänzten.

Die glorreiche Geschichte von Shakespeares Globe Theatre begann 1599 in London, das sich durch seine große Liebe zum Theater auszeichnete Theaterkunst, eins nach dem anderen wurden Gebäude öffentlicher öffentlicher Theater gebaut. Beim Bau des Globe wurden Baumaterialien verwendet, die vom abgerissenen Gebäude des allerersten öffentlichen Londoner Theaters (es hieß The Theatre) übrig geblieben war. Die Landpacht der Eigentümer des Gebäudes, der Burbages-Truppe berühmter englischer Schauspieler, war abgelaufen; Also beschlossen sie, das Theater an einem neuen Ort wieder aufzubauen. Der führende Dramatiker der Truppe, William Shakespeare, der 1599 einer der Anteilseigner von Burbages The Lord Chamberlain's Servants wurde, war zweifellos an dieser Entscheidung beteiligt.

Theater für die breite Öffentlichkeit wurden in London hauptsächlich außerhalb der City gebaut, d.h. - außerhalb der Gerichtsbarkeit der City of London. Dies wurde durch den puritanischen Geist der Stadtbehörden erklärt, die dem Theater im Allgemeinen feindlich gegenüberstanden. Das Globe war ein typisches Gebäude eines öffentlichen Theaters des frühen 17. Jahrhunderts: ein ovaler Raum in Form eines römischen Amphitheaters, umgeben von einer hohen Mauer, ohne Dach. Das Theater erhielt seinen Namen von der Atlas-Statue, die seinen Eingang schmückte und den Globus stützte. Diese Kugel („Globus“) war von einem Band mit der berühmten Inschrift umgeben: „Die ganze Welt spielt“ (lat. Totus mundus agit histrionem; besser bekannte Übersetzung: „Die ganze Welt ist ein Theater“).

Die Bühne grenzte an die Rückseite des Gebäudes; über seinem tiefen Teil erhob sich die obere Bühnenplattform, die sogenannte. "Galerie"; noch höher war das "Haus" - ein Gebäude mit einem oder zwei Fenstern. So gab es im Theater vier Schauplätze: die tief in den Saal hineinragende und von drei Seiten vom Publikum umgebene Proszenium, auf der sich der Hauptteil der Handlung abspielte; der tiefe Teil der Bühne unter der Galerie, wo Innenszenen gespielt wurden; eine Galerie, die verwendet wurde, um eine Festungsmauer oder einen Balkon darzustellen (hier erschien der Geist von Hamlets Vater oder die berühmte Szene auf dem Balkon in Romeo und Julia spielte sich ab); und ein "Haus", in dessen Fenstern auch Schauspieler auftreten konnten. Dies ermöglichte es, ein dynamisches Spektakel aufzubauen, das bereits in der Dramaturgie eine Vielzahl von Szenen legte und die Aufmerksamkeitspunkte des Publikums veränderte, was dazu beitrug, das Interesse am Geschehen am Set aufrechtzuerhalten. Das war äußerst wichtig: Wir dürfen nicht vergessen, dass die Aufmerksamkeit des Publikums durch keine Hilfsmittel unterstützt wurde – die Aufführungen schon Tageslicht, ohne Vorhang, unter dem anhaltenden Gebrüll des Publikums, das lauthals seine Eindrücke austauscht.

Der Zuschauerraum des „Globe“ fasste nach verschiedenen Quellen 1200 bis 3000 Zuschauer. Es ist unmöglich, die genaue Kapazität des Saals festzustellen - es gab keine Sitzplätze für die Masse der Bürgerlichen; sie drängten sich in die Parkette und standen auf dem Erdboden. Privilegierte Zuschauer waren mit einigen Annehmlichkeiten untergebracht: Auf der Innenseite der Mauer befanden sich Logen für die Aristokratie, darüber befand sich eine Galerie für die Reichen. Die Reichsten und Edelsten saßen an den Seiten der Bühne auf tragbaren dreibeinigen Hockern. Es gab keine zusätzlichen Einrichtungen für Zuschauer (einschließlich Toiletten); physiologische Bedürfnisse wurden während der Aufführung problemlos bewältigt - direkt im Zuschauerraum. Das Fehlen eines Daches konnte daher eher als Segen denn als Nachteil angesehen werden - der Frischluftzufluss ließ treue Fans der Theaterkunst nicht ersticken.

Diese Einfachheit der Moral entsprach jedoch voll und ganz den damaligen Regeln der Etikette, und das Globe Theatre wurde sehr bald zu einem der wichtigsten kulturelle Zentren England: Alle Stücke von William Shakespeare und anderen prominenten Dramatikern der Renaissance wurden auf seiner Bühne aufgeführt.

Doch 1613, während der Uraufführung von Shakespeares Heinrich VIII., brach im Theater ein Feuer aus: Ein Funke eines Bühnenkanonenschusses traf das Strohdach über dem tiefen Teil der Bühne. Historische Beweise besagen, dass es bei dem Feuer keine Opfer gab, aber das Gebäude niederbrannte. Das Ende des „ersten Globus“ markierte symbolisch den Wechsel der literarischen und theatralischen Epochen: Um diese Zeit hörte William Shakespeare auf, Theaterstücke zu schreiben.

Brief über das Feuer im "Globe"

„Und jetzt unterhalte ich Sie mit einer Geschichte darüber, was diese Woche in Bankside passiert ist. Die Schauspieler Seiner Majestät spielten neues Spiel mit dem Titel "Alles ist wahr" (Henry VIII) und repräsentiert die Höhepunkte der Regierungszeit Heinrichs VIII. Die Inszenierung wurde mit außergewöhnlichem Pomp inszeniert, und sogar der Bodenbelag auf der Bühne war unglaublich schön. Ritter des St. Georgs- und Strumpfbandordens, Wachen in bestickten Uniformen und so weiter – alles war mehr als genug, um Größe erkennbar, wenn nicht sogar lächerlich zu machen. Also arrangiert König Heinrich eine Maske im Haus von Kardinal Wolsey: Er erscheint auf der Bühne, mehrere Begrüßungsschüsse sind zu hören. Eine der Kugeln blieb offenbar in der Kulisse stecken - und dann passierte alles. Zunächst war nur ein kleiner Schleier zu sehen, dem das Publikum, mitgerissen von dem Geschehen auf der Bühne, keine Beachtung schenkte; aber nach dem Bruchteil einer Sekunde breitete sich das Feuer auf das Dach aus und breitete sich schnell aus und zerstörte das gesamte Gebäude in weniger als einer Stunde bis auf den Grund. Ja, das waren verheerende Momente für diesen soliden Bau, wo nur Holz, Stroh und ein paar Lumpen abbrannten. Zwar fing eine der Hosen der Männer Feuer, und er hätte leicht geröstet werden können, aber er (Gott sei Dank!) erriet rechtzeitig, um die Flamme mit Bier aus einer Flasche zu löschen.

Herr Henry Wotton

Bald wurde das Gebäude wieder aufgebaut, bereits aus Stein; Die Strohdecke über dem tiefen Teil der Bühne wurde durch eine geflieste ersetzt. Burbages Truppe spielte bis 1642 im „Second Globe“, als das puritanische Parlament und Lord Protector Cromwell ein Dekret erließen, alle Theater zu schließen und jegliche Theaterunterhaltung zu verbieten. 1644 wurde der leerstehende „zweite Globus“ zu einem Mietshaus umgebaut. Die Geschichte des Theaters wurde für mehr als drei Jahrhunderte unterbrochen.

Die Idee des modernen Wiederaufbaus des Globe Theatre stammt seltsamerweise nicht von den Briten, sondern von dem amerikanischen Schauspieler, Regisseur und Produzenten Sam Wanamaker. 1949 kam er zum ersten Mal nach London und sammelte etwa zwanzig Jahre lang zusammen mit Gleichgesinnten Stück für Stück Material über die Theater der elisabethanischen Ära. Bis 1970 hatte Wanamaker den Shakespeare Globe Trust gegründet, der sich der Renovierung des verlorenen Theaters verschrieben hatte Bildungszentrum und Dauerausstellung. Die Arbeit an diesem Projekt dauerte mehr als 25 Jahre; Wanamaker selbst starb 1993, fast vier Jahre vor der Eröffnung des umgebauten Globe. Orientierungspunkt für den Wiederaufbau des Theaters waren die ausgegrabenen Fundamentfragmente des alten Globe sowie das nahe gelegene Rose Theatre, in dem in der „Vor-Globus“-Zeit Shakespeares Stücke aufgeführt wurden. Der Neubau wurde aus „grünem“ Eichenholz gebaut, verarbeitet nach den Traditionen des 16. Jahrhunderts. und befindet sich fast an der gleichen Stelle wie zuvor - der neue ist 300 Meter vom alten Globus entfernt.Die sorgfältige Rekonstruktion des Erscheinungsbildes wird mit Moderne kombiniert Technisches Equipment Gebäude.

Das neue Globe wurde 1997 unter dem Namen Shakespeare's Globe Theatre eröffnet. Da der Neubau nach historischen Gegebenheiten ohne Dach errichtet wurde, finden Aufführungen nur im Frühjahr und Sommer statt. Führungen im ältesten Londoner Theater „Globe“ finden jedoch täglich statt. Bereits in dieses Jahrhundert Neben dem restaurierten Globe wurde ein Shakespeare gewidmetes Themenparkmuseum eröffnet. Dem großen Dramatiker ist die weltgrößte Ausstellung gewidmet; Für Besucher werden verschiedene thematische Unterhaltungsveranstaltungen organisiert: Hier können Sie versuchen, selbst ein Sonett zu schreiben. Sehen Sie sich einen Schwertkampf an und nehmen Sie sogar an einer Aufführung eines Shakespeare-Stücks teil.

Die Sprach- und Bühnenmittel Shakespeares

Überhaupt ist die Sprache von Shakespeares dramatischen Werken ungewöhnlich reich: Nach Studien von Philologen und Literaturkritikern umfasst sein Wörterbuch mehr als 15.000 Wörter. Die Sprache der Charaktere ist voll von allen möglichen Tropen - Metaphern, Allegorien, Paraphrasen usw. Der Dramatiker verwendete in seinen Stücken viele Formen der Lyrik des 16. Jahrhunderts. - Sonett, Canzone, Alba, Epithalamus, etc. Weißer Vers, mit dem seine Stücke hauptsächlich geschrieben werden, zeichnet sich durch Flexibilität und Natürlichkeit aus. Das ist der Grund für die große Anziehungskraft von Shakespeares Werk auf Übersetzer. Insbesondere in Russland wandten sich viele Meister des literarischen Textes Übersetzungen von Shakespeares Stücken zu - von N. Karamzin bis A. Radlova, V. Nabokov, B. Pasternak, M. Donskoy und anderen.

Der Minimalismus der Bühnenmittel der Renaissance ließ Shakespeares Dramaturgie organisch in eine neue Stufe in der Entwicklung des Welttheaters einfließen, die bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts zurückreicht. - Regietheater, das sich nicht auf die einzelne schauspielerische Arbeit konzentriert, sondern auf die konzeptionelle Gesamtlösung der Aufführung. Es ist unmöglich, auch nur die allgemeinen Prinzipien aller zahlreichen Shakespeare-Produktionen aufzuzählen - von einer detaillierten Alltagsinterpretation bis zu einer äußerst konventionell symbolischen; von der Farce-Komödie zur elegisch-philosophischen oder mysteriösen Tragödie. Es ist merkwürdig, dass sich Shakespeares Stücke immer noch an Zuschauer fast aller Ebenen richten – von ästhetischen Intellektuellen bis hin zu anspruchslosen Zuschauern. Dies zusammen mit Komplex philosophische Fragen, tragen sowohl verwickelte Intrigen als auch ein Kaleidoskop verschiedener Bühnenepisoden bei, die pathetische Szenen mit komödiantischen durchsetzen, und die Einbeziehung von Duellen, Musiknummern usw. in die Haupthandlung.

Shakespeares dramatische Werke wurden zur Grundlage für viele Aufführungen des Musiktheaters (die Opern Othello, Falstaff (nach den lustigen Weibern von Windsor) und Macbeth von D. Verdi; das Ballett Romeo und Julia von S. Prokofjew und viele andere).

Shakespeares Abreise

Der Einfluss von Shakespeares Werk auf Weltliteratur

Der Einfluss der von William Shakespeare geschaffenen Bilder auf die Weltliteratur und -kultur kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Hamlet, Macbeth, König Lear, Romeo und Julia – diese Namen sind längst zu geläufigen Substantiven geworden. Sie werden nicht nur in verwendet Kunstwerke, sondern auch umgangssprachlich als Bezeichnung eines Menschentypus. Für uns ist Othello ein eifersüchtiger Mann, Lear ein Elternteil ohne Erben, den er selbst begünstigt hat, Macbeth ein Machtanmaßer und Hamlet ein von inneren Widersprüchen zerrissener Mensch.

Shakespeares Bilder hatten auch einen großen Einfluss auf die russische Literatur des 19. Jahrhunderts. Zu den Theaterstücken Englischer Dramatiker Kontakt mit I.S. Turgenew, F.M. Dostojewski, L. N. Tolstoi, A. P. Tschechow und andere Schriftsteller. Im 20. Jahrhundert Interesse an innere Welt Menschen und Motive und Helden von Shakespeares Werken erregten erneut die Dichter. Wir finden sie bei M. Tsvetaeva, B. Pasternak, V. Vysotsky.

In der Ära des Klassizismus und der Aufklärung wurde Shakespeare für seine Fähigkeit anerkannt, der „Natur“ zu folgen, aber er wurde verurteilt, weil er die „Regeln“ nicht kannte: Voltaire nannte ihn einen „brillanten Barbaren“. Die Kritik der englischen Aufklärung schätzte Shakespeares lebensechte Wahrhaftigkeit. In Deutschland wurde Shakespeare von I. Herder und Goethe (Goethes Skizze "Shakespeare und er hat kein Ende", 1813-1816) zu einer unerreichbaren Höhe erhoben. In der Zeit der Romantik wurde das Verständnis von Shakespeares Werk durch G. Hegel, S. T. Coleridge, Stendhal, V. Hugo vertieft.

In Russland wurde Shakespeare erstmals 1748 von A. P. Sumarokov erwähnt, aber selbst in der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts war Shakespeare in Russland noch wenig bekannt. Shakespeare wurde in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts zu einer Tatsache der russischen Kultur: Mit der Dekabristenbewegung verbundene Schriftsteller wandten sich an ihn (V. K. Kuchelbeker, K. F. Ryleev, A. S. Griboedov, A. A. Bestuzhev usw.) , A. S. Puschkin, der die Hauptvorteile sah Shakespeares in seiner Objektivität, der Wahrheit der Charaktere und der "richtigen Darstellung der Zeit" und entwickelte Shakespeares Traditionen in der Tragödie "Boris Godunov". Im Ringen um den Realismus der russischen Literatur setzt auch V. G. Belinsky auf Shakespeare. Die Bedeutung von Shakespeare nahm besonders in den 30-50er Jahren des 19. Jahrhunderts zu. Indem sie Shakespeare-Bilder auf die Gegenwart projizierten, halfen A. I. Herzen, I. A. Goncharov und andere, die Tragödie der Zeit tiefer zu verstehen. Ein bemerkenswertes Ereignis war die Produktion von „Hamlet“, übersetzt von N. A. Polevoy (1837) mit P. S. Mochalov (Moskau) und V. A. Karatygin (Petersburg) in der Titelrolle. In der Tragödie von Hamlet sahen V. G. Belinsky und andere fortschrittliche Menschen der Ära die Tragödie ihrer Generation. Das Bild von Hamlet erregt die Aufmerksamkeit von I. S. Turgenev, der in ihm die Merkmale von "überflüssigen Menschen" (Art. "Hamlet and Don Quixote", 1860), F. M. Dostoevsky, sah.

Parallel zum Verständnis von Shakespeares Werk in Russland vertiefte und erweiterte sich die Bekanntschaft mit den Werken Shakespeares. Im 18. und frühen 19. Jahrhundert wurden hauptsächlich französische Shakespeare-Adaptionen übersetzt. Übersetzungen der 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts sündigten entweder mit Wortwörtlichkeit ("Hamlet" in der Übersetzung von M. Vronchenko, 1828) oder mit übermäßiger Freiheit ("Hamlet" in Polevoys Übersetzung). In den Jahren 1840-1860 entdeckten Übersetzungen von A. V. Druzhinin, A. A. Grigoriev, P. I. Weinberg und anderen Versuche eines wissenschaftlichen Ansatzes zur Lösung von Problemen Literarische Übersetzung(das Prinzip der sprachlichen Angemessenheit usw.). In den Jahren 1865-1868 entstand unter der Redaktion von N. V. Gerbel die erste " komplette Sammlung Dramatische Werke von Shakespeare in der Übersetzung russischer Schriftsteller". In den Jahren 1902-1904 wurde unter der Herausgeberschaft von S. A. Vengerov das zweite vorrevolutionäre Gesamtwerk von Shakespeare durchgeführt.

Die Traditionen des fortgeschrittenen russischen Denkens wurden von den sowjetischen Shakespeare-Studien auf der Grundlage tiefer Verallgemeinerungen von K. Marx und F. Engels fortgesetzt und weiterentwickelt. In den frühen 1920er Jahren hielt A. V. Lunacharsky Vorlesungen über Shakespeare. Der kunstkritische Aspekt des Studiums von Shakespeares Erbe wird in den Vordergrund gerückt (V. K. Muller, I. A. Aksyonov). Es erschienen historische und literarische Monographien (A. A. Smirnov) und einzelne problematische Werke (M. M. Morozov). Ein bedeutender Beitrag zur modernen Wissenschaft von Shakespeare ist die Arbeit von A. A. Anikst, N. Ya. Berkovsky, die Monographie von L. E. Pinsky. Die Filmregisseure G. M. Kozintsev und S. I. Yutkevich verstehen die Natur von Shakespeares Werk auf besondere Weise.

Kritik an Allegorien und großartigen Metaphern, Übertreibungen und ungewöhnlichen Vergleichen, „Schrecken und Possenreißer, Argumentation und Effekte“ – die charakteristischen Merkmale des Stils von Shakespeares Stücken – nahm Tolstoi als Zeichen außergewöhnlicher Kunst, die den Bedürfnissen der „Oberschicht“ diente Gesellschaft. Gleichzeitig weist Tolstoi auf viele der Vorzüge der Stücke des großen Dramatikers hin: seine bemerkenswerte „Fähigkeit, Szenen zu inszenieren, in denen die Bewegung von Gefühlen zum Ausdruck kommt“, die außergewöhnliche Bühnenpräsenz seiner Stücke, ihre echte Theatralik. Der Artikel über Shakespeare enthält Tolstois tiefgründige Urteile über den dramatischen Konflikt, die Charaktere, die Entwicklung der Handlung, die Sprache der Charaktere, die Technik des Dramaaufbaus usw.

Er sagte: "Also habe ich mir erlaubt, Shakespeare die Schuld zu geben. Aber schließlich handelt jeder Mensch mit ihm; und es ist immer klar, warum er das so tut. Er hatte Säulen mit einer Inschrift: Mondlicht, Haus. Und Gott sei Dank, denn alle Aufmerksamkeit war auf die Essenz des Dramas gerichtet, und jetzt ganz im Gegenteil.“ Tolstoi, der Shakespeare „leugnete“, stellte ihn über die Dramatiker – seine Zeitgenossen, die inaktive Stücke von „Stimmungen“ schufen.“ Rätsel", "Symbole".

Erkennen, dass das Ganze unter dem Einfluss von Shakespeare stand Dramaturgie der Welt, der keine "religiöse Grundlage" hatte, schrieb Tolstoi ihm seine "Theaterstücke" zu und stellte gleichzeitig fest, dass sie "zufällig" geschrieben wurden. So stellte der Kritiker V. V. Stasov, der das Erscheinen seines Volksdramas The Power of Darkness begeistert begrüßte, fest, dass es mit Shakespeare-Kraft geschrieben wurde.

Basierend auf ihren Eindrücken beim Lesen von Shakespeares „Hamlet“ schrieb M. I. Tsvetaeva 1928 drei Gedichte: „Ophelia to Hamlet“, „Ophelia in Defense of the Queen“ und „Hamlet’s Dialogue with Conscience“.

In allen drei Gedichten von Marina Tsvetaeva kann man ein einziges Motiv herausgreifen, das andere überwiegt: das Motiv der Leidenschaft. Darüber hinaus fungiert Ophelia, die bei Shakespeare als Vorbild für Tugend, Reinheit und Unschuld auftritt, als Trägerin der Ideen eines „heißen Herzens“. Sie wird eine glühende Beschützerin von Königin Gertrude und wird sogar mit Leidenschaft identifiziert.

Seit Mitte der 30er Jahre des 19. Jahrhunderts nimmt Shakespeare einen großen Platz im Repertoire des russischen Theaters ein. P. S. Mochalov (Richard III, Othello, Lear, Hamlet), V. A. Karatygin (Hamlet, Lear) sind berühmte Darsteller von Shakespeares Rollen. In der zweiten Hälfte des 19. - frühen 20. Jahrhunderts schuf das Moskauer Maly-Theater eine eigene Schule seiner theatralischen Verkörperung - eine Kombination aus Bühnenrealismus mit Elementen der Romantik, die so herausragende Shakespeare-Interpreten wie G. Fedotova, A. Lensky, A. Yuzhin, M. Yermolova . Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wandte sich das Moskauer Kunsttheater dem Shakespeare-Repertoire zu (Julius Caesar, 1903, inszeniert von Vl. I. Nemirovich-Danchenko unter Beteiligung von K. S. Stanislavsky; Hamlet, 1911, inszeniert von G. Craig; Caesar und Hamlet - V. I. Kachalov

Und auch:

In den 70er Jahren des 18. Jahrhunderts entstand eine Hypothese, wonach der Autor der Stücke nicht, sondern eine andere Person war, die anonym bleiben wollte. In den zwei Jahrhunderten der Auseinandersetzungen und Diskussionen wurden Dutzende von Hypothesen aufgestellt, und heute gibt es vielleicht keinen einzigen mehr oder weniger berühmten Zeitgenossen Shakespeares, dem nicht die Urheberschaft brillanter Stücke zugeschrieben wird.

Die Lebensumstände des großen englischen Dramatikers William Shakespeare sind relativ wenig bekannt, denn er teilt das Schicksal der allermeisten anderen Autoren seiner Zeit, deren Persönlichkeit sich nicht sonderlich für Zeitgenossen interessierte. Wenn man über das Studium der Biographie des Dramatikers spricht, lohnt es sich zunächst, eine Gruppe „nicht-stratfordischer“ Gelehrter hervorzuheben, deren Mitglieder die Urheberschaft des Schauspielers Shakespeare aus Stratford leugnen und glauben, dass dies der Name ist, unter dem er steht eine andere Person oder Gruppe von Personen versteckte sich, und höchstwahrscheinlich der echte Schauspieler Shakespeare, dem er selbst die Erlaubnis zur Verwendung seines Namens erteilte. Die Ablehnung der traditionellen Sichtweise ist seit 1848 bekannt, obwohl es unter Nicht-Stratfordianern keinen Konsens darüber gibt, wer genau der wahre Autor von Shakespeares Werken war.

Porträt von William Shakespeare. (wikipedia.org)

Befürworter dieser Theorie glauben, dass bekannte Fakten über den Schauspieler Shakespeare aus Stratford dem Inhalt und Stil von Shakespeares Stücken und Gedichten widersprechen. Zu den mutmaßlichen Kandidaten wurden zahlreiche Theorien aufgestellt, bisher sind es mehrere Dutzend.

Das Globe Theatre in London, wo Shakespeares Stücke aufgeführt wurden. (wikipedia.org)

Das lexikalische Wörterbuch der Werke von William Shakespeare umfasst 15.000 verschiedene Wörter und ist gleichzeitig zeitgenössisch englische Übersetzung Die King James Bibel ist nur 5.000. Allerdings waren Shakespeares zeitgenössische Schriftsteller (Marlo, Johnson, John Donne) von nicht weniger bescheidener Herkunft (übrigens war Shakespeares Vater aus Stratford reich und einer der Gouverneure der Stadt), aber ihre Gelehrsamkeit übertraf Shakespeares.

Unter Shakespeares Zeitgenossen galt der Dramatiker nie als hochgebildet, sondern als intuitiv begabter Autodidakt.

Elizabeth I. in einer Sänfte während einer Prozession, c. 1601. (wikipedia.org)

Porträt von Francis Bacon. (wikipedia.org)

Ein weiterer Anwärter auf die Urheberschaft war Edward de Vere, Earl of Oxford. Der 17. Earl of Oxford war der Hofdichter von Königin Elizabeth I. und diente als Kammerherr von England. Seine Gedichte ähneln Shakespeares Venus und Adonis. Darüber hinaus ist das Wappen des Grafen ein Löwe, der mit einem gebrochenen Speer beeindruckt, und der berühmte Aristokrat seiner Zeit war sich der Palastintrigen bewusst, die sich in vielen von Shakespeares Stücken widerspiegeln.

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