Die besten Theater in London. Theater von England Spiel der Theater von England

Theater Das erste Hoftheater, das 1672-1676 existierte, wurde von Zar Alexei Michailowitsch selbst und seinen Zeitgenossen als eine Art neumodischer „Spaß“ und „Coolness“ nach dem Bild und der Ähnlichkeit der Theater europäischer Monarchen definiert. Das Theater am königlichen Hof erschien nicht sofort. Russen

Städtisches Bildungsministerium der Verwaltung von Polysaevo

Informations- und Methodenzentrum

Gemeinde Bildungseinrichtung

"Durchschnitt allgemein bildende Schule Nr. 35"

Geschichte des britischen Theaters

Forschungsprojekt

Polysaevo 2007

Städtisches Bildungsministerium der Verwaltung von Polysaevo

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Städtische Bildungseinrichtung

"Sekundarschule Nr. 35"

Geschichte des britischen Theaters

Daria Putintseva,

Vorgeschlagen Forschung enthält eine Beschreibung der Geschichte des Theaters in Großbritannien. Das Forschungsprojekt charakterisiert das englische Theater vom Mittelalter bis zur Gegenwart, seine Richtungen und Tendenzen. Die Arbeit zeichnet die Entstehung und Entwicklung der wichtigsten Theaterströmungen, die Originalität des theatralischen Kampfes in unterschiedliche Bühnen historische Entwicklung. Besonderes Augenmerk wird auf die Frage nach den nationalen Besonderheiten des englischen Theaters gelegt.

Geschichte des Theaters in Großbritannien: Forschung / . - Polysaevo: Informations- und Methodenzentrum, 2007.

Erläuterungen

Ziel der Arbeit: Kennenlernen einer fremden Kultur.

Arbeitsaufgaben: Erweiterung des kulturellen Wissens über Großbritannien.

Englisches Theater ist ein integraler Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen der nationalen englischen Kunst haben den weltweiten Theaterprozess bereichert. Die Arbeit englischer Schauspieler, Regisseure und Dramatiker fand weit über die Grenzen Englands hinaus Liebe und Anerkennung.

Die Arbeit von Schauspielern, Regisseuren und Dramatikern Großbritanniens genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe.

Die Geschichte des Theaters ist seit langem mit der Geschichte der Menschheit verbunden. Von dieser ersten Seite der Geschichte an erinnert sich die Menschheit, wenn sie sich selbst erinnert, auch an das Theater, das zu ihrem ewigen Begleiter geworden ist.

Liebst du das Theater genauso wie ich? - fragte unser großer Landsmann Vissarion Belinsky seine Zeitgenossen, zutiefst davon überzeugt, dass ein Mensch das Theater lieben muss.

Du liebst Theater? Mit der gleichen Frage hätten sie sich vor mehr als 20 Jahrhunderten an ihre Zuschauer wenden können, die die Steinbänke riesiger Amphitheater unter sich füllten offener Himmel Hellas, die großen Väter des antiken Theaters Äschylus und Sophokles, Euripides und Aristophanes.

Ihnen folgen bereits in anderen Jahrhunderten andere historische Epochen, die sich mit ähnlicher Anziehungskraft an ihre Zeitgenossen, Shakespeare und Ben Jonson in England wenden könnten. Und alle fragen die Menschen ihrer Zeit: "Magst du das Theater?" - mit einer bejahenden Antwort rechnen dürfen.

Englisches Theater, Literatur und Musik sind ein integraler Bestandteil der Weltkultur. Die besten Traditionen der englischen Kultur haben die Welt bereichert kultureller Prozess Sie gewann Liebe und Anerkennung weit über die Grenzen Englands hinaus.

Die Arbeit englischer Dramatiker genießt in Russland seit langem Anerkennung und Liebe. Die größten Schauspieler des russischen Theaters spielten in Shakespeares Tragödien.

In der englischen Kulturgeschichte werden folgende Hauptepochen unterschieden: Mittelalter, Renaissance, 17. Jahrhundert, 18. Jahrhundert (Zeitalter der Aufklärung), 19. Jahrhundert (Romantik, Kritischer Realismus), Zeitraum spätes XIX Jahrhundert - Anfang des 20. Jahrhunderts (1871 - 1917) und des 20. Jahrhunderts, in dem zwei Perioden unterschieden werden: 1917 - 1945. und 1945 - heute.

Frühes Mittelalter ( v – XI Jahrhunderte)

Im 6. Jahrhundert v. Chr. wurden die Britischen Inseln von den Kelten besetzt. Im 1. Jahrhundert n. Chr. wurde Britannien von den Römern erobert. Die Herrschaft des Römischen Reiches dauerte bis zum 5. Jahrhundert, als die Angelsachsen und Juten in das Gebiet Großbritanniens eindrangen. Die angelsächsischen Stämme brachten ihre Sprache, Kultur und Lebensweise auf die Britischen Inseln.

Die Geschichte des mittelalterlichen Theaters ist die Geschichte des Kampfes idealistisch-religiöser Lebensanschauungen mit der realistischen Weltanschauung der Menschen.

Über viele Jahrhunderte im Leben der Menschen im feudalen Europa wurden die Traditionen heidnischer ritueller Festlichkeiten bewahrt, die Elemente der Theatralisierung enthielten: der Zusammenprall von Winter und Sommer, die Maispiele, bei denen Sketche unter Beteiligung des Königs und aufgeführt wurden Maikönigin usw. usw. Truppen durchstreiften Europa Volksvergnügungen - Histrions. Sie konnten alles: singen, tanzen, jonglieren, schauspielern. Mit komischen Szenen amüsierten sie oft nicht nur das Publikum, sondern machten sich auch über die Unterdrückten und Unterdrückten lustig gewöhnliche Menschen. Deshalb verbot die Kirche rituelle Spiele, verfolgte Histrion, war aber machtlos, die Liebe der Menschen zu Theateraufführungen zu zerstören.

Um den Gottesdienst – die Liturgie – effektiver zu gestalten, beginnen die Geistlichen selbst, sich theatralischer Formen zu bedienen. Das erste Genre des mittelalterlichen Theaters erscheint - das liturgische Drama (IX-XIII Jahrhundert). Während der Liturgie spielten die Priester Geschichten aus der Heiligen Schrift nach. Im Laufe der Zeit werden Aufführungen liturgischer Dramen aus der Kirche auf die Veranda und den Kirchhof gebracht.

XI – XV Jahrhundert

Im 11. Jahrhundert wurden die Britischen Inseln von den Normannen erobert. Dies trug zum französischen Einfluss auf das kulturelle Leben des Landes bei.

In den XIII-XIV Jahrhunderten. ein neues Genre der mittelalterlichen Theateraufführung erscheint – mirakl ("Wunder"). Die Handlungen der Wunder sind den Legenden über die Heiligen und die Jungfrau Maria entlehnt.

Höhepunkt des mittelalterlichen Theaters – Geheimnis . Es entwickelt sich im XIV-XV Jahrhundert während der Blütezeit der mittelalterlichen Städte. Auf den Plätzen der Stadt werden Rätsel gespielt. Die Darstellung des Mysteriums war massiv - und je nach Teilnehmerzahl war die Allegorie" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisch. Moralische Charaktere verkörperten meist verschiedene menschliche Eigenschaften, seine Laster und Tugenden .

Der Held der Moral ist eine Person im Allgemeinen. „Every man“ – so hieß die englische Moral Ende des 15. Jahrhunderts. In diesem Stück erschien jedem Menschen der Tod und rief ihn auf eine „lange Reise“ und erlaubte ihm, jeden Gefährten mitzunehmen. Eine Person wandte sich an Freundschaft, Verwandtschaft, Reichtum, wurde aber überall abgelehnt. Stärke, Schönheit, Vernunft, fünf Sinne erklärten sich bereit, eine Person zu begleiten, aber am Rand des Grabes verließen sie ihn alle. Nur gute Taten sprangen mit ihm ins Grab. Moralite gab biblische Themen auf, behielt aber die religiöse Erbauung bei.

Farce - das erste Genre des mittelalterlichen Theaters, das mit der religiösen Moral brach. Die Farce, ein fröhliches und satirisches Genre, machte sich über die sozialen, politischen und moralischen Konzepte der feudalen Gesellschaft lustig. Törichte Ritter, habgierige Kaufleute, wollüstige Mönche spielen in der Farce mit. Aber der wahre Held dieses Genres, von allen nicht sehr anständigen, aber immer lustigen, lächerlichen Handlungen, ist ein fröhlicher Schelm aus dem einfachen Volk. Bei einer Farce hat derjenige Recht, der alle überlistet hat.

Die Erfahrung von Farce-Aufführungen wurde vom Theater der nachfolgenden Epochen weit verbreitet. Shakespeares Komödien übernahmen nicht nur die albernen Methoden der Farce, sondern auch den Geist des populären freien Denkens, der sie erfüllte.

Renaissance

Im XV- XVI Jahrhundert in den europäischen Ländern vollzieht sich „die größte fortschreitende Umwälzung, die die Menschheit bisher erlebt hat“ – der Übergang vom feudalen Mittelalter in die neue Zeit, gekennzeichnet durch Anfangszeit Entwicklung des Kapitalismus. Diese Übergangszeit wurde Renaissance oder Renaissance genannt.

Dies war die Ära der neue Kultur, Bruch mit religiösen Dogmen, eine Ära der rasanten Entwicklung von Kunst und Literatur, Wiederbelebung der Ideale der Antike. Tolle Möglichkeiten für aktive Kreative Aktivitäten. In dieser Zeit findet die Bildung der nationalen Kultur statt.

Das 16. Jahrhundert war in England die Blütezeit des Dramas. Das englische Theater reagierte auf öffentliche Interessen und war in einer Atmosphäre des nationalen Aufschwungs ungewöhnlich beliebt. Ende des 16. Jahrhunderts gab es in London etwa zwanzig Theater; unter ihnen waren das James Burbage Theatre und das Philip Hensloe Theatre besonders berühmt. Die Entwicklung der Theaterkultur verlief nicht ohne Schwierigkeiten, das Haupthindernis waren die Aktionen der Puritaner, die das Theater als "dämonische" Angelegenheit betrachteten.

Zu den Dramatikern dieser Zeit gehörten Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe und andere.

Die Stücke von Beaumont (1584-1616) und Fletcher (1579-1625) kennzeichnen eine andere Ära in der Geschichte des englischen Theaters. Sie versuchten, das Theater zu aristokratieren, eine gewisse Raffinesse und Anstand in die Bühnenaufführungen einzuführen. Edle, monarchistische Ideen werden im Theater von Beaumont und Fletcher zum Thema besonderer Aufmerksamkeit. Von der Bühne sind ständig Rufe nach selbstlosem Dienst am König zu hören.

William Shakespeare

Das Theater der englischen Renaissance verdankt seine Blütezeit vor allem William Shakespeare. Die Dramaturgie Shakespeares ist das Ergebnis der gesamten bisherigen Entwicklung des Dramas, der Spitze des Theaters.

"Die Tragödie wurde auf dem Platz geboren" - schrieb er und bezog sich auf die fernen Ursprünge von Shakespeares Werk - das Volkstheater mittelalterlicher Mysterien. Die Traditionen des Theaters der Plätze - eine breite Berichterstattung über Ereignisse, der Wechsel von komödiantischen und tragischen Episoden, die Dynamik der Handlung - wurden von Shakespeares Vorgängern - den Dramatikern R. Green, K. Marlo und anderen - bewahrt. Sie brachten freiheitsliebende Ideen auf die Bühne, zeigten neue Helden mit starkem Willen und ganzem Charakter.

In der ersten, „optimistischen“ Periode seines Schaffens schrieb Shakespeare Komödien voller fröhlicher Stimmungen. Doch als sich vor dem durchdringenden Auge des Dichters das „Meer der Katastrophen“ auftat, als der unaufhaltsame Lauf der Geschichte die Widersprüche zwischen Feudalismus und aufkommendem Kapitalismus immer schärfer aufdeckte, perfekter Held In seinen Werken wurde er durch einen Machtliebhaber, einen Egoisten und einen Habgier und manchmal durch einen Verbrecher ersetzt.

Zum ersten Mal wurde diese Wendung in der Tragödie "Hamlet" offenbart. Aber die Helden von Shakespeare beugten sich nicht vor der Welt des Bösen. Die Helden von Shakespeares Tragödien, die in den Kampf eintraten und Opfer ihrer allmächtigen Gegner wurden, bekräftigten sogar durch ihren Tod den Glauben an den Menschen und sein strahlendes Schicksal. Darin liegt die Unsterblichkeit von Shakespeares Tragödien und ihr moderner Klang.

Shakespeare-Theater Das Globe wurde neben anderen Theatern aufgestellt – am Südufer der Themse, außerhalb von London, da die Behörden dort Schauspiele verboten

William Shakespeare

Globus-Theater". Aussehen.

die Stadt selbst. Das Gebäude wurde von einem kleinen Turm gekrönt, an dem während der Aufführung eine Fahne flatterte.

Die Aktion fand unter freiem Himmel statt - eine Menschenmenge stand vor der Bühne, wohlhabende Bürger ließen sich auf den Galerien nieder, die in drei Rängen die runden Wände des Theaters umgaben. Die Bühne war in 3 Teile geteilt: die Vorderseite - das Proszenium, die Rückseite, die durch zwei Seitensäulen getrennt und mit einem Strohdach bedeckt war, und die Spitze - in Form eines Balkons. Die Bühne war mit Teppichen und Matten dekoriert, und von oben hing eine Tafel: schwarz - in Tragödien und blau - in Komödien. Der Schauplatz der Aktion wurde durch ein Detail angezeigt (der Baum zeigte an, dass die Aktion im Wald stattfand, und der Thron - der im Palast).

Die Zusammensetzung der Truppe war klein - nur 8-12 Personen. Manchmal musste jeder Schauspieler bis zu drei oder mehr Rollen in einem Stück spielen. Die Heldinnen wurden von hübschen, zerbrechlichen jungen Männern gespielt. Die größten tragischen Schauspieler waren Edward Alleyn, der mit spielte besonderer Erfolg in den Stücken von K. Marlo und Richard Burbage - bester Darsteller Rollen von Hamlet, Lear, Othello und Macbeth. Richard Tarlton und William Kemp spielten in komödiantischen Rollen mit.

XVIII Jahrhundert

Wenn während der Renaissance in England Dramaturgie und Theater ihre Blütezeit hatten, waren die Theaterbräuche damals in London recht frei, herrschte sowohl auf der Bühne als auch im Zuschauerraum völlige Leichtigkeit, und Schauspieler und Zuschauer waren vor Äußerungen nicht zurückgeschreckt, dann in der Im 17. Jahrhundert wurden sie von den Puritanern verfolgt.

In der Renaissance konnte man einen Zauberer mit einem Hund auf der Bühne sehen, der „und den König von England, den Prinzen von Wales, und wenn er auf seinem Rücken sitzt, dann den Papst und den König von Spanien“ darstellte. Eine Frau in einer Komödie könnte anhand der Bühne erkennen, dass Sie anhand des Urins raten können, oder ein Herr - schreiben Sie auf, wo er gepinkelt hat. „Unsere Bühne hat manchmal den gleichen Dreck und Gestank wie Smithfield (ein Vorort von London, wo Jahrmärkte abgehalten und manchmal Ketzer verbrannt wurden), sagt Ben Jonson. „Dort wird alles beim richtigen Namen genannt“, schrieb Voltaire im 18. Jahrhundert etwa Englische Szene.

Theatermoral lässt sich aus dem anonymen „Protest oder Klage der Schauspieler gegen die Unterdrückung ihres Berufs und ihre Vertreibung aus mehreren Theatern“ (1643) ableiten. „Wir versprechen für die Zukunft, niemals promiskuitive Frauen in unsere Sixpenny-Lodges zu lassen, die nur dorthin kommen, um von Lehrlingen und Anwaltsangestellten mitgenommen zu werden, und keine anderen Frauen dieser Art, außer denen, die mit ihren Ehemännern kommen oder nahe Verwandte. Auch die Einstellung zum Tabak wird sich ändern: Er wird nicht verkauft ... was Schimpfwörter und ähnliche Gemeinheiten betrifft, die anständige Menschen empören können, aber böse Menschen treiben Sie sie in die Ausschweifung, dann werden wir sie zusammen mit unmoralischen und unhöflichen Autoren - Dichtern - vollständig ausweisen.

Das Spielen und Aufführen von Theaterstücken wurde als sündige Tätigkeit erklärt; Der Besuch des Theaters wurde entschieden verurteilt und als schädliche und schädliche Handlung angesehen. Mit der Machtübernahme der Puritaner wurden Theateraufführungen in England verboten. Am 2. September 1642 schloss das englische Parlament die Theater und verbot alle Aufführungen mit dem Argument, dass die Spektakel „oft ungezügelte Fröhlichkeit und Frivolität ausdrücken“, während man seine Gedanken auf „Reue, Versöhnung und Hinwendung zu Gott“ richten sollte. Fünf Jahre später bestätigte das Parlament diese Entschließung, jetzt in härteren Worten und ordnete an, ungehorsame Personen (Schauspieler) als Kriminelle ins Gefängnis zu bringen. Die Kultur erlebte eine akute Krise. Die Kirche hat lange und entschieden gegen Theaterspektakel gekämpft. "Die Theater sind voll, aber die Kirchen sind leer", klagen puritanische Priester. Im Theater "regieren freie Gesten, lockere Reden, Gelächter und Spott, Küsse, Umarmungen und unbescheidene Blicke", empört sich die Geistlichkeit. „Dort wird gegen das Wort Gottes verstoßen und die in unserem Staat etablierte Gottesreligion profaniert“, sagt der Oberbürgermeister.

Theater XVII Jahrhundert Es schien der puritanischen Bourgeoisie Englands ein Theater der Ausschweifung und Verdorbenheit zu sein, ein Theater, das dem Geschmack der Aristokraten diente und das einfache Volk korrumpierte.

Es gab auch Verteidiger. Der Dramatiker Thomas Nash schrieb 1592, dass die Handlung der Stücke den englischen Chroniken entlehnt, die großen Taten der Vorfahren aus dem „Grab des Vergessens“ geholt und damit die Verurteilung der „entarteten und verwöhnten Moderne“ ausgesprochen werde, dass in den Stücken "die mit äußerer Heiligkeit vergoldete Lüge seziert wird".

Die Merkmale der Kultur wurden durch die Ereignisse der bürgerlichen Revolution bestimmt. Die Klassengegensätze zwischen der Bourgeoisie und den Großgrundbesitzern verschärften sich, die Regierung der bürgerlichen Republik wurde von Oliver Cromwell geführt, dann wurde die Stuart-Monarchie wiederhergestellt.

Die Stuarts, die an die Macht zurückkehrten, eröffneten 1660 wieder Theater, und die brillante, aber unmoralische Komödie der Restaurationszeit bestätigte sozusagen die negative Bewertung, die Cromwells Mitarbeiter dem Theater entgegenbrachten.

Nach dem Staatsstreich kam Wilhelm III. von Oranien an die Macht. Die Volksbewegung wuchs.

Wilhelm III. hat die Theater nicht geschlossen, aber mit Erlass vom 01.01.01 hat er die Schauspieler streng gewarnt, „wenn sie weiterhin Stücke spielen, die gegen Religion und Anstand verstoßende Äußerungen enthalten und Gotteslästerung und Unsittlichkeit auf der Bühne zulassen, dann dafür müssen sie mit dem Kopf antworten.

Im selben Jahr, 1698, wurde eine Abhandlung von einem gewissen puritanischen Theologen namens Jeremy Collier unter dem sehr farbenfrohen Titel „A Brief Survey of the Immorality and Impiety of the English Stage“ veröffentlicht. Der Theologe verurteilte die bestehende Theaterpraxis auf das Schärfste. Er schrieb, dass es auf der Bühne Wut und Wut gegeben habe. „Blut und Barbarei werden fast vergöttert“, dass „der Ehrbegriff pervertiert, christliche Prinzipien gedemütigt werden“, dass „Teufel und Helden aus demselben Metall sind“, und forderte eine radikale Umstrukturierung der Theater, machte sie zu einem eine Art Schule der Tugend, des guten Benehmens und des Anstands: „Der Zweck des Theaterstücks ist es, die Tugend zu fördern und das Laster aufzudecken, die Zerbrechlichkeit menschlicher Größe, die plötzlichen Wechselfälle des Schicksals und die schädlichen Folgen von Gewalt und Ungerechtigkeit zu zeigen.

Die englische Bourgeoisie wollte nicht mehr wie früher die Schließung der Theater, sondern ihre Anpassung an die Bedürfnisse der Klasse. Obwohl die "glorreiche Revolution" von 1688 ein Bündnis zwischen der Bourgeoisie und dem neuen Adel hervorbrachte, blieben die Feindseligkeiten bestehen. Die Positionen der Gutsbesitzer waren immer noch stark, obwohl sich die Aristokraten den Verhältnissen unterwarfen, waren sie keineswegs vollständig versöhnt. Angriffe auf den Adel waren auch bei Theateraufführungen zu hören.

1713 versuchte Joseph Addison (1672-1719), die klassische Tragödie auf der englischen Bühne zu etablieren.

Zu dieser Zeit erschien ein neues Genre - Drama, aber Comedy wollte seine Positionen nicht aufgeben. Die Zuschauer, die bei den Aufführungen von The London Merchant reichlich Tränen vergossen und beim düsteren Finale des Stücks mit Entsetzen erfüllt waren, wollten von Zeit zu Zeit lachen. Diese Gelegenheit wurde ihnen von Fielding und später von Oliver Goldsmith und Richard Brinsley Sheridan gegeben.

Goldsmith wollte die „schwule Komödie“ von Shakespeare und Ben Jonson wiederbeleben. In seiner Abhandlung Eine Erfahrung über das Theater oder ein Vergleich einer lustigen und sentimentalen Komödie (1733) sprach er direkt darüber und schrieb mehrere Komödienstücke, ohne zu moralisieren, ohne viel Tendenz, sich fröhlich über die Unerfahrenheit junger Leute lustig zu machen leicht getäuscht. Die Stücke sind voller lustiger Fehler, die Charaktere sind ganz natürlich dargestellt.

Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) hinterließ jedoch die größten Spuren in der Geschichte des englischen Dramas dieser Zeit. Er schrieb für kurze Zeit. Alle seine besten Stücke entstanden innerhalb von fünf Jahren. Der Brand seines Theaters in der Drury Lane versetzte dem Schriftsteller den letzten Schlag.

Der Klassizismus in seiner klassischen Form konnte in England keinen festen Boden finden. Dafür gab es zwei Gründe: die politische Lage des Landes und die Autorität von Shakespeares Theater.

Was Shakespeare betrifft, so stellte er die Errungenschaften des antiken Dramas so in den Schatten, dass es nach ihm einfach undenkbar war, sich ganz auf das Beispiel antiker griechischer Autoren zu verlassen. Englische Dramatiker, die für das Theater arbeiteten, konnten Aischylos, Sophokles und Euripides nicht so bedingungslos folgen wie ihre französischen Kollegen. Vor ihnen war das Beispiel von Shakespeare, der nach einem völlig anderen System arbeitete und beispiellose Ergebnisse erzielte.

1644 wurde Shakespeares Globe Theatre abgerissen, nach einem Brand 1613 wieder aufgebaut, 1649 - die Theater Fortune und Phoenix, 1655 - Blackfriars. Im ganzen Land verstreute Schauspieler gingen in die Soldaten, verschwanden spurlos, so ein anonymer Autor aus dem 17. Jahrhundert (Historia histrionica).

1643 verfassten die Schauspieler ein berührendes anonymes Dokument: eine Klage über die Unterdrückung ihres Berufes. "Wir wenden uns an Sie, großer Phoebus, und an Sie, neun Schwestern - Musen, Gönnerinnen des Geistes und Beschützer von uns, arme gedemütigte Schauspieler", schrieben sie. „Wenn wir mit Hilfe Ihres allmächtigen Eingreifens wieder in unseren ehemaligen Theatern installiert werden und zu unserem Beruf zurückkehren könnten ...“ Die Schauspieler schrieben, dass die Komödien und Tragödien, die sie aufführten, „eine lebendige Reproduktion der Handlungen von Menschen“ seien , „dass das Laster in ihnen bestraft und die Tugend belohnt wurde, dass „die englische Sprache am richtigsten und natürlichsten ausgedrückt wurde“. Phoebus und neun Schwestern - Musen, Förderer der Künste - antworteten nicht. Das Theater hat irreparable Schäden erlitten.

John Milton, der größte englische Dichter des 17. Jahrhunderts, teilte die ablehnende Haltung der Puritaner gegenüber Theateraufführungen nicht. Milton war besonders entschieden gegen die Dramatiker und das Theater der Restaurationszeit, das einen betont unterhaltsamen Charakter hatte. Milton betrachtete die Tragödie, die klassischen Beispiele der antiken griechischen Kunst, als die Hauptsache in der dramatischen Kunst. Er ahmte sie nach, führte einen Chor ein, der das Geschehen kommentierte, und stellte die Einheit der Zeit fest: Die Dauer der Ereignisse in der Tragödie überschreitet 24 Stunden nicht. Die Einheit von Ort und Handlung wird strikt gewahrt.

Restaurierungszeit

Die Restaurationszeit begann in England kurz nach Cromwells Tod.

Die von den Puritanern verhängten Verbote für Theateraufführungen und verschiedene Arten von Unterhaltung wurden aufgehoben. Die Theater wurden wiedereröffnet, aber sie unterschieden sich stark vom englischen Theater des XVI. Anfang XVII Jahrhundert und sein externe Gestaltung, und die Natur der Spiele. Auf der Bühne wurden reiche Kulissen und prächtige Kostüme verwendet.

Besonders erfolgreich waren die Komödien von William Wycherley (1640-1716) und William Congreve (1670-1729).

Englische Theater "Drury Lane" und "Covent Garden"

Lassen Sie uns jetzt die Theater von London besuchen. 1663 wurde das Drury Lane Theatre in London gebaut, das das Recht auf ein Monopol bei der Auswahl des Repertoires erhielt. 1732 erschien ein weiteres größte Theater- Covent Garden. In den Londoner Theatern herrschte wenig Ordnung. Das Publikum, das in den Zuschauerraum stürmte, eilte geradeaus an den Sitzbänken des Parketts entlang, um Sitzplätze näher an der Bühne zu ergattern. Von Zeit zu Zeit gab es eigenartige "Theaterunruhen" - das Publikum, unzufrieden mit der Aufführung, der Preiserhöhung, jedem Darsteller, übertönte die Stimmen der Schauspieler, bewarf sie mit Früchten und platzte manchmal auf die Bühne.

In diesem aufrührerischen London des 18. Jahrhunderts versuchten die Schauspieler, sich anständig zu verhalten und mit gemessenen Stimmen zu sprechen. Der englische Klassizismus war jedoch nicht vollständig, integral - er wurde ständig durch die realistische Tradition von Shakespeare "korrigiert".

Schauspieler Thomas Betterton (1635 - 1710) spielte die Rolle des Hamlet, wie Burbage sie einst spielte, nachdem er Anweisungen von Shakespeare selbst erhalten hatte. Schauspieler James Quinn (1693 - 1766), der den Briten zu klassizistisch erschien, spielte die Rolle des Falstaff durchaus realistisch. 1741 spielte Charles Maclean (1697-1797) realistisch Shylock in Shakespeares Der Kaufmann von Venedig. Im selben Jahr spielte David Garrick (1717 - 1779), der zum bedeutendsten realistischen Schauspieler des 18. Jahrhunderts wurde, die Rolle des Richard III. Garrick spielte komische und tragische Rollen gleichermaßen gut. Als Mimik kannte Garrick seinesgleichen. Sein Gesicht konnte konsequent alle Schattierungen und Übergänge von Gefühlen darstellen. Er wusste, wie man lustig, erbärmlich, majestätisch und beängstigend war. Garrick war ein sehr intelligenter Schauspieler mit einer reich entwickelten und präzisen Technik und gleichzeitig ein Gefühlsschauspieler. Einmal, als er König Lear in Shakespeares Tragödie spielte, wurde Garrick so hingerissen, dass er seine Perücke abriss und sie beiseite warf.

Garrick leitete viele Jahre das Drury Lane Theatre, wo er eine bemerkenswerte Truppe zusammenstellte und 25 Shakespeare-Stücke inszenierte. Niemand vor ihm hat so gewissenhaft und hartnäckig an der Inszenierung von Shakespeares Stücken gearbeitet. Nach Garrick lernten sie Shakespeare viel mehr schätzen als zuvor. Der Ruhm dieses Schauspielers donnerte in ganz Europa.

Kreativität Garrick fasste die Entwicklung des Theaters des 18. Jahrhunderts zusammen - vom Klassizismus zum Realismus.

18. Jahrhundert

Zeitalter der Erleuchtung

Im 18. Jahrhundert begann eine Übergangszeit, die in der französischen bürgerlichen Revolution gipfelte. Die Befreiungsbewegung entwickelte sich, es wurde notwendig, den Feudalismus zu zerstören und durch den Kapitalismus zu ersetzen.

Englische Literatur

Die turbulente Ära erweckte die Blüte der demokratischen Kultur, einschließlich der Theaterkreativität, zum Leben.

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20. Jahrhundert

1945 - heute

Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde im Zusammenhang mit der Bildung des sozialistischen Weltsystems und dem Anwachsen des nationalen Befreiungskrieges der Völker der Zusammenbruch des britischen Empire unvermeidlich und natürlich. Theater stehen für turbulente Wendepunkte und gesellschaftliche Umbrüche.

In den ersten Jahren nach dem Zweiten Weltkrieg war John Boynton Priestley der beliebteste Schriftsteller Englands. Er schrieb über vierzig Theaterstücke. Die bedeutendsten von ihnen sind Dangerous Corner (1932) und Time and the Conways (1937).

In Priestleys Stücken ist der Einfluss von Tschechows Dramaturgie spürbar. Priestley ist bestrebt, das Drama des Alltags zu vermitteln, das Leben mit all seinen Halbtönen zu zeigen, die Charaktere nicht nur der Hauptfiguren, sondern auch der Nebenfiguren zu enthüllen.

Die Stücke von John Osborne (1929) spielten eine wichtige Rolle in der englischen Kultur. Die Stücke von John Osborne stimulierten einen Aufschwung in der Entwicklung des englischen Dramas in den 60er Jahren.

1956 wurde John Osbornes Stück Look Back in Anger im Royal Court Theatre aufgeführt, das ein durchschlagender Erfolg war. Der Dramatiker hat die Stimmung der damaligen englischen Jugend sehr treffend wiedergegeben. Jimmy Porter betrat die Szene - der junge "wütende" Held, wie ihn die Kritiker nannten. Dieser junge Mann von ganz unten, der sich in ein feindseliges soziales Umfeld vorgekämpft hatte, hatte wenig Ahnung davon, was eine würdige Existenz ist. Er griff ohne Mühe zu den Waffen gegen die bestehenden moralischen Werte, die traditionelle Lebensweise. öffentliches Leben, teilweise dagegen soziale Gesetze. Dieselben Merkmale unterscheiden einige der Charaktere, sowohl moderne als auch historische, in den Stücken von John Arden, Sheila Delaney und anderen.

Die Fähigkeiten fortschrittlicher Schauspieler und Regisseure in einigen Ländern werden an klassischem dramatischem Material perfektioniert, an den besten Beispielen realistischer Literatur. Sie verwenden die Klassiker, um akute zeitgenössische Probleme aufzuwerfen. Englischer Schauspieler Laurence Olivier, in Gestalt von Othello, übermittelte einen wütenden Protest gegen die aufkommende bürgerliche Zivilisation. Hamlet diente Paul Scofield dazu, die traurigen, schwierigen Gedanken der jungen Nachkriegsgeneration europäischer Intellektueller auszudrücken, die sich für die Verbrechen verantwortlich fühlten, die in der Welt begangen wurden.

Die Inszenierungen von Shakespeares Stücken durch den englischen Regisseur Peter Brook erfreuen sich beim Publikum eines wohlverdienten Publikumserfolgs.

Die Theaterkunst der neueren Zeit ist geprägt von vielen kleinen professionellen, semiprofessionellen und nicht-professionellen Truppen, die von einer wandern Lokalität in einem anderen; Revitalisierung von Studententheatern; der wachsende Protest von Schauspielern und Regisseuren gegen den Kunsthandel. Jugendliche nutzen die Bühne oft für scharfe politische Diskussionen. Das Theater geht auf die Straße, wo semi-improvisierte Aufführungen gespielt werden.

Nahezu jedes Phänomen der theatralischen Kreativität in England ist von grausamen inneren Widersprüchen durchdrungen, die mit einem Aufeinanderprallen gegensätzlicher ideologischer und ästhetischer Tendenzen behaftet sind.

John Osborne ist ein Befürworter des Theaters, das die soziale Ordnung in der kapitalistischen Welt kritisiert, das die überzeugendste Waffe der Zeit ist.

Die Stücke von John Osborne bestimmten die Entwicklung des englischen Dramas in den 1960er Jahren.

Die Originalität der Dramaturgie von Sean O'Casey, einem herausragenden anglo-irischen Dramatiker, wird durch die Verbindung zu den Iren bestimmt folkloristische Überlieferung. Seine Stücke zeichnen sich durch eine bizarre Kombination aus Tragik und aus

Laurence Olivier als Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komisch, real und fantastisch, alltäglich und erbärmlich. O'Caseys Dramen bedienen sich der Konventionen des expressionistischen Theaters.

Bewegung Volkstheater hauptsächlich erzieherische Ziele verfolgend, erfasste ganz Europa. In England entstand das Workshop Theatre unter der Leitung von Joan Littlewood und erlangte großen Ruhm.

Das erste Theater in London, das Theatre hieß, wurde 1577 von dem Schauspieler James Burbage in Shoreditch eröffnet. Ein paar Monate später wurde in der Nähe ein zweites Theater namens „The Curtain“ eröffnet. Bald organisierten Burbage und sein Sohn Thomas, der berühmter wurde als sein Vater, das Black Brothers Theatre – zu Ehren des klösterlichen Dominikanerordens, da die Bühne im Refektorium des alten Klosters aufgebaut war. Alle Theater wurden jedoch ständig von den Londoner Behörden angegriffen, die diese Einrichtungen als Teufel der Hölle und Quelle des Unglücks, als Ort des Müßiggangs und der Ausschweifung, als Versammlung bösartiger Menschen verfluchten, die vom Anblick von Jungen in Frauenkleidern begeistert waren - mit anderen Worten, ein Ort für diejenigen, die lieber mit Trompetenschall zu einem Theaterstück eilen, als einer Predigt zum Klang einer Glocke zu lauschen.

In Southwark hatten die Schauspieler mehr Willenskraft als in der Stadt, wo das Leben der Theater durch die von den Behörden aufgestellten Regeln stark eingeschränkt war. Außerdem war Tula per Boot oder Brücke gut zu erreichen. Zum Zeitpunkt der Schließung der Klöster ging ein Teil von Southwark, der zuvor dem Kloster Bermondsey und dem Kloster der Heiligen Jungfrau Maria gehört hatte, in den Besitz des Königs über. 1550 wurde es für etwa tausend Pfund an die Stadt verkauft. Nur zwei Grundstücke blieben unverkauft, die außerhalb der Zuständigkeit der Stadt blieben. Auf dem einen stand ein Gefängnis, das andere hieß ("Pariser Garten"); An diesen beiden Orten entstanden Theater zur Zeit von Queen Elizabeth, frei von den Verboten und der Zensur Londons. Im Rose Theatre, das 1587 erbaut wurde, wurden Marlowes Stücke zum ersten Mal aufgeführt, und Edward Alleyns Talent blühte hier auf der Bühne auf. Dann kamen die Theater "Swan" (1596), "Globe" (1599; ein Zehntel davon gehörte Shakespeare) und 1613 - "Hope".

Die Londoner wurden von lauten Trompeten und wehenden Fahnen in diese und andere Theater gelockt. Das Geld wurde direkt im Theater von den Besuchern gesammelt und in eine spezielle Box gelegt, die dann in einem kleinen Raum - der Kasse (im "Kassenschrank") - verschlossen wurde. Die Zuschauer saßen in Sesseln, die in Reihen um die Bühne angeordnet waren, oder auf Bänken direkt auf der Bühne, und die Aufführung begann mit ihren lauten Ausrufen. Schauspieler spielten ihre Rollen, und das Publikum unterbrach sie mit empörten oder anerkennenden Schreien, Beleidigungen oder Lob. Dies dauerte bis zum Ende des Akts, danach füllte sich die Bühne mit Tänzern, Jongleuren und Akrobaten; Hausierer mit Tabletts und Körben drängten sich durch die Gänge zwischen den Sitzen der Zuschauer und verkauften Pasteten, Früchte, Kräuterheilmittel, Broschüren; Männer waren nett zu Frauen. Theaterarbeiter rauchten oft, die Luft war von Tabakrauch erfüllt, Holzstühle fingen oft Feuer und das Publikum eilte zu den Türen. brannte im selben Jahr nieder, in dem Nadezhda eröffnet wurde; Nur eine Person wurde dabei verletzt - seine Hose fing Feuer, aber er löschte sie schnell, indem er Bier aus einer Flasche goss.

In der Nähe der Theater gab es Gärten mit Bären, Arenen zum Ködern eines angebundenen Stiers mit Hunden, Gründe für Hahnenkämpfe, die ein vielfältiges Publikum anzogen - Reiche und Arme, Adlige und einfache Leute. Nachdem die Zuschauer die Aufführung von Othello oder Edward II. genossen hatten, sahen sie am nächsten Tag zu, wie der Bär von Hunden im Pariser Garten geködert wurde, die Kampfhähne, die, nachdem sie ihre Sporen losgelassen hatten, den Sand der Arena mit Blut und Federn bedeckten, die Hunde, die weit weg von Schlägen tollwütiger Stiere flogen (Hunde wurden in Korbfallen gefangen, damit sie nicht verkrüppelt wurden, wenn sie fielen und weiterkämpfen konnten), auf Menschen, die mit Schwertern hackten und sich unter lauter Zustimmung Ohren und Finger abhackten der Menge.

Theater im West End

Das Gesicht der Straßen des West End hat sich dramatisch verändert. Viele Gebäude des XVIII Jahrhunderts. wurden sowohl außen als auch innen nach dem Zeitgeschmack rekonstruiert. So zeigte Mrs. Arthur James in der Grafton Street (heute Salon von Helena Rubinstein) ihren Reichtum mit einer beeindruckenden Renovierung eines Hauses, das in den 1750er Jahren entworfen wurde. Herr Robert Taylor.

Viele Gebäude in Georgian, Regency und Viktorianische Stile, brachte neue Theater hervor, wie das Duke of York Theatre, das New Theatre, The Rock, das Palladium, das Gaiety, Her Highness' Theatre, den London Pavilion, den Palace, das Apollo, das Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwich , Globus, Königinnen und Kolosseum. Sie alle wurden während der letzten zehn Jahre der Herrschaft von Königin Victoria und neun Jahren der Herrschaft von Edward selbst gebaut.

Hunderte von alten Gebäuden wurden abgerissen, um Platz für Geschäfte, große Einkaufspassagen mit prächtigen Glasfenstern und mit Messing eingelegten Mahagonitüren zu machen. 1901 begannen die Terrakottawände des Harrods General Store in der Brompton Road zu steigen. Es folgte schnell der Bau neuer Straßenläden in übertrieben barockem Stil, wie Wearing and Gillows (1906), kolossal an Größe, insbesondere das stattliche Gebäude, das der Kaufmann Harry Selfridge aus Wisconsin 1909 zu bauen begann.

Als Selfridges Laden fertiggestellt war, hatte sich die Regent Street komplett verändert; Der Aldwych Loop durchquerte das Straßenlabyrinth nördlich des Strands gegenüber dem Somerset House, wurde von monumentalen Gebäuden gesäumt, und die Kingsway Street erstreckte sich nach Norden bis nach Holborn.

Wenn Sie jemals die Gelegenheit haben, die englische Stadt Stratford zu besuchen, sollten Sie unbedingt das Shakespeare Royal Theatre besuchen.

Shakespeares Globe Theatre ist eines der ältesten Theater in England. The Globe liegt am Südufer der Themse. Vor allem die ersten Aufführungen von Shakespeares Werken auf der Bühne brachten dem Theater Ruhm. Das Gebäude wurde aus verschiedenen Gründen dreimal umgebaut, das heißt reiche Vergangenheit Shakespeare-Theater.

Die Entstehung des Shakespeare-Theaters

Die Geschichte des Globe Theatre reicht bis ins Jahr 1599 zurück, als in London, wo die Theaterkunst schon immer mit Liebe behandelt wurde, die Gebäude der öffentlichen Theater nacheinander gebaut wurden. Für den Bau der neuen Arena wurden Baumaterialien verwendet - Holzkonstruktionen, die von einem anderen Gebäude übrig geblieben waren - die allerersten öffentliches Theater mit dem logischen Namen "Theater".

Die Eigentümer des ehemaligen Theatergebäudes, die Familie Burbage, errichteten es 1576 in Shoreditch, wo sie Land mieteten.

Als die Grundstückspreise stiegen, brachen sie das alte Gebäude ab und transportierten Materialien an die Themse, wo sie eine neue Einrichtung errichteten – Shakespeares Globe Theatre. Alle Theater wurden außerhalb des Einflusses der Stadtverwaltung von London gebaut, was durch die puritanischen Ansichten der Behörden erklärt wurde.

Während der Shakespeare-Ära gab es einen Übergang von der Amateur-Theaterkunst zur professionellen. Es entstanden Schauspieltruppen, die zunächst ein Wanderdasein führten. Sie reisten durch die Städte und zeigten Auftritte auf Jahrmärkten. Vertreter der Aristokratie begannen, Schauspieler unter ihre Schirmherrschaft zu nehmen: Sie nahmen sie in die Reihen ihrer Diener auf.

Dies verschaffte den Schauspielern eine Position in der Gesellschaft, wenn auch nur eine sehr niedrige. Truppen wurden oft nach diesem Prinzip bezeichnet, zum Beispiel „Diener des Lordkämmerers“. Später, als James I. an die Macht kam, begannen nur Mitglieder der königlichen Familie, die Schauspieler zu bevormunden, und die Truppen wurden in "Diener seiner Majestät des Königs" oder andere Mitglieder der königlichen Familie umbenannt.

Die Truppe des Globe Theatre war eine Partnerschaft von Schauspielern auf Aktien, d.h. Anteilseigner erhielten Einkünfte aus Honoraren von Aufführungen. Die Burbage-Brüder sind wie William Shakespeare die führenden Dramatiker der Truppe, und drei weitere Schauspieler waren Anteilseigner des Globe. Nebendarsteller und Teenager waren im Theater mit einem Gehalt und erhielten keine Einnahmen aus Aufführungen.

Shakespeares Theater in London hatte die Form eines Oktaeders. Auditorium Typisch war der „Globe“: eine ovale Plattform ohne Dach, umschlossen von einer großen Mauer. Die Arena erhielt ihren Namen aufgrund der Statue von Atlanta am Eingang, die den Globus stützte. Diese Kugel oder Kugel war von einem Band mit der berühmten Inschrift „ Die ganze Welt ist Theater(wörtliche Übersetzung - "Die ganze Welt handelt").

Shakespeares Theater bot 2 bis 3 Tausend Zuschauern Platz. An der Innenseite der hohen Mauer befanden sich Logen für Vertreter der Aristokratie. Darüber befand sich eine Galerie für wohlhabende Leute. Der Rest befand sich rund um die Bühne, die in den Zuschauerraum überging.

Das Publikum sollte während der Aufführung stehen. Einige besonders privilegierte Personen saßen direkt auf der Bühne. Tickets für reiche Leute, die bereit sind, für Sitzplätze auf der Galerie oder auf der Bühne zu zahlen, kosten viel mehr als Sitzplätze im Parkett - rund um die Bühne.

Die Bühne war eine niedrige, um etwa einen Meter erhöhte Plattform. Auf der Bühne gab es eine Luke, die unter die Bühne führte, aus der im Verlauf der Handlung Geister auftauchten. Auf der Bühne selbst gab es sehr selten Möbel und überhaupt keine Kulissen. Es gab keinen Vorhang auf der Bühne.

Über der Hinterbühne befand sich ein Balkon, auf dem die Figuren erschienen, die sich laut dem Stück im Schloss aufhalten. Auf der Oberbühne gab es eine Art Tribüne, auf der auch Bühnenaktionen stattfanden.

Noch höher war eine hüttenartige Struktur, in der Szenen außerhalb des Fensters gespielt wurden. Interessanterweise wurde zu Beginn einer Aufführung im Globe eine Fahne auf dem Dach dieser Hütte aufgehängt, die weithin sichtbar war und ein Signal dafür war, dass im Theater eine Aufführung stattfand.

Die Armut und eine gewisse Strenge der Arena bestimmten, dass das Wichtigste, was auf der Bühne passierte, das Spiel der Schauspieler und die Kraft der Dramaturgie war. Es gab keine Requisiten für ein vollständigeres Verständnis der Handlung, vieles wurde der Fantasie des Publikums überlassen.

Es ist bemerkenswert, dass das Publikum in den Ständen während der Aufführung oft Nüsse oder Orangen aß, was durch die Funde von Archäologen bei Ausgrabungen bestätigt wurde. Das Publikum konnte einige Momente der Aufführung lautstark diskutieren und seine Emotionen nicht vor der Aktion verbergen, die es sah.

Auch das Publikum zelebrierte seine physiologischen Bedürfnisse direkt im Saal, so dass das Fehlen eines Daches eine Erlösung für den Geruchssinn von Liebhabern der Theaterkunst war. Damit repräsentieren wir in etwa den hohen Anteil an Theaterautoren und Schauspielern, die aufführen.

Feuer

1613, im Juli, während der Premiere von Shakespeares Heinrich VIII. über das Leben des Monarchen, brannte das Globe-Gebäude nieder, aber das Publikum und die Truppe wurden nicht verletzt. Dem Szenario zufolge sollte eine der Kanonen feuern, aber etwas ging schief und ein Feuer brach aus. Holzkonstruktionen und ein Strohdach über der Bühne.

Das Ende des ursprünglichen Baus des Globe markierte einen Wandel in Literatur- und Theaterkreisen: Etwa zur gleichen Zeit hörte Shakespeare auf, Theaterstücke zu schreiben.

Restaurierung des Theaters nach dem Brand

1614 wurde das Arenagebäude restauriert und beim Bau wurde Stein verwendet. Das Dach über der Bühne wurde durch ein Ziegeldach ersetzt. Die Theatertruppe spielte bis zur Schließung des Globe im Jahr 1642 weiter. Dann erließen die puritanische Regierung und Cromwell ein Dekret, dass alle Unterhaltungsdarbietungen, einschließlich Theateraufführungen, verboten waren. The Globe, wie alle Theater, geschlossen.

1644 wurde das Theatergebäude abgerissen und an seiner Stelle Mietshäuser errichtet. Die Geschichte des Globus wurde für fast 300 Jahre unterbrochen.

Der genaue Standort des ersten Globe in London war bis 1989 unbekannt, als der Sockel seines Fundaments in der Park Street unter einem Parkplatz gefunden wurde. Seine Konturen sind jetzt auf der Oberfläche des Parkplatzes markiert. Möglicherweise befinden sich dort auch andere Überreste des Globus, aber jetzt wird diese Zone in die Liste der historischen Werte aufgenommen und daher können dort keine Ausgrabungen durchgeführt werden.

Bühne des Globe Theatre

Die Entstehung von Shakespeares modernem Theater

Die moderne Rekonstruktion des Globe Theatre-Gebäudes wurde überraschenderweise nicht von den Briten vorgeschlagen, sondern vom amerikanischen Regisseur, Schauspieler und Produzenten Sam Wanamaker. 1970 organisierte er den Globe Trust Fund, der das Theater restaurieren sollte, eröffnet Bildungszentrum und Dauerausstellung.

Wanamaker selbst starb 1993, aber die Eröffnung fand noch 1997 statt moderner Name Shakespeares Globe Theatre. Dieses Gebäude befindet sich 200-300 Meter vom ehemaligen Standort des Globus entfernt. Das Gebäude wurde nach den Traditionen der damaligen Zeit rekonstruiert, außerdem war es das erste Gebäude, das nach dem großen Brand von London 1666 mit einem Strohdach gebaut werden durfte.

Die Aufführungen finden nur im Frühjahr und Sommer statt, weil. Das Gebäude wurde ohne Dach gebaut. 1995 die erste künstlerischer Leiter wurde Mark Rylance, der 2006 von Dominic Dromgoole ersetzt wurde.

Ausflüge in das moderne Theater finden täglich statt. Vor kurzem wurde neben dem Globe ein Themenpark-Museum eröffnet, das ganz Shakespeare gewidmet ist. Neben der größten Ausstellung, die dem weltberühmten Dramatiker gewidmet ist, können Sie an Unterhaltungsveranstaltungen teilnehmen: Sehen Sie sich einen Schwertkampf an, schreiben Sie ein Sonett oder nehmen Sie an der Produktion eines von Shakespeares Stücken teil.

Die dramatische Kunst in Großbritannien ist vor langer Zeit erschienen. Es stammt von Straßenaufführungen, die an kirchlichen Feiertagen stattfanden und einer Art Moralisierung dienten. In der Renaissance erhalten alle Bereiche der Kunst einen profaneren Charakter und entfernen sich von religiösen Themen. Zu dieser Zeit entstand das damals revolutionäre Theater, in dem W. Shakespeare, der heute der ganzen Welt bekannt ist, Stücke aufführte.

Die moderne Entwicklung des Theaters strebt in allen seinen Sphären nach größtmöglichem Realismus und überdenkt sogar klassische Plots. Jetzt überraschen die Theater Englands nicht nur mit interessanten Aufführungen, sondern auch mit origineller Architektur sowie ungewöhnlichen Entscheidungen des Regisseurs.

Wenn Sie eine Reise nach London planen, sollten Sie unbedingt das Piccadilly Theatre besuchen. Es besteht seit mehr als acht Jahrzehnten und erfreut Kenner der Theaterkunst nicht nur mit modernen, sondern auch mit traditionellen klassischen Inszenierungen.

Eines der ältesten Theater Londons ist das Aldwych Theatre, das seit über einem Jahrhundert die ganze Stadt um sich versammelt. So bedeutende Schauspieler wie Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone und andere traten einst auf seiner Bühne auf.

Fans von hell Musikalische Darbietungen Sehenswert ist das New London Theatre. Es waren die Musicals, die das eher junge Theater in den 70-80er Jahren des letzten Jahrhunderts zu echtem Ruhm bei jungen Leuten brachten. Bis jetzt erfreut er das Publikum mit Produktionen auf Weltniveau, mit hell Bühnenaktionen und gute Musik.

Ein weiteres Theater in London, das für Aufführungen im Stil von Musicals und Komödien bekannt ist, ist das Shaftesbury Theatre. Vor nicht allzu langer Zeit feierte er sein hundertjähriges Bestehen - die Arbeit des Theaters hörte auch während des Zweiten Weltkriegs nicht auf. Das Gebäude dieses Theaters verdient wegen seines ungewöhnlichen alten Designs besondere Aufmerksamkeit.

Unter moderne Theater In London sticht das Pinkock Theatre hervor. Durch seine innovative Herangehensweise an die klassische Dramaturgie hält es dem Wettbewerb mit alten Theatern stand. Die Szene verwendet oft Elemente der Moderne Straßentanz und sogar akrobatische Nummern, um die Wirkung des Spiels zu verstärken.

Das Gebäude der Grand Opera in Belfast beeindruckt mit seiner Schönheit. Im 19. Jahrhundert erbaut, ist es nicht nur ein architektonisches Wahrzeichen in orientalischer Stil, sondern erfreut auch Theaterfans mit klassischem Repertoire und hervorragender Akustik.

Hauptzentrum dramatische Kunst in Großbritannien nennen sie das königliche Theater Drury Lane. Es befindet sich in London und spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung des Theaters im Land. Während seiner Existenz gelang es vielen bedeutenden Schauspielern, seine Bühne zu besuchen.

Ein weiteres architektonisches Denkmal Großbritanniens ist das Her Majesty's Theatre. Das Theater wurde Anfang des 18. Jahrhunderts gegründet und zog Ende des 19. Jahrhunderts in einen großen Neubau um, wo es sich noch heute befindet. Es ist ein riesiges historisches und Kultureller Wert, und das klassische Repertoire wird alle Liebhaber dieser Kunstform ansprechen. Dieses Theater befindet sich in London, im Westen von Westminster.