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Symphonie und Oper im Zeitalter der Romantik. Programm Sinfonien von Berlioz

Wagners Beitrag zu Weltkultur wird vor allem durch seine Opernreform bestimmt, ohne die man sich sein zukünftiges Schicksal nicht vorstellen kann Operngenre. Bei der Umsetzung wollte Wagner:

zur Verkörperung globaler, universeller Inhalte basierend auf den Legenden und Mythen des deutsch-skandinavischen Epos;

zur Einheit von Musik und Schauspiel;

zu kontinuierlicher musikalischer und dramatischer Aktion.

Dies führte ihn:

auf die vorherrschende Verwendung des Rezitativstils;

zur Symphonisierung der Oper anhand von Leitmotiven;

bis zur Ablehnung traditioneller Opernformen (Arien, Ensembles).

Wagner hat sich in seinem Werk nie modernen Themen, dem Bild, zugewandt Alltagsleben(Ausnahme - „Nürnberger Meistersinger“). Er hielt die Oper für die einzig würdige literarische Quelle Mythologie . Der Komponist betonte stets die universelle Bedeutung des Mythos, der „bleibt jederzeit wahr.“ Charakteristisch ist Wagners Abkehr von der mehr oder weniger passiven Gefolgschaft. allein mythologische Quelle: In der Regel synthetisiert er in einer Oper mehrere Legenden Erstellen Sie Ihre eigene epische Erzählung. Aktualisierung des Mythos - ein Prinzip, das sich durch alle Werke Wagners zieht.

Wagner dachte den Mythos im Geiste der Moderne neu und versuchte auf seiner Grundlage ein Bild der modernen kapitalistischen Welt zu zeichnen. Beispielsweise spricht er im „Lohengrin“ von der Feindseligkeit moderne Gesellschaft in Richtung wahrer Künstler, prangert im „Ring des Nibelungen“ in allegorischer Form den Durst nach Weltmacht an.

Die zentrale Idee der Wagner-Reform ist Gesamtkunstwerk . Er war davon überzeugt, dass Musik, Poesie und Theater nur im gemeinsamen Handeln ein allumfassendes Bild des Lebens schaffen könnten. Wie Gluck wies Wagner der Poesie die führende Rolle in der Opernsynthese zu und schenkte ihr daher große Aufmerksamkeit Libretto. Er begann erst mit dem Komponieren von Musik, als der Text endgültig ausgefeilt war.

Der Wunsch nach einer vollständigen Synthese von Musik und Drama, nach einer genauen und wahrheitsgetreuen Übertragung des poetischen Wortes veranlasste den Komponisten, sich darauf zu verlassen deklamatorischen Stil .

In Wagners Musikdrama fließt die Musik in einem kontinuierlichen, kontinuierlichen Strom, der nicht durch trockene Rezitative oder Gesprächseinlagen unterbrochen wird. Dieser musikalische Fluss wird ständig aktualisiert, verändert und kehrt nicht auf die bereits durchlaufene Bühne zurück. Deshalb hat der Komponist traditionelle Opernarien und -ensembles mit ihrer Isolation, Isolation voneinander und Reprisensymmetrie aufgegeben. Im Gegensatz zur Opernnummer wird das Prinzip dargelegt freie Bühne , das auf ständig aktualisiertem Material aufbaut und melodische und rezitativische Episoden, Solo und Ensemble, umfasst. Also die freie Bühne vereint Merkmale verschiedener Opernformen. Es kann rein solo, im Ensemble, in der Messe oder gemischt (z. B. Solo unter Einbeziehung eines Chors) sein.

Wagner ersetzt traditionelle Arien durch Monologe und Geschichten; Duette – Dialoge, in denen nicht gemeinsamer, sondern abwechselnder Gesang vorherrscht. In diesen freien Szenen geht es vor allem um die innere, psychologische Handlung (Kampf der Leidenschaften, Stimmungsschwankungen). Die äußere, ereignisreiche Seite wird auf ein Minimum reduziert. Von hier - Überwiegen der Erzählungüber dem szenisch Wirkungsvollen, als sich die Opern Wagners stark von den Opern Verdis, Bizets unterscheiden.

Die verbindende Rolle in Wagners freien Formen wird gespielt von Orchester , dessen Wert stark ansteigt. Der Orchesterteil ist der wichtigste Musikalische Bilder(Leitmotive). Wagner erweitert die Prinzipien der symphonischen Entwicklung auf den Teil des Orchesters: Die Hauptthemen werden entwickelt, einander gegenübergestellt, transformiert, erhalten ein neues Aussehen, werden polyphon kombiniert usw. Wie ein Chor in einer antiken Tragödie kommentiert das Wagner-Orchester das Geschehen, erklärt die Bedeutung der Ereignisse anhand übergreifender Themen – Keynotes.

Jede reife Wagner-Oper enthält 10–20 Leitmotive, die mit einem bestimmten Programminhalt ausgestattet sind. Wagners Leitmotiv ist nicht nur ein leuchtendes musikalisches Thema, sondern das wichtigste Werkzeug, das dem Hörer hilft, das Wesen von Phänomenen zu verstehen. Es ist das Leitmotiv, das die nötigen Assoziationen hervorruft, wenn die Figuren schweigen oder über etwas ganz anderes sprechen.

Tetralogie „Ring des Nibelungen“

Wagner betrachtete die Entstehung der Tetralogie „Ring des Nibelungen“ zu Recht als das Hauptwerk seines Lebens. Tatsächlich fanden hier sowohl die Weltanschauung des Komponisten als auch die Prinzipien seiner Reform ihre volle Verkörperung.

Dies ist nicht nur die gigantischste Schöpfung Wagners, sondern auch das grandioseste Werk in der gesamten Geschichte des Musiktheaters.

Wie in seinen anderen Werken synthetisierte der Komponist auch in der Tetralogie mehrere mythologische Quellen. Der älteste ist der skandinavische Heldengeschichtenzyklus „Elder Edda“ (IX.-XI. Jahrhundert), der von den Göttern der alten Deutschen, von der Entstehung und dem Tod der Welt, von den Heldentaten der Helden (hauptsächlich von Sigurd-Siegfried) erzählt ). Abt. Handlungsmotive und deutsche Namensvarianten entnahm Wagner dem Nibelungenlied (13. Jahrhundert) – der deutschen Fassung der Siegfried-Legende.

Es war der „strahlende“ Siegfried, das beliebteste Bild der Legende, das in vielen deutschen Darstellungen enthalten war. Volksbücher“, erregte zunächst die Aufmerksamkeit Wagners. Der Komponist modernisierte es. Er betonte das heroische Prinzip Siegfrieds und nannte ihn „den sehnsüchtig erwarteten Mann der Zukunft“, „den sozialistischen Erlöser“.

Doch „Der Ring“ blieb kein Siegfried-Drama: Ursprünglich als einzelnes Drama zur Verherrlichung der freien Menschheit konzipiert (Siegfrieds Tod), weitete sich Wagners Plan immer weiter aus. Gleichzeitig überließ Siegfried den ersten Platz dem Gott Wotan. Der Wotan-Typus ist Ausdruck eines Ideals, das Siegfried diametral entgegengesetzt ist. Der Herrscher der Welt, die Verkörperung unbegrenzter Macht, wird von Zweifeln gepackt und handelt widersprüchlich eigener Wunsch(verurteilt seinen Sohn zum Tode, trennt sich von seiner geliebten Tochter Brunhilde). Gleichzeitig skizzierte Wagner beide Charaktere mit offensichtlicher Sympathie, gleichermaßen leidenschaftlich für den strahlenden Helden und den leidenden, gehorsamen Gott.

Es ist unmöglich, es in einer Formel auszudrücken „ Grund Idee» Ringe des Nibelungen. In diesem grandiosen Werk spricht Wagner vom Schicksal der ganzen Welt. Alles ist hier.

1 – Gier nach Macht und Reichtum . In dem Artikel „Erkenne dich selbst“ enthüllte Wagner die Symbolik der Tetralogie. Er schreibt über Alberich als das Bild des „schrecklichen Herrschers der Welt – des Kapitalisten“. Er betont, dass nur derjenige den Ring der Macht schmieden kann, der die Liebe ablehnt. Das kann nur der hässliche und abgelehnte Alberich. Macht und Liebe sind unvereinbare Konzepte.

2 - Verurteilung der Macht des Zolls, aller Arten von Verträgen und Gesetzen. Wagner stellt sich auf die Seite von Sigmund und Sieglinde, ihrer inzestuösen Liebe, gegen die Göttin des „Brauchtums“ und der legalen Ehen Fricka. Das Reich des Rechts – Walhalla – bricht in Flammen zusammen.

3 – Christlicher Erlösungsgedanke durch Liebe. Es ist die Liebe, die mit der überwältigenden Kraft des Egoismus in Konflikt gerät. Sie verkörpert die höchste Schönheit menschlicher Beziehungen. Sigmund opfert sein Leben, um die Liebe zu schützen; Sieglinde erweckt im Sterben den strahlenden Siegfried zum Leben; Siegfried stirbt an den Folgen eines unfreiwilligen Liebesverrats. Im Abschluss der Tetralogie vollbringt Brünnhilde das Werk der Befreiung der ganzen Welt vom Reich des Bösen. So erhält der Heils- und Erlösungsgedanke in der Tetralogie wahrhaft kosmische Dimensionen.

Jedes der Musikdramen, aus denen die Tetralogie besteht, weist seine eigenen Genremerkmale auf.

„Gold vom Rhein“ gehört zum Genre des Märchen-Epos, "Walküre" - lyrisches Drama „Siegfried“ - Heldenepos „Sonnenuntergang der Götter“ - Tragödie.

Durch alle Teile der Tetralogie verläuft die Entwicklung einer Verzweigung Leitmotivsysteme . Leitmotive sind nicht nur dotiert Figuren, ihre Gefühle, aber auch philosophische Konzepte (Fluch, Schicksal, Tod), Elemente der Natur (Wasser, Feuer, Regenbogen, Wald), Gegenstände (Schwert, Helm, Speer).

Die höchste Entwicklung in der Tetralogie erreicht das Wagner-Orchester. Seine Zusammensetzung ist riesig (hauptsächlich vierfach). Besonders grandios ist die Kupfergruppe. Es besteht aus 8 Hörnern, von denen 4 durch Wagnertuben (mit Hornmundstücken) ersetzt werden können. Darüber hinaus - 3 Trompeten und eine Basstrompete, 4 Posaunen (3 Tenor und 1 Bass), Kontrabasstuba), eine große Anzahl Harfen (6). Auch die Besetzung des Schlagzeugs wurde erweitert.

Wagner-Leitmotivsystem

http://www.classic-music.ru/4zm019.html

Das Rheingold ist eine sagenhaft epische Oper mit gemächlich ablaufender Handlung und einigen äußeren Ereignissen. Es basiert auf der Gegenüberstellung von vier farbenfrohen Gemälden, die ohne Pause weitergehen; jedes hat seine eigene Farbe.

Das erste Bild zeigt die heitere Welt der Rheintöchter. Die Orchestereinleitung vermittelt den majestätischen Flussfluss. Die leichten musikalischen Themen der Meerjungfrauen betonen Stimmungen des Friedens und der Freude; Die zentrale Orchesterepisode, die das Strahlen des goldenen Schatzes unter den Sonnenstrahlen vermittelt, besticht durch Klangbrillanz, Farbenpracht. Der Kontrast bringt den Abschluss des ersten Bildes – stürmischer und verstörender.

Das zweite Bild beginnt mit dem feierlichen, majestätischen Wotan-Thema. Als Kontrast dazu steht Frikas kleines lyrisches Arioso „Ah, zittere um deine Treue.“ Schwere, „unbeholfene“ Akkorde stellen Riesen dar. Die musikalische Charakterisierung des Feuergottes Loge ist weit entwickelt: Die Orchestertonaufnahme der lodernden Flamme wird durch eine große Erzählung „Wo das Leben weht und fliegt“ voller verführerischem Charme ersetzt; Spöttische Bemerkungen begleiten die Szene des plötzlichen Verfalls der Götter.

Das dritte Bild ist mit einer düsteren Farbe versehen – im Reich der Nibelungen. Der monotone Rhythmus des Schmiedens erklingt unaufhörlich (Wagner führt 18 Ambosse ins Orchester ein), langsam, wie mit Mühe, erhebt sich ein stöhnendes Thema. Der gleiche Rhythmus begleitet Mimes kurzes, klagendes Lied „Vorher haben wir achtlos ein dünnes Kleid für unsere Frauen in Glitzern geschmiedet.“ Die düstere Stärke und Erhabenheit Alberichs offenbart sich in seiner Szene mit Wotan und Loge.

Zu Beginn des vierten Bildes herrscht die gleiche Stimmung. Die Szene des Umzugs der Nibelungen mit dem goldenen Schatz ist tragisch. Alberichs Monolog „Du wurdest mit einem Fluch geboren – sei verdammt, mein Ring“ – der Höhepunkt der Oper; sein beeindruckendes, hart klingendes Thema wird in den dramatischen Momenten der Tetralogie mehr als einmal auftauchen. Ein anderer Charakter, streng und teilnahmslos, ist die Prophezeiung der Schicksalsgöttin Erda über zukünftige Probleme (Arioso „Ich weiß alles, was vergangen ist“). Landschaftsbilder runden die Oper ab: Vor dem Hintergrund stürmischer Bewegung im Orchester ertönt ein energischer Ruf des Donnergottes; es wird von verschiedenen Instrumenten aufgenommen und ruft sich gegenseitig zu; dann wird das musikalische Bild eines Gewitters durch ein ruhiges, gelassenes Thema ersetzt Streichinstrumente und sechs Harfen.

Wagners Beitrag zur Weltkultur wird vor allem durch seine nicht mehr wegzudenkende Opernreform bestimmt weiteres Schicksal Operngenre. Bei der Umsetzung wollte Wagner:

zur Verkörperung globaler, universeller Inhalte basierend auf den Legenden und Mythen des deutsch-skandinavischen Epos;
zur Einheit von Musik und Schauspiel;
zu kontinuierlicher musikalischer und dramatischer Aktion.

Dies führte ihn:

auf die vorherrschende Verwendung des Rezitativstils;
zur Symphonisierung der Oper anhand von Leitmotiven;
bis zur Ablehnung traditioneller Opernformen (Arien, Ensembles).

Wagner hat sich in seinem Werk nie zeitgenössischen Themen, der Darstellung des Alltagslebens zugewandt (Ausnahme sind die Nürnberger Meistersinger). Er hielt die Oper für die einzig würdige literarische Quelle Mythologie . Der Komponist betonte stets die universelle Bedeutung des Mythos, der „bleibt jederzeit wahr.“ Charakteristisch ist Wagners Abkehr von der mehr oder weniger passiven Gefolgschaft. allein mythologische Quelle: In der Regel synthetisiert er in einer Oper mehrere Legenden Erstellen Sie Ihre eigene epische Erzählung. Aktualisierung des Mythos - ein Prinzip, das sich durch alle Werke Wagners zieht.

Wagner dachte den Mythos im Geiste der Moderne neu und versuchte auf seiner Grundlage ein Bild der modernen kapitalistischen Welt zu zeichnen. So spricht er im „Lohengrin“ von der Feindseligkeit der modernen Gesellschaft gegenüber einem wahren Künstler, im „Ring des Nibelungen“ prangert er in allegorischer Form den Drang nach Weltmacht an.

Die zentrale Idee der Wagner-Reform ist Gesamtkunstwerk . Er war davon überzeugt, dass Musik, Poesie und Theater nur im gemeinsamen Handeln ein allumfassendes Bild des Lebens schaffen könnten. Wie Gluck wies Wagner der Poesie die führende Rolle in der Opernsynthese zu und schenkte ihr daher große Aufmerksamkeit Libretto. Er begann erst mit dem Komponieren von Musik, als der Text endgültig ausgefeilt war.

In Wagners Musikdrama fließt die Musik in einem kontinuierlichen, kontinuierlichen Strom, der nicht durch trockene Rezitative oder Gesprächseinlagen unterbrochen wird. Dieser musikalische Fluss wird ständig aktualisiert, verändert und kehrt nicht auf die bereits durchlaufene Bühne zurück. Deshalb hat der Komponist traditionelle Opernarien und -ensembles mit ihrer Isolation, Isolation voneinander und Reprisensymmetrie aufgegeben. Im Gegensatz zur Opernnummer wird das Prinzip dargelegt freie Bühne , das auf ständig aktualisiertem Material aufbaut und melodische und rezitativische Episoden, Solo und Ensemble, umfasst. Also die freie Bühne vereint Merkmale verschiedener Opernformen. Es kann rein solo, im Ensemble, in der Messe oder gemischt (z. B. Solo unter Einbeziehung eines Chors) sein.

Die verbindende Rolle in Wagners freien Formen wird gespielt von Orchester , dessen Wert stark ansteigt. Im Orchesterteil konzentrieren sich die wichtigsten musikalischen Bilder (Leitmotive). Wagner erweitert die Prinzipien der symphonischen Entwicklung auf den Teil des Orchesters: Die Hauptthemen werden entwickelt, einander gegenübergestellt, transformiert, erhalten ein neues Aussehen, werden polyphon kombiniert usw. Wie ein Chor in einer antiken Tragödie kommentiert das Wagner-Orchester das Geschehen, erklärt die Bedeutung der Ereignisse anhand übergreifender Themen – Keynotes.

Tetralogie „Ring des Nibelungen“

Dies ist nicht nur die gigantischste Schöpfung Wagners, sondern auch das grandioseste Werk in der gesamten Geschichte des Musiktheaters.

Es war der „strahlende“ Siegfried, das beliebteste Bild der in vielen deutschen „Volksbüchern“ enthaltenen Legende, das zunächst die Aufmerksamkeit Wagners auf sich zog. Der Komponist modernisierte es. Er betonte das heroische Prinzip Siegfrieds und nannte ihn „den sehnsüchtig erwarteten Mann der Zukunft“, „den sozialistischen Erlöser“.

Doch „Der Ring“ blieb kein Siegfried-Drama: Ursprünglich als einzelnes Drama zur Verherrlichung der freien Menschheit konzipiert (Siegfrieds Tod), weitete sich Wagners Plan immer weiter aus. Gleichzeitig überließ Siegfried den ersten Platz dem Gott Wotan. Der Wotan-Typus ist Ausdruck eines Ideals, das Siegfried diametral entgegengesetzt ist. Der Herrscher der Welt, die Verkörperung unbegrenzter Macht, wird von Zweifeln gepackt, handelt gegen seinen eigenen Willen (verursacht seinen Sohn zum Tode, trennt sich von seiner geliebten Tochter Brünnhilde). Gleichzeitig skizzierte Wagner beide Charaktere mit offensichtlicher Sympathie, gleichermaßen leidenschaftlich für den strahlenden Helden und den leidenden, gehorsamen Gott.

Es ist unmöglich, die „allgemeine Idee“ des Rings des Nibelungen in einer Formel auszudrücken. In diesem grandiosen Werk spricht Wagner vom Schicksal der ganzen Welt. Alles ist hier.

1 - Gier nach Macht und Reichtum . In dem Artikel „Erkenne dich selbst“ enthüllte Wagner die Symbolik der Tetralogie. Er schreibt über Alberich als das Bild des „schrecklichen Herrschers der Welt – des Kapitalisten“. Er betont, dass nur derjenige den Ring der Macht schmieden kann, der die Liebe ablehnt. Das kann nur der hässliche und abgelehnte Alberich. Macht und Liebe sind unvereinbare Konzepte.

2 - Verurteilung der Macht des Zolls, aller Arten von Verträgen und Gesetzen. Wagner stellt sich auf die Seite von Sigmund und Sieglinde, ihrer inzestuösen Liebe, gegen die Göttin des „Brauchtums“ und der legalen Ehen Fricka. Das Reich des Rechts – Walhalla – bricht in Flammen zusammen.

3 - Christlicher Erlösungsgedanke durch Liebe. Es ist die Liebe, die mit der überwältigenden Kraft des Egoismus in Konflikt gerät. Sie verkörpert die höchste Schönheit menschlicher Beziehungen. Sigmund opfert sein Leben, um die Liebe zu schützen; Sieglinde erweckt im Sterben den strahlenden Siegfried zum Leben; Siegfried stirbt an den Folgen eines unfreiwilligen Liebesverrats. Im Abschluss der Tetralogie vollbringt Brünnhilde das Werk der Befreiung der ganzen Welt vom Reich des Bösen. So erhält der Heils- und Erlösungsgedanke in der Tetralogie wahrhaft kosmische Dimensionen.

Jedes der Musikdramen, aus denen die Tetralogie besteht, weist seine eigenen Genremerkmale auf.

„Gold vom Rhein“ gehört zum Genre des Märchen-Epos, "Walküre" - lyrisches Drama „Siegfried“ - heroisch-episch, „Sonnenuntergang der Götter“ - Tragödie.

Durch alle Teile der Tetralogie verläuft die Entwicklung einer Verzweigung Leitmotivsysteme . Leitmotive sind nicht nur mit den Charakteren und ihren Gefühlen ausgestattet, sondern auch mit philosophischen Konzepten (Fluch, Schicksal, Tod), den Elementen der Natur (Wasser, Feuer, Regenbogen, Wald), Gegenständen (Schwert, Helm, Speer).

Wie Sie wissen, war die inhaltliche Grundlage der Kunst der Romantik die Lyrik, also der Ausdruck der inneren Welt eines Menschen in der ganzen Fülle seiner Gefühle. Daher wurden Vokal- und Instrumentalmusik zu den führenden Genres der romantischen Musik. Miniaturen: d.h. Lieder und Klavierstücke . Miniaturen könnten veränderliche, „flüchtige“ spirituelle Bewegungen sofort und genau im Moment ihres Auftretens einfangen.

Wie stand es im Zeitalter der Romantik mit so großen Genres wie der Sinfonie und der Oper? Beide Genres entwickeln sich im Werk romantischer Komponisten weiterhin erfolgreich. Allerdings unterliegen sie sowohl inhaltlich als auch formal großen Veränderungen. Die allgemeine Richtung der Änderungen ist wie folgt:

1) Änderungen im Inhalt: Sowohl die Sinfonie als auch die Oper erhalten im Zeitalter der Romantik einen lyrischen Charakter. Trotz ihrer beträchtlichen Größe können sie wie Miniaturen dienen lyrisch Autor, „Bekenntnis der Seele“ (wie Tschaikowsky seine Sinfonien nannte). Das Motiv für ihre Entstehung ist oft autobiographisch – es handelt sich nicht mehr um einen Befehl eines reichen Adligen oder eines Hoftheaters (wie im 18. Jahrhundert), sondern um den Wunsch, sich selbst und seine Einstellung zur Welt auszudrücken.

Die Bedeutung des Umfangs und die traditionelle Ernsthaftigkeit (seit der Zeit des Klassizismus) des Inhalts von Symphonien und Opern trugen dazu bei, dass die lyrische Aussage in ihnen in dem Maße wuchs philosophisch Verallgemeinerungen. Leben und Tod, Gut und Böse, Ideal und Real, Persönlichkeit und Gesellschaft, Liebe, Kreativität – all das ewige Themen verkörpert in der romantischen Musik in Symphonien und Opern sowie in der Literatur des 19. Jahrhunderts. sie wurden in Gedichten und Romanen verkörpert.

2) Änderungen in Form von: Der lyrische Charakter der Arbeit der Romantiker führte sie zur Idee der Freiheit des kreativen Ausdrucks und folglich zu Freiheit der Form. Inzwischen haben die Formen der Symphonie und der Oper in der vorangegangenen Epoche (Klassizismus) klassische Gewissheit erlangt (zum Beispiel ist eine Symphonie obligatorisch in vier Teilen, in einer Oper ist es ein obligatorischer Wechsel von Rezitativen und Arien). Romantiker verstießen mutig gegen traditionelle Regeln und schufen individuelle Formenvarianten.

Symphonie im Zeitalter der Romantik auf zwei Arten entwickelt und wird jeweils durch zwei Typen repräsentiert: 1) Nicht-Programm-Symphonien – im Werk von Schubert, Brahms; 2) Programmsymphonien – im Werk von Berlioz, Liszt

Sinfonien ohne Programm unterschied sich äußerlich nicht von klassischen Sinfonien. Sie wurden ebenfalls in 4 Teilen mit unterschiedlichen Tempi geschrieben (Sonate Allegro, langsamer Teil, Scherzo, schnelles Finale). Aber die Veränderungen kamen von innen, sie betrafen den Inhalt und die wesentlichen Merkmale des Stils.

Die erste romantische Symphonie, die eine lyrische Aussage darstellt, wurde 1822 von Schubert geschrieben (dies ist die Symphonie Nr. 8, die als „Unvollendete“ in die Geschichte einging, da der Komponist 1822 nur die ersten beiden Teile vollendete). Neu war, dass Schubert darin verwendete Liedthemen. Melodien, die sich in allen Teilen der Symphonie entwickeln (insbesondere Hauptpartei und Seitenteil von Teil 1) ähneln Liedern, Romanzen, Arien, Rezitativen, die nicht von der Stimme, sondern von Instrumenten gesungen werden. Dies nimmt der Symphonie nicht ihre Ernsthaftigkeit, Tiefe und Dramatik. Im Gegenteil, die Dramatik, die der Symphonie seit Beethovens Zeiten innewohnt, wird von Schubert noch gesteigert und tendiert zur Tragödie. Aber der liedromantische Musikstil ermöglicht es, die Natur dieser Konflikte zu verstehen: Sie finden in statt innere Welt Held und entstehen, wenn seine idealen Ideen mit der umgebenden Realität kollidieren.

Die gleichen Merkmale werden den Sinfonien von Brahms innewohnen. In seiner letzten, 4. Symphonie (1885) gestaltete er zum ersten Mal in der Geschichte dieser Gattung den Schlusssatz geradezu tragisch. Der liedromantische Charakter der meisten Melodien der Symphonie zeugt von der subjektiven Natur des Erlebnisses. Der konzeptionelle Charakter des Symphoniegenres selbst trägt jedoch zum Verständnis bei, dass das tragische Weltverständnis des Autors verallgemeinernder, philosophischer Natur ist.

Software-Symphonien ausgesprochen haben äußere Unterschiede. Sie werden Software genannt, weil sie sind Instrumentalwerke, haben eine mündliche Erklärung (Programm) ihrer Inhalt. Diese verbale Erklärung ist zumindest im Titel des Werkes enthalten (nicht nur Sinfonie Nr. 5 oder 8, sondern auch die Sinfonie „Harold in Italien“ – von Berlioz, „Faust“ und „Dante“ – von Liszt). Am häufigsten bezieht sich dieser Name auf ein bekanntes Publikum Literarische Arbeit, aber der Autor konnte das literarische Programm selbst schreiben und veröffentlichen.

Musikprogrammierung ist unerlässlich ästhetische Idee Romantische Komponisten, eine der Manifestationen ihres Konzepts der Kunstsynthese. In ihrem Wunsch, ihre Gedanken und Gefühle so stark und lebendig wie möglich auszudrücken und die gegenseitigen Emotionen der Zuhörer zu wecken, beschränkten sich die Romantiker nicht auf die Mittel einer Kunstgattung, sondern vermischten kühn die Ausdrucksmöglichkeiten von Musik und Literatur (insbesondere denn viele junge Menschen der Romantik versuchten sich auch im Komponieren und Schreiben literarische Texte). Für Instrumentalmusik Besonders wichtig war die Einführung eines Literaturprogramms. Seit der Ära des Klassizismus ist die Mehrheit des Publikums daran gewöhnt, in Symphonien und Sonaten raffinierte Unterhaltung zu sehen, mehr nicht. Romantische Komponisten, die tief empfundene Gedanken über den Menschen und die Welt in ihre Sinfonien einfließen ließen, bestätigten dies Literaturprogramme oder Verweise auf literarische Meisterwerke, dass Musik, nicht weniger als Literatur, in der Lage ist, philosophische Ideen auszudrücken.

Programminhalte brachte ein bedeutendes Update mit sich Formen. Die Form der Programmsinfonie konzentrierte sich nun nicht nur auf traditionelle Kanons, sondern auch auf die Logik. literarische Handlung. Zunächst könnte sich die Anzahl der Stimmen ändern: In Liszts Sinfonie „Faust“ sind es nicht 4, sondern 3 Stimmen („Faust“, „Margarita“, „Mephistopheles“), in der Sinfonie „Dante“ (basierend auf der „ „Göttliche Komödie“) – 2 Teile („Hölle“ und „Fegefeuer“). Die Programmierung hat nicht nur die Form, sondern die Erneuerung der gesamten Musiksprache maßgeblich beeinflusst.

Einer der kühnsten und gewagtesten Erneuerer der romantischen Musik (im Allgemeinen reich an Entdeckungen) war Französischer Komponist Hector Berlioz (1803-1869. 1829 schrieb er „Fantastische Symphonie“ – die erste Programmsinfonie der Ära der Romantik. Ihr Programm ist vom Autor. Es basiert auf einer autobiografischen Geschichte der Enttäuschung über einen Geliebten, die sich zu einer völligen Enttäuschung steigert im Leben, idealerweise in Gott (Der Held beschließt, Selbstmord zu begehen, vergiftet sich mit Opium. Im Drogenrausch erscheint ihm seine Geliebte wie eine Obsession. Er sieht das erste Treffen auf dem Ball, erinnert sich an den Verrat, so scheint es (Wenn man ihm sagt, dass sie seine Geliebte getötet haben und sie ihn hinrichten werden, sieht er sich in der Hölle, wo sich die Geliebte in eine Hexe verwandelt.) Die persönliche Erfahrung stimmt somit mit der Stimmung der Zeit überein – die Romantik begann mit der Enttäuschung eines Ganzen Generation junger Menschen in den Idealen der Vergangenheit.

Die wichtigsten Neuerungen in der „Fantastischen Symphonie“:

1) Formfreiheit: 5 Teile, von denen jeder einer Theaterszene mit eigener Handlungsszene ähnelt (2 Stunden – „Ball“, 3 Stunden – „Szene auf den Feldern“, 4 Stunden – „Prozession zur Hinrichtung“, 5 Stunden – „Die Szene in der Nacht des Sabbats“).

2) Verwendung (zum ersten Mal in der Musik!) Keynote. Hierbei handelt es sich um eine wiedererkennbare Melodie, die in allen fünf Sätzen in verschiedenen Versionen wiederholt wird. Das Leitmotiv symbolisiert den Geliebten, der als „Obsession“ in den Visionen des Helden in verschiedenen Situationen auftaucht.

3) Verwendung der Melodie Kirchenlieder Dies irae parodistisch („Der Teufel feiert die Messe“ um 17 Uhr) – sorgte für Unmut der Kirche. Nach Berlioz wurde diese Melodie in der Musik als Symbol des Todes verwendet.

4) Verschiedene Neuerungen im Orchester, insbesondere um 5 Uhr – zum Beispiel Glocken, die Mitternacht schlagen, eine schrille Piccolo-Klarinette, die den Geliebten in der Gestalt einer Hexe darstellt usw.

Die folgenden Symphonien von Berlioz waren die Weiterentwicklung seiner Innovationen. Ihre Programme beziehen sich auf literarische Werke, die bei Romantikern beliebt sind: die Sinfonie „Harold in Italien“ (nach Byron) im 4-Uhr-Takt, allerdings mit Solobratsche (als Stimme Harolds), die dramatische Sinfonie „Romeo und Julia“ (nach Byron). nach Shakespeare) um 7 Uhr, mit Gesang (Solisten und Chor) usw.

Unter dem Einfluss von Berlioz schrieb Liszt nicht nur seine Programmsymphonien Faust (3 Stunden) und Dante (2 Stunden), sondern erfand auch neues Genre – Symphonisches Gedicht. Hierbei handelt es sich um ein Programmwerk für Orchester im 1-Uhr-Takt (eine auf einen Satz komprimierte Sinfonie). Bild im Mittelpunkt des Inhalts romantischer Held, außergewöhnliche Persönlichkeit. Programme - aus der klassischen Literatur ("Hamlet", "Prometheus", "Orpheus", "Tasso").

Oper in der Romantik entwickelte sich auch auf zwei Arten – durch die Entwicklung und Erneuerung von Traditionen (Verdi in Italien, Bizet in Frankreich) und durch Reformen (Wagner in Deutschland):

Opern von Verdi und Bizet fasste die besten Errungenschaften der italienischen und französischen Oper zusammen und aktualisierte sie erheblich Inhalt. Die Hauptsache sind neue Helden. Dies sind keine mythologischen Charaktere und historische Figuren Und gewöhnliche Menschen werden oft „gedemütigt und beleidigt“. Ein Narr in Rigoletto, eine Kurtisane in Verdis La Traviata, ein Tabakfabrikarbeiter und ein Soldat in Bizets Carmen. Aber es sind ihre Lebensgeschichten, die zur Grundlage der Handlung werden, es sind ihre Gefühle und Leidenschaften, in die sich der Zuhörer hineinversetzen kann. Gleichzeitig werden die Charaktere der Charaktere in äußerst dramatischen, sogar tragischen Zuständen offenbart.

Alles Neue in der Musik von Verdi und Bizet entsteht aus dem Bedürfnis, diese Charaktere offenzulegen. Dies ist in erster Linie eine Anwendung freie Formen: Soloszenen werden individuell aufgebaut, basierend auf der Persönlichkeit des Helden (Carmen wird nicht durch Arien, sondern durch Lieder im spanischen Geist - Habanera, Seguidilla) charakterisiert, aus der Logik dieser besonderen Situation (die Arie von Rigoletto, die es versucht). Nimmt dem Vergewaltiger-Herzog seine Tochter ab, wird langsamer und beruhigt sich gegen Ende, weil der Held erschöpft ist und weint. Duette werden selten zusammen gesungen, meistens handelt es sich um Duettkämpfe mit abwechselnd kontrastierenden Charakterlinien (die Szene von Violetta und Germont, dem Vater ihres Geliebten, in der die Heldin schließlich zustimmt, ihre Liebe zu Alfred um des Rufs der Familie willen aufzugeben).

Opern von Verdi und Bizet sind Beispiele für psychologische Texte in der Musik und vereinen die Merkmale romantischer und realistischer Kunst.

Wagner ist die größte Persönlichkeit in der Musikgeschichte des 19. Jahrhunderts. Seine Persönlichkeit und sein Werk lösten heftige Diskussionen aus, die fast bis heute andauern.

Opernreform Wagner. Wagner war Komponist und Dirigent, Dramatiker und Dichter, Philosoph und Denker, Autor der Theorie des Musikdramas. Sein ganzes Leben war auf eine Sache konzentriert – die Schaffung dessen, was er selbst „ Ein Kunstwerk der Zukunft».

„Ein Kunstwerk der Zukunft“ sollte eine bestimmte philosophische Idee zum Ausdruck bringen – wichtig für den Autor und relevant für die Gesellschaft. Dafür wurde keine philosophische Abhandlung geschrieben (die nur den Geist betrifft), sondern Kunstwerk(was sowohl den Geist als auch die Sinne betrifft). Dieses Werk sollte synthetisch sein, das heißt die Kraft aller Kunstgattungen vereinen – Literatur, Theater, Malerei, plastische Bewegung, Musik. Der Zweck einer solchen Synthese besteht darin, einen Menschen so weit wie möglich zu beeinflussen und zu seiner spirituellen Verbesserung beizutragen.

Wagner verstand, dass seine Idee utopisch war, nicht weil er sie nicht umsetzen konnte (er war selbstbewusst), sondern weil die Öffentlichkeit nicht bereit war, sie anzunehmen (die Öffentlichkeit erwartete Unterhaltung von der Kunst). Daher nannte der Komponist seine Idee „Ein Kunstwerk“. Zukunft." Das hielt ihn jedoch nicht davon ab, seine Ideen konsequent umzusetzen und dabei beeindruckende Ergebnisse zu erzielen. Die Ergebnisse waren: die Umsetzung der Opernreform und die Schaffung einer neuen Operngattung – „Wagners Musikdrama“).

Prinzipien von Wagners Opernreform(von ihm in zahlreichen theoretischen Werken formuliert, zum Beispiel Oper und Schauspiel):

1) Der Kompositionsprozess beginnt mit der Formulierung einer künstlerischen Idee.

2) Komponist und Dramatiker sind eine Person. Ihm gehört die Idee, er schreibt sowohl den Text als auch die Musik seiner Oper. Das ist ausschließlich seine Arbeit.

3) Die Handlung basiert auf Mythen und Legenden. In ihnen findet man ewige Ideen, die den jahrhundertealten Test der Zeit bestanden haben, was bedeutet, dass es immer relevante Ideen sind.

4) Der Komponist arbeitet musikalische Sprache, was zu einem „sinnlichen Ausdruck des Gedankens“ werden würde. Der Zuhörer genießt nicht nur die schönen Harmonien, sondern liest die Musik wie einen Text. Hierzu wird es verwendet Leitmotivsystem. Ein Leitmotiv (d. h. ein wiederkehrendes Thema) kann ein Gefühl (Liebe, Leiden), ein Konzept (Versuchung, Schicksal, Tod), ein Objekt (ein magisches Schwert, ein Ring der Macht) oder ein Naturphänomen (Sturm) symbolisieren. Indem der Komponist diese Leitmotive in verschiedenen Abfolgen anordnet, wiederholt und verändert, lenkt er die Gedanken des Zuhörers.

Es ist interessant, dass jede von Wagners Reformopern bei aller Allgemeingültigkeit des mythologischen Inhalts und der universellen Bedeutung philosophischer Ideen durch zutiefst persönliche Erfahrungen zum Leben erweckt wird, also auf autobiografischen Motiven basiert. Und das verrät in ihm einen typischen romantischen Künstler.

Beispiele: die Idee der ersten reformistischen Oper „Der fliegende Holländer“, 1842 (über den Kapitän eines Geisterschiffes) – „Durch die Stürme des Lebens – Sehnsucht nach Frieden.“ Geschrieben während Wagners Wanderungen durch Europa auf der Suche nach Arbeit.

Die Oper „Tannhäuser“ von 1845 (eine Ritterlegende aus der Zeit des Kampfes zwischen Christentum und Heidentum) stellt das Problem der Wahl Lebensweg insbesondere die Wahl zwischen spirituellen und materiellen Werten. Wagner schrieb es und wurde zum Anführer Opernhaus in Dresden, als er sich zwischen dem Erfolg, den ihm die traditionelle Oper bescherte, und dem Missverständnis, das ihn als Reformer bedrohte, entscheiden musste.

Die Oper Lohengrin von 1848 (die Legende vom Erlöserritter aus der Bruderschaft vom Heiligen Gral) stellt das Problem des Künstlers und der Gesellschaft. Lohengrin kommt zu den Bewohnern des Königreichs Brabant, um ihnen in einem dramatischen Moment (dem Kampf um den Königsthron) zu helfen. Im Gegenzug verlangt er nur eines: Vertrauen. Die Leute sollten nicht fragen, woher er kommt oder wie er heißt. Doch selbst die klügsten Seelen (von ihm vor der Hinrichtung gerettete Prinzessin Elsa) beginnen an ihm zu zweifeln und stellen eine fatale Frage, woraufhin Lohengrin gezwungen ist, zu gehen. Das ist eine Tragödie für ihn und für Menschen, die wirklich Hilfe brauchen. Wagner verglich sich selbst mit Lohengrin und das Publikum, das ihn nicht verstand, mit den Bewohnern des Königreichs Brabant. Die Oper entstand in Dresden, am Vorabend des revolutionären Aufstands, an dem Wagner aktiv beteiligt war.

Die Oper „Tristan und Isolde“ (eine mittelalterliche Legende über die Liebe eines Ritters zur Frau seines Königs) entstand in den Jahren des Schweizer Exils. Wagner war in Gräfin Mathilde Wesendonck, die Frau seines Mäzens und Gönners, verliebt. Die Liebe beruhte auf Gegenseitigkeit, aber aus Respekt vor dem Grafen erlaubten sich die Liebenden nicht, zusammen zu sein. Wagner war von der Trennung sehr betroffen und dachte an den Tod. Die Oper ist für ihre Ungewöhnlichkeit bekannt musikalischer Empfang- endlose Melodie. Die Melodie entwickelt sich, basiert auf instabilen Akkorden und endet schmerzhaft lange, ohne zu enden, was die Unmöglichkeit der Charaktere symbolisiert, sich miteinander zu verbinden. Die Auflösung der Spannung erfolgt ganz am Ende, wenn die Helden durch den Tod vereint sind. (Die Einleitung zur Oper wurde zum Soundtrack zu L. von Triers Film „Melancholie“).

Wagners grandiosestes Projekt ist die Operntetralogie Der Ring des Nibelungen (vereint 4 Opern – Rheingold, Walküre, Siegfried, Untergang der Götter). Eine Handlung aus mittelalterlichen germanischen und skandinavischen Mythen (später wurden sie auch von Tolkien in „Der Herr der Ringe“ verwendet). Das grandiose Epos zeichnet ein Bild des Universums, das von zwei Kräften beherrscht wird – der Liebe und dem Gold, das durch den Verzicht auf die Liebe Macht über die Welt verleiht. Protagonist versucht, die Welt vor der Macht des Goldes zu retten, doch am Ende geht er selbst zusammen mit der unvollkommenen Welt zugrunde. Die Oper hat mehr als 100 Leitmotive.

Wagner hat diese Artikel in der Schweiz geschrieben. In diesen Artikeln entwickelt er die Idee eines Gesamtkunstwerks, das im Werk der Zukunft verkörpert werden soll. Dies ist ein Musikdrama. Wagner wird sein Schöpfer sein.

1. Wagner kritisierte die zeitgenössische italienische und französische Oper. Er kritisierte die italienische Oper wegen ihrer Auswüchse. Rossini hat es vor allem in seinen Artikeln verstanden. Wagner war vehement gegen die französische Oper (insbesondere gegen Aubert und Meyerbeer). „Die leere Blüte eines verrotteten Gesellschaftssystems“, „süße Langeweile“ – so formulierte es Wagner über die französische Oper. Französische Oper er kritisierte übermäßigen Pomp. Er glaubte, dass ein neues Musikdrama geschaffen werden sollte, das alle Künste verkörpert.

2. Themenwahl. Opera muss enthüllen ewige Probleme, ewige Vorstellungen vom Leben. In diesen Geschichten sollte nichts passieren. Alltagshandlungen und Geschichten sind nicht geeignet, da sie nur für die Zeit geeignet sind, in der sie geschrieben wurden.

3. Wagner glaubte, dass Musik und Schauspiel miteinander verschmelzen sollten. Die Entwicklung muss kontinuierlich erfolgen – wie im Leben. Daher sollten separate Nummern fehlen, weil. Sie teilen die Bewegung. Wagner lehnte Arien, Ensembles und Chöre als unnatürliche Formen ab. Daher statt Arien – Monologe, statt Ensembles – Dialoge. Es gibt keine Chöre. Monologe und Dialoge sind Teile von Querschnittsszenen.

4. Aus Wagners Sicht spielt nicht die Stimme, sondern das Orchester die Hauptrolle im Drama. Ein Wort kann nicht die volle Tiefe und Bedeutung innerer Erfahrungen ausdrücken. Diese Funktion wird vom Orchester wahrgenommen. Wagners Orchester ist wie ein alter Chor, der das Geschehen kommentiert und die Bedeutung vermittelt. All dies geschieht mit Hilfe eines Systems von Leitmotiven. Jedes Leitmotiv bedeutet etwas. Das musikalische Gefüge besteht aus Verflechtungen und Leitmotivwechseln. Leitmotive können Gegenstände ausdrücken – ein Ring, ein Speer, Ideen – ein Leit. Verbot, Schicksal. Die sinfonische Weiterentwicklung bildet eine endlose Wagner-Melodie. Gesangsstimmen werden zu einem der Instrumente der Gesamtstruktur. Melodien sind sehr individuell. Wagner lehnt es ab, sich auf etablierte Elemente zu verlassen.

Die Reform wurde nicht sofort umgesetzt. Einige seiner Elemente wurden in den Opern der 40er Jahre verkörpert – Der Fliegende Holländer, Tannhäuser, Lohengrin. Die umfassendste Reform wurde in „Tristan und Isolde“ und „Ring des Nibelungen“ verkörpert.

Musikinformationen:

Huey Lewis und die Nachrichten
Huey Lewis und das Nachrichten „Huey Lewis und die Nachrichten“ für eine kurze Zeit konnten sich von einer Restaurantcrew in eine der erfolgreichsten Pop-Rock-Bands Amerikas verwandeln. Mit ihrem einfachen Rock'n'Roll brachten sie so einige Hits hervor wie „Workin‘ for a Livin“, „I Want a New...“

kaltes Spiel
Coldplay-Mitglieder dieser Band wurden in verschiedenen Teilen des Vereinigten Königreichs geboren. Sänger Chris Martin (geb. 2. März 1977) – gebürtig aus Devon, Schlagzeuger Will Champion (geb. 31. Juli 1978) – ein ehemaliger Einwohner von Southampton, Bassist Guy Berryman (geb. 12. April 1978) – ein Schotte zog nach Kent, Gitarrist Johnny. .

Everly Brothers
Die Everly-Brüder Don (geb. 1. Februar 1937) und Phil (geb. 19. Januar 1939) wurden in eine Musikerfamilie hineingeboren und fühlten sich schon in jungen Jahren von ihren Eltern dazu angezogen, an Musikradioprogrammen teilzunehmen. Bereits 1953 komponierte Don das Lied „Thou Shalt Not Steal“, das von Chet Atkins in sein Repertoire aufgenommen wurde. Vater pon...

Wagners Beitrag zur Weltkultur wird vor allem durch seine Opernreform bestimmt, ohne die das zukünftige Schicksal der Operngattung nicht mehr vorstellbar ist. Bei der Umsetzung wollte Wagner:

Zur Verkörperung eines globalen, universellen Inhalts basierend auf den Legenden und Mythen des deutsch-skandinavischen Epos;

Zur Einheit von Musik und Schauspiel;

Zu kontinuierlicher musikalischer und dramatischer Aktion.

Dies führte ihn:

Zur vorherrschenden Verwendung des Rezitativstils;

Zur Symphonisierung der Oper anhand von Leitmotiven;

Zur Ablehnung traditioneller Opernformen (Arien, Ensembles).

Wagner hat sich in seinem Werk nie zeitgenössischen Themen, der Darstellung des Alltagslebens zugewandt (Ausnahme sind die Nürnberger Meistersinger). Er betrachtete die Mythologie als die einzig würdige literarische Quelle der Oper. Der Komponist betonte stets die allgemeine Bedeutung des Mythos. Charakteristisch ist Wagners Abkehr vom mehr oder weniger passiven Festhalten an einer mythologischen Quelle: In der Regel synthetisiert er in einer Oper mehrere Legenden.

Wagner dachte den Mythos im Geiste der Moderne neu und versuchte auf seiner Grundlage ein Bild der modernen kapitalistischen Welt zu zeichnen. So spricht er beispielsweise in „Lohengrin“ über die Feindseligkeit der modernen Gesellschaft gegenüber einem wahren Künstler,

Die zentrale Idee der Wagner-Reform ist Gesamtkunstwerk . Er war davon überzeugt, dass Musik, Poesie und Theater nur im gemeinsamen Handeln ein allumfassendes Bild des Lebens schaffen könnten. Wagner wies ihm die führende Rolle in der Opernsynthese zu Poesie und widmete daher dem Libretto große Aufmerksamkeit. Er begann erst mit dem Komponieren von Musik, als der Text endgültig ausgefeilt war.

In Wagners Musikdrama fließt die Musik in einem kontinuierlichen, kontinuierlichen Strom, der nicht durch trockene Rezitative oder Gesprächseinlagen unterbrochen wird. Dieser musikalische Fluss wird ständig aktualisiert, verändert und kehrt nicht auf die bereits durchlaufene Bühne zurück. Deshalb hat der Komponist traditionelle Opernarien und -ensembles mit ihrer Isolation, Isolation voneinander und Reprisensymmetrie aufgegeben. Im Gegensatz zur Opernnummer wird das Prinzip einer freien Bühne vertreten, die auf ständig aktualisiertem Material aufbaut und melodische und rezitativische Episoden, Solo und Ensemble umfasst. Somit vereint die Freie Bühne die Merkmale verschiedener Opernformen. Es kann rein solo, im Ensemble, in der Messe oder gemischt (z. B. Solo unter Einbeziehung eines Chors) sein.

Wagner ersetzt traditionelle Arien durch Monologe und Geschichten; Duette – Dialoge, in denen nicht gemeinsamer, sondern abwechselnder Gesang vorherrscht. In diesen freien Szenen geht es vor allem um die innere, psychologische Handlung (Kampf der Leidenschaften, Stimmungsschwankungen). Die äußere, ereignisreiche Seite wird auf ein Minimum reduziert. Daher die Vorherrschaft des erzählerischen Prinzips gegenüber dem szenisch Wirkungsvollen, weshalb sich Wagners Opern stark von den Opern Verdis und Bizets unterscheiden.

Die verbindende Rolle in Wagners freien Formen spielt das Orchester, dessen Bedeutung stark zunimmt. Im Orchesterteil konzentrieren sich die wichtigsten musikalischen Bilder (Leitmotive). Wagner erweitert die Prinzipien der symphonischen Entwicklung auf den Teil des Orchesters: Die Hauptthemen werden entwickelt, einander gegenübergestellt, transformiert, erhalten ein neues Aussehen, werden polyphon kombiniert usw. Wie ein Chor in einer antiken Tragödie kommentiert das Wagner-Orchester das Geschehen, erklärt die Bedeutung der Ereignisse anhand von Querschnittsthemen – Leitmotiven.

Komponieren bedeutender Opern unterschiedliche Bühnen Wagners Reformen sind „ Fliegender Holländer“, „Lohengrin“, „Tristan und Isolde“, „Ring des Nibelungen“. ».

LOENGRIN

PARZELLE. Am Ufer der Schelde, in der Nähe von Antwerpen, der König Heinrich Birder versammelte die Ritter und bat sie um Hilfe: Der Feind bedroht erneut seine Besitztümer. Graf Friedrich Telramund fordert königliche Gerechtigkeit. Absterben Herzog von Brabant vertraute ihm seine Kinder an - Elsa und der kleine Gottfried . Einmal Gottfried auf mysteriöse Weise verschwunden. Friedrich beschuldigt Elsa des Brudermords und fordert ihren Prozess. Als Zeugin nennt er seine Frau Ortrud. Der König befiehlt, Elsa mitzubringen. Alle sind erstaunt über ihr verträumtes Aussehen und ihre seltsamen, enthusiastischen Reden. Elsa erzählt, dass ihr in einem Traum ein wunderschöner Ritter erschienen sei, der ihr Hilfe und Schutz versprach. Als der König Elsas naive Geschichte hört, kann er nicht an ihre Schuld glauben. Friedrich ist bereit, seine Sache im Duell mit denen zu beweisen, die sich für Elsas Ehre einsetzen. Der Ruf des Herolds ist weit weg, aber es gibt keine Antwort. Friedrich triumphiert bereits. Plötzlich erscheint auf den Wellen der Schelde ein Schwan und zieht einen Turm; Darin steht, auf ein Schwert gestützt, ein unbekannter Ritter in glänzender Rüstung. Als er an Land kommt, verabschiedet er sich liebevoll vom Schwan und schwimmt langsam davon. Lohengrin erklärt sich selbst zum Beschützer Elsas: Er ist bereit, für ihre Ehre zu kämpfen und sie seine Frau zu nennen. Aber sie darf niemals nach dem Namen des Befreiers fragen. In einem Anfall von Liebe und Dankbarkeit schwört Elsa ewige Treue. Das Duell beginnt. Friedrich fällt, von Lohengrin niedergeschlagen; Der Ritter gewährt ihm großzügig das Leben, doch wegen Verleumdung erwartet ihn die Verbannung.

Noch in derselben Nacht beschließt Friedrich, die Stadt zu verlassen. Wütend macht er seiner Frau Vorwürfe: Sie habe Elsa falsche Anschuldigungen zugeflüstert und in ihm ehrgeizige Machtträume geweckt. Ortrud macht sich gnadenlos über die Feigheit ihres Mannes lustig. Sie wird nicht nachgeben, bis sie sich gerächt hat, und die Waffen in ihrem Kampf werden Vortäuschung und Täuschung sein. Nicht der christliche Gott, an den Friedrich blind glaubt, sondern die alten rachsüchtigen heidnischen Götter werden ihr helfen. Elsa muss gezwungen werden, ihren Eid zu brechen und die tödliche Frage zu stellen. Es ist nicht schwer, Elsas Vertrauen zu gewinnen: Als Elsa anstelle der einst arroganten und stolzen Ortrud eine bescheidene, schlecht gekleidete Frau sieht, vergibt sie ihre frühere Wut und ihren Hass und ruft dazu auf, ihre Freude zu teilen. Ortrud beginnt ein heimtückisches Spiel: Sie dankt Elsa demütig für ihre Freundlichkeit und warnt sie mit gespielter Sorge vor Ärger – der Fremde verrät weder Elsas Namen noch ihre Familie, er könnte sie plötzlich verlassen. Aber das Herz des Mädchens ist frei von Misstrauen. Der Morgen kommt. Menschen versammeln sich auf dem Platz. Der Hochzeitszug beginnt. Plötzlich wird Elsas Weg von Ortrud versperrt. Sie warf die Maske der Demut ab und verspottet nun offen Elsa, nicht aber den Namen kennen Ihr zukünftiger Ehepartner. Ortruds Worte sorgen für allgemeine Verwirrung. Es verschärft sich, als Friedrich öffentlich anklagt unbekannter Ritter in der Zauberei. Doch Lohengrin hat keine Angst vor der Bosheit seiner Feinde – nur Elsa kann sein Geheimnis lüften, und er ist sich ihrer Liebe sicher. Elsa steht verlegen da und kämpft mit inneren Zweifeln – das Gift von Ortrud hat ihre Seele bereits vergiftet.

Die Hochzeitszeremonie ist vorbei. Elsa und Lohengrnn bleiben allein. Nichts stört ihr Glück. Nur eine leichte Wolke überschattet Elsas Freude: Sie kann ihren Mann nicht beim Namen nennen. Zunächst schüchtern, zärtlich, dann immer eindringlicher versucht sie, dem Geheimnis Lohengrins auf die Spur zu kommen. Vergebens beruhigt Lohengrin Elsa, vergeblich erinnert sie an Pflicht und Eid, vergeblich versichert er ihr, dass ihre Liebe ihm teurer ist als alles auf der Welt. Elsa kann ihren Verdacht nicht überwinden und stellt die fatale Frage: Wer ist er und wo kommt er her? Zu diesem Zeitpunkt stürmt Friedrich Telramund mit bewaffneten Soldaten in die Gemächer. Lohengrin zieht sein Schwert und tötet ihn.

Der Tag ist besetzt. An den Ufern der Schelde versammeln sich Ritter, bereit für einen Feldzug gegen Feinde. Plötzlich verstummen die fröhlichen Cliquen des Volkes: Vier Adlige tragen den mit einem Umhang bedeckten Leichnam Friedrichs; ihnen folgt die schweigsame, trauernde Elsa. Das Erscheinen Lohengrins erklärt alles: Elsa hat ihren Eid nicht gehalten und er muss Brabant verlassen. Der Ritter verrät seinen Namen: Er ist der Sohn Parsifals, der von der Gralsbruderschaft auf die Erde gesandt wurde, um die Unterdrückten und Beleidigten zu beschützen. Die Menschen müssen an den Boten des Himmels glauben; Wenn sie Zweifel haben, verschwindet die Macht des Gralsritters und er kann nicht auf der Erde bleiben. Der Schwan taucht wieder auf. Traurig verabschiedet sich Lohengrin von Elsa, prophezeit Deutschland eine glorreiche Zukunft. Lohengrin befreit den Schwan, er verschwindet im Wasser, und der kleine Gottfried, Elsas Bruder, verwandelt sich durch Ortruds Hexerei in einen Schwan und taucht aus dem Fluss auf. Elsa kann die Trennung von Lohengrin nicht ertragen. Sie stirbt in den Armen ihres Bruders. Und auf den Wellen der Schelde gleitet ein Shuttle, getragen von der weißen Gralstaube. Im Kanu steht, traurig auf einen Schild gelehnt, Lohengrin. Der Ritter verlässt die Erde für immer und zieht sich in seine geheimnisvolle Heimat zurück.

Tannhäuser

PARZELLE. Das Innere des Venusbergs bei Eisenach. In der geheimnisvollen Dämmerung der Grotte flackern Gruppen von Sirenen und Najaden, Bacchantinnen tanzen leidenschaftlich. In dieser Welt des Vergnügens herrscht Venus. Doch die Liebkosungen der Liebesgöttin können Tannhäusers Kummer nicht zerstreuen: Er erinnert sich Heimatland, das Läuten der Glocken, das ich so lange nicht gehört habe. Er nimmt eine Harfe, komponiert eine Hymne zu Ehren der Venus und beendet sie mit einer leidenschaftlichen Bitte: ihn frei gehen zu lassen, zu den Menschen. Vergebens erinnert Venus Tannhäuser an frühere Freuden, vergebens verflucht sie ihren untreuen Liebhaber und sagt Leiden in der kalten Welt der Menschen voraus; Der Sänger spricht den Namen der Jungfrau Maria aus und die magische Grotte verschwindet augenblicklich.

Der Blick auf Tannhäuser eröffnet das blühende Tal vor der Wartburg; Die Glocken der grasenden Herde läuten, der Hirte spielt Flöte und begrüßt den Frühling mit einem Lied. Aus der Ferne erklingt der Choral der Pilger, die nach Rom zur Buße gehen. Beim Anblick dieses friedlichen einheimische Malerei eine tiefe Ergriffenheit erfasst Tannhäuser. Der Klang der Hörner kündigt die Annäherung an Landgraf von Thüringen und Minnesängerritter, die von der Jagd zurückkehren. Sie wundern sich über die Begegnung mit Tannhäuser, der längst stolz und arrogant ihren Kreis verlassen hat. Wolfram Eschenbach fordert ihn auf, zu seinen Freunden zurückzukehren, doch Tannhäuser weigert sich hartnäckig – er muss von diesen Orten fliehen. Dann spricht Wolfram den Namen Elisabeth aus, die Nichte des Landgrafen; sie wartet auf ihn, die Lieder von Tannhäuser haben das Herz des Mädchens erobert. Der Ritter, überwältigt von freudigen Erinnerungen, bleibt stehen. Zusammen mit den Minnesängern eilt er zur Wartburg.

Saal der Gesangswettbewerbe auf der Wartburg. Elizabeth erwartet sehnsüchtig ihr Treffen mit Tannhäuser. Sie ist sich sicher, dass sie fast glücklich sein wird – Tannhäuser wird das Gesangsturnier gewinnen, und ihre Hand wird die Belohnung des Siegers sein. Wolfram stellt Tannhauser vor, und als er die Freude Elisabeths sieht, die er heimlich liebt, verlässt er ihn traurig und lässt die Liebenden allein. Zu den Klängen eines feierlichen Marsches zur Verherrlichung des Landgrafen versammeln sich die Ritter zu einem Turnier. Landgraf schlägt das Thema eines poetischen Wettbewerbs vor: Was ist das Wesen der Liebe? Die Sänger nehmen ihre Harfen und Wolfram beginnt per Losentscheid. In zurückhaltender und ruhiger Improvisation besingt er mit dem Gedanken an Elizabeth die reine Quelle der Liebe, die er niemals zu beflecken wagt. Und nach und nach unterstützen ihn weitere Sänger in diesem Verständnis. wahre Liebe. Doch Tannhäuser erlebte eine andere Liebe, und unter den Gewölben der Wartburg erklingt eine leidenschaftliche Hymne zu Ehren der Venus, die er auf dem Venusberg komponierte. Alle sind empört über Tannhäusers Dreistigkeit. Die Damen verlassen entsetzt den Saal, die Ritter stürzen sich mit gezückten Schwertern auf ihn. Aber Elizabeth steht mutig zwischen ihnen. Im Beisein des Landgrafen und der Ritter gesteht sie offen ihre Liebe zu Tannhäuser und fleht um sein Leben. Tannhäuser wagt es aus Reue nicht, den Blick zu ihr zu richten. Der Landgraf ersetzt seinen Tod durch die Verbannung: Er wird das Land Thüringen erst betreten, wenn er von der Sünde gereinigt ist. In der Ferne ist ein Choral zu hören – es sind die Pilger, die an der Burg vorbeikommen, um dem Papst zu huldigen. Und Tannhäuser gesellt sich, von den Rittern ermahnt, zu ihnen.

Tal vor der Wartburg. Herbst. Pilger kehren von Rom in ihre Heimat zurück. Doch vergeblich sucht Elizabeth unter ihnen nach Tannhäuser. Sie betet zur Jungfrau Maria und bittet sie, ihr Leben als Sühneopfer für die Sünden ihrer Geliebten anzunehmen. Wolfram versucht, Elizabeth zurückzuhalten, aber sie hält ihn mit einer Geste zurück und geht langsam weg. Allein gelassen nimmt Wolfram eine Harfe und komponiert ein Lied über einen schönen und unzugänglichen Abendstern, der die Dunkelheit erhellt, gerade als seine Liebe zu Elizabeth ihn in der Dunkelheit des Lebens erleuchtet. Die Nacht kommt. Plötzlich erscheint ein weiterer Pilger – in Lumpen, erschöpft. Mit Mühe erkennt Wolfram Tannhäuser in ihm. Er erzählt bitter von seiner Pilgerreise nach Rom. Er ging mit aufrichtiger Reue, die Schwere der langen Reise gefiel ihm, und um die Reize der italienischen Natur nicht zu sehen, schloss er die Augen. Und nun erschien vor ihm Rom und der funkelnde Papstpalast. Doch der Papst verkündete ein schreckliches Urteil: Bis der Stab in seinen Händen erblüht, wird Tannhäuser verflucht sein. Jetzt hat er nur noch einen Weg – zum Berg Venus. Er ruft leidenschaftlich die Göttin der Liebe an, und der Berg öffnet sich vor ihm, Venus lockt ihn in ihren geheimnisvollen Grog. Vergeblich versucht Wolfram, seinen Freund zu behalten: Dem Zauber der Venus ist er machtlos. Dann sagt Wolfram den Namen Elisabeth und Tannhäuser hält inne. Von der Wartburg erklingt ein Choral – ein feierlicher Umzug mit dem Sarg Elisabeths. Tannhäuser streckt ihr die Hände entgegen und fällt tot um. Es wird hell. Sich nähernd eine neue Gruppe Pilger; Sie überbringen die Nachricht eines großen Wunders: Ein Stab erblüht in den Händen des Papstes – Tannhäuser wird vergeben.

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