Die wichtigsten Komponisten und Interpreten sind Interpreten. berühmte Musiker

Der Beruf des Komponisten erfordert musikalisches Talent und tiefe Kenntnisse der musikalischen Komposition. Wir können mit Sicherheit sagen, dass der Komponist die wichtigste Figur in der Musikwelt ist. Daher hatte jeder berühmte Komponist in der Musikgeschichte einen signifikanten Einfluss auf die Entwicklung der Musik in jedem spezifischen Stadium. Komponisten des 18. Jahrhunderts In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts lebten und wirkten zwei große Komponisten – Bach und Mozart –, die die gesamte weitere Entwicklung der Tonkunst beeinflussten. Johann Sebastian Bach (1685-1750) ist der hellste Vertreter der musikalischen Tradition des 17.-18. Jahrhunderts, die von Historikern als Barock bezeichnet wird. Bach ist einer der bedeutendsten Komponisten der Musikgeschichte, der in seinem 65-jährigen Leben mehr als tausend Musikstücke in verschiedenen Genres geschrieben hat. Johann Sebastian Bach ist der Begründer einer der berühmtesten Dynastien der Musikwelt. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)- heller Vertreter Wiener Schule, die viele Instrumente meisterhaft besaß: Violine, Cembalo, Orgel. In all diesen Genres war er nicht nur als Interpret, sondern vor allem als Komponist von Musik erfolgreich. Berühmt wurde Mozart durch sein erstaunliches Gehör für Musik und sein Improvisationstalent Der drittwichtigste Name in der Musikgeschichte ist Ludwig van Beethoven. Er arbeitete um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert in allen damals existierenden Musikgattungen. Sein musikalisches Erbe ist äußerst vielfältig: Es sind Sonaten und Symphonien, Ouvertüren und Quartette, Konzerte für seine beiden Lieblingsinstrumente – Violine und Klavier. Beethoven gilt als erster Vertreter der Romantik in der klassischen Musik. Diese Werke wurden von Ludwig van Beethoven geschrieben 01-An Elise 02-Sonate Nr. 14 Lunar 03-Sinfonie Nr. 5 04-Appasionata Sonate Nr. 23 05-Sonate Nr. 13 Pathetic 06-Egmont Ouvertüre 07-Sonate Nr. 17 Tempest 08-Symphonie Nr. 9 09- Sonate Nr. 21 Mozart schrieb "Imaginary Simple Girl" "Scipio's Dream" "Misericordias Domini" Mocarta 40. simfonija, 4. temps Ouvertüre zu Don Giovanni "Figaro kāzu" uvertīra Konzert in D für Flöte J.T. 1 Vokalwerke 2 Orgelwerke 3 Werke für Cembalo 4 Werke für Soloinstrumente ohne Tasteninstrumente 5 Werke für Cembaloduett mit einem anderen Instrument Er ist Autor von 90 Opern Autor von über 500 Konzerten Autor von über 100 Sonaten für verschiedene Instrumente mit Basso-Continuo-Begleitung ; weltliche Kantaten, Serenaden, Symphonien, Stabat Mater und andere kirchliche Werke. Opern, Pasticcios, Ballette Terpsichore (Prolog zur 3. Ausgabe der Oper The Faithful Shepherd, 1734, Covent Garden Theatre); Oratorien, Oden und andere Werke für Chor und Singstimmen mit Orchester, Konzerte für Orchester, Suiten, Konzerte für Instrument und Orchester für Instrumentenensemble - für Klavier zu 2 Händen, für Klavier zu 4 Händen für 2 Klaviere, für Singstimme mit Klavierbegleitung oder mit einem anderen ein Instrument für unbegleiteten Chor, Musik für dramatische Aufführungen - In der Geschichte der Musikkunst war das 18. Jahrhundert von großer Bedeutung und ist immer noch von größtem Interesse. Dies ist die Ära der Entstehung musikalischer Klassiker, die Geburt großer musikalischer Konzepte, im Wesentlichen bereits weltlicher figurativer Inhalte. Die Musik stieg nicht nur auf das Niveau anderer Künste, die seit der Renaissance blühten, auf das Niveau der besten Literatur, sondern übertraf im Großen und Ganzen das, was eine Reihe anderer Künste (insbesondere der bildenden Kunst) erreichten, und am Ende des Jahrhunderts einen großen synthetisierenden Stil von so hohem und bleibendem Wert schaffen konnte, wie die Wiener Sinfonie klassische Schule. Bach, Händel, Gluck, Haydn und Mozart sind anerkannte Höhepunkte auf diesem Weg der Tonkunst vom Anfang bis zum Ende des Jahrhunderts. Aber auch die Rolle solch origineller und suchender Künstler wie Jean Philippe Rameau in Frankreich, Domenico Scarlatti in Italien, Philippe Emanuel Bach in Deutschland ist bedeutsam, ganz zu schweigen von den vielen anderen Meistern, die sie in der allgemeinen kreativen Bewegung begleiteten.

Hier ist eine Liste mit 10 Komponisten, die Sie kennen sollten. Über jeden von ihnen kann man mit Sicherheit sagen, dass er der Beste ist toller komponist, was es je gegeben hat, obwohl es eigentlich unmöglich, ja unmöglich ist, Musik zu vergleichen, die über mehrere Jahrhunderte hinweg geschrieben wurde. Alle diese Komponisten heben sich jedoch unter ihren Zeitgenossen als die Komponisten ab, die die Musik komponiert haben. die höchste Stufe und versuchte, die Grenzen der klassischen Musik zu neuen Grenzen zu verschieben. Die Liste enthält keine Reihenfolge wie Wichtigkeit oder persönliche Präferenz. Einfach 10 großartige Komponisten, die Sie kennen sollten.

Jeder Komponist wird von einer zitierbaren Tatsache seines Lebens begleitet, an die Sie sich wie ein Experte erinnern werden. Und wenn Sie auf den Link zu den Namen klicken, werden Sie ihn erkennen vollständige Biographie. Und natürlich können Sie sich eines der bedeutenden Werke jedes Meisters anhören.

Die wichtigste Figur in der Welt der klassischen Musik. Einer der meistgespielten und angesehensten Komponisten der Welt. Er arbeitete in allen Genres, die es zu seiner Zeit gab, darunter Oper, Ballett, Musik für dramatische Aufführungen, Chorkompositionen. Instrumentalwerke gelten als die bedeutendsten in seinem Nachlass: Klavier-, Violin- und Cellosonaten, Klavier- und Violinkonzerte, Quartette, Ouvertüren, Symphonien. Der Begründer der Romantik in der klassischen Musik.

Interessante Tatsache.

Beethoven wollte seine dritte Sinfonie (1804) zunächst Napoleon widmen, der Komponist war fasziniert von der Persönlichkeit dieses Mannes, der vielen zu Beginn seiner Regentschaft als echter Held erschien. Doch als sich Napoleon zum Kaiser ausrief, strich Beethoven seine Widmung an durch Titelblatt und schrieb nur ein Wort - "Heroisch".

"Mondscheinsonate" von L. Beethoven, Hören:

2. (1685-1750)

Deutscher Komponist und Organist, Vertreter des Barock. Einer der größten Komponisten der Musikgeschichte. Bach hat in seinem Leben mehr als 1000 Werke geschrieben. Bis auf die Oper sind alle bedeutenden Gattungen der damaligen Zeit in seinem Schaffen vertreten; er fasste die Errungenschaften der Musikkunst des Barock zusammen. Stammvater der berühmtesten Musikerdynastie.

Interessante Tatsache.

Zu seinen Lebzeiten wurde Bach so unterschätzt, dass weniger als ein Dutzend seiner Werke veröffentlicht wurden.

Toccata und Fuge d-Moll von J. S. Bach, Hören:

3. (1756-1791)

Großartig Österreichischer Komponist, Instrumentalist und Dirigent, ein Vertreter der Wiener Klassik, ein virtuoser Geiger, Cembalist, Organist, Dirigent, er hatte ein phänomenales Talent Ohr für Musik, Gedächtnis und Improvisationsfähigkeit. Als Komponist, der sich in allen Genres hervorgetan hat, gilt er zu Recht als einer der größten Komponisten in der Geschichte der klassischen Musik.

Interessante Tatsache.

Schon als Kind lernte Mozart das Miserere (Kat. Gesang auf den Text des 50. Psalms Davids) des Italieners Grigorio Allegri auswendig und schrieb es auf, nachdem er es nur einmal gehört hatte.

„Kleines Nachtständchen“ von W. A. ​​Mozart, Hören:

4. (1813-1883)

Deutscher Komponist, Dirigent, Dramatiker, Philosoph. Hatte einen erheblichen Einfluss auf Europäische Kultur Wende des XIX-XX Jahrhunderts, insbesondere Modernismus. Wagners Opern verblüffen mit ihrem großen Umfang und ewigen menschlichen Werten.

Interessante Tatsache.

Wagner nahm an der gescheiterten Revolution von 1848-1849 in Deutschland teil und musste sich vor der Verhaftung von Franz Liszt verstecken.

"Walkürenritt" aus der Oper "Walküre" von R. Wagner, Hören

5. (1840-1893)

Italienischer Komponist, zentrale Figur der italienischen Opernschule. Verdi hatte Bühnengefühl, Temperament und tadelloses Können. Er hat Operntraditionen nicht geleugnet (anders als Wagner), sondern sie entwickelt (Traditionen der italienischen Oper), er hat sie transformiert Italienische Oper, erfüllte es mit Realismus, gab ihm die Einheit des Ganzen.

Interessante Tatsache.

Verdi war ein italienischer Nationalist und wurde 1860 nach der Unabhängigkeit Italiens von Österreich in das erste italienische Parlament gewählt.

Ouvertüre zu D.Verdis Oper "La Traviata", Hören:

7. Igor Fjodorowitsch Strawinsky (1882-1971)

Russischer (amerikanischer - nach der Emigration) Komponist, Dirigent, Pianist. Einer der bedeutendsten Komponisten des zwanzigsten Jahrhunderts. Strawinskys Werk war während seiner gesamten Karriere vereint, obwohl der Stil seiner Werke zu verschiedenen Zeiten unterschiedlich war, aber der Kern und die russischen Wurzeln blieben, die sich in all seinen Werken manifestierten, gilt er als einer der führenden Erneuerer des 20. Jahrhunderts. Sein innovative Nutzung Rhythmus und Harmonie inspirierten und inspirieren viele Musiker, nicht nur in der klassischen Musik.

Interessante Tatsache.

Während des Ersten Weltkriegs beschlagnahmten römische Zollbeamte ein Strawinsky-Porträt von Pablo Picasso, als der Komponist Italien verließ. Das Porträt war futuristisch gemalt und die Zollbeamten hielten diese Kreise und Linien für eine Art verschlüsseltes Geheimmaterial.

Suite aus dem Ballett "Der Feuervogel" von I. F. Strawinsky, Hören:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Österreichischer Unterhaltungsmusikkomponist, Dirigent und Geiger. „König der Walzer“, er arbeitete im Genre Tanzmusik und Operette. Sein musikalisches Erbe umfasst mehr als 500 Walzer, Polkas, Square Dances und andere Arten von Tanzmusik sowie mehrere Operetten und Ballette. Dank ihm wurde der Walzer im 19. Jahrhundert in Wien äußerst populär.

Interessante Tatsache.

Vater von Johann Strauss - auch Johann und auch berühmter Musiker, deshalb wird der „König der Walzer“ der Jüngere oder Sohn genannt, seine Brüder Joseph und Eduard waren ebenfalls berühmte Komponisten.

Walzer von I. Strauss „An der schönen blauen Donau“, Hören:

9. Sergej Wassiljewitsch Rahmaninow (1873-1943)

Österreichischer Komponist, einer der herausragenden Vertreter der Wiener Klassikschule und einer der Begründer der Musikromantik. Für mein kurzes Leben Schubert leistete bedeutende Beiträge zur Orchester-, Kammer- und Klaviermusik, die eine ganze Generation von Komponisten beeinflussten. Sein bemerkenswertester Beitrag war jedoch die Entwicklung deutscher Romanzen, von denen er mehr als 600 schuf.

Interessante Tatsache.

Schuberts Freunde und Musikerkollegen trafen sich und spielten Schuberts Musik. Diese Treffen wurden "Schubertiaden" (Schubertiaden) genannt. Irgendein erster Fanclub!

"Ave Maria" F. P. Schubert, Hören:

Fortsetzung des Themas der großen Komponisten, die Sie kennen sollten, neues Material.

Musikalische Interpretation als Ergebnis des Zusammenspiels von Notentext, Aufführungstraditionen und dem Gestaltungswillen des Interpreten.

Die Informationen des Autors regen den Darsteller zum Nachdenken an, stellen sich vor, finden Assoziationen, wecken Emotionen. Das Aufführen von Informationen wirkt sich auf die Informationen des Autors aus, engt oder erweitert sie, ergänzt, transformiert, dh es findet ein Umdenken statt Musikstück wodurch ein künstlerisches Bild entsteht. Ein Überdenken der Angaben des Autors darf in keinem Fall zu einer Verzerrung der Intention des Autors führen. Echte performative Co-Creation ist nur möglich, wenn die Information des Autors beim Performer auf Gegenliebe stößt.

Die Arbeit an einem Musikstück ist ein kreativer Prozess, dessen Vielfalt mit beidem verbunden ist künstlerische Besonderheiten Werke sowie mit verschiedenen individuellen Merkmalen des Interpreten. Was sind die Aufgaben vor ihm? Und was zur Entwicklung beiträgt Kreativität Interpret, stimuliert die Bildung seines musikalischen Geschmacks, berufliche Fähigkeiten?

Aufführen bedeutet Schaffen durch tiefes Eindringen in den Inhalt des Werkes und Verkörperung. musikalische Inhalte basierend auf dem künstlerischen Bild. Die Wiederherstellung des Inhalts eines Werks impliziert die Treue zum Text des Autors, das Verständnis der ideologischen Ausrichtung der Komposition und den emotionalen Reichtum (Musikkunst beeinflusst die emotionale Sphäre der menschlichen Wahrnehmung).

Das Erstellen eines künstlerischen Bildes ist ohne Berücksichtigung der Originalität unmöglich historische Ära in dem das Werk geschaffen wurde; sein Genremerkmale, nationale Züge die Weltanschauung des Komponisten, die Art der Verwendung musikalischer Ausdrucksmittel, also all das, was wir Stilmerkmale oder Merkmale nennen.

Deutung -(aus dem Lateinischen interpretatio - Klärung, Interpretation) - der Prozess der klanglichen Verwirklichung eines musikalischen Textes. Die Interpretation hängt von den ästhetischen Prinzipien der Schule oder Richtung ab, der der Künstler angehört, von seinen individuellen Eigenschaften und seiner ideologischen und künstlerischen Gestaltung. Die Interpretation beinhaltet eine individuelle Herangehensweise an Musik gespielt, aktive Haltung, das Vorhandensein des eigenen kreativen Konzepts des Darstellers der Verkörperung der Absicht des Autors. Bis Anfang des 19. Jahrhunderts war die Interpretationskunst eng mit der Arbeit von Komponisten verbunden: In der Regel führten Komponisten ihre Kompositionen selbst auf. Die Entwicklung der Interpretation ist auf die Intensivierung der Konzerttätigkeit zurückzuführen.

Als eigenständige Kunst kommt der Interpretation in den 20-30er Jahren des 19. Jahrhunderts eine besondere Bedeutung zu. In der Aufführungspraxis ist es zugelassen neuer Typ Musiker-Interpret - Interpret von Werken anderer Komponisten. Parallel dazu gibt es Traditionen der Autorenleistung. Subtile Interpreten der Werke anderer Autoren waren F. Liszt, A. G. Rubinshtein, S. V. Rakhmaninov. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat sich eine Theorie der musikalischen Interpretation herausgebildet (sie untersucht die Vielfalt der Aufführungsschulen, ästhetische Interpretationsprinzipien, technologische Probleme der Aufführung), die zu Beginn des 20. Jahrhunderts zu einer der wurde Bereiche der Musikwissenschaft. Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der heimischen Interpretationstheorie leisteten G. M. Kogan, G. G. Neuhaus, S. Ya Feinberg und andere.

Objektiv und subjektiv, intuitiv und rational in der musikalischen Darbietung. Die kreative Natur der Leistung.

Der berühmte Pianist I. Hoffman schrieb: „Die richtige Interpretation eines Musikwerks folgt aus seinem richtigen Verständnis, und das wiederum hängt von einer peinlich genauen Lektüre ab.“ Das bedeutet, dass der richtige Charakter der Aufführung zunächst durch eine sinnvolle Interpretation bewiesen wird, die streng dem Text des Autors entspricht „Der Notentext ist das Erbe des Komponisten, und seine Aufführungsanweisungen sind das Begleitschreiben zum Testament “, sagte der Komponist und Pianist S. Feinberg. Es gibt jedoch nicht nur den Text, sondern auch den Subtext der Arbeit. Der bemerkenswerte Pianist K. Igumnov glaubte, dass die "gute Hälfte" des Interpreten auch von sich selbst in den Text einbringen sollte, dh er sollte sich dem inneren Charakter des Werks nähern, seinen Subtext offenbaren. Der legendäre G. Neuhaus erinnerte immer wieder an die Notwendigkeit, sich ständig mit der Stimmung des ausgeführten Werkes zu befassen, denn in dieser Stimmung, die der musikalischen Notation nicht vollständig zugänglich ist, liegt die ganze Essenz des künstlerischen Bildes. Aus alledem folgt die Schlussfolgerung, dass die exakte Ausführung des Komponistentextes nicht als dessen formale Reproduktion, sondern als sinnvolle kreative „Übersetzung“ des Aufnahmeschemas in reale Klangbilder zu verstehen ist.

Verstehen und Deuten als dialektisch zusammenhängende Aspekte des Deutens. Generierung neuer Bedeutungen durch Interpretation. Spezifität der künstlerischen Interpretation, intuitives Erfassen des Interpretationsgegenstandes (Erfahrung, Synergetik).

Die Rolle der semantischen und ästhetischen Analyse eines Werkes für die performative Interpretation

Intentionalität und Intentionalität in der musikalischen Interpretation

Zu beachten ist, dass musikalische Darbietung zunächst ein prozessual-dynamisches Moment ist. Das bedeutet, dass die Transformation musikalisches Bild auf der Bühne, während der einige besondere Veränderungen in der Interpretation des musikalischen Bildes stattfinden. Forscher sprechen von der Variabilität der Musikwiedergabe durch einen Interpreten oder von einer Kombination aus variablen und invarianten Elementen.

Der interpretative Prozess kann als Interaktion zweier widersprüchlicher Prinzipien dargestellt werden – absichtlich (als Fokus des Beständigen im Prozess) und unabsichtlich (als Fokus des Veränderlichen im Prozess). Diese beiden großen und komplexen Schichten bilden die Struktur des Prozesses. Die Entfaltung dieser Struktur in der Zeit, die Gesamtheit und Verbindung ihrer Elemente bilden eine bewegende Klanggesamtheit, die eigentlich ein interpretierender Prozess ist.

Absichtlicher Beginn ist ein verallgemeinerter Ausdruck der Gegebenheit im Prozess. Intentionale Elemente umfassen Elemente, deren qualitative Parameter vom Musiker vor Beginn der Ausführung von Handlungen programmiert werden und die er im anstehenden Prozess umzusetzen gedenkt. Zusammen bilden diese Elemente einen bewusst geplanten Teil der Aufführungsinterpretation und bilden die quantitative Dominante des Prozesses. Ihre Unterscheidungsmerkmale sind intrinsische Motivation, Eindeutigkeit und semantische Bedeutung. Auf die eine oder andere Weise deckt Vorsatz alle Ebenen der Designstruktur ab. Der gewollte Beginn trägt den Stempel des individuellen künstlerischen Bewusstseins des Künstlers, ist ein Zeichen seiner schöpferischen Einzigartigkeit.

Der Deutungsprozess wird nicht auf eine konsequent umgesetzte Intentionalität reduziert. kommt zur Geltung unbeabsichtigter Start, die in den Akten der Objektivierung zwangsläufig vorhanden sind und eine grundlegend andere Natur haben. Ein ungewollter Start ist eine dynamische Komponente des Prozesses, deren Elemente sich spontan ergeben, als Abweichungen vom ursprünglich geplanten Kurs wirken und ein „existentielles Feld“ der Ungewissheit bilden. Diese Komponente, die den irrationalen Aspekt der Darbietung von Kreativität widerspiegelt, wird zum Träger der Möglichkeit einer unvorhersehbaren, selbsterzeugten Veränderung in der Bildgestaltung. Unbeabsichtigter Start enthält Elemente unterschiedlicher Natur. Betrachtet man sie auf der inhaltlich-semantischen Ebene, so wird es notwendig, unbeabsichtigte Elemente in zwei Unterarten zu unterteilen: semantisch und asemantisch.

Semantik (Improvisation) Die Ansicht vereint eine Gruppe von eingehenden Elementen, die mit künstlerischer und ausdrucksstarker Bedeutung ausgestattet sind. Als schöpferisches Produkt der „freien“ (unspezifizierten) Aktivität des Unbewussten, als Ergebnis der momentanen „Aktivität“ von Intuition, Vorstellungskraft, Fantasie und inneren Gefühlsbewegungen, die üblicherweise als künstlerische Erfahrung bezeichnet werden, bilden sie eine künstlerische und produktive Schicht ein ungewollter Anfang. Ihre Zeichen sind: Unbeabsichtigtheit, Neuheit und semantische Bedeutung, und letztere bildet die Grundlage für die Einheit und Verwandtschaft von improvisatorischen und beabsichtigten Elementen, die zur selben Quelle aufsteigen - dem Klangbild. Der unbeabsichtigte Beginn schließt Improvisation ein, ist aber nicht darauf beschränkt.

Asemantisch (chaotisch) Der Blick vereint eine Gruppe unbeabsichtigter Elemente, deren Auftreten nicht durch künstlerische Faktoren verursacht wird, sondern durch ein „Versagen“ in der Aktivität. Der Ursprung dieser Elemente ist mit Verstößen im technologischen und regulatorischen Bereich der Ausführung verbunden. Sie treten in Form von Ausführungsfehlern, Mängeln und Momenten der Desorganisation des Prozesses auf. Asemantische Elemente schaden dem Gedachten, geben kein „subjektives“ semantisches Ergebnis, sondern zerstören den Prozess nur mehr oder weniger stark, bilden also eine künstlerisch unproduktive Schicht eines ungewollten Beginns. Angesichts der äußerst unangemessenen, eindeutig destruktiven Funktionsweise dieser Komponente kann sie als "chaotisch" bezeichnet werden.

Die Frage nach der Angemessenheit der aufführenden Interpretation eines musikalischen Werkes.

Der Musiker muss nicht nur den Text beherrschen, seine Hauptaufgabe besteht darin, die Absicht des Komponisten zu verstehen, seine in einem Musikstück verkörperten musikalischen Bilder nachzubilden und auszuwählen Ausdrucksmittel für die genaueste Übertragung.

A. France schrieb: „Ein perfektes Kunstwerk zu verstehen bedeutet im Allgemeinen, es in seinem eigenen nachzubilden innere Welt". K. S. Stanislavsky sagte, dass nur „das tiefe Eindringen des Schauspielers in die Idee des Autors, die Gewöhnung an das auf der Bühne verkörperte Bild, wenn der Schauspieler genauso lebt, fühlt und denkt wie die Rolle, nur dann seine Handlungen zum Bühnenerfolg führen können .“

Der italienische Pianist F. Busoni äußerte sich zu diesem Thema wie folgt: „Es ist eine fast übermenschliche Aufgabe, zurückzuwerfen eigene Gefühle um sich in den Gefühlen der unterschiedlichsten Individuen zu reinkarnieren und von dort aus ihre Schöpfung zu studieren. Sehr subtil bemerkte der russische Kritiker V.G. Belinsky: „Der Schauspieler ergänzt die Idee des Autors mit seinem Stück, und seine Kreativität besteht in dieser - dieser Ergänzung.“ Die gleiche Logik gilt in der musikalischen und darstellenden Kunst.

EIN. Serov, ein berühmter russischer Komponist und Musikkritiker, schrieb:„Eine Rolle – zumindest aus einem Shakespeare-Stück, Musik – sogar von Beethoven selbst, ist im Verhältnis zu einer glänzenden Aufführung nur eine Skizze, ein Essay; malt, Volles Leben ein Werk entsteht nur unter der charmanten Kraft des Ausführenden.

Zum Beispiel das beliebteste erste Konzert für Klavier und Orchester von P.I. Tschaikowsky wurde erst 4 Jahre nach der Uraufführung weithin bekannt, als es von N. Rubinstein brillant aufgeführt wurde. Dasselbe geschah mit dem Violinkonzert von P. Tschaikowsky, das erst nach seiner Aufführung durch L. Auer seinen rechtmäßigen Platz im Konzertrepertoire der Geiger einnahm.

Diese Beispiele zeigen die kreative Natur der darstellenden Tätigkeit, die nicht eine einfache, formale Übersetzung des Textes des Autors in Klang ist, sondern seine kreative Darbietung. Die psychologische Essenz der Interpretation wurde sehr genau von A.N. Serow: " Großes Geheimnis große Darsteller in der Tatsache, dass sie von innen erleuchten, aufhellen, eine ganze Welt von Empfindungen aus ihrer eigenen Seele hineinlegen, die durch die Kraft ihres Talents ausgeführt werden.

Die Interpretation ist nicht auf die beruflichen Verdienste und Fähigkeiten des Interpreten beschränkt. Es ist Ausdruck aller Aspekte der Persönlichkeit und wird mit der Weltanschauung in Verbindung gebracht, Ideologische Orientierung, gemeinsame Kultur, vielseitige Kenntnisse und Denkweisen, die den inneren Gehalt der Persönlichkeit ausmachen.

Die öffentliche, moralische und berufliche Verantwortung des Interpreten hat seit Ende des 18. bis Mitte des 19. Jahrhunderts zugenommen, als sich die darstellende Kunst von der des Komponisten trennte. Das Schicksal der Arbeit begann in vielerlei Hinsicht vom Interpreten abzuhängen.

A. Rubinstein: „Mir ist völlig unverständlich, was allgemein unter objektiver Leistung zu verstehen ist. Jede Leistung, sofern sie nicht von einer Maschine, sondern von einem Menschen erbracht wird, ist selbst subjektiv. Die Bedeutung des Objekts (Komposition) richtig vermitteln - Schulden sind das Gesetz für den Darsteller, aber jeder tut es auf seine eigene Weise, dh subjektiv; und ist es möglich, anders zu denken? Wenn die Wiedergabe einer Komposition objektiv sein soll, dann wäre nur eine Art richtig, und alle Interpreten müssten sie nachahmen; Was würden aus Darstellern werden? Affen? Gibt es nur eine Aufführung der Rolle von Hamlet oder King Lear usw.? In der Musik verstehe ich also nur subjektive Leistung.“

Formung einer künstlerischen und performativen Idee und deren Umsetzung

In Fragen der Interpretation kommt der Vorstellungskraft eine herausragende Bedeutung zu - dem mentalen Prozess, das Bild zukünftiger Aktivitäten zu falten oder ein neues in der Form zu schaffen gemeinsame Idee, oder eine spezifischere Darstellung des Endprodukts einer Aktivität. Imagination ist immer eine mentale Konstruktion eines Programms nachfolgender Aktivitäten, die ihrer materiell verkörperten Form vorausgehen. Unterscheiden Sie zwischen Erholung und kreative Vorstellungskraft. Kreativ ist die Schaffung neuer Ideen und Bilder. Rekreieren ist die Konstruktion von Bildern auf der Grundlage von Notentexten usw. Fantasie neu erschaffen - psychologische Grundlage Erstellung von musikalischer und darstellender Interpretation.

Zwei Arten von Darstellern - emotionaler Typ (Anhänger der "Kunst des Erlebens") und Künstler des intellektuellen Typs ( Theaterkunst, Stanislawski).

Es gibt synthetische Darsteller. Eine bemerkenswerte Kombination dieser beiden Prinzipien findet sich in den Aktivitäten von S.V. Rachmaninov und P. Casals, A. Toscanini und J. Heifitz, D. Oistrach und S. Richter, L. Kogan und E. Gilels, E. Svetlanov und V. Fedoseev. Sie zeichnen sich durch eine tiefe Einsicht in den Inhalt eines Musikstücks, eine brillante Einheit von Inhalt und Form, eine interessante, originelle Interpretation und exzellentes technisches Können aus. Dieser Typus zeichnet sich durch ein bewusst geregeltes Gleichgewicht zwischen den emotionalen und intellektuellen Prinzipien aus.

Verschiedene Aspekte der Interpretation: 1. Interpretation der Intention des Autors durch den Ausführenden; 2. historisches Erbe; 3. interkulturelle und intrakulturelle Beziehungen. Authentische Darbietung, Eintauchen in den historischen und kulturellen Kontext.

Die Arbeit an einem Musikwerk sollte auf dessen umfassendem Studium aufbauen. Auf diese Weise können Sie in die figurative Sphäre eintauchen, das Interesse des Künstlers an der Arbeit aufrechterhalten und schließlich die Absicht des Autors verstehen.

Der wichtigste Ausgangspunkt auf diesem langen und schwierigen Weg ist die Epoche, in der dieses oder jenes Werk entstanden ist. Komponisten sprechen sozusagen zu unterschiedlichen Zeiten unterschiedliche Sprachen, verkörpern unterschiedliche Ideale, spiegeln Aspekte des Lebens wider, die für eine bestimmte Zeit charakteristisch sind, philosophische und ästhetische Ansichten, Konzepte. Entsprechend werden auch Ausdrucksmittel verwendet. Es ist notwendig zu verstehen, warum dieser bestimmte Stil in einer bestimmten Epoche entstanden ist, um ihn mit der Persönlichkeit des Komponisten in Verbindung zu bringen, der das „Produkt“ der Epoche ist und zu einer bestimmten gehört Soziale Gruppe, Nationalität, ein Musikstück in diese Bedingungen zu versetzen und festzustellen, in welcher Beziehung es zu Urheber und Zeit steht.

Nehmen wir den Zusammenhang von Epoche und Bewegungsnotation (Tempo). In verschiedenen Epochen wurde die Notation des Tempos unterschiedlich interpretiert. In der vorklassischen Zeit zeigten die Tempi von „Allegro“, „Andante“, „Adagio“ zum Beispiel nicht die Geschwindigkeit der Bewegung, sondern die Art der Musik an. Scarlattis Allegro ist langsamer (oder zurückhaltender) als das Allegro der Klassiker, während Mozarts Allegro langsamer (zurückhaltender) ist als Allegro im modernen Sinne. Mozarts Andante ist beweglicher. Anstatt dass wir es jetzt verstehen. Dasselbe lässt sich über die Beziehung sagen musikalische Ära mit Dynamik und Artikulation. Natürlich erlaubt das Vorhandensein von Autorität, irgendwo mit dynamischen Angaben zu argumentieren, Piano, Pianissimo, Forte, Fortissimo neu wahrzunehmen.

Tonaufnahme

Die ersten Geräte zur Aufnahme und Wiedergabe von Ton waren mechanische Musikinstrumente. Sie konnten Melodien spielen, aber keine beliebigen Geräusche wie die menschliche Stimme aufnehmen. Die automatische Musikwiedergabe ist seit dem 9. Jahrhundert bekannt, als die Brüder Banu Musa um 875 das älteste bekannte mechanische Instrument erfanden – eine hydraulische oder „Wasserorgel“, die automatisch austauschbare Zylinder spielte. Der Zylinder mit hervorstehenden „Nocken“ auf der Oberfläche blieb bis in die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts das wichtigste Mittel zur mechanischen Wiedergabe von Musik. Entstanden während der Renaissance ganze Linie verschiedene mechanische Musikinstrumente, die diese oder jene Melodie zum richtigen Zeitpunkt wiedergeben: Drehorgel, Spieluhren, Dosen, Schnupftabakdosen.

1857 erfand de Martinville Autogramm. Das Gerät bestand aus einem Schallkegel und einer vibrierenden Membran, die mit einer Nadel verbunden war. Die Nadel war in Kontakt mit der Oberfläche eines manuell gedrehten, mit Ruß bedeckten Glaszylinders. Schallschwingungen, die durch den Kegel gingen, brachten die Membran zum Schwingen und übertrugen Schwingungen auf die Nadel, die die Form von Schallschwingungen in der Rußschicht nachzeichnete. Der Zweck dieses Geräts war jedoch rein experimentell - es konnte die aufgezeichnete Aufnahme nicht abspielen.

1877 erfand Thomas Edison den Phonographen, der bereits seine eigene Aufnahme wiedergeben konnte. Der Ton wird auf dem Medium in Form einer Spur aufgezeichnet, deren Tiefe proportional zur Lautstärke des Tons ist. Die Tonspur des Phonographen ist in einer zylindrischen Spirale auf einer austauschbaren rotierenden Trommel angeordnet. Während der Wiedergabe überträgt die Nadel, die sich entlang der Rille bewegt, Vibrationen auf eine elastische Membran, die Schall abgibt.

Edison Thomas Alva (1847-1931), US-amerikanischer Erfinder und Unternehmer. Autor von mehr als 1000 Erfindungen auf dem Gebiet der Elektrotechnik und Nachrichtentechnik. Er erfand das weltweit erste Tonaufnahmegerät - den Phonographen, verbesserte die Glühlampe, den Telegrafen und das Telefon, baute 1882 das erste Kraftwerk der Welt.

Im ersten Phonographen wurde eine Metallrolle von einer Kurbel gedreht, die sich aufgrund eines Schraubengewindes auf der Antriebswelle bei jeder Umdrehung axial bewegte. Zinnfolie (Staniol) wurde auf die Walze aufgebracht. Es wurde von einer Stahlnadel berührt, die mit einer Pergamentmembran verbunden war. An der Membran wurde ein Metallkegelhorn befestigt. Beim Aufnehmen und Abspielen von Ton musste die Walze manuell mit einer Geschwindigkeit von 1 Umdrehung pro Minute gedreht werden. Wenn sich die Walze in Abwesenheit von Geräuschen drehte, extrudierte die Nadel eine spiralförmige Rille (oder Rille) mit konstanter Tiefe auf der Folie. Wenn die Membran vibrierte, wurde die Nadel entsprechend dem wahrgenommenen Klang in die Dose gedrückt, wodurch eine Rille unterschiedlicher Tiefe entstand. So wurde die Methode des „Deep Recording“ erfunden.

Beim ersten Test seiner Apparatur zog Edison die Folie straff über den Zylinder, brachte die Nadel an die Oberfläche des Zylinders, begann vorsichtig den Griff zu drehen und sang die erste Strophe des Kinderliedes „Maria hatte ein Schaf“ in den Mundstück. Dann nahm er die Nadel weg, brachte den Zylinder mit dem Griff in seine ursprüngliche Position zurück, steckte die Nadel in die gezogene Nut und begann erneut, den Zylinder zu drehen. Und aus dem Mundstück ertönte leise, aber deutlich ein Kinderlied.

1885 entwickelte der amerikanische Erfinder Charles Tainter (1854-1940) das Graphophon – einen fußbetriebenen Phonographen (ähnlich einer fußbetriebenen Nähmaschine) – und ersetzte die Blechrollenblätter durch Wachs. Edison kaufte das Patent von Tainter, und anstelle von Folienrollen wurden abnehmbare Wachsrollen für die Aufnahme verwendet. Die Tonhöhe der Tonrille betrug ca. 3 mm, somit war die Aufnahmezeit pro Rolle sehr kurz.

In nahezu unveränderter Form existierte der Phonograph mehrere Jahrzehnte. Als Gerät zur Aufzeichnung musikalischer Werke wurde es Ende des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts nicht mehr hergestellt, aber fast 15 Jahre lang als Diktiergerät verwendet. Walzen dafür wurden bis 1929 hergestellt.

Nach 10 Jahren, im Jahr 1887, ersetzte der Erfinder des Grammophons, E. Berliner, die Walzen durch Scheiben, von denen Kopien gemacht werden können - Metallmatrizen. Mit ihrer Hilfe wurden bekannte Schallplatten gepresst (Abb. 4 a.). Eine Matrix ermöglichte den Druck einer ganzen Auflage - mindestens 500 Belege. Dies war der Hauptvorteil von Berliners Aufzeichnungen gegenüber Edisons Wachswalzen, die nicht repliziert werden konnten. Im Gegensatz zu Edisons Phonographen entwickelte Berliner einen Apparat zur Tonaufnahme – einen Rekorder – und einen weiteren zur Tonwiedergabe – ein Grammophon.

Statt Tiefenaufnahme wurde Queraufnahme verwendet, d.h. die Nadel hinterließ eine gewundene Spur von konstanter Tiefe. Anschließend wurde die Membran durch hochempfindliche Mikrofone ersetzt, die Schallschwingungen in elektrische Schwingungen und elektronische Verstärker umwandeln. 1888 ist das Jahr der Erfindung der Schallplatte durch Berlinger.

Bis 1896 musste die Scheibe von Hand gedreht werden, was das Haupthindernis für die weit verbreitete Verwendung von Grammophonen war. Emil Berliner schrieb einen Wettbewerb für einen Federmotor aus - preiswert, technologisch fortschrittlich, zuverlässig und leistungsstark. Und ein solcher Motor wurde von Mechaniker Eldridge Johnson konstruiert, der zu Berliners Firma kam. Von 1896 bis 1900 Etwa 25.000 dieser Motoren wurden produziert. Erst dann verbreitete sich das Berliner Grammophon.

Die ersten Schallplatten waren einseitig. 1903 wurde zum ersten Mal eine doppelseitige 12-Zoll-Disc veröffentlicht.

1898 erfand der dänische Ingenieur Voldemar Paulsen (1869-1942) einen Apparat zur magnetischen Tonaufzeichnung auf Stahldraht. Später erfand Paulsen ein Verfahren zur magnetischen Aufzeichnung auf einer rotierenden Stahlscheibe, bei der Informationen durch einen sich bewegenden Magnetkopf spiralförmig aufgezeichnet wurden. 1927 entwickelte F. Pfleimer eine Technologie zur Herstellung eines Magnetbandes auf nichtmagnetischer Basis. Auf der Grundlage dieser Entwicklung führten der deutsche Elektrokonzern „AEG“ und der Chemiekonzern „IG Farbenindustri“ 1935 auf der Deutschen Funkausstellung ein mit Eisenpulver beschichtetes Magnetband auf Kunststoffbasis vor. Eingemeistert industrielle Produktion, es kostete 5-mal weniger als Stahl, war viel leichter und vor allem ermöglichte es die Verbindung von Teilen durch einfaches Kleben. Zur Nutzung des neuen Magnetbandes wurde ein neues Tonaufnahmegerät entwickelt, das den Markennamen „Magnetofon“ erhielt. Magnetband eignet sich für wiederholte Tonaufnahmen. Die Anzahl solcher Aufzeichnungen ist praktisch unbegrenzt. Sie wird nur durch die mechanische Festigkeit des neuen Informationsträgers - Magnetband - bestimmt. Das erste Zweispur-Tonbandgerät wurde 1957 von der deutschen Firma AEG herausgebracht, und 1959 brachte diese Firma das erste Vierspur-Tonbandgerät heraus.

„Das wahrste und höchste Heilmittel

Dienst an großen Komponisten

besteht darin, sie in vollen Zügen zu bringen

die Aufrichtigkeit des Künstlers"

(Alfred Kortot).

Seit dem Erscheinen eines in einem bestimmten Notationssystem aufgezeichneten Musikstücks unterliegen die kreativen Beziehungen zwischen den Hauptträgern der Musik – Komponisten und Interpreten – einem ständigen Wandel. In diesem Commonwealth kämpfen zwei Tendenzen – der Wunsch nach Verschmelzung mit dem Wunsch nach Selbstdarstellung. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hat sich der russische Pianismus zu einer der fortschrittlichsten Gruppen in der Welt der darstellenden Künste entwickelt. Früher als anderswo erkannten sie in Russland die Notwendigkeit des sorgfältigsten Studiums des Textes des Autors, verbunden mit einer kreativen Einstellung dazu. Die ersten vier Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts sind die Zeit der harmonischsten Lösung der Frage nach der Einstellung zum Text des Autors; Pianisten begannen, die Essenz des Werks und den Stil seines Schöpfers viel tiefer zu verstehen. Sowjetische Musiker haben einen würdigen Beitrag dazu geleistet, dass die Welt Bakhiana aufführt. M. V. Yudina verehrte Bach durch und durch kreatives Leben. Davon zeugt die Zahl (ca. 80) seiner Kompositionen, die der Pianist spielt – fast einzigartig für Künstler ihrer Generation. In Bachs Repertoire verzichtete sie auf viele ausdrucksstarke romantische Mittel, einschließlich spezifischer Klaviermittel; es zeichnete sich durch eine im Vergleich zu den Interpretationen der Romantiker historischere Bach-Lektüre aus. Yudina war eine der ersten, die erkannte, dass Bachs Kreativität und das moderne Klavier dazugehören verschiedene Epochen wie lebendig künstlerische Realität, was den Dolmetscher in eine schwierige Lage bringt. UM innovative Eigenschaften Yudinas Stil lässt sich an ihrer Darbietung von Chromatischer Fantasie und Fuge ablesen, die sich durch lineare Figurationen, asketische Farbgebung und energische Cembalo-Zerlegung der Artikulation auszeichnet. Hervorzuheben ist die "Registrierung" im alten Clavier-Geist mit einem Hauch von Organismus, sowie das langsame, "souveräne" Tempo und die strenge Agogik. Der Stilwille der Pianistin ist nie in eine museale „Trockenheit“ ihres Spiels umgeschlagen. In den Interpretationen von Yudina begann die Fähigkeit, ein langes Eintauchen in einen emotionalen Zustand auszudrücken, der in romantischen Lesungen verloren ging, zu den Werken von Bach zurückzukehren: die Wiederbelebung der Prinzipien der Clavier-Orgel-Registrierung; das Verschwinden des Diminuendo in den letzten Takten; die Ablehnung der Tradition, die Klangkraft in Fugen vom Anfang bis zum Ende allmählich zu steigern, das Fehlen von impulsivem Rubato. Ein weiteres „Klavier“-Merkmal in Yudinas Auftrittsentscheidungen sollte beachtet werden – die zunehmende Bedeutung der Artikulation.

Unter den sowjetischen Musikern wurde Svyatoslav Teofilovich Richter zu einem Klassiker der postromantischen Bühne in der Geschichte des Klavierspiels, ein Künstler, in dessen Werk sich die führenden Trends der neuen Ära der Aufführung konzentrierten. Er schuf Interpretationen, ohne die die Aufführungsgeschichte von Bachs Musik nicht denkbar ist. Richter brach entschieden mit den Tendenzen einer romantisierenden Interpretation des Werkes dieses Komponisten und strich Transkriptionen aus seinen Programmen. In den Präludien und Fugen von HTK, die in Richters Bach-Diskographie den Hauptplatz einnehmen, stellt er der romantischen Freiheit, der Subjektivität von Interpretationen den Wunsch nach größtmöglicher Objektivität gegenüber und gleichsam „in den Schatten treten“ lassen zu wollen "die Musik selbst" klingen. Diese Interpretationen sind von einer sorgfältigen, keuschen Haltung gegenüber dem Autor geprägt. Die Selbstbezogenheit dominiert hier vollständig die äußeren Manifestationen der Gefühle; emotionale Intensität wird nur in einer riesigen intellektuellen Spannung erraten. Das einzigartige Können zeigt sich in seiner Unsichtbarkeit, in der Lakonie und Askese pianistischer Mittel. Wir hören bei Richter die Möglichkeit von Orgel-, Vokal-, Orchester-, Orchester-Chor- und Cembalo-Klängen und Glocken. „Ich bin davon überzeugt, dass Bach auf verschiedene Arten gut gespielt werden kann, mit unterschiedlichen Artikulationen und mit unterschiedlicher Dynamik. Wenn nur das Ganze erhalten bleibt, wenn nur die strengen Umrisse des Stils nicht verzerrt werden, wenn nur die Aufführung überzeugend genug ist“ (S.T. Richter).

Charakteristisch für Richter ist eine tiefe und umfassende, wirklich künstlerische Herangehensweise an den CTC-Zyklus. Hört man sich Richters Darbietung an, kann man leicht zwei Haupttendenzen in ihm erkennen, die manchmal miteinander kämpfen. Einerseits scheint sich sein Spiel in den Grenzen zu bewegen, die durch die Besonderheiten der Klavierkunst der Bach-Zeit vorgegeben sind. Andererseits beschäftigt sie sich ständig mit Phänomenen, die über diese Grenzen hinausgehen. „Darin sind gleichsam die Cembalo-, Clavichord- und Orgelsympathien Bachs und seine brillanten Zukunftserkenntnisse ‚zusammengelötet‘“ (J. Milshtein). Es kombiniert sowohl expressive und konstruktive Elemente als auch lineare. Deshalb stellt Richter in anderen Präludien und Fugen das intellektuelle, konstruktiv-polyphone Prinzip in den Vordergrund und verbindet ihre figurative Struktur damit; in anderen betont es die philosophische Tiefe von Bachs Musik und die organische Ausgewogenheit aller damit verbundenen Ausdrucksmittel. Manchmal reizt ihn der Ausdruck sanft fließender Melodielinien (kohärente Artikulation von Legato), manchmal umgekehrt, die Schärfe und Klarheit des Rhythmus, die Zerlegung der Artikulation. Mal strebt er nach romantischer Weichheit, Plastizität des Spiels, mal nach scharf betonten dynamischen Kontrasten. Aber er zeichnet sich natürlich nicht durch "sensible" Rundung der Phrase, kleine dynamische Schattierungen, ungerechtfertigte Abweichungen vom Haupttempo aus. Äußerst fremd ist ihm auch die ausdrucksstarke, impulsive Bach-Interpretation, asymmetrische Akzente, scharfe Betonung einzelner Töne und Motive, plötzliche „spastische“ Beschleunigung des Tempos etc. Seine Leistung von HTK ist stabil, groß angelegt, organisch und vollständig. „Sein höchstes Glück ist es, sich im Willen des von ihm gewählten Komponisten aufzulösen“ (Y. Milshtein).

Die Hauptantriebskraft von Glenn Goulds bemerkenswerten, welterobernden Interpretationen ist seine erstaunliche Intuition, die unwiderstehliche Kraft musikalischer Emotionen, die in ihm lebt. Guldovsky Bach ist der größte Höhepunkt der darstellenden Künste der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die Cembalo-Palette von Goulds Pianismus, ihre Melismatik und vieles mehr zeugen vom Intellekt und dem tiefsten Eindringen in die Kultur der Bach-Zeit. Goulds Interpretationen von Inventionen, Partiten, Goldberg-Variationen und anderen Werken von Bach wurden zu einem künstlerischen Gut, das von unseren Zeitgenossen als Meisterwerke der darstellenden Kunst wahrgenommen wurde, als ein von allen Schichten befreiter Stilstandard. Die kreative Dominante des Meisters war jedoch nie eine Nachahmung Bachs. Er unterwirft sich seiner Intuition, macht aber auch vor Veränderungen in den direkten Daten von Bachs „weißem“ Text nicht Halt. Gould führt Bachs Werke mit unterschiedlicher künstlerischer Überzeugungskraft auf. Nicht alle Fugen aus dem ersten Band des CTC werden auf dem für Gould üblichen künstlerischen Niveau aufgeführt. Im Spiel des Meisters gibt es oft direkte Verschwendungen aus dem Text, seinen rhythmisch-hochalpinen Varianten.

Goulds Spiel ist auffallend in seiner Originalität und in der höchste Grad, expressive Melismatik. Auch ihr Standort ist originell – viele kommen hinzu, andere werden nicht aufgeführt. Ohne sie hätten Bachs Interpretationen des Künstlers viel verloren. Der Künstler greift oft auf rhythmische Variationen des Textes zurück. Aber wenn die oben genannten Merkmale des Spiels des Meisters keine weitreichenden Veränderungen in den Charakter und die Bedeutung der Werke einführen, dann dringen andere Transformationen Goulds in das Wesen der Kompositionen ein. Die Interpretationen des kanadischen Meisters decken das reichste phantasievolle Spektrum ab. Er spielt vieles mit tiefer Lyrik, rhythmischer Freiheit, ungewöhnlich für Bach, und kurzer Phrasierung. Sein Spiel besticht durch Perfektion, konvexe Stimmführung. Das ganze Gewebe der Musik ist klar „wie in deiner Handfläche“. Die Musik scheint durch die ausdrucksstarke Intonation aller Stimmen bereichert.

Sehr entwickelte, abwechslungsreiche, raffinierte Strichzeichnungen des Spiels des Meisters. Seine Striche geben der Motivstruktur von Bachs Melodien die vielfältigste Erscheinung. Von besonderem Interesse ist die ungewöhnliche Methode der Variation von Strichen in denselben Melodien, einschließlich der Themen von Fugen, Inventionen und anderen Werken, und eröffnet neue Aufführungsprobleme. Das Studium von Bachs Orchesterwerken, die eine gewisse Anzahl von Autorenligen - Strichen enthalten, zeigt die Möglichkeit eines solchen Beispiels. Der große Komponist selbst variierte Striche, und das nicht so selten. Der kanadische Freidenker schuf den überzeugendsten Bach unserer Zeit. Er ist ein anderer Bach: nicht der, der es zu seinen Lebzeiten war, und nicht der, der wechselnd verschiedenen Generationen erschien, aber er scheint Goulds Zeitgenossen der authentischste Bach zu sein.

Auf dem Gebiet der Instrumentalmusik eröffnete das Werk von J.S. Bach ein Ganzes neue Ära, dessen fruchtbarer Einfluss bis in unsere Tage reicht und nie versiegen wird. Unbeeindruckt vom verknöcherten Dogma eines religiösen Textes richtet sich die Musik weit in die Zukunft, direkt in die Nähe wahres Leben. Sie ist eng mit den Traditionen und Techniken der weltlichen Kunst und des Musizierens verbunden.

Die Klangwelt von Bachs Instrumentalmusik ist von einer einzigartigen Originalität geprägt. Bachs Schöpfungen sind fest in unser Bewusstsein gedrungen, sind zu einem integralen ästhetischen Bedürfnis geworden, obwohl sie auf anderen Instrumenten als den damaligen erklingen.

Die Instrumentalmusik, insbesondere Köthen, diente Bach als „Experimentierfeld“ zur Vervollkommnung und Verfeinerung seiner umfassenden Kompositionstechnik. Diese Werke haben bleibenden künstlerischen Wert, sie sind ein notwendiges Bindeglied in Bachs gesamter kreativer Entwicklung. Das Clavier wurde für Bach zur täglichen Basis für musikalische Experimente auf dem Gebiet der Ordnung, Harmonie und Formgebung und verband die verschiedenen Genre-Sphären von Bachs Schaffen weiter. Bach erweiterte die figurativ-expressive Sphäre des Claviers und entwickelte dafür einen viel breiteren, synthetischen Stil, der aus der Orgel-, Orchester-, Gesangsliteratur erlernte Ausdrucksmittel, Techniken, Thematiken – deutsch, italienisch, französisch – einbezog. Trotz der Vielseitigkeit des figurativen Inhalts, der eine andere Art der Aufführung erfordert, wird Bachs Clavierstil von einigen unterschieden Gemeinsamkeiten: energisch und majestätisch, Inhalt und ausgewogene emotionale Struktur, Reichtum und Vielfalt der Textur. Die Kontur der Claviermelodie ist ausdrucksstark melodiös und erfordert eine kantable Spielweise. Bachs Fingersatz und Handsatz sind in stärkerem Maße mit diesem Prinzip verbunden. Eines der charakteristischen Merkmale des Stils ist die Sättigung der Präsentation mit harmonischen Figurationen. Durch diese Technik versuchte der Komponist, die tiefen Schichten jener grandiosen Harmonien „an die Oberfläche des Klangs zu heben“, die in einer kontinuierlichen Textur auf dem Clavier der damaligen Zeit die darin enthaltenen Farb- und Ausdrucksschätze nicht vollständig offenbaren konnten ihnen.

Bachs Werke sind nicht nur erstaunlich und unwiderstehlich fesselnd: Ihr Einfluss wird stärker, je öfter wir sie hören, je mehr wir sie kennenlernen. Dank des riesigen Ideenreichtums finden wir darin jedes Mal etwas Neues, das Bewunderung hervorruft. Bach verband einen majestätischen und erhabenen Stil mit feinster Dekoration, äußerster Sorgfalt bei der Auswahl der Details eines kompositorischen Ganzen, denn er war überzeugt, dass „das Ganze nicht perfekt sein kann, wenn die Details dieses Ganzen nicht aufeinander „passen“. (I. Forkel).

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Pianist - Interpret. Moderne Klaviermusik.

Iovenko Yulia Evgenievna, Klavierlehrerin, Kindermusikschule MAOUK DOD, Komsomolsk am Amur, Gebiet Chabarowsk

MeinProjektbetrifft Auslegungsfragen Klaviermusik.

Darin werde ich ein wenig berühren Zum Thema Geschichte der darstellenden Kunst des Klaviers sowie zum Thema Trends im modernen Klavierspiel werde ich über einige Pianisten unserer Zeit sprechen, die meiner Meinung nach die besten Interpreten dieses oder jenes Komponisten sind.

Die Musik nimmt in einer Reihe von Künsten in ihrer Besonderheit einen besonderen Platz ein. Objektiv als Notenschrift existierend, bedarf die Musik eines Aktes der Neuschöpfung durch den Interpreten, seiner künstlerischen Interpretation. In der Natur der Musik liegt die dialektische Einheit von musikalischem Werk und Aufführung.

Musikalische Darbietung ist immer zeitgenössische Kreativität, die Kreativität einer bestimmten Zeit, auch wenn das Werk selbst durch einen langen Zeitraum davon getrennt ist.

Je nach Epoche der Entwicklung der Klaviermusik haben Pianisten einen bestimmten Spielstil, eine bestimmte Spielweise entwickelt.

Clavierzeit ist eine Vorgeschichte für Klavierspiel. Zu dieser Zeit bildete sich der Typus des Musiker-Praktizierenden „spielender Komponist“ heraus. Kreative Improvisation ist das Herzstück der darstellenden Künste. Die Virtuosität eines solchen Musikers reduzierte sich nicht so sehr auf technische Perfektion, sondern auf die Fähigkeit, mit Hilfe eines Instruments mit dem Publikum zu „sprechen“.

Neu Meilenstein Musikalische Performance kommt gegen Ende des 18. Jahrhunderts mit der Promotion eines neuen Soloinstruments - dem Hammerklavier. Die Komplikation des musikalischen Inhalts erforderte eine genaue Notenschrift sowie die Festlegung spezieller Aufführungsanweisungen.

Klavierspiel erwirbt emotionalen Reichtum und Dynamik.

Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts gab es neue Form Musik machen - ein öffentliches, bezahltes Konzert. Es gibt eine Arbeitsteilung zwischen Komponist und Interpret.

Anfang des 19. Jahrhunderts ein neuer musikertyp entsteht - der "komponierende virtuose". Neue räumliche und akustische Bedingungen (groß Konzerthallen) verlangte von den Interpreten mehr Klangkraft. Um die psychologische Wirkung zu verstärken, werden Unterhaltungselemente eingeführt. Das „Spiel“ von Gesicht und Händen wird zum Mittel der räumlichen „Bildhauerei“ des musikalischen Bildes. Virtuoser Umfang des Spiels, ein frecher Höhenflug, ein buntes Spektrum emotionaler Schattierungen prägen das Publikum.

Und endlich bis Mitte des 19. Jahrhunderts aber ein Musiker-Interpret, ein Interpret der Kreativität eines anderen Komponisten, wird gebildet. Für den Interpreten weicht die ausschließlich subjektive Natur der Darbietung einer Interpretation, die ihm objektive künstlerische Aufgaben stellt – Offenlegung, Deutung und Übermittlung. figuratives System musikalisches Werk und die Intention seines Urhebers.

Beinahe alles 19. Jahrhundert geprägt von einer kraftvollen Blüte des Klavierspiels. Die Aufführung wird zur zweiten Schöpfung, bei der der Interpret mit dem Komponisten gleichberechtigt ist. Der wandernde Virtuose in all seinen Spielarten wird zur Hauptfigur in der darstellenden Sphäre - vom Klavier-"Akrobaten" bis zum propagandistischen Performer. In den Aktivitäten von Chopin, Liszt, den Gebrüdern Rubinstein dominiert die Idee der Einheit von künstlerischen und technischen Prinzipien, Kalkbrenner und Laugier dagegen setzen sich als Hauptziel die Ausbildung eines virtuosen Schülers. Der Stil vieler Meister des 19. Jahrhunderts war von solch exekutivem Eigensinn erfüllt, dass wir ihn für hundertprozentig geschmacklos und inakzeptabel halten würden.

20. Jahrhundert kann mit Sicherheit als das Jahrhundert der großen Pianisten bezeichnet werden: so viele in einem Zeitraum, wie es scheint, als hätte es noch nie zuvor gegeben. Paderevsky, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - zu Beginn des Jahrhunderts, Richter, Gilels, Kempff - in der zweiten Hälfte. Die Liste ist endlos...

Um die Wende vom XX-X ICH Jahrhunderte Die Vielfalt der Interpretationen ist so groß, dass es manchmal gar nicht so einfach ist, sie zu verstehen. Unsere Zeit ist die Vielfalt der Auftrittsweisen.

Moderne Klavierspielkunst. Was ist das? Was passiert darin, was stirbt und was wird geboren?

Im Allgemeinen geht der Trend in der Klavieraufführungskunst heute im Gegensatz zu noch vor 50 Jahren dahin, dass Details Vorrang vor dem allgemeinen Konzept haben. In unterschiedlichen Lesarten von Mikrodetails suchen moderne Performer ihre Individualität.

Es ist auch die Existenz einer unausgesprochenen Aufführungsregel: „Es gibt keine Homophonie. Der gesamte Klaviersatz ist immer durch und durch polyphon und sogar stereophon. Damit ist ein Grundprinzip verbunden: Jeder Finger ist ein separates und lebendiges und spezifisches Instrument, das für die Dauer und Qualität des Klangs verantwortlich ist “(Zitat aus einem Vortrag - eine Lektion von Mikhail Arkadiev).