Franz Schubert als erster Komponist der Romantik. Schubert - der erste österreichische Komponist der Romantik

Komponisten haben zwei Leben: Das eine endet mit seinem Tod; der andere setzt sich nach dem Tod des Autors in seinen Schöpfungen fort und wird vielleicht nie verblassen, bewahrt von nachfolgenden Generationen, dankbar für den Schöpfer für die Freude, die die Früchte seiner Arbeit den Menschen bringen. Manchmal beginnt das Leben dieser Kreaturen erst nach dem Tod des Schöpfers, egal wie bitter es ist. So entwickelte sich das Schicksal Schuberts und seiner Werke. Das meiste die besten Aufsätze, insbesondere große Genres, wurde vom Autor nicht gehört. Vieles von seiner Musik hätte spurlos verschwinden können, wäre da nicht die energische Suche und die enorme Arbeit einiger leidenschaftlicher Schubert-Kenner gewesen. Als das glühende Herz eines großen Musikers aufhörte zu schlagen, begannen seine besten Werke „wiedergeboren“ zu werden, begannen sie selbst über den Komponisten zu sprechen und fesselten die Zuhörer mit ihrer Schönheit, ihrem tiefen Inhalt und ihrem Können. Seine Musik begann allmählich überall dort zu erklingen, wo nur wahre Kunst geschätzt wird.

Schubert schuf ausnahmslos eine Vielzahl von Werken aller zu seiner Zeit existierenden Gattungen – von Vokal- und Klavierminiaturen bis hin zu Symphonien. Alle Bereiche außer Theatermusik, sagte er ein einzigartiges und neues Wort, hinterließ wunderbare Werke, die immer noch leben. In ihrer Fülle fällt die außergewöhnliche Vielfalt an Melodie, Rhythmus und Harmonie auf.

Schuberts Liedreichtum ist besonders groß. Seine Lieder sind uns nicht nur als eigenständige Kunstwerke wertvoll und lieb. Sie halfen dem Komponisten, seine zu finden musikalische Sprache in anderen Genres. Die Verbindung zu den Liedern bestand nicht nur in allgemeinen Intonationen und Rhythmen, sondern auch in den Besonderheiten der Darstellung, Themenentwicklung, Ausdruckskraft und Farbigkeit harmonischer Mittel. Schubert öffnete den Weg für viele neue Musikgenres- Stegreif, musikalische Momente, Liederzyklen, lyrisch-dramatische Sinfonie. Aber in welcher Gattung auch immer Schubert geschrieben hat – in traditioneller oder von ihm geschaffener – überall tritt er als Komponist auf neue Ära, die Ära der Romantik, obwohl sein Werk fest auf der klassischen Musikkunst basiert. Viele Merkmale des neuen romantischen Stils wurden dann in den Werken von Schumann, Chopin, Liszt, russischen Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, entwickelt. Schuberts Musik liegt uns nicht nur als Prachtstück am Herzen künstlerisches Denkmal. Es berührt das Publikum zutiefst. Ob es vor Spaß sprüht, in tiefe Reflexionen stürzt oder Leid verursacht – es ist nah, für jedermann verständlich, so anschaulich und wahrheitsgemäß offenbart es menschliche Gefühle und Gedanken, die Schubert zum Ausdruck bringt, groß in seiner grenzenlosen Einfachheit.

Der österreichische Komponist Franz Schubert lebte nur dreißig Jahre, schaffte es aber, über tausend zu schreiben Musikalische Werke. Sein Talent war wirklich erstaunlich, seine melodische Gabe unerschöpflich, aber nur wenige Zeitgenossen Schuberts konnten seine Schöpfungen zu schätzen wissen.
Die wunderbare Schubert-Musik erlangte den größten Ruhm, als der Komponist nicht mehr auf der Welt war, als er starb kurzes Leben voller Not und Entbehrung.

Schuberts Schöpfungen verherrlichten seinen Namen in der Weltgeschichte Musikalische Kunst. Er schrieb mehr als 600 Lieder, zahlreiche Werke für Klavier (darunter einundzwanzig Sonaten), Quartette und Trios, Symphonien und Ouvertüren, Opern und Singspiele (komische Opern im Volksgeist), Musik zum Drama Rosamund usw.

Schon zu Schuberts Lebzeiten erfreuten sich seine Lieder im Freundeskreis wohlverdienter Berühmtheit. Seine großen Vorgänger in diesem Genre waren Mozart und Beethoven, deren Lieder voller unvergänglichem Charme sind. Aber es war Schubert, der das Lied mit einem erstaunlichen poetischen Gefühl und melodischen Charme füllte. Schubert gab dem Lied eine neue Bedeutung, erweiterte die Palette der Bilder und Stimmungen, fand eine helle und ausdrucksstarke Tonsprache, die jedem Zuhörer nahe kommt.

Die Ballade „The Forest King“ klingt nach einer dramatischen Geschichte. „Rose“ und „Serenade“ („Mein Lied fliegt mit einem Gebet“) sind von aufrichtigen Texten durchdrungen, „Wanderer“ ist von tiefer Meditation geprägt.

Schubert schrieb zwei berühmte Liederzyklen – „Der schöne Müller“ und „Winterweg“, in denen einzelne Lieder miteinander verknüpft sind große Geschichte. Darin offenbart sich die Geschichte der Wanderliebe eines jungen Müllers bekannte Lieder Zyklen wie „Unterwegs“ („Der Müller führt sein Leben in Bewegung“), „Wo“, „Wiegenlied des Baches“ und andere.

Der Liederzyklus „Winterweg“ gehört zu den letzten Werken Schuberts; es dominieren traurige und düstere Stimmungen. Der letzte Song „The Organ Grinder“ ist einfach und aufrichtig geschrieben. Seine traurige Melodie erzählt von den Erfahrungen eines armen und einsamen Menschen.

Schubert war einer der Schöpfer der lyrischen Klavierminiatur. Seine anmutigen Landler – altdeutsche Walzer – sind melodisch und fröhlich, manchmal von einem leichten Schleier lyrischer Träume überzogen. Schuberts wunderbare Klavierimpromptu und musikalische Momente sind weithin bekannt.

Das Lied lag dem Komponisten sehr am Herzen, und er führte seine Bilder und Melodien oft in persönliche Kammer- und Kammermusik ein symphonische Werke. Die Schönheit der wohlklingenden Liedmelodie erfüllt seine Klaviersonaten. In der Fantasie „Wanderer“ (für Klavier) ist der zweite Satz eine Variation über das Thema des gleichnamigen Liedes.

Heiterkeit atmet die Musik des berühmten „Forellen Quintetts“, in einer der Teile variiert der Komponist die Melodie „Forellen“. Und das dramatische und spannungsgeladene "Tod und das Mädchen" wird in einem Streichquartett in d-Moll entwickelt. Bemerkenswert an Schönheit und Melodienreichtum sind zwei Klaviertrios von Schubert. Überall und überall in der Musik des großen österreichischen Komponisten fließt die Liedmelodie frei.

Unter Schuberts Sinfonien ragen zwei heraus - in C-Dur und in h-Moll ("Unvollendete"), die erst nach dem Tod des Komponisten (1838 und 1865) gefunden wurden. Sie haben sich fest in das weltweite Konzertrepertoire eingetragen. Die Sinfonie in C-Dur ist voller Erhabenheit und Kraft. Wenn Sie es hören, haben Sie vor Ihren Augen Bilder des Kampfes mächtiger Kräfte, des siegreichen mächtigen Zuges der Massen.

Die romantisch bewegte Musik der „Unvollendeten“ Sinfonie ist eine Geschichte über das Erlebte, über Enttäuschungen und Hoffnungen. Schuberts Sinfonien verbinden inhaltlichen Reichtum mit Einfachheit und Zugänglichkeit. musikalische Bilder. Und es ist kein Zufall, dass die „Unvollendete“ Symphonie von Laienorchestern aufgeführt wird. Schubert verstand es, in der Musik über das Große und Wichtige, über das Erlebte und Fühlte mit Einfachheit, Aufrichtigkeit und Aufrichtigkeit zu sprechen. Das machte seine Kunst für immer jung, geliebt und allen Menschen nahe.

kreatives Leben Schubert wird auf nur siebzehn Jahre geschätzt. Trotzdem ist es noch schwieriger, alles aufzuzählen, was er geschrieben hat, als die Werke Mozarts aufzulisten, kreative Weise was länger war. Genau wie Mozart hat Schubert keinen Bereich der Musikkunst übergangen. Ein Teil seines Erbes (hauptsächlich Opern- und geistliche Werke) wurde von der Zeit selbst beiseite geschoben. Aber in einem Lied oder einer Symphonie, in einer Klavierminiatur oder einem Kammerensemble, die besten Aspekte von Schuberts Genie, die wunderbare Unmittelbarkeit und Glut der romantischen Phantasie, die lyrische Wärme und Suche des Denkens Mensch XIX Jahrhundert.

In diesen Bereichen musikalische Kreativität Schuberts Innovation manifestierte sich mit größtem Mut und Umfang. Er ist der Begründer der lyrischen Instrumentalminiatur, der romantischen Sinfonie – lyrisch-dramatisch und episch. Schubert verändert den figurativen Gehalt in großen Formen grundlegend Kammermusik: v Klaviersonatenäh, Streichquartette. Schließlich ist die wahre Idee von Schubert ein Lied, dessen Entstehung einfach untrennbar mit seinem Namen verbunden ist.

Der Demokratismus der österreichischen Volksmusik, der Musik Wiens, wird angefacht durch das Werk von Haydn und Mozart, auch Beethoven hat seinen Einfluss erlebt, aber Schubert ist ein Kind dieser Kultur. Für sein Engagement für sie musste er sich sogar Vorwürfe von Freunden anhören. Schubert spricht die Sprache der Genremusik, denkt in ihren Bildern; aus ihnen erwachsen Werke hoher Kunstformen verschiedenster Art. In breiter Verallgemeinerung der liedlyrischen Intonationen, die im musikalischen Alltag der Bürger, im demokratischen Milieu der Stadt und ihrer Vororte reiften – die Nationalität von Schuberts Schaffen. Die lyrisch-dramatische „Unfinished“-Symphonie entfaltet sich auf Gesangs- und Tanzbasis. Die Transformation des Genrematerials ist sowohl in der epischen Leinwand der „Großen“ Symphonie in C-dur als auch in einer intimen lyrischen Miniatur oder einem Instrumentalensemble zu spüren.

Das Element des Gesangs durchdrang alle Bereiche seines Schaffens. Die Liedmelodie bildet die thematische Grundlage von Schuberts Instrumentalkompositionen. So etwa in der Klavierphantasie zum Thema des Liedes „Wanderer“, im Klavierquintett „Forelle“, wo die Melodie des gleichnamigen Liedes als Thema für Variationen des Finales dient, im d-Moll Quartett, wo das Lied "Death and the Maiden" vorgestellt wird. Aber in anderen Werken, die sich nicht auf die Themen bestimmter Lieder beziehen - in Sonaten, in Sinfonien - bestimmt das Liedlager des Thematismus die Merkmale der Struktur, die Methoden zur Entwicklung des Materials.

So ist es naheliegend, dass, obwohl der Beginn von Schuberts kompositorischem Weg von einem außergewöhnlichen Ideenreichtum gekennzeichnet war, der zu Experimenten auf allen Gebieten der Tonkunst anregte, er sich doch zunächst im Lied wiederfand. Darin brillierten vor allem die Facetten seines lyrischen Talents mit einem wunderbaren Spiel.

Asafiev schrieb in seinem Werk „On Symphonic and Stone Music“ folgendes über die Werke Schuberts:

„Glatt und aufrichtig, rein wie ein Gebirgsbach, der von fernen Gipfeln rauscht, trägt er die Menschen in einer musikalisch manifestierten Bewegung mit sich, löst alles Dunkle und Böse darin auf und erweckt in uns ein helles Lebensgefühl.“ Das Lied enthält all seine kreative Essenz. Das Schubert-Lied ist eine Art Grenze, die die Musik der Romantik von der Musik der Klassik trennt. Die Stellung des Liedes in Schuberts Werk entspricht der Stellung der Fuge bei Bach oder der Sonate bei Beethoven. Laut B. V. Asafiev tat Schubert auf dem Gebiet des Gesangs, was Beethoven auf dem Gebiet der Symphonie tat. Beethoven fasste die heroischen Ideen seiner Zeit zusammen; Schubert hingegen sei ein Sänger „einfacher Naturgedanken und tiefer Menschlichkeit“. Durch die Welt der lyrischen Gefühle, die sich im Lied widerspiegeln, drückt er seine Einstellung zum Leben, zu den Menschen und zur umgebenden Realität aus.

Bereich lyrische Themen in seinem Werk ist außergewöhnlich breit. Das Thema der Liebe, mit all dem Reichtum seiner poetischen Nuancen, manchmal fröhlich, manchmal traurig, ist mit dem Thema des Wanderns, des Wanderns, der Einsamkeit verflochten, das alle romantische Kunst durchdringt, mit dem Thema der Natur. Die Natur ist in Schuberts Werk nicht nur ein Hintergrund, vor dem sich eine bestimmte Erzählung entfaltet oder einige Ereignisse stattfinden: Sie wird „vermenschlicht“, und die Ausstrahlung menschlicher Emotionen färbt je nach Natur die Bilder der Natur, verleiht ihnen das eine oder andere Stimmung und entsprechende Farbgebung.

So entstanden Kontraste von Dunkelheit und Licht, häufige Übergänge von Verzweiflung zu Hoffnung, von Melancholie zu einfachem Spaß, von intensiv dramatischen Bildern zu hellen, nachdenklichen. Fast zeitgleich arbeitete Schubert an der lyrisch-tragischen „Unvollendeten“-Symphonie und den jugendlich-freudigen Liedern „Die schöne Müllerin“. Noch auffälliger ist die Nähe der „schrecklichen Lieder“ von „The Winter Road“ mit der anmutigen Leichtigkeit des letzten Klavier-Impromptu.

Die Romantik war eine Art Reaktion auf die Aufklärung mit ihrem Vernunftkult. Sein Auftreten hatte verschiedene Gründe. Die wichtigste davon ist die Enttäuschung über die Ergebnisse der Großen Französische Revolution das rechtfertigte die in sie gesetzten Hoffnungen nicht.

Das romantische Weltbild ist durch einen scharfen Konflikt zwischen Realität und Traum gekennzeichnet. Die Wirklichkeit ist niedrig und ungeistig, sie ist durchdrungen vom Geiste des Spießbürgertums, des Spießbürgertums und nur der Verleugnung wert. Ein Traum ist etwas Schönes, Perfektes, aber für den Verstand unerreichbares und unbegreifliches.

Die Romantik stellte der Prosa des Lebens das schöne Reich des Geistes, „das Leben des Herzens“, gegenüber. Romantiker glaubten, dass Gefühle eine tiefere Schicht der Seele bilden als der Verstand. „Der Künstler appelliert an das Gefühl, nicht an die Vernunft“, so Wagner. Und Schumann sagte: "Der Verstand irrt, die Sinne - niemals." Es ist kein Zufall, dass die Musik zur idealen Kunstform erklärt wurde, die aufgrund ihrer Besonderheit die Bewegungen der Seele am vollständigsten zum Ausdruck bringt. Es war die Musik in der Ära der Romantik, die eine führende Stellung im System der Künste einnahm.

Wenn in Literatur und Malerei romantische Richtung im Grunde schließt seine Entwicklung an Mitte des neunzehnten Jahrhunderte, dann das Leben musikalische Romantik viel länger in Europa. Musikalische Romantik als Trend entwickelte sich in frühes XIX Jahrhunderts und entwickelte sich in enger Verbindung mit verschiedenen Strömungen in Literatur, Malerei und Theater. Die Anfangsphase der musikalischen Romantik wird repräsentiert durch die Werke von F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, N. Paganini; die folgende Phase (1830-50er Jahre) - das Werk von F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Die Spätphase der Romantik reicht bis spätes XIX Jahrhundert.

Das Problem der Persönlichkeit wird als Hauptproblem der romantischen Musik in einem neuen Licht - in ihrem Konflikt mit der Außenwelt - dargestellt. Der romantische Held ist immer allein. Thema Einsamkeit- vielleicht das beliebteste in der gesamten romantischen Kunst. Oft wird damit der Gedanke an verbunden kreative Persönlichkeit: ein Mensch ist einsam, wenn er gerade ein herausragender, begabter Mensch ist. Ein Künstler, ein Dichter, ein Musiker sind die Lieblingsfiguren in den Werken der Romantiker (Schumanns Die Dichterliebe).

Die Aufmerksamkeit für Gefühle führt zu einem Genrewechsel - die dominierende Position wird von Texten eingenommen, die von dominiert werden Bilder der Liebe.

Sehr oft verflochten mit dem Thema "lyrische Beichte" Thema Natur. In Resonanz mit dem Geisteszustand einer Person, ist es normalerweise von einem Gefühl der Disharmonie geprägt. Die Entwicklung der Gattung und der lyrisch-epischen Symphonik ist eng mit den Naturbildern verbunden (eine der ersten Kompositionen ist Schuberts „große“ Symphonie in C-Dur).

Die eigentliche Entdeckung romantischer Komponisten war Fantasy-Thema. Zum ersten Mal hat die Musik gelernt, fabelhaft-phantastische Bilder in einer reinen Form zu verkörpern musikalische Mittel. Komponisten der Romantik haben gelernt, die Fantasiewelt als etwas ganz Bestimmtes zu vermitteln (mit Hilfe ungewöhnlicher Orchester- und Harmonikfarben). IN der höchste Grad charakteristisch für die musikalische Romantik interessiert an Volkskunst . Wie die romantischen Dichter, die die literarische Sprache auf Kosten der Folklore bereicherten und aktualisierten, wandten sich die Musiker weitgehend der nationalen Folklore zu - Volkslieder, Balladen, Epos (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg, etc.). Bilder verkörpern nationale Literatur, Geschichten, heimische Natur, sie stützten sich auf die Intonationen und Rhythmen der nationalen Folklore, belebten die alten diatonischen Modi wieder. Unter dem Einfluss der Folklore hat sich der Inhalt der europäischen Musik dramatisch verändert.

„Der Tod hat hier einen reichen Schatz begraben, aber noch schönere Hoffnungen“ – diese Grabinschrift des Dichters Grillparzer ist auf einem bescheidenen Denkmal gemeißelt Franz Schubert auf dem Wiener Friedhof.

Tatsächlich wurde einem Musiker, der in seinem genialen Talent einzigartig ist, vom Schicksal eine beleidigend kurze Lebensspanne zugeteilt - nur einunddreißig Jahre. Aber die Intensität seiner Kreativität war wirklich erstaunlich. „Ich komponiere jeden Morgen; Wenn ich ein Stück beendet habe, beginne ich mit einem neuen“, gab der Komponist zu. Er scheint es eilig zu haben, in Erwartung, wie wenig Zeit ihm zur Verfügung steht, er trennt sich auch nachts nicht von seiner Brille, so dass er, erwacht von einer anderen musikalischen Idee, die ihn erleuchtet hat, sie sofort niederschreibt. Schubert schrieb seine erste Symphonie mit 16 Jahren, dann zwei – mit 18, zwei – mit 19 … Die geniale h-Moll-Symphonie mit dem Titel „Unvollendete“ schrieb er mit 25 Jahren! Für jemand anderen ist die Jugend der Beginn einer Reise, aber für ihn ist es der Höhepunkt kreativer Reife. Lieder – ein Genre, in dem der Komponist am ehesten sein eigenes, neues Wort, das Wort eines romantischen Komponisten, sagen konnte – wurden manchmal bis zu einem Dutzend am Tag geboren, und Schubert hat insgesamt über 600 davon!

Es war das Lied mit seiner rein Schubertschen Reinheit, herzlichen Aufrichtigkeit, erhabenen Einfachheit, das die Originalität seines gesamten Werkes bestimmte, die Welt seiner Klavierstücke, Kammerensembles, Symphonien und Werke anderer Gattungen durchdrang und nährte.

F. Schubert wurde 1797 am Stadtrand von Wien - Lichtental geboren. Sein Vater, ein Schullehrer, stammte aus einer Bauernfamilie, in der sie sehr musikbegeistert und ständig arrangierten musikalische Abende. Daran beteiligte sich auch der kleine Franz, der in Streichquartetten den Bratschenpart übernahm. Die Natur hat Franz gegeben schöne Stimme Als der Junge elf Jahre alt war, wurde er daher in eine Sträflingsanstalt gebracht - eine Schule für die Ausbildung von Kirchenchorsängern.

Im Gefängnis studierend, in einem Studentenorchester spielend und manchmal auch als Dirigent tätig, komponierte Schubert selbst viel und mit großem Enthusiasmus. Seine herausragenden Fähigkeiten erregten die Aufmerksamkeit des berühmten Hofkomponisten Salieri, bei dem Schubert ein Jahr lang studierte.

Der Wunsch von Schuberts Vater, seinen Sohn zu seinem Nachfolger zu machen, scheiterte. Nach dreijähriger Tätigkeit als Lehrerassistentin Grundschule, ein junger Musiker, verließ diesen Bereich, ein bescheidenes, aber verlässliches Einkommen und widmete sich ganz der Kreativität. Völlige materielle Unordnung, Not und Entbehrung – nichts konnte ihn aufhalten.

Um Schubert formiert sich ein Kreis begabter junger Menschen, Künstler, Dichter, Musiker, die sich leidenschaftlich für Kunst und Politik interessieren. Manchmal waren diese Treffen ganz der Musik Schuberts gewidmet und erhielten daher den Namen „Schubertiade“.

Schuberts Musik fand jedoch zu seinen Lebzeiten keine breite öffentliche Resonanz, während die brillante und unterhaltsame Musik von I. Strauss, Lanner ein großer Erfolg war, keine einzige Oper von Schubert wurde zur Produktion angenommen, keine einzige seiner Symphonien von einem Orchester aufgeführt.

Und doch erkannten und verliebten sie sich in Wien in Schuberts Musik. Großen Anteil daran hatte ein herausragender Sänger Johann Michael Vogl, der Schuberts Lieder zur Begleitung des Komponisten selbst perfekt zur Geltung brachte. Dreimal unternahmen sie Konzertreisen in die Städte Österreichs und ihre Auftritte waren stets von großem Publikumsinteresse begleitet.

1828, kurz vor Schuberts Tod, fand das einzige Konzert zu Schuberts Lebzeiten statt, dessen Programm Werke verschiedener Gattungen umfasste. Das Konzert wurde durch die Bemühungen von Schuberts Freunden organisiert und war ein großer Erfolg, der den Komponisten inspirierte und mit großen Hoffnungen erfüllte. Aber diese wunderbaren Hoffnungen sollten nicht wahr werden.

Werke von F. Schubert:

Lieder, Sinfonien;

"Ave Maria";

"Serenade";

« Stürmischer Strom»;

Lieder nach Gedichten von Heine aus dem „Buch der Lieder“;

"Doppelt";

Symphonie in h-Moll („Unvollendete“).

Gesangszyklen: "The Beautiful Miller", "Winter Way"

Vielleicht gibt es keinen anderen Komponisten, der zu Recht den Titel eines großen, brillanten Künstlers erhalten hat und gleichzeitig fast ausschließlich Werke für ein Instrument geschaffen hat - für das Klavier. Im Gesicht verbunden Frederic Chopin Begabung eines Komponisten und Pianisten, schien ihn das Schicksal dazu bestimmt zu haben, die Seele dieses Instruments zu offenbaren, seine unerschöpflichen Ausdrucksmöglichkeiten, um neue, bisher unbekannte, wahrhaft romantische Genres der Klaviermusik zum Leben zu erwecken: Balladen, Nocturnes, Scherzos, Impromptu.

Sie nähren ihre Kreativität aus den Ursprüngen des Volkes Polnische Musik, erhebt Chopin einfach unprätentiös Volkstänze(Mazurkas, Polonaisen) bis zur Skala romantischer Gedichte, sättigt sie mit Drama, hoher Tragödie.

Chopins Werk ist eine brillante, perfekte Verkörperung in der Musik dramatisches Schicksal seine Heimat - Polen, ihr tragischer Kampf um ihre Unabhängigkeit und die Tragödie ihres eigenen, persönlichen Lebens, lebte getrennt von ihrer Heimat, von Verwandten und Freunden.

Fryderyk Chopin wurde 1810 in der Nähe von Warschau in der Stadt Zhelyazova Wola geboren, wo sein Vater als Hauslehrer auf dem Gut des Grafen Skarbek diente. Der Junge wuchs umgeben von Musik auf: Sein Vater spielte Geige und Flöte, seine Mutter sang gut und spielte Klavier.

Fryderyks musikalische Fähigkeiten zeigten sich schon sehr früh. Der erste Auftritt des kleinen Pianisten fand im Alter von sieben Jahren in Warschau statt. Gleichzeitig erschien eine seiner ersten Kompositionen, eine Polonaise für Klavier in g-Moll. Das schauspielerische Talent des Jungen entwickelte sich so schnell, dass Chopin im Alter von zwölf Jahren den besten polnischen Pianisten in nichts nachstand.

Nach seinem Abschluss am Lyceum trat Chopin in die Higher School of Music ein. Seinen Unterricht leitete der berühmte Lehrer und Komponist Joseph Elsner. Überliefert ist seine Kurzbeschreibung des jungen Musikers: „Erstaunliche Fähigkeiten. musikalisches Genie.

1830 unternahm der zwanzigjährige Musiker eine Konzertreise ins Ausland. Aus einer vorübergehenden Trennung von der Heimat wurde jedoch eine Trennung auf Lebenszeit. Die Niederlage des polnischen Aufstands und die anschließende Verfolgung und Repression schnitt Chopin den Weg zur Rückkehr ab. Er goss seine Trauer, Wut, Empörung in Musik aus. So entstand eine seiner größten Kreationen – eine Etüde in c-Moll mit dem Titel „Revolutionär“.

Von 1831 bis zu seinem Lebensende lebte Chopin in Paris. Aber Frankreich wurde nicht zur zweiten Heimat des Komponisten. Sowohl in seiner Zuneigung als auch in seiner Arbeit blieb Chopin ein Pole.

Sterbend vermachte Chopin sein Herz seiner Heimat. Dieses Testament wurde von seinen Verwandten ausgeführt. Aber eingemauert in der Kirche mit. Kreuz in Warschau Chopins Herz, ewig lebendig, zitternd und stolz, schlägt in seiner Musik, in seinen Präludien, Etüden, Walzern, Konzerten.

Werke von F. Chopin:

Mazurken, Polonäsen;

Werke Nr. 24, Nr. 2, Nr. 53;

Nocturnes, Fantasien, Improvisationen;

Etüde Nr. 12 "Revolutionär";

Als erster romantischer Komponist ist Schubert eine der tragischsten Figuren der Weltgeschichte. musikalische Kultur. Sein Leben, kurz und ereignislos, wurde abgebrochen, als er in der Blüte seines Lebens und seines Talents stand. Die meisten seiner Kompositionen hörte er nicht. Tragisch war in vielerlei Hinsicht auch das Schicksal seiner Musik. Unbezahlbare Manuskripte, teils von Freunden aufbewahrt, teils jemandem geschenkt, und manchmal einfach auf endlosen Reisen verloren, lange Zeit konnte nicht zusammengestellt werden. Es ist bekannt, dass die „Unvollendete“ mehr als 40 Jahre und die C-Dur-Symphonie elf Jahre auf ihre Aufführung gewartet hat. Die Wege, die Schubert in ihnen eröffnete, blieben lange Zeit unbekannt.

Schubert war ein jüngerer Zeitgenosse Beethovens. Beide lebten in Wien, ihr Schaffen fällt zeitlich zusammen: „Margarita am Spinnrad“ und „Waldzar“ sind gleich alt wie Beethovens 7. und 8. Symphonie, und seine 9. Symphonie erschien zeitgleich mit Schuberts „Unvollendeter“. Schubert ist ein Vertreter einer völlig neuen Künstlergeneration, wurde in einer Atmosphäre der Enttäuschung und Erschöpfung geboren, in einer Atmosphäre der schärfsten politischen Reaktion. Dass Schubert die gesamte Zeit seiner Schaffensreife in Wien verbrachte, bestimmte maßgeblich das Wesen seiner Kunst. In seiner Arbeit gibt es keine Werke, die sich auf den Kampf um eine glückliche Zukunft der Menschheit beziehen. Seine Musik ist nicht von heroischen Stimmungen geprägt. Von allgemeinmenschlichen Problemen, von der Neuordnung der Welt war zur Zeit Schuberts keine Rede mehr. Der Kampf um all das schien sinnlos. Das Wichtigste schien zu sein, Ehrlichkeit, spirituelle Reinheit, die eigenen Werte zu bewahren Seelenfrieden. So entstand eine künstlerische Bewegung namens „ Romantik". Das ist Kunst, in der zum ersten Mal ein Individuum mit seiner Einzigartigkeit, mit seinem Suchen, Zweifeln, Leiden den zentralen Platz einnahm. Schuberts Werk ist der Beginn der musikalischen Romantik. Sein Held ist der Held der neuen Zeit: nicht Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, kein Sprecher, kein aktiver Realitätswandler. Dies ist eine unglückliche, einsame Person, deren Hoffnungen auf Glück sich nicht erfüllen können. Der ideologische Kern der meisten Werke Schuberts ist die Kollision von Ideal und Wirklichkeit. Das Aufeinandertreffen von Traum und Wirklichkeit erhält jedes Mal eine individuelle Interpretation, aber in der Regel findet der Konflikt keine endgültige Lösung. Nicht der Kampf um die Durchsetzung eines positiven Ideals steht im Zentrum der Aufmerksamkeit des Komponisten, sondern die mehr oder weniger deutliche Aufdeckung von Widersprüchen. Dies ist der Hauptbeweis für Schuberts Zugehörigkeit zur Romantik. Sein Hauptthema war das Thema Entbehrung, tragische Hoffnungslosigkeit. Dieses Thema ist nicht erfunden, es ist dem Leben entnommen und spiegelt das Schicksal einer ganzen Generation inkl. und das Schicksal des Komponisten selbst. Wie bereits erwähnt, verbrachte Schubert seine kurze Karriere im tragischen Dunkel. Er war nicht von Erfolg begleitet, was für einen Musiker dieser Größenordnung selbstverständlich ist.

In der Zwischenzeit kreatives Erbe Schubert ist riesig. In Sachen Kreativität u künstlerischer Wert Musik kann dieser Komponist mit Mozart verglichen werden. Zu seinen Kompositionen zählen Opern (10) und Symphonien, Kammermusik und Kantaten-Oratorienwerke. Doch so herausragend Schuberts Beitrag zur Entwicklung verschiedener Musikgattungen auch sein mag, in der Musikgeschichte ist sein Name in erster Linie mit der Gattung verbunden Liebeslieder. Das Lied war das Element von Schubert, darin erreichte er das Unerhörte. Wie Asafiev feststellte, „was Beethoven auf dem Gebiet der Symphonie tat, tat Schubert auf dem Gebiet der Liedromantik ...“ komplette Montage Von Schuberts Kompositionen ist die Liederreihe mit einer riesigen Zahl vertreten - mehr als 600 Werke. Aber es geht nicht nur um die Quantität: Im Werk Schuberts wurde ein qualitativer Sprung vollzogen, der dem Lied in etlichen Musikgattungen einen völlig neuen Stellenwert einräumte. Die Gattung, die in der Kunst der Wiener Klassik eine offensichtlich untergeordnete Rolle spielte, wurde gleichberechtigt neben Oper, Sinfonie und Sonate.

Instrumentale Kreativität Schubert hat 9 Symphonien, über 25 Kammermusikwerke, 15 Klaviersonaten, viele Stücke für Klavier zu 2 und 4 Händen. Aufgewachsen in einer Atmosphäre des Live-Einflusses der Musik von Haydn, Mozart, Beethoven, die für ihn nicht Vergangenheit, sondern Gegenwart war, beherrschte Schubert überraschend schnell - bereits im Alter von 17-18 Jahren - die Traditionen der Wiener klassische Schule. In seinen ersten symphonischen, Quartett- und Sonatenexperimenten sind die Anklänge an Mozart besonders spürbar, insbesondere die 40. Symphonie (das Lieblingswerk des jungen Schubert). Schubert ist Mozart durch eine klar zum Ausdruck gebrachte lyrische Gesinnung nahe verwandt. Gleichzeitig fungierte er in vielerlei Hinsicht als Erbe der Haydnschen Traditionen, wie die Nähe zum Österreichisch-Deutschen beweist Volksmusik. Er übernahm von den Klassikern die Zusammensetzung des Zyklus, seine Teile, die Grundprinzipien der Organisation des Materials. Allerdings ordnete Schubert die Erfahrung der Wiener Klassik neuen Aufgaben unter.

Romantische und klassische Traditionen bilden in seiner Kunst eine einzige Verschmelzung. Schuberts Dramaturgie ist das Ergebnis eines besonderen Plans, in dem die lyrische Ausrichtung und der Gesang als Hauptentwicklungsprinzip vorherrschen. Schuberts sonatensymphonische Themen sind Liedern verwandt - sowohl in ihrer Intonationsstruktur als auch in der Art der Präsentation und Durchführung, rein instrumentalen Charakter. Schubert betont stark die Natur des Liedes

Franz Schubert. Romantik aus Wien

„Wie Mozart gehörte Schubert mehr allen –
Umwelt, Menschen, Natur als du selbst,
und seine Musik war sein Singen über alles, aber nicht persönlich über sich selbst ... "
B. Asafjew

Franz Peter Schubert wurde am 31. Jänner 1797 in Lichtental, einem Vorort von Wien, geboren. Seinen ersten Musikunterricht erhielt er von seinem Vater, Franz Theodor Schubert, einem Lehrer an der Lichtentaler Pfarrschule. Dann kam der Junge in die Obhut von Michael Holzer, dem Regenten der örtlichen Kirche und dem gütigsten alten Mann - er unterrichtete Schubert kostenlos Harmonielehre und Orgelspiel.

Mit elf Jahren trat Schubert als Chorknabe in die Kaiserkapelle ein und zog nach dem Abschied von seiner Heimat nach Wien (zum Glück war es von der Vorstadt in die Stadt ein Katzensprung). Jetzt lebte er im kaiserlich-königlichen Sträflingshaus - einem privilegierten Internat. Und er ging aufs Gymnasium. Davon träumte sein Vater.

Aber sein Leben war düster: Aufstehen im Morgengrauen, langes und ermüdendes Stehen auf den Kliros, allgegenwärtige Wächter, die immer wissen, wie sie einen Fehler für die Jungen finden, für den sie ausgepeitscht oder unzählige Male zum Wiederholen von Gebeten gezwungen werden sollten. Die Existenz von Franz, an die demütige Mentorschaft Holzers gewöhnt, wäre völlig aussichtslos gewesen, wenn es nicht neue Freunde gegeben hätte – sie wurden umso stärker und selbstloser Freunde, je mehr die Erzieher die Kinder zu Klatsch und Denunziation animierten, vermeintlich darauf abzielten "Die Seelen verlorener Kameraden retten."

Fünf Jahre (1808 - 1813), die der Komponist im Gefängnis verbrachte, wären für ihn unerträglich schwer gewesen, wenn er nicht gewesen wäre treue Freunde die er hier gefunden hat. Von links nach rechts F. Schubert, I. Yenger, A. Hüttenbrenner.

Und wenn da nicht die Musik wäre. Das Talent des jungen Schubert wurde vom Hofkapellmeister Antonio Salieri bemerkt. Auch nach seinem Schulabgang 1813 (da die Stimme des erwachsenen Sängers zu brechen begann und die nötige „Kristallität“ verlor) studierte er weiter bei ihm.

1814 fand in Wien ein Ereignis von großer Bedeutung statt - die Uraufführung von Beethovens Oper Fidelio fand statt. Überlieferungen zufolge verkaufte Schubert alle seine Schulbücher dieser Premiere beizuwohnen. Vielleicht war die Situation nicht so dramatisch, aber sicher ist, dass Franz Schubert bis zum Ende seines kurzen Lebens ein Beethoven-Fan blieb.

Dasselbe Jahr war für Schubert von prosaischeren Ereignissen geprägt. Er arbeitete an derselben Schule, an der sein Vater unterrichtete. Pädagogische Tätigkeit schien junger Musiker langweilig, undankbar, unendlich weit von seinen hohen Bedürfnissen entfernt. Aber er war sich bewusst, dass er einer Familie, die ohnehin kaum über die Runden kam, keine Last sein konnte.

Trotz aller Strapazen erwiesen sich die vier Jahre, die der Komponist der Lehre widmete, als sehr fruchtbar. Ende 1816 war Franz Schubert bereits Autor von fünf Sinfonien, vier Messen und vier Opern. Und vor allem - er fand ein Genre, das ihn bald verherrlichte. Ich fand ein Lied, in dem Musik und Poesie so magisch verschmolzen, zwei Elemente, ohne die sich der Komponist seine Existenz nicht vorstellen könnte.

In Schubert reifte derweil seine Entscheidung, die er 1818 in die Tat umsetzte. Er verließ die Schule und beschloss, seine ganze Kraft der Musik zu widmen. Dieser Schritt war mutig, wenn nicht leichtsinnig. Der Musiker hatte außer einem Lehrergehalt keine weiteren Einkünfte.

Alle zukünftiges Leben Schubert ist eine kreative Meisterleistung. Er erlebte große Not und Entbehrungen und schuf ein Werk nach dem anderen.

Armut und Not hinderten ihn daran, seine Freundin zu heiraten. Ihr Name war Teresa Coffin. Sie sang im Kirchenchor. Die Mutter des Mädchens setzte große Hoffnungen in ihre Ehe. Schubert konnte es natürlich nicht arrangieren. Du kannst mit Musik leben, aber nicht mit ihr. Und die Mutter gab ihre Tochter einem Zuckerbäcker zur Frau. Das war ein Schlag für Schubert.

Ein paar Jahre später kam ein neues Gefühl auf, noch hoffnungsloser. Er verliebte sich in eine Vertreterin einer der edelsten und wohlhabendsten Familien Ungarns - Caroline Esterhazy. Um zu verstehen, was der Komponist damals empfand, muss man die Zeilen seines Briefes an einen seiner Freunde lesen: „Ich fühle mich wie der elendste, elendste Mensch der Welt ... Stellen Sie sich einen Menschen vor, dessen glänzendste Hoffnungen sich in nichts verwandelt haben , dem Liebe und Freundschaft nichts bringen, außer dem tiefsten Leid, in dem die Inspiration für das Schöne (zumindest anregende Kreativität) zu verschwinden droht ... "

In diesen harte Zeiten Treffen mit Freunden wurde für Schubert zum Ventil. Junge Leute lernten Literatur und Poesie verschiedener Zeiten kennen. Die Aufführung von Musik wechselte sich mit der Lesung von Gedichten ab, begleitet von Tänzen. Manchmal waren solche Treffen der Musik Schuberts gewidmet. Sie fingen sogar an, sie "Schubertiaden" zu nennen. Der Komponist saß am Klavier und komponierte sofort Walzer, Ländler und andere Tänze. Viele von ihnen werden nicht einmal aufgezeichnet. Wenn er seine Lieder sang, erregte das immer die Bewunderung der Zuhörer.

Er wurde nie zu einem öffentlichen Konzert eingeladen. Bei Gericht war er nicht bekannt. Verleger, die seine Unpraktikabilität ausnutzten, zahlten ihm ein paar Cent, während sie selbst viel Geld verdienten. Und große Werke, die nicht sehr gefragt sein konnten, wurden überhaupt nicht veröffentlicht. Zufällig hatte er nichts für das Zimmer zu bezahlen und wohnte oft bei seinen Freunden. Er hatte kein eigenes Klavier, also komponierte er ohne Instrument. Er hatte kein Geld, um sich einen neuen Anzug zu kaufen. Es kam vor, dass er mehrere Tage hintereinander nur Cracker aß.

Der Vater behielt recht: Der Musikerberuf brachte Schubert keinen Ruhm, keinen durchschlagenden Erfolg, keinen Ruhm, kein Glück. Sie brachte nur Leid und Not.

Aber sie gab ihm das Glück der Kreativität, stürmisch, kontinuierlich, inspiriert. Er arbeitete systematisch, jeden Tag. „Ich komponiere jeden Morgen, wenn ich ein Stück beendet habe, beginne ich mit einem neuen“, gab der Komponist zu. Er komponierte sehr schnell und leicht, wie Mozart. Volle Liste Seine Werke umfassen mehr als tausend Nummern. Aber er lebte nur 31 Jahre!

Inzwischen wuchs Schuberts Ruhm. Seine Lieder sind in Mode gekommen. 1828 wurden seine wichtigsten Werke veröffentlicht, und im März desselben Jahres fand eines seiner bedeutendsten Konzerte statt. Mit dem Erlös kaufte sich Schubert ein Klavier. Er träumte so sehr davon, dieses "königliche Instrument" zu besitzen. Aber lange Zeit hatte er keine Gelegenheit, sich an der Übernahme zu erfreuen. Nur wenige Monate später erkrankte Schubert an Typhus. Er widerstand verzweifelt der Krankheit, machte Pläne für die Zukunft, versuchte im Bett zu arbeiten ...

Der Komponist starb am 19. November 1828 im Alter von 31 Jahren nach zweiwöchigem Fieber. Schubert wurde auf dem Zentralfriedhof neben dem Grab von Beethoven begraben, nicht weit vom Denkmal für Mozart, den Gräbern von Gluck, Brahms. I. Strauss - so erfolgte schließlich die volle Anerkennung des Komponisten.

Der damals bekannte Dichter Grillparzer schrieb auf einem bescheidenen Schubert-Denkmal auf dem Wiener Friedhof: „Der Tod begrub hier einen reichen Schatz, aber noch wundervollere Hoffnungen.“

Klänge von Musik

"Schönheit allein sollte einen Mann ein Leben lang inspirieren -
das ist wahr, aber der Glanz dieser Inspiration sollte alles andere erhellen ... "
F. Schubert

Achte Sinfonie h-Moll „Unvollendet“

Die Schicksale vieler großer Werke (sowie ihrer Autoren) sind voller Wechselfälle. Alle möglichen von ihnen fielen auf den Anteil der "Unvollendeten" Symphonie.

Freunde liebten die Lieder von Franz Schubert. Wie sanft sie klangen, wie unverkennbar die tiefsten Saiten der Seele berührten, diese Lieder! Aber hier ist die "große Form" ... Nein, die Freunde versuchten, den lieben Franz nicht zu verärgern, aber nein, nein, sie platzten untereinander heraus: "Das ist immer noch nicht von ihm."

Schubert schrieb die „Unvollendete Symphonie“ 1822-23. Und zwei Jahre später gab er ihre Partitur einem seiner besten und ältesten Freunde – Anselm Huttenbrenner. Damit ein Freund es der Gesellschaft der Musikfreunde der Stadt Graz schenken kann. Aber der Freund hat es nicht gesagt. Wahrscheinlich das Beste. In den Augen einer aufgeklärten Öffentlichkeit „den lieben Franz nicht blamieren“ wollen. Hüttenbrenner hat selbst Musik geschrieben (übrigens bevorzugt große Form). Er verstand sie. Und er sympathisierte nicht mit den symphonischen Bemühungen seines Schulfreundes.

So geschah es, dass einer von die besten Werke Schubert „existierte nicht“ bis 1865. Die Uraufführung von „Unfinished“ fand fast vierzig Jahre nach dem Tod des Komponisten statt. Dirigiert von Johann Gerbeck, der zufällig die Partitur der Symphonie entdeckte.

"Unfinished Symphony" besteht aus zwei Teilen. Eine klassische Symphonie ist immer eine viersätzige. Die Fassung, die der Komponist fertigstellen wollte, „um den erforderlichen Umfang zu ergänzen“, aber keine Zeit hatte, muss sofort verworfen werden. Skizzen zum dritten Teil sind erhalten geblieben - unsicher, zaghaft. Es war, als wüsste Schubert selbst nicht, ob diese Skizzenversuche notwendig waren. Zwei Jahre lang wurde die Partitur der Sinfonie in seinem Schreibtisch „gealtert“, bevor sie in die Hände des umsichtigen Huttenbrenners gelangte. In diesen zwei Jahren hatte Schubert Zeit, dafür zu sorgen, dass – nein, „fertig“ muss man nicht. In zwei Teilen der Symphonie drückte er sich vollständig aus, „sang“ in ihnen all seine Liebe zur Welt, all die Angst und Sehnsucht, die ein Mensch dazu verdammt ist, in dieser Welt zu schmachten.

Eine Person durchläuft zwei Hauptphasen im Leben - Jugend und Reife. Und in zwei Teilen von Schuberts Symphonie die Schärfe der Kollisionen mit dem Leben in der Jugend und die Tiefe des Verständnisses des Sinns des Lebens in der Reife. Eine ewige Verflechtung von Freude und Trauer, Leid und Lebensfreude.

Wie ein Gewitter – mit Windböen, fernen Donnerschlägen – beginnt Schuberts „Unvollendete Symphonie“.

Quintett in A-Dur "Forelle"

Auch das Forellenquintett (manchmal auch Forellenquintett genannt) ist wie die Unvollendete formal ungewöhnlich. Es besteht aus fünf (und nicht wie üblich vier) Stimmen und wird von Violine, Bratsche, Cello, Kontrabass und Klavier vorgetragen.

In der glücklichsten Zeit seines Lebens schrieb Schubert dieses Quintett. Es war 1819. Gemeinsam mit Vogl reist der Komponist durch Oberösterreich. Vogl, der aus diesen Teilen stammt, „teilt“ sie großzügig mit Schubert. Aber nicht nur die Freude am Kennenlernen neuer Orte und Menschen bescherte Schubert diese Reise. Erstmals war er persönlich davon überzeugt, dass er nicht nur in Wien, sondern in einem engen Freundeskreis bekannt war. Dass fast jedes auch nur ein bisschen „musikalische“ Haus handschriftliche Kopien seiner Lieder hat. Seine eigene Popularität überraschte ihn nicht nur, sie verblüffte ihn.

Im oberösterreichischen Steyr trafen Schubert und Vogl auf einen leidenschaftlichen Verehrer der Schubert-Lieder, den Industriellen Sylvester Paumgartner. Immer wieder bat er seine Freunde, ihm das Lied „Trout“ vorzutragen. Er konnte ihr endlos zuhören. Für ihn schrieb Schubert (der es über alles auf der Welt liebte, den Menschen Freude zu bereiten) das Forellen Quintett, in dessen viertem Teil die Melodie des Liedes Trout erklingt.

Im Quintett brodelt die junge Energie über. Impulsive Träume weichen Traurigkeit, Traurigkeit weicht wieder Träumen, dem klangvollen Seinsglück, das erst mit zweiundzwanzig möglich ist. Das Thema des vierten Satzes, einfach, fast naiv, anmutig geführt von der Violine, spritzt mit vielen Variationen. Und die „Forelle“ endet mit einem hemmungslosen, spritzigen Tanz, inspiriert von Schubert, wohl von den Tänzen der oberösterreichischen Bauern.

"Ave Maria"

Die überirdische Schönheit dieser Musik machte das Gebet an die Jungfrau Maria Schuberts beliebteste religiöse Komposition. Es gehört zu den nichtkirchlichen Romanzen-Gebeten, die von romantischen Komponisten geschaffen wurden. In der Bearbeitung für Gesang und Knabenchor wird die Reinheit und Unschuld der Musik betont.

"Serenade"

Ein wahres Juwel der Gesangstexte ist F. Schuberts „Serenade“. Dieses Werk ist eines der strahlendsten und verträumtesten in Schuberts Schaffen. Die sanfte Tanzmelodie wird von einem charakteristischen Rhythmus begleitet, der den Klang einer Gitarre nachahmt, denn zur Begleitung einer Gitarre oder einer Mandoline wurden Ständchen gesungen schöne Geliebte. Eine Melodie, die seit fast zwei Jahrhunderten die Seele begeistert...

Serenaden waren Werke, die abends oder nachts auf der Straße (der italienische Ausdruck "al sereno" bedeutet es im Freien) vor dem Haus desjenigen aufgeführt wurden, dem die Serenade gewidmet ist. Meistens - vor dem Balkon einer schönen Dame.

Präsentation

Im Komplekt:

1. Präsentation, ppsx;
2. Musikklänge:
Schubert. "Unvollendete" Symphonie, mp3;
Schubert. Serenade, mp3;
Schubert. Ave Maria, mp3;
Schubert. Quintett in A-Dur "Forelle", Satz IV, mp3;
3. Begleitartikel, docx.

Als erster romantischer Komponist ist Schubert eine der tragischsten Figuren in der Geschichte der weltweiten Musikkultur. Sein Leben, kurz und ereignislos, wurde abgebrochen, als er in der Blüte seines Lebens und seines Talents stand. Die meisten seiner Kompositionen hörte er nicht. Tragisch war in vielerlei Hinsicht auch das Schicksal seiner Musik. Unbezahlbare Manuskripte, teils von Freunden aufbewahrt, teils geschenkt, teils einfach auf endlosen Reisen verloren, konnten lange Zeit nicht zusammengetragen werden. Es ist bekannt, dass die „Unvollendete“ mehr als 40 Jahre und die C-Dur-Symphonie elf Jahre auf ihre Aufführung gewartet hat. Die Wege, die Schubert in ihnen eröffnete, blieben lange Zeit unbekannt.

Schubert war ein jüngerer Zeitgenosse Beethovens. Beide lebten in Wien, ihr Schaffen fällt zeitlich zusammen: „Margarita am Spinnrad“ und „Waldzar“ sind gleich alt wie Beethovens 7. und 8. Symphonie, und seine 9. Symphonie erschien zeitgleich mit Schuberts „Unvollendeter“. Nur anderthalb Jahre liegen zwischen Schuberts Tod und Beethovens Todestag. Dennoch ist Schubert ein Vertreter einer völlig neuen Künstlergeneration. Entstand Beethovens Schaffen unter dem Einfluss der Ideen der Großen Französischen Revolution und verkörperte deren Heroismus, so entstand Schuberts Kunst in einer Atmosphäre der Enttäuschung und Erschöpfung, in einer Atmosphäre schärfster politischer Reaktion. Es wurde 1814/15 vom Wiener Kongress initiiert. Vertreter der Staaten, die den Krieg mit Napoleon gewannen, schlossen sich damals in der sogenannten. "Heilige Allianz", deren Hauptziel die Unterdrückung revolutionärer und nationaler Befreiungsbewegungen war. Die führende Rolle in der „Heiligen Allianz“ gehörte Österreich, genauer gesagt dem österreichischen Regierungschef, Bundeskanzler Metternich. Er war es, und nicht der passive, willensschwache Kaiser Franz, der das Land tatsächlich regierte. Metternich war der wahre Schöpfer des österreichischen autokratischen Systems, dessen Kern darin bestand, jegliche Manifestationen freien Denkens im Keim zu ersticken.

Dass Schubert die gesamte Zeit seiner Schaffensreife im Wien Metternichs verbrachte, bestimmte maßgeblich das Wesen seiner Kunst. In seiner Arbeit gibt es keine Werke, die sich auf den Kampf um eine glückliche Zukunft der Menschheit beziehen. Seine Musik ist nicht von heroischen Stimmungen geprägt. Von allgemeinmenschlichen Problemen, von der Neuordnung der Welt war zur Zeit Schuberts keine Rede mehr. Der Kampf um all das schien sinnlos. Das Wichtigste schien zu sein, Ehrlichkeit, spirituelle Reinheit, die Werte der eigenen spirituellen Welt zu bewahren. So wurde eine künstlerische Bewegung namens geboren « Romantik". Das ist Kunst, in der zum ersten Mal die individuelle Persönlichkeit mit ihrer Einzigartigkeit, mit ihren Suchen, Zweifeln, Leiden im Mittelpunkt stand. Schuberts Werk ist der Beginn der musikalischen Romantik. Sein Held ist ein Held der Neuzeit: keine Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, kein Redner, kein aktiver Realitätsveränderer. Dies ist eine unglückliche, einsame Person, deren Hoffnungen auf Glück sich nicht erfüllen können.

Der grundlegende Unterschied zwischen Schubert und Beethoven war Inhalt seine Musik, sowohl vokal als auch instrumental. Der ideologische Kern der meisten Werke Schuberts ist die Kollision von Ideal und Wirklichkeit. Das Aufeinanderprallen von Traum und Wirklichkeit erhält jedes Mal eine individuelle Deutung, in der Regel aber Der Konflikt ist nicht endgültig gelöst. Nicht der Kampf um die Durchsetzung eines positiven Ideals steht im Zentrum der Aufmerksamkeit des Komponisten, sondern die mehr oder weniger deutliche Aufdeckung von Widersprüchen. Dies ist der Hauptbeweis für Schuberts Zugehörigkeit zur Romantik. Sein Hauptthema war Thema Entbehrung, tragische Hoffnungslosigkeit. Dieses Thema ist nicht erfunden, es ist dem Leben entnommen und spiegelt das Schicksal einer ganzen Generation inkl. und das Schicksal des Komponisten selbst. Wie bereits erwähnt, verbrachte Schubert seine kurze Karriere im tragischen Dunkel. Er war nicht von Erfolg begleitet, was für einen Musiker dieser Größenordnung selbstverständlich ist.

Mittlerweile ist das kreative Erbe von Schubert enorm. Hinsichtlich der Intensität des Schaffens und der künstlerischen Bedeutung der Musik ist dieser Komponist mit Mozart zu vergleichen. Zu seinen Kompositionen zählen Opern (10) und Symphonien, Kammermusik und Kantaten-Oratorienwerke. Doch so herausragend Schuberts Beitrag zur Entwicklung verschiedener Musikgattungen auch sein mag, in der Musikgeschichte ist sein Name in erster Linie mit der Gattung verbunden Lieder- Romantik(Deutsch Gelogen). Das Lied war das Element von Schubert, darin erreichte er das Unerhörte. Asafiev bemerkte, "Was Beethoven auf dem Gebiet der Symphonie vollbracht hat, hat Schubert auf dem Gebiet der Liedromantik vollbracht..." In der Gesamtsammlung von Schuberts Werken ist die Liederreihe mit einer riesigen Zahl vertreten – mehr als 600 Werke. Aber es geht nicht nur um die Quantität: Im Werk Schuberts wurde ein qualitativer Sprung vollzogen, der dem Lied in etlichen Musikgattungen einen völlig neuen Stellenwert einräumte. Die Gattung, die in der Kunst der Wiener Klassik eine offensichtlich untergeordnete Rolle spielte, wurde gleichberechtigt neben Oper, Sinfonie und Sonate.

Instrumentales Schaffen Schuberts

Schuberts Instrumentalwerk umfasst 9 Sinfonien, über 25 Kammermusikwerke, 15 Klaviersonaten, viele Stücke für Klavier zu 2 und 4 Händen. Aufgewachsen in einer Atmosphäre des Live-Einflusses der Musik von Haydn, Mozart, Beethoven, die für ihn nicht Vergangenheit, sondern Gegenwart war, beherrschte Schubert überraschend schnell - bereits im Alter von 17-18 Jahren - die Traditionen der Wiener klassische Schule. In seinen ersten symphonischen, Quartett- und Sonatenexperimenten sind die Anklänge an Mozart besonders spürbar, insbesondere die 40. Symphonie (das Lieblingswerk des jungen Schubert). Schubert ist eng mit Mozart verwandt klar zum Ausdruck gebrachte lyrische Denkweise. Gleichzeitig fungierte er in vielerlei Hinsicht als Erbe der Haydnschen Traditionen, was seine Nähe zur österreichisch-deutschen Volksmusik belegt. Er übernahm von den Klassikern die Zusammensetzung des Zyklus, seine Teile, die Grundprinzipien der Organisation des Materials. Allerdings ordnete Schubert die Erfahrung der Wiener Klassik neuen Aufgaben unter.

Romantische und klassische Traditionen bilden in seiner Kunst eine einzige Verschmelzung. Schuberts Dramaturgie ist das Ergebnis eines besonderen Plans, der von geprägt ist lyrische Orientierung und Gesang als Hauptprinzip der Entwicklung. Schuberts sonatensymphonische Themen sind dem Lied verwandt – sowohl in der Intonationsstruktur als auch in der Art der Darstellung und Durchführung. Auch die Wiener Klassiker, allen voran Haydn, schufen oft liedmelodische Themen. Der Einfluss des Songwritings auf das Instrumentaldrama insgesamt war jedoch begrenzt – die Entwicklungsentwicklung der Klassiker ist rein instrumental. Schubert betont auf jede erdenkliche Weise den Liedcharakter der Themen:

• erläutert sie oft in einer geschlossenen Repriseform, die einem fertigen Lied gleicht (GP I der Sonate A-dur);
• entwickelt sich mit Hilfe vielfältiger Wiederholungen, varianten Transformationen im Gegensatz zu der für die Wiener Klassik traditionellen symphonischen Durchführung (motivationelle Isolation, Sequenzierung, Auflösung in allgemeine Bewegungsformen);
• auch das Verhältnis der Stimmen des Sonaten-Symphonie-Zyklus wird anders - die ersten Teile werden oft in gemächlichem Tempo vorgetragen, wodurch der traditionelle klassische Kontrast zwischen dem schnellen und energischen ersten Teil und dem langsamen lyrischen zweiten Teil signifikant wird geglättet.

Die Kombination von scheinbar Unvereinbarem - Miniatur mit Tonleiter, Lied mit Symphonie - ergab sich vollkommen neuer Typ Sonaten-Symphonie-Zyklus - lyrisch-romantisch.