Was ist die Schaffung einer idealen Stadt? Das Bild der Stadt während der Renaissance

Die Schaffung einer idealen Stadt quälte Wissenschaftler und Architekten aus verschiedenen Ländern und Epochen, doch die ersten Versuche, eine solche Stadt zu entwerfen, gab es in der Renaissance. Zwar arbeiteten Wissenschaftler am Hofe der Pharaonen und römischen Kaiser, deren Arbeiten darauf abzielten, eine Art ideale Siedlung zu schaffen, in der nicht nur alles klar der Hierarchie gehorchen würde, sondern auch in der es für beide Herrscher angenehm wäre, zu leben und der einfache Handwerker. Erinnern Sie sich zumindest an Akhetaten, Mohenjo-Daro oder an ein fantastisches Projekt, das Stasikrates Alexander dem Großen vorgeschlagen hatte, wonach er vorschlug, eine Statue eines Kommandanten vom Berg Athos mit einer Stadt auf seinem Arm zu schnitzen. Das einzige Problem bestand darin, dass diese Siedlungen entweder auf dem Papier blieben oder zerstört wurden. Die Idee, eine ideale Stadt zu entwerfen, kam nicht nur Architekten, sondern auch vielen Künstlern. Es gibt Hinweise darauf, dass Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana und viele andere daran beteiligt waren.

Piero della Francesco war seinen Zeitgenossen vor allem als Autor von Kunstabhandlungen bekannt. Nur drei davon sind uns überliefert: „Abhandlung über den Abakus“, „Perspektive in der Malerei“, „Fünf regelmäßige Körper“. Er war es, der als Erster die Frage nach der Schaffung einer idealen Stadt aufwarf, in der alles mathematischen Berechnungen unterliegen würde, was Konstruktionen mit klarer Symmetrie versprach. Aus diesem Grund schreiben viele Gelehrte Pierrot das Bild „Ansicht einer idealen Stadt“ zu, das perfekt in die Prinzipien der Renaissance passt.

Leon Battista Alberti kam der Umsetzung eines solchen Großprojekts am nächsten. Zwar gelang es ihm nicht, seine Idee vollständig zu verwirklichen, aber er hinterließ zahlreiche Zeichnungen und Notizen, denen zufolge andere Künstler in Zukunft das erreichen konnten, was Leon nicht gelang. Insbesondere Bernardo Rosselino fungierte als Ausführender vieler seiner Projekte. Doch Leon setzte seine Prinzipien nicht nur schriftlich um, sondern auch am Beispiel vieler der von ihm errichteten Gebäude. Im Grunde handelt es sich dabei um zahlreiche Paläste, die für Adelsfamilien konzipiert wurden. In seiner Abhandlung „Über die Architektur“ offenbart der Architekt sein eigenes Beispiel einer idealen Stadt. Der Wissenschaftler schrieb dieses Werk bis zu seinem Lebensende. Es wurde posthum veröffentlicht und war das erste gedruckte Buch, das die Probleme der Architektur offenlegte. Laut Leon musste die ideale Stadt alle Bedürfnisse eines Menschen widerspiegeln und auf alle seine humanistischen Bedürfnisse eingehen. Und das ist kein Zufall, denn der führende philosophischer Gedanke in der Renaissance gab es einen anthropozentrischen Humanismus. Die Stadt sollte in Viertel unterteilt werden, die nach einem hierarchischen Prinzip oder nach der Art der Beschäftigung unterteilt würden. In der Mitte, auf dem Hauptplatz, befindet sich ein Gebäude, in dem sich die Macht der Stadt konzentrieren würde, sowie die Hauptkathedrale und Häuser von Adelsfamilien und Stadtverwaltern. Näher am Stadtrand befanden sich die Häuser von Kaufleuten und Handwerkern, und die Armen lebten direkt an der Grenze. Eine solche Anordnung der Gebäude stellte laut dem Architekten ein Hindernis für die Entstehung verschiedener sozialer Unruhen dar, da die Häuser der Reichen von den Wohnungen der armen Bürger getrennt würden. Ein weiterer wichtiger Planungsgrundsatz besteht darin, dass die Bedürfnisse aller Bürgergruppen berücksichtigt werden müssen, damit sowohl der Herrscher als auch der Geistliche in dieser Stadt bequem leben können. Es sollte alle Gebäude enthalten, von Schulen und Bibliotheken bis hin zu Märkten und Thermalbädern. Wichtig ist auch die öffentliche Zugänglichkeit solcher Gebäude. Selbst wenn wir alle ethischen und sozialen Grundsätze einer idealen Stadt ignorieren, bleiben äußere, künstlerische Werte bestehen. Der Grundriss musste regelmäßig sein, wonach die Stadt durch gerade Straßen in klare Viertel unterteilt war. Generell sollten alle architektonischen Strukturen untergeordnet sein geometrische Formen und entlang der Linie gezeichnet. Die Quadrate waren entweder rund oder rechteckig. Nach diesen Grundsätzen wurden in alten Städten wie Rom, Genua und Neapel die alten mittelalterlichen Straßen teilweise abgerissen und neue großzügige Viertel gebaut.

In einigen Abhandlungen findet sich eine ähnliche Bemerkung über die Freizeit der Menschen. Es betraf hauptsächlich Jungen. Es wurde vorgeschlagen, in den Städten Spielplätze und Kreuzungen so zu errichten, dass spielende Jugendliche unter ständiger Aufsicht von Erwachsenen stehen, die sie ungehindert beobachten können. Ziel dieser Vorsichtsmaßnahmen war es, junge Menschen zur Besonnenheit zu erziehen.

Die Kultur der Renaissance lieferte in vielerlei Hinsicht Anlass für weitere Überlegungen zur Struktur der idealen Stadt. Dies galt insbesondere für die Humanisten. Nach ihrer Weltanschauung sollte alles für den Menschen, für sein angenehmes Dasein, geschaffen werden. Wenn alle diese Bedingungen erfüllt sind, wird ein Mensch sozialen Frieden und spirituelles Glück erlangen. Daher in solchen
Die Gesellschaft kann einfach a priori keine Kriege oder Unruhen haben. Die Menschheit hat sich im Laufe ihres Bestehens auf ein solches Ergebnis zubewegt. Erinnern Sie sich zumindest an das berühmte „Utopia“ von Thomas More oder „1984“ von George Orwell. Werke dieser Art beeinflussten nicht nur funktionale Merkmale, sondern dachten auch über die Beziehungen, Ordnung und Struktur der darin lebenden Gemeinschaft nach Lokalität, nicht unbedingt die Stadt, vielleicht sogar die Welt. Diese Grundlagen wurden jedoch bereits im 15. Jahrhundert gelegt, sodass wir mit Sicherheit sagen können, dass die Wissenschaftler der Renaissance umfassend gebildete Menschen ihrer Zeit waren.

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Bundesanstalt für Eisenbahnverkehr

sibirisch Staatliche Universität Kommunikationsmittel

Abteilung „Philosophie“

KÜNSTLERISCHE BILDER DER RENAISSANCE

Aufsatz

In der Disziplin „Kulturologie“

Kopf entworfen

Professor Student Gr. D-111

Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.

(Unterschrift) (Unterschrift)

08.12.2012

(Datum der Inspektion) (Datum der Einreichung zur Inspektion)

Jahr 2012

Einführung

Die Renaissance gilt als eine der hellsten Perioden in der Geschichte der Entwicklung der europäischen Kultur. Wir können sagen, dass die Wiederbelebung ein Ganzes ist Kulturzeitalter im Übergangsprozess vom Mittelalter zur Neuzeit, in dem ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, ein Wandel) stattfand. Mit der Ausrottung der Mythologie sind grundlegende Veränderungen verbunden.

Trotz des Ursprungs des Begriffs Renaissance (fr. Renaissance, „Renaissance“) gab es keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht sein. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte auf der Grundlage der Lehren der Antike Innovationen ein. Er hat nicht alle antiken Genres wieder zum Leben erweckt, sondern nur diejenigen, die für die Bestrebungen seiner Zeit und Kultur charakteristisch waren. Die Renaissance verband eine neue Lesart der Antike mit einer neuen Lesart des Christentums.

Die Relevanz des gewählten Themas ergibt sich aus der Verbindung zwischen Neuzeit und Renaissance – es handelt sich um eine Revolution vor allem im Wertesystem, in der Bewertung von allem Existierenden und in Bezug darauf.

Der Hauptzweck der Arbeit besteht darin, die grundlegenden Veränderungen aufzuzeigen, die im Weltbild der größten Persönlichkeiten der betrachteten Ära stattgefunden haben.

1. Kultur der Renaissance

XIII-XVI Die Jahrhunderte waren eine Zeit großer Veränderungen in Wirtschaft, Politik und Kultur. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks sowie später der Übergang zur Manufakturproduktion veränderten das Gesicht des mittelalterlichen Europas.

Städte rückten in den Vordergrund. Nicht lange zuvor befanden sich die mächtigsten Kräfte der mittelalterlichen Welt – das Imperium und das Papsttum – in einer tiefen Krise. IN XVI Jahrhundert wurde das verfallende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkrieges in Deutschland und des Niederländischen Aufstands.

Der Übergangscharakter der Epoche, der in allen Lebensbereichen stattfindende Prozess der Befreiung von den mittelalterlichen Pfaden, gleichzeitig die immer noch unterentwickelte Entwicklung der kapitalistischen Verhältnisse, konnte die Merkmale nur beeinflussen künstlerische Kultur und ästhetisches Denken der Zeit.

Laut A. V. Stepanov gingen alle Veränderungen im gesellschaftlichen Leben mit einer umfassenden Erneuerung der Kultur einher – dem Aufblühen der Naturwissenschaften und der exakten Wissenschaften, der Literatur in den Landessprachen, bildende Kunst. Diese Erneuerung hatte ihren Ursprung in den Städten Italiens und erfasste dann auch andere europäische Länder. Der Autor glaubt, dass sich nach dem Aufkommen des Buchdrucks beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung literarischer und literarischer Werke eröffneten wissenschaftliche Arbeiten und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern trugen zur Durchdringung neuer künstlerischer Trends bei.

Dies bedeutete nicht, dass das Mittelalter vor neuen Trends zurücktrat: Traditionelle Ideen blieben im Massenbewusstsein erhalten. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen und nutzte dabei ein mittelalterliches Mittel – die Inquisition. Die Idee der Freiheit des Menschen blieb in einer in Klassen gespaltenen Gesellschaft bestehen. Die feudale Form der Abhängigkeit der Bauern verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, Mitteleuropa) kam es zu einer Rückkehr zur Leibeigenschaft. Das Feudalsystem zeigte eine große Vitalität. Jedes europäische Land hat es auf seine eigene Art und Weise gelebt chronologischer Rahmen. Kapitalismus lange Zeit existierte als Lebensform und deckte nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land ab. Die patriarchalische mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch der Vergangenheit anzugehören.

Die großen geographischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. Zum Beispiel im Jahr 1492. H. Kolumbus überquerte auf der Suche nach einem Weg nach Indien den Atlantik, landete in der Nähe der Bahamas und entdeckte einen neuen Kontinent – ​​Amerika. Im Jahr 1498 Der spanische Reisende Vasco da Gama brachte seine Schiffe nach seiner Umrundung Afrikas erfolgreich an die Küste Indiens. MIT XVI V. Die Europäer dringen in China und Japan vor, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Ab 1510 beginnt die Eroberung Amerikas. IN XVII V. Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich verändert: Weltreise F. Magellan bestätigte die Vermutung, dass es die Form einer Kugel hat.

An die Stelle der Verachtung für alles Irdische tritt nun ein leidenschaftliches Interesse an der realen Welt, am Menschen, am Bewusstsein für die Schönheit und Erhabenheit der Natur, was durch die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance nachgewiesen werden konnte. Der im Mittelalter unbestreitbare Vorrang der Theologie vor der Wissenschaft wird durch den Glauben an die unbegrenzten Möglichkeiten des menschlichen Geistes erschüttert, der zum höchsten Maß an Wahrheit wird. Vertreter der neuen säkularen Intelligenz betonten das Interesse am Menschlichen im Gegensatz zum Göttlichen und nannten sich Humanisten, wobei sie dieses Wort vom Konzept von „ studia humanitanis „, also das Studium von allem, was mit der menschlichen Natur und seiner geistigen Welt zusammenhängt.

Für die Werke und Kunst der Renaissance gilt die Idee eines freien Wesens mit Grenzenlosigkeit kreative Möglichkeiten. Es wird mit dem Anthropozentrismus in der Ästhetik der Renaissance und dem Verständnis des Schönen, des Erhabenen, des Heroischen in Verbindung gebracht. Das Prinzip einer schönen künstlerischen und kreativen menschlichen Persönlichkeit wurde von den Theoretikern der Renaissance mit dem Versuch kombiniert, alle Arten von Proportionen, Symmetrien und Perspektiven mathematisch zu berechnen.

Ästhetisch und künstlerisches Denken dieser Epoche setzt zum ersten Mal auf die menschliche Wahrnehmung als solche und auf das Sinnliche das wahre Bild Frieden. Auffallend ist hier auch der subjektivistisch-individualistische Durst nach Lebensempfindungen, unabhängig von deren religiöser und moralischer Interpretation, obwohl letztere grundsätzlich nicht geleugnet wird. Die Ästhetik der Renaissance konzentriert die Kunst auf die Nachahmung der Natur. An erster Stelle steht hier jedoch nicht so sehr die Natur, sondern der Künstler, der in seiner schöpferischen Tätigkeit mit Gott verglichen wird.

E. Chamberlin hält Vergnügen für eines der wichtigsten Prinzipien für die Wahrnehmung von Kunstwerken, da dies auf einen bedeutenden demokratischen Trend im Gegensatz zum scholastischen „Lernen“ bisheriger ästhetischer Theorien hinweist.

Das ästhetische Denken der Renaissance beinhaltet nicht nur die Idee der Verabsolutierung des menschlichen Individuums im Gegensatz zur göttlichen Persönlichkeit im Mittelalter, sondern auch ein gewisses Bewusstsein für die Grenzen eines solchen Individualismus, basierend auf der absoluten Selbstbestätigung von der Einzelne. Daher die Motive der Tragödie, die in den Werken von W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo usw. zu finden sind. Dies ist die widersprüchliche Natur einer Kultur, die sich von den alten mittelalterlichen Absolutheiten entfernt hat, aber aufgrund historischer Umstände noch keine neuen gefunden hat zuverlässige Fundamente.

Die Verbindung zwischen Kunst und Wissenschaft ist einer der Charakteristische Eigenschaften Kultur. Künstler suchten Unterstützung in den Wissenschaften und förderten oft ihre Entwicklung. Die Renaissance ist geprägt von der Entstehung von Künstler-Wissenschaftlern, unter denen Leonardo da Vinci den ersten Platz einnimmt.

Daher ist es eine der Aufgaben der Renaissance, dass der Mensch eine Welt voller göttlicher Schönheit begreift. Die Welt zieht einen Menschen an, weil er von Gott vergeistigt ist. Aber in der Renaissance gab es einen anderen Trend: Das Gefühl eines Menschen für die Tragödie seiner Existenz.

2. Das Bild der Welt und des Menschen in den Werken großer Meister Renaissance

Der Begriff „Renaissance“ (Übersetzung des französischen Begriffs „Renaissance“) weist auf die Verbindung der neuen Kultur mit der Antike hin. Als Ergebnis der Bekanntschaft mit dem Osten, insbesondere mit Byzanz, in dieser Zeit Kreuzzüge Die Europäer lernten alte humanistische Manuskripte, verschiedene Denkmäler antiker bildender Kunst und Architektur kennen. Alle diese Antiquitäten wurden teilweise nach Italien transportiert, wo sie gesammelt und untersucht wurden. Aber auch in Italien selbst gab es viele antike römische Denkmäler, die auch von Vertretern der italienischen städtischen Intelligenz sorgfältig untersucht wurden. In der italienischen Gesellschaft entstand ein tiefes Interesse an den klassischen alten Sprachen, der antiken Philosophie, Geschichte und Literatur. Eine besonders wichtige Rolle in dieser Bewegung spielte die Stadt Florenz. Aus Florenz kamen eine Reihe herausragender Persönlichkeiten der neuen Kultur.

Unter Verwendung der antiken Ideologie, die einst in den im wirtschaftlichen Sinne lebendigsten Städten der Antike geschaffen wurde, verarbeitete das neue Bürgertum sie auf seine eigene Weise und formulierte seine neue Weltanschauung, die der zuvor vorherrschenden Weltanschauung des Feudalismus scharf entgegengesetzt war. Der zweite Name der neuen italienischen Kultur – Humanismus – beweist dies.

Die humanistische Kultur stellte den Menschen selbst (Humanus – Mensch) in den Mittelpunkt und nicht das Göttliche, Jenseitige, wie es in der mittelalterlichen Ideologie der Fall war. Askese hatte im humanistischen Weltbild keinen Platz mehr. Der menschliche Körper, seine Leidenschaften und Bedürfnisse wurden nicht als etwas „Sündiges“ angesehen, das unterdrückt oder gequält werden musste, sondern als Selbstzweck, als das Wichtigste im Leben. Die irdische Existenz wurde als die einzig wahre anerkannt. Die Kenntnis der Natur und des Menschen wurde zum Wesen der Wissenschaft erklärt. Im Gegensatz zu den pessimistischen Motiven, die das Weltbild der mittelalterlichen Scholastiker und Mystiker dominierten, herrschten in der Weltanschauung und Stimmung der Menschen der Renaissance optimistische Motive vor; Sie waren geprägt vom Glauben an den Menschen, an die Zukunft der Menschheit, an den Triumph der menschlichen Vernunft und Aufklärung. An dieser großen neuen intellektuellen Bewegung beteiligte sich eine Konstellation bedeutender Dichter und Schriftsteller, Gelehrter und Künstler aller Art. Der Ruhm Italiens wurde durch so wunderbare Künstler gebracht: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffael, Tizian.

Die zweifellose Errungenschaft der Renaissance war der geometrisch korrekte Aufbau des Bildes. Der Künstler baute das Bild mit den von ihm entwickelten Techniken auf. Den Malern dieser Zeit ging es vor allem darum, die Proportionen der Objekte zu beachten. Sogar die Natur fiel unter mathematische Tricks.

Mit anderen Worten: Künstler der Renaissance versuchten, beispielsweise ein genaues Bild einer Person vor dem Hintergrund der Natur zu vermitteln. Wenn man es mit modernen Methoden vergleicht, ein gesehenes Bild auf einer Art Leinwand nachzubilden, dann wird höchstwahrscheinlich ein Foto mit anschließender Anpassung helfen, zu verstehen, was die Renaissance-Künstler anstrebten.

Renaissance-Maler glaubten, dass sie das Recht hätten, die Fehler der Natur zu korrigieren, das heißt, wenn eine Person hässliche Gesichtszüge hatte, korrigierten die Künstler diese so, dass das Gesicht süß und attraktiv wurde.

Abbildend biblische Geschichten, versuchten die Künstler der Renaissance deutlich zu machen, dass die irdischen Erscheinungsformen eines Menschen deutlicher dargestellt werden können, wenn sie gleichzeitig verwendet werden Bibelgeschichten. Sie können verstehen, was der Sündenfall, die Versuchung, die Hölle oder der Himmel ist, wenn Sie beginnen, sich mit der Arbeit der Künstler dieser Zeit vertraut zu machen. Das gleiche Bild der Madonna vermittelt uns die Schönheit einer Frau und vermittelt auch ein Verständnis der irdischen menschlichen Liebe.

So waren in der Kunst der Renaissance die Wege des wissenschaftlichen und künstlerischen Verständnisses von Welt und Mensch eng miteinander verflochten. Seine kognitive Bedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel es nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Abschluss

Die Renaissance oder Renaissance ist also eine Ära im Leben der Menschheit, die von einem kolossalen Aufstieg von Kunst und Wissenschaft geprägt ist. Die Renaissance proklamierte den Menschen als den höchsten Wert des Lebens.

In Kunst Hauptthema wurde ein Mann mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten.Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des New Age und veränderte alle wichtigen Kunstarten radikal.

In der Architektur haben sich neue Typen öffentlicher Gebäude entwickelt.Die Malerei wurde durch lineare und bereichert Aerial Perspektive Kenntnisse über die Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers.Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Erhöhtes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Es gab ein Bild, es gab ein Gemälde Ölfarben. Die schöpferische Individualität des Künstlers stand in der Kunst an erster Stelle.

In der Kunst der Renaissance waren die Wege der wissenschaftlichen und künstlerischen Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten.Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Zweifellos ist die Renaissance eine der schönsten Epochen in der Geschichte der Menschheit.

REFERENZLISTE

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5. CHAMBERLIN E. DAS ZEITALTER DER RENAISSANCE. LEBEN, RELIGION, KULTUR / E. CHAMBERLIN, CENTERPOLYGRAPH, 2006. 240 S.

Einführung

Wiederbelebung als neue Weltanschauung und ein neues Kunst Stil entstand Ende des 14. Jahrhunderts in Italien. Die ersten städtebaulichen Ideen stellten die Stadt als architektonische Einheit nach einem vorgegebenen Plan dar. Unter dem Einfluss dieser Ideen entstanden in italienischen Städten anstelle der schmalen und krummen mittelalterlichen Gassen gerade, breitere Straßen mit großen Gebäuden.

Die Anordnung und Architektur der Plätze während der Renaissance nahm im 15.-16. Jahrhundert Gestalt an. in Rom und anderen großen italienischen Städten.

In dieser Zeit wurden hier mehrere Städte nach neuen städtebaulichen Grundsätzen wieder aufgebaut. In den meisten Fällen befanden sich Paläste in solchen Städten auf den zentralen Plätzen, was manchmal den Beginn dreistrahliger Kompositionen darstellte.

Renaissancestädte erhielten unter dem Einfluss gesellschaftlicher Veränderungen nach und nach neue Merkmale. Aufgrund des privaten Landbesitzes und der rückständigen Technologie war ein schneller Umzug von der Altstadt in die neue Stadt jedoch nicht möglich. In allen Epochen der Renaissance galten die Hauptbemühungen der Stadtplaner der Entwicklung des Stadtzentrums – des Platzes und der nächstgelegenen Viertel. Während der Blütezeit der monarchischen Staaten im 18. Jahrhundert. Den Ensembles der zentralen Plätze der Städte wurde als Hauptdekoration eine herausragende Bedeutung beigemessen. Stadtplätze hatten meist geometrisch korrekte Umrisse.

War die Architektur antiker griechischer und römischer Plätze durch Säulen und Portiken geprägt, so wurden für die Plätze der Renaissance die Arkaden zu neuen Elementen, die sich gleichzeitig mit der Entwicklung ganzer Platzsysteme entwickelten.

In den meisten mittelalterlichen Städten fehlte dekoratives Grün. In den Gärten der Klöster wurden Obstgärten angelegt; Obstgärten oder Weinberge der Stadtbewohner lagen hinter der Stadtbefestigung. in Paris im 18. Jahrhundert. Gassen, beschnittenes Grün, Blumengartenparterres erscheinen. Die Parks der Schlösser und Burgen befanden sich jedoch in Privatbesitz. Öffentliche Gärten entstanden in den meisten europäischen Städten erst Ende des 18. Jahrhunderts.

Wasserbecken stellten im Mittelalter im Wesentlichen ein Hindernis für die Entwicklung der Stadt dar, teilten ihre Bezirke und dienten eher praktischen Zwecken. Seit dem 18. Jahrhundert Flüsse wurden als Verbindungselemente von Städten und unter günstigen Bedingungen als Kompositionsachsen genutzt. Ein anschauliches Beispiel ist die kluge städtebauliche Nutzung der Flüsse Newa und Newka in St. Petersburg. Der Bau von Brücken und Dämmen festigte diese Richtung in der Stadtplanung.

Im Mittelalter wurde die Skyline der Stadt maßgeblich durch die spitzen Türme der Stadtverwaltungen, Kirchen und öffentlichen Gebäude bestimmt. Die Silhouette der Stadt wurde durch viele kleine und einige dominante Vertikalen bestimmt. Im Zusammenhang mit dem neuen künstlerischen Verständnis der Stadtsilhouette wurden hochmittelalterliche Dächer nach und nach beseitigt, Renaissancebauten wurden durch Dächer mit Attika und Balustraden ergänzt.

Mit zunehmender Größe von Gebäuden und neuen Arten von Abdeckungen wird die Silhouette der Stadt durch Kuppeln mit glatten Umrissen aufgeweicht, die eine dominierende Rolle in den Panoramen der Städte einnehmen. Ihr Wandel wurde maßgeblich von Gärten und Parks beeinflusst, deren Bäume die Gebäude weitgehend verdecken.

Die Architekten der Renaissance nutzten in der Stadtplanung strenge Ausdrucksmittel: harmonische Proportionen, die Größe eines Menschen als Maß für die ihn umgebende architektonische Umgebung.

Der ideologische Kampf des aufstrebenden italienischen Bürgertums gegen mittelalterliche Religions-, Moral- und Rechtsformen führte zu einer breiten fortschrittlichen Bewegung – dem Humanismus. Der Humanismus basierte auf bürgerschaftlichen lebensbejahenden Prinzipien: dem Wunsch, die menschliche Persönlichkeit von spirituellen Zwängen zu befreien, dem Wissensdurst über die Welt und den Menschen selbst und daraus resultierend ein Verlangen nach weltlichen Formen. öffentliches Leben, der Wunsch nach Erkenntnis der Gesetze und Schönheit der Natur, nach einer allumfassenden harmonischen Verbesserung des Menschen. Diese Veränderungen in der Weltanschauung führten zu einer Revolution in allen Bereichen des spirituellen Lebens – Kunst, Literatur, Philosophie, Wissenschaft. Bei ihren Aktivitäten stützten sich Humanisten weitgehend auf antike Ideale und belebten oft nicht nur Ideen, sondern auch die Formen selbst wieder Ausdrucksmittel antike Werke. In dieser Hinsicht die kulturelle Bewegung Italiens im XV.-XVI. Jahrhundert. Renaissance oder Auferstehung genannt

Die humanistische Weltanschauung stimulierte die Entwicklung des Einzelnen und erhöhte seine Bedeutung im öffentlichen Leben. Der individuelle Stil des Meisters spielte in der Entwicklung von Kunst und Architektur eine zunehmende Rolle. Die Kultur des Humanismus hat eine ganze Galaxie brillanter Architekten, Bildhauer und Künstler wie Brunellesco, Leonardo da Vinci, Bramante, Raffael, Michelangelo, Palladio und andere hervorgebracht.

Streben nach Schöpfung perfektes Bild Der Mensch“ in Kombination mit der Suche nach Methoden der künstlerischen Entwicklung der Welt führte zu einer Art kognitivem Realismus der Renaissance, der auf einer engen Verbindung der Kunst mit einer sich schnell entwickelnden Wissenschaft beruhte. In der Architektur ist die Suche nach „idealen“ Gebäudeformen, basierend auf einer vollständigen und vollständigen Komposition, zu einem ihrer bestimmenden Trends geworden. Zusammen mit der Entwicklung neuer Arten ziviler und religiöser Gebäude schreitet die Entwicklung des architektonischen Denkens voran, es besteht ein dringender Bedarf an theoretischen Verallgemeinerungen moderner Erfahrungen, insbesondere historischer und vor allem antiker.

Drei Perioden der italienischen Renaissance

Die Architektur der Renaissance in Italien ist in drei Hauptperioden unterteilt: frühe, hohe und späte. Architekturzentrum Frührenaissance war die Toskana mit der Hauptstadt Florenz. Dieser Zeitraum umfasst das zweite Viertel und die Mitte des 15. Jahrhunderts. Als Beginn der Renaissance in der Architektur gilt das Jahr 1420, als mit dem Bau der Kuppel über der Florentiner Kathedrale begonnen wurde. Bauliche Errungenschaften, die zur Schaffung einer riesigen zentrischen Form führten, sind zu einer Art Symbol der Architektur des New Age geworden.

1. Zeit der Frührenaissance

Die frühe Renaissance in der Architektur ist vor allem durch die Gebäudeformen des berühmten Architekten und Ingenieurs Filippo geprägt Brunellesco (erste Hälfte des 15. Jahrhunderts). Insbesondere verwendete er im Waisenhaus in Florenz einen leichten Halbkreis anstelle eines Spitzbogens. Das für die gotische Architektur charakteristische Rippengewölbe begann einem neuen Design zu weichen – einem modifizierten Kastengewölbe. Die Spitzbogenformen des Bogens wurden jedoch noch bis zur Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet.

Eines der herausragenden Bauwerke Brunellescos war die riesige Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz, die seit dem 14. Jahrhundert unvollendet blieb.

In der vom Architekten geschaffenen Form einer großen Kuppel ist ein Anklang an den gotischen Spitzbogen erkennbar. Die Spannweite der Kuppel dieser Kathedrale ist groß – 42 m. Die aus Ziegeln gefertigten Gewölbe der Kuppel ruhen auf einem achteckigen Sockel aus Baumstämmen, die mit Eisenblechen ummantelt sind. Dank der erfolgreichen Lage der Kathedrale auf einem Hügel und ihrer hohen Höhe (115 m) verleiht ihr oberer Teil, insbesondere die Kuppel, dem architektonischen Panorama von Florenz Feierlichkeit und Originalität.

Die Zivilarchitektur nahm in der Architektur der italienischen Renaissance einen bedeutenden Platz ein. Es umfasst vor allem große Stadtpaläste (Palazzo), die neben Wohnraum auch für feierliche Empfänge gedacht waren. Mittelalterliche Paläste, die mit Hilfe von Marmorverkleidungen und Skulpturen nach und nach ihre strengen romanischen und gotischen Gewänder ablegten, erhielten ein fröhliches Aussehen.

Die Merkmale der Renaissancefassaden sind riesige, durch Säulen getrennte, gewölbte Fensteröffnungen, Rustisierung der ersten Stockwerke mit Steinen, obere Platten, große vorspringende Gesimse und fein gezeichnete Details. Im Gegensatz zu strengen Fassaden hat die Architektur heller Innenräume einen fröhlichen Charakter.

Zur Dekoration der Fassaden der Paläste der Frührenaissance wurden häufig Rustikierungen verwendet. Steine ​​zur Rustisierung hatten meist eine unbearbeitete (abgesplitterte) Vorderseite mit einem sauber behauenen Randstreifen. Mit zunehmender Geschosszahl nahm das Relief der Rustikation ab. Später blieb die Verzierung mit Rustika nur noch bei der Bearbeitung von Sockeln und an Gebäudeecken erhalten.

Im 15. Jahrhundert. Italienische Architekten verwendeten häufig die korinthische Ordnung. Oft kam es vor, dass mehrere Ordnungen in einem Gebäude kombiniert wurden: für die unteren Stockwerke eine dorische Ordnung und für die oberen Stockwerke eine Komposition aus Kapitellen, die in Proportionen und Muster dem ionischen Typ nahe kamen.

Eines der Beispiele der Palastarchitektur der Mitte des 15. Jahrhunderts. In Florenz kann der dreistöckige Medici-Ricardi-Palast dienen, der nach dem Projekt des Architekten Michelozzo di Bartolomeo in der Zeit von 1444 bis 1452 im Auftrag von Cosimo Medici, dem Herrscher von Florenz, erbaut wurde. Nach dem Schema der Fassade des Medici-Palastes wurden später Hunderte von Palästen in anderen Städten gebaut.

Eine Weiterentwicklung der Palastkomposition ist der Palazzo Rucchelai in Florenz erbaut 1446–1451 entworfen von Leon Battista Alberti (1404–1472). Wie das antike römische Kolosseum ist seine Fassade durch Ordnungen in Stockwerke unterteilt, mit einem Übergang von der einfachsten dorischen Ordnung in der unteren Etage zur subtileren und reichhaltigeren korinthischen Ordnung in der oberen Etage.

Der Eindruck der Aufhellung des Gebäudes nach oben, der im Palazzo Medici-Riccardi mit Hilfe der Rustizierung der Wände entstand, kommt hier in Form eines nach oben aufhellenden, abgestuften Ordnungssystems zum Ausdruck. Gleichzeitig korreliert das große krönende Gesims nicht mit der Höhe der oberen Etage, sondern mit der Höhe des gesamten Gebäudes, wodurch die Komposition die Merkmale von Vollständigkeit und Statik erhält. Bei der Entwicklung der Fassade sind traditionelle Motive erhalten geblieben: Doppelbogenfenster, die der mittelalterlichen Fensterform entstammen, Rustikierung der Wände, die allgemeine Monumentalität der Wolke usw.

Pazzi-Kapelle (1430-1443) – ein Kuppelbau im Innenhof des Klosters. In der Komposition der Fassade wurde eine durch eine Ordnung zergliederte innere Struktur dargestellt, wobei das Volumen der Halle mit einer Kuppel auf Segeln dominiert wurde. Die Kolonnade, die entlang der Achse durch einen Bogen geschnitten und durch eine fein zergliederte Attika vervollständigt wird, wird durch kartellierte Pilaster an der Innenwand der Loggia und hervorstehende Bogengliederungen an der gewölbten Decke ergänzt.

Die Übereinstimmung der Befehle und die Wiederholung kleiner Kuppeln in der Loggia und dem Altar tragen dazu bei organische Verbindung Fassade mit Innenraum. Die Wände im Inneren werden von flachen, aber farblich hervorgehobenen Pilastern zergliedert, die, in der Unterteilung der Gewölbe fortgeführt, eine Vorstellung von der Logik des Bauraums, dem tektonischen System, vermitteln. Die Ordnung entwickelt sich dreidimensional und betont die Einheit und Unterordnung der Hauptteile. Das optische „Gerüst“ prägt auch die Zergliederung der Kuppel von innen, die ein wenig an die Struktur der gotischen Nervengewölbe erinnert. Die Harmonie der Ordnungsformen und die Klarheit der tektonischen Struktur, Ausgewogenheit und Vergleichbarkeit mit dem Menschen sprechen jedoch vom Triumph neuer architektonischer Ideale über die Prinzipien des Mittelalters.

Neben Brunellesco und Michelozzo da Bartolomeo spielten auch andere Meister (Rosselino, Benedetto da Maiano usw.), deren Werk hauptsächlich mit der Toskana und Norditalien in Verbindung gebracht wurde, eine wichtige Rolle bei der Entwicklung neuer Architektur. Alberti, der neben dem Palazzo Ruccellai eine Reihe großer Bauwerke errichtete (die Fassade der Kirche Santa Maria Novella, die Kirche Sant'Andrea in Mantua usw.), vollendet diese Periode.

2. Die Zeit der Hochrenaissance

Die Zeit der Hochrenaissance umfasst das Ende des 15. bis zur ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt erlebte Italien aufgrund der Verlagerung der Haupthandelsrouten vom Mittelmeer zum Atlantik einen bekannten wirtschaftlichen Niedergang und einen Rückgang der Industrieproduktion. Oftmals kaufte das Bürgertum Land auf und verwandelte sich in Wucherer und Grundbesitzer. Der Prozess der Feudalisierung des Bürgertums geht mit einer allgemeinen Aristokratisierung der Kultur einher, der Schwerpunkt verlagert sich auf den Hofkreis des Adels: Herzöge, Fürsten, Päpste. Rom wird zum Zentrum der Kultur – zur Residenz der Päpste, die oft aus Vertretern der humanistisch gesinnten Aristokratie gewählt werden. In Rom sind gewaltige Bauarbeiten im Gange. In diesem Unterfangen des päpstlichen Hofes zur Steigerung des eigenen Ansehens erlebte die humanistische Gemeinschaft die Erfahrung, die Größe des antiken Roms und damit der Größe ganz Italiens wiederzubeleben. Am Hofe, der 1503 den Thron bestieg. Der Humanist von Papst Julius II. war das Werk der bedeutendsten Architekten – darunter Bramante, Raffael, Michelangelo, Antonio da Sangallo und andere.

In der Architektur dieser Zeit finden die Hauptmerkmale und Tendenzen der Renaissance ihren vollendeten Ausdruck. Es entstehen die vollkommensten zentrischen Kompositionen. Endlich nimmt der Typus des städtischen Palazzo Gestalt an, der in dieser Zeit nicht nur die Züge eines privaten, sondern auch öffentlichen Gebäudes annimmt und so in einem bestimmten Bereich zum Prototyp vieler späterer öffentlicher Gebäude wird. die Charakteristik überwinden frühe Periode Wiederbelebungskontrast (zwischen den architektonischen Merkmalen des äußeren Erscheinungsbildes des Palazzo und seines Innenhofs. Unter dem Einfluss einer systematischeren und archäologisch genaueren Kenntnis antiker Denkmäler werden die Ordnungskompositionen strenger: zusammen mit ionischen und korinthischen Ordnungen einfacher und monumentaler Ordnungen sind weit verbreitet – römisch-dorische und toskanische, und eine fein gestaltete Arkade auf Säulen weicht einer monumentaleren Ordnungsarkade. Im Allgemeinen erlangen die Kompositionen der Hochrenaissance größere Bedeutung, Strenge und Monumentalität. Das Problem der Schaffung eines regelmäßigen Stadtbildes Das Ensemble wird auf eine reale Basis gestellt. Landvillen werden als integrale architektonische Komplexe gebaut.

Der bedeutendste Architekt dieser Zeit war Donato d'Angelo Bramante (1444–1514). Das Bramante zugeschriebene Cancelleria-Gebäude (das wichtigste päpstliche Amt) in Rom – eines der herausragenden Palastgebäude – ist ein riesiges Parallelepiped mit einem rechteckigen, von Arkaden umgebenen Innenhof. Die harmonische Komposition der Fassaden entwickelt die im Palazzo Ruccellai festgelegten Prinzipien weiter, die rhythmische Gesamtstruktur schafft jedoch ein komplexeres und feierlicheres Bild. Das als Untergeschoss genutzte Erdgeschoss verstärkte den Kontrast durch eine leichte Decke. Rhythmisch angeordnete plastische Akzente, die durch große Öffnungen und sie umrahmende Platbands erzeugt wurden, erlangten in der Komposition große Bedeutung. Der Rhythmus der horizontalen Artikulationen wurde noch deutlicher.

Unter den religiösen Gebäuden von Bramante sticht eine kleine Kapelle namens Tempietto im Innenhof des Klosters San Pietro in Montrrio hervor. (1502) – ein Gebäude in einem eher engen Innenhof, der im Grundriss von einer kreisförmigen Arkade umgeben sein sollte.

Die Kapelle ist eine gewölbte Rotunde, die von einer römisch-dorischen Kolonnade umgeben ist. Das Gebäude zeichnet sich durch die Perfektion der Proportionen aus, die Ordnung wird streng und konstruktiv interpretiert. Im Vergleich zu den zentrischen Gebäuden der Frührenaissance, bei denen eine linear-flächige Wandbebauung vorherrscht (Pazzi-Kapelle), ist das Volumen von Tempietto plastisch: Seine geordnete Plastizität entspricht der tektonischen Integrität der Komposition. Der Kontrast zwischen dem monolithischen Kern der Rotunde und der Kolonnade, zwischen der Glätte der Wand und der Plastizität tiefer Nischen und Pilaster unterstreicht die Ausdruckskraft der Komposition, völlige Harmonie und Vollständigkeit. Trotz seiner geringen Größe vermittelt Tempietto den Eindruck von Monumentalität. Bereits von Zeitgenossen Bramantes wurde dieses Gebäude als eines der Meisterwerke der Architektur anerkannt.

Als Chefarchitekt am Hofe von Papst Julius II. Bramante ab 1505. arbeitet am Wiederaufbau des Vatikans. Es wurde ein grandioser Komplex aus Prunkgebäuden und feierlichen Höfen auf verschiedenen Ebenen konzipiert, der einer einzigen Achse untergeordnet ist und von der majestätischen Exedra des Belvedere abgeschlossen wird. In diesem im Wesentlichen ersten derart grandiosen Design wurde das Renaissance-Ensemble meisterhaft eingesetzt Kompositionstechniken antike römische Foren. päpstliche Residenz sollte mit einem anderen grandiosen Bauwerk in Rom verbunden werden – dem Petersdom, für dessen Bau ebenfalls das Bramante-Projekt übernommen wurde. Die Perfektion der zentralen Komposition und der grandiose Umfang des Projekts der Kathedrale von Peter Bramante geben Anlass, dieses Werk als Höhepunkt der Entwicklung der Renaissance-Architektur zu betrachten. Das Projekt sollte jedoch nicht in Form von Sachleistungen verwirklicht werden: Zu Bramantes Lebzeiten wurde erst mit dem Bau der Kathedrale begonnen, die ab 1546, 32 Jahre nach dem Tod des Architekten, auf Michelangelo übertragen wurde.

Der große Künstler und Architekt Rafael Santi beteiligte sich zusammen mit Bramante, der die berühmten Loggien des Vatikans baute und bemalte, am Wettbewerb für die Gestaltung des Petersdoms sowie am Bau und der Bemalung der Gebäude des Vatikans seinen Namen („Raphaels Loggien“) sowie eine Reihe bemerkenswerter Bauwerke sowohl in Rom selbst als auch außerhalb (der Bau und die Bemalung der Villa Madama in Rom, des Pandolfini-Palastes in Florenz usw.).

Einer der besten Schüler Bramantes – der Architekt Antonio da Sangallo Jr. – besitzt das Projekt des Palazzo Farnese in Rom , Die Entwicklung des Renaissance-Palastes wurde gewissermaßen abgeschlossen.

Bei der Gestaltung der Fassade wurde auf traditionelle Rustikationen und vertikale Gliederungen verzichtet. Auf der glatten, mit Ziegeln verputzten Oberfläche der Wand zeichnen sich deutlich breite, über die gesamte Fassade verlaufende horizontale Bänder ab; Als würden sie sich daran lehnen, sind die Fenster mit geprägten Architraven in Form einer antiken „Ädikula“ zu sehen. Die Fenster des ersten Stockwerks haben im Gegensatz zu den Florentiner Palästen die gleichen Abmessungen wie die Fenster der oberen Stockwerke. Das Gebäude wurde von der Festungsisolation befreit, die noch immer den Palästen der Frührenaissance innewohnt. Im Gegensatz zu den Palästen des 15. Jahrhunderts, wo der Hof von leichten Bogengalerien auf Säulen umgeben war, erscheint hier eine monumentale Ordnungsarkade mit Halbsäulen. Die Ordnung der Galerie ist etwas schwerer und erhält die Züge von Feierlichkeit und Repräsentativität. Der schmale Durchgang zwischen Hof und Straße wurde durch einen offenen „Vorraum“ ersetzt, der den Blick auf den Vorgarten freigibt.

3. Späte Periode Renaissance

Als Spätzeit der Renaissance gilt üblicherweise die Mitte und das Ende des 16. Jahrhunderts. Zu diesem Zeitpunkt hielt der wirtschaftliche Abschwung in Italien an. Die Rolle des feudalen Adels und der kirchlich-katholischen Organisationen nahm zu. Um die Reformation und alle Erscheinungsformen eines antireligiösen Geistes zu bekämpfen, wurde die Inquisition gegründet. Unter diesen Bedingungen begannen Humanisten Verfolgung zu erfahren. Ein erheblicher Teil von ihnen zog, verfolgt von der Inquisition, in die nördlichen Städte Italiens, insbesondere nach Venedig, das noch die Rechte einer unabhängigen Republik behielt, wo der Einfluss der religiösen Gegenreformation nicht so stark war. In diesem Zusammenhang während Spätrenaissance Am auffälligsten waren zwei Schulen – die römische und die venezianische. In Rom, wo der ideologische Druck der Gegenreformation die Entwicklung der Architektur sowie die Entwicklung der Prinzipien der Hochrenaissance stark beeinflusste, gibt es eine Abkehr von den Klassikern hin zu komplexeren Kompositionen, größerer Dekorativität und einer Verletzung der Klarheit der Formen, des Maßstabs und der Tektonizität. In Venedig blieb trotz des teilweisen Eindringens neuer Trends in die Architektur die klassische Grundlage der architektonischen Komposition besser erhalten.

Ein prominenter Vertreter der römischen Schule war der große Michelangelo Buonarroti (1475-1564). In seinen architektonischen Werken werden die Grundlagen eines für diese Zeit charakteristischen neuen Formverständnisses gelegt, das sich durch großen Ausdruck, Dynamik und plastische Ausdruckskraft auszeichnet. Sein Werk, das in Rom und Florenz stattfand, spiegelte mit besonderer Eindringlichkeit die Suche nach Bildern wider, die die allgemeine Krise des Humanismus und die innere Angst ausdrücken konnten, die die fortschrittlichen Kreise der Gesellschaft damals vor den drohenden Kräften der Reaktion erlebten. Als brillanter Bildhauer und Maler gelang es Michelangelo, leuchtende plastische Mittel zu finden, um die innere Stärke seiner Helden und ihren ungelösten Konflikt in der Kunst auszudrücken. Seelenfrieden, gigantische Anstrengungen im Kampf. Im architektonischen Schaffen entsprach dies der betonten Identifikation der Plastizität von Formen und ihrer intensiven Dynamik. Michelangelos Auftrag verlor oft seine tektonische Bedeutung und verwandelte sich in ein Mittel zur Wanddekoration, wodurch vergrößerte Massen entstanden, die den Menschen durch ihre Größe und Plastizität in Erstaunen versetzen. Michelangelo war gewissermaßen der Gründer und verstieß kühn gegen die architektonischen Prinzipien der Renaissance kreative Art und Weise, später in der Architektur des italienischen Barock aufgegriffen. Zum Größten architektonische Arbeit Michelangelo verweist auf die Fertigstellung des Petersdoms in Rom nach dem Tod Bramantes. Michelangelo, der ein zentrisches Schema zugrunde legte, das Bramantes Plan nahe kam, führte neue Merkmale in seine Interpretation ein: Er vereinfachte den Plan und verallgemeinerte den Innenraum, machte die Stützen und Wände massiver und fügte von der Westseite einen Portikus mit einer feierlichen Kolonnade hinzu Fassade. In der dreidimensionalen Komposition werden das ruhige Gleichgewicht und die Unterordnung der Räume von Bramantes Projekt in die betonte Dominanz der Hauptkuppel und des Unterkuppelraums übersetzt. Bei der Komposition der Fassaden wurden Klarheit und Einfachheit durch komplexere und große plastische Formen ersetzt, die Wände werden durch Leisten und Pilaster in großer Form zergliedert Korinthischer Orden mit mächtigem Gebälk und hoher Attika; Zwischen den Pilastern sind Fensteröffnungen, Nischen und verschiedene dekorative Elemente (Gesimse, Konsolen, Sandriks, Statuen usw.) sozusagen in die Pfeiler eingequetscht, was den Wänden eine fast skulpturale Plastizität verleiht.

In der Zusammensetzung der Medici-Kapelle In der Kirche San Lorenzo in Florenz (1520) verschmolzen der Innenraum und die Skulpturen von Michelangelo zu einem Ganzen. Skulpturale und architektonische Formen sind voller innerer Spannung und Dramatik. Ihre scharfe emotionale Ausdruckskraft überwiegt die tektonische Grundlage, die Ordnung wird als Element der allgemeinen skulpturalen Konzeption des Künstlers interpretiert.

Einer der herausragenden römischen Architekten der Spätrenaissance ist auch Vignola, der Autor der Abhandlung „Die Regel der fünf Ordnungen der Architektur“. Die bedeutendsten seiner Werke sind das Schloss von Caprarola und die Villa von Papst Julius II. . In der Renaissance erfährt der Typus der Villa einen Wandel bedeutende Entwicklung mit einer Änderung seines Funktionsinhalts verbunden. Schon zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Es war ein Landsitz, der oft von Mauern umgeben war und manchmal sogar Wehrtürme besaß. Bis zum Ende des 15. Jahrhunderts. Die Villa wird ab dem 16. Jahrhundert zu einem Ort der Landruhe für wohlhabende Bürger (Villa Medici bei Florenz). Es wird oft zur Residenz großer Feudalherren und höherer Geistlicher. Die Villa verliert ihre Intimität und nimmt den Charakter einer frontal-axialen Struktur an, die sich zur umgebenden Natur hin öffnet.

Ein Beispiel für diesen Typ ist die Villa von Papst Julius II. Seine streng axiale und rechteckige Komposition in seinen äußeren Umrissen senkt sich in Felsvorsprüngen den Berghang hinab und schafft so etwas schwieriges Spiel offene, halboffene und geschlossene Räume in verschiedene Ebenen. Die Komposition ist von den antiken römischen Foren und Höfen des Vatikans beeinflusst.

Die herausragenden Meister der venezianischen Schule der Spätrenaissance waren Sansovino, der das Gebäude der Bibliothek von San Marco in Venedig (begonnen im Jahr 1536) errichtete – ein wichtiger Bestandteil des bemerkenswerten Ensembles des venezianischen Zentrums und die meisten heller Vertreter die klassische Schule der Renaissance – der Architekt Palladio.

Die Aktivitäten von Andrea Palladio (1508 - 1580) fanden hauptsächlich in der Stadt Vicenza unweit von Venedig statt, wo er Palastgebäude und Villen errichtete, sowie in Venedig, wo er hauptsächlich Kirchengebäude errichtete. Sein Wirken in zahlreichen Bauwerken war eine Reaktion auf die antiklassizistischen Tendenzen der Spätrenaissance. In dem Bemühen, die Reinheit der klassischen Prinzipien zu bewahren, verlässt sich Palladio auf die reiche Erfahrung, die er bei der Erforschung des antiken Erbes gesammelt hat. Er versucht, nicht nur Ordnungsformen, sondern ganze Elemente und sogar Gebäudetypen der Antike wiederzubeleben. Die strukturgetreue Ordnung des Portikus wird zum Hauptthema vieler seiner Werke.

In der Villa Rotonda , In der Nähe von Vicenza erbaut (Baubeginn 1551), erreichte der Meister eine außergewöhnliche Integrität und Harmonie der Komposition. Auf einem Hügel gelegen und von weitem gut sichtbar, bilden die vier Fassaden der Villa mit allseitigen Portiken zusammen mit der Kuppel eine klare zentrische Komposition.

In der Mitte befindet sich eine runde Kuppelhalle, von der aus Ausgänge unter den Portiken führen. Breite Portikustreppen verbinden das Gebäude mit umliegende Natur. Die zentrische Komposition spiegelt den allgemeinen Anspruch der Architekten der Renaissance nach absoluter Vollständigkeit der Komposition, Klarheit und Geometrie der Formen, der harmonischen Verbindung einzelner Teile mit dem Ganzen und der organischen Verschmelzung des Gebäudes mit der Natur wider.

Aber dieses „ideale“ Kompositionsschema blieb einzigartig. Beim eigentlichen Bau zahlreicher Villen achtete Palladio stärker auf das sogenannte dreiteilige Schema, bestehend aus dem Hauptvolumen und einstöckigen Ordnungsgalerien, die sich von diesem zu den Seiten erstrecken und der Kommunikation mit den Dienstleistungen des Anwesens und dienen Gestaltung des Vorhofs vor der Fassade der Villa. Es war dieses Schema eines Landhauses, das später zahlreiche Anhänger beim Bau von Herrenpalästen fand.

Im Gegensatz zur freien Entwicklung der Volumen von Landvillen weisen Palladios Stadtpaläste meist eine strenge und lakonische Komposition mit einer großformatigen und monumentalen Hauptfassade auf. Der Architekt verwendet häufig einen Großauftrag und interpretiert ihn als eine Art „Säulen-Wand“-System. Ein markantes Beispiel ist der Palazzo Capitanio (1576), dessen Wände mit Säulen großer zusammengesetzter Ordnung mit einem mächtigen, lockeren Gebälk verziert sind. Das in Form eines Überbaus (Dachgeschoss) ausgebaute Obergeschoss verlieh dem Gebäude Vollständigkeit und Monumentalität,

Palladio nutzte in seinen Stadtpalästen auch häufig die zweistufige Aufteilung der Fassaden mit Ordnungen sowie eine Anordnung auf einem hohen, rostigen Kellergeschoss – eine Technik, die zuerst von Bramante verwendet wurde und später in der klassizistischen Architektur weit verbreitet war.

Abschluss

Die moderne Architektur verhehlt bei der Suche nach Formen ihrer eigenen stilistischen Ausprägung nicht, dass sie sich des historischen Erbes bedient. Am häufigsten bezieht sie sich auf jene theoretischen Konzepte und Gestaltungsprinzipien, die in der Vergangenheit die größte stilistische Reinheit erreicht haben. Manchmal scheint es sogar so, als ob alles, was das 20. Jahrhundert zuvor erlebte, in neuer Form zurückkehrte und sich schnell wieder wiederholte.

Vieles, was ein Mensch in der Architektur schätzt, bezieht sich nicht so sehr auf eine sorgfältige Analyse einzelner Teile eines Objekts, sondern auf sein synthetisches, ganzheitliches Bild, auf den Bereich der emotionalen Wahrnehmung. Das heißt, Architektur ist Kunst oder enthält auf jeden Fall Elemente der Kunst.

Manchmal wird Architektur als Mutter der Künste bezeichnet, was bedeutet, dass sich Malerei und Bildhauerei lange Zeit in einer untrennbaren organischen Verbindung mit der Architektur entwickelten. Der Architekt und der Künstler hatten in ihrer Arbeit schon immer viele Gemeinsamkeiten und manchmal verstanden sie sich auch gut in einer Person. antiker griechischer Bildhauer Phidias gilt zu Recht als einer der Schöpfer des Parthenon. Der anmutige Glockenturm der Hauptkathedrale von Florenz, Santa Maria del Fiore, wurde „nach der Zeichnung“ des großen Malers Giotto erbaut. Michelangelo, der als Architekt, Bildhauer und Maler gleichermaßen großartig war. Auch im architektonischen Bereich war Raphael erfolgreich tätig. Ihr Zeitgenosse, der Maler Giorgio Vasari, baute die Uffizien in Florenz. Eine solche Synthese der Talente des Künstlers und Architekten fand sich nicht nur bei den Titanen der Renaissance, sie prägte auch die neue Zeit. Der Engländer William Morris und der Belgier Van de Velde leisteten einen großen Beitrag zur Entwicklung der modernen Architektur. Corbusier war ein talentierter Maler und Alexander Vesnin ein brillanter Theaterkünstler. Sowjetische Künstler K. Malewitsch und L. Lissitzky experimentierten interessanterweise mit architektonischen Formen, und ihr Kollege und Zeitgenosse Wladimir Tatlin wurde zum Autor legendäres Projekt Türme der 111 International. Der Autor des berühmten Projekts des Palastes der Sowjets, der Architekt B. Iofan, gilt zusammen mit der bemerkenswerten sowjetischen Künstlerin Vera Mukhina zu Recht als Co-Autor der Skulptur „Arbeiterin und Kolchosmädchen“.

Grafische Darstellung und dreidimensionale Gestaltung sind die Hauptmittel, mit denen der Architekt seine Entscheidungen sucht und verteidigt. Öffnung Geradlinige Perspektive während der Renaissance prägte aktiv das Raumkonzept der Architektur dieser Zeit. Letztendlich führte das Verständnis der linearen Perspektive zur Verknüpfung von Fläche, Treppen und Gebäuden zu einer einzigen Raumkomposition und anschließend zur Entstehung von Riesen Architekturensembles Barock und hoher Klassizismus. Viele Jahre später hatten die Experimente kubistischer Künstler großen Einfluss auf die Entwicklung der architektonischen Formengestaltung. Sie versuchten, ein Objekt aus verschiedenen Blickwinkeln darzustellen, seine dreidimensionale Wahrnehmung durch Überlagerung mehrerer Bilder zu erreichen, die Möglichkeiten der räumlichen Wahrnehmung durch die Einführung einer vierten Dimension – der Zeit – zu erweitern. Diese dreidimensionale Wahrnehmung diente als Ausgangspunkt für die formale Suche nach moderner Architektur, die der flachen Fassade ein komplexes Spiel aus frei im Raum liegenden Volumen und Flächen gegenüberstellte.

Skulptur und Malerei erlangten nicht sofort eine Unabhängigkeit von der Architektur. Zunächst waren sie nur Elemente einer architektonischen Struktur. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis sich das Gemälde von der Wand oder der Ikonostase löste. Am Ende der Renaissance drängen sich auf der Piazza della Signoria in Florenz noch immer schüchtern Skulpturen um die Gebäude, als hätten sie Angst, völlig mit den Fassaden zu brechen. Michelangelo stellt den ersten Platz Reiterstandbild im Zentrum des Kapitolinischen Platzes in Rom. Wir schreiben das Jahr 1546. Seitdem erwirbt das Denkmal, die monumentale Skulptur die Rechte eines eigenständigen Elements der Komposition, das den Stadtraum organisiert. Zwar lebt die skulpturale Form noch einige Zeit an den Wänden des architektonischen Bauwerks weiter, doch diese letzten Spuren des „ehemaligen Luxus“ verschwinden nach und nach von ihnen.

Corbusier bestätigt diese Komposition moderner Architektur mit seiner charakteristischen Sicherheit: „Ich erkenne weder Skulptur noch Malerei als Dekoration an. Ich gebe zu, dass beides beim Betrachter tiefe Emotionen hervorrufen kann, genauso wie Musik und Theater auf einen wirken – es hängt alles von der Qualität des Werkes ab, aber ich bin definitiv gegen Dekoration. Betrachtet man andererseits ein architektonisches Werk und insbesondere die Plattform, auf der es errichtet ist, erkennt man, dass bestimmte Stellen des Gebäudes selbst und um es herum bestimmte intensive mathematische Orte sind, die sich sozusagen als Schlüssel erweisen auf die Proportionen des Werkes und seiner Umgebung. Dies sind die Orte höchster Intensität, und an diesen Orten kann der konkrete Zweck des Architekten verwirklicht werden – sei es in Form eines Pools, eines Steinblocks oder einer Statue. Wir können sagen, dass an diesem Ort alle Bedingungen für eine Rede, die Rede eines Künstlers, eine plastische Rede, vereint sind.

Das Problem, eine ideale Stadt zu schaffen, war trotz der heutigen Relevanz in der fernen Ära der Renaissance (XIV.-16. Jahrhundert) besonders akut. Dieses Thema wird durch das Prisma der Philosophie des Anthropozentrismus zum Leitthema in der Stadtplanungskunst dieser Zeit. Ein Mann mit seinen Bedürfnissen nach Glück, Liebe, Luxus, Komfort, Bequemlichkeit, mit seinen Gedanken und Ideen wird zum Maßstab dieser Zeit, zum Symbol des wiederauflebenden alten Geistes, der dazu berufen ist, diesen Mann mit einem Großbuchstaben zu besingen. Er bewegt das kreative Denken der Renaissance auf die Suche nach einzigartigen, manchmal utopischen, architektonischen und philosophischen Lösungen für das Problem der Stadtbildung. Letzterer beginnt eine neue Rolle zu spielen, er wird als geschlossener, zusammenhängender Raum wahrgenommen, eingezäunt und anders als die Natur, in dem das gesamte Leben eines Menschen stattfindet.

In diesem Raum sollten sowohl die physischen als auch die ästhetischen Bedürfnisse und Wünsche einer Person vollständig berücksichtigt werden und Aspekte des menschlichen Aufenthalts in der Stadt wie Komfort und Sicherheit sollten vollständig berücksichtigt werden. Neu Feuerarme machte wehrlose mittelalterliche Steinbefestigungen. Dies gab beispielsweise das Aussehen von Mauern mit Erdbastionen entlang der Stadtränder vor und bestimmte scheinbar eine bizarre sternförmige Linie von Stadtbefestigungen. Es entsteht eine allgemeine Erweckungsvorstellung von der „idealen Stadt“ – der Stadt, in der es sich am bequemsten und sichersten leben lässt. Mit einem Wort, solche Trends sind dem modernen Architekten nicht fremd, aber die Renaissance markierte damals eine neue Grenze, einen neuen Lebenshauch im Geist des Schöpfers und etablierte gewisse Unbekannte. frühere Kriterien, Standards und Stereotypen, deren Konsequenzen heute in der Suche nach einer idealen Stadt spürbar sind.

Die ersten Studien in diesem Sinne wurden von Mark Vitruv (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts v. Chr.), einem Architekten und Ingenieur in der Armee von Julius Cäsar, durchgeführt – in seiner Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ stellte Vitruv das Problem der goldenen Mitte zwischen Theorie und Praxis, beschrieb die Grundbegriffe der Ästhetik, der Proportionalität des Gebäudes und der Person, zum ersten Mal in der Geschichte untersuchte er das Problem der musikalischen Akustik von Räumlichkeiten.

Vitruv selbst hinterließ kein Bild der idealen Stadt, dies wurde jedoch von vielen Forschern und Nachfolgern seiner Ideen hinterlassen, von denen aus, wie oft erwähnt, die Renaissance selbst begann.

Aber Argumente über die ideale Stadt und ihre Konzepte haben ihren Ursprung in den Abhandlungen antiker griechischer Philosophen – daher lohnt es sich für eine Sekunde, sich einer etwas früheren Epoche zuzuwenden, als wir es in Betracht ziehen – der Antike.

Sfortsinda – typische Bogenhäuser. Filarete (Zeichnung von Leonardo da Vinci)

Der jahrhundertealte Prozess des Aufbaus von Stadtstaaten in der Hauptstadt des antiken Griechenlands, Athen, wurde in den Schriften der beiden größten Philosophen der Antike zusammengefasst: Platon (428 – 348 v. Chr.) und Aristoteles (384 – 322 v. Chr.).

So war der idealistische Philosoph Platon, der mit den aristokratischen Kreisen seiner Zeit verbunden war, Anhänger eines streng regulierten Staatssystems, nicht umsonst besaß er auch die Geschichte des mythischen Landes Atlantis, das von einem König und Archonten regiert wurde . In der Interpretation Platons war Atlantis der historische Prototyp jenes idealen Stadtstaates, den er in seinen Werken „Der Staat“ und „Gesetze“ thematisierte.

Zurück zur Renaissance, sagen wir mal Leon Batista Alberti, der erste wahre Theoretiker der Stadtplanung in der Geschichte der Menschheit, der ausführlich beschreibt, „wie man eine Stadt baut“, angefangen bei der Wahl eines Ortes bis hin zu seiner inneren Struktur . Alberti schrieb: „Schönheit ist eine streng proportionale Harmonie aller Teile, die durch ihre Zugehörigkeit vereint sind, so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern.“ Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des städtischen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor liegenden Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe des Haupt- und Nebengebäudes, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste – das sind die ästhetischen Prinzipien der Stadtplaner der Renaissance.

Alberti zeichnet in seiner Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ eine ideale Stadt, schön im Hinblick auf rationelle Planung und das Erscheinungsbild von Gebäuden, Straßen und Plätzen. Das gesamte Lebensumfeld eines Menschen wird hier so gestaltet, dass es den Bedürfnissen des Einzelnen, der Familie und der Gesellschaft als Ganzes entspricht.

Bernardo Gambarelli (Rosselino) trägt, indem er bereits vorhandene Ideen aufgreift, zur Entwicklung der Vision einer idealen Stadt bei, die in der Stadt Pienza (1459) mündete, die bis heute tatsächlich existiert und Elemente vieler erhaltener Projekte enthält auf Papier oder in kreativer Form die Absichten der Schöpfer. Diese Stadt ist ein klares Beispiel für die Umwandlung der mittelalterlichen Siedlung Corsignano in eine ideale Renaissancestadt mit geraden Straßen und regelmäßigem Grundriss.

Antonio di Pietro Avellino (Filarete) (ca. 1400 – ca. 1469) gibt in seiner Abhandlung eine Vorstellung von der idealen Stadt Sforzinda.

Die Stadt war im Grundriss ein achteckiger Stern, der durch die Kreuzung zweier gleicher Quadrate mit einer Seitenlänge von 3,5 km in einem Winkel von 45 ° gebildet wurde. In den Simsen des Sterns befanden sich acht runde Türme und in den „Taschen“ acht Stadttore. Die Tore und Türme waren durch sternförmige Straßen, von denen einige Schifffahrtskanäle waren, mit dem Zentrum verbunden. Im zentralen Teil der Stadt, auf einem Hügel, befand sich der Hauptplatz mit rechteckigem Grundriss, an dessen kurzen Seiten sich der Fürstenpalast und die Stadtkathedrale und an den Längsseiten Justiz- und Stadtinstitutionen befinden sollten .

In der Mitte des Platzes befanden sich ein Teich und ein Wachturm. Zwei weitere grenzten an den Hauptplatz mit den Häusern der bedeutendsten Einwohner der Stadt. An der Kreuzung der Radialstraßen mit der Ringstraße befanden sich 16 weitere Plätze: acht Einkaufsplätze und acht für Pfarrzentren und Kirchen.

Pienza war nicht die einzige realisierte Stadt in Italien, die die Prinzipien der „idealen“ Planung verkörperte. Italien selbst war damals kein einheitlicher Staat, wie wir ihn heute kennen, sondern bestand aus vielen unabhängigen Republiken und Herzogtümern. An der Spitze jedes dieser Gebiete stand eine Adelsfamilie. Natürlich wollte jeder Herrscher in seinem Staat ein Modell einer „idealen“ Stadt haben, das es ihm ermöglichen würde, als gebildeter und fortschrittlicher Renaissance-Mensch zu gelten. Daher beschloss der Vertreter der D-Este-Dynastie, Herzog Ercole I., im Jahr 1492, eine der Hauptstädte seines Herzogtums – Ferrara – wieder aufzubauen.

Mit der Umstrukturierung wurde der Architekt Biagio Rossetti beauftragt. Er zeichnete sich durch eine breite Sichtweise sowie eine Liebe zur Innovation aus, die sich in fast allen seinen Werken manifestierte. Er studierte den alten Grundriss der Stadt gründlich und kam zu einer interessanten Lösung. Während vor ihm Architekten entweder alte Gebäude abrissen oder von Grund auf neu bauten, beschloss Biagio, eine neue Stadt auf der alten zu bauen. Damit verkörperte er gleichzeitig das Konzept der Renaissancestadt mit ihren geraden Straßen und Freiflächen und betonte die Integrität und Selbstständigkeit der mittelalterlichen Stadt. Die Hauptinnovation des Architekten war eine andere Raumnutzung. Er befolgte nicht alle Gesetze der regulären Stadtplanung, die offene Plätze und breite Straßen vorsahen. Da der mittelalterliche Teil der Stadt jedoch intakt blieb, spielt Biagio mit Gegensätzen: Er wechselt Hauptstraßen mit engen Gassen, helle Plätze mit dunklen Sackgassen, große herzogliche Häuser mit niedrigen Häusern einfacher Einwohner. Darüber hinaus widersprechen sich diese Elemente überhaupt nicht: Die umgekehrte Perspektive wird mit der geraden kombiniert, und die laufenden Linien und wachsenden Volumina widersprechen sich nicht.

Der venezianische Gelehrte und Architekturforscher Daniele Barbaro (1514-1570) widmete den größten Teil seines Lebens dem Studium der Abhandlung von Vitruv, was zu seinem Buch mit dem Titel „Zehn Bücher über die Architektur von Vitruv mit einem Kommentar von Daniele Barbaro“ führte. geschrieben im Jahr 1556. In diesem Buch spiegelte sich die Einstellung zur antiken Architektur nicht nur vom Autor selbst, sondern auch von den meisten Architekten des 16. Jahrhunderts wider. Daniele Barbaro hat die Abhandlung sein ganzes Leben lang gründlich studiert und versucht, das Schema der idealen Stadt nachzubilden, das die Ideen von Vetruvius und seine Konzepte widerspiegeln würde, die seine Vision ergänzen.

Etwas früher veröffentlichte der Renaissance-Architekt Cesare Cesarino im Jahr 1521 seinen Kommentar zu den Zehn Büchern der Architektur mit zahlreichen Illustrationen, darunter auch theoretische Diagramme einer idealen Stadt.

Unter den vielen solchen Theoretikern des 16. Jahrhunderts. Eine besondere Stellung nahm Andrea Palladio (1508-1580) ein. In seiner 1570 veröffentlichten Abhandlung „Vier Bücher über Architektur“ (italienisch: Quattro Libri deHArchitettura) hob Palladio keinen besonderen Abschnitt über die Stadt hervor, sondern sein gesamtes Werk war im Wesentlichen diesem speziellen Thema gewidmet. Er sagte: „Eine Stadt ist nichts anderes als eine Art großes Haus, und umgekehrt ist ein Haus eine Art kleine Stadt.“

Indem Palladio Wohngebäude und Stadt gleichstellte, betonte er damit die Integrität des städtischen Organismus und die Vernetzung seiner räumlichen Elemente. Er reflektiert die Integrität des städtischen Organismus und das Verhältnis seiner räumlichen Elemente. Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis einer schönen Form und der Übereinstimmung des Ganzen mit Teilen, Teilen untereinander und auch Teilen mit dem Ganzen.“ Ein herausragender Platz in der Abhandlung wird dem Inneren von Gebäuden, ihren Abmessungen und Proportionen eingeräumt. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen organisch mit dem Inneren von Häusern und Höfen zu verbinden.

Am Ende des 16. Jahrhunderts. Während der Belagerung von Städten wurden Artilleriewaffen mit Sprenggranaten eingesetzt. Dies zwang die Stadtplaner dazu, die Natur der Stadtbefestigungen zu überdenken. Die Festungsmauern und Türme wurden durch Erdbastionen ersetzt, die über die Stadtgrenzen hinaus vorgeschoben wurden und sowohl feindliche Angriffe abwehren als auch Flankenfeuer auf den sich der Stadt nähernden Feind abfeuern konnten. Daher bestand keine Notwendigkeit, die Stadttore zu schützen, die sich von nun an von mächtigen Verteidigungszentren in die Haupteingänge der Stadt verwandelten. Diese Innovationen in Form einer Vielzahl skurriler Sternformen spiegeln sich in den Projekten wider ideale Städte Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle, Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi, George Vasari Jr. usw.

Und die befestigte Stadt Palmanova kann zu Recht als Höhepunkt der Befestigungsarchitektur der Renaissance angesehen werden, deren Grundriss nach dem Plan des Architekten Vicenzo Scamozzi die Form eines neunzackigen Sterns hat und von dem die Straßen strahlenförmig ausgehen der Platz in der Mitte. Das Gebiet der Stadt war von zwölf Bastionen umgeben, und jede der Bastionen war so geplant, dass sie die benachbarten schützte, und verfügte über vier Stadttore, von denen aus zwei Hauptstraßen führten, die sich im rechten Winkel kreuzten. An ihrer Kreuzung befand sich der Hauptplatz mit Blick auf den Palast, die Kathedrale, die Universität und die städtischen Institutionen. Von Westen und Osten schlossen sich an den Hauptplatz zwei Handelsplätze an, im Norden befand sich der Tauschplatz und im Süden der Platz für den Heu- und Brennholzhandel. Das Gebiet der Stadt wurde von einem Fluss durchzogen, und näher an der Peripherie befanden sich acht Pfarrkirchen. Der Grundriss der Stadt war regelmäßig. Die Festung war von einem Wassergraben umgeben.

Im technischen Umfeld der Renaissance werden Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit und Proportionen sorgfältig untersucht. In diesen Idealbauten ist die Planung der Stadt geprägt von Rationalismus, geometrischer Klarheit, zentrischer Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen. Und was die Architektur der Renaissance schließlich von anderen Epochen unterscheidet, ist die Person, die im Mittelpunkt steht, die Grundlage all dieser Konstruktionen. Als Beispiele können noch viele weitere Namen und Städtenamen dienen. Überlebte Urbino mit seinem grandiosen Herzogspalast, „eine Stadt in Form eines Palazzo“, geschaffen vom Architekten Luciano Laurana für Herzog Federico da Montefeltro, Terradel Sole („Stadt der Sonne“), Vigevano in der Lombardei, Valletta (Hauptstadt von Malta). Was Letzteres betrifft, so wuchs diese majestätische, von Mauern umgebene Stadt auf den wasserlosen, steilen Klippen der Halbinsel Mount Sciberras und erhob sich zwischen den beiden tiefen Häfen Marsamxett und Grand Harbour. Valletta wurde 1566 gegründet und in erstaunlich kurzer Zeit – 15 Jahre – vollständig zusammen mit beeindruckenden Bastionen, Festungen und einer Kathedrale erbaut.

Allgemeine Ideen und Konzepte der Renaissance verbreiteten sich weit über die Wende des 17. Jahrhunderts hinaus und ergossen sich in einem stürmischen Strom, der nachfolgende Generationen von Architekten und Ingenieuren erfasste.

Auch am Beispiel vieler moderner Architekturprojekte zeigt sich der Einfluss der Renaissance, die über mehrere Jahrhunderte hinweg ihre Vorstellung von Menschlichkeit und den Vorrang menschlichen Komforts nicht verloren hat. Einfachheit, Bequemlichkeit, „Zugänglichkeit“ der Stadt für den Bewohner in allen möglichen Variationen finden sich in vielen Werken wieder, und jedes folgt ihnen auf seine eigene Art und Weise, Architekten und Forscher, alle als eins, betraten dennoch bereits den gepflasterten Weg von den Meistern der Renaissance gepflastert.

In dem Artikel wurden nicht alle Beispiele für „ideale Städte“ berücksichtigt, deren Ursprünge bis in die Tiefen der Ära der schönen Renaissance zurückreichen – in einigen liegt der Schwerpunkt auf der Bequemlichkeit und Ergonomie des Zivillebens andere über die maximale Effizienz von Verteidigungseinsätzen; Aber in allen Beispielen beobachten wir ein unermüdliches Verlangen nach Verbesserung, nach Ergebnissen, wir sehen selbstbewusste Schritte in Richtung der Bequemlichkeit und des Komforts eines Menschen. Ideen, Konzepte und gewissermaßen auch die Bestrebungen der Renaissance verbreiteten sich weit über die Wende des 17. Jahrhunderts hinaus und ergossen sich in einem stürmischen Strom über nachfolgende Generationen von Architekten und Ingenieuren.

Und das Beispiel moderner Architekten zeigt deutlich den Einfluss der Konzepte der Renaissance-Figuren, die etwas modifiziert sind, aber ihre Vorstellung von Menschlichkeit und den Vorrang menschlichen Komforts in Stadtplanungsprojekten nicht verlieren. Einfachheit, Bequemlichkeit, „Zugänglichkeit“ der Stadt für den Bewohner in allen möglichen Varianten finden sich in vielen anderen Werken wieder, umgesetzt und keineswegs auf dem Papier geblieben. Jeder folgte seinem eigenen Weg, Architekten und Forscher beschritten dennoch gemeinsam den gepflasterten Weg, der bereits von den Meistern der Renaissance geebnet wurde, und folgten dem unsterblich relevanten und verführerischen Licht der Idee der Wiedergeburt, der Wiedergeburt der menschlichen Seele , und die wichtigsten Schritte in diese Richtung wurden im fernen XIV. Jahrhundert unternommen.

Die Konzepte der idealen Stadt der Renaissance hören bei aller Utopie und Unmöglichkeit aus pragmatischer Sicht einer Person, insbesondere einer modernen, nicht ganz in ihrer Pracht auf oder zumindest teilweise schleichen sich Elemente periodisch in die Arbeit von ein romantische Architekten, die nicht so sehr nach Perfektion in ihrem schwierigen kreativen Handwerk streben, sondern nach Perfektion in einer Umgebung, die komplexer und unvorhersehbarer ist als Pergament und Perspektive – nach der unerreichbaren Perfektion der menschlichen Seele und des menschlichen Bewusstseins.

Palmanova - Kathedrale

Die Geschichte der Renaissance beginnt im Jahr 1930. Diese Periode wird jedoch Renaissance genannt. Die Renaissance verwandelte sich in Kultur und wurde zum Vorläufer der Kultur des New Age. Und die Renaissance endete im 16.-17. Jahrhundert, da jeder Staat sein eigenes Anfangs- und Enddatum hat.

Einige allgemeine Informationen

Vertreter der Renaissance sind Francesco Petrarca und Giovanni Boccaccio. Sie waren die ersten Dichter, die begannen, erhabene Bilder und Gedanken in einer offenen, gemeinsamen Sprache auszudrücken. Diese Innovation wurde mit großem Erfolg aufgenommen und in anderen Ländern verbreitet.

Renaissance und Kunst

Charakteristisch für die Renaissance ist, dass der menschliche Körper für die Künstler dieser Zeit zur Hauptinspirationsquelle und Forschungsgegenstand wurde. Dabei wurde Wert auf die Ähnlichkeit von Skulptur und Malerei mit der Realität gelegt. Zu den Hauptmerkmalen der Kunst der Renaissance zählen Strahlkraft, raffinierte Pinselführung, das Spiel von Schatten und Licht, Gründlichkeit im Arbeitsprozess und komplexe Kompositionen. Für Renaissance-Künstler waren Bilder aus der Bibel und Mythen die wichtigsten.

Die Ähnlichkeit einer realen Person mit ihrem Bild auf einer bestimmten Leinwand war so groß, dass die fiktive Figur lebendig wirkte. Von der Kunst des 20. Jahrhunderts kann man das nicht sagen.

Die Renaissance (ihre Haupttrends werden oben kurz skizziert) betrachtete den menschlichen Körper als einen endlosen Anfang. Wissenschaftler und Künstler verbesserten regelmäßig ihre Fähigkeiten und Kenntnisse durch die Untersuchung der Körper von Einzelpersonen. Damals herrschte die Meinung vor, dass der Mensch nach dem Ebenbild Gottes geschaffen sei. Diese Aussage spiegelte körperliche Perfektion wider. Die wichtigsten und wichtigsten Objekte der Renaissancekunst waren die Götter.

Natur und Schönheit des menschlichen Körpers

Die Kunst der Renaissance schenkte der Natur große Aufmerksamkeit. Ein charakteristisches Element der Landschaften war eine vielfältige und üppige Vegetation. Der blaublaue Himmel, der von den Sonnenstrahlen durchdrungen wurde, die die weißen Wolken durchdrangen, bildete eine herrliche Kulisse für die schwebenden Kreaturen. Die Kunst der Renaissance verehrte die Schönheit des menschlichen Körpers. Dieses Merkmal manifestierte sich in den verfeinerten Elementen der Muskeln und des Körpers. Schwierige Posen, Mimik und Gestik, eine gut abgestimmte und klare Farbpalette sind charakteristisch für das Werk von Bildhauern und Bildhauern der Renaissance. Dazu gehören Tizian, Leonardo da Vinci, Rembrandt und andere.