Die zehn teuersten Frauen (Künstlerinnen). Goncharova N.S.

Natalia Gontscharowa- Russischer Künstler, Maler, Grafiker, Theaterdesigner, Buchillustrator. Ein Vertreter der russischen Avantgarde der frühen 1910er Jahre, einer der bedeutendsten Bühnenbildner des 20. Jahrhunderts.

Natalya Sergeevna Goncharova wurde am 3. Juli 1881 im Dorf Ladyzhino geboren Tula-Region. Sie gehörte zur alten Adelsfamilie der Goncharovs und war die Ururenkelin seiner Frau Alexander Sergejewitsch Puschkin.

Sergej Michailowitsch, Natalyas Vater war Architekt, ein Vertreter des Moskauer Jugendstils. Mama Ekaterina Iljinitschna- Tochter eines Moskauer Professors an der Theologischen Akademie. Die Künstlerin verbrachte ihre Kindheit in der Provinz Tula, wo ihr Vater mehrere Dörfer und Landgüter besaß, was ihr die Liebe zum Landleben weckte. Damit assoziieren Kunsthistoriker den dekorativen Charakter ihres reifen Werkes.

Im Jahr 1891, als das Mädchen 10 Jahre alt war, zog die Familie nach Moskau.

Ausbildung

In Moskau trat Natalya Goncharova in ein Frauengymnasium ein, das sie 1898 mit einer Silbermedaille abschloss.

Trotz ihrer Vorliebe für das Zeichnen dachte Gontscharowa in ihrer Jugend nicht ernsthaft über die Möglichkeit nach, Künstlerin zu werden.

Im Jahr 1900 begann sie ein Medizinstudium, brach das Studium jedoch nach drei Tagen ab. Im selben Jahr studierte sie sechs Monate lang an der Geschichtsabteilung der Higher Women's Courses.

Dann interessierte sie sich sehr für Kunst und ein Jahr später trat sie in die Kunst ein Moskauer Schule Malerei, Bildhauerei und Architektur, in die Bildhauerklasse von S. Volnukhin und P. Trubetskoy.

1904 erhielt sie eine kleine Silbermedaille für ihre Arbeit, brach ihr Studium jedoch bald ab.

Natalya Sergeevna Goncharova Foto: Commons.wikimedia.org

Treffen mit meinem Mann

Während ihres Studiums an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur lernte Gontscharowa ihren zukünftigen Ehemann kennen: einen Maler Michail Larionow. Die Begegnung mit ihm veränderte das Leben und die Absichten des Mädchens: Sie beginnt viel zu schreiben und nach ihrem eigenen Stil zu suchen. Es war Larionov, der ihr riet, keine Zeit mit Bildhauerei zu verschwenden und sich stattdessen der Malerei zuzuwenden. „Öffne deine Augen für deine Augen. Sie haben ein Talent für Farbe, aber Sie beschäftigen sich mit der Form“, sagte er.

1904 kehrte Gontscharowa zum Studium zurück, wechselte jedoch in das Malatelier von Konstantin Korowin. Frühe Arbeiten Goncharova begann mit der Malerei im Geiste des Impressionismus. Das Mädchen gab die Skulptur nicht auf und erhielt 1907 eine weitere Medaille.

1909 beschloss Natalya schließlich, ihr Studium abzubrechen. Sie zahlt die Studiengebühren nicht mehr und wird von der Schule verwiesen.

Nachdem sie ihr Leben mit Michail Larionow verbunden hatte, teilte sie seine Wünsche und künstlerische Ansichten. Goncharova versucht sich in vielen Bereichen der Malerei: Kubismus („Porträt von M. Larionov“, 1913) und Primitivismus („Washing the Canvas“, 1910).

Zu dieser Zeit fühlte sich der Künstler vom Thema der Bauernkunst angezogen. Sie ist bestrebt, die Essenz der Kreativität der Menschen zu verstehen. Goncharova kehrt zur dekorativen und angewandten Kunst zurück: Sie schreibt Zeichnungen für Tapeten und entwirft Friese für Häuser.

Reproduktion von Natalia Goncharovas Gemälde „Washing the Canvas“. 1910 Foto: « RIA-Nachrichten »

Von 1908 bis 1911 gab sie Privatunterricht im Atelier des Malers Ilja Maschkow.

Illustration

Der Künstler nahm an den Aktivitäten der Futurist Society teil und arbeitete mit zusammen Welimir Chlebnikow Und Alexey Kruchenykh. Die Freundschaft mit Futuristen führte sie zur Buchgrafik. Im Jahr 1912 entwarf Gontscharowa die Bücher von Kruchenykh und Chlebnikov „Das weltliche Ende“ und „Das Spiel in der Hölle“. Sie ist eine der Ersten Buchkarten in Europa verwendete sie die Collagetechnik.

Ausstellungen

Am 24. März 1910 organisierte Goncharova in den Räumlichkeiten des literarischen und künstlerischen Kreises der Gesellschaft für freie Ästhetik ihre erste persönliche Ausstellung, bei der 22 Gemälde präsentiert wurden. Die Ausstellung dauerte nur einen Tag: Wegen des präsentierten Gemäldes „Modell (auf blauem Hintergrund)“ wurde Gontscharowa der Pornografie beschuldigt, mehrere Werke wurden beschlagnahmt. Bald darauf sprach das Gericht sie frei.

1911 organisierte sie zusammen mit Larionov die Ausstellung „Jack of Diamonds“, 1912 „Donkey’s Tail“. Weiter – „Ziele“, „Nr. 4“. Der Künstler war Mitglied der Münchner Gesellschaft „Blauer Reiter“. Goncharova unterstützte aktiv zahlreiche Aktionen und Initiativen dieser Zeit.

Im Jahr 1912 stellte Natalya Goncharova auf der berühmten Ausstellung „Donkey's Tail“ einen Zyklus von 4 Gemälden „Evangelisten“ aus. Dieses Werk erzürnte die Zensoren mit seiner nicht trivialen Darstellung von Heiligen.

Im Jahr 1914 fand eine große persönliche Ausstellung von Goncharovas Werken statt; 762 Gemälde wurden ausgestellt. Doch es gab auch einen Skandal: 22 Werke wurden entfernt, woraufhin die Zensoren vor Gericht gingen und Gontscharowa der Gotteslästerung beschuldigten.

Im Jahr 1915 fand die letzte Ausstellung von Goncharovas Werken in Russland statt. Im Juni Diaghilew lädt Goncharova und Larionov ein Festanstellung in seinen „Russischen Jahreszeiten“ verlassen sie Russland.

Auswanderung

Goncharova und Larionov kamen nach Frankreich, wo das Paar für den Rest ihres Lebens blieb. Die Revolution hinderte sie daran, nach Russland zurückzukehren.

Sie ließen sich im Quartier Latin von Paris nieder, wo die gesamte Blüte der russischen Emigration gerne zu Besuch kam. Goncharova und Larionov organisierten Wohltätigkeitsbälle für angehende Maler. Wir besuchten sie oft zu Hause Nikolai Gumilyov und Marina Zwetajewa.

Goncharova arbeitete viel in Paris; ihre Zyklen „Pfauen“, „Magnolien“ und „Stachelige Blumen“ sprechen von ihr als reifer Malerin. Marina Tsvetaeva schrieb: „Wie arbeitet Natalya Goncharova? Erstens immer, zweitens überall, drittens alles. Alle Themen, alle Größen, alle Umsetzungsmethoden (Öl, Aquarell, Tempera, Pastell, Bleistift, Buntstifte, Kohle – was sonst?), alle Bereiche der Malerei, er übernimmt alles und liefert jedes Mal ab. Dasselbe Phänomen der Malerei als Naturphänomen.“

Natalya Goncharova. Pfau unter der strahlenden Sonne, 1911 Foto: Commons.wikimedia.org

Den größten Teil ihrer Energie widmete Goncharova jedoch der Arbeit im Theater. Bis zu Diaghilews Tod im Jahr 1929 war sie eine der führenden Künstlerinnen seines Unternehmens. Sie gestaltete die Ballette „Spanish Rhapsody“ (zur Musik). M. Ravel), „Firebird“ (zur Musik I. Strawinsky), „Bogatyrs“ (zur Musik A. Borodina), die Oper „Koschei der Unsterbliche“ (zur Musik N. Rimsky-Korsakow).

In den fünfziger Jahren malte Natalya Sergeevna zahlreiche Stillleben und Gemälde des „kosmischen Zyklus“.

In den sechziger Jahren kam es zu einer Wiederbelebung des breiten Interesses an der Kunst von Larionov und Goncharova, ihre Ausstellungen fanden in vielen Ländern und Städten Europas und Amerikas statt. 1961 organisierte der Arts Council of Great Britain in London eine große Retrospektive mit Werken von Larionov und Goncharova.

Natalya Goncharova starb am 17. Oktober 1962 in Paris. Sie wurde auf dem Friedhof in Ivry-sur-Seine beigesetzt.

Nach ihrem Tod das Museum zeitgenössische Kunst in Paris widmete er ihr und Larionov eine große Retrospektive.

Goncharova N.S. „Frauen mit Rechen“ 1907 Öl auf Leinwand

„Pfau unter strahlender Sonne“ 1911 Öl auf Leinwand. 129 x 144 cm.
Staatliche Tretjakow-Galerie

Beschreibung des Bildes

Der Künstler stellte denselben Pfau in 10 Stilen dar (ägyptischer Stil, russische Stickerei, futuristisch, kubistisch usw.). Es entstand eine ganze Serie mit dem Titel „Künstlerische Möglichkeiten rund um den Pfau“. Er war ihr Symbol, das Symbol ihrer Kunst.

Der Pfau stand Gontscharowa nahe, weil er ein tiefes, ganzheitliches Symbol ist. Beispielsweise könnte es in der römischen Kunst den Triumph der Töchter des Kaisers darstellen. Im Osten war der Pfau ein Ausdruck der Seele, die ihre Kraft aus den Prinzipien der Einheit schöpfte. Im Christentum galt der Pfau als Symbol des Glaubens an Unsterblichkeit und Auferstehung, und sein Gefieder aus „tausend Augen“ deutete auf Allwissenheit hin. Das bunte Gefieder deutete auf die Schönheit der Welt hin (in China) und der Schöpfungsakt selbst ist im Islam ein Symbol des Universums.

Der Pfau kann als Zeichen der Einheit des Seins wahrgenommen werden. Seine Symbolik wird mit den alten synkretistischen Kulturen in Verbindung gebracht, die der Künstler so sehr liebte. In der ägyptischen Version sind Kopf und Hals des Pfaus im Profil dargestellt und der Schwanz ist nach den Regeln der ägyptischen Kunst nach vorne gedreht. Gleichzeitig scheint es auf der Ebene eines dunklen Hintergrunds ausgebreitet zu sein und sticht durch sein einzigartiges Gefieder hervor. Es scheint, als wäre er nicht mit Federn, sondern mit leuchtenden Farben bedeckt, was den Betrachter eher physiologisch beeinflusst.

Eine wahrhaft ursprüngliche Energie wird in leuchtenden Farben verkörpert, die an ähnliche Verkörperungen menschlicher Emotionen auf Russisch erinnern Volkskunst. Vermutlich spiegelte dieses Gemälde die Leidenschaft des jungen Künstlers für Gauguins Gemälde mit ihrer farbenfrohen Exotik und der Freiheit des natürlichen Lebens wider.

Goncharova N.S. „Schafschur“ 1907 Öl auf Leinwand

„Radfahrer“ 1913 Öl auf Leinwand. 78x105 cm.
Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, Russland

Beschreibung des Bildes

Der Film vermittelt präzise die hohe Geschwindigkeit der Bewegung. Straßenschilder huschen an dem rasenden Radfahrer vorbei und verschmelzen zu einem. Die schnelle Bewegung der Räder wird durch ihre wiederholte Wiederholung nebeneinander vermittelt.

Und der Mann selbst, über das Lenkrad gebeugt, wird geschichtet und untergeordnet Grund Idee- Geschwindigkeit. Dies sind die Hauptmerkmale des Futurismus – Verschiebung von Konturen, Wiederholung von Details und Einbeziehung unvollendeter Fragmente. Goncharova gelang es dennoch, die Formen der sichtbaren Welt zu zerlegen und zu erschaffen vollständiges Bild Dynamik im Leben eines Menschen.

Dieses Bild verkörpert die Ästhetik des 20. Jahrhunderts – des Jahrhunderts des technischen Fortschritts und des beschleunigten Lebenstempos.

Die 1. Russische Revolution von 1905 hat bereits stattgefunden. Am Vorabend des Ersten Weltkriegs, der 1914 begann, hat der Künstler die turbulente gesellschaftliche Lage subtil eingefangen und in einer unschuldigen Handlung zum Ausdruck gebracht – der konventionellen Figur eines Mannes auf einem Fahrrad.

Dies ist einer von beste Gemälde Künstler im Stil des Kubofuturismus. Goncharovas späteres Werk stand im Geiste des von M. Larionov erfundenen neuen Stils „Rayonismus“.

„Reigentanz“ 1910 Öl auf Leinwand Geschichts- und Kunstmuseum, Serpuchow, Russland

„Erzengel Michael“ 1910 Öl auf Leinwand 129,5 x 101,6 cm

Goncharova N.S. „Liturgie, St. Andrey“ 1914

Goncharova N.S. „Die Jungfrau und das Kind.“ Beschreibung des Gemäldes

Das Gemälde ist im Geiste der russischen Ikonographie gestaltet. Die Künstlerin nutzte traditionelle Schemata und Techniken und ließ sich gleichzeitig durch keine Grenzen einschränken.

Die Muttergottes ist in gelben Gewändern mit braunen Falten dargestellt. Auf ihrer linken Hand sitzt ein Baby, das sie mit der rechten hält. Im Gegensatz zu orthodoxen Traditionen schaut das Kind weder es noch den Betrachter an. Ein schlichter blauer Hintergrund ist mit primitiv interpretierten Grünpflanzen und Engelsfiguren gefüllt. Konventionelle Interpretation eines Gesichts Mutter Gottes ergänzt durch seine unkonventionelle Farbgebung, die charakteristisch für den Rayonismus ist.

Die freie plastische Verwandlung der Engels- und Christuskindfiguren wird durch die Klangfülle leuchtender Farben ergänzt, die das Bild von ikonografischen Kanons distanziert und es an seinen rechtmäßigen Platz unter den Errungenschaften Gleichgesinnter rückt.

Goncharova N.S. „Mähen“ 1910

Goncharova N.S. „Ernte“ 1911

Goncharova N.S. „Kleiner Bahnhof“ 1911

„Flugzeug über einem Zug“ 1913. Öl auf Leinwand. 55 x 83 cm
Landesmuseum Bildende Kunst Republik Tatarstan, Kasan, Russland

Goncharova N.S. „Katzen“ 1913

Goncharova N.S. „Bauerntänze“ 1911

Goncharova N.S. „Blumen“ 1912

Goncharova N.S. „Die Wäscherinnen“ 1911

Goncharova N.S. „Dynamo“ 1913

„Porträt von Larionow“ 1913 Öl auf Leinwand. Museum Ludwig, Köln, Deutschland

Goncharova N.S. „Nutbumort mit Tiger“ 1915

Goncharova N.S. „Kartoffelpflanzen“ 1908-1909

Goncharova N.S. „Len“ 1908

Goncharova N.S. „Salzsäulen“ 1908 Beschreibung des Gemäldes

Das Gemälde zeichnet sich durch große Architektur, Komplexität und vielfigurige Komposition, Vielfalt an Blickwinkeln und Freiheit bei der Gestaltung der Formen aus.

Goncharova nutzt die Technik einer „Bildgeschichte“ als Grundlage für seine Komposition biblische Legendeüber Lot, erzählt es aber mit einem Exkurs noch einmal.

Der Reizpunkt der kubistischen Interpretation ist das Moment der Transformation menschliche Figur in einen Salzkristall vor dem Hintergrund der gestürzten Stadt.

In Goncharovs Interpretation verwandelten sich alle Teilnehmer der Szene in Säulen – Lot, seine Frau, seine Töchter, sogar ihre zukünftigen Kinder.

Viele malerische und plastische Techniken leiten sich aus dem Vorgängergemälde „Gott der Fruchtbarkeit“ ab, nämlich die Interpretation des Gesichts, insbesondere der doppelten Umrisse der Augen, der in die Nase übergehenden Linie der Augenbrauen, des auf die Schultern gesetzten Kopfes, der dünnen Arme und Beine, starre Verformungen der Proportionen, Dominanz von 4-Kohle-Formen.

In der malerischen Entwicklung der Oberfläche wird auch ein neues Element skizziert – die Form eines „Schwalbenschwanzes“ im Bild von Lot. Hier ist es weder funktionell noch bildlich ausreichend erschlossen, wird aber in späteren Werken seinen Platz finden.

Goncharova N.S. „Steinjungfrau“ 1908

Goncharova N.S. „Bäuerinnen“ 1910

Goncharova N.S. „Nackte schwarze Frau.“ Beschreibung des Bildes

Dieses Gemälde ist ein anschauliches Beispiel für Goncharovas Primitivismus. Sie atmet mit der Superenergie der Bewegung der Natur und der Dynamik der Malerei selbst. Gleichzeitig steht sie sowohl Picasso als auch Matisse nahe.

In der Interpretation der Füße, Hände und insbesondere in der Form und Position des Kopfes ist die plastische Nähe von Picassos „Dryade“ und „Freundschaft“ spürbar. Die Schattierung im Gesicht erinnert an den Deckentanz.

Der Einfluss von Matisse ist spürbar in der Gruppierung der dargestellten Figur in einem schnellen Tanz, die eine gleichzeitige Darstellung aus verschiedenen Blickwinkeln ermöglicht, Farbkontrasten (schwarze Figur auf himbeerrosa Hintergrund), im Ausdruck der Bewegung, der Verdichtung der Figur auf kleinstem Raum und superreliefierten Konturen, im Optimismus der Bilder.

Goncharova mildert den kubistischen Schnitt und erreicht eine größere Plastizität des Bildes im Vergleich zu den emotionalen Brüchen der Figuren auf den Leinwänden ihrer Idole. Die Popularität des Gemäldes wurde durch die kulturelle Ausbreitung der Bevölkerung aus den eroberten Ländern erleichtert, die die Länder Europas erfasste. Die Leidenschaft für neue Formen wurde von russischen Künstlern übernommen, die ihren europäischen Kollegen folgten.

Goncharova N.S. „Leere“. Beschreibung des Bildes

Dieses Bild ist eine Ausnahme und zugleich eine Innovation. In Goncharovas Werk erscheint zum ersten Mal in fast der gesamten russischen Avantgarde-Malerei eine abstrakte Struktur in Form mehrfarbiger konzentrischer Ringe unregelmäßiger Form.

Diese Struktur, die eine biologische Proteinform hat, ist in ihren Umrissen instabil und komprimiert und dehnt sich in Breite und Tiefe aus, ähnlich einer unbekannten materiellen Substanz, einem Energiestoß. Es ist, wie immer bei Goncharova, vom Atem des Lebens erfüllt, allerdings vom Leben einer anderen Ebene – dem Leben der denkenden Materie.

Der Rhythmus und die Abwechslung von blauen und weißen Ringen abnehmender Größe mit der wechselnden Breite eines Bandes aus dichter, glatter Textur schaffen einen eigenen Raum, der innerhalb dieser Formen fließt und durch einen anderen Raum gestrafft wird, der von einer malerischen Masse schwarz-grün-lila Farbe gebildet wird mit einer matten Textur. Der umgebende Raum wird durchlässig, obwohl die dunkelmatte Struktur alles Licht absorbieren kann.

Goncharova verstößt gegen die Physik der Farbe und der Materie, indem sie die durch Farbpigmente geschaffene Einheit und materielle Dichte zerstört und weiße malerische Elemente einführt, die an Spiegellichter erinnern. Die Flächigkeit des gesamten Bildfeldes scheint ihre materiellen Grenzen zu verlieren. Und die Komposition ist bereit, sie zu überwinden und wird sozusagen zu einer Veranschaulichung der Position über vier Dimensionen: „Das Bild gleitet, vermittelt ein Gefühl dessen, was man die vierte Dimension nennen kann – zeitlos und raumlos ...“

Materialvolumen – Farben, ihre Textur, d.h. „voll“ – stellt „leer“ dar: „voll“ bringt „leer“ hervor, Volumen wird zur Raumkategorie. Das Gemälde mag rein abstrakt erscheinen. Wenn man über theosophische Erkenntnisse nachdenkt, kann man sich vorstellen, dass der zentrale weiße Fleck sozusagen eine Bezeichnung für einen Tunnel ist, der in eine andere Welt, in eine imaginäre „Leere“ führt. Es ist eine jenseitige Farbe. Blaue Ringe- eine Art Übergangsschritt durch diesen Tunnel in eine andere Welt.

Es ist nicht das erste Mal, dass das Thema des Übergangs in eine andere Welt in den Werken von Künstlern thematisiert wird. Ähnliche Tunnel gab es in den Werken anderer Geisterkünstler. Ein markantes Beispiel- „Die Geburt der menschlichen Seele“ 1808 vom deutschen Romantiker F.O. Runge.

Goncharova N.S. „Engel werfen Steine ​​auf die Stadt.“ Beschreibung des Bildes

Eines von 9 ausdrucksstarken Gemälden allgemeiner Zyklus„Ernte“ genannt.

In diesem Bild baut Goncharova ihr religiöses Bild der Welt auf. Die Spitze dieser Welt ist die göttliche himmlische Welt. Alles auf der Erde geschieht unter seiner Schirmherrschaft, und Kriegerengel greifen direkt in das irdische Leben ein, indem sie sich dem Technismus und Urbanismus widersetzen und gleichzeitig Ackerland und Gärten schützen. So werden die Gegensätze „Stadt-Land“ und „Natur-Technik“ gebildet.

Darüber hinaus ist die Idee von Vergeltung, himmlischer Strafe, Schicksal, Schicksal im Allgemeinen, apokalyptischen Gefühlen, die mit christlicher Symbolik verbunden sind, stark. Das Gemälde wurde vom Künstler in einer Zeit kreativer Suche geschaffen: Rayonismus, Futurismus – all das lag vor uns. Bisher waren Goncharovas kreative Erfahrungen nur der Primitivismus und die Teilnahme an „Karo-Bube“. Daher gilt dieses Gemälde im neoprimitivistischen Stil als eines der besten.

Wie viele andere zeichnet sich auch dieses Gemälde durch seine herausragenden dekorativen Eigenschaften aus. Auffallend sind vor allem die rhythmischen Bewegungen der Linien und Punkte sowie die verstärkte Anziehungskraft auf die Ebene – die Erde – deutlich zum Ausdruck. All dies unterstrich Goncharovas Wunsch nach monumentalen Formen.

Goncharova N.S. „Gelber und grüner Wald.“ Beschreibung des Bildes

Eines aus einer Reihe „strahlender Landschaften“. Alles auf diesem Bild ist durch den Blick sich kreuzender Strahlen verschwommen, die Umrisse der Bäume dahinter sind kaum zu erkennen. In der Mitte der Komposition stehen zwei nach oben gerichtete Stämme in matten Blau- und Brauntönen. Ein intensiver gelber Fleck in der Krone eines Baumes, aus dem Strahlen hervorbrechen, satte Grün- und Dunkelblautöne, die eine absolute Farbtiefe erreichen.

Hohe Baumkronen – alles in sich kreuzenden Strahlen. Sogar im tiefen Braunton der Erde blitzen schimmernde Lichtstrahlen auf. Dies bringt einen aufgeregten und beschwingten, aber unwirklichen, fast mystischen Klang in die Landschaft.

Es besteht die Meinung, dass diese Landschaft eine einfache Illustration der philosophischen Konstrukte von P.D. ist. Uspensky „Tertium Organum. Der Schlüssel zu den Geheimnissen der Welt. Mystik und Esoterik sind bei ihm eng miteinander verbunden Lebensweg mit Okkultismus und Heilung. Ein vom Philosophen vorgeschlagenes innovatives Modell des Universums, in dem es nicht drei, sondern vier Dimensionen gibt, einschließlich der Zeit. Er forderte auch die Schaffung einer Welt, die auf der Idee einer Synthese von Psychologie und Esoterik basiert, was dazu führte höchstes Level Verständnis und Bewusstsein für das menschliche Leben.

Geboren am 16. August 1881 im Dorf Ladyzhino in der Region Tula. Natalya wuchs in der Familie eines Architekten auf. Diese Familie gehörte zur alten Familie Goncharov.

Von der Kunst fasziniert, begann Gontscharowa ein Studium an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, das von 1901 bis 1909 dauerte. Zunächst beschäftigte sich Natalya hauptsächlich mit Bildhauerei, später begann sie sich mit Malerei zu beschäftigen. Der erste Mentor des aufstrebenden Künstlers war K.A. Korowin. Gleichzeitig erhielten auch die bildhauerischen Arbeiten des Künstlers großes Lob.

Goncharovas frühe Werke waren Gemälde im Geiste des Impressionismus. Diese Gemälde wurden erfolgreich auf den Ausstellungen „World of Art“ und „Moscow Art Theatre“ ausgestellt. Später erhielt sie eine Einladung von S.P. Diaghilew. Er lud den aufstrebenden Künstler ein, am Herbstsalon in Paris teilzunehmen.

In dieser Zeit malte Goncharova hauptsächlich Straßen mit antiken Gebäuden und Stadtparks in Pastelltechniken. Die in diesen Gemälden erkennbaren Besonderheiten der Weltanschauung weisen deutlich auf den Einfluss der Arbeit der Meister der „Nabi“-Gruppe auf den Künstler hin. Allerdings zeichnete sich die sanfte Lyrik aus, die die Werke auszeichnete frühe Periode, wich bald einem konsequenten Neoprimitivismus.

Noch während ihres Studiums an der Schule lernte Goncharova M.F. kennen. Larionow. Bald wird diese Bekanntschaft zu einer herzlichen Beziehung führen und Larionov wird der Ehemann des Künstlers. Zusammen mit ihm nahm Goncharova an verschiedenen russischen und europäischen Ausstellungen teil. Der kreative Aufstieg des jungen Künstlers war mit dem Jahr 1906 verbunden, als Goncharova begann, sich intensiv mit Gemälden im Geiste des Primitivismus zu beschäftigen. Der Künstler fühlt sich vom Thema der Bauernkunst angezogen. Sie ist bestrebt, die Essenz der Kreativität der Menschen in ihrer ganzen Tiefe zu verstehen.

Später arbeitete Goncharova in anderen Stilen und nutzte aktiv Traditionen verschiedene Epochen. Zu dieser Zeit erschienen die Gemälde „Mutter“, „Rundtanz“, „Broternte“ und „Evangelisten“.

Im Jahr 1913 arbeitete Goncharova viel an Illustrationen für literarische Werke, einschließlich Veröffentlichungen von S.P. Bobrova, A.E. Kruchenykh, V.V. Chlebnikow. Seit 1914 beschäftigt sich der Künstler mit der Dekoration Theateraufführungen, wie zum Beispiel „Goldener Hahn“. IN späte Periode Goncharovs Kreativität schafft viele Werke, die die Idee der gegenstandslosen Kunst unterstützen. Zu dieser Zeit erschienen die Gemälde „Strahlende Lilien“ und „Orchideen“.

1915 reisten Gontscharowa und ihr Mann nach Frankreich. Hier endete am 17. Oktober 1962 das Leben des Künstlers.

„Natürlich könnte ich auf Blumen verzichten, aber sie helfen mir, Selbstachtung zu bewahren, denn sie beweisen, dass ich nicht an Händen und Füßen von Alltagssorgen gefesselt bin. Sie sind ein Beweis meiner Freiheit“ (Rabindranath Tagore)

Was für ein interessanter und tiefer Gedanke: Blumen – und persönliche Freiheit! Noch erstaunlicher ist, was der Mann dazu sagt. Schriftsteller, Dichter, Komponist, Künstler, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Preisträger Nobelpreis in der Literatur... Er fand Zeit, die Schönheit der Blumen zu genießen und sich frei zu fühlen!

Sechs Monate kaltes Wetter in Russland sind viel! Verschneite Gärten, Felder und Wälder, grauer Himmel ... Das Bedürfnis nach einem Gefühl der Fülle des Seins hat die Menschen schon immer dazu veranlasst, Analogien zu den wunderschönen Schöpfungen der Natur zu schaffen, die Herz und Seele das ganze Jahr über erfreuen können.

Deshalb russisch Volkskunst so hell und festlich. Und es ist kein Zufall, dass im 19. Jahrhundert im Zentrum Russlands eine weitere wunderbare Fischerei entstand, die, wie es in solchen Fällen oft der Fall ist, nach ihrem „Wohnsitz“ benannt wurde – Zhostovo! Es gibt kaum einen Menschen in unserem Land, dessen Erinnerung nicht sofort leuchtende, fast sagenhafte Blumensträuße hervorruft, wenn er dieses Wort hört! Blumenarrangements - auf einem Metalltablett. Und es muss gesagt werden, dass die Freiheit, die Tagores Genie bei der Kommunikation mit Blumen feststellte, am deutlichsten in der Kreation der berühmten Zhostovo-Blumensträuße zum Ausdruck kommt.

Eine Vertreterin einer der berühmten Künstlerdynastien von Zhostovo ist Larisa Goncharova (Beispiele der Werke des Meisters). Eine Dynastie in jedem Tätigkeitsbereich ist die Geschichte eines bestimmten Unternehmens. Wenn Sie eine Familie kontaktieren, erfahren Sie mehr über die jahrhundertealte Geschichte der Entwicklung einer ganzen Fischerei. Als Larisa über die Geheimnisse des Handwerks sprach, sagte sie, dass Malerei eine Improvisation sei: Der Autor selbst weiß nicht, was passieren wird, seine Hand geht „automatisch“!

Was für ein Meister muss man sein, damit diese bezaubernden Blumen, die mit magischem Licht aus den Tiefen der Knospen leuchten, ehrfürchtig auf der lackierten Oberfläche „klingen“ wie Noten virtuoser musikalischer Improvisation! Die exquisite Schönheit der von den Goncharovs geschaffenen Blumen ist von besonderer Bedeutung und vermittelt uns die Stimmung eines fröhlichen Feiertags oder einer unvoreingenommenen Besinnung.

Wenn Sie die Perfektion der Umsetzung des Plans bewundern und die Freiheit und luftige Leichtigkeit in der Darstellung von Blumensträußen genießen, beginnen Sie zu verstehen, dass ein einst nützlicher Gegenstand längst zum Symbol der Kunst geworden ist und dass die Malerei von Zhostovo eine eigenständige Kunstform ist .

Das Dorf Zhostovo, das ganz in der Nähe der Hauptstadt liegt, ist seit mehreren Jahrhunderten ein Symbol des einzigartigen russischen Handwerks. IN letzten Jahrzehnte Im 20. Jahrhundert wurde das Dorf von neuen Russen ausgewählt, die der Hektik der Stadt und der sich verschlechternden Umwelt überdrüssig waren. Übrigens, Gerda, die wir seit unserer Kindheit kennen aus „ Schneekönigin", oder besser gesagt, wer sie gespielt hat beliebte Schauspielerin Theater und Kino Elena Proklova lebt seit vielen Jahren ebenfalls in diesem Dorf am Waldrand, genießt Landschaftsgestaltung und baut Bio-Obst und -Gemüse an. Sie konnte der Versuchung nicht widerstehen, das Bemalen von Tabletts zu lernen!

Vor dem Hintergrund der immer größer werdenden „Stadt der Villen“ wurden die Häuser der Oldtimer immer niedriger, „wuchsen“ in ihre Heimat hinein, klammerten sich immer fester an sie, als hätten sie Angst vor der Entwurzelung. Und dafür gab es Gründe.

Zuerst gab es Gerüchte, aber ich wollte es nicht glauben. Wie könnte ein alter Volkshandwerk, auf das der Staat so stolz war, Privateigentum werden? Es verging etwas Zeit und aus den Gerüchten wurden vollendete Tatsachen. Der Besitzer der legendären Zhostovo-Fischerei wurde zur Bank (wir werden keine zusätzliche Werbung dafür machen, zumal der Besitzer der Bank sie verkaufen kann!). Und alles verlief nach dem gewohnten Schema. Die Bank versprach, Volkshandwerk zu erhalten und berühmtes Museum Zhostovo-Tabletts, aber das Territorium und die Fläche der Fabrik wurden vermietet. Mittlerweile gibt es etwa dreißig Unternehmen, die nichts mit der Tablettfischerei zu tun haben. Die dreißig in der Fabrik verbliebenen jungen Meister drängen sich in vier kleinen Räumen, die für Malerwerkstätten reserviert sind. Jetzt arbeiten sie „für den Eigentümer“. Alle tolle Künstler, alte Meister, echte Schöpfer haben das Handwerk verlassen und arbeiten zu Hause. In letzter Zeit Sie hörten praktisch auf, mit der Fabrik zusammenzuarbeiten.

Das Tablett als Haushaltsgegenstand ist seit der Antike bekannt, aber erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts, aufgrund des Wachstums der Städte und der Entstehung zahlreicher Hotels, Tavernen und Restaurants, wurden Tabletts in großen Mengen benötigt und wurden nicht nur für verwendet direkter Zweck, aber auch für die Innendekoration. Bunte Blumensträuße, Stillleben, Teetrink- oder Troika-Reitszenen sind traditionelle Motive von Tablettgemälden, die die Wände solcher Lokale schmückten.

Zhostovo-Tabletts gehören zu einem Trend, der allgemein als „russische Lacke“ bezeichnet wird. Zunächst erschien Ende des 18. Jahrhunderts die Lackminiaturmalerei auf Pappmaché. Das Dorf Danilkovo in der Nähe von Fedoskino, die Dörfer Zhostovo und Ostashkovo waren berühmt für die Herstellung von Schachteln, Schnupftabakdosen, Schachteln, Bleistiftgläsern, Zigarettenetuis, Alben, Crackern, Brieftaschen – mit Miniaturgemälden verzierte Gegenstände. Künstler wandten sich damals an Berühmte Werke Staffeleimalerei, Gravuren, freie Interpretation, aus der sie ihre Werke schufen. Ursprünglich im Mainstream der Lackminiaturen entstanden, entwickelte sich die Herstellung von Tabletts nach und nach zu einem eigenständigen Handwerk. Der Ausgangspunkt ist das Jahr 1807, als die Werkstatt von Philip Nikitich Vishnyakov in Zhostovo ihre Arbeit aufnahm. Obwohl die Gründung der Fischerei mit dem Namen eines anderen Vishnyakov - Osip Filippovich - verbunden ist. Mitte des 19. Jahrhunderts gab es im Bezirk bereits zwölf Werkstätten: Belyaev, Mitrofanov, Zaitsev, Leontyev und andere. Das Handwerk entwickelte sich weiter und man begann, Tabletts nicht nur aus Pappmaché, sondern auch aus Eisen herzustellen. Zweifellos ist in dieser Hinsicht der Einfluss des berühmten Tablettproduktionszentrums in Nischni Tagil seit dem 18. Jahrhundert.

Arbeiteten die Eigentümer zunächst gleichberechtigt mit den Arbeitern, so wandelten sie sich in den 1870er und 1880er Jahren zunehmend zu Unternehmern. In diesen Jahren gab es in der Tablettindustrie in der Nähe von Moskau mehr als 240 Lohnarbeiter. Normalerweise arbeiteten drei Personen an einem Tablett: ein Hufschmied, der die Form herstellte, ein Putter, der die Oberfläche grundierte, und ein Maler, der das Tablett bemalte. Nach dem Trocknen wurde es mit der Grundierung lackiert.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts beherrschten die Künstler von Zhostovo die interessantesten Dinge, die in der Tablettproduktion von St. Petersburg, Nischni Tagil, in Lackminiaturen in der Nähe von Moskau, in der Staffeleimalerei, in der Porzellanmalerei und in anderen Kunstformen zu finden waren bildeten ihren eigenen Stil, der schließlich in erster Linie auf der Entwicklung ihres eigenen Stils beruhte lokale Traditionen. Es wurde ein System entwickelt, ein professioneller Bildkanon, der der Kunst von Zhostovo bis heute innewohnt. In der Abfolge der Techniken des vielschichtigen Zhostovo-Schreibens wird eine Art Alphabet aufgezeichnet, das von den Meistern aufgenommen wird und „mit Milch“ genannt wird. Schattieren, Schattieren, Legen, Hervorheben, Zeichnen, Binden – das sind die „Schritte“, die von den verallgemeinerten Silhouetten von Blumen und Blättern des Schattierens zur Schaffung komplexer Kompositionen mit feinsten Details des Bindens, Kombinierens von Blumen zu Blumensträußen und Verbinden führten mit dem Hintergrund. Und erst wenn der Künstler dieses Alphabet „perfekt beherrscht“ und gelernt hat, „die schwierigsten Wörter klar auszusprechen“, erhält er die lang erwartete Freiheit. Jetzt hat die Hand des Meisters das Recht, ihn auf seinen eigenen Wegen durch magische Gärten zu führen, in denen Paradiesvögel leben und durch meisterhafte Improvisation immer neue Blumensträuße von sagenhafter Schönheit kreieren.

Kommunizieren mit berühmte Meister Beim Studium verschiedener russischer Handwerke ist mir aufgefallen, dass sie alle nicht nur in ihrem Hauptberuf, sondern oft auch in vielen anderen Tätigkeitsbereichen talentiert sind. Vor einigen Jahren nahm Nikolai Guschchin, Volkskünstler Russlands, am Buyan-Insel-Festival in Sotschi teil. Hauptkünstler Nischni Nowgorod Handwerk „Khokhloma-Künstler“. Er überraschte die Teilnehmer nicht nur mit den zur Ausstellung gebrachten Werken, der talentierten Malerei, die er im Meisterkurs demonstrierte, sondern auch ... mit seiner wunderbaren Begabung als Tänzer! Wie er beim Bankett getanzt hat! Nicht viele Männer können sich solcher Fähigkeiten rühmen. Und noch etwas: Die Augen des Künstlers schnappen sich ständig die für die Kreativität notwendigen Elemente aus der umgebenden Realität, und jeder Schöpfer hat seine eigenen. Ich erinnere mich, wie Gushchin, als er mich besuchte, sofort neue Ideen für seine Bilder fand: In der ersten Minute, als er durch den Garten ging, pflückte er eine unauffällige Blume. Er betrachtete bewundernd die Locken des „Unkrauts“ und sagte, dass er so etwas noch nie in der Mittelzone gesehen habe und es auf jeden Fall in seinen Gemälden verwenden würde. Er wickelte den Grashalm sorgfältig ein und steckte ihn in seine Tasche. Blumen sind das beliebteste Bildmotiv im russischen Kunsthandwerk.

So entstehen Traditionen. Jeder Künstler bringt in den etablierten Kanon ein, was er gesehen und erlebt hat. Jeder Autor hat seinen eigenen individuellen Stil. Fachleute können die „Hände“ von Meistern leicht anhand der Art der Striche unterscheiden, und angesichts der durch Arbeit und Talent geförderten Individualität geben sie oft Definitionen an, die keineswegs kunsthistorische Begriffe sind. Den Pinselstrich der Verdienten Künstlerin Russlands Larisa Gontscharowa, einer Meisterin der Schostowo-Malerei, nennen sie begeistert „Tanzen“. Larisa singt, während sie ihre berühmten Blumen schreibt (oder schreibt, während sie singt!).

Larisa Goncharovas Dissertation in Kunstschule ihnen. Kalinina wurde von der Kommission sehr geschätzt und an VDNKh geschickt, und Larisa erhielt den Preis des Komsomol-Zentralkomitees.

Als Kind beschäftigte sich Larisa mit Choreografie, doch nachdem sie den Beruf einer Künstlerin erhalten hatte, lange Jahre Sie sang im Folk-Ensemble „Rus“ und tourte. Sie ist außerdem eine geborene Modedesignerin und kann sich über Nacht ein wunderschönes Outfit nähen. Versuchen Sie es zu wiederholen: ein Taftkleid mit Kaninchenbesatz, bemalt mit Zhostovo-Blumen – exklusiv!

Ein positiver Charakter und helle künstlerische Neigungen spiegelten sich natürlich im Gemälde wider. Daher der „tanzende“ Strich!

Als Künstlerin in der vierten Generation konnte Larisa von Kindheit an alle Phasen der Herstellung der berühmten Zhostovo-Tabletts beobachten und lief zur Arbeit ihrer Mutter (glücklicherweise befand sich die Fabrik für dekorative Malerei in Zhostovo neben dem Haus!), obwohl sie nicht die Absicht hatte, dies zu tun in ihre Fußstapfen treten. Aber Mama war eine weise Frau und konnte sie nach und nach auf den richtigen Weg führen. Hier spielten offensichtlich die Gene eine Rolle. Schließlich war derselbe Timofey Maksimovich Belyaev, der in den 1830er Jahren in Schostowo eine eigene Werkstatt zur Herstellung von Tabletts hatte, der Urgroßvater von Larisa Goncharovas Mutter, Nina Nikolaevna, Volkskünstlerin Russlands und Preisträgerin Staatspreis ihnen. I. E. Repin.

Die Vorkriegsgeschichte der Fischerei hat uns verlassen männliche Namen. Doch 1941 stellte das Leben des Landes auf den Kopf und begann, seine Geschichte in allen Bereichen und Lebensbereichen zu schreiben. Die Männer wurden an die Front gebracht. Und damit die bereits über 100 Jahre alte Zhostovo-Industrie nicht untergeht, wurden zum ersten Mal sechs Mädchen im Alter von 13 bis 14 Jahren in der Fabrik eingestellt. Unter ihnen war Nina Belyaeva (später ihr Ehemann Goncharova). Militärische Kindheit in der Produktion ist ein separater Artikel. Sie können Romane schreiben und Spielfilme machen! Nina Nikolaevna erzählte, wie sie, kleine Mädchen, Baumstämme aus dem Wald trugen, um die Produktion zu heizen, und Dosen bemalten, da es kein Eisen gab (das gesamte Metall wurde zur Verteidigung verwendet). Es ist unwahrscheinlich, dass Nina in diesen Jahren ihre Werke präsentieren konnte Museumssammlungen und die besten Messehallen der Welt! Klar: Es spielt keine Rolle, welche Wände, Böden, Töpfe und Gläser Ihr Kind mit der Hand bemalt. Es ist wichtig, wer diese Hand „betet“. Mädchen unterrichtet ältester Meister Andrei Pawlowitsch Gogin, der in der Geschichte von Zhostovo eine herausragende Rolle spielte. Es war Gogin, der in den 20er Jahren des letzten Jahrhunderts zu einem aktiven Organisator des Artel wurde, auf dessen Grundlage er viele herausragende Werke schuf und zahlreichen Schülern traditionelle Fähigkeiten beibrachte. Er war einer von denen, deren Aktivitäten dazu beitrugen, die Krise zu überstehen, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts die Arbeit buchstäblich aller Volkshandwerke lahmlegte. Im Jahr 1928 fusionierten die Artels zu einem „Metal Tray“, das 1960 in Zhostovo Decorative Painting Factory umbenannt wurde. Alle diese Stationen waren das Leben von Andrei Pawlowitsch, und nach dem Krieg, von 1948 bis 1961, leitete er die Fischerei als künstlerischer Leiter und der Hauptkünstler. Damals musste sich das Zhostovo-Künstlerteam noch den in den 20er und 30er Jahren einsetzenden Versuchen sowjetischer Regierungsbehörden widersetzen, die etablierte Entwicklungsrichtung des Handwerks durch die Einführung einer geradlinigen Aussage zum Realismus zu ändern. Solche Innovationen könnten eine ganze Bewegung in der russischen Kunst zerstören. Aber führende Meister konnten dem widerstehen und lenkten die Umsetzung neuer Ideen auf die Vertiefung des traditionellen Handwerks.

In seiner Arbeit experimentierte Gogin mit der Form von Tabletts und mit Kompositionsschemata, indem er Perlmutt-Intarsien sowie farbige und goldene Hintergründe verwendete. Seine lyrische Begabung blieb unverändert und gab sie an seine Schülerin Nina Gontscharowa weiter. Seit mehr als einem halben Jahrhundert schafft sie Werke, die uns durch ihre Perfektion begeistern.

Es ist seit langem bewiesen, dass eine Person, die nicht in der Gegend lebt, in der das Handwerk entstanden und entwickelt wurde, niemals sein Vertreter werden und keine Traditionen entwickeln kann. Die Kunst des russischen Volkshandwerks ist nur in Russland wirklich lebendig Heimatland und lässt sich davon inspirieren. Trotzdem in verschiedene Ecken In unserem Land und in vielen Ländern der Welt gibt es Menschen, die sich leidenschaftlich von der Schönheit der russischen Kunst angezogen fühlen und davon träumen, zumindest die Grundlagen des Handwerks zu beherrschen. Deshalb sind unsere Künstler dazu eingeladen verschiedene Länder, Schulen organisieren, Meisterkurse durchführen. Larisa reist oft ins Ausland und unterrichtet Ausländer. Jeder kann die Grundlagen der Zhostovo-Malerei erlernen, aber nicht jeder kann ein Künstler dieser Malerei sein. Ausländer studieren, weil es für sie neu ist. Viele Jahre lang beschränkte sich die Bekanntschaft mit der russischen Kunst auf Nistpuppen. Für einige ist es jetzt Unterhaltung, für andere ist es ein Geschäft. L. Goncharova unterrichtete in Australien und Taiwan. Sie hatte mehrmals die Gelegenheit, Amerika zu besuchen: Kunstateliers in 8 Bundesstaaten organisierten ihre Meisterkurse. Und eines Tages wurde aus einem solchen Meisterkurs auf Maltabletts eine echte und einzigartige Show: Sie fand vor der Kulisse einer Performance statt Folklore-Ensemble, deren Teilnehmer in schicke, farbenfrohe russische Kostüme gekleidet waren. Larisa sang auch und wechselte ihre Auftritte mit dem Unterrichten ab. In einem luxuriösen Anzug saß sie hinter einem Tablett vor der Kulisse des Ensembles! Amerikanische Frauen rannten herbei, um zuzusehen, wie die Sängerin und Künstlerin innerhalb einer Minute ihre Kleidung und ihr Outfit wechselte: Das Spektakel war atemberaubend!

„Das Ausland wird uns helfen“ ist ein so bekannter Satz, den jeder kennt. Klassisch. Teilnehmen an letzten Jahren Die langen Auslandsreisen unserer Künstler bestätigen dies ohne Humor. Arbeits- und Lebensbedingungen, Löhne sind dort unermesslich höher! Obwohl nein, man kann es „messen“, aber man will es nicht! Geld ist gut: Befriedigung findet der Meister nicht nur dadurch, dass er Brot und Butter kaufen kann. Geld ist ein „Maß“, eine Einschätzung des Schöpfers: „Sie bezahlen mich gut, das heißt, sie schätzen mein Talent und die Werke, die ich schaffe.“ Ich habe also etwas erreicht! Es war nicht umsonst, dass ich hart studiert und gearbeitet habe!“ Es stellt sich heraus, dass Geld ein Anreiz ist, weiter zu arbeiten! Aber der Satz: „Ein Künstler muss hungrig sein“... Verhungern Sie, meine Herren!

Die Zeiten ändern sich, die Zhostovo-Malerei reagiert auf Modetrends und schmückt heute nicht nur traditionelle Tabletts, sondern auch andere Einrichtungsgegenstände: Schränke, Tische, Truhen, Kästen ... und sogar Eimer! Wenn es Befehle gäbe: Man könnte sowohl Schuhe als auch ein Kleid bemalen. Und es ist wirklich wunderschön. Vor einigen Jahren fand in Moskau die Ausstellung „Alles über den Aufbau der Welt“ statt. Die Organisatoren beauftragten Larisa Goncharova, den Computer zu bemalen. Das Ergebnis war ein wundervolles und ungewöhnliches Artefakt!

Aber dennoch talentierte Künstler Handwerker tun alles, um das Schostowo-Tablett als Phänomen der russischen Kultur zu bewahren. Und „Blumen der Goncharovs“ sprengt mit seiner subtilen Lyrik und exquisiten Schönheit der Malerei die alltäglichen Fesseln von unseren Händen und Füßen und schenkt uns ein Gefühl von Freiheit und Freude!

Natalia Tsygikalo