Σχετικά με την τέχνη της κιθάρας και την εκπαίδευση των κιθαριστών. Σχηματισμός απόδοσης ρωσικής κιθάρας Σχηματισμός παραστατικής τέχνης στην κιθάρα
Σχηματισμός απόδοσης ρωσικής κιθάρας1. Η εμφάνιση της τέχνης του παιξίματος της επτάχορδης κιθάρας στη Ρωσία τον 19ο - αρχές του 20ου αιώνα
Η πρωτοτυπία της ύπαρξης της κιθάρας στη Ρωσία έγκειται στην παράλληλη ύπαρξη δύο ποικιλιών - επτάχορδη και εξάχορδη. Ωστόσο, το «μερίδιο» τους στη δημιουργία μουσικής ήταν διαφορετικό: από το δεύτερο μισό της δεκαετίας του 20 του ΧΧ αιώνα, σε μια περίοδο που ξεπερνά τη μελέτη αυτού του βιβλίου, η εξάχορδη κιθάρα έγινε ολοένα και πιο δημοφιλής. Εν τω μεταξύ, για όλη σχεδόν τη διάρκεια του 19ου αιώνα, μια ποικιλία οργάνων που μπορεί να ονομαστεί πλήρως ρωσικό λαϊκό όργανο ήταν κυρίαρχη στην εγχώρια μουσική κατασκευή. Και όχι μόνο σύμφωνα με το κοινωνικό κριτήριο, που συνδέεται με την εστίαση στη μη ελίτ από μουσική και καλλιτεχνική άποψη, το κυρίαρχο μέρος του πληθυσμού της Ρωσίας. Στην επτάχορδη κιθάρα, με ένα ιδιαίτερο «ρώσικο» κούρδισμα, το εθνοτικό στοιχείο της εθνικότητας δεν είναι λιγότερο εμφανές: για πάνω από δύο αιώνες χρησιμοποιείται ευρέως στη χώρα μας και εξακολουθεί να υπάρχει για να εκφράσει παραδοσιακά είδη. εθνική μουσική. Ο συντονισμός σύμφωνα με τους ήχους της τριάδας G-dur διπλασιάστηκε σε μια οκτάβα και η κάτω χορδή σε απόσταση ενός κουαρτ εμφανίστηκε στη Ρωσία το δεύτερο μισό του 18ου αιώνα και αποδείχθηκε εξαιρετικά οργανικό στο αστικό περιβάλλον, όπου τους άρεσε να τραγουδούν τραγούδια και ρομάντζα, με τις αμετάβλητες φόρμουλες συνοδείας μπάσου (Στην εγχώρια μουσική ζωή των αρχών του 19ου αιώνα, ένα τέτοιο όργανο ονομαζόταν συχνά κιθάρα του «Πολωνικού συστήματος». Εν τω μεταξύ, κουρδίζοντας από τους ήχους η τριάδα G-dur έγινε ευρέως διαδεδομένη μόνο στη Ρωσία (η μόνη εξαίρεση θα μπορούσε να είναι το περιβάλλον των Ρώσων μεταναστών σε άλλες χώρες).
Με τη συνοδεία επτάχορδης κιθάρας στην οικιακή μουσική, συνήθως με το αυτί - οι απλούστερες αρμονικές λειτουργίες μιας τέτοιας συνοδείας έγιναν εξαιρετικά προσιτές. Οι συγγραφείς τραγουδιών και ρομάντζων ήταν συνήθως ελάχιστα γνωστοί ερασιτέχνες, αλλά μερικές φορές εξέχοντες συνθέτες του 19ου αιώνα, οι προκάτοχοι του M. I. Glinka, όπως οι A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. A. Alyabyev, A. I. Dyubuk, P. P. Bulakhov. Η απόδοση στην "επτάχορδη" τραγουδιών όπως "The bell rattles monotonously" του A. L. Gurilev, "The snowstorm sweeps along the street" του A. E. Varlamov, "Don scold me, dear" του A. I. Dyubuk και πολλών άλλων είναι ευρέως δημοφιλή - δεν είναι τυχαίο ότι άρχισαν να υπάρχουν στον γενικό πληθυσμό ακριβώς ως ρωσικά λαϊκά τραγούδια.
Η τέχνη των Ρώσων τσιγγάνων έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ενεργό διάδοση της επτάχορδης κιθάρας. Θαυμάσιοι επτάχορδοι κιθαρίστες ήταν οι ηγέτες τσιγγάνων χορωδιών, όπως ο Ilya Osipovich και ο Grigory Ivanovich Sokolov, ο Alexander Petrovich Vasilyev, αργότερα ο Nikolai Sergeevich Shishkin, ο Rodion Arkadevich Kalabin κ. ελαφρύ χέριΚόμης A. G. Orlov. Πολλοί ευγενείς, πλούσιοι γαιοκτήμονες και έμποροι αποκτούν τις δικές τους χορωδίες τσιγγάνων.
Στα τέλη του 18ου αιώνα, η επτάχορδη κιθάρα ακουγόταν σε αριστοκρατικά σαλόνια, ακόμη και στη βασιλική αυλή, αλλά μέσα του δέκατου ένατουαιώνα, έχει παρατηρηθεί ο σημαντικός εκδημοκρατισμός του. Ο M. A. Stakhovich στο «Δοκίμιο για την ιστορία της επτάχορδης κιθάρας», που δημοσιεύτηκε για πρώτη φορά το 1854, έγραψε: «Η επτάχορδη κιθάρα είναι το πιο κοινό όργανο στη Ρωσία, επειδή είναι πιο διαδεδομένο επειδή, εκτός από τους μορφωμένους κατηγορίας, παίζεται και από απλούς ανθρώπους».
Ταυτόχρονα, ήδη από τα τέλη του 18ου αιώνα, αυτός ο τύπος κιθάρας άρχισε να αναπτύσσεται και ως εκπρόσωπος της ακαδημαϊκής μουσική τέχνη. Αν το τραγούδι με τη συνοδεία της κιθάρας αστικών τραγουδιών και ρομάντζων χαρακτηριζόταν από μια μη γραπτή ακουστική παράδοση, τότε τα ίδια τραγούδια που προορίζονταν για σόλο εκτέλεση στην κιθάρα στην οικιακή μουσική εκδόθηκαν σε διάφορες μουσικές συλλογές. Επρόκειτο κυρίως για παραλλαγές - διασκευές μελωδιών δημοτικού τραγουδιού. Εδώ, οι συγγραφείς επέδειξαν δημιουργική φαντασία όταν διακοσμούσαν το θέμα, τον πολύχρωμο «χρωματισμό» του σε μια μεγάλη ποικιλία επιλογών.
Για την επτάχορδη κιθάρα εμφανίζονται και μεγάλες συνθέσεις. Ήδη στο αρχές XIXαιώνα, κυκλοφόρησε η Σονάτα για ένα ντουέτο κιθάρων του V. Lvov. Όλο και περισσότερο, διάφορα κομμάτια κιθάρας άρχισαν να δημοσιεύονται, να τοποθετούνται σε εκπαιδευτικά και μεθοδολογικά εγχειρίδια ή να δημοσιεύονται σε ξεχωριστές εκδόσεις. Τέτοιες, για παράδειγμα, είναι πολυάριθμες μινιατούρες, κυρίως σε είδη χορού - μαζούρκες, βαλς, χωρικοί χοροί, οικοσάιζ, πολωνέζες, καθώς και σερενάτες, διαφοροποιήσεις, που δημιούργησε ο διάσημος κιθαρίστας-δάσκαλος και μεθοδιστής Ignaz Geld (1766-1816).
Ignaz Geld
Έχοντας ζήσει σχεδόν όλη τη δημιουργική του ζωή στη Ρωσία, αυτός ο ρωσοποιημένος Τσέχος έκανε πολλά για να διαδώσει το ακαδημαϊκό παίξιμο κιθάρας. Το 1798 δημοσιεύτηκε στην Αγία Πετρούπολη το «Σχολείο-φροντιστήριο για την επτάχορδη κιθάρα» που είχε τον τίτλο στα γαλλικά - «Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre». Μαζί με μια ποικιλία θεωρητικών πληροφοριών, περιέχει πολλά μουσικά δείγματα - τόσο διασκευασμένα για την κιθάρα όσο και συνθέσεις του ίδιου του συγγραφέα. Αυτά είναι το Πρελούδιο, το Βαλς, η Ντούμκα, η Πολωνέζ, ο Μάρτιος, ο Αλεγκρέτο. στο τέλος της έκδοσης υπάρχει ακόμη και μια σονάτα για φλάουτο και κιθάρα, κομμάτια για βιολί και κιθάρα, για φωνή και κιθάρα κ.λπ.
Το σχολείο ανατυπώθηκε επανειλημμένα και συμπληρώθηκε με ποικίλο νέο υλικό (συγκεκριμένα, η τρίτη έκδοση επεκτάθηκε με σαράντα διασκευές ρωσικών και ουκρανικών λαϊκών τραγουδιών). Τα υψηλά καλλιτεχνικά του πλεονεκτήματα αποδεικνύονται ήδη από το γεγονός ότι έχει γίνει η μεθοδολογική βάση για την εξαγωγή φυσικών και τεχνητών αρμονικών. Αυτό έγινε από τον S. N. Aksenov, ο οποίος δημοσίευσε τις μεθόδους εκτέλεσής τους στα συμπληρώματά του στην έκδοση και τους ξεχώρισε εδώ σε ξεχωριστό κεφάλαιο.
Σημαντικό φαινόμενο στην εποχή του έγινε επίσης το «Σχολείο για την επτάχορδη κιθάρα» του δασκάλου, συγγραφέα μιας σειράς μουσικών συνθέσεων Ντμίτρι Φεντόροβιτς Κουσένοφ-Ντιμιτριέφσκι (περίπου 1772-1835). Το εγχειρίδιο κιθάρας του είναι «The New and Complete Guitar School, που συντέθηκε το 1808 από τον κ. Kushenov-Dmitrievsky, ή ένα εγχειρίδιο αυτο-οδηγίας για κιθάρα, σύμφωνα με το οποίο μπορείτε να μάθετε πώς να παίζετε σωστά την κιθάρα μόνοι σας χωρίς τη βοήθεια ενός δάσκαλος», που πρωτοεκδόθηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1808, γνώρισε μεγάλη δημοτικότητα το πρώτο μισό του 19ου αιώνα και ανατυπώθηκε επανειλημμένα. Αν και προέβλεπε αυτοδιδασκαλία, ο συγγραφέας τόνισε ότι η επιτυχία στη γνωστική ικανότητα αποκτάται σε μεγάλο βαθμό «με τη βοήθεια ενός καλού δασκάλου». Στην επανέκδοση της Σχολής του 1817, ο συγγραφέας αναφέρει ακόμη πιο κατηγορηματικά: «... δεν υπάρχει ούτε μια επιστήμη που να μην απαιτεί μέντορα ή οδηγό για την τέλεια γνώση. Επομένως, δεν σας συμβουλεύω να ξεκινήσετε τη διδασκαλία πριν από αυτό το χρονικό διάστημα, μέχρι να βρεθεί ένας ικανός και αρκετά γνώστης δάσκαλος για αυτό.
Ο D. F. Kushenov-Dmitrievsky δημιούργησε μια σειρά από φαντασιώσεις λαϊκού τραγουδιού και διασκευές για την επτάχορδη κιθάρα, το 1818 δημοσίευσε μια συλλογή κομματιών κιθάρας «Interdubele, ή Συλλογή υποδειγματικών κομματιών για την επτάχορδη κιθάρα». Περιέχει εκατό μουσικά νούμερα, ειδικότερα, δικές του μινιατούρες, διασκευές λαϊκής μουσικής, καθώς και μεταγραφές θεατρικών έργων των W. A. Mozart, A. O. Sichra, F. Carulli και άλλων συνθετών.
Διάσημοι Ρώσοι συνθέτες-βιολιστές του δεύτερου μισού του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα κατείχαν τέλεια την επτάχορδη κιθάρα. Ανάμεσά τους, όπως και στον τομέα της τέχνης της μπαλαλάικα, πρώτα απ 'όλα, πρέπει να αναφερθεί ο Ivan Evstafyevich Khandoshkin, ο οποίος έγραψε επίσης μουσική για την κιθάρα, συνθέτοντας για αυτήν μια σειρά παραλλαγών στα θέματα των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών (δυστυχώς, δεν διατηρούνται) . Στο ίδιο πλαίσιο θα ήθελα να αναφέρω τον Gavriil Andreevich Rachinsky (1777-1843), ο οποίος δημοσίευσε τα κιθαριστικά του έργα ήδη από τις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα.
Η πραγματική άνθηση της εγχώριας επαγγελματικής κιθάρας ξεκινά με τη δημιουργική δραστηριότητα του εξαιρετικού δασκάλου-κιθαρίστα Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Όντας αρπιστής από την εκπαίδευση και κατέχοντας τέλεια την απόδοση αυτού του οργάνου, αφιέρωσε ωστόσο όλη του τη ζωή στην προώθηση της επτάχορδης κιθάρας: στα νιάτα του ασχολήθηκε με συναυλιακή δραστηριότητα και στη συνέχεια παιδαγωγική και διαφώτιση.
Andrey Osipovich Sikhra
Στα τέλη του 18ου αιώνα, ο Σίχρα ήρθε από το Βίλνιους στη Μόσχα, όπου άρχισε να ενδιαφέρεται για την κιθάρα και το 1813 μετακόμισε στην Αγία Πετρούπολη. Από το 1801, οι συναυλίες του στην κιθάρα στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη ήταν πολύ επιτυχημένες (Για μεγάλο χρονικό διάστημα, ο A. O. Sikhra θεωρούνταν ακόμη και ο εφευρέτης της ρωσικής επτάχορδης κιθάρας. Έτσι, ο M. A. Stakhovich σημείωσε ότι ο Sikhra ήταν ακόμα στο τέλος του 18ου αιώνα «Σκέφτηκα την ιδέα να φτιάξω ένα όργανο από μια κιθάρα έξι χορδών που να είναι πιο ολοκληρωμένο και πιο κοντά στην άρπα από άποψη αρπέτζιο και ταυτόχρονα πιο μελωδικό από μια άρπα, και έδεσε την έβδομη χορδή στην κιθάρα· ταυτόχρονα, άλλαξε το κούρδισμά της, δίνοντας στις έξι χορδές μια ομάδα δύο τονικών συγχορδιών σε τόνο G-dur [...] Στην έβδομη χορδή, έβαλε το πιο χοντρό μπάσο, που αποτελεί την κάτω οκτάβα - re (D) και περιέχει τον κύριο ήχο του ανώτερου κυρίαρχου τόνου G-dur. "Ο A. S. Famintsyn επαναλαμβάνει τα ίδια δεδομένα, τονίζοντας ότι η Sichra, προσθέτοντας την έβδομη χορδή, άλλαξε τον συντονισμό, "φέρνοντάς την πιο κοντά arpeggios στο ειδικό του όργανο - την άρπα.» Αν και αυτές οι πληροφορίες δεν βρήκαν καμία τεκμηριωμένη επιβεβαίωση, ένα πράγμα είναι αδιαμφισβήτητο: ο μουσικός, όπως και οι μαθητές του, , συνέβαλε σημαντικά στην ευρεία δημοτικότητα αυτού του τύπου κιθάρας στη Ρωσία.).
Ο A. O. Sikhra γνώρισε ιδιαίτερη επιτυχία χάρη στις μουσικές του εκδόσεις, που τότε ονομάζονταν «περιοδικά». Έτσι, το 1800, μια τέτοια έκδοση κυκλοφόρησε με τον τίτλο στα γαλλικά «Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra» («Περιοδικό για κιθάρα με επτά χορδές A. Sychra»). Το περιοδικό είχε ξεκάθαρη επιτυχία, όπως αποδεικνύεται από την αναδημοσίευσή του δύο χρόνια αργότερα. Πολλές διασκευές ρωσικών λαϊκών τραγουδιών, διασκευές μουσικών κλασικών, απλές μινιατούρες σε είδη χορού τοποθετήθηκαν εδώ.
Τις επόμενες δεκαετίες, μέχρι το 1838, ο μουσικός δημοσίευσε μια σειρά από παρόμοια περιοδικά κιθάρας, τα οποία παρουσίαζαν μια μεγάλη ποικιλία έργων, μεταγραφές από μουσική όπερας, ειδύλλια, τραγούδια και χορούς, παραλλαγές σε θέματα από κλασικά έργα κ.λπ. Όλα αυτά είναι σε μεγάλο βαθμό βαθμό συνέβαλε στην αυξανόμενη δημοτικότητα του οργάνου.
Ιδιαίτερη φήμη απέκτησε το περιοδικό που εκδόθηκε από το 1826 με την επωνυμία «Petersburg magazine for guitar, έκδοση Sychra, που περιέχει διάφορα είδη συνθέσεων, ευχάριστες στο αυτί και εύκολες στο παίξιμο». Τα τελευταία χρόνια της ζωής του, ως επί το πλείστον, συνέθεσε κομμάτια για ένα ντουέτο κιθάρων και ο ίδιος ερμήνευσε μια χαμηλότερη τεσιτούρα, δεύτερο μέρος και εμπιστεύτηκε την πρώτη, υψηλότερης τάξης κιθάρες - tertz σε έναν από τους μαθητές του.
Σημαντική ήταν και η μεθοδική δραστηριότητα του μουσικού. Το 1850 εμφανίστηκε το "Θεωρητικό και Πρακτικό Σχολείο για την Επτάχορδη Κιθάρα" σε τρία μέρη (το πρώτο μέρος - "Για τους κανόνες της μουσικής γενικά", το δεύτερο - τεχνικές ασκήσεις, κλίμακες και αρπέτζια, το τρίτο - μουσικό υλικό, κυρίως από τα έργα των μαθητών της Σύχρας). Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ο F. T. Stellovsky, ο οποίος επανεκδόθηκε επανειλημμένα τη σχολή, επέκτεινε σημαντικά το ρεπερτόριο προσθέτοντας πολλές διασκευές έργων κλασικών συνθετών.
Ένα άλλο σημαντικό διδακτικό και παιδαγωγικό εγχειρίδιο ήταν οι «Practical Rules Consisting in Four Exercises» του A. O. Sikhra, ένα είδος ανώτερης σχολής για τη βελτίωση των τεχνικών δεξιοτήτων ενός κιθαρίστα, μια εγκυκλοπαίδεια τεχνικών και μεθόδων παιξίματος της επτάχορδης κιθάρας εκείνης της εποχής. Μολονότι εδώ περιλαμβάνονται μόνο ετούτα, στην ουσία πρόκειται για εκτεταμένα έργα, και ως εκ τούτου θα συζητηθούν σε ξεχωριστή ενότητα αυτού του κεφαλαίου.
Ο Sichra ήταν ο πρώτος που καθιέρωσε την επτάχορδη κιθάρα ως σόλο ακαδημαϊκό όργανο, κάνοντας πολλά για την αισθητική εκπαίδευση ενός ευρέος φάσματος ερασιτεχνών κιθαριστών. Εκπαίδευσε έναν τεράστιο αριθμό μαθητών και, κυρίως, δημιούργησε τη δική του σχολή παραστατικών ως καλλιτεχνική διεύθυνση, που χαρακτηρίζεται από τη συνολική προσοχή στη δημιουργική ατομικότητα του μαθητή και στην ενεργοποίηση της καλλιτεχνικής του σκέψης, έναν συνδυασμό παραστατικών τεχνών και σύνθεση μουσικής, με την επικράτηση της επεξεργασίας υλικού του δημοτικού τραγουδιού. Δεν είναι τυχαίο ότι η παιδαγωγική δραστηριότητα του Sichra στο χώρο της κιθάρας εκτιμήθηκε ιδιαίτερα, για παράδειγμα, από τέτοιους διάσημους συνθέτες, ως A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky.
Δουλεύοντας πολύ με τους μαθητές του για να πετύχει τη λεπτότητα και την πολυπλοκότητα του ήχου της κιθάρας, αυτός ο μουσικός δεν επιδίωξε να αναπτύξει ένα παιχνίδι καντιλένας από αυτούς, αλλά παρομοίασε την κιθάρα με άρπα. Για παράδειγμα, ο μουσικός αποκάλεσε τον εκφραστικό legate που παίζει με άφθονο βιμπράτο από έναν από τους πιο ταλαντούχους οπαδούς του «τσιγγάνα», αν και, φυσικά, δεν παρενέβη στην αποκάλυψη αυτού του χαρακτηριστικού του στυλ ερμηνείας του, καθώς, όπως είπε ο M. G. Ο Dolgushina σημειώνει, το θεώρησε «ο καλύτερος μαθητής του και ειδικά για αυτόν δημιούργησε μια σειρά από τεχνικά πολύπλοκα έργα. Αυτός ο μαθητής ήταν ο Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853). Στη δεκαετία 1810-1830, ήταν ίσως ο πιο εξέχων υποστηρικτής του οργάνου, αν και η κύρια ενασχόλησή του ήταν να υπηρετήσει ως σημαντικός αξιωματούχος (Μετά τη μετακίνηση από τη Μόσχα στην Αγία Πετρούπολη το 1810, ο S. N. Aksenov άρχισε να κάνει μια γρήγορη επίσημη καριέρα: 1823 ήταν υπάλληλος για ειδικές αποστολές υπό τον Υπουργό Πολέμου της Ρωσίας, για πολύ καιρόυπηρέτησε στην ίδια θέση στο Υπουργείο Ναυτικών, ήταν μέλος του στρατιωτικός βαθμόςσυνταγματάρχης).
Semyon Nikolaevich Aksenov
Το παιχνίδι του S. N. Aksenov διακρίθηκε από εξαιρετική μελωδικότητα, ζεστασιά τόνου και μαζί με αυτό - μεγάλη δεξιοτεχνία. Ο μουσικός συνέβαλε σημαντικά στη βελτίωση της τεχνικής απόδοσης: ήταν αυτός που, όπως ήδη σημειώθηκε, ήταν ο πρώτος που ανέπτυξε προσεκτικά ένα σύστημα τεχνητών αρμονικών σε μια κιθάρα επτά χορδών. Το 1819, έκανε επίσης σημαντικές προσθήκες στην ανατύπωση της Σχολής του I. Geld, παρέχοντάς της όχι μόνο ένα κεφάλαιο για τις αρμονικές, αλλά και πολλά νέα κομμάτια και διασκευές δημοτικών τραγουδιών.
Μία από τις πιο σημαντικές πτυχές της δραστηριότητας του Aksenov ήταν ο μουσικός διαφωτισμός. Συγκεκριμένα, τη δεκαετία του 1810 άρχισε να εκδίδει το New Journal for the Seven-String Guitar, Dedicated to Music Lovers, όπου δημοσίευσε πολλές μεταγραφές δημοφιλών άριων όπερας, δικές του παραλλαγές στα θέματα των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών. Υπό την επίδραση του πάθους του κιθαρίστα για τη φολκλόρ των ρωσικών τραγουδιών, ο δάσκαλός του A. O. Sikhra άρχισε να δίνει πολύ μεγαλύτερη προσοχή στις διασκευές των λαϊκών τραγουδιών.
Μεταξύ των πρώτων μαθητών του A. O. Sikhra θα πρέπει να αναφερθεί και ο Vasily Sergeevich Alferyev (1775-περ. 1835). Ήδη το 1797 δημοσιεύτηκε η φαντασία του με θέμα το ρωσικό λαϊκό τραγούδι "Πώς σε αναστάτωσα" και το 1808 άρχισε να δημοσιεύει μηνιαία τεύχη του "Russian Pocket Songbook for the Seven-String Guitar". Περιλάμβανε πολυάριθμα «τραγούδια με παραλλαγές», ξεχωριστές μινιατούρες, μεταγραφές άριων της όπερας δημοφιλείς εκείνη την εποχή, έργα κλασικών μουσικών, ειδύλλια για φωνή και κιθάρα. Εδώ δημοσιεύτηκαν επίσης διάφοροι μοντέρνοι χοροί, που προορίζονταν τόσο για σόλο κιθάρας όσο και για ντουέτα κιθάρας (Ο V. S. Alferyev ήταν επίσης μέλος της Ελεύθερης Εταιρείας Εραστών της Ρωσικής Λογοτεχνίας. Όπως σημειώνει ο M. G. Dolgushina, "δηλώνοντας πρωτίστως φιλανθρωπικούς στόχους, ένωσε γύρω του ένα ευρύ φάσμα ενδιαφερομένων εκπροσώπων της αριστοκρατίας". Ο μουσικός ήταν επίσης μεγάλος λάτρης και συλλέκτης της ρωσικής λαογραφίας. Σύμφωνα με το ίδιο βιβλίο, ειδύλλια του V. S. Alferyev, καθώς και του S. N Aksenov - δημιουργήθηκαν κυρίως με βάση τα λόγια του σύγχρονοι ποιητές).
Ανάμεσα στους μαθητές του A. O. Sikhra ήταν και ο Fedor Mikhailovich Zimmerman (1813-1882), ένας ταλαντούχος κιθαρίστας. Οι σύγχρονοι τον αποκαλούσαν συχνά «Παγκανίνι της κιθάρας», θαυμάζοντας την τεχνική, την ανεξαρτησία και την κινητικότητα των χεριών του, «ήταν σαν να μην υπήρχαν πέντε, αλλά δέκα δάχτυλα σε κάθε χέρι», αυτοσχεδίασε τέλεια στην κιθάρα, δημιούργησε ένα μεγάλη ποικιλία θεατρικών έργων - φαντασιώσεις, βαλς, μαζούρκες, ετιντ και ούτω καθεξής.
Ο Vasily Stepanovich Sarenko (1814-1881) άφησε επίσης αξιοσημείωτο σημάδι στην τέχνη της κιθάρας.
Βασίλι Στεπάνοβιτς Σαρένκο
Ο A. I. Dubuk, εξέχων Ρώσος συνθέτης και πιανίστας του 19ου αιώνα, συγγραφέας πολλών δημοφιλών τραγουδιών και ρομάντζων, περιέγραψε την τέχνη του ως εξής: «Ο παίκτης ήταν πρώτης τάξης και ήξερε τέλεια τη μουσική, είχε πολύ γούστο και φαντασία, ήταν γενικά ένας πλήρως ανεπτυγμένος μουσικός. Έπαιξε κομψά, καθαρά, ομαλά. τα έγχορδα του τραγουδούσαν τόσο σε γρήγορο όσο και σε αργό ρυθμό. Τα έργα και τα etudes που συνθέτει ο V. S. Sarenko είναι συνήθως κορεσμένα με εκφραστική μελωδία και ανεπτυγμένη υφή. Έκανε επίσης πολλές διασκευές κιθάρας και μεταγραφές. Θα πρέπει επίσης να αναφέρουμε έναν τόσο ταλαντούχο μαθητή του A. O. Sikhra όπως ο Pavel Feodosievich Beloshein, ο οποίος έγινε ένας υπέροχος δάσκαλος της τάξης της κιθάρας, συγγραφέας πολλών μινιατούρων.
Ο Βλαντιμίρ Ιβάνοβιτς Μόρκοφ (1801-1864) ήταν επίσης πολύ μορφωμένος μαθητής του A. O. Sikhra
Βλαντιμίρ Ιβάνοβιτς Μόρκοφ
(Το αναφερόμενο πορτρέτο, φτιαγμένο το 1839, ανήκει στο πινέλο του εξέχοντος Ρώσου καλλιτέχνη Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857), ο οποίος ήταν δουλοπάροικος στη μεγάλη ευγενή οικογένεια των Καρότων, φυλάσσεται στο Κρατικό Ρωσικό Μουσείο του Αγ. Πετρούπολη. Το 2007, το "Portrait of V. I. Morkov" δημοσιεύτηκε στον τρίτο τόμο της σειράς "The Russian Museum παρουσιάζει. Ζωγραφική του πρώτου μισού του 19ου αιώνα. Almanac "(Τεύχος 193). Ο V. A. Tropinin αναφέρθηκε στην εικόνα του κιθαρίστας περισσότερες από μία φορές. Μια από τις παραλλαγές μιας τέτοιας εικόνας, που χρονολογείται το 1823 και φυλάσσεται στην Κρατική Πινακοθήκη Tretyakov , στα πολύχρωμα χρώματα του πρωτοτύπου βρίσκεται στο εξώφυλλο του βιβλίου.) Έχει διασκευές πολλών κομματιών κλασικών μουσικών, προορίζεται για μία και δύο κιθάρες. Δημοσίευσε επίσης το "School for the Seven-String Guitar" και το 1861 έγραψε Είκοσι τέσσερα Πρελούδια για την κιθάρα σε όλα τα κύρια και δευτερεύοντα πλήκτρα (Εκτός από το να παίζει κιθάρα, ο V. I. Morkov ήταν επίσης κριτικός μουσικής, συγγραφέας διαφόρων άρθρα και κριτικές σε εφημερίδες και περιοδικά της πρωτεύουσας, δημιούργησε μονογραφικά έργα για τη μουσική, συμπεριλαμβανομένου του βιβλίου «A Historical Sketch of Russian Opera from Its Very Beginning to 1862», που δημοσιεύτηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1862, το οποίο τράβηξε την προσοχή του μιούζικαλ. κοινότητα εκείνης της εποχής. Ένα άρθρο για αυτό γράφτηκε από έναν εξέχοντα Ρώσο κριτικό A. N. Serov. Εν τω μεταξύ, η μουσική δεν ήταν το επάγγελμα του V. I. Morkov - είχε το υψηλό βαθμό ενός πραγματικού κρατικού συμβούλου, ο κύριος τόπος υπηρεσίας του ήταν το Τμήμα Στρατιωτικά Μητρώα.).
Μια από τις πιο εξέχουσες προσωπικότητες στην ανάπτυξη της ρωσικής κιθάρας ήταν ο Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837).
Μιχαήλ Τιμοφέβιτς Βισότσκι
Ο πρώτος που τον μύησε σε αυτό το όργανο ήταν ο S. N. Aksenov, ο οποίος ήταν και ο μέντοράς του.
Το ερμηνευτικό στυλ του M. T. Vysotsky χαρακτηρίστηκε από μια τολμηρή πτήση δημιουργικής φαντασίας σε ποικίλες μελωδίες λαϊκών τραγουδιών, εξαιρετική τεχνική ικανότητα και εξαιρετική εκφραστικότητα της μουσικής προφοράς. «Το παίξιμό του ξεχώριζε για τη δύναμή του και την κλασική ομοιομορφία του τόνου. με εξαιρετική ταχύτητα και θάρρος, απέπνεε ταυτόχρονα τρυφερή ειλικρίνεια και μελωδικότητα. Έπαιζε εντελώς ελεύθερα, χωρίς την παραμικρή προσπάθεια. ήταν σαν να μην υπήρχαν δυσκολίες για αυτόν, [...] χτύπησε με την πρωτοτυπία του μελωδικού του legato και την πολυτέλεια των arpeggios, στα οποία συνδύαζε τη δύναμη της άρπας με τη μελωδικότητα του βιολιού. Ένα ιδιαίτερο πρωτότυπο στυλ σύνθεσης επηρέασε το παίξιμό του. το παίξιμό του γοήτευε, καθήλωσε τον ακροατή και άφησε μια ανεξίτηλη εντύπωση για πάντα [...] Ο Βισότσκι είχε ένα άλλο είδος παιχνιδιού που εξέπληξε τους συγχρόνους του: ο ίδιος το ονόμαζε «probes» ή «ακόρντα». Στην πραγματικότητα ήταν ένα δωρεάν πρελούδιο. Μπορούσε να προελαύνει στα πιο πολυτελή περάσματα, διαμορφώσεις, με άπειρο πλούτο συγχορδιών και από αυτή την άποψη ήταν ακούραστος», έγραψε γι' αυτόν ο Β. Α. Ρουσάνοφ.
Ο M. T. Vysotsky δημιούργησε πολλές διασκευές και μεταγραφές έργων κλασικών συνθετών, συγκεκριμένα έργα των W. A. Mozart, L. Beethoven, D. Field, έγραψε πολλές μινιατούρες για την κιθάρα - πρελούδια, φαντασιώσεις, κομμάτια σε είδη χορού. Το πιο πολύτιμο μέρος της κληρονομιάς του συνθέτη του ήταν οι παραλλαγές στα θέματα των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών, τα οποία θα συζητηθούν περαιτέρω.
Ο μουσικός ήταν εκπρόσωπος του αυτοσχεδιαστικού-ακουστικού τρόπου απόδοσης και σε αυτό είναι κοντά στην παραδοσιακή ρωσική λαϊκή μουσική. Οι εξαιρετικά καλλιτεχνικές παραλλαγές στα θέματα των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών, που εκτελούνται συχνά σήμερα, δεν καταγράφηκαν από τον ίδιο και μόνο αργότερα καταγράφηκαν στο μουσικό κείμενο από τους μαθητές του (Ο V. A. Rusanov σημείωσε επίσης την ασυνήθιστη αυτοσχεδιαστική τέχνη του κιθαρίστα: " Κάποτε, έχοντας έρθει στον A. I. Dubuc κατά τη διάρκεια του μαθήματος και άκουσε τα etudes του Kramer που ερμήνευσε ο μαθητής του, ο Vysotsky ενθουσιάστηκε και, πιάνοντας μια κιθάρα, άρχισε να αναπαράγει και να αλλάζει αυτά τα etudes, έτσι ώστε ο A. I. Dubuc έμεινε έκπληκτος. Συμβούλεψε τον Vysotsky να γράψει αυτή τη φαντασίωση και ο ίδιος δέχτηκε να συμμετάσχει ενεργά σε αυτό).
Αντίστοιχη ήταν και η παιδαγωγική μέθοδος του M. T. Vysotsky, η οποία συνίστατο στη μεταφορά των δεξιοτήτων του παιξίματος του οργάνου αποκλειστικά «από τα χέρια» και «από τα δάχτυλα» του δασκάλου, με βάση τις ακουστικές εντυπώσεις των μαθητών. Παρόλα αυτά το παιδαγωγικό του έργο ήταν πολύ γόνιμο. Ο εμπνευσμένος τρόπος του ερμηνευτικού στυλ του κιθαρίστα δημιούργησε μια πραγματικά δημιουργική ατμόσφαιρα στα μαθήματα, ενέπνευσε τους μαθητές και εκτιμήθηκε πολύ από όσους έτυχαν να μελετήσουν μαζί του (ο Vysotsky κατέγραψε την εμπειρία του στη διδασκαλία λίγο πριν από το θάνατό του στο "Practical and Theoretical School for the Κιθάρα», που εκδόθηκε στη Μόσχα το 1836, ωστόσο, ούτε ως προς τη σημασία των μεθοδολογικών συστάσεων, ούτε ως προς τον όγκο και τη σειρά του παρουσιαζόμενου ρεπερτορίου (υπάρχουν μόνο 24 σελίδες στο σχολείο) μεγάλο ρόλοδεν έπαιξε στη διαμόρφωση της ρωσικής κιθάρας.). Μαθήματα κιθάρας πήρε από αυτόν, συγκεκριμένα, ο δεκαεξάχρονος ποιητής M. Yu. Lermontov, ο οποίος αφιέρωσε το ποίημα "Sounds" στον δάσκαλό του.
Ο κιθαρίστας καλλιέργησε ενεργά στους μαθητές του την αγάπη για τα ρωσικά λαϊκά τραγούδια. Δεν είναι τυχαίο ότι μεταξύ των μαθητών του ήταν ο Μιχαήλ Αλεξάντροβιτς Σταχόβιτς (1819-1858), γνωστός Ρώσος λαογράφος, συγγραφέας συλλογών λαϊκών τραγουδιών με συνοδεία κιθάρας, ποιητής και συγγραφέας, ο οποίος έγραψε επίσης το πρώτο δημοσιευμένο βιβλίο για την καταγωγή των ρωσικών παράσταση κιθάρας - "An Essay on the History of the Seven-String Guitar "(Αγία Πετρούπολη, 1864). Ο Ivan Egorovich Lyakhov (1813-1877), ο συγγραφέας πολλών θεατρικών έργων και διασκευών, ο Alexander Alekseevich Vetrov, ο δημιουργός της συλλογής "100 Russian Folk Songs", παίζει και διασκευές για την επτάχορδη κιθάρα, τους κύκλους παραλλαγών λαϊκών τραγουδιών, ήταν επίσης μαθητές του M. T. Vysotsky. Πολλοί κιθαρίστες-αρχηγοί τσιγγάνικων χορωδιών, όπως ο I. O. Sokolov, ο F. I. Gubkin και άλλοι, σπούδασαν επίσης με τον M. T. Vysotsky.
Από το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, η ρωσική κιθάρα, όπως και η τέχνη του gusel, άρχισε να παρακμάζει. Αλλά αν το ψαλτήρι άρχισε να εξαφανίζεται από την καθημερινή δημιουργία μουσικής, τότε η κιθάρα, παραμένοντας ένα εξίσου αμετάβλητο συνοδευτικό όργανο στον τομέα του αστικού τραγουδιού και του ρομαντισμού, το τσιγγάνικο τραγούδι, σταδιακά έχασε τη σημασία της στην εγχώρια κοινωνία λόγω μείωσης του επαγγελματικού επιπέδου των κιθαριστών. Κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, τέτοιοι εξαιρετικοί ερμηνευτές και δάσκαλοι όπως οι Sikhra, Vysotsky ή Aksenov δεν εμφανίστηκαν, σοβαρά μεθοδολογικά εγχειρίδια σχεδόν έπαψαν να εκδίδονται και τα βιβλία αυτο-οδηγίας που εκδόθηκαν σχεδιάστηκαν κυρίως για τις ανεπιτήδευτες ανάγκες των εραστών της καθημερινής μουσικής και περιείχε μόνο δημοφιλή δείγματα ρομάντζων, τραγουδιών, χορών, συχνά χαμηλής ποιότητας (Από αυτή την άποψη, είναι ενδιαφέρον να αναφέρουμε την παρατήρηση του A. S. Famintsyn: «Έχοντας γίνει ένα όργανο ψιλικών στα κατώτερα στρώματα της κοινωνίας, ένα σημάδι μικροπρέπειας -Ο αστικός πολιτισμός, η κιθάρα έγινε χυδαία, οι ήχοι της άρχισαν να χρησιμεύουν για να συνοδεύουν κοινότοπους «ευαίσθητους» ρομαντισμούς. Η κιθάρα που έπαιζε η ίδια, σε αυτό το «υπηρεσιακό» όργανο, αντικείμενο του εμπορίου των καπνοπωλείων, - έγινε σημάδι κακόγουστο. κοινωνία· η κιθάρα εξαφανίστηκε εντελώς από αυτήν»).
Ένα νέο κύμα δημόσιου ενδιαφέροντος για την κιθάρα στη Ρωσία σημειώθηκε στα τέλη του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα. Αυτά τα χρόνια είναι ευρέως γνωστές οι δραστηριότητες επιφανών κιθαριστών, ερμηνευτών και δασκάλων. Ανάμεσά τους, καταρχάς, θα ήθελα να αναφέρω τον Αλέξανδρο Πέτροβιτς Σολοβίοφ (1856-1911). Το "School for the Seven-String Guitar" (1896) που δημιουργήθηκε και δημοσιεύτηκε από αυτόν έγινε μια σημαντική συμβολή στην ανάπτυξη μεθόδων διδασκαλίας για το παίξιμο του οργάνου (Το 1964, η σχολή του A.P. Solovyov επανεκδόθηκε (υπό την έκδοση του R.F. Meleshko ) από τον εκδοτικό οίκο Muzyka.) . Το πρώτο μέρος του εγχειριδίου περιλαμβάνει εκτενές θεωρητικό υλικό. χωρισμένο σε είκοσι πέντε μαθήματα, παρουσιάζεται με πολύ επαγγελματικό και ταυτόχρονα προσιτό τρόπο. Τα περαιτέρω μέρη του σχολείου περιέχουν πολύτιμες τεχνικές ασκήσεις και ρεπερτόριο - μεταγραφές έργων ρωσικών και δυτικοευρωπαϊκών κλασικών, διασκευές λαϊκών τραγουδιών.
Alexander Petrovich Solovyov
Επιπλέον, ο A.P. Solovyov έκανε έναν τεράστιο αριθμό διασκευών για την κιθάρα, γεγονός που διεύρυνε σημαντικά την κατανόηση του κοινού για τα καλλιτεχνικά μέσα του οργάνου. Αρκεί να αναφέρουμε τη Δεύτερη και την Έκτη Ουγγρική Ραψωδία του F. Liszt, «Dance of Death» του C. Saint-Saens, τα έργα των L. Beethoven, F. Chopin, F. Mendelssohn. Δημοσίευσε επίσης τέσσερα άλμπουμ που περιείχαν σαράντα διασκευές ουκρανικών λαϊκών τραγουδιών, συλλογές τσιγγάνικων ρομάντζων για φωνή και κιθάρα, κομμάτια για ντουέτο, τρίο και κουαρτέτο κιθάρας, έγραψε περισσότερες από τριακόσιες συνθέσεις, από τις οποίες έχουν δημοσιευτεί ογδόντα πέντε.
Μεταξύ των διάσημων μαθητών του A.P. Solovyov, ο Vasily Mikhailovich Yuriev (1881-1962), ο Viktor Georgievich Uspensky (1879-1934), ο Vladimir Nilovich Berezkin (1881-1945), ο Mikhail Fedorovich Ivanov (18385-1889-1934) 1962).
Αλλά ο πιο λαμπρός μαθητής του Solovyov ήταν ο Valerian Alekseevich Gusanov (1866-1918). Ήταν μια ασυνήθιστα ευέλικτη προσωπικότητα: δάσκαλος, συγγραφέας μουσικών συνθέσεων και το πιο σημαντικό, εξέχων ιστορικός και προπαγανδιστής της κιθάρας (Αξίζει να σημειωθεί ότι ο V. A. Rusanov απέκτησε φήμη και ως επικεφαλής της Εταιρείας Μόσχας Εραστών Παίζοντας Λαϊκών Οργάνων, μέσα στην οποία οργάνωσε μια λαϊκή - οργανική ορχήστρα, η σύνθεση είναι σαφώς διαφορετική από αυτή που καλλιέργησαν ο V. V. Andreev και οι συνεργάτες του, που θα συζητηθεί αργότερα.
Ήταν ο V. A. Rusanov που κατάφερε να συγκεντρώσει Ρώσους κιθαρίστες οργανώνοντας την έκδοση του πανρωσικού περιοδικού "Guitarist", το οποίο υπήρχε από το 1904 έως το 1906. Τους
γράφτηκαν πολλά άρθρα στα περιοδικά Music of the Guitarist, Accord, δημοσιεύτηκαν ενημερωτικά λεπτομερή δοκίμια - Guitar and Guitarists, Catechism of the Guitar και πολλά άλλα. Ιδιαίτερα σημαντική δημοσίευση ήταν το βιβλίο του «Η κιθάρα στη Ρωσία», όπου για πρώτη φορά στο εγχώρια λογοτεχνίαπαρουσιάζεται ένα πολύ λεπτομερές ιστορικό του οργάνου.
Βαλέριαν Αλεξέεβιτς Ρουσάνοφ
Γόνιμη ήταν και η παιδαγωγική δραστηριότητα του V. A. Rusanov. Μαθητής του ήταν, για παράδειγμα, ο P. S. Agafoshin, ο οποίος στο δεύτερο μισό της δεκαετίας 1920 - 1930 έγινε ο ηγέτης των εγχώριων δασκάλων και μεθοδολόγων στον τομέα εξάχορδη κιθάρα.
Από τους κιθαρίστες των αρχών του 20ου αιώνα, θα ήθελα να αναφέρω τον Vasily Petrovich Lebedev (1867-1907), τον συγγραφέα πολλών διαφορετικών συνθέσεων και διασκευών για κιθάρες επτά και έξι χορδών, έναν εξαιρετικό ερμηνευτή. Θα ήθελα να σημειώσω ότι το 1898 ο V. V. Andreev τον κάλεσε να εργαστεί ως δάσκαλος λαϊκών οργάνων και λαϊκής μουσικής στα συντάγματα φρουρών της Στρατιωτικής Περιφέρειας της Αγίας Πετρούπολης.
Εδώ ο V.P. Lebedev διηύθυνε το πιο ποικίλο μουσικό και εκπαιδευτικό έργο. Έπαιξε ως σολίστ στην επτάχορδη κιθάρα σε συναυλίες της Μεγάλης Ρωσικής Ορχήστρας, αγάπησε την αίθουσα και τον απαλό ήχο της (η περιοδεία του V.P. Lebedev με τη Μεγάλη Ρωσική Ορχήστρα του V.V. Andreev στην Παγκόσμια Έκθεση του 1900 στο Παρίσι είχε ιδιαίτερη επιτυχία. ). Το 1904, δημοσίευσε επίσης ένα μεθοδολογικό εγχειρίδιο - "Σχολείο για την επτάχορδη κιθάρα του ρωσικού και ισπανικού συστήματος" (το τελευταίο σήμαινε την προσθήκη της κάτω χορδής "P" στην κλασική εξάχορδη κιθάρα).
Έτσι, η τέχνη της κιθάρας κατά τον 19ο και ιδιαίτερα στις αρχές του 20ου αιώνα έπαιξε εξίσου σημαντικό ρόλο στη μουσική και καλλιτεχνική παιδεία των πλατιών μαζών, όπως και η τέχνη του παιξίματος της ντόμρα ή της μπαλαλάικα. Ως εκ τούτου, απευθυνόμενος στον γενικό πληθυσμό της Ρωσίας, μπόρεσε να προσφέρει αξιόπιστα βήματα στο κίνημα προς τη μουσική ελίτ και, κατά συνέπεια, απέκτησε τις πιο σημαντικές ιδιότητες ενός λαϊκού οργάνου όσον αφορά την κοινωνική του θέση.
Εξάχορδη (ισπανική) και επτάχορδη (ρωσική) κιθάρα
Η κιθάρα είναι ένα από τα πιο αγαπημένα και δημοφιλή όργανα σε πολλές χώρες σε όλο τον κόσμο. Η ιστορία της κιθαριστικής τέχνης είναι γεμάτη με πλούσια γεγονότα, δημιουργικές αναζητήσεις, συνεχή βελτίωση τόσο του ίδιου του οργάνου όσο και της τεχνικής του παιξίματός του.
Η κιθάρα πήρε την εμφάνισή της, κοντά στη σύγχρονη, μόλις τον 18ο αιώνα. Μαδημένα όργανα όπως το λαούτο, η λύρα, η ελληνική κιθάρα, η ιταλική βιόλα και η ισπανική βιουέλα θεωρούνται δικαίως οι προκάτοχοί του.
Επί του παρόντος, υπάρχουν πολλές κύριες ποικιλίες κιθάρας: κλασική εξάχορδη ("ισπανική"), επτάχορδη ("ρωσική"), καθώς και "χαβαϊκή", τζαζ κιθάρα, ηλεκτρική κιθάρα.
Η γενέτειρα της πιο κοινής εξάχορδης κιθάρας στον κόσμο είναι η Ισπανία, η επτάχορδη κιθάρα δικαίως θεωρείται Ρωσία.
Ανάμεσα στους λάτρεις της κιθαριστικής τέχνης, οι συζητήσεις δεν σταματούν ακόμα: ποιο από αυτά τα όργανα πρέπει να προτιμηθεί; Οι υποστηρικτές της εξάχορδης κιθάρας επισημαίνουν τη μεγάλη δεξιοτεχνία του οργάνου τους, την πραγματικά σημαντική δημιουργική επιτυχία που πέτυχαν οι συνθέτες και οι ερμηνευτές που το χρησιμοποιούν. Οι θαυμαστές της επτάχορδης κιθάρας αναφέρονται επίσης στα μεγάλα επιτεύγματα των μουσικών και στις παραδόσεις που αναπτύχθηκαν στην καλλιτεχνική κουλτούρα της Ρωσίας τον 19ο αιώνα, τονίζοντας την εγγύτητα του οργάνου με τη φύση του ρωσικού τραγουδιού, τη λαϊκή μελωδία. Σημειώνουν σωστά το γεγονός ότι η ανάπτυξη του είδους του παλιού ρωσικού ρομαντισμού με τον χαρακτηριστικό απαλό λυρισμό και την ειλικρίνειά του, τη ζεστασιά των συναισθημάτων, την εγγύτητα με την αστική λαογραφία οφείλεται σε μεγάλο βαθμό στην επτάχορδη κιθάρα.
Κατά τη γνώμη μας, η απάντηση στα ερωτήματα που τέθηκαν είναι αρκετά σαφής: τόσο η κιθάρα έξι χορδών όσο και η κιθάρα επτά χορδών έχουν τα δικά τους πλεονεκτήματα και παραδόσεις, καθένα από αυτά τα όργανα μπορεί να λύσει μια ποικιλία καλλιτεχνικών εργασιών. Η νομιμότητα της χρήσης ενός ή άλλου τύπου κιθάρας μπορεί να εξαρτάται μόνο από τα μέσα έκφρασης που χρειάζεται ο συνθέτης για να ενσωματώσει τη δημιουργική ιδέα, ποιο εικονιστικό περιεχόμενο θέλει να αποκαλύψει με τη βοήθειά του.
Η κιθαριστική λογοτεχνία έχει μακρά ιστορία και παραδόσεις. Διασκευές έργων που γράφτηκαν για άλλα όργανα, καθώς και για τους άμεσους προκατόχους του, ιδιαίτερα για το λαούτο, κατέχουν εξέχουσα θέση στο ρεπερτόριο των κιθαριστών.
Ο εξαιρετικός Ισπανός βιρτουόζος κιθαρίστας και δάσκαλος Andres Torres Segovia (1893 - 1987), που θεωρείται ο ιδρυτής της σύγχρονης ακαδημαϊκής σχολής παίζοντας εξάχορδη κιθάρα.
Πολλές συνθέσεις βιολιού ερμηνεύονται με επιτυχία από κιθαρίστες. Έτσι, για παράδειγμα, ο Andres Segovia είναι ένας αξεπέραστος ερμηνευτής του πιο δύσκολου Chaconne του J. S. Bach, ενός από τα αριστουργήματα της μουσικής του βιολιού.
Αλλά το πιο σημαντικό πράγμα: για την κιθάρα υπάρχει ένα συνεχώς αυξανόμενο πρωτότυπο σόλο ρεπερτόριο, που αποτελείται από κονσέρτα, σονάτες, παραλλαγές, κομμάτια. χρησιμοποιείται ενεργά από τους συνθέτες ως σύνολο και συνοδευτικό όργανο.
Σημαντικό ρόλο στη δημιουργία του ρεπερτορίου της κιθάρας έχουν οι Ισπανοί συνθέτες: Fernando Sora (1778-1839), Francisco Tarrega Eixea (1852-1909), Miguel Llobet (1878-1938), Emilio Pujol Villarubi (γ. 1886) και ένας αριθμός άλλων. Δημιούργησαν ταλαντούχα έργα για την κιθάρα, το στυλ των οποίων είχε κάποια επιρροή στις συνθέσεις για πιάνο των C. Debussy, M. Ravel. Αξιόλογα έργα για την κιθάρα έγραψαν οι N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz; στον αιώνα μας - M. de Falley, A. Roussel, D. Millau, A. Jolivet, E. Vila Lobos, X. Rodrigo.
Έχουν γραφτεί μια σειρά από σημαντικά έργα για την κιθάρα Σοβιετικοί συνθέτες. Μεταξύ αυτών θα ήθελα να αναφέρω Κοντσέρτο για κιθάρα με κουαρτέτο εγχόρδων, κλαρίνο και τιμπάνι του B. Asafiev, Σονάτα του V. Shebalin. Έργα για την κιθάρα δημιουργήθηκαν από τους I. Boldyrev, Yu. Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu. Shishakov, G. Kamaldinov και άλλους συνθέτες.
Η ιστορία της επτάχορδης κιθάρας, η οποία έγινε ευρέως διαδεδομένη στη Ρωσία, είναι ενδιαφέρουσα. Μπήκε ευρέως στη μουσική ζωή. Η οικιακή μουσική δεν ήταν πλήρης χωρίς κιθάρα, ειδύλλια και τραγούδια τραγουδήθηκαν με τη συνοδεία της, που χρησιμοποιήθηκαν ως σόλο και συνολικό όργανο.
Η ακμή της τέχνης της επτάχορδης κιθάρας συνδέεται με τις δραστηριότητες των A. Sikhra (1773-1850) και M. Vysotsky (περ. 1791-1837), σημαντικών μουσικών της εποχής τους. Απολάμβαναν τη συμπάθεια και την αγάπη του ρωσικού κοινού, τον σεβασμό και την εκτίμηση των μορφών του εθνικού πολιτισμού.
Στην τέχνη της κιθάρας συνέβαλαν οι μαθητές της Σίχρα. Μεταξύ αυτών, είναι απαραίτητο να σημειωθεί ο κιθαρίστας και συνθέτης S. Aksenov (1784-1853), ο οποίος εξέδωσε το «Νέο περιοδικό για την επτάχορδη κιθάρα, αφιερωμένο στους λάτρεις της μουσικής». V. Svintsov (π. περίπου 1880), ο οποίος έγινε ένας από τους πρώτους επαγγελματίες ερμηνευτές στην επτάχορδη κιθάρα. F. Zimmermann (1810-1882), γνωστός για τους υπέροχους αυτοσχεδιασμούς του. V. Morkov (1801-1864), συγγραφέας έργων και μεταγραφών για την επτάχορδη κιθάρα.
Η τέχνη της εξάχορδης κιθάρας αναπτύσσεται επίσης στη Ρωσία. Ο M. Sokolovsky (1818-1883) ήταν ένας αξιόλογος ερμηνευτής σε αυτό, του οποίου η συναυλιακή δραστηριότητα πραγματοποιήθηκε με μεγάλη επιτυχία τόσο στη Ρωσία όσο και σε πολλές ευρωπαϊκές χώρες. Ο ερμηνευτής και εκλαϊκευτής της κλασικής εξάχορδης κιθάρας N. Makarov (1810-1890) γνώρισε επίσης μεγάλη φήμη.
Ρώσος Σοβιετικός βιρτουόζος κιθαρίστας και δάσκαλος Pyotr Spiridonovich Agafoshin (1874 - 1950)
Ωστόσο, στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, τόσο στην Ευρώπη όσο και στη Ρωσία, παρατηρήθηκε αποδυνάμωση του ενδιαφέροντος για την κιθάρα από την πλευρά των επαγγελματιών μουσικών, θεωρείται όλο και περισσότερο ως ένα όργανο που δεν έχει μεγάλη καλλιτεχνική σημασία και επομένως δεν αξίζει προσοχής, οι εκφραστικές του δυνατότητες και η πρωτοτυπία του υποτιμάται.
Μια νέα άνθηση της κιθαριστικής τέχνης λαμβάνει χώρα ήδη από τον 20ό αιώνα και επηρεάζει όλους τους τομείς: τη σύνθεση μουσικής, την παράσταση, την παιδαγωγική. Η κιθάρα κατέχει ίση θέση μαζί με άλλα όργανα στη σκηνή της συναυλίας. Για την προώθηση της τέχνης της κιθάρας και των δραστηριοτήτων των κιθαριστών μουσικών, εκδίδονται στη Ρωσία ειδικά περιοδικά: "Guitarist", "Guitarist's Music". Περιέχουν πληροφορίες που δεν έχουν χάσει τη σημασία τους στην εποχή μας.
Τις τελευταίες δεκαετίες σε διαφορετικές χώρεςδιοργανώνονται διεθνείς διαγωνισμοί και φεστιβάλ κιθαριστών, ανοίγουν μαθήματα κιθάρας σε πολλές μουσικές ακαδημίες και ωδεία, λειτουργούν πολυάριθμοι σύλλογοι και σύλλογοι ερμηνευτών, επαγγελματιών και ερασιτεχνών, εκδίδεται ειδικό βιβλίο και μουσική λογοτεχνία. Μουσική κιθάρας ακούγεται συνεχώς στο ραδιόφωνο και την τηλεόραση, ηχογραφημένη σε δίσκους και συμπαγείς κασέτες.
Η ηγετική θέση ανάμεσα στους κιθαρίστες του αιώνα μας ανήκει επάξια στον μεγάλο Ισπανό μουσικό Andres Segovia (γεν. 1893). Οι πολύπλευρες παραστατικές, διδακτικές, εκπαιδευτικές του δραστηριότητες, η δημιουργία μεταγραφών είχαν τεράστιο αντίκτυπο στην περαιτέρω ανάπτυξη της κιθαριστικής τέχνης.
Η Σεγκόβια επισκέφτηκε επανειλημμένα τη Σοβιετική Ένωση. Οι συναυλίες του, που ήταν πάντα επιτυχημένες, συνέβαλαν στην αναβίωση του ενδιαφέροντος για την κιθάρα στη χώρα μας, κατέδειξαν ξεκάθαρα τις σημαντικές τεχνικές και καλλιτεχνικές ικανότητες του οργάνου, τόνωσαν τις ερμηνευτικές, διδακτικές και συνθετικές δραστηριότητες σοβιετικών μουσικών όπως ο P. Agafoshin ( 1874-1950), P. Isakov (1886-1958), V. Yashnev (1879-1962), A. Ivanov-Kramskoy (1912-1973).
Σοβιετικός βιρτουόζος κιθαρίστας και δάσκαλος Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy (1912 - 1973)
Θα ήθελα ιδιαίτερα να σημειώσω τη σημασία για την ανάπτυξη της σοβιετικής σχολής κιθάρας του τιμημένου καλλιτέχνη της RSFSR Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy. Ο συγγραφέας δύο κοντσέρτων για κιθάρα και ορχήστρα και πάνω από εκατό κομμάτια για αυτό το όργανο, ο A. Ivanov-Kramskoy συνδύασε επιτυχώς συναυλιακές δραστηριότητες, ηχογραφήσεις ραδιοφώνου και δίσκους γραμμοφώνου με την παιδαγωγική. Μέσα στους τοίχους της μουσικής σχολής στο Κρατικό Ωδείο της Μόσχας που φέρει το όνομα του P. I. Tchaikovsky, ετοίμασε ολόκληρη γραμμήενδιαφέροντες μουσικοί. Ο A. Ivanov-Kramskoy κυκλοφόρησε το "The School of Playing the Six-String Guitar", το οποίο έπαιξε σημαντικό ρόλο στην εκπαίδευση νέων κιθαριστών.
Προς το παρόν, η κλασική εξάχορδη κιθάρα προωθείται ενεργά από τους P. Veshchitsky, N. Komoliatov, E. Larichev, A. Frauchi, B. Khlopovsky και πολλούς άλλους κιθαρίστες.
Οι V. Sazonov (1912-1969), M. Ivanov (1889-1953), V. Yuryev (1881-1962) συνέβαλαν πολύ στην ανάπτυξη και την προώθηση της επτάχορδης κιθάρας. σήμερα - B. Okunev, S. Orekhov, L. Menro και μια σειρά από άλλους μουσικούς.
Στη χώρα μας, στη συναυλιακή πρακτική, τόσο εξάχορδο όσο και επτάχορδη κιθάρα. Η εκπαίδευση παρέχεται σε μια σειρά ανώτατων και δευτεροβάθμιων εξειδικευμένων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων, σε πολλά παιδικά και βραδινά μουσικά σχολεία, στούντιο και κύκλους στα Ανάκτορα Πρωτοπόρους και Μαθητές και σε ιδρύματα συλλόγων.
Η τέχνη της κιθάρας αναπτύσσεται συνεχώς στο εξωτερικό. Οι M. Zelenka, V. Mikulka (Τσεχοσλοβακία), L. Sendrei-Karper (Ουγγαρία) είναι διάσημοι. 3. Behrend (Γερμανία), L. Brouwer (Κούβα), D. Blanke, M. Cubedo, A. Membrado (Ισπανία), D. Brim, D. Williams (Μεγάλη Βρετανία), M. L. Anido, E. Bitetti (Αργεντινή) , A. Diaz (Βενεζουέλα) και πολλούς άλλους ερμηνευτές.
Με την ανάπτυξη στον 20ο αιώνα της τζαζ και της ποπ ορχηστρική μουσικήΗ κιθάρα τζαζ, που έγινε ηλεκτρικό μουσικό όργανο τη δεκαετία του 1930, έγινε επίσης ευρέως διαδεδομένη. Χρησιμοποιείται σε μια μεγάλη ποικιλία τζαζ και ποπ συνόλων και ορχήστρων, φολκλορικών συγκροτημάτων και ερμηνεύονται επίσης σόλο έργα σε αυτό.
Στη χώρα μας, η ανάπτυξη της κιθάρας τζαζ συνδέεται με τα ονόματα του πατέρα και του γιου Kuznetsov, Alexei Yakushev, Stanislav Kashirin και ορισμένων άλλων μουσικών.
Η κιθάρα είναι ένα από τα κύρια όργανα στα φωνητικά και οργανικά σύνολα. Χρησιμοποιείται από σολίστ και σύνολα που ερμηνεύουν τραγούδια αγώνα για την ειρήνη, για την εθνική ανεξαρτησία ενάντια στην ιμπεριαλιστική καταπίεση.
Ένα ζωντανό παράδειγμα της επίδρασης στις καρδιές και το μυαλό των ανθρώπων είναι η τέχνη του Χιλιανού τραγουδιστή και κιθαρίστα Victor Jara, ο οποίος έδωσε τη ζωή του στον αγώνα για δημοκρατία και κοινωνική πρόοδο στην πατρίδα του.
Η τέχνη της κιθάρας εξελίσσεται συνεχώς, η βιβλιογραφία για αυτό το όργανο ενημερώνεται συνεχώς με νέα πρωτότυπα έργα σε διάφορα είδη. Η μεγάλη δημοτικότητα της κιθάρας, η σημαντική δεξιοτεχνία και οι εκφραστικές της δυνατότητες δίνουν αφορμές για την περαιτέρω άνθηση της τέχνης του παιξίματος αυτού του δημοκρατικού οργάνου.
Σχετίζεται με τη II χιλιετία π.Χ. Απεικονίζουν όργανα με μικρό σώμα από κέλυφος χελώνας ή κολοκύθα.
Στην αρχαία Αίγυπτο, τα όργανα που έμοιαζαν με κιθάρα συνδέονταν τόσο στενά με τη ζωή των ανθρώπων που έγιναν σύμβολο καλοσύνης και τα περιγράμματά τους μπήκαν στα ιερογλυφικά, που δηλώνουν «καλό».
Υπάρχει η υπόθεση ότι η κιθάρα εμφανίστηκε στη Μέση Ανατολή και από εκεί εξαπλώθηκε σε όλη την Ασία και την Ευρώπη.
Η Ρωσία γνώρισε την εξάχορδη κιθάρα από Ιταλούς που υπηρέτησαν στην αυλή των μοναρχών και των αρχόντων της αυλής. Η ιστορία έχει διατηρήσει τα ονόματα δύο Ιταλών - Giuseppe Sarti και Carlo Canobbio. Ιταλός συνθέτηςΟ Giuseppe Sarti, σύμφωνα με την κοντέσσα V.N. Golovina, έπαιξε πρόθυμα κιθάρα. Ο Carlo Canobbio δίδαξε τις τρεις κόρες του Paul I να παίζουν κιθάρα, λαμβάνοντας μια πολύ σταθερή ανταμοιβή για αυτά τα μαθήματα - 1 χιλιάδες ρούβλια το χρόνο.
Λίγοι ήταν ακόμη οι θαυμαστές της κιθάρας τότε. Ο Ιταλός βιρτουόζος μουσικός Pasquale Gagliani, που έπαιζε στα σαλόνια των αρχόντων της αυλής, κατάφερε να διευρύνει κάπως τον κύκλο των λάτρεις των οργάνων. Μετά από αρκετά χρόνια δραστηριότητάς του στο Rossi, ο Galliani κυκλοφόρησε μια συλλογή από etudes και ασκήσεις - κάτι σαν εγχειρίδιο κιθάρας.
Οι Ιταλοί προσπάθησαν να επεξεργαστούν λαϊκά τραγούδια για την κιθάρα, αλλά δεν τα κατάφεραν καλά: η εξάχορδη κιθάρα δεν ήταν πλήρως προσαρμοσμένη στη δομή της ρωσικής λαϊκής μουσικής. Γι' αυτό, την ίδια περίπου εποχή, εμφανίζεται η ρωσική επτάχορδη κιθάρα.
Το 1821 ο Marcus Aurelius Zani de Ferranti (1800-1878) ήρθε στη Ρωσία. Ο Niccolo Paganini, που άκουσε πολλούς βιρτουόζους κιθάρας, εκτίμησε το παίξιμο του Zani de Ferranti ως εξής: «Μαρτυρώ ότι ο Zani de Ferranti είναι ένας από τους μεγαλύτερους κιθαρίστες που έχω ακούσει ποτέ και που μου έδωσε ανείπωτη ευχαρίστηση με το υπέροχο, απολαυστικό παίξιμό του». Σε αυτόν τον κιθαρίστα οφείλει η Ρωσία το γεγονός ότι η εξάχορδη κιθάρα έχει γίνει ευρέως γνωστή εδώ. Ο μουσικός έδωσε πολλές συναυλίες και έπρεπε να παίξει μεγάλες αίθουσες. Ήταν επίσης συνθέτης μπάλας - συνέθεσε νυχτερινά, φαντασιώσεις, χορευτική μουσική. Ο Tsani de Ferranti έδωσε μαθήματα κιθάρας σε όσους το επιθυμούσαν, αλλά μόνο τα αρχικά, χωρίς το καθήκον του να μετατρέψει έναν μαθητή σε επαγγελματία κιθαρίστα.
Σε αντίθεση με το επτάχορδο, η εξάχορδη ποικιλία του αναπτύχθηκε στη Ρωσία τον 17ο-19ο αιώνα σχεδόν αποκλειστικά ως επαγγελματικό ακαδημαϊκό όργανο και ήταν ελάχιστα προσανατολισμένη στη μετάδοση αστικών τραγουδιών και του καθημερινού ρομαντισμού.
Στις αρχές του 19ου αιώνα εμφανίστηκαν σχολεία και εγχειρίδια για την εξάχορδη κιθάρα των I. Geld και I. Berezovsky, στα οποία ως επί το πλείστον βασίστηκε στα ισπανικά και ιταλικά κλασικά - έργα κιθάρας των Mauro Giuliani, Matteo. Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora, σε μεταγραφές μουσικής για πιάνο εξαιρετικών δυτικοευρωπαίων συνθετών. Σημαντικό ρόλο στη διανομή της εξάχορδης κιθάρας στη Ρωσία έπαιξε η περιοδεία εξαιρετικών ξένων κιθαριστών - το 1822 πραγματοποιήθηκαν παραστάσεις από τον Ιταλό Mauro Giuliani στην Αγία Πετρούπολη και το 1923 στη Μόσχα από τον Ισπανό Ferdinand Sor. .
Δυτικοί μουσικοί ξύπνησαν στη Ρωσία ένα ενδιαφέρον για την κλασική κιθάρα. Στις αφίσες της συναυλίας άρχισαν να φαίνονται τα ονόματα των συμπατριωτών μας. Οι μεγαλύτεροι Ρώσοι ερμηνευτές, προπαγανδιστές της εξάχορδης κιθάρας ήταν ο Nikolai Petrovich Makarov (1810 - 1890) και ο Mark Danilovich Sokolovsky (1818 - 1883).
Ν.Π. Ο Makarov γεννήθηκε στην επαρχία Kostroma, στην οικογένεια ενός γαιοκτήμονα. Το 1829 είχε την τύχη να ακούσει τον Παγκανίνι να παίζει και το 1830 παρακολούθησε μια συναυλία του Σοπέν.
Ο Niccolo Paganini συγκλόνισε τόσο πολύ τον Makarov που κανένας από τους επόμενους μουσικούς δεν μπόρεσε να επισκιάσει την εντύπωση του παιχνιδιού του.
Ν.Π. Ο Μακάροφ ξεκίνησε για να πετύχει πρώτης τάξεως κιθάρα. Ο μουσικός ασχολούνταν με 01 - 12 ώρες καθημερινά. Το 1841 πραγματοποιήθηκε η πρώτη του συναυλία στην Τούλα. Μη βρίσκοντας αναγνώριση και ακόμη και σοβαρή προσοχή στον εαυτό του ως κιθαρίστα, πηγαίνει σε μια περιοδεία στην Ευρώπη. Σε πολλές χώρες του κόσμου ο Ν.Π. Ο Μακάροφ απέκτησε φήμη ως εξαιρετικός βιρτουόζος κιθαρίστας, λαμπρός ερμηνευτής των πιο περίπλοκων κιθαριστικών συνθέσεων. Κατά τις περιοδείες του, ο μουσικός συναντήθηκε με εξέχοντες ξένους κιθαρίστες: Τζανί ντε Φεράντι, Ματέο Καρκάσι, Ναπολέων Κόστ.
Για να αναβιώσει την παλιά δόξα της κιθάρας, ο Μακάροφ αποφασίζει να διοργανώσει έναν διεθνή διαγωνισμό στην Ευρώπη. Στις Βρυξέλλες, διοργανώνει έναν διαγωνισμό για συνθέτες κιθάρας και μάστερ. Πριν τον διαγωνισμό, ο κιθαρίστας δίνει τη δική του συναυλία, όπου ερμηνεύει δικές του συνθέσεις και έργα άλλων δημιουργών. Ο Μακάροφ έπαιζε δεκάχορδη κιθάρα.
Χάρη σε αυτόν τον διαγωνισμό, ο μουσικός κατάφερε να εντείνει αισθητά τη δουλειά στον τομέα του μουσική κιθάραςαρκετοί δυτικοευρωπαίοι συνθέτες και κατασκευαστές κιθάρας, για να συμβάλουν στη δημιουργία νέων εποικοδομητικών ποικιλιών του οργάνου.
Ο Makarov είναι συγγραφέας πολλών δοκιμίων και λογοτεχνικών απομνημονευμάτων. Εξέδωσε δικά του βιβλία και δικά του μουσικά έργα όπως Καρναβάλι της Βενετίας, μαζούρκες, ειδύλλια, Κοντσέρτο για κιθάρα, διασκευές λαϊκών τραγουδιών. Ωστόσο, η μουσική που δημιούργησε δεν ήταν ιδιαίτερα εκφραστική και δεν χρησιμοποιήθηκε ευρέως. Το 1874 δημοσιεύτηκαν οι «πολλοί κανόνες του ανώτερου κιθάρας». Το φυλλάδιο περιείχε πολύτιμες συμβουλές για τη βελτίωση της τεχνικής της κιθάρας: παίζοντας τρίλιες, αρμονικές, χρωματικές κλίμακες, χρήση του μικρού δακτύλου στο παιχνίδι κ.λπ.
Ένας άλλος Ρώσος κιθαρίστας, ο Mark Danilovich Sokolovsky (1812 - 1883), δεν επιδίωξε να εντυπωσιάσει το κοινό με πολύπλοκες τεχνικές τεχνικές. Οι ακροατές γοητεύτηκαν από την εξαιρετική μουσικότητά του.
Ως παιδί, ο Sokolovsky έπαιζε βιολί και τσέλο και στη συνέχεια άρχισε να παίζει κιθάρα. Έχοντας κατακτήσει το όργανο σε επαρκή βαθμό, το 1841 ξεκίνησε μια ενεργή συναυλιακή δραστηριότητα. Οι συναυλίες του πραγματοποιήθηκαν στο Ζιτομίρ, στο Κίεβο, στη Βίλνα, στη Μόσχα, στην Αγία Πετρούπολη. Το 1857, δόθηκε στον κιθαρίστα η ευκαιρία να εμφανιστεί στη Μόσχα στην αίθουσα χιλιάδων θέσεων της Noble Assembly. Το 1860 τον αποκαλούσαν το ούτι «ο αγαπημένος του κοινού της Μόσχας». Από το 1864 έως το 1868 ο μουσικός περιοδεύει στις πόλεις της Ευρώπης. Δίνει συναυλίες στο Λονδίνο, το Παρίσι, το Βερολίνο και άλλες πόλεις. Παντού τον συνοδεύει μια τεράστια επιτυχία. Η θριαμβευτική περιοδεία του μουσικού του έφερε τη φήμη ενός από τους μεγαλύτερους κιθαρίστες. Αξιοσημείωτο είναι ότι σε πολλές από τις παραστάσεις του Sokolovsky, συνοδός του ήταν ο εξαιρετικός Ρώσος πιανίστας N.G. Ρουμπινστάιν.
Μεταξύ των ιδιοτήτων που διέκρινε το στυλ ερμηνείας του Sokolovsky, πρώτα απ 'όλα, είναι απαραίτητο να ξεχωρίσουμε τη λεπτότητα της απόχρωσης, την ποικιλομορφία της παλέτας ηχοχρώματος, την υψηλή δεξιοτεχνία και τη ζεστασιά της καντιλένας. Αυτές οι ιδιότητες φάνηκαν ιδιαίτερα στην ερμηνεία τριών κοντσέρτων του M. Giuliani, καθώς και στην εκτέλεση μεταγραφών κομμάτια πιάνουΟ Φ. Σοπέν και οι δικές του μινιατούρες, από πολλές απόψεις κοντά στο ύφος του Σοπέν - πρελούδια, πολωνέζες, παραλλαγές κ.λπ. Η τελευταία δημόσια συναυλία του M. D. Sokolovsky πραγματοποιήθηκε στην Αγία Πετρούπολη το 1877 και στη συνέχεια ο μουσικός εγκαταστάθηκε στο Βίλνιους, όπου ασχολήθηκε με δραστηριότητες διδασκαλίας.
Συναυλίες των εγχώριων κιθαριστών N.P. Makarov και M.D. Ο Sokolovsky έγινε ένα σημαντικό μέσο μουσικής εκπαίδευσης για πολλούς θαυμαστές αυτού του οργάνου στη Ρωσία.
Επτάχορδη κιθάρα τον 18ο-19ο αιώνα
Στο σπίτι συνήθως συνόδευαν την κιθάρα με το αυτί - μια τέτοια συνοδεία από τις πιο απλές αρμονικές λειτουργίες ήταν στοιχειώδης και, με αυτό το κούρδισμα, ήταν εξαιρετικά προσιτή. Οι συγγραφείς των τραγουδιών και των ρομάντζων ήταν συνήθως ελάχιστα γνωστοί ερασιτέχνες μουσικοί, αλλά μερικές φορές εξέχοντες συνθέτες του 19ου αιώνα - A. Varlamov, A. Gurilev, A. Alyabyev, A. Dubuk, A. Bulakhov και άλλοι.
Σημαντικό ρόλο στη μουσική των τσιγγάνων έπαιξε και η επτάχορδη κιθάρα. Υπέροχοι κιθαρίστες ήταν οι ηγέτες των τσιγγάνων χορωδιών - I. Sokolov, I. Vasiliev, M. Shishkin, R. Kalabin.
Ξεχωριστή θέση στην ιστορία της ρωσικής κιθάρας ανήκει στον Ignatius Geld (1766 - 1816), ο συγγραφέας του πρώτου "School" για τη ρωσική επτάχορδη κιθάρα. Τσέχος στην εθνικότητα, έζησε σχεδόν όλη τη δημιουργική του ζωή στη Ρωσία και κατάφερε να κάνει πολλά για να διαδώσει την επτάχορδη κιθάρα ως ένα σοβαρό ακαδημαϊκό όργανο.
Από τα τέλη του 18ου αιώνα, η επτάχορδη κιθάρα άρχισε να αναπτύσσεται ως ακαδημαϊκό όργανο. Εμφανίζονται σημαντικές συνθέσεις για κιθάρα. Έτσι, το 1799 εκδόθηκε η Σονάτα του I. Kamensky, στις αρχές του 19ου αιώνα - η Σονάτα για δύο κιθάρες του V. Lvov. Στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα, η κιθάρα λογοτεχνία παρήχθη σε τέτοια ποσότητα που ξεπερνούσε αριθμητικά τη λογοτεχνία για άλλα μουσικά όργανα, ακόμη και για το πιάνοφόρτε. Δημοσιεύτηκαν διάφορα κομμάτια κιθάρας, τα οποία τοποθετήθηκαν σε εκπαιδευτικά και μεθοδολογικά εγχειρίδια ή βγήκαν σε ξεχωριστές εκδόσεις. Τέτοιες, για παράδειγμα, είναι πολυάριθμες μινιατούρες, κυρίως σε είδη χορού - μαζούρκες, βαλς, οικοσάζ, πολωνέζες, σερενάτες, διαφοροποιήσεις, που δημιούργησε ο διάσημος κιθαρίστας-δάσκαλος και μεθοδολόγος Ignatius Geld.
Μερικοί γνωστοί Ρώσοι συνθέτες του δεύτερου μισού του 18ου - αρχές του 19ου αιώνα αγαπούσαν να παίζουν την επτάχορδη κιθάρα. Μεταξύ αυτών είναι ο Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804), ο οποίος συνέθεσε μια σειρά από παραλλαγές στα θέματα των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών για το όργανο, και ο Gavriil Andreevich Rachinsky (1777 - 1843), ο οποίος δημοσίευσε δέκα κομμάτια για την επτάχορδη κιθάρα στο 1817. Ανάμεσά τους είναι πέντε πολωνέζες και δύο κύκλοι παραλλαγών με θέματα ρωσικών λαϊκών τραγουδιών. Ταυτόχρονα, έργα ξεχασμένων πλέον συνθετών - Γκορνοστάεφ - δημοσιεύθηκαν για το όργανο. Konovkina, Maslova.
Η πραγματική άνθηση της επαγγελματικής απόδοσης στην επτάχορδη κιθάρα πέφτει στα χρόνια της δημιουργικής δραστηριότητας του εξαιρετικού δασκάλου-κιθαρίστα Andrei Osipovich Sikhra (1773 - 1850). Αρπιστής στην εκπαίδευση, αφιέρωσε όλη του τη ζωή στην προώθηση της κιθάρας. Ασχολούμενος αποκλειστικά με τη μουσική, ο Αντρέι Οσίποβιτς ήδη από τα πρώτα νιάτα του έγινε διάσημος τόσο ως βιρτουόζος ερμηνευτής όσο και ως συνθέτης. Η Sychra δεν συνέθεσε μόνο για άρπα και κιθάρα, αλλά και για πιάνο.
Στα τέλη του 18ου αιώνα, ο Sychra μετακόμισε στη Mostka και έγινε ενεργητικός και ενεργός υποστηρικτής του μουσικού του οργάνου. Η κιθάρα του βρίσκει αμέσως πολλούς θαυμαστές στο κοινό της Μόσχας. Εδώ, στη Μόσχα, σχηματίζεται η «πρώιμη» σχολή του στη Μόσχα: διδάσκει πολλούς μαθητές, μελετά ο ίδιος, βελτιώνει το όργανό του, δημιουργεί ποικίλο μεθοδολογικό υλικό, θέτει τα θεμέλια για το ρεπερτόριο για την επτάχορδη κιθάρα και παίζει με μαθητές σε συναυλίες. Πολλοί από τους μαθητές του έγιναν στη συνέχεια εξαιρετικοί κιθαρίστες και συνθέτες, συνεχίζοντας το έργο που ξεκίνησε ο μεγάλος δάσκαλός τους. Οπαδοί του Α.Ο. Σίχρυ - Σ.Ν. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Zimmerman - δημιούργησε πολλά έργα και διασκευές ρωσικών λαϊκών τραγουδιών.
Από το 1800 μέχρι το τέλος της ζωής του ο Α.Ο. Η Σύχρα δημοσίευσε πολλά κομμάτια για αυτό το όργανο, πρόκειται για διασκευές δημοφιλών άριων, χορευτική μουσική, τις πιο σύνθετες φαντασιώσεις του συναυλιακού σχεδίου. Το έργο της Σύχρας αναπτύχθηκε σε όλες τις πτυχές. Δημιούργησε κομμάτια για σόλο κιθάρας, για ντουέτο κιθάρων, για βιολί και κιθάρα, συμπεριλαμβανομένων φαντασιώσεων με θέματα διάσημων και μοντέρνων συνθετών, φαντασιώσεις με θέματα ρωσικών λαϊκών τραγουδιών, πρωτότυπα έργα, όπως μαζούρκες, βαλς, οικοσάζ, τετράδες, γυμνάσια. Η Sykhra εκτέλεσε μεταγραφές και ρυθμίσεις του M.I. Glinka, V.A. Mozart, G. Donizetti, K. Weber, D. Rossini, D. Verdi.
Ο Α.Ο. Ο Sichra ήταν ο πρώτος που καθιέρωσε την επτάχορδη κιθάρα ως σόλο ακαδημαϊκό όργανο, κάνοντας πολλά για την αισθητική εκπαίδευση ενός ευρέος φάσματος ερασιτεχνών κιθαριστών.
Το 1802 ο Α.Ο. Sychry», που δημοσίευσε διασκευές ρωσικών λαϊκών τραγουδιών, μεταγραφές κλασικών μουσικών. Τα επόμενα χρόνια, μέχρι το 1838, ο μουσικός δημοσιεύει μια σειρά από παρόμοια περιοδικά, συμβάλλοντας σε σημαντική αύξηση της δημοτικότητας του οργάνου.
Εκτός από έναν τεράστιο αριθμό έργων για την επτάχορδη κιθάρα, ο Sychra άφησε το "School", το οποίο έγραψε μετά από επιμονή του μαθητή του V.I. Καρότο. Εκδόθηκε το 1840.
Η κύρια φιγούρα της σχολής Σίχρα είναι ο Semyon Nikolaevich Aksenov (1784 - 1853). Κάποτε κανείς δεν τον ξεπέρασε σε μαεστρία στο όργανο και στη σύνθεση. Στη Μόσχα, ο μουσικός θεωρήθηκε ο καλύτερος βιρτουόζος κιθαρίστας. Το παίξιμο του Aksenov ήταν αξιοσημείωτο για την εξαιρετική του μελωδικότητα, τη ζεστασιά του τόνου και, μαζί με αυτό, τη μεγάλη δεξιοτεχνία του. Διαθέτοντας ένα περίεργο μυαλό, αναζήτησε νέες τεχνικές στο όργανο. Έτσι, ανέπτυξε ένα σύστημα τεχνητών μαστιγωτών. Ο μουσικός είχε ένα καταπληκτικό χάρισμα την ονοματοποιία στο όργανο. Ο Aksyonov απεικόνισε το τραγούδι των πουλιών, τον ήχο ενός τυμπάνου, το χτύπημα των κουδουνιών, τη χορωδία που πλησιάζει και υποχωρεί κ.λπ. Με αυτά τα ηχητικά εφέ, οδήγησε το κοινό στην έκπληξη. Δυστυχώς, τα έργα αυτού του είδους του Aksyonov δεν μας έχουν φτάσει.
Η εκπαιδευτική δραστηριότητα του Σ.Ν. Ακσένοβα. Ξεκινώντας το 1810, δημοσίευσε το New Journal for the Seven-String Guitar, Dedicated to Music Lovers, το οποίο περιλάμβανε πολλές μεταγραφές δημοφιλών άριων όπερας και παραλλαγές στα θέματα των ρωσικών λαϊκών τραγουδιών. Ο Aksyonov δημιούργησε επίσης ειδύλλια για φωνή με τη συνοδεία κιθάρας.
Ο Aksyonov μεγάλωσε τον εξαιρετικά ταλαντούχο κιθαρίστα Mikhail Vysotsky, ο οποίος σύντομα έφερε φήμη στη σχολή των Ρώσων κιθαριστών της Μόσχας.
Η δημιουργική δραστηριότητα του Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791 - 1837) έπαιξε μεγάλο ρόλο στην ανάπτυξη της επαγγελματικής και ακαδημαϊκής απόδοσης ρωσικής κιθάρας.
Το παίξιμο του μουσικού ακουγόταν όχι μόνο σε κοσμικά σαλόνια και εμπορικές συναντήσεις. Ο κιθαρίστας έπαιζε και για το ευρύ κοινό από το παράθυρο του διαμερίσματός του, ειδικά τα τελευταία χρόνια, όταν είχε μεγάλη ανάγκη. Αυτές οι συναυλίες συνέβαλαν στη διάδοση της επτάχορδης κιθάρας μεταξύ της μεσαίας τάξης και των τεχνιτών.
Ο μουσικός είχε ένα καταπληκτικό χάρισμα ως αυτοσχεδιαστής. Ο Βισότσκι μπορούσε να αυτοσχεδιάζει για ώρες με έναν ατελείωτο πλούτο από συγχορδίες και διαμορφώσεις.
Ο κιθαρίστας συνέθεσε επίσης χορευτική μουσική που ήταν της μόδας στην εποχή του: μαζούρκες, πολονέζες, βαλς, οικοσέδες. Όλα αυτά τα κομμάτια είναι πολύ χαριτωμένα και μουσικά. Ο Vysotsky πραγματοποίησε μεταγραφές έργων του V.A. Mozart, L. Beethoven, D. Field. Ο μουσικός δημοσίευσε τις συνθέσεις του σε μικρές εκδόσεις και χωρίς επανεκτύπωση, και ως εκ τούτου οι συλλογές εξαντλήθηκαν αμέσως και σχεδόν αμέσως έγιναν βιβλιογραφική σπανιότητα. Μόνο μερικές από τις χειρόγραφες συνθέσεις του Vysostky έχουν διασωθεί, καθώς και 84 θεατρικά έργα που δημοσιεύτηκαν στην έκδοση του Gutheil.
Τα πρώτα εγχειρίδια αυτο-εκπαίδευσης για το παίξιμο της επτάχορδης κιθάρας στη Ρωσία εμφανίστηκαν στα τέλη του 18ου αιώνα. Στην Αγία Πετρούπολη το 1798 εκδόθηκε ο «Σημασιολογικός οδηγός για την επτάχορδη κιθάρα» του I. Geld, ο οποίος ανατυπώθηκε επανειλημμένα και συμπληρώθηκε με νέο υλικό. Η τρίτη έκδοση επεκτάθηκε με 40 διασκευές ρωσικών και ουκρανικών λαϊκών τραγουδιών. Το 1808 κυκλοφόρησε στην Αγία Πετρούπολη ένα «σχολείο για την επτάχορδη κιθάρα» του D.F. Kushenov-Dmitrievsky. Έκτοτε, αυτή η συλλογή έχει ανατυπωθεί πολλές φορές. Το 1850 εκδόθηκε η «Θεωρητική και πρακτική σχολή για την επτάχορδη κιθάρα» του A.O. Sikhra σε τρία μέρη. Το πρώτο μέρος ονομαζόταν «Γενικά περί των κανόνων της μουσικής», το δεύτερο περιείχε τεχνικές ασκήσεις, κλίμακες και αρπέτζια, το τρίτο μέρος περιλάμβανε μουσικό υλικό, κυρίως συνθέσεις των μαθητών της Σύχρας. Ένα άλλο σημαντικό διδακτικό και παιδαγωγικό εγχειρίδιο ήταν οι «Πρακτικοί κανόνες που συνίστανται σε τέσσερις ασκήσεις» του Α.Ο. Sychry. Αυτό είναι ένα είδος ανώτερης σχολής για τη βελτίωση των τεχνικών δεξιοτήτων ενός κιθαρίστα.
Το 1819, ο S.N. Aksenov έκανε σημαντικές προσθήκες στην επόμενη επανέκδοση του "School" του I. Geld. Προστέθηκε ένα κεφάλαιο για τις φυσικές και τεχνητές αρμονικές, εισήχθησαν πολλά νέα κομμάτια, etudes και διασκευές λαϊκών τραγουδιών, μεταξύ των οποίων δική του σύνθεση. Διάφορα εγχειρίδια για την εκμάθηση της επτάχορδης κιθάρας κυκλοφόρησαν από τον V.I. Morkov, Μ.Τ. Vysotsky και άλλοι κιθαρίστες του πρώτου μισού του 19ου αιώνα.
Στη Ρωσία, η επτάχορδη κιθάρα υπήρχε παράλληλα - τόσο ως ακαδημαϊκό όσο και ως λαϊκό όργανο. Στις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα, η επτάχορδη κιθάρα, ως έκφραση του παραδοσιακού στρώματος της οικιακής μουσικής, διανεμόταν κυρίως σε εργάτες, τεχνίτες, μαθητευόμενους και διάφορους τύπους υπηρετών - αμαξάδες, λακέδες. Το όργανο γίνεται για τον γενικό πληθυσμό όργανο εκπαίδευσης και εξοικείωσης με τη μουσική κουλτούρα.
Από τη δεκαετία του 1840, η τέχνη της κιθάρας, όπως και η τέχνη του guselny, αρχίζει να παρακμάζει. Αλλά αν το ψαλτήρι άρχισε να εξαφανίζεται από την καθημερινή δημιουργία μουσικής, τότε η κιθάρα, παραμένοντας ένα εξίσου αμετάβλητο συνοδευτικό όργανο στον τομέα του αστικού τραγουδιού, του ρομαντισμού και του τσιγγάνικου τραγουδιού, έχασε σταδιακά τις κοινωνικές της ιδιότητες των ανθρώπων λόγω μείωσης του επαγγελματικού επίπεδο κιθαριστών. Στο δεύτερο μισό του αιώνα δεν υπήρχαν τόσο λαμπεροί ερμηνευτές και δάσκαλοι όπως ο Α.Ο. Σύχρα, Σ.Ν. Aksenov και M.T. Βισότσκι. Ουσιαστικά μεθοδολογικά εγχειρίδια έχουν σχεδόν πάψει να τυπώνονται και τα δημοσιευμένα σεμινάρια σχεδιάστηκαν κυρίως για τις ανεπιτήδευτες ανάγκες των λάτρεις της καθημερινής μουσικής και περιείχαν μόνο δείγματα λαϊκά ειδύλλια, τραγούδια, χοροί, τις περισσότερες φορές χαμηλής καλλιτεχνικής ποιότητας.
Η διαμόρφωση της παράστασης στη ρωσική domra
Αν και το ίδιο το όνομα «domra» έγινε διάσημο μόλις τον 16ο αιώνα, οι πρώτες πληροφορίες για τα μαδημένα όργανα ταστιέρας (σε σχήμα τανμπούρ) στη Ρωσία έχουν φτάσει σε εμάς από τον 10ο αιώνα. Τανμπούρ μεταξύ των Ρώσων λαϊκά όργαναπεριγράφεται από τον Άραβα περιηγητή του δέκατου αιώνα, Ibn Dasta, ο οποίος επισκέφτηκε το Κίεβο μεταξύ 903 και 912.
Η πρώτη αναφορά του domra που έχει φτάσει σε εμάς χρονολογείται από το 1530. Οι «Διδασκαλίες του Μητροπολίτη Δανιήλ» μιλούν για το παίξιμο της ντόμρα, μαζί με το παίξιμο της άρπας και του σμύκους (μπιπ) των υπηρετών της εκκλησίας. Στις αρχές του 17ου αιώνα, ακόμη και το gusli, τόσο αγαπητό από τους ανθρώπους, «έδινε πολύ τη θέση του στους domrams» στη δημοτικότητά τους. Στη Μόσχα, τον 17ο αιώνα, υπήρχε μια «σειρά σπιτιών» όπου πωλούνταν domra. Κατά συνέπεια, η ανάγκη για αυτά τα εργαλεία ήταν τόσο μεγάλη που χρειάστηκε να οργανωθεί μια σειρά από καταστήματα για την πώλησή τους. Η πληροφορία ότι τα domra κατασκευάζονταν σε μεγάλες ποσότητες και όχι μόνο στη Μόσχα, επιβεβαιώνονται πειστικά από τελωνειακά βιβλία, στα οποία καταγράφονταν ημερήσια τέλη στις τοπικές αγορές του ρωσικού κράτους.
Η Ντόμρα στη Ρωσία έπεσε στη ζωή των ανθρώπων. Έχει γίνει δημόσιο, δημοκρατικό εργαλείο. Η ελαφρότητα και το μικρό μέγεθος του οργάνου, η ηχητικότητά του (πάντα έπαιζαν το ντόμρα με πλεκτό), οι πλούσιες καλλιτεχνικές τεχνικές δυνατότητες - όλα αυτά αρέσουν στους λάτρεις, η Domra ακουγόταν παντού εκείνες τις μέρες: σε αγροτικές και βασιλικές αυλές, σε ώρες διασκέδασης και στιγμές θλίψης. «Χαίρομαι που σκέφτομαι το domra μου», λέει μια παλιά ρωσική παροιμία.
Οι μπουφόν ήταν συχνά υποκινητές και συμμετέχοντες σε λαϊκές αναταραχές. Γι' αυτό ο κλήρος, και μετά οι άρχοντες του κράτους, άρπαξαν τόσο πολύ τα όπλα ενάντια στην τέχνη τους.
Για σχεδόν 100 χρόνια (από το 1470 έως το 1550) απαγορεύτηκε η αναπαραγωγή μουσικών οργάνων σε οκτώ βασιλικά διατάγματα. Η δίωξη των μπουφόν και της μουσικής τους εντάθηκε ιδιαίτερα τον XV - XVII αιώνα x - σε περιόδους οργανωμένων διαδηλώσεων των αγροτών κατά της τσαρικής κυβέρνησης και των γαιοκτημόνων (αγροτικοί πόλεμοι με επικεφαλής τον Ivan Bolotnikov και τον Stepan Razin).
Το 1648, ένας χάρτης εκδόθηκε από τον Τσάρο Αλεξέι Μιχαήλοβιτς, με τον οποίο νομιμοποιήθηκαν μέτρα για τον αφορισμό του λαού από τα μουσικά όργανα: «Και πού θα ντάμρα και σούρν, και κόρνες, και άρπες, και ιερά αγγεία κορναρίσματος, και θα διατάξεις αυτά τα δαιμονικά να αρπάξουν αγγεία και, αφού έσπασε εκείνα τα δαιμονικά παιχνίδια, διέταξε να τα κάψουν.
Το καλοκαίρι και το φθινόπωρο του 1654, με εντολή του Πατριάρχη Νίκωνα, πραγματοποιήθηκε μαζική κατάσχεση μουσικών οργάνων από το «μαύρο». Καταστρέφονταν παντού. Γκούσλι, κέρατα, ντομρά, σωλήνες, ντέφι μεταφέρθηκαν στον ποταμό Μόσχα και κάηκαν.
Λόγω των βασιλικών διαταγμάτων για την απαγόρευση του παιξίματος των λαϊκών οργάνων, στα μέσα του 17ου αιώνα, σταμάτησε η παραγωγή ντόμαρων από ειδικούς τεχνίτες. Ακολούθησε αυστηρή τιμωρία για την κατασκευή ακόμα και για την αποθήκευση εργαλείων. Με την εξάλειψη της τέχνης των μπουφούνων, εξαφανίζεται και η επαγγελματική παράσταση των μουσικών domrache.
Ωστόσο, χάρη στην τέχνη των μπουφούνων. Το Domra έχει κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα μεταξύ των ανθρώπων. Εισχώρησε στα πιο απομακρυσμένα και κουφά χωριά.
Στα χειρόγραφα του 16ου - 17ου αιώνα υπάρχουν πολυάριθμες εικονογραφήσεις με εικόνες λαϊκών οργάνων, ειδικότερα, domras και ερμηνευτές πάνω τους - domracheev. Αυτές οι εικόνες δείχνουν ότι εκείνη την εποχή το domra ήταν ένα από τα πιο κοινά μουσικά όργανα στη Ρωσία.
Παλιά ρωσική domra τον XVI - XVII αιώνεςυπήρχε σε δύο εκδοχές: θα μπορούσε να έχει ένα σχήμα εξαιρετικά κοντά στο σύγχρονο domra, και το άλλο ήταν ένα είδος λαούτου - ένα πολύχορδο όργανο με μεγάλο σώμα, μάλλον κοντό λαιμό και κεφάλι λυγισμένο πίσω.
Ιστορικά ντοκουμέντα της εποχής εκείνης μαρτυρούν την κοινή παράσταση στο domra, καθώς και τη συνύπαρξη ποικιλιών domra: μικρή, μεσαία και μεγάλη. Έπαιζαν τον δόμρα με μια σχίδα ή ένα φτερό.
Ο 16ος αιώνας είναι η περίοδος της ευρύτερης διανομής του παλιού ρωσικού skomorosh domra. Οι εικόνες του Λούμποκ που χρονολογούνται από τις αρχές του 18ου αιώνα συχνά απεικόνιζαν δύο γελωτοποιούς - τον Φόμα και τον Γερέμα. Στα χέρια ενός από αυτά μπορείτε να δείτε ένα έγχορδο μαδημένο όργανο. Έχει μικρό οβάλ σώμα και στενό λαιμό. Ερευνητής του ρωσικού λαϊκού έντυπου, εξέχων ιστορικός τέχνης D.A. Ο Ροβίνσκι, ως επεξηγήσεις για τα σχέδια, παραθέτει μια ολόκληρη στιχομυθία για τον Θωμά και τον Γερέμα. Λέει: «Η Γερέμα έχει άρπα και ο Φόμα έχει ντόμρα».
Η Domra ακουγόταν συχνά στο ύπαιθρο και, επιπλέον, μερικές φορές σε ένα σύνολο με πιο δυνατά όργανα από άποψη δυναμικής.
Κατά τη σύγκριση όλων των εικόνων του αρχαίου ρωσικού domra και παρόμοιων οργάνων άλλων λαών, είναι σημαντικό να δοθεί προσοχή στα εξαιρετικά ενδιαφέρον χαρακτηριστικό: όλα τα όργανα είναι κόμπζα (το όργανο ήταν κοινό στην Ουκρανία τον 16ο-17ο αιώνα, είχε μεγάλο οβάλ ή ημικυκλικό σώμα και λαιμό με 5-6 χορδές τεντωμένες πάνω του, με κεφάλι λυγισμένο στην πλάτη - δηλαδή τύπο λαούτου , ή ένα όργανο με μικρό σώμα και 3 - 4 χορδές), ανατολίτικες ντόμπρες και άλλα - παρουσιάζονται αποκλειστικά ως σόλο. Άλλα όργανα δεν εμφανίζονται πουθενά μαζί τους. Παρ' όλα αυτά, οι εικόνες του παλιού ρωσικού domra του 16ου - 17ου αιώνα μιλούν για τη χρήση του σε κοινό παιχνίδι με άλλα όργανα. Η αρχαία δόμρα ήταν ένα όργανο που προοριζόταν κυρίως για συλλογική μουσική δημιουργία και υπήρχε σε διάφορες ποικιλίες τεσιτούρας. Για παράδειγμα, οι μινιατούρες που έχουν φτάσει σε εμάς απεικονίζουν domra διαφόρων μεγεθών. Η Domra με μικρό σώμα αντιστοιχεί στο μέγεθος της σύγχρονης μικρής domra. Στα αρχαία σχέδια, υπάρχει μια εικόνα ενός domra με ακόμη μικρότερο σώμα: είναι πιθανό αυτό το "domrishko" να είναι ένα όργανο με πολύ υψηλή τεσιτούρα.
Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, η domra σταδιακά εξαφανίζεται από τη μνήμη των ανθρώπων.
Τα Balalaika τον 18ο – 19ο αιώνα
Με την εξαφάνιση του ίδιου του ονόματος «domra» στο τελευταίο τρίτο του 17ου αιώνα -το 1688- εμφανίζεται η πρώτη αναφορά στα μπαλαλάικα. Ο κόσμος χρειαζόταν ένα έγχορδο μαδημένο όργανο παρόμοιο με ένα domra, εύκολο στην κατασκευή και με ηχητικό, ρυθμικά καθαρό ήχο. Αυτό είναι σωστό, φτιαγμένο με σπιτικό χειροποίητο τρόπο, και φασαρία για μια νέα εκδοχή του domra - balalaika.
Το Balalaika εμφανίστηκε το δεύτερο μισό του 17ου αιώνα ως λαϊκή εκδοχή του domra. Ήδη τον 18ο αιώνα, κέρδισε εξαιρετική δημοτικότητα, καθιστώντας, σύμφωνα με τον ιστορικό J. Shtelin, «το πιο κοινό όργανο σε ολόκληρη τη ρωσική χώρα». Σε αυτό συνέβαλαν ορισμένες περιστάσεις - η απώλεια της ηγετικής σημασίας των προηγουμένως υπαρχόντων οργάνων (άρπα, domra, μπιπ), η διαθεσιμότητα και η ευκολία κυριαρχίας της μπαλαλάικα, η απλότητα της κατασκευής της.
Οι λαϊκές μπαλαλάικα σε διάφορες επαρχίες της Ρωσίας διέφεραν ως προς τη μορφή τους. Τον 18ο και τις αρχές του 19ου αιώνα, ήταν δημοφιλείς οι μπαλαλάικα με στρογγυλό (κομμένο από κάτω) και οβάλ σώμα, που κατασκευάζονταν από κολοκύθα. Μαζί τους, τον 18ο αιώνα, άρχισαν να εμφανίζονται όλο και πιο συχνά όργανα με τριγωνικό σώμα. Οι εικόνες τους δίνονται σε διάφορες δημοφιλείς εκτυπώσεις. Υπήρχαν όργανα με τετράπλευρο και τραπεζοειδές σώμα, με τον αριθμό των χορδών από 2 έως 5 (χάλκινα ή εντερικά). Το υλικό για την κατασκευή εργαλείων ήταν διάφορα είδη ξύλου και στις νότιες περιοχές κολοκύθα. Οι ποικιλίες των μπαλαλάικων και των συστημάτων διέφεραν. Υπήρχαν τρίχορδη μπαλαλάικα τέταρτης, πέμπτης, μικτής τέταρτης-πέμπτης και κουρδίσματος τριτ. 4 - 5 κινητά τάστα επιβλήθηκαν στην ταστιέρα.
Τα πρωτόγονα μπαλαλάικα που υπήρχαν μεταξύ των ανθρώπων ήταν χειροποίητα, είχαν διατονική κλίμακα και πολύ περιορισμένες δυνατότητες.
Οι διαστάσεις των μπαλαλάικων ήταν συχνά τέτοιες που έπρεπε να φυλάσσονται σε μια σφεντόνα: πλάτος 0 1 πόδι, το λεγόμενο. περίπου 30,5 cm μήκος, 1,5 πόδια (46 cm) μήκος και ο λαιμός ξεπερνούσε «τουλάχιστον 4 φορές το μήκος του σώματος», δηλ. έφτασε στο 1,5 μέτρο. Έπαιζαν την μπαλαλάικα μαζεύοντας μεμονωμένες χορδές, κροταλίζοντας, αλλά και με τη βοήθεια ενός πλέκτρου - έναν τυπικό τρόπο παιχνιδιού τον 18ο αιώνα.
Κατά το δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, το όργανο εξαπλώθηκε τόσο στον ερασιτεχνικό χώρο όσο και στους επαγγελματίες μουσικούς. Μαζί με την ευρεία ύπαρξη του λαού, η μπαλαλάικα ήδη αυτή την περίοδο συναντιόταν σε «επιφανείς» οίκους και μάλιστα συμμετείχε σε μουσική διασκευήεορταστικές δικαστικές τελετές. Το ρεπερτόριο των αστικών παικτών μπαλαλάικα εκείνη την εποχή περιελάμβανε όχι μόνο δημοτικά τραγούδια και χορούς, αλλά και έργα της λεγόμενης κοσμικής μουσικής: άριες, μενουέτες, πολωνικούς χορούς, καθώς και «έργα από το αντάντε, το αλέγκρο και το πρέστο».
Η εμφάνιση επαγγελματιών παικτών μπαλαλάικα αστικού τύπου χρονολογείται από αυτή την εποχή. Ο πρώτος από αυτούς θα πρέπει να ονομάζεται ο λαμπρός βιολιστής Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804). Δεν αποκλείεται το ενδεχόμενο να συνθέσει κομμάτια για μπαλαλάικα από αυτόν τον μουσικό. Ο Khandoshkin ήταν ένας αξεπέραστος ερμηνευτής ρωσικών λαϊκών τραγουδιών τόσο στο βιολί όσο και στη μπαλαλάικα. πίσω του για πολύ καιρό διατηρήθηκε η φήμη του πρώτου βιρτουόζου της μπαλαλάικα. Είναι γνωστό ότι ο Khandoshkin ήταν αυτός που έφερε τόσο υψηλόβαθμους ευγενείς όπως ο Potemkin και ο Naryshkin σε "μουσική οργή" με το όργανό του. Στην αρχή, ο Khandoshkin έπαιζε μια λαϊκού τύπου μπαλαλάικα φτιαγμένη από κολοκύθα και κολλημένη μέσα με σπασμένο κρύσταλλο, που έδινε στο όργανο μια ιδιαίτερη ηχητικότητα, και αργότερα σε ένα όργανο φτιαγμένο από τον υπέροχο κατασκευαστή βιολιών Ivan Batov. Είναι πολύ πιθανό ότι η μπαλαλάικα του Batov θα μπορούσε να ήταν όχι μόνο με βελτιωμένο σώμα, αλλά και με τάστα. Στο οργανικό έργο του Α.Σ. Ο Famintsyn "Domra and related musical instruments" δημοσίευσε τον πίνακα "People's performer with a triangular balalaika των αρχών του 19ου αιώνα", στον οποίο ο μουσικός παίζει μια βελτιωμένη μπαλαλάικα με επτά τάστα.
Μεταξύ των γνωστών επαγγελματιών παικτών μπαλαλάικα, μπορεί κανείς να ονομάσει τον αυλικό βιολονίστα της Catherine II, I.F. Yablochkin, μαθητή του Khandoshkin όχι μόνο στο βιολί, αλλά και στη μπαλαλάικα. Αναμφίβολα, ο εξαιρετικός μπαλαλάικα που συνέθεσε κομμάτια για αυτό το όργανο ήταν ο βιολιστής, συνθέτης και μαέστρος της Μόσχας Βλαντιμίρ Ίλιτς Ραντιβίλοφ (1805 - 1863). Οι σύγχρονοι μαρτυρούν ότι ο Radivilov βελτίωσε την μπαλαλάικα, κάνοντάς την τετράχορδη, και «παίζοντάς την πέτυχε τέτοια τελειότητα που εξέπληξε το κοινό. Όλες οι οβερτούρες ήταν δική του σύνθεση.
Η αλλαγή του 18ου - 19ου αιώνα είναι η ακμή της τέχνης του παιξίματος της μπαλαλάικα.
Στα έγγραφα αυτής της περιόδου εμφανίζονται πληροφορίες που επιβεβαιώνουν την ύπαρξη επαγγελματιών ερμηνευτών μεταξύ των παικτών της μπαλαλάικα, οι περισσότεροι από τους οποίους παρέμειναν ανώνυμοι.
Έχουμε λάβει πληροφορίες για τον εξαιρετικό μπαλαλαϊκά Μ.Γ. Ο Χρούνοφ, ο οποίος έπαιξε την «ειδική σχεδίαση» μπαλαλάικα. Οι σύγχρονοι δίνουν εξαιρετική αξιολόγηση για το παίξιμο του μουσικού, παρά την απορριπτική στάση απέναντι σε αυτό το απλό λαϊκό όργανο.
Έντυπες εκδόσεις αναφέρουν τα ονόματα αρκετών ακόμη παικτών μπαλαλάικα που κατείχαν με μαεστρία αυτό το όργανο. Πρόκειται για τους P.A. Bayer και A.S. Ο Paskin είναι ένας γαιοκτήμονας από την επαρχία Tver, καθώς και ένας εξαιρετικός ερμηνευτής, ένας γαιοκτήμονας Oryol με κρυπτογραφημένο επίθετο (P.A. La-ky), ο οποίος έπαιζε τη «μπαλαλάικα με αμίμητη τεχνική, ιδιαίτερα επιδεικνύοντας τις αρμονικές του. Αυτοί οι μουσικοί έπαιζαν όργανα κατασκευασμένα από τους καλύτερους τεχνίτες.
Οι μπαλαλάικα που υπήρχαν στην πόλη διέφεραν από τους απλούς ανθρώπους. η ίδια η παράσταση ήταν διαφορετική. Ο V.V. Andreev έγραψε ότι στην πόλη συνάντησε όργανα με εφτάφρετ και ότι ο A.S. Ο Πάσκιν τον κατέπληξε κυριολεκτικά με το επαγγελματικό του παιχνίδι, γεμάτο πρωτότυπες τεχνικές και ευρήματα.
Στα χωριά στα γλέντια το παιχνίδι του μπαλαλαϊκατζή πληρωνόταν σε κλάμπινγκ. Σε πολλά κτήματα γαιοκτημόνων κρατούνταν ένας μπαλαλαϊκός, που έπαιζε για οικιακή διασκέδαση.
Στις αρχές του 19ου αιώνα, εμφανίστηκε ένα δοκίμιο για την μπαλαλάικα - παραλλαγές στο θέμα του ρωσικού λαϊκού τραγουδιού "Elnik, δάσος μου ελάτης". Αυτό το έργο γράφτηκε από έναν μεγάλο εραστή της μπαλαλάικα, τον διάσημο τραγουδιστή όπερας του θεάτρου Mariinsky N.V. Λαβρόφ ( Το πραγματικό του όνομα Chirkin). Οι παραλλαγές εκδόθηκαν στα γαλλικά και αφιερώθηκαν στον διάσημο τότε συνθέτη Α.Α. Ο Αλιάμπιεφ. Η σελίδα τίτλου δείχνει ότι το έργο γράφτηκε για τρίχορδη μπαλαλάικα. Αυτό μαρτυρεί την ευρεία δημοτικότητα εκείνη την εποχή. τρίχορδο όργανο.
Τα ιστορικά έγγραφα επιβεβαιώνουν το γεγονός ότι η μπαλαλάικα λειτουργούσε ως όργανο συνόλου σε διάφορους συνδυασμούς με λαϊκά μουσικά όργανα - σε ντουέτα με μπιπ, γκάιντα, ακορντεόν, κόρνο. σε τρίο - με τύμπανο και κουτάλια. σε μικρές ορχήστρες που αποτελούνται από βιολιά, κιθάρες και ένα ντέφι. σε σύνολα με φλάουτα και βιολιά. Είναι επίσης γνωστή η χρήση της μπαλαλάικας σε παραστάσεις όπερας. Έτσι, στην όπερα του M.M. Sokolovsky "The Miller, the Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker", η άρια του Μέλνικ από την τρίτη πράξη "Ο τρόπος που περπατούσαν ο γέρος και η γριά" παίχτηκε με τη συνοδεία μιας μπαλαλάικα.
Η δημοτικότητα της μπαλαλάικα μεταξύ των μαζών αντανακλάται τόσο στα δημοτικά τραγούδια όσο και στη μυθοπλασία. Το όργανο αναφέρεται στα έργα των A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, F.I. Ντοστογιέφσκι, Λ.Ν. Τολστόι, A.P. Τσέχοφ, Ι.Τουργκένιεφ, Ν.Β. Γκόγκολ και άλλοι.
Στα μέσα του 19ου αιώνα, η δημοτικότητα της μπαλαλάικα ως μαζικού οργάνου άρχισε να εξασθενεί. Στην πρωτόγονη μορφή της, η μπαλαλάικα δεν μπορούσε πλέον να ανταποκριθεί πλήρως στις νέες αισθητικές απαιτήσεις. Πρώτα, η επτάχορδη κιθάρα, και μετά η φυσαρμόνικα, έδιωξαν τη μπαλαλάικα από τη λαϊκή οικιακή μουσική. Η διαδικασία της σταδιακής εξαφάνισης της μπαλαλάικας ξεκινά και στη λαϊκή μουσική ζωή. Από την πανταχού παρούσα διανομή του οργάνου, όλο και περισσότερο μετατράπηκε σε αντικείμενο μουσικής αρχαιολογίας.
Στείλτε την καλή δουλειά σας στη βάση γνώσεων είναι απλή. Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα
Φοιτητές, μεταπτυχιακοί φοιτητές, νέοι επιστήμονες που χρησιμοποιούν τη βάση γνώσεων στις σπουδές και την εργασία τους θα σας είναι πολύ ευγνώμονες.
Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru/
Δημοσιεύτηκε στις http://www.allbest.ru/
Υπουργείο Πολιτισμού της Ουκρανίας
Κρατική Ακαδημία Πολιτισμού του Χάρκοβο
για εισαγωγή για σπουδές για το πτυχίο "Master"
τέχνη κιθάρας ιστορικό φαινόμενομουσική κουλτούρα
Pikhulya Taras Olegovich
Χάρκοβο 2015
Σχέδιο
Εισαγωγή
1. Προϋποθέσεις για τη διαμόρφωση και ανάπτυξη της κλασικής κιθάρας
1.1 Η ιστορία της εμφάνισης, της ανάπτυξης και της βελτίωσης της απόδοσης της κιθάρας
1.2 Η διαμόρφωση της τέχνης της κιθάρας στην ΕΣΣΔ και τη Ρωσία
2. Η ιστορία της εμφάνισης και της εξέλιξης της τάσης της ποπ-τζαζ στην τέχνη
2.1 Ποικιλίες κιθάρων που χρησιμοποιούνται στην τέχνη της ποπ-τζαζ
2.2 Οι κύριες κατευθύνσεις της ποπ-τζαζ παράστασης της δεκαετίας του 60-70
Βιβλιογραφία
ΣΕδιεξαγωγής
Μουσική τέχνη του ΧΧ αιώνα. αναπτύχθηκε γρήγορα και γρήγορα. Τα κύρια χαρακτηριστικά γνωρίσματα αυτής της εξέλιξης ήταν η αφομοίωση διαφόρων στυλ και τάσεων, η αποκρυστάλλωση μιας νέας μουσικής γλώσσας, οι νέες αρχές σύνθεσης, διαμόρφωσης και η διαμόρφωση ποικίλων αισθητικών πλατφορμών. Αυτή η διαδικασία περιλαμβάνει όχι μόνο συνθέτες, ερμηνευτές, ιστορικούς τέχνης, αλλά και εκατομμύρια ακροατές για τους οποίους δημιουργούνται μουσικά έργα.
Η συνάφεια του θέματος οφείλεται στην εξέταση της κλασικής και ποπ-τζαζ ορχηστρικής μουσικής από την άποψη της εξελικτικής ανάπτυξης της κιθάρας, δηλαδή του σχηματισμού νέων ειδών και τάσεων.
Σκοπός της μελέτης είναι να εξετάσει την κλασική και ποπ-τζαζ ορχηστρική μουσική και την επιρροή τους στη διαμόρφωση νέων στυλ, δεξιοτήτων ερμηνείας και γενικότερα της κιθαριστικής κουλτούρας.
Στόχοι της έρευνας:
1) Εξετάστε την ιστορία της εμφάνισης, της ανάπτυξης και του σχηματισμού της κουλτούρας της κιθάρας στην Ευρώπη, τη Ρωσία, την ΕΣΣΔ.
2) Εξετάστε την προέλευση, την προέλευση και τη διαμόρφωση νέων στυλ στην τέχνη της ποπ-τζαζ.
Αντικείμενο της έρευνας είναι η διαμόρφωση κλασικής και ποπ-τζαζ ενόργανης μουσικής.
Η μεθοδολογική βάση του έργου είναι η μέθοδος αντονικής ανάλυσης, που επικεντρώνεται στην ενότητα των αρχών της μουσικής και του λόγου, ως βάση των ευρωπαϊκών, αφρικανικών και ρωσικών καλλιτεχνικών παραδόσεων.
Η επιστημονική καινοτομία του έργου έγκειται στο γεγονός ότι το έργο είναι μια μελέτη της διαμόρφωσης και της εξέλιξης της κιθαριστικής τέχνης και της επιρροής της στη διαμόρφωση της κιθαριστικής κουλτούρας.
Η πρακτική αξία του έργου έγκειται στη δυνατότητα χρήσης των υλικών του στη διαδικασία μελέτης ιστορικών και θεωρητικών μουσικών κλάδων.
1. ΠροαπαιτούμενασχηματισμόςΚαιανάπτυξηΠαιχνίδιαεπίκλασσικόςκιθάρα
1.1 Η ιστορία της εμφάνισης, της ανάπτυξης και της βελτίωσης της απόδοσης της κιθάρας
Η ιστορία της προέλευσης, της ανάπτυξης και της βελτίωσης αυτού του μουσικού οργάνου είναι τόσο εκπληκτική και μυστηριώδης που μοιάζει περισσότερο με μια συναρπαστική αστυνομική ιστορία. Οι πρώτες πληροφορίες για την κιθάρα χρονολογούνται από την αρχαιότητα. Στα αιγυπτιακά μνημεία πριν από χίλια χρόνια, υπάρχουν εικόνες ενός μουσικού οργάνου - "nabla", που μοιάζει με κιθάρα. Η κιθάρα ήταν διαδεδομένη και στην Ασία, κάτι που επιβεβαιώνεται από τις εικόνες στα αρχιτεκτονικά μνημεία της Ασσυρίας, της Βαβυλώνας και της Φοινίκης. Τον 13ο αιώνα, οι Άραβες το έφεραν στην Ισπανία, όπου σύντομα έγινε πλήρης αναγνώριση. Στα τέλη του 15ου αιώνα, οι πλούσιες οικογένειες της Ισπανίας άρχισαν να ανταγωνίζονται μεταξύ τους στην προστασία των επιστημών και της τέχνης. Η κιθάρα, μαζί με το λαούτο και άλλα μαδημένα όργανα, γίνεται αγαπημένο όργανο στα γήπεδα. ΣΕ πολιτιστική ζωήΣτην Ισπανία, ξεκινώντας από τον 16ο αιώνα, σημαντικό ρόλο έπαιξαν πολυάριθμοι σύλλογοι, ακαδημίες, κύκλοι και συναντήσεις - «σαλόνια», που γίνονταν τακτικά. Από εκείνη την εποχή, το πάθος για τα μαδημένα όργανα διαπέρασε τις πλατιές μάζες του λαού και δημιουργήθηκε γι' αυτούς ιδιαίτερη μουσική λογοτεχνία. Τα ονόματα των συνθετών που την εκπροσώπησαν αποτελούν μια μεγάλη χορδή: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz και πολλοί άλλοι.
Έχοντας διανύσει πολύ δρόμο ανάπτυξης, η κιθάρα πήρε μια μοντέρνα εμφάνιση. Μέχρι τον 18ο αιώνα ήταν μικρότερο και το σώμα του ήταν μάλλον στενό και επίμηκες. Αρχικά, στο όργανο είχαν στηθεί πέντε χορδές, κουρδισμένες σε τέταρτες, σαν λαούτο. Αργότερα, η κιθάρα έγινε εξάχορδη, με κούρδισμα πιο κατάλληλο για παιχνίδι σε ανοιχτές θέσεις για καλύτερη εκμετάλλευση του ήχου των ανοιχτών χορδών. Έτσι, στα μέσα του 19ου αιώνα, η κιθάρα είχε αποκτήσει την τελική της μορφή. Έξι χορδές εμφανίστηκαν πάνω του με ένα σύστημα: mi, si, salt, re, la, mi.
Η κιθάρα κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα στην Ευρώπη και μεταφέρθηκε στις χώρες της Βόρειας και Νότιας Αμερικής. Πώς εξηγείται μια τόσο διαδεδομένη χρήση της κιθάρας; Κυρίως γιατί έχει μεγάλες δυνατότητες: μπορεί να παιχτεί σόλο, με συνοδεία φωνής, βιολί, τσέλο, φλάουτο, μπορεί να βρεθεί σε διάφορες ορχήστρες και σύνολα. Οι μικρές διαστάσεις και η δυνατότητα εύκολης κίνησης στο χώρο και, κυρίως, ένας ασυνήθιστα μελωδικός, βαθύς και ταυτόχρονα διάφανος ήχος δικαιολογεί την αγάπη για αυτό το παγκόσμιο μουσικό όργανο από ένα ευρύ φάσμα θαυμαστών, από ρομαντικούς τουρίστες έως επαγγελματίες μουσικούς.
Στα τέλη του 18ου αιώνα εμφανίστηκαν στην Ισπανία συνθέτες και βιρτουόζοι
F. Sor και D. Aguado, ταυτόχρονα μαζί τους στην Ιταλία - M. Giuliani. L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi κ.ά. Δημιουργούν ένα εκτενές ρεπερτόριο συναυλιών για την κιθάρα, από μικρά κομμάτια μέχρι σονάτες και κοντσέρτα με ορχήστρα, καθώς και υπέροχα «Σχολές για το παίξιμο της εξάχορδης κιθάρας», ένα εκτενές εκπαιδευτικό και εποικοδομητικό ρεπερτόριο. Αν και έχουν περάσει σχεδόν διακόσια χρόνια από τις πρώτες δημοσιεύσεις αυτής της παιδαγωγικής βιβλιογραφίας, εξακολουθεί να αποτελεί πολύτιμη κληρονομιά τόσο για τους δασκάλους όσο και για τους μαθητές.
Ο συνθέτης Sor δίνει συναυλίες με μεγάλη επιτυχία στις πόλεις της Δυτικής Ευρώπης και της Ρωσίας. Τα μπαλέτα του Σταχτοπούτα, Ο Λούμποκ ως ζωγράφος, Ηρακλής και Ομφάλης, καθώς και η όπερα Τηλέμαχος έχουν ανέβει πολλές φορές στην Αγία Πετρούπολη, τη Μόσχα και μεγάλες πόλεις της Δυτικής Ευρώπης. Πολυφωνικό ύφος, πλούσια φαντασία και βάθος περιεχομένου χαρακτηρίζουν το έργο του Σόρα. Πρόκειται για έναν μορφωμένο μουσικοσυνθέτη, έναν βιρτουόζο κιθαρίστα που εντυπωσίασε με το βάθος της ερμηνείας του και τη λαμπρότητα της τεχνικής του. Οι συνθέσεις του έχουν μπει σταθερά στο ρεπερτόριο των κιθαριστών. Ο Ιταλός Τζουλιάνι είναι ένας από τους ιδρυτές της ιταλικής σχολής κιθάρας. Ήταν ένας λαμπρός κιθαρίστας και επίσης τέλειος βιολιστής. Όταν το 1813 παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στη Βιέννη η έβδομη συμφωνία του Μπετόβεν υπό τη διεύθυνση του συγγραφέα, ο Τζουλιάνι συμμετείχε στην ερμηνεία της ως βιολιστής. Ο Μπετόβεν είχε μεγάλη εκτίμηση για τον Τζουλιάνι ως συνθέτη και μουσικό. Οι σονάτες του, τα κονσέρτα του με ορχήστρα ερμηνεύονται από σύγχρονους κιθαρίστες και η παιδαγωγική λογοτεχνία αποτελεί πολύτιμη κληρονομιά τόσο για δασκάλους όσο και για μαθητές.
Ιδιαίτερα θα ήθελα να σταθώ στο πιο διάσημο και πιο συχνά εκδοθέν στη χώρα μας «Σχολή Παίζοντας Εξάχορδη Κιθάρα» του διάσημου Ιταλού κιθαρίστα-δάσκαλου, συνθέτη M. Carcassi. Στον πρόλογο του «Σχολείου» ο συγγραφέας λέει: «... Δεν είχα σκοπό να γράψω μια επιστημονική εργασία. Ήθελα μόνο να διευκολύνω την εκμάθηση της κιθάρας, σχεδιάζοντας ένα σχέδιο που θα μπορούσε να καταστήσει δυνατή την εξοικείωση με όλα τα χαρακτηριστικά αυτού του οργάνου. Σύμφωνα με αυτά τα λόγια, είναι σαφές ότι ο M. Carcassi δεν έβαλε στον εαυτό του το καθήκον να δημιουργήσει ένα καθολικό εγχειρίδιο για την εκμάθηση της κιθάρας, και είναι σχεδόν καθόλου δυνατό. Το «Σχολείο» δίνει μια σειρά από πολύτιμες οδηγίες για την τεχνική του αριστερού και του δεξιού χεριού, διάφορες χαρακτηριστικές μεθόδους παιξίματος κιθάρας, παίζοντας σε διαφορετικές θέσεις και πλήκτρα. Μουσικά παραδείγματα και κομμάτια δίνονται διαδοχικά, με αύξουσα σειρά δυσκολίας, γράφονται με μεγάλη δεξιοτεχνία ως συνθέτης και δάσκαλος και εξακολουθούν να έχουν μεγάλη αξία ως εκπαιδευτικό υλικό.
Αν και, από σύγχρονη σκοπιά, αυτό το «Σχολείο» έχει μια σειρά από σοβαρές ελλείψεις. Για παράδειγμα, λίγη προσοχή έχει δοθεί σε μια τόσο σημαντική τεχνική του δεξιού χεριού όπως το apoyando (παίζοντας με υποστήριξη). η μουσική γλώσσα, βασισμένη στη μουσική της δυτικοευρωπαϊκής παράδοσης του 18ου αιώνα, είναι κάπως μονότονη. τα ζητήματα της ανάπτυξης του δακτυλισμού, η μελωδική-αρμονική σκέψη πρακτικά δεν θίγονται, μιλάμε μόνο για τη σωστή τοποθέτηση των δακτύλων του αριστερού και του δεξιού χεριού, που μας επιτρέπει να επιλύσουμε πολλές τεχνικές δυσκολίες στην απόδοση, να βελτιώσουμε τον ήχο, τη φρασεολογία , και τα λοιπά.
Στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, ένα νέο φωτεινό όνομα του Ισπανού συνθέτη, βιρτουόζου σολίστ και δασκάλου Francisco Tarrega εμφανίστηκε στην ιστορία της κιθάρας. Δημιουργεί το δικό του στυλ γραφής. Στα χέρια του η κιθάρα μετατρέπεται σε μια μικρή ορχήστρα.
Η ερμηνεία αυτού του αξιόλογου μουσικού επηρέασε τη δουλειά των φίλων του - συνθετών: Albeniz, Granados, de Falla και άλλων. Στα έργα τους για πιάνο ακούγεται συχνά μίμηση κιθάρας. Η κακή υγεία δεν έδωσε στον Tarrega την ευκαιρία να δώσει συναυλίες, έτσι αφοσιώθηκε στη διδασκαλία. Μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι ο Tarrega δημιούργησε τη δική του σχολή κιθάρας. Μεταξύ των καλύτερων μαθητών του είναι ο Miguel Llobet, ο Emelio Pujol, ο Domenico Prat, ο Daniel Fortea, ο Illarion Lelupe και άλλοι διάσημοι συντελεστές. Μέχρι σήμερα έχουν εκδοθεί τα «Σχολεία» των E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens και P. Rocha, βασισμένα στη μέθοδο διδασκαλίας Tarrega. Ας ρίξουμε μια πιο προσεκτική ματιά σε αυτή τη μέθοδο χρησιμοποιώντας το παράδειγμα του «School of Playing the Six-String Guitar» από τον διάσημο Ισπανό κιθαρίστα, δάσκαλο και μουσικολόγο E. Pujol. Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του «Σχολείου» είναι η γενναιόδωρη, λεπτομερής παρουσίαση όλων των βασικών «μυστικών» της κλασικής κιθάρας. Τα πιο ουσιαστικά ζητήματα της τεχνικής της κιθάρας έχουν αναπτυχθεί προσεκτικά: η θέση των χεριών, το όργανο, οι μέθοδοι παραγωγής ήχου, οι τεχνικές παιξίματος κ.λπ. Η αλληλουχία της διασκευής του υλικού συμβάλλει στη συστηματική τεχνική και καλλιτεχνική προετοιμασία του κιθαρίστα. Το «Σχολείο» είναι εξ ολοκλήρου χτισμένο πάνω στο αυθεντικό μουσικό υλικό: σχεδόν όλα τα ετούτα και οι ασκήσεις συντέθηκαν από τον συγγραφέα (λαμβάνοντας υπόψη τη μεθοδολογία του Φ. Ταρέγκα) ειδικά για τις αντίστοιχες ενότητες.
Είναι ιδιαίτερα πολύτιμο το γεγονός ότι αυτή η εκπαιδευτική δημοσίευση όχι μόνο περιγράφει λεπτομερώς τις δυσκολίες στο παίξιμο της κιθάρας, αλλά και περιγράφει λεπτομερώς πώς να τις ξεπεράσετε. Ειδικότερα, δίνεται μεγάλη προσοχή στο πρόβλημα της χρήσης του σωστού δακτύλου κατά το παιχνίδι με το δεξί και το αριστερό χέρι, καθώς και τεχνικές παιχνιδιού σε διαφορετικές θέσεις, διάφορες κινήσεις, μετατοπίσεις του αριστερού χεριού, κάτι που σίγουρα συμβάλλει στην ανάπτυξη της δακτυλικής σκέψης. Η αποτελεσματικότητα του «Σχολείου» του Πουτζόλ επιβεβαιώνεται, ειδικότερα, από την πρακτική της χρήσης του σε μια σειρά από εκπαιδευτικά ιδρύματα της χώρας μας, της Ευρώπης και της Αμερικής.
Μεγάλη σημασία για την ανάπτυξη της παγκόσμιας κιθαριστικής τέχνης ήταν η δημιουργική δραστηριότητα του μεγαλύτερου Ισπανού κιθαρίστα του 20ού αιώνα. Αντρές Σεγκόβια. Η εξαιρετική σημασία του ρόλου του στην ιστορία της εξέλιξης του οργάνου δεν ήταν μόνο το ερμηνευτικό και παιδαγωγικό του ταλέντο, αλλά και οι ικανότητές του ως οργανωτή και προπαγανδιστή. Ο ερευνητής M. Weisbord γράφει: «…για να καθιερωθεί η κιθάρα ως όργανο συναυλίας, της έλειπε αυτό που κατείχε, για παράδειγμα, το πιάνο ή το βιολί - ένα εξαιρετικά καλλιτεχνικό ρεπερτόριο. Η ιστορική αξία του Andres Segovia έγκειται πρώτα απ' όλα στη δημιουργία ενός τέτοιου ρεπερτορίου…». Και περαιτέρω: «Μ. Πόνσε (Μεξικό), Μ.Κ. Tedesco (Ιταλία), J. Ibert, A. Roussel (Γαλλία) K. Pedrel (Αργεντινή), A. Tansman (Πολωνία) και D. Duart (Αγγλία), R. Smith (Σουηδία)…». Από αυτό το μικρό και μακριά από πλήρης λίστατων συνθετών, είναι σαφές ότι χάρη στον A. Segovia η γεωγραφία των επαγγελματικών συνθέσεων για κλασική κιθάρα επεκτάθηκε γρήγορα και με την πάροδο του χρόνου αυτό το όργανο τράβηξε την προσοχή πολλών εξαιρετικών καλλιτεχνών - E. Vila Lobos, B. Britten. Από την άλλη, υπάρχουν ολόκληροι αστερισμοί ταλαντούχων συνθετών που είναι και επαγγελματίες ερμηνευτές - A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin κ.λπ.
1. 2 ΣχηματισμόςκιθάρατέχνηVΕΣΣΔΚαιΡωσία
Σήμερα έχει κάνει πολλές περιοδείες σε πολλές χώρες του κόσμου, συμπεριλαμβανομένων τεσσάρων επισκέψεων στην ΕΣΣΔ (1926 και 1935, 1936) Ερμήνευσε έργα κλασικών κιθαριστών: Sora, Giuliani, μεταγραφές έργων των Τσαϊκόφσκι, Σούμπερτ, Χάιντν και πρωτότυπα έργα Ισπανών συνθετών: Τορίνο, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco και άλλων συνθετών. Ο Σεγκόβια είχε πολλές συναντήσεις με Σοβιετικούς κιθαρίστες, στις ερωτήσεις των οποίων απάντησε πρόθυμα. Σε συζητήσεις σχετικά με την τεχνική του παιξίματος κιθάρας, ο Σεγκόβια επεσήμανε την ιδιαίτερη σημασία όχι μόνο του στήσιμου χεριών, αλλά και της σωστής χρήσης του δακτύλου. Η κιθάρα άφησε φωτεινό σημάδι στη μουσική τέχνη της Ρωσίας. Ο ακαδημαϊκός J. Shtelin, ο οποίος έζησε στη Μόσχα από το 1735 έως το 1785, έγραψε ότι η κιθάρα στη Ρωσία εξαπλώθηκε αργά, αλλά με την εμφάνιση των βιρτουόζων κιθαριστών Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani και άλλων, μεταξύ άλλων καλεσμένων ερμηνευτών, αυτό το εργαλείο είναι κερδίζει συμπάθεια και χρησιμοποιείται ευρέως.
Αποκτώντας στη Ρωσία από το δεύτερο μισό του 18ου αιώνα μια πρωτότυπη επτάχορδη ποικιλία με τριάδα G-major διπλασιασμένη σε οκτάβα και χαμηλότερη χορδή σε απόσταση ένα τέταρτο, η κιθάρα αποδείχθηκε ότι ταιριάζει καλύτερα στη συνοδεία μπάσου. ενός αστικού τραγουδιού και ρομαντισμού.
Η πραγματική άνθηση της επαγγελματικής απόδοσης σε αυτό το όργανο ξεκινά χάρη στη δημιουργική δραστηριότητα του εξαιρετικού δασκάλου-κιθαρίστα Andrei Osipovich Sikhra (1773-1850). Όντας αρπιστής από την εκπαίδευση, αφιέρωσε όλη του τη ζωή στην προώθηση της επτάχορδης κιθάρας - στα νιάτα του ασχολήθηκε με συναυλιακή δραστηριότητα και στη συνέχεια παιδαγωγική και διαφωτιστική. Το 1802 άρχισε να εκδίδεται στην Αγία Πετρούπολη το περιοδικό του A. Sikhra's Journal for the Seven-String Guitar, με διασκευές ρωσικών λαϊκών τραγουδιών και διασκευές κλασικών μουσικών. Τις επόμενες δεκαετίες, μέχρι το 1838, ο μουσικός εξέδωσε μια σειρά από παρόμοια περιοδικά που συνέβαλαν σε σημαντική αύξηση της δημοτικότητας του οργάνου, ο Α.Ο. Η Sychra μεγάλωσε έναν τεράστιο αριθμό μαθητών, κεντρίζοντας το ενδιαφέρον τους για τη σύνθεση μουσικής για κιθάρα, ειδικότερα, παραλλαγές σε θέματα μελωδιών λαϊκών τραγουδιών. Οι πιο γνωστοί από τους μαθητές του είναι ο Σ.Ν. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, F.M. Ο Zimmerman και άλλοι - άφησαν πολλά έργα και διασκευές ρωσικών τραγουδιών. Η δραστηριότητα του Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837) ήταν μεγάλης σημασίας για την ανάπτυξη της επαγγελματικής-ακαδημαϊκής απόδοσης ρωσικής κιθάρας. Ο πρώτος που του μύησε την κιθάρα ήταν ο S.N. Ο Aksenov, έγινε και ο μέντοράς του.
Από το 1813 περίπου, το όνομα του Μ.Τ. Ο Βισότσκι έγινε ευρέως δημοφιλής. Το παίξιμό του διακρίθηκε από ένα πρωτότυπο αυτοσχεδιαστικό ύφος, μια τολμηρή πτήση δημιουργικής φαντασίας σε ποικίλες μελωδίες δημοτικού τραγουδιού. Μ.Τ. Ο Vysotsky είναι εκπρόσωπος του αυτοσχεδιασμού ακουστικού στυλ απόδοσης - σε αυτό είναι κοντά στην παραδοσιακή ρωσική λαϊκή μουσική. Πολλά μπορούν να ειπωθούν για άλλους εκπροσώπους της ρωσικής κιθάρας, που συνέβαλαν στην ανάπτυξη της εθνικής σχολής ερμηνείας, αλλά αυτή είναι μια ξεχωριστή συζήτηση. Η γνήσια ρωσική σχολή διακρίθηκε από τα ακόλουθα χαρακτηριστικά: σαφήνεια άρθρωσης, όμορφος μουσικός τόνος, εστίαση στις μελωδικές δυνατότητες του οργάνου και δημιουργία ενός συγκεκριμένου ρεπερτορίου, από πολλές απόψεις μοναδική, μια προοδευτική μέθοδος χρήσης ειδικών «κενών» δακτυλίων. , δοκιμές και ρυθμοί, αποκαλύπτοντας τις δυνατότητες του οργάνου.
Το σύστημα παιξίματος του οργάνου περιελάμβανε παίζοντας μουσικές λειτουργίες, τονισμούς και τις εκκλήσεις τους, που απομνημονεύονταν χωριστά σε κάθε πλήκτρο και είχαν απρόβλεπτη κίνηση φωνών. Συχνά τέτοια ατομικά δακτυλικά, μελωδικά-αρμονικά «κενά» φυλάσσονταν με ζήλο και περνούσαν μόνο στους καλύτερους μαθητές. Ο αυτοσχεδιασμός δεν μελετήθηκε ειδικά, ήταν το αποτέλεσμα μιας κοινής τεχνικής βάσης και ένας καλός κιθαρίστας ήταν σε θέση να συνδυάσει τους γνωστούς τόνους ενός τραγουδιού με μια αρμονική ακολουθία. Ένα σύνολο διαφορετικών ρυθμών περιέβαλλε συχνά μια μουσική φράση και έδινε έναν ιδιαίτερο χρωματισμό στο μουσικό ύφασμα. Μια τέτοια ευρηματική μέθοδος διδασκαλίας φαίνεται ότι ήταν καθαρά ρωσική ανακάλυψη και δεν συναντάται πουθενά σε ξένα έργα της εποχής εκείνης. Δυστυχώς, οι παραδόσεις της ρωσικής κιθάρας των αιώνων XVIII-XIX. άδικα ξεχάστηκαν και μόνο χάρη στις προσπάθειες των ενθουσιωδών η κατάσταση προς αυτή την κατεύθυνση αλλάζει προς το καλύτερο.
Η τέχνη της κιθάρας αναπτύχθηκε επίσης στη σοβιετική εποχή, αν και η στάση των αρχών για την ανάπτυξη αυτού του μουσικού οργάνου ήταν, για να το θέσω ήπια, δροσερή. Είναι δύσκολο να υπερεκτιμηθεί ο ρόλος του εξαιρετικού δασκάλου, ερμηνευτή και συνθέτη A.M. Ivanov-Kramskoy. Η σχολή του παιξίματος, καθώς και η σχολή παιξίματος κιθαρίστας και δάσκαλος Π.Α. Το Agafoshina είναι ένα απαραίτητο εκπαιδευτικό βοήθημα για νέους κιθαρίστες. Αυτή η δραστηριότητα συνεχίζεται με έξοχο τρόπο από τους πολυάριθμους μαθητές και οπαδούς τους: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (κλασική κιθάρα στην τζαζ), S. Rudnev (κλασική κιθάρα στα ρωσικά στυλ) και πολλά άλλα.
κιθάρα κλασική ποπ τζαζ
2. ΙστορίαπεριστατικόΚαιεξέλιξηποπ-τζαζκατευθύνσειςVτέχνη
2.1 Ποικιλίες κιθάρων που χρησιμοποιούνται στην τέχνη της ποπ-τζαζ
Στη σύγχρονη ποπ μουσική, χρησιμοποιούνται κυρίως τέσσερις τύποι κιθάρων:
1. Flat Top (Flat Top) - η συνηθισμένη λαϊκή κιθάρα με μεταλλικές χορδές.
2. Classical (Classical) - κλασική κιθάρα με νάιλον χορδές.
3. Arch Top (Arch Top) - μια κιθάρα τζαζ, σε σχήμα μεγεθυσμένου βιολιού με "efs" κατά μήκος των άκρων του soundboard.
4. Ηλεκτρική κιθάρα - μια κιθάρα με ηλεκτρομαγνητικά πικ-απ και ένα μονολιθικό ξύλινο κατάστρωμα (μπαρ).
Ακόμη και πριν από 120-130 χρόνια, μόνο ένας τύπος κιθάρας ήταν δημοφιλής στην Ευρώπη και την Αμερική. Χρησιμοποιείται σε διάφορες χώρες διαφορετικά συστήματαρυθμίσεις, και σε ορισμένα σημεία άλλαξαν ακόμη και τον αριθμό των χορδών (στη Ρωσία, για παράδειγμα, υπήρχαν επτά χορδές, όχι έξι). Αλλά στη φόρμα, όλες οι κιθάρες ήταν πολύ παρόμοιες - σχετικά συμμετρικά πάνω και κάτω μέρη του σώματος, που συγκλίνει με το λαιμό στο 12ο τάστα.
Μικρό μέγεθος, παλάμη με τρυπητή, φαρδύς λαιμός, ελατήρια σε σχήμα βεντάλιας κ.λπ. - όλα αυτά χαρακτήριζαν αυτό το είδος κιθάρας. Μάλιστα, το παραπάνω όργανο σε μορφή και περιεχόμενο μοιάζει με τη σημερινή κλασική κιθάρα. Και η μορφή της σημερινής κλασικής κιθάρας ανήκει στον Ισπανό μαέστρο Τόρες, που έζησε πριν από περίπου 120 χρόνια.
Στα τέλη του περασμένου αιώνα, η κιθάρα άρχισε να κερδίζει δραματικά δημοτικότητα. Εάν πριν από αυτό, οι κιθάρες παίζονταν μόνο σε ιδιωτικά σπίτια και σαλόνια, τότε μέχρι τα τέλη του περασμένου αιώνα, η κιθάρα άρχισε να εμφανίζεται στις σκηνές. Υπήρχε ανάγκη να ενισχυθεί ο ήχος. Τότε ήταν που υπήρχε ένας σαφέστερος διαχωρισμός μεταξύ των κλασικών και αυτού που σήμερα ονομάζεται πιο συχνά λαϊκή κιθάρα ή γουέστερν. Η τεχνολογία άρχισε να φτιάχνει μεταλλικές χορδές που ακούγονταν πιο δυνατά.
Επιπλέον, το ίδιο το ντουλάπι αυξήθηκε σε μέγεθος, γεγονός που επέτρεψε στον ήχο να είναι βαθύτερος και δυνατότερος. Εμεινα μόνος σοβαρό πρόβλημα- η ισχυρή τάση των μεταλλικών χορδών σκότωσε στην πραγματικότητα το επάνω κατάστρωμα και η πάχυνση των τοιχωμάτων του κελύφους, στο τέλος, σκότωσε τη δόνηση, και μαζί του τον ήχο. Και τότε εφευρέθηκε το περίφημο ελατήριο σε σχήμα Χ. Τα ελατήρια κολλήθηκαν σταυρωτά, αυξάνοντας έτσι την αντοχή του άνω καταστρώματος, αλλά επιτρέποντάς του να δονείται.
Έτσι, υπήρχε ένας σαφής διαχωρισμός - η κλασική κιθάρα, η οποία δεν έχει αλλάξει πολύ από τότε (μόνο οι χορδές άρχισαν να γίνονται από συνθετικά, και όχι από το σινεμά, όπως πριν), και η λαϊκή-δυτική κιθάρα, που είχε αρκετές φόρμες, αλλά σχεδόν πάντα ταίριαζε με ελατήρια σε σχήμα Χ, μεταλλικές χορδές, μεγεθυσμένο σώμα και ούτω καθεξής.
Ταυτόχρονα, αναπτύχθηκε ένας άλλος τύπος κιθάρας - η "καμάρα" (τοξωτή κορυφή). Τι είναι αυτό? Ενώ εταιρείες όπως ο Martin αντιμετώπιζαν το πρόβλημα της ενίσχυσης του ήχου προσαρμόζοντας ελατήρια, εταιρείες όπως η Gibson πήγαν στον άλλο δρόμο, φτιάχνοντας κιθάρες σε σχήμα και κατασκευή σαν βιολιά. Τέτοια όργανα χαρακτηρίζονταν από ένα κυρτό κορυφαίο ηχείο, ένα παξιμάδι, που ήταν σαν κοντραμπάσο, και μια ουρά. Κατά κανόνα, αυτά τα όργανα είχαν εγκοπές βιολιού κατά μήκος των άκρων του ηχείου αντί της παραδοσιακής στρογγυλής τρύπας στο κέντρο. Αυτές οι κιθάρες παρουσίαζαν έναν ήχο που δεν ήταν ζεστός και βαθύς, αλλά ισορροπημένος και δυνατός. Με μια τέτοια κιθάρα, κάθε νότα ακουγόταν ξεκάθαρα και οι τζαζίστες συνειδητοποίησαν γρήγορα τι ένα «σκοτεινό άλογο» εμφανιζόταν στο οπτικό τους πεδίο. Στην τζαζ οφείλουν τη δημοτικότητά τους οι «καμάρες» για την οποία ονομάστηκαν κιθάρες τζαζ. Στις δεκαετίες του 1930 και του 1940, η κατάσταση άρχισε να αλλάζει - κυρίως λόγω της εμφάνισης μικροφώνων και pickup υψηλής ποιότητας. Επιπλέον, ένα νέο δημοφιλές στυλ μουσικής, τα μπλουζ, μπήκε στην αρένα και κατέκτησε αμέσως τον κόσμο. Όπως γνωρίζετε, τα μπλουζ αναπτύχθηκαν κυρίως λόγω των προσπαθειών φτωχών μαύρων μουσικών. Το έπαιζαν με κάθε τρόπο με τα δάχτυλα, τις λαβές, ακόμη και τα μπουκάλια μπύρας (οι λαιμοί των μπουκαλιών της μπύρας ήταν οι άμεσοι πρόγονοι των σύγχρονων διαφανειών). Αυτοί οι άνθρωποι δεν είχαν χρήματα για ακριβά όργανα, δεν είχαν πάντα την ευκαιρία να αγοράσουν νέες χορδές για τον εαυτό τους, τι είδους κιθάρες τζαζ υπάρχουν; Και έπαιζαν ό,τι έπρεπε, κυρίως σε πιο κοινά όργανα - γουέστερν. Εκείνα τα χρόνια, εκτός από τα ακριβά «αρχτοπώματα», η εταιρεία Gibson παρήγαγε ακόμα ένα μεγάλο η παράταξη«καταναλωτικές» λαϊκές κιθάρες. Η κατάσταση στην αγορά ήταν τέτοια που η Gibson ήταν σχεδόν η μόνη εταιρεία που παρήγαγε φθηνές, αλλά υψηλής ποιότητας λαϊκές κιθάρες. Λογικό οι περισσότεροι μπλουζμέν, ελλείψει χρημάτων για κάτι πιο τέλειο, πήραν στα χέρια τους τους Γκίμπσον. Μέχρι τώρα λοιπόν δεν τους έχουν χωρίσει.
Τι έγινε με τις κιθάρες τζαζ; Με την εμφάνιση των pickups, αποδείχθηκε ότι ο ισορροπημένος και καθαρός ήχος αυτού του τύπου οργάνων ταιριάζει καλύτερα στο σύστημα ενίσχυσης εκείνης της εποχής. Αν και η κιθάρα τζαζ δεν μοιάζει σε τίποτα με τη σύγχρονη Fender ή Ibanez, ο Leo Fender πιθανότατα δεν θα είχε δημιουργήσει ποτέ τους Telecasters και Stratocasters του. Παρεμπιπτόντως, αργότερα παιζόταν και ηλεκτρίκ μπλουζ και παίζεται σε όργανα τζαζ με πικ απ, απλώς μειώθηκε το πάχος του σώματος σε αυτά. Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα αυτού είναι ο B.B. King και η διάσημη κιθάρα του Lussil, που πολλοί σήμερα θεωρούν το πρότυπο ηλεκτρικής κιθάρας blues.
Τα πρώτα γνωστά πειράματα με την ενίσχυση ενός ήχου κιθάρας με ηλεκτρισμό χρονολογούνται από το 1923, όταν ο μηχανικός και εφευρέτης Lloyd Loar εφηύρε ένα ηλεκτροστατικό pickup που κατέγραφε τους κραδασμούς του κιβωτίου αντηχείου των έγχορδων οργάνων.
Το 1931, ο Georges Beauchamp και ο Adolph Rickenbacker ανακάλυψαν ένα ηλεκτρομαγνητικό pickup στο οποίο ένας ηλεκτρικός παλμός διέτρεχε την περιέλιξη ενός μαγνήτη, δημιουργώντας ένα ηλεκτρομαγνητικό πεδίο στο οποίο ενισχύθηκε το σήμα από μια δονούμενη χορδή. Προς τα τέλη της δεκαετίας του 1930, πολλοί πειραματιστές άρχισαν να ενσωματώνουν pickups σε πιο παραδοσιακές ισπανικές κιθάρες με κούφιο σώμα. Λοιπόν, η πιο ριζοσπαστική επιλογή προτάθηκε από τον κιθαρίστα και μηχανικό Les Paul (Les Paul) - απλά έκανε το soundboard για την κιθάρα μονολιθική.
Ήταν φτιαγμένο από ξύλο και ονομαζόταν απλά - "Bar" (The Log). Με ένα συμπαγές ή σχεδόν συμπαγές κομμάτι, άλλοι μηχανικοί άρχισαν να πειραματίζονται. Από τη δεκαετία του '40 του ΧΧ αιώνα, τόσο μεμονωμένοι λάτρεις όσο και μεγάλες εταιρείες το έχουν κάνει με επιτυχία.
Η αγορά των κατασκευαστών κιθάρας συνεχίζει να αναπτύσσεται ενεργά, επεκτείνοντας συνεχώς τη γκάμα. Και αν οι προηγούμενες "trendsetters" ήταν αποκλειστικά Αμερικανοί, τώρα η Yamaha, η Ibanez και άλλες ιαπωνικές εταιρείες καταλαμβάνουν σταθερά ηγετικές θέσεις, κάνοντας τόσο τα μοντέλα τους όσο και εξαιρετικά αντίγραφα διάσημων κιθάρων μεταξύ των κορυφαίων στην παραγωγή.
Ξεχωριστή θέση κατέχει η κιθάρα -και πρωτίστως ηλεκτρισμένη- στη ροκ μουσική. Ωστόσο, σχεδόν όλοι οι καλύτεροι ροκ κιθαρίστες ξεπερνούν το στυλ της ροκ μουσικής, αποτίοντας μεγάλο φόρο τιμής στην τζαζ, και ορισμένοι μουσικοί έχουν σπάσει τελείως τη ροκ. Δεν υπάρχει τίποτα περίεργο σε αυτό, αφού οι καλύτερες παραδόσεις στο παίξιμο της κιθάρας συγκεντρώνονται στην τζαζ.
Ένα πολύ σημαντικό σημείο εφιστάται στην προσοχή του Joe Pass, ο οποίος, στη γνωστή του σχολή τζαζ, γράφει: «Οι κλασικοί κιθαρίστες είχαν αρκετούς αιώνες για να αναπτύξουν μια οργανική, συνεπή προσέγγιση στην απόδοση - τη «σωστή» μέθοδο. Η κιθάρα τζαζ, η κιθάρα plectrum, εμφανίστηκε μόνο στον αιώνα μας, και η ηλεκτρική κιθάρα είναι ακόμα ένα τόσο νέο φαινόμενο που μόλις αρχίζουμε να κατανοούμε τις δυνατότητές της ως ένα πλήρες μουσικό όργανο. Σε τέτοιες συνθήκες, η συσσωρευμένη εμπειρία, οι παραδόσεις της τζαζ μαεστρίας στην κιθάρα, έχουν ιδιαίτερη σημασία.
Ήδη στην πρώιμη μορφή του μπλουζ, "αρχαϊκό" ή "αγροτικό", που συχνά αποκαλείται και ο αγγλικός όρος "country blues" (country blues), διαμορφώθηκαν τα κύρια στοιχεία της τεχνικής της κιθάρας, τα οποία καθόρισαν την περαιτέρω ανάπτυξή της. Ξεχωριστές τεχνικές των κιθαριστών μπλουζ έγιναν αργότερα η βάση για το σχηματισμό των επόμενων στυλ.
Οι παλαιότερες ηχογραφήσεις κάντρι μπλουζ χρονολογούνται στα μέσα της δεκαετίας του '20, αλλά υπάρχει κάθε λόγος να πιστεύουμε ότι, στην ουσία, δεν διαφέρει σχεδόν καθόλου από το αρχικό στυλ που διαμορφώθηκε μεταξύ των μαύρων των νότιων πολιτειών (Τέξας, Λουιζιάνα, Αλαμπάμα, κ.λπ.) πίσω στη δεκαετία του 70-80 του XIX αιώνα.
Ανάμεσα στους εξαιρετικούς τραγουδιστές-κιθαρίστες αυτού του στυλ είναι ο Blind Lemon Jefferson (1897-1930), ο οποίος άσκησε αξιοσημείωτη επιρροή σε πολλούς μουσικούς μιας μεταγενέστερης περιόδου, και όχι μόνο του μπλουζ. Ένας λαμπρός δεξιοτέχνης του ράγκταιμ και των μπλουζ κιθάρας ήταν ο Blind Blake (Blind Blake, 1895 -1931), πολλές από τις ηχογραφήσεις του οποίου εξακολουθούν να εκπλήσσουν με την εξαιρετική τεχνική και την εφευρετικότητα των αυτοσχεδιασμών. Ο Blake δικαίως θεωρείται ένας από τους εμπνευστές της χρήσης της κιθάρας ως σόλο οργάνου. Ο Huddie Leadbetter, κοινώς γνωστός ως Leadbelly (1888-1949) ονομαζόταν κάποτε «ο βασιλιάς της δωδεκάχορδης κιθάρας». Μερικές φορές έπαιζε σε ντουέτο με τον Τζέφερσον, αν και ήταν κατώτερος από αυτόν ως ερμηνευτής. Ο Leadbelly εισήγαγε χαρακτηριστικές φιγούρες μπάσου στη συνοδεία - το "περιπλανώμενο μπάσο", το οποίο αργότερα θα χρησιμοποιηθεί ευρέως στη τζαζ.
Ξεχωρίζει ανάμεσα στους κιθαρίστες της country-blues Lonnie Johnson (Lonnie Johnson, 1889-1970), βιρτουόζος μουσικός, πολύ κοντά στην τζαζ. Ηχογράφησαν εξαιρετικά μπλουζ χωρίς φωνητικά και συχνά έπαιζε ως διαμεσολαβητής, επιδεικνύοντας όχι μόνο εξαιρετική τεχνική, αλλά και εξαιρετικές δεξιότητες αυτοσχεδιασμού.
Ένα από τα χαρακτηριστικά της περιόδου του Σικάγο στην ανάπτυξη της παραδοσιακής τζαζ, που έγινε μεταβατική στο swing, ήταν η αντικατάσταση των οργάνων: αντί για κορνέ, τούμπα και μπάντζο, ήρθαν στο προσκήνιο η τρομπέτα, το κοντραμπάσο και η κιθάρα.
Μεταξύ των λόγων για αυτό ήταν η εμφάνιση μικροφώνων και η μέθοδος ηλεκτρομηχανικής ηχογράφησης: η κιθάρα τελικά ακούστηκε πλήρως στους δίσκους. Ένα σημαντικό χαρακτηριστικό της τζαζ του Σικάγο ήταν ο αυξημένος ρόλος του σόλο αυτοσχεδιασμού. Ήταν εδώ που έλαβε χώρα μια σημαντική στροφή στη μοίρα της κιθάρας: γίνεται ένα πλήρες σόλο όργανο.
Αυτό οφείλεται στο όνομα του Eddie Lang (Eddie Lang, πραγματικό όνομα - Salvador Massaro), ο οποίος εισήγαγε στην κιθάρα παίζοντας πολλές τεχνικές τζαζ τυπικές άλλων οργάνων - ειδικότερα, το χαρακτηριστικό φράσεων των πνευστών. Ο Έντι Λανγκ δημιούργησε επίσης αυτό το στυλ τζαζ ως διαμεσολαβητής, το οποίο αργότερα έγινε κυρίαρχο. Πρώτα χρησιμοποίησε μια κιθάρα plectrum - μια ειδική κιθάρα για να παίζει τζαζ, η οποία διέφερε από τη συνηθισμένη ισπανική απουσία στρογγυλής ροζέτας. Αντ 'αυτού, στο κατάστρωμα εμφανίστηκαν efs, παρόμοια με εκείνα του βιολιού, και ένα αφαιρούμενο πάνελ-ασπίδα που προστατεύει από χτυπήματα από την λαβή. Παίζοντας Eddie Lang στο σύνολο διακρίθηκε από μια δυνατή παραγωγή ήχου. Συχνά χρησιμοποιούσε περαστικούς ήχους, χρωματικές ακολουθίες. μερικές φορές άλλαζε τη γωνία του πλέγματος σε σχέση με την ταστιέρα, πετυχαίνοντας έτσι έναν συγκεκριμένο ήχο.
Χαρακτηριστικό του τρόπου του Λανγκ είναι οι συγχορδίες με σίγαση χορδών, οι σκληροί τόνοι, οι παράλληλες μη συγχορδίες, οι κλίμακες ολόκληρων τόνων, το ιδιόρρυθμο γλισσάντο, οι τεχνητές αρμονικές, οι επαυξημένες προόδους συγχορδιών και η χάλκινη φρασεολογία. Μπορούμε να πούμε ότι ήταν κάτω από την επιρροή του Eddie Lang που πολλοί κιθαρίστες άρχισαν να δίνουν περισσότερη προσοχή στις νότες του μπάσου στις συγχορδίες και, ει δυνατόν, να επιτύχουν καλύτερη φωνητική οδήγηση. Η εφεύρεση της ηλεκτρικής κιθάρας ήταν η ώθηση για την εμφάνιση νέων σχολών και τάσεων κιθάρας. Ιδρύθηκαν από δύο κιθαρίστες της τζαζ: τον Charlie Christian στην Αμερική και τον Django Reinhardt.
(Django Reinhardt) στην Ευρώπη
Στο βιβλίο του «From Reg to Rock», ο διάσημος Γερμανός κριτικός I. Berendt γράφει: «Για έναν σύγχρονο μουσικό της τζαζ, η ιστορία της κιθάρας ξεκινά με τον Charlie Christian. Κατά τη διάρκεια των δύο χρόνων στην τζαζ σκηνή, έφερε επανάσταση στο παίξιμο της κιθάρας του. Φυσικά, υπήρχαν κιθαρίστες πριν από αυτόν, αλλά φαίνεται, ωστόσο, ότι η κιθάρα που έπαιζε πριν από τον Christian και αυτή που ακουγόταν μετά από αυτόν είναι δύο διαφορετικά όργανα».
Ο Τσάρλι έπαιζε με μια δεξιοτεχνία που φαινόταν απλώς ανέφικτη στους συγχρόνους του. Με την άφιξή του, η κιθάρα έγινε ισότιμο μέλος των τζαζ συνόλων. Ήταν ο πρώτος που εισήγαγε ένα σόλο κιθάρας ως τρίτη φωνή σε ένα σύνολο με τρομπέτα και τενόρο σαξόφωνο, απελευθερώνοντας το όργανο από τις καθαρά ρυθμικές λειτουργίες στην ορχήστρα. Πριν από άλλους, ο C. Christian συνειδητοποίησε ότι η τεχνική της ηλεκτρικής κιθάρας διαφέρει σημαντικά από τις μεθόδους παιξίματος της ακουστικής. Σε αρμονία, πειραματίστηκε με αυξημένες και μειωμένες συγχορδίες, επινόησε νέα ρυθμικά μοτίβα για τις καλύτερες μελωδίες της τζαζ (αειθαλής). Σε αποσπάσματα, χρησιμοποιούσε συχνά πρόσθετα σε έβδομες συγχορδίες, εντυπωσιάζοντας τους ακροατές με μελωδική και ρυθμική εφευρετικότητα. Ήταν ο πρώτος που ανέπτυξε τους αυτοσχεδιασμούς του, βασιζόμενος όχι στην αρμονία του θέματος, αλλά σε περαστικές συγχορδίες, τις οποίες τοποθέτησε ανάμεσα στις κύριες. Στη μελωδική σφαίρα χαρακτηρίζεται από τη χρήση του legato αντί του σκληρού staccato.
Η ερμηνεία του C. Christian διακρινόταν πάντα για την εξαιρετική εκφραστική του δύναμη, σε συνδυασμό με την έντονη αιώρηση. Οι θεωρητικοί της τζαζ υποστηρίζουν ότι με το παίξιμό του περίμενε την εμφάνιση ενός νέου τζαζ στυλ bebop (be-bop) και ήταν ένας από τους δημιουργούς του.
Ταυτόχρονα με τον Christian, ένας εξίσου εξαιρετικός κιθαρίστας της τζαζ Django Reinhardt έλαμψε στο Παρίσι. Ο Τσάρλι Κρίστιαν, ενώ έπαιζε ακόμα σε κλαμπ στην Οκλαχόμα, θαύμαζε τον Τζάνγκο και συχνά επαναλάμβανε τα σόλο του που ηχογραφήθηκαν σε δίσκους, αν και αυτοί οι μουσικοί διέφεραν έντονα μεταξύ τους στον τρόπο παιχνιδιού. Πολλοί γνωστοί μουσικολόγοι και καλλιτέχνες της τζαζ μίλησαν για τη συμβολή του Django στην ανάπτυξη του στυλ τζαζ στο παίξιμο κιθάρας και τη μαεστρία του. Σύμφωνα με τον D. Ellington, «ο Django είναι ένας σούπερ καλλιτέχνης. Κάθε νότα που παίρνει είναι ένας θησαυρός, κάθε συγχορδία είναι απόδειξη του ακλόνητου γούστου του.
Ο Django διέφερε από τους άλλους κιθαρίστες στον εκφραστικό, τον πλούσιο ήχο και το ιδιόμορφο στυλ παιχνιδιού του, με μεγάλους ρυθμούς μετά από πολλά μέτρα, ξαφνικά γρήγορα περάσματα, σταθερό και έντονα τονισμένο ρυθμό. Σε στιγμές κορύφωσης, έπαιζε συχνά σε οκτάβες.
Αυτό το είδος τεχνικής δανείστηκε από τον C. Christian, και δώδεκα χρόνια αργότερα - από τον W. Montgomery. Σε γρήγορα κομμάτια, μπόρεσε να δημιουργήσει τέτοια φωτιά και πίεση, που προηγουμένως είχε βρεθεί μόνο στην απόδοση σε πνευστά. Στα αργά, ήταν επιρρεπής στο preluding, και στη ραψωδία, κοντά στους Negro blues. Ο Django δεν ήταν μόνο ένας εξαιρετικός βιρτουόζος σολίστ, αλλά και ένας εξαιρετικός συνοδός. Ήταν μπροστά από πολλούς από τους συγχρόνους του στη χρήση δευτερευόντων έβδομων συγχορδιών, μειωμένων, επαυξημένων και άλλων περαστικών συγχορδιών. Ο Django έδωσε μεγάλη προσοχή στην αρμονία των αρμονικών σχημάτων των κομματιών, τονίζοντας συχνά ότι αν όλα είναι σωστά και λογικά στις σεκάνς συγχορδιών, τότε η μελωδία θα κυλήσει από μόνη της.
Ως συνοδός χρησιμοποιούσε συχνά συγχορδίες που μιμούνταν τον ήχο του χάλκινου τμήματος. Η συμβολή του Charlie Christian και του Django Reinhardt στην ιστορία της τζαζ κιθάρας είναι ανεκτίμητη. Αυτοί οι δύο εξαιρετικοί μουσικοί έδειξαν τις ανεξάντλητες δυνατότητες του οργάνου σας όχι μόνο στη συνοδεία, αλλά και στο σόλο αυτοσχεδιασμού, προκαθόρισαν τις κύριες κατευθύνσεις ανάπτυξης της τεχνικής της ηλεκτρικής κιθάρας για πολλά χρόνια ακόμα.
Ο αυξημένος ρόλος της κιθάρας ως σόλο οργάνου οδήγησε στην λαχτάρα των ερμηνευτών να παίξουν σε μικρά σύνολα (combos). Εδώ ο κιθαρίστας ένιωθε σαν ένα πλήρες μέλος του συνόλου, εκτελώντας τις λειτουργίες τόσο του συνοδηγού όσο και του σολίστ. Η δημοτικότητα της κιθάρας επεκτεινόταν καθημερινά, εμφανίζονταν όλο και περισσότεροι ταλαντούχοι κιθαρίστες της τζαζ και ο αριθμός των μεγάλων συγκροτημάτων παρέμενε περιορισμένος. Επιπλέον, πολλοί ηγέτες και διασκευαστές μεγάλων ορχήστρων δεν εισήγαγαν πάντα την κιθάρα στο τμήμα ρυθμού. Αρκεί να πούμε, για παράδειγμα,
Ο Duke Ellington, που δεν του άρεσε να συνδυάζει τον ήχο κιθάρας και πιάνου στη συνοδεία. Ωστόσο, μερικές φορές η «μηχανική» δουλειά, που χρησιμεύει για τη διατήρηση του ρυθμού σε μια μεγάλη μπάντα, μετατρέπεται σε μια γνήσια τζαζ τέχνη. Μιλάμε για έναν από τους κορυφαίους εκπροσώπους του στυλ χορδών-ρυθμού της κιθάρας που παίζει τον Freddie Green.
Μια βιρτουόζικη τεχνική χορδής, μια υπέροχη αίσθηση αιώρησης, ένα λεπτό μουσικό γούστο διακρίνουν το παίξιμό του. Σχεδόν ποτέ δεν έπαιζε σόλο, αλλά ταυτόχρονα συχνά συγκρίθηκε με ρυμουλκό, που συνεπαγόταν ολόκληρη την ορχήστρα.
Είναι ο Freddie Green που, σε μεγάλο βαθμό, οφείλει στη μεγάλη μπάντα του Count Basie μια ασυνήθιστη συμπαγή ρυθμική ενότητα, χειραφέτηση και συνοπτικότητα του παιχνιδιού. Αυτός ο δάσκαλος άσκησε μεγάλη επιρροή στους κιθαρίστες που προτιμούν τη συνοδεία και τον χορδικό αυτοσχεδιασμό από το παιχνίδι των μεγάλων περασμάτων και των μονοφωνικών αυτοσχεδιασμών. Το έργο των Τσάρλι Κρίστιαν, Τζάνγκο και Φρέντι Γκριν σχηματίζει, λες, τρία κλαδιά του οικογενειακού δέντρου της κιθάρας της τζαζ. Ωστόσο, πρέπει να αναφερθεί μια ακόμη σκηνοθεσία, η οποία στάθηκε κάπως ξεχωριστή, αλλά στην εποχή μας κερδίζει όλο και μεγαλύτερη αναγνώριση και διανομή.
Γεγονός είναι ότι δεν βρήκαν όλοι οι κιθαρίστες αποδεκτό το στυλ του Ch. Christian, στα χέρια του οποίου η κιθάρα απέκτησε τον ήχο των πνευστών (δεν είναι τυχαίο που πολλοί, ακούγοντας τις ηχογραφήσεις του Charlie Christian, παρέκαμψαν τη φωνή της κιθάρας του με σαξόφωνο). Πρώτα από όλα, το στυλ του ήταν αδύνατο για όσους έπαιζαν δάχτυλα σε ακουστικές κιθάρες.
Πολλές από τις τεχνικές που ανέπτυξε ο C. Christian (μακρύ legato, μακριές γραμμές αυτοσχεδιασμού χωρίς αρμονική υποστήριξη, σταθερές νότες, κάμψεις, σπάνια χρήση ανοιχτών χορδών κ.λπ.) ήταν αναποτελεσματικές γι' αυτούς, ειδικά όταν έπαιζαν όργανα με νάιλον χορδές. Επιπλέον, εμφανίστηκαν κιθαρίστες που συνδύασαν με δημιουργικό τρόπο το κλασικό, το παίξιμο κιθάρας, το φλαμένκο και στοιχεία της λατινοαμερικανικής μουσικής με την τζαζ. Αυτοί περιλαμβάνουν κυρίως δύο εξέχοντες μουσικούς της τζαζ: τον Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) και τον Charlie Byrd (Charlie Byrd), των οποίων η δουλειά έχει επηρεάσει πολλούς κιθαρίστες κλασσικό, καταδεικνύοντας στην πράξη τις απεριόριστες δυνατότητες της ακουστικής κιθάρας. Δικαιολογημένα, μπορούν να θεωρηθούν οι ιδρυτές του στυλ «κλασική κιθάρα στην τζαζ».
Ο νέγρος κιθαρίστας Wes John Leslie Montgomery είναι ένας από τους πιο λαμπρούς μουσικούς που εμφανίστηκαν στη σκηνή της τζαζ από τον C. Christian. Γεννήθηκε το 1925 στην Ινδιανάπολη. Ενδιαφέρθηκε για την κιθάρα μόλις σε ηλικία 19 ετών υπό την επιρροή των δίσκων του Charlie Christian και τον ενθουσιασμό των αδελφών του Buddy και Monk, που έπαιζαν πιάνο και κοντραμπάσο στην ορχήστρα του διάσημου βιμπραφωνίστα Lionel Hampton. Κατάφερε να επιτύχει έναν ασυνήθιστα ζεστό, «βελούδινο» ήχο (χρησιμοποιώντας τον αντίχειρα του δεξιού του χεριού αντί για επιλογή) και ανέπτυξε την τεχνική της οκτάβας σε τέτοιο βαθμό που ερμήνευσε ολόκληρα αυτοσχεδιαστικά ρεφρέν σε οκτάβες με εκπληκτική ευκολία και καθαρότητα, συχνά σε αρκετά γρήγοροι ρυθμοί. Η δεξιοτεχνία του εντυπωσίασε τόσο πολύ τους συντρόφους που χαριτολογώντας έδωσαν το παρατσούκλι του Γουές «Κύριος Οκτάβ». Ο πρώτος δίσκος με την ηχογράφηση του W. Montgomery κυκλοφόρησε το 1959 και έφερε αμέσως στον κιθαρίστα επιτυχία και ευρεία αναγνώριση. Οι λάτρεις της τζαζ συγκλονίστηκαν από τη δεξιοτεχνία του παιξίματός του, την εκλεπτυσμένη και συγκρατημένη άρθρωση, τη μελωδικότητα των αυτοσχεδιασμών, τη συνεχή αίσθηση των μπλουζ επιτονισμών και τη ζωηρή αίσθηση του ρυθμού του swing. Ο συνδυασμός μιας σόλο ηλεκτρικής κιθάρας του Wes Montgomery με τον ήχο μιας μεγάλης ορχήστρας, συμπεριλαμβανομένου ενός συγκροτήματος εγχόρδων, είναι πολύ ενδιαφέρον.
Οι περισσότεροι από τους μετέπειτα κιθαρίστες της τζαζ - συμπεριλαμβανομένων διάσημων μουσικών όπως ο Jim Hall, ο Joe Pass, ο John McLaughlin, ο George Benson, ο Larry Coryell - αναγνώρισαν τη μεγάλη επιρροή του Wes Montgomery στη δουλειά τους. Ήδη στη δεκαετία του '40, τα πρότυπα που αναπτύχθηκαν από το swing έπαψαν να ικανοποιούν πολλούς μουσικούς. Καθιερωμένα κλισέ στην αρμονία της φόρμας του τραγουδιού, το λεξιλόγιο, που συχνά περιορίζεται σε άμεσες αναφορές εξαιρετικών δασκάλων της τζαζ, η ρυθμική μονοτονία και η χρήση του swing στην εμπορική μουσική έγιναν τροχοπέδη στον δρόμο. περαιτέρω ανάπτυξηείδος. Μετά τη «χρυσή περίοδο» του swing, ήρθε η ώρα να αναζητήσετε νέες, πιο προηγμένες φόρμες. Αναδύονται όλο και περισσότερες νέες κατευθύνσεις, που κατά κανόνα ενώνουν κοινά όνομα - σύγχρονοτζαζ (Modern Jazz). Περιλαμβάνει bebop ("jazz-staccato"), hard bop, progressive, cool, τρίτο ρεύμα, bossa nova και αφρο-κουβανέζικη τζαζ, modal jazz, jazz-rock, free jazz, fusion και μερικά άλλα: Τέτοια ποικιλομορφία, αμοιβαία επιρροή και Η αμοιβαία διείσδυση διαφορετικών ρευμάτων περιπλέκει την ανάλυση της δουλειάς μεμονωμένων μουσικών, ειδικά επειδή πολλοί από αυτούς έπαιζαν κάποτε με διάφορους τρόπους. Έτσι, για παράδειγμα, στις ηχογραφήσεις του Ch. Byrd μπορεί κανείς να βρει boss nova, blues, swung θέματα, διασκευές κλασικών και country rock και πολλά άλλα. Στο παιχνίδι του B. Kessel - swing, bebop, bossa nova, στοιχεία modal jazz κ.λπ. Είναι χαρακτηριστικό ότι οι ίδιοι οι κιθαρίστες της τζαζ αντιδρούν συχνά πολύ έντονα στις προσπάθειες να τους χαρακτηρίσουν ως τη μία ή την άλλη τζαζ σκηνοθεσία, θεωρώντας αυτή μια πρωτόγονη προσέγγιση για την αξιολόγηση της δουλειάς τους. Τέτοιες δηλώσεις μπορούν να βρεθούν στους Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin και άλλους.
2 .2 Κύριοςκατευθύνσειςποπ-τζαζεκτέλεση60-70 - Χχρόνια
Κι όμως, σύμφωνα με έναν από τους κριτικούς της τζαζ, τον I. Berendt, στα πρόθυρα των δεκαετιών 60-70, έχουν αναπτυχθεί τέσσερις βασικές κατευθύνσεις στη σύγχρονη κιθάρα: 1) mainstream (main stream). 2) τζαζ-ροκ? 3) σκηνοθεσία μπλουζ? 4) βράχος. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι του mainstream μπορούν να θεωρηθούν οι Jim Hall, Kenny Burrell και Joe Pass. Ο Τζιμ Χολ, ο «ποιητής της τζαζ» όπως τον αποκαλούν συχνά, είναι γνωστός και αγαπητός στο κοινό από τα τέλη της δεκαετίας του '50 και μέχρι σήμερα.
Ο "βιρτουόζος της κιθάρας της τζαζ" ονομάζεται Joe Pass (Joe Pass, πλήρες όνομα Joseph Anthony Jacoby Passalaqua). Οι κριτικοί τον βάζουν στο ίδιο επίπεδο με μουσικούς όπως ο Oscar Peterson, η Ella Fitzgerald και ο Barney Kessel. Οι δίσκοι του ντουέτου με την Έλα Φιτζέραλντ και τον Χερμπ Έλις, το τρίο με τον Όσκαρ Πίτερσον και τον μπασίστα Νιλς Πέντερσον και ιδιαίτερα οι σόλο δίσκοι του «Joe Pass the Virtuoso» γνωρίζουν μεγάλη επιτυχία. Ο Joe Pass ήταν ένας από τους πιο ενδιαφέροντες και ευέλικτους κιθαρίστες της τζαζ στην παράδοση των Jacgo Reinhardt, Charlie Christian και Wes Montgomery. Η δουλειά του είναι ελάχιστα επηρεασμένη από τις νέες τάσεις της σύγχρονης τζαζ: προτιμούσε το bebop. Παράλληλα με τις συναυλιακές δραστηριότητες, ο Joe Pass δίδαξε πολλά και με επιτυχία, δημοσίευσε μεθοδολογικές εργασίες, μεταξύ των οποίων ξεχωριστή θέση κατέχει η σχολή του "Joe Pass Guitar Style" "2E
Ωστόσο, δεν είναι όλοι οι κιθαρίστες της τζαζ τόσο αφοσιωμένοι στο «mainstream». Μεταξύ των εξαιρετικών μουσικών που έλκονται προς το νέο στην ανάπτυξη της τζαζ, πρέπει να σημειωθούν οι George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola. Ο Μεξικανός μουσικός Carlos Santana (Carlos Santana, γεννημένος το 1947) παίζει στο ύφος του "Latin rock", βασισμένος στην απόδοση λατινοαμερικανικών ρυθμών (σάμπα, ρούμπα, σάλσα κ.λπ.) με βραχώδη τρόπο, σε συνδυασμό με στοιχεία φλαμένκο .
Ο Τζορτζ Μπένσον γεννήθηκε το 1943 στο Πίτσμπουργκ και ως παιδί τραγουδούσε μπλουζ και έπαιζε κιθάρα και μπάντζο. Σε ηλικία 15 ετών, ο Γιώργος έλαβε ως δώρο μια μικρή ηλεκτρική κιθάρα και στα 17 του, αφού αποφοίτησε από το σχολείο, δημιούργησε ένα μικρό ροκ εν ρολ συγκρότημα στο οποίο τραγουδούσε και έπαιζε. Ένα χρόνο αργότερα, ο τζαζ οργανίστας Jack McDuff έφτασε στο Πίτσμπουργκ. Σήμερα, ορισμένοι ειδικοί θεωρούν ότι οι πρώτες του ηχογραφήσεις με τον Jack McDuff είναι οι καλύτερες σε ολόκληρη τη δισκογραφία του Benson. Ο Μπένσον επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από το έργο των Django Reinhardt και Wes Montgomery, ειδικά από την τεχνική του τελευταίου.
Ανάμεσα στη νέα γενιά κιθαριστών που παίζουν τζαζ-ροκ και αναπτύσσουν ένα σχετικά νέο στυλ τζαζ - fusion, ξεχωρίζει ο Ol di Meola (AI di Meola). Το πάθος του νεαρού μουσικού για την τζαζ κιθάρα ξεκίνησε με την ακρόαση μιας ηχογράφησης ενός τρίο με τον Larry Coryell (ο οποίος, κατά σύμπτωση, ο Al di Meola αντικατέστησε στην ίδια σύνθεση λίγα χρόνια αργότερα). Ήδη στα 17 του συμμετέχει σε ηχογραφήσεις με Chikom Corea. Ο Ol di Meola παίζει με μαεστρία την κιθάρα - τόσο με τα δάχτυλά του όσο και με ένα πλεκτό. Το εγχειρίδιο «Χαρακτηριστικές μέθοδοι παιξίματος κιθάρας από μεσολαβητή» που έγραψε ο ίδιος εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από τους ειδικούς.
Στους καινοτόμους της εποχής μας συγκαταλέγεται και ο ταλαντούχος κιθαρίστας Larry Coryell, ο οποίος πέρασε δύσκολα δημιουργικό τρόπο-- από το πάθος για το ροκ εν ρολ έως τις νεότερες τάσεις στη σύγχρονη τζαζ μουσική.
Στην πραγματικότητα, μετά τον Django, μόνο ένας Ευρωπαίος κιθαρίστας πέτυχε άνευ όρων αναγνώριση σε όλο τον κόσμο και επηρέασε την ανάπτυξη της τζαζ γενικά - ο Άγγλος John McLaughlin. Η ακμή του ταλέντου του πέφτει στο πρώτο μισό της δεκαετίας του '70 του εικοστού αιώνα - μια περίοδος όπου η τζαζ διεύρυνε γρήγορα τα στιλιστικά της όρια, συγχωνεύοντας με τη ροκ μουσική, τους πειραματισμούς στην ηλεκτρονική και την avant-garde μουσική και διάφορες λαϊκές μουσικές παραδόσεις. Δεν είναι τυχαίο ότι όχι μόνο οι λάτρεις της τζαζ θεωρούν τον McLaughlin «δικό τους»: θα βρούμε το όνομά του σε οποιαδήποτε εγκυκλοπαίδεια ροκ μουσικής. Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, ο ΜακΛάφλιν οργάνωσε την ορχήστρα Mahavishnu (Μεγάλος Βισνού). Εκτός από πλήκτρα, κιθάρα, ντραμς και μπάσο, εισήγαγε το βιολί στη σύνθεσή του. Με αυτή την ορχήστρα, ο κιθαρίστας ηχογράφησε μια σειρά από δίσκους, οι οποίοι έγιναν δεκτοί με ενθουσιασμό από το κοινό. Οι κριτές σημειώνουν τη δεξιοτεχνία του McLaughlin, την καινοτομία στη διασκευή, τη φρεσκάδα του ήχου, λόγω της χρήσης στοιχείων της ινδικής μουσικής. Αλλά το κυριότερο είναι ότι η εμφάνιση αυτών των δίσκων σηματοδοτεί την καθιέρωση και την ανάπτυξη μιας νέας τάσης της τζαζ: της τζαζ-ροκ.
Προς το παρόν, έχουν εμφανιστεί πολλοί εξαιρετικοί κιθαρίστες που συνεχίζουν και αυξάνουν τις παραδόσεις των δασκάλων του παρελθόντος. Μεγάλη σημασία για την παγκόσμια ποπ-τζαζ κουλτούρα είναι το έργο του πιο διάσημου μαθητή του Jimm Hall - Pat Mattini. Οι καινοτόμες ιδέες του έχουν εμπλουτίσει πολύ τη μελωδική-αρμονική γλώσσα της σύγχρονης ποπ μουσικής. Θα ήθελα επίσης να σημειώσω τις λαμπρές εκτελεστικές και διδακτικές δραστηριότητες των Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, μαθητή του Joe Pass, Lee Ritenour και πολλών άλλων.
Όσο για την ανάπτυξη της τέχνης του παιξίματος της ποπ-τζαζ (ηλεκτρικής και ακουστικής) κιθάρας στη χώρα μας, δεν θα ήταν δυνατή χωρίς την πολυετή επιτυχή εκπαιδευτική και εκπαιδευτική δουλειά των V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov. , A. Vinitsky, καθώς και οι οπαδοί τους S. Popov, I. Boyko και άλλοι. Μεγάλη σημασία έχει η συναυλιακή-εκτελεστική δραστηριότητα τέτοιων μουσικών όπως οι: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk και πολλοί άλλοι. Έχοντας περάσει από το blues στο jazz-rock, η κιθάρα όχι μόνο δεν εξάντλησε τις δυνατότητές της, αλλά, αντίθετα, κέρδισε ηγετική θέση σε πολλές νέες κατευθύνσεις της τζαζ. Τα επιτεύγματα στον τομέα των τεχνικών ακουστικής και ηλεκτρισμένης κιθάρας, η χρήση ηλεκτρονικών, η συμπερίληψη στοιχείων φλαμένκο, κλασικού στυλ κ.λπ. δίνουν λόγο να θεωρηθεί η κιθάρα ένα από τα κορυφαία όργανα αυτού του είδους μουσικής. Γι' αυτό είναι τόσο σημαντικό για τη νέα γενιά μουσικών να μελετήσει την εμπειρία των προκατόχων της - τζαζ κιθαρίστες. Μόνο σε αυτή τη βάση είναι δυνατό να αναζητήσετε ένα ατομικό στυλ παιχνιδιού, τρόπους αυτοβελτίωσης και περαιτέρω ανάπτυξη της κιθάρας pop-jazz
συμπεράσματα
Στην εποχή μας, το θέμα της ανάπτυξης δεξιοτήτων εκτέλεσης σε μια κιθάρα 6 χορδών παραμένει επίκαιρο, καθώς αυτή τη στιγμή υπάρχουν πολλές σχολές και συστήματα εκπαίδευσης. Περιλαμβάνουν διαφορετικές κατευθύνσεις, από την κλασική σχολή του παιχνιδιού, μέχρι τις σχολές τζαζ, λάτιν, μπλουζ.
Στην ανάπτυξη της στιλιστικής της τζαζ, πολύ σημαντικό ρόλο παίζει μια συγκεκριμένη οργανική τεχνική, η οποία είναι χαρακτηριστική της τζαζ χρήσης του οργάνου και των εκφραστικών του δυνατοτήτων - μελωδική, αντονική, ρυθμική, αρμονική κ.λπ. Τα μπλουζ έπαιξαν σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση της τζαζ. Με τη σειρά του, «ένας από τους καθοριστικούς παράγοντες στην αποκρυστάλλωση των μπλουζ από προγενέστερους και λιγότερο επισημοποιημένους τύπους της νέγρικης λαογραφίας ήταν η «ανακάλυψη» της κιθάρας σε αυτό το μέσο».
Η ιστορία της ανάπτυξης της κιθάρας γνωρίζει πολλά ονόματα κιθαριστών-δασκάλων, συνθετών και ερμηνευτών που δημιούργησαν πολυάριθμα διδακτικά βοηθήματα για την εκμάθηση της κιθάρας, πολλά από τα οποία σχετίζονται άμεσα ή έμμεσα με το πρόβλημα της ανάπτυξης της δαχτυλικής σκέψης.
Πράγματι, στην εποχή μας, η έννοια του κιθαρίστα περιλαμβάνει γνώση και των δύο κύριων κλασικών τεχνικών, τόσο της βάσης, όσο και της ικανότητας και κατανόησης του στυλ που συνοδεύει τη λειτουργία, την ικανότητα να παίζεις και να αυτοσχεδιάζεις σε ψηφιακό, όλες τις λεπτές αποχρώσεις και χαρακτηριστικά της σκέψης μπλουζ και τζαζ.
Δυστυχώς, σε Πρόσφατατα ΜΜΕ δίνουν πολύ μικρή επιρροή όχι μόνο σε σοβαρά κλασικά, αλλά και μη εμπορικά είδη ποπ-τζαζ μουσικής
Λίσταμεταχειρισμένοςβιβλιογραφία
1. Bakhmin A.A. Εγχειρίδιο αυτο-οδηγίας για το παίξιμο της εξάχορδης κιθάρας / A.A. Μπαχμίν. Μ.: ASS-κέντρο, 1999.-80 σελ.
2. Boyko I.A. Αυτοσχεδιασμός στην ηλεκτρική κιθάρα. Μέρος 2 "Βασικές αρχές της τεχνικής συγχορδίας" - M.; Hobby Center, 2000-96 σ.;
3. Boyko I.A. Αυτοσχεδιασμός στην ηλεκτρική κιθάρα. Μέρος 3 "Προοδευτική μέθοδος αυτοσχεδιασμού" - M.; Hobby Center, 2001-86 σελ.
4. Boyko I.A. Αυτοσχεδιασμός στην ηλεκτρική κιθάρα. Μέρος 4 "Pentatonic και οι εκφραστικές του δυνατότητες" - M.; Hobby Center, 2001 - 98 σ.; Εγώ θα.
5. Brandt V.K. Βασικές αρχές της τεχνικής ενός κιθαρίστα ποπ συνόλου / Εκπαιδευτικός και μεθοδολογικός οδηγός για μουσικά σχολεία - Μ. 1984 - 56 σελ.
6. Dmitrievsky Yu.V. / Κιθάρα από μπλουζ μέχρι τζαζ-ροκ / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musical Ukraine, 1986. - 96 p.
7. Ivanov-Kramskoy A.M. Σχολή παιξίματος εξάχορδης κιθάρας / Α.Μ. Ivanov-Kramskoy. - Μ.: Σοβ. Συνθέτης, 1975. - 120 σελ.
8. Manilov V.A. Μάθετε να συνοδεύετε στην κιθάρα / V.A. Manilov. - K .: Musical Ukraine, 1986. - 105 p.
9. Pass, D. Guitar style of Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M .: "Guitar College", 2002 - 64 p.; Εγώ θα.
10. Popov, S. Basis / Comp.; "Guitar College" - M.; "Guitar College", 2003 - 127p.;
11. Puhol M. Σχολή παιξίματος εξάχορδης κιθάρας / Per. και το εκδοτικό γραφείο του N. Polikarpov - M.; Κουκουβάγιες. Συνθέτης, 1987 - 184 σελ.
12. Al Di Meola "Τεχνική του παιχνιδιού με έναν διαμεσολαβητή"; Ανά. / Σύνθ. GIDinform
13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; 1971 Αρ. 10 - σελ. 20-31
Φιλοξενείται στο Allbest.ru
...Παρόμοια Έγγραφα
Ανάπτυξη και χρήση αρμονίας και μελωδίας της μουσικής τζαζ στη σύγχρονη ποπ-τζαζ παράσταση και παιδαγωγική. Τζαζ μελωδία σε στυλ be-bop. Πρακτικές συστάσεις για τη βελτιστοποίηση της δουλειάς ενός ποπ τραγουδιστή στο ρεπερτόριο της τζαζ.
διατριβή, προστέθηκε 17/07/2017
Χαρακτηριστικά γραφής, εκτέλεση μελισμάτων σε διαφορετικές χρονικές περιόδους, αιτίες μελισμού. Χρήση μουσική υποδοχήσε φωνητική ποπ-τζαζ απόδοση. Ασκήσεις για την ανάπτυξη λεπτής φωνητικής τεχνικής σε τραγουδιστές.
διατριβή, προστέθηκε 18/11/2013
Χαρακτηριστικά της μουσικής κουλτούρας της Αναγέννησης: η εμφάνιση των μορφών τραγουδιού (madrigal, villancico, frottol) και η ορχηστρική μουσική, η εμφάνιση νέων ειδών (σόλο τραγούδι, καντάτα, ορατόριο, όπερα). Η έννοια και τα κύρια είδη της μουσικής υφής.
περίληψη, προστέθηκε 18/01/2012
Διαμόρφωση της μουσικής ως μορφής τέχνης. Ιστορικά στάδια διαμόρφωσης της μουσικής. Η ιστορία της διαμόρφωσης της μουσικής στις θεατρικές παραστάσεις. Εννοια " μουσικό είδος«.Δραματουργικές λειτουργίες της μουσικής και τα κύρια είδη μουσικών χαρακτηριστικών.
περίληψη, προστέθηκε 23/05/2015
Ο μηχανισμός διαμόρφωσης της κλασικής μουσικής. Η ανάπτυξη της κλασικής μουσικής από το σύστημα του λόγου μουσικές δηλώσεις (εκφράσεις), η διαμόρφωσή τους στα είδη της μουσικής τέχνης (χορωδιακά, καντάτες, όπερα). Η μουσική ως νέα καλλιτεχνική επικοινωνία.
περίληψη, προστέθηκε 25/03/2010
Η γέννηση της παγκόσμιας ροκ κουλτούρας: «country», «rhythm and blues», «rock and roll». Η αυγή της δόξας του ροκ εν ρολ και η παρακμή της. Η εμφάνιση του ροκ στυλ. Ιστορία θρυλικό συγκρότημα"Τα σκαθάρια". Θρυλικοί ροκ σταρ. Οι βασιλιάδες των κιθάρων, ο σχηματισμός του σκληρού ροκ.
περίληψη, προστέθηκε 06/08/2010
Παραδόσεις του λαϊκού πολιτισμού στη μουσική ανατροφή και αγωγή των παιδιών. Το παίξιμο μουσικών οργάνων ως είδος μουσικής δραστηριότητας για παιδιά προσχολικής ηλικίας. Συστάσεις για τη χρήση της οργανικής κουλτούρας για την ανάπτυξη των μουσικών ικανοτήτων των παιδιών.
διατριβή, προστέθηκε 05/08/2010
Η θέση της ροκ μουσικής στη μαζική μουσική κουλτούρα του 20ου αιώνα, η συναισθηματική και ιδεολογική της επίδραση στο νεανικό κοινό. Τρέχουσα θέσηΤο ρωσικό ροκ στο παράδειγμα του έργου του Β. Τσόι: προσωπικότητα και δημιουργικότητα, το μυστήριο ενός πολιτιστικού φαινομένου.
θητεία, προστέθηκε 26/12/2010
Ιδιαιτερότητες της σύγχρονης κοινωνικο-πολιτιστικής κατάστασης που επηρεάζουν τη διαδικασία διαμόρφωσης της μουσικής και αισθητικής κουλτούρας ενός μαθητή, την τεχνολογία της ανάπτυξής της στα μαθήματα μουσικής. Αποτελεσματικές μέθοδοι που συμβάλλουν στην εκπαίδευση της μουσικής κουλτούρας στους εφήβους.
διατριβή, προστέθηκε 07/12/2009
Σύνθεση της Αφρικής και ευρωπαϊκοί πολιτισμοίκαι παραδόσεις. Η ανάπτυξη της τζαζ, η ανάπτυξη νέων ρυθμικών και αρμονικών μοντέλων από μουσικούς και συνθέτες της τζαζ. Η τζαζ στον Νέο Κόσμο. Είδη τζαζ μουσικής και τα κύρια χαρακτηριστικά της. μουσικοί της τζαζΡωσία.
Η απόδοση κιθάρας στη Ρωσία έχει τη δική της μοναδική ιστορία. Ωστόσο, σε αυτό το έργο θα εξετάσουμε μόνο εκείνες τις σελίδες που σχετίζονται άμεσα με την πρακτική του παιξίματος της επτάχορδης κιθάρας και επηρεάζουν τα χαρακτηριστικά που διέπουν τη διαμόρφωση του ρωσικού στυλ κιθάρας.
Η ρωσική σχολή κιθάρας ιδρύθηκε σε μια εποχή που στη Δυτική Ευρώπη η κλασική κιθάρα είχε ήδη δηλωθεί ως ανεξάρτητο όργανο σόλο συναυλιών. Ήταν ιδιαίτερα δημοφιλής στην Ιταλία. Ισπανία. Εμφανίστηκε ένας αριθμός ερμηνευτών και συνθετών. δημιούργησε ένα νέο, κλασικό ρεπερτόριο. Οι πιο διάσημοι από αυτούς είναι ο D. Αγκουάδο. Μ. Τζουλιάνι. F. Carulli, M. Carcassi. Αργότερα, αξιόλογοι μουσικοί όπως ο Franz Schubert, ο Niccolò Paganini, ο Carl Weber και άλλοι στράφηκαν στο PR και έγραψαν για αυτό.
Η κύρια διαφορά μεταξύ της ρωσικής κιθάρας και της κλασικής κιθάρας που ήταν δημοφιλής στην Ευρώπη ήταν ο αριθμός των χορδών (επτά, όχι έξι) και η αρχή του κουρδίσματός τους. Είναι το ζήτημα του κουρδίσματος που ήταν πάντα ο ακρογωνιαίος λίθος στη διαχρονική διαμάχη σχετικά με το πλεονέκτημα μιας κιθάρας έξι ή επτά χορδών. Κατανοώντας την ιδιαίτερη σημασία αυτού του ζητήματος, θεωρούμε απαραίτητο να επιστρέψουμε στο θέμα της προέλευσης της επτάχορδης κιθάρας και της εμφάνισής της στη Ρωσία.
Μέχρι το τέλος του XVIII αιώνα. στην Ευρώπη υπήρχαν διάφοροι τύποι κιθάρων διαφόρων σχεδίων, μεγεθών, με διαφορετικούς αριθμούς χορδών και πολλούς τρόπους συντονισμού τους (αρκεί να αναφέρουμε ότι ο αριθμός των χορδών κυμαινόταν από πέντε έως δώδεκα) -. Μια μεγάλη ομάδα κιθάρων ενώθηκαν σύμφωνα με την αρχή του συντονισμού των χορδών κατά τέταρτα με ένα μεγάλο τρίτο στη μέση (για λόγους ευκολίας, θα ονομάσουμε αυτό το κούρδισμα τέταρτο). Αυτά τα όργανα χρησιμοποιήθηκαν ευρέως στην Ιταλία. Ισπανία. Γαλλία.
Στη Μεγάλη Βρετανία, τη Γερμανία, την Πορτογαλία και την Κεντρική Ευρώπη, υπήρχε μια ομάδα οργάνων με το λεγόμενο σύστημα terts, στο οποίο προτιμούνταν τα τρίτα κατά τον συντονισμό φωνητικών χορδών (για παράδειγμα, δύο μεγάλα τριτ χωρίζονταν από ένα τέταρτο).
Και οι δύο αυτές ομάδες οργάνων ενώθηκαν από το γεγονός ότι η μουσική που γράφτηκε για μια κλίμακα μπορούσε να παιχτεί χρησιμοποιώντας μια μικρή διάταξη σε ένα όργανο άλλης κλίμακας.
Μας ενδιαφέρει μια κιθάρα με τέσσερις διπλές χορδές, που ήρθε από την Αγγλία στην Ευρώπη και από την Ευρώπη στη Ρωσία (Αγία Πετρούπολη). Η δομή αυτής της κιθάρας είχε δύο τύπους: τέταρτο και τρίτο. Η τελευταία διέφερε από την επτάχορδη ρωσική κιθάρα σε μέγεθος (ήταν πολύ μικρότερη), αλλά πρακτικά προέβλεψε τις αρχές του συντονισμού της σύμφωνα με την εκτεταμένη κύρια τριάδα (g, e, c, G, F, C, G). Αυτό το γεγονός είναι πολύ σημαντικό για εμάς.
Η έλλειψη ιστορικών στοιχείων σχετικά με τη μεταμόρφωση του σώματος της κιθάρας, το μέγεθός του και τη συνολική κλίμακα των χορδών μας επιτρέπει μόνο να υποθέσουμε επιλογές για την ανάπτυξή τους. Πιθανότατα, οι διαστάσεις του λαιμού της κιθάρας καθορίζονταν από την ευκολία του παιχνιδιού και η ένταση των χορδών, ο συντονισμός τους, αντιστοιχούσε στην τεσιτούρα της τραγουδιστικής φωνής. Ίσως οι βελτιώσεις οδήγησαν σε αύξηση του σώματος, αντικατάσταση μεταλλικών κρουστών με νήματα, και ως εκ τούτου σε μείωση της τεστιτούρας του ήχου, «γλίστρημα» του συνολικού συστήματος προς τα κάτω.
Δεν υπάρχουν αξιόπιστες πληροφορίες που να επιβεβαιώνουν ότι ήταν αυτή η κιθάρα που χρησίμευε ως πρωτότυπο της ρωσικής "επτάχορδης", αλλά η σχέση τους είναι προφανής. Η ιστορία της κιθάρας στη Ρωσία συνδέεται με την εμφάνιση ξένων κιθαριστών κατά τη διάρκεια της βασιλείας της Μεγάλης Αικατερίνης (1780-90) που έπαιζαν τρίτη και τρίτη κιθάρα. Ανάμεσά τους οι Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez. Υπάρχουν εκδόσεις συλλογών κομματιών για κιθάρα 5-6 χορδών, περιοδικά κιθάρας.
Ο Ignaz von Geld (Ignatius von Geld) δημοσιεύει για πρώτη φορά ένα εγχειρίδιο με τίτλο «Μια εύκολη μέθοδος για να μάθεις να παίζεις επτάχορδη κιθάρα χωρίς δάσκαλο». Δυστυχώς, ούτε ένα αντίγραφο αυτής της πρώτης ρωσικής σχολής κιθάρας, καθώς και πληροφορίες για τις μεθόδους διδασκαλίας του συγγραφέα της, τύπος κιθάρας, πώς να το ρυθμίσετε. Υπάρχουν μόνο σύγχρονες μαρτυρίες. Αυτός ο Γκελντ ήταν ένας σπουδαίος Άγγλος κιθαρίστας.
Όμως ο πραγματικός ιδρυτής της ρωσικής σχολής κιθάρας ήμουν εγώ που εγκαταστάθηκα στη Μόσχα.Στα τέλη του 18ου αιώνα. ένας μορφωμένος μουσικός, ένας υπέροχος αρπιστής Andrey Osipovich Sikhra. Ήταν αυτός που εισήγαγε στην πρακτική δημιουργία μουσικής μια επτάχορδη κιθάρα με σύστημα d, h, g, D, H, G, D, που αργότερα έγινε γνωστή ως η ρωσική.
Δεν μπορούμε να γνωρίζουμε πόσο εξοικειωμένος ήταν ο A. Sichra με τα ευρωπαϊκά πειράματα στη δημιουργία κιθάρων με διαφορετικούς αριθμούς χορδών και τρόπους κουρδίσματος τους, αν χρησιμοποίησε τα αποτελέσματά τους στη δουλειά του για τη «βελτίωση» (αλλά με τα δικά του λόγια) της κλασικής έξι -κιθάρα εγχόρδων. Αυτό δεν είναι τόσο σημαντικό.
Αυτό που έχει σημασία είναι ότι ο Α. Σιχρά. Όντας ένθερμος θαυμαστής της κιθάρας, λαμπρός δάσκαλος και ικανός εκλαϊκευτής των ιδεών του, άφησε ένα φωτεινό σημάδι στην ιστορία της ανάπτυξης της ρωσικής ορχηστρικής απόδοσης. Χρησιμοποιώντας τα καλύτερα επιτεύγματα της κλασικής ισπανικής σχολής κιθάρας, ανέπτυξε μια μεθοδολογία για τη διδασκαλία της επτάχορδης κιθάρας, παρουσιάζοντάς την αργότερα σε ένα βιβλίο που δημοσιεύτηκε το 1832 και το 1840. "Σχολείο". Χρήση κλασικών μορφών και ειδών. Η Sychra δημιούργησε ένα νέο ρεπερτόριο ειδικά για τη ρωσική κιθάρα και ανέδειξε έναν λαμπρό αστερισμό μαθητών.
Χάρη στις δραστηριότητες του A. O. Sikhra και των συνεργατών του, η επτάχορδη κιθάρα κέρδισε εξαιρετική δημοτικότητα μεταξύ εκπροσώπων διαφορετικών τάξεων: η ρωσική διανόηση και οι εκπρόσωποι της μεσαίας τάξης την αγαπούσαν, επαγγελματίες μουσικοί και λάτρεις της καθημερινής μουσικής στράφηκαν σε αυτήν: οι σύγχρονοι άρχισαν να το συνδέουν με την ίδια την ουσία της ρωσικής αστικής λαϊκής μουσικής. Μια περιγραφή του μαγευτικού ήχου της επτάχορδης κιθάρας βρίσκεται στις εγκάρδιες γραμμές του Πούσκιν. Lermontov, Turgenev. Τσέχοφ, Τολστόι και πολλούς άλλους ποιητές και συγγραφείς. Η κιθάρα άρχισε να γίνεται αντιληπτή ως φυσικό μέρος της ρωσικής μουσικής κουλτούρας.
Θυμηθείτε ότι η κιθάρα του A. Sikhra εμφανίστηκε στη Ρωσία σε συνθήκες που η επτάχορδη κιθάρα δεν φαινόταν σχεδόν ποτέ πουθενά, ήταν αδύνατο να την αγοράσετε είτε σε καταστήματα είτε από τεχνίτες. Τώρα μπορεί κανείς μόνο να αναρωτηθεί πόσο γρήγορα (σε 2-3 δεκαετίες) αυτοί οι δάσκαλοι, μεταξύ των οποίων ήταν οι μεγαλύτεροι βιολιστές, μπόρεσαν να δημιουργήσουν την παραγωγή της ρωσικής κιθάρας. Αυτός είναι ο Ivan Batov, ο Ivan Arhuzen. Ivan Krasnoshchekov. Οι κιθάρες του Βιεννέζου μάστερ I. Scherzer θεωρήθηκαν από τις καλύτερες. Σύμφωνα με τους σύγχρονους, οι κιθάρες των F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky διακρίνονταν για τη μοναδική τους ατομικότητα. Αλλά τώρα δεν θα σταθούμε σε αυτό, γιατί αξίζει μια ξεχωριστή συζήτηση.
Το εθνικό άρωμα της επτάχορδης κιθάρας έδιναν και οι διασκευές που γράφτηκαν για αυτήν με θέματα ρωσικών λαϊκών τραγουδιών. «Η επιρροή της δημοτικής μουσικής στη μουσική τέχνη θα ξεκινήσει, φυσικά, ως μέρος των παραδόσεων πολλών εθνών. Στη Ρωσία, ωστόσο, η λαϊκή μουσική έχει γίνει το αντικείμενο του πιο φρενήρη ενθουσιασμού των ανθρώπων για τη δική τους μουσική, ίσως ένα από τα πιο αξιόλογα κινήματα της ρωσικής ψυχής.
Για να είμαστε δίκαιοι, πρέπει να σημειωθεί. ότι τα έργα του A. Sikhra με ρωσικά θέματα ήταν γραμμένα με ύφος κλασικών παραλλαγών και δεν είχαν τόσο πρωτότυπο, καθαρά ρωσικό άρωμα που να διακρίνει τις διασκευές άλλων Ρώσων κιθαριστών. Συγκεκριμένα, ο Mikhail Timofeevich Vysotsky, ο δημιουργός πολυάριθμων συνθέσεων με θέματα ρωσικών λαϊκών τραγουδιών, συνέβαλε τεράστια στη διαμόρφωση της ρωσικής σχολής κιθάρας ως πρωτότυπο εθνικό φαινόμενο. Ο M. Vysotsky μεγάλωσε στο χωριό Ochakovo (12 χλμ. από τη Μόσχα) στο κτήμα του ποιητή M. Kheraskov, πρύτανη του Πανεπιστημίου της Μόσχας, σε μια ατμόσφαιρα αγάπης και σεβασμού για τις ρωσικές λαϊκές παραδόσεις. Το αγόρι μπορούσε να ακούσει υπέροχα λαϊκοί τραγουδιστέςνα συμμετέχουν σε λαϊκές τελετουργίες. Όντας γιος δουλοπάροικου. Ο Misha μπορούσε να λάβει εκπαίδευση μόνο παρακολουθώντας συναντήσεις της δημιουργικής διανόησης και του σπιτιού των Kheraskovs, ακούγοντας ποιήματα, συζητήσεις και αυτοσχέδιες παραστάσεις από μορφωμένους επισκέπτες.
Ανάμεσά τους ήταν ο κύριος δάσκαλος του Μ. Βισότσκι - Σεμιόν Νικολάεβιτς Ακσένοφ. Παρατήρησε τη χαρισματικότητα του αγοριού και άρχισε να του κάνει μαθήματα να παίζει ρωσική κιθάρα. Και παρόλο που αυτά τα μαθήματα δεν ήταν συστηματικά, το αγόρι έκανε σημαντική πρόοδο. Χάρη στις προσπάθειες του S. Aksenov, ο M. Vysotsky έλαβε την ελευθερία του το 1813 και μετακόμισε στη Μόσχα για περαιτέρω εκπαίδευση. Αργότερα, ο γνωστός μουσικός, συνθέτης A. Dubuk παρείχε στον Vysotsky σημαντική βοήθεια στην κατάκτηση μουσικών και θεωρητικών κλάδων.
Ο Μ. Βισότσκι έγινε ένας υπέροχος κιθαρίστας - αυτοσχεδιαστής, συνθέτης. Σύντομα ήρθε σε αυτόν η φήμη ενός αξεπέραστου βιρτουόζου κιθαρίστα. Σύμφωνα με τους σύγχρονους, το παιχνίδι του Vysotsky εντυπωσίασε όχι μόνο με την εξαιρετική τεχνική του, αλλά και με την έμπνευση, τον πλούτο του. μουσική φαντασία. Έμοιαζε να συγχωνεύεται με την κιθάρα: ήταν μια ζωντανή έκφραση της πνευματικής του διάθεσης, των σκέψεών του.
Έτσι ο μαθητής και συνάδελφός του κιθαρίστας I. E. Lyakhov αξιολόγησε το παίξιμο του Vysotsky: - Το παίξιμό του ήταν ακατανόητο, απερίγραπτο και άφησε τέτοια εντύπωση που δεν μπορούν να μεταδώσουν νότες και λέξεις. Εδώ παραπονεμένα, τρυφερά, μελαγχολικά ακούστηκε μπροστά σου το τραγούδι του κλώστη. ένα μικρό φερμάτο - και όλα έμοιαζαν να της μιλούσαν ως απάντηση: λένε, αναστεναγμοί, μπάσα, τους απαντούν κλαίγουσες φωνές πρίμων, κι όλο αυτό το ρεφρέν καλύπτεται από πλούσιες συγχορδίες συμφιλίωσης. αλλά μετά οι ήχοι, σαν κουρασμένες σκέψεις, μετατρέπονται σε ακόμη και τριωδίες, το θέμα σχεδόν εξαφανίζεται, σαν ο τραγουδιστής να σκεφτόταν κάτι άλλο. αλλά όχι, επιστρέφει πάλι στο θέμα, στη σκέψη του, και ακούγεται πανηγυρικό και άρτιο, μετατρέπεται σε προσευχητικό αντάγιο. Ακούς ένα ρώσικο σκυλί, ανυψωμένο στο ιερό (Sudet. Όλα είναι τόσο όμορφα και φυσικά, τόσο βαθιά ειλικρινή και μουσικά, όπως σπάνια βλέπεις σε άλλες συνθέσεις για ρωσικά τραγούδια. Εδώ δεν θα θυμάσαι κάτι παρόμοιο: όλα εδώ είναι νέα και πρωτότυπο.Μπροστά μας ένας εμπνευσμένος Ρώσος μουσικός, μπροστά σας ο Βισότσκι.
Ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του έργου του Βισότσκι ήταν η εξάρτηση από τα ισχυρά στρώματα του ρωσικού λαϊκού τραγουδιού και εν μέρει η οργανική δημιουργικότητα. Αυτό καθόρισε την ανάπτυξη της ρωσικής σχολής κιθάρας, του παραρτήματος της στη Μόσχα. Ο Μ. Βισότσκι, ίσως, ασχολήθηκε λιγότερο με τη συστηματοποίηση συστάσεων για την εκμάθηση της επτάχορδης κιθάρας, αν και έδωσε μεγάλο αριθμό μαθημάτων. Αλλά στη δουλειά του, η ρωσική επτάχορδη κιθάρα έγινε αληθινή εθνικό μέσο, έχοντας το δικό του ιδιαίτερο ρεπερτόριο, ιδιαίτερες τεχνικές και στυλιστικές διαφορές, ερμηνευτικό ύφος, μοτίβα εξέλιξης μέσα σε μουσικές φόρμες (εννοούμε τη σύνδεση του ποιητικού περιεχομένου ενός τραγουδιού και της διαδικασίας ανάπτυξης της παραλλαγής σε μια μουσική σύνθεση). Από αυτή την άποψη, ο M. Vysotsky είναι για εμάς. ίσως η πιο σημαντική φιγούρα στη ρωσική κιθάρα. Το έργο του έθεσε τα θεμέλια για ένα πρωτότυπο στυλ παιχνιδιού, καθώς και την αρχή της απόκτησης μελωδικού ήχου και τις τεχνικές που τον συνοδεύουν. Αλλά αυτό θα συζητηθεί αργότερα.
Έτσι, η εμφάνιση μιας πρωτότυπης σχολής κιθάρας στη Ρωσία συνδέεται με τα ονόματα των A. Sikhra και M. Vysotsky, καθώς και των καλύτερων μαθητών τους.
Εν κατακλείδι, θα ήθελα να πω ότι η ευρεία χρήση της κιθάρας στη Ρωσία σε σύντομο ιστορικό χρονικό διάστημα δεν μπορεί να είναι ατύχημα. Αντίθετα, είναι μια καλή απόδειξη της βιωσιμότητας του οργάνου. Υπάρχουν αρκετοί λόγοι για να είμαστε περήφανοι για τα επιτεύγματα της ρωσικής σχολής κιθάρας. Ωστόσο, μπορεί να ειπωθεί με πικρία ότι δεν γνωρίζουμε όλη την αλήθεια για το όργανό μας και την κληρονομιά που δημιουργήθηκε για αυτό. Είναι σημαντικό να το γνωρίζουμε και να το κατανοήσουμε αυτό σήμερα, όταν σχεδόν όλα για τα οποία περηφανευόταν η Ρωσία στο παρελθόν έχουν καταστραφεί ολοσχερώς και τίποτα δεν έχει δημιουργηθεί για να το αντικαταστήσει. Μήπως ήρθε η ώρα να γυρίσετε το πρόσωπό σας στη ρωσική κιθάρα;! Αποτελείται από έργα, μεθόδους και ρεπερτόριο των πιο μορφωμένων ανθρώπων της εποχής τους. Εδώ είναι μερικά ονόματα: M. Stakhovich - ευγενής, ιστορικός, συγγραφέας. A. Golikov - ευγενής, συλλογικός γραμματέας. V. Sarenko - Διδάκτωρ Ιατρικών Επιστημών; F. Zimmerman - ευγενής, γαιοκτήμονας. I. Makarov - γαιοκτήμονας, μεγάλος βιβλιογράφος. V. Morkov - ένας ευγενής, ένας πραγματικός κρατικός σύμβουλος: V. Rusanov - ένας ευγενής, μαέστρος, ένας εξαιρετικός συντάκτης.
