Ο μουσικός ρομαντισμός είναι κοινό χαρακτηριστικό. Μουσική τέχνη της εποχής του ρομαντισμού-παρουσίαση στο Θέατρο Τέχνης της Μόσχας

Η μουσική έχει πάρει ξεχωριστή θέση στην αισθητική του ρομαντισμού. Κηρύχθηκε πρότυπο και κανόνας για όλους τους τομείς της τέχνης, αφού, λόγω της ιδιαιτερότητάς του, είναι σε θέση να εκφράσει πλήρως τις κινήσεις της ψυχής.«Η μουσική αρχίζει όταν τελειώνουν οι λέξεις» (G. Heine).

Ο μουσικός ρομαντισμός ως κατεύθυνση αναπτύχθηκε στην αρχήXIXαιώνα και αναπτύχθηκε σε στενή σύνδεση με διάφορες τάσεις στη λογοτεχνία, τη ζωγραφική και το θέατρο. Πρώτο στάδιοΟ μουσικός ρομαντισμός αντιπροσωπεύεται από τα έργα των F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; το επόμενο στάδιο (δεκαετία 1830-50) - το έργο των F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi. Το όψιμο στάδιο του ρομαντισμού εκτείνεται μέχρι το τέλοςXIXαιώνας. Έτσι, αν στη λογοτεχνία και τη ζωγραφική η ρομαντική σκηνοθεσία ουσιαστικά ολοκληρώνει την ανάπτυξή της μέχρι τη μέσηXIXαιώνες, η ζωή του μουσικού ρομαντισμού στην Ευρώπη είναι πολύ μεγαλύτερη.

ΣΕ μουσικός ρομαντισμός, όπως και σε άλλες μορφές τέχνης και λογοτεχνίας, η αντίθεση του κόσμου των όμορφων, άφθαστων ιδανικών και της καθημερινής ζωής, διαποτισμένης από το πνεύμα του φιλιστινισμού και του φιλιστινισμού, οδήγησε, αφενός, σε δραματική σύγκρουση, στην κυριαρχία των τραγικών κινήτρων του η μοναξιά, η απελπισία, η περιπλάνηση κ.λπ., με το άλλο - η εξιδανίκευση και η ποιητική του μακρινού παρελθόντος, η λαϊκή ζωή, η φύση. Από κοινού με την κατάσταση του νου ενός ατόμου, η φύση στα έργα των ρομαντικών είναι συνήθως χρωματισμένη με μια αίσθηση δυσαρμονίας.

Όπως και άλλοι ρομαντικοί, οι μουσικοί ήταν πεπεισμένοι ότι τα συναισθήματα είναι ένα βαθύτερο στρώμα της ψυχής από το μυαλό:"Το μυαλό κάνει λάθος, τα συναισθήματα - ποτέ" (R. Schumann).

Το ιδιαίτερο ενδιαφέρον για την ανθρώπινη προσωπικότητα που ενυπάρχει στη ρομαντική μουσική εκφράστηκε στην επικράτηση τουπροσωπικό τόνο . Η αποκάλυψη του προσωπικού δράματος συχνά απέκτησε μια χροιά μεταξύ των ρομαντικών.αυτοβιογραφία, που έφερε μια ιδιαίτερη ειλικρίνεια στη μουσική. Έτσι, για παράδειγμα, πολλοί έργα για πιάνοΟ Schumann συνδέεται με την ιστορία του έρωτά του για την Clara Wieck. Ο Μπερλιόζ έγραψε την αυτοβιογραφική συμφωνία «Φανταστική». Ο αυτοβιογραφικός χαρακτήρας των όπερών του τονίστηκε έντονα από τον Βάγκνερ.

Πολύ συχνά συνυφασμένη με το θέμα της «λυρικής εξομολόγησης»θέμα της φύσης .

Η πραγματική ανακάλυψη των ρομαντικών συνθετών ήτανθέμα φαντασίας. Η μουσική για πρώτη φορά έμαθε να ενσωματώνει υπέροχες-φανταστικές εικόνες με καθαρά μουσικά μέσα. Σε όπερεςXVII - XVIII«απόκοσμοι» χαρακτήρες αιώνων (όπως η βασίλισσα της νύχτας από το έργο του Μότσαρτ μαγικός αυλός») μίλησε στη «γενικά αποδεκτή» μουσική γλώσσα, ξεχωρίζοντας ελάχιστα από το υπόβαθρο πραγματικών ανθρώπων. Οι ρομαντικοί συνθέτες έχουν μάθει να μεταφέρουν τον κόσμο της φαντασίας ως κάτι εντελώς συγκεκριμένο (με τη βοήθεια ασυνήθιστων ορχηστρικών και αρμονικών χρωμάτων). Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα είναι η «Σκηνή του λύκου» στο Weber's Magic Shooter.

Αν XVIIIαιώνα ήταν η εποχή των βιρτουόζων αυτοσχεδιαστών παγκόσμιου τύπου, εξίσου επιδέξιοι στο τραγούδι, τη σύνθεση, το παίξιμο διαφόρων οργάνων.XIXο αιώνας ήταν μια εποχή άνευ προηγουμένου ενθουσιασμού για την τέχνη των βιρτουόζων πιανιστών (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms).

Η εποχή του ρομαντισμού άλλαξε εντελώς τη «μουσική γεωγραφία του κόσμου». Υπό την επίδραση της ενεργού αφύπνισης της εθνικής αυτοσυνείδησης των λαών της Ευρώπης, σχολές νέων συνθετών στη Ρωσία, την Πολωνία, την Ουγγαρία, την Τσεχία και τη Νορβηγία προχώρησαν στη διεθνή μουσική σκηνή. Οι συνθέτες αυτών των χωρών, ενσαρκώνοντας τις εικόνες της εθνικής λογοτεχνίας, της ιστορίας, αυτοφυής φύση, βασίστηκε σε τονισμούς και ρυθμούς της γηγενούς λαογραφίας.

Ιδιαίτερα χαρακτηριστικό του μουσικού ρομαντισμού είναι το ενδιαφέρον γιαπαραδοσιακή τέχνη . Όπως οι ρομαντικοί ποιητές που εις βάρος της λαογραφίας εμπλούτισαν και ενημέρωναν λογοτεχνική γλώσσα, οι μουσικοί στράφηκαν ευρέως στην εθνική λαογραφία - δημοτικά τραγούδια, μπαλάντες, έπη (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg κ.λπ.). Ενσαρκώνοντας τις εικόνες της εθνικής λογοτεχνίας, της ιστορίας, της γηγενούς φύσης, βασίστηκαν στους τονισμούς και τους ρυθμούς της εθνικής λαογραφίας, αναβιώνοντας τους παλιούς διατονικούς τρόπους.Υπό την επίδραση της λαογραφίας, το περιεχόμενο της ευρωπαϊκής μουσικής έχει αλλάξει δραματικά.

Νέα θέματα και εικόνες απαιτούσαν την ανάπτυξη των ρομαντικώννέα μέσα μουσικής γλώσσας και τις αρχές της διαμόρφωσης, της εξατομίκευσης της μελωδίας και της εισαγωγής των τονισμών του λόγου, της επέκτασης του ηχοχρώματος και της αρμονικής παλέτας της μουσικής (φυσικά τάστα, πολύχρωμες αντιπαραθέσεις μείζονος και ελάσσονος κ.λπ.).

Αφού το επίκεντρο των ρομαντικών δεν είναι πλέον η ανθρωπότητα στο σύνολό της, αλλά ένα συγκεκριμένο άτομο με το μοναδικό του συναίσθημα, αντίστοιχακαι στα εκφραστικά μέσα, το γενικό δίνει ολοένα και περισσότερο τη θέση του στο άτομο, ατομικά μοναδικό. Η αναλογία των γενικευμένων τονισμών στη μελωδία, οι προόδους των χορδών που χρησιμοποιούνται συνήθως σε αρμονία και τα τυπικά μοτίβα στην υφή μειώνονται - όλα αυτά τα μέσα εξατομικεύονται. Στην ενορχήστρωση, η αρχή των συγκροτημάτων συνόλων έδωσε τη θέση της στο σόλο σχεδόν όλων των ορχηστρικών φωνών.

Το πιο σημαντικό σημείοαισθητική ο μουσικός ρομαντισμός ήτανη ιδέα της σύνθεσης τέχνης , που βρήκε την πιο ζωντανή έκφρασή του στο οπερατικό έργο του Βάγκνερ και σεμουσική προγράμματος Μπερλιόζ, Σούμαν, Λιστ.

Μουσικά είδη στα έργα ρομαντικών συνθετών

Στη ρομαντική μουσική προκύπτουν ξεκάθαρα τρεις ομάδες ειδών:

• είδη που κατέλαβαν δευτερεύουσα θέση στην τέχνη του κλασικισμού (κυρίως τραγούδι και μινιατούρα πιάνου).
• είδη που αντιλήφθηκαν οι ρομαντικοί από την προηγούμενη εποχή (όπερα, ορατόριο, κύκλος σονάτας-συμφωνίας, ουβερτούρα).
• ελεύθερα, ποιητικά είδη (μπαλάντες, φαντασιώσεις, ραψωδίες, συμφωνικά ποιήματα). Το ενδιαφέρον για αυτά εξηγείται από την επιθυμία των ρομαντικών συνθετών για ελεύθερη αυτοέκφραση, τη σταδιακή μεταμόρφωση των εικόνων.

Πρώτο πλάνο μέσα μουσική κουλτούραυπέρμαχοι του ρομαντισμούτραγούδι ως είδος που είναι πιο κατάλληλο για την έκφραση των ενδότερων σκέψεων ενός καλλιτέχνη (ενώ στο επαγγελματικό έργο των συνθετώνXVIIIαιώνα, στο λυρικό τραγούδι ανατέθηκε ένας μέτριος ρόλος - χρησίμευε κυρίως για να γεμίσει τον ελεύθερο χρόνο). Στο χώρο του τραγουδιού εργάστηκαν οι Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg και άλλοι.

Ο τυπικός ρομαντικός συνθέτης δημιουργεί πολύ άμεσα, αυθόρμητα, κατ' εντολή της καρδιάς του. Η ρομαντική κατανόηση του κόσμου δεν είναι μια συνεπής φιλοσοφική αντίληψη της πραγματικότητας, αλλά μια στιγμιαία καθήλωση όλων όσων άγγιξαν την ψυχή του καλλιτέχνη. Από αυτή την άποψη, στην εποχή του ρομαντισμού, το είδος άνθισεμινιατούρες (ανεξάρτητη ή συνδυασμένη με άλλες μινιατούρες σε κύκλο). Αυτό δεν είναι μόνο ένα τραγούδι και ένα ειδύλλιο, αλλά και οργανικές συνθέσεις -μουσικές στιγμές, αυτοσχέδια, πρελούδια, ετιντ, νυχτερινά, βαλς, μαζούρκες (σε σχέση με την εξάρτηση από τη λαϊκή τέχνη).

Πολλά ρομαντικά είδη οφείλουν την καταγωγή τους στην ποίηση, τις ποιητικές της μορφές. Τέτοια είναι τα σονέτα, τα τραγούδια χωρίς λόγια, τα διηγήματα, οι μπαλάντες.

Μια από τις κορυφαίες ιδέες της ρομαντικής αισθητικής -η ιδέα της σύνθεσης των τεχνών- τοποθέτησε φυσικά το πρόβλημα της όπερας στο επίκεντρο της προσοχής. Σχεδόν όλοι οι ρομαντικοί συνθέτες στράφηκαν στο είδος της όπερας με σπάνιες εξαιρέσεις (Μπραμς).

Ο προσωπικός, εμπιστευτικός τόνος έκφρασης που ενυπάρχει στον ρομαντισμό μεταμορφώνει πλήρως τα κλασικά είδη της συμφωνίας, της σονάτας και του κουαρτέτου. Παραλαμβάνουνψυχολογική και στιχουργική-δραματική ερμηνεία. Το περιεχόμενο πολλών ρομαντικών έργων συνδέεται μεπρογραμματισμός (κύκλοι πιάνου Schumann, Τα Χρόνια της Περιπλάνησης του Λιστ, οι συμφωνίες του Μπερλιόζ, η Ουβερτούρα του Μέντελσον).

γαλλική γλώσσα ρομαντισμός

Ένα καλλιτεχνικό κίνημα που εμφανίστηκε στα τέλη του 18ου και στις αρχές του 19ου αιώνα. πρώτα στη λογοτεχνία (Γερμανία, Μεγάλη Βρετανία, άλλες χώρες της Ευρώπης και Αμερικής), μετά στη μουσική και σε άλλες τέχνες. Η έννοια του "ρομαντισμού" προέρχεται από το επίθετο "ρομαντικός"? πριν από τον 18ο αιώνα επεσήμανε ορισμένα χαρακτηριστικά λογοτεχνικών έργων που γράφτηκαν σε ρομανικές γλώσσες (δηλαδή όχι στις γλώσσες της κλασικής αρχαιότητας). Αυτά ήταν ρομάντζα (ισπανικό ρομάντζο), καθώς και ποιήματα και μυθιστορήματα για ιππότες. Σε συν. 18ος αιώνας Το «ρομαντικό» γίνεται κατανοητό ευρύτερα: όχι μόνο ως περιπετειώδες, διασκεδαστικό, αλλά και ως αρχαίο, πρωτότυπο λαϊκό, απόμακρο, αφελές, φανταστικό, πνευματικά ύψιστο, απόκοσμο, καθώς και ως εκπληκτικό, τρομακτικό. «Οι ρομαντικοί έκαναν ρομαντικά όλα όσα τους άρεσε από το πρόσφατο και μακρινό παρελθόν», έγραψε ο F. Blume. Αντιλαμβάνονται το έργο του Dante και του W. Shakespeare, του P. Calderon και του M. Cervantes, του J. S. Bach και του J. W. Goethe ως «δικό τους», σε μεγάλο βαθμό στην αρχαιότητα. τους ελκύει και η ποίηση του Δρ. Ανατολής και μεσαιωνικοί minnesingers. Με βάση τα χαρακτηριστικά που σημειώθηκαν παραπάνω, ο F. Schiller αποκάλεσε την «Υπηρέτρια της Ορλεάνης» του μια «ρομαντική τραγωδία» και στις εικόνες των Μινιόν και Χάρπερ βλέπει τον ρομαντισμό των «Χρόνια των Διδασκαλιών του Βίλχελμ Μάιστερ» του Γκαίτε.

Ρομαντισμός ως λογοτεχνικός όροςεμφανίζεται για πρώτη φορά στο Novalis ως μουσικός όρος- E. T. A. Hoffmann. Ωστόσο, στο περιεχόμενό του δεν διαφέρει πολύ από το αντίστοιχο επίθετο. Ο ρομαντισμός δεν ήταν ποτέ ένα σαφώς καθορισμένο πρόγραμμα ή στυλ. Αυτό ευρύς κύκλοςιδεολογικές και αισθητικές τάσεις, στις οποίες η ιστορική κατάσταση, η χώρα, τα ενδιαφέροντα του καλλιτέχνη δημιούργησαν ορισμένες προφορές, καθόρισαν διάφορους στόχους και μέσα. Ωστόσο, η ρομαντική τέχνη διαφορετικών σχηματισμών έχει επίσης σημαντικά κοινά χαρακτηριστικά τόσο όσον αφορά την ιδεολογική θέση όσο και το ύφος.

Έχοντας κληρονομήσει πολλά από τα προοδευτικά χαρακτηριστικά του από τον Διαφωτισμό, ο ρομαντισμός συνδέεται ταυτόχρονα με βαθιά απογοήτευση τόσο στον ίδιο τον διαφωτισμό όσο και στις επιτυχίες ολόκληρου του νέου πολιτισμού στο σύνολό του. Για πρώιμους ρομαντικούς που δεν γνώριζαν ακόμη τα αποτελέσματα του Μεγάλου Γαλλική επανάσταση, απογοητευτική ήταν η γενική διαδικασία εξορθολογισμού της ζωής, η υποταγή της σε έναν μέσο νηφάλιο «λόγο» και την άψυχη πρακτικότητα. Στο μέλλον, ιδιαίτερα στα χρόνια της Αυτοκρατορίας και της Παλινόρθωσης, σκιαγραφήθηκε όλο και πιο ξεκάθαρα το κοινωνικό νόημα της θέσης των ρομαντικών - ο αντιαστικός τους. Σύμφωνα με τον Φ. Ένγκελς, «οι δημόσιοι και πολιτικοί θεσμοί που δημιουργήθηκαν με τη νίκη της λογικής αποδείχτηκαν μια κακιά, οικτρά απογοητευτική καρικατούρα των λαμπρών υποσχέσεων των διαφωτιστών» (Marx K. and Engels F., On Art, vol. 1, Μ., 1967, σ. 387).

Στο έργο των ρομαντικών, η ανανέωση της προσωπικότητας, η επιβεβαίωση της πνευματικής της δύναμης και ομορφιάς, συνδυάζεται με την έκθεση του βασιλείου των φιλισταίων. πλήρης άνθρωπος, δημιουργικός αντιτίθεται στο μέτριο, ασήμαντο, βυθισμένο στη ματαιοδοξία, στη ματαιοδοξία, στον μικρολογισμό. Την εποχή των Hoffmann και J. Byron, V. Hugo και George Sand, H. Heine και R. Schumann, η κοινωνική κριτική στον αστικό κόσμο είχε γίνει ένα από τα κύρια στοιχεία του ρομαντισμού. Αναζητώντας πηγές πνευματικής ανανέωσης, οι ρομαντικοί συχνά εξιδανικεύουν το παρελθόν, προσπαθούσαν να εμπνεύσουν νέα ζωήσε θρησκευτικούς μύθους. Έτσι, γεννήθηκε μια αντίφαση ανάμεσα στον γενικό προοδευτικό προσανατολισμό του ρομαντισμού και τις συντηρητικές τάσεις που προέκυψαν στο δικό του κανάλι. Στο έργο των ρομαντικών μουσικών, αυτές οι τάσεις δεν έπαιξαν αξιοσημείωτο ρόλο. εκδηλώνονταν κυρίως στα λογοτεχνικά και ποιητικά μοτίβα κάποιων έργων, ωστόσο, στη μουσική ερμηνεία τέτοιων μοτίβων, η ζωντανή, πραγματική ανθρώπινη αρχή συνήθως υπερτερούσε.

Ο μουσικός ρομαντισμός, που εκδηλώθηκε αισθητά τη δεύτερη δεκαετία του 19ου αιώνα, ήταν ένα ιστορικά νέο φαινόμενο και, ταυτόχρονα, αποκάλυψε βαθιές διαδοχικές σχέσεις με τα κλασικά μουσικά έργα. Το έργο εξαιρετικών συνθετών της προηγούμενης εποχής (συμπεριλαμβανομένων όχι μόνο των βιεννέζικων κλασικών, αλλά και της μουσικής του 16ου και 17ου αιώνα) λειτούργησε ως στήριγμα για την καλλιέργεια μιας υψηλής καλλιτεχνικής βαθμίδας. Ήταν αυτό το είδος τέχνης που έγινε το πρότυπο για τους ρομαντικούς. σύμφωνα με τον Schumann, «μόνο αυτή η καθαρή πηγή μπορεί να θρέψει τις δυνάμεις της νέας τέχνης» («On Music and Musicians», vol. 1, M., 1975, p. 140). Και αυτό είναι κατανοητό: μόνο το υψηλό και τέλειο θα μπορούσε να αντιταχθεί επιτυχώς στη μουσική αδράνεια του κοσμικού σαλονιού, στη θεαματική δεξιοτεχνία της σκηνής και σκηνή όπερας, αδιάφορη παραδοσιακότητα των τεχνιτών μουσικών.

Τα κλασικά μουσικά έργα της εποχής μετά τον Μπαχ χρησίμευσαν ως βάση για τον μουσικό ρομαντισμό σε σχέση με το περιεχόμενό τους. Ξεκινώντας με τον C. F. E. Bach, το στοιχείο του αισθήματος εκδηλώθηκε όλο και πιο ελεύθερα σε αυτό, η μουσική κατέκτησε νέα μέσα που επέτρεψαν να εκφράσει τόσο τη δύναμη όσο και τη λεπτότητα της συναισθηματικής ζωής, τον λυρισμό στην ατομική του εκδοχή. Αυτές οι φιλοδοξίες έκαναν πολλούς μουσικούς στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα να συνδεθούν. με το λογοτεχνικό κίνημα Sturm und Drang. Η στάση του Hoffmann προς τον K. V. Gluck, τον W. A. ​​Mozart και ειδικά τον L. Beethoven, ως καλλιτέχνες μιας ρομαντικής αποθήκης, ήταν απολύτως φυσική. Τέτοιες εκτιμήσεις αντανακλούσαν όχι μόνο την προτίμηση για ρομαντική αντίληψη, αλλά και την προσοχή στα χαρακτηριστικά του «προ-ρομαντισμού» που ήταν στην πραγματικότητα εγγενή στους μεγάλους συνθέτες του δεύτερου μισού του 18ου και των αρχών του 19ου αιώνα.

Ο μουσικός ρομαντισμός προετοιμάστηκε επίσης ιστορικά από το κίνημα που προηγήθηκε για τον λογοτεχνικό ρομαντισμό στη Γερμανία μεταξύ των ρομαντικών "Jenian" και "Heidelberg" (W. G. Wackenroder, Novalis, αδελφοί F. and A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. Arnim, C. Brentano, και άλλοι), από τον συγγραφέα Jean Paul, που ήταν κοντά τους, αργότερα από τον Hoffmann της Μεγάλης Βρετανίας, από τους ποιητές των λεγόμενων. Το «σχολείο της λίμνης» (W. Wordsworth, S. T. Coleridge και άλλοι) είχε ήδη αναπτύξει πλήρως τις γενικές αρχές του ρομαντισμού, οι οποίες στη συνέχεια ερμηνεύτηκαν και αναπτύχθηκαν στη μουσική με τον δικό τους τρόπο. Στο μέλλον, ο μουσικός ρομαντισμός επηρεάστηκε σημαντικά από συγγραφείς όπως ο Heine, ο Byron, ο Lamartine, ο Hugo, ο Mickiewicz και άλλοι.

Οι σημαντικότεροι τομείς δημιουργικότητας των ρομαντικών μουσικών περιλαμβάνουν τους στίχους, τη φαντασία, το λαϊκό και εθνικό πρωτότυπο, το φυσικό, το χαρακτηριστικό.

Η πρωταρχική σημασία του στίχου στο ρομαντικό. η τέχνη, ιδιαίτερα στη μουσική, τεκμηριώθηκε θεμελιωδώς από τον ίδιο. Οι θεωρητικοί του R. Για αυτούς, το "ρομαντικό" είναι πρωτίστως "μουσικό" (η πιο τιμητική θέση δόθηκε στην ιεραρχία της τέχνης στη μουσική), επειδή το συναίσθημα κυριαρχεί στη μουσική και επομένως το έργο ενός ρομαντικού καλλιτέχνη βρίσκει τον υψηλότερο στόχο του. μέσα σε αυτό. Επομένως, η μουσική είναι ο στίχος. Στην αφηρημένη φιλοσοφική πλευρά, σύμφωνα με τη θεωρία του λιτ. R., επιτρέπει σε ένα άτομο να συγχωνευθεί με την «ψυχή του κόσμου», με το «σύμπαν». Στην πτυχή της συγκεκριμένης ζωής, η μουσική από τη φύση της είναι ο αντίποδας της πρόζας. πραγματικότητα, είναι η φωνή της καρδιάς, ικανή να πει με την υψηλότερη πληρότητα για έναν άνθρωπο, τον πνευματικό του πλούτο, τη ζωή και τις φιλοδοξίες του. Γι' αυτό και στον τομέα των στίχων των μουσών. Ο Ρ. ανήκει στην πιο φωτεινή λέξη. Ο λυρισμός, η αμεσότητα και η έκφραση, η εξατομίκευση του λυρισμού που πέτυχαν οι ρομαντικοί μουσικοί ήταν νέα. δηλώσεις, η μεταφορά ψυχολογικών. την ανάπτυξη ενός συναισθήματος γεμάτου νέες πολύτιμες λεπτομέρειες σε όλα τα στάδια.

Η μυθοπλασία σε αντίθεση με την πεζογραφία. Η πραγματικότητα είναι παρόμοια με τους στίχους και συχνά, ειδικά στη μουσική, είναι συνυφασμένη με τους τελευταίους. Από μόνη της, η φαντασία αποκαλύπτει διαφορετικές πτυχές που είναι εξίσου απαραίτητες για τον R. Λειτουργεί ως ελευθερία της φαντασίας, ένα ελεύθερο παιχνίδι σκέψης και συναισθήματος, και ταυτόχρονα. ως ελευθερία της γνώσης, ορμώντας με τόλμη στον κόσμο του «περίεργου», του υπέροχου, του άγνωστου, σαν σε πείσμα της φιλισταικής πρακτικότητας, της άθλιας «κοινής λογικής». Η φαντασία είναι επίσης ένα είδος ρομαντικής ομορφιάς. Ταυτόχρονα, η επιστημονική φαντασία δίνει τη δυνατότητα σε έμμεση μορφή (και, άρα, με μέγιστη καλλιτεχνική γενίκευση) να συγκρούονται το ωραίο και το άσχημο, το καλό και το κακό. Στις τέχνες. Στην εξέλιξη αυτής της σύγκρουσης συνέβαλε πολύ ο Ρ..

Το ενδιαφέρον των ρομαντικών για τη ζωή "έξω" είναι άρρηκτα συνδεδεμένο με τη γενική έννοια εννοιών όπως η λαϊκή και εθνική ταυτότητα, φυσική, χαρακτηριστική. Ήταν μια επιθυμία να αναδημιουργηθεί η αυθεντικότητα, η πρωτοκαθεδρία, η ακεραιότητα που χάθηκε στη γύρω πραγματικότητα. εξ ου και το ενδιαφέρον για την ιστορία, τη λαογραφία, τη λατρεία της φύσης, που ερμηνεύεται ως αρχέγονη, ως η πιο ολοκληρωμένη και ανόθευτη ενσάρκωση της «ψυχής του κόσμου». Για έναν ρομαντικό, η φύση είναι καταφύγιο από τα δεινά του πολιτισμού, παρηγορεί και θεραπεύει έναν ανήσυχο άνθρωπο. Οι ρομαντικοί συνέβαλαν τεράστια στη γνώση, στην τέχνη. αναζωογόνηση των ανθρώπων ποίηση και μουσική περασμένων εποχών, καθώς και «μακρινών» χωρών. Σύμφωνα με τον T. Mann, το R. είναι «μια λαχτάρα για το παρελθόν και ταυτόχρονα μια ρεαλιστική αναγνώριση του δικαιώματος στην πρωτοτυπία για οτιδήποτε υπήρξε πραγματικά ποτέ με το δικό του τοπικό χρώμα και ατμόσφαιρα» (Coll. soch., v. 10, M., 1961, σ. 322), ξεκίνησε στο Ηνωμένο Βασίλειο τον 18ο αιώνα. συλλογή εθνικών η λαογραφία συνεχίστηκε τον 19ο αιώνα. W. Scott; στη Γερμανία, ήταν οι ρομαντικοί που πρώτοι συγκέντρωσαν και δημοσιοποίησαν τους θησαυρούς των κουκέτες. δημιουργικότητα της χώρας τους (συλλογή των L. Arnim και K. Brentano «The Magic Horn of a Boy», «Children's and Family Tales» του αδελφού Grimm), η οποία είχε μεγάλης σημασίαςκαι για τη μουσική. Η επιθυμία για πιστή μετάδοση του εθνικού-νατ. τέχνες. στυλ ("τοπικό χρώμα") - ένα κοινό χαρακτηριστικό ρομαντικών μουσικών από διαφορετικές χώρες και σχολεία. Το ίδιο μπορεί να ειπωθεί και για τη μουσική. τοπίο. Δημιουργήθηκε σε αυτήν την περιοχή από συνθέτες 18 - νωρίς. 19ος αιώνας ξεπερασμένο κατά πολύ από τους ρομαντικούς. Στη μουσική η ενσάρκωση της φύσης, ο R. έφτασε σε μια προηγουμένως άγνωστη μεταφορική ακρίβεια. αυτό το σέρβιραν οι νεοανακαλυφθείσες εξπρές. μέσα μουσικής, κυρίως αρμονικά και ορχηστρικά (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).

Το «χαρακτηριστικό» προσέλκυσε τους ρομαντικούς σε ορισμένες περιπτώσεις ως πρωτότυποι, αναπόσπαστοι, πρωτότυποι, σε άλλες - ως παράξενοι, εκκεντρικοί, καρικατούρες. Το να παρατηρείς το χαρακτηριστικό, να το αποκαλύπτεις σημαίνει να διαπερνάς το ισοπεδωτικό γκρίζο πέπλο της συνηθισμένης αντίληψης και να αγγίζεις την πραγματική, παράξενα πολύχρωμη και βρέχουσα ζωή. Στην προσπάθεια για αυτόν τον στόχο, μια τυπική για τους ρομαντικούς τέχνη-σε αναμμένη. και μουσική. απεικόνιση. Ένας τέτοιος ισχυρισμός συνδέθηκε συχνά με την κριτική του καλλιτέχνη και οδήγησε στη δημιουργία παρωδικών και γκροτέσκων πορτρέτων. Από τον Jean Paul και τον Hoffmann, η τάση για ένα χαρακτηριστικό σκίτσο πορτρέτου μεταδίδεται στον Schumann και τον Wagner. Στη Ρωσία, όχι χωρίς την επιρροή του ρομαντικού. μουσικές παραδόσεις. πορτραίτο που αναπτύχθηκε μεταξύ των συνθετών nat. ρεαλιστικός. σχολεία - από τον A. S. Dargomyzhsky έως τον M. P. Mussorgsky και τον N. A. Rimsky-Korsakov.

Ο Ρ. ανέπτυξε στοιχεία διαλεκτικής στην ερμηνεία και προβολή του κόσμου και από αυτή την άποψη ήταν κοντά στον σύγχρονο του. κλασσικός φιλοσοφία. Στο κοστούμι ενισχύεται η κατανόηση της σχέσης μεταξύ του ατόμου και του γενικού. Κατά τον F. Schlegel, ρομαντικός. η ποίηση είναι «καθολική», «περιέχει οτιδήποτε ποιητικό, από το μεγαλύτερο σύστημα τεχνών, που περιλαμβάνει πάλι ολόκληρα συστήματα, μέχρι έναν αναστεναγμό, ένα φιλί, όπως εκφράζονται στο άτεχνο τραγούδι ενός παιδιού» («Fr. Schlegels Jugendschriften», hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). Απεριόριστη ποικιλία με κρυφό εσωτ. ενότητα - αυτό είναι που εκτιμούν οι ρομαντικοί, για παράδειγμα. στο Δον Κιχώτης του Θερβάντες. Ο F. Schlegel αποκαλεί το ετερόκλητο ύφασμα αυτού του μυθιστορήματος «η μουσική της ζωής» (ό.π., σελ. 316). Πρόκειται για ένα μυθιστόρημα με «ανοιχτούς ορίζοντες» - σημειώνει ο A. Schlegel. σύμφωνα με την παρατήρησή του, ο Θερβάντες καταφεύγει σε «ατελείωτες παραλλαγές», «σαν να ήταν εκλεπτυσμένος μουσικός» (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). Τέτοια τέχνη. θέση προκαλεί ιδιαίτερη προσοχή ως προς το ό. εντυπώσεις, και οι συνδέσεις τους, με τη δημιουργία μιας κοινής αντίληψης. Στη μουσική απευθείας. η έκχυση του συναισθήματος γίνεται φιλοσοφική, το τοπίο, ο χορός, η σκηνή του είδους, το πορτρέτο εμποτίζονται με λυρισμό και οδηγούν σε γενικεύσεις. Ο Ρ. δείχνει ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τη διαδικασία της ζωής, σε αυτό που ο Ν. Για. Μπερκόφσκι αποκαλεί «άμεση ροή της ζωής» («Ρομαντισμός στη Γερμανία», Λένινγκραντ, 1973, σ. 31). αυτό ισχύει και για τη μουσική. Είναι χαρακτηριστικό για τους ρομαντικούς μουσικούς να αγωνίζονται για ατελείωτες μεταμορφώσεις της αρχικής σκέψης, για «ατέρμονη» ανάπτυξη.

Αφού ο Ρ. είδε σε όλους τους ισχυρισμούς ένα μόνο νόημα και ένα μόνο κεφάλαιο. ο στόχος είναι να συγχωνευθεί με τη μυστηριώδη ουσία της ζωής, η ιδέα της σύνθεσης των τεχνών απέκτησε νέο νόημα. «Η αισθητική μιας τέχνης είναι η αισθητική μιας άλλης. μόνο το υλικό είναι διαφορετικό» σημειώνει ο Schumann («On Music and Musicians», τ. 1, M., 1975, σελ. 87). Όμως ο συνδυασμός «διαφορετικών υλικών» αυξάνει την εντυπωσιακή δύναμη του καλλιτεχνικού συνόλου. Στη βαθιά και οργανική συγχώνευση της μουσικής με την ποίηση, με το θέατρο, με τη ζωγραφική, ανοίγονται νέες δυνατότητες για την τέχνη. Στον τομέα του ινστρ. μουσική, η αρχή της προγραμματισιμότητας αποκτά σημαντικό ρόλο, δηλ. συμπερίληψη τόσο στην ιδέα του συνθέτη όσο και στη διαδικασία αντίληψης της μουσικής, αναμμένη. και άλλους συλλόγους.

Ο Ρ. εκπροσωπείται ιδιαίτερα ευρέως στη μουσική της Γερμανίας και της Αυστρίας. Σε πρώιμο στάδιο - το έργο των F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner. περαιτέρω από τη σχολή της Λειψίας, κυρίως από τους F. Mendelssohn-Bartholdy και R. Schumann. στον 2ο όροφο. 19ος αιώνας - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. Στη Γαλλία, ο R. εμφανίστηκε ήδη στις όπερες των A. Boildieu και F. Aubert, στη συνέχεια σε πολύ πιο ανεπτυγμένη και πρωτότυπη μορφή από τον Berlioz. Ρομαντικό στην Ιταλία Οι τάσεις αποτυπώθηκαν αισθητά στους G. Rossini και G. Verdi. Κοινή ευρωπαϊκή τιμή έλαβε το έργο του πολωνικού υπολογιστή. F. Chopin, Hung. - F. Liszt, Ιταλός. - Ν. Παγκανίνι (το έργο των Λιστ και Παγκανίνι ήταν και η κορυφή της ρομαντικής παράστασης), γερμανικό. - J. Meyerbeer.

Υπό τις συνθήκες της εθνικής Τα σχολεία R. διατήρησαν πολλά κοινά στοιχεία και ταυτόχρονα έδειξαν μια αξιοσημείωτη πρωτοτυπία σε ιδέες, πλοκές, αγαπημένα είδη, αλλά και στο στυλ.

Στη δεκαετία του '30. βρέθηκαν όντα. διαφωνία μεταξύ του. και γαλλικά σχολεία. Υπάρχουν διαφορετικές ιδέες για το επιτρεπτό μέτρο του στυλιστικού. καινοτομία; αμφιλεγόμενο ήταν και το ζήτημα του παραδεκτού της αισθητικής. συμβιβασμούς καλλιτεχνών για να ικανοποιήσουν τα γούστα του «πλήθους». Ο ανταγωνιστής της καινοτομίας του Μπερλιόζ ήταν ο Μέντελσον, ο οποίος υπερασπίστηκε σταθερά τις νόρμες ενός μέτριου «κλασικού-ρομαντικού» στυλ. Ο Σούμαν, ο οποίος υπερασπιζόταν ένθερμα τον Μπερλιόζ και τον Λιστ, ωστόσο δεν αποδέχτηκε αυτό που του φαινόταν ακραίος των Γάλλων. σχολεία? προτίμησε τον πολύ πιο ισορροπημένο Chopin από τον συγγραφέα της Fantastic Symphony, εξαιρετικά αξιόπιστο Mendelssohn και τους A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett και άλλους κοντά σε αυτόν τον συνθέτη. Ο Schumann επικρίνει τον Meyerbeer με εξαιρετική οξύτητα, βλέποντας η θεαματική του θεατρικότητα, μόνο η δημαγωγία και το κυνήγι της επιτυχίας. Ο Χάινε και ο Μπερλιόζ, αντίθετα, εκτιμούν τη δυναμική των «Ουγενότων» του συγγραφέα. ΜΟΥΣΙΚΗ δραματουργίας. Ο Βάγκνερ αναπτύσσεται κριτικά Τα κίνητρα του Σούμαν, ωστόσο, στο έργο του απέχει πολύ από τις νόρμες ενός μετριοπαθούς ρομαντικού. στυλ; τηρώντας (σε αντίθεση με τον Meyerbeer) αυστηρά αισθητικά κριτήρια. επιλογή, ακολουθεί το δρόμο των τολμηρών μεταρρυθμίσεων. Όλα τα R. 19ος αιώνας ως αντίθεση στη σχολή της Λειψίας, τα λεγόμενα. Νέο γερμανικό σχολείο ή σχολείο της Βαϊμάρης. Ο Λιστ έγινε το κέντρο του στα χρόνια της Βαϊμάρης (1849-61), οι Ρ. Βάγκνερ, Χ. Μπούλοου, Π. Κορνέλιους, Τζ. Ραφ και άλλοι ήταν υποστηρικτές της μουσικής προγράμματος, της μουσικής. δράματα βαγκνερικού τύπου και άλλα ριζικά αναμορφωμένα είδη νέας μουσικής. αγωγή. Από το 1859, οι ιδέες της νέας γερμανικής σχολής εκπροσωπούνται από τον «Στρατηγό Γερμανό Φερέιν» και το περιοδικό που δημιουργήθηκε ήδη από το 1834 από τον Σούμαν. «Neue Zeitschrift für Musik», Krym από το 1844 σκηνοθετήθηκε από τον K. F. Brendel. Στο απέναντι στρατόπεδο, μαζί με τον κριτικό E. Hanslik, τον βιολονίστα και συνθέτη J. Joachim και άλλους, ήταν ο J. Brahms. ο τελευταίος δεν προσπάθησε για διαμάχη και υπερασπίστηκε τις αρχές του μόνο στη δημιουργικότητα (το 1860, ο Μπραμς έβαλε μόνος του την υπογραφή του σε ένα πολεμικό άρθρο - μια συλλογική ομιλία ενάντια σε ορισμένες ιδέες των "Βαϊμαριτών", που δημοσιεύτηκε στο περιοδικό "Echo" του Βερολίνου. ). Αυτό που οι κριτικοί είχαν την τάση να θεωρούν συντηρητισμό στο έργο του Μπραμς, στην πραγματικότητα, ήταν μια ζωντανή και πρωτότυπη τέχνη, όπου ο ρομαντικός. η παράδοση ενημερώθηκε, βιώνοντας μια νέα ισχυρή επιρροή του κλασικού. μουσική του παρελθόντος. Οι προοπτικές αυτής της πορείας φάνηκαν από την ανάπτυξη της Ευρώπης. μουσική στη συνέχεια. δεκαετίες (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev και άλλοι). Στο ίδιο μέτρο, οι ιδέες των «Βαϊμαριτών» αποδείχθηκαν ελπιδοφόρες. Στο μέλλον, οι διαμάχες μεταξύ των δύο σχολείων περνούν ιστορικά παρωχημένες.

Δεδομένου ότι στο mainstream του R. υπήρξαν επιτυχημένες αναζητήσεις για nat. αυθεντικότητα, κοινωνική και ψυχολογική. Για την αλήθεια, τα ιδανικά αυτού του κινήματος ήταν στενά συνυφασμένα με την ιδεολογία του ρεαλισμού. Τέτοιες συνδέσεις είναι εμφανείς, για παράδειγμα, στις όπερες του Βέρντι και του Μπιζέ. Το ίδιο σύμπλεγμα είναι χαρακτηριστικό για έναν αριθμό nat. ΜΟΥΣΙΚΗ σχολεία τον 19ο αιώνα Στα ρώσικα ρομαντική μουσική. στοιχεία αντιπροσωπεύονται ξεκάθαρα ήδη από τους M. I. Glinka και A. S. Dargomyzhsky, στο 2ο ημίχρονο. 19ος αιώνας - από τους συνθέτες του The Mighty Handful και από τον P. I. Tchaikovsky, αργότερα από τους S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner. Υπό την ισχυρή επιρροή του R. αναπτύχθηκαν νεαρές μούσες. πολιτισμούς της Πολωνίας, της Τσεχικής Δημοκρατίας, της Ουγγαρίας, της Νορβηγίας, της Δανίας, της Φινλανδίας (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius και άλλοι), καθώς και Ισπανικά. μουσική 2ος όροφος. 19 - ικετεύω. 20ος αιώνας (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).

Μούσες. Ο Ρ. συνέβαλε ενεργά στην ανάπτυξη της φωνητικής δωματίου και της όπερας. Σύμφωνα με τα ιδανικά του R. στη μεταρρύθμιση του wok. μουσική κεφ. ρόλο παίζει η εμβάθυνση της σύνθεσης του art-in. Wok. η μελωδία ανταποκρίνεται με ευαισθησία στην εκφραστικότητα του ποιητικού. λέξεις, γίνεται πιο λεπτομερής και ατομική. Εργαλείο το κόμμα χάνει τον χαρακτήρα της ουδέτερης «συνοδείας» και διαποτίζεται όλο και περισσότερο με εικονιστικό περιεχόμενο. Στο έργο των Schubert, Schumann, Franz, Wolf, μπορεί να ανιχνευθεί μια διαδρομή από ένα τραγούδι που έχει αναπτυχθεί από την πλοκή στη «μουσική. ποίημα." Ανάμεσα σε γουόκ. είδη, ο ρόλος της μπαλάντας, μονόλογος, σκηνή, ποίημα αυξάνεται. τραγούδια σε πλ. οι περιπτώσεις συνδυάζονται σε κύκλους. Στο ρομαντικό όπερα, που αναπτύχθηκε τον Δεκ. κατευθύνσεις, η σύνδεση μουσικής, λέξεων, θεάτρου αυξάνεται σταθερά. Ενέργειες. Αυτόν τον σκοπό εξυπηρετούν: το σύστημα των μουσών. χαρακτηριστικά και μοτίβα, η ανάπτυξη των τονισμών του λόγου, η συγχώνευση της λογικής της μουσικής. και σκηνή ανάπτυξη, η χρήση πλούσιων ευκαιριών συμφωνική. ορχήστρα (οι παρτιτούρες του Βάγκνερ ανήκουν στα υψηλότερα επιτεύγματα της οπερατικής συμφωνικής).

Στο ενδ. μουσική, οι ρομαντικοί συνθέτες είναι ιδιαίτερα επιρρεπείς στο FP. μικρογραφία. Ένα σύντομο έργο γίνεται μια καθήλωση της στιγμής, επιθυμητή για έναν ρομαντικό καλλιτέχνη: ένα πρόχειρο σκίτσο μιας διάθεσης, ενός τοπίου, μιας χαρακτηριστικής εικόνας. Εκτιμά και σχετίζεται. απλότητα, εγγύτητα με τις ζωτικές πηγές της μουσικής - στο τραγούδι, τον χορό, την ικανότητα να αιχμαλωτίζεις μια φρέσκια, πρωτότυπη γεύση. Δημοφιλείς ποικιλίες ρομαντικών. σύντομο κομμάτι: «τραγούδι χωρίς λόγια», νυχτερινό, πρελούδιο, βαλς, μαζούρκα, καθώς και κομμάτια με ονόματα προγραμμάτων. Στο ενδ. Η μινιατούρα επιτυγχάνει υψηλό περιεχόμενο, ανάγλυφες εικόνες. με συμπαγή μορφή, διακρίνεται από μια φωτεινή έκφραση. Όπως στο wok. στίχοι, εδώ υπάρχει μια τάση να ενωθούν οτ. παίζει σε κύκλους (Σοπέν - Πρελούδια, Σούμαν - "Παιδικές σκηνές", Λιστ - "Χρόνια περιπλάνησης" κ.λπ.) Σε ορισμένες περιπτώσεις, πρόκειται για κύκλους μιας δομής «μέσω», όπου μεταξύ των επιμέρους είναι σχετικά ανεξάρτητοι. παίζουν προκύπτουν διαφορ. είδος τονισμού. επικοινωνιών (Schumann - "Πεταλούδες", "Καρναβάλι", "Kreisleriana"). Τέτοιοι κύκλοι "μέσω" δίνουν ήδη κάποια ιδέα για τις κύριες τάσεις του ρομαντισμού. ερμηνεία μεγάλου ινστρ. μορφές. Από τη μια τονίζει την αντίθεση, τη διαφορετικότητα του ατόμου. επεισόδια, από την άλλη, ενισχύεται η ενότητα του συνόλου. Κάτω από το πρόσημο αυτών των τάσεων δίνεται μια νέα δημιουργικότητα. ερμηνεία του κλασικού σονάτα και κύκλος σονάτας? Οι ίδιες φιλοδοξίες καθορίζουν τη λογική των μονομερών «ελεύθερων» μορφών, οι οποίες συνήθως συνδυάζουν τα χαρακτηριστικά μιας σονάτας allegro, ενός κύκλου σονάτας και της παραλλαγής. Οι «δωρεάν» φόρμες ήταν ιδιαίτερα βολικές για τη μουσική προγράμματος. Στην ανάπτυξή τους, στη σταθεροποίηση του είδους της μονομερούς «συμφωνίας. ποιήματα» Η αξία του Λιστ είναι μεγάλη. Η εποικοδομητική αρχή που διέπει τα ποιήματα του Λιστ - η ελεύθερη μεταμόρφωση ενός θέματος (μονοθεματισμός) - δημιουργεί μια έκφραση. έρχεται σε αντίθεση και ταυτόχρονα εξασφαλίζει τη μέγιστη ενότητα ολόκληρης της σύνθεσης (Πρελούδια, Τάσο κ.λπ.).

Στο ύφος της μουσικής R. τον σημαντικότερο ρόλο παίζουν τα τροπικά και αρμονικά μέσα. Η αναζήτηση νέας εκφραστικότητας συνδέεται με δύο παράλληλες και συχνά αλληλένδετες διαδικασίες: με την ενίσχυση της λειτουργικής και της δυναμικής. πλευρές αρμονιών και με ενίσχυση της αρμονικής. πολύχρωμο. Η πρώτη από αυτές τις διαδικασίες ήταν ο αυξανόμενος κορεσμός των συγχορδιών με αλλοιώσεις και παραφωνίες, που επιδείνωσαν την αστάθειά τους, αύξησαν την ένταση που απαιτούσε επίλυση στις μελλοντικές αρμονικές. κίνηση. Τέτοιες ιδιότητες αρμονίας εξέφραζαν με τον καλύτερο τρόπο την «ατονία» που είναι τυπική του R., το ρεύμα των «άπειρα» αναπτυσσόμενων συναισθημάτων, που ενσωματώθηκε με ιδιαίτερη πληρότητα στον «Τριστάνο» του Βάγκνερ. Πολύχρωμα εφέ εμφανίστηκαν ήδη στη χρήση των δυνατοτήτων του συστήματος μείζονος-ελάσσων τρόπων (Schubert). Νέα, πολύ διαφορετικά χρώματα. αποχρώσεις εξήχθησαν από τα λεγόμενα. φυσικούς τρόπους λειτουργίας, με τη βοήθεια του οποίου τονίστηκε ο Ναρ. ή αρχαϊκή. τη φύση της μουσικής· Ένας σημαντικός ρόλος -ειδικά στην επιστημονική φαντασία- ανατέθηκε σε τάστα με κλίμακες ολικής και «τονικής-ημιτονοίας». Βρέθηκαν επίσης πολύχρωμες ιδιότητες σε μια χρωματικά πολύπλοκη, παράφωνη χορδή, και ήταν σε αυτό το σημείο που οι διαδικασίες που σημειώθηκαν παραπάνω άγγιξαν ξεκάθαρα. Φρέσκο ΗΧΗΤΙΚΑ εφεεπιτεύχθηκαν επίσης μέσω συγκρίσεις συγχορδιών ή τρόπων μέσα στο διατονικό. κλίμακα.

Στο ρομαντικό μελωδική έδρασε το εξής κεφ. τάσεις: στη δομή - η επιθυμία για εύρος και συνέχεια ανάπτυξης και εν μέρει για το "άνοιγμα" της φόρμας. σε ρυθμό – ξεπερνώντας τις παραδόσεις. μετρική κανονικότητας. τόνους και οποιοδήποτε αυτόματο επανάληψη; σε τονισμό. σύνθεση - λεπτομέρεια, γεμίζοντας με εκφραστικότητα όχι μόνο τα αρχικά κίνητρα, αλλά και ολόκληρη τη μελωδική. σχέδιο. Το ιδανικό του Βάγκνερ για την «ατελείωτη μελωδία» περιελάμβανε όλες αυτές τις τάσεις. Μαζί τους συνδέεται και η τέχνη των μεγαλύτερων μελωδών του 19ου αιώνα. Σοπέν και Τσαϊκόφσκι. Μούσες. Ο Ρ. εμπλούτισε πολύ, εξατομίκευσε τα μέσα παρουσίασης (υφή), καθιστώντας τα ένα από τα σημαντικότερα στοιχεία των μουσών. εικόνες. Το ίδιο ισχύει και για τη χρήση του instr. συνθέσεις, ιδιαίτερα συμφωνικές. ορχήστρα. R. ανεπτυγμένο χρώμα. τα μέσα της ορχήστρας και η δραματουργία του ορκ. ανάπτυξη σε ένα ύψος που η μουσική των προηγούμενων εποχών δεν γνώριζε.

Ύστερη μουσική. Ο R. (τέλη 19ου - αρχές 20ου αιώνα) έδινε ακόμα «πλούσια σπορόφυτα», και από τους μεγαλύτερους διαδόχους του το ρομαντικό. η παράδοση εξέφραζε ακόμα τις ιδέες του προοδευτικού, του ανθρωπιστικού. αξιώσεις (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).

Η νέα δημιουργικότητα συνδέεται με την ενίσχυση και τον ποιοτικό μετασχηματισμό των τάσεων του Ρ. επιτεύγματα στη μουσική. Καλλιεργείται νέα λεπτομερής εικόνα - τόσο στη σφαίρα των εξωτερικών εντυπώσεων (ιμπρεσιονιστική χρωματικότητα) όσο και στην εξαιρετικά λεπτή μετάδοση συναισθημάτων (Debussy, Ravel, Scriabin). Οι δυνατότητες της μουσικής διευρύνονται. εικονικότητα (R. Strauss). Η φινέτσα, αφενός, και η αυξημένη εκφραστικότητα, από την άλλη, δημιουργούν μια ευρύτερη κλίμακα συναισθηματικής εκφραστικότητας της μουσικής (Scriabin, Mahler). Ταυτόχρονα, στα τέλη της Ρ., η οποία ήταν στενά συνυφασμένη με τις νέες τάσεις στο γύρισμα του 19ου και του 20ού αιώνα. (ιμπρεσιονισμός, εξπρεσιονισμός), τα συμπτώματα της κρίσης μεγάλωναν. Στην αρχή. 20ος αιώνας Η εξέλιξη του R. αποκαλύπτει μια υπερτροφία της υποκειμενικής αρχής, έναν σταδιακό εκφυλισμό της τελειοποίησης σε αμορφωσιά και ακινησία. Μια πολεμικά οξεία αντίδραση σε αυτά τα χαρακτηριστικά της κρίσης ήταν η μούσα. αντιρομαντισμός της δεκαετίας του 10-20 (I. F. Stravinsky, νεαρός S. S. Prokofiev, συνθέτες του γαλλικού "Six", κ.λπ.); Ο αργός R. ήταν αντίθετος στην επιθυμία για αντικειμενικότητα στο περιεχόμενο, για σαφήνεια της μορφής. προέκυψε νέο κύμα«κλασικισμός», η λατρεία των παλιών δασκάλων, κεφ. αρ. προ Μπετόβεν εποχή. Μέσα 20ου αιώνα έδειξε ωστόσο τη βιωσιμότητα των πολυτιμότερων παραδόσεων του R. Παρά τις καταστροφικές τάσεις που εντάθηκαν στη δυτική μουσική, ο R. διατήρησε την πνευματική του βάση και, εμπλουτισμένος με νέα στιλιστικά. στοιχεία, αναπτύχθηκε από πολλούς. εξαιρετικοί συνθέτες του 20ού αιώνα. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok και άλλοι).

Βιβλιογραφία: Asmus V., Musical Aesthetics of Philosophical Romanticism, "SM", 1934, No 1; Nef K., History of Western European Music, μετάφραση από τα γαλλικά. Επιμέλεια B. V. Asafiev, Μόσχα, 1938. Sollertinsky I., Ο Ρομαντισμός, η γενική και η μουσική του αισθητική, στο βιβλίο του: Ιστορικές επιμελήσεις, L., 1956, τ. 1, 1963; Zhitomirsky D., Notes on Musical Romanticism (Chopin and Schumann), "SM", 1960, No 2; το δικό του, Schumann and Romanticism, στο βιβλίο του: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., Ρομαντικό τραγούδι του 19ου αιώνα, Μ., 1966; Konen, V., History of Foreign Music, τομ. 3, Μ., 1972; Mazel L., Problems of classical harmony, M., 1972 (κεφ. 9 - Για την ιστορική εξέλιξη της κλασικής αρμονίας στον 19ο αιώνα και τις αρχές του 20ου αιώνα); Skrebkov S., Καλλιτεχνικές αρχέςμουσικά στυλ, Μ., 1973; Η μουσική αισθητική της Γαλλίας τον 19ο αιώνα. Comp. κείμενα, εισαγωγή. άρθρο και εισαγωγή. δοκίμια του E. F. Bronfin, M., 1974 (Monuments of musical and aesthetic think); Μουσική της Αυστρίας και της Γερμανίας του 19ου αιώνα, βιβλίο. 1, Μ., 1975; Druskin M., Ιστορία της ξένης μουσικής, τόμ. 4, Μ., 1976.

D. V. Zhitomirsky

Ιδεολογικός καλλιτεχνική διεύθυνση, που αναπτύχθηκε σε όλες τις χώρες της Ευρώπης και του Βορρά. Η Αμερική στη συν. 18 - 1ος όροφος. 19ος αιώνας Ο Ρ. εξέφρασε τη δυσαρέσκεια της αστικής κοινωνίας. αλλάζει, εναντιώνεται στον κλασικισμό και τον διαφωτισμό. Ο Φ. Ένγκελς σημείωσε ότι «... οι κοινωνικοί και πολιτικοί θεσμοί που θεσπίστηκαν με τη «νίκη της λογικής» αποδείχθηκαν μια κακιά, οικτρά απογοητευτική καρικατούρα των λαμπρών υποσχέσεων των διαφωτιστών». Η κριτική του νέου τρόπου ζωής, που περιγράφεται στο κύριο ρεύμα του διαφωτισμού μεταξύ των συναισθηματιστών, ήταν ακόμη πιο εμφανής μεταξύ των ρομαντικών. Ο κόσμος τους φαινόταν εσκεμμένα παράλογος, γεμάτος μυστηριώδεις, ακατανόητους και εχθρικούς ανθρώπους. προσωπικότητα. Για τους ρομαντικούς, οι υψηλές φιλοδοξίες ήταν ασυμβίβαστες με τον έξω κόσμο και η διαφωνία με την πραγματικότητα αποδείχθηκε σχεδόν η κύρια. χαρακτηριστικό R. Lowlands και χυδαιότητα του πραγματικού κόσμου R. εναντιώθηκε στη θρησκεία, τη φύση, την ιστορία, φανταστικό. και εξωτικά. σφαίρες, adv. δημιουργικότητα, αλλά πάνω απ 'όλα - η εσωτερική ζωή του ανθρώπου. Παραστάσεις για την R. εξαιρετικά εμπλουτισμένες. Αν η αρχαιότητα ήταν το ιδανικό του κλασικισμού, τότε ο R. καθοδηγήθηκε από την τέχνη του Μεσαίωνα και της σύγχρονης εποχής, θεωρώντας τους A. Dante, W. Shakespeare και J. W. Goethe ως προκατόχους του. Ο R. υποστήριξε την τέχνη, που δεν προβλέπεται από μοντέλα, αλλά δημιουργήθηκε από την ελεύθερη βούληση του καλλιτέχνη, ενσαρκώνοντας τον εσωτερικό του κόσμο. Μη αποδεχόμενος την περιρρέουσα πραγματικότητα, ο R. την γνώριζε στην πραγματικότητα βαθύτερα και πληρέστερα από τον κλασικισμό. η ύψιστη τέχνηγια το R. ήταν η μουσική, ως η ενσάρκωση του ελεύθερου στοιχείου της ζωής. Εκείνη την περίοδο σημείωσε μεγάλη επιτυχία. Ο Ρ. ήταν επίσης μια περίοδος ασυνήθιστα γρήγορης και σημαντικής ανάπτυξης του μπαλέτου. Τα πρώτα βήματα ενός ρομαντικού μπαλέτα έγιναν στην Αγγλία, Ιταλία, Ρωσία (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky κ.ά.). Ωστόσο, ο R. πιο πλήρως και με συνέπεια πήρε μορφή στα γαλλικά. θέατρο μπαλέτου, η επιρροή του οποίου αντανακλάται σε άλλες χώρες. Μία από τις προϋποθέσεις για αυτό ήταν η υψηλή ανάπτυξη της κλασικής τεχνολογίας στη Γαλλία εκείνη την εποχή. χορός, ιδιαίτερα γυναικείος. Πιο ξεκάθαρα ρομαντικό. τάσεις εκδηλώθηκαν στα μπαλέτα του F. Taglioni («La Sylphide», 1832 κ.λπ.), όπου η δράση εκτυλισσόταν συνήθως παράλληλα στον πραγματικό και φανταστικό κόσμο. Η φαντασία απάλλαξε τον χορό από την ανάγκη για ιδιωτικές καθημερινές δικαιολογίες, άνοιξε περιθώρια για τη χρήση της συσσωρευμένης τεχνικής και την περαιτέρω ανάπτυξή της προκειμένου να αποκαλυφθούν οι βασικές ιδιότητες των χαρακτήρων που απεικονίζονται στο χορό. Στον γυναικείο χορό, που ήρθε στο προσκήνιο στο μπαλέτο του R., εισήχθησαν ολοένα και ευρύτερα τα άλματα, προέκυψε ο χορός στα παπούτσια πουέντ κ.λπ., που αντιστοιχούσε απόλυτα στην εμφάνιση. απόκοσμα πλάσματα- Γουίλις, συλφ. Στο μπαλέτο ο Ρ. κυριαρχούσε στο χορό. Νέες συνθετικές μορφές του κλασικού χορού, ο ρόλος του γυναικείου χορού unison corps de ballet έχει αυξηθεί απότομα. Σύνολο, ντουέτο και σόλο χορό. Ο ρόλος της κορυφαίας μπαλαρίνας αυξήθηκε, ξεκινώντας από τον M. Taglioni. Ένας χιτώνας εμφανίστηκε ως μόνιμη φορεσιά για έναν χορευτή. Ο ρόλος της μουσικής έχει αυξηθεί, συχνά πριν από αυτόν της εθνικής ομάδας. Άρχισε η συμφωνία των χορών. Ενέργειες. Η κορυφή του ρομαντισμού. μπαλέτο - "Giselle" (1841), που ανέβασαν οι J. Coralli και J. Perrot. Το έργο του Perrault σηματοδότησε μια νέα σκηνή στο μπαλέτο R. Η παράσταση βασιζόταν πλέον σε μεγάλο βαθμό στο φως. η αρχική πηγή («Esmeralda» κατά τον Hugo, «Corsair» κατά Βύρωνα κ.λπ.), και κατά συνέπεια, ο χορός δραματοποιήθηκε περισσότερο, ο ρόλος των αποτελεσματικών συνθέσεων (pas d «δράση» αυξήθηκε), η χορευτική λαογραφία χρησιμοποιήθηκε περισσότερο Παρόμοιες φιλοδοξίες εκδηλώθηκαν στο έργο των πιο σημαντικών ημερομηνιών χορευτής μπαλέτου τον Αύγουστο Bournonville Οι χορευτές F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya εμφανίστηκαν.

Ρομαντικός τύπος. παράσταση, που καθιερώθηκε στα μπαλέτα των Taglioni, Perrot, Bournonville, συνέχισε να υπάρχει μέχρι το τέλος. 19ος αιώνας Ωστόσο, η εσωτερική δομή αυτών των παραστάσεων, κυρίως στη δουλειά των μπαλέτων. M. I. Petipa, μεταμορφωμένος.

Η επιθυμία για μια ρομαντική αναβίωση. Το μπαλέτο στην αρχική του μορφή εκδηλώθηκε στο έργο μερικών μπαλετών του 20ού αιώνα. Ο Μ. Μ. Φόκιν έδωσε στον Ρ. στο μπαλέτο νέα χαρακτηριστικά ιμπρεσιονισμού.

Μπαλέτο. Εγκυκλοπαίδεια, SE, 1981

Η μουσική (από το ελληνικό musike, κυριολεκτικά η τέχνη των μουσών) είναι ένα είδος τέχνης που αντανακλά την πραγματικότητα και επηρεάζει τον άνθρωπο μέσα από ουσιαστικές και ειδικά οργανωμένες ηχητικές ακολουθίες, που αποτελούνται κυρίως από τόνους ... ... Μεγάλη Σοβιετική Εγκυκλοπαίδεια

- (Ελληνικά moysikn, από το mousa muse) ένα είδος κοστουμιού που αντανακλά την πραγματικότητα και επηρεάζει ένα άτομο μέσω ηχητικών ακολουθιών που έχουν νόημα και ειδικά οργανωμένες σε ύψος και χρόνο, που αποτελούνται κυρίως από τόνους ... ... Μουσική Εγκυκλοπαίδεια

Περιεχόμενα 1 Ιστορικές πτυχές 2 Λογοτεχνία 2.1 Προέλευση 2.2 Ρεαλισμός ... Wikipedia

Ο όρος αυτός βασίζεται στην ελληνική ή μουσική (που σημαίνει τέχνη), δηλαδή η τέχνη των Μουσών (πρωτίστως των θεών του τραγουδιού και του χορού). Αργότερα, έλαβε ευρύτερο νόημα από τους Έλληνες, με την έννοια της αρμονικής ανάπτυξης του πνεύματος γενικότερα, και πάλι μαζί μας ... ... Εγκυκλοπαιδικό Λεξικό F.A. Brockhaus και I.A. Έφρον

ΠΝΕΥΜΑΤΙΚΗ ΜΟΥΣΙΚΗ- ΜΟΥΣΙΚΗ. έργα του Χριστού. περιεχόμενο που δεν προορίζεται να εκτελεστεί κατά τη διάρκεια της λατρείας. Ο D. m. συχνά αντιτίθεται στην κοσμική μουσική και με αυτή την έννοια, ένα εξαιρετικά ευρύ φάσμα φαινομένων από τη λειτουργική μουσική αναφέρεται μερικές φορές σε αυτόν τον τομέα ... ... Ορθόδοξη Εγκυκλοπαίδεια

Οι ρίζες του Ν. μ ανάγονται στην αρχαιότητα. Αρχαιολογικά στοιχεία. μελέτες δείχνουν την ύπαρξη άλλων μικροβίων. φυλές διαφόρων ειδών πνευμάτων. εργαλεία (λουρ), η κατασκευή κρυκών χρονολογείται από την Εποχή του Χαλκού. Αναμμένο. και ιστορική...... Μουσική Εγκυκλοπαίδεια

Χαρακτηριστικά του σχηματισμού των μουσών. Η κουλτούρα των ΗΠΑ, η οποία ξεκίνησε στο συζ. 17ος αιώνας, καθορίστηκαν σε μεγάλο βαθμό από τον αποικιακό τύπο ανάπτυξης της χώρας. Μεταφέρθηκε στον Αμέρ. το έδαφος της μουσικής οι παραδόσεις της Ευρώπης, της Αφρικής, της αργότερα της Ασίας αφομοιώθηκαν και, αλληλεπιδρώντας, ... ... Μουσική Εγκυκλοπαίδεια

Οι απαρχές του R. m. ανάγονται στο έργο της Ανατολής. δόξα. φυλές που κατοικούσαν στην επικράτεια του Dr. Η Ρωσία πριν από την εμφάνιση τον 9ο αιώνα. ο πρώτος Ρώσος gos va. ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ αρχαία είδηΑνατολή δόξα. η μουσική μπορεί να κριθεί υποθετικά από το otd. ιστορικός αποδείξεις...... Μουσική Εγκυκλοπαίδεια

Η προέλευση του F. m. ανάγεται στη λαογραφία των Κελτικών, Γαλλικών και Φράγκων φυλών που ζούσαν στην αρχαιότητα στο έδαφος της σημερινής Γαλλίας. Ναρ. η τέχνη του τραγουδιού, καθώς και η γαλλο-ρωμαϊκή κουλτούρα, αποτέλεσαν το θεμέλιο για την ανάπτυξη του F. m. Ancient lit. Και… … Μουσική Εγκυκλοπαίδεια

Στα τέλη του XVIII - αρχές XIXαιώνα, εμφανίστηκε μια τέτοια καλλιτεχνική κατεύθυνση όπως ο ρομαντισμός. Σε αυτήν την εποχή, οι άνθρωποι ονειρευόντουσαν έναν ιδανικό κόσμο και «φεύγουν» στη φαντασία. Αυτό το στυλ βρήκε την πιο ζωντανή και παραστατική του ενσάρκωση στη μουσική. Μεταξύ των εκπροσώπων του ρομαντισμού, συνθέτες του 19ου αιώνα όπως ο Carl Weber,

Robert Schumann, Franz Schubert, Franz Liszt και Richard Wagner.

Φραντς Λιστ

Το μέλλον γεννήθηκε στην οικογένεια ενός τσελίστα. Ο πατέρας του τον δίδαξε μουσική από μικρός. Από παιδί τραγουδούσε σε χορωδία και έμαθε να παίζει όργανο. Όταν ο Φραντς ήταν 12 ετών, η οικογένειά του μετακόμισε στο Παρίσι για να μπορέσει το αγόρι να σπουδάσει μουσική. Δεν έγινε δεκτός στο ωδείο, ωστόσο από τα 14 του συνθέτει σκετς. Τέτοιος 19ος αιώνας όπως ο Μπερλιόζ, ο Παγκανίνι, είχε μεγάλη επιρροή πάνω του.

Ο Παγκανίνι έγινε το πραγματικό είδωλο του Λιστ και αποφάσισε να βελτιώσει τις δικές του δεξιότητες στο πιάνο. Η συναυλιακή δραστηριότητα του 1839-1847 συνοδεύτηκε από έναν λαμπρό θρίαμβο. Αυτά τα χρόνια, ο Φέρεντς δημιούργησε τη διάσημη συλλογή θεατρικών έργων «Χρόνια περιπλάνησης». Ένας βιρτουόζος του πιάνου και αγαπημένος του κοινού έχει γίνει μια πραγματική ενσάρκωση της εποχής.

Ο Franz Liszt συνέθεσε μουσική, έγραψε πολλά βιβλία, δίδαξε και έκανε ανοιχτά μαθήματα. Ήρθαν κοντά του συνθέτες του 19ου αιώνα από όλη την Ευρώπη. Μπορούμε να πούμε ότι σχεδόν σε όλη του τη ζωή ασχολήθηκε με τη μουσική, γιατί δούλεψε 60 χρόνια. Μέχρι σήμερα, το μουσικό του ταλέντο και η δεξιοτεχνία του αποτελούν πρότυπο για τους σύγχρονους πιανίστες.

Ρίτσαρντ Βάγκνερ

Η ιδιοφυΐα δημιούργησε μουσική που δεν μπορούσε να αφήσει κανέναν αδιάφορο. Είχε και θαυμαστές και σκληρούς αντιπάλους. Ο Βάγκνερ γοητευόταν από την παιδική του ηλικία με το θέατρο και σε ηλικία 15 ετών αποφάσισε να δημιουργήσει μια τραγωδία με μουσική. Σε ηλικία 16 ετών έφερε τις συνθέσεις του στο Παρίσι.

Για 3 χρόνια προσπαθούσε μάταια να ανεβάσει μια όπερα, αλλά κανείς δεν ήθελε να τα βάλει με έναν άγνωστο μουσικό. Τέτοιος δημοφιλείς συνθέτεςΟ 19ος αιώνας, όπως ο Φραντς Λιστ και ο Μπερλιόζ, τους οποίους γνώρισε στο Παρίσι, δεν του φέρνουν τύχη. Βρίσκεται στη φτώχεια και κανείς δεν θέλει να υποστηρίξει τις μουσικές του ιδέες.

Έχοντας αποτύχει στη Γαλλία, ο συνθέτης επιστρέφει στη Δρέσδη, όπου αρχίζει να εργάζεται ως μαέστρος στο δικαστικό θέατρο. Το 1848 μετανάστευσε στην Ελβετία, γιατί μετά τη συμμετοχή του στην εξέγερση κηρύχθηκε εγκληματίας. Ο Βάγκνερ γνώριζε την ατέλεια της αστικής κοινωνίας και την εξαρτημένη θέση του καλλιτέχνη.

Το 1859 τραγούδησε την αγάπη στην όπερα Tristan und Isolde. Στο Parsifal, η καθολική αδελφότητα παρουσιάζεται με ουτοπικό τρόπο. Το κακό νικιέται και η δικαιοσύνη και η σοφία νικούν. Όλοι οι μεγάλοι συνθέτες του 19ου αιώνα επηρεάστηκαν από τη μουσική του Βάγκνερ και διδάχθηκαν από το έργο του.

Τον 19ο αιώνα δημιουργήθηκε στη Ρωσία μια εθνική σχολή σύνθεσης και ερμηνείας. Υπάρχουν δύο περίοδοι στη ρωσική μουσική: πρώιμο ρομαντισμόκαι κλασικό. Η πρώτη περιλαμβάνει Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα όπως οι A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Μιχαήλ Γκλίνκα

Ο Μιχαήλ Γκλίνκα ίδρυσε μια σχολή συνθετών στη χώρα μας. Το ρωσικό πνεύμα υπάρχει σε όλες τις διάσημες όπερες του όπως «Ρουσλάν και Λιουντμίλα», «Ζωή για τον Τσάρο» είναι εμποτισμένες με πατριωτισμό. Ο Γκλίνκα συνόψισε τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα στη λαϊκή μουσική, χρησιμοποιώντας παλιές μελωδίες και ρυθμούς λαϊκής μουσικής. Ο συνθέτης ήταν καινοτόμος και στη μουσική δραματουργία. Έργο του είναι η άνοδος του εθνικού πολιτισμού.

Οι Ρώσοι συνθέτες έδωσαν στον κόσμο πολλά έργα ιδιοφυΐαςπου κερδίζουν ακόμα και σήμερα τις καρδιές των ανθρώπων. Από τους λαμπρούς Ρώσους συνθέτες του 19ου αιώνα απαθανατίζονται ονόματα όπως οι M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky.

Η κλασική μουσική αντικατοπτρίζει ζωντανά και αισθησιακά τον εσωτερικό κόσμο ενός ανθρώπου. Ο αυστηρός ορθολογισμός αντικαταστάθηκε από το ειδύλλιο του 19ου αιώνα.

Ρομαντική περίοδος

Η ρομαντική περίοδος στη μουσική διήρκεσε περίπου από τη δεκαετία του 1830 έως τη δεκαετία του 1910. Σε κάποιο βαθμό, η λέξη «ρομαντικός» είναι απλώς μια ταμπέλα, μια έννοια που δεν μπορεί να οριστεί αυστηρά, όπως, μάλιστα, πολλές άλλες. Πολλά από τα έργα που αναφέρονται σε όλα ανεξαιρέτως τα κεφάλαια του βιβλίου μας μπορούν δικαίως να ονομαστούν «ρομαντικά».

Η κύρια διαφορά αυτής της περιόδου από άλλες είναι ότι οι συνθέτες εκείνης της εποχής έδιναν μεγαλύτερη προσοχή στα συναισθήματα και την αντίληψη της μουσικής, προσπαθώντας να εκφράσουν συναισθηματικές εμπειρίες με τη βοήθειά της. Σε αυτό διαφέρουν από τους συνθέτες της κλασικής περιόδου, για τους οποίους το πιο σημαντικό πράγμα στη μουσική ήταν η φόρμα και που προσπάθησαν να ακολουθήσουν ορισμένους κανόνες για την κατασκευή σύνθεσης.

Ταυτόχρονα, στοιχεία ρομαντισμού διακρίνονται σε ορισμένους συνθέτες της κλασικής περιόδου και στοιχεία κλασικισμού στους συνθέτες της ρομαντικής περιόδου. Οπότε όλα όσα μιλήσαμε παραπάνω δεν είναι καθόλου σκληρός και γρήγορος κανόνας, αλλά δίκαιος γενικά χαρακτηριστικά.

Η ιστορία δεν έμεινε ακίνητη και όλοι οι άνθρωποι ξαφνικά δεν έγιναν ρομαντικοί, που ενδιαφέρονται μόνο για τις συναισθηματικές τους εμπειρίες. Αυτή είναι η εποχή της γέννησης του σοσιαλισμού, της ταχυδρομικής μεταρρύθμισης και της ίδρυσης του Στρατού της Σωτηρίας. Ταυτόχρονα, ανακαλύφθηκαν βιταμίνες και ράδιο, χτίστηκε η Διώρυγα του Σουέζ. Η Daimler σχεδίασε το πρώτο αυτοκίνητο και οι αδελφοί Ράιτ έκαναν την πρώτη πτήση. Ο Μαρκόνι εφηύρε το ραδιόφωνο στέλνοντας με επιτυχία ένα ασύρματο μήνυμα ενάμιση μίλι μακριά. Η βασίλισσα Βικτώρια κάθισε στον θρόνο της Μεγάλης Βρετανίας περισσότερο από κάθε άλλο Άγγλο μονάρχη. Ο πυρετός του χρυσού ώθησε χιλιάδες ανθρώπους να ταξιδέψουν στην Αμερική.

Ξεφυλλίζοντας το βιβλίο μας, θα παρατηρήσετε ότι αυτό είναι το μεγαλύτερο από όλα τα κεφάλαιά του, στο οποίο αναφέρονται τουλάχιστον τριάντα επτά συνθέτες. Πολλοί από αυτούς έζησαν και εργάστηκαν ταυτόχρονα σε διαφορετικές χώρες. Ως εκ τούτου, χωρίσαμε αυτό το κεφάλαιο σε τρεις ενότητες: «Πρώτοι Ρομαντικοί», «Εθνικοί Συνθέτες» και «Ύστεροι Ρομαντικοί».

Όπως πιθανώς ήδη μαντέψατε, αυτή η διαίρεση δεν ισχυρίζεται επίσης ότι είναι απολύτως ακριβής. Ωστόσο, ελπίζουμε ότι θα βοηθήσει να διατηρήσουμε την αφήγηση συνεπή, αν και όχι πάντα με χρονολογική σειρά.

Πρόκειται για συνθέτες που έχουν γίνει ένα είδος γέφυρας μεταξύ της κλασικής περιόδου και της περιόδου του όψιμου ρομαντισμού. Πολλοί από αυτούς εργάστηκαν ταυτόχρονα με τους «κλασικούς», και ο Μότσαρτ και ο Μπετόβεν είχαν μεγάλη επιρροή στη δουλειά τους. Παράλληλα, πολλοί από αυτούς συνέβαλαν προσωπικά στην ανάπτυξη της κλασικής μουσικής.

Ο πρώτος μας συνθέτης της ρομαντικής περιόδου ήταν πραγματικός σταρ της εποχής του. Κατά τη διάρκεια των παραστάσεων του, έδειξε τα θαύματα της δεξιοτεχνίας του βιολιού και έπαιξε απίστευτα ακροβατικά. Όπως ο βιρτουόζος κιθαρίστας της ροκ Τζίμι Χέντριξ, που γεννήθηκε εκατόν εξήντα χρόνια αργότερα, Νικολό Παγκανίνιεντυπωσίαζε πάντα το κοινό με την παθιασμένη ερμηνεία του.

Ο Paganini μπορούσε να παίξει ολόκληρο το κομμάτι σε δύο χορδές βιολιού αντί για τέσσερις. Ωρες ωρες

έκανε ακόμη και σκόπιμα να σπάσουν οι χορδές στη μέση της παράστασης, μετά την οποία ολοκλήρωσε έξοχα το έργο υπό το θορυβώδες χειροκρότημα του κοινού.

Ως παιδί, ο Paganini ασχολήθηκε αποκλειστικά με τη μουσική. Ωστόσο, ο πατέρας του τον τιμώρησε ακόμη και επειδή δεν ασκήθηκε αρκετά, μην του έδινε φαγητό ή νερό.

Ως ενήλικας, ο Παγκανίνι έπαιζε βιολί τόσο βιρτουόζο που φημολογούνταν ότι είχε κάνει συμφωνία με τον ίδιο τον διάβολο, αφού κανένας θνητός δεν μπορούσε να παίξει τόσο θαυμάσια. Μετά το θάνατο του μουσικού, η εκκλησία στην αρχή αρνήθηκε ακόμη και να τον θάψει στη δική της γη.

Ο Paganini, αναμφίβολα, κατανοούσε όλα τα οφέλη των δημόσιων ομιλιών του, δηλώνοντας:

«Είμαι άσχημη, αλλά όταν οι γυναίκες με ακούν να παίζω, σέρνονται στα πόδια μου».

Το ύφος και η δομή των μουσικών συνθέσεων συνέχισε να εξελίσσεται τόσο στις οργανικές συνθέσεις όσο και στην όπερα. Στη Γερμανία, η πρωτοπορία της όπερας πρωτοστάτησε Καρλ Μαρία φον Βέμπερ,αν και έζησε σε χρόνια που πολλοί δεν αποδίδουν στη ρομαντική περίοδο.

Μπορεί να ειπωθεί ότι για τους Βέμπερς, η όπερα ήταν οικογενειακή υπόθεση και ο Καρλ ταξίδεψε πολύ με την εταιρεία όπερας του πατέρα του ως παιδί. Η όπερα του Δωρεάν Shooter (Magic Shooter)μπήκε στην ιστορία της μουσικής λόγω του γεγονότος ότι σε αυτήν χρησιμοποιήθηκαν λαϊκά μοτίβα.

Λίγο αργότερα θα μάθετε ότι μια τέτοια τεχνική θεωρείται χαρακτηριστικό στοιχείορομαντική περίοδος.

Ο Βέμπερ έγραψε επίσης πολλά κοντσέρτα για κλαρίνο, για τα οποία είναι ευρέως γνωστός σήμερα.

Η Ιταλία είναι η γενέτειρα της όπερας και στο πρόσωπο Τζιοακίνο Αντόνιο ΡοσίνιΟι Ιταλοί είχαν την τύχη να βρουν έναν νέο ήρωα αυτού του είδους. Έγραψε όπερες κωμικού και τραγικού περιεχομένου με την ίδια επιτυχία.

Ο Ροσίνι ήταν ένας από εκείνους τους συνθέτες που συνθέτουν γρήγορα και συνήθως του έπαιρνε μόνο μερικές εβδομάδες για να γράψει μια όπερα. Στο απόγειο της φήμης του, είπε κάποτε:

«Δώσε μου τον λογαριασμό του πλυντηρίου και θα τον μελοποιήσω».

Λένε ότι Κουρέας της ΣεβίλληςΟ Rossini συνέθεσε σε μόλις δεκατρείς ημέρες. Ένας τόσο γρήγορος ρυθμός δουλειάς οδήγησε στο γεγονός ότι οι νέες του όπερες ανέβαιναν συνεχώς σε όλα τα θέατρα της Ιταλίας. Αλλά δεν αντιμετώπιζε πάντα ευνοϊκά τους ερμηνευτές των συνθέσεων του και κάποτε μίλησε ακόμη και απαξιωτικά για αυτούς:

«Τι υπέροχη όπερα θα ήταν αν δεν υπήρχαν τραγουδιστές σε αυτήν!»

Αλλά σε ηλικία τριάντα επτά ετών, ο Ροσίνι σταμάτησε ξαφνικά να γράφει όπερες και σχεδόν στο παρελθόν τέσσερις δεκαετίεςτης ζωής του από μεγάλα έργα που δημιούργησε μόνο Stabat mater.

Μέχρι στιγμής, δεν είναι απολύτως σαφές από τι καθοδηγούνταν όταν έπαιρνε μια τέτοια απόφαση, ωστόσο, μέχρι τότε είχε συσσωρευτεί ένα σημαντικό ποσό στον τραπεζικό του λογαριασμό - δικαιώματα από παραγωγές.

Εκτός από τη μουσική, ο Rossini είχε πάθος για τις μαγειρικές τέχνες και πολλά περισσότερα πιάτα φέρουν το όνομά του από άλλους συνθέτες. Μπορείτε ακόμη να κανονίσετε ένα ολόκληρο δείπνο, το οποίο θα περιλαμβάνει Rossini Salad, Rossini Omelet και Rossini Tournedo. (Τα τουρνέδο είναι λωρίδες κρέατος τηγανισμένες σε τριμμένη φρυγανιά, που σερβίρονται με πατέ και τρούφες.)

Φραντς Σούμπερτ,που έζησε μόνο τριάντα ένα χρόνια, ήδη από τα δεκαεπτά του είχε καθιερωθεί ως ταλαντούχος συνθέτης. Για το δικό μου μακροζωίαΣυνολικά έγραψε περισσότερα από εξακόσια τραγούδια, εννέα συμφωνίες, έντεκα όπερες και περίπου τετρακόσια άλλα έργα. Μόνο το 1815 συνέθεσε εκατόν σαράντα τέσσερα τραγούδια, δύο μάζες, μια συμφωνία και μια σειρά από άλλα έργα.

Το 1823 προσβλήθηκε από σύφιλη και πέντε χρόνια αργότερα, το 1828, πέθανε από τυφοειδή πυρετό. Ένα χρόνο νωρίτερα, παρευρέθηκε στην κηδεία του ειδώλου του Λούντβιχ βαν Μπετόβεν.

Είναι αξιοσημείωτο ότι ο Σούμπερτ ήταν ένας από τους πρώτους μεγάλους συνθέτες που έγινε διάσημος χάρη στην απόδοση έργων άλλων ανθρώπων. Ο ίδιος έδωσε μόνο ένα μεγάλη συναυλίατη χρονιά του θανάτου του, και ακόμη και τότε επισκιάστηκε από την παράσταση του Παγκανίνι, που ήρθε στη Βιέννη την ίδια περίπου εποχή. Έτσι ο φτωχός Σούμπερτ δεν πήρε ποτέ τον σεβασμό που του άξιζε κατά τη διάρκεια της ζωής του.

Ένα από τα μεγαλύτερα μυστήρια του Σούμπερτ είναι Συμφωνία Νο. 8,γνωστό με το όνομα Ημιτελής.Έγραψε μόνο δύο μέρη του και μετά σταμάτησε να δουλεύει. Κανείς δεν ξέρει γιατί το έκανε αυτό, αλλά αυτή η συμφωνία εξακολουθεί να είναι ένα από τα πιο δημοφιλή έργα του.

Έκτορας Μπερλιόζγεννήθηκε στην οικογένεια ενός γιατρού, έτσι ώστε, σε αντίθεση με πολλούς άλλους συνθέτες που αναφέρονται στο βιβλίο μας, δεν έλαβε πλήρη μουσική εκπαίδευση.

Στην αρχή, αποφάσισε να ακολουθήσει τα βήματα του πατέρα του και να γίνει γιατρός, για το οποίο πήγε στο Παρίσι, αλλά εκεί άρχισε να περνά όλο και περισσότερο χρόνο στην όπερα. Τελικά αποφάσισε να ασχοληθεί με τη μουσική, προς μεγάλη απογοήτευση των γονιών του.

Η εικόνα του Μπερλιόζ μπορεί να φαίνεται καρικατούρα σε ανθρώπους τόσο μακριά από τη συγγραφή

παρουσιάζονται όλοι οι συνθέτες: πολύ νευρικοί και ευερέθιστοι, παρορμητικοί, με έντονες εναλλαγές διάθεσης και, φυσικά, ασυνήθιστα ρομαντικοί στις σχέσεις με το αντίθετο φύλο. Κάποτε επιτέθηκε στην πρώην ερωμένη του με ένα όπλο στο χέρι και απείλησε να τη δηλητηριάσει. άλλον καταδίωξε, ντυμένος με γυναικεία ρούχα.

Αλλά το κύριο θέμα των ρομαντικών φιλοδοξιών του Berlioz ήταν η ηθοποιός Harriet Smithson, η οποία αργότερα υπέστη σοβαρό νευρικό κλονισμό - προφανώς, τις οφείλει σε μεγάλο βαθμό στον ίδιο τον Berlioz. Την είδε για πρώτη φορά το 1827, αλλά κατάφερε να τη γνωρίσει προσωπικά μόλις το 1832. Στην αρχή, ο Smithson απέρριψε τον Berlioz και αυτός, θέλοντας να επιτύχει την αμοιβαιότητα, έγραψε φανταστική συμφωνία.Το 1833, ωστόσο, παντρεύτηκαν, αλλά, όπως ήταν αναμενόμενο, λίγα χρόνια αργότερα ο Μπερλιόζ ερωτεύτηκε μια άλλη γυναίκα.

Όσο για τη μουσική, ο Μπερλιόζ λάτρευε την εμβέλεια. Πάρτε για παράδειγμα το δικό του Μνημόσυνο,γραμμένο για μια τεράστια ορχήστρα και χορωδία, καθώς και τέσσερις μπάντες πνευστών τοποθετημένες σε κάθε γωνιά της σκηνής. Τέτοια αγάπη για μεγάλες μορφέςδεν συνέβαλε πολύ στη μεταθανάτια φήμη του. Η εκτέλεση των έργων του με τη μορφή που τα συνέλαβε μπορεί να είναι πολύ ακριβή, και μερικές φορές ακόμη και αδύνατη. Αλλά τέτοια εμπόδια δεν τον ενοχλούσαν καθόλου και συνέχισε να συνθέτει μουσική με όλο το πάθος που μπορούσε. Κάποτε είπε:

«Κάθε συνθέτης είναι εξοικειωμένος με τον πόνο και την απελπισία που προέρχεται από το ότι δεν έχει αρκετό χρόνο για να γράψει ό,τι έχει καταλήξει».

Κάθε μαθητής που διαβάζει αυτό το βιβλίο θα πρέπει να ζηλεύει ανθρώπους όπως Φέλιξ Μέντελσον,σε ανθρώπους που έγιναν διάσημοι στην παιδική ηλικία.

Όπως βλέπουμε από πολλά παραδείγματα, αυτό δεν είναι καθόλου ασυνήθιστο στον κόσμο της κλασικής μουσικής.

Ωστόσο, ο Μέντελσον πέτυχε όχι μόνο στη μουσική. ήταν από τους λίγους ανθρώπους που καταφέρνουν να πετύχουν ένα καλό αποτέλεσμα σε ό,τι αναλαμβάνουν - στη ζωγραφική, την ποίηση, τον αθλητισμό, τις γλώσσες.

Δεν ήταν δύσκολο για τον Μέντελσον να τα καταφέρει όλα αυτά.

Ο Μέντελσον ήταν τυχερός - γεννήθηκε σε μια πλούσια οικογένεια και μεγάλωσε στη δημιουργική ατμόσφαιρα των καλλιτεχνικών κύκλων του Βερολίνου. Ως παιδί γνώρισε πολλούς ταλαντούχους καλλιτέχνες και μουσικούς που ήρθαν να επισκεφτούν τους γονείς του.

Ο Μέντελσον έκανε την πρώτη του δημόσια εμφάνιση σε ηλικία εννέα ετών και μέχρι τα δεκαέξι του είχε ήδη συνθέσει Οκτάδα χορδών.Ένα χρόνο αργότερα έγραψε μια οβερτούρα στο έργο του Σαίξπηρ Ένα όνειρο σε μια καλοκαιρινή νύχτα.Αλλά δημιούργησε την υπόλοιπη μουσική για αυτήν την κωμωδία μόνο μετά από δεκαεπτά χρόνια (συμπεριλαμβανομένης της διάσημης Μάρτιος Γάμου, που τελείται ακόμα συχνά σε γάμους).

Η προσωπική ζωή του Μέντελσον αναπτύχθηκε επίσης με επιτυχία: με τα χρόνια ενός μακροχρόνιου και διαρκούς γάμου, αυτός και η σύζυγός του απέκτησαν πέντε παιδιά.

Εργάστηκε και ταξίδεψε πολύ, συμπεριλαμβανομένης της Σκωτίας, για τους κατοίκους των οποίων μίλησε όχι και πολύ επιδοκιμαστικά:

«... [δεν παράγουν] παρά μόνο ουίσκι, ομίχλη και κακοκαιρία».

Αυτό όμως δεν τον εμπόδισε να γράψει δύο υπέροχα έργα αφιερωμένα στη Σκωτία. Δεκατρία χρόνια μετά το τέλος του πρώτου ταξιδιού Σκωτσέζικη Συμφωνία;η βάση Overtures των ΕβρίδωνΣκωτσέζικες μελωδίες ξάπλωσαν. Ο Μέντελσον συνδέθηκε επίσης με τη Μεγάλη Βρετανία με το ορατόριο του Elijah, το οποίο ανέβηκε για πρώτη φορά στο Μπέρμιγχαμ το 1846. Γνώρισε μάλιστα τη βασίλισσα Βικτώρια και έκανε μαθήματα μουσικής στον πρίγκιπα Αλβέρτο.

Ο Μέντελσον πέθανε από εγκεφαλικό σε σχετικά νεαρή ηλικίαστα τριάντα οκτώ. Φυσικά, μπορεί να ειπωθεί ότι δεν γλίτωνε τον εαυτό του και καταπονούσε τον εαυτό του από την υπερβολική δουλειά, αλλά σε μεγάλο βαθμό τον θάνατό του επιτάχυνε ο θάνατος της αγαπημένης του αδερφής Fanny, η οποία ήταν επίσης ταλαντούχα μουσικός.

Μπροστά μας είναι άλλο ένα ρομαντικό μέχρι το μεδούλι των οστών. Εν Φρεντερίκ Σοπένδιακρίθηκε επίσης από μια παθιασμένη αφοσίωση σε ένα όργανο, και αυτό είναι πολύ σπάνιο για τους συνθέτες που αναφέρονται στο βιβλίο μας.

Το να πούμε ότι ο Σοπέν λάτρευε το πιάνο είναι υποτιμητικό. Το θαύμασε, αφιέρωσε όλη του τη ζωή στη σύνθεση συνθέσεων για πιάνο και στη βελτίωση των τεχνικών παιξίματός του. Ήταν σαν να μην υπήρχαν άλλα όργανα για αυτόν, εκτός ίσως ως συνοδεία σε ορχηστρικές συνθέσεις.

Ο Σοπέν γεννήθηκε το 1810 στη Βαρσοβία. Ο πατέρας του ήταν Γάλλος εκ γενετής και η μητέρα του Πολωνή. Ο Φρειδερίκος άρχισε να παίζει σε ηλικία επτά ετών και οι πρώτες του συνθέσεις χρονολογούνται την ίδια εποχή. Πρέπει να πούμε ότι το δικό του εγγύησηείχε πάντα εστίαση στο μέλλον.

Στη συνέχεια, ο Σοπέν έγινε διάσημος στο Παρίσι, όπου άρχισε να δίνει μαθήματα μουσικής σε πλούσιους ανθρώπους, χάρη στα οποία ο ίδιος έγινε πλούσιος. Πάντα παρακολουθούσε στενά τα δικά του εμφάνισηκαι να διατηρεί την γκαρνταρόμπα του ενημερωμένη με τις τελευταίες μόδες.

Ως συνθέτης, ο Σοπέν ήταν μεθοδικός και σχολαστικός. Ποτέ δεν επέτρεψε στον εαυτό του να είναι απρόσεκτος, κάθε έργο τελειοποιήθηκε από τον ίδιο στην εντέλεια. Δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι η σύνθεση μουσικής ήταν μια επίπονη διαδικασία για αυτόν.

Συνολικά, συνέθεσε εκατόν εξήντα εννέα σόλο έργα για πιάνο.

Στο Παρίσι, ο Σοπέν ερωτεύτηκε την Amandine Aurora Lucile Dupin, μια γνωστή Γαλλίδα συγγραφέα με φανταχτερό όνομα, περισσότερο γνωστή με το ψευδώνυμο George Sand. Ήταν ένας αρκετά αξιόλογος άνθρωπος: τη βρίσκαμε συχνά στους δρόμους του Παρισιού να κυκλοφορεί με ανδρικά ρούχα και να καπνίζει πούρα, κάτι που συγκλόνισε το καλοσυντηρημένο κοινό. Το ειδύλλιο μεταξύ του Σοπέν και του Τζορτζ Σαντ προχώρησε καταιγιστικά και κατέληξε σε ένα οδυνηρό διάλειμμα.

Όπως κάποιοι άλλοι συνθέτες της ρομαντικής περιόδου, ο Σοπέν δεν έζησε πολύ - πέθανε από φυματίωση σε ηλικία τριάντα εννέα ετών, λίγο μετά τη ρήξη του με τον Τζορτζ Σαντ.

Ρόμπερτ Σούμαν- ένας άλλος συνθέτης που έζησε μια σύντομη και συναρπαστική ζωή, αν και στην περίπτωσή του όλα ήταν καρυκευμένα με αρκετή τρέλα. Σήμερα είναι γνωστά έργα για πιάνο, τραγούδια και μουσική δωματίου του Schumann.

Ο Schumann ήταν ένας λαμπρός συνθέτης, αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του ήταν στη σκιά της συζύγου του Κλάρα Σούμαν,λαμπρός πιανίστας της εποχής. Ως συνθέτης είναι λιγότερο γνωστή, αν και έγραψε και αρκετά ενδιαφέρουσα μουσική.

Ο ίδιος ο Robert Schumann δεν μπορούσε να παίξει ως πιανίστας λόγω τραυματισμού στο χέρι και του ήταν δύσκολο να ζήσει δίπλα σε μια γυναίκα που έγινε διάσημη σε αυτόν τον τομέα.

Ο συνθέτης έπασχε από σύφιλη και νευρικό κλονισμό. μια φορά μάλιστα προσπάθησε να αυτοκτονήσει πετώντας τον εαυτό του στον Ρήνο. Διασώθηκε και μεταφέρθηκε σε ψυχιατρείο, όπου πέθανε δύο χρόνια αργότερα.

Ο Σούμαν αντιμετώπισε την τέχνη πραγματιστικά. Είναι γνωστή η ακόλουθη δήλωση:

«Για να συνθέσετε, χρειάζεται απλώς να δημιουργήσετε μια μελωδία που κανείς άλλος δεν έχει σκεφτεί».

Εάν ο Paganini μπορεί να ονομαστεί ο βασιλιάς των βιολονιστών-ερμηνευτών, τότε μεταξύ των ρομαντικών πιανιστών αυτός ο τίτλος ανήκει δικαιωματικά Φραντς Λιστ.Ασχολήθηκε επίσης με διδακτικές δραστηριότητες και ακούραστα ερμήνευσε έργα άλλων συνθετών, ιδιαίτερα του Βάγκνερ, για τα οποία θα συζητηθούν αργότερα.

Οι συνθέσεις για πιάνο του Λιστ είναι εξαιρετικά δύσκολο να ερμηνευτούν, αλλά έγραφε σύμφωνα με την τεχνική του στο παίξιμο, γνωρίζοντας καλά ότι κανείς δεν θα τις έπαιζε καλύτερα από αυτόν.

Επιπλέον, ο Λιστ μετέγραψε στο πιάνο τα έργα άλλων συνθετών: Μπετόβεν, Μπερλιόζ, Ροσίνι και Σούμπερτ. Κάτω από τα δάχτυλά του, απέκτησαν μια παράξενη πρωτοτυπία και άρχισαν να ακούγονται με έναν νέο τρόπο. Λαμβάνοντας υπόψη ότι αρχικά γράφτηκαν για την ορχήστρα, μένει να θαυμάσουμε την ικανότητα του μουσικού, που τα αναπαράγει με εκπληκτική ακρίβεια σε ένα μόνο όργανο.

Ο Λιστ ήταν πραγματικός σταρ της εποχής του. εκατό χρόνια πριν από την εφεύρεση του ροκ εν ρολ, έζησε μια ζωή αντάξια οποιουδήποτε ροκ μουσικού, συμπεριλαμβανομένων διάφορων έρωτες. Ακόμη και η απόφαση να πάρει ιερές εντολές δεν τον εμπόδισε να ξεκινήσει μια σχέση.

Ο Λιστ έκανε επίσης δημοφιλή παραστάσεις με το πιάνο και την ορχήστρα, ένα είδος που συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Του άρεσε να πιάνει τα θαυμαστικά βλέμματα των θαυμαστών και να ακούει τις ενθουσιώδεις κραυγές του κοινού βλέποντας τα δάχτυλά του να πετούν πάνω από τα πλήκτρα. Έτσι γύρισε το πιάνο για να παρακολουθήσει το κοινό το παίξιμο του πιανίστα. Πριν από αυτό, κάθισαν με την πλάτη τους στο κοινό.

Το ευρύ κοινό γνωρίζει Ζορζ Μπιζέως δημιουργός της όπερας Κάρμεναλλά ο κατάλογος που δημοσιεύτηκε στο τέλος του βιβλίου μας περιελάμβανε ένα άλλο έργο του, Au Fond du Temple Saint(γνωστός και ως Ντουέτο Nadir και Zurgi)από την όπερα Αναζητητές μαργαριταριών.Βρίσκεται σταθερά στην κορυφή των charts από τότε που ξεκινήσαμε να συντάσσουμε τη λίστα με τα πιο δημοφιλή τραγούδια μεταξύ των ακροατών Classic FM το 1996.

Ο Bizet είναι άλλο ένα παιδί-θαύμα που έχει αποδείξει την εξαιρετικότητά του μουσική ικανότηταακόμη και στην παιδική ηλικία. Έγραψε την πρώτη του συμφωνία σε ηλικία δεκαεπτά ετών. Είναι αλήθεια ότι πέθανε επίσης νωρίς, σε ηλικία τριάντα έξι ετών, προσθέτοντας στη λίστα με τις ιδιοφυΐες που έφυγαν πρόωρα.

Παρά το ταλέντο του, ο Bizet δεν πέτυχε ποτέ πραγματική αναγνώριση κατά τη διάρκεια της ζωής του. ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ αναζητητές μαργαριταριώνανέβηκε με μικτή επιτυχία, και η πρεμιέρα Κάρμενκαι κατέληξε εντελώς σε αποτυχία - το μοντέρνο κοινό εκείνης της εποχής δεν το δέχτηκε. Ευνοείται από κριτικούς και αληθινούς γνώστες της μουσικής Κάρμενκατακτήθηκε μόνο μετά το θάνατο του συνθέτη. Από τότε, έχει τεθεί σε όλα τα κορυφαία όπερεςειρήνη.

Εδώ είναι ένας άλλος εξαιρετικά ασαφής ορισμός. Όχι μόνο όλοι οι ρομαντικοί συνθέτες, αλλά και, σε κάποιο βαθμό, πολλοί εκπρόσωποι του μπαρόκ και της κλασικής περιόδου μπορούν δικαίως να αποκαλούνται «Εθνικιστές».

Ωστόσο, σε αυτή την ενότητα θα απαριθμήσουμε δεκατέσσερις κορυφαίους συνθέτες της ρομαντικής περιόδου, τα έργα των οποίων είναι γραμμένα με τέτοιο ύφος που ακόμη και οι ακροατές που δεν είναι πολύ εξοικειωμένοι με την κλασική μουσική μπορούν να πουν από πού προέρχεται αυτός ή εκείνος ο δάσκαλος.

Μερικές φορές αυτοί οι συνθέτες ταξινομούνται ότι ανήκουν σε ένα ή άλλο εθνικό μουσικό σχολείο, αν και αυτή η προσέγγιση δεν είναι απολύτως σωστή.

Συνήθως, όταν χρησιμοποιείται η λέξη «σχολείο», παρουσιάζεται μια τάξη στην οποία τα παιδιά, υπό την καθοδήγηση ενός δασκάλου, εκτελούν την ίδια εργασία.

Αν μιλάμε για συνθέτες, τους ένωνε μια κοινή κατεύθυνση και ο καθένας ακολούθησε το δικό του μονοπάτι, προσπαθώντας να βρει τα δικά του, μοναδικά μέσα μουσικής έκφρασης.

Εάν η ρωσική κλασική μουσική έχει έναν ιδρυτή, τότε είναι, χωρίς αμφιβολία, Μιχαήλ Ιβάνοβιτς Γκλίνκα.Οι εθνικιστές μουσικοί διακρίνονται ακριβώς από το γεγονός ότι χρησιμοποιούν λαϊκές μελωδίες στα έργα τους. Ο Γκλίνκα μυήθηκε στα ρωσικά τραγούδια από τη γιαγιά του.

Σε αντίθεση με πολλούς άλλους ταλαντούχους συνθέτες που αναφέρονται τόσο συχνά στις σελίδες του βιβλίου μας, ο Γκλίνκα άρχισε να μελετά σοβαρά τη μουσική σε σχετικά αργή ηλικία - στα είκοσί του. Στην αρχή υπηρέτησε ως υπάλληλος στο Υπουργείο Σιδηροδρόμων.

Όταν ο Γκλίνκα αποφάσισε να αλλάξει καριέρα, πήγε στην Ιταλία, όπου έπαιξε ως πιανίστας. Εκεί ανέπτυξε μια βαθιά αγάπη για την όπερα. Επιστρέφοντας στο σπίτι, συνέθεσε την πρώτη του όπερα Ζωή για τον βασιλιά.Το κοινό τον αναγνώρισε αμέσως ως τον καλύτερο σύγχρονο Ρώσο συνθέτη. Η δεύτερη όπερα του Ruslan και Ludmila,δεν ήταν τόσο επιτυχημένη, αν και άντεξε καλύτερα στη δοκιμασία του χρόνου.

Αλεξάντερ Πορφιρίεβιτς Μποροντίνανήκει στους συνθέτες που εκτός από τη μουσική ασχολήθηκαν ενεργά και με άλλες δραστηριότητες. Όσο για τον Borodin, ξεκίνησε την καριέρα του ως επιστήμονας - χημικός. Η πρώτη του σύνθεση ονομαζόταν “On the action of ethyl iodide on hydrobenzamide and amarin” και φυσικά δεν θα την ακούσετε ποτέ στο Classic FM, αφού είναι επιστημονική εργασίαπου δεν έχει καμία σχέση με τη μουσική.

Ο Μποροντίν ήταν νόθος γιος ενός Γεωργιανού πρίγκιπα. Την αγάπη του για τη μουσική και το ενδιαφέρον για την τέχνη γενικότερα την πήρε από τη μητέρα του, κρατώντας τα για μια ζωή.

Λόγω της συνεχούς απασχόλησης, κατάφερε να εκδώσει μόνο είκοσι περίπου έργα, τα οποία περιλαμβάνουν συμφωνίες, τραγούδια και μουσική δωματίου.

Μαζί με Mily Balakirev, Nikolai Rimsky-Korsakov, Caesar CuiΚαι Σεμνός ΜουσόργκσκιΟ Borodin ήταν μέλος της μουσικής κοινότητας Mighty Handful. Η επιτυχία όλων αυτών των συνθετών είναι ακόμη πιο αξιοσημείωτη στο ότι όλοι είχαν και άλλες αναζητήσεις εκτός από τη μουσική.

Σε αυτό διαφέρουν σαφώς από τους περισσότερους άλλους συνθέτες που αναφέρονται σε αυτό το βιβλίο.

Το πιο δημοφιλές έργο του Borodin - Πολοβτσιανοί χοροίαπό την όπερα του Πρίγκιπας Ιγκόρ.Να αναφέρουμε ότι ο ίδιος δεν το ολοκλήρωσε ποτέ (αν και το δούλεψε δεκαεπτά χρόνια). Την όπερα ολοκλήρωσε ο φίλος του Rimsky - Korsakov, για τον οποίο θα μιλήσουμε αναλυτικότερα αργότερα.

Σύμφωνα με τη γνώμη μας, Σεμνός Πέτροβιτς Μουσόργκσκιήταν ο πιο εφευρετικός και επιδραστικός από τους συνθέτες του "Mighty Handful", αν και αυτός, ως ασυνήθιστο άτομο, δεν ξέφυγε από ένα ή δύο κακίες που ενυπάρχουν σε πολλούς εκπροσώπους δημιουργικών επαγγελμάτων.

Φεύγοντας από το στρατό, ο Mussorgsky έπιασε δουλειά στη δημόσια υπηρεσία. Στα νιάτα του λάτρευε, όπως λένε, να κάνει μια βόλτα, τον διέκρινε εντυπωσιασμός και προς το τέλος της ζωής του έπασχε από αλκοολισμό. Για το λόγο αυτό, συχνά απεικονίζεται με ανακατωμένα μαλλιά και αφύσικα κόκκινη μύτη.

Ο Mussorgsky συχνά δεν ολοκλήρωσε τα έργα του και οι φίλοι του το έκαναν γι 'αυτόν - μερικές φορές όχι με τον τρόπο που ήθελε, έτσι τώρα δεν είμαστε σίγουροι ποια ήταν η αρχική πρόθεση του συγγραφέα. Ενορχήστρωση της όπερας Μπόρις Γκοντούνοφανακατασκεύασε τον Rimsky-Korsakov, καθώς και το περίφημο " μουσική εικόνα» Νύχτα στο Φαλακρό Βουνό(χρησιμοποιείται στην ταινία της Disney Φαντασία).Ενορχήστρωση σε Εικόνες από την έκθεσηέγραψε ο Maurice Ravel, και σε αυτή την έκδοση είναι γνωστοί στην εποχή μας.

Παρά το γεγονός ότι ο Mussorgsky καταγόταν από πλούσια οικογένεια και είχε μεγάλο ταλέντο ως πιανίστας και συνθέτης, πέθανε σε ηλικία μόλις σαράντα δύο ετών από αλκοολισμό.

Γονείς Νικολάι Ρίμσκι-Κόρσακοφονειρευόντουσαν τον γιο τους να υπηρετεί στο ναυτικό και ανταποκρίθηκε στις προσδοκίες τους. Όμως, έχοντας υπηρετήσει για αρκετά χρόνια στο Πολεμικό Ναυτικό και έχοντας κάνει μια σειρά από θαλάσσια ταξίδια, έγινε συνθέτης και δάσκαλος μουσικής, κάτι που αναμφίβολα αποτέλεσε έκπληξη για την οικογένειά του. Για να πούμε την αλήθεια, ο Rimsky-Korsakov πάντα ενδιαφερόταν για τη μουσική, και άρχισε ακόμη και να συνθέτει Συμφωνία Νο. 1,όταν το πλοίο του ήταν αγκυροβολημένο στη βιομηχανική περιοχή του Gravesend στις εκβολές του Τάμεση. Αυτό είναι ίσως ένα από τα λιγότερο ρομαντικά μέρη για να συνθέσετε τη μουσική που αναφέρεται σε αυτό το βιβλίο.

Εκτός από το γεγονός ότι ο Rimsky-Korsakov ολοκλήρωσε και αναθεώρησε μερικές από τις συνθέσεις του Mussorgsky, ο ίδιος δημιούργησε δεκαπέντε όπερες με θέματα από τη ρωσική ζωή, αν και η επιρροή των εξωτικών χωρών είναι επίσης αισθητή στα έργα του. Για παράδειγμα, Σεχεραζάντβασισμένο στην ιστορία από τις Χίλιες και μία νύχτες.

Ο Rimsky-Korsakov ήταν ιδιαίτερα καλός στο να δείχνει την ομορφιά του ήχου ολόκληρης της ορχήστρας. Έδωσε μεγάλη προσοχή σε αυτό στη διδασκαλία του και έτσι επηρέασε πολλούς Ρώσους συνθέτες που εργάστηκαν μετά από αυτόν, ιδιαίτερα τον Στραβίνσκι.

Πίτερ Ίλιτς Τσαϊκόφσκιχρησιμοποίησε επίσης ρωσικές λαϊκές μελωδίες στις συνθέσεις του, αλλά, σε αντίθεση με άλλους Ρώσους εθνικούς συνθέτες, τις επεξεργάστηκε με τον δικό του τρόπο, όπως, πράγματι, η μουσική κληρονομιά όλης της Ευρώπης.

Η προσωπική ζωή του Τσαϊκόφσκι, τυλιγμένη σε διάφορα μυστικά (υπήρχαν ευρέως διαδεδομένες φήμες για τις ομοφυλοφιλικές του τάσεις), δεν ήταν εύκολη. Ο ίδιος είπε κάποτε:

«Θα ήταν πραγματικά κάτι για να τρελαθώ αν δεν υπήρχε η μουσική!»

Ως παιδί, ήταν εντυπωσιακός, και ως ενήλικας, ήταν επιρρεπής σε κρίσεις μελαγχολίας και ακόμη και κατάθλιψης. Πάνω από μία φορά είχε σκέψεις αυτοκτονίας. Στα νιάτα του, σπούδασε νομικά και εργάστηκε για λίγο στο Υπουργείο Δικαιοσύνης, αλλά σύντομα εγκατέλειψε την υπηρεσία για να αφοσιωθεί ολοκληρωτικά στη μουσική. Σε ηλικία τριάντα επτά ετών παντρεύτηκε απροσδόκητα, αλλά ο γάμος του έγινε πραγματικό μαρτύριο τόσο για τον ίδιο όσο και για τη γυναίκα του. Τελικά η σύζυγός του κατέληξε στο ψυχιατρείο, όπου και πέθανε. Ο ίδιος ο Τσαϊκόφσκι υπέφερε επίσης για μεγάλο χρονικό διάστημα από έναν χωρισμό που συνέβη μόλις δύο μήνες μετά τον γάμο.

Τα πρώτα έργα του Τσαϊκόφσκι δεν αναγνωρίστηκαν από το ευρύ κοινό και αυτό του προκάλεσε πολλά βάσανα. Περιέργως, πολλά από αυτά τα έργα, συμπεριλαμβανομένων Κοντσέρτο για βιολί και ορχήστραΚαι Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1, σεείναι σήμερα πολύ δημοφιλή. Εγγραφή Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1γενικά έγινε η πρώτη ηχογράφηση κλασικής μουσικής που έλαβε το καθεστώς του "Χρυσού δίσκου" για την πώληση ενός εκατομμυρίου αντιτύπων.

Ο Τσαϊκόφσκι έγραψε δέκα όπερες, μεταξύ των οποίων Ευγένιος Ονέγκιν,και μουσική για μπαλέτα όπως Καρυοθραύστης, Ωραία ΚοιμωμένηΚαι Λίμνη των κύκνων.Ακούγοντας αυτή τη μουσική, αντιλαμβάνεσαι αμέσως όλο το μεγαλείο του ταλέντου του Τσαϊκόφσκι, ο οποίος μπόρεσε να δημιουργήσει μια εξαιρετικά αρμονική και συναρπαστική μελωδία. Τα μπαλέτα του ανεβαίνουν ακόμα συχνά σε παγκόσμιες σκηνές και προκαλούν τον αμετάβλητο θαυμασμό του κοινού. Για τον ίδιο λόγο, μουσικές φράσεις από τις συμφωνίες και τα κοντσέρτα του είναι γνωστές ακόμη και σε όσους δεν γνωρίζουν την κλασική μουσική.

Για χρόνια, ο Τσαϊκόφσκι απολάμβανε την εύνοια μιας πλούσιας χήρας ονόματι Nadezhda von Meck, η οποία του έστελνε μεγάλα χρηματικά ποσά με την προϋπόθεση ότι δεν θα συναντηθούν ποτέ από κοντά. Είναι πιθανό σε μια προσωπική συνάντηση να μην αναγνωρίζουν ο ένας τον άλλον.

Οι συνθήκες του θανάτου του συνθέτη δεν είναι ακόμη απολύτως σαφείς. Σύμφωνα με το επίσημο συμπέρασμα, ο Τσαϊκόφσκι πέθανε από χολέρα: ήπιε νερό μολυσμένο από τον ιό. Υπάρχει όμως μια εκδοχή σύμφωνα με την οποία ο ίδιος αυτοκτόνησε, φοβούμενος ότι οι ομοφυλοφιλικές του σχέσεις θα δημοσιοποιηθούν.

Εάν ο Glinka θεωρείται ο πατέρας της ρωσικής κλασικής μουσικής, τότε τον ίδιο ρόλο παίζει και στην τσέχικη κλασική μουσική Bedrich Smetana.

Η Smetana εμπνεόταν πάντα από τα Τσέχικα λαϊκό πολιτισμόκαι φύση πατρίδα. Αυτό γίνεται ιδιαίτερα αισθητό στον κύκλο συμφωνικών ποιημάτων του. Πατρίδα μου,που χρειάστηκε ο Σμέτανα οκτώ χρόνια για να γράψει.

Επί του παρόντος, το πιο δημοφιλές έργο αυτού του κύκλου είναι Μολδάβα,αφιερωμένο σε έναν από τους μεγαλύτερους ποταμούς της Τσεχίας που διαρρέουν την Πράγα.

Προς το τέλος της ζωής του, ο Bedřich Smetana αρρώστησε βαριά (πιθανώς με σύφιλη), κωφεύτηκε και έχασε το μυαλό του. Πέθανε σε ηλικία εξήντα ετών.

Η μουσική του επηρέασε τον επόμενο συνθέτη στη λίστα μας, τον Antonín Dvořák, του οποίου οι συνθέσεις αναγνωρίζονται πολύ πέρα ​​από την Τσεχική Δημοκρατία.

Antonin Dvorakήταν ένας πραγματικός εθνικός ήρωας της Τσεχίας που αγαπούσε με πάθος την πατρίδα του. Οι συμπατριώτες του ανταπέδωσαν και τον λάτρεψαν.

Τα έργα του Ντβόρζακ προωθήθηκαν ευρέως από τον Μπραμς (που θα συζητηθεί λίγο αργότερα). Σταδιακά, το όνομα του Ντβόρζακ αναγνωρίστηκε σε όλο τον κόσμο. Έτσι, για παράδειγμα, απέκτησε θαυμαστές στην Αγγλία, όπου έπαιξε μετά από πρόσκληση της Royal Philharmonic Society, καθώς και σε φεστιβάλ στο Μπέρμιγχαμ και στο Λιντς.

Μετά από αυτό, ο Ντβόρζακ αποφάσισε να πάει στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου τη δεκαετία του 1890 του προσφέρθηκε η θέση του μαέστρου του Εθνικού Ωδείου της Νέας Υόρκης, την οποία κράτησε για τρία χρόνια. Ο Ντβόρζακ νοσταλγούσε πολύ την πατρίδα του, αλλά δεν έπαψε να ενδιαφέρεται για την τοπική μουσική. Οι εντυπώσεις της αποτυπώνονται στα δικά του Συμφωνίες Νο. 9,ονομάστηκε Από τον Νέο Κόσμο.

Τελικά, ο Dvorak αποφάσισε να επιστρέψει στο σπίτι και πέρασε τα τελευταία χρόνια της ζωής του στην Πράγα, διδάσκοντας.

Εκτός από τη μουσική, ο Ντβόρζακ ενδιαφερόταν για τα τρένα και τα πλοία και αυτό ήταν το πάθος του που, προφανώς, συνέβαλε στη συμφωνία του να επισκεφθεί τις Ηνωμένες Πολιτείες, αν και η μεγάλη αμοιβή που του προσφέρθηκε θα μπορούσε επίσης να παίξει καθοριστικό ρόλο.

δ Εκπρόσωποι της εθνικής τσεχικής μουσικής σχολής περιλαμβάνουν επίσης Josef Suk, Leos JanacekΚαι Μπόγκουσλαβ Μάρτιν.

Νορβηγός Έντουαρντ Γκριγκανήκει στον κύκλο των συνθετών που αγάπησαν με πάθος την πατρίδα τους. Και η μητέρα πατρίδα του ανταποκρίθηκε. Στη Νορβηγία, οι συνθέσεις του εξακολουθούν να είναι εξαιρετικά δημοφιλείς. Αλλά όλα θα μπορούσαν να είχαν εξελιχθεί διαφορετικά, καθώς η οικογένεια Grieg ήταν στην πραγματικότητα σκωτσέζικης καταγωγής - ο προ-προπάππους του μετανάστευσε στη Σκανδιναβία μετά την ήττα στη μάχη με τους Βρετανούς κοντά στο Culloden.

Το καλύτερο από όλα, ο Grieg έβγαλε έργα μικρών ειδών, όπως π.χ Λυρικά παίζειγια πιάνο. Η πιο διάσημη συναυλία του όμως είναι Συναυλία πιάνου,με μια εντυπωσιακή εισαγωγή, στην οποία οι ήχοι του πιάνου μοιάζουν να πέφτουν βροχή κάτω από το τρεμόλο του timpani.

δ Εκπρόσωποι της Σκανδιναβικής εθνικής μουσικής σχολής περιλαμβάνουν επίσης Καρλ ΝίλσενΚαι Γιόχαν Σβέντσεν.

Παρά το γεγονός ότι στο XIX αιώναΣτην Ισπανία, επίσης, έγραψε κλασική μουσική, δεν ζούσαν τόσοι συνθέτες που πέτυχαν παγκόσμια φήμη. Μία από τις εξαιρέσεις είναι Isaac Albeniz,στα νιάτα του δεν διακρινόταν από συγκαταβατική διάθεση.

Λένε ότι ο Albeniz έμαθε να παίζει πιάνο σε ηλικία ενός έτους. Τρία χρόνια αργότερα, εμφανίστηκε δημόσια και σε ηλικία οκτώ ετών άρχισε να κάνει περιοδείες. Σε ηλικία δεκαπέντε ετών κατάφερε να επισκεφτεί την Αργεντινή, την Κούβα, τις ΗΠΑ και την Αγγλία.

Ο Albeniz ήταν ιδιαίτερα επιτυχημένος στον αυτοσχεδιασμό: μπορούσε να βρει κάποιο είδος μελωδίας εν κινήσει και να το χτυπήσει αμέσως σε διάφορες εκδοχές. Επέδειξε επίσης τα θαύματα της κυριαρχίας του οργάνου - έπαιζε, στεκόμενος με την πλάτη του προς το μέρος του. Κλείνοντας, ντυνόταν κάθε φορά σωματοφύλακας, προσθέτοντας το θέαμα των εμφανίσεών του.

Στην ενηλικίωση, ησύχασε λίγο και κατέπληξε το κοινό όχι πια με την εξωφρενική συμπεριφορά του, αλλά με τις συνθέσεις του. Είναι ιδιαίτερα διάσημος για τον κύκλο των κομματιών του για πιάνο. Ιβηρία.Χάρη στην επιτυχία του, αυτός ο συνθέτης έβγαλε την Ισπανία από τη σκιά και τράβηξε την προσοχή της παγκόσμιας μουσικής κοινότητας σε αυτήν.

Ο d Albéniz είχε μεγάλη επιρροή σε πολλούς άλλους συνθέτες της εθνικής σχολής της Ισπανίας, μεταξύ των οποίων Pablo de Sarasate, Enrique Granados, Manuel de FallaΚαι Heitora Villa - Lobosa(που ήταν Βραζιλιάνος).

Άρθουρ Σάλιβανπολύ γνωστό σήμερα. Όμως η ιστορία δεν τον αντιμετώπισε δίκαια, γιατί σήμερα δεν θυμούνται τα καλύτερα έργα του. Στη δεκαετία του 1870 άρχισε να συνεργάζεται με τον ποιητή και λιμπρετίστα W. S. Gilbert. Μαζί έγραψαν πολλές κωμικές οπερέτες: Δίκη από την κριτική επιτροπή, οι πειρατές του Penzance, η φρεγάτα της μεγαλειότητας Pinafore, η πριγκίπισσα Ida, ο Mikado, ο Yeoman the Guardκαι άλλοι.

Παρά την τεράστια επιτυχία της κοινής τους δουλειάς, οι δύο συγγραφείς δεν τα πήγαιναν πολύ καλά μεταξύ τους και στο τέλος μετά από βίαιους καυγάδες σταμάτησαν τελείως να επικοινωνούν. Αυτοί οι καβγάδες όμως ήταν άδειοι.

Έτσι, για παράδειγμα, ένα από αυτά αφορούσε ένα νέο χαλί στο Savoy Theatre του Λονδίνου, όπου συνήθως ανέβαιναν οι οπερέτες τους.

Ο Sullivan ονειρευόταν να γίνει διάσημος ως σοβαρός συνθέτης, αλλά μέχρι τώρα τα έργα του, που δεν ανήκουν στο είδος της οπερέτας, έχουν ξεχαστεί.

Ωστόσο, έγραψε μια όπερα Ivanhoeαρκετά ενδιαφέρον Συμφωνία σε μι ελάσσονακαι ύμνος «Εμπρός, ο στρατός του Χριστού!»- ίσως το πιο συχνά εκτελούμενο έργο του.

δ Εκπρόσωποι της Αγγλικής Εθνικής Μουσικής Σχολής περιλαμβάνουν επίσης Arnold Bucks, Hubert Parry, Samuel Coleridge-Taylor, Charles Villiers StanfordΚαι Τζορτζ Μπάτεργουορθ.

Το γαλλικό ανάλογο των οπερετών Gilbert και Sullivan μπορεί να ονομαστεί έργα Ζακ Όφενμπαχ,ένας άνθρωπος που είχε σίγουρα αίσθηση του χιούμορ. Γεννήθηκε στην Κολωνία και ως εκ τούτου μερικές φορές υπέγραφε ως «Ο. από την Κολωνία» (το «O. de Cologne» ακούγεται σαν «κολόνια»).

Το 1858, ο Όφενμπαχ κατέπληξε τους Παριζιάνους κανκάναπό μια οπερέτα Ο Ορφέας στην κόλαση; σε ένα εκλεπτυσμένο κοινό, τέτοιοι χοροί του απλού λαού φαίνονταν άγριοι και άσεμνοι, ωστόσο, η ίδια η οπερέτα θεωρήθηκε σκανδαλώδης.

Παρεμπιπτόντως, αν αυτό το όνομα σας φαίνεται γνωστό, αξίζει να θυμάστε ότι οι Peri, Monteverdi και Gluck έγραψαν μουσική για τον μύθο του Ορφέα σε προηγούμενους αιώνες. Η εκδοχή του Όφενμπαχ ήταν σατιρική, προοριζόταν για ψυχαγωγία και γι' αυτό περιλάμβανε πολύ επιπόλαιες σκηνές. Ωστόσο, παρά την πρώτη εντύπωση, το κοινό τελικά ερωτεύτηκε την οπερέτα, έτσι ώστε ο ίδιος ο Offenbach δεν είχε σχεδόν κανένα λόγο να μετανιώσει για όσα είχε γράψει.

Η σοβαρή όπερα είναι γνωστή μεταξύ άλλων έργων του. Ιστορίες του Χόφμανστο οποίο ακούγεται Βαρκαρόλα.

Λέο Ντελιμπέςδεν ήταν λιγότερο σημαντικός συνθέτης από τον Όφενμπαχ, αν και τώρα μόνο μία από τις όπερες του θυμόμαστε κυρίως - Λάκμε,στην οποία η περίφημη δίδυμο λουλουδιών,χρησιμοποιείται σε πολλές τηλεοπτικές προφυλάξεις και διαφημίσεις.

Μεταξύ των γνωστών του Ντελιμπές ήταν τόσο σπουδαίοι μουσικοί όπως ο Μπερλιόζ και ο Μπιζέ, με τους οποίους συνεργάστηκε ως διευθυντής της χορωδίας του Λυρικού Θεάτρου στο Παρίσι.

δ Εκπρόσωποι της γαλλικής εθνικής μουσικής σχολής περιλαμβάνουν επίσης Alexis - Emmanuel Chabrier, Charles Marie Widor, Joseph Kante - LubΚαι Jules Massenet,ΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ Ταϊλανδοίπου, συμπεριλαμβανομένου του ιντερμέτζο Αντανακλάσεις (Διαλογισμός),δημοφιλής σε πολλούς σύγχρονους βιολιστές.

Οι δύο τελευταίοι εθνικοί μας συνθέτες - ο ρομαντικός - είναι πατέρας και γιος, αν και η διαφορά ηλικίας μεταξύ τους (είκοσι ένα χρόνια) δεν είναι τόσο μεγάλη για την ιστορία. Johann Strauss Seniorθεωρείται ο «πατέρας του βαλς». Ήταν εξαιρετικός βιολιστής και οδήγησε μια ορχήστρα που έπαιζε σε όλη την Ευρώπη και έλαβε αρκετά χρήματα για αυτό.

Παρόλα αυτά, ο τίτλος του «βασιλιά του βαλς» ανήκει δικαιωματικά στον γιο του, ο οποίος ονομαζόταν και Γιόχαν Στράους. Ο πατέρας του δεν ήθελε να γίνει βιολιστής, αλλά ο νεότερος Johann αφιέρωσε τη ζωή του στη μουσική ούτως ή άλλως και οργάνωσε τη δική του ορχήστρα, η οποία συναγωνιζόταν την ορχήστρα του πατέρα του. Στο νεότερος Στράουςείχε καλή επιχειρηματική οξυδέρκεια, χάρη στην οποία κατάφερε να ενισχύσει την οικονομική του θέση.

Σύνολο Johann Strauss - γιοςέγραψε εκατόν εξήντα οκτώ βαλς, συμπεριλαμβανομένων των πιο δημοφιλών από αυτά - Στον πανέμορφο γαλάζιο Δούναβη.Στο τέλος, έξι ορχήστρες ονομάστηκαν από τον Στράους, εκ των οποίων η μία είχε επικεφαλής τον αδερφό του Γιόχαν, τον νεότερο Τζόζεφ, και την άλλη από τον άλλο αδελφό του, Έντουαρντ (η καθεμία από αυτές συνέθεσε περίπου τριακόσιες συνθέσεις).

Τα βαλς και οι πόλκες του Johann ήταν πραγματικές επιτυχίες στα βιεννέζικα καφενεία και το ελαφρύ και ζωηρό στυλ του έγινε το πρότυπο της χορευτικής μουσικής σε όλη την Ευρώπη.

Ορισμένοι λάτρεις της κλασικής μουσικής εξακολουθούν να θεωρούν τις συνθέσεις του Στράους υπερβολικά χυδαιές και επιπόλαιες. Μην τους πιστέψετε και μην υποκύψετε στις προκλήσεις τους! Αυτή η οικογένεια μπόρεσε να γράψει πραγματικά σπουδαία έργα, ξεσηκωτικά και αξέχαστα για πολύ καιρό αμέσως μετά την πρώτη ακρόαση.

Πολλοί από τους συνθέτες αυτής της περιόδου συνέχισαν να γράφουν μουσική μέχρι τον 20ό αιώνα. Ωστόσο, μιλάμε γι' αυτούς εδώ, και όχι στο επόμενο κεφάλαιο, για τον λόγο ότι ήταν ακριβώς το πνεύμα του ρομαντισμού που ήταν έντονο στη μουσική τους.

Σημειωτέον ότι κάποιοι από αυτούς διατηρούσαν στενούς δεσμούς έως και φιλία με τους συνθέτες που αναφέρονται στις υποενότητες «Πρώτοι Ρομαντικοί» και «Εθνικιστές».

Επιπλέον, πρέπει να ληφθεί υπόψη ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου εργάστηκαν τόσοι πολλοί εξαιρετικοί συνθέτες σε διάφορες ευρωπαϊκές χώρες που οποιαδήποτε διαίρεση τους σύμφωνα με οποιαδήποτε αρχή θα ήταν εντελώς αυθαίρετη. Αν σε διάφορες λογοτεχνίες αφιερωμένες στην κλασική περίοδο και την περίοδο του μπαρόκ, αναφέρεται περίπου το ίδιο χρονικό πλαίσιο, τότε η ρομαντική περίοδος ορίζεται διαφορετικά παντού. Φαίνεται ότι τα όρια μεταξύ του τέλους της ρομαντικής περιόδου και των αρχών του 20ου αιώνα στη μουσική είναι πολύ ασαφή.

Ο κορυφαίος συνθέτης της Ιταλίας του 19ου αιώνα ήταν αναμφίβολα Τζουζέπε Βέρντι.Αυτός ο άντρας με το πυκνό μουστάκι και τα φρύδια, που μας κοιτούσε με μάτια που γυαλίζουν, στάθηκε με το κεφάλι και τους ώμους πάνω από όλους τους άλλους συνθέτες όπερας.

Όλες οι συνθέσεις του Βέρντι ξεχειλίζουν κυριολεκτικά από φωτεινές, αξέχαστες μελωδίες. Συνολικά έγραψε είκοσι έξι όπερες, οι περισσότερες από τις οποίες ανεβαίνουν τακτικά μέχρι σήμερα. Ανάμεσά τους είναι τα πιο διάσημα και πιο σημαντικά έργα της οπερατικής τέχνης όλων των εποχών.

Η μουσική του Βέρντι εκτιμήθηκε ιδιαίτερα ακόμη και κατά τη διάρκεια της ζωής του συνθέτη. στην πρεμιέρα άδηςΤο κοινό χειροκροτούσε τόσο πολύ που οι καλλιτέχνες έπρεπε να υποκλιθούν έως και τριάντα δύο φορές.

Ο Βέρντι ήταν πλούσιος, αλλά τα χρήματα δεν μπορούσαν να σώσουν και τις δύο συζύγους και τα δύο παιδιά του συνθέτη από τον πρόωρο θάνατο, έτσι υπήρξαν τραγικές στιγμές στη ζωή του. Κληροδότησε την περιουσία του σε ένα καταφύγιο για παλιούς μουσικούς που χτίστηκε υπό τη διεύθυνση του στο Μιλάνο. Ο ίδιος ο Βέρντι θεωρούσε το μεγαλύτερο επίτευγμά του τη δημιουργία καταφυγίου και όχι μουσικής.

Παρά το γεγονός ότι το όνομα του Βέρντι συνδέεται κυρίως με όπερες, μιλώντας γι 'αυτόν, είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε Μνημόσυνο,που θεωρείται ένα από τα ωραιότερα δείγματα χορωδιακής μουσικής. Είναι γεμάτο δράμα και μερικά χαρακτηριστικά της όπερας ξεφεύγουν από μέσα του.

Ο επόμενος συνθέτης μας δεν είναι σε καμία περίπτωση ο πιο γοητευτικός άνθρωπος. Σε γενικές γραμμές, αυτή είναι η πιο σκανδαλώδης και αμφιλεγόμενη φιγούρα από όλα όσα αναφέρονται στο βιβλίο μας. Αν κάναμε μια λίστα με βάση μόνο τα χαρακτηριστικά της προσωπικότητας, τότε Ρίτσαρντ Βάγκνερδεν θα το χτυπούσε ποτέ. Ωστόσο, καθοδηγούμαστε αποκλειστικά από μουσικά κριτήρια και η ιστορία της κλασικής μουσικής είναι αδιανόητη χωρίς αυτόν τον άνθρωπο.

Το ταλέντο του Βάγκνερ είναι αδιαμφισβήτητο. Από - κάτω από την πένα του βγήκαν μερικά από τα πιο σημαντικά και εντυπωσιακά μουσικές συνθέσειςγια όλη την περίοδο του ρομαντισμού - ειδικά για την όπερα. Ταυτόχρονα, φέρεται ως αντισημίτης, ρατσιστής, γραφειοκρατικός, ο τελευταίος απατεώνας, ακόμη και ένας κλέφτης που δεν διστάζει να πάρει ό,τι χρειάζεται, και αγενείς ανθρώπους χωρίς τύψεις. Ο Βάγκνερ είχε υπερβολική αυτοεκτίμηση και πίστευε ότι η ιδιοφυΐα του τον εξύψωνε πάνω από όλους τους άλλους ανθρώπους.

Ο Βάγκνερ θυμάται για τις όπερες του. Αυτός ο συνθέτης πήγε τη γερμανική όπερα σε ένα εντελώς νέο επίπεδο, και παρόλο που γεννήθηκε την ίδια εποχή με τον Βέρντι, η μουσική του ήταν πολύ διαφορετική από τις ιταλικές συνθέσεις εκείνης της περιόδου.

Μία από τις καινοτομίες του Βάγκνερ ήταν ότι σε κάθε βασικό χαρακτήρα δόθηκε το δικό του μουσικό θέμα, που επαναλαμβανόταν κάθε φορά που άρχιζε να παίζει σημαντικό ρόλο στη σκηνή.

Σήμερα φαίνεται αυτονόητο, αλλά εκείνη την εποχή αυτή η ιδέα έκανε μια πραγματική επανάσταση.

Το μεγαλύτερο επίτευγμα του Βάγκνερ ήταν ο κύκλος Δαχτυλίδι του Νιμπελούνγκ,που αποτελείται από τέσσερις όπερες: Rhine Gold, Valkyrie, SiegfriedΚαι Θάνατος θεών.Συνήθως τοποθετούνται τέσσερις νύχτες στη σειρά, και συνολικά διαρκούν περίπου δεκαπέντε ώρες. Αυτές οι όπερες και μόνο θα ήταν αρκετές για να δοξάσουν τον συνθέτη τους. Παρά την ασάφεια του Βάγκνερ ως ανθρώπου, πρέπει να αναγνωριστεί ότι ήταν ένας εξαιρετικός συνθέτης.

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα των όπερων του Βάγκνερ είναι η διάρκειά τους. Η τελευταία του όπερα παρσιφάλδιαρκεί πάνω από τέσσερις ώρες.

Ο μαέστρος Ντέιβιντ Ράντολφ είπε κάποτε γι' αυτήν:

«Αυτό είναι το είδος της όπερας που ξεκινά στις έξι και όταν κοιτάς το ρολόι χειρός σου μετά από τρεις ώρες, αποδεικνύεται ότι δείχνει 6:20».

ΖΩΗ Άντον ΜπρούκνερΩς συνθέτης, αυτό είναι ένα μάθημα για το πώς να μην τα παρατάς και να επιμένεις μόνος σου. Έκανε δώδεκα ώρες την ημέρα, αφιέρωνε όλο τον χρόνο του στη δουλειά (ήταν οργανίστας) και έμαθε πολλά στη μουσική μόνος του, τελειώνοντας τις δεξιότητες γραφής με αλληλογραφία σε αρκετά ώριμη ηλικία - στα τριάντα επτά.

Σήμερα θυμούνται συχνότερα τις συμφωνίες του Μπρούκνερ, από τις οποίες έγραψε συνολικά εννέα κομμάτια. Κατά καιρούς τον έπιασαν αμφιβολίες για τη βιωσιμότητά του ως μουσικός, αλλά και πάλι πέτυχε την αναγνώριση, αν και προς το τέλος της ζωής του. Μετά την εκτέλεσή του Συμφωνίες Νο. 1Οι κριτικοί τελικά επαίνεσαν τον συνθέτη, ο οποίος τότε είχε ήδη γίνει σαράντα τεσσάρων ετών.

Γιοχάνες Μπραμςόχι ένας από εκείνους τους συνθέτες που γεννήθηκε, ας πούμε, με ένα ασημένιο ραβδί στο χέρι. Μέχρι τη στιγμή της γέννησής του, η οικογένεια είχε χάσει τον προηγούμενο πλούτο της και μετά βίας τα κατάφερε. Ως έφηβος, έβγαζε τα προς το ζην παίζοντας στους οίκους ανοχής της πόλης του Αμβούργου. Όταν ο Μπραμς ενηλικιώθηκε, αναμφίβολα γνώρισε τις πιο ελκυστικές πλευρές της ζωής.

Η μουσική του Μπραμς προωθήθηκε από τον φίλο του, Ρόμπερτ Σούμαν. Μετά το θάνατο του Σούμαν, ο Μπραμς ήρθε κοντά στην Κλάρα Σούμαν και τελικά την ερωτεύτηκε. Δεν είναι γνωστό ακριβώς τι είδους σχέση είχαν, αν και το συναίσθημα για αυτήν πιθανότατα έπαιξε κάποιο ρόλο στις σχέσεις του με άλλες γυναίκες - δεν έδωσε την καρδιά του σε καμία από αυτές.

Ως άνθρωπος, ο Μπραμς ήταν μάλλον ασυγκράτητος και οξύθυμος, αλλά οι φίλοι του ισχυρίστηκαν ότι υπήρχε απαλότητα μέσα του, αν και δεν το έδειχνε πάντα στους γύρω του. Μια μέρα, επιστρέφοντας σπίτι από ένα πάρτι, είπε:

«Αν δεν έχω προσβάλει κανέναν, ζητώ τη συγχώρεση του».

Ο Μπραμς δεν θα κέρδιζε τον διαγωνισμό για τον πιο μοντέρνο και κομψά ντυμένο συνθέτη. Δεν του άρεσε τρομερά να αγοράζει καινούργια ρούχα και συχνά φορούσε το ίδιο φαρδύ, μπαλωμένο παντελόνι, σχεδόν πάντα πολύ κοντό για εκείνον. Κατά τη διάρκεια μιας παράστασης, το παντελόνι του κόντεψε να πέσει. Σε μια άλλη περίπτωση έπρεπε να βγάλει τη γραβάτα του και να τη χρησιμοποιήσει αντί για ζώνη.

Το μουσικό ύφος του Μπραμς επηρεάστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Χάιντν, τον Μότσαρτ και τον Μπετόβεν, και ορισμένοι ιστορικοί της μουσικής ισχυρίζονται ακόμη ότι έγραψε στο πνεύμα του κλασικισμού, τότε ήδη εκτός μόδας. Ταυτόχρονα, έχει και αρκετές νέες ιδέες. Είχε ιδιαίτερη επιτυχία στην ανάπτυξη μικρών μουσικών κομματιών και στην επανάληψη τους σε όλο το έργο - αυτό που οι συνθέτες αποκαλούν «επαναλαμβανόμενο μοτίβο».

Ο Όπερα Μπραμς δεν έγραψε, αλλά προσπάθησε τον εαυτό του σε όλα σχεδόν τα άλλα είδη κλασικής μουσικής. Ως εκ τούτου, μπορεί να χαρακτηριστεί ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες που αναφέρονται στο βιβλίο μας, ένας πραγματικός γίγαντας της κλασικής μουσικής. Ο ίδιος είπε για τη δουλειά του:

«Δεν είναι δύσκολο να συνθέσετε, αλλά είναι εκπληκτικά δύσκολο να ρίξετε επιπλέον νότες κάτω από το τραπέζι».

Μαξ Μπρουχγεννήθηκε μόλις πέντε χρόνια μετά τον Μπραμς, και ο τελευταίος σίγουρα θα τον είχε επισκιάσει, αν όχι για ένα έργο, Κοντσέρτο για βιολί Νο. 1.

Ο ίδιος ο Bruch αναγνώρισε αυτό το γεγονός, δηλώνοντας με σεμνότητα ασυνήθιστη για πολλούς συνθέτες:

«Πενήντα χρόνια από τώρα, ο Μπραμς θα αποκαλείται ένας από τους μεγαλύτερους συνθέτες όλων των εποχών και θα με θυμούνται επειδή έγραψα το Κοντσέρτο για βιολί σε Σολ ελάσσονα».

Και αποδείχθηκε ότι είχε δίκιο. Είναι αλήθεια ότι ο ίδιος ο Brujah έχει κάτι να θυμάται! Συνέθεσε πολλά άλλα έργα - περίπου διακόσια συνολικά - έχει ιδιαίτερα πολλά έργα για χορωδία και όπερες, που σπάνια ανεβαίνουν αυτές τις μέρες. Η μουσική του είναι μελωδική, αλλά δεν συνέβαλε κάτι ιδιαίτερα νέο στην ανάπτυξή της. Στο υπόβαθρό του, πολλοί άλλοι συνθέτες εκείνης της εποχής μοιάζουν να είναι πραγματικοί καινοτόμοι.

Το 1880, ο Μπρουχ διορίστηκε μαέστρος της Βασιλικής Φιλαρμονικής Εταιρείας του Λίβερπουλ, αλλά επέστρεψε στο Βερολίνο τρία χρόνια αργότερα. Οι μουσικοί της ορχήστρας δεν ήταν ευχαριστημένοι μαζί του.

Στις σελίδες του βιβλίου μας έχουμε ήδη γνωρίσει πολλά μουσικά θαύματα και Camille Saint-Sansδεν καταλαμβάνει τα περισσότερα από αυτά τελευταία θέση. Σε ηλικία δύο ετών, ο Saint-Saens έπαιρνε ήδη μελωδίες στο πιάνο και έμαθε να διαβάζει και να γράφει μουσική ταυτόχρονα. Σε ηλικία τριών ετών έπαιζε θεατρικά έργα δική σύνθεση. Σε ηλικία δέκα ετών ερμήνευσε τέλεια τον Μότσαρτ και τον Μπετόβεν. Ωστόσο, άρχισε να ενδιαφέρεται σοβαρά για την εντομολογία (πεταλούδες και έντομα), και αργότερα για άλλες επιστήμες, συμπεριλαμβανομένης της γεωλογίας, της αστρονομίας και της φιλοσοφίας. Φαινόταν ότι ένα τόσο ταλαντούχο παιδί απλά δεν μπορούσε να περιοριστεί σε ένα πράγμα.

Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο του Παρισιού, ο Saint-Saens εργάστηκε ως οργανίστας για πολλά χρόνια. Με την ηλικία άρχισε να επηρεάζει μουσική ζωήΓαλλία, και χάρη σε αυτόν άρχισε να εκτελείται πιο συχνά η μουσική τέτοιων συνθετών όπως ο J.S. Bach, ο Mozart, ο Handel και ο Gluck.

Πλέον διάσημο δοκίμιο Saint - Sansa - καρναβάλι ζώων,που ο συνθέτης απαγόρευσε να ερμηνεύσει όσο ζούσε. Ανησυχούσε για το πώς κριτικούς μουσικής, έχοντας ακούσει αυτό το έργο, δεν το θεώρησε πολύ επιπόλαιο. Άλλωστε, είναι αστείο όταν η ορχήστρα στη σκηνή απεικονίζει ένα λιοντάρι, κότες με έναν κόκορα, χελώνες, έναν ελέφαντα, ένα καγκουρό, ένα ενυδρείο με ψάρια, πουλιά, έναν γάιδαρο και έναν κύκνο.

Ο Saint-Saens έγραψε μερικές από τις άλλες συνθέσεις του για όχι και τόσο συχνούς συνδυασμούς οργάνων, συμπεριλαμβανομένου του διάσημου "Όργανο" Συμφωνία Νο. 3,ακουγόταν στην ταινία "Babe".

Η μουσική του Saint-Saens επηρέασε τη δουλειά άλλων Γάλλοι συνθέτες, συμπεριλαμβανομένου Gabriel Faure.Αυτός ο νεαρός άνδρας κληρονόμησε τη θέση του οργανίστα στην παρισινή εκκλησία της Αγίας Μαγδαληνής, την οποία κατείχε παλαιότερα ο Saint-Saens.

Και παρόλο που το ταλέντο του Faure δεν συγκρίνεται με το ταλέντο του δασκάλου του, ήταν μεγάλος πιανίστας.

Ο Fauré ήταν ένας φτωχός άνθρωπος και γι' αυτό δούλευε σκληρά, παίζοντας όργανο, διευθύνοντας τη χορωδία και έδινε μαθήματα. Έγραφε μέσα ελεύθερος χρόνος, που παρέμειναν πολύ λίγα, αλλά παρόλα αυτά κατάφερε να εκδώσει περισσότερα από διακόσια πενήντα έργα του. Μερικά από αυτά συντέθηκαν για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα: για παράδειγμα, εργαστείτε Μνημόσυνοκράτησε πάνω από είκοσι χρόνια.

Το 1905, ο Fauré έγινε διευθυντής του Ωδείου του Παρισιού, δηλαδή ο άνθρωπος από τον οποίο εξαρτιόταν σε μεγάλο βαθμό η ανάπτυξη της γαλλικής μουσικής εκείνης της εποχής. Δεκαπέντε χρόνια αργότερα ο Faure συνταξιοδοτήθηκε. Στο τέλος της ζωής του υπέφερε από απώλεια ακοής.

Σήμερα ο Faure είναι σεβαστός εκτός Γαλλίας, αν και τον εκτιμούν περισσότερο εκεί.

Για τους λάτρεις της αγγλικής μουσικής, η εμφάνιση μιας τέτοιας φιγούρας όπως Έντουαρντ Έλγκαρ,πρέπει να φαινόταν σαν πραγματικό θαύμα. Πολλοί ιστορικοί της μουσικής τον αποκαλούν τον πρώτο σημαντικό Άγγλο συνθέτη μετά τον Henry Purcell, ο οποίος εργάστηκε κατά την περίοδο του μπαρόκ, αν και λίγο νωρίτερα αναφέραμε τον Arthur Sullivan.

Ο Έλγκαρ αγαπούσε πολύ την Αγγλία, ειδικά την πατρίδα του, το Γουόρσεστερσαϊρ, όπου πέρασε το μεγαλύτερο μέρος της ζωής του, βρίσκοντας έμπνευση στα χωράφια των λόφων Μάλβερν.

Ως παιδί, ήταν περιτριγυρισμένος από μουσική παντού: ο πατέρας του είχε ένα τοπικό κατάστημα μουσικής και έμαθε στον μικρό Έλγκαρ να παίζει διάφορα μουσικά όργανα. Σε ηλικία δώδεκα ετών, το αγόρι αντικαθιστούσε ήδη τον οργανοπαίκτη στις εκκλησιαστικές λειτουργίες.

Αφού εργάστηκε σε ένα δικηγορικό γραφείο, ο Έλγκαρ αποφάσισε να αφοσιωθεί σε μια πολύ λιγότερο ασφαλή οικονομικά επάγγελμα. Για κάποιο διάστημα εργάστηκε με μερική απασχόληση, παραδίδοντας μαθήματα βιολιού και πιάνου, παίζοντας σε τοπικές ορχήστρες και μάλιστα διευθύνοντας λίγο.

Σταδιακά, η φήμη του Έλγκαρ ως συνθέτης μεγάλωσε, αν και έπρεπε να αγωνιστεί για να βγει έξω από την πατρίδα του. Η φήμη του έφερε Παραλλαγές σε ένα πρωτότυπο θέμα,που είναι πλέον πιο γνωστά ως Παραλλαγές Enigma.

Τώρα η μουσική του Έλγκαρ γίνεται αντιληπτή ως πολύ αγγλική και ακούγεται κατά τη διάρκεια των μεγαλύτερων εκδηλώσεων εθνικής κλίμακας. Στους πρώτους ήχους του Κοντσέρτο για βιολοντσέλοη αγγλική ύπαιθρος εμφανίζεται αμέσως. Nimrodαπό Παραλλαγέςπαίζεται συχνά σε επίσημες τελετές, και Πανηγυρική και εθιμοτυπική πορεία Νο. 1,γνωστός ως Χώρα ελπίδας και δόξαςπαρουσιάστηκε σε χορό σε όλο το Ηνωμένο Βασίλειο.

Ο Έλγκαρ ήταν οικογενειάρχης και αγαπούσε μια ήσυχη, τακτική ζωή. Ωστόσο, άφησε το στίγμα του στην ιστορία. Αυτός ο συνθέτης με το χοντρό πλούσιο μουστάκι γίνεται αντιληπτός αμέσως στο τραπεζογραμμάτιο των είκοσι λιβρών. Προφανώς, οι σχεδιαστές τραπεζογραμματίων διαπίστωσαν ότι τέτοιες τρίχες στο πρόσωπο θα ήταν πολύ δύσκολο να πλαστογραφηθούν.

Στην Ιταλία, ο διάδοχος του Τζουζέπε Βέρντι στην όπερα ήταν Τζιάκομο Πουτσίνι, θεωρείται ένας από τους αναγνωρισμένους παγκόσμιους δεξιοτέχνες αυτής της μορφής τέχνης.

Η οικογένεια Πουτσίνι έχει συνδεθεί εδώ και καιρό εκκλησιαστική μουσικήαλλά όταν ο Τζάκομο άκουσε για πρώτη φορά όπερα ΆινταΒέρντι, συνειδητοποίησε ότι αυτή ήταν η κλήση του.

Μετά τις σπουδές του στο Μιλάνο, ο Πουτσίνι συνθέτει μια όπερα Μανόν Λέσκο,που του έφερε την πρώτη του μεγάλη επιτυχία το 1893. Μετά από αυτό, η μία επιτυχημένη παραγωγή διαδέχτηκε την άλλη: Βοημίατο 1896, Λαχτάρατο 1900 και Madama Butterflyτο 1904.

Συνολικά, ο Πουτσίνι συνέθεσε δώδεκα όπερες, η τελευταία από τις οποίες ήταν Turandot.Πέθανε χωρίς να ολοκληρώσει αυτή τη σύνθεση και ένας άλλος συνθέτης ολοκλήρωσε το έργο. Στην πρεμιέρα της όπερας, ο μαέστρος Arturo Toscanini σταμάτησε την ορχήστρα ακριβώς από εκεί που είχε σταματήσει ο Puccini. Γύρισε στο κοινό και είπε:

«Εδώ ο θάνατος θριάμβευσε την τέχνη».

Με τον θάνατο του Πουτσίνι τελείωσε η ακμή της οπερατικής τέχνης της Ιταλίας. Το βιβλίο μας δεν θα αναφέρει πλέον ιταλικά συνθέτες όπερας. Αλλά ποιος ξέρει τι μας επιφυλάσσει το μέλλον;

Στη ζωή Γκούσταβ ΜάλερΉταν περισσότερο γνωστός ως μαέστρος παρά ως συνθέτης. Διηύθυνε το χειμώνα και το καλοκαίρι, κατά κανόνα, προτιμούσε να γράφει.

Ως παιδί, ο Μάλερ λέγεται ότι βρήκε ένα πιάνο στη σοφίτα του σπιτιού της γιαγιάς του. Τέσσερα χρόνια αργότερα, σε ηλικία δέκα ετών, έδωσε ήδη την πρώτη του παράσταση.

Ο Μάλερ σπούδασε στο Ωδείο της Βιέννης, όπου άρχισε να συνθέτει μουσική. Το 1897 έγινε διευθυντής της Κρατικής Όπερας της Βιέννης και τα επόμενα δέκα χρόνια απέκτησε μεγάλη φήμη στον τομέα αυτό.

Ο ίδιος άρχισε να γράφει τρεις όπερες, αλλά δεν τις τελείωσε ποτέ. Στην εποχή μας είναι περισσότερο γνωστός ως συνθέτης συμφωνιών. Σε αυτό το είδος, του ανήκει μια από τις πραγματικές "επιτυχίες" - Συμφωνία Νο. 8,στην παράσταση του οποίου συμμετέχουν περισσότεροι από χίλιοι μουσικοί και τραγουδιστές.

Μετά τον θάνατο του Μάλερ, η μουσική του βγήκε από τη μόδα για πενήντα χρόνια, αλλά στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα ανέκτησε δημοτικότητα, ειδικά στη Μεγάλη Βρετανία και τις ΗΠΑ.

Ρίτσαρντ Στράουςγεννήθηκε στη Γερμανία και δεν ανήκε στη βιεννέζικη δυναστεία Στράους. Παρά το γεγονός ότι αυτός ο συνθέτης έζησε σχεδόν ολόκληρο το πρώτο μισό του 20ού αιώνα, εξακολουθεί να θεωρείται εκπρόσωπος του γερμανικού μουσικού ρομαντισμού.

Η παγκόσμια δημοτικότητα του Richard Strauss υπέφερε κάπως από το γεγονός ότι αποφάσισε να μείνει στη Γερμανία μετά το 1939 και μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο κατηγορήθηκε πλήρως για συνεργασία με τους Ναζί.

Ο Στράους ήταν εξαιρετικός μαέστρος, χάρη στον οποίο καταλάβαινε τέλεια πώς έπρεπε να ακούγεται αυτό ή εκείνο το όργανο στην ορχήστρα. Συχνά εφάρμοζε αυτή τη γνώση στην πράξη. Έδωσε επίσης διάφορες συμβουλές σε άλλους συνθέτες, όπως:

«Μην κοιτάς ποτέ τα τρομπόνια, μόνο τα ενθαρρύνεις».

«Μην ιδρώνετε κατά την εκτέλεση. μόνο οι ακροατές πρέπει να ζεσταθούν».

Σήμερα, ο Στράους μνημονεύεται κυρίως σε σχέση με τη σύνθεσή του Έτσι μίλησε ο Ζαρατούστρα,την εισαγωγή στην οποία χρησιμοποίησε ο Stanley Kubrick στην ταινία του 2001: A Space Odyssey. Αλλά έγραψε επίσης μερικές από τις καλύτερες γερμανικές όπερες, ανάμεσά τους - Rosenkavalier, SalomeΚαι Η Αριάδνη στη Νάξο.Ένα χρόνο πριν τον θάνατό του συνέθεσε και πολύ όμορφα Τέσσερα τελευταία τραγούδιαγια φωνή και ορχήστρα. Στην πραγματικότητα, αυτά δεν ήταν τα τελευταία τραγούδια του Στράους, αλλά έγιναν ένα είδος φινάλε της δημιουργικής του δραστηριότητας.

Μέχρι τώρα, μεταξύ των συνθετών που αναφέρονται σε αυτό το βιβλίο, υπήρχε μόνο ένας εκπρόσωπος της Σκανδιναβίας - ο Edvard Grieg. Αλλά τώρα μεταφερόμαστε ξανά σε αυτή τη σκληρή και κρύα γη - αυτή τη φορά στη Φινλανδία, όπου Jean Sibelius,μεγάλη μουσική ιδιοφυΐα.

Η μουσική του Σιμπέλιους απορρόφησε τους μύθους και τους θρύλους της πατρίδας του. Το μεγαλύτερο έργο του Φινλανδία,θεωρείται η ενσάρκωση του εθνικού πνεύματος των Φινλανδών, όπως και στο Ηνωμένο Βασίλειο τα έργα του Έλγκαρ αναγνωρίζονται ως εθνικός θησαυρός. Επιπλέον, ο Σιμπέλιους, όπως και ο Μάλερ, ήταν πραγματικός δεξιοτέχνης των συμφωνιών.

Όσο για τα άλλα πάθη του συνθέτη, στην καθημερινότητά του ήταν υπερβολικά λάτρης του ποτού και του καπνίσματος, έτσι ώστε σε ηλικία σαράντα χρόνων αρρώστησε από καρκίνο στο λαιμό. Επίσης του έλειπαν συχνά χρήματα και το κράτος του έδινε σύνταξη για να συνεχίσει να γράφει μουσική χωρίς να ανησυχεί για την οικονομική του ευημερία. Αλλά περισσότερα από είκοσι χρόνια πριν από το θάνατό του, ο Σιμπέλιους σταμάτησε να συνθέτει οτιδήποτε. Έζησε το υπόλοιπο της ζωής του σε σχετική μοναξιά. Ήταν ιδιαίτερα σκληρός με όσους λάμβαναν χρήματα για κριτικές της μουσικής του:

«Μην δίνετε σημασία σε αυτά που λένε οι κριτικοί. Μέχρι στιγμής, σε κανέναν κριτικό δεν έχει δοθεί άγαλμα».

Ο τελευταίος στη λίστα μας με τους ρομαντικούς συνθέτες έζησε επίσης σχεδόν μέχρι τα μέσα του 20ου αιώνα, αν και έγραψε τα περισσότερα από τα πιο διάσημα έργα του τη δεκαετία του 1900. Κι όμως κατατάσσεται στους ρομαντικούς, και μας φαίνεται ότι αυτό είναι το περισσότερο ρομαντικός συνθέτηςαπό όλη την ομάδα.

Σεργκέι Βασίλιεβιτς Ραχμάνινοφγεννήθηκε σε μια ευγενή οικογένεια, η οποία μέχρι τότε είχε ξοδέψει πολλά χρήματα. Ανέπτυξε ενδιαφέρον για τη μουσική από νωρίς παιδική ηλικία, και οι γονείς του τον έστειλαν για σπουδές, πρώτα στην Αγία Πετρούπολη, και μετά στη Μόσχα.

Ο Ραχμάνινοφ ήταν ένας εκπληκτικά ταλαντούχος πιανίστας και αποδείχθηκε επίσης υπέροχος συνθέτης.

Δικος μου Κοντσέρτο για πιάνο Νο. 1έγραψε στα δεκαεννιά. Βρήκε επίσης χρόνο για την πρώτη του όπερα, Αλέκο.

Αλλά αυτός ο σπουδαίος μουσικός, κατά κανόνα, δεν ήταν ιδιαίτερα ικανοποιημένος με τη ζωή. Σε πολλές από τις φωτογραφίες, βλέπουμε έναν θυμωμένο, συνοφρυωμένο άντρα. Ένας άλλος Ρώσος συνθέτης, ο Ιγκόρ Στραβίνσκι, παρατήρησε κάποτε:

«Η αθάνατη ουσία του Ραχμάνινοφ ήταν το συνοφρύωμα του. Ήταν συνοφρυωμένος 6,5 μέτρα... ήταν ένας τρομερός άνθρωπος».

Όταν ο νεαρός Ραχμάνινοφ έπαιζε για τον Τσαϊκόφσκι, ήταν τόσο ενθουσιασμένος που έβαλε μια πεντάδα με τέσσερα συν στο φύλλο της παρτιτούρας του - τον υψηλότερο βαθμό στην ιστορία του Ωδείου της Μόσχας. Σύντομα όλη η πόλη άρχισε να μιλάει για το νεαρό ταλέντο.

Ωστόσο, η μοίρα παρέμεινε δυσμενής για τον μουσικό για μεγάλο χρονικό διάστημα.

Οι κριτικοί ήταν πολύ σκληροί μαζί του. Συμφωνίες Νο. 1,του οποίου η πρεμιέρα κατέληξε σε αποτυχία. Αυτό έδωσε στον Ραχμανίνοφ σοβαρές συναισθηματικές εμπειρίες, έχασε την πίστη του στις δικές του δυνάμεις και δεν μπορούσε να συνθέσει τίποτα απολύτως.

Τελικά, μόνο η βοήθεια ενός έμπειρου ψυχιάτρου Νικολάι Νταλ του επέτρεψε να βγει από την κρίση. Μέχρι το 1901, ο Ραχμάνινοφ είχε ολοκληρώσει το κονσέρτο για πιάνο, το οποίο είχε δουλέψει σκληρά για πολλά χρόνια και το είχε αφιερώσει στον Δρ Νταλ. Αυτή τη φορά, το κοινό υποδέχτηκε με χαρά το έργο του συνθέτη. Από τότε Κοντσέρτο για πιάνο Νο 2έγινε αγαπημένο ένα κλασικόεκτελούνται από διάφορους μουσικά σχήματαΠαγκόσμιος.

Ο Ραχμάνινοφ άρχισε να περιοδεύει στην Ευρώπη και τις ΗΠΑ. Επιστρέφοντας στη Ρωσία, διηύθυνε και συνθέτει.

Μετά την επανάσταση του 1917, ο Ραχμανίνοφ και η οικογένειά του πήγαν σε συναυλίες στη Σκανδιναβία. Δεν γύρισε ποτέ σπίτι. Αντίθετα, μετακόμισε στην Ελβετία, όπου αγόρασε ένα σπίτι στις όχθες της λίμνης Λουκέρνης. Πάντα αγαπούσε τα υδάτινα σώματα και τώρα, όταν έγινε αρκετά πλούσιος, είχε την πολυτέλεια να χαλαρώσει στην ακτή και να θαυμάσει το τοπίο που ανοίγει.

Ο Ραχμάνινοφ ήταν εξαιρετικός μαέστρος και πάντα έδινε τις ακόλουθες συμβουλές σε όσους ήθελαν να διαπρέψουν σε αυτόν τον τομέα:

«Ένας καλός μαέστρος πρέπει να είναι καλός οδηγός. Και οι δύο χρειάζονται τις ίδιες ιδιότητες: συγκέντρωση, συνεχή έντονη προσοχή και παρουσία μυαλού. Ο μαέστρος χρειάζεται μόνο να γνωρίζει λίγο τη μουσική…»

Το 1935 ο Ραχμάνινοφ αποφάσισε να εγκατασταθεί στις Η.Π.Α. Πρώτα έζησε στη Νέα Υόρκη και στη συνέχεια μετακόμισε στο Λος Άντζελες. Εκεί άρχισε να χτίζει για τον εαυτό του καινούργιο σπίτι, εντελώς πανομοιότυπο με αυτό που άφησε στη Μόσχα.

Με την ηλικία, ο Ραχμάνινοφ διηύθυνε όλο και λιγότερο και σχεδόν σταμάτησε εντελώς να συνθέτει μουσική. Έφτασε στην κορυφή της φήμης του ως εξαιρετικός πιανίστας.

Παρά τη νοσταλγία, στον Ραχμανίνοφ άρεσαν οι ΗΠΑ. Ήταν περήφανος για την τεράστια Cadillac του και συχνά προσκαλούσε καλεσμένους για βόλτα με αυτοκίνητο μόνο και μόνο για να επιδείξει το αυτοκίνητό του.

Λίγο πριν από το θάνατό του, ο Ραχμάνινοφ έλαβε την αμερικανική υπηκοότητα. Σε αυτή τη χώρα θάφτηκε.

Έχουμε δώσει πολύ μεγαλύτερη προσοχή στη ρομαντική περίοδο στο βιβλίο μας από ό,τι σε όλες τις άλλες περιόδους της κλασικής μουσικής.

Σε αυτήν την εποχή, συνέβησαν τόσα πολλά ενδιαφέροντα πράγματα σε διάφορες χώρες που είναι απλά αδύνατο να πούμε για τα πάντα σε ένα μικρό άρθρο. Η κλασική μουσική έχει αλλάξει πολύ, όπως και ο ήχος της, ο οποίος έχει γίνει χάρη στο εξαιρετικό συμφωνικές ορχήστρεςπιο πλούσια και πιο έντονη. Από πολλές απόψεις, τα έργα του Ραχμάνινοφ είναι το τέλειο παράδειγμα αυτού του ήχου. Αν το συγκρίνουμε με τον Μπετόβεν, γίνεται σαφές πόσο μεγαλειώδεις ήταν οι αλλαγές.

Όμως, όσο σημαντικές κι αν είναι αυτές οι ίδιες αλλαγές που συνέβησαν στον κόσμο της μουσικής κατά τα ογδόντα περίπου χρόνια της ρομαντικής περιόδου, δεν μπορούν να συγκριθούν με αυτό που συνέβη αργότερα. Και στο μέλλον, η μουσική έγινε ακόμη πιο διαφοροποιημένη και ασυνήθιστη - η οποία, κατά τη γνώμη μας, δεν πήγαινε πάντα υπέρ της.