Σπίτι › Ελαστικά και ζάντες › Πορτρέτο ενός άνδρα με ένα χέρι στο στήθος του. Ελ Γκρέκο - "Πορτρέτο ενός κυρίου με ένα χέρι στο στήθος του"

Πορτρέτο ενός άνδρα με ένα χέρι στο στήθος του. Ελ Γκρέκο - "Πορτρέτο ενός κυρίου με ένα χέρι στο στήθος του"

Για τη ζωή του Κρητικού Domenico Theotokopuli, του καλλιτέχνη που κατέκτησε το ισπανικό Τολέδο με το όνομα El Greco, δηλαδή του Έλληνα, δεν έχει απομείνει σχεδόν κανένα στοιχείο. Η «ανόητη» του χαρακτήρα του και ο περίεργος ζωγραφικός τρόπος εξέπληξαν πολλούς και τους ανάγκασαν να πιάσουν ένα στυλό - αλλά μόνο λίγα γράμματα έχουν διασωθεί. Ένα από αυτά περιέχει τις ακόλουθες γραμμές: «... ο καιρός ήταν όμορφος, ο ανοιξιάτικος ήλιος έλαμπε απαλά. Έδινε χαρά σε όλα, και η πόλη έμοιαζε γιορτινή. Φανταστείτε την έκπληξή μου όταν μπήκα στο εργαστήριο του Ελ Γκρέκο και είδα ότι τα παντζούρια στα παράθυρα ήταν κλειστά και επομένως ήταν δύσκολο να δω τι υπήρχε τριγύρω. Ο ίδιος ο Ελ Γκρέκο κάθισε σε ένα σκαμνί, χωρίς να κάνει τίποτα, παρά μόνο ξύπνιος. Δεν ήθελε να βγει έξω μαζί μου, γιατί, σύμφωνα με τον ίδιο, το φως του ήλιου παρενέβαινε στο εσωτερικό του φως...»

Δεν υπάρχει σχεδόν καμία απόδειξη για τον Domenico που έφυγε, μόνο ηχώ: ότι έζησε με μεγαλοπρεπή στυλ, ότι διατηρούσε την πλουσιότερη βιβλιοθήκη, διάβαζε πολλούς φιλοσόφους και έκανε μήνυση στους πελάτες (τον αγαπούσαν, αλλά τις περισσότερες φορές δεν τον καταλάβαιναν), πέθανε σχεδόν στη φτώχεια, σαν λεπτές ακτίνες φως ημέραςσπάσει τις ρωγμές στα «κλειστά παραθυρόφυλλα» της ζωής του. Αλλά δεν αποσπούν την προσοχή από το κύριο πράγμα - από το εσωτερικό φως που γεμίζει τους πίνακες του καλλιτέχνη El Greco. Ειδικά πορτραίτα.

Δεν έχουν τοπία που ανοίγουν πίσω από το πρόσωπο που απεικονίζεται, δεν υπάρχει αφθονία λεπτομερειών που προσελκύουν το περίεργο βλέμμα. Ακόμη και το όνομα του ήρωα μένει συχνά εκτός εικόνας. Γιατί όλα αυτά θα εμπόδιζαν να δούμε το πρόσωπο. Και μάτια, βαθιά, σκοτεινά, που σε κοιτούν κατευθείαν. Είναι δύσκολο να απομακρυνθείς από αυτά, και αν αναγκάσεις τον εαυτό σου, τότε να δεις τη χειρονομία - και να σταματήσεις ξανά στη σκέψη.

Τέτοιο είναι το «Πορτρέτο ενός κυρίου με το χέρι στο στήθος» (1577-1579), που έγραψε ο πλοίαρχος λίγο μετά τη μετακόμισή του στο Τολέδο. Αυτό το πορτρέτο αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα στην ισπανική ζωγραφική του 16ου αιώνα. Ο Outlander El Greco δημιούργησε «φωτεινές εικόνες Ισπανική ζωήκαι ιστορίες», που απεικονίζουν «γνήσια έμβια όντα, συνδυάζοντας μέσα τους ό,τι πρέπει να θαυμάσει ο λαός μας, κάθε τι ηρωικό και αδάμαστο, με εκείνες τις αντίθετες ιδιότητες που δεν μπορούν παρά να αντικατοπτρίζονται χωρίς να καταστρέφουν την ίδια την ουσία του» (Α. Σεγκόβια). Αριστοκράτες από τις αρχαίες οικογένειες του Τολέδο έγιναν οι αληθινοί ήρωες του Ελ Γκρέκο, τους είδε Εσωτερικό Φως- η ευγένεια και η αξιοπρέπειά τους, η πίστη στο καθήκον, η εξυπνάδα, η επιτήδευση των τρόπων, το θάρρος, η εξωτερική συγκράτηση και η εσωτερική τους παρόρμηση, η δύναμη μιας καρδιάς που ξέρει για τι ζει και πεθαίνει...

Μέρα με τη μέρα, οι επισκέπτες της γκαλερί Prado σταματούν μπροστά στο άγνωστο hidalgo, έκπληκτοι, με τα λόγια: «Πόσο ζωντανός…» Ποιος είναι αυτός ο ιππότης; Γιατί ανοίγει την καρδιά του με τόση ειλικρίνεια; Γιατί τα μάτια του είναι τόσο ελκυστικά; Και αυτή η χειρονομία του όρκου; Και η λαβή του ξίφους;... Ίσως από αυτές τις ερωτήσεις να γεννήθηκε ο θρύλος ότι αυτός που απεικονίζεται στο πορτρέτο είναι ένας άλλος σπουδαίος Ισπανός: ο Μιγκέλ ντε Θερβάντες. Ένας πολεμιστής και συγγραφέας που είπε στον κόσμο την ιστορία ενός ιππότη μιας θλιβερής εικόνας, στον οποίο δόθηκε το ίδιο θείο δώρο με τον Ελ Γκρέκο - να βλέπει τους ανθρώπους όπως θα έπρεπε να είναι, να βλέπει το εσωτερικό τους φως...

στο περιοδικό «Άνθρωπος Χωρίς Σύνορα»

Σβετλάνα Ομπούχοβα

Δεν υπάρχει σχεδόν καμία απόδειξη για τον άνδρα Domenico, μόνο ηχώ: ότι ζούσε με μεγαλοπρεπή στυλ, ότι διατηρούσε την πιο πλούσια βιβλιοθήκη, διάβαζε πολλούς φιλοσόφους και έκανε μήνυση στους πελάτες (τον αγαπούσαν, αλλά τις περισσότερες φορές δεν τον καταλάβαιναν), πέθανε σχεδόν στη φτώχεια, όπως λεπτές ακτίνες φωτός της ημέρας διαπερνούν τις ρωγμές στα «κλειστά παραθυρόφυλλα» της ζωής του. Αλλά δεν αποσπούν την προσοχή από το κύριο πράγμα - από το εσωτερικό φως που γεμίζει τους πίνακες του καλλιτέχνη El Greco. Ειδικά πορτραίτα.

Τέτοιο είναι το «Πορτρέτο ενός κυρίου με το χέρι στο στήθος» (1577-1579), που έγραψε ο πλοίαρχος λίγο μετά τη μετακόμισή του στο Τολέδο. Αυτό το πορτρέτο αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα στην ισπανική ζωγραφική του 16ου αιώνα. Ο ξένος Ελ Γκρέκο δημιούργησε «ζωντανές εικόνες της ισπανικής ζωής και ιστορίας», που απεικονίζουν «γνήσια ζωντανά όντα, συνδυάζοντας ό,τι αξίζει να θαυμάσει ο λαός μας, κάθε τι ηρωικό και αδάμαστο, με εκείνες τις αντίθετες ιδιότητες που δεν μπορούν παρά να αντικατοπτρίζονται, χωρίς να καταστρέφουν η ίδια η ουσία του» (Α. Σεγκόβια). Οι αριστοκράτες από τις αρχαίες οικογένειες του Τολέδο έγιναν οι αληθινοί ήρωες του Ελ Γκρέκο, είδε το εσωτερικό τους φως - την αρχοντιά και την αξιοπρέπειά τους, την πίστη στο καθήκον, την ευφυΐα, την επιτήδευση των τρόπων, το θάρρος, τον εξωτερικό περιορισμό και την εσωτερική παρόρμηση, τη δύναμη της καρδιάς, που ξέρει για τι ζει και για τι πεθαίνει...

Και άλλοι πίνακες από το Μουσείο Πράδο στο Ερμιτάζ...

Ελ Γκρέκο «Ο Χριστός αγκαλιάζει τον Σταυρό» 1600 - 1605

Απεικονισμένος στο φόντο ενός θυελλώδους ουρανού, χαρακτηριστικό του Ελ Γκρέκο, ο Χριστός αγκαλιάζει τον σταυρό με τα χαριτωμένα μπράτσα του, κοιτάζοντας ψηλά με ήρεμο χαμό. Ο πίνακας είχε μεγάλη επιτυχία και πολλές εκδοχές του δημιουργήθηκαν στο εργαστήριο του Ελ Γκρέκο.

Ελ Γκρέκο «Η Αγία Οικογένεια με την Αγία Άννα και τον Μικρό Ιωάννη τον Βαπτιστή» γ. 1600 - 1605

Η ύστερη περίοδος της δουλειάς του Ελ Γκρέκο χαρακτηρίζεται από τη χρήση διαπεραστικών χρωμάτων και φλας. ο χώρος είναι εντελώς γεμάτος με φιγούρες που συσκοτίζουν τον ορίζοντα. Οι φόρμες που σχεδιάζονται με μια δονούμενη διαδρομή χάνουν την υλικότητά τους. Ο μικρός Ιωάννης ο Βαπτιστής καλεί τον θεατή σε σιωπή, για να μην διαταραχθεί η γαλήνη του βρέφους Χριστού...

Velasquez - Portrait of Philip IV Portrait of King Philip IV. 1653-1657

Βασικές αρχές του ψυχολογικού πορτραίτου στο Ευρωπαϊκή τέχνηστρωμένος Ισπανός ζωγράφοςΝτιέγκο Ροντρίγκες ντε Σίλβα Βελάσκεθ. Γεννήθηκε σε μια φτωχή ευγενή οικογένεια στη Σεβίλλη, σπούδασε με τον Ερέρα τον Πρεσβύτερο και τον Πατσέκο. Το 1622 ήρθε για πρώτη φορά στη Μαδρίτη. Από πρακτική άποψη, αυτό το ταξίδι δεν ήταν πολύ επιτυχημένο - ο Velasquez δεν βρήκε ένα αντάξιο μέρος για τον εαυτό του. Ήλπιζε να συναντήσει τον νεαρό βασιλιά Φίλιππο Δ', αλλά η συνάντηση δεν έγινε. Ωστόσο, οι φήμες για τον νεαρό καλλιτέχνη έφτασαν στο δικαστήριο και ήδη τον επόμενο χρόνο, το 1623, ο πρώτος υπουργός, ο Δούκας ντε Ολιβάρες (επίσης ντόπιος της Σεβίλλης), κάλεσε τον Βελάσκεθ στη Μαδρίτη για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Αυτό το έργο, που δεν μας έφτασε, έκανε τόσο ευχάριστη εντύπωση στον μονάρχη που πρόσφερε αμέσως στον Βελάσκεθ τη θέση του αυλικού ζωγράφου. Σύντομα μεταξύ του βασιλιά και του Velasquez υπήρξαν αρκετά φιλικές σχέσεις, κάτι που δεν ήταν ιδιαίτερα χαρακτηριστικό για τις εντολές που επικρατούσαν στην ισπανική αυλή. Ο βασιλιάς που κυβέρνησε τη μεγαλύτερη αυτοκρατορία στον κόσμο δεν θεωρούνταν άνθρωπος, αλλά θεότητα και ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε καν να βασιστεί ευγενή προνόμιαγιατί κέρδιζε το ψωμί του δουλεύοντας. Εν τω μεταξύ, ο Φίλιππος διέταξε ότι εφεξής μόνο ο Βελάσκεθ ζωγράφιζε τα πορτρέτα του. Ο μεγάλος μονάρχης ήταν εκπληκτικά γενναιόδωρος και υποστηρικτικός προς τον Βελάσκεθ. Το στούντιο του καλλιτέχνη βρισκόταν στα βασιλικά διαμερίσματα και μια καρέκλα για την Αυτού Μεγαλειότητα εγκαταστάθηκε εκεί. Ο βασιλιάς, που είχε το κλειδί του εργαστηρίου, ερχόταν εδώ σχεδόν κάθε μέρα για να παρατηρήσει το έργο του καλλιτέχνη Ενώ βρισκόταν στη βασιλική υπηρεσία από το 1623 έως το 1660, ο Βελάσκεθ ζωγράφισε περίπου δώδεκα πορτρέτα του κυρίου του. Από αυτούς, λίγο περισσότεροι από 10 πίνακες μας έχουν φτάσει. Έτσι, κατά μέσο όρο, ο Βελάσκεθ απεικόνιζε τον άρχοντα του περίπου μία φορά κάθε τρία χρόνια. Το να ζωγραφίζει πορτρέτα του βασιλιά ήταν έργο του Βελάσκεθ και έκανε αυτή τη δουλειά τέλεια. Χάρη σε αυτό, έχουμε ένα σύμπλεγμα έργων που είναι μοναδικό στο είδος του: στα πορτρέτα του Velasquez, μπορεί κανείς να εντοπίσει μονοπάτι ζωήςΟ βασιλιάς Φίλιππος τόσο ξεκάθαρα όσο αργότερα έγινε έθιμο μόνο στην εποχή της φωτογραφίας. Η εξέλιξη φαίνεται ξεκάθαρα στους καμβάδες του καλλιτέχνη. Πρώτον, ο ίδιος ο βασιλιάς αλλάζει, 18χρονος στο πρώτο πορτρέτο και 50χρονος στο τελευταίο, το πρόσωπό του φέρει το αποτύπωμα της ηλικίας και των πνευματικών αλλαγών. Δεύτερον, η αντίληψη του καλλιτέχνη για το μοντέλο του βαθαίνει, μετατρέποντας από επιφανειακή σε διορατική. Με την πάροδο του χρόνου, ο τρόπος παρουσίασης του μοντέλου αλλάζει και καλλιτεχνικές τεχνικές. Ο τρόπος του Βελάσκεθ μεταμορφώνεται υπό την επιρροή των δικών του δημιουργική ανάπτυξη, καθώς και υπό την επίδραση των σύγχρονων εγχώριων και ξένων παραδόσεων. Σε αυτό το πορτρέτο προτομής, ο Φίλιππος Δ΄ παρουσιάζεται σε σκούρο φόντο φορώντας μαύρο ιμάτιο με λευκό γιακά που τονίζει το πρόσωπο του μονάρχη. Ο Βελάσκεθ αποφεύγει την επιδεικτική πολυτέλεια στο πορτρέτο του βασιλιά και δείχνει " ανθρώπινο πρόσωπο» ο μονάρχης χωρίς καμία κολακεία ή αυλική απάτη. Νιώθουμε ξεκάθαρα ότι το άτομο που μας κοιτάζει από τον καμβά είναι δυστυχισμένο, τα τελευταία χρόνιαη βασιλεία δεν ήταν εύκολη για τον βασιλιά. Αυτό είναι ένα άτομο που έχει γνωρίσει την απογοήτευση, αλλά ταυτόχρονα - ένα άτομο του οποίου η σάρκα είναι γεμάτη από έμφυτο μεγαλείο, που τίποτα δεν μπορεί να ταρακουνήσει. Αλλο σπουδαίος καλλιτέχνης, ένας Ισπανός μέχρι το μεδούλι των οστών του - ο Pablo Ruiz Picasso λέει το εξής για την εικόνα του Ισπανού βασιλιά: «Δεν μπορούμε να φανταστούμε άλλον Φίλιππο Δ΄, εκτός από αυτόν που δημιούργησε ο Velazquez ...»

"Πορτρέτο του βασιλιά Φιλίππου Δ'" (περίπου 1653 - 1657)

Ενας από τελευταία πορτρέταμονάρχης. Είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι δεν υπάρχει ούτε ένα στοιχείο εδώ που να μιλά για τη βασιλική ιδιότητα του προσώπου που απεικονίζεται. Ο Βελάσκεθ υπηρέτησε τον Φίλιππο Δ' για σχεδόν σαράντα χρόνια - από το 1623 μέχρι το θάνατό του, ζωγράφισε πορτρέτα του βασιλιά και της οικογένειάς του, μεγάλους καμβάδες για τη Βασιλική Συλλογή.

Ντιέγκο Βελάσκεθ «Πορτρέτο του γελωτοποιού Ντον Ντιέγκο ντε Άσεδο» (El Primo) γ. 1644

Diego Velasquez "Πορτρέτο της βασίλισσας Μαριάννας της Αυστρίας" 1652-1653

Τιτσιάνο (Tiziano Vecellio) "Αφροδίτη με Έρως και Οργανίστρια" 1555

Ο μουσικός παίζει, καθισμένος στα πόδια της Αφροδίτης και θαυμάζοντας το γυμνό σώμα της θεάς, ένα αφηρημένο παιχνίδι με τον Έρως. Κάποιοι είδαν σε αυτή την εικόνα ένα καθαρά ερωτικό έργο, ενώ άλλοι το αντιλήφθηκαν συμβολικά - ως αλληγορία συναισθημάτων, όπου η όραση και η ακοή λειτουργούν ως εργαλεία για την κατανόηση της ομορφιάς και της αρμονίας. Ο Τιτσιάν έγραψε πέντε εκδοχές αυτού του θέματος.

Πάολο Βερονέζε (Πάολο Κάλιαρι) - Μετανοιωμένη Μαρία Μαγδαληνή 1583

Μετά τη μεταστροφή της, η Μαρία η Μαγδαληνή αφιέρωσε τη ζωή της στη μετάνοια και την προσευχή, αποσυρόμενη από τον κόσμο. Σε αυτόν τον καμβά, απεικονίζεται να κοιτάζει τον ουρανό και να πλημμυρίζει θεϊκό φως. Η εικόνα είναι γραμμένη με πυκνά σκούρα χρώματα, χαρακτηριστικό του στυλ του Βερονέζε στην ύστερη περίοδο του έργου του. Πριν μπει στις Ισπανικές Βασιλικές Συλλογές, το έργο ανήκε ο Άγγλος βασιλιάςΚάρολος Α' (εκτελέστηκε το 1649)

Anthony van Dyck "Πορτρέτο ενός άνδρα με λαούτο" 1622-1632

Ο Anthony van Dyck οφείλει τη φήμη του ακριβώς στο είδος του πορτρέτου, το οποίο στην ιεραρχία Ευρωπαϊκή ζωγραφικήκατέλαβε μια αρκετά χαμηλή θέση. Ωστόσο, στη Φλάνδρα εκείνη την εποχή είχε ήδη αναπτυχθεί μια παράδοση της τέχνης πορτρέτου. Ο Van Dyck ζωγράφισε εκατοντάδες πορτρέτα, αρκετές αυτοπροσωπογραφίες και έγινε ένας από τους δημιουργούς του τελετουργικού πορτρέτου του 17ου αιώνα. Σε πορτρέτα των συγχρόνων του, έδειξε τον διανοούμενο τους, συναισθηματικός κόσμος, πνευματική ζωή, ζωντανός χαρακτήρας του ανθρώπου.
Το παραδοσιακό μοντέλο για αυτό το πορτρέτο είναι ο Jacob Gautier, ένας λαουτνίστας στην αγγλική αυλή από το 1617 έως το 1647, αλλά η παρουσία ενός ξίφους, και σε μεγαλύτερο βαθμό, τα στιλιστικά χαρακτηριστικά του έργου, δείχνουν ότι πρέπει να χρονολογηθεί πολύ νωρίτερα από Το ταξίδι του Van Dyck στο Λονδίνο, που θέτει υπό αμφισβήτηση αυτή τη θεωρία. Η παρουσία ενός μουσικού οργάνου δεν σημαίνει απαραίτητα ότι το μοντέλο ήταν μουσικός. Ως σύμβολο, τα μουσικά όργανα απεικονίζονταν συχνά σε πορτρέτα, ως ένδειξη της πνευματικής φινέτσας και της ευαισθησίας των εικονιζόμενων.

Juan Bautista Maino "Η λατρεία των βοσκών" 1612-1614

Ένα από τα αριστουργήματα του Maino. Στη συλλογή Κρατικό Ερμιτάζμια άλλη εκδοχή αυτής της ιστορίας, γραμμένη από τον Maino, διατηρείται. Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην Παστράνα (Γκουανταλαχάρα) και έζησε στη Ρώμη από το 1604 έως το 1610. Σε αυτό το έργο, που γράφτηκε μετά την επιστροφή στην Ισπανία, μπορεί κανείς να νιώσει την επιρροή του Καραβάτζιο και του Οράζιο Τζεντιλέσκι. Το 1613, ο Maino έγινε μέλος του τάγματος των Δομινικανών και ο πίνακας μπήκε στον κύκλο του βωμού του μοναστηριού του Αγίου Πέτρου του Μάρτυρα στο Τολέδο.

Georges de Latour «Ο τυφλός μουσικός με τη λύρα» περ. 1625-1630

Ο Latour απεικονίζει έναν ηλικιωμένο τυφλό μουσικό να παίζει ένα hurdy-gurdy.Επανέλαβε αυτή την ιστορία πολλές φορές. Ο καλλιτέχνης, που εργάστηκε υπό την επίδραση του στυλ του Καραβάτζιο, αναπαράγει με ενθουσιασμό τις λεπτομέρειες - το μοτίβο που κοσμεί μουσικό όργανο, ρυτίδες στο πρόσωπο ενός τυφλού, τα μαλλιά του.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" περ. 1639-1640

Francisco de Goya "Πορτρέτο του Φερδινάνδου Ζ'" 1814-1815

Μετά την ήττα του Ναπολέοντα το 1814, ο Φερδινάνδος Ζ΄ επέστρεψε στον ισπανικό θρόνο. Στο πορτρέτο, απεικονίζεται με βασιλικό μανδύα επενδεδυμένο με ερμίνα, με σκήπτρο και τις διαταγές του Κάρλος Γ' και του Χρυσόμαλλου Δέρας.
Ο Φερδινάνδος Ζ΄, ο οποίος κυβέρνησε τη χώρα μέχρι το 1833, ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Η Maria von Santa Cruz, σύζυγος του πρώτου διευθυντή του Prado, ήταν μια από τις πιο σεβαστές γυναίκες στην Ισπανία της εποχής της.
Σε ένα πορτρέτο του 1805, η Γκόγια απεικόνισε τη Μαρκησία ως τη μούσα της λυρικής ποίησης, την Ευτέρπη, ξαπλωμένη σε ένα θόλο και με μια λύρα στο αριστερό της χέρι. Η επιλογή ακριβώς μιας τέτοιας εικόνας οφείλεται στο πάθος της μαρκησίας για την ποίηση.

Francisco Goya - "Φθινόπωρο (Συγκομιδή σταφυλιών)" 1786 - 1787

Francisco Goya - The Grape Harvest. θραύσμα

Το 1775 - 1792, ο Γκόγια δημιούργησε επτά σειρές ταπετσαριών από χαρτόνι για τα ανάκτορα Escorial και Prado στα περίχωρα της Μαδρίτης. Αυτός ο πίνακας, συγκεκριμένα, ανήκει στη σειρά των εποχών και προοριζόταν για την τραπεζαρία του Πρίγκιπα της Αστούριας στο Πράδο. Ο Γκόγια απεικόνισε την κλασική πλοκή ως μια καθημερινή σκηνή, η οποία αντανακλά τη φύση της σχέσης μεταξύ διαφορετικών τάξεων - η εικόνα δείχνει τους ιδιοκτήτες του αμπελώνα με τον γιο και την υπηρέτριά τους.

Francisco Goya "Πορτρέτο του στρατηγού José de Urrutia" (περίπου 1798)

Ο José de Urrutia (1739 - 1809) - ένας από τους πιο εξέχοντες Ισπανούς στρατιωτικούς ηγέτες και ο μόνος αξιωματικός του στρατού μη αριστοκρατικής καταγωγής τον 18ο αιώνα που έφτασε στο βαθμό του στρατηγού - απεικονίζεται με το Τάγμα του Αγίου Γεωργίου, το οποίο βραβεύτηκε από τη Ρωσική Αυτοκράτειρα Αικατερίνη τη Μεγάλη για τη συμμετοχή στη σύλληψη του Οτσάκοφ κατά τη διάρκεια της εκστρατείας στην Κριμαία του 1789.

Πίτερ Πολ Ρούμπενς «Πορτρέτο της Μαρί ντε Μέντιτσι». ΕΝΤΑΞΕΙ. 1622-1625.

Η Maria Medici (1573 - 1642) ήταν κόρη του Μεγάλου Δούκα της Τοσκάνης Francesco I. Το 1600 έγινε σύζυγος του Γάλλου βασιλιά Ερρίκου Δ'. Από το 1610, ήταν αντιβασιλέας του μικρού της γιου, του μελλοντικού βασιλιά Λουδοβίκου XIII. Ο Ρούμπενς ανέθεσε μια σειρά έργων που δοξάζουν τον εαυτό της και τον εκλιπόντα σύζυγό της. Το πορτρέτο δείχνει τη βασίλισσα να φορά την κόμμωση μιας χήρας και σε ένα ημιτελές φόντο.

Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" περίπου. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Πορτρέτο του Felix Maximo Lopez, πρώτος οργανίστας του Βασιλικού Παρεκκλησίου" 1820

Ισπανός νεοκλασικός ζωγράφος, ενώ διατηρεί ίχνη του ροκοκό στυλ. Ο Λόπες θεωρούνταν ένας από τους καλύτερους προσωπογράφους της εποχής του, δεύτερος μόνο μετά τον Φρανσίσκο ντε Γκόγια. Άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική στη Βαλένθια σε ηλικία 13 ετών και τέσσερα χρόνια αργότερα κέρδισε πολλά πρώτα βραβεία στην Ακαδημία του Σαν Κάρλος, κάτι που του χάρισε μια υποτροφία για σπουδές στη διάσημη Βασιλική Ακαδημία της πρωτεύουσας. καλές τέχνεςΣαν Φερνάντο. Μετά την ολοκλήρωση των σπουδών του, ο Lopez εργάστηκε για αρκετά χρόνια στο εργαστήριο του Mariano Salvador Maella, του δασκάλου του. Μέχρι το 1814, μετά τη γαλλική κατοχή, ο Λόπεζ ήταν ήδη αρκετά καλά διάσημος καλλιτέχνης, έτσι ο Ισπανός βασιλιάς Φερδινάνδος Ζ΄ τον κάλεσε στη Μαδρίτη και τον διόρισε επίσημο ζωγράφο της αυλής, παρά το γεγονός ότι ο ίδιος ο Φραγκίσκο Γκόγια ήταν ο «πρώτος βασιλικός καλλιτέχνης» εκείνη την εποχή. Ο Vicente López ήταν ένας πολυγραφότατος καλλιτέχνης, ζωγράφιζε πάνω σε θρησκευτικά, αλληγορικά, ιστορικά και μυθολογικά θέματα, αλλά, πάνω απ' όλα, ήταν, φυσικά, πορτραίτης. Κατά τη διάρκεια της μακρόχρονης καριέρας του, ζωγράφισε πορτρέτα σχεδόν όλων διάσημο πρόσωποΗ Ισπανία στο πρώτο μισό του 19ου αιώνα.
Αυτό το πορτρέτο του πρώτου οργανίστα του βασιλικού παρεκκλησίου και διάσημος μουσικόςκαι συνθέτης γράφτηκε λίγο πριν το θάνατο του καλλιτέχνη, και ολοκληρώθηκε από τον μεγαλύτερο γιο του Ambrosio Lopez.

Anton Raphael Mengs "Πορτρέτο της Maria Louise of Parma, Princess of Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotán "Νεκρή φύση με παιχνίδι, λαχανικά και φρούτα" 1602

Ο Don Diego de Acedo βρίσκεται στο δικαστήριο από το 1635. Εκτός από την «υπηρεσία του γελωτοποιού», ενεργούσε ως βασιλικός αγγελιοφόρος και ήταν υπεύθυνος για τη σφραγίδα του βασιλιά. Προφανώς, τα βιβλία, τα χαρτιά και το υλικό γραφής που απεικονίζονται στην εικόνα μιλούν για αυτές τις δραστηριότητες. Πιστεύεται ότι το πορτρέτο ζωγραφίστηκε στη Φράγκα, στην επαρχία της Ουέσκα, κατά τη διάρκεια του ταξιδιού του Φιλίππου Δ' στην Αραγονία, στο οποίο συνοδευόταν από τον Ντιέγκο ντε Ασέδο. Στο βάθος υψώνεται η κορυφή Maliceos της οροσειράς Guadarrama.

Ιερώνυμος Μπος «Αφαίρεση της πέτρας της βλακείας» γ. 1490

Σε μια σατυρική σκηνή με φιγούρες με φόντο ένα τοπίο, απεικονίζεται μια επιχείρηση εξαγωγής της «πέτρας της βλακείας». Επιγραφή γοτθική γραμματοσειράδιαβάζει: - "Δάσκαλε, αφαιρέστε γρήγορα την πέτρα. Με λένε Λούμπερτ Ντας." Το Lubbert είναι ένα κοινό ουσιαστικό που δηλώνει άγνοια και αθωότητα. Ένας χειρούργος με κόμμωση σε μορφή ανεστραμμένου χωνιού, που συμβολίζει την άγνοια, «βγάζει» μια πέτρα (νούφαρο) από το κεφάλι ενός ευκολόπιστου ασθενή και του απαιτεί μια γενναία πληρωμή. Τότε οι απλοϊκοί πίστευαν ότι για τη βλακεία τους έφταιγε μια πέτρα στο κεφάλι. Αυτό χρησιμοποίησαν οι τσαρλατάνοι.

Raphael (Raffaello Santi) "Αγία οικογένεια με ένα αρνί" 1507

Η Μαρία βοηθάει τον μικρό Χριστό να καθίσει στο αρνί - χριστιανικό σύμβολοτα επερχόμενα Πάθη του Χριστού και ο Αγ. Ο Ιωσήφ τους παρακολουθεί. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε στη Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης μελέτησε το έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι, επηρεασμένος από τις συνθέσεις του με την Αγία Οικογένεια. Στο Μουσείο Πράδο, αυτό είναι το μοναδικό έργο του Ραφαήλ που γράφτηκε στην πρώιμη περίοδο.

Άλμπρεχτ Ντύρερ «Πορτρέτο ενός άγνωστου ανθρώπου» περ. 1521

Το πορτρέτο ανήκει σε όψιμη περίοδοςΤο έργο του Dürer. Γραμμένο με τρόπο παρόμοιο με το στυλ Ολλανδοί καλλιτέχνες. Ένα καπέλο με φαρδύ γείσο εφιστά την προσοχή στο πρόσωπο του προσώπου που απεικονίζεται, το φως που πέφτει από τα αριστερά εστιάζει την προσοχή του θεατή σε αυτό. Το δεύτερο επίκεντρο της προσοχής στο πορτρέτο είναι τα χέρια, και πάνω απ' όλα τα αριστερά, στα οποία ο άγνωστος κρατά έναν ειλητάριο - εξηγώντας προφανώς την κοινωνική του θέση.

Rogier Van der Weyden «Θρήνος» γ. 1450

Το τρίπτυχο του βωμού για το μοναστήρι Miraflores χρησίμευσε ως πρότυπο (φυλάσσεται μέσα γκαλερί τέχνηςΒερολίνο), που δημιουργήθηκε από τον Van der Weyden νωρίτερα από το 1444 και επαναλήφθηκε με κάποιες διαφορές. Σε αυτή την έκδοση, με το πάνω μέρος να προστίθεται σε άγνωστη περίοδο, η Μαρία, ο Χριστός, ο Αγ. Στον ίδιο χώρο εικονίζονται ο Γιάννης και ο δωρητής (πελάτης του πίνακα) - μέλος της οικογένειας Broers. Η καλλιτέχνης μεταφέρει εκφραστικά τη θλίψη της Θεοτόκου, πιέζοντας το σώμα του νεκρού γιου της στο στήθος της. Στην τραγική ομάδα στα αριστερά αντιτίθεται η φιγούρα του δωρητή, που τη χωρίζει μια πέτρα. Βρίσκεται σε κατάσταση συγκέντρωσης προσευχής. Εκείνη την εποχή, οι πελάτες ζητούσαν συχνά να απεικονίσουν τον εαυτό τους στους πίνακες. Όμως, οι εικόνες τους ήταν πάντα δευτερεύουσες - κάπου στο βάθος, στο πλήθος κ.λπ. Εδώ ο δωρητής απεικονίζεται σε πρώτο πλάνο, αλλά χωρίζεται από την κύρια ομάδα με μια πέτρα και με τη βοήθεια του χρώματος.

Alonso Cano «Dead Christ Supported by an Angel» γ. 1646 - 1652

Με φόντο ένα τοπίο λυκόφωτος, ένας άγγελος στηρίζει το άψυχο σώμα του Χριστού. Η ασυνήθιστη εικονογραφία αυτού του καμβά εξηγείται από το γεγονός ότι δεν συνδέεται με τα Ευαγγελικά κείμενα, αλλά με τον λεγόμενο Χριστό του Αγ. Γρηγόριος. Σύμφωνα με το μύθο, ο Πάπας Γρηγόριος ο Μέγας είχε ένα όραμα του νεκρού Χριστού που υποστηρίχθηκε από δύο αγγέλους. Ο Κάνο ερμήνευσε αυτήν την ιστορία με διαφορετικό τρόπο - μόνο ένας άγγελος υποστηρίζει το ακίνητο σώμα του Χριστού.

Bartolome Esteban Murillo «Η Παναγία του Ροδαρίου» περ. 1650 -1655

Το έργο του Bartolome Esteban Murillo συμπληρώνει τη χρυσή εποχή της ισπανικής ζωγραφικής. Τα έργα του Murillo είναι άψογα ακριβή στη σύνθεση, πλούσια και αρμονικά στο χρώμα και όμορφα με την υψηλότερη έννοια της λέξης. Τα συναισθήματά του είναι πάντα ειλικρινή και ευαίσθητα, αλλά στους καμβάδες του Murillo δεν υπάρχει πια αυτή η πνευματική δύναμη και το βάθος που είναι τόσο συγκλονιστικά στα έργα των παλαιότερων συγχρόνων του. Η ζωή του καλλιτέχνη συνδέεται με την πατρίδα του τη Σεβίλλη, αν και έπρεπε να επισκεφθεί τη Μαδρίτη και άλλες πόλεις. Αφού σπούδασε με τον τοπικό ζωγράφο Juan del Castillo (1584-1640), ο Murillo δούλεψε πολύ με παραγγελίες από μοναστήρια και ναούς. Το 1660 έγινε πρόεδρος της Ακαδημίας Καλών Τεχνών της Σεβίλλης.
Με τους καμβάδες του για θρησκευτικά θέματα, ο Murillo προσπάθησε να φέρει παρηγοριά και επιβεβαίωση. Δεν είναι τυχαίο ότι πολύ συχνά ζωγράφιζε την εικόνα της Μητέρας του Θεού. Από εικόνα σε εικόνα, η εικόνα της Μαίρης περνούσε με τη μορφή ενός υπέροχου νεαρού κοριτσιού με κανονικά χαρακτηριστικά και ήρεμο βλέμμα. Η αθώα εμφάνισή της έμελλε να προκαλεί ένα αίσθημα γλυκιάς τρυφερότητας στον θεατή. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Bartolome Murillo απεικόνισε τη Μαντόνα και τον Ιησού με ένα κομπολόι, ένα παραδοσιακό καθολικό κομπολόι, στο οποίο δόθηκε προσευχή μεγάλης σημασίαςτην εποχή του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο, τα χαρακτηριστικά του νατουραλισμού που επικράτησαν στα έργα των εκπροσώπων της σχολής της Σεβίλλης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα είναι ακόμα αισθητά, αλλά το στυλ ζωγραφικής του Murillo είναι ήδη πιο ελεύθερο από ό,τι στο δικό του πρώιμη εργασία. Αυτός ο ελεύθερος τρόπος είναι ιδιαίτερα έντονο στην απεικόνιση του πέπλου της Παναγίας. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί έντονο φως για να τονίσει τις φιγούρες σε σκούρο φόντο και να δημιουργήσει μια αντίθεση μεταξύ των λεπτών αποχρώσεων του προσώπου της Παναγίας και του σώματος του μωρού Χριστού και των βαθιών σκιών στις πτυχές των υφασμάτων.
Στην Ανδαλουσία του 17ου αιώνα, η εικόνα της Θεοτόκου με το Παιδί είχε ιδιαίτερη ζήτηση. Murillo, του οποίου δημιουργική ζωήέλαβε χώρα στη Σεβίλλη, ζωγράφισε πολλούς τέτοιους πίνακες, διαποτισμένους από τρυφερότητα. Στην περίπτωση αυτή εικονίζεται η Θεοτόκος με κομποσκοίνι. Και εδώ, όπως μέσα πρώτα χρόνιατου έργου του, ο καλλιτέχνης παραμένει πιστός στην προτίμησή του για αντιθέσεις φωτός και σκιάς.

Bartolome Esteban Murillo «Ο καλός βοσκός» 1655-1660

Η εικόνα είναι εμποτισμένη με βαθύ λυρισμό και ευγένεια. Ο τίτλος είναι παρμένος από το κατά Ιωάννη Ευαγγέλιο: «Εγώ είμαι ο καλός ποιμένας». Αυτό λέει ότι η εικόνα απεικονίζει τον Χριστό, αν και στο πολύ Νεαρή ηλικία. Στην εικόνα του Murillo, όλα είναι όμορφα και απλά. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε να ζωγραφίζει παιδιά και έβαλε όλη αυτή την αγάπη στην ομορφιά της εικόνας αυτού του αγοριού-Θεού. Στις δεκαετίες του 1660 και του 1670, κατά τη διάρκεια της ακμής της ζωγραφικής του ικανότητας, ο Μουρίγιο προσπάθησε να ποιήσει τους χαρακτήρες του και συχνά κατηγορήθηκε για κάποιες συναισθηματικές εικόνες και την εσκεμμένη ομορφιά τους. Ωστόσο, αυτές οι κατηγορίες δεν είναι απολύτως δίκαιες. Το παιδί που απεικονίζεται στην εικόνα φαίνεται σήμερα τόσο στη Σεβίλλη όσο και στα γύρω χωριά. Και ήταν ακριβώς σε αυτό που εκδηλώθηκε ο δημοκρατικός προσανατολισμός του έργου του καλλιτέχνη - εξισώνοντας την ομορφιά της Madonna με την ομορφιά των απλών Ισπανών γυναικών και την ομορφιά του γιου της, του μικρού Χριστού, με την ομορφιά των αγοριών του δρόμου.

Alonso Sanchez Coelho "Πορτρέτο της Infante Isabella Clara Eugenia and Catalina Michaela" 1575

Το πορτρέτο της πριγκίπισσας, οκτώ και εννέα ετών, κρατά ένα στεφάνι από λουλούδια. Ο Sanchez Coelho ζωγράφιζε πορτρέτα νηπίων - των αγαπημένων κορών του βασιλιά Φιλίππου Β' και της τρίτης συζύγου του, Ισαβέλλας του Βαλουά - από πολύ νωρίς. Όλα τα πορτρέτα είναι κατασκευασμένα σύμφωνα με τους κανόνες ενός πορτραίτου της αυλής - κορίτσια με υπέροχα ρούχα και με απαθείς εκφράσεις προσώπου.

Άντον Ραφαέλ Μενγκς. Πορτρέτο του βασιλιά Carlos III. 1767

Ο Κάρολος Γ΄ ονομαζόταν ίσως ο μόνος αληθινά φωτισμένος μονάρχης στην ιστορία της Ισπανίας. Ήταν αυτός που ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1785, πρώτα ως μουσείο φυσικής ιστορίας. Ο Κάρολος Γ' ονειρεύτηκε ότι το Μουσείο Πράδο, μαζί με το γειτονικό βοτανικοί κήποιγίνει το κέντρο της επιστημονικής εκπαίδευσης.
Έχοντας ανέβει στο θρόνο, άρχισε να πραγματοποιεί σοβαρές πολιτικές και οικονομικές μεταρρυθμίσεις, τις οποίες η χώρα είχε τόσο μεγάλη ανάγκη εκείνη την εποχή. Ωστόσο, οι προσπάθειές του ήταν μάταιες - ο γιος του Κάρολος Δ' δεν συμμεριζόταν τις προοδευτικές απόψεις του πατέρα του και μετά το θάνατο του Καρόλου Γ' οι μεταρρυθμίσεις τελείωσαν.
Αυτό το πορτρέτο είναι απολύτως χαρακτηριστικό της εποχής του. Με κάθε λεπτομέρεια, ο καλλιτέχνης εφιστά την προσοχή στη θέση που κατέχει το μοντέλο: ένας μανδύας διακοσμημένος με ερμίνα, ένας μαλτέζος σταυρός με ένθετα κοσμήματα, γυαλιστερή πανοπλία είναι απαραίτητα χαρακτηριστικά του βασιλικού μεγαλείου. Πλούσια κουρτίνα και παραστάδα (στοιχ κλασική αρχιτεκτονική) είναι ένα παραδοσιακό υπόβαθρο για τέτοια πορτρέτα.
Αλλά ήδη σε αυτό το πορτρέτο προκαλεί έκπληξη το πώς παρουσιάζεται το πρόσωπο του μοντέλου. Ο Μενγκς δεν κάνει καμία προσπάθεια να συρρικνώσει τη βασιλική μύτη του που μοιάζει με κρεμμύδι ή να εξομαλύνει τις γραμμές στα ζαρωμένα μάγουλά του. Χάρη στη μέγιστη ατομικότητα, αυτός ο πίνακας δημιουργεί μια αίσθηση ζωής που οι προκάτοχοι του Μενγκ δεν μπορούσαν να επιτύχουν. Το πορτρέτο σε κάνει να νιώθεις συμπάθεια για τον Κάρλος Γ', που είναι έτοιμος να «δείξει» την ατελή εμφάνισή του.

Antoine Watteau «Φεστιβάλ στο πάρκο» γ. 1713 - 1716

Αυτή η γοητευτική σκηνή είναι χαρακτηριστικό παράδειγμα των «γαλαντόμων εορτασμών» του Watteau. ελαφριά ομίχλη, λιπαντικά περιγράμματα, το άγαλμα του Ποσειδώνα σχεδόν κρυμμένο στο φύλλωμα πάνω από το σιντριβάνι και ένα ξεθωριασμένο χρυσό χρώμα - όλα αυτά μεταφέρουν μια ατμόσφαιρα απότομη, αλλά φευγαλέα απόλαυση.
Ο πίνακας ανήκε στην Isabella Farnese, δεύτερη σύζυγο του βασιλιά Philip V.

Antonio Carnicero «Ανύψωση του μπαλονιού θερμού αέρα στο Aranjuez» γ. 1784

Ο πίνακας παραγγέλθηκε από τον Δούκα και τη Δούκισσα του Oswan, αποτυπώνει το πνεύμα του Διαφωτισμού, που προκάλεσε ενδιαφέρον για τα επιτεύγματα επιστημονική πρόοδος. Στη φωτογραφία πραγματικό γεγονός: το 1784, στους Βασιλικούς Κήπους του Aranjuez, παρουσία του μονάρχη, μελών της οικογένειάς του και αυλικών, έγινε πτήση με το αερόστατο Montgolfier. Ο Antonio Carnicero ήταν γνωστός για τις γοητευτικές σκηνές του και αυτός ο καμβάς είναι ένα από τα πιο φιλόδοξα έργα του.

José de Madrazo y Agudo "Heavenly Love and Earthly Love" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Lamb of God" 1635-1640

Ένα αρνί είναι ξαπλωμένο σε ένα γκρίζο τραπέζι, που ξεχωρίζει έντονα σε ένα σκούρο φόντο σε ένα έντονα εστιασμένο έντονο φως. Οποιοσδήποτε στον 17ο αιώνα θα αναγνώριζε αμέσως μέσα του τον «αμνό του Θεού» και θα καταλάβαινε ότι αυτό είναι ένας υπαινιγμός της αυτοθυσίας του Χριστού. Το μαλλί του αρνιού είναι εντυπωσιακά γραμμένο και φαίνεται τόσο μαλακό που είναι δύσκολο να πάρεις τα μάτια σου από το ζώο και να θελήσεις να το αγγίξεις.

Juan Pantoja de la Cruz «Πορτρέτο της βασίλισσας Ισαβέλλας του Βαλουά» γ. 1604 - 1608

Ο Pantoja de la Cruz ζωγράφισε αυτό το πορτρέτο, επαναλαμβάνοντας το έργο του Sofonisba Anguishola - το πρωτότυπο κάηκε στο παλάτι το 1604. Ο καλλιτέχνης πρόσθεσε μόνο μια γούνινη κάπα από μαρμότα στο ντύσιμο της βασίλισσας.
Η Sofonisba Anguixola είναι καλλιτέχνης από την Κρεμόνα που εργάστηκε στην ισπανική αυλή. Ήταν το πρώτο πορτρέτο μιας νεαρής βασίλισσας από μια σειρά που έφτιαξε ο καλλιτέχνης. Η εικόνα είναι γραμμένη με τρόπο κοντά στα ισπανικά, αλλά με πιο ζεστά και ανοιχτά χρώματα.

Jean Rann "Πορτρέτο του Carlos III ως παιδί" 1723

Luis Melendez "Νεκρή φύση με ένα κουτί γλυκά, ένα κουλουράκι και άλλα αντικείμενα" 1770

Ο μεγαλύτερος δάσκαλος της Ισπανικής νεκρή φύση XVIIIγ., ο Luis Melendez γεννήθηκε στην Ιταλία, στην οικογένεια ενός μικρογράφου από την Asturias. Το 1717, η οικογένεια μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου ο νεαρός μπήκε στο προπαρασκευαστικό τμήμα της Ακαδημίας του Σαν Φερνάντο και μεταξύ των πιο ταλαντούχων μαθητών της πήρε την πρώτη θέση. Ωστόσο, το 1747 αναγκάστηκε να εγκαταλείψει την Ακαδημία μετά από τον πατέρα του, ο οποίος εκδιώχθηκε από αυτήν ως αποτέλεσμα της σύγκρουσης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Melendez επισκέπτεται ξανά την Ιταλία. Βοηθώντας τον πατέρα του αρχικά, έγινε μινιατούρας και επιστρέφοντας από την Ιταλία, προσκλήθηκε από τον Φερδινάνδο VI για να εικονογραφήσει βιβλία στο Βασιλικό Παρεκκλήσι της Μαδρίτης. Στο είδος της νεκρής φύσης, στο οποίο στράφηκε ο καλλιτέχνης στις αρχές της δεκαετίας του 1760, νέο πρόσωποτη δημιουργικότητά του.
Αυτή η νεκρή φύση ήταν ζωγραφισμένη ώριμη περίοδοςδημιουργικότητα του καλλιτέχνη. Αυτή την εποχή εμφανίζονται στις συνθέσεις του είδη πολυτελείας, ασημένια σκεύη. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να τηρεί τα ιδανικά του και να λειτουργεί σύμφωνα με αυτά παράδοση του είδους. Η υλική απτή του καθενός από τα αντικείμενα που είναι ζωγραφισμένα σε καμβά μας κάνει να ανακαλούμε τα καλύτερα παραδείγματα νεκρής φύσης στην παγκόσμια τέχνη. Το ψηλαφητό διαφανές γυαλί του γυαλιού αντανακλάται στη θαμπή, αστραφτερή επιφάνεια του ασημένιου αγγείου. Μαλακό, κουλουράκι σε μια λευκή χαρτοπετσέτα, μοιάζει να μυρίζει σαν φρεσκοψημένο ψωμί. Ο λαιμός ενός σφραγισμένου μπουκαλιού λάμπει θαμπό. Ένα ασημί πιρούνι προεξέχει ελαφρώς πέρα από την άκρη του φωτισμένου τραπεζιού. Στη σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης, δεν υπάρχει ασκητική διάταξη αντικειμένων σε μια σειρά, χαρακτηριστική, για παράδειγμα, των νεκρών φύσεων του Zurbaran. Ίσως έχει κάτι κοινό με τα ολλανδικά δείγματα. Αλλά ο τόνος είναι πιο σκούρος, τα αντικείμενα είναι μικρότερα και η σύνθεση είναι πιο απλή.

Juan de Arellano "Καλάθι με λουλούδια" 1670

Ισπανός ζωγράφος του Μπαρόκ με ειδίκευση στις συνθέσεις λουλουδιών, γεννήθηκε στο Santorcase το 1614. Στην αρχή σπούδασε στο στούντιο ενός άγνωστου πλέον καλλιτέχνη, αλλά σε ηλικία 16 ετών μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου σπούδασε με τον Juan de Solis, έναν καλλιτέχνη που ολοκλήρωσε αναθέσεις για τη βασίλισσα Ισαβέλλα. Χουάν ντε Αρελάνο για πολύ καιρόΈζησε με μικρές παραγγελίες, συμπεριλαμβανομένων τοιχογραφιών, μέχρι που αποφάσισε να επικεντρωθεί αποκλειστικά στη ζωγραφική λουλουδιών και έγινε ένας αξεπέραστος δεξιοτέχνης σε αυτόν τον τομέα. Πιστεύεται ότι ο πλοίαρχος ξεκίνησε αντιγράφοντας τα έργα άλλων, ιδιαίτερα Ιταλών, καλλιτεχνών, οι Φλαμανδές νεκρές φύσεις πρόσθεσαν κομψότητα και αυστηρότητα στο στυλ του. Αργότερα, σε αυτόν τον συνδυασμό, πρόσθεσε τα δικά του συνθετικά ευρήματα και μια χαρακτηριστική χρωματική παλέτα.
Η αρκετά απλή σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης είναι χαρακτηριστική του Arellano. Τα καθαρά, έντονα φυτικά χρώματα αναδεικνύονται έντονα σε ένα ουδέτερο καφέ φόντο λόγω του έντονου φωτισμού.

Ελ Γκρέκο - "Πορτρέτο ενός κυρίου με ένα χέρι στο στήθος του"

Σβετλάνα Ομπούχοβα

Τέτοιο είναι το «Πορτρέτο ενός κυρίου με το χέρι στο στήθος» (1577-1579), που έγραψε ο πλοίαρχος λίγο μετά τη μετακόμισή του στο Τολέδο. Αυτό το πορτρέτο αναγνωρίζεται ως ένα από τα καλύτερα στην ισπανική ζωγραφική του 16ου αιώνα. Ο ξένος Ελ Γκρέκο δημιούργησε «ζωντανές εικόνες της ισπανικής ζωής και ιστορίας», που απεικονίζουν «γνήσια ζωντανά όντα, συνδυάζοντας ό,τι αξίζει να θαυμάσει ο λαός μας, κάθε τι ηρωικό και αδάμαστο, με εκείνες τις αντίθετες ιδιότητες που δεν μπορούν παρά να αντικατοπτρίζονται, χωρίς να καταστρέφουν η ίδια η ουσία του» (Α. Σεγκόβια). Οι αριστοκράτες από τις αρχαίες οικογένειες του Τολέδο έγιναν οι αληθινοί ήρωες του Ελ Γκρέκο, είδε το εσωτερικό τους φως - την αρχοντιά και την αξιοπρέπειά τους, την πίστη στο καθήκον, την ευφυΐα, την επιτήδευση των τρόπων, το θάρρος, τον εξωτερικό περιορισμό και την εσωτερική παρόρμηση, τη δύναμη της καρδιάς, που ξέρει για τι ζει και για τι πεθαίνει...

Και άλλοι πίνακες από το Μουσείο Πράδο στο Ερμιτάζ...

Ελ Γκρέκο «Ο Χριστός αγκαλιάζει τον Σταυρό» 1600 - 1605

Ελ Γκρέκο «Η Αγία Οικογένεια με την Αγία Άννα και τον Μικρό Ιωάννη τον Βαπτιστή» γ. 1600 - 1605

Velasquez - Portrait of Philip IV Portrait of King Philip IV. 1653-1657

Τα θεμέλια του ψυχολογικού πορτρέτου στην ευρωπαϊκή τέχνη έθεσε ο Ισπανός ζωγράφος Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Γεννήθηκε σε μια φτωχή ευγενή οικογένεια στη Σεβίλλη, σπούδασε με τον Ερέρα τον Πρεσβύτερο και τον Πατσέκο. Το 1622 ήρθε για πρώτη φορά στη Μαδρίτη. Από πρακτική άποψη, αυτό το ταξίδι δεν ήταν πολύ επιτυχημένο - ο Velasquez δεν βρήκε ένα αντάξιο μέρος για τον εαυτό του. Ήλπιζε να συναντήσει τον νεαρό βασιλιά Φίλιππο Δ', αλλά η συνάντηση δεν έγινε. Ωστόσο, οι φήμες για τον νεαρό καλλιτέχνη έφτασαν στο δικαστήριο και ήδη τον επόμενο χρόνο, το 1623, ο πρώτος υπουργός, ο Δούκας ντε Ολιβάρες (επίσης ντόπιος της Σεβίλλης), κάλεσε τον Βελάσκεθ στη Μαδρίτη για να ζωγραφίσει ένα πορτρέτο του βασιλιά. Αυτό το έργο, που δεν μας έφτασε, έκανε τόσο ευχάριστη εντύπωση στον μονάρχη που πρόσφερε αμέσως στον Βελάσκεθ τη θέση του αυλικού ζωγράφου. Σύντομα, αναπτύχθηκαν αρκετά φιλικές σχέσεις μεταξύ του βασιλιά και του Βελάσκεθ, κάτι που δεν ήταν πολύ χαρακτηριστικό για την τάξη που βασίλευε στην ισπανική αυλή. Ο βασιλιάς, που κυβέρνησε τη μεγαλύτερη αυτοκρατορία στον κόσμο, δεν θεωρούνταν άνδρας, αλλά θεότητα και ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να υπολογίζει καν σε ευγενή προνόμια, αφού κέρδιζε τα προς το ζην από τη δουλειά. Εν τω μεταξύ, ο Φίλιππος διέταξε ότι εφεξής μόνο ο Βελάσκεθ ζωγράφιζε τα πορτρέτα του. Ο μεγάλος μονάρχης ήταν εκπληκτικά γενναιόδωρος και υποστηρικτικός προς τον Βελάσκεθ. Το στούντιο του καλλιτέχνη βρισκόταν στα βασιλικά διαμερίσματα και μια καρέκλα για την Αυτού Μεγαλειότητα εγκαταστάθηκε εκεί. Ο βασιλιάς, που είχε το κλειδί του εργαστηρίου, ερχόταν εδώ σχεδόν κάθε μέρα για να παρατηρήσει το έργο του καλλιτέχνη Ενώ βρισκόταν στη βασιλική υπηρεσία από το 1623 έως το 1660, ο Βελάσκεθ ζωγράφισε περίπου δώδεκα πορτρέτα του κυρίου του. Από αυτούς, λίγο περισσότεροι από 10 πίνακες μας έχουν φτάσει. Έτσι, κατά μέσο όρο, ο Βελάσκεθ απεικόνιζε τον άρχοντα του περίπου μία φορά κάθε τρία χρόνια. Το να ζωγραφίζει πορτρέτα του βασιλιά ήταν έργο του Βελάσκεθ και έκανε αυτή τη δουλειά τέλεια. Χάρη σε αυτό, έχουμε ένα σύμπλεγμα έργων που είναι μοναδικό στο είδος του: τα πορτρέτα του Velázquez διαγράφουν τη διαδρομή της ζωής του βασιλιά Φιλίππου τόσο ξεκάθαρα όσο αργότερα έγινε έθιμο μόνο στην εποχή της φωτογραφίας. Η εξέλιξη φαίνεται ξεκάθαρα στους καμβάδες του καλλιτέχνη. Πρώτον, ο ίδιος ο βασιλιάς αλλάζει, 18χρονος στο πρώτο πορτρέτο και 50χρονος στο τελευταίο, το πρόσωπό του φέρει το αποτύπωμα της ηλικίας και των πνευματικών αλλαγών. Δεύτερον, η αντίληψη του καλλιτέχνη για το μοντέλο του βαθαίνει, μετατρέποντας από επιφανειακή σε διορατική. Με τον καιρό αλλάζει ο τρόπος παρουσίασης του μοντέλου και οι καλλιτεχνικές τεχνικές. Ο τρόπος του Velazquez μεταμορφώνεται υπό την επίδραση της δικής του δημιουργικής ανάπτυξης, καθώς και υπό την επίδραση των σύγχρονων εγχώριων και ξένων παραδόσεων. Σε αυτό το πορτρέτο προτομής, ο Φίλιππος Δ΄ παρουσιάζεται σε σκούρο φόντο φορώντας μαύρο ιμάτιο με λευκό γιακά που τονίζει το πρόσωπο του μονάρχη. Ο Βελάσκεθ αποφεύγει την επιδεικτική χλιδή στο πορτρέτο του βασιλιά και δείχνει το «ανθρώπινο πρόσωπο» του μονάρχη χωρίς καμία κολακεία ή αυλική πονηριά. Νιώθουμε ξεκάθαρα ότι το άτομο που μας κοιτάζει από τον καμβά είναι δυστυχισμένο, τα τελευταία χρόνια της βασιλείας δεν ήταν εύκολα για τον βασιλιά. Αυτό είναι ένα άτομο που έχει γνωρίσει την απογοήτευση, αλλά ταυτόχρονα - ένα άτομο του οποίου η σάρκα είναι γεμάτη από έμφυτο μεγαλείο, που τίποτα δεν μπορεί να ταρακουνήσει. Ένας άλλος σπουδαίος καλλιτέχνης, ένας Ισπανός μέχρι το μεδούλι των οστών του - ο Pablo Ruiz Picasso λέει το εξής για την εικόνα του Ισπανού βασιλιά: "Δεν μπορούμε να φανταστούμε άλλον Φίλιππο Δ', εκτός από αυτόν που δημιούργησε ο Velazquez ..."

"Πορτρέτο του βασιλιά Φιλίππου Δ'" (περίπου 1653 - 1657)

Ένα από τα τελευταία πορτρέτα του μονάρχη. Είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι δεν υπάρχει ούτε ένα στοιχείο εδώ που να μιλά για τη βασιλική ιδιότητα του προσώπου που απεικονίζεται. Ο Βελάσκεθ υπηρέτησε τον Φίλιππο Δ' για σχεδόν σαράντα χρόνια - από το 1623 μέχρι το θάνατό του, ζωγράφισε πορτρέτα του βασιλιά και της οικογένειάς του, μεγάλους καμβάδες για τη Βασιλική Συλλογή.

Ντιέγκο Βελάσκεθ «Πορτρέτο του γελωτοποιού Ντον Ντιέγκο ντε Άσεδο» (El Primo) γ. 1644

Diego Velasquez "Πορτρέτο της βασίλισσας Μαριάννας της Αυστρίας" 1652-1653

Τιτσιάνο (Tiziano Vecellio) "Αφροδίτη με Έρως και Οργανίστρια" 1555

Πάολο Βερονέζε (Πάολο Κάλιαρι) - Μετανοιωμένη Μαρία Μαγδαληνή 1583

Μετά τη μεταστροφή της, η Μαρία η Μαγδαληνή αφιέρωσε τη ζωή της στη μετάνοια και την προσευχή, αποσυρόμενη από τον κόσμο. Σε αυτόν τον καμβά, απεικονίζεται να κοιτάζει τους ουρανούς και λουσμένη στο θεϊκό φως. Η εικόνα είναι γραμμένη με πυκνά σκούρα χρώματα, χαρακτηριστικό του στυλ του Βερονέζε στην ύστερη περίοδο του έργου του. Πριν μπει στις ισπανικές βασιλικές συλλογές, το έργο ανήκε στον Άγγλο βασιλιά Κάρολο Α' (εκτελέστηκε το 1649)

Anthony van Dyck "Πορτρέτο ενός άνδρα με λαούτο" 1622-1632

Ο Anthony Van Dyck οφείλει τη φήμη του στο είδος πορτρέτου, το οποίο κατείχε μια αρκετά χαμηλή θέση στην ιεραρχία της ευρωπαϊκής ζωγραφικής. Ωστόσο, στη Φλάνδρα εκείνη την εποχή είχε ήδη αναπτυχθεί μια παράδοση της τέχνης πορτρέτου. Ο Van Dyck ζωγράφισε εκατοντάδες πορτρέτα, αρκετές αυτοπροσωπογραφίες και έγινε ένας από τους δημιουργούς του τελετουργικού πορτρέτου του 17ου αιώνα. Στα πορτρέτα των συγχρόνων του, έδειξε τον πνευματικό, συναισθηματικό κόσμο, την πνευματική ζωή, τον ζωντανό χαρακτήρα ενός ανθρώπου.
Το παραδοσιακό μοντέλο για αυτό το πορτρέτο είναι ο Jacob Gautier, ένας λαουτνίστας στην αγγλική αυλή από το 1617 έως το 1647, αλλά η παρουσία ενός ξίφους, και σε μεγαλύτερο βαθμό, τα στιλιστικά χαρακτηριστικά του έργου, δείχνουν ότι πρέπει να χρονολογηθεί πολύ νωρίτερα από Το ταξίδι του Van Dyck στο Λονδίνο, που θέτει υπό αμφισβήτηση αυτή τη θεωρία. Η παρουσία ενός μουσικού οργάνου δεν σημαίνει απαραίτητα ότι το μοντέλο ήταν μουσικός. Ως σύμβολο, τα μουσικά όργανα απεικονίζονταν συχνά σε πορτρέτα, ως ένδειξη της πνευματικής φινέτσας και της ευαισθησίας των εικονιζόμενων.

Juan Bautista Maino "Η λατρεία των βοσκών" 1612-1614

Ένα από τα αριστουργήματα του Maino. Η συλλογή του Κρατικού Ερμιτάζ περιέχει μια άλλη εκδοχή αυτής της ιστορίας, γραμμένη από τον Mainot. Ο καλλιτέχνης γεννήθηκε στην Παστράνα (Γκουανταλαχάρα) και έζησε στη Ρώμη από το 1604 έως το 1610. Σε αυτό το έργο, που γράφτηκε μετά την επιστροφή στην Ισπανία, μπορεί κανείς να νιώσει την επιρροή του Καραβάτζιο και του Οράζιο Τζεντιλέσκι. Το 1613, ο Maino έγινε μέλος του τάγματος των Δομινικανών και ο πίνακας μπήκε στον κύκλο του βωμού του μοναστηριού του Αγίου Πέτρου του Μάρτυρα στο Τολέδο.

Georges de Latour «Ο τυφλός μουσικός με τη λύρα» περ. 1625-1630

Ο Latour απεικονίζει έναν ηλικιωμένο τυφλό μουσικό να παίζει ένα hurdy-gurdy.Επανέλαβε αυτή την ιστορία πολλές φορές. Ο καλλιτέχνης, που εργάστηκε υπό την επίδραση του στυλ του Καραβάτζιο, αναπαράγει με ενθουσιασμό τις λεπτομέρειες - το μοτίβο που κοσμεί το μουσικό όργανο, τις ρυτίδες στο πρόσωπο του τυφλού, τα μαλλιά του.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" περ. 1639-1640

Francisco de Goya "Πορτρέτο του Φερδινάνδου Ζ'" 1814-1815

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Francisco Goya - "Φθινόπωρο (Συγκομιδή σταφυλιών)" 1786 - 1787

Francisco Goya - The Grape Harvest. θραύσμα

Francisco Goya "Πορτρέτο του στρατηγού José de Urrutia" (περίπου 1798)

Πίτερ Πολ Ρούμπενς «Πορτρέτο της Μαρί ντε Μέντιτσι». ΕΝΤΑΞΕΙ. 1622-1625.

Domenico Tintoretto "Woman Baring Her Breasts" περίπου. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Πορτρέτο του Felix Maximo Lopez, πρώτος οργανίστας του Βασιλικού Παρεκκλησίου" 1820

Ισπανός νεοκλασικός ζωγράφος, ενώ διατηρεί ίχνη του ροκοκό στυλ. Ο Λόπες θεωρούνταν ένας από τους καλύτερους προσωπογράφους της εποχής του, δεύτερος μόνο μετά τον Φρανσίσκο ντε Γκόγια. Άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική στη Βαλένθια σε ηλικία 13 ετών και τέσσερα χρόνια αργότερα κέρδισε πολλά πρώτα βραβεία στην Ακαδημία του Σαν Κάρλος, κάτι που του χάρισε μια υποτροφία για σπουδές στη διάσημη Βασιλική Ακαδημία Καλών Τεχνών του Σαν Φερνάντο στην πρωτεύουσα. Μετά την ολοκλήρωση των σπουδών του, ο Lopez εργάστηκε για αρκετά χρόνια στο εργαστήριο του Mariano Salvador Maella, του δασκάλου του. Μέχρι το 1814, μετά τη γαλλική κατοχή, ο López ήταν ήδη ένας αρκετά γνωστός καλλιτέχνης, έτσι ο Ισπανός βασιλιάς Φερδινάνδος Ζ΄ τον κάλεσε στη Μαδρίτη και τον διόρισε επίσημο ζωγράφο της αυλής, παρά το γεγονός ότι ο ίδιος ο Francisco Goya ήταν ο «πρώτος βασιλικός καλλιτέχνης». ΕΚΕΙΝΗ ΤΗΝ ΠΕΡΙΟΔΟ. Ο Vicente López ήταν ένας πολυγραφότατος καλλιτέχνης, ζωγράφιζε πάνω σε θρησκευτικά, αλληγορικά, ιστορικά και μυθολογικά θέματα, αλλά, πάνω απ' όλα, ήταν, φυσικά, πορτραίτης. Κατά τη διάρκεια της μακρόχρονης καριέρας του, ζωγράφισε πορτρέτα σχεδόν όλων των διάσημων προσώπων στην Ισπανία το πρώτο μισό του 19ου αιώνα.
Αυτό το πορτρέτο του πρώτου οργανίστα του βασιλικού παρεκκλησίου και του διάσημου μουσικού και συνθέτη ζωγραφίστηκε λίγο πριν το θάνατο του καλλιτέχνη και ολοκληρώθηκε από τον μεγαλύτερο γιο του, Ambrosio López.

Anton Raphael Mengs "Πορτρέτο της Maria Louise of Parma, Princess of Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotán "Νεκρή φύση με παιχνίδι, λαχανικά και φρούτα" 1602

Ιερώνυμος Μπος «Αφαίρεση της πέτρας της βλακείας» γ. 1490

Σε μια σατυρική σκηνή με φιγούρες με φόντο ένα τοπίο, απεικονίζεται μια επιχείρηση εξαγωγής της «πέτρας της βλακείας». Η επιγραφή σε γοτθική γραφή γράφει: - "Δάσκαλε, αφαιρέστε γρήγορα την πέτρα. Το όνομά μου είναι Lubbert Das." Το Lubbert είναι ένα κοινό ουσιαστικό που δηλώνει άγνοια και αθωότητα. Ένας χειρούργος με κόμμωση σε μορφή ανεστραμμένου χωνιού, που συμβολίζει την άγνοια, «βγάζει» μια πέτρα (νούφαρο) από το κεφάλι ενός ευκολόπιστου ασθενή και του απαιτεί μια γενναία πληρωμή. Τότε οι απλοϊκοί πίστευαν ότι για τη βλακεία τους έφταιγε μια πέτρα στο κεφάλι. Αυτό χρησιμοποίησαν οι τσαρλατάνοι.

Raphael (Raffaello Santi) "Αγία οικογένεια με ένα αρνί" 1507

Η Μαρία βοηθά τον μικρό Χριστό να καθίσει πάνω σε ένα αρνί - ένα χριστιανικό σύμβολο του ερχόμενου Πάθους του Χριστού, και ο Αγ. Ο Ιωσήφ τους παρακολουθεί. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε στη Φλωρεντία, όπου ο καλλιτέχνης μελέτησε το έργο του Λεονάρντο ντα Βίντσι, επηρεασμένος από τις συνθέσεις του με την Αγία Οικογένεια. Στο Μουσείο Πράδο, αυτό είναι το μοναδικό έργο του Ραφαήλ που γράφτηκε στην πρώιμη περίοδο.

Άλμπρεχτ Ντύρερ «Πορτρέτο ενός άγνωστου ανθρώπου» περ. 1521

Το πορτρέτο ανήκει στην ύστερη περίοδο του έργου του Dürer. Γραμμένο με τρόπο παρόμοιο με το στυλ των Ολλανδών καλλιτεχνών. Ένα καπέλο με φαρδύ γείσο εφιστά την προσοχή στο πρόσωπο του προσώπου που απεικονίζεται, το φως που πέφτει από τα αριστερά εστιάζει την προσοχή του θεατή σε αυτό. Το δεύτερο επίκεντρο της προσοχής στο πορτρέτο είναι τα χέρια, και πάνω απ' όλα τα αριστερά, στα οποία ο άγνωστος κρατά έναν ειλητάριο - εξηγώντας προφανώς την κοινωνική του θέση.

Rogier Van der Weyden «Θρήνος» γ. 1450

Το μοντέλο ήταν το τρίπτυχο του βωμού για το μοναστήρι Miraflores (φυλάσσεται στην γκαλερί τέχνης του Βερολίνου), που δημιουργήθηκε από τον Van der Weyden νωρίτερα από το 1444 και επαναλήφθηκε με ορισμένες διαφορές. Σε αυτή την έκδοση, με το πάνω μέρος να προστίθεται σε άγνωστη περίοδο, η Μαρία, ο Χριστός, ο Αγ. Στον ίδιο χώρο εικονίζονται ο Γιάννης και ο δωρητής (πελάτης του πίνακα) - μέλος της οικογένειας Broers. Η καλλιτέχνης μεταφέρει εκφραστικά τη θλίψη της Θεοτόκου, πιέζοντας το σώμα του νεκρού γιου της στο στήθος της. Στην τραγική ομάδα στα αριστερά αντιτίθεται η φιγούρα του δωρητή, που τη χωρίζει μια πέτρα. Βρίσκεται σε κατάσταση συγκέντρωσης προσευχής. Εκείνη την εποχή, οι πελάτες ζητούσαν συχνά να απεικονίσουν τον εαυτό τους στους πίνακες. Όμως, οι εικόνες τους ήταν πάντα δευτερεύουσες - κάπου στο βάθος, στο πλήθος κ.λπ. Εδώ ο δωρητής απεικονίζεται σε πρώτο πλάνο, αλλά χωρίζεται από την κύρια ομάδα με μια πέτρα και με τη βοήθεια του χρώματος.

Alonso Cano «Dead Christ Supported by an Angel» γ. 1646 - 1652

Bartolome Esteban Murillo «Η Παναγία του Ροδαρίου» περ. 1650 -1655

Το έργο του Bartolome Esteban Murillo συμπληρώνει τη χρυσή εποχή της ισπανικής ζωγραφικής. Τα έργα του Murillo είναι άψογα ακριβή στη σύνθεση, πλούσια και αρμονικά στο χρώμα και όμορφα με την υψηλότερη έννοια της λέξης. Τα συναισθήματά του είναι πάντα ειλικρινή και ευαίσθητα, αλλά στους καμβάδες του Murillo δεν υπάρχει πια αυτή η πνευματική δύναμη και το βάθος που είναι τόσο συγκλονιστικά στα έργα των παλαιότερων συγχρόνων του. Η ζωή του καλλιτέχνη συνδέεται με την πατρίδα του τη Σεβίλλη, αν και έπρεπε να επισκεφθεί τη Μαδρίτη και άλλες πόλεις. Αφού σπούδασε με τον τοπικό ζωγράφο Juan del Castillo (1584-1640), ο Murillo δούλεψε πολύ με παραγγελίες από μοναστήρια και ναούς. Το 1660 έγινε πρόεδρος της Ακαδημίας Καλών Τεχνών της Σεβίλλης.
Με τους καμβάδες του για θρησκευτικά θέματα, ο Murillo προσπάθησε να φέρει παρηγοριά και επιβεβαίωση. Δεν είναι τυχαίο ότι πολύ συχνά ζωγράφιζε την εικόνα της Μητέρας του Θεού. Από εικόνα σε εικόνα, η εικόνα της Μαίρης περνούσε με τη μορφή ενός υπέροχου νεαρού κοριτσιού με κανονικά χαρακτηριστικά και ήρεμο βλέμμα. Η αθώα εμφάνισή της έμελλε να προκαλεί ένα αίσθημα γλυκιάς τρυφερότητας στον θεατή. Σε αυτόν τον πίνακα, ο Bartolome Murillo απεικόνισε τη Madonna και τον Ιησού με ένα ροζάριο, ένα παραδοσιακό καθολικό κομπολόι, για το οποίο η προσευχή δόθηκε μεγάλη σημασία στην εποχή του καλλιτέχνη. Σε αυτό το έργο, τα χαρακτηριστικά του νατουραλισμού που επικράτησαν στα έργα των εκπροσώπων της σχολής της Σεβίλλης στο πρώτο μισό του 17ου αιώνα είναι ακόμα αισθητά, αλλά το ζωγραφικό στυλ του Murillo είναι ήδη πιο ελεύθερο από ό,τι στο πρώιμο έργο του. Αυτός ο ελεύθερος τρόπος είναι ιδιαίτερα έντονο στην απεικόνιση του πέπλου της Παναγίας. Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί έντονο φως για να τονίσει τις φιγούρες σε σκούρο φόντο και να δημιουργήσει μια αντίθεση μεταξύ των λεπτών αποχρώσεων του προσώπου της Παναγίας και του σώματος του μωρού Χριστού και των βαθιών σκιών στις πτυχές των υφασμάτων.
Στην Ανδαλουσία του 17ου αιώνα, η εικόνα της Θεοτόκου με το Παιδί είχε ιδιαίτερη ζήτηση. Ο Murillo, του οποίου η δημιουργική ζωή πέρασε στη Σεβίλλη, ζωγράφισε πολλούς από αυτούς τους πίνακες, εμποτισμένους με τρυφερότητα. Στην περίπτωση αυτή εικονίζεται η Θεοτόκος με κομποσκοίνι. Και εδώ, όπως και τα πρώτα χρόνια της δουλειάς του, ο καλλιτέχνης παραμένει πιστός στην προτίμησή του για αντιθέσεις φωτός και σκιάς.

Bartolome Esteban Murillo «Ο καλός βοσκός» 1655-1660

Η εικόνα είναι εμποτισμένη με βαθύ λυρισμό και ευγένεια. Ο τίτλος είναι παρμένος από το κατά Ιωάννη Ευαγγέλιο: «Εγώ είμαι ο καλός ποιμένας». Αυτό υποδηλώνει ότι η εικόνα απεικονίζει τον Χριστό, αν και σε πολύ μικρή ηλικία. Στην εικόνα του Murillo, όλα είναι όμορφα και απλά. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε να ζωγραφίζει παιδιά και έβαλε όλη αυτή την αγάπη στην ομορφιά της εικόνας αυτού του αγοριού-Θεού. Στις δεκαετίες του 1660 και του 1670, κατά τη διάρκεια της ακμής της ζωγραφικής του ικανότητας, ο Μουρίγιο προσπάθησε να ποιήσει τους χαρακτήρες του και συχνά κατηγορήθηκε για κάποιες συναισθηματικές εικόνες και την εσκεμμένη ομορφιά τους. Ωστόσο, αυτές οι κατηγορίες δεν είναι απολύτως δίκαιες. Το παιδί που απεικονίζεται στην εικόνα φαίνεται σήμερα τόσο στη Σεβίλλη όσο και στα γύρω χωριά. Και ήταν ακριβώς σε αυτό που εκδηλώθηκε ο δημοκρατικός προσανατολισμός του έργου του καλλιτέχνη - εξισώνοντας την ομορφιά της Madonna με την ομορφιά των απλών Ισπανών γυναικών και την ομορφιά του γιου της, του μικρού Χριστού, με την ομορφιά των αγοριών του δρόμου.

Alonso Sanchez Coelho "Πορτρέτο της Infante Isabella Clara Eugenia and Catalina Michaela" 1575

Άντον Ραφαέλ Μενγκς. Πορτρέτο του βασιλιά Carlos III. 1767

Ο Κάρολος Γ΄ ονομαζόταν ίσως ο μόνος αληθινά φωτισμένος μονάρχης στην ιστορία της Ισπανίας. Ήταν αυτός που ίδρυσε το Μουσείο Πράδο το 1785, πρώτα ως μουσείο φυσικής ιστορίας. Ο Κάρολος Γ' ονειρευόταν ότι το Μουσείο Πράδο, μαζί με τους γειτονικούς βοτανικούς κήπους, θα γινόταν κέντρο επιστημονικής εκπαίδευσης.
Έχοντας ανέβει στο θρόνο, άρχισε να πραγματοποιεί σοβαρές πολιτικές και οικονομικές μεταρρυθμίσεις, τις οποίες η χώρα είχε τόσο μεγάλη ανάγκη εκείνη την εποχή. Ωστόσο, οι προσπάθειές του ήταν μάταιες - ο γιος του Κάρολος Δ' δεν συμμεριζόταν τις προοδευτικές απόψεις του πατέρα του και μετά το θάνατο του Καρόλου Γ' οι μεταρρυθμίσεις τελείωσαν.
Αυτό το πορτρέτο είναι απολύτως χαρακτηριστικό της εποχής του. Με κάθε λεπτομέρεια, ο καλλιτέχνης εφιστά την προσοχή στη θέση που κατέχει το μοντέλο: ένας μανδύας διακοσμημένος με ερμίνα, ένας μαλτέζος σταυρός με ένθετα κοσμήματα, γυαλιστερή πανοπλία είναι απαραίτητα χαρακτηριστικά του βασιλικού μεγαλείου. Η πλούσια κουρτίνα και μια παραστάδα (στοιχείο της κλασικής αρχιτεκτονικής) αποτελούν παραδοσιακό υπόβαθρο για τέτοια πορτρέτα.
Αλλά ήδη σε αυτό το πορτρέτο προκαλεί έκπληξη το πώς παρουσιάζεται το πρόσωπο του μοντέλου. Ο Μενγκς δεν κάνει καμία προσπάθεια να συρρικνώσει τη βασιλική μύτη του που μοιάζει με κρεμμύδι ή να εξομαλύνει τις γραμμές στα ζαρωμένα μάγουλά του. Χάρη στη μέγιστη ατομικότητα, αυτός ο πίνακας δημιουργεί μια αίσθηση ζωής που οι προκάτοχοι του Μενγκ δεν μπορούσαν να επιτύχουν. Το πορτρέτο σε κάνει να νιώθεις συμπάθεια για τον Κάρλος Γ', που είναι έτοιμος να «δείξει» την ατελή εμφάνισή του.

Antoine Watteau «Φεστιβάλ στο πάρκο» γ. 1713 - 1716

Αυτή η γοητευτική σκηνή είναι χαρακτηριστικό παράδειγμα των «γαλαντόμων εορτασμών» του Watteau. Μια ελαφριά ομίχλη που θολώνει τα περιγράμματα, ένα άγαλμα του Ποσειδώνα σχεδόν κρυμμένο στο φύλλωμα πάνω από το σιντριβάνι και ένα ξεθωριασμένο χρυσό χρώμα - όλα αυτά μεταφέρουν μια ατμόσφαιρα απότομη, αλλά φευγαλέα απόλαυση.
Ο πίνακας ανήκε στην Isabella Farnese, δεύτερη σύζυγο του βασιλιά Philip V.

Antonio Carnicero «Ανύψωση του μπαλονιού θερμού αέρα στο Aranjuez» γ. 1784

Ο πίνακας παραγγέλθηκε από τον Δούκα και τη Δούκισσα του Oswan, αντικατοπτρίζει το πνεύμα του Διαφωτισμού, που προκάλεσε ενδιαφέρον για τα επιτεύγματα της επιστημονικής προόδου. Απεικονίζεται ένα πραγματικό γεγονός: το 1784, στους Βασιλικούς Κήπους του Aranjuez, παρουσία του μονάρχη, μελών της οικογένειάς του και αυλικών, έγινε μια πτήση με το αερόστατο Montgolfier. Ο Antonio Carnicero ήταν γνωστός για τις γοητευτικές σκηνές του και αυτός ο καμβάς είναι ένα από τα πιο φιλόδοξα έργα του.

José de Madrazo y Agudo "Heavenly Love and Earthly Love" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Lamb of God" 1635-1640

Juan Pantoja de la Cruz «Πορτρέτο της βασίλισσας Ισαβέλλας του Βαλουά» γ. 1604 - 1608

Jean Rann "Πορτρέτο του Carlos III ως παιδί" 1723

Luis Melendez "Νεκρή φύση με ένα κουτί γλυκά, ένα κουλουράκι και άλλα αντικείμενα" 1770

Ο μεγαλύτερος δάσκαλος της ισπανικής νεκρής φύσης του 18ου αιώνα, ο Λουίς Μελέντεζ γεννήθηκε στην Ιταλία, στην οικογένεια ενός μικρογράφου από την Αστούρια. Το 1717, η οικογένεια μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου ο νεαρός μπήκε στο προπαρασκευαστικό τμήμα της Ακαδημίας του Σαν Φερνάντο και μεταξύ των πιο ταλαντούχων μαθητών της πήρε την πρώτη θέση. Ωστόσο, το 1747 αναγκάστηκε να εγκαταλείψει την Ακαδημία μετά από τον πατέρα του, ο οποίος εκδιώχθηκε από αυτήν ως αποτέλεσμα της σύγκρουσης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Melendez επισκέπτεται ξανά την Ιταλία. Βοηθώντας τον πατέρα του αρχικά, έγινε μινιατούρας και επιστρέφοντας από την Ιταλία, προσκλήθηκε από τον Φερδινάνδο VI για να εικονογραφήσει βιβλία στο Βασιλικό Παρεκκλήσι της Μαδρίτης. Στο είδος της νεκρής φύσης, στο οποίο στράφηκε ο καλλιτέχνης στις αρχές της δεκαετίας του 1760, εμφανίστηκε μια νέα πτυχή του έργου του.
Αυτή η νεκρή φύση γράφτηκε στην ώριμη περίοδο της δουλειάς του καλλιτέχνη. Αυτή την εποχή εμφανίζονται στις συνθέσεις του είδη πολυτελείας, ασημένια σκεύη. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης εξακολουθεί να εμμένει στα ιδανικά του και να εργάζεται σύμφωνα με την παράδοση του είδους. Η υλική απτή του καθενός από τα αντικείμενα που είναι ζωγραφισμένα σε καμβά μας κάνει να ανακαλούμε τα καλύτερα παραδείγματα νεκρής φύσης στην παγκόσμια τέχνη. Το ψηλαφητό διαφανές γυαλί του γυαλιού αντανακλάται στη θαμπή, αστραφτερή επιφάνεια του ασημένιου αγγείου. Μαλακό, κουλουράκι σε μια λευκή χαρτοπετσέτα, μοιάζει να μυρίζει σαν φρεσκοψημένο ψωμί. Ο λαιμός ενός σφραγισμένου μπουκαλιού λάμπει θαμπό. Ένα ασημί πιρούνι προεξέχει ελαφρώς πέρα από την άκρη του φωτισμένου τραπεζιού. Στη σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης, δεν υπάρχει ασκητική διάταξη αντικειμένων σε μια σειρά, χαρακτηριστική, για παράδειγμα, των νεκρών φύσεων του Zurbaran. Ίσως έχει κάτι κοινό με τα ολλανδικά δείγματα. Αλλά ο τόνος είναι πιο σκούρος, τα αντικείμενα είναι μικρότερα και η σύνθεση είναι πιο απλή.

Juan de Arellano "Καλάθι με λουλούδια" 1670

Ισπανός ζωγράφος του Μπαρόκ με ειδίκευση στις συνθέσεις λουλουδιών, γεννήθηκε στο Santorcase το 1614. Στην αρχή σπούδασε στο στούντιο ενός άγνωστου πλέον καλλιτέχνη, αλλά σε ηλικία 16 ετών μετακόμισε στη Μαδρίτη, όπου σπούδασε με τον Juan de Solis, έναν καλλιτέχνη που ολοκλήρωσε αναθέσεις για τη βασίλισσα Ισαβέλλα. Ο Juan de Arellano έζησε για πολύ καιρό σε βάρος μικρών παραγγελιών, συμπεριλαμβανομένων των τοιχογραφιών, μέχρι που αποφάσισε να επικεντρωθεί αποκλειστικά στη ζωγραφική λουλουδιών και έγινε ένας αξεπέραστος δεξιοτέχνης σε αυτόν τον τομέα. Πιστεύεται ότι ο πλοίαρχος ξεκίνησε αντιγράφοντας τα έργα άλλων, ιδιαίτερα Ιταλών, καλλιτεχνών, οι Φλαμανδές νεκρές φύσεις πρόσθεσαν κομψότητα και αυστηρότητα στο στυλ του. Αργότερα, σε αυτόν τον συνδυασμό, πρόσθεσε τα δικά του συνθετικά ευρήματα και μια χαρακτηριστική χρωματική παλέτα.
Η αρκετά απλή σύνθεση αυτής της νεκρής φύσης είναι χαρακτηριστική του Arellano. Τα καθαρά, έντονα φυτικά χρώματα αναδεικνύονται έντονα σε ένα ουδέτερο καφέ φόντο λόγω του έντονου φωτισμού.

Ίσως ένα από τα πρώτα πορτρέτα του Ελ Γκρέκο που δημιουργήθηκαν στην Ισπανία είναι το λεγόμενο «Πορτρέτο ενός κυρίου με το χέρι στο στήθος» (περ. 1577-1579). Αυτό αποδεικνύεται κυρίως από τον πιο παραδοσιακό, σκοτεινό, εικονογραφικό τρόπο που βασίζεται σε αποχρώσεις καφέ αποχρώσεων με μια πυκνή απαλή πινελιά. Είναι χαρακτηριστική η ψυχολογική ουδετερότητα της ερμηνείας, η οποία στο μέλλον θα δώσει τη θέση της σε έναν πολύ πιο ενεργητικό χαρακτηρισμό.

Αυτό διάσημο πορτρέτοΟ Ελ Γκρέκο είναι, σαν να λέγαμε, μια εικόνα ενός ευγενή της εποχής του που έχει στηθεί στα πλαίσια του κανόνα. Κομψός, πολύ ήρεμος, με μια χειρονομία όρκου ή πεποίθησης, βάζοντας το δεξί του χέρι στο στήθος του, ο άγνωστος καμπαγιέρο ενσαρκώνει το χαρακτηριστικό της ισπανικής αριστοκρατίας sociego, δηλαδή η έκφραση σε εμφάνισηηρεμία, εγκράτεια, αξιοπρέπεια.

Η λαβή του σπαθιού του Τολέδο είναι μια εύγλωττη λεπτομέρεια της αυστηρής εμφάνισής του, ένα μαύρο κοστούμι, διακοσμημένο με ψηλό γιακά και μανσέτες από λευκή δαντέλα. Η Antonina Vallantin σωστά σημειώνει ότι αυτός ο τύπος Ισπανού διείσδυσε στη σκηνή και ζούσε ήδη στις σελίδες των μυθιστορημάτων, αλλά για να απεικονιστεί έπρεπε να περιμένει την άφιξη του El Greco στο Τολέδο.

Το πορτρέτο, ωστόσο, είναι εγγενές εσωτερική ασυνέπεια, καθώς η ιδανική πτυχή της εικόνας δεν αντιστοιχεί ακριβώς στην προσωπικότητα του ατόμου που απεικονίζεται - απεικονίζεται μια όχι πολύ σημαντική φύση. Η εντύπωση επιτυγχάνεται με τη ζωγραφική δομή του καμβά, όπου το πρόσωπο και το χέρι με τη συμβολική διάταξη των δακτύλων προεξέχουν από το σκούρο φόντο ως φωτεινές κηλίδες. η πολύτιμη ομορφιά της λεπτής αστραφτερής δαντέλας, η λαβή ενός ξίφους, σαν να κρέμεται στον αέρα, αποκτά ιδιαίτερη ευθραυστότητα. Η αποκόλληση του βλέμματος του καμπαγιέρου, προικισμένη με τυπική ελγκρεκιανή παραξενιά, ενισχύει την εκφραστικότητα της εικόνας.

Δημοφιλή στην κατηγορία: