विश्व थिएटरों के बैले मंडलों का नाम। बैले का एक संक्षिप्त इतिहास

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प्रसिद्ध रूसी बैले। शीर्ष 5

शास्त्रीय बैले एक अद्भुत कला रूप है जो इटली में परिपक्व पुनर्जागरण के दौरान पैदा हुआ था, फ्रांस में "स्थानांतरित" हुआ, जहां नृत्य अकादमी की स्थापना और कई आंदोलनों के संहिताकरण सहित इसके विकास की योग्यता राजा लुई XIV से संबंधित थी। . फ्रांस ने रूस सहित सभी यूरोपीय देशों को नाट्य नृत्य की कला का निर्यात किया। 19 वीं शताब्दी के मध्य में, यूरोपीय बैले की राजधानी अब पेरिस नहीं थी, जिसने दुनिया को रोमांटिकतावाद ला सिल्फ़ाइड और गिजेल की उत्कृष्ट कृतियाँ दीं, लेकिन पीटर्सबर्ग। यह उत्तरी राजधानी में था कि महान कोरियोग्राफर मारियस पेटिपा ने लगभग 60 वर्षों तक काम किया, शास्त्रीय नृत्य प्रणाली के निर्माता और उत्कृष्ट कृतियों के लेखक जो अभी भी मंच नहीं छोड़ते हैं। अक्टूबर क्रांति के बाद, वे बैले को आधुनिकता के जहाज से फेंकना चाहते थे, लेकिन वे इसका बचाव करने में कामयाब रहे। सोवियत समयबड़ी संख्या में उत्कृष्ट कृतियों के निर्माण द्वारा चिह्नित किया गया था। हम पाँच घरेलू शीर्ष बैले प्रस्तुत करते हैं - कालानुक्रमिक क्रम में।

"डॉन क्विक्सोटे"

बैले डॉन क्विक्सोट का दृश्य। मारियस पेटिपा की पहली प्रस्तुतियों में से एक

बैले का प्रीमियर एल.एफ. बोल्शोई थियेटर में मिंकस "डॉन क्विक्सोट"। 1869 वास्तुकार अल्बर्ट कावोस के एल्बम से

बैले डॉन क्विक्सोट के दृश्य। कित्री - कोंगोव रोस्लेवलेवा (केंद्र)। मंचन द्वारा ए.ए. गोर्स्की। मास्को, बोल्शोई थियेटर। 1900

एल. मिंकस का संगीत, एम. पेटीपा का लिब्रेट्टो। पहला प्रोडक्शन: मॉस्को, बोल्शोई थिएटर, 1869, एम. पेटिपा द्वारा कोरियोग्राफी। बाद की प्रस्तुतियों: सेंट पीटर्सबर्ग, मरिंस्की थिएटर, 1871, एम. पेटिपा द्वारा कोरियोग्राफी; मॉस्को, बोल्शोई थिएटर, 1900, सेंट पीटर्सबर्ग, मरिंस्की थिएटर, 1902, मॉस्को, बोल्शोई थिएटर, 1906, सभी - ए. गोर्स्की की कोरियोग्राफी.

बैले "डॉन क्विक्सोट" जीवन और उल्लास से भरा एक नाट्य प्रदर्शन है, नृत्य का एक शाश्वत उत्सव है, जो वयस्कों को कभी नहीं थकाता है और जिसे माता-पिता अपने बच्चों को खुशी के साथ लेते हैं। हालांकि उन्हें हीरो के नाम से ही पुकारा जाता है प्रसिद्ध उपन्यास Cervantes, लेकिन अपने एक एपिसोड, "द वेडिंग ऑफ़ क्विटेरिया एंड बेसिलियो" से निरस्त, और युवा नायकों के कारनामों के बारे में बताता है, जिसका प्यार अंततः जीत जाता है, नायिका के जिद्दी पिता के विरोध के बावजूद, जो उसकी शादी अमीर से करना चाहता था गामाचे।

इसलिए डॉन क्विक्सोट का इससे कोई लेना-देना नहीं है। पूरे प्रदर्शन के दौरान, एक लंबा, पतला कलाकार, सांचो पांजा को चित्रित करने वाले एक छोटे, पॉट-बेलिड सहयोगी के साथ, मंच के चारों ओर घूमता है, कभी-कभी पेटिपा और गोर्स्की द्वारा रचित सुंदर नृत्यों को देखना मुश्किल हो जाता है। बैले, संक्षेप में, वेशभूषा में एक संगीत कार्यक्रम है, शास्त्रीय और चारित्रिक नृत्य का उत्सव है, जहाँ किसी भी बैले मंडली के सभी कलाकारों के पास कुछ न कुछ है।

बैले का पहला उत्पादन मास्को में हुआ, जहां पेटिपा ने स्थानीय मंडली के स्तर को बढ़ाने के लिए समय-समय पर यात्रा की, जिसकी तुलना मरिंस्की थिएटर की शानदार मंडली से नहीं की जा सकती थी। लेकिन मॉस्को में सांस लेना आसान था, इसलिए कोरियोग्राफर ने संक्षेप में एक बैले स्मारिका का मंचन किया अद्भुत वर्षयुवा एक धूप देश में बिताया।

बैले एक सफलता थी, और दो साल बाद पेटीपा ने इसे सेंट पीटर्सबर्ग में स्थानांतरित कर दिया, जिसके लिए नए सिरे से काम करना पड़ा। वहां, विशिष्ट नृत्य शुद्ध क्लासिक्स की तुलना में बहुत कम रुचि रखते थे। पेटिपा ने "डॉन क्विक्सोट" को पांच कृत्यों तक विस्तारित किया, "व्हाइट एक्ट" की रचना की, तथाकथित "डॉन क्विक्सोट का सपना", टुटस में बैलेरिना के प्रेमियों के लिए एक वास्तविक स्वर्ग, सुंदर पैरों के मालिक। "सपने" में कामदेवों की संख्या बावन तक पहुंच गई ...

डॉन क्विक्सोट मॉस्को कोरियोग्राफर अलेक्जेंडर गोर्स्की द्वारा एक नए काम में हमारे पास आया, जो कॉन्स्टेंटिन स्टैनिस्लावस्की के विचारों के शौकीन थे और पुराने बैले को अधिक तार्किक और नाटकीय रूप से आश्वस्त करना चाहते थे। गोर्स्की ने पेटिपा की सममित रचनाओं को नष्ट कर दिया, "ड्रीम" दृश्य में टुटस को रद्द कर दिया, और स्पेनिश नर्तकियों के लिए डार्क मेकअप के उपयोग पर जोर दिया। पेटिपा ने उन्हें "सुअर" कहा, लेकिन पहले से ही गोर्स्की के पहले परिवर्तन में, बोल्शोई थिएटर के मंच पर 225 बार बैले का प्रदर्शन किया गया था।

"स्वान झील"

पहले प्रदर्शन के लिए दृश्य। बड़ा रंगमंच। मास्को। 1877

बैले से दृश्य स्वान झील» पी.आई. त्चिकोवस्की (कोरियोग्राफर मारियस पेटिपा और लेव इवानोव)। 1895

पी. शाइकोवस्की का संगीत, वी. बेगिचव और वी. गेल्टसर का लिब्रेट्टो। पहला प्रोडक्शन: मॉस्को, बोल्शोई थिएटर, 1877, वी. राइजिंगर द्वारा कोरियोग्राफी। अनुवर्ती उत्पादन: सेंट पीटर्सबर्ग, मरिंस्की थिएटर, 1895, एम. पेटिपा, एल. इवानोव द्वारा कोरियोग्राफी.

सभी का पसंदीदा बैले, जिसका शास्त्रीय संस्करण 1895 में मंचित किया गया था, वास्तव में मॉस्को बोल्शोई थिएटर में अठारह साल पहले पैदा हुआ था। त्चिकोवस्की का स्कोर, जिसकी विश्व प्रसिद्धि अभी बाकी थी, "बिना शब्दों के गाने" का एक प्रकार का संग्रह था और उस समय के लिए बहुत जटिल लग रहा था। बैले लगभग 40 बार हुआ और गुमनामी में डूब गया।

त्चिकोवस्की की मृत्यु के बाद, मरिंस्की थिएटर में स्वान लेक का मंचन किया गया था, और बैले के बाद के सभी निर्माण इस संस्करण पर आधारित थे, जो एक क्लासिक बन गया। कार्रवाई को बहुत स्पष्टता और तर्क दिया गया था: बैले ने सुंदर राजकुमारी ओडेट के भाग्य के बारे में बताया, जिसे दुष्ट प्रतिभा रोथबार्ट की इच्छा से हंस में बदल दिया गया था, इस बारे में कि कैसे रोथबार्ट ने राजकुमार सिगफ्राइड को धोखा दिया, जो उसके साथ प्यार में पड़ गया, अपनी बेटी ओडिले के आकर्षण और नायकों की मृत्यु के बारे में सहारा लेना। कंडक्टर रिकार्डो ड्रिगो द्वारा त्चिकोवस्की के स्कोर को लगभग एक तिहाई कम कर दिया गया और पुनर्संयोजित किया गया। पेटिपा ने पहले और तीसरे कृत्यों के लिए कोरियोग्राफी बनाई, दूसरे और चौथे के लिए लेव इवानोव। यह अलगाव आदर्श रूप से दोनों शानदार कोरियोग्राफरों के व्यवसाय के अनुरूप था, जिनमें से दूसरे को पहले की छाया में रहना और मरना था। पेटीपा शास्त्रीय बैले का जनक है, जो त्रुटिहीन सामंजस्यपूर्ण रचनाओं का निर्माता है और एक महिला-परी, एक महिला-खिलौना की गायिका है। इवानोव संगीत के लिए असामान्य रूप से संवेदनशील अनुभव वाला एक अभिनव कोरियोग्राफर है। ओडेट-ओडिले की भूमिका पियरिना लेगानी, "मिलानी बैलेरिना की रानी" द्वारा निभाई गई थी, वह पहली रेमोंडा और 32 फाउट्स की आविष्कारक भी हैं, जो पॉइंट जूते पर सबसे कठिन प्रकार का रोटेशन है।

आप भले ही बैले के बारे में कुछ न जानते हों, लेकिन स्वान लेक के बारे में सभी जानते हैं। अस्तित्व के अंतिम वर्षों में सोवियत संघ, जब वृद्ध नेताओं ने एक दूसरे को अक्सर बदल दिया, बैले के मुख्य पात्रों के "सफेद" युगल की हार्दिक धुन और टीवी स्क्रीन से विंग-आर्म्स के फटने ने दुखद घटना की शुरुआत की। जापानी स्वान झील से इतना प्यार करते हैं कि वे इसे सुबह और शाम को देखने के लिए तैयार रहते हैं, जो किसी भी मंडली द्वारा किया जाता है। एक भी भ्रमण मंडली नहीं, जिनमें से कई रूस में हैं, और विशेष रूप से मास्को में, लेबेदिनॉय के बिना कर सकते हैं।

"सरौता"

बैले द नटक्रैकर का दृश्य। पहला मंचन। मरियाना - लिडा रुबतसोवा, क्लारा - स्टानिस्लावा बेलिंस्काया, फ्रिट्ज - वसीली स्टुकोलिन। मरिंस्की ओपेरा हाउस। 1892

बैले द नटक्रैकर का दृश्य। पहला मंचन। मरिंस्की ओपेरा हाउस। 1892

पी. शाइकोवस्की का संगीत, एम. पेटीपा का लिब्रेट्टो। पहला प्रोडक्शन: सेंट पीटर्सबर्ग, मरिंस्की थिएटर, 1892, एल. इवानोव की कोरियोग्राफी.

पुस्तकों और वेबसाइटों से, गलत जानकारी अभी भी घूमती है कि द नटक्रैकर का मंचन शास्त्रीय बैले मारियस पेटिपा के पिता द्वारा किया गया था। वास्तव में, पेटिपा ने केवल पटकथा लिखी थी, और बैले का पहला उत्पादन उनके अधीनस्थ लेव इवानोव ने किया था। इवानोव के लिए एक असंभव कार्य गिर गया: एक इतालवी अतिथि कलाकार की अपरिहार्य भागीदारी के साथ तत्कालीन फैशनेबल बैले फ़ालतूगानज़ा की शैली में बनाई गई स्क्रिप्ट, त्चिकोवस्की के संगीत के साथ स्पष्ट विरोधाभास में थी, हालांकि पेटीपा के निर्देशों के अनुसार सख्ती से लिखा गया था। महान भावना, नाटकीय समृद्धि और जटिल सिम्फोनिक विकास से प्रतिष्ठित था। इसके अलावा, बैले की नायिका एक किशोर लड़की थी, और बैलेरीना-स्टार केवल अंतिम पेस डे ड्यूक्स (एक साथी के साथ एक युगल, जिसमें एक एडैगियो शामिल है - एक धीमा हिस्सा, विविधताएं - एकल नृत्य और एक कोडा) के लिए तैयार किया गया था। (प्रवीण व्यक्ति समापन))। द नटक्रैकर का पहला उत्पादन, जहां पहला, मुख्य रूप से एक पैंटोमाइम अधिनियम, दूसरे से तेजी से भिन्न था, एक डायवर्टिसमेंट अधिनियम, बहुत सफल नहीं था, आलोचकों ने केवल स्नोफ्लेक्स के वाल्ट्ज (इसमें 64 नर्तकियों ने भाग लिया) और पास डे का उल्लेख किया। ड्रेजे फेयरी एंड द प्रिंस ऑफ व्हूपिंग कफ का ड्यूक्स, जो स्लीपिंग ब्यूटी के इवानोव के एडैगियो विद ए रोज से प्रेरित था, जहां अरोरा चार सज्जनों के साथ नृत्य करता है।

लेकिन 20वीं सदी में, जो त्चिकोवस्की के संगीत की गहराई में प्रवेश करने में सक्षम था, द नटक्रैकर वास्तव में एक शानदार भविष्य के लिए नियत था। सोवियत संघ, यूरोपीय देशों और संयुक्त राज्य अमेरिका में अनगिनत बैले प्रदर्शन हैं। रूस में, लेनिनग्राद स्टेट एकेडमिक ओपेरा और बैले थियेटर (अब सेंट पीटर्सबर्ग में मरिंस्की थिएटर) और मॉस्को बोल्शोई थिएटर में यूरी ग्रिगोरोविच की प्रस्तुतियां विशेष रूप से लोकप्रिय हैं।

"रोमियो और जूलियट"

बैले रोमियो और जूलियट। जूलियट - गैलिना उलानोवा, रोमियो - कोंस्टेंटिन सर्गेव। 1939

श्रीमती पैट्रिक कैम्पबेपल शेक्सपियर के रोमियो और जूलियट में जूलियट के रूप में। 1895

रोमियो और जूलियट का समापन। 1940

एस. प्रोकोफ़िएव का संगीत, एस. रैडलोव, ए. पियोत्रोवस्की, एल. लावरोवस्की का लिब्रेटो। पहला प्रोडक्शन: ब्रनो, ओपेरा और बैले थियेटर, 1938, वी. सोटा द्वारा कोरियोग्राफी। बाद के उत्पादन: लेनिनग्राद, राज्य शैक्षणिक ओपेरा और बैले थियेटर। एस किरोव, 1940, एल लावरोवस्की द्वारा कोरियोग्राफी.

यदि प्रसिद्ध रूसी अनुवाद में शेक्सपियर का वाक्यांश पढ़ता है "रोमियो और जूलियट की कहानी की तुलना में दुनिया में कोई दुखद कहानी नहीं है", फिर उन्होंने इस कथानक पर लिखे गए महान सर्गेई प्रोकोफिव के बैले के बारे में कहा: "बैले में प्रोकोफिव के संगीत की तुलना में दुनिया में कोई दुखद कहानी नहीं है". वास्तव में सुंदरता, रंगों की समृद्धि और अभिव्यंजना में अद्भुत, इसकी उपस्थिति के समय "रोमियो और जूलियट" का स्कोर बैले के लिए बहुत जटिल और अनुपयुक्त लग रहा था। बैले नर्तकियों ने उसे नृत्य करने से मना कर दिया।

प्रोकोफ़िएव ने 1934 में स्कोर लिखा था, और मूल रूप से यह थिएटर के लिए नहीं, बल्कि प्रसिद्ध लेनिनग्राद अकादमिक कोरियोग्राफिक स्कूल के लिए अपनी 200 वीं वर्षगांठ मनाने के लिए था। 1934 में लेनिनग्राद में सर्गेई किरोव की हत्या के कारण परियोजना को लागू नहीं किया गया था और दूसरी राजधानी के प्रमुख संगीत थिएटर में परिवर्तन शुरू हो गए थे। न ही मॉस्को बोल्शोई में रोमियो और जूलियट को मंचित करने की योजना सफल हुई। 1938 में, ब्रनो में एक थिएटर द्वारा प्रीमियर दिखाया गया था, और केवल दो साल बाद, प्रोकोफ़िएव के बैले का मंचन लेखक की मातृभूमि, तत्कालीन किरोव थिएटर में किया गया था।

कोरियोग्राफर लियोनिद लावरोवस्की, "ड्रामबैलेट" शैली (1930-50 के दशक के बैले की कोरियोग्राफिक ड्रामा विशेषता का एक रूप) के ढांचे के भीतर, सोवियत अधिकारियों द्वारा अत्यधिक स्वागत किया गया, ध्यान से गढ़े गए सामूहिक दृश्यों और सूक्ष्मता के साथ एक प्रभावशाली, रोमांचक तमाशा बनाया पात्रों की परिभाषित मनोवैज्ञानिक विशेषताएं। उनके निपटान में सबसे परिष्कृत बैलेरीना-अभिनेत्री गैलिना उलानोवा थीं, जो जूलियट की भूमिका में नायाब रहीं।

पश्चिमी कोरियोग्राफरों द्वारा प्रोकोफ़िएव के स्कोर की तुरंत सराहना की गई। बैले के पहले संस्करण 1940 के दशक में दिखाई दिए। उनके निर्माता बिरजीत कुहलबर्ग (स्टॉकहोम, 1944) और मार्गरीटा फ्रोमैन (ज़गरेब, 1949) थे। "रोमियो एंड जूलियट" की प्रसिद्ध प्रस्तुतियाँ फ्रेडरिक एश्टन (कोपेनहेगन, 1955), जॉन क्रांको (मिलान, 1958), केनेथ मैकमिलन (लंदन, 1965), जॉन न्यूमियर (फ्रैंकफर्ट, 1971, हैम्बर्ग, 1973) की हैं। मोइसेव, 1958, वाई। ग्रिगोरोविच द्वारा कोरियोग्राफी, 1968।

"स्पार्टाकस" के बिना "सोवियत बैले" की अवधारणा अकल्पनीय है। यह एक वास्तविक हिट है, युग का प्रतीक है। सोवियत कालअन्य विषयों और छवियों को विकसित किया, जो मारियस पेटिपा और मॉस्को और सेंट पीटर्सबर्ग के इंपीरियल थिएटरों से विरासत में मिली पारंपरिक शास्त्रीय बैले से बहुत अलग हैं। परिकथाएंएक सुखद अंत के साथ संग्रहीत किया गया था, और उन्हें वीर कहानियों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था।

पहले से ही 1941 में, प्रमुख सोवियत संगीतकारों में से एक, अराम खाचटुरियन ने बोल्शोई थिएटर में होने वाले एक स्मारकीय, वीरतापूर्ण प्रदर्शन के लिए संगीत लिखने के अपने इरादे के बारे में बताया। इसका विषय प्राचीन रोमन इतिहास का एक प्रसंग था, स्पार्टाकस के नेतृत्व में दासों का विद्रोह। खाचटुरियन ने अर्मेनियाई, जॉर्जियाई, रूसी रूपांकनों और सुंदर धुनों और उग्र लय का उपयोग करके एक रंगीन स्कोर बनाया। इगोर मोइसेव द्वारा उत्पादन का मंचन किया जाना था।

उनके काम को दर्शकों के सामने आने में कई साल लग गए और यह बोल्शोई थिएटर में नहीं, बल्कि थिएटर में दिखाई दिया। किरोव। कोरियोग्राफर लियोनिद याकूबसन ने शास्त्रीय बैले के पारंपरिक गुणों को छोड़कर एक आश्चर्यजनक और अभिनव प्रदर्शन बनाया, जिसमें पॉइन्ट डांसिंग, मुफ्त प्लास्टिक और सैंडल पहने बैलेरिना का उपयोग करना शामिल है।

लेकिन बैले "स्पार्टाकस" 1968 में कोरियोग्राफर यूरी ग्रिगोरोविच के हाथों हिट और युग का प्रतीक बन गया। ग्रिगोरोविच ने पूरी तरह से निर्मित नाटकीयता, मुख्य पात्रों के पात्रों के सूक्ष्म चित्रण, भीड़ के दृश्यों के कुशल मंचन, गीतात्मक एडैगियोस की शुद्धता और सुंदरता के साथ दर्शकों को प्रभावित किया। उन्होंने अपने काम को "कोर डी बैले के साथ चार एकल कलाकारों के लिए एक प्रदर्शन" कहा (कोर डी बैले - सामूहिक नृत्य एपिसोड में शामिल कलाकार)। व्लादिमीर वासिलिव ने स्पार्टाकस, क्रैसस - मैरिस लिपा, फ़्रीगिया - एकातेरिना मकसिमोवा और एजिना - नीना टिमोफीवा की भूमिका निभाई। कार्ड डी बैले मुख्य रूप से पुरुष थे, जो बैले "स्पार्टाकस" को एक तरह का बनाता है।

याकूबसन और ग्रिगोरोविच द्वारा स्पार्टाकस की प्रसिद्ध रीडिंग के अलावा, बैले के लगभग 20 और प्रोडक्शन हैं। इनमें प्राग बैले के लिए जिरी ब्लेज़ेक, बुडापेस्ट बैले (1968) के लिए लास्ज़लो सेरेगा, एरिना डी वेरोना (1999) के लिए जुरी वामोस, वियना स्टेट ओपेरा बैले (2002) के लिए रेनाटो ज़ेनेला, नतालिया कसाटकिना और व्लादिमीर शामिल हैं। स्टेट एकेडमिक थियेटर के लिए वेसिलेव ने मॉस्को में शास्त्रीय बैले का निर्देशन किया (2002)।

विश्व प्रसिद्ध थिएटर प्रदर्शन के लिए टिकट बहुत पहले बुक किए जाने चाहिए। आइए जानने की कोशिश करते हैं कि ये आकर्षण दुनिया भर के थिएटर जाने वालों को कैसे आकर्षित करते हैं और कितना टिकट है सर्वश्रेष्ठ रंगमंचशांति।

बेशक, इस सूची में स्पष्ट रूप से बोल्शोई या मरिंस्की थिएटरों का अभाव है, लेकिन हमने रूस के सबसे प्रसिद्ध थिएटरों के लिए एक अलग लेख समर्पित करने का फैसला किया।

दुनिया के सबसे प्रसिद्ध थिएटर

यूरोप की राजधानियों में जीवन जोरों पर है। पेरिस, लंदन, मिलान - न केवल फ़ैशनिस्ट और कैमरे वाले पर्यटक यहां आते हैं। बुद्धिजीवी - वास्तुकला, रंगमंच, ओपेरा, बैले और संगीत के पारखी भी प्रसन्न होंगे।

कोवेंट गार्डन थियेटर

लंडन

ग्रेट ब्रिटेन की राजधानी इतिहास के साथ सिनेमाघरों में समृद्ध है। यह लंदन ग्लोब के मंच पर पहली बार शेक्सपियर के नाटकों का मंचन किया गया था। लेकिन यद्यपि ग्लोब, जो दो पुनर्निर्माणों से बच गया था, आज भी चल रहा है, कोवेंट गार्डन में रॉयल ओपेरा हाउस, रॉयल बैले और रॉयल ओपेरा के घरेलू मंच को लंदन में सबसे प्रसिद्ध थिएटर का दर्जा प्राप्त है।

आधुनिक इमारत पहले से ही तीसरी है। 1732 में, थिएटर ने पहली बार दर्शकों के लिए अपने दरवाजे खोले, जो विलियम कांग्रेव के नाटक पर आधारित "सेक्युलर कस्टम्स" के निर्माण को देखने आए थे। 76 साल बाद, कोवेंट गार्डन की इमारत आग से नष्ट हो गई। ठीक होने में 9 महीने लग गए। दोबारा खुले थिएटर ने मैकबेथ के साथ दर्शकों को आनंदित किया। 1856 में, थिएटर फिर से जल गया, लेकिन दो साल बाद यह राख से पुनर्जन्म हुआ जैसा कि हम अब देख सकते हैं।

बड़े पैमाने पर पुनर्निर्माणथिएटर 1990 में आयोजित किया गया था। अब इसके 4-स्तरीय हॉल में 2268 आगंतुक आते हैं। कोवेंट गार्डन थियेटर के लिए टिकट की कीमत £15 से £135 तक है।

भव्य ओपेरा

पेरिस

पेरिस का सबसे प्रसिद्ध थिएटर ग्रैंड ओपेरा है। 1669 में, लुई XIV ने कवि पियरे पेरिन और संगीतकार रॉबर्ट काम्बर को ओपेरा हाउस की स्थापना के लिए "आगे बढ़ने दिया"। सदियों से, थिएटर ने अपना नाम और स्थान कई बार बदला, जब तक कि 1862 में यह चार्ल्स गार्नियर द्वारा डिज़ाइन की गई इमारत में पेरिस के IX arrondissement में समाप्त नहीं हुआ, जिसे 1875 में वास्तुकार चार्ल्स गार्नियर द्वारा बनाया गया था।

थिएटर का मुखौटा शानदार है - इसे चार मूर्तियों (नाटक, संगीत, कविता और नृत्य के व्यक्तित्व) के साथ-साथ सात मेहराबों से सजाया गया है। इमारत को राजसी चमकदार गुंबद के साथ ताज पहनाया गया है।

ग्रैंड ओपेरा के मंच ने जर्मन, इतालवी और देखा है फ्रेंच संगीतकार. यहीं पर स्ट्राविंस्की के ओपेरा "मावरा" का प्रीमियर हुआ था। इसका वर्तमान नाम पालिस गार्नियर है, और यह शायद दुनिया में सबसे ज्यादा देखा जाने वाला थियेटर है।

नस

ऑस्ट्रिया कई क्लासिक्स का जन्मस्थान है: हेडन, मोजार्ट, बीथोवेन, जिनके संगीत ने वियना शास्त्रीय संगीत स्कूल का आधार बनाया। शायद इसीलिए वियना ओपेरा को आत्मविश्वास से दुनिया का सबसे प्रसिद्ध ओपेरा हाउस कहा जा सकता है।

ओपेरा हाउस 1869 में बनाया गया था। उद्घाटन मोजार्ट के ओपेरा डॉन जियोवानी द्वारा चिह्नित किया गया था।

चूंकि थिएटर की इमारत एक अत्यंत सामान्य नव-पुनर्जागरण की शैली में बनाई गई थी, इसलिए इसे बार-बार निर्दयी आलोचना के अधीन किया गया था - इमारत का मुखौटा वियना के निवासियों के लिए उबाऊ लग रहा था, निश्छल।

दूसरा विश्व युध्दथिएटर आंशिक रूप से नष्ट हो गया था, लेकिन 1955 में इसे बीथोवेन द्वारा ओपेरा फिदेलियो के साथ पूरी तरह से फिर से खोला गया था। प्रदर्शनों की संख्या के संदर्भ में, अन्य ओपेरा हाउसों में से कोई भी वियना ओपेरा के साथ तुलना करने में सक्षम नहीं है। साल के 285 दिनों के लिए, इस इमारत में रिंगस्ट्रैस पर लगभग 60 ओपेरा का मंचन किया जाता है। हर साल, लेंट के पहले दिन से एक हफ्ते पहले, विनीज़ बॉल यहां आयोजित की जाती है - यूनेस्को द्वारा संरक्षित अमूर्त सांस्कृतिक संपदा की सूची में सूचीबद्ध एक कार्यक्रम।

ला स्काला

मिलान>

यह पुनर्जागरण इटली में था कि आधुनिक ओपेरा का जन्म हुआ। 1776 में, मिलानी वास्तुकार ग्यूसेप पियरमिनी ने सांता लूसिया डेला स्काला के नष्ट चर्च के स्थल पर जमीन का एक टुकड़ा पसंद किया। उस पर एक ओपेरा हाउस बनाने का निर्णय लिया गया, जिसे अंततः अपने "पूर्वज" से नाम मिला।

भूमिगत नींव के निर्माण के दौरान, उन्हें प्राचीन रोमन अभिनेता पाइलैड्स की छवि के साथ एक संगमरमर का स्लैब मिला, जिसे बिल्डरों ने ऊपर से एक संकेत के रूप में लिया।

ला स्काला का पहला ओपेरा संगीतकार एंटोनियो सालियरी द्वारा मान्यता प्राप्त यूरोप था। यह इन दीवारों में था कि गवाज़ेनी जियानंद्रिया, आर्टुरो टोस्कानिनी और रिकार्डो मुटी के ऑर्केस्ट्रा ने पहली बार आवाज़ दी थी।

आज, ला स्काला को दुनिया के सबसे प्रसिद्ध थिएटरों में से एक द्वारा पढ़ा जाता है। मिलान कैथेड्रल के बाद यह पहला मौका है जब मिलान में आने वाले पर्यटकों ने निरीक्षण किया।

आखिरी बार थिएटर का पुनर्निर्माण 2000 के दशक की शुरुआत में हुआ था। उद्घाटन 2004 में हुआ था, और सालियरी के ओपेरा नवीनीकृत यूरोप को फिर से पुनर्निर्मित मंच पर दिखाया गया था।

कैटलन संगीत का महल

बार्सिलोना

बल्कि एक युवा (पिछले की तुलना में) थिएटर, बार्सिलोना में कैटलन संगीत के पैलेस ने 1908 में संगीत सौंदर्यशास्त्र के लिए अपने दरवाजे खोल दिए। बार्सिलोना गौडी के स्पेनिश आर्ट नोव्यू से प्यार करता है, और इसलिए देश के मुख्य कॉन्सर्ट हॉल को उसी शैली में बनाने का निर्णय लिया गया - लहरें और सर्पिल सीधी रेखाओं पर यहां प्रबल होते हैं।

पैलेस का अग्रभाग हमें याद दिलाता है कि स्पेन में यूरोपीय और अरब संस्कृतियां कहीं और की तरह आपस में जुड़ी हुई हैं।

लेकिन मुख्य विशेषता समारोह का हाल- इसकी रोशनी। प्रकाश पूर्णतः प्राकृतिक है। पैलेस ऑफ कैटलन म्यूजिक का गुंबद रंगीन कांच के मोज़ाइक से बना है। अपवर्तित सूर्य की किरणें एक अवर्णनीय प्रभाव पैदा करती हैं!

सिडनी ओपेरा हाउस

सिडनी

सिडनी ओपेरा हाउस भले ही दुनिया में सबसे अधिक देखा जाने वाला न हो, लेकिन यह निश्चित रूप से सबसे पहचानने योग्य और असामान्य थिएटर है। इसकी सफेद पाल जैसी दीवारें दुनिया के आधुनिक अजूबों में से एक बन गई हैं।

महारानी एलिजाबेथ द्वितीय की भागीदारी के साथ अक्टूबर 1973 में भव्य उद्घाटन समारोह हुआ।

हर कोई जानता है कि सिडनी थियेटर बाहर से कैसा दिखता है, अब देखें कि यह अंदर से कैसा दिखता है - भविष्यवाद और गॉथिक का एक रमणीय संयोजन!

भवन का कुल क्षेत्रफल दो हेक्टेयर से अधिक है। अंदर आपको लगभग एक हजार कमरे मिलेंगे, क्योंकि इमारत ऑस्ट्रेलियाई ओपेरा, सिडनी का "मुख्यालय" है सिम्फनी ऑर्केस्ट्रा, नेशनल बैले और सिडनी थिएटर कंपनी।

थिएटर की रोशनी में ऊर्जा की खपत होती है, जो एक छोटे ऑस्ट्रेलियाई शहर की बिजली खपत के बराबर है।

काबुकिज़ा

टोक्यो

हम यूरोपीय थिएटरों के बारे में बहुत कुछ जानते हैं, लेकिन पूर्व में थिएटर के बारे में क्या? विशेष रूप से जापानी की विशेषताएं क्या हैं रंगमंच की संस्कृति?

शास्त्रीय जापानी रंगमंच मंच पर नाटक, संगीत, नृत्य और कविता को जोड़ता है। प्रदर्शनों के दृश्य सरल हैं, जिन्हें अभिनेताओं के मुखौटों और किमोनो के बारे में नहीं कहा जा सकता है। प्रदर्शन का अर्थ एक अप्रस्तुत दर्शक के लिए दरार करने के लिए एक कठिन नट है जो जापानी संस्कृति से अपरिचित है और पौराणिक कथाओं, साहित्य और इतिहास के कई सूक्ष्म संदर्भों को समझने में असमर्थ है।

फिर भी, टोक्यो काबुकी-ज़ा थिएटर को न केवल जापानी, बल्कि पर्यटकों द्वारा भी सराहा जाता है - हॉल में 1964 की कोई भी सीट आमतौर पर खाली नहीं होती है। टिकट की कीमतें 15,000 येन (लगभग 8,000 रूबल) से शुरू होती हैं, और एक अतिरिक्त शुल्क के लिए, दर्शक एक ऑडियो गाइड खरीद सकते हैं जो कि क्या हो रहा है, इसके सभी विवरणों को समझाएगा।

रेडियो सिटी संगीत हॉल

न्यूयॉर्क

1932 में मैनहट्टन के केंद्र में निर्मित, रेडियो सिटी म्यूजिक हॉल न्यू यॉर्कर्स के पसंदीदा मनोरंजन स्थलों में से एक बन गया है। नाटक, संगीत, प्रदर्शन जैज आर्केस्ट्रा, ताज़ा फ़िल्म प्रीमियर - यह सब यहाँ देखा जा सकता है। युग बदल गया है, लेकिन 20वीं सदी के ब्रॉडवे संगीत की ठाठ और प्रतिभा अभी भी अमेरिकियों और पर्यटकों को समान रूप से आकर्षित करेगी।

पारंपरिक क्रिसमस संगीत विशेष रूप से लोकप्रिय है।

रेडियो सिटी एक बार में 6,000 लोगों को समायोजित कर सकता है, यही वजह है कि इसका मंच अक्सर ग्रैमी संगीत पुरस्कार जैसे राष्ट्रीय कार्यक्रमों की मेजबानी करता है।

रेडियो सिटी हॉल का गौरव एक विशाल 4410-पाइप अंग है।

सेम्पर ओपेरा

ड्रेसडेन

वह आर्किटेक्ट गॉटफ्रीड सेम्पर के सम्मान में ड्रेसडेन नेशनल ओपेरा या सेम्परोपर है। राजसी नव-पुनर्जागरण भवन ने पहली बार 12 अप्रैल, 1841 को आगंतुकों को प्राप्त किया। इस मंच से जो पहला काम सामने आया, वह था टॉरिस में गोएथे का नाटक इफिजेनिया। इसके बाद, रिचर्ड वाग्नेर द्वारा कई ओपेरा के प्रीमियर यहां हुए।

बुध, 15/08/2007 - 01:11 को कॉपीपास्टर द्वारा जमा किया गया

बैले काफी युवा कला है। यह चार सौ साल से थोड़ा अधिक पुराना है, हालांकि नृत्य प्राचीन काल से ही मानव जीवन को सुशोभित करता रहा है।

पुनर्जागरण के दौरान बैले का जन्म उत्तरी इटली में हुआ था। इतालवी राजकुमारों को शानदार महल उत्सव पसंद थे, जिसमें नृत्य ने एक महत्वपूर्ण स्थान पर कब्जा कर लिया था। ग्रामीण नृत्य दरबारी देवियों और सज्जनों के लिए उपयुक्त नहीं थे। उनके वस्त्र, हॉल की तरह जहां उन्होंने नृत्य किया, असंगठित आंदोलन की अनुमति नहीं दी। विशेष शिक्षकों - डांस मास्टर्स - ने कोर्ट डांस में चीजों को व्यवस्थित करने की कोशिश की। उन्होंने अग्रिम रूप से रईसों के साथ नृत्य के व्यक्तिगत आंकड़ों और आंदोलनों का पूर्वाभ्यास किया और नर्तकियों के समूहों का नेतृत्व किया। धीरे-धीरे नृत्य अधिक से अधिक नाटकीय होता गया।

16 वीं शताब्दी के अंत में "बैले" शब्द दिखाई दिया (इतालवी बैलेटो से - नृत्य करने के लिए)। लेकिन तब इसका मतलब प्रदर्शन नहीं था, बल्कि केवल एक डांस एपिसोड था जो एक निश्चित मूड को बताता है। इस तरह के "बैले" में आमतौर पर पात्रों के छोटे-जुड़े "आउटपुट" शामिल होते हैं - अक्सर नायक ग्रीक मिथक. इस तरह के "आउटपुट" के बाद एक सामान्य नृत्य शुरू हुआ - "बिग बैले"।

पहला बैले प्रदर्शन रानी का कॉमेडी बैले था, जिसका मंचन फ्रांस में 1581 में इतालवी कोरियोग्राफर बाल्टाजारिनी डि बेल्गियोजोसो द्वारा किया गया था। यह फ्रांस में था इससे आगे का विकासबैले। सबसे पहले, ये बहुरंगी बैले थे, और फिर शिष्ट और शानदार भूखंडों पर धूमधाम से मेलोड्रामैटिक बैले थे, जहाँ नृत्य एपिसोड को मुखर अरिया और कविताओं के पाठ से बदल दिया गया था। हैरान मत होइए, उस समय बैले केवल एक नृत्य प्रदर्शन नहीं था।

लुई XIV के शासनकाल के दौरान, कोर्ट बैले का प्रदर्शन एक विशेष भव्यता तक पहुंच गया। लुई खुद बैले में भाग लेना पसंद करते थे, और "बैले ऑफ द नाइट" में सूर्य की भूमिका निभाने के बाद अपना प्रसिद्ध उपनाम "द सन किंग" प्राप्त किया।

1661 में उन्होंने रॉयल एकेडमी ऑफ़ म्यूज़िक एंड डांस बनाया, जिसमें 13 प्रमुख डांसिंग मास्टर्स शामिल थे। उनका कर्तव्य नृत्य परंपराओं को संरक्षित करना था। अकादमी के निदेशक, शाही नृत्य शिक्षक पियरे ब्यूचैम्प ने शास्त्रीय नृत्य के पांच बुनियादी पदों की पहचान की।

जल्द ही पेरिस ओपेरा खोला गया, जिसके कोरियोग्राफर वही ब्यूचैम्प थे। उनके नेतृत्व में एक बैले मंडली का गठन किया गया था। पहले इसमें केवल पुरुष शामिल थे। महिलाएं केवल 1681 में पेरिस ओपेरा के मंच पर दिखाई दीं।

थियेटर ने संगीतकार लुली द्वारा ओपेरा-बैले और नाटककार मोलिरे द्वारा कॉमेडी-बैले का मंचन किया। सबसे पहले, दरबारियों ने उनमें भाग लिया, और प्रदर्शन लगभग महल के प्रदर्शन से अलग नहीं थे। पहले से ही वर्णित धीमी मीनू, गवोटे और पावने नृत्य किए गए थे। मास्क, भारी कपड़े और ऊँची एड़ी के जूतों ने महिलाओं के लिए जटिल हरकतें करना मुश्किल बना दिया। इसलिए, पुरुषों के नृत्य तब अधिक अनुग्रह और अनुग्रह से प्रतिष्ठित थे।

18वीं शताब्दी के मध्य तक बैले यूरोप में काफी लोकप्रिय हो रहा था। यूरोप के सभी कुलीन दरबारों ने फ्रांसीसी शाही दरबार की विलासिता की नकल करने की कोशिश की। शहरों में ओपेरा हाउस खुल गए। कई नर्तकियों और नृत्य शिक्षकों को आसानी से काम मिल गया।

जल्द ही फैशन महिला से प्रभावित बैले पोशाकबहुत हल्का और मुक्त हो गया, इसके तहत शरीर की रेखाओं का अनुमान लगाया गया। नर्तकियों ने ऊँची एड़ी के जूते छोड़ दिए, उन्हें हल्के ऊँची एड़ी के जूते के साथ बदल दिया। पुरुषों की पोशाक भी कम बोझिल हो गई: घुटनों तक तंग-फिटिंग पैंटालून्स और स्टॉकिंग्स ने नर्तक की आकृति को देखना संभव बना दिया।

प्रत्येक नवाचार ने नृत्य को अधिक सार्थक और नृत्य तकनीक को उच्च बना दिया। धीरे-धीरे, बैले ओपेरा से अलग हो गया और एक स्वतंत्र कला में बदल गया।

यद्यपि फ्रांसीसी बैले स्कूल अपनी कृपा और प्लास्टिसिटी के लिए प्रसिद्ध था, लेकिन यह एक निश्चित शीतलता और प्रदर्शन की औपचारिकता की विशेषता थी। इसलिए, कोरियोग्राफर और कलाकार अभिव्यक्ति के अन्य साधनों की तलाश कर रहे थे।

18 वीं शताब्दी के अंत में, कला में एक नई प्रवृत्ति का जन्म हुआ - रूमानियत, जिसका बैले पर गहरा प्रभाव था। एक रोमांटिक बैले में, नर्तक नुकीले जूतों पर खड़ा था। ऐसा करने वाली मारिया टैग्लियोनी पहली थीं, जिन्होंने बैले के बारे में पिछले विचारों को पूरी तरह से बदल दिया। बैले "ला सिलफाइड" में वह एक नाजुक प्राणी के रूप में दिखाई दी अंडरवर्ल्ड. सफलता आश्चर्यजनक थी।

इस समय, कई अद्भुत बैले दिखाई दिए, लेकिन, दुर्भाग्य से, रोमांटिक बैले आखिरी दिन था। नृत्य कलापश्चिम में। दूसरे से XIX का आधासदी का बैले, अपना पूर्व अर्थ खो चुका है, ओपेरा का एक उपांग बन गया है। केवल 1930 के दशक में, रूसी बैले के प्रभाव में, यूरोप में इस कला के रूप का पुनरुद्धार शुरू हुआ।

रूस में, पहला बैले प्रदर्शन - "द बैले ऑफ़ ऑर्फ़ियस एंड यूरीडाइस" - 8 फरवरी, 1673 को ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में मंचित किया गया था। आनुष्ठानिक और धीमी गति के नृत्यों में गायन और भाषण के साथ बारी-बारी से सुंदर मुद्राओं, धनुषों और चालों का परिवर्तन शामिल था। नहीं महत्वपूर्ण भूमिकाउन्होंने मंचीय नृत्य के विकास में भूमिका नहीं निभाई। यह सिर्फ एक और शाही "मजेदार" था, जिसने इसकी असामान्यता और नवीनता से आकर्षित किया।

केवल एक चौथाई सदी बाद, पीटर I के सुधारों के लिए धन्यवाद, संगीत और नृत्य ने रूसी समाज के जीवन में प्रवेश किया। नोबल स्कूलों में अनिवार्य नृत्य प्रशिक्षण शुरू किया गया था। दरबार में, विदेश से छुट्टी पा चुके संगीतकारों ने प्रदर्शन करना शुरू किया, ओपेरा कलाकारऔर बैले कंपनियां।

1738 में, रूस में पहला बैले स्कूल खोला गया था, और तीन साल बाद महल के नौकरों में से 12 लड़के और 12 लड़कियां रूस में पहले पेशेवर नर्तक बने। सबसे पहले, उन्होंने विदेशी मास्टर्स के बैले में मूर्तिकारों के रूप में प्रदर्शन किया (जैसा कि कोर डी बैले नर्तकियों को कहा जाता था), और बाद में मुख्य भागों में। उस समय के उल्लेखनीय नर्तक, टिमोफी बुब्लिकोव, न केवल सेंट पीटर्सबर्ग में, बल्कि वियना में भी चमके।

19वीं शताब्दी की शुरुआत में, रूसी बैले कला अपनी रचनात्मक परिपक्वता तक पहुंच गई। रूसी नर्तकियों ने नृत्य में अभिव्यक्ति और आध्यात्मिकता लाई। इसे बहुत सटीक रूप से महसूस करते हुए, ए.एस. पुश्किन ने अपने समकालीन अविद्या इस्तोमिना के नृत्य को "आत्मा से भरी उड़ान" कहा।

उस समय बैले ने अन्य प्रकार की नाट्य कलाओं के बीच एक विशेषाधिकार प्राप्त स्थान लिया। अधिकारियों ने इस पर बहुत ध्यान दिया, राज्य सब्सिडी प्रदान की। मास्को और सेंट पीटर्सबर्ग बैले मंडलों ने अच्छी तरह से सुसज्जित थिएटरों में प्रदर्शन किया, और थिएटर स्कूलों के स्नातकों ने सालाना नर्तकियों, संगीतकारों और सज्जाकारों के कर्मचारियों की भरपाई की।

आर्थर सेंट लियोन

हमारे बैले थियेटर के इतिहास में, अक्सर उन विदेशी मास्टर्स के नाम मिलते हैं जिन्होंने रूसी बैले के विकास में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी। सबसे पहले, ये चार्ल्स डिडेलॉट, आर्थर सेंट-लियोन और मारियस पेटिपा हैं। उन्होंने रूसी बैले स्कूल बनाने में मदद की। लेकिन प्रतिभाशाली रूसी कलाकारों ने भी अपने शिक्षकों की प्रतिभा को प्रकट करना संभव बना दिया। इसने हमेशा यूरोप के सबसे बड़े कोरियोग्राफरों को मास्को और सेंट पीटर्सबर्ग में आकर्षित किया। दुनिया में कहीं भी वे इतने बड़े, प्रतिभाशाली और अच्छी तरह से प्रशिक्षित मंडली से नहीं मिल सकते थे जितना कि रूस में।

19वीं शताब्दी के मध्य में, यथार्थवाद रूसी साहित्य और कला में आया। कोरियोग्राफरों ने उत्साहपूर्वक, लेकिन कोई फायदा नहीं हुआ, यथार्थवादी प्रदर्शन बनाने की कोशिश की। उन्होंने इस बात पर ध्यान नहीं दिया कि बैले एक सशर्त कला है और बैले में यथार्थवाद चित्रकला और साहित्य में यथार्थवाद से काफी अलग है। बैले कला का संकट शुरू हुआ।

रूसी बैले के इतिहास में एक नया चरण तब शुरू हुआ जब महान रूसी संगीतकार पी. शाइकोवस्की ने पहली बार बैले के लिए संगीत तैयार किया। यह हंस झील थी। इससे पहले बैले संगीत को गंभीरता से नहीं लिया जाता था। वह मानी जाती थी हीन दृष्टिसंगीत रचनात्मकता, नृत्य के लिए सिर्फ एक संगत।

त्चैकोव्स्की के लिए धन्यवाद, बैले संगीत ओपेरा के साथ-साथ एक गंभीर कला बन गया और सिम्फोनिक संगीत. पहले संगीत पूरी तरह से नृत्य पर निर्भर था, अब नृत्य को संगीत का पालन करना पड़ता था। अभिव्यक्ति के नए साधन और प्रदर्शन बनाने के लिए एक नए दृष्टिकोण की आवश्यकता थी।

रूसी बैले का आगे का विकास मॉस्को कोरियोग्राफर ए। गोर्स्की के नाम से जुड़ा है, जिन्होंने पैंटोमाइम की पुरानी तकनीकों को त्याग कर बैले प्रदर्शन में आधुनिक निर्देशन की तकनीकों का इस्तेमाल किया। दे रही है बडा महत्वप्रदर्शन के सुरम्य डिजाइन ने सर्वश्रेष्ठ कलाकारों को काम करने के लिए आकर्षित किया।

लेकिन बैले कला के सच्चे सुधारक मिखाइल फॉकिन हैं, जिन्होंने पारंपरिक निर्माण के खिलाफ विद्रोह किया बैले प्रदर्शन. उन्होंने तर्क दिया कि प्रदर्शन का विषय, इसका संगीत, जिस युग में कार्रवाई होती है, हर बार अलग-अलग नृत्य आंदोलनों, एक अलग नृत्य पैटर्न की आवश्यकता होती है। बैले "मिस्री नाइट्स" का मंचन करते समय फॉकिन वी। ब्रायसोव और प्राचीन मिस्र के चित्र की कविता से प्रेरित थे, और बैले "पेत्रुस्का" की छवियां ए। ब्लोक की कविता से प्रेरित थीं। बैले डाफ्निस और क्लो में, उन्होंने पोइंटे नृत्य को छोड़ दिया और, मुक्त, प्लास्टिक आंदोलनों में, प्राचीन भित्तिचित्रों को पुनर्जीवित किया। उनके "चोपिनियाना" ने रोमांटिक बैले के माहौल को पुनर्जीवित कर दिया। फॉकिन ने लिखा है कि वह "बैले-फन से बैले-ड्रामा बनाने का सपना देखते हैं, डांस से - एक समझने योग्य, बोलने वाली भाषा।" और वह सफल हुआ।

अन्ना पावलोवा

1908 में, पेरिस में रूसी बैले नर्तकियों का वार्षिक प्रदर्शन शुरू हुआ, जिसका आयोजन थिएटर फिगर एस.पी. डायगिलेव ने किया था। रूस के नर्तकियों के नाम - वास्लाव निजिंस्की, तमारा कारसविना, एडॉल्फ बोलम - पूरी दुनिया में जाने गए। लेकिन इस पंक्ति में सबसे पहले अतुलनीय अन्ना पावलोवा का नाम है।

पावलोवा - गेय, नाजुक, लम्बी शरीर की रेखाओं के साथ, विशाल आँखें - रोमांटिक बैलेरिना को दर्शाती उत्कीर्णन। उनकी नायिकाओं ने एक सामंजस्यपूर्ण, आध्यात्मिक जीवन या अधूरे जीवन की लालसा और उदासी के विशुद्ध रूप से रूसी सपने को व्यक्त किया। महान बैलेरीना पावलोवा द्वारा बनाई गई द डाइंग स्वान, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूसी बैले का एक काव्यात्मक प्रतीक है।

यह तब था, रूसी कलाकारों के कौशल के प्रभाव में, पश्चिमी बैले ने खुद को हिलाया और दूसरी हवा प्राप्त की।

1917 की अक्टूबर क्रांति के बाद, बैले थियेटर के कई आंकड़े रूस छोड़ गए, लेकिन इसके बावजूद, रूसी बैले का स्कूल बच गया। एक नए जीवन, क्रांतिकारी विषयों और सबसे महत्वपूर्ण रूप से रचनात्मक प्रयोग के लिए आंदोलन के मार्ग ने बैले मास्टर्स को प्रेरित किया। उनका काम कोरियोग्राफिक कला को लोगों के करीब लाना था, इसे और अधिक महत्वपूर्ण और सुलभ बनाना था।

इस प्रकार नाटकीय बैले की शैली उत्पन्न हुई। ये प्रदर्शन थे, जो आमतौर पर प्रसिद्ध के भूखंडों पर आधारित होते थे साहित्यिक कार्य, जो एक नाटकीय प्रदर्शन के नियमों के अनुसार बनाए गए थे। उनमें सामग्री को पैंटोमाइम और सचित्र नृत्य की मदद से प्रस्तुत किया गया था। 20वीं सदी के मध्य में नाटकीय बैले संकट में था। कोरियोग्राफरों ने बैले की इस शैली को संरक्षित करने का प्रयास किया, मंच प्रभावों की मदद से प्रदर्शन के तमाशे को बढ़ाया, लेकिन, व्यर्थ, व्यर्थ।

1950 के दशक के उत्तरार्ध में, एक महत्वपूर्ण मोड़ आया। नई पीढ़ी के कोरियोग्राफरों और नर्तकियों ने भूली-बिसरी विधाओं को पुनर्जीवित किया है - एक-एक्ट बैले, बैले सिम्फनी, कोरियोग्राफिक मिनिएचर। और 1970 के दशक के बाद से, ओपेरा और बैले थिएटरों से स्वतंत्र, स्वतंत्र बैले मंडली उत्पन्न हुई हैं। उनकी संख्या लगातार बढ़ रही है, उनमें फ्री डांस और मॉडर्न डांस के स्टूडियो भी हैं।

16वीं शताब्दी में, यह एक लंबा सफर तय कर चुका है और हमारे समय तक पूरी दुनिया में लोकप्रिय हो चुका है। कई बैले स्कूल और थिएटर मंडली, जिनकी संख्या हर साल बढ़ रही है, शास्त्रीय और आधुनिक दोनों हैं।

लेकिन अगर दर्जनों प्रसिद्ध शो बैले हैं, और वास्तव में, वे केवल कौशल के स्तर में अन्य नृत्य कलाकारों की टुकड़ियों से भिन्न हैं, तो एक लंबे इतिहास वाले राष्ट्रीय बैले थिएटरों को उंगलियों पर गिना जा सकता है।

रूसी बैले: बोल्शोई और मरिंस्की थिएटर

आपके और मेरे पास गर्व करने के लिए कुछ है, क्योंकि रूसी बैले दुनिया में सर्वश्रेष्ठ में से एक है। स्वान लेक, द नटक्रैकर, 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में हमारे देश में दिखाई देने वाली प्रसिद्ध प्लास्टिक बैले ने रूस को इस कला का दूसरा घर बना दिया और हमारे थिएटरों को दुनिया भर के आभारी दर्शकों की एक अंतहीन धारा प्रदान की।

आज, बोल्शोई और मरिंस्की थिएटरों की मंडली सर्वश्रेष्ठ के खिताब के लिए प्रतिस्पर्धा करती हैं, जिनके कौशल में दिन-ब-दिन सुधार हो रहा है। दोनों मंडलों के नर्तकियों का चयन सेंट पीटर्सबर्ग अकादमी के विद्यार्थियों के बीच ए.वाई.वागनोवा के नाम पर किया गया है, और प्रशिक्षण के पहले दिनों से, इसके सभी छात्र एक दिन देश के मुख्य मंच पर एकल प्रदर्शन करने का सपना देखते हैं। .

फ्रेंच बैले: ग्रैंड ओपेरा

विश्व बैले का पालना, जिसका प्रदर्शन के प्रति रवैया तीन शताब्दियों से अपरिवर्तित रहा है, और जहां केवल शास्त्रीय शैक्षणिक नृत्य मौजूद है, और बाकी सब कुछ कला के खिलाफ अपराध माना जाता है, दुनिया के सभी नर्तकियों के लिए अंतिम सपना है।

हर साल, इसकी सदस्यता केवल तीन नर्तकियों के साथ भर दी जाती है, जो इतने सारे चयनों, प्रतियोगिताओं और परीक्षणों से गुज़रे हैं, जिनके बारे में अंतरिक्ष यात्रियों ने कभी सपने में भी नहीं सोचा था। पेरिस ओपेरा के टिकट सस्ते नहीं हैं, और केवल कला के सबसे धनी पारखी ही उन्हें खरीद सकते हैं, लेकिन हॉल प्रत्येक प्रदर्शन के दौरान भरा हुआ है, क्योंकि स्वयं फ्रांसीसी के अलावा, सभी यूरोपीय यहां आते हैं जो शास्त्रीय बैले की प्रशंसा करने का सपना देखते हैं।

संयुक्त राज्य अमेरिका: अमेरिकन बैले थियेटर

"द ब्लैक स्वान" की रिलीज़ के बाद व्यापक लोकप्रियता हासिल की, अमेरिकन बैले थियेटर की स्थापना रूसी बोल्शोई थिएटर के एकल कलाकार ने की थी।

अपना खुद का स्कूल होने के कारण, बैले बाहरी नर्तकियों को नियुक्त नहीं करता है और इसकी एक विशिष्ट रूसी-अमेरिकी शैली है। प्रोडक्शंस प्रसिद्ध नटक्रैकर और नई जैसी क्लासिक कहानियों के साथ-साथ मौजूद हैं नृत्य निर्देश. कई बैले पारखी दावा करते हैं कि एबीटी कैनन के बारे में भूल गया है, लेकिन इस थिएटर की लोकप्रियता साल दर साल बढ़ रही है।

यूके: बर्मिंघम रॉयल बैले

रानी द्वारा स्वयं क्यूरेट किया गया, लंदन बैले नर्तकियों की संख्या के मामले में छोटा है, लेकिन प्रतिभागियों और प्रदर्शनों की सूची के चयन की कठोरता से प्रतिष्ठित है। यहां आपको आधुनिक रुझान और शैली विचलन नहीं मिलेंगे। शायद इसीलिए कई कठोर परंपराओं को झेलने में असमर्थ हैं युवा सितारेइस बैले के सदस्य उसे छोड़ देते हैं और अपनी मंडली बनाना शुरू कर देते हैं।

शाही बैले के प्रदर्शन तक पहुंचना आसान नहीं है, केवल दुनिया के सबसे महान और अमीर लोगों को ही इससे सम्मानित किया जाता है, लेकिन हर तीन महीने में एक बार खुले प्रवेश द्वार के साथ चैरिटी शाम का आयोजन किया जाता है।

ऑस्ट्रियाई बैले: वियना ओपेरा

वियना ओपेरा के इतिहास में डेढ़ सदी है, और इस समय रूसी नर्तक मंडली के पहले एकल कलाकार थे। अपनी वार्षिक गेंदों के लिए जाना जाता है, जो द्वितीय विश्व युद्ध तक नहीं हुआ था, वियना ओपेरा हाउस ऑस्ट्रिया का सबसे अधिक देखा जाने वाला आकर्षण है। लोग प्रतिभाशाली नर्तकियों की प्रशंसा करने के लिए यहां आते हैं और मंच पर अपने हमवतन को देखकर गर्व से अपनी मूल भाषा बोलते हैं।

यहां टिकट प्राप्त करना बहुत आसान है: विशाल हॉल और पुनर्विक्रेताओं की अनुपस्थिति के लिए धन्यवाद, आप इसे बैले के दिन कर सकते हैं, एकमात्र अपवाद प्रीमियर के दिन और सीज़न के उद्घाटन होंगे।

इसलिए, यदि आप सबसे प्रतिभाशाली नर्तकियों द्वारा शास्त्रीय बैले का प्रदर्शन देखना चाहते हैं, तो इनमें से किसी एक थिएटर में जाएं और प्राचीन कला का आनंद लें।

ग्रेट ब्रिटेन। 1910 और 1920 के दशक में लंदन में डायगिलेव और अन्ना पावलोवा मंडली के दौरे से पहले, इंग्लैंड में बैले को मुख्य रूप से व्यक्तिगत प्रदर्शन द्वारा प्रस्तुत किया गया था। प्रसिद्ध बैलेरिना संगीत हॉल के चरणों में, उदाहरण के लिए, डेनिश एडलाइन जेनेट (1878-1970)। अंग्रेजी बैले का जन्म दो महिलाओं के कारण हुआ है, जिन्होंने डायगिलेव के लिए काम किया: मैरी रामबर्ट (1888-1982), पोलैंड की मूल निवासी, और निनेट डे वालोइस (बी। 1898), आयरलैंड में पैदा हुईं लेकिन लंदन में प्रशिक्षित हुईं। संगीतकार के एक छात्र और लयबद्ध जिम्नास्टिक प्रणाली के निर्माता एमिल जैक्स-डलक्रोज़, रामबर्ट को डायगिलेव द्वारा निजिंस्की की मदद करने के लिए आमंत्रित किया गया था, जब उन्हें स्ट्राविंस्की के द रीट ऑफ़ स्प्रिंग के स्कोर पर काम करना था, जो लय के संदर्भ में बहुत कठिन था। . कई वर्षों तक उसने रूसी बैले मंडली के कॉर्प्स डे बैले में नृत्य किया, फिर इंग्लैंड लौट आई और 1920 में अपना स्कूल खोला। उनके छात्रों ने प्रदर्शन किया, जिसे पहले मैरी रामबर्ट डांसर्स कहा जाता था, फिर बैले क्लब के हिस्से के रूप में, नॉटिनहिल गेट, लंदन में स्थित छोटे मर्करी थिएटर में। यह रामबर्ट में था कि कई प्रसिद्ध अंग्रेजी कलाकारों ने अपने करियर की शुरुआत की, जिनमें कोरियोग्राफर फ्रेडरिक एश्टन और एंथोनी ट्यूडर शामिल थे। दोनों वयस्कों के रूप में नृत्य करने लगे, लेकिन बहुत जल्द रामबर्ट के छोटे बैले का मंचन करना शुरू कर दिया। 1930 के दशक में, उनकी प्रस्तुतियों में युवा अंग्रेजी नर्तकियों की एक पूरी पीढ़ी बड़ी हुई। डे वालोइस, जिन्होंने डायगिलेव की मंडली में भी नृत्य किया था, ने उन्हें छोड़ने के बाद लंदन में एक स्कूल खोला, जो जल्द ही सदलर के वेल्स थियेटर का हिस्सा बन गया, और 1931 में उनके छात्रों से विक वेल्स बैले का गठन किया गया; 1948 में इसे "सडलर वेल्स वेल्स" नाम दिया गया था। एश्टन ने बैले बनाने के लिए निनेट डी वालोइस के साथ सेना में शामिल हो गए, जो डे वालोइस, मार्गोट फोंटेन (1919-1991), बेरिल ग्रे (बी। 1927), रॉबर्ट हेल्पमैन (1909-1986), मोइरा शियरर द्वारा प्रशिक्षित युवा कलाकारों की प्रतिभा को प्रकाश में लाए। (बी। 1926)। उनकी भागीदारी के साथ, अगले चालीस वर्षों में, बैले प्रदर्शन और प्रदर्शन की एक विशेष रूप से अंग्रेजी शैली विकसित की गई, जो गुण, नाटक और शुद्ध शास्त्रीय गीतवाद की विशेषता है। एश्टन की प्रस्तुतियों में हास्य से भरपूर (फेकाडे, 1931, विलियम वाल्टन का संगीत; वेन एहतियात, 1960, फर्डिनेंड हेरोल्ड का संगीत, जॉन लंचबरी द्वारा व्यवस्थित) और ट्रैजिक (ओडाइन, 1958, एच.डब्ल्यू. हेन्ज़ का संगीत; ए मंथ इन द द) शामिल हैं। कंट्री, 1976, एफ. चोपिन के संगीत पर), प्लॉटलेस (सिम्फ़ोनिक वैरिएशन, 1946, संगीत के लिए एस. फ्रैंक; मोनोटोनी 1 और मोनोटोनी 2, 1965, 1966, ई. सैटी के संगीत के लिए) और नैरेटिव (सिंड्रेला, 1948, प्रोकोफ़िएव द्वारा संगीत; ड्रीम, 1964, लैंचबरी के प्रसंस्करण में एफ. मेंडेलसोहन द्वारा संगीत पर)। एश्टन ने स्वेच्छा से साहित्यिक कृतियों के आधार पर बैले बनाए: उदाहरण के लिए, उनका ड्रीम शेक्सपियर के नाटक ए मिडसमर नाइट्स ड्रीम पर आधारित है, और ए मून इन द कंट्री उसी नाम के तुर्गनेव के नाटक पर आधारित है। एश्टन की प्रेरणा मार्गोट फोंटेइन थी, जिनकी बैलेरीना के रूप में प्रतिभा उनके कोरियोग्राफिक प्रयोगों के साथ-साथ विकसित हुई। उन्होंने 1963 में उनके लिए अपना आखिरी बैले बनाया: यह मार्गुराइट और आर्मंड है (अलेक्जेंडर डुमास के बेटे और एफ. लिस्केट के संगीत पर लेडी विद कैमेलियास पर आधारित)। इस समय, फोंटेइन, जो पहले से ही चालीस से अधिक था, अनुभव किया, जैसा कि वह दूसरे चरण के युवा थे, जो नर्तक रूडोल्फ नुरेयेव के व्यक्ति में एक नया साथी ढूंढ रहे थे, जो सोवियत संघ से निकल गए थे। एश्टन सबसे अधिक प्रतिभाओं से प्रेरित थे विभिन्न कलाकार: लिन सीमोर (बी। 1939) या क्रिस्टोफर गेबल (1940-1998) की नाटकीय विशेषता, शानदार तकनीक और एक ही समय में भावुकता, एंथनी डॉवेल (बी। 1943) और एंटोनियट सिबली (बी। 1939) की जोड़ी में प्रकट हुई। दुर्भाग्य से, एश्टन की मृत्यु (1988) के बाद, उनकी प्रस्तुतियों को उसी देखभाल के साथ संरक्षित नहीं किया गया है जिसके साथ अमेरिका में बालनचाइन या ट्यूडर बैले संरक्षित हैं। 1930 के दशक में, निनेट डे वालोइस ने मरिंस्की थिएटर के निदेशक निकोलाई सर्गेव (1876-1951) को आमंत्रित किया, जिन्होंने 19 वीं शताब्दी के शास्त्रीय बैले को मंचित करने के लिए प्रदर्शनों की सूची को समृद्ध करने और कलाकारों को मास्टर करने का अवसर प्रदान करने के लिए रूस से प्रवास किया था। पहले से अभ्यस्त नृत्य रूप। 1956 तक, सदलर का वेल्स बैले रॉयल बैले बन गया और रॉयल ओपेरा हाउस, कोवेंट गार्डन में प्रदर्शन किया। 1960 और 1970 के दशक में पारंपरिक के साथ-साथ उनके प्रदर्शनों की सूची में शास्त्रीय कार्य और फ्रेडरिक एश्टन की प्रस्तुतियों, केनेथ मैकमिलन द्वारा नाटकीय बैले दिखाई दिए। उनके प्रदर्शन उनके रेखांकित नाटक के लिए उल्लेखनीय हैं, वे कलाबाजी के कदमों से भरे हुए हैं और समर्थन करते हैं जो तीव्र भावनाओं की अभिव्यक्ति के रूप में काम करते हैं। मैकमिलन के सबसे सफल प्रदर्शन मल्टी-एक्ट रोमियो एंड जूलियट (प्रोकोफिव द्वारा संगीत, 1965) और मेनन (1974, जे. मस्सेनेट द्वारा संगीत के लिए, लीटन लुकास द्वारा व्यवस्थित) थे, जिनका कई देशों में मंचन किया जाता है। एश्टन, जिन्होंने 1963 से रॉयल बैले का निर्देशन किया था, 1970 में डे वालोइस के चले जाने के बाद सेवानिवृत्त हुए। 1977 तक, कंपनी ने मैकमिलन के अधीन काम किया, फिर नॉर्मन मॉरिस (बी। डांसर और कोरियोग्राफर मार्था ग्राहम (1894-1991)। 1986 में, एश्टन के साथ काम कर चुके एक नर्तक डॉवेल ने कंपनी के प्रमुख का पद संभाला, जबकि मैकमिलन 1992 में अपनी मृत्यु तक कंपनी के कोरियोग्राफरों में से एक बने रहे। उनकी जगह डेविड बिंटले (b. 1957) ने ले ली, जिनके बैले, कभी-कभी नाटकीय, कभी-कभी कथानक रहित, शैली और शैली में बहुत विविध। डॉवेल ने प्रदर्शनों की सूची में बैलेंशाइन और रॉबिंस की प्रस्तुतियों के साथ-साथ डब्ल्यू. फोर्सिथ और मंडली के कुछ नर्तकों के कार्यों को भी शामिल किया। उन्होंने मेहमानों के रूप में रूस, फ्रांस और संयुक्त राज्य अमेरिका के नर्तकियों को आमंत्रित किया, लेकिन साथ ही उन्होंने अपने स्वयं के कलाकारों पर ध्यान दिया: उनके तहत डार्सी बुसेल (बी। 1969) विवियाना डुरेंटे (बी। 1967) की प्रतिभाएँ पनपीं। एश्टन की विरासत पर ध्यान न देने की आलोचना के जवाब में, डॉवेल ने 1994-1995 सीज़न के लिए रॉयल बैले फेस्टिवल का आयोजन किया। 1940 और 1940 के दशक के दौरान, बाले रामबर्ट मंडली ने अपने प्रदर्शनों की सूची में मूल शास्त्रीय बैले को रखते हुए नए बैले का मंचन जारी रखा, जिसे एक छोटे कलाकारों के लिए डिज़ाइन किया गया था। 1966 में, मंडली को पुनर्गठित किया गया, पारंपरिक प्रदर्शनों को पूरी तरह से त्याग दिया गया और केवल आधुनिक नृत्य शैली में काम किया गया। 1987 में, रिचर्ड एलस्टन (बी। 1948), जो मुख्य रूप से अमेरिकी कोरियोग्राफर मर्स कनिंघम (बी। 1919) की शैली से प्रभावित थे, इसके नेता बने। 1994 में यह पोस्ट क्रिस्टोफर ब्रूस (बी। 1945), मंडली के पूर्व प्रमुख नर्तक और कोरियोग्राफर द्वारा लिया गया था। अन्य अंग्रेजी कंपनियों में इंग्लिश नेशनल बैले शामिल है, जिसका प्रत्यक्ष पूर्ववर्ती 1949 में पूर्व डायगिलेव नर्तकियों एलिसिया मार्कोवा और एंटोन डोलिन (1904-1983) द्वारा स्थापित कंपनी में है, जो कई वर्षों तक "लंदन फेस्टिवल बैले" नाम से प्रचलित है। 1984 में, डेन पीटर शॉफस (बी। 1949), जिन्होंने मंडली का नेतृत्व किया, ने एश्टन के बैले रोमियो और जूलियट को पुनर्जीवित किया, जो इस समय तक लगभग भुला दिया गया था। 1990 में, इवान नेगी मंडली के नेता बने। रॉयल बैलेहमेशा एक दूसरी, छोटी मोबाइल मंडली को बनाए रखा। वह 1990 के दशक में बर्मिंघम में बस गईं और अब उन्हें बर्मिंघम रॉयल बैले के रूप में जाना जाता है।
सोवियत रूस और अन्य देश।रूस में, प्रथम विश्व युद्ध के बाद के वर्षों में और सोवियत शासन के तहत बैले ने अपना महत्व नहीं खोया, तब भी जब राजनीतिक और आर्थिक स्थिति बोल्शोई और मरिंस्की (अक्टूबर क्रांति के नाम पर) के अस्तित्व को खतरे में डालती दिख रही थी। राज्य रंगमंचओपेरा और बैले, GOTOB, और 1934 से - S.M. Kirov का नाम) थिएटर। 1920 का दशक बैले प्रदर्शन के रूप और सामग्री दोनों में गहन प्रयोग का काल है। राजनीतिक और सामाजिक विषयों पर सर्वहारा वर्ग के निर्माण भी हैं, और मास्को में कसान गोलेइज़ोव्स्की (1892-1970) के कार्य हैं, और पेत्रोग्राद में (1924 में लेनिनग्राद का नाम बदलकर) फ्योदोर लोपुखोव (1886-1973) की विभिन्न प्रस्तुतियाँ, जिनमें उनकी महानता भी शामिल है। बीथोवेन की चौथी सिम्फनी के संगीत के लिए द यूनिवर्स (1922)। मॉस्को में वासिली तिखोमीरोव (1876-1956) और लेव लैशचिलिन (1888-1955) द्वारा 1927 में मंचित आरएम ग्लेयर के संगीत के लिए रेड पोपी, बाद के कई सोवियत बैले के लिए प्रोटोटाइप के रूप में कार्य किया: यह एक बहु-अभिनय है प्रदर्शन, जिसका विषय महान जुनून है और वीरतापूर्ण कार्य, और विशेष रूप से लिखित संगीत प्रकृति में सिम्फोनिक है। 1932 में वासिली वेनोनेन (1901-1964) द्वारा पेरिस की लपटें, और 1934 में रोस्टिस्लाव ज़खारोव (1907-1984) द्वारा द फाउंटेन ऑफ़ बखचीसराय के रूप में इस तरह के बैले - दोनों बोरिस आसफ़िएव द्वारा संगीत के साथ, जैसा कि 1939 में लॉरेंसिया (अलेक्जेंडर क्रेन द्वारा संगीत) ) वख्तंग चबुकियानी (1910-1992) और 1940 में रोमियो और जूलियट द्वारा लियोनिद लावरोवस्की (1905-1967) (प्रोकोफिव द्वारा संगीत), उन सौंदर्य सिद्धांतों के उदाहरण के रूप में काम कर सकते हैं, जिनका न केवल मुख्य मंडलों द्वारा पालन किया गया था - थिएटर . लेनिनग्राद में एस.एम. किरोव और मॉस्को में बोल्शोई थिएटर - लेकिन देश में काम करने वाले लगभग 50 थिएटर भी। यद्यपि 1920 के दशक की व्यक्तिगत खोजों को संरक्षित किया गया था, सोवियत राजनीतिक विचारधारा की ओर उन्मुख प्रदर्शन प्रचलित थे, और प्रदर्शन के तरीके को आंदोलनों और लचीलेपन (हथियारों और पीठ में सुविधाओं) के प्रदर्शन में कैंटिलीवरनेस द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, साथ ही साथ उच्च कूद, एक्रोबेटिक लिफ्टों का विकास किया गया था। (उदाहरण के लिए, सज्जन की एक भुजा पर ऊँचा उठाना) और तेजी से घूमना, जिसने सोवियत बैले को एक विशेष नाटकीय अभिव्यक्ति दी। इस शैली के विकास में योगदान देने वाले शिक्षकों में से एक अग्रिप्पिना वागनोवा (1879-1951) थे। मरिंस्की थिएटर में एक पूर्व नर्तकी, उसने अपने अभिनय करियर के अंत में पढ़ाना शुरू किया। लेनिनग्राद कोरियोग्राफिक स्कूल में एक शिक्षक बनने के बाद, वागनोवा ने एक कार्यक्रम और शास्त्रीय नृत्य की एक पाठ्यपुस्तक विकसित की और अपने छात्रों को तैयार किया ताकि वे अतीत और नए सोवियत दोनों के महान रोमांटिक बैले को अपनी कलाप्रवीण तकनीक से प्रस्तुत कर सकें। पूरे सोवियत संघ के साथ-साथ पूर्वी यूरोप में, वागनोवा प्रणाली को प्रशिक्षण के आधार के रूप में रखा गया था। में दर्शक पश्चिमी यूरोपऔर संयुक्त राज्य अमेरिका 1950 के दशक के मध्य तक सोवियत बैले से व्यावहारिक रूप से अपरिचित थे, जब थिएटर के बैले मंडली। किरोव और बोल्शोई थियेटर पहली बार पश्चिम के दौरे पर गए। उनमें रुचि ने बोल्शोई बैलेरिना गैलिना उलानोवा (1910-1998) के अद्भुत कौशल को जगाया, जिन्होंने गिजेल और जूलियट की भावनाओं को मर्मज्ञ गीतकार और माया प्लिस्त्स्काया (बी। 1925) की भावनाओं से अवगत कराया, जिन्होंने अपनी शानदार तकनीक से भूमिका निभाई। हंस झील में Odette-Odile। जबकि बोल्शोई थिएटर ने सोवियत शैली की सबसे शानदार विशेषताओं को मूर्त रूप दिया, किरोव थिएटर के नर्तकियों की शास्त्रीय शुद्धता को नताल्या डुडिंस्काया (बी। 1912) और कॉन्स्टेंटिन सर्गेव (1910-1992) जैसे कलाकारों में अभिव्यक्ति मिली, जिन्होंने इसमें योगदान दिया। पेटीपा परंपरा का पुनरुद्धार। बड़ी सफलता हासिल की अगली पीढ़ीकलाकार: बोल्शोई थिएटर में एकातेरिना मकसिमोवा (बी। 1939), व्लादिमीर वासिलिव (बी। 1940), नताल्या बेस्मेर्टनोवा (बी। 1941) और व्याचेस्लाव गोर्डीव (बी। 1948), इरीना कोलपाकोवा (बी। 1933), अल्ला सिज़ोवा (बी। . 1939) और यूरी सोलोवोव (1940-1977) किरोव थियेटर में। 1961 में, किरोव थिएटर के प्रमुख नर्तकियों में से एक, नुरेयेव, मंडली के फ्रांस दौरे के दौरान पश्चिम में रुके थे। उसी थिएटर के दो अन्य प्रमुख कलाकारों - नतालिया मकारोवा और मिखाइल बेरिशनिकोव - ने भी ऐसा ही किया (मकारोवा - 1970 में लंदन में, बेरिशनिकोव - 1974 में कनाडा में)। 1980 के दशक में, सोवियत संघ में कला पर प्रशासनिक और राजनीतिक दबाव कम हो गया, ओलेग विनोग्रादोव (बी। 1937), जिन्होंने थिएटर के बैले मंडली का निर्देशन किया। 1977 के बाद से किरोव ने बैलेनचाइन, ट्यूडर, मौरिस बेजर्ट (बी। 1927) और रॉबिन्स के बैले को प्रदर्शनों की सूची में पेश करना शुरू किया। नवाचार के लिए कम प्रवण यूरी ग्रिगोरोविच (बी। 1927) थे, जिन्होंने 1964 से बोल्शोई बैले का नेतृत्व किया। उनकी शुरुआती प्रस्तुतियाँ - स्टोन फ्लावर (प्रोकोफ़िएव द्वारा संगीत, 1957) और स्पार्टाकस (ए.आई. खाचटुरियन द्वारा संगीत, 1968) - विशिष्ट हैं सोवियत प्रदर्शन. ग्रिगोरोविच शानदार प्रभावों पर भरोसा करते हैं, आत्मविश्वास से ऊर्जावान रूप से आगे बढ़ने वाले नर्तकियों के एक बड़े द्रव्यमान का प्रबंधन करते हैं, व्यापक रूप से उपयोग करते हैं लोक नृत्यवीर गाथाओं को तरजीह देते हैं। कई वर्षों तक, बोल्शोई थियेटर मंच में ग्रिगोरोविच के बैले या स्वान लेक जैसे पुराने नाटकों के उनके रूपांतरों को विशेष रूप से प्रदर्शित किया गया था। 1980 के दशक के अंत तक, बोल्शोई थिएटर से इरेक मुखमेदोव (बी। 1960) और नीना अनन्याश्विली (बी। 1963), साथ ही थिएटर से अल्टीनाई असिलमूरतोवा (बी। 1961) और फारुख रुज़िमातोव (बी। 1963)। किरोव को पश्चिम में प्रमुख बैले मंडलों के साथ प्रदर्शन करने की अनुमति मिली, फिर वे इन समूहों का हिस्सा बन गए। यहां तक ​​​​कि विनोग्रादोव और ग्रिगोरोविच ने रूस के बाहर अपनी प्रतिभा दिखाने के अवसरों की तलाश शुरू कर दी, जहां 1991 में यूएसएसआर के पतन के बाद थिएटरों के लिए राज्य के वित्त पोषण में काफी कमी आई थी। 1995 में, व्लादिमीर वासिलिव द्वारा ग्रिगोरोविच को बोल्शोई बैले के निदेशक के रूप में बदल दिया गया था। सेंट पीटर्सबर्ग में अन्य मंडली ओपेरा और बैले के माली थिएटर के बैले हैं। एमपी मुसोर्स्की (1991 तक इसे ओपेरा और बैले का मैली थियेटर कहा जाता था), सेंट पीटर्सबर्ग "बोरिस एफ़मैन बैले थियेटर", जिसके प्रमुख कोरियोग्राफर बोरिस एफ़मैन (बी। 1946) हैं, लियोनिद याकूबसन द्वारा बनाई गई कोरियोग्राफिक लघु मंडली ( 1904-1975), जिन्होंने थिएटर में काम किया। 1942-1969 में किरोव, जिसका काम पश्चिम में प्रसिद्ध हुआ। मास्को में मंडली म्यूज़िकल थिएटरउन्हें। के.एस. स्टैनिस्लावस्की और वीएलआई नेमीरोविच-डैनचेंको, शास्त्रीय बैले का रंगमंच। एवगेनी पैनफिलोव (बी। 1956) द्वारा पर्म में बनाई गई मंडली "प्रयोग" ध्यान देने योग्य है। सोवियत संघ के पतन और आगामी आर्थिक संकट ने बैले कंपनियों के लिए भारी कठिनाई ला दी, जो तब तक राज्य द्वारा उदारतापूर्वक सब्सिडी दी गई थी। कई नर्तकियों और शिक्षकों ने संयुक्त राज्य अमेरिका, इंग्लैंड, जर्मनी और अन्य पश्चिमी देशों में बसने के लिए देश छोड़ दिया। शीत युद्ध के दौरान, कई देशों पूर्वी यूरोप का, जो सोवियत ब्लॉक का हिस्सा थे, ने नर्तकियों के प्रशिक्षण और प्रदर्शन के मंचन दोनों में सोवियत सिद्धांतों का पालन किया। जब सीमाएँ खुलीं, तो इन देशों के कई कलाकार, विशेष रूप से हंगरी और पोलैंड से, उनके पास आए पश्चिमी मंडलों की नृत्यकला की उपलब्धियों में शामिल हो गए और स्वयं अपने देशों के बाहर यात्रा करने लगे।
फ्रांस। 20 वीं सदी की शुरुआत में फ्रेंच बैले संकट की स्थिति में था। रूसी कलाकार जिन्हें पेरिस ओपेरा में आमंत्रित किया गया था, विशेष रूप से डायगिलेव मंडली से, बहुत मजबूत थे फ्रेंच कलाकार. डायगिलेव की मृत्यु के बाद, उनकी मंडली के प्रमुख नर्तक, सर्गेई लिफ़र (1905-1986), जो एक बार यूक्रेन से फ्रांस आए थे, ने पेरिस ओपेरा बैले का नेतृत्व किया और 1929-1945 में इस पद पर बने रहे, फिर 1947-1958 में . उनके नेतृत्व में, उत्कृष्ट नर्तक बड़े हुए, विशेष रूप से अद्भुत गेय बैलेरीना यवेटे चौविरे (बी। 1917), जो गिजेल की भूमिका के प्रदर्शन के लिए प्रसिद्ध हुईं। कोरियोग्राफी के क्षेत्र में सबसे दिलचस्प प्रयोग पेरिस ओपेरा के बाहर किए गए, विशेष रूप से रोलैंड पेटिट और मौरिस बेजर्ट द्वारा। पेटिट (बी। 1924) ने 1944 में ओपेरा छोड़ दिया और "बैले डेस चैंप्स-एलिसीस" बनाया, जहां उन्होंने अन्य प्रदर्शनों के बीच युवा और गतिशील नर्तक के लिए बैले यूथ एंड डेथ (1946, जे.एस. बाख द्वारा संगीत के लिए) का मंचन किया। जीन बैबिले (बी। 1923)। फिर मंडली "बैले ऑफ़ पेरिस" के लिए उन्होंने अपने सबसे प्रसिद्ध और में से एक बनाया लंबा जीवनप्रोडक्शंस - कारमेन (1949, जे बिज़ेट द्वारा संगीत के लिए) रेने (ज़िज़ी) जीनमर (बी। 1924) के साथ। पेटिट की नाटकीयता की भावना ने उन्हें विभिन्न शैलियों में काम करने और व्यावसायिक कार्यक्रमों में भाग लेने की अनुमति दी है। 1972-1998 में उन्होंने मंडली का नेतृत्व किया " राष्ट्रीय बैलेमार्सिले ”, जहां उन्होंने कई स्टाइलिश और तेज नाट्य प्रदर्शनों का मंचन किया। लिफ़र के बाद, पेरिस ओपेरा की मंडली का नेतृत्व एक के बाद एक किया गया प्रसिद्ध स्वामीजैसे हैराल्ड लैंडर (1905-1971), जॉर्जेस स्किबिन (1920-1981), वायलेट्टा वर्डी और रोसेला हाईटॉवर (बी। 1920)। प्रदर्शनों की सूची पेटिट और बेजर्ट, बालनचाइन, रॉबिंस, ग्रिगोरोविच, ग्लेन टेटली के कार्यों के साथ-साथ अमेरिकी आधुनिक नृत्य पॉल टेलर (बी। 1930) और मर्स कनिंघम के प्रतिनिधियों द्वारा समृद्ध थी। 1983 में, रुडोल्फ नुरेयेव को प्रमुख के पद पर नियुक्त किया गया था। उन्होंने सिल्वी गुइल्यूम (b. 1965) और इसाबेल गुएरिन (b. 1961) जैसे बैलेरिना के विकास पर विशेष ध्यान दिया, और क्लासिक्स को बनाए रखते हुए कंपनी को विभिन्न दिशाओं के कोरियोग्राफिक कार्यों में अपना हाथ आजमाने का अवसर दिया। नुरेयेव (1989) के जाने के बाद, पूर्व प्रमुख नर्तक, पैट्रिक ड्यूपॉन्ट (बी। 1959), जिनके पास "स्टार" की उपाधि थी, मंडली में लौट आए, अब एक नेता के रूप में। 1970 और 1980 के दशक में, फ्रांसीसी प्रांतीय मंडलों को राज्य का समर्थन मिलना शुरू हुआ और उन्हें अंतर्राष्ट्रीय ख्याति प्राप्त हुई। विशेष रूप से उल्लेखनीय कंपनी "राइन विभागों के बैले" है, जो जीन पॉल ग्रेविएर के निर्देशन में, 18 वीं शताब्दी के प्रदर्शन के कई पुनर्निर्माण दिखाए, जो सावधानी के आधार पर किए गए थे ऐतिहासिक अनुसंधानस्वीडिश कोरियोग्राफर इवो क्रेमर (बी। 1921) द्वारा किया गया, विशेष रूप से, बैले डबरवाल की वेन एहतियात और मेडिया और जेसन नोवरे (जीन जोसेफ रोडोलफे द्वारा संगीत)। बैले डे ल्योन ओपेरा मैगी मारिन (बी। 1947) द्वारा कोरियोग्राफ किए गए नाटकीय नृत्य प्रदर्शन करता है।
डेनमार्क।डेनमार्क में बैले ने ठहराव की स्थिति में 20 वीं सदी में प्रवेश किया। यहाँ, हंस बेक के लिए धन्यवाद, अगस्त बोर्नोनविले की विरासत को संरक्षित किया गया था, लेकिन पहल की कमी ने इस तथ्य को जन्म दिया कि कोपेनहेगन में रॉयल बैले का विकास रुक गया। उनकी गतिविधियों का कुछ पुनरुद्धार 1932-1951 की अवधि में आया, जब मंडली का नेतृत्व बेक के छात्र हेराल्ड लैंडर (लैनर) ने किया था। लैंडर ने अपने मूल संस्करण में, यदि संभव हो तो, बोर्नोनविले के कार्यों को रखा, लेकिन अपने स्वयं के बैले का मंचन भी किया: उनमें से सबसे प्रसिद्ध एट्यूड्स (1948, K. Czerny द्वारा संगीत के लिए, नूडोगे रिसागर द्वारा व्यवस्थित), जहां बैले प्रशिक्षण के मुख्य घटक हैं वर्ग को मंच पर लाया गया और नाटकीय रूप दिया गया। 1951 में, लैंडर ने वेरा वोल्कोवा (1904-1975) को नियुक्त किया, उस समय वागनोवा प्रणाली पर पश्चिम में सबसे अधिक आधिकारिक विशेषज्ञ, मंडली के कलात्मक सलाहकार के रूप में। उनके प्रयासों से, डेनिश नर्तकियों ने महारत हासिल की है नई टेक्नोलॉजी, जिसने कार्यों के प्रदर्शन में उनके लिए नए अवसर खोले भिन्न शैली. मंडली अलगाव से बाहर निकली, यूरोप, रूस और अमेरिकी महाद्वीप का दौरा किया। बोर्नोनविले की शैली में निहित अनुग्रह और हर्षित एनीमेशन ने सबसे अनुकूल प्रभाव डाला, जैसा कि नृत्य के ब्रावुरा ने किया, जिसने डेनिश नर्तकियों, विशेष रूप से एरिक ब्रून के प्रदर्शन को प्रतिष्ठित किया। पुरुष नर्तकों के प्रशिक्षण को डेनिश स्कूल की मुख्य उपलब्धियों में से एक माना गया है। 1960 और 1970 के दशक में, बैले के इतिहास में रुचि में असाधारण वृद्धि हुई थी, और बोर्नोनविल प्रदर्शनों का अध्ययन रोमांटिक बैले कार्यों के जीवित रहने के सबसे प्रामाणिक उदाहरण के रूप में किया जाने लगा, जिससे रॉयल डेनिश बैले को 1979 में बोर्नोनविले बैले फेस्टिवल आयोजित करने के लिए प्रेरित किया गया। 1992. लैंडर के बाद, टीम ने फ्लेमिंग फ्लिंड्ट (बी। 1936), हेनिंग क्रोनशटम (बी। 1934) और फ्रैंक एंडरसन (बी। 1954) सहित कई कलाकारों के मार्गदर्शन में काम किया। 1994 में, मंडली का निर्देशन पीटर शॉफस द्वारा किया गया था, और 1996-1999 में अंग्रेज मैना गिल्गुड (बी। 1945) द्वारा। रॉयल डेनिश बैले के प्रदर्शनों की सूची धीरे-धीरे विदेशी कोरियोग्राफरों के काम के साथ विस्तारित हुई, उसी समय बोर्नोनविले के बैले को प्रदर्शनों की सूची में शामिल किया जाने लगा नृत्य समूहदुनिया भर। 1982 में, कनाडा के राष्ट्रीय बैले ने पूरे नेपल्स बैले का मंचन किया (नील्स विल्हेम गाडे, एडवर्ड मैट एब्बे हेलस्टेड, होल्गर साइमन पाउली और हंस क्रिश्चियन लुम्बी द्वारा संगीत), और 1985 में साल्ट लेक सिटी (यूटा) के अमेरिकी शहर में बाले वेस्ट । ), ब्रूस मार्क्स और टोनी लैंडर द्वारा निर्देशित, बैले अब्दल्ला (होल्गर साइमन पाउली द्वारा संगीत) का पुनर्निर्माण दिखाया गया, जो 125 वर्षों से पहले नहीं किया गया था।
जर्मनी। 20 वीं सदी की पहली छमाही के दौरान जर्मनी में, सबसे महत्वपूर्ण घटना मुक्त नृत्य का विकास था, जिसे यहां "अभिव्यंजक" नाम मिला - ऑसड्रकस्तान्ज़। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, FRG और GDR की सरकारों ने बैले मंडली के समर्थन पर बहुत ध्यान दिया। पश्चिम जर्मनी के सभी मुख्य शहरों में, ओपेरा हाउसों में स्वतंत्र बैले समूह बनाए गए, जिन्होंने ओपेरा में भाग लेने के दौरान अपने प्रदर्शन का मंचन किया। इंग्लैंड के जॉन क्रांको (1927-1973), जिन्होंने अंग्रेजी मंडली "सडलर्स वेल्स थिएटर बैले" में कई प्रदर्शनों का प्रदर्शन और मंचन किया, 1961 में स्टटगार्ट बैले का नेतृत्व किया और कई में अपने स्वयं के बहु-अभिनय प्रदर्शनों का एक व्यापक प्रदर्शन किया। शैली में सोवियत बैले की याद दिलाता है, नाटकीय नृत्यों में समृद्ध है। यह रोमियो और जूलियट (प्रोकोफिव द्वारा संगीत, 1962) है। वनगिन (1965, त्चिकोवस्की द्वारा संगीत के लिए, के.ख. स्टोल्ज़ द्वारा व्यवस्थित) और द टैमिंग ऑफ़ द श्रू (1969, ए. स्कार्लट्टी द्वारा संगीत के लिए, के.-एच. स्टोल्ज़ द्वारा व्यवस्थित), बैले, जिनमें से काफी हद तक सफलता उनमें अद्भुत नर्तक मार्सिया हीड (बी। 1939), जन्म से ब्राजील, और उनके साथी, अमेरिकी रिचर्ड क्रैगन (बी। 1944) की भागीदारी पर निर्भर था। मंडली ने जल्द ही दुनिया भर में ख्याति प्राप्त कर ली; क्रैंको की असामयिक मृत्यु के बाद, इसका नेतृत्व ग्लेन टेटली ने किया, जिन्होंने क्रैंको की याद में अंग पर बैले सोलो का मंचन किया (स्वैच्छिक, 1973, एफ। पॉल्केन द्वारा संगीत के लिए)। क्रैंको की मुख्य उपलब्धियों में उनके द्वारा बनाई गई रचनात्मक कार्यशाला थी, जहाँ युवा कोरियोग्राफर प्रयोग कर सकते थे। अमेरिकियों विलियम फोर्सिथे और जॉन न्यूमियर (बी। 1942), साथ ही चेक जिरी किलियन (बी। 1947) ने यहां काम करना शुरू किया। वे सभी अग्रणी कोरियोग्राफर बन गए बैले थिएटरबाद के दशकों में यूरोप। न्यूमियर ने 1973 में हैम्बर्ग में बैले का कार्यभार संभाला और धार्मिक और दार्शनिक विषयों पर शास्त्रीय प्रदर्शन और मूल प्रस्तुतियों के अपने स्वयं के संस्करणों से वहां एक समृद्ध प्रदर्शनों की सूची बनाई, जहां उन्होंने महलर, स्ट्राविंस्की और बाख के संगीत का उपयोग किया। सेंट के लिए उनका बैले पैशन। मैथ्यू (1981) चार घंटे तक चला। क्रैंको की मृत्यु से कुछ समय पहले फोर्सिथे स्टटगार्ट बैले में शामिल हो गए और 1984 तक मंचन करते हुए यहां नृत्य किया, जब उन्हें फ्रैंकफर्ट बैले के प्रमुख के लिए आमंत्रित किया गया था। आधुनिक साहित्य में सामान्य विचारों से प्रभावित होकर, फोर्सिथ ने उन्हें बैले में लागू किया। उनकी नृत्यकला में वही विखंडन है जो उत्तर आधुनिक युग के साहित्य को अलग करता है, मौखिक मार्ग अक्सर नृत्य में शामिल होते हैं, और अन्य कला रूपों से संबंधित तकनीकों का उपयोग किया जाता है। नृत्य तकनीक अत्यधिक ऊर्जा पर आधारित है, प्राकृतिक संतुलन का उल्लंघन है, और इसका लक्ष्य पल में रोमांटिक रिश्तों को व्यक्त करना है। उच्चतम वोल्टेज. ये हैं बैले लव सॉन्ग्स (1979, लोक संगीत) और बीच में, कुछ ऊंचा (लेस्ली स्टक और टॉम विलेम्स द्वारा संगीत), जिसका मंचन न्यूरेयेव के निमंत्रण पर फोर्सिथे द्वारा किया गया था। पेरिस ओपेरा 1988 में। फोर्सिथ ने स्वेच्छा से अपनी प्रस्तुतियों में तेज-तर्रार आवाज का इस्तेमाल किया इलेक्ट्रॉनिक संगीतडचमैन टॉम विलेम्स, जिन्होंने अलगाव और अस्पष्ट चिंता के माहौल के निर्माण में योगदान दिया।
नीदरलैंड।द्वितीय विश्व युद्ध से पहले, नीदरलैंड में जर्मन मुक्त नृत्य का प्रभाव सबसे मजबूत था। युद्ध के बाद, बैले में दर्शकों की दिलचस्पी बढ़ी और एम्स्टर्डम में "डच नेशनल बैले" मंडली बनाई गई। 1959 में, कई नर्तकियों और कोरियोग्राफरों ने, इस मंडली को छोड़कर, "नीदरलैंड डांस थियेटर" की स्थापना की, जो हेग में बस गया और खुद को विशेष रूप से समर्पित किया समकालीन कोरियोग्राफी. दो मंडलों ने अक्सर कलाकारों और प्रदर्शनों दोनों का आदान-प्रदान किया। हंस वैन मेनन (बी। 1932) और रूडी वैन डेंटज़िग (बी। 1933), डच नेशनल बैले के कलात्मक निदेशक, ग्लेन टेटली के साथ मिलकर डच के प्रदर्शनों की सूची बनाई नृत्य थियेटर"। टेटली के काम के केंद्र में अलग-अलग प्रभाव हैं: ये चानिया होल्म (1898-1992) और मार्था ग्राहम, और जेरोम रॉबिंस और अमेरिकन बैले थियेटर हैं; यह कुछ भी नहीं है कि वह अपनी प्रस्तुतियों में उंगली की तकनीक दोनों का उपयोग करता है। बैले, और शरीर की अधिकता और सशक्त रूप से अभिव्यंजक हाथ आधुनिक नृत्य की विशेषता है, लेकिन शास्त्रीय नृत्य में विकसित छलांग और स्किड का उपयोग नहीं करते हैं। वैन डेंटज़िग और वैन मानेन के बैले टेटली के बैले के समान हैं जिसमें उनका मिश्रण है विभिन्न तकनीकों का। 1965, जन बर्मन द्वारा संगीत) दुनिया भर की कई बैले कंपनियों द्वारा प्रदर्शित किया गया है। 1978 में, जिरी किलियन, जिनकी तुलना अक्सर ट्यूडर से की जाती है, नीदरलैंड डांस थियेटर के प्रमुख बन गए, क्योंकि दोनों एक दूसरे को स्पर्श करते हैं। ऐसे विषय जो लोगों को चिंतित करते हैं और संगीतकारों के संगीत का उपयोग करना पसंद करते हैं मध्य यूरोप. किलियन ने अपने पूर्ववर्तियों की मिश्रित शैली में नए गुण जोड़े: फर्श पर लेटे हुए आंदोलनों का व्यापक उपयोग, नाटकीय मूर्तिकला प्रभाव, उच्च लिफ्ट और स्पिन। उनके बैले द रिटर्न टू ए फॉरेन लैंड (1974 और 1975 - दो संस्करण) और सिनफोनिएट्टा (1978), एल. जनसेक के संगीत के लिए बनाए गए और कई देशों में प्रदर्शन किए गए, उन संभावनाओं को प्रदर्शित करते हैं जो नर्तकियों पर नृत्य पैटर्न बनाने पर खुलती हैं। एक दूसरे के करीब। संस्कृति में रुचि ऑस्ट्रेलियाई आदिवासी, कोरियोग्राफर ने 1983 में बैले द हॉन्टेड प्लेस (स्टैम्पिंग ग्राउंड, कार्लोस चावेज़ द्वारा संगीत) और स्लीप टाइम (ड्रीमटाइम, ताकेमित्सु द्वारा संगीत) बनाया। 1990 के दशक की शुरुआत में, किलियन एक अन्य मंडली - "नीदरलैंड थिएटर 3" के साथ मुख्य मंडली में शामिल हो गए। नील्स क्रिस्टे (b. 1946) के निर्देशन में रॉटरडैम में स्थित स्कैपिनो बैले एक अन्य डच कंपनी है जिसने अपनी आधुनिक प्रस्तुतियों से ध्यान आकर्षित किया है।
दुनिया भर में बैले कला। 20वीं शताब्दी के मध्य के रूप में बैले की भूमिका बढ़ी, कुछ क्षेत्रों सहित अमेरिका, यूरोप, एशिया के लगभग सभी देशों में मंडली बनाई जाने लगीं मध्य एशिया और अफ्रीका, साथ ही साथ ऑस्ट्रेलिया और न्यूजीलैंड में। बैले ने स्पेन, चीन, जापान और एशिया माइनर जैसे अपनी समृद्ध नृत्य परंपरा वाले देशों में भी अपने लिए जगह बनाई है। मौरिस बेजर्ट, जो युद्ध के बाद के फ्रांस में पले-बढ़े, ने 1960 में ब्रसेल्स में 20वीं शताब्दी के बैले की स्थापना की। यह मंडली, साथ ही इसके तहत "मुद्रा" नामक एक बहुत ही असामान्य स्कूल का आयोजन किया गया था, जिसका लक्ष्य मनोविज्ञान और आधुनिक दार्शनिक विचारों पर आधारित नृत्य नाटकों का प्रदर्शन करते हुए बैले की कला को बढ़ावा देना था। कई प्रदर्शन स्टेडियमों में आयोजित किए गए ताकि अधिक से अधिक दर्शक उन्हें देख सकें। बेजार्ट ने बालनचाइन के अक्सर उद्धृत किए जाने वाले दावे का खंडन किया कि "बैले एक महिला है" और पुरुष नर्तकों पर ध्यान केंद्रित किया: उदाहरण के लिए, बैले द फायरबर्ड (स्ट्राविंस्की के सूट के संगीत के लिए, 1970) में, उन्होंने मुख्य भाग के कलाकार को एक युवा के साथ बदल दिया। आदमी जो एक पक्षपातपूर्ण चित्रण करता है। फिर भी, Balanchine की प्रमुख बैलेरीना सुसान फैरेल, जिन्होंने शादी के बाद अस्थायी रूप से न्यूयॉर्क मंडली छोड़ दी, ने पांच साल तक अपनी मंडली में नृत्य किया। 1987 में, ब्रसेल्स में थिएटर डे ला मोनाई के निदेशक जेरार्ड मोर्टियर, जहां 20 वीं शताब्दी के बैले ने काम किया, ने सुझाव दिया कि बेजार्ट ने लागत में कटौती की और मंडली की संरचना को कम किया। बेजार्ट, जो इन आवश्यकताओं से सहमत नहीं था, दूसरी जगह की तलाश करने लगा जहाँ वह अपना काम जारी रख सके। यूरोप के विभिन्न देशों से उन्हें कई प्रस्ताव दिए गए और उन्होंने स्विट्जरलैंड में लुसाने को चुना। अब उनकी मंडली को "बेजार्ट्स बैले" कहा जाता है। 20वीं शताब्दी के अंतिम दशकों में इतालवी बैलेरीना कार्ला फ्रैची, एलेसेंड्रा फेरी (बी। 1963) और इंग्लिश रॉयल बैले की प्रमुख नर्तकी विवियाना डुरेंटे ने इटली के बाहर बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शन किया, लेकिन उनकी मातृभूमि में कोई थिएटर नहीं था जहाँ उन्हें इसके लिए योग्य आवेदन मिल सके। उनकी प्रतिभा। स्पेन में, जहां राष्ट्रीय नृत्य की परंपराएं अभी भी किसी भी नवाचार से अधिक मजबूत हैं, फिर भी, शास्त्रीय बैले के लिए प्रतिबद्ध एक स्थानीय कोरियोग्राफर दिखाई दिया है - नाचो डुआटो (बी। 1957), जो बैले लिरिको नैशनल के प्रमुख हैं। डुआटो, डच डांस थिएटर के एक पूर्व नर्तक, नृत्य नृत्य करते हैं जो किलियन की कैंटिलीवरनेस को उग्र जुनून के साथ जोड़ते हैं। 1920 के दशक में, स्वीडिश इम्प्रेसारियो रॉल्फ डी मारे (1898-1964) ने पेरिस में स्वीडिश बैले कंपनी की स्थापना की, जिसे जीन बर्लिन (1893-1930) ने कोरियोग्राफ किया था। इस समूह ने साहसिक प्रयोग किए और अपने अस्तित्व के कुछ वर्षों तक, 1920 से 1925 तक, डायगिलेव के रूसी बैले के साथ प्रतिस्पर्धा की। 1773 से स्टॉकहोम में रॉयल ओपेरा की इमारत में स्थित रॉयल स्वीडिश बैले को 1950-1953 में एंथोनी ट्यूडर द्वारा निर्देशित किया गया था। 1950 में बिरजीत कुलबर्ग (बी। 1908) फ्रीकेन जूलिया (थुर रंगस्ट्रॉम द्वारा संगीत) का प्रीमियर यहां हुआ, जो अभी भी दुनिया भर के कई मंडलों द्वारा किया जाता है। 1963 में, ट्यूडर, जिसे फिर से रॉयल बैले में आमंत्रित किया गया, ने ट्रम्पेट्स की प्रतिध्वनि (बोहुस्लाव मार्टिनु द्वारा संगीत के लिए) का मंचन किया। कर्ट जोस और मार्था ग्राहम के साथ अध्ययन करने वाले बिरजीत कुलबर्ग ने 1967 में अपनी मंडली की स्थापना की और एक प्रदर्शन में शास्त्रीय नृत्यकला और आधुनिक नृत्य के संयोजन के साथ प्रयोग किया। उनके बेटे मैट्स एक (बी। 1945), जिन्होंने 1990 से कुलबर्ग बैले का नेतृत्व किया है, ने बैले गिजेल और स्वान लेक की पूरी तरह से नई प्रस्तुतियों का प्रदर्शन किया, जो किसी भी तरह से बैले गिजेल और स्वान लेक की पारंपरिक प्रस्तुतियों से मेल नहीं खाती। 20 वीं सदी में तीन महत्वपूर्ण कनाडाई मंडलों का उदय हुआ: रॉयल विन्निपेग बैले, जिसकी स्थापना 1938 में विन्निपेग बैले क्लब के नाम से हुई थी और 1949 तक एक पेशेवर मंडली बन गई थी; "कनाडा का राष्ट्रीय बैले", 1951 में टोरंटो में बनाया गया; और द ग्रेट कैनेडियन बैले, जिसने 1957 में मॉन्ट्रियल में परिचालन शुरू किया था। कनाडा के राष्ट्रीय बैले की स्थापना सेलिया फ्रांका (बी। 1921) द्वारा की गई थी, जिन्होंने अंग्रेजी कंपनियों बैले रामबर्ट और सैडलर के वेल्स बैले के साथ प्रदर्शन किया था। सैडलर के वेल्स बाले के अनुभव पर आकर्षित होकर, उन्होंने 19वीं शताब्दी के शास्त्रीय बैले का मंचन शुरू किया। फ्रेंका ने 1974 तक मंडली का निर्देशन किया, जब उन्हें अलेक्जेंडर ग्रांट (बी। 1925) द्वारा बदल दिया गया। रीड एंडरसन (बी। 1949) 1994-1996 तक मंडली के नेता थे, और 1996 में जेम्स कुडेल्का (बी। 1955) को इस पद पर नियुक्त किया गया था। क्यूबा में बैले का तेजी से विकास हुआ। एलिसिया अलोंसो, संयुक्त राज्य अमेरिका में सबसे प्रसिद्ध अमेरिकी बैलेरिना में से एक, 1959 में फिदेल कास्त्रो की क्रांति के बाद अपनी मातृभूमि लौट आई और "क्यूबा का राष्ट्रीय बैले" मंडली बनाई। खुद अलोंसो का मंचीय जीवन बहुत लंबा था, उन्होंने केवल साठ वर्ष से अधिक की उम्र में प्रदर्शन करना बंद कर दिया था। कई महान नर्तक और कोरियोग्राफर ब्यूनस आयर्स में अलग-अलग समय में काम करते थे, विशेष रूप से निजिंस्का और बालानचिन में। अर्जेंटीना के जूलियो बोका और पालोमा हेरेरा (बी। 1975), जो "अमेरिकन बैले टिएटर" के प्रमुख नर्तक बन गए, ने ब्यूनस आयर्स में नृत्य का अध्ययन करना शुरू किया। 1917 की क्रांति के बाद कई रूसी नर्तक एशियाई सीमा के माध्यम से देश छोड़कर चले गए। उनमें से कुछ अस्थायी या स्थायी रूप से चीन में बस गए। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद, यूएसएसआर के शिक्षकों और कोरियोग्राफरों ने चीन में काम किया। चीनी की अवधि के दौरान सांस्कृतिक क्रांति 1960 सोवियत प्रभाव कम हो गया, और राष्ट्रीय कार्यों का निर्माण शुरू हुआ, जैसे कि लाल महिला बटालियन या ग्रे-बालों वाली लड़की (दोनों 1964 में)। ये प्रदर्शन एक ऐसी दिशा के उदाहरण हैं जो बैले में गीतकारिता को अवनति के रूप में नकारते हैं, उनकी उल्लेखनीय विशेषता कॉर्प्स डे बैले द्वारा उंगलियों पर किए गए सामूहिक नृत्यों में लोहे का अनुशासन और स्पष्टता है। जैसे ही 1970 और 1980 के दशक में विदेशी प्रभाव बढ़ा, कई चीनी शहरों में नई बैले कंपनियां उभरीं। वे कई अन्य एशियाई देशों के मुख्य शहरों में भी बनाए जाते हैं।
निष्कर्ष। 20वीं शताब्दी के अंत तक बैले की कला के सामने आने वाली समस्याएं अधिक से अधिक स्पष्ट हो गईं। 1980 के दशक में, जब बालनचाइन, एश्टन और ट्यूडर की मृत्यु हो गई (1980 के दशक में) और रॉबिन्स इससे दूर चले गए जोरदार गतिविधि, एक रचनात्मक निर्वात था। 20वीं सदी के अंत में काम कर रहे अधिकांश युवा कोरियोग्राफर शास्त्रीय नृत्य के संसाधनों को विकसित करने में बहुत रुचि नहीं रखते थे। वे विभिन्न नृत्य प्रणालियों के मिश्रण को पसंद करते थे, जिसमें शास्त्रीय नृत्य कम दिखाई देता था, और आधुनिक नृत्य में शारीरिक क्षमताओं को प्रकट करने में मौलिकता का अभाव था। यह बताने के प्रयास में कि आधुनिक जीवन का सार क्या है, कोरियोग्राफर उंगली की तकनीक का उपयोग विचारों को बढ़ाने के लिए करते हैं, लेकिन पारंपरिक हाथ आंदोलनों (पोर्ट डी ब्रा) को अनदेखा करते हैं। समर्थन की कला को भागीदारों के बीच एक तरह की बातचीत में कम कर दिया गया है, जब एक महिला को फर्श पर घसीटा जाता है, फेंका जाता है, परिक्रमा की जाती है, लेकिन लगभग कभी भी उसके साथ समर्थन या नृत्य नहीं किया जाता है। अधिकांश मंडलियां 19वीं शताब्दी के क्लासिक्स को शामिल करने के लिए अपने प्रदर्शनों की सूची बनाती हैं। (सिलफाइड, गिजेल, स्वान लेक, स्लीपिंग ब्यूटी), 20 वीं शताब्दी के उस्तादों के सबसे प्रसिद्ध बैले। (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor and Ashton), मैकमिलन, क्रांको, टेटली और किलियन द्वारा लोकप्रिय प्रस्तुतियों और नई पीढ़ी के कोरियोग्राफरों जैसे फोर्सिथ, डुआटो, जेम्स कौडेल्का का काम। उसी समय, नर्तक बेहतर प्रशिक्षण प्राप्त करते हैं, जैसे अधिक जानकार शिक्षक हैं। नृत्य चिकित्सा के अपेक्षाकृत नए क्षेत्र ने नर्तकियों को चोटों से बचाव की तकनीकों तक पहुंच प्रदान की है। नर्तकियों को संगीत से परिचित कराने में समस्या होती है। व्यापक लोकप्रिय संगीत शैलियों की विविधता को नहीं जानता है, कई देशों में संगीत साक्षरता का शिक्षण निम्न स्तर पर है, जब नृत्य का मंचन किया जाता है, तो फोनोग्राम का लगातार उपयोग किया जाता है - यह सब नर्तकियों के बीच संगीत के विकास में बाधा डालता है। नई घटना हाल के दशकबैले प्रतियोगिताएं शुरू हुईं, जिनमें से पहली 1964 में वर्ना (बुल्गारिया) में आयोजित की गई थी। वे न केवल पुरस्कार आकर्षित करते हैं, बल्कि सबसे प्रतिष्ठित संगठनों का प्रतिनिधित्व करने वाले न्यायाधीशों को खुद को दिखाने का अवसर भी देते हैं। धीरे-धीरे अधिक प्रतियोगिताएं हुईं, विभिन्न देशों में कम से कम दस; कुछ एक साथ धन छात्रवृत्ति प्रदान करते हैं। कोरियोग्राफरों की आवश्यकता के संबंध में, कोरियोग्राफरों के लिए प्रतियोगिताएं भी उत्पन्न हुईं।

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