Duh u plastici: Tumačenje suvremene japanske umjetnosti. Japanska suvremena umjetnost

Japanci su otkrili ljepotu skrivenu u stvarima u 9.-12. stoljeću, u doba Heian (794.-1185.) i čak je označili posebnim konceptom "mono bez svijesti" (物の哀れ (もののあわれ)), što znači " tužna čar stvari. The Charm of Things jedan je od najranijih japanska književnost definicije ljepote, povezuje se sa šintoističkim vjerovanjem da svaka stvar ima svoje božanstvo - kami - i svoj jedinstveni šarm. Avare je unutarnja bit stvari, ono što izaziva užitak, uzbuđenje.

- Washi (wasi) ili wagami (wagami).
Ručna izrada papira. Srednjovjekovni Japanci cijenili su washi ne samo zbog njegovih praktičnih kvaliteta, već i zbog ljepote. Bila je poznata po svojoj suptilnosti, gotovo prozirnosti, što joj, međutim, nije oduzimalo snagu. Washi se pravi od kore drveta kozo (duda) i nekih drugih stabala.
Washi papir se čuvao stoljećima, dokazi za to su albumi i svesci drevne japanske kaligrafije, slike, paravani, gravure koje su kroz stoljeća došle do danas.
Vasyin papir je vlaknast, ako pogledate kroz mikroskop, vidjet ćete pukotine kroz koje prodire zrak i sunčeva svjetlost. Ova se kvaliteta koristi u proizvodnji paravana i tradicionalnih japanskih lampiona.
Washi suveniri vrlo su popularni među Europljanima. Od ovog papira izrađuju se mnogi sitni i korisni predmeti: novčanici, kuverte, lepeze. Prilično su izdržljivi, ali lagani.

- Gohei.
Maskota iz papirnate trake. Gohei - obredni štap šintoističkog svećenika na koji su pričvršćene papirnate cik-cak trake. Iste trake papira obješene su na ulazu u šintoističko svetište. Uloga papira u šintoizmu tradicionalno je bila vrlo velika, a proizvodima od njega uvijek se pridavalo ezoterično značenje. A vjerovanje da svaka stvar, svaka pojava, čak i riječi, sadrži kami - božanstvo - objašnjava pojavu takve vrste primijenjene umjetnosti kao što je gohei. Šintoizam je donekle sličan našem poganstvu. Za šintoiste, kami je posebno voljan smjestiti se u sve što je neuobičajeno. Na primjer, na papiru. A još više u goheiju uvijenom u zamršeni cik-cak, koji danas visi ispred ulaza u šintoistička svetišta i ukazuje na prisutnost božanstva u hramu. Postoji 20 načina slaganja goheija, a oni koji su posebno neobično presavijeni privlače kami. Gohei je pretežno bijele boje, ali postoje i zlatne, srebrne i mnoge druge nijanse. Od 9. stoljeća u Japanu postoji običaj da se sumo hrvačima prije početka borbe učvrste gohei na pojasevima.

- Anesama.
Ovo je proizvodnja papirnatih lutaka. U 19. stoljeću žene samuraja izrađivale su papirnate lutke s kojima su se djeca igrala, oblačeći ih u različitu odjeću. U vremenima kada nije bilo igračaka, anesama je djeci bila jedina sagovornica, „obavljala“ je ulogu majke, starije sestre, djeteta i drugarice.
Lutka je presavijena od japanskog washi papira, kosa je napravljena od zgužvanog papira, obojana tintom i premazana ljepilom koje joj daje sjaj. Posebnost je lijep mali nos na izduženom licu. Danas se ova jednostavna igračka, koja zahtijeva samo vješte ruke, tradicionalnog oblika, nastavlja izrađivati ​​na isti način kao i prije.

- Origami.
Drevna umjetnost savijanja papira (折り紙, doslovno: "presavijeni papir"). Umjetnost origamija ima svoje korijene u Drevna Kina gdje je izumljen papir. U početku se origami koristio u vjerskim obredima. Dugo je vremena ova vrsta umjetnosti bila dostupna samo predstavnicima viših klasa, gdje je znak dobrog ukusa bio posjedovanje tehnika savijanja papira. Tek nakon Drugog svjetskog rata origami je otišao izvan Istoka i došao u Ameriku i Europu, gdje je odmah pronašao svoje obožavatelje. Klasični origami presavijen je s kvadratnog lista papira.
Postoji određeni skup konvencionalnih simbola potrebnih za skiciranje sheme savijanja čak i najsloženijeg proizvoda. Većinu konvencionalnih znakova u praksu je sredinom 20. stoljeća primijenio slavni japanski majstor Akira Yoshizawa.
Klasični origami propisuje korištenje jednog kvadratnog ravnomjerno obojenog lista papira bez ljepila i škara. Suvremene umjetničke forme ponekad odstupaju od ovog kanona.

- Kirigami.
Kirigami je umijeće izrezivanja različitih oblika od nekoliko puta presavijenog lista papira uz pomoć škara. Vrsta origamija koja omogućuje korištenje škara i rezanje papira u procesu izrade modela. Ovo je glavna razlika između kirigamija i drugih tehnika savijanja papira, što je naglašeno u nazivu: 切る (kiru) - rez, 紙 (gami) - papir. Svi smo u djetinjstvu voljeli rezati snježne pahulje - varijanta kirigamija, ovom tehnikom možete izrezati ne samo snježne pahulje, već i razne figure, cvijeće, vijence i druge slatke stvari od papira. Ovi se proizvodi mogu koristiti kao šablone za printeve, ukrase za albume, razglednice, okvire za fotografije, modni dizajn, dizajn interijera i druge razne dekoracije.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 ili いけばな) u prijevodu s japanskog - "ike" - život, "bana" - cvijeće, ili "cvijeće koje živi". Japanska umjetnost aranžiranja cvijeća jedna je od najljepših tradicija japanskog naroda. Pri sastavljanju ikebane, uz cvijeće, koriste se i rezane grane, lišće i izdanci.Osnovno načelo je izuzetna jednostavnost, za što se nastoji naglasiti prirodna ljepota biljaka. Ikebana je stvaranje novog prirodnog oblika, u kojem se skladno spajaju ljepota cvijeta i ljepota duše majstora koji stvara kompoziciju.
Danas u Japanu postoje 4 glavne škole ikebane: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Osim njih, postoji oko tisuću različitih pravaca i trendova koji se pridržavaju jedne od ovih škola.

- Oribana.
Sredinom 17. stoljeća dvije škole ohara (glavni oblik ikebane - oribana) i koryu (glavni oblik - sek) odstupile su od ikenoba. Inače, škola ohara još uvijek proučava samo oribanu. Kako kažu Japanci, vrlo je važno da se origami ne pretvori u origami. Gomi na japanskom znači smeće. Uostalom, kako to biva, presavio si komad papira, i što onda s njim? Oribana nudi puno ideja za bukete za uređenje interijera. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Pogreška.
Pogled likovne umjetnosti, rođeno cvjećarstvo. Cvjećarstvo se u našoj zemlji pojavilo prije osam godina, iako u Japanu postoji više od šest stotina godina. Negdje u srednjem vijeku, samuraji su shvatili put ratnika. I oshibana je bila dio tog puta, baš kao pisanje hijeroglifa i vitlanje mačem. Značenje pogreške bilo je u tome što je u stanju potpune prisutnosti u trenutku (satori) majstor stvorio sliku od suhog cvijeća (prešano cvijeće). Tada bi ova slika mogla poslužiti kao ključ, putokaz onima koji su bili spremni ući u tišinu i doživjeti taj isti satori.
Suština umjetnosti "oshibana" je da sakupljanjem i sušenjem pod pritiskom cvijeća, bilja, lišća, kore i lijepljenjem na podlogu, autor uz pomoć biljaka stvara istinsko "slikarsko djelo". Drugim riječima, pogrešno je slikati s biljkama.
Umjetničko stvaralaštvo cvjećari temelji se na očuvanju oblika, boje i teksture osušenog biljnog materijala. Japanci su razvili tehniku ​​zaštite "oshibana" slika od blijeđenja i tamnjenja. Njegova suština je da se između stakla i slike ispumpava zrak i stvara vakuum koji sprječava kvarenje biljaka.
Privlači ne samo nekonvencionalnost ove umjetnosti, već i mogućnost pokazivanja mašte, ukusa, znanja o svojstvima biljaka. Cvjećari stvaraju ukrase, krajolike, mrtve prirode, portrete i slike s pričama.

- Bonsai.
Bonsai se kao fenomen pojavio prije više od tisuću godina u Kini, ali je vrhunac razvoja ova kultura doživjela tek u Japanu. (bonsai - japanski 盆栽 lit. "biljka u loncu") - umijeće uzgoja točna kopija pravo drvo u minijaturi. Ove biljke uzgajali su budistički redovnici nekoliko stoljeća prije naše ere, a kasnije su postale jedna od aktivnosti lokalnog plemstva.
Bonsai je krasio japanske domove i vrtove. U eri Tokugawa dizajn parka dobio je novi poticaj: uzgoj azaleja i javora postao je zabava za bogate. Razvila se i proizvodnja patuljastih usjeva (hachi-no-ki - "stablo u loncu"), ali su bonsai tog vremena bili vrlo veliki.
Sada se za bonsai koriste obična stabla, koja postaju mala zbog stalnog rezidbe i raznih drugih metoda. Istodobno, omjer veličina korijenskog sustava, ograničenog volumenom zdjele, i prizemnog dijela bonsaija odgovara proporcijama odraslog stabla u prirodi.

- Mizuhiki.
Analog makramea. Ovo je drevna japanska primijenjena umjetnost vezanja različitih čvorova od posebnih užeta i stvaranja uzoraka od njih. Takva su umjetnička djela imala iznimno širok raspon - od poklon kartica i pisama do frizura i torbica. Trenutno se mizuhiki iznimno široko koristi u industriji darova - za svaki događaj u životu, dar treba biti zamotan i vezan na vrlo specifičan način. U umjetnosti mizuhikija postoji izuzetno mnogo čvorova i kompozicija, a ne zna ih svaki Japanac sve napamet. Naravno, postoje najčešći i jednostavni čvorovi koji se najčešće koriste: za čestitke na rođenju djeteta, za vjenčanje ili komemoraciju, rođendan ili prijemni na fakultet.

- Kumihimo.
Kumihimo je japanska pletenica. Prilikom tkanja niti se dobivaju vrpce i čipke. Ove čipke su tkane na posebnim strojevima - Marudai i Takadai. Stroj Marudai služi za tkanje okruglih čipki, a Takadai za ravne. Kumihimo na japanskom znači "pletenje užadi" (kumi - tkanje, savijanje, himo - uže, čipka). Unatoč činjenici da povjesničari tvrdoglavo inzistiraju da se takvo tkanje može naći među Skandinavcima i stanovnicima Anda, japanska umjetnost Kumihimo je doista jedna od najstarijih vrsta tkanja. Prvi spomen datira iz 550. godine, kada se budizam proširio Japanom, a posebne ceremonije zahtijevale su posebna odlikovanja. Kasnije su se kumihimo vezice počele koristiti kao fiksator za obi pojas na ženskom kimonu, kao užad za "pakiranje" cjelokupnog samurajskog arsenala oružja (samuraji su kumihimo koristili u dekorativne i funkcionalne svrhe za vezivanje oklopa i konjskih oklopa) i također za vezanje teških predmeta.
Različiti uzorci modernog kumihima vrlo se lako tkaju na domaćim kartonskim tkalačkim stanovima.

- Komono.
Što ostaje od kimona nakon što odsluži svoje vrijeme? Mislite li da se baca? Ništa slično ovome! Japanci to nikada neće učiniti. Kimona su skupa. Nezamislivo je i nemoguće tek tako baciti... Uz druge vrste recikliranja kimona, majstorice su od sitnih komadića izrađivale male suvenire. To su male igračke za djecu, lutke, broševi, vijenci, ženski nakit i drugi proizvodi, stari kimono se koristi u izradi malih slatkih stvari, koje se zajednički nazivaju "komono". Sitnice koje će zaživjeti vlastitim životom, nastavljajući put kimona. To znači riječ "komono".

- Kanzashi.
Umijeće ukrašavanja kopči za kosu (najčešće ukrašenih cvjetićima (leptirićima i sl.) od tkanine (uglavnom svile). Japanski kanzashi (kanzashi) je duga ukosnica za tradicionalnu japansku žensku frizuru. Izrađivale su se od drva, laka, srebro, kornjačin oklop koji se koristio u tradicionalnim kineskim i japanskim frizurama. Prije otprilike 400 godina, u Japanu se stil ženskih frizura promijenio: žene su prestale češljati kosu u tradicionalnom obliku - taregami (duga ravna kosa) i počele su je oblikovati u zamršene i bizarne forme – nihongami.koristi se razne predmete- ukosnice, štapići, češljevi. Tada se čak i jednostavan kushi češalj-češalj pretvara u elegantan pribor izuzetne ljepote, koji postaje pravo umjetničko djelo. Tradicionalna japanska ženska nošnja nije dopuštala nakit i ogrlice za zapešća, pa su to bili ukrasi za kosu glavna ljepotica i polje za samoizražavanje - kao i demonstriranje ukusa i debljine vlasnikovog novčanika. Na gravurama možete vidjeti - ako bolje pogledate - kako su Japanke lako objesile do dvadeset skupih kanzashija u svoje frizure.
Sada postoji oživljavanje tradicije korištenja kanzashi među mladim Japankama koje žele dodati sofisticiranost i eleganciju svojim frizurama, moderne ukosnice mogu biti ukrašene sa samo jednim ili dva fina ručno izrađena cvijeta.

- Kinusaiga.
Nevjerojatna vrsta ručnih radova iz Japana. Kinusaiga (絹彩画) je križanac između batika i patchworka. Glavna ideja je da se nove slike skupljaju iz starih svilenih kimona dio po dio - istinska djela umjetnost.
Prvo umjetnik radi skicu na papiru. Zatim se ovaj crtež prenese na drvenu ploču. Kontura uzorka se prorezuje utorima, ili utorima, a zatim se iz starog svilenog kimona izrežu mali komadići, koji odgovaraju boji i tonu, a rubovi tih komadića ispunjavaju utore. Kada gledate takvu sliku, imate osjećaj da gledate fotografiju ili čak samo promatrate krajolik izvan prozora, toliko su realistični.

- Temari.
Ovo su tradicionalne japanske geometrijske izvezene lopte izrađene jednostavnim šavovima koje su nekoć bile dječja igračka, a sada su postale umjetnička forma s brojnim obožavateljima ne samo u Japanu nego i diljem svijeta. Vjeruje se da su prije mnogo vremena ove proizvode izrađivale žene samuraja za zabavu. U samom početku stvarno su se koristile kao lopta za igru ​​loptom, ali su postupno počele dobivati ​​likovne elemente, a kasnije su se pretvorile u ukrasne ukrase. Nježna ljepota ovih kuglica poznata je diljem Japana. A danas su šareni, pažljivo izrađeni proizvodi jedna od vrsta narodnih zanata u Japanu.

- Yubinuki.
Japanski naprsci, kod ručnog šivanja ili vezenja, stavljaju se na srednju falangu srednjeg prsta radne ruke, vrhovima prstiju se igli daje željeni smjer, a igla se provlači kroz prsten na sredini prst u poslu. U početku su se japanski yubinuki naprsci izrađivali prilično jednostavno - traka guste tkanine ili kože širine oko 1 cm u nekoliko slojeva bila je čvrsto omotana oko prsta i pričvršćena s nekoliko jednostavnih ukrasnih šavova. Pošto su jubinuci bili potreban predmet u svakoj kući počeli su se ukrašavati geometrijskim vezom svilenim nitima. Od prepleta uboda, šarenih i zamršeni uzorci. Yubinuki se od jednostavnog kućanskog predmeta također pretvorio u predmet za "divljenje", ukras Svakidašnjica.
Yubinuki se još uvijek koriste u šivanju i vezenju, no mogu se pronaći i jednostavno nošeni na rukama na bilo kojem prstu, poput ukrasnog prstenja. Vez u stilu Yubinuki koristi se za ukrašavanje raznih predmeta u obliku prstena - prstenovi za salvete, narukvice, temari stalci, ukrašeni yubinuki vezom, a postoje i izvezeni kreveti za igle u istom stilu. Yubinuki uzorci mogu biti izvrsna inspiracija za temari obi vez.

- Suibokuga ili sumie.
Japansko slikarstvo tušem. Ovaj kineski stil slikarstvo su posudili japanski umjetnici u 14. st., a do kraja 15.st. postala glavna struja slikarstva u Japanu. Suibokuga je jednobojna. Karakterizira ga korištenje crne tinte (sumi), tvrdog oblika ugljena ili kineske tinte proizvedene od čađe, koja se samelje u posudi za tintu, razrijedi vodom i četkom nanese na papir ili svilu. Jednobojni nudi majstoru beskrajan izbor tonskih opcija, koje su Kinezi davno prepoznali kao "boje" tinte. Suibokuga ponekad dopušta upotrebu stvarnih boja, ali je ograničava na tanke, prozirne poteze koji uvijek ostaju podređeni liniji tinte. Slikanje tušem dijeli s umjetnošću kaligrafije takve bitne karakteristike kao što su strogo kontrolirani izraz i tehničko majstorstvo oblika. Kvaliteta slikanja tušem svodi se, kao i u kaligrafiji, na cjelovitost i otpornost na kidanje linije nacrtane tušem, koja takoreći drži umjetničko djelo na sebi, kao što kosti drže na sebi tkivo.

- Etegami.
Crtane razglednice (e - slika, označeno - pismo). Izrada razglednica "uradi sam" općenito je vrlo popularna aktivnost u Japanu, a pred blagdane njena popularnost još više raste. Japanci vole slati razglednice svojim prijateljima, a vole ih i primati. Ovo je vrsta brzog pisma na posebnim prazninama, može se poslati poštom bez koverte. U etegami nema posebnih pravila ili tehnika, svatko to može učiniti bez posebne obuke. Etagami pomaže u preciznom izražavanju raspoloženja, dojmova, ovo je ručno izrađena razglednica koja se sastoji od slike i kratkog pisma, prenoseći emocije pošiljatelja, kao što su toplina, strast, briga, ljubav itd. Ove razglednice šalju za blagdane i tek tako, s prikazom godišnjih doba, aktivnosti, povrća i voća, ljudi i životinja. Što je ova slika jednostavnija nacrtana, to izgleda zanimljivije.

- Furoshiki.
Japanska tehnika zamatanja ili umjetnost savijanja platna. Furoshiki je dugo ušao u život Japanaca. Sačuvani su drevni svici iz razdoblja Kamakura-Muromachi (1185. - 1573.) sa slikama žena koje na glavi nose svežnjeve odjeće umotane u tkaninu. Ova zanimljiva tehnika nastala je još 710. - 794. godine nove ere u Japanu. Riječ "furoshiki" doslovno se prevodi kao "tepih za kupanje" i kvadratni je komad tkanine koji se koristio za omatanje i nošenje predmeta svih oblika i veličina.
U starim danima bilo je uobičajeno hodati u japanskim kupkama (furo) u laganim pamučnim kimonima, koje su posjetitelji nosili sa sobom od kuće. Kupač je ponio i posebnu prostirku (shiki) na kojoj je stajao dok se svlačio. Nakon što se presvukao u kimono za "kupanje", posjetitelj je svoju odjeću zamotao u prostirku, a nakon kupanja mokri kimono zamotao je u prostirku kako bi ga donio kući. Tako je prostirka za kupanje postala multifunkcionalna torba.
Furoshiki je vrlo jednostavan za korištenje: tkanina poprima oblik predmeta koji omotate, a ručke olakšavaju nošenje tereta. Osim toga, dar umotan ne u tvrdi papir, već u meku, višeslojnu tkaninu, dobiva posebnu izražajnost. Postoji mnogo shema za sklapanje furoshikija za svaku priliku, svakodnevnu ili svečanu.

- Amigurumi.
Japanska umjetnost pletenja ili heklanja malih plišanih životinja i humanoidnih bića. Amigurumi (編み包み, dosl.: “pleteni-zamotani”) najčešće su slatke životinje (kao što su medvjedi, zečići, mačke, psi itd.), čovječuljci, ali mogu biti i neživi predmeti obdareni ljudskim svojstvima. Na primjer, cupcakes, šeširi, torbice i drugi. Amigurumi je pleten ili pleten ili kukičan. Nedavno su heklani amigurumi postali popularniji i češći.
pletene od pređe na jednostavan način pletenje - u spiralu i, za razliku od europske metode pletenja, krugovi obično nisu povezani. Također se heklaju na manjoj veličini u odnosu na debljinu pređe kako bi se stvorila vrlo gusta tkanina bez ikakvih praznina za izlazak nadjeva. Amigurumi se često prave od dijelova i potom sastavljaju, osim nekih amiguruma, koji nemaju udove, već samo glavu i torzo, koji su jedna cjelina. Udovi su ponekad ispunjeni plastičnim komadima kako bi im se dala živa težina, dok je ostatak tijela ispunjen vlaknastim punjenjem.
Širenje estetike amigurumija olakšava njihova ljupkost ("kawaii").

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju povijest doživio je veliki broj promjena. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a izvorna japanska načela su ostala. Zajedno s nevjerojatna priča Japansko slikarstvo također je spremno predstaviti mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijem povijesnom razdoblju zemlje, čak i prije Krista. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e. pojavili su se razni geometrijski likovi koji su se izrađivali na keramici uz pomoć štapića. Takav nalaz arheologa kao ukras na brončanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine. e. pojavljuju se pećinski crteži koji su mnogo raznovrsniji geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Nađeni su unutar kripti, a vjerojatno su i ljudi koji su na njima naslikani pokopani u tim grobljima.

U 7. stoljeću A.D. e. Japan preuzima pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odande dolaze i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve i ne posljednje slike, ali je ona ta koja je donijela mnogo toga novog u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crnim i sivim tonovima. Najviše izvanredan umjetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. Stvarao je klasične slike, ali su njegovi likovi bili vrlo živopisni. Kasnije se prebacio na prirodu, a većinu krajolika izradio je na pozadini pozlate.

Drugo, tijekom razdoblja Edo pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila je moderne europske i kineske tehnike, koje su se ispreplitale s tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici najprije potpuno oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Razdoblje Edo zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno ući u njega nova pozornica razvoj. U to vrijeme diljem svijeta postaju popularni žanrovi kao što su western i slični, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dano vrijeme stvari su bile vrlo različite od onoga što se događalo u drugim zemljama. Ovdje naglo bukti natjecanje između europskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji obećavaju da će unaprijediti svoje vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Europi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku razdoblja. Činjenica je da značajni kritičari prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Kako bi se izbjegla velika galama oko ove teme, europski stilovi i tehnike počeli su se zabranjivati ​​na izložbama, njihovo izlaganje prestalo je, kao i njihova popularnost.

Pojava europskih stilova

Zatim dolazi razdoblje Taisho. U ovo vrijeme mladi umjetnici koji su otišli studirati u strane škole vraćaju se u domovinu. Naravno, sa sobom donose nove stilove. japansko slikarstvo koji su vrlo slični europskim. Javljaju se impresionizam i postimpresionizam.

U ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima se oživljavaju drevni japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se osloboditi zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili kako ljubitelji klasike, tako i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole financira država, zahvaljujući čemu su sačuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci, pak, prisiljeni su se povoditi za potrošačima koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

Slika iz Drugog svjetskog rata

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvijao se odvojeno i neovisno. Ali nije moglo ovako zauvijek.

S vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i cijenjene figure privlače mnoge umjetnike. Neki od njih već početkom rata počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali započinju ovaj proces samo po nalogu vlasti.

Shodno tome, japanska likovna umjetnost tijekom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razviti. Stoga se za slikanje može nazvati ustajalim.

Vječni Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". To definira stil i tehniku ova umjetnost. Došao je iz Kine, ali su mu Japanci odlučili dati svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štoviše, isprva su crtali slike, a kasnije su vježbali koncentraciju gledajući ih. Redovnici su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve to se naziva jednobojnim.

Japansko slikarstvo tušem, unatoč velikom izboru slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Temelji se na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štoviše, danas možete upoznati majstore ove škole ne samo u Japanu, već je raširena i daleko izvan njegovih granica.

Moderno razdoblje

Na kraju Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljaci imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu prikazati suvremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Europske i američke ideje uspješno su usvojene, ali takvo stanje nije dugo potrajalo. Mnogi majstori počeli su se postupno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Uvijek je ostao moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvedbe ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

O modi da i ne govorimo moderne subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju zamagliti granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom je takvo stanje posljedica trgovine. Klasici i tradicionalni žanrovi zapravo se ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Bez sumnje, japansko slikarstvo je riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična zemlja ostala jedina koja nije slijedila zapadne trendove, nije se prilagodila modi. Unatoč brojnim udarcima u vrijeme pojave novih tehnika, japanski su umjetnici ipak uspjeli obraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerojatno su zato u moderno doba slike rađene u klasičnom stilu visoko cijenjene na izložbama.

Današnji svijet često se optužuje za duhovnu krizu, za rušenje veza s tradicijama, za globalizaciju koja neminovno apsorbira nacionalne temelje. Sve je personalizirano i depersonalizirano u isto vrijeme. Ako bismo takozvanu klasičnu umjetnost mogli podijeliti na nacionalne škole a zamislite da tamo talijanska umjetnostšto je njemačka umjetnost, a što francuska; možemo li onda suvremenu umjetnost podijeliti na iste “škole”?

Kao odgovor na ovo pitanje, želio bih vam predstaviti japansku suvremenu umjetnost. Na konferenciji u Muzej umjetnosti Mori na temu internacionalizma u suvremenoj umjetnosti prošle godine, profesor sa Sveučilišta u Tokiju Michio Hayashi sugerirao je da je popularna percepcija "japanskosti" na Zapadu bila zacementirana u 1980-ima trojstvom "kiča", "prirodnosti" i "tehnološke složenosti". ”. Danas se popularna, a posebno komercijalno popularna suvremena umjetnost Japana još uvijek može smjestiti u taj trokut. Za zapadnog gledatelja ostaje tajanstven i originalan zbog specifičnosti svojstvenih samo umjetnosti Zemlje izlazećeg sunca. U kolovozu su se Zapad i Istok susreli na tri umjetnička mjesta odjednom: do 8. kolovoza na Manhattanu je održana izložba “Duality of Existence – Post-Fukushima” (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), izložba “teamLab: Ultra Subjective Space” trajao do 15. kolovoza je praktički blizu (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); i “Arhatski ciklus” Takashija Murakamija u Palazzo Reale u Milanu i dalje osvaja i zadivljuje posjetitelje.

Sva prikazana djela nastala su nakon 11. ožujka 2011., kada je tsunami pogodio Japan. Nuklearna katastrofa u nuklearnoj elektrani Fukushima okupila je naciju, natjerala preispitivanje prioriteta i vrijednosti te ponovno okretanje davno zaboravljenim tradicijama. Umjetnost nije mogla stajati po strani te je svijetu predstavila novu vrstu umjetnika, usmjerenih na potrebe suvremene publike, au isto vrijeme poštujući povijesne temelje i vrijednosti.

Takashi Murakami - reklama uspješan umjetnik, koji je popularizirao techno kič i stvorio novi vizualni jezik superflat, temeljen na tradiciji japanskog nihonga slikarstva i specifičnostima animea i mange. Ideologija njegovih repliciranih skulptura i nečuvenih instalacija bila je pokazati promjenu u Japanu nakon rata, kada je konzumerizam postao prevladavajući. Ali 11. ožujka 2011. podijelio je život Japana na "prije" i "poslije", poput dva strašna dana u kolovozu 1945., kada su bačene nuklearne bombe na Hirošimu i Nagasaki. Nakon tog snažnog potresa, koji je doveo do strašnih posljedica, Murakami je krenuo putem promišljanja budizma i japanske estetike, napravio korak ka povratku iskonima i duhovnosti. Prvi rad koji je započeo ciklus Arhata je 500 Arhata, prikazan na samostalnoj izložbi Takashi Murakamija u Dohi, Katar, 2012. godine. Povratak budističkim temama autor objašnjava kao pokušaj spoznaje da na ovom svijetu ne postojimo samo mi, da postoje sile koje su neovisne o nama i da se svaki put moramo usavršavati kako bismo prestali ovisiti o sebi. vlastite želje i afekte. Gusti zid arhata, kao da štiti publiku od bijesnih elemenata na čitavih 100 metara platna, svima je unio mir i spokoj u dušu. No, Murakami se nije ograničio samo na jedno djelo i nastavio je ciklus slika, nadopunjavajući i proširujući narativ, kao da koristi tehniku ​​mange i priča priču u vizualnom oblikovanju. Drugi dio ciklusa predstavljen je u galeriji Blum & Poe (Los Angeles) 2013. godine. Danas, u Milanu, arhati po treći put putuju svijetom, šireći ideju povratka duhovnosti i odricanja od strasti. Unatoč poučnosti i dubini značenja, slike se lako percipiraju zbog odvažne i jarke kolorističke odluke, samog likovnog jezika. Elementi mange donijeli su im onaj potrebni udio popularizacije tako da su emitirane ideje budizma bile lako čitane i prihvaćene čak i od neupućene javnosti.

Sljedeći predstavnik modernog japanskog slikarstva može se nazvati Kazuki Umezawa, Murakamijev učenik, što nas vraća na pitanje škole i kontinuiteta. On stvara digitalne prikaze anime likova crtajući ih na vrhu naljepnica kako bi stvorio dodatnu dubinu i vizualni kaos. Od nasumičnih i razbacanih slika diljem interneta, on konstruira kolaže, razbija pozadine, stvara mandale koje odražavaju strukturu i sadržaj mašte otakua (ljubitelja animea i mange). Pozivanje na budistički simbol pojačava semantičku vrijednost radova mlade umjetnice, povezujući, s jedne strane, sveto i etablirano u kulturi, s druge strane, suvremena pitanja, ali opet uz uključivanje specifičnog japanskog fenomena – animea.

Takashi Murakami i Kazuki Umezawa vješto balansiraju između relevantnosti i tradicije, kiča i stila.

Začudo, nakon potresa 11. ožujka 2011. u Japanu, 16-godišnjak koji je devet dana bio zarobljen pod ruševinama svoje kuće i spašen, na pitanje novinara o svojim budućim snovima, odgovorio je: “Ja želim postati umjetnik.”

Čini se da je moderna japanska umjetnička scena potpuno globalizirana. Umjetnici putuju između Tokija i New Yorka, gotovo svi su stekli europsko ili američko obrazovanje, govore o svom radu na međunarodnom umjetničkom engleskom jeziku. Međutim, ova slika je daleko od potpune.

Nacionalni oblici i trendovi pokazuju se kao jedna od najtraženijih stvari koje Japan može ponuditi svjetskom tržištu. umjetničke ideje i radi.

avionska operacija. Kako superflat spaja američku geek kulturu i tradicionalno japansko slikarstvo

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Ako je u zapadnom svijetu za gotovo sve (osim možda najvatrenijih postmodernih teoretičara) granica između visokog i popularna kultura je još uvijek relevantan, iako problematičan, u Japanu su ti svjetovi potpuno izmiješani.

Primjer za to je Takashi Murakami, koji uspješno spaja izložbe u najboljim svjetskim galerijama i streaming produkciju.

Snimka turneje po Murakamijevoj izložbi "Bit će blaga kiša"

Međutim, Murakamijev odnos s popularnom kulturom – a za Japan je to prije svega kultura ljubitelja mange i animea (otaku) – je kompliciraniji. Filozof Hiroki Azuma kritizira shvaćanje otakua kao autentičnog japanskog fenomena. Otaku sebe smatraju izravno povezanim s tradicijama razdoblja Edo 17.-19. stoljeća - doba izolacionizma i odbacivanja modernizacije. Azuma tvrdi da je otaku pokret - temeljen na mangi, animaciji, grafičkim romanima, računalnim igrama - mogao nastati samo u kontekstu poslijeratne američke okupacije kao rezultat uvoza američke kulture. Umjetnost Murakamija i njegovih sljedbenika ponovno otkriva otaku tehnikama pop arta i razotkriva nacionalistički mit o autentičnosti tradicije. Predstavlja "reamerikanizaciju japanizirane američke kulture".

S umjetničke točke gledišta, superflat je najbliži ranom japanskom ukiyo-e slikarstvu. Najpoznatije djelo u ovoj tradiciji je gravura " Veliki val u Kanagawi" Katsushikija Hokusaija (1823.-1831.).

Za zapadni modernizam, otkriće japanskog slikarstva bilo je proboj. Omogućio je vidjeti sliku kao ravninu i ne nastoji prevladati tu njezinu osobitost, već raditi s njom.

Katsushiki Hokusai. "Veliki val kod Kanagawe"

Pioniri performansa. Što danas znači japanska umjetnost 1950-ih

Dokumentacija kreativnog procesa Akire Kanayame i Kazua Shirage

Superflat se oblikovao tek 2000-ih. No, umjetničke akcije značajne za svjetsku umjetnost započele su u Japanu puno ranije - čak i ranije nego na Zapadu.

Performativni zaokret u umjetnosti dogodio se na prijelazu iz 60-ih u 70-e godine prošlog stoljeća. U Japanu se izvedba pojavila pedesetih godina.

Grupa Gutai prvi je put pomaknula fokus sa stvaranja samodostatnih objekata na proces njihove proizvodnje. Odavde - jedan korak do napuštanja umjetničkog objekta u korist efemernog događaja.

Iako su pojedinačni umjetnici iz Gutaija (a bilo ih je 59 u dvadesetak godina) aktivno egzistirali u međunarodnom kontekstu, shvaćajući kako je njihovo kolektivno djelovanje japanske poslijeratne umjetnosti uopće počelo na Zapadu tek nedavno. Procvat je došao 2013. s nekoliko izložbi u malim galerijama u New Yorku i Los Angelesu, Tokiju 1955.-1970.: Nova avangarda u MoMA-i i velikom povijesnom retrospektivom Gutai: Splendid Playground u muzeju Guggenheim. Čini se da je moskovski uvoz japanske umjetnosti gotovo zakašnjeli nastavak ovog trenda.

Sadamasa Motonaga. Rad (voda) u muzeju Guggenheim

Frapantno je koliko moderno izgledaju ove retrospektivne izložbe. Primjerice, središnji objekt izložbe u Guggenheimovom muzeju je rekonstrukcija Rada (vode) Sadamase Motonage, u kojoj su razine muzejske rotonde povezane polietilenskim cijevima s obojenom vodom. Oni podsjećaju na poteze kistom koji su otrgnuti s platna i predstavljaju Gutaijev središnji fokus na "konkretnost" (prevedeno iz Japansko ime skupine), materijalnost predmeta s kojima umjetnik radi.

Mnogi članovi Gutaija stekli su obrazovanje vezano za klasično nihonga slikarstvo, mnogi su biografski vezani za religijski kontekst zen budizma, za njegovu karakterističnu japansku kaligrafiju. Svi su oni pronašli novi, proceduralni ili participativni pristup drevnim tradicijama. Kazuo Shiraga je snimio kako nogama crta svoje monokrome protiv Rauschenberga, pa čak i stvara slike u javnosti.

Minoru Yoshida pretvorio je cvijeće s japanskih grafika u psihodelične objekte - primjer za to je Biseksualni cvijet, jedna od prvih kinetičkih (pokretnih) skulptura na svijetu.

O političkom značaju ovih djela govore kustosi izložbe u muzeju Guggenheim:

"Gutai je pokazao važnost slobodnog individualnog djelovanja, rušenja očekivanja publike, pa čak i gluposti kao načina suprotstavljanja društvenoj pasivnosti i konformizmu koji je, tijekom desetljeća, omogućio militarističkoj vladi da stekne kritičnu masu utjecaja, izvrši invaziju na Kinu, a zatim uključiti se u Drugi svjetski rat."

Dobro i mudro. Zašto su umjetnici 1960-ih napustili Japan i otišli u Ameriku

Gutai je bio iznimka od pravila u poslijeratnom Japanu. Avangardne skupine ostale su marginalne, svijet umjetnosti bio je strogo hijerarhiziran. Glavni put do priznanja bilo je sudjelovanje na natjecanjima priznatih udruga klasičnih umjetnika. Stoga su mnogi radije otišli na Zapad i integrirali se u engleski umjetnički sustav.

Posebno je teško bilo ženama. Čak ni u progresivnom Gutaiju udio njihove prisutnosti nije dosezao ni petinu. Što možemo reći o tradicionalnim institucijama, za pristup kojima je bilo potrebno Posebna edukacija. Do šezdesetih godina djevojke su već stekle pravo na to, međutim, uče likovno (ako se nije radilo o dekorativnom, što je bio dio skupa vještina ryosai kenbo- dobra supruga i mudra majka) bilo je u društvu namršteno zanimanje.

Yoko Ono. izrezan komad

Priča o emigraciji pet moćnih japanskih umjetnica iz Tokija u Sjedinjene Države bila je tema studije Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi i Shigeko Kubota na početku svoje karijere odlučile su otići u New York i tamo radile, uključujući i modernizaciju tradicije japanske umjetnosti. Samo je Yoko Ono odrasla u SAD-u - ali je i ona namjerno odbila povratak u Japan, razočaravši se u umjetničku hijerarhiju Tokija tijekom svog kratkog boravka 1962.-1964.

Ono je postala najpoznatija od njih pet - ne samo kao supruga Johna Lennona, već i kao autorica protofeminističkih performansa posvećenih objektivizaciji. žensko tijelo. Očite su paralele između Cut Piece It, u kojem je publika mogla odrezati komade umjetničine odjeće, i "Ritma 0" "bake performansa" Marine Abramović.

Na kratkim nogama. Kako proći autorski glumački trening Tadashi Suzuki

U slučaju Onoa i Gutaija metode i teme njihova rada, odvojene od autora, postaju međunarodno značajne. Postoje i drugi oblici izvoza - kada se umjetnikova djela percipiraju sa zanimanjem u međunarodnoj areni, ali do posuđivanja stvarne metode ne dolazi zbog njezine specifičnosti. Najupečatljiviji slučaj je sustav glumačkog treninga Tadashija Suzukija.

Kazalište Suzuki vole čak iu Rusiji - i to ne čudi. Posljednji put bio je s nama 2016. godine s predstavom Trojanke prema Euripidovim tekstovima, a 2000-ih je nekoliko puta dolazio s postavkama Shakespearea i Čehova. Suzuki je radnju drama prenio u aktualni japanski kontekst i ponudio neočigledna tumačenja tekstova: u Ivanovu je otkrio antisemitizam i usporedio ga s prezirnim odnosom Japanaca prema Kinezima, radnju Kralja Leara prenio na japanska ludnica.

Suzuki je izgradio svoj sustav nasuprot ruskoj kazališnoj školi. Krajem 19. stoljeća, tijekom tzv. Meiji razdoblja, modernizirajući imperijalni Japan doživio je uspon oporbenih pokreta. Rezultat je bila velika vesternizacija dotad krajnje zatvorene kulture. Među uvezenim formama bio je i sustav Stanislavskog, koji je i danas u Japanu (iu Rusiji) jedna od glavnih redateljskih metoda.

Suzuki vježbe

U šezdesetima, kada je Suzuki započeo svoju karijeru, sve se više širila teza da se japanski glumci zbog svojih tjelesnih osobina ne mogu naviknuti na uloge iz zapadnjačkih tekstova koje su punile tadašnji repertoar. Mladi redatelj uspio je ponuditi najuvjerljiviju alternativu.

Suzukijev sustav vježbi, nazvan gramatika nogu, uključuje desetke načina sjedenja, a još više načina stajanja i hodanja.

Njegovi glumci obično igraju bosi i doimaju se, spuštajući težište, što čvršće vezani za tlo, teški. Suzuki ih i strane izvođače podučava svojoj tehnici u selu Toga, u starim japanskim kućama prepunim moderne opreme. Njegova trupa daje samo oko 70 predstava godišnje, a ostatak vremena živi, ​​gotovo bez napuštanja sela i nema vremena za osobne poslove - samo radi.

Toga centar pojavio se sedamdesetih godina prošlog stoljeća, a projektirao ga je na zahtjev ravnatelja svjetski poznati arhitekt Arata Isozaka. Suzukijev sustav može izgledati patrijarhalan i konzervativan, ali on sam govori o Togi u modernim terminima decentralizacije. Još sredinom 2000-ih Suzuki je shvatio važnost izvoza umjetnosti iz glavnog grada u regije i organiziranja lokalnih proizvodnih točaka. Prema riječima redatelja, kazališna karta Japana u mnogočemu podsjeća na rusku - umjetnost je koncentrirana u Tokiju i nešto manje glavna središta. rusko kazalište tvrtka koja redovito ide na turneju po malim gradovima i nalazi se daleko od glavnog grada također ne bi škodila.

Centar tvrtke SCOT u Togi

Cvjetne staze. Koji je resurs moderno kazalište otkrilo u noh i kabuki sustavima

Suzuki metoda izrasta iz dvije drevne japanske tradicije – ali i kabukija. Ne samo da se ove vrste kazališta često karakteriziraju kao umjetnost hodanja, nego iu očiglednijim detaljima. Suzuki često slijedi pravilo o izvođenju svih uloga od strane muškaraca, koristi karakteristična prostorna rješenja, na primjer, hanamichi ("put cvijeća") kabuki uzorka - platforma koja se proteže od pozornice u dubinu gledališta. On također koristi prilično prepoznatljive simbole poput cvijeća i svitaka.

Naravno, u globalni svijet nema govora o privilegiji Japanaca da koriste svoje nacionalne oblike.

Kazalište jednog od najznačajnijih redatelja našeg doba, Amerikanca Roberta Wilsona, izgrađeno je na posudbama iz no.

Ne samo da koristi maske i šminku koja masovnu publiku podsjeća na Japan, već i posuđuje načine glume koji se temelje na maksimalnom usporavanju pokreta i samodostatnoj ekspresivnosti geste. Kombinacija tradicionalnih i ritualnih oblika s najsuvremenijim svjetlosnim zapisima i minimalističkom glazbom (jedna od naj poznata djela Wilson - produkcija opere Philipa Glassa "Einstein on the Beach"), Wilson u biti proizvodi sintezu podrijetla i relevantnosti kojoj teži veliki dio moderne umjetnosti.

Robert Wilson. "Einstein na plaži"

Iz noha i kabukija izrastao je jedan od stupova modernog plesa – butoh, u doslovnom prijevodu – ples tame. Izumljen 1959. godine od strane koreografa Kazua Onoa i Tatsumija Hijikate, koji se također oslanjao na nisko težište i koncentraciju na stopala, butoh se bavio prenošenjem refleksija iz traumatičnih ratnih iskustava u tjelesnu dimenziju.

“Prikazivali su tijelo bolesno, u kolapsu, čak monstruozno, monstruozno.<…>Pokreti su ili spori, ili namjerno oštri, eksplozivni. Za to se koristi posebna tehnika, kada se pokret izvodi kao da ne uključuje glavne mišiće, zahvaljujući koštanim polugama kostura,” povjesničarka plesa Irina Sirotkina upisuje butoh u povijest oslobađanja tijela, povezuje to uz odmak od baletne normativnosti. Uspoređuje buto s praksama plesača i koreografa s početka 20. stoljeća - Isadore Duncan, Marthe Graham, Mary Wigman, govori o utjecaju na kasniji "postmoderni" ples.

Fragment plesa Katsura Kana, modernog nasljednika tradicije butoha

Danas buto u izvornom obliku više nije avangardna praksa, već povijesna rekonstrukcija.

Međutim, vokabular pokreta koji su razvili Ono, Hijikata i njihovi sljedbenici ostaje značajan izvor za moderne koreografe. Na Zapadu ga koriste Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky, pa čak iu spotu za pjesmu “Belong To The World” The Weekenda. U Japanu je nasljednik tradicije butoha, primjerice, Saburo Teshigawara, koji u listopadu dolazi u Rusiju. Iako on sam negira paralele s plesom tame, kritičari pronalaze prilično prepoznatljive znakove: tijelo naizgled bez kostiju, krhkost, bešumni korak. Istina, već su smješteni u kontekst postmodernističke koreografije - s visokim tempom, trkama, radom s postindustrijskom noise glazbom.

Saburo Teshigawara. metamorfoza

Lokalno globalno. Po čemu je suvremena japanska umjetnost slična zapadnoj?

Radovi Teshigawara i mnogih njegovih kolega organski se uklapaju u programe najboljih zapadnih festivala suvremenog plesa. Ako preletite opisima predstava i predstava koje su prikazane na Festivalu / Tokyo - najvećoj godišnjoj smotri japanskog kazališta, teško ćete uočiti temeljne razlike od europskih trendova.

Jedna od središnjih tema je specifičnost lokacije - japanski umjetnici istražuju prostore Tokija, u rasponu od nakupina kapitalizma u obliku nebodera do rubnih područja koncentracije otakua.

Druga tema je proučavanje međugeneracijskog nerazumijevanja, kazalište kao mjesto živog susreta i organizirane komunikacije ljudi različite dobi. Projekte posvećene njoj Toshike Okade i Akire Tanayame nekoliko su godina zaredom dovodili u Beč na jedan od ključnih europskih festivala izvedbenih umjetnosti. U prenošenju dokumentarnih materijala i osobnih priča na pozornicu do kraja 2000-ih nije bilo ništa novo, no kustosica Bečkog festivala te je projekte predstavila javnosti kao priliku za živi kontakt od točke do točke s drugim Kultura.

Druga glavna linija je rad na traumatičnom iskustvu. Za Japance to nije povezano s Gulagom ili holokaustom, već s bombardiranjem Hirošime i Nagasakija. Kazalište se stalno poziva na njega, ali najsnažniju izjavu o atomskim eksplozijama kao trenutku nastanka cjelokupne moderne japanske kulture ipak ima Takashi Murakami.

na izložbu “Little Boy: Umjetnost japanske supkulture koja eksplodira”

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” naslov je njegovog kustoskog projekta prikazanog u New Yorku 2005. godine. "Little Boy" - "beba" na ruskom - ime jedne od bombi bačenih na Japan 1945. godine. Skupljajući stotine manga stripova vodećih ilustratora, prepoznatljive vintage igračke, robu inspiriranu poznatim anime filmovima od Godzille do Hello Kitty, Murakami je gurnuo koncentraciju ljupkosti - kawaii - do granice u muzejskom prostoru. Paralelno je pokrenuo izbor animacija u kojima središnje slike bile su slike eksplozija, gole zemlje, uništenih gradova.

Ovo protivljenje bila je prva velika izjava o infantilizaciji japanske kulture kao načinu suočavanja s posttraumatskim stresnim poremećajem.

Sada se ovaj zaključak čini već očiglednim. Na tome se temelji akademska studija o kawaiju Inuhika Yomote.

Postoje i kasniji traumatski okidači. Od najvažnijih - događaji od 11. ožujka 2011., potres i tsunami koji su doveli do velike nesreće u nuklearnoj elektrani Fukushima. Na Festivalu/Tokyo-2018 čitav program od šest predstava bio je posvećen razumijevanju posljedica prirodne i tehnološke katastrofe; postali su i tema jednog od radova predstavljenih na Solyanki. Ovaj primjer jasno pokazuje da arsenal kritičke metode Zapadna i japanska umjetnost nisu bitno različite. Haruyuki Ishii stvara instalaciju od tri televizijska uređaja koji brzo prolaze kroz montirane i petljane snimke iz televizijskih programa o potresu.

“Rad se sastoji od 111 videa koje je umjetnik svakodnevno gledao u vijestima sve do trenutka kada sve što je vidio više nije doživljavao kao fikciju”, objašnjavaju kustosi. „Novi Japan“ je ekspresivan primjer kako se umjetnost ne opire tumačenju temeljenom na nacionalnim mitovima, ali u isto vrijeme kritičko oko nalazi da bi isto tumačenje moglo biti relevantno za umjetnost bilo kojeg podrijetla. Kustosi govore o kontemplaciji kao temelju japanske tradicije, oslanjajući se na citate iz Lao Tzua. Pritom, kao da izostavljamo iz zagrade da je gotovo sva suvremena umjetnost usmjerena na “efekt promatrača” (kako je izložba nazvana) - bilo u obliku stvaranja novih konteksta za percepciju poznatih fenomena ili u podizanju pitanje mogućnosti adekvatne percepcije kao takve.

Imagined Communities - još jedan rad video umjetnika Haruyukija Ishiija

igra

No, ne treba misliti da je Japan 2010-ih koncentracija progresivnosti.

Navike dobrog starog tradicionalizma i ljubavi prema orijentalističkoj egzotici još nisu nadživjele. "Kazalište djevica" naslov je prilično divljenja objavljenog članka o japanskom kazalištu "Takarazuka" u ruskom konzervativnom časopisu "PTJ". Takarazuka se pojavila krajem 19. stoljeća kao poslovni projekt za privlačenje turista u udaljeni istoimeni grad, koji je slučajno postao završna stanica privatnog željeznička pruga. U kazalištu igraju samo neudate djevojke koje su, prema riječima vlasnika željeznice, trebale izmamiti muške gledatelje u grad. Danas Takarazuka funkcionira kao industrija - s vlastitim TV kanalom, gusto koncertni program, čak i lokalni zabavni park. Ali samo neudane djevojke još uvijek imaju pravo biti u trupi - nadajmo se da barem ne provjeravaju djevičanstvo.

No, Takarazuka je blijeda u usporedbi s klubom Toji Deluxe u Kyotu, koji Japanci nazivaju i kazalištem. Pokazuju apsolutno divlje, sudeći po opis Kolumnist New Yorkera Ian Buruma, striptiz show: nekoliko golih djevojaka na pozornici pretvara demonstraciju genitalija u javni ritual.

Kao i mnoge umjetničke prakse, i ova se predstava temelji na drevnim legendama (uz pomoć svijeće i povećala muškarci iz publike mogli su naizmjenično istraživati ​​“tajne božice majke Amaterasu”), a podsjetio je i sam autor noh tradicije.

traži Zapadne kolege za "Takarazuki" i Toji ostavit ćemo čitatelju - nije ih teško pronaći. Napominjemo samo da je značajan dio moderne umjetnosti usmjeren upravo na borbu protiv takvih praksi ugnjetavanja - kako zapadnjačkih tako i japanskih, u rasponu od superflata do butoh plesa.

Unatoč činjenici da se Japan diljem svijeta smatra zemljom rastućih tehnologija, suvremena suvremena umjetnost ne žuri raskinuti veze s tradicijom. Izložba “Mono no Avare. The Charm of Things” je tužna priča o ljudskom stanju u plastičnom dobu.

Mono no aware - estetski princip karakterističan za japansku kulturu, po kojem je izložba i dobila naziv, označava tužnu draž stvari, osjećaj opčinjenosti očitom i implicitnom ljepotom stvari i pojava, uz obaveznu nijansu bezrazložne izazvane tuge. osjećajem iluzornosti i krhkosti svega vidljivog. Neraskidivo je povezan s tradicionalnom japanskom religijom šintoizmom. Šintoisti vjeruju da su sve stvari obdarene duhovnom esencijom "kami". Postoji u svakom objektu: iu drvu iu kamenu. "Kami" su besmrtni i uključeni su u ciklus života i smrti, kroz koji se sve na svijetu neprestano ažurira.

I premda suvremena umjetnost govori međunarodnim jezikom, japansku suvremenu umjetnost predstavljenu na ovoj izložbi bolje je promatrati iz perspektive njihove tradicije.

Uvodna instalacija umjetnika Hirakija Sawe zauzela je cijelu prostoriju, a riječ je o kazalištu sjena u kojem su glumci kućni pribor. Građena je po principu dječje željeznice. Vlak s baterijskom svjetiljkom prolazi kroz krajolik koji je stvorio umjetnik, zraka svjetlosti rađa makro svijet iz mikro svijeta stvari. I sad već jeste Brezov gaj a ne vertikalna stojeće olovke; i to su dalekovodi u poljima, a ne viseće štipaljke; a preokrenuti plastični lavor s ručkama je tunel. Rad se zove "Inside", ranije je prikazan na Venecijanskom bijenalu.

Slikarstvo Shinishiro Kanoa može se nazvati primitivnim nadrealizmom. U Kanovoj mrtvoj prirodi, košarkaška lopta, planet Zemlja i voće su u jednom tanjuru.

Na slici nema same slike, već samo okvir naslikan uljem. Na jednom platnu figura božanstva u crvenom kimonu kombinirana je s crvenim ručnikom obješenim na kuku na drugom. Nije li ova serija slika o iluzornoj prirodi svijeta? Ili možda da svaka stvar ima kami.

Na slici Masaya Chibe, na pozadini prekrasne džungle, nalaze se dvije figure: antropomorfna stvorenja oronula od bijele tvari, jedva nalikujući muškarcu i ženi. Učvršćene su na štapićima poput istočnjačkih kazališnih lutaka. Materija je smrtna, ona je samo ljuska - kao da nam autor želi reći. Otprilike isto je i njegovo drugo slikarsko djelo "Čovjek koji spava". Na slici nema osobe, samo nekoliko stvari na otomanu: stare fotografije i razglednice, uzgojeni kaktusi, rukavice, omiljene trake, teglica začina i set alata.

Umjetnik Teppei Kanueji “skulptira” (sagrađeni objekt) svoju osobu po istom principu: lijepi kućno smeće u obliku antropomorfnog bića i prekriva ga bijelom bojom.

Ogromna mandala obložena je soli na podu; ovo je tradicionalni hramski ritual za Japan, koji očito dolazi iz budizma. Takav komad nakita dočarava duh ili labirinta ili karte tajanstvene zemlje, a kako je dobro što u muzeju nema vjetra. Ova instalacija je jedinstvena, umjetnica ju je izrađivala nekoliko dana unutar zidova muzeja. Zanimljiva je i japanska tradicija: prije borbe sumo hrvači posipaju tlo solju.

Instalacija Hiroakija Morite "Od Eviana do Volvika" otvara prilično zanimljiva tema moderno za Japan - obrada plastike. Na staklenoj polici leži boca vode Evian, sjena od nje točno pada u grlić druge boce Volvik koja stoji na podu. Stvara se iluzija da voda teče iz boce u bocu. Apsurdno na prvi pogled. Za Japance ovo konceptualno djelo ne simbolizira samo ciklus "kami", odnosno duhovnu bit, nego i u doslovno princip recikliranja – recikliranje. Kao otočna država, Japan je bio jedan od prvih koji je naučio skupljati, sortirati i reciklirati plastični otpad. Od dobivenog materijala ne samo da se ponovno proizvode nove boce i tenisice, već se stvaraju i umjetni otoci.

Instalacija Teppei Kuneuji na prvi pogled podsjeća na stanicu za sortiranje smeća. Ovdje su postavljeni plastični predmeti u različitim sekvencama: lopatice, kalupi, razne igračke, vješalice, obojene četkice za zube, crijeva, čaše i drugo. Posuti bijelim prahom, čini se da ovdje leže cijelu vječnost. Kada hodate među ovim poznatim predmetima, ali sada neupotrebljenim, promatrajući ih već odvojene, imate osjećaj sličan meditaciji u kamenjaru. U svojim foto kolažima, Teppei Kuneuji "mentalno" gradi tornjeve od građevinskog otpada. Ali to nisu takvi kinetički lanci kao kod umjetničkog dvojca Fishli i Weiss, već poput budističke sakralne građevine u kojoj kamen leži na kamenu bez vezivnog materijala.

Umjetnik Suda Yoshihiro postavio je vješto izrađenu drvenu ružičastu ružu s jednom otpalom laticama između stakala u muzejskom izlogu s pogledom na Moiku. Gledajući ovu vrlo suptilnu i poetsku intervenciju u muzeju, želim početi govoriti japanskim stihovima u haiku žanru, poput: „Zima. Čak i ruža u muzeju cvjeta zauvijek.”

Drugo ne manje poetično djelo, The Opposite of Volume, Onishija Yasuakija odnosi se na rad srednjovjekovnog slikara i zen monaha Toya Sesshua. Ovaj japanski klasik poznat je po donošenju u zemlju izlazećeg sunca Kineski jednobojni crtež tušem.

Yasuakijeva instalacija siva je polietilenska trodimenzionalna silueta planine na koju sa stropa padaju mlaznice (poput kiše) smrznute tekuće plastike. Kažu napraviti "praznu" planinu pod pljuskom, kao s monokromom Toyo slike Sessu, umjetnik je morao sagraditi brdo kutija, pokriti ga tankim polietilenom, a zatim sa stropa kapati vruću plastiku.

Konačno, instalacija Kengo Kito: vijenci obojenih plastičnih sportskih obruča koji vise, kao "japanski pozdravi", doneseni u Rusiju u Olimpijske igre. Zanimljivo je da izložba "The Charm of Things" koristi plastiku kao materijal kojim se japanski umjetnici dotiču ne samo ekoloških već i duhovnih pitanja.