I principali compositori e interpreti sono interpreti. musicisti famosi

La professione di compositore richiede talento musicale e profonda conoscenza della composizione musicale. Possiamo tranquillamente affermare che il compositore è la figura più importante nel mondo musicale. Pertanto, ogni famoso compositore nella storia della musica ha avuto un impatto significativo sullo sviluppo della musica in ogni fase specifica. Compositori del Settecento Nella seconda metà del Settecento vissero e lavorarono due grandi compositori - Bach e Mozart - che influenzarono l'intero successivo sviluppo dell'arte musicale. Johann Sebastian Bach (1685-1750) è il più brillante rappresentante della tradizione musicale dei secoli XVII-XVIII, classificata dagli storici come epoca barocca. Bach è uno dei compositori più significativi nella storia della musica, avendo scritto più di mille brani musicali di vari generi durante i suoi 65 anni di vita. Johann Sebastian Bach è il fondatore di una delle dinastie più famose nel mondo della musica. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - brillante rappresentante Scuola viennese, che possedeva magistralmente molti strumenti: violino, clavicembalo, organo. In tutti questi generi ha avuto successo non solo come interprete, ma soprattutto come compositore di musica. Mozart è diventato famoso grazie al suo straordinario orecchio per la musica e al talento per l'improvvisazione.Il terzo nome più importante nella storia della musica è Ludwig van Beethoven. Ha lavorato a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo in tutti i generi musicali allora esistenti. Il suo patrimonio musicale è estremamente vario: si tratta di sonate e sinfonie, ouverture e quartetti, concerti per i suoi due strumenti preferiti: violino e pianoforte. Beethoven è considerato il primo rappresentante del romanticismo nella musica classica. Queste opere sono state scritte da Ludwig van Beethoven 01-To Elise 02-Sonata No. 14 Lunar 03-Symphony No. 5 04-Appasionata Sonata No. 23 05-Sonata No. 13 Pathetic 06-Egmont Overture 07-Sonata No. 17 Tempest 08-Symphony No. 9 09- Sonata No. 21 Mozart scrisse "Imaginary Simple Girl" "Scipio's Dream" "Misericordias Domini" Mocarta 40. simfonija, 4. temps Ouverture al Don Giovanni "Figaro kāzu" uvertīra Concerto in Re per Flauto J.T. 1 Opere vocali 2 Opere per organo 3 Opere per clavicembalo 4 Opere per strumenti solisti non a tastiera 5 Opere per clavicembalo in duetto con altro strumento Autore di oltre 90 opere Autore di oltre 500 concerti Autore di oltre 100 sonate per vari strumenti accompagnate dal basso continuo ; cantate secolari, serenate, sinfonie, Stabat Mater e altre opere ecclesiastiche. Opere, pasticcios, balletti Tersicore (prologo alla 3a edizione dell'opera The Faithful Shepherd, 1734, Covent Garden Theatre); oratori, odi e altre opere per coro e voci con orchestra, concerti per orchestra, suite, concerti per strumento e orchestra per ensemble di strumenti - per pianoforte a 2 mani, per pianoforte a 4 mani per 2 pianoforti, per voce accompagnata da pianoforte o con altro uno strumento per coro non accompagnato, musica per spettacoli drammatici - Nella storia dell'arte musicale, il XVIII secolo è stato di grande importanza ed è ancora di fondamentale interesse. Questa è l'era della creazione di classici musicali, la nascita di grandi concetti musicali, in sostanza contenuto figurativo già secolare. La musica non solo è salita al livello di altre arti che erano fiorite dal Rinascimento, al livello della letteratura al suo meglio, ma nel complesso ha superato quello raggiunto da un certo numero di altre arti (in particolare, arti visive) e alla fine del secolo seppe creare un ampio stile sintetizzatore di così alto e duraturo valore, come la sinfonia del viennese scuola classica. Bach, Handel, Gluck, Haydn e Mozart sono vette riconosciute in questo percorso dell'arte musicale dall'inizio alla fine del secolo. Significativo è però anche il ruolo di artisti originali e ricercati come Jean Philippe Rameau in Francia, Domenico Scarlatti in Italia, Philippe Emanuel Bach in Germania, per non parlare dei tanti altri maestri che li hanno accompagnati nel movimento creativo generale.

Ecco un elenco di 10 compositori che dovresti conoscere. Di ognuno di loro si può dire con certezza che è il massimo grande compositore, che è mai stato, anche se in realtà è impossibile, anzi impossibile, confrontare la musica scritta nel corso di diversi secoli. Tuttavia, tutti questi compositori si distinguono tra i loro contemporanei come i compositori che hanno composto la musica. il livello più alto e ha cercato di spingere i confini della musica classica verso nuovi limiti. L'elenco non contiene alcun ordine, come importanza o preferenza personale. Semplicemente 10 grandi compositori che dovresti conoscere.

Ogni compositore è accompagnato da un fatto citabile della sua vita, ricordando il quale sembrerai un esperto. E cliccando sul link ai nomi lo riconoscerete biografia completa. E, naturalmente, puoi ascoltare una delle opere significative di ogni maestro.

La figura più importante della musica classica mondiale. Uno dei compositori più eseguiti e rispettati al mondo. Ha lavorato in tutti i generi che esistevano ai suoi tempi, tra cui opera, balletto, musica per spettacoli drammatici, composizioni corali. Le opere strumentali sono considerate le più significative della sua eredità: sonate per pianoforte, violino e violoncello, concerti per pianoforte e violino, quartetti, ouverture, sinfonie. Il fondatore del periodo romantico nella musica classica.

Fatto interessante.

Beethoven per primo volle dedicare la sua terza sinfonia (1804) a Napoleone, il compositore rimase affascinato dalla personalità di quest'uomo, che a molti sembrò all'inizio del suo regno un vero eroe. Ma quando Napoleone si proclamò imperatore, Beethoven cancellò la sua dedica a frontespizio e ha scritto solo una parola: "eroico".

"Moonlight Sonata" di L. Beethoven, Ascoltare:

2. (1685-1750)

Compositore e organista tedesco, rappresentante dell'era barocca. Uno dei più grandi compositori della storia della musica. Durante la sua vita, Bach ha scritto più di 1000 opere. Nella sua opera sono rappresentati tutti i generi significativi dell'epoca, ad eccezione dell'opera; ha riassunto i risultati dell'arte musicale del periodo barocco. Antenato della più famosa dinastia musicale.

Fatto interessante.

Durante la sua vita, Bach fu così sottovalutato che furono pubblicate meno di una dozzina delle sue opere.

Toccata e fuga in re minore di J.S. Bach, Ascoltare:

3. (1756-1791)

Grande compositore austriaco, strumentista e direttore d'orchestra, rappresentante della Scuola Classica di Vienna, violinista virtuoso, clavicembalista, organista, direttore d'orchestra, aveva un fenomenale orecchio per la musica, la memoria e la capacità di improvvisare. Come compositore che ha eccelso in ogni genere, è giustamente considerato uno dei più grandi compositori nella storia della musica classica.

Fatto interessante.

Ancora bambino, Mozart memorizzò e trascrisse il Miserere (Cat. canto al testo del 50° Salmo di David) dell'italiano Grigorio Allegri, dopo averlo ascoltato una sola volta.

"Little Night Serenade" di W. A. ​​​​Mozart, Ascoltare:

4. (1813-1883)

Compositore tedesco, direttore d'orchestra, drammaturgo, filosofo. Ha avuto un impatto significativo su cultura europea a cavallo tra il XIX e il XX secolo, in particolare il modernismo. Le opere di Wagner stupiscono per la loro grande scala e gli eterni valori umani.

Fatto interessante.

Wagner prese parte alla fallita rivoluzione del 1848-1849 in Germania e fu costretto a nascondersi dall'arresto da Franz Liszt.

"La cavalcata delle Valchirie" dall'opera "Valkyrie" di R. Wagner, Ascoltare

5. (1840-1893)

Compositore italiano, figura centrale della scuola lirica italiana. Verdi aveva senso del palcoscenico, temperamento e abilità impeccabile. Non ha negato le tradizioni operistiche (a differenza di Wagner), ma piuttosto le ha sviluppate (tradizioni dell'opera italiana), ha trasformato Opera italiana, lo ha riempito di realismo, gli ha dato l'unità del tutto.

Fatto interessante.

Verdi era un nazionalista italiano e fu eletto nel primo Parlamento italiano nel 1860, dopo l'indipendenza dell'Italia dall'Austria.

Ouverture dell'opera "La Traviata" di D.Verdi, Ascoltare:

7. Igor Fedorovič Stravinskij (1882-1971)

Compositore, direttore d'orchestra, pianista russo (americano - dopo l'emigrazione). Uno dei compositori più importanti del Novecento. Il lavoro di Stravinsky è stato unito per tutta la sua carriera, anche se in periodi diversi lo stile delle sue opere era diverso, ma sono rimaste il nucleo e le radici russe, che si sono manifestate in tutte le sue opere, è considerato uno dei principali innovatori del XX secolo. Il suo uso innovativo il ritmo e l'armonia hanno ispirato e ispirano molti musicisti, e non solo nella musica classica.

Fatto interessante.

Durante la prima guerra mondiale, i funzionari della dogana romana confiscarono un ritratto di Stravinsky di Pablo Picasso quando il compositore stava lasciando l'Italia. Il ritratto è stato dipinto in modo futuristico e gli ufficiali doganali hanno scambiato questi cerchi e linee per una sorta di materiale segreto crittografato.

Suite dal balletto di I.F. Stravinskij "L'uccello di fuoco", Ascoltare:

8. Johann Strauss (1825-1899)

Compositore, direttore d'orchestra e violinista austriaco di musica leggera. "King of Waltzes", ha lavorato nel genere della musica da ballo e dell'operetta. Il suo patrimonio musicale comprende più di 500 valzer, polke, danze quadrate e altri tipi di musica da ballo, oltre a diverse operette e balletti. Grazie a lui, il valzer divenne estremamente popolare a Vienna nel XIX secolo.

Fatto interessante.

Padre di Johann Strauss - anche Johann e anche famoso musicista, quindi, il "re dei valzer" è chiamato il giovane o il figlio, anche i suoi fratelli Joseph ed Eduard erano famosi compositori.

Valzer di I. Strauss "Sul bellissimo Danubio blu", Ascoltare:

9. Sergei Vasilievich Rahmaninov (1873-1943)

Compositore austriaco, uno dei rappresentanti di spicco della scuola di musica classica viennese e uno dei fondatori del romanticismo in musica. Per me vita breve Schubert ha dato un contributo significativo alla musica orchestrale, da camera e per pianoforte che ha influenzato un'intera generazione di compositori. Tuttavia, il suo contributo più sorprendente è stato lo sviluppo dei romanzi tedeschi, di cui ha creato più di 600.

Fatto interessante.

Gli amici e colleghi musicisti di Schubert si riunivano e suonavano la musica di Schubert. Questi incontri furono chiamati "Schubertiads" (Schubertiads). Qualche primo fan club!

"Ave Maria" F. P. Schubert, Ascoltare:

Continuando il tema dei grandi compositori che dovresti conoscere, nuovo materiale.

L'interpretazione musicale come risultato dell'interazione del testo musicale, delle tradizioni esecutive e della volontà creativa dell'esecutore.

Le informazioni dell'autore incoraggiano l'esecutore a pensare, immaginare, trovare associazioni, suscitare emozioni. L'esecuzione di informazioni influisce sulle informazioni dell'autore, le restringe o le espande, integra, trasforma, cioè c'è un ripensamento pezzo di musica a seguito della quale viene creata un'immagine artistica. Il ripensamento delle informazioni dell'autore non dovrebbe in nessun caso portare a una distorsione dell'intenzione dell'autore. La vera co-creazione esecutiva è possibile solo quando le informazioni dell'autore trovano sentimenti reciproci nell'esecutore.

Lavorare su un brano musicale è un processo creativo, la cui diversità è associata a entrambi caratteristiche artistiche opere, nonché con varie caratteristiche individuali dell'esecutore. Quali sono i compiti che ha di fronte? E ciò che contribuisce allo sviluppo creatività esecutore, stimola la formazione del suo gusto musicale, abilità professionali?

Eseguire significa creare attraverso una profonda penetrazione nel contenuto dell'opera e dell'incarnazione. contenuto musicale basato sull'immagine artistica. Ricreare il contenuto di un'opera implica fedeltà al testo dell'autore, comprensione dell'orientamento ideologico della composizione, ricchezza emotiva (l'arte musicale influenza la sfera emotiva della percezione umana).

Creare un'immagine artistica è impossibile senza tener conto dell'originalità epoca storica in cui l'opera è stata creata; il suo caratteristiche del genere, tratti nazionali la visione del mondo del compositore, la natura dell'uso dei mezzi espressivi della musica, cioè tutto ciò che chiamiamo caratteristiche o caratteristiche stilistiche.

Interpretazione -(dal latino interpretatio - chiarimento, interpretazione) - il processo di realizzazione sonora di un testo musicale. L'interpretazione dipende dai principi estetici della scuola o della direzione a cui appartiene l'artista, dalle sue caratteristiche individuali e dal disegno ideologico e artistico. L'interpretazione implica un approccio individuale a musica suonata, atteggiamento attivo, la presenza del concetto creativo dell'esecutore dell'incarnazione dell'intenzione dell'autore. Fino all'inizio del XIX secolo, l'arte dell'interpretazione era strettamente associata al lavoro dei compositori: di regola, i compositori stessi eseguivano le loro composizioni. Lo sviluppo dell'interpretazione è dovuto all'intensificazione dell'attività concertistica.

In quanto arte indipendente, l'interpretazione acquista un significato speciale negli anni 20-30 del XIX secolo. Nell'eseguire la pratica, è approvato nuovo tipo musicista-interprete - interprete di opere di altri compositori. Parallelamente, ci sono tradizioni della performance dell'autore. Sottili interpreti delle opere di altri autori furono F. Liszt, A.G. Rubinshtein, S.V. Rakhmaninov. Dalla seconda metà del XIX secolo si è formata una teoria dell'interpretazione musicale (studia la varietà delle scuole esecutive, i principi estetici dell'interpretazione, i problemi tecnologici dell'esecuzione), che all'inizio del XX secolo è diventata una delle ambiti della musicologia. Un contributo significativo allo sviluppo della teoria interna dell'interpretazione è stato dato da G.M. Kogan, G.G. Neuhaus, S.Ya. Feinberg e altri.

Oggettivo e soggettivo, intuitivo e razionale nell'esecuzione musicale. La natura creativa della performance.

Il famoso pianista I. Hoffman ha scritto: "La corretta interpretazione di un'opera musicale deriva dalla sua corretta comprensione, e questa, a sua volta, dipende da una lettura scrupolosamente accurata". Ciò significa che il carattere corretto dell'esecuzione è evidenziato, prima di tutto, da un'interpretazione significativa, strettamente corrispondente al testo dell'autore "Il testo musicale è la ricchezza lasciata in eredità dal compositore, e le sue istruzioni per l'esecuzione sono la lettera di accompagnamento al testamento ”, ha detto il compositore e pianista S. Feinberg. Tuttavia, non c'è solo il testo, ma anche il sottotesto dell'opera. Il notevole pianista K. Igumnov credeva che anche la "buona metà" dell'esecutore dovesse portare nel testo da se stesso, cioè avvicinarsi al carattere interiore dell'opera, rivelarne il sottotesto. Il leggendario G. Neuhaus ha sempre ricordato la necessità di approfondire costantemente lo stato d'animo dell'opera eseguita, perché è in questo stato d'animo, non del tutto suscettibile di notazione musicale, che si trova tutta l'essenza dell'immagine artistica. Da tutto quanto sopra, ne consegue la conclusione che l'esatta esecuzione del testo del compositore dovrebbe essere intesa non come la sua riproduzione formale, ma come una significativa "traduzione" creativa dello schema di registrazione in immagini sonore reali.

Comprensione e interpretazione come aspetti dialetticamente correlati dell'interpretazione. Generazione di nuovi significati come risultato dell'interpretazione. Specificità dell'interpretazione artistica, comprensione intuitiva dell'oggetto dell'interpretazione (esperienza, sinergia).

Il ruolo dell'analisi semantica ed estetica di un'opera per l'esecuzione dell'interpretazione

Intenzionalità e non intenzionalità nell'interpretazione musicale

Va notato che l'esecuzione musicale è, prima di tutto, un momento procedurale-dinamico. Ciò significa che la trasformazione immagine musicale sul palco, durante il quale avvengono alcuni particolari cambiamenti nell'interpretazione dell'immagine musicale. I ricercatori parlano della variabilità della riproduzione musicale da parte di un esecutore o di una combinazione di elementi variabili e invarianti.

Il processo interpretativo può essere rappresentato come l'interazione di due principi contraddittori: intenzionale (come fulcro dello stabile nel processo) e non intenzionale (come fulcro del mutevole nel processo). Questi due strati grandi e complessi formano la struttura del processo. Il dispiegamento di questa struttura nel tempo, la totalità e la connessione dei suoi elementi formano un'integrità sonora in movimento, che, di fatto, è un processo interpretativo.

Inizio intenzionaleè un'espressione generalizzata della donazione nel processo. Gli elementi intenzionali includono elementi i cui parametri qualitativi sono programmati dal musicista prima dell'inizio dell'esecuzione delle azioni e che intende implementare nel processo imminente. Insieme, questi elementi formano una parte consapevolmente pianificata dell'interpretazione della performance e costituiscono la dominante quantitativa del processo. Le loro caratteristiche distintive sono la motivazione intrinseca, la determinatezza e il significato semantico. In un modo o nell'altro, la premeditazione copre tutti i livelli della struttura progettuale. L'inizio intenzionale porta il timbro della coscienza artistica individuale dell'artista, è un segno della sua unicità creativa.

Il processo interpretativo non si riduce a un'intenzionalità costantemente attuata. entra in proprio inizio involontario, inevitabilmente presente negli atti di oggettivazione e di natura fondamentalmente diversa. Un inizio involontario è una componente dinamica del processo, i cui elementi sorgono spontaneamente, agiscono come deviazioni dal corso stabilito dal piano originale e formano un "campo esistenziale" di incertezza. Questa componente, riflettendo l'aspetto irrazionale della creatività performativa, diventa portatrice della possibilità stessa di un cambiamento imprevedibile e autogenerato dell'immagine-progetto. L'avvio involontario include elementi diversa natura. Se li consideriamo nel piano contenutistico-semantico, allora diventa necessario dividere gli elementi non intenzionali in due sottospecie: semantica e asemantica.

Semantico (improvvisazione) la veduta unisce un insieme di elementi in arrivo dotati di significato artistico ed espressivo. Essendo un prodotto creativo dell'attività "libera" (non specificata) dell'inconscio, il risultato della "attività" momentanea dell'intuizione, dell'immaginazione, della fantasia e dei movimenti interni dei sentimenti, solitamente chiamata esperienza artistica, formano uno strato artistico e produttivo di un inizio non voluto. I loro segni sono: non intenzionalità, novità e significato semantico, e quest'ultimo costituisce la base dell'unità e della parentela degli elementi improvvisativi e intenzionali, ascendenti alla stessa fonte: l'immagine sonora. L'inizio involontario include l'improvvisazione, ma non si limita ad essa.

Asemantico (caotico) la vista unisce un gruppo di elementi non intenzionali, la cui apparizione non è causata da fattori artistici, ma da un "fallimento" nell'attività. L'origine di questi elementi è associata a violazioni nell'ambito tecnologico e normativo dell'esecuzione. Si manifestano sotto forma di errori di esecuzione, difetti e momenti di disorganizzazione del processo. Gli elementi asemantici danneggiano ciò che è stato concepito, non danno un risultato semantico “soggettivo”, ma portano solo una distruzione più o meno significativa del processo, quindi costituiscono uno strato artisticamente improduttivo di un inizio non voluto. Dato il livello di funzionamento estremamente inappropriato e inequivocabilmente distruttivo di questo componente, può essere definito "caotico".

La questione dell'adeguatezza dell'interpretazione esecutiva di un'opera musicale.

Il musicista non deve solo padroneggiare il testo, il suo compito principale è comprendere l'intenzione del compositore, ricreare le sue immagini musicali incarnate in un brano musicale e selezionare mezzi di espressione per la trasmissione più accurata.

A. France ha scritto: “Capire un'opera d'arte perfetta significa, in generale, ricrearla nella propria mondo interiore". KS Stanislavsky ha detto che solo "la profonda penetrazione dell'attore nell'idea dell'autore, abituandosi all'immagine incarnata sul palco, quando l'attore vive, sente e pensa allo stesso modo del ruolo, solo allora le sue azioni possono portare al successo sul palco .”

Il pianista italiano F. Busoni ha parlato di questo argomento come segue: “È un compito quasi sovrumano respingere propri sentimenti per reincarnarsi nei sentimenti degli individui più diversi e da lì studiare la loro creazione. Notato molto sottilmente l'essenza creativa delle arti dello spettacolo, il critico russo V.G. Belinsky: "L'attore integra l'idea dell'autore con la sua commedia, e la sua creatività consiste in questa - quell'aggiunta." La stessa logica opera nelle arti musicali e dello spettacolo.

UN. Serov, un famoso compositore e critico musicale russo, ha scritto:“Un ruolo - almeno da un'opera teatrale shakespeariana, musica - anche dallo stesso Beethoven, in relazione a una brillante interpretazione, è solo uno schizzo, un saggio; vernici, vita piena un'opera nasce solo sotto il potere affascinante dell'esecutore.

Ad esempio, il più popolare primo concerto per pianoforte e orchestra di P.I. Ciajkovskij, divenne famoso solo 4 anni dopo la prima rappresentazione, quando fu brillantemente interpretato da N. Rubinstein. La stessa storia è accaduta con il Concerto per violino di P. Tchaikovsky, che solo dopo la sua esecuzione di L. Auer ha preso il suo legittimo posto nel repertorio concertistico dei violinisti.

Questi esempi mostrano la natura creativa dell'attività performativa, che non è una semplice traduzione formale del testo dell'autore in suono, ma la sua performance creativa. L'essenza psicologica dell'interpretazione è stata espressa in modo molto accurato da A.N. Serov: " Grande Mistero grandi interpreti nel fatto che illuminano dall'interno, illuminano, vi mettono dentro un intero mondo di sensazioni dalla loro stessa anima, eseguite dalla forza del loro talento.

L'interpretazione non è limitata al merito professionale e all'abilità dell'esecutore. È un'espressione di tutti gli aspetti della personalità ed è associato alla visione del mondo, orientamento ideologico, cultura comune, conoscenza versatile e modo di pensare che costituiscono il contenuto interiore della personalità.

La responsabilità pubblica, morale e professionale dell'esecutore è aumentata dalla fine del XVIII alla metà del XIX secolo, quando le arti dello spettacolo si separarono da quelle del compositore. Il destino dell'opera per molti aspetti ha cominciato a dipendere dall'esecutore.

A. Rubinstein: “Mi è del tutto incomprensibile ciò che generalmente si intende per prestazione oggettiva. Qualsiasi prestazione, se non è prodotta da una macchina, ma da una persona, è essa stessa soggettiva. Trasmettere correttamente il significato dell'oggetto (composizione) - i debiti sono la legge per l'esecutore, ma ognuno lo fa a modo suo, cioè soggettivamente; ed è possibile pensare diversamente? Se la resa di una composizione deve essere obiettiva, solo un modo sarebbe corretto e tutti gli esecutori dovrebbero imitarlo; cosa diventerebbero gli artisti? Scimmie? C'è solo una rappresentazione del ruolo di Amleto, o Re Lear, ecc.? Quindi, nella musica, capisco solo la performance soggettiva.

Formazione di un'idea artistica e performativa e sua realizzazione

In materia di interpretazione, un'importanza eccezionale appartiene all'immaginazione: il processo mentale di piegare l'immagine dell'attività futura o di crearne una nuova nella forma idea comune, o una rappresentazione più specifica del prodotto finale di un'attività. L'immaginazione è sempre una costruzione mentale di un programma di attività successiva, in anticipo rispetto alla sua forma materialmente incarnata. Distinguere tra ricreativo e immaginazione creativa. Creativo è la creazione di nuove idee e immagini. Ricreare è la costruzione di immagini basate su testo musicale, ecc. Ricreare l'immaginazione - base psicologica creazione di interpretazioni musicali ed esecutive.

Due tipi di performer: tipo emotivo (aderenti all '"arte di sperimentare") e artisti di tipo intellettuale ( arte teatrale, Stanislavskij).

Ci sono artisti sintetici. Una notevole combinazione di questi due principi si trova nelle attività di S.V. Rachmaninov, e P. Casals, A. Toscanini e J. Heifitz, D. Oistrakh e S. Richter, L. Kogan e E. Gilels, E. Svetlanov e V. Fedoseev. Si distinguono per una profonda comprensione del contenuto di un brano musicale, una brillante unità di contenuto e forma, un'interpretazione interessante e originale e un'eccellente abilità tecnica. Questo tipo è caratterizzato da un equilibrio tra i principi emotivi e intellettuali, che è regolato consapevolmente.

Vari aspetti dell'interpretazione: 1. interpretazione da parte dell'esecutore dell'intenzione dell'autore; 2. patrimonio storico; 3. relazioni interculturali e intraculturali. Performance autentica, immersione nel contesto storico e culturale.

Il lavoro su un'opera musicale dovrebbe essere basato sul suo studio completo. Ciò ti consentirà di approfondire la sfera figurativa, mantenere l'interesse dell'artista per l'opera e, infine, comprendere l'intenzione dell'autore.

Il punto di partenza più importante in questo lungo e difficile percorso è l'epoca in cui è stata creata questa o quell'opera. I compositori, per così dire, parlano lingue diverse in tempi diversi, incarnano ideali diversi, riflettono aspetti della vita caratteristici di un particolare momento, visioni filosofiche ed estetiche, concetti. Di conseguenza, vengono utilizzati anche mezzi espressivi. È necessario capire perché questo particolare stile sia sorto in un'epoca particolare, per associarlo alla personalità del compositore, che è il "prodotto" dell'epoca, appartiene a un certo gruppo sociale, nazionalità, per mettere un brano musicale in queste condizioni e stabilire in che rapporto è con il creatore e il tempo.

Prendiamo l'interrelazione dell'epoca e la notazione del movimento (tempo). In epoche diverse, la notazione del tempo è stata interpretata in modi diversi. Nel periodo preclassico, i tempi di "Allegro", "Andante", "Adagio", ad esempio, indicavano non la velocità del movimento, ma la natura della musica. L'Allegro di Scarlatti è più lento (o più sobrio) dell'Allegro dei classici, mentre l'Allegro di Mozart è più lento (più sobrio) dell'Allegro in senso moderno. L'Andante di Mozart è più mobile. Piuttosto che lo capiamo ora. Lo stesso si può dire della relazione epoca musicale con dinamica e articolazione. Certo, la presenza dell'autorità permette di argomentare da qualche parte con indicazioni dinamiche, di percepire piano, pianissimo, forte, fortissimo in un modo nuovo.

registrazione sonora

I primi dispositivi per la registrazione e la riproduzione del suono furono strumenti musicali meccanici. Potevano suonare melodie, ma non erano in grado di registrare suoni arbitrari come la voce umana. La riproduzione automatica della musica è nota sin dal IX secolo, quando i fratelli Banu Musa intorno all'875 inventarono il più antico strumento meccanico conosciuto: un idraulico o "organo ad acqua", che suonava automaticamente cilindri intercambiabili. Il cilindro con le "camme" sporgenti in superficie rimase il mezzo principale per la riproduzione meccanica della musica fino alla seconda metà dell'Ottocento. Creato durante il Rinascimento intera linea vari strumenti musicali meccanici che riproducono questa o quella melodia al momento giusto: organetto, carillon, scatole, tabacchiere.

Nel 1857 de Martinville inventò fonautografo. Il dispositivo era costituito da un cono acustico e da una membrana vibrante collegata a un ago. L'ago era in contatto con la superficie di un cilindro di vetro coperto di fuliggine ruotato manualmente. Le vibrazioni sonore, passando attraverso il cono, facevano vibrare la membrana, trasmettendo le vibrazioni all'ago, che tracciava la forma delle vibrazioni sonore nello strato di fuliggine. Tuttavia, lo scopo di questo dispositivo era puramente sperimentale: non poteva riprodurre la registrazione registrata.

Nel 1877, Thomas Edison inventò il fonografo, che poteva già riprodurre la propria registrazione. Il suono viene registrato sul supporto sotto forma di traccia, la cui profondità è proporzionale al volume del suono. La colonna sonora del fonografo è posta in una spirale cilindrica su un tamburo rotante sostituibile. Durante la riproduzione, l'ago che si muove lungo il solco trasmette vibrazioni a una membrana elastica, che emette il suono.

Edison Thomas Alva (1847-1931), inventore e imprenditore americano. Autore di oltre 1000 invenzioni nel campo dell'ingegneria elettrica e delle comunicazioni. Ha inventato il primo dispositivo di registrazione del suono al mondo: il fonografo, ha migliorato la lampada a incandescenza, il telegrafo e il telefono, ha costruito la prima centrale elettrica al mondo nel 1882.

Nel primo fonografo, un rullo di metallo veniva fatto ruotare da una manovella, muovendosi assialmente ad ogni giro grazie a una filettatura sull'albero motore. Sul rullo è stato applicato un foglio di stagno (staniolo). È stato toccato da un ago d'acciaio collegato a una membrana di pergamena. Un corno conico di metallo era attaccato alla membrana. Durante la registrazione e la riproduzione del suono, il rullo doveva essere ruotato manualmente a una velocità di 1 giro al minuto. Quando il rullo ruotava in assenza di suono, l'ago estrudeva una scanalatura a spirale (o scanalatura) di profondità costante sulla lamina. Quando la membrana vibrava, l'ago veniva premuto nella latta in accordo con il suono percepito, creando un solco di profondità variabile. Così è stato inventato il metodo della "registrazione profonda".

Al primo test del suo apparato, Edison strinse strettamente la pellicola sul cilindro, portò l'ago sulla superficie del cilindro, iniziò con cautela a ruotare la maniglia e cantò la prima strofa della canzone per bambini "Mary aveva una pecora" nel boccaglio. Quindi tolse l'ago, riportò il cilindro nella sua posizione originale con il manico, inserì l'ago nella scanalatura disegnata e ricominciò a ruotare il cilindro. E dal bocchino, una canzone per bambini suonava dolcemente, ma chiaramente.

Nel 1885, l'inventore americano Charles Tainter (1854-1940) sviluppò il grafofono - un fonografo a pedale (come una macchina da cucire a pedale) - e sostituì i fogli di stagno con la cera. Edison ha acquistato il brevetto di Tainter e, invece dei rotoli di pellicola, per la registrazione sono stati utilizzati rotoli di cera rimovibili. Il tono del solco del suono era di circa 3 mm, quindi il tempo di registrazione per rullo era molto breve.

In forma pressoché invariata, il fonografo è esistito per diversi decenni. Come dispositivo per la registrazione di opere musicali, cessò di essere prodotto alla fine del primo decennio del XX secolo, ma per quasi 15 anni fu utilizzato come registratore vocale. I rulli per esso furono prodotti fino al 1929.

Dopo 10 anni, nel 1887, l'inventore del grammofono, E. Berliner, sostituì i rulli con dischi da cui si possono fare copie: matrici metalliche. Con il loro aiuto sono stati stampati famosi dischi di grammofono (Fig. 4 a.). Una matrice ha permesso di stampare un'intera tiratura - almeno 500 record. Questo era il principale vantaggio dei dischi di Berliner rispetto ai rulli di cera di Edison, che non potevano essere replicati. A differenza del fonografo di Edison, Berliner sviluppò un apparecchio per la registrazione del suono - un registratore e un altro per la riproduzione del suono - un grammofono.

Invece della registrazione profonda, è stata utilizzata la registrazione trasversale, ad es. l'ago lasciava una traccia tortuosa di profondità costante. Successivamente, la membrana è stata sostituita da microfoni altamente sensibili che convertono le vibrazioni sonore in vibrazioni elettriche e amplificatori elettronici. Il 1888 è l'anno dell'invenzione del grammofono da parte di Berlinger.

Fino al 1896 il disco doveva essere ruotato a mano, e questo era il principale ostacolo all'uso diffuso dei grammofoni. Emil Berliner ha annunciato un concorso per un motore a molla: economico, tecnologicamente avanzato, affidabile e potente. E un tale motore è stato progettato dal meccanico Eldridge Johnson, che è venuto alla compagnia di Berliner. Dal 1896 al 1900 furono prodotti circa 25.000 di questi motori. Solo allora il grammofono di Berliner si diffuse.

I primi dischi erano a lato singolo. Nel 1903 fu rilasciato per la prima volta un disco a doppia faccia da 12 pollici.

Nel 1898, l'ingegnere danese Voldemar Paulsen (1869-1942) inventò un apparecchio per la registrazione magnetica del suono su filo di acciaio. Successivamente, Paulsen ha inventato un metodo di registrazione magnetica su un disco d'acciaio rotante, in cui le informazioni venivano registrate a spirale da una testina magnetica in movimento. Nel 1927, F. Pfleimer sviluppò una tecnologia per la produzione di un nastro magnetico su base non magnetica. Sulla base di questo sviluppo, nel 1935, l'azienda elettrica tedesca "AEG" e l'azienda chimica "IG Farbenindustri" dimostrarono alla mostra radiofonica tedesca un nastro magnetico su una base di plastica ricoperta di polvere di ferro. Masterizzato produzione industriale, costava 5 volte meno dell'acciaio, era molto più leggero e, cosa più importante, permetteva di collegare i pezzi mediante un semplice incollaggio. Per utilizzare il nuovo nastro magnetico, è stato sviluppato un nuovo dispositivo di registrazione del suono, che ha ricevuto il marchio "Magnetofon". Il nastro magnetico è adatto per la registrazione ripetuta del suono. Il numero di tali record è praticamente illimitato. È determinato solo dalla resistenza meccanica del nuovo supporto per informazioni: il nastro magnetico. Il primo registratore a nastro a due tracce fu rilasciato dalla società tedesca AEG nel 1957 e nel 1959 questa società pubblicò il primo registratore a nastro a quattro tracce.

“Il rimedio più vero e più alto

servizio ai grandi compositori

consiste nel portare loro il massimo

la sincerità dell'artista"

(Alfredo Corto).

Dalla comparsa di un brano musicale registrato in un certo sistema di notazione, le relazioni creative tra i principali portatori di musica - compositori ed esecutori - sono state in costante modifica. In questo commonwealth, due tendenze sono in lotta: il desiderio di fusione con il desiderio di autoespressione. Dalla metà del XIX secolo, il pianismo russo è diventato uno dei gruppi più progressisti nel mondo delle arti dello spettacolo. In Russia, prima che altrove, hanno compreso la necessità dello studio più attento del testo dell'autore, unito a un atteggiamento creativo nei suoi confronti. I primi quattro decenni del XX secolo sono il momento della risoluzione più armoniosa della questione dell'atteggiamento nei confronti del testo dell'autore; i pianisti iniziarono a comprendere molto più profondamente l'essenza dell'opera e lo stile del suo creatore. I musicisti sovietici hanno dato un degno contributo al mondo eseguendo Bakhiana. M.V. Yudina adorava Bach in tutto di lei vita creativa. Ciò è dimostrato dal numero (circa ottanta) delle sue composizioni suonate dalla pianista - quasi uniche per artisti della sua generazione. Nel repertorio di Bach ha abbandonato molti mezzi espressivi romantici, compresi quelli specifici per pianoforte; era caratterizzato da una lettura più storica, rispetto alle interpretazioni dei romantici, di Bach. Yudina è stata una delle prime a rendersi conto che la creatività di Bach e il pianoforte moderno appartengono epoche diverse come vivo realtà artistica, che mette l'interprete in una posizione difficile. DI caratteristiche innovative Lo stile di Yudina può essere giudicato dalla sua esecuzione di Chromatic Fantasy and Fugue, che si distingue per le figurazioni lineari, la colorazione ascetica e l'energica dissezione dell'articolazione al clavicembalo. Si richiama l'attenzione sulla "registrazione" nel vecchio spirito clavicembalo, con un tocco di organismo, così come il tempo lento, "sovrano" e l'agogica rigorosa. Il desiderio di stile della pianista non si è mai trasformato in una "aridità" da museo della sua performance. Nelle interpretazioni di Yudina, la capacità di esprimere una lunga immersione in uno stato emotivo, persa nelle letture romantiche, cominciò a tornare alle opere di Bach: il revival dei principi della registrazione clavicembalo-organo; la scomparsa del diminuendo nelle battute finali; il rifiuto della tradizione di aumentare gradualmente la potenza del suono nelle fughe dall'inizio alla fine, l'assenza di rubato impulsivo. Va notato un'altra caratteristica "più clavicembale" nelle decisioni di esecuzione di Yudina: la maggiore importanza dell'articolazione.

Tra i musicisti sovietici, Svyatoslav Teofilovich Richter divenne un classico del palcoscenico post-romantico nella storia del pianismo, un artista nel cui lavoro si concentrarono le principali tendenze della nuova era dello spettacolo. Ha creato interpretazioni, senza le quali la storia dell'esecuzione della musica di Bach è inconcepibile. Rompendo decisamente con le tendenze di un'interpretazione romantica dell'opera di questo compositore, Richter ha cancellato le trascrizioni dai suoi programmi. Nei Preludi e Fughe da HTK, che occupano il posto principale nella discografia bachiana di Richter, contrappone la libertà romantica, la soggettività delle interpretazioni al desiderio della massima oggettività e, per così dire, "va nell'ombra", volendo lasciare suono "la musica stessa". Queste interpretazioni sono intrise di un atteggiamento attento e casto nei confronti dell'autore. L'egocentrismo qui domina completamente le manifestazioni esterne dei sentimenti; l'intensità emotiva si indovina solo in un'enorme tensione intellettuale. L'abilità unica si riflette nella sua invisibilità, nel laconismo e nell'ascetismo dei mezzi pianistici. Sentiamo in Richter la possibilità di suonare l'organo, la voce, l'orchestra, il coro orchestrale e il clavicembalo e le campane. “Sono convinto che Bach possa essere suonato bene in modi diversi, con articolazioni diverse e con dinamiche diverse. Se solo il tutto fosse preservato, se solo i rigidi contorni dello stile non fossero distorti, se solo la performance fosse abbastanza convincente ”(S.T. Richter).

Un approccio profondo e completo, veramente artistico al ciclo CTC è caratteristico di Richter. Ascoltando la performance di Richter, è facile rilevare in lui due tendenze principali, che a volte combattono tra loro. Da un lato, la sua esecuzione sembra rientrare nei confini predeterminati dalle peculiarità dell'arte clavistica dell'epoca di Bach. D'altra parte, ha costantemente a che fare con fenomeni che vanno oltre questi confini. "In esso, per così dire, le simpatie per clavicembalo, clavicordo e organo di Bach e le sue brillanti intuizioni del futuro sono "saldate" insieme" (J. Milshtein). Combina elementi sia espressivi e costruttivi, sia lineari. Ecco perché, in altri preludi e fughe, Richter mette in primo piano il principio intellettuale, costruttivo-polifonico e ne collega la struttura figurativa; in altri, sottolinea la profondità filosofica della musica di Bach e l'equilibrio organico di tutti i mezzi espressivi ad essa associati. A volte è attratto dall'espressione di linee melodiche fluide (articolazione coerente del legato), a volte viceversa, dalla nitidezza e chiarezza del ritmo, dalla dissezione dell'articolazione. A volte si sforza per la morbidezza romantica, la plasticità del gioco, a volte per i contrasti dinamici nettamente enfatizzati. Ma lui, ovviamente, non è caratterizzato da arrotondamenti "sensibili" della frase, piccole sfumature dinamiche, deviazioni ingiustificate dal tempo principale. È anche estremamente estraneo all'interpretazione altamente espressiva e impulsiva di Bach, accenti asimmetrici, forte enfasi su singole note e motivi, improvvisa accelerazione "spastica" del tempo, ecc. La sua performance di HTK è stabile, su larga scala, organica e completa. "La sua più alta felicità è dissolversi nella volontà del compositore che ha scelto" (Y. Milshtein).

L'impulso principale delle straordinarie interpretazioni di conquista del mondo di Glenn Gould è la sua straordinaria intuizione, la forza irresistibile delle emozioni musicali che vivono in lui. Guldovsky Bach è il più grande apice delle arti dello spettacolo della seconda metà del XX secolo. La tavolozza del clavicembalo del pianismo di Gould, la sua melismatica e molto altro testimoniano l'intelletto e la più profonda penetrazione nella cultura del tempo di Bach. Le interpretazioni di Gould di invenzioni, partite, variazioni di Goldberg e altre opere di Bach sono diventate un patrimonio artistico, percepito dai nostri contemporanei come capolavori dell'arte performativa, come uno standard stilistico ripulito da tutti gli strati accumulati. Tuttavia, la dominante creativa del maestro non è mai stata un'imitazione di Bach. Si sottomette alla sua intuizione, pur non fermandosi ai cambiamenti nei dati diretti del testo "bianco" di Bach. Gould esegue le opere di Bach con vari gradi di persuasività artistica. Non tutte le fughe del primo volume del CTC sono eseguite al solito livello artistico per Gould. Nel gioco del maestro, ci sono spesso sprechi diretti dal testo, le sue varianti ritmiche ad alta quota.

L'opera di Gould colpisce nella sua originalità e, in il grado più alto, melismatica espressiva. Anche la loro posizione è originale: molti vengono aggiunti, altri non vengono eseguiti. Senza di loro, le interpretazioni dell'artista di Bach avrebbero perso molto. L'artista ricorre spesso a variazioni ritmiche del testo. Ma se le suddette caratteristiche del modo di suonare del maestro non introducono cambiamenti di vasta portata nel carattere e nel significato delle opere, allora altre trasformazioni di Gould si intromettono nell'essenza stessa delle composizioni. Le interpretazioni del maestro canadese coprono lo spettro immaginativo più ricco. Suona molte cose con profondo lirismo, libertà ritmica, insolita per Bach, e fraseggi brevi. Il suo modo di suonare colpisce con perfezione, convessità della voce principale. L'intero tessuto della musica è chiaro "come nel palmo della tua mano". La musica sembra essere arricchita dall'intonazione espressiva di tutte le voci.

Line art molto sviluppata, varia, raffinata del gioco del maestro. I suoi tratti conferiscono alla struttura del motivo delle melodie di Bach l'aspetto più vario. Di particolare interesse è il metodo insolito di variare i tratti nelle stesse melodie, compresi i temi di fughe, invenzioni e altre opere, e apre nuovi problemi di esecuzione. Lo studio delle opere orchestrali di Bach, che contengono un certo numero di leghe d'autore - colpi, mostra la possibilità di un simile esempio. Il grande compositore stesso variava i tratti, e non così di rado. Il libero pensatore canadese ha creato il Bach più convincente del nostro tempo. È un Bach diverso: non quello che era durante la sua vita, e non quello che, cambiando, è apparso a generazioni diverse, ma sembra ai contemporanei di Gould il Bach più autentico.

Nel campo della musica strumentale, il lavoro di J.S. Bach ha aperto un intero nuova era, la cui fruttuosa influenza si estende ai nostri giorni e non si prosciugherà mai. Libera dal dogma fossilizzato di un testo religioso, la musica è ampiamente diretta al futuro, direttamente vicina a vita reale. È strettamente connesso con le tradizioni e le tecniche dell'arte secolare e della produzione musicale.

Il mondo sonoro della musica strumentale di Bach è caratterizzato da un'originalità unica. Le creazioni di Bach sono entrate saldamente nella nostra coscienza, sono diventate un'esigenza estetica integrale, sebbene suonino su strumenti diversi da quelli di quei giorni.

La musica strumentale, in particolare Köthen, servì a Bach come "campo sperimentale" per perfezionare e affinare la sua tecnica di composizione completa. Queste opere hanno un valore artistico duraturo, sono un collegamento necessario nell'evoluzione creativa complessiva di Bach. Il clavicembalo divenne per Bach la base quotidiana per la sperimentazione musicale nel campo dell'ordine, dell'armonia e della forma, e più ampiamente collegò le varie sfere di genere della creatività di Bach. Bach allargò la sfera figurativo-espressiva del clavicembalo e sviluppò per esso uno stile molto più ampio e sintetico, che incorporava mezzi espressivi, tecniche, tematiche apprese dalla letteratura organistica, orchestrale, vocale - tedesca, italiana, francese. Nonostante la versatilità del contenuto figurativo, che richiede un diverso modo di esecuzione, lo stile più clavicembalo di Bach si distingue per alcuni caratteristiche comuni: energico e maestoso, contenuto ed equilibrata struttura emotiva, ricchezza e varietà di tessitura. Il contorno della melodia più clavicembale è espressivamente melodioso, richiedendo un modo di suonare cantabile. In misura maggiore, la diteggiatura e l'impostazione della mano di Bach sono collegate a questo principio. Uno dei tratti caratteristici dello stile è la saturazione della presentazione con figurazioni armoniche. Attraverso questa tecnica, il compositore cercò di “portare alla superficie del suono” gli strati profondi di quelle grandiose armonie, che, in una trama continua sul clavicembalo dell'epoca, non potevano rivelare appieno i tesori di colore e di espressione contenuti in loro.

Le opere di Bach non sono solo sorprendenti e irresistibilmente accattivanti: la loro influenza diventa più forte più spesso le ascoltiamo, più le conosciamo. Grazie all'enorme ricchezza di idee, troviamo ogni volta qualcosa di nuovo in loro che provoca ammirazione. Bach combinava uno stile maestoso e sublime con la decorazione più raffinata, la massima cura nella selezione dei dettagli di un insieme compositivo, poiché era convinto che "l'insieme non può essere perfetto se i dettagli di questo insieme non sono "adattati" l'uno all'altro" (I. Forkel).

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Pianista - interprete. pianismo moderno.

Iovenko Yulia Evgenievna, insegnante di pianoforte, MAOUK DOD Children's Music School, Komsomolsk-on-Amur, Territorio di Khabarovsk

Mioprogettoriguarda questioni interpretative musica per pianoforte.

In esso toccherò un po ' il tema della storia delle arti dello spettacolo pianistico, nonché la questione delle tendenze del pianismo esecutivo moderno, parlerò di alcuni pianisti del nostro tempo, che, a mio avviso, sono i migliori interpreti di questo o quel compositore.

La musica in una serie di arti occupa un posto speciale nella sua specificità. Oggettivamente esistente sotto forma di notazione musicale, la musica ha bisogno di un atto di ri-creazione da parte dell'esecutore, della sua interpretazione artistica. Nella natura stessa della musica risiede l'unità dialettica di un'opera musicale e di un'esecuzione.

L'esecuzione musicale è sempre creatività contemporanea, la creatività di una data epoca, anche quando l'opera stessa è separata da essa da un lungo periodo di tempo.

A seconda dell'era dello sviluppo della musica per pianoforte, i pianisti hanno sviluppato un certo stile di esecuzione, un certo modo di suonare.

Periodo clavicembalo è una preistoria per l'esecuzione pianistica. In quel momento si formò il tipo di musicista-praticante, "compositore che suona". L'improvvisazione creativa è al centro delle arti dello spettacolo. Il virtuosismo di un tale musicista si riduceva non tanto alla perfezione tecnica, quanto alla capacità di “parlare” con il pubblico con l'ausilio di uno strumento.

Nuovo pietra miliare performance musicale arriva verso la fine del XVIII secolo con la promozione di un nuovo strumento solista: il pianoforte a percussione. La complicazione del contenuto musicale ha causato la necessità di un'accurata notazione musicale, oltre a fissare istruzioni speciali per l'esecuzione.

L'esecuzione pianistica acquista ricchezza emotiva e dinamismo.

Alla fine del XVIII secolo c'era nuova forma fare musica - un concerto pubblico a pagamento. C'è una divisione del lavoro tra compositore ed esecutore.

All'inizio del XIX secolo si sta formando un nuovo tipo di musicista: il "virtuoso della composizione". Nuove condizioni spaziali e acustiche (grande sale per concerti) richiedeva agli esecutori una maggiore potenza sonora. Per migliorare l'impatto psicologico, vengono introdotti elementi di intrattenimento. Il "gioco" del viso e delle mani diventa un mezzo di "scultura" spaziale dell'immagine musicale. Il pubblico è influenzato dalla portata virtuosa del gioco, da un audace volo di fantasia, da una gamma colorata di sfumature emotive.

E infine entro la metà del XIX secolo ma si sta formando un musicista-interprete, un interprete della creatività del compositore di qualcun altro. Per l'interprete, la natura esclusivamente soggettiva della performance lascia il posto a un'interpretazione che gli pone compiti artistici oggettivi: divulgazione, interpretazione e trasmissione. sistema figurativo opera musicale e l'intenzione del suo autore.

Quasi tutto 19esimo secolo caratterizzato da una potente fioritura di esecuzione pianistica. La performance diventa la seconda creazione, dove l'interprete è sullo stesso piano del compositore. Il virtuoso errante in tutte le sue varietà diventa la figura principale nella sfera dell'esecuzione - dagli "acrobati" del pianoforte agli artisti propagandisti. Nelle attività di Chopin, Liszt, i fratelli Rubinstein, domina l'idea dell'unità dei principi artistici e tecnici, d'altra parte, Kalkbrenner e Laugier si sono posti l'obiettivo principale di educare uno studente virtuoso. Lo stile di molti maestri del XIX secolo era pieno di una tale ostinazione esecutiva che lo considereremmo al cento per cento insipido e inaccettabile.

20 ° secolo può tranquillamente essere definito il secolo dei grandi pianisti: tanti in un periodo di tempo, sembra che non siano mai accaduti prima. Paderevsky, Hoffmann, Rachmaninov, Schnabel - all'inizio del secolo, Richter, Gilels, Kempff - nella seconda metà. La lista è infinita...

A cavallo del XX-X IO secoli La varietà di interpretazioni è così grande che a volte non è affatto facile capirle. Il nostro tempo è la diversità dei modi di esibirsi.

Arte moderna di suonare il pianoforte. Cos'è? Cosa succede in esso, cosa muore e cosa nasce?

In generale, la tendenza dell'arte esecutiva per pianoforte oggi, in contrasto con quanto era anche 50 anni fa, è la priorità dei dettagli rispetto al concetto generale. È nelle diverse letture dei micro-dettagli che gli artisti moderni vogliono trovare la loro individualità.

È anche l'esistenza di una tacita regola di esecuzione: “Non c'è omofonia. L'intera trama del pianoforte è sempre polifonica fino in fondo e persino stereofonica. A questo è connesso un principio fondamentale: ogni dito è uno strumento separato, vivente e specifico responsabile della durata e della qualità del suono ”(citazione da una conferenza - una lezione di Mikhail Arkadiev).