왜 사진이 아닌 자연에서 그림을 그려야 할까요? 누구에게나 헷갈릴 수 있는 너무 솔직한 고전 회화 세계화 속의 나체

우리는 비난에 익숙하다 현대 미술아이디어가 부족하고 음란물을 좋아합니다. 그러나 무고한 노인은 고전 그림, 에스테틱과 순결 감정가의 마음에 친애하는? 캔버스 사이를 자세히 살펴보면 유명한 천재들그림에서 "딸기"의 현대적이고 세속적 인 감정가를 붉게 만들 수있는 솔직한 음모가있는 걸작을 찾을 수 있습니다. (주의! 누드).

"레다와 백조"

가장 겸손하지 않은 고전적인 음모에 대해 이야기하면 제우스 신과 아름다운 레다의 근접성에 대한 고대 이야기에 합당한 손바닥이 주어질 것입니다. 전설에 따르면 올림푸스의 거주자는 백조의 모습으로 시크릿 소녀에게 나타 났지만 그럼에도 불구하고 그녀와 관계를 맺고 자손을 낳았습니다.

지난 천년 동안 게으른 사람 만이 미녀와 새의 성교 장면을 묘사하지 않았습니다. 이 운명은 통과하지 못했고 위대한 운명은 Boucher, Michelangelo 및 Leonardo에 의해 악용되었습니다. 1740년 François Boucher는 역사에 대한 가장 음란한 해석을 내놓았고, 부끄러운 듯이 옷을 입는 것이 관례인 해부학적 특징을 보여주었습니다.

이전에 위대한 미켈란젤로는 상황에 대한 자신의 비전을 제시했는데, 그는 과도한 세부 사항을 피했지만 여전히 저항할 수 없었고 부자연스러운 이종간 성교 중에 바로 부부를 묘사했습니다.

이 모든 것을 배경으로 Leonardo da Vinci의 그림은 학생을위한 푸쉬킨의 동화 삽화에 불과한 것 같습니다. 낮은 성적. 그의 캔버스에서 모든 일이 이미 일어 났고 지루한 얼굴을 가진 Leda는 자신이 낳은 알에서 완전히 건강한 한 살짜리 아기가 부화하는 모습을 지켜 봅니다.

우리에게 이 목가적인 풍경은 꽤 괜찮게 보이지만 항상 그런 것은 아닙니다. 르네상스 거장들의 그림은 18세기 초 루이 14세의 연로한 여주인 마퀴즈 드 마테농(Marquise de Maintenon)에 의해 음란하다는 이유로 파괴되었습니다. 오늘날 우리는 이후 사본 덕분에 이 모든 방탕을 볼 수 있습니다.

"버려진 인형"

프랑스 예술가 Suzanne Valadon은 20세기 초에 작업했습니다. 그녀는 많은 작가로 알려져 있습니다. 멋진 사진들, 대부분 아름다움을 찬양 여성의 몸가장 평범하게 생활 상황. 예술가의 캔버스에 풍부한 알몸이 있음에도 불구하고 Valadon의 작품 중 하나만이 도덕 주의자들 사이에서 심각한 논란을 일으 킵니다.

오늘 그림 "버려진 인형"은 작가를 가져올 수 있습니다. 심각한 문제소아 성애 자와 함께했지만 Valadon은 1938 년에 죽을만큼 운이 좋았습니다. 덕분에 그녀의 창작물을 고전으로 간주 할 수 있습니다. 사진은 가슴이 형성되기 시작한 알몸의 아주 젊은 여성과 리본이 달린 유치한 헤어 스타일을 묘사합니다.

역사는 후세를 위해 이 캔버스에 대한 설명을 보존하지 않았지만 일반적으로 어린 시절과의 작별을 묘사하는 것으로 받아들여집니다. 수건을 든 여성은 매춘 업소 주인 일 가능성이 높으며, 아이는 생애 첫 고객과의 만남을 준비하고 있습니다. 그림의 이름은 바닥에 누워있는 인형에 의해 주어졌으며 분명히 부서진 운명을 상징합니다. 그러나 10대 딸을 목욕시킨 후 물기를 닦는 어머니가 그려져 있다고 주장하는 선량한 사람들도 있다.

"레우키포스의 딸들의 강간"

웅장한 아름다움을 지닌 아름다운 캔버스로 유명한 위대한 네덜란드인 Peter Paul Rubens는 1618년에 그의 "Leucippus 딸의 강간"을 청중에게 선보였습니다. 언뜻보기에 그림의 영웅들 사이에는 성적인 의미가없는 먼 싸움이 있습니다.

하지만 익숙한 사람들에게는 그리스 신화 Dioscuri 형제에 대해 벌거 벗은 금발이 농담을 할 기분이 전혀 아니라는 것이 분명합니다. 걸작 "Leucippus 딸의 강간"의 두 번째 제목은 그림의 행동을 더 정확하게 반영합니다.

고대 역사에서 Zeus와 Leda의 아들(위의 이상한 출생 이야기 참조), Castor와 Pollux는 Leucippus Glaira 왕과 Phoebe의 딸을 납치하고 아버지가 물려준 좋은 옛 전통에 따라 그들을 학대했습니다. 모든 것이 심하게 끝났습니다. 모두가 죽었습니다.

"옥수수밭의 수도사"

Rubens와 Boucher에서 무엇이든 기대할 수 있다면 Rembrandt는 절제되고 종교적 주제에 취약합니다. 원칙적으로 그의 작지만 훌륭하게 실행 된 그림 "A Monk in a Cornfield"는 여전히 영적 주제를 반영합니다.

구도의 중심에는 천주교 승려와 어떤 여인이 농경지 어딘가에서 선교사 위치에서 죄에 탐닉하는 모습이 그려져 있습니다. 음모의 요점은 스님이 순결 서약을 위반했다는 사실조차 아니라 낫을 들고 왼쪽에서 접근하는 남자 덕분에 저녁이 나른해지지 않을 것입니다.

"칸다블루스의 경솔함"

Candaules의 무분별한 제목이 붙은 William Etty의 그림은 Herodotus의 역사에서 완전히 음란한 이야기를 묘사합니다. 1830년에 그려진 이 캔버스의 전체 제목은 그림에 묘사된 장면의 모호함을 모두 드러냅니다.

"역사의 아버지"가 그의 작품에서이 세미 포르노 이야기를 묘사하기로 결정한 이유를 말하기는 어렵지만 그녀 덕분에 경험 많은 성 학자도 발음하기 어려운 candaulism이라는 용어를 얻었습니다. 이 성적 일탈의 본질은 낯선 사람에게 벗은 파트너를 보여줄 필요가 있다는 것입니다.

에티가 그림에 그려지는 그런 순간이다. Kandavl 왕은 그의 아내 Nisa를 경호원 Giga에게 비밀리에 보여 주기로 결정했지만 그의 계획은 한 여성에 의해 밝혀졌습니다. Nisa는 Giga가 그녀 또는 그녀의 변태 남편을 죽이라고 요구했고 그 후 Kandavl은 그의 침실에서 냉소적으로 학살되었습니다.

"아비뇽 걸스"

캔버스에서 "아비뇽 소녀들"» 뛰어난 예술가파블로 피카소는 큐비즘으로의 전환을 시작합니다. 작가의 그림 창작은 Paul Cezanne의 작품 "Bathers"에서 영감을 얻은 것으로 알려져 있습니다. 처음에 피카소는 그림을 "철학적 매음굴"이라고 불렀고 많은 사람들은 마에스트로가 그림의 한 장면을 묘사했다고 믿습니다. 매음굴바르셀로나 고딕 지구에서.

그림은 건방진 포즈로 고객을 기다리는 다섯 명의 나체 여성을 묘사합니다. 우리는 이 작품을 매운 그림 목록에 포함시킬 것인지에 대해 오랫동안 고민했습니다. 간단히 말해서, 캔버스에 묘사된 기하학적 창녀가 당신의 무자비한 환상을 일깨우면 나쁜 소식이 있습니다. 그러나 당신은 노래에서 단어를 버릴 수 없으며 1907 년 그림의 줄거리는 여전히 매우 도전적입니다.

"아랍 첩 시장"

1866년에 그려진 프랑스의 고전 장 레옹 제롬(Jean-Leon Gerome)의 뛰어난 그림은 동부 노예 시장의 한 장면을 묘사합니다. 풍성한 옷을 입은 한 무리의 남자들이 벌거 벗은 노예의 가격을 묻고 분명히 그녀의 물린 정확성을 확인합니다.

Jerome 자신은 의심 할 여지없이 노예 시장과 단골에 대해 많이 알고있었습니다. 그는 동양을 사랑하고 영감을 찾기 위해 해당 지역을 한 번 이상 여행했습니다. 발견된 동시대인 "아랍 노예 시장""매우 반항적인 작품으로 여성에 대한 남성의 정욕적인 지배에 대한 찬가라고 불렀습니다.

"위대한 수음자"

위대한 초현실주의 화가 살바도르 달리는 음란한 그림을 좋아했고, 특히 줄거리를 왜곡하는 그의 그림을 쓰는 방식만이 그의 색정주의에서 우리를 구한다. 여기 일과 함께 "훌륭한 수음자“모든 것이 그렇게 명확하지는 않습니다. 더욱이 제목이 아니었다면 아무도 이 아름다운 그림이 무엇인지 이해하지 못했을 것입니다.

그러나 이 캔버스에는 분명하게 표현된 성적 의미가 있다. 그림 오른쪽에 있는 여자의 얼굴은 거의 남자 대구에 기대어 달리의 동시대 사람들을 짜증나게 했고 심지어 비난을 불러일으켰습니다. 글쎄, 캔버스 중앙에 묘사 된 초현실주의의 대가가 무엇인지 아무도 모릅니다. 아마도 가장 자유로운 방탕이 그곳에서 일어나고있을 것입니다.

"세계의 기원"

1866년 귀스타브 쿠르베(Gustave Courbet)가 제작한 이 그림은 단순한 일상의 플롯으로 구성되어 있으며 과도한 해부학적 정확성으로 인해 130년 이상 전시되지 않았습니다. 더욱이 지금도 원칙적으로 박물관 방문객을 놀라게하는 것이 어려울 때이 사진에는 별도의 경비원이 배정됩니다.

2013 년 미디어에 좋은 소식이 나타났습니다. 모델의 얼굴이 보이는 사진의 두 번째 부분이 발견되었습니다. 작가의 전기와 그의 내부 서클에 대한 철저한 연구를 통해 여성의 정체성을 찾을 수있었습니다. 그래서 면도하지 않은 가랑이는 Courbet의 최고의 학생 중 한 명인 James Whistler의 여주인 Joanna Hiffernan의 재산으로 밝혀졌습니다. 여기에 그런 감동적인 이야기동창회.

이것들은 그림의 역사에서 유일한 것과는 거리가 멀습니다. 항상 고전은 해방 된 시간의 정신으로 그런 것을 포장하는 것을 좋아했습니다.

좋아요? 업데이트를 알고 싶습니까? 우리의 구독

존재하는 동안 누드 시각 예술그 안에서 특별한 자리를 차지했습니다. 이것은 몇 가지 이유로 발생하며 아래 기사에서 설명합니다. 유명한 예술가의 그림이 여기에서 제시되고 설명된다는 점을 즉시 강조할 가치가 있습니다. 소비에트 예술가. 예술가의 이름 중 일부는 친숙할 수 있지만 다른 이름은 진정한 발견일 수 있으므로 그들의 작업을 더 잘 알고 싶을 것입니다.

유리 락샤 - 꿈

조각과 마찬가지로 누드 그림은 항상 거의 모든 국가에 존재했습니다. 이것은 이러한 유형의 이미지가 실질적으로 기본적이라는 사실 때문입니다. 모든 예술가는 이미지가 나체인간 구조 연구의 기초가 되는 기초입니다. 옷을 입은 사람을 어떤 형태, 포즈 및 설정으로 올바르게 묘사하는 방법을 배우기 전에 그를 완전히 알몸으로 그리는 방법을 배워야 합니다. 이 과정을 통해 초보 예술가는 인체의 정확한 비율과 다양한 부분 및 뉘앙스를 묘사하는 방법을 배웁니다.

지나이다 세레브랴코바 - 목욕하는 사람

그림만 그리는 사람들의 판단과는 반대로 아름다운 그림, 벌거 벗은 자연은 인간의 낮은 욕망을 불러 일으키기 위해 전혀 창조되지 않았습니다. 그러한 그림은 인체의 아름다움, 그 완벽함, 자연의 비범한 창조 또는 더 높은 힘을 표현하거나 심지어 노래합니다. 종종 예술가들은 자신의 자연 스러움과 자연 스러움, 자연 또는 신성한 세계에 속하는 것을 보여주기 위해 자신의 캐릭터를 정확하게 알몸으로 묘사합니다. 인간의 손으로 만든 물건은 자연 스러움에서 캐릭터를 찢어 버리기 때문에 같은 캐릭터가 아름다운 옷을 입으면 덜 중요하고 완전히 다른 효과가 관찰됩니다.

알렉산더 데이네카 - 목욕하는 사람들

누드 자연은 예술가에게도 내재되어 있습니다. 소비에트 시대. 소련 시대에 예술가들은 벌거 벗은 여성과 함께 그림을 그렸고 이것은 결코 저속한 것으로 간주되지 않았습니다. 고급 예술이것은 거의 받아들일 수 없습니다. 그림을 그리는 작가에게는 금지된 것을 보고자 하는 관객의 욕망을 즐겁게 하는 것보다 더 순수하고 깊은 아이디어가 주어진다. 여기에서 최근 과거 화가들의 재능과 전문성을 감상하기 위해 소비에트 예술가들의 일련의 작품을 볼 수 있습니다.

알렉산더 게라시모프 - 소비에트 대중목욕탕 A. Zavyalov - 커튼 배경 모델
A. 올코비치 - 누드 Alexander Samokhvalov - 누드

알렉산더 데이네카 - 모델 V. Arakcheev - 앉아있는 여자 블라디미르 스토자로프 - 목욕. 빨래하는 여자 미가엘 오브 갓 - 누드 Ilya Mashkov 누드

일부 고정관념과는 달리, 소비에트 미술대다수의 배경에도 불구하고 특별한 청교도주의로 구별되지 않았습니다. 서방 국가들. 한 소녀는 잡지에서 1918년부터 1969년까지의 그림과 그래픽에서 소련 누드의 전형적인 샘플을 수집하기에는 너무 게으르지 않았으며 대략 소련 사진, 영화, 조각, 기념비적 예술에서 그러한 선택을 할 수 있습니다.

에서 가져온 원본 catrina_burana 소련 미술의 누드 자연. 3부. 1950-1969년

1950년대와 60년대에 사회주의 리얼리즘은 소련 예술의 주요 경향으로 남아 있었습니다. 그리고 30년대와 40년대와 마찬가지로 과도한 노출 묘사는 표준을 준수해야 했습니다. 그러한 자연이 빛날 수 있는 상황의 집합은 제한적이었습니다. 강이나 해안가, 목욕탕, 샤워 시설, 욕조, 물론 예술가의 작업장. 그러나 40년대로 돌아가서 누드 주제에 특정한 다양한 주제가 나타나기 시작했으며 50년대, 특히 1960년대의 그림과 그래픽에서 더욱 두드러졌습니다. 예를 들어 여기서 테마는 "아침"입니다. 분명히 소비에트 소녀 또는 여성은 아침에 일어나서 토플리스를 과시하거나 심지어 어머니가 낳은 것에서도 잘할 수 있다고 믿었습니다.

1950. N. Sergeeva. 좋은 아침이에요

1950. 자비알로프. 커튼의 배경에 대한 모델

1950. Arakcheev에서. 앉아있는 여자.

1950. Vl 레베데프. 누드 모델

1950년대 드미트리예프스키에서. 나체상

1953. Vsevolod Solodov. 모델

그리고 지금 - 물 절차! 해변, 사우나, 수영, 해수욕.
1950. N 에레멘코. 모래 위에

1950년대 B Sholokhov. 욕조

1950년대 티 에레미나. 수영 선수
이상한 그림또는 오히려 그 이름. 음, 오른쪽은 확실히 수영 선수입니다. 중간에 누가 있는지 의심이 듭니다. 여전히 이것이 수영 선수인 것 같습니다. 글쎄, 그리고 왼쪽에는 끈 팬티와 맨 바닥이 있습니다. 확실히 수영 선수는 아닙니다 ...

그리고 대담한 모델과 함께 Alexander Deineka가 있습니다. 그들 없이는 우리가 어디에 있을까요!
1951. A. 데이네카. 그림 "Bather" 스케치

1952. A. 데이네카. 해수욕객

1951. A. 데이네카. 모델

1952. A. 데이네카. 모델

1953. 데이네카. 리클라이닝 모델

1953. 데이네카. 공을 가지고 누워
마지막 두 경기, 특히 공이 없는 경기는 그리 인상적인 안도감이 아닙니다. 그리고 작은 남자는 다리가 조금 짧을뿐입니다.
1955. 데이네카. 누드 시터
예술가 Andrei Goncharov의 여러 그림.
1952. 안드레이 곤차로프. 라일락 배경에 누드

1952. 안드레이 곤차로프. 앉아있는 누드

1954. A. 곤차로프. 튤립과 함께 누운 누드

1955. A. 빨간색에 누워있는 Goncharov 누드

1956. A. 줄무늬에 Goncharov 누드

1958. A. 곤차로프. 누드 모델
그리고 이제 이미 다양한 플롯이 있습니다. Pimenov의 음모는 목욕과 관련이 있지만 표준은 아니지만 Glazunov의 음모는 에로티시즘으로 가득 차 있습니다.
1955. 유리 피메노프. 겨울날

1956. 일리야 글라주노프. 아침
1957-58년의 스튜디오 모델이 몇 개 더 있습니다. 첫 번째와 세 번째 - Deineka의 부러움에!
1957. A. 올코비치. 나체상

1957. 신의 마이클. 나체상

1958. A. Samokhvalov. 나체상

1958. R. 포도베도프. 앉아있는 모델
여기서 A. Sukhorukih는 누드 장면에 훨씬 더 많은 다양성을 제공합니다. 'Midday Sun'과 'Morning' 모두 로맨스로 가득 차 있다.
1958. A. Sukhorukikh. 한낮의 태양

1960. A. Sukhorukikh. 아침
목욕 장면도 그다지 일반적이지 않습니다. 구성의 중심에서-여자 또는 소녀-시트 뒤에서 볼 수 없습니다. 어떤 이유로 든 바로이 시트가 옷을 위해 손을 뻗고있는 소녀를 차단합니다. 예를 들어, 당신이 옷을 입는 동안 나는 당신을 막을 것입니다. 그러나 여기에 미스터리가 있습니다. 누구에게서? 해안에서 모든 것을 볼 수 있습니다. 아티스트가 염탐했습니다! 그리고 호수 옆에서-분명히 아무도없고 다른 사람들은별로 부끄러워하지 않습니다. 오른쪽에있는 사람은 완전한 네글리제에 앉아 있습니다 ... 신비한 그림.
1958. 체르니셰프. 호수에서 목욕하기
다시 아침. 글쎄요, 그런 그림을 "거짓말 모델"이라고 부르는 것은 불가능합니다. 경솔한 자세로 너무 고통스러워서 여자가 깨어 났고 뻗어 있습니다. 무엇이 잘못 되었습니까?
1959. L. 아스타피예프. 아침

또 다른 해상 테마. 전혀 Deinekin 형식이 유행하지 않습니다 ...
예술가 Grigory Gordon의 두 그림. 독서 소녀는 또한 그해에 인기있는 음모입니다. 음, 예를 들어 뜨거우면 이 형식으로 읽을 수 있습니다.
1960. G. 고든. 책을 가진 소녀

1959. G. 고든. 앉아있는 소녀
물을 주제로 한 세 개의 그림이 더 있습니다.
1960. 블라디미르 스토자로프. 욕조. 빨래하는 여자

1960년대 표도르 사무세프. 목욕 후
여러 스튜디오 누드. Urusevsky와 Reznikova의 모델은 이미 상당히 얇습니다 ...
1960. 게나디 트로쉬킨. 나체상

1960. R. 포도베도프. 젊은 모델

1960. S.P. Urusevsky. 누드 모델

1961. 예브게니아 레즈니코바. 모델 리사
V. Kholuyev 그림의 영웅은 쉽게 알아볼 수 있습니다. 그들에 대해 꼭두각시가 있습니다. 주제 세트는 표준입니다 : 스튜디오에서 알몸, 바다, 아침.
1960년대 V. Kholuev. 리클라이닝 누드

1960년대 V. Kholuev. 나체상

1960년대 V. Kholuev. 바다에서 태어난

1960년대 V. Kholuev. 아침

1962. V. Kholuev. 나체상
A. Sukhorukikh의 "Spring Morning"은 아침과 목욕이라는 두 가지 전형적인 플롯을 결합하지만 여기에서여 주인공의 알몸은 부차적입니다. 이 "누드"는 "누드"를위한 것이 아니라 상당히 장르적인 그림입니다.
1962. A. Sukhorukikh. 봄 아침
그런 다음 스튜디오, 해변, 책이있는 다른 소녀 ... 60 년대는 자유의 메아리, 많은 금지 사항 제거, 더 나아가 플롯과 성능 모두에서 더 많은 자유를 느꼈습니다. 또한 인상적인 형태는 거의 발견되지 않는다는 것을 쉽게 알 수 있습니다.
1962. 블라디미르 라포보크. 워크샵에서

1962. M. 삼소노프. 나체상

1963. S. 솔로비요프. 벌거 벗은 여자

1964. A. Samokhvalov. 해변가에서

1964. V. 스크리아빈. 나체상

1965. A. 수코루키. 책을 가진 소녀

1966. A. 수코루키. 작가의 작업실에서

1965. N. Ovchinnikov. 저녁 멜로디

1966. 안토노프. Titovo 마을의 목욕탕. 자매

1966. 테테린. 나체상

1967. 카파루쉬킨. 시베리아 사람

1967. A. 수하노프. 워크샵에서
글쎄, 이것은 꽤 경솔한 이야기입니다. 스트레이트 BDSM. 몰래 엿보는 남자...
1967. A. 타라센코. 처벌
수영은 안 하고, 신경 쓰세요. 하지만 그냥 휴식을 취하세요. 모자를 쓴 소녀가 산을 걷고 있었고 피곤했습니다. 옷을 벗고 조약돌에 앉았다 ...
1967. V. 차우스. 나머지

1968. 블라디미르 라포보크. 자고 있는

1968. 메이 미투리히. 나체상
그리고이 그림 - 일반적으로 가장자리에 있습니다. 학생이나 그와 같은 학생이 은행에 왔는데, 다리가있는 것으로 판단하면 갈뿐만 아니라 옷을 완전히 벗고 이젤로 페인트를 꺼내고 서로를 그립니다!
1969. M. Tolokonnikova. 스케치에

1969. Y. 락샤. 팔월

1969. Y. 락샤. 꿈
가장 나쁜 시간, 나에게 이것은 1960 년대였습니다 ...

사진과 함께 새로운 것을 얻었습니다.

코멘트.
"훅:
* 예술가들은 성실하고 완전한 장인, 앵무새입니다. 그러나 둘 다 자연에서 추상화할 수 없습니다*
여기에 하나의 미묘한 점이있는 것 같습니다. "종류"로 간주되는 것은 무엇입니까?
나는 Nabokov의 진술을 기억합니다. 처음으로 살아있는 풀과 나무, 이곳에서 자란 지역 농부, 땅에서 일하고 그가 아는 ​​숲에서 버섯을 따는 등을 봅니다.
초원이나 숲이있는 자연의 감정가 인 과학자 자연 주의자 가장 높은 학위그는 또한 다양한 특정 식물, 곤충, 동물을 볼 수 있지만 그것들뿐만 아니라 수많은 가장 복잡한 연결, 도시 거주자 나 농민에게 알려지지 않은 ...
우리는 같은 현실, 본성을 가지고있는 것 같지만 사실 그러한 "현실"은 추상화입니다 ... 몰입, 주의력,인지의 정도에 따라-각 사람에게 이것은 완전히 다른 현실이며 그 공통점은 "잔디는 푸르다", "나무에 나뭇잎"과 같은 가장 원시적 인 계획을 더 이상 확장하지 마십시오 ...
결국 작가도 평신도와는 완전히 다른 눈으로 "자연"을 본다. 개인적인 경험예술가들이 얼마나 더 상세하고 미묘하게 보는지)-그는 형태와 색상에서 많은 것을 알아 차리고 강조하며, 더욱이 이미 그의 예술이 필요한 굴절, 구체적이고 개별적입니다 ...
저것들. "자연"의 개념은 일반적인 의미에서 매우 불안정한 것 같습니다 ... "

답변.
I. 비주얼 아티스트.
Nabokov 예제는 다음을 고려합니다. 다양한 옵션특정 사람에게 어떤 종류의 관찰과 아이디어가 형성되는지에 따라 자연에 대한 해석.
좀 더 넓게 보면 자연에 대한 해석은 작가가 작품에 반영한 것입니다. 반사 주연예술가의 감정, 관찰 및 표현을 재생합니다. 그러나이 역할은 정반대의 두 방향에서 수행 될 수 있습니다.
그들 중 가장 좋은 것에는 어떤 종류의 본성에 대한 감정적 반응이나 그 특성 중 일부에 대한 예리한 관찰이 있습니다. 그리고 여기에서 자연에 대한 생생한 해석을 얻습니다 (인상파, 그런데 훌륭한 동물 화가).
다른 한편으로, 해석은 어떤 감정이나 작가의 머리 속에 이미 존재하는 아이디어에 대한 자연스러운 모티프의 반응이 됩니다. 그들은 그러한 그림에 대해 "그들은 라이브로 쓰지 않고 아이디어에 따라"라고 말하거나 모방, 설명, 문학이라고 부릅니다. 예: 독일 낭만주의자, 러시아 방랑자, 프랑스 상징주의자 등 그러나 어떤 경우에는 '재현에 의한' 회화가 삽화가 아니라 어떤 기법의 총체성인 경향성을 지니기도 한다. 예를 들어, 점묘가(Seurat, Signac)는 인상파와 달리 자연에 대한 시각적 인식의 생생한 순간을 고정하는 실험을 시작한 후 곧 개발된 방법의 인질이 되었습니다.

일러스트레이션의 장르 내에서 일러스트레이션성이 완벽하게 적절하고 정당화될 수 있다는 점은 흥미롭습니다. 보육원의 여러 게시물에서 보는 즐거움을 느꼈습니다. 책 그래픽. 그러나 삽화적 구성에서 장식적 특성을 악화시키는 경향이 있는 일부 예술가들은 장르의 경계를 흔들고 구성을 부분적으로 추상 회화 및 조형 작업의 영역, 즉 자연 해석의 한계를 넘어서는 영역으로 가져옵니다.
이에 대한 두 가지 예:

타티아나 마브리나. 로스토프. 1965년
(O. Bukharov의 라이브 저널에서 복제)

레프 백스트. 목신으로서의 바슬라프 니진스키의 초상(안무 그림에서 " 오후 휴식 Faun'을 클로드 드뷔시의 음악으로). 1912.
워즈워스 아테네움, 하트퍼드

엄밀히 말하면 Mavrina와 Bakst는 이젤 페인팅 분야로 이동하지 않았습니다. 이 전환은 아마도 응용 예술에 대한 그들의 재능과 일치하지 않았을 것입니다.

II.
그러나 처음으로 돌아갑니다. 아티스트는 "그림"이 될 수 없습니다. 어떤 식으로든 자연을 반영(해석)할 뿐만 아니라. 그들 중 일부는 그것을 완전히 자유롭게 처리하고 작업의 주제를 자연이 아니라 더 실질적인 것으로 만들 수 있습니다. 시각적-자연적 오브제 형태의 변형과 변형을 통해

객관적인 형태의 변형은 그것을 해석하는 방식이나 더 예리한 구체화가 아니라, 일반적으로 자연적인 수단으로는 전달할 수 없는 초자연적인 내용을 자연을 통해 표현하기 위한 도구입니다. 사실 이 내용은 철학적 성질의 것들입니다: 자연과 행위 인간의 의식, 존재라고 불리는 특이한 삶의 과정 ... 이 모든 것들은 객관적인 형태의 언어로 예술가들에 의해서만 매우 "성공적으로"설명됩니다. 훨씬 더 어려운 다른 예술가들은 거의 동일한 객관적 형식의 언어로 매번 이러한 것들을 새롭게 창조하려고 노력합니다.

이야기 유럽 ​​회화가지고 있다고 말할 수 있습니다. 고전 학교그런 철학적 창조 예술적 창의성: 아트 아이콘. 이 학파는 신약성서와 구약성서의 장면을 구성하기 위한 많은 기준을 개발했는데, 일반적으로 객관적인 형태는 (입체파처럼 강제적이지 않은) 변형과 변형을 거쳐 눈에 보이는 것과 보이지 않는 것 모두의 표현이 됩니다. , 상징적 세계. 그러나 이 멋진 학교도 “예증의 죄”를 피하지 못했습니다. 카논이 더 확고하게 실행될수록 이 관행은 이 카논의 연주에 대한 구체적인 예를 외적으로 모방하는 경향이 있었습니다. 및 Horowitz의 해석에서 Chopin; 캐논은 음표 일 뿐이고 음악은 모두 "음표 사이"에 있음을 이해할 수 있습니다.) 또한, 평범한 의식성경의 삽화로 인식되며 성직자조차도 아이콘을 "문맹자를위한 책"이라고 부르는 것을 싫어하지 않았습니다. 따라서 "Rublev 아래"또는 "Dionysius 아래"이미지 그림은 표준 형식에 대한 설명 태도를 악화시키고 아이콘 페인팅 예술의 저하에 기여했습니다.

그러나 아이콘은 전혀 예술이 아니라는 잘 알려진 관점이 있습니다. 따라서 예를 고려하십시오. 창의적인 작업주제 형식을 가진 화가, 우리는 결국 아이콘이 아니라 이 예술에 가까운 거장 엘 그레코의 작품으로 시작할 것입니다.

엘 그레코. 세례자 요한. 좋아요. 1600년
푸쉬킨 박물관

나는 이미 어떻게 든이 작업을 설명하면서 세례 요한의 다리에주의를 기울였습니다. 다리를 보면 분명히 오른쪽으로 "떨어지는"것을 볼 수 있습니다. 동시에 몸통은 안정적이고 기념비적입니다. 그림 필드의 중심 축을 따라 위치하고 구름에서 열리는 하늘의 원에 새겨 져 있습니다 (왼쪽-거의 기하학적으로 정확함). 압축 된 구름 기둥이 오른쪽으로 올라가고 John의 몸통을 "지지"하는 것처럼 구성 적으로 오른쪽 그림의 "막힘"의 균형을 잡고 John의 어깨를 일종의 "반발"하고 탄력적으로 왼쪽으로 위로 구부러집니다. , 이 보정을 완료합니다. 그리고 이 탄력 있고 강력한 구름의 움직임은 요한의 머리가 왼쪽으로 자유롭게 기울어지는 가볍고 어떻게든 변형된 메아리입니다.

John 다리의 변형 정도는 이 이미지의 다른 모든 세부 사항에 대해 최대이며, 이 변형은 표시된 자연 물체 형태와 관련하여 회화에서 본 것 중 가장 중요한 것 중 하나입니다. 세례요한의 본질을 잘 표현하고 있습니다. 그리고 비 유적으로 다리가 몸통을지지하지 않는다는 사실은 반대로 몸통이 John의 전체 모습에 안정성과 기념비를 부여한다는 사실입니다. 이것은 아이디어를 표현합니다 이 사진. 사람 요한은 구약에서 신약에 이르기까지 진정으로 놀라운 길을 여행합니다. 이 길은 지상의 자연적인 방법, 즉 자연적인 발로는 갈 수 없는 길입니다. 따라서 그들의 객관적인 형태는 언뜻보기에 눈에 띄고 이상하게 변형됩니다. 따라서 세례 요한의 모습은 그의 발과 땅에 안주하지 않고 하늘을 배경으로 나타나고 그로부터 나오는 부자연스럽고 비현실적인 특성의 안정성을 얻습니다.
이 결정은 El Greco의 창조적 자유와 그의 완전히 개인적인 사고 방식을 모두 나타냅니다. 이전이나 이후에 아무도 그렇게 쓰지 않았습니다. 결국 이것은 추악하기 직전입니다!
지루하지 않도록 두 가지 예만 더 보겠습니다.

아메데오 모딜리아니. Leopold Survage의 초상화. 1918년
흠. 61.5x46. 아테네움 박물관, 헬싱키

다음은 El Greco-Modigliani를 따라 이동하는 것이 자연스러운 예술가입니다. 또한 해석이 아닌 자연의 변형의 거장. 그리고 그의 크레타-스페인 전임자처럼 그는 수직 형태를 그리는 것을 좋아했습니다. 그리고 얼마나 길고 느린 줄! 이것은 포즈로 표현되는 일종의 "숭고한 것"에 대한 갈망이 아니며 포즈 자체는 아무 말도하지 않습니다. 그러나 형태의 모든 힘과 함께 초월에 대한 갈망이 여기에 설정됩니다. 그리고 검정, 파랑 및 회청색의 차가운 환경에서 얼굴과 목의 따뜻하고 거의 뜨거운 색상이 얼마나 강렬하게 묘사되어 묘사 된 예술가의 이미지를 세속적 인 일상 생활의 외적으로 평화로운 상태에서 예감의 공간으로 가져옵니다. 대비되는 긴장감이 넘치는 형태.

여기에서 단 하나의 세부 사항만 부분적으로 우리에게 피상적인 설명적 상징주의의 장치를 상기시킵니다: 동공 없는 눈의 모티프. Modigliani는 다양한 조합으로 이 모티프를 지속적으로 개발했으며 분명히 그의 그림에서는 빌린 요소가 아니라 일종의 유기적 소유물이었습니다. 그러나 회화적 형태에 대한 모호한 인식의 작은 가능성조차 근본적으로 피한 화가가 있다. 이 "반 삽화" 예술가는 Cezanne이었습니다.

그의 초기에 통과 창의적인 방법객관적 형식의 상징적 해석 영역으로의 일부 편차 부분("Tannhäuser 서곡", 참조:), 성숙한 년그는 내면을 드러내는 데 전적으로 집중했고, 자연의 삶우리가 일반적으로 자연이라고 부르는 것: 풍경, 사람, 사물. 그리고 그는 이것을 밝혔습니다. 내면의 삶가장 어렵고 직접적인 방법으로: 그의 눈이 자연에서 본 것을 캔버스에 물감으로 진실되게 구성하는 것. 그러나 문제의 사실은 세잔의 눈이 시야에서 평범한 시선이 자연에 가져오는 불필요한 모든 것을 제거할 수 있다는 것입니다. 일상 지각의 모든 관성.

세잔. 복숭아와 배. 좋아요. 1895년
흠. 61x90. 푸쉬킨 박물관

자연주의란? (형질)

이들자연주의그리고 분위기의 차이점은 무엇인가요?

또 다른 중요한 차이점은 자연주의와 대기의 차이입니다. 풍경화는 자연주의적이지 않으면서 극도로 분위기가 있을 수 있습니다. 시각적 디테일보다는 분위기 전달에 집중했기 때문이다. 좋은 예: 블루와 실버의 야상곡 - Chelsea(1871, Tate Collection, London) 휘슬러와 인상, 일출(1873, Musee Marmottan, Paris) Claude Monet. 이 그림들 중 어느 것도 자연주의적이기에 충분한 세부 묘사가 없습니다. 사진과 비교: 예술가의 작업실(1870, Musée d' Orsay) Frédéric Bazille의; 하나의 두개골에 막스 슈미트(1871, 메트로폴리탄 미술관) Thomas Eakins 작; 음악 레슨(1877, 미술관길드홀, 런던) Frederic Leighton; Laurence Alma-Tadema의 Tepidarium (1881, Lever Art Gallery, UK); 아픈 소녀(1881, 국립 미술관, 오슬로), Christian Krogh 저서: 이것들은 모두 분위기가 전혀 없는 자연주의의 훌륭한 예입니다.

프랑스 인상파에 대한 설명은 1870–1910 인상파 회화의 특성을 참조하십시오.

자연주의와 이상주의의 차이점은 무엇입니까?

그림에서 이상주의는 인물화에 가장 적용할 수 있는 개념으로 매력적인 얼굴, 완벽한 머리카락, 좋은 체형 및 외부 결함이 없는 "완벽한" 인물을 만드는 전통을 말합니다. 인생에서 그림을 그리거나 그리는 경우는 드물지만 이러한 유형의 이상화된 묘사는 제단화 및 다른 형태의 대규모 종교 예술에 적합할 것입니다. 오래된 유럽. 본질적으로 "인공적인" 그림 스타일인 이 그림은 예를 들어 Caravaggio의 자연주의와는 전혀 닮지 않았습니다. 이상주의는 적어도 19세기까지 주요 미술 아카데미에서 가르치는 스타일로 남아 있었는데, 마침내 실제 모델과 옥외 야외 페인팅을 기반으로 한 보다 자연주의적인 스타일로 대체되었습니다.

자연주의의 두 가지 유형: 풍경화와 구상화

위의 예에서 알 수 있듯이 자연주의를 보여주는 것은 시골의 야외 풍경뿐만 아니라 사람들의 초상화와 풍속화도 훌륭한 예가 될 수 있습니다.

그러나 자연주의라는 용어는 "자연"이라는 단어에서 유래했으며 따라서 자연주의의 가장 일반적인 장르는 풍경화입니다. 이 장르는 앵글로-스위스 화가 Henry Fuseli가 너무 사실적이라고 생각한 John Constable의 작품으로 예시됩니다. 그녀, 그는 자신의 코트와 우산에 의해 산책에 부름을 받고 있다고 느꼈습니다.

그러나 모든 풍경화가 자연주의적인 것은 아니며, 특히 작가의 주관성이 개입된 경우에는 더욱 그러하다. 예를 들어, 유령 같은 종교 예술가 존 마틴은 신의 권능을 설명하기 위해 유령 같은 묵시적인 풍경을 그렸습니다. 낭만주의 독일 예술가 Caspar David Friedrich는 그의 경치 좋은 전망상징주의와 정서적 낭만주의. Turner의 많은 풍경화는 빛을 묘사하는 표현주의적 실험에 불과한 반면 Cezanne은 자신이 좋아하는 것을 위해 자연의 정확성을 희생하면서 Montaigne Sainte-Victoire의 수십 가지 풍경을 그렸습니다. 기하학적 모양그리고 미세한 균형. 이 예술가들 중 어느 누구도 자연주의 학파에 속하지 않습니다. 왜냐하면 그들은 자연을 표현하는 것보다 자기 표현에 더 관심이 있기 때문입니다.

드로잉의 자연주의

고전 고대부터 미술사는 사실적인 그림과 유화에서 몇 가지 중요한 발전을 보였습니다. 자연주의의 초기 선구자 중 한 사람인 Giotto는 일련의 혁명적인 체적 수치파도바 스크로베니 예배당의 프레스코화. 예를 들어 The Betrayal of Christ (The Kiss of Judas) (1305) 및 Lamentation of Christ (1305)를 참조하십시오. Leonardo da Vinci는 Mona Lisa(1506, Louvre, Paris)와 같은 작품에서 놀라울 정도로 사실적인 얼굴을 만들기 위해 스푸마토 기술을 마스터했습니다. 미켈란젤로는 조각가로서의 독특한 재능을 발휘하여 시스티나 예배당 프레스코화(1508-12; 및 1536-41)에 조각된 인물을 대량으로 만들었습니다. Caravaggio는 거리에서 곧바로 모집된 사람들을 모델로 한 이미지를 사용하여 자연주의적인 그림으로 로마를 ​​놀라게 했습니다. 그의 실제 인물은 바로크 시대의 반종교 개혁의 가톨릭 예술에 이상적이었습니다. 네덜란드 사실주의 풍속화의 황금기에 Jan Vermeer(국내 풍속화, 실내외), Pieter de Hooch(안뜰), Samuel van Hoogstraten(국내 실내), Emanuel de Witte(건축적 교회 실내) 등의 화가들이 비 유적, 일상 및 사회적 대상을 포함하는 정확한 자연주의 스타일. 보다 최근인 19세기에 러시아 예술가들은 거의 모든 장르에서 회화적 자연주의의 수많은 걸작을 창조했습니다. 이러한 작업의 예: "주인공의 결혼" (1848, 트레차코프 갤러리, 모스크바) Pavel Fedotov; 수리하다 철도 (1874, Tretyakov) Konstantin Savitsky; Ilya Repin의 "Novodevichy 수녀원의 Sofya Alekseevna 공주의 초상화"(1879, Tretyakov) 및 "Sultan Mahmud IV에 대한 Zaporizhian Cossacks의 답변"(1891, 러시아 박물관, 상트 페테르부르크); 웃음("유대인의 왕 만세!")(1882, 러시아 박물관) Ivan Kramskoy 작; 그리스도와 죄인(1887, 러시아 박물관) 바실리 폴레노프.

자연주의의 역사와 발전(c. 500 BC - 1800)

자연주의의 두 가지 매력적인 예가 만들어졌습니다. 독일 예술가뒤러: "어린 토끼"(1502)와 "큰 잔디 조각"(1503), 둘 다 비엔나의 알베르티나에 있습니다.

러시아 방랑자 (방랑자) (c.1863-90)
1863년 상트페테르부르크에 있는 제국 예술 아카데미의 젊은 예술가 그룹에 의해 설립된 Wanderers는 러시아 전역을 여행하며 풍경과 그림을 그렸습니다. 풍속화. 주요 멤버로는 Ivan Kramskoy(1837–1887), Nikolai Ge(1831–1894),