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"녹턴. 드뷔시

드뷔시. "녹턴"

"구름"

오케스트라 구성:플루트 2, 오보에 2, 코르 앙글레, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 팀파니, 하프, 현.

"축하"

오케스트라 구성:플루트 3, 피콜로, 오보에 2, 코르 앙글레, 클라리넷 2, 바순 3, 호른 4, 트럼펫 3, 트롬본 3, 튜바, 하프 2, 팀파니, 작은 북(원거리), 심벌즈, 현.

"사이렌"

오케스트라 구성:플루트 3, 오보에 2, 코르 앙글레, 클라리넷 2, 바순 3, 호른 4, 트럼펫 3, 하프 2, 현; 여성 합창단(소프라노 8명과 메조소프라노 8명).

창조의 역사

아직 완성되지 않은 첫 번째 교향곡 " 목신의 오후”, 1894년 Debussy는 “Nocturnes”를 구상했습니다. 9월 22일 그는 편지에서 이렇게 썼습니다. 첫 번째 오케스트라는 현으로, 두 번째는 플루트, 4 개의 뿔, 3 개의 파이프 및 2 개의 하프로 표시됩니다. 세 번째 오케스트라는 두 가지를 결합합니다. 일반적으로 이것은 예를 들어 회색 톤으로 연구를 칠할 때와 같이 동일한 색상이 제공할 수 있는 다양한 조합을 검색하는 것입니다. 이 편지는 벨기에의 유명한 바이올리니스트이자 현악 4중주의 창시자이자 전년도에 처음으로 드뷔시 4중주를 연주한 외젠 이자예에게 보내는 편지입니다. 1896년 작곡가는 "야상곡"이 Izaya를 위해 특별히 제작되었다고 주장했습니다. Apollo 자신이 나에게 요구한다면 나는 그를 거절할 것입니다! 그러나 이미 내년아이디어가 바뀌었고 3년 동안 Debussy는 3개의 "야상곡"을 심포니 오케스트라.

그는 1900년 1월 5일자 편지에서 완료에 대해 보고하고 같은 장소에 다음과 같이 씁니다. 그리고 그녀가 결코 "현대적인 스타일"이 아니라는 것을 이러한 선물에 덧붙입니다. 그녀는 음악을 좋아합니다 ... 상상대로 그녀가 가장 좋아하는 노래는 라운드 댄스입니다. 우리 대화하는 중이 야붉게 물든 얼굴과 한쪽에 모자가있는 작은 척탄병에 대해. 작곡가의 아내는 지방에서 온 미성년 직원의 딸인 패션 모델이었으며 1898 년에 열정을 불러 일으켜 다음 해 Rosalie가 그와 헤어지기로 결정했을 때 거의 자살했습니다.

1900년 12월 9일 파리에서 열린 Lamoureux Concerts에서 열린 "Nocturnes"의 초연은 완료되지 않았습니다. 그런 다음 Camille Chevillard의 지휘 아래 "Clouds"와 "Festivities"만 울리고 "Sirens"가 합류했습니다. 1년 후인 1901년 12월 27일. 이 별도의 공연 관행은 한 세기 후에 보존되었습니다. 마지막 "야상곡"(합창단 포함)은 훨씬 덜 자주 들립니다.

Nocturnes 프로그램은 Debussy 자신이 알고 있습니다.

"Nocturnes"라는 제목은 더 일반적인 의미를 가지며 특히 더 장식적인 의미를 갖습니다. 여기서 요점은 야상곡의 일반적인 형태가 아니라 이 단어가 빛의 인상과 감각에서 포함하는 모든 것입니다.

"Clouds"는 회색 구름이 천천히 우울하게 떠다니며 녹는 하늘의 움직이지 않는 이미지입니다. 물러나고 흰색 빛으로 부드럽게 착색됩니다.

"축하"는 움직임, 갑작스런 빛의 폭발과 함께 분위기의 춤추는 리듬이며, 또한 휴일을 통과하고 그것과 합쳐지는 행렬 (눈부신 키메라 비전)의 에피소드이기도합니다. 그러나 배경은 항상 남아 있습니다. 이것은 휴일입니다. 이것은 전체 리듬의 일부인 빛나는 먼지와 음악의 혼합입니다.

"사이렌"은 바다와 바다의 무한히 다양한 리듬입니다. 달이 은빛 파도 사이에서 일어나 웃음으로 무너지고 신비한 사이렌 노래가 제거됩니다.

동시에 다른 저자의 설명이 보존되었습니다. Clouds와 관련하여 Debussy는 친구들에게 "뇌우에 의해 구동되는 구름을 다리에서 본 것"이라고 말했습니다. 세느 강을 따라 움직이는 증기선의 휘파람은 잉글리시 호른의 짧은 반음계 테마로 재현됩니다. "축하"는 "부아 드 불로뉴에서 사람들의 이전 오락에 대한 기억을 부활시키고 군중으로 가득 차 있습니다. 트럼펫 3중주는 새벽을 연주하는 공화당 근위대의 음악이다." 다른 버전에 따르면 1896 년 파리 사람들이 러시아 황제 니콜라스 2 세를 만난 인상이 여기에 반영됩니다.

흐르는 공기, 바다 파도의 광채, 축제 군중의 잡색을 그리는 것을 좋아했던 프랑스 인상파 예술가들의 그림과 많은 유사점이 있습니다. "Nocturnes"라는 제목 자체는 작곡가가 Rome Prize로 음악원을 졸업 한 후 이탈리아에 살았던 어린 시절에 관심을 갖게 된 영국 Pre-Raphaelite 예술가 James Whistler의 풍경 이름에서 유래했습니다. , 빌라 메디치(1885-1886)에서. 이 열정은 그의 삶이 끝날 때까지 계속되었습니다. 그의 방 벽은 휘슬러의 그림을 재현한 색으로 장식되어 있었다. 한편, 프랑스 비평가 Debussy의 세 가지 "Nocturnes"는 공기, 불, 물의 세 가지 요소 또는 명상, 행동 및 황홀의 세 가지 상태의 표현의 녹음이라고 썼습니다.

음악

« 구름” 작은 오케스트라의 얇은 인상주의 색상으로 칠해져 있습니다 (호른 만 구리로 사용됨). 불안정한 음침한 배경은 목관악기의 절제된 흔들림에 의해 만들어지며, 멋진 슬라이딩 하모니를 형성합니다. 잉글리시 호른의 독특한 음색은 짧은 주동부의 모달적 비일상성을 강화한다. 하프가 처음 들어가는 중간 부분에서 색상이 밝아집니다. 플루트와 함께 그녀는 마치 공기로 가득 찬 것처럼 펜타토닉 테마를 옥타브로 이끈다. 솔로 바이올린, 비올라, 첼로로 반복됩니다. 그런 다음 잉글리시 호른의 우울한 멜로디가 돌아오고 다른 동기의 메아리가 발생하며 모든 것이 녹는 구름처럼 멀리 떠 다니는 것처럼 보입니다.

« 축제» 뚜렷한 대조를 이룬다 - 음악은 격렬하고 빛과 움직임으로 가득 차 있다. 현악기와 목제 악기의 날아다니는 소리는 금관 악기, 트레몰로 팀파니, 하프의 화려한 글리산도의 경쾌한 감탄사로 중단됩니다. 새로운 그림: 현악기 오보에의 같은 춤추는 배경에서 한 옥타브의 다른 관악기에 의해 포착된 열렬한 주제가 이어집니다. 갑자기 모든 것이 깨집니다. 멀리서 행렬이 다가오고 있습니다 (음소거가있는 트럼펫 세 개). 지금까지 조용한 스네어 드럼(멀리서)과 낮은 금관악기가 들어와 귀가 먹먹할 것 같은 투티의 클라이막스를 형성합니다. 그런 다음 첫 번째 주제의 가벼운 구절이 돌아오고 다른 주제가 깜박이며 축제의 소리가 사라질 때까지 계속됩니다.

안에 " 사이렌"다시, "구름"에서와 같이 지배 느린 속도,하지만 여기의 분위기는 황혼이 아니라 빛으로 비춰집니다. 파도가 조용히 튀고, 파도가 밀려오고, 이 물보라에서 매혹적인 사이렌의 목소리를 구별할 수 있습니다. 소그룹 단어 없이 반복되는 화음 여성 합창단또 다른 기괴한 색상으로 오케스트라의 사운드를 보완합니다. 두 음표의 가장 작은 모티프는 다양하고 성장하며 다성적으로 얽혀 있습니다. 그들은 이전 야상곡의 주제를 반영합니다. 중간 부분에서는 사이렌의 목소리가 더욱 강렬해지고 멜로디가 더욱 확장됩니다. 트럼펫의 변형은 Clouds의 잉글리시 호른 테마에 예기치 않게 접근하며 이러한 악기의 롤 콜에서 유사성이 더욱 강해집니다. 마지막에는 구름이 녹고 축제의 소리가 멀리 사라지면서 사이렌의 노래가 사라집니다.

A. 쾨닉스버그

MKOU "Novousmanskaya 중등 학교 No. 4"

음악 레슨

7 학년

C. Debussy의 교향곡 "축하".

기악 콘서트.

MKOU "Novousmanskaya 중등 학교 No. 4"

마쿠키나 마리나 니콜라에브나

와 함께. 뉴 우스만

2014년

수업 주제: C. Debussy의 교향곡 "축하".

슬라이드 1

이 수업의 목적:

풍요로운 문화와 영적 세계전 세계 사람들의 음악, 문학, 예술 유산을 통해 어린이들에게

작업:

사용하여 정보 기술사람들의 문화의 다양성과 풍부함을 보여줍니다.

다양한 예술 분야에 대한 다재다능한 관심 개발, 음악, 문학 및 예술에 대한 사랑과 존중 교육 예술적 유산주변 생활에 대한 미적 인식의 토대를 마련하기 위해 다른 사람들.

어린이의 영적 세계를 풍요롭게 합니다. 그들의 음악적, 예술적, 미적 취향의 교육.

슬라이드 2

강의 계획:

번호 p / p

수업의 단계

시간, 분

정리 시간

새로운 자료의 능동적이고 의식적인 동화를 위한 준비.

지식의 형성. 음악과 문학의 새로운 자료 발표

실무

새로운 지식의 통합

노래 "오렌지 여름"

요약

슬라이드 3

교사: 여러분, 화면에 무엇이 보이나요?

눈동자: 프레임

교사: 이 프레임의 용도는 무엇인가요?

학생: 이것은 액자입니다.

교사: 어떻게 사진을 다르게 부를 수 있나요?

학생들: 그림 그리기

교사: 그림과 음악을 무엇이라고 부를 수 있습니까?

학생: 예술.

교사: 정의를 내리십시오. 예술이란 무엇입니까?

학생: 예술은 이미지에서 감정을 의미 있게 표현하는 과정이자 결과입니다.

예술은 사회적 의식의 형태 중 하나이며, ...

음악을 볼 수 있고 예술을 들을 수 있습니다. 그림은 말로 표현할 수 없는 것을 표현하고 인간 영혼의 가장 미묘한 색조를 드러낼 것입니다. 교사: 그럼 우리 수업은 음악이 아니라 불릴 수 있습니까?

슬라이드 4

학생들: "그림 같은 음악"

슬라이드 5

목표와 목적; 교실에서 참여와 관심의 분위기를 조성하십시오. 전체론적 음악 분석 기술을 개발합니다. 어린이들에게 그들이 들었던 음악으로 기분을 표현해 보라고 한다. 억양을 강조하여 작품의 이미지를 드러냅니다. 창의력을 깨우십시오.

학생들에게 음악적 이미지에 대한 감정적으로 의식적인 인식을 형성합니다.

교사: 음악은 방향이 다릅니다. 어떤 음악 스타일을 알고 있습니까?

재학생:

1 민속 음악

2 신성한 음악

3 인디언 고전 음악

4 아랍 클래식 음악

5 유럽 클래식 음악

6 라틴 아메리카 음악

7 블루스

8 알앤비

9 재즈

10 국가

12 전자 음악

13 락

14 팝

15 랩(힙합)

16. 민속

17. 클래식 등

슬라이드 6

음악 "축하" 듣기 - Claude Debussy

슬라이드 7

교사: 이 작품과 저자를 아는 사람7

학생들: 클로드 드뷔시의 "축하"

교사: Achille-Claude Debussy - 프랑스 작곡가, 음악 평론가.

1872년 10세의 나이로 클로드는 파리 음악원에 입학했습니다. 피아노 수업에서 그는 유명한 피아니스트저명한 전통 주의자 Albert Lavignac과 함께 초등학교 solfeggio 수업의 Albert Marmontel 교사와 Cesar Franck 자신이 그에게 오르간을 가르쳤습니다. Debussy는 학생으로서 특별한 것으로 빛나지 않았지만 음악원에서 꽤 성공적으로 공부했습니다. 1877년이 되어서야 교수들은 드뷔시의 피아노 재능을 높이 평가하여 슈만의 소나타 연주로 그에게 2등상을 수여했습니다.

Debussy는 1880년 12월에야 미술 아카데미 회원인 Ernest Guiraud 교수와 함께 체계적으로 작곡을 공부하기 시작했습니다. Guiro의 수업에 들어가기 6개월 전에 Debussy는 부유한 러시아 자선가 Nadezhda von Meck의 가정에서 가정 피아니스트이자 음악 교사로 스위스와 이탈리아를 여행했습니다. Debussy는 1881년과 1882년 여름을 모스크바 근처에 있는 그녀의 사유지 Pleshcheyevo에서 보냈습니다. von Meck 가족과의 의사 소통 및 러시아 체류는 젊은 음악가의 발전에 유익한 영향을 미쳤습니다. 그녀의 집에서 Debussy는 Tchaikovsky, Borodin, Balakirev 및 그들과 가까운 작곡가의 새로운 러시아 음악에 대해 알게되었습니다.

슬라이드 8

Debussy의 작곡 "Moonlight"는 사랑으로 빛납니다. Claude Debussy는 일반적으로 지구의 은빛 위성의 빛을 좋아했습니다. 그는 달밤에 더 잘 썼습니다.

작곡가 N. Ya. Moskovsky는 Debussy의 작업에 대해 다음과 같이 썼습니다. "... Debussy가 자연에 대한 자신의 인식을 포착하려고 시도하는 순간 이해할 수 없는 일이 발생합니다. , 그리고 영원하고 변함없고 변하지 않고 순수하고 조용하며 모든 것을 소비하는 자연 자체,이 모든 조용하고 미끄러지는 "구름", "연주하는 파도"의 부드러운 오버플로 및 업, "봄 라운드 댄스의 바스락 거리는 소리"와 같은 모든 것을 지배합니다. ", 바다와 이야기하는 바람의 부드러운 속삭임과 나른한 한숨-이것이 진정한 자연의 숨결이 아닐까요! 그리고 자연을 소리로 재현하는 작가는 위대한 예술가, 뛰어난 시인이 아닙니까?

그의 음악은 명반의 느낌을 만들어내는 무중력 색상처럼 투명하고 명암의 유희로 채워진 시각적 이미지를 기반으로 합니다.

작곡가에 대한 그림의 영향은 너무 커서 그는 자신의 작곡에 많은 이름을 붙였습니다. 미술: "인쇄", "스케치"등 오케스트라가 그림 같은 그림을 그리는 방법을 이해하는 것은 주로 러시아 작곡가 N. Rimsky-Korsakov로부터 C. Debussy에 왔습니다.

Debussy는 가장 중요한 프랑스 작곡가 중 한 명일 뿐만 아니라 19세기와 20세기 전환기에 음악에서 가장 중요한 인물 중 한 명이었습니다. 그의 음악은 20세기 음악에서 후기 낭만주의 음악에서 모더니즘으로의 과도기적 형식을 나타낸다.

교사: 여러분, 다른 작곡가를 알고 있습니까?

학생들: 차이코프스키, 리스트, 글린카, 바흐, 베토벤, 쇼팽, 모차르트, 쇼스타코비치, 슈니트케 등.

선생님? 당신은 무엇을 알 수 있습니까 뮤지컬 작품?

학생들: "백조의 호수", "호두까기 인형", 레닌그라드 교향곡 - "대제국 시대의 나치 침공" 애국 전쟁”, “달빛”, “계절”. "왈츠" 및 기타.

교사: 음악을 정의할 수 있나요?

학생: 음악은 리듬, 사운드, 템포입니다… 음악은 영혼을 위해 필요합니다.

슬라이드 9

클로드 드뷔시의 음악 "Moonlight" 듣기

슬라이드 10 - 16

교사: 음악을 들으면서 어떤 상상을 했나요? 색상, 페인트 또는 다른 것을 보았습니까?

답변은 다양합니다. 따뜻한 톤에서 가장 차가운 톤까지, 흰색에서 검은색까지.

사부: 여러분, 지금 우리가 들은 것을 다 표현할 수 있습니까?

학생들: 예.

선생님: 이제 우리는 약간의 실용적인 작업을 할 것입니다. 지금 들은 것을 묘사하십시오. 세 그룹으로 나누자. 일부는 구 아슈로 작동합니다. 다른 사람들은 잉크와 실로 작업합니다. 또 다른 사람들은 색종이, 판지 및 접착제로 작업합니다. 일하러 가자.

작업 보호.

슬라이드 17

C. Debussy의 음악에 대한 시의 선율

"인 더 문라이트"

한밤중 슬픔의 순간에

역경에 지쳤어

세상의 허무한 기쁨이 아니라

평화 속에서 당신은 행복을 추구합니다.

잊어버려, 침묵과 합쳐져,

세상의 모든 것을 버리고

슬픔에 홀로 홀로

루나와 대화하세요.

루나, 그래서 널 사랑해

달빛에만 있는 건

나는 겨울을 잊는다

그리고 나는 Lethe에 대해 생각합니다.

내 마음의 집행자

가혹하지만 아름다운 - 달!

나는, 그녀를 바라보며,

나는 정신을 잃고있다.

달은 방해하고 끌어당긴다.

그리고, 달빛에 녹는,

나는 걱정에서 휴식

과거를 잊는다.

야간 조명이 시선을 즐겁게 합니다.

난 꿈에 취했어

그리고 꿈의 천에서 달빛

쏟아져 들어와 얽혀 -

얇은 베일로 직조

무중력 레이스에서...

소음. 문이 삐걱거린다.

나는 나 자신을 찾지 못하고 다시 갇혔다.

"월광"

블라디미르 보드네프

월장석을 주세요

달빛을 줘!

약간 눈에 띄는 스트로크

나는 달빛을 그린다

수세기 동안 땅에 쏟아지는 것

모든 행성에 가장 가까운 행성.

이미 두 번 이상 노래하게하십시오.

하지만 여전히 손짓

그리고 모든 시인을 사로잡는다

그녀의 뺨의 창백한 색.

우리만 혼자라면

(이미 두 번 이상 확인했습니다!) -

기분이 업됩니다

그녀의 차가운 눈의 빛.

그리고 불면증에 이끌려

예술가와 시인 모두

당신의 사랑하는 사람을 위해 그리기

은빛 달빛.

이보다 더 좋은 선물은 없다

짧은 봄의 밤에

아치 아래 별이 빛나는 하늘 -

요염한 달의 시선...

"나이트 문"

그리고 다시 저녁이 밤을 대체하고,

어둠이 세상을 에워싸다

그리고 천국의 길이 시작된다

밤의 방랑자 달.

해마다 같은 길을 메아리치며

그녀는 희미하게 어둠을 밝히고,

그리고 그녀의 빛은 소수에게만 이해됩니다.

누가 자연의 아름다움을 이해할 수 있겠습니까?

달빛은 희미하지만 우리는 그럴 가치가 없어

그 죄에 대해 무고한 그녀를 비난하기 위해,

어두운 지상의 밤이지만 여전히,

그 안에서 달이 없으면 아무것도 볼 수 없습니다.

너무 익숙해서 그만뒀어

주목하기 위한 그녀의 천체 캠페인

택하신 자들만이 멀리서 그들과 함께 부르며

그녀는 놀라움을 멈추지 않았습니다.

그리고 달빛에 무언가가 있습니다.

내가 이해할 수 없었던

연인들이 너무 많이 사랑하는 것도 당연합니다

달빛 속에서 날짜를 정하기 위해.

슬라이드 18 - 19

선생님:

그리고 열 시, 일곱 시, 다섯 시

모든 아이들은 그리기를 좋아합니다.

그리고 모두가 과감하게 그립니다.

그에게 관심있는 모든 것.

모든 것이 흥미 롭습니다.

먼 우주, 가까운 숲,

꽃, 자동차, 동화, 춤...

모든 것을 그리자!

색상이있을 것입니다

예, 테이블 위의 종이 한 장

예, 가족과 지구상의 평화입니다.

슬라이드 20 - 21

교사: 퀴즈를 내봅시다. 정답을 찾아봅시다.

선생님: 여러분, 이제 정말 알고 싶습니다. 오늘 수업에서 무엇을 새로 배웠습니까?

학생 응답.

교사: 노래가 보이니?

학생들: 예.

교사: 페니가 뭐야?

슬라이드 22

학생: 노래는 시와 음악 사이의 다리입니다.

슬라이드 23 - 31

교사: 여러분과 약간의 워밍업을 합시다. 그리고 우리는 멋진 노래로 수업을 끝낼 것입니다. "오렌지 플래닛"

요약.

슬라이드 32

교사: 수업 감사합니다.

Claude Achille Debussy는 1862년 8월 22일 파리 생제르맹에서 태어났습니다. 그의 부모-소부르주아-는 음악을 사랑했지만 진정한 전문 예술과는 거리가 멀었습니다. 어린 시절의 무작위적인 음악적 인상은 거의 기여하지 않았습니다. 예술적 발전미래의 작곡가. 이들 중 가장 눈에 띄는 것은 드문 오페라 방문이었습니다. Debussy는 아홉 살이 되어서야 피아노를 배우기 시작했습니다. Claude의 뛰어난 능력을 인정한 가족과 가까운 피아니스트의 주장에 따라 그의 부모는 1873년 그를 파리 음악원으로 보냈습니다.

첫 해의 부지런한 연구는 Debussy 연례 솔페지오 상을 가져왔습니다. 솔페지오와 반주 수업에서 그는 새로운 하모닉 턴, 다양하고 복잡한 리듬에 관심을 보였다.

Debussy의 재능은 매우 빠르게 발전했습니다. 이미 학생 시절에 그의 연주는 내적 내용, 감성, 희귀 한 다양성 및 사운드 팔레트의 풍부함으로 구별되었습니다. 그러나 유행하는 외부 기교와 광채가없는 그의 공연 스타일의 독창성은 음악원 교사 나 동료들로부터 정당한 인정을받지 못했습니다. 처음으로 그의 재능은 슈만의 소나타 연주로 1877년에야 상을 받았습니다.

기존의 온실 교육 방법과의 첫 번째 심각한 충돌은 하모니 수업에서 Debussy와 함께 발생했습니다. Debussy가 작곡을 공부 한 작곡가 E. Guiraud만이 그의 학생의 열망에 진정으로 스며 들었고 예술적, 미적 견해와 음악적 취향의 유사성을 발견했습니다.

녹턴

"구름"

오케스트라 구성:플루트 2, 오보에 2, 코르 앙글레, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 4, 팀파니, 하프, 현.

"축하"

"사이렌"

오케스트라 구성:플루트 3, 오보에 2, 코르 앙글레, 클라리넷 2, 바순 3, 호른 4, 트럼펫 3, 하프 2, 현; 여성 합창단(소프라노 8명과 메조소프라노 8명).

창조의 역사

그의 첫 교향곡인 목신의 오후를 아직 완성하지 못한 드뷔시는 1894년 야상곡을 구상했습니다. 9월 22일 그는 편지에서 이렇게 썼습니다. 첫 번째 오케스트라는 현으로, 두 번째는 플루트, 4 개의 뿔, 3 개의 파이프 및 2 개의 하프로 표시됩니다. 세 번째 오케스트라는 두 가지를 결합합니다. 일반적으로 이것은 예를 들어 회색 톤으로 연구를 칠할 때와 같이 동일한 색상이 제공할 수 있는 다양한 조합을 검색하는 것입니다. 이 편지는 벨기에의 유명한 바이올리니스트이자 현악 4중주의 창시자이자 전년도에 처음으로 드뷔시 4중주를 연주한 외젠 이자예에게 보내는 편지입니다. 1896년 작곡가는 "야상곡"이 Izaya를 위해 특별히 제작되었다고 주장했습니다. Apollo 자신이 나에게 요구한다면 나는 그를 거절할 것입니다! 그러나 내년에 아이디어가 바뀌고 3년 동안 Debussy는 심포니 오케스트라를 위해 세 개의 "Nocturnes"를 작업했습니다.

그는 1900년 1월 5일자 편지에서 완료에 대해 보고하고 같은 장소에 다음과 같이 씁니다. 그리고 그녀가 결코 "현대적인 스타일"이 아니라는 것을 이러한 선물에 덧붙입니다. 그녀는 음악을 좋아합니다 ... 그녀의 상상에 따르면 그녀가 가장 좋아하는 노래는 붉게 물든 얼굴과 한쪽에 모자가있는 작은 척탄병에 대해 이야기하는 라운드 댄스입니다. 작곡가의 아내는 지방에서 온 미성년 직원의 딸인 패션 모델이었으며 1898 년에 열정을 불러 일으켜 다음 해 Rosalie가 그와 헤어지기로 결정했을 때 거의 자살했습니다.

Nocturnes 프로그램은 Debussy 자신이 알고 있습니다.

"Clouds"는 회색 구름이 천천히 우울하게 떠다니며 녹는 하늘의 움직이지 않는 이미지입니다. 물러나고 흰색 빛으로 부드럽게 착색됩니다.

"사이렌"은 바다와 바다의 무한히 다양한 리듬입니다. 달이 은빛 파도 사이에서 일어나 웃음으로 무너지고 신비한 사이렌 노래가 제거됩니다.

흐르는 공기, 바다 파도의 광채, 축제 군중의 잡색을 그리는 것을 좋아했던 프랑스 인상파 예술가들의 그림과 많은 유사점이 있습니다. "Nocturnes"라는 제목 자체는 작곡가가 Rome Prize로 음악원을 졸업 한 후 이탈리아에 살았던 어린 시절에 관심을 갖게 된 영국 Pre-Raphaelite 예술가 James Whistler의 풍경 이름에서 유래했습니다. , 빌라 메디치(1885-1886)에서. 이 열정은 그의 삶이 끝날 때까지 계속되었습니다. 그의 방 벽은 휘슬러의 그림을 재현한 색으로 장식되어 있었다. 한편, 프랑스 비평가들은 드뷔시의 세 가지 "야상곡"이 공기, 불, 물의 세 가지 요소의 녹음 또는 세 가지 상태(관상, 행동, 황홀경)의 표현이라고 썼습니다.

음악

« 축제» 뚜렷한 대조를 이룬다 - 음악은 격렬하고 빛과 움직임으로 가득 차 있다. 현의 비상음과 나무 도구금관 악기의 경쾌한 느낌표, 트레몰로 팀파니, 화려한 하프 글리산도에 의해 중단됩니다. 새로운 그림: 현악기 오보에의 같은 춤추는 배경에서 한 옥타브의 다른 관악기에 의해 포착된 열렬한 주제가 이어집니다. 갑자기 모든 것이 깨집니다. 멀리서 행렬이 다가오고 있습니다 (음소거가있는 트럼펫 세 개). 지금까지 조용한 스네어 드럼(멀리서)과 낮은 금관악기가 들어와 귀가 먹먹할 것 같은 투티의 클라이막스를 형성합니다. 그런 다음 첫 번째 주제의 가벼운 구절이 돌아오고 다른 주제가 깜박이며 축제의 소리가 사라질 때까지.

안에 " 사이렌"다시 말하지만, 구름에서처럼 느린 속도가 우세하지만 이곳의 분위기는 황혼이 아니라 빛으로 비춰집니다. 파도가 조용히 튀고, 파도가 밀려오고, 이 물보라에서 매혹적인 사이렌의 목소리를 구별할 수 있습니다. 소그룹 여성 합창단의 가사 없이 반복되는 화음은 오케스트라의 소리를 또 다른 기발한 색으로 보완한다. 두 음표의 가장 작은 모티프는 다양하고 성장하며 다성적으로 얽혀 있습니다. 그들은 이전 야상곡의 주제를 반영합니다. 중간 부분에서는 사이렌의 목소리가 더욱 강렬해지고 멜로디가 더욱 확장됩니다. 트럼펫의 변형은 Clouds의 잉글리시 호른 테마에 예기치 않게 접근하며 이러한 악기의 롤 콜에서 유사성이 더욱 강해집니다. 마지막에는 구름이 녹고 축제의 소리가 멀리 사라지면서 사이렌의 노래가 사라집니다.

A. 쾨닉스버그

전주곡 "après-midi d" un faune

오케스트라 구성:플루트 3개, 오보에 2개, 코르 앙글레, 클라리넷 2개, 바순 2개, 호른 4개, 앤티크 심벌즈, 하프 2개, 현.

창조의 역사

목신의 오후(The Afternoon of a Faun)는 드뷔시(Debussy)의 첫 번째 교향곡으로, 그의 개인적인 인상파 스타일이 완벽하게 표현되어 있습니다. Stéphane Mallarmé(1842-1898)가 쓴 동명의 eclogue에서 영감을 받았습니다. 젊은 시인과 인상주의 예술가를 주변에 통합한 상징파 학교의 수장인 프랑스 시인은 1865-1866년에 고대 신화적 음모에 대해 이 긴 시를 썼습니다(10년 후 출판됨). 런던 내셔널 갤러리의 18세기 프랑스 화가 Boucher. 의도적으로 복잡하고 이해하기 어렵고 우화적인 Mallarme의 시적 스타일은 이미지의 관능적 인 밝기, 취향의 우아함, 삶에 대한 세련되고 즐거운 인식으로 동시에 구별됩니다. Mallarme 자신은 자신의 시를 음악과 비교했습니다. 그는 청취자의 음악 소리처럼 독자에게 시적으로 영향을 미치기 위해 특정 방식으로 배열된 문구를 위해 노력했습니다.

eclogue "Afternoon of a Faun"은 유명한 프랑스 배우 Coquelin Sr.를 위해 고안되었습니다. 1886년에 eclogue에 대해 알게 된 Debussy는 서곡, 막간 및 피날레(패러프레이즈)의 세 부분 구성으로 읽기를 보완하기로 결정했습니다. 그러나시의 의미는 계속할 필요없이 전주곡에서 이미 완전히 소진되었습니다. 작가의 피아노 연주에서 처음 들었을 때 Mallarme은 기뻐했습니다. “이런 건 기대하지 않았어요! 이 음악은 내 시의 분위기를 이어가며 색채보다 더 생생하게 보완해준다.

살아남은 프로그램은 아마도 Debussy의 것일 것입니다. 그것은 결코 시의 종합이라고 주장하지 않습니다. 오히려 이것들은 오후의 더위에 맴도는 목신의 욕망과 꿈이 차례로 이어지는 풍경입니다. 그런 다음 소심하게 도망가는 님프를 쫓는 데 지친 그는 모든 것을 포괄하는 자연에서 충만한 소유에 대한 마침내 실현 된 꿈으로 가득 찬 즐거운 잠에 몸을 맡깁니다.

그리고 The Afternoon of a Faun(1894)을 완성한 지 1년 후에 쓴 편지에서 Debussy는 농담조로 프로그래밍의 원리를 설명했습니다. 그렇게 되면 음악은 최우수상을 놓고 순종 말과 경쟁하는 택시 말처럼 질식할 것입니다."

초연은 1894년 12월 22일 파리에서 열린 콘서트에서 내셔널 소사이어티귀스타브 도레 감독. 지휘자가 나중에 회상했듯이 이미 공연 중에 갑자기 청중이이 음악에 완전히 매료되었다고 느꼈고 종료 직후 다시 연주되었습니다. 이것은 Debussy의 첫 번째 진정한 성공이었습니다.

1912년, "목신의 오후"의 음악에 맞춰 파리 극장 Chatelet은 단막 발레를 상연했습니다. Faun의 안무가이자 연기자는 Nijinsky를 젊은 야만적이고 사악한 천재라고 불렀던 작곡가를 전혀 좋아하지 않는 유명한 러시아 댄서 Vaslav Nijinsky였습니다.

음악

플루트 솔로는 밝은 목가적 고대의 먼 세계와 Debussy의 음악 세계를 즉시 소개하며 작곡가에게는 매우 일반적입니다. 높은 목관 악기의 리드 음색에서 자유로운 즉흥적 방식으로 크로마타이즈된 관능적인 멜로디가 펼쳐집니다. 하프의 글리산도와 전주곡에 유일하게 사용된 금관악기인 프렌치 호른의 롤콜이 음악에 특별한 풍미를 더한다. 중앙 섹션에서는 마치 태양을 비추는 것처럼 더 넓고 선율적인 주제가 풍부한 tutti 사운드로 나타납니다. 그녀가 독주 바이올린에서 잠시 멈추면 흘러넘치는 하프를 배경으로 플루트의 플루트 선율이 다시 돌아온다. 그의 설명은 짧은 놀림 모티브로 중단됩니다. 음악은 저자의 정의에 따라 "더 큰 나른함"의 특성을 획득하고 골동품 판을 포함하여 광채가 향상됩니다. 하프 하모닉스와 낮은 현의 피치카토를 배경으로 한 그들의 피아니시모가 작품을 완성합니다.

이미 1870년대 후반과 1880년대 초반으로 거슬러 올라가는 Debussy의 첫 번째 성악 작곡(Paul Bourget의 말에 대한 "Wonderful Evening", 특히 Paul Verlaine의 말에 대한 "Mandolin")에서 그의 재능의 독창성이 드러났습니다.

음악원을 졸업하기도 전에 Debussy는 처음으로 해외 여행을 떠났습니다. 서유럽러시아 박애주 의자 N.F. 수년 동안 P.I. Tchaikovsky의 절친한 친구였던 von Meck. 1881년 드뷔시는 폰 멕의 홈 콘서트에 참가하기 위해 피아니스트로 러시아에 왔다. 러시아로의 첫 번째 여행 (그 후 그는 1882 년과 1913 년에 두 번 더 갔다)은 그의 생애가 끝날 때까지 약해지지 않은 러시아 음악에 대한 작곡가의 큰 관심을 불러 일으켰습니다.

세 번의 여름 시즌이 지난 후, 그의 학생 Sonia(15세)는 고개를 돌렸습니다. 그는 그녀의 어머니 인 Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck에게 그녀와 결혼 할 수 있도록 허락을 요청했습니다. 그리고 그는 즉시 매우 친절했고 그 순간 그들이 있던 비엔나를 떠나도록 요청했습니다.

그가 파리로 돌아왔을 때 그의 마음과 재능은 "그의 삶의 여성"의 유형을 정의한 바니에 부인에 대한 감정에 무르익었다는 것이 밝혀졌습니다. 집.

그는 그녀를 만났고 Gounod가 회장이었던 Madame Moreau-Sainty의 노래 과정에서 그녀와 동행하기 시작했습니다.

1883년부터 드뷔시는 로마 대상 경연 대회에 작곡가로 참여하기 시작했습니다. 이듬해 그는 칸타타로 그녀를 수상했습니다. 탕자". 이 에세이는 프랑스의 영향으로 쓰여졌다. 서정 오페라, 개별 장면의 실제 드라마가 돋보입니다. Debussy의 이탈리아 체류 (1885-1887)는 그에게 유익한 것으로 판명되었습니다. 그는 16 세기 고대 이탈리아 합창 음악과 동시에 Wagner의 작업에 대해 알게되었습니다.

동시에 Debussy의 이탈리아 체류 기간은 프랑스의 공식 예술계와의 날카로운 충돌로 표시되었습니다. 아카데미 전 수상자 보고서는 특별 심사 위원이 파리에서 고려한 작품 형태로 발표되었습니다. 작곡가의 작품에 대한 리뷰-교향곡 "Zuleima", 교향곡 모음곡 "Spring", 칸타타 "The Chosen One"- 이번에는 Debussy의 혁신적인 열망과 가장 큰 관성을 지배 한 관성 사이의 극복 할 수없는 격차를 발견했습니다. 예술 기관프랑스. Debussy는 파리에 있는 친구에게 보낸 편지에서 혁신에 대한 열망을 분명히 표현했습니다. paths .. .” 이탈리아에서 파리로 돌아온 Debussy는 마침내 아카데미와 결별합니다. 그 무렵 Vanier 부인에 대한 감정은 상당히 식었습니다.

예술의 새로운 경향에 더 가까이 다가가고자 하는 열망, 예술계에서 그들의 연결과 지인을 확장하려는 열망은 1880년대 후반 드뷔시를 19세기 후반 프랑스 주요 시인의 살롱으로, 그리고 상징주의자들의 이데올로기적 지도자로 이끌었습니다. - 스테판 말라르메. 여기에서 Debussy는 1880년대와 1890년대에 작곡된 많은 성악 작곡의 기초가 된 작가와 시인을 만났습니다. 그중에서 "만돌린", "아리에타", "벨기에 풍경", "수채화", "달빛"은 Paul Verlaine의 말, "Songs of Bilitis"는 Pierre Louis의 말, "Five Poems"는 샤를 보들레르(특히 발코니, 저녁 하모니, 분수에서) 등이 쓴 1850~1860년대 프랑스의 가장 위대한 시인의 말.

주어진 명확한 선호도 성악창의성의 첫 번째 기간에, 그것은 주로 상징주의 시에 대한 작곡가의 열정 때문입니다. 그러나 이 시기의 대부분의 작품에서 드뷔시는 자신의 생각을 표현할 때 상징주의적 불확실성과 절제를 피하려고 노력합니다.

1890년대 - 성악뿐만 아니라 피아노(피아노 네 손을 위한 "Bergamas Suite", "Little Suite"), 실내악(현악 4중주) 및 특히 교향곡. 이때 가장 중요한 두 가지 교향곡 작품- 전주곡 "목신의 오후"와 "야상곡".

전주곡 "목신의 오후"는 1892년 스테판 말라르메의 시를 바탕으로 작곡되었습니다. Mallarme의 작품은 주로 아름다운 님프에 대해 더운 날 꿈꾸는 신화 생물의 밝은 그림으로 작곡가를 매료 시켰습니다.

Mallarmé의 시에서와 같이 전주곡에는 전개된 플롯이나 행동의 역동적인 전개가 없습니다. 구성의 중심에는 본질적으로 "들어가는"반음계 억양을 기반으로 한 "languor"의 하나의 멜로디 이미지가 있습니다. Debussy는 그의 오케스트라 화신에 거의 항상 동일한 특정 악기 음색, 즉 낮은 음역의 플루트를 사용합니다.

전주곡의 전체 교향곡 전개는 주제 표현의 질감과 오케스트레이션의 변화로 귀결됩니다. 정적 전개는 이미지 자체의 특성으로 정당화됩니다.

Debussy의 성숙한 스타일의 특징은 이 작품에서 주로 오케스트레이션에서 나타난다. 오케스트라 그룹과 그룹 내 개별 악기 파트의 극단적인 차별화를 통해 오케스트라 색상을 결합하고 최고의 뉘앙스를 만들 수 있습니다. 이 작품에서 오케스트라 작문의 많은 업적은 나중에 Debussy의 대부분의 교향곡 작품의 전형이되었습니다.

1894년 "Faun"이 연주된 후에야 작곡가 Debussy는 파리의 광범위한 음악계에서 연설했습니다. 그러나 Debussy가 속한 예술적 환경의 고립과 특정 제한은 물론 그의 작곡의 원래 스타일로 인해 작곡가의 음악이 콘서트 무대에 나타나지 않았습니다.

1897-1899년에 만들어진 Nocturnes 주기와 같은 Debussy의 뛰어난 교향곡 작품도 제한적으로 받아들여졌습니다. "Nocturnes"에서 Debussy의 생생한 예술적 이미지에 대한 열망이 드러났습니다. Debussy의 교향곡 작품에서 처음으로 생생한 장르 그림 (Nocturnes의 두 번째 부분- "축하")과 색상이 풍부한 자연의 이미지 (첫 번째 부분- "Clouds")가 생생한 음악적 구현을 받았습니다.

1890년대에 Debussy는 그의 유일한 완성된 오페라인 Pelléas et Mélisande를 작업했습니다. 작곡가는 오랫동안 그와 가까운 음모를 찾고 있었고 마침내 벨기에 상징주의 작가 Maurice Maeterlinck "Pelléas et Mélisande"의 드라마에 정착했습니다. 이 작품의 줄거리는 "캐릭터가 논쟁하지 않고 삶과 운명을 견뎌낸다"는 사실에 의해 Debussy의 말을 끌었습니다. 풍부한 하위 텍스트로 인해 작곡가는 "단어가 무력한 곳에서 음악이 시작됩니다. "라는 모토를 이행 할 수있었습니다.

Debussy는 Maeterlinck의 많은 드라마의 주요 특징 중 하나 인 오페라에서 보존했습니다. 피할 수없는 치명적인 비난 이전의 캐릭터의 치명적인 운명, 자신의 행복에 대한 사람의 불신. Debussy는 사랑과 질투의 진정한 비극을 음악적으로 구현 한 미묘하고 절제된 서정, 성실 및 진실성으로 드라마의 절망적 인 비관적 톤을 어느 정도 부드럽게했습니다.

오페라 스타일의 참신함은 주로 그것이 산문 텍스트. Debussy 오페라의 보컬 부분은 구어체 프랑스어 연설의 미묘한 뉘앙스를 구현합니다. 오페라의 선율 전개는 표현력이 풍부한 선율-선율적인 선율입니다. 오페라의 극적인 클라이막스 에피소드에서도 멜로디 라인에 큰 감정적 고조가 없습니다. 드뷔시가 인간 경험의 복잡하고 풍부한 범위를 전달할 수 있었던 오페라에는 여러 장면이 있습니다. 4막의 분수와 5막의 멜리장드의 죽음 장면.

오페라 초연은 1902년 4월 30일 극장에서 열렸습니다. 희가극". 웅장한 공연에도 불구하고 오페라는 많은 청중에게 진정한 성공을 거두지 못했습니다. 비판은 일반적으로 비우호적이었고 첫 공연 이후 날카롭고 무례한 공격을 허용했습니다. 소수의 주요 음악가만이 이 작품의 장점을 높이 평가했습니다.

Pelléas가 상연되었을 때 Debussy의 삶에서 중요한 사건이 발생했습니다. 1899년 10월 19일, 그는 릴리 텍시에르와 결혼합니다. 그들의 결합은 5년만 지속됩니다. 그리고 1901년에 그는 전문 음악 평론가로서의 경력을 시작했습니다. 이것은 Debussy의 미적 관점, 그의 예술적 기준 형성에 기여했습니다. 그의 미적 원칙과 견해는 Debussy의 기사와 책에 매우 명확하게 표현되어 있습니다. 그는 음악의 근원을 자연에서 본다: “음악은 자연에 가장 가깝다… "

Debussy의 스타일은 Borodin, Balakirev, 특히 Mussorgsky 및 Rimsky-Korsakov와 같은 주요 러시아 작곡가의 작업에서 강한 영향을 받았습니다. Debussy는 Rimsky-Korsakov의 오케스트라 작문의 탁월함과 그림 같은 것에 가장 깊은 인상을 받았습니다.

그러나 드뷔시는 위대한 러시아 예술가들의 스타일과 방법의 특정 측면만을 인식했습니다. 그는 Mussorgsky의 작업에서 민주적이고 사회적인 비난 경향에 대해 외계인이었습니다. Debussy는 Rimsky-Korsakov 오페라의 매우 인간적이고 철학적으로 중요한 음모, 이러한 작곡가의 작품과 민속 기원 사이의 지속적이고 분리 할 수없는 연결과는 거리가 멀었습니다.

1905년 드뷔시는 두 번째 결혼을 했다. 그녀는 파리의 은행가인 Sigismund Bardak과 결혼한 Claude Achille와 같은 나이였습니다. 그녀의 친구 중 한 명은 그녀에 대해 "마담 바르닥은 세기 초에 일부 세속 여성의 매력을 가졌습니다."라고 썼습니다.

Debussy는 아들과 함께 작곡을 공부했고 곧 그의 로맨스를 연주한 Madame Bardac과 동행했습니다. "이것은 나른한 엑스터시입니다."... 동시에 모든 결과를 초래하는 번개입니다. 곧 그들은 사랑스러운 소녀 Claude-Emme를 갖게됩니다.

세기의 시작은 작곡가의 창작 활동에서 가장 높은 단계입니다. 이 기간 동안 Debussy가 만든 작품은 창의성의 새로운 경향과 무엇보다도 상징주의 미학에서 Debussy의 출발을 말합니다. 작곡가는 점점 더 장르적 장면에 매료되고, 뮤지컬 초상화그리고 자연의 사진. 새로운 주제와 줄거리와 함께 그의 작품에는 새로운 스타일의 특징이 나타난다. 이에 대한 증거는 피아노 작품, "그레나다의 저녁"(1902), "비오는 정원"(1902), "기쁨의 섬"(1904). 이 작품에서 Debussy는 음악의 국가적 기원과 강한 연관성을 찾습니다.

이 기간 동안 Debussy가 만든 교향곡 작곡 중에는 유명한 "Iberia"를 포함하는 "Sea"(1903-1905)와 "Images"(1909)가 눈에 띕니다.

"Iberia"의 음색 오케스트라 팔레트, 모달 독창성 및 기타 기능은 많은 작곡가를 기쁘게했습니다. “스페인을 잘 몰랐던 드뷔시는 자발적으로 무의식적으로 많은 사람들의 부러움을 불러일으킬 수 있는 스페인 음악을 창조했다고 말할 수 있습니다. 나라를 아는 사람충분해..." - 유명한 스페인 작곡가 Falla가 썼습니다. 그는 Claude Debussy가 "스페인을 그의 작품의 가장 아름다운 측면 중 하나를 드러내기 위한 기초로 사용했다면 이제 스페인이 그의 빚을 지고 있을 정도로 관대하게 지불한 것"이라고 믿었습니다.

작곡가 Honegger는“Debussy의 모든 작품 중에서 이전에 전혀 익숙하지 않은 사람이 그 예를 사용하여 그의 음악에 대한 아이디어를 얻을 수 있도록 하나의 악보를 선택해야한다면 이를 위해 삼부작 "바다"를 가져갈 것입니다. . 제 생각에는 이것이 가장 전형적인 작품이며 작가의 개성이 가장 완벽하게 각인되어 있습니다. 음악 자체가 좋은지 나쁜지는 문제의 핵심입니다. 그리고 Debussy는 훌륭합니다. 그의 "Sea"의 모든 것은 영감을 받았습니다. 가장 작은 오케스트레이션 스트로크에 이르기까지 모든 음표, 음색-모든 것이 생각되고 느껴지며이 사운드 패브릭이 가득 찬 감정적 애니메이션에 기여합니다. "바다"는 인상주의 미술의 진정한 기적이다..."

드뷔시 인생의 마지막 10년은 제1차 세계대전이 발발할 때까지 끊임없는 창작 활동과 공연 활동으로 특징지어집니다. 지휘자로서 오스트리아-헝가리로의 콘서트 여행은 해외에서 작곡가의 명성을 얻었습니다. 특히 1913년 러시아에서 열렬히 환영받았다. 상트페테르부르크와 모스크바에서의 콘서트는 큰 성공을 거두었습니다. 많은 러시아 음악가들과 Debussy의 개인적인 접촉은 러시아 음악 문화에 대한 그의 애착을 더욱 강화했습니다.

특히 드뷔시의 마지막 10년 동안의 예술적 업적은 피아노 작업: "Children's Corner"(1906-1908), "Toy Box"(1910), 24개의 전주곡(1910 및 1913), "Six Antique Epigraphs" in Four hands(1914), 12개의 연구(1915).

피아노 모음곡 "Children's Corner"는 Debussy의 딸에게 헌정되었습니다. 친숙한 이미지로 아이의 눈으로 세상을 음악으로 드러내고 싶은 욕망- 엄격한 선생님, 인형, 작은 목자, 장난감 코끼리 - Debussy는 일상적인 춤과 노래 장르, 전문 음악 장르를 그로테스크하고 캐리커처 형식으로 널리 사용합니다.

Debussy의 12개 에튀드는 피아노 스타일 분야에서의 그의 오랜 실험, 새로운 유형의 기법 및 표현 수단에 대한 탐색과 연결되어 있습니다. 그러나이 작품들에서도 그는 순전히 거장뿐만 아니라 건전한 문제도 해결하기 위해 노력합니다.

그의 피아노 전주곡 두 권은 Debussy의 전체 창작 경로에 대한 합당한 결론으로 간주되어야 합니다. 말하자면 여기에 예술적 세계관의 가장 특징적이고 전형적인 측면이 집중되어 있으며, 창의적인 방법그리고 작곡가의 스타일. 이 주기는 본질적으로 서유럽 음악에서 이 장르의 발전을 완성했으며, 지금까지 가장 중요한 현상은 바흐와 쇼팽의 전주곡이었습니다.

Debussy에서 이 장르는 그의 창의적인 방법음악 콘텐츠, 시적 이미지의 범위 및 작곡가의 스타일 분야에서 가장 특징적이고 전형적인 모든 백과 사전입니다.

전쟁이 시작되자 드뷔시는 애국심을 갖게 되었습니다. 인쇄 된 성명서에서 그는 자신을 "Claude Debussy - 프랑스 음악가"라고 단호하게 부릅니다. 전선애국심에서 영감을 얻은 몇 년 동안의 작품. 그의 주된 임무는 .. 그는 끔찍한 전쟁 행위에 반대하는 아름다움의 노래를 고려하여 사람들의 몸과 영혼을 손상시키고 문화의 가치를 파괴했습니다. Debussy는 전쟁으로 인해 깊은 우울감을 느꼈습니다. 1915년부터 작곡가는 중병에 걸려 그의 작품에도 영향을 미쳤다. 그의 생애 마지막 날까지-그는 1918 년 3 월 26 일 독일군의 파리 폭격으로 사망했습니다-심각한 질병에도 불구하고 Debussy는 창의적인 검색을 중단하지 않았습니다.

음악적 인상주의는 무엇보다도 인상주의의 선구자로 프랑스 회화. 그것들은 공통 뿌리뿐만 아니라 원인과 결과 관계도 가지고 있습니다. 그리고 음악의 주요 인상파인 클로드 드뷔시, 특히 그의 친구이자 이 길의 전임자인 에릭 사티와 드뷔시의 뒤를 이어받은 모리스 라벨은 유추뿐만 아니라 표현 수단 Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes 및 Henri de Toulouse-Lautrec의 작품에서.

음악과 관련하여 "인상주의"라는 용어 자체는 단호하게 조건적이고 사변적입니다(특히 Claude Debussy 자신은 이에 대해 명확한 답을 제공하지 않고 반복적으로 반대했습니다). 시각과 관련된 그림의 수단과 주로 청각에 기반한 음악 예술의 수단은 마음에만 존재하는 특별하고 미묘한 연관 유사점의 도움을 통해서만 서로 연결될 수 있음이 분명합니다. 간단히 말해서 "가을비 속의"파리의 모호한 이미지와 "떨어지는 방울의 소음으로 숨막히는"같은 소리 자체는 예술적 이미지의 속성을 가지고 있지만 실제 메커니즘은 아닙니다. 회화와 음악의 직접적인 유추는 다음을 통해서만 가능합니다. 작곡가의 성격예술가나 그림의 개인적인 영향을 경험한 사람. 예술가나 작곡가가 그러한 연관성을 부인하거나 인식하지 못한다면 적어도 그것에 대해 이야기하기가 어려워집니다. 그러나 우리는 중요한 유물로 고백을 가지고 있으며, (가장 중요한 것)뮤지컬 인상주의의 주인공들의 작품 그 자체. 이 생각을 남들보다 더 명확하게 표현한 사람은 에릭 사티였으며, 자신의 작품에서 예술가에게 얼마나 많은 빚을 지고 있는지에 끊임없이 집중했다. 그는 자신의 생각의 독창성, 독립적이고 무례한 성격 및 권위를 전혀 아끼지 않는 가성 재치로 Debussy를 자신에게 매료 시켰습니다. 또한 Satie는 완전히 전문적인 손은 아니지만 대담하게 쓰여진 혁신적인 피아노 및 보컬 구성으로 Debussy에 관심을 보였습니다. 다음은 1891년 Satie가 새로 찾은 친구 Debussy에게 새로운 스타일의 형성으로 나아가도록 촉구하는 말입니다.

Puvis de Chavannes (1879) "해변의 소녀들" (젊은 시절의 Sati가 가장 좋아하는 사진)

드뷔시를 만났을 때 그는 무소르그스키로 가득 차 있었고 찾기 쉽지 않은 길을 끈질기게 찾았다. 이와 관련하여 나는 오랫동안 그를 능가했습니다. 나는 로마 상이나 다른 어떤 상도 받지 않았습니다. 왜냐하면 나는 어떤 상도 받지 못한 (낙원에서 온) 아담과 같았기 때문입니다. 확실히 게으른!…

그 당시 나는 Péladan의 대본에 The Son of the Stars를 쓰고 Debussy에게 우리의 자연스러운 열망과 일치하지 않는 Wagnerian 원칙의 영향에서 프랑스 인이 자신을 해방시켜야 할 필요성을 설명했습니다. 나는 또한 내가 결코 반 바그너리스트는 아니지만 가능하다면 "독일 신 양배추"없이 우리 자신의 음악을 가져야한다고 생각한다고 말했습니다. 그러나 이러한 목적을 위해 Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec 등에서 볼 수 있는 동일한 시각적 수단을 사용하지 않는 이유는 무엇입니까? 이 자금을 음악으로 옮기지 않겠습니까? 더 쉬운 것은 없습니다. 그게 진정한 표현력이 아닐까요?

- (에릭 사티, "클로드 드뷔시", 파리, 1923).

그러나 Satie가 Puvis de Chavannes의 상징적 그림에서 투명하고 인색 한 인상주의를 파생했다면 Debussy는 (동일한 Satie를 통해)보다 급진적 인 인상파 인 Claude Monet과 Camille Pissarro의 창조적 영향을 경험했습니다.

시각적 이미지와 인상주의 예술가의 풍경이 작업에 미치는 영향을 완전히 파악하려면 Debussy 또는 Ravel의 가장 인상적인 작품 이름을 나열하는 것만으로도 충분합니다. 그래서 처음 10년 동안 Debussy는 "Clouds", "Prints"(가장 비유적인 것은 수채화 사운드 스케치 - "Gardens in the rain"), "Images"(첫 번째는 피아노 인상주의 "물 위의 반사"는 Claude Monet의 유명한 그림과 직접적인 연관성을 불러일으킵니다. "인상: 일출")… 에 의해 유명한 표현인상파 작곡가 말라르메 연구 "빛을 들어라", 물의 움직임, 잎사귀의 요동, 바람의 숨결, 저녁 공기의 태양 광선 굴절을 소리로 전달합니다. 교향곡 모음곡 "새벽부터 정오까지의 바다"는 드뷔시의 풍경 스케치를 적절하게 요약합니다.

"인상주의"라는 용어에 대한 그의 개인적인 거부 광고에도 불구하고 Claude Debussy는 반복해서 진정한 인상주의 예술가라고 말했습니다. 그래서 드뷔시는 그의 유명한 오케스트라 작품 중 가장 초기의 야상곡에 대해 말하면서 구름이 낀 어느 날 퐁 드 라에서 세느강을 바라보며 그 중 첫 작품(구름)에 대한 생각이 떠올랐다고 인정했습니다. Concorde ... 두 번째 부분 ( "축하")의 행렬에 관해서는이 아이디어가 Debussy에 의해 탄생했습니다. 석양의 광선 ... 황금빛 먼지 구름” . 마찬가지로 Maurice Ravel의 작품은 인상파 운동에 존재했던 회화와 음악이 직접적으로 연결되어 있다는 일종의 물질적 증거가 될 수 있습니다. 유명한 사운드 비주얼 "Play of water", "Reflections"곡의 순환, 피아노 컬렉션 "Rustle of the Night"-이 목록은 완전하지 않으며 계속할 수 있습니다. Sati는 항상 그렇듯이 다소 떨어져 있습니다. 이와 관련하여 부를 수있는 작품 중 하나는 아마도 "The Heroic Prelude to the Gates of Heaven"일 것입니다.

인상주의 음악의 주변 세계는 미묘한 심리적 반사, 주변에서 일어나는 사소한 변화에 대한 묵상에서 태어난 미묘한 감각의 돋보기를 통해 드러납니다. 이러한 특징은 인상주의를 동시에 존재했던 또 다른 예술 운동인 문학적 상징주의와 관련되게 만듭니다. Eric Satie는 Josephine Péladan의 작품에 처음으로 눈을 돌렸습니다. 조금 후에 Verlaine, Mallarme, Louis, 특히 Maeterlinck의 작업은 Debussy, Ravel 및 일부 추종자들의 음악에서 직접 구현되었습니다.

라몬 카사스(1891) "머니 밀" (사티의 모습이 있는 인상파 그림)

음악 언어의 명백한 참신함에도 불구하고 인상주의는 종종 이전 시대의 예술, 특히 18 세기 프랑스 하프시 코드 연주자의 음악, 로코코 시대의 특징적인 표현 기법을 재현합니다. Couperin과 Rameau의 "Little Windmills"나 "The Hen"과 같은 유명한 그림 연극을 기억하기만 하면 됩니다.

1880년대 에릭 사티와 그의 작품을 만나기 전 드뷔시는 리하르트 바그너의 작품에 매료되어 음악적 미학. Satie를 만나고 첫 인상주의 작품을 만드는 순간부터 Debussy는 놀랍도록 날카롭게 전투적인 반 Wagnerism의 위치로 이동했습니다. 이 전환은 너무나 갑작스럽고 갑작스러웠기 때문에 Debussy의 절친한 친구(및 전기 작가) 중 한 명인 유명한 음악학자 Émile Vuyermeaux는 자신의 당혹감을 직접적으로 표현했습니다.

Debussy의 반 Wagnerism에는 웅장 함과 고귀함이 없습니다. 젊음 전체가 Tristan의 중독에 취해 있고 그의 언어 형성에서 끝없는 멜로디의 발견에서 의심 할 여지없이이 혁신적인 악보에 많은 빚을지고있는 젊은 음악가가 어떻게 경멸스럽게 조롱하는지 이해하는 것은 불가능합니다. 그에게 많은 것을 준 천재!

- (Emile Vuillermoz, “Claude Debussy”, Geneve, 1957.)

동시에 Eric Satie와 개인적 적대감과 적개심의 관계로 내부적으로 연결된 Vuyermeaux는 그를 구체적으로 언급하지 않고 그를 창조의 잃어버린 고리로 석방했습니다. 완전한 그림. 실제로 19세기 말 프랑스 미술은 바그너식 뮤지컬 드라마에 짓눌려 인상주의를 통해 자신을 주장. 오랫동안 Richard의 스타일과 미학의 직접적인 영향에 대해 이야기하기 어렵게 만든 것은 바로 이러한 상황 (독일과의 세 번의 전쟁 사이에서 성장한 민족주의)이었습니다.

두 번째 "야상곡"- "축하"- 밝은 장르 풍미로 Debussy의 다른 작품 중에서 두드러집니다. "Celebrations"의 음악을 라이브 장면에 더 가깝게 만들기 위한 노력의 일환으로 민속 생활작곡가는 일상적인 음악 장르로 전환했습니다. 춤과 행진이라는 두 가지 주요 음악 이미지의 대조되는 반대에 세 부분으로 구성된 "축하"가 구성됩니다 ( "구름"과 달리).

이러한 이미지의 점진적이고 동적인 배치는 컴포지션에 보다 구체적인 프로그램적 의미를 부여합니다. 작곡가는 서문에서 이렇게 썼습니다. 그러나 배경은 항상 남아 있습니다. 이것은 휴일입니다. 그것은 전체 리듬의 일부인 빛나는 먼지와 음악의 혼합입니다.

첫 번째 소절부터 활기차고 활기찬 리듬에 의해 축제의 느낌이 만들어집니다. ff무브먼트의 시작 부분에 밝고 맑은 색상을 제공하는 고음역에서.

이 알록달록한 배경에 타란텔라를 연상시키는 '축하' 1부의 메인 테마가 등장한다. 멜로디는 수많은 참고음과 함께 계단식 악장으로 구성되어 있지만, 타란텔라 특유의 셋잇단음표 리듬과 빠른 템포가 주제의 움직임에 경쾌함과 신속함을 부여한다.

공개에서 Debussy는 멜로디 개발 기술을 사용하지 않고 (주제의 리듬과 윤곽은 악장 전체에서 거의 변하지 않음) 대신에 테마의 각 후속 구현이 위탁되는 일종의 변형에 의지합니다. 다른 조화로운 색상과 함께 새로운 악기.

이번에는 "순수한" 음색에 대한 작곡가의 선호도가 미묘하게 혼합된 오케스트라 색상으로 바뀌었습니다(클라리넷이 있는 잉글리시 호른의 테마 사운드는 오보에가 있는 플루트에서, 바순이 있는 첼로에서 스트러밍으로 대체됨). 화음 반주에서는 먼 음조의 주요 3화음과 비화음의 사슬이 나타납니다(그림 캔버스에 조밀하게 겹쳐진 붓놀림과 유사함). 테마 연주 중 하나에서 멜로디 패턴은 온음 음계를 기반으로 하며, 이는 드뷔시가 장조 및 단조와 함께 자주 사용하는 새로운 모달 음영(증강 모드)을 제공합니다.

"축하" 에피소드의 첫 번째 부분 전체 뮤지컬 이미지(예를 들어, 두 가지 소리의 오보에의 경우 - 라그리고 ~ 전에). 그러나 타란텔라와 국가적으로 관련이 있고 동시에 비 유적으로 리드미컬하게 대조되는 그들 중 하나는 운동이 끝날 무렵 점차 점점 더 지배적 인 위치를 차지하기 시작합니다. 새 테마의 명확한 단속 리듬은 "Celebrations"의 첫 번째 부분의 전체 마지막 섹션에 역동적이고 강한 의지를 부여합니다.

드뷔시는 이 주제의 거의 모든 구현을 목관악기에 맡기지만, 1부 마지막에는 지금까지 주로 반주 역할을 해온 오케스트라의 현악단이 들어간다. 그녀의 소개는 새로운 이미지에 중요한 표현을 부여하고 전체 첫 번째 부분의 절정에 달하는 에피소드를 준비합니다.

모든 새로운 악기 (금관 및 타악기 제외)의 점진적인 연결에 의해 달성 된 "축하"의 첫 번째 부분 끝에서 역학의 긴 증가 인 Debussy의 경우 드물지만 회오리 바람의 움직임이 증가하여 자발적으로 떠오르는 인상을줍니다. 대량 댄스.

클라이막스의 순간에 삼중항 리듬과 첫 번째 주제인 타란텔라의 억양 핵심이 다시 지배한다는 점은 흥미롭다. 하지만 전체의이 최고의 에피소드 뮤지컬 사진첫 번째 악장은 다소 인상주의적으로 끝납니다. 명확하게 표현된 부분의 완성도가 만들어지지 않는다. 그것은 휴지기 없이 절기의 중간 부분으로 직접 흐릅니다.

가장 크고 거의 연극적인 대조(드뷔시에서는 극히 드물다)는 정확히 야상곡에서 축제의 두 번째 부분인 행진으로의 갑작스러운 전환에 있습니다. 타란텔라의 격렬한 움직임은 행진하는 리듬으로 측정되고 천천히 움직이는 오스티나토 다섯 번째 베이스로 대체됩니다. 행진의 주요 주제는 음소거가있는 세 개의 트럼펫에서 처음으로 들립니다 (마치 뒤에서처럼).

점차 다가오는 "행렬"의 효과는 음의 증가와 오케스트라의 변화에 의해 만들어집니다.

표현과 조화. "Nocturnes"의 이 부분의 오케스트레이션에는 트럼펫, 트롬본, 튜바, 팀파니, 스네어 드럼, 심벌즈와 같은 새로운 악기가 포함되며 "Clouds"보다 훨씬 더 일관되고 엄격한 오케스트라 개발 논리가 우세합니다(테마가 먼저 연주됨). 음소거가 있는 트럼펫, 목관악기 그룹 전체, 절정에 이르면 트롬본이 있는 트럼펫).

"Celebrations"의 이 전체 부분은 Debussy에게 긴장과 무결성(D 플랫 장조 및 A 장조의 키를 중심으로 함)에서 놀라운 조화로운 발전으로 구별됩니다. 그것은 오르간 포인트의 오랜 기간 동안 지속되고 주요 키의 강장제가 오랫동안 부재하는 수많은 타원형 회전의 도움으로 모달 불안정성의 장기 축적에 의해 생성됩니다.

행진곡 테마의 하모닉 커버리지에서 Debussy는 풍부한 색상을 사용합니다. 7화음 체인과 오스티나토 베이스를 포함하는 다양한 조의 매력 플랫또는 솔 샤프.

행진의 주제가 웅장하고 엄숙한 "축하"의 중간 부분이 절정에 달하는 순간. 트럼펫과 트롬본에는 팀파니, 군용 드럼 및 심벌즈가 반주되며 현악기에는 일종의 다성음 저음 형태의 타란텔라가 있습니다. 행렬은 점차 축제 축하의 성격, 반짝이는 재미를 띠고 갑자기 중간 부분으로 전환하는 동안과 마찬가지로 예기치 않게 개발이 갑자기 중단되고 다시 하나의 타란텔라 테마가 윤곽과 소리가 부드럽습니다. 두 개의 피리, 소리.

출현 순간부터 반복의 집중적 인 준비가 시작되며 그 동안 타란텔라의 주제가 점차 행진을 대체합니다. 그 울림이 커지고 화음 반주가 더 풍부하고 다양해집니다(서로 다른 키의 비화음 포함). 중간 악장의 두 번째 클라이맥스 순간에 트럼펫에 등장한 행진의 주제조차도 충돌하는 (빠른) 리듬을 얻습니다. 이제 "축하"의 세 번째 반복 부분을 시작하기 위한 모든 전제 조건이 생성되었습니다.

"The Clouds"에서와 마찬가지로 형식의 이 섹션에는 주기 부분의 거의 모든 멜로디 이미지가 포함되어 있으며 극도로 압축되어 있습니다. 코다와 함께 재현은 작곡가가 가장 좋아하는 행렬 "삭제" 효과를 만듭니다. "축하"의 거의 모든 주제가 여기에 전달되지만 메아리로만 전달됩니다. "축하"의 주요 주제 인 타란텔라와 행진은 특히 무브먼트가 끝날 때 큰 변화를 겪습니다. 그 중 첫 번째는 코다의 끝을 향하여 개별 억양과 더블베이스가 있는 첼로의 삼중주 반주 리듬으로만 자신을 떠올리게 하고, 두 번째는 군용 드럼이 두드리는 행진 리듬으로 PP먼 신호처럼 들리는 음소거가있는 짧은 tertsovy 트럼펫.

사이렌

세 번째 "녹턴" - " 사이렌”-시적 디자인에서 "구름"에 가깝습니다. 이에 대한 문학적 설명에서는 그림 같은 산수 모티프와 거기에 도입된 요소만 드러난다. 동화 소설(이 조합은 "Sunken Cathedral"과 모호하게 유사합니다.): "Sirens"는 바다와 무한히 다양한 리듬입니다. 달이 은빛 파도 사이에서 일어나 웃음으로 무너지고 신비한 사이렌 노래가 제거됩니다.

이 그림에서 작곡가의 모든 창의적인 상상력은 전체 악장이나 해당 섹션의 기초를 형성하는 밝은 멜로디 이미지를 만드는 것이 아니라 음악을 통해 가장 풍부한 조명 효과와 색상 조합의 조합을 전달하려는 시도입니다. 다양한 조명 조건에서 바다에서 발생합니다.

세 번째 "야상곡"은 "클라우드"와 마찬가지로 프리젠테이션 및 개발 면에서 정적입니다. 밝고 대조되는 멜로디 이미지의 부족은 여성 합창단(소프라노 8명과 메조 소프라노 8명)이 참여하여 입을 다물고 노래하는 색채 악기로 부분적으로 보완됩니다. 이 독특하고 놀랍도록 아름다운 음색은 전체 악장에 걸쳐 작곡가에 의해 사용되며, 멜로디 기능이 아니라 화성 및 오케스트라 "배경"(사용과 유사) 문자열 그룹구름 속에"). 그러나이 새롭고 특이한 오케스트라 색상은 마치 무한히 다양한 색조로 반짝이는 잔잔한 바다 깊은 곳에서 노래하는 것처럼 노래하는 사이렌의 환상적이고 환상적인 이미지를 만드는 데 주요 표현 역할을합니다.

음악의 인상주의

19세기 말 프랑스에서는 "인상주의"라는 새로운 경향이 나타났습니다. 프랑스어로 번역된 이 단어는 "인상"을 의미합니다. 인상주의는 예술가들 사이에서 발생했습니다.

70년대 파리의 다양한 전시회가 등장 원래 그림 C. 모네, C. 피사로, E. 드가, O. 르누아르, A. 시슬리. 그들의 예술은 학구적인 화가들의 매끈하고 얼굴 없는 작품들과 확연히 달랐다.

인상파는 작업장에서 자유 대기로 나왔고 자연의 생생한 색상, 태양 광선의 반짝임, 수면의 여러 가지 빛깔의 눈부심, 축제 군중의 다양성을 재현하는 방법을 배웠습니다. 그들은 가까이에서 혼란스러워 보이는 반점 스트로크의 특별한 기술을 사용했으며 멀리서 생생한 색상 놀이의 진정한 느낌을 불러 일으켰습니다. 그들의 캔버스에 담긴 즉각적인 인상의 신선함은 심리적 분위기의 미묘함과 결합되었습니다.

나중에 80년대와 90년대에 인상주의 사상이 프랑스 음악에서 표현되었습니다. 두 명의 작곡가 C. Debussy와 M. Ravel은 음악에서 인상주의를 가장 분명하게 표현합니다. 그들의 피아노와 오케스트라 스케치 작품에서 자연에 대한 관조로 인한 감각은 특히 참신하게 표현됩니다. 바다 파도 소리, 개울이 튀는 소리, 숲의 바스락 거리는 소리, 새들의 아침 지저귀는 소리가 주변 세계의 아름다움과 사랑에 빠진 음악가 시인의 개인적인 경험과 작품에 합쳐집니다.

Achille-Claude Debussy는 하모니, 멜로디, 오케스트레이션, 형식 등 작곡 기술의 모든 측면을 풍부하게 한 음악 인상주의의 창시자로 간주됩니다. 동시에 그는 새로운 프랑스 회화와 시의 사상을 받아들였다.

클로드 드뷔시

클로드 드뷔시는 20세기 클래식과 재즈 음악의 발전에 영향을 준 가장 중요한 프랑스 작곡가 중 한 명입니다.

Debussy는 이 도시가 지식 및 예술 세계의 메카였던 파리에서 거주하며 작업했습니다. 작곡가의 매혹적이고 다채로운 음악은 프랑스 예술의 발전에 크게 기여했습니다.

전기

Achille-Claude Debussy는 1862년 파리에서 약간 서쪽에 있는 Saint-Germain-en-Laye에서 태어났습니다. 그의 아버지 마누엘은 평화로운 상점 주인이었지만 대도시로 이사한 후 1870-1871년의 극적인 사건에 뛰어들었습니다. 프랑스-프로이센 전쟁정부에 대한 반란이 일어났습니다. 마누엘은 반군에 가담하여 투옥되었습니다. 그 동안 젊은 Claude는 Madame Mote de Fleurville로부터 수업을 받기 시작했고 Paris Conservatoire에서 자리를 확보했습니다.

음악의 새로운 트렌드

그러한 쓰라린 경험을 통해 Debussy는 자신이 파리 음악원에서 가장 재능있는 학생 중 한 명임을 증명했습니다. Debussy는 또한 소위 "혁명가"였으며 종종 조화와 형식에 대한 그의 새로운 아이디어로 교사를 놀라게했습니다. 같은 이유로 그는 위대한 러시아 작곡가 Modest Petrovich Mussorgsky의 작품에 대한 열렬한 찬사였습니다. 일상적인 것을 싫어하고 음악에 권위가 없었으며 음악 문법 규칙에 거의 관심을 기울이지 않고 찾고있었습니다. 그의 새로운 음악 스타일을 위해

파리 음악원에서 공부하는 동안 드뷔시는 표트르 일리치 차이코프스키의 절친한 친구이자 유명한 러시아 백만장자이자 박애주 의자인 나데즈다 폰 메크를 만났고, 1879년 그의 초청으로 처음으로 서유럽을 여행했습니다. von Meck과 함께 그들은 피렌체, 베니스, 로마, 비엔나를 방문했습니다. 유럽을 여행한 후 Debussy는 처음으로 러시아를 방문하여 von Meck의 "홈 콘서트"에서 공연했습니다. 여기에서 그는 Tchaikovsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky와 같은 위대한 작곡가의 작품을 처음 배웠습니다. 파리로 돌아온 Debussy는 음악원에서 공부를 계속했습니다.

곧 그는 칸타타 The Prodigal Son으로 오랫동안 기다려온 Prix de Rome을 받았으며 이탈리아의 수도에서 2 년 동안 공부했습니다. 그곳에서 그는 리스트를 만났고 처음으로 바그너의 오페라를 들었다. 1889년 파리에서 열린 세계 박람회에서 자바 가믈란의 소리는 이국적인 음악에 대한 그의 관심을 불러일으켰습니다. 이 음악은 서양의 전통과는 엄청나게 거리가 멀었습니다. 동양의 펜타토닉 음계, 즉 서양 음악에서 사용되는 음계와 다른 5단계 음계는 모두 드뷔시를 매료시켰습니다. 이 특이한 소스에서 그는 많은 것을 그려서 놀랍고 멋진 새로운 음악 언어를 만들었습니다.

이러한 경험과 다른 경험은 Debussy 자신의 스타일을 형성했습니다. 둘 핵심 작품: 1894년에 작곡된 목신의 오후와 오페라 Pelléas et Melisande(1902)는 작곡가로서 그의 완숙기를 증명하고 음악의 새로운 지평을 열었다.

재능의 별자리

20세기 초의 파리는 입체파 예술가와 상징주의 시인의 안식처였으며 Diaghilev Ballets Russes는 뛰어난 작곡가, 의상 디자이너, 장식가, 무용수, 안무가의 전체 별자리를 끌어들였습니다. 이것은 댄서 안무가 Vatslav Nijinsky, 유명한 러시아베이스 Fyodor Chaliapin, 작곡가 Igor Stravinsky입니다.

이 세상에는 드뷔시를 위한 자리가 있었다. 그의 놀라운 교향곡 스케치 "The Sea", 피아노, 그의 노래 및 로맨스를위한 전주곡 및 노트북 "이미지"의 가장 멋진 노트북-이 모든 것이 그의 작품을 다른 작곡가와 구별하는 탁월한 독창성을 말해줍니다.

후에 폭풍우 치는 청춘그리고 첫 결혼인 1904년에 그는 가수 Emma Bardak과 결혼하여 그가 좋아하는 딸 Claude-Emma(Shusha)의 아버지가 되었습니다.

운명의 뒤틀림

한없이 부드럽고 세련된 드뷔시의 음악적 양식이 형성되었다. 오랫동안. 그의 친구인 상징파 작가인 스테판 말라르메(Stéphane Mallarmé)의 시에서 영감을 받은 첫 번째 중요한 작품인 목신의 오후(The Afternoon of a Faun) 서곡을 완성했을 때 그는 이미 30대였습니다. 이 작품은 1894년 파리에서 초연되었다. 리허설 중에 Debussy는 끊임없이 악보를 변경했으며 첫 공연 후에는 할 일이 많았을 것입니다.

명성을 얻다

길고 지루한 프로그램 끝에 전주곡이 연주되었다는 어려움과 어려움에도 불구하고 관객들은 형식과 화음, 악기의 색채 면에서 놀랍도록 새로운 것을 듣고 있다는 것을 느꼈고, 즉석에서 앙코르를 불렀다. 조각. 그 순간부터 작곡가 Debussy의 이름이 모두에게 알려졌습니다.

음란한 사티로스

1912년 러시아의 위대한 흥행주 세르게이 디아길레프는 유명한 바슬라프 니진스키가 안무하고 연주한 목신의 오후 음악에 맞춰 발레를 보여 주기로 결정했습니다. 목신 또는 풍자의 이미지에 대한 에로틱한 묘사는 사회에서 약간의 추문을 불러일으켰습니다. 본질적으로 폐쇄적이고 겸손한 사람인 Debussy는 일어난 일에 화를 내고 당황했습니다. 그러나이 모든 것이 작곡가의 최전선에 놓인 작품에 영광을 더했습니다. 현대 음악, 발레는 세계 클래식 레퍼토리에서 확고한 자리를 차지했습니다.

전쟁이 시작되면서

파리의 지적 삶은 1914년 제1차 세계대전 발발로 흔들렸습니다. 그때까지 Debussy는 이미 암에 걸렸습니다. 하지만 그는 여전히 새로운 것을 창조하고 있었습니다. 뛰어난 음악피아노 에튜드와 같은 전쟁의 시작은 Debussy에서 애국심을 불러 일으켰고 언론에서 그는 자신을 "프랑스 음악가"라고 단호하게 불렀습니다. 그는 1918년 연합군의 최종 승리를 몇 달 앞두고 독일군의 폭격으로 파리에서 사망했습니다.

음악 소리

Nocturne (야상곡), 프랑스어에서 번역-밤.

XVIII 세기에. - 관악기 앙상블 또는 현악기와의 조합을 위한 작은 곡들(모음 모음곡의 일종)의 순환. 그들은 저녁, 밤에 야외에서 (세레나데처럼) 공연되었습니다. W. Mozart, Michael Haydn의 야상곡입니다.

19세기부터 -밤의 고요함, 밤의 이미지에서 영감을 얻은 것처럼 선율적이고 대부분 서정적이며 몽환적 인 성격의 뮤지컬 작품. 야상곡은 느리거나 적당한 템포로 쓰여집니다. 중간 부분은 때때로 보다 활기찬 템포 및 동요된 성격과 대조됩니다. 피아노 곡으로서의 야상곡 장르는 Field에 의해 만들어졌습니다(그의 첫 번째 야상곡은 1814년에 출판되었습니다). 이 장르는 F. Chopin에 의해 널리 개발되었습니다. 야상곡은 다른 악기뿐만 아니라 앙상블, 오케스트라를 위해 쓰여졌습니다. 야상곡은 성악에서도 발견됩니다.

"녹턴"

Debussy는 20세기 초에 집합적으로 녹턴이라고 불리는 세 개의 교향곡을 완성했습니다. 그는 자신이 팬이었던 아티스트 James McNeill Whistler의 이름을 빌렸습니다. 작가의 일부 판화와 그림은 그냥 "녹턴"이라고 불렸습니다.

이 음악에서 작곡가는 특별한 사운드 수단, 개발 방법, 자연에 대한 묵상으로 인한 즉각적인 감각, 사람들의 감정 상태를 전달하기 위해 오케스트레이션을 찾고 있던 진정한 인상파로 활동했습니다.

작곡가 자신은 Nocturnes 모음곡에 대한 설명에서 이 이름이 순전히 "장식적인" 의미를 가지고 있다고 썼습니다. 센세이션.” Debussy는 Nocturnes 창작의 자연스러운 원동력이 현대 파리에 대한 자신의 인상이라고 인정한 적이 있습니다.

이 제품군에는 "Clouds", "Celebrations", "Sirens"의 세 부분이 있습니다. 모음곡의 각 부분에는 작곡가가 작성한 자체 프로그램이 있습니다.

"구름"

삼부작 "Nocturnes"는 오케스트라 작품 "Clouds"로 시작됩니다. 이런 식으로 작곡가의 작품 이름을 짓는 아이디어는 그가 파리의 다리 중 하나에 서서 관찰한 실제 구름뿐만 아니라 79개의 구름 연구로 구성된 Turner의 앨범에서도 영감을 받았습니다. 그 안에서 작가는 흐린 하늘의 가장 다양한 색조를 전달했습니다. 스케치는 가장 예상치 못한 미묘한 색상 조합으로 반짝이는 음악처럼 들렸습니다. 이 모든 것이 Claude Debussy의 음악에서 살아났습니다.

작곡가는 "구름"은 "천천히 우울하게 지나가는 구름과 함께 움직이지 않는 하늘의 그림"이라고 설명했습니다.

Debussy의 "Clouds"를 들으면서 우리는 강 위로 올라간 자신을 발견하고 단조롭게 흐릿한 흐린 하늘을 바라 보는 것 같습니다. 그러나이 단조 로움에는 많은 색상, 음영, 오버플로, 즉각적인 변화가 있습니다.

Debussy는 "하늘을 가로 지르는 구름의 느리고 엄숙한 행진"을 음악에 반영하기를 원했습니다. 목관악기의 구불구불한 테마는 아름답지만 우울한 하늘 그림을 그립니다. 비올라, 플루트, 하프, 코앵글레(음색에서 오보에의 더 깊고 어두운 친척) - 모든 악기는 전체 그림에 고유한 음색 색상을 추가합니다. 다이내믹스의 음악은 피아노를 약간 능가하고 결국 하늘에서 구름이 사라지는 것처럼 완전히 용해됩니다.

"축하"

첫 번째 부분의 차분한 소리는 다음 연극 "축하"의 색상 향연으로 대체됩니다.

연극은 작곡가에 의해 두 장면으로 구성됩니다. 음악 장르- 춤과 행진. 서문에서 작곡가는 다음과 같이 썼습니다. "축하"는 움직임, 갑작스런 빛의 폭발과 함께 분위기의 춤추는 리듬이며 행렬의 에피소드이기도합니다 ... 휴일을 통과하고 병합하지만 배경은 항상 남아 있습니다-이것은 휴일입니다 ... 이것은 전체 리듬의 일부인 빛나는 먼지가 혼합 된 음악입니다. 그림과 음악의 연관성은 분명했습니다.

문학 프로그램의 밝은 그림은 "축하"의 그림 같은 음악에 반영됩니다. 청취자는 사운드 대비, 복잡한 하모니, 오케스트라의 악기 음색 연주로 가득한 세계에 빠져들게 됩니다. 작곡가의 숙달은 그의 놀라운 교향곡 발전의 재능에서 나타납니다.

페스티벌'은 현란한 오케스트라의 색채로 가득 차 있다. 현악기의 밝고 리드미컬한 도입부가 명절의 생동감 있는 그림을 그립니다. 중반부에서는 금관악기와 목관악기가 반주하는 퍼레이드의 접근이 들리고, 이어 전체 오케스트라의 소리가 점차 커져 절정에 달한다. 하지만 지금은 이 순간이 사라지고 설렘이 지나가고 멜로디의 마지막 소리가 살짝 속삭이는 소리만 들린다.

"Celebrations"에서 그는 Bois de Boulogne의 민속 오락 사진을 묘사했습니다.

"사이렌"

여성 합창단과 오케스트라를 위한 삼부작 "Nocturnes"- "Sirens"의 세 번째 작품.

"이것은 바다와 그 무수한 리듬입니다." 작곡가 자신이 프로그램을 공개했습니다.

이 신화적인 생물, 즉 아름다운 소녀의 머리를 가진 새들에게 많은 시적 대사가 바쳐집니다. Homer조차도 그의 불멸의 Odyssey에서 그들을 묘사했습니다.

요염한 목소리로 사이렌이 여행자들을 섬으로 유인했고 그들의 배는 해안 암초에서 침몰했으며 이제 우리는 그들의 노랫소리를 들을 수 있습니다. 여성 합창단은 입을 다물고 노래합니다. 말은 없고 소리만 있다. 마치 파도의 유희에 의해 태어나 공중에 떠 있다가 일어나자마자 사라지고 다시 태어난 듯하다. 멜로디조차도 아니지만 인상파 예술가의 캔버스에 획을 긋는 것과 같은 힌트 일뿐입니다. 결과적으로 이러한 사운드 스팽글은 불필요하고 우연한 것이없는 다채로운 조화로 합쳐집니다.