낭만주의 시대에 살았던 작곡가들. 음악의 낭만주의
19세기 유럽 음악 낭만주의의 세 가지 주요 단계인 초기, 성숙기, 후기는 오스트리아와 독일 낭만주의 음악의 발전 단계에 해당합니다. 그러나이 시대 구분은 각 나라의 음악 예술에서 가장 중요한 사건과 관련하여 구체화되고 다소 세련되어야합니다.
독일-오스트리아 음악 낭만주의의 초기 단계는 1910년대와 20년대로 거슬러 올라가며, 나폴레옹 지배에 대한 투쟁의 절정과 뒤이은 어두운 정치적 반응과 일치합니다. 이 단계의 시작은 Hoffmann의 Undine(1913), Silvana(1810), Abu Gasan(1811)의 오페라 Undine(1811), Weber의 프로그램 피아노 곡 Invitation to the Dance(1815)와 같은 음악적 현상으로 표시되었습니다. Schubert의 노래- "물레의 마가리타"(1814) 및 "Forest Tsar"(1815). 1920 년대에 초기 낭만주의가 번성했습니다. 초기 멸종 슈베르트의 천재성이 본격적으로 전개되었을 때 The Magic Shooter, Euryata 및 Oberon이 등장했을 때 Beber의 가장 완벽한 마지막 세 오페라는 사망 한 해 (1820)에 음악적 지평, 새로운 "광명"을 번쩍이십시오 - Mendelssohn - 멋진 콘서트 서곡으로 공연 한 Bartholdy - Dream in 한여름 밤.
중간 단계는 주로 30-40년대에 속하며, 그 경계는 오스트리아, 특히 독일의 선진 집단에 상당한 영향을 미쳤던 프랑스의 7월 혁명과 1848-1949년의 혁명에 의해 결정됩니다. 독일-오스트리아 땅. 이 기간 동안 Mendelssohn (1147 년 사망)과 Schumann의 작업은 독일에서 번성했으며 작곡 활동은 표시된 경계를 넘어 몇 년 동안 만 진행되었습니다. Weber의 전통은 Marschner의 오페라에서 계승되었습니다(그의 최고의 오페라인 Taps Galish:r은 1833년에 작성되었습니다). 이 기간 동안 Wagner는 초보 작곡가에서 그러한 창작자로 이동합니다. 밝은 작품"Tannhäuser"(1815) 및 "Lohengrin"(1848)과 같은; 그러나 Wagner의 주요 창의적 업적은 아직 오지 않았습니다. 현재 오스트리아에서는 진지한 장르 분야에 약간의 소강 상태가 있지만 일상적인 댄스 음악의 창시자 인 Josef Liner와 Johann Strauss-father가 명성을 얻고 있습니다.
수십 년(50년대 초부터 90년대 중반까지)을 아우르는 후기 혁명 이후의 낭만주의 시기는 긴장된 사회정치적 상황(독일 땅 통일에서 오스트리아와 프로이센 사이의 경쟁)과 관련이 있었습니다. , 군국주의 프로이센의 통치하에 통일 된 독일의 출현과 오스트리아의 최종 정치적 고립). 이때 단일 독일 음악 예술의 문제가 심각했고 다양한 창작 그룹과 개별 작곡가 간의 모순이 더 명확하게 드러났으며 방향 투쟁이 발생했으며 때로는 언론 페이지에 대한 열띤 토론에 반영되었습니다. . 이 나라의 진보적인 음악 세력을 통합하려는 시도는 독일로 이주한 리스트에 의해 이루어지지만 소프트웨어를 기반으로 한 급진적 혁신의 아이디어와 연결된 그의 창의적인 원칙은 모든 독일 음악가가 공유하지 않습니다. 뮤지컬 드라마의 역할을 "미래의 예술"로 절대화한 바그너가 특별한 위치를 차지하고 있다. 동시에 그의 작품에서 많은 고전 음악의 지속적인 중요성을 입증한 브람스는 음악적 전통새롭고 낭만적인 세계관과 결합하여 비엔나의 반 목록 및 반 바그너 경향의 머리가 됩니다. 이와 관련하여 1876년은 중요합니다. 바이로이트에서 Wagner의 Der Ring des Nibelungen이 초연되고 비엔나는 브람스의 첫 번째 교향곡을 알게 되어 그의 작품이 가장 많이 꽃피는 시기를 열었습니다.
이 시대의 음악적 역사적 상황의 복잡성은 라이프 치히, 바이마르, 바이로이트와 같은 온상이있는 다양한 방향의 존재에 국한되지 않습니다. 비엔나. 예를 들어 비엔나 자체에서는 Bruckner와 Wolf와 같이 서로 다른 예술가들이 Wagner에 대한 공통된 열광적 태도로 통합되었지만 동시에 그의 뮤지컬 드라마 원칙을 받아들이지 않고 있습니다.
비엔나에서는 세기의 가장 음악적인 머리인 요한 슈트라우스의 아들이”(바그너)를 창작한다. 그의 멋진 왈츠와 이후의 오페레타는 비엔나를 엔터테인먼트 음악의 주요 중심지로 만듭니다.
혁명 이후의 수십 년은 여전히 음악적 낭만주의의 몇 가지 뛰어난 현상으로 표시되며 이러한 추세의 내부 위기의 징후가 이미 느껴지고 있습니다. 그리하여 브람스의 낭만주의는 고전주의의 원리와 종합되고, 휴고 볼프는 점차 반낭만주의 작곡가임을 깨닫는다. 요컨대, 낭만주의 원칙은 때때로 새롭거나 부활한 고전적 경향과 결합되어 탁월한 중요성을 잃습니다.
그럼에도 불구하고 낭만주의가 확실히 오래 지속되기 시작한 1980년대 중반 이후에도 오스트리아와 독일에서는 여전히 별도의 밝은 섬광이 나타납니다. 낭만적인 창의력: Brahms의 최신 피아노 작곡과 Bruckner의 후기 교향곡은 낭만주의로 부채질됩니다. 주요 작곡가 XIX의 차례그리고 XX 세기-오스트리아 말러와 독일 리차드 슈트라우스-80-90 년대 작품에서 때때로 전형적인 낭만주의로 나타납니다. 일반적으로 이 작곡가들은 19세기의 "로맨틱"과 20세기의 "반로맨틱"을 연결하는 일종의 연결 고리가 됩니다.)
"문화적, 역사적 전통으로 인한 오스트리아와 독일의 음악 문화의 근접성은 물론 잘 알려진 국가적 차이를 배제하지 않습니다. 국가 구성독일과 정치적으로 통일되었지만 다국적 오스트리아 제국("패치워크 군주제")에서는 음악적 창의성을 키우는 원천과 음악가들이 직면한 과제가 때때로 달랐습니다. 따라서 후진 독일에서는 소부르주아 침체를 극복하고 협소 한 지방주의가 특히 시급한 과제였으며, 이는 예술의 진보적 대표자들의 다양한 형태의 교육 활동을 요구했습니다. 이러한 상황에서 뛰어난 독일 작곡가는 작곡에만 국한되지 않고 뮤지컬 및 공인이되어야했습니다. 그리고 실제로 독일의 낭만적 인 작곡가들은 문화 및 교육 작업을 정력적으로 수행했으며 모국의 전체 음악 문화 수준의 전반적인 상승에 기여했습니다. Weber-오페라 지휘자 및 음악 평론가, Mendelssohn-콘서트 지휘자 및 독일 최초의 음악원 설립자 인 주요 교사; 혁신적인 음악 평론가이자 새로운 유형의 음악 잡지 창시자로서의 슈만. 나중에는 다재다능한 뮤지컬과 사회 활동 Wagner는 극장 및 심포니 지휘자, 비평가, 미학, 오페라 개혁가, 바이로이트의 새로운 극장 설립자입니다.
정치 및 문화 중앙집권화(정치 및 문화 중심지로서의 빈의 연대 헤게모니), 가부장제의 환상, 이식된 상상의 복지, 가장 잔인한 반동의 실제 지배와 함께 오스트리아에서는 광범위한 사회 활동이 불가능1. 이와 관련하여 베토벤 작품의 시민적 파토스와 위대한 작곡가의 강요된 사회적 수동성 사이의 모순이 주목되지 않을 수 없다. 1814-1815년 비엔나 회의 이후에 예술가로 형성된 슈베르트에 대해 우리는 무엇을 말할 수 있습니까! 유명한 슈베르트 서클은 예술 지식인의 주요 대표자들을 통합할 수 있는 유일한 형태였지만, 메테르니히의 비엔나에 있는 그러한 서클은 진정한 대중적 공명을 가질 수 없었습니다. 즉, 오스트리아에서 가장 위대한 작곡가는 거의 전적으로 음악 작품의 창작자였습니다. 그들은 음악 및 사회 활동 분야에서 자신을 표현할 수 없었습니다. 이것은 슈베르트, 브루크너, 요한 슈트라우스의 아들, 그리고 몇몇 다른 사람들에게 적용됩니다.
그러나 오스트리아 문화에서는 음악 예술에 긍정적인 영향을 주면서 동시에 특히 오스트리아의 "비엔나" 풍미를 부여하는 이러한 특징적인 요소에 주목해야 합니다. 독일, 헝가리, 이탈리아 및 슬라브 문화 Schubert, Johann Strauss 및 기타 많은 작곡가의 민주적 지향 작업이 성장한 풍부한 음악적 토양을 만들었습니다. 독일 민족적 특성과 헝가리 및 슬라브어의 결합은 나중에 비엔나로 이주한 브람스의 특징이 되었습니다.
비엔나의 고전 하이든과 모차르트의 작품에서 눈에 띄는 위치를 차지한 세레나데, 카세이션, 다양화와 같은 다양한 형태의 재미있는 음악이 오스트리아의 음악 문화에 특별히 널리 퍼졌습니다. 낭만주의 시대에 일상적이고 재미있는 음악의 중요성은 보존되었을 뿐만 아니라 더욱 강화되었습니다. 예를 들어 그의 음악에 스며들고 비엔나 파티, 피크닉, 공원에서의 휴일, 일상적인 거리 음악 제작으로 거슬러 올라가는 민속 가정용 제트기가 없는 슈베르트의 창의적인 이미지를 상상하기는 어렵습니다. 그러나 이미 슈베르트의 시대에 비엔나의 전문 음악 내에서 계층화가 관찰되기 시작했습니다. 그리고 Schubert 자신이 그의 작품 교향곡과 소나타를 문자 그대로 수백 명에 등장한 왈츠와 랜틀러와 행진, 생태, 폴로네이즈와 결합했다면 그의 동시대 인 Liner와 Strauss-아버지는 댄스 음악을 그들의 활동의 기초로 삼았습니다. 앞으로 이 "양극화"는 클래식 댄스와 오페레타 음악인 Johann Strauss 아들(1825-1899)과 교향악 연주자 Bruckner(1824-1896)의 작업 비율에서 표현됩니다.
오스트리아 음악과 19세기 정통 독일 음악을 비교할 때 필연적으로 뮤지컬 극장의 문제가 제기된다. 호프만을 시작으로 낭만주의 시대의 독일에서 오페라는 민족문화의 시급한 문제를 가장 완벽하게 표현할 수 있는 장르로서 그 무엇보다 중요했다. 그리고 뮤지컬 드라마 Wagnerad가 독일 극장의 웅장한 정복이라는 것은 우연이 아닙니다 오스트리아에서는 Schubert가 연극 분야에서 성공을 거두려는 반복적 인 시도가 성공하지 못했습니다 진지한 오페라 창의성에 대한 자극은 창작에 기여하지 않았습니다 대신에 코미디 성격의 민속 공연이 번성했습니다. Wenzel Müller와 Joseph Drexler의 음악과 함께 Ferdinand Raimund의 노래와 나중에 I. N. Nestroya 극장의 가정용 노래 ( 1801-1862) 그 결과 뮤지컬 드라마가 아니라 70년대에 발생한 비엔나 오페레타가 오스트리아의 업적을 결정지었다. 뮤지컬 극장유럽 규모로.
오스트리아와 독일 음악 발전의 이러한 모든 차이점과 다른 차이점에도 불구하고 양국 낭만주의 예술의 공통된 특징은 훨씬 더 눈에 띕니다. Schubert, Weber 및 그들의 가장 가까운 후계자 인 Mendelssohn과 Schumann의 작품을 다른 유럽 국가의 낭만적 인 음악과 구별하는 특정 기능은 무엇입니까?
몽환적인 분위기의 친밀하고 진지한 가사는 특히 Schubert, Weber, Mendelssohn, Schumann의 전형입니다. 그들의 음악은 일반적으로 독일어 "Lied"의 개념과 관련된 원래 멜로디에서 순전히 성악적인 멜로디에 의해 지배됩니다. 이 스타일은 노래와 Schubert의 많은 선율적인 기악 테마, Weber의 서정적 오페라 아리아, Mendelssohn의 "Songs without Words", Schumann의 "Ebzebian"이미지의 특징입니다. 그러나이 스타일에 내재 된 멜로디는 특히 Bellini의 이탈리아 오페라 칸틸레나와 프랑스 낭만주의 (Berlioz, Menerbere)의 특징적인 영향을받은 선언적 전환과 다릅니다.
진보에 비해 프랑스 낭만주의, 시민 적, 영웅적-혁명적 파토스로 가득 찬 의기양양함과 효율성으로 구별되는 오스트리아와 독일의 낭만주의는 전체적으로보다 관조적이고 내성적이며 주관적-서정적입니다. 그러나 그 주된 강점은 오스트리아와 독일 음악에서 특히 완전하게 드러난 깊은 심리학에서 사람의 내면 세계를 드러내는 데 있으며 많은 음악 작품의 저항 할 수없는 예술적 영향을 불러 일으켰습니다. 이것. 그러나 그것은 오스트리아와 독일의 낭만주의 작품에서 영웅주의, 애국심의 개별적인 생생한 표현을 배제하지 않습니다. Schubert의 C-dur와 그의 노래 중 일부 ( "To the Charioteer Kronos", "Group from Hell"등)의 강력한 영웅 서사시 교향곡, Weber의 합창주기 "Lyre and Sword"(시를 기반으로 함) 애국적인 시인 T. Kerner "Symphonic Etudes » Schumann, 그의 노래 "Two Grenadiers"; 마지막으로 별도 영웅 페이지 Mendelssohn의 Scottish Symphony (피날레의 신격화), Schumann의 Carnival (피날레, 그의 세 번째 교향곡 (첫 번째 악장)과 같은 작곡에서. 그러나 베토벤 계획의 영웅주의, 거대한 투쟁은 나중에 새로운 기반으로 부활합니다-영웅 서사시 바그너의 뮤지컬 드라마 독일-오스트리아 낭만주의의 첫 단계에서 능동적이고 능동적 인 원칙은 한심하고 동요하고 반항적이지만 의도적이며 승리하는 투쟁 과정 인 베토벤처럼 반영하지 않는 이미지로 훨씬 더 자주 표현됩니다. . Schubert의 노래 "Shelter"와 "Atlant", Florestan"Schumann의 이미지, 그의 서곡 "Manfred", Mendelssohn의 서곡 "Rune Blas"입니다.
자연의 이미지는 오스트리아와 독일의 낭만주의 작곡가들의 작품에서 매우 중요한 위치를 차지합니다. 자연 이미지의 "공감적" 역할은 슈베르트의 성악 사이클과 슈만의 "시인의 사랑" 사이클에서 특히 큽니다. 뮤지컬 풍경 Mendelssohn의 교향곡 작품에서 널리 개발되었습니다. 그것은 주로 바다 요소와 관련이 있습니다 ( "Scottish Symphony", 서곡 "Hebrides-", "Sea Quiet and Happy Sailing"). 그러나 독일의 풍경 이미지의 특징은 "The Magic Shooter"와 "Oberon"에 대한 Weber의 서곡, Mendelssohn의 음악에서 셰익스피어의 코미디 "A Midsummer Night's 꿈". 여기에서 스레드는 네 번째 ( "낭만적") 및 일곱 번째와 같은 Bruckner의 교향곡, Wagner의 4 부작의 교향곡 풍경 "Rustle of the Forest", Mahler의 첫 번째 교향곡의 숲 그림에 그려집니다.
독일-오스트리아 음악에서 이상에 대한 낭만적인 갈망은 특히 미지의 다른 땅에서 행복을 찾는 방황이라는 주제에서 특정한 표현을 찾습니다. 이것은 Schubert ( "The Wanderer", "The Beautiful Miller 's Woman", "The Winter Road")의 작업과 나중에 Wagner의 이미지에서 가장 분명하게 나타났습니다. 플라잉 더치맨, 여행자 Wotan, 방황하는 Siegfried. 이 전통은 1980년대에 말러의 "여행 견습생의 노래" 시리즈로 이어집니다.
환상적인 이미지에 전념하는 넓은 장소는 독일-오스트리아 낭만주의의 전형적인 국가적 특징이기도합니다 (프랑스 낭만주의 베를리오즈에게 직접적인 영향을 미쳤습니다). 이것은 먼저 Weber의 오페라 The Magic Shooter, Marschner의 Vampire, Mendelssohn의 Walpurgis Night cantata 및 기타 여러 작품에서 Wolf Valley의 Siena에서 가장 생생한 구체화를 찾은 악의 환상, Demonism입니다. 둘째, 환상은 가볍고 미묘하게 시적이며 아름답고 열정적 인 자연 이미지와 결합됩니다. Weber의 Oberon, Mendelssohn의 A Midsummer Night 's Dream 서곡, 그리고 성배의 메신저 인 Wagner의 Lohengrin의 이미지입니다. 여기서 중간 위치는 환상이 악과 선의 문제를 크게 강조하지 않고 훌륭하고 기괴한 시작을 구현하는 많은 슈만의 이미지에 속합니다.
음악 언어 분야에서 오스트리아와 독일의 낭만주의는 예술 표현 수단의 일반적인 진화라는 관점에서 볼 때 매우 중요한 전체 시대를 구성했습니다. 각 주요 작곡가 스타일의 독창성에 따로 머 무르지 않고 가장 일반적인 특징과 경향에 주목합니다.
낭만적인 작곡가들의 작품에서 일반적으로 나타나는 경향인 "노래"의 널리 적용되는 원칙은 기악. 실제 노래와 외침 전환, 기초 노래, 반음 화 등의 특징적인 조합을 통해 멜로디의 더 큰 개별화를 달성합니다. 화성 언어가 풍부해집니다. 고전의 전형적인 화성 공식이 보다 유연하고 다양한 화성으로 대체됩니다. 표절의 역할, 모드의 사이드 스텝이 증가합니다. 다채로운면은 조화에서 매우 중요합니다. 메이저와 마이너의 상호 침투가 점차 증가하는 것도 특징입니다. 따라서 본질적으로 Schubert에서 같은 이름의 장조-단조 병치의 전통이 나옵니다 (더 자주 단조 이후에 장조). 이것이 그의 작품에서 가장 좋아하는 기술이 되었기 때문입니다. 하모닉 메이저의 적용 범위가 확대되고 있습니다(마이너 서브도미넌트는 특히 메이저 작품의 케이던스에서 특징적입니다). 개인에 대한 강조, 이미지의 미묘한 세부 사항 식별과 관련하여 오케스트레이션 분야에서도 정복이 있습니다 (특정 음색의 중요성, 솔로 악기의 역할 증가, 현의 새로운 연주 스트로크에 대한 관심 , 등.). 그러나 오케스트라 자체는 기본적으로 아직 클래식 구성을 변경하지 않습니다.
독일과 오스트리아의 낭만주의자들은 낭만주의 프로그램의 창시자였습니다(Berlioz는 또한 그의 Fantastic Symphony에서 그들의 업적에 의존할 수 있었습니다). 그리고 그러한 프로그래밍은 오스트리아의 낭만적인 슈베르트의 특징이 아닌 것처럼 보이지만 그림 같은 순간으로 그의 노래의 피아노 부분의 포화, 그의 주요 기악 작곡의 드라마투르기에 존재하는 숨겨진 프로그래밍 요소의 존재가 결정됩니다. 음악의 프로그래밍 원칙 개발에 대한 작곡가의 중요한 공헌. 독일 낭만주의자들 사이에서는 이미 피아노 음악(무용의 초대, 베버의 콘서트피스, 슈만의 모음곡, 멘델스존의 무언의 노래)과 교향곡(베버의 오페라 서곡, 콘서트 서곡, 멘델스존의 슈만의 서곡 "만프레드").
새로운 구성 원칙을 창조하는 데 있어 오스트리아와 독일 낭만주의의 역할은 훌륭합니다. 고전의 소나타-심포니 사이클은 기악 미니어처로 대체되고 있습니다. Schubert의 보컬 가사 분야에서 명확하게 개발된 미니어처의 순환은 기악(Schumann)으로 이전됩니다. 또한 소나타와 주기성의 원리를 결합한 대규모 단일 악장 구성도 있습니다(슈베르트의 C-dur 피아노 환상곡, Weber의 "Concertpiece", 슈만의 C-dur 환상곡의 첫 번째 부분). 차례로 소나타-교향곡주기는 낭만주의 사이에서 큰 변화를 겪으며 다양한 유형의 "로맨틱 소나타", "로맨틱 교향곡"이 나타납니다. 그러나 여전히 주요 성과는 새로운 품질의 음악적 사고였으며, 이는 전체 내용의 축소판과 표현력의 창조로 이어졌습니다. 깊은 생각과 경험.
19세기 전반기에 급속히 발전한 오스트리아와 독일의 낭만주의의 선두에는 뛰어난 재능을 가졌을 뿐만 아니라 그들의 견해와 포부가 앞선 개인들이 있었습니다. 이것은 그들의 음악적 창의성의 지속적인 중요성을 결정했으며, 그 의미는 " 새로운 고전”, 이는 세기 말에 독일어 국가의 음악 고전이 본질적으로 위대한 사람뿐만 아니라 대표되었을 때 분명해졌습니다. XVIII의 작곡가세기와 베토벤뿐만 아니라 위대한 낭만주의 - 슈베르트, 슈만, 베버, 멘델스존. 전임자를 깊이 존경하고 많은 업적을 발전시킨이 놀라운 음악적 낭만주의 대표자들은 동시에 완전히 새로운 음악 이미지 세계와 그에 상응하는 작곡 형식을 발견 할 수있었습니다. 그들의 작업에서 지배적인 개인적인 어조는 민주주의 대중의 분위기와 생각과 조화를 이루는 것으로 밝혀졌습니다. 그들은 음악에서 B. V. Asafiev가 "마음에서 마음으로 전달되는 생생한 의사 소통 연설"로 적절하게 묘사하고 Schubert와 Schumann을 Chopin, Grieg, Tchaikovsky 및 Verdi와 관련되게 만드는 표현력의 특성을 확인했습니다. Asafiev는 낭만적 인 음악 경향의 인본주의 적 가치에 대해 다음과 같이 썼습니다. “개인 의식은 고립 된 자랑스러운 고립이 아니라 사람들이 살아 있고 항상 필연적으로 걱정하는 모든 것에 대한 일종의 예술적 반영으로 나타납니다. 그러한 단순함 속에서 삶의 소리에 대한 변함없이 아름다운 생각과 생각은 사람 안에있는 최고의 집중입니다.
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후기 낭만주의
후기 낭만주의
이 시기의 많은 작곡가들은 20세기까지 계속해서 음악을 작곡했습니다. 그러나 우리는 그들의 음악에서 강했던 것이 바로 낭만주의 정신 이었기 때문에 다음 장에서가 아니라 여기에서 그들에 대해 이야기합니다.
그들 중 일부는 "초기 낭만파" 및 "민족주의자" 하위 섹션에 언급된 작곡가들과 긴밀한 관계 및 우정을 유지했다는 점에 유의해야 합니다.
또한, 이 기간 동안 많은 훌륭한 작곡가들이 다른 유럽 국가에서 일했기 때문에 어떤 원칙에 따라 이들을 나누는 것은 전적으로 임의적이라는 점을 명심해야 합니다. 고전 시대와 바로크 시대에 관한 다양한 문헌에서 거의 동일한 기간이 언급되면 낭만주의 시대는 모든 곳에서 다르게 정의됩니다. 음악에서 낭만주의의 끝과 20세기 초의 경계는 매우 모호한 것 같다.
19세기 이탈리아를 대표하는 작곡가는 의심할 여지 없이 주세페 베르디.두꺼운 콧수염과 눈썹을 가진 이 남자는 빛나는 눈으로 우리를 바라보며 다른 모든 오페라 작곡가보다 우월했습니다.
Verdi의 모든 작곡은 말 그대로 밝고 기억에 남는 멜로디로 넘쳐납니다. 전체적으로 그는 26편의 오페라를 썼는데, 그 중 대부분은 오늘날까지 정기적으로 상연되고 있다. 그중에서 가장 유명하고 뛰어난 작품이 있습니다. 오페라 예술모든 시간의.
Verdi의 음악은 작곡가의 생애 동안에도 높은 평가를 받았습니다. 시사회에서 명도관객들은 예술가들이 무려 서른두 번이나 절을 해야 할 정도로 긴 기립박수를 보냈다.
Verdi는 부자 였지만 돈은 작곡가의 아내와 두 자녀를 조기 사망에서 구할 수 없었기 때문에 그의 삶에는 비극적 인 순간이있었습니다. 그는 자신의 지시에 따라 밀라노에 세워진 옛 음악가들의 은신처에 자신의 재산을 물려주었습니다. Verdi 자신은 음악이 아닌 쉼터를 만드는 것이 그의 가장 큰 업적이라고 생각했습니다.
Verdi의 이름이 주로 오페라와 관련되어 있다는 사실에도 불구하고 그를 언급하지 않는 것은 불가능합니다. 레퀴엠,가장 좋은 예 중 하나로 간주 합창 음악. 그것은 드라마로 가득 차 있으며 오페라의 일부 기능이 빠져 나옵니다.
우리의 다음 작곡가는 결코 가장 매력적인 사람이 아닙니다. 일반적으로 이것은 우리 책에 언급 된 모든 인물 중 가장 추악하고 논란이 많은 인물입니다. 성격 특성만을 기준으로 목록을 작성한다면 리차드 바그너절대 때리지 않을 것입니다. 그러나 우리는 오로지 음악적 기준에 따라 인도되며 클래식 음악의 역사는 이 사람 없이는 상상할 수 없습니다.
Wagner의 재능은 부인할 수 없습니다. 그의 펜 아래에서 가장 중요하고 인상적인 몇 가지가 나왔습니다. 작곡낭만주의의 전체 기간 동안 - 특히 오페라의 경우. 동시에 그는 반유대 주의자, 인종 차별 주의자, 빨간 테이프, 마지막 사기꾼, 심지어 필요한 모든 것을 주저하지 않는 도둑, 후회없이 무례한 사람들로 언급됩니다. Wagner는 과장된 자부심을 가지고 있었고 그의 천재성이 그를 다른 모든 사람들보다 높게 만들었다고 믿었습니다.
Wagner는 그의 오페라로 기억됩니다. 이 작곡가는 독일 오페라를 완전히 새로운 수준으로 끌어올렸으며, 베르디와 동시대에 태어났지만 그의 음악은 그 시대의 이탈리아 작곡과는 매우 달랐습니다.
Wagner의 혁신 중 하나는 각 주인공이 자신의 것을 받았다는 것입니다. 뮤지컬 테마, 그가 무대에서 중요한 역할을 시작할 때마다 반복되었습니다.
지금은 자명해 보이지만 당시에는 이 아이디어가 진정한 혁명을 일으켰습니다.
Wagner의 가장 큰 업적은 사이클이었습니다. Nibelung의 반지, 4개의 오페라로 구성된 라인 골드, 발키리, 지그프리트그리고 신들의 죽음.일반적으로 연속 4일 밤을 보내고 총 15시간 정도 지속됩니다. 이 오페라만으로도 작곡가를 찬양하기에 충분할 것입니다. 인간으로서의 바그너의 모호함에도 불구하고 그가 뛰어난 작곡가였다는 점은 인정되어야 한다.
Wagner 오페라의 특징은 길이입니다. 그의 마지막 오페라 파르지팔 4시간 이상 지속됩니다.
지휘자 데이비드 랜돌프는 언젠가 그녀에 대해 이렇게 말했습니다.
"이것은 6시에 시작하는 일종의 오페라입니다. 3시간 후에 손목시계를 보면 6시 20분을 가리키고 있습니다."
삶 안톤 브루크너작곡가로서 스스로 포기하지 않고 고집하는 방법에 대한 교훈이다. 그는 하루에 12시간을 연습하고 모든 시간을 일에 바쳤고(그는 오르간 연주자였습니다) 스스로 음악을 많이 배웠으며 상당히 성숙한 나이인 37세에 서신으로 작문 기술을 마스터했습니다.
오늘날 Bruckner의 교향곡은 가장 자주 기억되며 총 9개의 작품을 작곡했습니다. 때때로 그는 음악가로서의 생존 가능성에 대한 의구심에 사로 잡혔지만 그의 생애가 끝날 무렵에도 여전히 인정을 받았습니다. 실행 후 교향곡 1번비평가들은 마침내 그 당시 이미 44 세가 된 작곡가를 칭찬했습니다.
요하네스 브람스말하자면 은 지팡이를 손에 들고 태어난 작곡가는 아닙니다. 그가 태어날 때까지 가족은 이전의 재산을 잃고 간신히 생계를 유지했습니다. 십대 때 그는 고향인 함부르크의 매음굴에서 놀며 생계를 꾸렸습니다. Brahms가 성인이되었을 때 의심 할 여지없이 가장 매력적인 삶의 측면과는 거리가 멀었습니다.
브람스의 음악은 그의 친구인 로베르트 슈만에 의해 홍보되었습니다. 슈만이 죽은 후 브람스는 클라라 슈만과 가까워졌고 결국 그녀와 사랑에 빠졌습니다. 그녀에 대한 감정이 아마도 다른 여성들과의 관계에서 어떤 역할을했을지 모르지만 그들이 어떤 관계를 가졌는지는 정확히 알려지지 않았습니다. 그는 그들 중 누구에게도 마음을주지 않았습니다.
사람으로서 Brahms는 다소 억제되지 않고 짜증이 났지만 그의 친구들은 주변 사람들에게 항상 그것을 보여주지는 않았지만 그에게 부드러움이 있다고 주장했습니다. 어느 날 파티에서 집으로 돌아와서 그는 이렇게 말했습니다.
"내가 누구에게도 상처를 주지 않았다면 용서를 구합니다."
Brahms는 가장 패셔너블하고 우아하게 차려입은 작곡가와의 경쟁에서 우승하지 못했을 것입니다. 그는 새 옷을 사는 것을 극도로 싫어했고 종종 똑같은 헐렁하고 패치가 붙은 바지를 입었는데 거의 항상 그에게 너무 짧았습니다. 한 공연에서 그의 바지가 거의 떨어질 뻔했습니다. 또 다른 경우에는 넥타이를 벗어서 벨트 대신에 사용해야 했습니다.
Brahms의 음악 스타일은 Haydn, Mozart 및 Beethoven의 영향을 많이 받았으며 일부 음악 역사가는 그가 이미 유행하지 않은 고전주의 정신으로 작곡했다고 주장합니다. 동시에 그는 몇 가지 새로운 아이디어도 소유하고 있습니다. 그는 특히 작곡가들이 "반복 모티프"라고 부르는 작은 음악 조각을 개발하고 작업 전반에 걸쳐 반복하는 데 성공했습니다.
Opera Brahms는 글을 쓰지 않았지만 거의 모든 다른 장르의 클래식 음악을 시도했습니다. 따라서 중 하나라고 할 수 있습니다. 가장 위대한 작곡가우리 책에서 언급한 클래식 음악의 진정한 거인. 그는 자신의 작품에 대해 이렇게 말했습니다.
"작곡하는 건 어렵지 않은데, 여분의 노트를 탁자 아래에 던지는 건 의외로 어렵다."
막스 브루흐브람스보다 불과 5년 뒤에 태어났고, 브람스가 단 한 작품이 아니었다면 확실히 그를 압도했을 것입니다. 바이올린 협주곡 1번.
브루흐 자신도 이 사실을 인정하면서 많은 작곡가들에게 흔치 않은 겸손함을 드러냈습니다.
"지금부터 50년 후에 브람스는 역사상 가장 위대한 작곡가 중 한 명으로 불릴 것이며 나는 G단조 바이올린 협주곡을 작곡한 것으로 기억될 것입니다."
그리고 그는 옳은 것으로 판명되었습니다. 사실, Brujah 자신도 기억할 것이 있습니다! 그는 다른 많은 작품을 작곡했습니다. 모두 약 200곡입니다. 그는 특히 요즘 거의 공연되지 않는 합창단과 오페라를 위한 작품을 많이 가지고 있습니다. 그의 음악은 선율적이지만 그 발전에 특별히 새로운 기여를 한 것은 아니다. 그의 배경에 비추어 볼 때 당시의 다른 많은 작곡가들은 진정한 혁신가인 것 같습니다.
1880년 브루흐는 리버풀 왕립 필하모닉 소사이어티의 지휘자로 임명되었지만 3년 후 베를린으로 돌아왔습니다. 오케스트라의 음악가들은 그에게 만족하지 않았습니다.
우리 책의 페이지에서 우리는 이미 많은 음악 신동들을 만났고, 카미유 생상스그들 중 마지막 자리를 차지하지 않습니다. 두 살 때 Saint-Saens는 이미 피아노에서 멜로디를 집어 들었고 동시에 음악을 읽고 쓰는 법을 배웠습니다. 세 살 때 그는 연극을 했다 자신의 구성. 열 살 때 그는 모차르트와 베토벤을 완벽하게 연주했습니다. 그러나 그는 곤충학(나비와 곤충)에 진지하게 관심을 갖게 되었고 나중에는 지질학, 천문학, 철학을 포함한 다른 과학에도 관심을 갖게 되었습니다. 그런 재능있는 아이는 단순히 자신을 한 가지로 제한 할 수없는 것 같았습니다.
파리 음악원을 졸업한 후 생상스는 오랫동안 오르간 연주자로 일했습니다. 나이가 들면서 그는 프랑스의 음악 생활에 영향을 미치기 시작했으며 J. S. Bach, Mozart, Handel 및 Gluck과 같은 작곡가의 음악이 더 자주 연주되기 시작한 덕분입니다.
Saint-Saens의 가장 유명한 구성 - 동물 카니발,작곡가가 평생 동안 연주하는 것을 금지했습니다. 그는 이 작품을 들은 음악 평론가들이 그것을 너무 경박하다고 여기지 않을까 걱정했다. 결국 무대 위의 오케스트라가 사자, 수탉이있는 암탉, 거북이, 코끼리, 캥거루, 물고기가있는 수족관, 새, 당나귀, 백조를 묘사하는 것이 재밌습니다.
Saint-Saens는 유명한 "오르간" 교향곡 3번,영화 "베이비"에서 들렸습니다.
Saint-Saens의 음악은 다음을 포함한 다른 프랑스 작곡가의 작품에 영향을 미쳤습니다. 가브리엘 포레.이 청년은 이전에 Saint-Saens가 소유했던 파리의 St. Magdalene 교회에서 오르간 연주자의 지위를 물려 받았습니다.
그리고 Faure의 재능은 그의 선생님의 재능과 비교할 수 없지만 그는 훌륭한 피아니스트였습니다.
포레는 가난한 사람이었기 때문에 오르간을 연주하고 합창단을 지휘하고 레슨을 하면서 열심히 일했습니다. 그는 자유 시간에 거의 글을 쓰지 않았지만 그럼에도 불구하고 그의 작품을 250 편 이상 출판했습니다. 그들 중 일부는 아주 오랫동안 작곡되었습니다. 예를 들어 레퀴엠 20년 넘게 지속되었습니다.
1905년 포레는 당시 프랑스 음악의 발전을 크게 좌우한 파리 음악원의 원장이 되었다. 15년 후 포레는 은퇴했다. 말년에 그는 청력 상실로 고생했습니다.
오늘날 Faure는 프랑스 밖에서도 존경을 받고 있지만 프랑스에서 가장 높이 평가받고 있습니다.
영국 음악 팬들에게는 다음과 같은 인물의 등장이 에드워드 엘가,진짜 기적처럼 보였을 것입니다. 많은 음악 역사가들은 그를 최초의 중요한 인물로 언급합니다. 영국 작곡가바로크 시대에 일했던 Henry Purcell의 뒤를 이어 Arthur Sullivan도 언급했습니다.
Elgar는 영국, 특히 Malvern Hills의 들판에서 영감을 얻으며 대부분의 삶을 보냈던 그의 고향 Worcestershire를 매우 좋아했습니다.
어렸을 때 그는 모든 곳에서 음악에 둘러싸여 있었습니다. 그의 아버지는 지역 뮤직 스토어를 운영했고 어린 엘가에게 다양한 악기 연주를 가르쳤습니다. 열두 살 때 소년은 이미 교회 예배에서 오르간 연주자를 대신했습니다.
변호사 사무실에서 일한 후 Elgar는 재정적으로 훨씬 덜 안전한 직업에 전념하기로 결정했습니다. 얼마 동안 그는 바이올린과 피아노 레슨을 제공하고 지역 오케스트라에서 연주하고 약간의 지휘를하면서 아르바이트를했습니다.
점차적으로 Elgar의 작곡가로서의 명성은 커졌지만 그는 고향을 벗어나기 위해 애를 써야했습니다. 명성이 그를 데려왔다 오리지널 테마의 변주,지금은 더 잘 알려진 수수께끼 변형.
이제 Elgar의 음악은 국가 규모의 가장 큰 행사에서 매우 영어적이고 들리는 것으로 인식됩니다. 그것의 첫 소리에 첼로 협주곡영국 시골이 즉시 나타납니다. 니므롯~에서 변형공식 행사에서 자주 연주되며, 엄숙하고 의식적인 행진곡 1번,~로 알려진 희망과 영광의 땅수행하다 졸업 파티영국 전역.
Elgar는 가정적인 가장이었고 조용하고 질서 있는 삶을 사랑했습니다. 그럼에도 불구하고 그는 역사에 족적을 남겼다. 두꺼운 무성한 콧수염을 가진이 작곡가는 20 파운드 지폐에서 즉시 알아볼 수 있습니다. 분명히 지폐 디자이너들은 그러한 얼굴 털을 위조하기가 매우 어렵다는 것을 발견했습니다.
이탈리아에서 오페라 예술의 주세페 베르디의 후계자는 자코모 푸치니,이 예술 형식의 인정받는 세계 거장 중 한 명으로 간주됩니다.
푸치니 가족은 오랫동안 교회 음악과 관련이 있었지만 Giacomo가 처음 오페라를 들었을 때 아이다 Verdi, 그는 이것이 그의 소명임을 깨달았습니다.
밀라노에서 공부한 후, 푸치니는 오페라를 작곡합니다. 마농 레스코,그것은 1893년에 그에게 첫 번째 큰 성공을 가져왔습니다. 그 후 하나의 성공적인 생산이 이어졌습니다. 보헤미아 1896년, 그리움 1900년과 나비부인 1904년.
푸치니는 총 12개의 오페라를 작곡했으며, 그 중 마지막은 투란도트.그는 이 작품을 완성하지 못한 채 세상을 떠났고, 다른 작곡가가 작품을 완성했다. 오페라 초연에서 지휘자 아르투로 토스카니니는 푸치니가 중단한 바로 그 지점에서 오케스트라를 중단시켰다. 그는 청중을 향해 이렇게 말했습니다.
푸치니의 죽음으로 이탈리아 오페라의 전성기는 막을 내렸다. 우리 책은 더 이상 이탈리아 오페라 작곡가를 언급하지 않을 것입니다. 그러나 우리의 미래가 어떻게 될지 누가 알겠습니까?
인생에서 구스타프 말러그는 작곡가보다 지휘자로 더 잘 알려져 있었다. 그는 겨울에 지휘했고 여름에는 원칙적으로 글쓰기를 선호했습니다.
어린 시절 말러는 할머니 집 다락방에서 피아노를 발견했다고 합니다. 4년 후인 10살의 나이에 그는 이미 첫 공연을 했다.
말러는 비엔나 음악원에서 공부하여 작곡을 시작했습니다. 1897년에 그는 빈 국립 오페라의 감독이 되었고 그 후 10년 동안 이 분야에서 상당한 명성을 얻었습니다.
그는 자신이 세 편의 오페라를 쓰기 시작했지만 끝내지 못했습니다. 우리 시대에 그는 교향곡 작곡가로 가장 잘 알려져 있습니다. 이 장르에서 그는 진정한 "히트" 중 하나를 소유하고 있습니다. 교향곡 8번,천 명 이상의 음악가와 가수가 참여하는 공연.
말러가 사망한 후 그의 음악은 50년 동안 유행에서 벗어났지만 20세기 후반에 특히 영국과 미국에서 다시 인기를 얻었습니다.
리하르트 슈트라우스독일에서 태어나 비엔나 슈트라우스 왕조에 속하지 않았습니다. 이 작곡가는 거의 20세기 전반에 살았음에도 불구하고 여전히 독일 낭만주의 음악의 대표자로 간주됩니다.
Richard Strauss의 세계적인 인기는 1939 년 이후 독일에 머물기로 결정했고 2 차 세계 대전 이후 그는 나치와 협력했다는 비난을 완전히 받았다는 사실로 인해 다소 어려움을 겪었습니다.
Strauss는 훌륭한 지휘자였습니다. 덕분에 오케스트라의 특정 악기 소리가 어떻게 들리는지 완벽하게 이해했습니다. 그는 종종 이 지식을 실제로 적용했습니다. 그는 또한 다른 작곡가들에게 다음과 같은 다양한 조언을 했습니다.
"절대 트롬본을 쳐다보지 마세요, 당신은 단지 그들을 격려할 뿐입니다."
“연주하는 동안 땀을 흘리지 마십시오. 듣는 사람만 뜨거워져야지.”
오늘날 Strauss는 주로 그의 작곡과 관련하여 기억됩니다. 차라투스트라는 이렇게 말했다. Stanley Kubrick이 그의 영화 2001: A Space Odyssey에서 사용한 인트로. 그러나 그는 또한 최고의 독일 오페라를 작곡했는데, 그 중 일부는 - 로젠카발리에, 살로메그리고 낙소스의 아리아드네.그가 죽기 1년 전에 그는 또한 매우 아름다운 곡을 작곡했습니다. 4 최신 노래 목소리와 오케스트라를 위해. 사실 이들은 Strauss의 마지막 노래는 아니지만 그의 창작 활동의 일종의 피날레가되었습니다.
지금까지 이 책에 언급된 작곡가 중 스칸디나비아를 대표하는 작곡가는 에드바르 그리그 한 명뿐이었다. 그러나 이제 우리는 다시 이 가혹하고 추운 땅, 즉 이번에는 핀란드로 이동합니다. 장 시벨리우스,위대한 음악적 천재.
시벨리우스의 음악은 고국의 신화와 전설을 흡수했습니다. 그의 가장 위대한 작품, 핀란드,영국에서 Elgar의 작품이 국보로 인정되는 것처럼 핀란드 국가 정신의 구체화로 간주됩니다. 또한 시벨리우스는 말러와 마찬가지로 교향곡의 진정한 대가였습니다.
작곡가의 다른 열정에 관해서는 일상 생활에서 술과 담배를 지나치게 좋아하여 40 세에 인후암에 걸렸습니다. 그는 또한 종종 돈이 부족했고, 재정적 복지에 대해 걱정하지 않고 음악을 계속 쓸 수 있도록 국가에서 연금을 지급했습니다. 그러나 시벨리우스는 죽기 20년 이상 전에 작곡을 전혀 중단했습니다. 그는 여생을 상대적으로 고독하게 살았습니다. 그는 자신의 음악에 대한 리뷰로 돈을 받는 사람들에 대해 특히 가혹했습니다.
“비평가들이 말하는 것에 주의를 기울이지 마십시오. 지금까지 동상을 받은 평론가는 단 한 명도 없습니다.”
우리의 낭만파 작곡가 목록에 있는 마지막 사람도 그의 가장 유명한 작품 대부분을 1900년대에 썼지만 거의 20세기 중반까지 살았습니다. 그러나 그는 낭만주의에 속하며 이것이 전체 그룹 중에서 가장 낭만적 인 작곡가 인 것 같습니다.
세르게이 바실리예비치 라흐마니노프그 당시 많은 돈을 썼던 고귀한 가정에서 태어났습니다. 그는 일찍부터 음악에 대한 관심을 키웠다. 어린 시절, 그의 부모는 처음에는 상트 페테르부르크에서, 그다음에는 모스크바에서 공부하도록 그를 보냈습니다.
라흐마니노프는 놀랍도록 재능 있는 피아니스트였으며 훌륭한 작곡가이기도 했습니다.
내 거 피아노 협주곡 1번그는 열아홉에 썼다. 그는 또한 그의 첫 번째 오페라를 위한 시간을 찾았습니다. 알레코.
그러나이 위대한 음악가는 일반적으로 삶에 특별히 만족하지 않았습니다. 많은 사진에서 우리는 화를 내며 눈살을 찌푸리는 남자를 봅니다. 또 다른 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키는 이렇게 말했습니다.
“라흐마니노프의 불멸의 본질은 그의 찌푸린 얼굴이었습니다. 그는 찌푸린 얼굴이 6피트 반이었고... 그는 무시무시한 사람이었습니다."
젊은 라흐마니노프가 차이코프스키에서 뛰었을 때 그는 너무 기뻐서 모스크바 음악원 역사상 가장 높은 점수 인 그의 악보에 4 개의 플러스가있는 5를 넣었습니다. 곧 도시 전체가 젊은 재능에 대해 이야기하기 시작했습니다.
그럼에도 불구하고 운명은 오랫동안 음악가에게 불리했습니다.
비평가들은 그에게 매우 가혹했습니다. 교향곡 1번,초연은 실패로 끝났습니다. 이것은 Rachmaninov에게 심각한 감정적 경험을 주었고 자신의 힘에 대한 믿음을 잃었고 아무것도 작곡 할 수 없었습니다.
결국 경험 많은 정신과 의사 Nikolai Dahl의 도움으로 위기에서 벗어날 수있었습니다. 1901년까지 라흐마니노프는 피아노 협주곡을 완성했고, 수년 동안 열심히 작업하여 달 박사에게 바쳤습니다. 이번에는 청중이 작곡가의 작품을 기쁘게 맞이했습니다. 그때부터 피아노 협주곡 2번전 세계 다양한 음악 그룹이 연주하는 사랑받는 클래식 작품이 되었습니다.
Rachmaninoff는 유럽과 미국을 여행하기 시작했습니다. 러시아로 돌아와 지휘와 작곡을 했다.
1917년 혁명 이후 라흐마니노프와 그의 가족은 스칸디나비아로 콘서트를 갔다. 그는 집에 돌아오지 않았습니다. 대신 그는 스위스로 이주하여 루체른 호숫가에 집을 샀습니다. 그는 항상 수역을 좋아했고 이제 상당히 부자가 되었을 때 해안에서 휴식을 취하고 탁 트인 풍경에 감탄할 수 있었습니다.
라흐마니노프는 뛰어난 지휘자였으며 이 분야에서 뛰어나고자 하는 사람들에게 항상 다음과 같은 조언을 했습니다.
“훌륭한 지휘자는 훌륭한 운전사여야 합니다. 둘 다 동일한 자질을 필요로 합니다: 집중, 지속적인 강렬한 주의 및 마음의 존재. 지휘자는 음악을 조금만 알면 되는데…
1935년 라흐마니노프는 미국에 정착하기로 결정했습니다. 그는 처음에 뉴욕에서 살다가 로스앤젤레스로 이사했습니다. 그곳에서 그는 자신을 위해 모스크바에 남긴 것과 완전히 동일한 새 집을 짓기 시작했습니다.
투르친 V S
책 Bretons에서 [바다의 낭만주의 (리터)] 지오 피에르-롤랑 음악의 간략한 역사 책에서. 가장 완벽하고 간결한 안내서 저자 헨리 대런로망스의 세 가지 하위 섹션 우리 책을 훑어보면 이것이 37명 이상의 작곡가가 언급되는 모든 챕터 중에서 가장 큰 챕터라는 것을 알게 될 것입니다. 그들 중 많은 사람들이 다른 나라에서 동시에 살았고 일했습니다. 따라서 우리는 이 장을 세 부분으로 나누었습니다.
책에서 Life will go out, but I will stay: 전집 작가 글린카 글렙 알렉산드로비치초기 낭만주의 이들은 고전 시대와 후기 낭만주의 시대 사이에 일종의 가교 역할을 한 작곡가들이다. 그들 중 다수는 "클래식"과 동시에 작업했으며 Mozart와 Beethoven은 작업에 큰 영향을 미쳤습니다. 동시에 그들 중 많은 사람들이 기여했습니다.
책 사랑과 스페인에서 저자 업튼 니나컬렉션에 포함되지 않은 후기 시 망상 나는 이전 경로로 돌아 가지 않을 것입니다. 있었던 것은 아닙니다. 러시아뿐만 아니라 유럽도 잊기 시작했습니다. 인생은 전부 또는 거의 전부 낭비됩니다. 나는 혼잣말을 한다: 나는 미국에서 어떻게 나를 찾았는가? 무엇을 위해 그리고 왜? - 아니다
책에서 거울 뒤에서 1910-1930s 작가 Bondar-Tereshchenko 이고르10장. 낭만적인 외국인과 스페인 코플라스 1838년 스페인 회화 전시회는 파리 전체를 사로잡았다. 그녀는 진정한 계시였습니다. 스페인이 유행하고 있습니다. 낭만주의자들은 기쁨에 떨었다. Théophile Gauthier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas(누가 뺨을 맞았는지)
책에서 Rus의 기원까지' [사람과 언어] 작가 트루바초프 올레그 니콜라예비치 저자의 책에서역사는 "살아있다": 로맨스에서 실용주의에 이르기까지 문학 학자들은 종종 문학으로부터의 독립성을 강조하고 어류학에 대해 글을 쓰기 위해 리바가 될 필요가 없는 사람들에 대해 이야기합니다. 나는 적합하지 않다. 나 자신이 리바라는 사실에 적합하지 않습니다. 나는 작가 문학 학자입니다.
프랑스 국민 낭만주의
18세기 말과 19세기 초에 등장한 예술 운동. 처음에는 문학(독일, 영국, 기타 유럽 및 미국 국가)에서, 그 다음에는 음악 및 기타 예술에서. "낭만주의"의 개념은 "낭만적"이라는 별명에서 나옵니다. 18세기 이전 그는 로 쓰여진 문학 작품의 몇 가지 특징을 지적했다. 로맨스 언어(즉, 고전 고대 언어가 아님). 이들은 로맨스 (스페인 로맨스)와 기사에 관한시와 소설이었습니다. 콘에서. 18 세기 "로맨틱"은 보다 광범위하게 이해됩니다. F. Blume은“낭만주의는 최근과 먼 과거부터 좋아했던 모든 것을 낭만적으로 표현했습니다. 그들은 단테와 W. 셰익스피어, P. 칼데론과 M. 세르반테스, J. S. 바흐와 J. W. 괴테의 작품을 고대에 "그들 자신의 것"으로 인식합니다. 그들은 또한 박사의 시에 매료되었습니다. 동부 및 중세 minnesingers. 위에서 언급 한 기능을 바탕으로 F. Schiller는 그의 "Maid of Orleans"를 "낭만적 인 비극"이라고 불렀고 Mignon과 Harper의 이미지에서 그는 괴테의 "Wilhelm Meister의 가르침의 해"의 낭만주의를 봅니다.
낭만주의 문학 용어 E. T. A. Hoffmann에서 뮤지컬 용어로 Novalis에 처음 등장합니다. 그러나 내용상 해당 소명과 크게 다르지 않습니다. 낭만주의는 명확하게 정의된 프로그램이나 스타일이 아닙니다. 이것은 역사적 상황, 국가, 예술가의 이익이 특정 악센트를 만들고 다양한 목표와 수단을 결정하는 광범위한 이데올로기 및 미학적 경향입니다. 그러나 다양한 형태의 낭만주의 예술 또한 중요한 일반적인 특징이데올로기적 위치와 스타일 모두에 관한 것입니다.
계몽주의로부터 많은 진보적 특징을 물려받은 낭만주의는 동시에 계몽 자체와 전체 새로운 문명의 성공에 대한 깊은 실망과 관련이 있습니다. 프랑스 혁명의 결과를 아직 알지 못한 초기 낭만 주의자들에게 삶의 합리화의 일반적인 과정, 평균적인 냉정한 "이성"과 영혼없는 실용성에 대한 종속은 실망 스러웠습니다. 미래에, 특히 제국과 유신 시대에 낭만주의 지위의 사회적 의미, 즉 그들의 반 부르주아가 점점 더 명확하게 설명되었습니다. F. Engels에 따르면, "이성의 승리에 의해 설립된 공공 및 정치 제도는 계몽주의자들의 찬란한 약속을 사악하고 몹시 실망스럽게 풍자화한 것으로 판명되었습니다"(Marx K. and Engels F., On Art, vol. 1, M., 1967, 387쪽).
낭만주의 작품에서 성격의 갱신, 영적 힘과 아름다움의 확인은 속물 영역의 노출과 결합됩니다. 본격적인 인간, 창의적은 평범하고 사소하며 허영심, 허영심, 사소한 계산에 빠져 있습니다. Hoffmann과 J. Byron, V. Hugo와 George Sand, H. Heine, R. Schumann 시대에는 부르주아 세계에 대한 사회적 비판이 낭만주의의 주요 요소 중 하나가 되었습니다. 영적 갱신의 원천을 찾기 위해 낭만주의자들은 종종 과거를 이상화하고 종교적 신화에 새로운 생명을 불어넣으려고 노력했습니다. 따라서 낭만주의의 일반적인 진보적 지향과 자체 채널에서 발생한 보수적 경향 사이에 모순이 생겼습니다. 낭만적인 음악가의 작업에서 이러한 추세는 눈에 띄는 역할을 하지 않았습니다. 그들은 주로 일부 작품의 문학적 및 시적 모티프에서 나타 났지만 그러한 모티프의 음악적 해석에서는 일반적으로 살아있는 실제 인간 원칙이 더 중요했습니다.
19세기 후반에 가시적으로 나타난 음악적 낭만주의는 역사적으로 새로운 현상이면서 동시에 고전음악과의 깊은 연속적 관계를 드러냈다. 이전 시대의 뛰어난 작곡가들의 작품(빈의 고전뿐만 아니라 16, 17세기의 음악도 포함)은 높은 예술적 지위를 기르는 데 버팀목이 되었다. 낭만주의의 모델이 된 것은 바로 이런 종류의 예술이었습니다. Schumann에 따르면 "이 순수한 소스만이 새로운 예술의 힘을 키울 수 있습니다"( "On Music and Musicians", vol. 1, M., 1975, p. 140). 그리고 이것은 이해할 수 있습니다. 세속 살롱의 음악적 유휴 대화, 무대와 오페라 무대의 화려한 기교, 장인 음악가의 무관심한 전통주의에 성공적으로 반대 할 수있는 것은 높고 완벽한 것입니다.
포스트 바흐 시대의 뮤지컬 클래식은 그 내용과 관련하여 음악적 낭만주의의 기반이 되었다. 감정의 요소가 점점 더 자유롭게 표현되는 C.F.E. 이러한 열망은 18세기 후반의 많은 음악가들을 관련시켰다. Sturm und Drang 문학 운동과 함께. K. V. Gluck, W. A. Mozart, 특히 낭만적 인 창고의 예술가로서 L. Beethoven에 대한 Hoffmann의 태도는 매우 자연 스럽습니다. 이러한 평가는 낭만적 인식에 대한 편애뿐만 아니라 실제로 18세기 후반과 19세기 초의 주요 작곡가들에게 내재된 "전낭만주의"의 특징에 대한 관심을 반영했습니다.
음악적 낭만주의는 역사적으로 "예니안"과 "하이델베르크" 낭만주의자들(W. G. Wackenroder, Novalis, 형제 F. 및 A. Schlegel, L. Tieck, F. Schelling, L. . Arnim, C. Brentano 및 기타), 그들과 가까운 작가 Jean Paul, 나중에 영국의 Hoffmann, 소위 시인들로부터. "호수 학교"(W. Wordsworth, S. T. Coleridge 등)는 이미 완전히 개발되었습니다. 일반 원칙낭만주의는 자신의 방식으로 음악으로 해석되고 발전되었습니다. 미래에 뮤지컬 낭만주의는 Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz 등과 같은 작가들의 영향을 크게 받았습니다.
에게 중요 영역낭만적 인 음악가의 작품에는 가사, 판타지, 민속 및 국가 원본, 자연, 특성이 포함됩니다.
로맨틱에서 가사의 가장 중요한 중요성. 특히 음악의 예술은 그에 의해 근본적으로 입증되었습니다. R. 이론가 그들에게 "낭만적"은 주로 "음악적"입니다 (예술의 계층 구조에서 음악에서 가장 명예의 장소), 감정은 음악에서 최고를 지배하기 때문에 낭만적인 예술가의 작품은 그 안에서 최고의 목표를 찾습니다. 그러므로 음악은 가사다. 추상적인 철학적 측면에서 문학의 이론에 따르면. R., 사람이 "우주"와 함께 "세계의 영혼"과 합쳐질 수 있습니다. 구체적인 삶의 측면에서 음악은 본질적으로 산문의 대척점입니다. 현실, 그것은 사람, 그의 영적 부, 그의 삶과 열망에 대해 가장 완전하게 말할 수있는 마음의 목소리입니다. 그래서 뮤즈의 가사 분야에서. R.은 가장 밝은 단어에 속합니다. 낭만주의 음악가들이 이룩한 서정성, 즉각성과 표현성, 서정성의 개별화는 새로웠다. 진술, 심리적 전달. 모든 단계에서 새롭고 귀중한 디테일로 가득 찬 느낌의 개발.
산문과 대조되는 소설. 현실은 가사와 비슷하며 종종 특히 음악에서 후자와 얽혀 있습니다. 그 자체로 환상은 R에 똑같이 필수적인 다양한 측면을 드러냅니다. 환상은 상상의 자유, 생각과 감정의 자유로운 유희, 그리고 동시에 역할을 합니다. 지식의 자유로서 "이상한", 훌륭하고 알려지지 않은 세계로 대담하게 돌진합니다. 마치 속물 실용성에 도전하는 것처럼 비참한 "상식"입니다. 환상도 낭만적인 아름다움의 일종이다. 동시에 SF는 간접적인 형태로(따라서 최대의 예술적 일반화를 통해) 아름다움과 추함, 선과 악을 충돌시키는 것을 가능하게 합니다. 예술에서. R.은 이 분쟁의 발전에 큰 공헌을 했습니다.
"외부"의 삶에 대한 낭만주의의 관심은 민속 및 국가 정체성, 자연, 특성과 같은 개념의 일반적인 개념과 불가분의 관계가 있습니다. 주변 현실에서 잃어버린 진정성, 우위성, 무결성을 재창조하려는 욕망이었습니다. 따라서 역사, 민속, 자연 숭배에 대한 관심은 "세계의 영혼"의 가장 완전하고 왜곡되지 않은 구체화로 원초적인 것으로 해석됩니다. 낭만적 인 사람에게 자연은 문명의 문제에서 피난처이며 불안한 사람을 위로하고 치유합니다. 낭만주의는 지식과 예술에 큰 공헌을 했습니다. 사람들의 부흥 과거 시대의시와 음악, "먼"국가. T. Mann에 따르면, R.은 “과거에 대한 동경이자 동시에 고유한 지역적 색채와 분위기로 실제로 존재했던 모든 것에 대한 독창성에 대한 권리에 대한 현실적인 인식”(Coll. soch., v . 10, M., 1961, p. 322), 18세기 영국에서 시작되었다. 전국 컬렉션 민속학은 19세기에도 계속되었습니다. W. 스콧; 독일에서는 이층 침대의 보물을 처음으로 수집하고 공개한 것은 낭만주의자였습니다. 그의 나라의 창의성 (L. Arnim 및 K. Brentano "소년의 마법의 뿔", Grimm 형제의 "Children 's and Family Tales"컬렉션)은 음악에 매우 중요했습니다. 국민의 충실한 전승을 바라는 마음. 기예. 스타일("로컬 색상") - 공통 기능다른 나라와 학교에서 온 낭만적인 음악가들. 음악에 대해서도 마찬가지입니다. 풍경. 작곡가 18 - 초기에 의해이 영역에서 생성되었습니다. 19세기 낭만주의를 훨씬 능가합니다. 음악에서 자연의 구체화 인 R.은 이전에 알려지지 않은 비 유적 구체성에 도달했습니다. 이것은 새로 발견된 표현에 의해 제공되었습니다. 주로 화음 및 오케스트라 음악 수단 (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner).
"특성"은 어떤 경우에는 독창적이고 통합적이며 독창적이고 다른 경우에는 이상하고 편심하며 희화화 된 것으로 낭만주의를 끌었습니다. 특성을 알아차린다는 것은 평범한 인식의 회색 베일을 뚫고 현실적이고 기이하게 다채롭고 들끓는 삶을 접하는 것을 의미합니다. 이 목표를 위해 노력하면서 낭만주의 예술의 전형이 밝혀졌습니다. 그리고 음악. 초상화. 이러한 주장은 종종 작가의 비평과 결부되어 패러디적이고 그로테스크한 초상화의 창작으로 이어졌다. Jean Paul과 Hoffmann에서 특징적인 초상화 스케치 경향은 Schumann과 Wagner로 전달됩니다. 러시아에서는 낭만적인 영향 없이는 아닙니다. 음악 전통. 초상화는 작곡가 nat 사이에서 개발되었습니다. 현실적인. 학교 - A. S. Dargomyzhsky에서 M. P. Mussorgsky 및 N. A. Rimsky-Korsakov까지.
R.은 세계의 해석과 전시에서 변증법의 요소를 발전시켰고, 이 점에서 그와 동시대인에 가깝습니다. 고전 철학. 소송에서 개인과 일반의 관계에 대한 이해가 높아집니다. F. Schlegel에 따르면 낭만적입니다. 시는 "보편적"이며 "예술의 가장 위대한 체계에서 다시 전체 체계를 포함하는 한숨과 키스에 이르기까지 시적인 모든 것을 포함합니다. Jugendschriften”, hrsg von J. Minor, Bd 2, S. 220). 숨겨진 내선으로 무제한 다양성. 단결 - 예를 들어 낭만주의가 중요하게 여기는 것입니다. 세르반테스의 돈키호테에서; F. Schlegel은 이 소설의 잡다한 구조를 "생명의 음악"이라고 부릅니다(ibid., p. 316). 이것은 "열린 지평"이있는 소설입니다. A. Schlegel이 메모합니다. 그의 관찰에 따르면 세르반테스는 "마치 그가 정교한 음악가인 것처럼" "끝없는 변주"에 의지합니다(A. W. Schlegel. Sämtliche Werke, hrsg. von E. Böcking, Bd 11, S. 413). 그런 예술. 위치는 otd에 대해 특별한 주의를 기울입니다. 공통 개념 생성에 대한 인상 및 연결. 음악에서 직접. 쏟아지는 감정은 철학적이되고 풍경, 춤, 장르 장면, 초상화는 서정으로 가득 차 일반화로 이어집니다. R.은 N. Ya. Berkovsky가 "삶의 직접적인 흐름"( "Romanticism in Germany", Leningrad, 1973, p. 31)이라고 부르는 삶의 과정에 특별한 관심을 보입니다. 이것은 음악에도 적용됩니다. 낭만주의 음악가들은 원래 생각의 끝없는 변형, "끝없는" 발전을 위해 노력하는 것이 일반적입니다.
R.은 모든 주장에서 단일 의미와 단일 장을 보았기 때문입니다. 목표는 삶의 신비한 본질과 합쳐지는 것이며 예술의 합성이라는 아이디어는 새로운 의미를 얻었습니다. “한 예술의 미학은 다른 예술의 미학입니다. 재료만 다를 뿐입니다. 그러나 "다른 재료"의 조합은 예술적 전체의 인상적인 힘을 증가시킵니다. 음악과 시, 연극, 회화의 깊고 유기적인 융합 속에서 예술의 새로운 가능성이 열렸습니다. 악기 분야에서. 음악, 프로그래밍 가능성의 원리는 중요한 역할을 얻습니다. 즉, 작곡가의 아이디어와 음악을 인식하는 과정 모두에 포함됩니다. 및 기타 협회.
R.은 특히 독일과 오스트리아의 음악에서 널리 나타납니다. 초기 단계 - F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner의 작업; 주로 F. Mendelssohn-Bartholdy 및 R. Schumann에 의해 주로 Leipzig 학교에 의해; 2층에서. 19 세기 - R. Wagner, I. Brahms, A. Bruckner, Hugo Wolf. 프랑스에서 R.은 이미 A. Boildieu와 F. Aubert의 오페라에 출연했으며 Berlioz의 훨씬 더 발전되고 독창적인 형태로 등장했습니다. 이탈리아의 낭만 경향은 G. Rossini와 G. Verdi에서 눈에 띄게 반영되었습니다. 일반적인 유럽 가치는 폴란드 컴퓨터의 작업을 받았습니다. F. 쇼팽, 훙. - F. Liszt, 이탈리아어. - N. Paganini (리스트와 파가니니의 작품은 또한 낭만적인 공연의 정점이었습니다), 독일어. - J. 마이어베어.
국가의 조건에서 R. 학교는 공통점이 많고 동시에 아이디어, 플롯, 좋아하는 장르 및 스타일에서 눈에 띄는 독창성을 보여주었습니다.
30대에. 존재가 발견되었습니다. 그 사이의 불일치. 그리고 프랑스어 학교. 문체의 허용 가능한 측정에 대한 다른 아이디어가 있습니다. 혁신; 미학의 허용 가능성에 대한 질문도 논란이되었습니다. "군중"의 취향을 만족시키기 위한 예술가의 타협. Berlioz의 혁신에 반대하는 사람은 온건 한 "클래식-로맨틱"스타일의 규범을 확고하게 옹호 한 Mendelssohn이었습니다. 그럼에도 불구하고 Berlioz와 Liszt를 열렬히 옹호했던 Schumann은 그에게 프랑스의 극단으로 보이는 것을 받아들이지 않았습니다. 학교; 그는 Fantastic Symphony의 저자보다 훨씬 더 균형 잡힌 Chopin, Mendelssohn 및 A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett 및이 작곡가와 가까운 다른 사람들을 선호했습니다. 그의 화려한 연극, 선동과 성공 추구. 반대로 Heine과 Berlioz는 작가의 "Huguenots"역학을 높이 평가합니다. 음악 극 법. Wagner는 중요한 개발 그러나 슈만의 동기는 그의 작품에서 온건한 낭만주의자의 규범과는 거리가 멀다. 스타일; (Meyerbeer와 달리) 엄격한 미적 기준을 준수합니다. 선택, 그는 대담한 개혁의 길을 따릅니다. 모든 R. 19 세기 이른바 라이프치히 학파에 대한 반대로서. 새로운 독일어 또는 바이마르 학교; 리스트는 그의 바이마르 시대(1849-61)에 그 중심이 되었고, R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff 및 기타 지지자들이 있었고 Weimarians는 프로그램 음악, 음악의 지지자였습니다. Wagnerian 유형의 드라마 및 기타 근본적으로 개혁된 유형의 새로운 음악. 소송. 1859년부터 새로운 독일 학파의 사상은 슈만이 1834년에 만든 저널인 "General German Ferein"으로 대표되었습니다. "Neue Zeitschrift für Musik", Krym은 1844년부터 K. F. Brendel이 감독했습니다. 반대편 진영에는 비평가 E. Hanslik, 바이올리니스트이자 작곡가 J. Joachim 등과 함께 J. Brahms가 있었습니다. 후자는 논쟁을 위해 노력하지 않았고 창의성에서만 그의 원칙을 옹호했습니다 (1860 년에 Brahms는 베를린 잡지 "Echo"에 실린 "Weimarites"의 특정 아이디어에 대한 집단 연설 인 논쟁적인 기사 아래에 단독으로 서명했습니다. ). 비평가들이 브람스의 작품에서 보수주의를 고려하는 경향이 있었던 것은 실제로 낭만주의가 살아있는 독창적인 예술이었습니다. 전통이 업데이트되어 고전의 새로운 강력한 영향을 경험했습니다. 과거의 음악. 이 경로의 전망은 유럽의 발전으로 나타났습니다. 다음 음악. 수십 년 (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev 및 기타). 같은 방식으로 "Weimarites"의 통찰력은 유망한 것으로 판명되었습니다. 앞으로 두 학파 사이의 분쟁은 역사적으로 쓸모없게 될 것입니다.
R.의 주류에서 nat에 대한 성공적인 검색이 있었기 때문에. 진정성, 사회적, 심리적. 진실성, 이 운동의 이상은 리얼리즘의 이데올로기와 밀접하게 얽혀있었습니다. 예를 들어, 그러한 연결은 Verdi와 Bizet의 오페라에서 분명합니다. 동일한 복합물이 많은 nat에 일반적입니다. 음악 19세기의 학교 러시아어로 낭만적인 음악. 요소는 하반기에 이미 M. I. Glinka 및 A. S. Dargomyzhsky에 의해 명확하게 표현됩니다. 19 세기 -The Mighty Handful의 작곡가와 P. I. Tchaikovsky, 나중에 S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner에서. R. young muses의 강한 영향으로 개발되었습니다. 폴란드, 체코, 헝가리, 노르웨이, 덴마크, 핀란드의 문화(S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius 등), 스페인어. 음악 2층. 19 - 구걸. 20 세기 (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla).
뮤즈. R.은 실내 성악 가사와 오페라 발전에 적극적으로 기여했습니다. 냄비 개혁에서 R.의 이상에 따라. 음악 채널 역할은 art-in 합성의 심화에 의해 수행됩니다. 웍. 멜로디는 시적 표현력에 민감하게 반응합니다. 단어가 더 자세하고 개별화됩니다. 도구 파티는 중립적 인 "반주"의 성격을 잃고 비유적인 내용으로 점점 더 포화됩니다. 슈베르트, 슈만, 프란츠, 볼프의 작업에서 플롯 전개된 노래에서 "음악"으로 가는 경로를 추적할 수 있습니다. 시." 웍 중. 장르, 발라드의 역할, 독백, 장면, 시가 증가합니다. pl의 노래. 케이스는 주기로 결합됩니다. 로맨틱에서 12월에 발전한 오페라. 방향, 음악, 단어, 연극 간의 연결이 꾸준히 증가하고 있습니다. 행위. 이 목적은 뮤즈 시스템에 의해 제공됩니다. 특성 및 leitmotifs, 음성 억양의 개발, 음악 논리의 병합. 그리고 무대 개발, 교향곡 풍부한 기회의 사용. 오케스트라 (Wagner의 점수는 오페라 교향곡의 최고 업적에 속함).
Instr. 음악 낭만주의 작곡가특히 fp에 취약합니다. 세밀화. 짧은 연극은 낭만적 인 예술가에게 바람직한 순간의 고정이됩니다. 분위기, 풍경, 특징적인 이미지의 대략적인 스케치입니다. 그것은 감사하고 관련이 있습니다. 단순함, 음악의 중요한 소스에 대한 근접성 - 노래, 춤, 신선하고 독창적인 풍미를 포착하는 능력. 인기있는 로맨틱 품종. 짧은 곡: "말 없는 노래", 야상곡, 전주곡, 왈츠, 마주르카, 프로그램 이름이 있는 곡. Instr. 미니어처는 높은 콘텐츠, 구호 이미지를 달성합니다. 컴팩트한 형태로 밝은 표정이 특징입니다. 냄비처럼. 가사, 여기에 otd를 통합하려는 경향이 있습니다. 주기로 재생 (Chopin - Preludes, Schumann - "Children 's Scenes", Liszt - "Years of Wanderings"등); 경우에 따라 이들은 "통과" 구조의 주기이며 개별 주기 간에는 상대적으로 독립적입니다. 연극은 차이가 발생합니다. 억양의 일종. 통신 (Schumann - "나비", "카니발", "Kreisleriana"). 이러한 "통해"주기는 이미 낭만주의의 주요 경향에 대한 아이디어를 제공합니다. 큰 instr의 해석. 양식. 한편으로는 대조, 개인의 다양성을 강조한다. 반면에 에피소드는 전체의 통일성이 강화됩니다. 이러한 경향의 징후 아래 새로운 창의성이 부여됩니다. 고전의 해석 소나타와 소나타 사이클; 동일한 열망이 소나타 알레그로, 소나타 주기 및 변주곡의 특징을 일반적으로 결합하는 한 부분의 "자유로운" 형식의 논리를 결정합니다. "무료" 형식은 특히 프로그램 음악에 편리했습니다. 개발 과정에서 한 부분으로 구성된 "교향곡"장르의 안정화에서. 시" 리스트의 공로가 크다. 리스트의 시에 깔려 있는 구성적 원칙, 즉 하나의 주제의 자유로운 변형(단일주제)은 하나의 표현을 만들어냅니다. 대조와 동시에 전체 구성(Preludes, Tasso 등)의 최대 통일성을 보장합니다.
음악 스타일에서 R. 가장 중요한 역할은 모달 및 고조파 수단에 의해 수행됩니다. 새로운 표현력에 대한 검색은 두 가지 병렬적이고 종종 상호 관련된 프로세스와 관련이 있습니다. 즉, 기능 및 역동성 강화입니다. 하모니의 측면과 고조파의 증폭. 화려함. 이러한 프로세스 중 첫 번째는 변경 및 불협화음으로 코드의 채도가 증가하여 불안정성이 악화되고 미래 고조파에서 해상도가 필요한 긴장이 증가했습니다. 움직임. 이러한 조화 속성 가장 좋은 방법 Wagner의 "Tristan"에서 특히 완벽하게 구현 된 "무한히"발전하는 감정의 흐름 인 R.의 전형적인 "나른함"을 표현했습니다. Major-Minor Modal System (Schubert)의 가능성을 사용하여 이미 다채로운 효과가 나타났습니다. 새롭고 매우 다양한 색상. 소위에서 음영이 추출되었습니다. Nar가 강조된 자연 모드. 또는 구식. 음악의 본질; 특히 SF에서 중요한 역할은 온음과 "반음" 음계가 있는 프렛에 할당되었습니다. 다채로운 속성은 색채적으로 복잡하고 불협화음 화음에서도 발견되었으며, 이 시점에서 위에서 언급한 프로세스가 명확하게 영향을 미쳤습니다. 신선한 음향 효과도 decomp에 의해 달성되었습니다. 온음계 내의 코드 또는 모드 비교. 규모.
로맨틱에서 멜로디는 다음 ch를 연기했습니다. 경향: 구조에서 - 개발의 폭과 연속성에 대한 욕구, 부분적으로는 형태의 "개방성"에 대한 욕구; 리듬으로-전통을 극복합니다. 규칙성 메트릭. 악센트 및 모든 자동 되풀이; 억양으로. 구성 - 디테일링, 초기 동기뿐만 아니라 전체 멜로디도 표현력으로 채 웁니다. 그림. Wagner의 "끝없는 선율"에 대한 이상은 이러한 경향을 모두 포함합니다. 19세기 최고의 선율가들의 예술도 그들과 연결되어 있다. 쇼팽과 차이콥스키. 뮤즈. R. 표현 수단 (질감)을 크게 풍부하고 개별화하여 뮤즈의 가장 중요한 요소 중 하나로 만듭니다. 형상. instr의 사용에도 동일하게 적용됩니다. 작곡, 특히 교향곡. 오케스트라. R. 개발 색상. 오케스트라의 수단과 오크의 극작술. 이전 시대의 음악이 알지 못했던 높이까지의 발전.
늦은 음악. R. (19 세기 후반 ~ 20 세기 초반)은 여전히 "풍부한 묘목"을 제공했으며 가장 큰 후계자 중 하나는 낭만적이었습니다. 전통은 여전히 진보적이고 인본주의적인 아이디어를 표현했습니다. 주장 (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin).
새로운 창의성은 R. 경향의 강화 및 질적 변화와 관련이 있습니다. 음악에서의 업적. 외부 인상(인상주의적 다채로움) 영역과 정교하고 미묘한 감정 전달(Debussy, Ravel, Scriabin) 영역 모두에서 새롭게 세부적인 이미지가 개발되고 있습니다. 음악의 가능성이 확장되고 있습니다. 구상 성 (R. Strauss). 한편으로는 세련미와 표현력 증가는 음악의 정서적 표현력을 더 넓게 만듭니다 (Scriabin, Mahler). 동시에 19 세기와 20 세기 초의 새로운 경향과 밀접하게 얽힌 R. 후기에. (인상주의, 표현주의) 위기의 증상이 커지고 있었다. 처음에는. 20 세기 R.의 진화는 주관적 원리의 비대, 무정형 및 부동성으로의 정제의 점진적 퇴보를 드러냅니다. 이러한 위기 기능에 대한 논쟁적으로 날카로운 반응은 뮤즈였습니다. 10-20년대의 반낭만주의 (I. F. Stravinsky, 젊은 S. S. Prokofiev, 프랑스 "Six"의 작곡가 등); 후기 R.은 형식의 명확성을 위해 내용의 객관성에 대한 욕구에 반대했습니다. "고전주의"의 새로운 물결, 옛 주인의 숭배, ch. 도착 베토벤 이전 시대. 20세기 중반 그러나 R.의 가장 귀중한 전통의 생존 가능성을 보여주었습니다. 서양 음악에서 강화되는 파괴적인 경향에도 불구하고 R.은 영적 기반을 유지하고 새로운 문체로 풍부해졌습니다. 요소는 많은 사람들에 의해 개발되었습니다. 20세기 최고의 작곡가. (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok 등).
문학: Asmus V., 철학적 낭만주의의 음악적 미학, "SM", 1934, No 1; Nef K., 서유럽 음악사, 프랑스어 번역. B. V. Asafiev 편집, 모스크바, 1938. Sollertinsky I., 그의 저서: Historical etudes, L., 1956, vol. 1, 1963에서 낭만주의, 그 일반 및 음악적 미학; Zhitomirsky D., 뮤지컬 낭만주의에 대한 노트(쇼팽과 슈만), "SM", 1960, No 2; 자신의 저서인 슈만과 낭만주의: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V., 19세기 낭만주의 노래, M., 1966; Konen, V., 외국 음악의 역사, vol. 3, M., 1972; Mazel L., 고전적 조화의 문제, M., 1972 (ch. 9 - 19세기와 20세기 초 고전적 조화의 역사적 발전에 관하여); Skrebkov S., 음악 스타일의 예술적 원리, M., 1973; 19세기 프랑스의 음악 미학. 비교 텍스트, 소개. 기사 및 소개. E. F. Bronfin, M.의 에세이, 1974년(음악 및 미적 사고의 기념비); 오스트리아의 음악과 독일 XIX세기, 책. 1, M., 1975; Druskin M., 외국 음악의 역사, vol. 4, M., 1976.
D. V. 지토미르스키
유럽과 북부의 모든 국가에서 발전한 이데올로기 및 예술적 방향. 사기에 미국. 18 - 1층. 19세기 R.은 부르주아 사회의 불만을 표현했습니다. 고전주의와 계몽주의에 반대하는 변화. F. Engels는 "... "이성의 승리"에 의해 설립 된 사회 및 정치 제도는 계몽 자들의 화려한 약속에 대한 사악하고 몹시 실망스러운 캐리커처로 판명되었습니다." 감상주의자들의 계몽주의 주류에 나타난 새로운 삶의 방식에 대한 비판은 낭만주의자들 사이에서 더욱 두드러졌다. 세상은 신비하고 이해하기 어렵고 적대적인 사람들로 가득 찬 의도적으로 불합리한 것처럼 보였습니다. 성격. 낭만주의의 경우 높은 열망은 외부 세계와 양립 할 수 없었고 현실과의 불화가 거의 주요한 것으로 판명되었습니다. 특징 R. 저지대와 현실 세계의 천박함 R. 종교, 자연, 역사, 환상에 반대합니다. 이국적인. 분야, adv. 창의성, 그러나 무엇보다도 - 내면의 삶사람. 그녀의 R.에 대한 표현은 매우 풍부합니다. 고대가 고전주의의 이상이라면 R.은 A. Dante, W. Shakespeare, J. W. Goethe를 그의 전임자로 간주하여 중세와 현대의 예술에 의해 인도되었습니다. R.은 모델이 제공하는 것이 아니라 예술가의 자유 의지에 의해 창조되어 그의 내면 세계를 구현하는 예술을 주장했습니다. 주변 현실을 받아들이지 않고 R.은 실제로 고전주의보다 더 깊고 완전하게 알고있었습니다. R.의 최고의 예술은 삶의 자유로운 요소의 구체화로서 음악이었습니다. 그녀는 그 동안 큰 성공을 거두었습니다. R.은 또한 발레의 비정상적으로 빠르고 중요한 발전의 기간이었습니다. 로맨틱의 첫걸음 발레는 영국, 이탈리아, 러시아에서 만들어졌습니다 (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky 및 기타). 그러나 R.은 프랑스어로 가장 완전하고 일관되게 형성되었습니다. 발레 극장, 그 영향은 다른 국가에 영향을 미쳤습니다. 이를 위한 전제 조건 중 하나는 당시 프랑스의 고전 기술의 높은 발전이었습니다. 댄스, 특히 여성. 가장 분명히 낭만적입니다. F. Taglioni ( "La Sylphide", 1832 등)의 발레에서 경향이 나타 났는데, 여기서 액션은 일반적으로 실제 세계와 환상적인 세계에서 동시에 전개되었습니다. 판타지는 사적인 일상적 정당화의 필요성에서 춤을 해방시켰고, 춤에 묘사된 캐릭터의 본질적 속성을 드러내기 위해 축적된 기술과 그 발전의 사용 범위를 열었습니다. R. 의 발레에서 전면에 등장한 여성 댄스에서는 점프가 점점 더 널리 소개되었고 포인트 슈즈 등의 댄스가 생겨서 지프, 실프와 같은 초현실적 인 생물의 모습과 완벽하게 일치했습니다. . 발레에서 R.은 춤을 지배했습니다. 고전의 새로운 구성 형식 댄스, unison corps de ballet 여성 댄스의 역할이 급격히 상승했습니다. 앙상블, 듀엣 및 솔로 댄스가 개발되었습니다. M. Taglioni를 시작으로 주역 발레리나의 역할이 커졌습니다. 댄서의 영구 의상으로 튜닉이 등장했습니다. 국가대표보다 음악의 역할이 커진 경우가 많다. 춤의 교향곡이 시작되었습니다. 행위. 로맨스의 정점. 발레 - "Giselle"(1841), J. Coralli와 J. Perrot이 상연. 창의력 Perrault 표시 새로운 무대발레 R. 공연은 이제 조명에 크게 의존했습니다. 원본 소스 (Hugo에 따르면 "Esmeralda", Byron에 따르면 "Corsair"등)에 따라 춤이 더 각색되고 효과적인 구성의 역할 (pas d "action"증가), 댄스 민속이 더 많이 사용되었습니다. Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya가 등장했습니다.
로맨틱 타입. Taglioni, Perrot, Bournonville의 발레에서 확립 된 공연은 끝까지 계속 존재했습니다. 19 세기 그러나 주로 발레 작업에서 이러한 공연의 내부 구조. M. I. Petipa, 변형.
낭만적인 부흥에 대한 열망. 원래 모습의 발레는 20 세기 일부 발레 마스터의 작품에서 나타났습니다. M. M. Fokin은 발레에서 R.에게 인상주의의 새로운 특징을 부여했습니다.
발레. 백과사전, SE, 1981
낭만적인 세계관은 현실과 꿈 사이의 첨예한 갈등이 특징이다. 현실은 낮고 영혼이 없으며 속물주의, 속물주의 정신으로 가득 차 있으며 부인할 가치가 있습니다. 꿈은 아름답고 완벽하지만 도달할 수 없고 마음으로는 이해할 수 없는 것입니다.
낭만주의는 삶의 산문을 정신의 아름다운 영역인 "마음의 삶"과 대조했습니다. 낭만주의자들은 감정이 마음보다 영혼의 더 깊은 층을 구성한다고 믿었습니다. Wagner에 따르면 "예술가는 이성이 아니라 느낌에 호소합니다." 그리고 Schumann은 "마음은 착각하고 감정은 없습니다. "라고 말했습니다. 음악이 그 특수성으로 인해 영혼의 움직임을 가장 완벽하게 표현하는 이상적인 예술 형식으로 선언 된 것은 우연이 아닙니다. 예술 체계에서 선두 자리를 차지한 것은 낭만주의 시대의 음악이었다.
문학과 회화에서 낭만적 방향이 기본적으로 19세기 중반에 완성된다면 유럽에서 음악적 낭만주의의 수명은 훨씬 더 길어질 것입니다. 에서 발전된 경향으로서의 음악적 낭만주의 초기 XIX문학, 회화 및 연극의 다양한 경향과 밀접하게 관련되어 발전했습니다. 음악적 낭만주의의 초기 단계는 F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, G. Rossini의 작품으로 대표됩니다. 후속 단계 (1830-50s) - F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi의 작품.
낭만주의 후기는 19세기 말까지 이어진다.
성격의 문제는 낭만적 인 음악의 주요 문제로, 그리고 외부 세계와의 갈등에서 새로운 시각으로 제시됩니다. 낭만적인 영웅은 항상 혼자입니다. 외로움이라는 주제는 아마도 모든 낭만주의 예술에서 가장 인기 있는 주제일 것입니다. 종종 창조적 인 사람에 대한 아이디어가 관련되어 있습니다. 그가 정확히 뛰어난 재능있는 사람 일 때 사람은 외롭습니다. 예술가, 시인, 음악가 - 낭만주의 작품에서 가장 좋아하는 영웅 (Schumann의 "The Love of a Poet", Berlioz의 "Fantastic Symphony", 부제 "An Episode from the Life of an Artist"), 교향시리스트 "타소").
낭만주의 음악에 내재된 깊은 관심은 인간의 성격그것의 개인적인 어조의 우세로 표현됩니다. 개인 드라마의 공개는 종종 낭만주의 사이에서 자서전의 손길을 얻었으며 음악에 특별한 성실함을 가져 왔습니다. 예를 들어, 슈만의 많은 피아노 작품은 클라라 비크에 대한 그의 사랑 이야기와 연결되어 있습니다. 바그너는 그의 오페라의 자전적 성격을 강하게 강조했다.
감정에 대한 관심은 장르의 변화로 이어집니다. 가사는 사랑의 이미지가 우세한 지배적 위치를 차지합니다.
자연의 주제는 종종 "서정적 고백"이라는 주제와 얽혀 있습니다. 사람의 마음 상태와 공명하여 대개는 부조화감으로 물든다. 장르와 서정적 교향곡의 발전은 자연의 이미지와 밀접한 관련이 있습니다 (첫 번째 작품 중 하나는 C-dur에서 Schubert의 "위대한"교향곡입니다).
낭만주의 작곡가의 진정한 발견은 환상의 주제였습니다. 처음으로 음악은 순전히 환상적인 이미지를 구현하는 법을 배웠습니다. 음악적 수단. 17세기와 18세기의 오페라에서 "비현실적인" 캐릭터(예: 모차르트의 "마술 피리"에 나오는 밤의 여왕)는 "일반적인" 음악 언어를 사용하여 실제 사람들과 거의 눈에 띄지 않았습니다. 낭만주의 작곡가들은 환상의 세계를 완전히 구체적인 것으로 전달하는 법을 배웠습니다(특이한 오케스트라와 조화로운 색상의 도움을 받아).
민속 예술에 대한 관심은 음악적 낭만주의의 특징입니다. 민속을 희생시키면서 풍부하고 업데이트 된 낭만적 인 시인처럼 문학적 언어, 음악가들은 민요, 발라드, 서사시와 같은 국가 민속으로 널리 전환되었습니다. 민속의 영향으로 유럽 음악의 내용은 극적으로 변했습니다.
가장 중요한 포인트음악적 낭만주의의 미학은 바그너의 오페라 작품과 베를리오즈, 슈만, 리스트의 프로그램 음악에서 가장 생생한 표현을 발견한 예술의 종합에 대한 아이디어였습니다.
헥터 베를리오즈. "환상의 교향곡" - 1. 꿈, 열정...
로베르트 슈만 - "광채 속에서 ...", "시선을 만난다 .."
보컬 사이클 "시인의 사랑"에서
로베르트 슈만 하인리히 하이네 "따뜻한 오월의 광채 속에서"
로베르트 슈만 - 하인리히 "당신의 눈빛을 만나다"
로베르트 슈만. "환상적인 연극".
슈만 환상곡 op. 12부 1: 아니요. 1 Des Abend 및 no. 2 아우프슈웅
시트. 교향시 "오르페우스"
프레데릭 쇼팽 - 전주곡 4번 E단조
프레데릭 쇼팽 - 야상곡 20번 C - 샤프 단조
슈베르트는 즉흥곡, 음악적 순간, 노래 주기, 서정적이고 극적인 교향곡 등 많은 새로운 음악 장르의 길을 열었습니다. 그러나 슈베르트가 작곡한 장르가 무엇이든 - 전통적이든 그에 의해 창조된 - 모든 곳에서 그는 작곡가로 활동합니다. 새로운 시대낭만주의 시대.
새로운 낭만주의 스타일의 많은 특징은 19세기 후반 러시아 작곡가인 슈만, 쇼팽, 리스트의 작품에서 개발되었습니다.
프란츠 슈베르트. 교향곡 다장조
프란츠 리스트. "사랑의 꿈"
웨버. 오페라 '프리 슈터' 중 헌터들의 합창
프란츠 슈베르트. 즉석 #3
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니넬 닉그의 이성 숭배와 함께. 그 발생은 여러 가지 이유 때문이었습니다. 그 중 가장 중요한 - 프랑스 혁명의 결과에 대한 실망그것은 그것에 대한 희망을 정당화하지 못했습니다.
로맨틱한 세계관현실과 꿈 사이의 날카로운 갈등이 특징입니다. 현실은 낮고 영적이지 않으며 속물주의, 속물주의의 정신으로 스며 들었고 부인할 가치가 있습니다. 꿈은 아름답고 완벽하지만 도달할 수 없고 마음으로는 이해할 수 없는 것입니다.
낭만주의는 삶의 산문을 정신의 아름다운 영역인 "마음의 삶"과 대조했습니다. 낭만주의자들은 감정이 마음보다 영혼의 더 깊은 층을 구성한다고 믿었습니다. 바그너에 따르면, "예술가는 이성이 아닌 느낌으로 변한다."슈만은 이렇게 말했습니다. "마음은 실수하지만 감각은 결코 실수하지 않습니다."음악이 그 특수성으로 인해 영혼의 움직임을 가장 완벽하게 표현하는 이상적인 예술 형식으로 선언 된 것은 우연이 아닙니다. 정확히 낭만주의 시대의 음악은 예술 시스템에서 선두 자리를 차지했습니다..
문학과 회화에서 낭만적 방향이 기본적으로 19세기 중반에 완성된다면 유럽에서 음악적 낭만주의의 수명은 훨씬 더 길어질 것입니다. 경향으로서의 음악적 낭만주의는 19세기 초에 나타나 문학, 회화, 연극의 다양한 경향과 밀접하게 관련되어 발전하였다. 음악적 낭만주의의 초기 단계는 E. T. A. Hoffmann, N. Paganini의 작품으로 대표됩니다. 다음 단계 (1830-50s) - 창의성,. 낭만주의 후기는 19세기 말까지 이어진다.
낭만주의 음악이 제기하는 주된 문제로서 성격 문제, 그리고 새로운 관점에서-외부 세계와의 충돌에서. 낭만적인 영웅은 항상 혼자입니다. 외로움이라는 주제는 아마도 모든 낭만주의 예술에서 가장 인기 있는 주제일 것입니다.종종 창조적 인 사람에 대한 아이디어가 관련되어 있습니다. 그가 정확히 뛰어난 재능있는 사람 일 때 사람은 외롭습니다. 예술가, 시인, 음악가는 낭만주의 작품에서 가장 좋아하는 캐릭터입니다 (Schumann의 "The Poet 's Love", 부제 "An Episode from the Life of an Artist", Liszt의 교향시 "Tasso").
낭만주의 음악에 내재된 인간의 개성에 대한 깊은 관심은 개인적인 어조. 낭만주의에서 흔히 접하는 개인 드라마 폭로 자서전 힌트음악에 남다른 진정성을 불어넣은 사람. 예를 들어 많은 사람들이 Clara Wieck에 대한 그의 사랑 이야기와 관련이 있습니다. 바그너는 그의 오페라의 자전적 성격을 강하게 강조했다.
감정에 대한 관심은 장르의 변화로 이어집니다-지배적 위치는 가사를 취득사랑의 이미지가 우세한 곳.
매우 자주 "서정적 고백"이라는 주제와 얽혀 있습니다. 자연 테마. 사람의 마음 상태와 공명하여 대개는 부조화감으로 물든다. 장르와 서정적 교향곡의 발전은 자연의 이미지와 밀접한 관련이 있습니다 (첫 번째 작품 중 하나는 C-dur에서 Schubert의 "위대한"교향곡입니다).
낭만주의 작곡가의 진정한 발견은 판타지 테마.순전히 음악적 수단으로 멋진 환상적인 이미지를 구현하는 법을 처음으로 배웠습니다. 17 ~ 18 세기 오페라에서 "비현실적인"캐릭터 (예 : 밤의 여왕)는 "일반적으로 받아 들여지는"음악 언어를 사용하여 실제 사람들과 거의 눈에 띄지 않았습니다. 낭만주의 작곡가들은 환상의 세계를 완전히 구체적인 것으로 전달하는 법을 배웠습니다(특이한 오케스트라와 조화로운 색상의 도움을 받아). 주목할만한 예는 The Magic Shooter의 "Wolf Gulch Scene"입니다.
음악적 낭만주의의 큰 특징은 음악에 대한 관심이다. 민속 예술. 민속을 희생시키면서 문학적 언어를 풍부하게 하고 업데이트한 낭만적인 시인처럼 음악가들은 민요, 발라드, 서사시(F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin 등)와 같은 국가 민속으로 널리 전환했습니다. 국가 문학, 역사, 자연의 이미지를 구현하여 국가 민속의 억양과 리듬에 의존하여 오래된 온음계를 되살립니다. 민속의 영향으로 유럽 음악의 내용이 극적으로 변화.
새로운 테마와 이미지에는 낭만주의 개발이 필요했습니다. 음악 언어의 새로운 수단그리고 형성의 원리, 멜로디의 개별화 및 음성 억양의 도입, 음색의 확장 및 음악의 조화로운 팔레트( 천연 프렛,장조와 단조의 다채로운 병치 등).
낭만주의의 초점은 더 이상 인류 전체가 아니라 특별한 사람각각의 독특한 느낌으로 그리고 표현 수단에서 일반은 점점 더 개별적으로 고유한 개인에게 자리를 내어주고 있습니다.멜로디에서 일반화된 인토네이션의 비율, 화성에서 일반적으로 사용되는 코드 진행, 질감의 전형적인 패턴이 감소하고 있습니다. 이 모든 수단이 개별화되고 있습니다. 오케스트레이션에서 앙상블 그룹의 원칙은 거의 모든 오케스트라 보이스의 솔로잉에 영향을 미쳤습니다.
가장 중요한 포인트 미학음악적 낭만주의는 예술 합성의 아이디어, 에서 가장 생생한 표현을 찾았습니다. 프로그램 음악베를리오즈, 슈만, 리스트.
