예술의 스타일 트렌드. 당신이 알고 있는 그림의 주요 장르는 무엇입니까? 당신이 가장 자주 그리는 것에 대해 생각해보십시오.

예술의 방향은 시스템이다 예술적 기법, 특정 시기에 특정 커뮤니티에서 지배적인 세계관인 특정 아이디어를 표현하기 위해 고안된 표현 수단. 스타일은 지난 천년 동안 발전하여 서로를 연속적으로 대체했습니다. 때때로 새로운 스타일이전 것의 연속 및 발전으로 발생했으며 때로는 전임자의 아이디어와의 투쟁의 결과가되었습니다.

안에 개별 사례스타일을 딱 꼽기가 너무 어려워서 오히려 방향성으로 분류된다. 그래서 상징주의, 큐비즘은 독자적으로 형성된 양식이라고 할 수 있으며, 종합적인 모더니즘의 방향이라고 할 수 있다.

각 시대는 하나 이상의 탄생 예술 스타일. 예술 작품을 연구함으로써 이러한 예술적 스타일이 형성되고 지배된 시간을 더 잘 알 수 있습니다.

10~19세기 예술의 주요 경향

로마네스크 양식(X - XIII 세기)

고딕 양식(XIII - XVI 세기)

바로크 (XVI - XVIII 세기)

고전주의(XVII - XIX 세기)

감상주의(XVIII 세기)

낭만주의(XVIII - XIX 세기)

사실주의 (XIX 세기)

XX 세기 예술의 주요 경향

모더니즘

상징주의

인상주의

초현실주의

지난 세기의 1920년대에 형성되어 꿈과 현실의 결합을 반영하는 역설적인 형태와 암시의 스타일이다. 그림에서 초현실주의는 Magritte, Ernst, Dali, Matta의 그림에 명확하게 반영됩니다.

고전 회화의 의기양양한 귀환; 앤디 워홀의 디지털 혁명과 미술계에서 일어나고 있는 다른 흥미로운 일들

현대 미술은 더 이상 현대적이지 않습니다. 모든 포스트모던적 기교를 지닌 현대 미술은 100년 전에 발명되었습니다.

소의 껍질을 벗긴 시체, 비디오 공연-처음에는 흥미로 웠지만 다음은 무엇인지 질문이 생깁니다. 예술가들은 Kazimir Malevich의 광장과 Jackson Pollock의 물보라보다 더 추상적이고 이해할 수 없는 것을 생각해 낼 수 있습니까?

상자 밖에서 생각-악명 높은 Banksy에게 조언했습니다.미술과 미술 시장의 새로운 경향은 예상치 못한 방향에서 왔다.

트렌드 번호 1.

손으로 그린 ​​그림: 왕좌로 돌아가다

비평가들에 따르면 이 그림은 최근까지 비디오 아트, 설치 등 다른 유형의 예술로 대체되면서 "죽어가고" 있었다. 2000년대 말 상황이 극적으로 바뀌었다.

미술 사이의 경계(" 미술", 캔버스에 붓을 사용하여 구식 방식으로 제작) 및 현대 미술 (고의적 광기와 비협조주의 포함)-갑자기 어딘가에서 사라졌습니다.

관중, 그리고 무엇보다도 예술가 자신은 전통적인 의미에서 그림을 그리워했습니다. 그리고 여기에서 말한 모든 것과는 거리가 멀다는 것이 밝혀졌습니다.

그러나 거대하고 과포화된 미술 시장에서 주목을 받기 위해서는 그림이 정말 재능이 있어야 합니다.

체코의 예술가 Svetlana Kurmaz와 Alexander Sokht는 새로운 트렌드의 밝은 대표자입니다. 유럽과 미국에서 유명하지만 러시아에서는 크라스노다르 영토 출신이지만 거의 알려지지 않았습니다.

부부는 오래 전에 프라하로 이주했습니다. 아주 빠르게 그들의 작업은 서구 사회에서 성공을 거두었습니다.

러시아 이민자 어려운 운명이제 권위 있는 세계 예술 박람회 및 비엔날레 참가자들이 가장 많이 찾는 풀 목록에 포함되었습니다.

특히 예술 사업에 대한 새로운 접근 방식 덕분에 최신 트렌드를 고려할 것입니다.

나는 최근에 Kurmaz와 Sokht의 뛰어난 작품과 길을 건너 왔고 주저없이 그것에 익숙해 지도록 촉구합니다. 그것은 절대적으로 가치가 있습니다.

트렌드 번호 2.

인터페이스의 혁명: 태블릿에 그림을 그리면 유화로 캔버스를 얻을 수 있습니다.

iPad 정비공의 광범위한 사용은 그림을 만드는 기술에 심각한 영향을 미쳤습니다. 예를 들어, diasec 정면 인쇄가 인기를 얻었습니다. 사진 인쇄와 유사한 원리로 페인트가 아크릴에 적용됩니다.

나데즈다 보로니나, 미술 평론가:

- Alexander Sokht는 그래픽 프로그램에서 작품을 만든 다음 캔버스, 종이 또는 디아섹으로 옮깁니다. 이와 같이 혁신적인 기술은 창의적인 방법의 진화를 돕습니다.

트렌드 번호 3.

미술 시장의 민주화: 이제 미술품은 지루한 백만장자가 아니라 평범한 학생과 주부들에 의해 수집됩니다.

놀라운 사실: 원작 유명한 거장이제 $100 미만의 비용이 들 수 있습니다. 유럽 ​​관객들은 이미 미술품 쇼핑의 즐거움을 맛보았고 동시대 작가들의 작품을 대거 사들이고 있다.

가격의 민주화 고급 예술예에서 특히 눈에 띄는 수년간의 성공가장 큰 국제 박람회 AAF(어포더블 아트 페어, 접근 가능한 아트 페어)

주최자에게 작품 선택의 가장 중요한 기준은 비용입니다. 평균 소득이 있는 사람들이 사용할 수 있는 가격 상한선을 초과해서는 안 됩니다.

복사-붙여넣기 및 재포스팅 시대의 마케팅은 Warhol의 아이디어를 재해석했습니다. 이제 그림은 여러 버전과 다른 가격으로 제작될 수 있습니다.

예를 들어, 같은 Kurmaz와 Sokhta의 작품은 상당히 비쌉니다. 그러나 그들은 세 가지 다른 가격 범주를 포착할 수 있는 전략을 내놓았습니다.

접근성 전략은 저자의 원본을 종이와 캔버스에 한정판으로 출시함으로써 달성됩니다.

즉, 저작물은 5부로 존재할 수 있지만 각각은 원본이며 국제 인증서로 확인됩니다.

트렌드 번호 5.

갤러리는 이제 갤러리스트가 아니라 아티스트 자신이 엽니다.

가장 중요한 추세는 예술가 개인 갤러리가 미술 시장 참여자 간의 주요 교류 장소가 되고 있다는 것입니다. 이것은 오너 자신이 카운터 뒤에 서있는 작은 가게와 같은 고급 구성입니다.

미술평론가 나데즈다 보로니나

- 프라하의 중심에 Kurmaz와 Sokht에는 자신을 전시하기 위해 만들어진 자체 갤러리가 있습니다. 아마도 이것은 예술가의 명확한 개념, 목표 및 목표와 같은 모든 것이 여기에 병합되기 때문에 예술을 전시하고 판매하는 현대 갤러리의 가장 성공적인 옵션 중 하나 일 것입니다. 이것은 미래의 갤러리 유형입니다. 현대 미술모든 것이 단순화됩니다.

안에 이 경우페이스 북과 트위터의 메커니즘이 작동합니다. 작가와 그의 작품 감정가 간의 직접적인 의사 소통이 점점 더 많아지고 있습니다. 승리 전략에이전트와 바이어를 통한 커뮤니케이션보다

회화는 아마도 가장 고대의 견해미술. 원시 시대에도 우리 조상들은 동굴 벽에 사람과 동물의 이미지를 만들었습니다. 이것은 회화의 첫 번째 예입니다. 그 이후로 이 예술 형식은 항상 동반자였습니다. 인간의 삶. 오늘날 회화의 예는 많고 다양합니다. 우리는 주요 장르, 스타일, 방향 및 기술에 대해 이야기하기 위해 가능한 한 이러한 유형의 예술을 다루려고 노력할 것입니다.

회화 기법

먼저 그림의 기본 기술을 고려하십시오. 가장 일반적인 것 중 하나는 기름. 이것은 페인트가 만들어지는 기술입니다. 유성. 이 페인트는 스트로크로 적용됩니다. 그것들의 도움으로 다양한 음영을 만들고 필요한 이미지를 최대한 사실적으로 전달할 수 있습니다.

템페라 화법또 다른 인기있는 기술입니다. 유제 페인트를 사용할 때 우리는 그것에 대해 이야기하고 있습니다. 이 페인트의 바인더는 계란 또는 물입니다.

구아슈- 그래픽에서 널리 사용되는 기술. 구 아슈 페인트는 접착제 기반으로 만들어집니다. 골판지, 종이, 뼈 또는 실크 작업에 사용할 수 있습니다. 이미지가 튼튼하고 선이 선명합니다. 파스텔- 표면이 거칠어야 마른 연필로 그리는 기법입니다. 물론 수채화에 대해서도 언급할 가치가 있습니다. 이 페인트는 일반적으로 물로 희석됩니다. 부드럽고 얇은 페인트 레이어이 기술을 사용하여 얻습니다. 특히 인기 물론 그림에 가장 자주 사용되는 주요 기술만 나열했습니다. 다른 사람들이 있습니다.

보통 어떤 그림을 그렸나요? 캔버스에 가장 인기있는 그림. 프레임에 펴거나 판지에 붙입니다. 과거에는 나무 판자가 꽤 자주 사용되었습니다. 오늘날 캔버스에 그림을 그리는 것이 인기가 있을 뿐만 아니라 다른 평면 재료를 사용하여 이미지를 만들 수 있습니다.

회화 유형

이젤과 기념비적 그림의 두 가지 주요 유형이 있습니다. 후자는 아키텍처와 관련이 있습니다. 이 유형에는 건물의 천장과 벽에 모자이크 또는 기타 재료로 만든 이미지로 장식한 그림, 스테인드 글라스 창 등이 포함됩니다. 이젤 그림은 특정 건물과 관련이 없습니다. 그것은 장소에서 장소로 이동할 수 있습니다. 이젤 그림에는 다양한 종류가 있습니다(그렇지 않으면 장르라고 합니다). 더 자세히 살펴 보겠습니다.

그림의 장르

"장르"라는 단어는 프랑스어에서 유래되었습니다. 그것은 "속", "종"으로 번역됩니다. 즉, 장르의 이름 아래에 어떤 종류의 콘텐츠가 있으며 그 이름을 발음하면 그림이 무엇인지, 그 안에서 무엇을 찾을 수 있는지, 즉 사람, 자연, 동물, 사물 등을 이해합니다.

초상화

회화의 가장 오래된 장르는 초상화입니다. 다른 사람이 아닌 자기 자신만 닮은 사람의 이미지입니다. 즉, 우리 각자는 개별적인 얼굴을 가지고 있기 때문에 초상화는 개별적인 모습의 회화 이미지입니다. 이 그림 장르에는 고유한 종류가 있습니다. 초상화는 전체 길이, 가슴 길이 또는 한 사람만 그릴 수 있습니다. 예를 들어 예술가는 누구에게도 그를 쓰지 않고 "일반적인 사람"을 만들 수 있기 때문에 사람의 모든 이미지가 초상화는 아닙니다. 다만, 특정 대표자를 연기하는 경우에는 인종, 그런 다음 그는 초상화 작업을 합니다. 말할 필요도 없이 이 장르의 그림에는 수많은 예가 있습니다. 그러나 아래 초상화는 우리나라의 거의 모든 거주자에게 알려져 있습니다. 우리는 Kiprensky가 1827 년에 만든 A. S. Pushkin의 이미지에 대해 이야기하고 있습니다.

자화상도 이 장르에 추가할 수 있습니다. 이 경우 작가는 자신을 묘사합니다. 사진에 한 쌍의 사람이있을 때 한 쌍의 초상화가 있습니다. 그리고 그룹 초상화사람들의 그룹이 표시될 때. 그것은 또한 주목할 수 있습니다 공식적인 초상화, 가장 엄숙한 것 중 하나 인 승마입니다. 과거에는 매우 인기가 있었지만 지금은 그런 작품이 드물다. 그러나 우리가 이야기할 다음 장르는 언제든지 관련이 있습니다. 무엇에 관한 것입니까? 이는 우리가 아직 이름을 붙이지 못한 장르, 회화를 특징짓는 장르를 짚어보면 짐작할 수 있다. 정물화도 그 중 하나입니다. 우리가 이제 그림을 계속 고려하면서 이야기 할 것은 그에 관한 것입니다.

정물

이 말에도 프랑스 출신, 그것은 "죽은 자연"을 의미하지만 의미는 "무생물의 자연"이 더 정확할 것입니다. 정물 - 무생물의 이미지. 그들은 매우 다양합니다. 정물은 또한 "살아있는 자연"을 묘사 할 수 있습니다. 꽃잎에 가라 앉은 나비, 아름다운 꽃, 새, 때로는 자연의 선물 중에서 사람을 볼 수 있습니다. 그러나이 경우 살아있는 이미지가 작가에게 가장 중요한 것이 아니기 때문에 여전히 정물이 될 것입니다.

경치

풍경은 또 다른 프랑스어 단어, 번역에서 "국가의 전망"을 의미합니다. 독일의 "풍경" 개념과 유사합니다. 풍경은 자연의 다양성을 묘사한 것입니다. 다음과 같은 종류가 이 장르에 합류합니다. 건축 풍경과 종종 단일 단어 "선착장"이라고 하는 매우 인기 있는 바다 풍경과 그 안에서 작업하는 예술가를 해양 화가라고 합니다. 장르의 그림의 수많은 예 바다 경치 I. K. Aivazovsky의 작업에서 찾을 수 있습니다. 그 중 하나가 1873년의 "무지개"입니다.

이 그림은 유화로 그려져 수행하기가 어렵습니다. 그러나 수채화 풍경을 만드는 것은 어렵지 않으므로 학교에서 그림 수업에서 우리 각자에게이 과제가 주어졌습니다.

동물 장르

다음 장르는 동물성입니다. 여기에서는 모든 것이 간단합니다. 이것은 자연 환경에서 자연의 새와 동물의 이미지입니다.

가정용 장르

가정 장르는 삶의 장면, 일상 생활, 재미있는 "사건", 가정 생활 및 이야기를 묘사합니다. 보통 사람들 V 일반 환경. 그리고 이야기 없이도 할 수 있습니다. 일상적인 활동과 일을 포착하십시오. 이러한 그림은 때때로 풍속화라고도 합니다. 예를 들어 Van Gogh(1885)의 위 작품을 생각해 보십시오.

역사적인 장르

회화의 주제는 다양하지만 역사적 장르는 따로 있다. 이 사진 역사적 영웅그리고 이벤트. 전투 장르가 인접하여 전쟁, 전투 에피소드를 제공합니다.

종교 및 신화 장르

신화 장르에서는 신과 영웅에 대한 고대 및 고대 전설을 주제로 그림이 작성됩니다. 이미지는 세속적이며 아이콘에 표시된 신의 이미지와 다릅니다. 그런데 종교화는 단순한 아이콘이 아닙니다. 그녀는 단결한다 다양한 작품종교적인 주제에 대해 썼다.

장르의 충돌

장르의 내용이 풍부할수록 "동반자"가 더 많이 나타납니다. 장르는 합쳐질 수 있기 때문에 그 어느 것의 틀에도 전혀 들어갈 수 없는 그림이 있다. 예술에는 일반(기술, 장르, 스타일)과 개인(별도의 특정 작품)이 있습니다. 별도의 사진에는 공통점이 있습니다. 따라서 많은 예술가들이 하나의 장르를 가지고 있을 수 있지만 그 안에 그려진 그림은 결코 똑같지 않습니다. 그러한 특징에는 회화의 문화가 있다.

스타일

스타일 인은 그림의 시각적 인식의 한 측면입니다. 그것은 한 작가의 작품이나 특정 시대, 방향, 유파, 지역의 작가들의 작품을 결합할 수 있다.

학문적 회화와 사실주의

학술 회화는 특별한 방향이며 그 형성은 유럽 예술 아카데미의 활동과 관련이 있습니다. 그것은 16세기에 볼로냐 아카데미에서 나타났는데, 그곳의 원주민들은 르네상스의 거장들을 모방하려고 했습니다. 16세기부터 그림을 가르치는 방법은 형식적인 패턴에 따라 규칙과 규범을 엄격히 준수하는 것을 기반으로 하기 시작했습니다. 파리의 예술은 유럽에서 가장 영향력있는 예술 중 하나로 간주되었습니다. 그녀는 17세기 프랑스를 지배했던 고전주의의 미학을 고취시켰다. 파리 아카데미? 교육의 체계화에 기여하면서 점차 고전적 방향의 규칙을 교리로 바 꾸었습니다. 그래서 아카데믹 페인팅은 특별한 방향이 되었습니다. 19세기에 학술주의의 가장 두드러진 징후 중 하나는 J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres의 작업이었습니다. 고전적인 대포는 19세기와 20세기 초에야 현실적인 것으로 대체되었습니다. 20세기 초에 학계에서 기본 교수법이 되면서 독단적인 체계로 전락한 것이 사실주의였다.

바로크

바로크는 귀족주의, 대조, 이미지의 역동성, 풍요로움, 긴장, 드라마, 사치, 현실과 환상의 융합을 묘사할 때의 단순한 디테일을 특징으로 하는 예술의 스타일이자 시대입니다. 이 스타일은 1600년 이탈리아에서 나타나 유럽 전역에 퍼졌습니다. Caravaggio와 Rubens는 가장 저명한 대표자입니다. 바로크는 종종 표현주의와 비교되지만 후자와 달리 너무 반발적인 효과가 없습니다. 오늘날 이 스타일의 그림은 복잡한 선과 풍부한 장식이 특징입니다.

입체파

큐비즘은 20세기에 시작된 아방가르드 예술 운동입니다. 제작자는 Pablo Picasso입니다. 큐비즘은 유럽의 조각과 회화에 진정한 혁명을 일으켜 건축, 문학, 음악에서 유사한 경향을 창조하도록 영감을 주었습니다. 아트 페인팅이 스타일에서는 추상적 형태를 가진 재결합되고 부서진 물체가 특징입니다. 그들을 묘사 할 때 많은 관점이 사용됩니다.

표현주의

표현주의는 20세기 전반 독일에서 나타난 현대미술의 또 다른 중요한 경향이다. 처음에는 시와 그림만을 다루다가 다른 예술 분야로 확산되었습니다.

표현주의는 세계를 주관적으로 묘사하고 현실을 왜곡하여 더 큰 감정적 효과를 만듭니다. 그들의 목표는 시청자가 생각하게 만드는 것입니다. 표현주의의 표현이 이미지보다 우세합니다. 많은 작품이 고통, 고통, 고통, 비명 (위에 제시된 Edvard Munch의 작품을 "The Scream"이라고 함)의 모티프가 특징임을 알 수 있습니다. 표현주의 예술가들은 물질적 현실에 전혀 관심이 없으며 그들의 그림은 깊은 의미와 감정적 경험으로 가득 차 있습니다.

인상주의

인상주의 - 스튜디오가 아닌 야외 (야외)에서 주로 작업하는 것을 목표로하는 회화의 방향. 아래 사진에 표시된 Claude Monet의 그림 "Impression, Sunrise"에서 이름을 따 왔습니다.

"인상"이라는 단어 영어- 인상. 인상파 그림은 주로 작가의 가벼운 감각을 전달합니다. 이 스타일의 페인팅의 주요 특징은 다음과 같습니다. 거의 보이지 않는 얇은 획; 조명의 변화, 정확하게 전달됨(종종 시간 경과의 영향에 주의가 집중됨) 오픈 컴포지션; 단순한 공통 목표; 같은 움직임 중요 요소인간의 경험과 지각. 인상주의와 같은 추세의 가장 두드러진 대표자는 Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir입니다.

모더니즘

다음 방향은 모더니즘이다. 다양한 분야 19세기 말과 20세기 초 미술. 1863년 파리의 "거절된 자의 살롱"이 열렸습니다. 공식 살롱에서 그림이 허용되지 않은 예술가들이 이곳에 전시되었습니다. 이 날짜는 예술의 별도 방향으로 모더니즘의 출현 날짜로 간주 될 수 있습니다. 그렇지 않으면 모더니즘은 때때로 "또 다른 예술"이라고 불립니다. 그의 목표는 남들과 다른 독특한 그림을 그리는 것입니다. 주요 특징작품 - 작가의 특별한 세계관.

그들의 작품에서 예술가들은 사실주의의 가치에 반항했습니다. 자기 인식은 이 방향의 두드러진 특징입니다. 이것은 종종 형식에 대한 실험과 추상화에 대한 경향으로 이어집니다. 모더니즘의 대표자는 사용되는 재료와 작업 과정에 특별한 관심을 기울입니다. 가장 저명한 대표자 중 하나는 Henry Matisse (1908 년 그의 작품 "The Red Room"이 위에 제시됨)와 Pablo Picasso입니다.

신고전주의

신고전주의는 회화의 주요 방향입니다. 북유럽 18세기 중반부터 19세기 말까지. 기능으로 돌아가는 것이 특징입니다. 고대 르네상스그리고 심지어 고전주의. 건축적, 예술적, 문화적 측면에서 신고전주의는 천박하고 예술적인 스타일의 예술로 인식되었던 로코코에 대한 반응으로 나타났습니다. 신고전주의 예술가들은 교회법에 대한 해박한 지식 덕분에 작품에 대포를 도입하려고 노력했습니다. 그러나 단순히 고전적 모티프와 주제를 재현하는 것은 피했다. 신고전주의 예술가들은 자신의 그림을 전통의 틀 안에 두어 장르의 숙달을 보여주려고 노력했습니다. 이 점에서 신고전주의는 즉흥성과 자기 표현이 미덕으로 간주되는 모더니즘과 직접적으로 반대됩니다. 가장 유명한 대표자는 Nicolas Poussin, Raphael을 포함합니다.

팝 아트

우리가 고려할 마지막 방향은 팝 아트입니다. 그는 지난 세기의 50년대 중반 영국과 50년대 후반 미국에 나타났습니다. 팝아트는 당시 지배적이었던 추상표현주의 사상에 대한 반작용으로 시작된 것으로 여겨진다. 이 방향에 대해 말하면 2009년 그의 그림 중 하나인 "Eight Elvis"가 1억 달러에 팔렸습니다.

단순히 다양한 방향과 스타일이 있습니다. 미술. 종종 그들은 뚜렷한 경계가 없으며 지속적으로 개발, 반대 및 혼합하면서 서로 원활하게 이동할 수 있습니다. 이러한 이유로 그림의 대부분의 경향은 동시에 공존합니다. 실제로 "순수한 스타일"은 없습니다. 오늘 가장 인기 있는 페인팅 스타일을 소개합니다.

인상주의

클로드 모네 “인상. 떠오르는 태양”

Claude Monet의 그림 "Impression, soleil levant"에서 이름을 얻었습니다. 인상주의는 야외에서 작업하는 경향이 있는 그림 스타일입니다. 이 방향의 그림은 주인의 가벼운 느낌을 전달하도록 설계되었습니다.

에게 주요 특징들인상주의에는 다음이 포함됩니다. 얇고 상대적으로 작고 거의 보이지 않는 획; 정확하게 전송된 조명 변화; 열린 구성; 모든 움직임의 존재; 물체의 비정상적인 비전.

인상주의의 뛰어난 대표자:피에르 르누아르, 에드가 드가, 클로드 모네.

표현주의

에드바르트 뭉크 "절규"

중 하나 현대 트렌드 20세기 전반기 독일에서 시작된 미술. 처음에 표현주의는 시와 그림에만 적용되었습니다.

표현주의는 일반적으로 세계더 큰 정서적 효과를 위해 주관적으로만 현실을 완전히 왜곡합니다. 따라서 시청자가 생각하게 만듭니다.

대표자 중: Amedeo Modigliani, Edvard Munch, Ernst Ludwig Kirchner 등

입체파

파블로 피카소 "도라 마르"

큐비즘은 유명한 파블로 피카소 덕분에 20세기에 시작된 아방가르드 예술 운동입니다. 따라서이 스타일의 가장 두드러진 대표자는 바로 그 사람입니다. 이 방향은 유럽의 조각과 회화에 혁명을 일으켰고 건축, 문학 및 음악에서도 비슷한 경향을 불러일으켰습니다.

이 스타일의 예술 작품은 추상적인 형태로 재결합되고 부서진 물체가 특징입니다.

모더니즘

앙리 마티스 "댄서 파란 드레스”

모더니즘은 19세기와 20세기에 시작된 여러 통합된 예술 경향뿐만 아니라 다양한 문화적 경향의 조합을 보여줍니다.

화가들은 ​​모더니즘을 "다른 예술"이라고 부르는데, 그 목적은 다른 어떤 것과도 다른 독특한 창조, 즉 예술가의 특별한 비전을 보여주는 것입니다.

주목할만한 대표자:앙리 마티스와 파블로 피카소.

신고전주의

니콜라 푸생 "파르나소스"

신고전주의는 18~19세기 북유럽의 주요 경향으로 르네상스 미술과 고대, 심지어는 고전주의까지 특징지어진다.

교회법에 대한 깊은 지식으로 인해 신고전주의의 거장들은 그들의 작품에 대포를 도입하고 재구성하려고 노력했습니다.

저명한 대표자는 다음과 같습니다.니콜라 푸생, 프란츠 요제프 하이든, 라파엘.

팝 아트

앤디 워홀 "달러"

낭만주의

프란시스코 고야 "종교재판소"

예술 방향으로서의 낭만주의는 18세기 유럽에서 시작되었습니다. 미적 지식의 진정한 원천은 고려되었다 강력한 감정. 가장 가치 있는 감정은 경외, 두려움, 공포, 경외심이었습니다.

대표자 중:프란시스코 고야, 아이작 레비탄, 이반 시시킨, 이반 아이바조프스키, 윌리엄 터너

실재론

일리야 레핀 "소심한 남자"

초현실주의는 보는 사람의 공감을 불러일으키기 위해 강한 이미지를 만들기 위해 사물을 일상적인 의미에서 분리하여 심리적 진실을 노출하는 것입니다.

이 스타일의 유명한 대표자:막스 에른스트, 르네 마그리트, 살바도르 달리.

상징주의

미하일 브루벨 "패배한 악마"

상징주의는 일부 유럽 국가에서 발전한 영성, 꿈 및 상상력에 찬성하는 일종의 항의입니다. XIX 후반세기.

상징주의 예술가들은 회화의 초현실주의와 표현주의에 상당히 강한 영향을 미쳤습니다. 이 두 방향은 상징주의에서 직접 나왔습니다.

스타일 대표자 중 : Mikhail Vrubel, Gustave Moreau, Hugo Simberg, Viktor Vasnetsov 등

매우 다양하고 다면적입니다. 단일 원칙 예술적 사고그리고 마스터의 작품이 하나 또는 다른 추세에 기인 할 수있는 매우 중요한 기능이 있습니다. 역사적으로 회화의 주요 경향은 예술에 대한 인식의 변화에 ​​따라 서로 바뀌었다. 특정 이벤트도 이 문제에 영향을 미쳤습니다.

19세기 회화의 방향

19세기에 프랑스는 발전에 상당한 기여를 한 선두 국가였습니다. 유럽 ​​문화. 1위 예술적인 삶그림으로 밝혀졌습니다. 19세기 회화의 방향은 고전주의, 낭만주의, 사실주의, 학문주의, 데카당스이다. Eugene Delacroix는 낭만주의의 주요 인물로 간주되었습니다. 그의 가장 유명한 사진"바리케이드에서의 자유"는 이후에 쓰여졌습니다. 실제 사건. 19세기 중반 회화의 주요 경향은 고전주의와 사실주의였다. 유럽에서 사실주의의 입장은 Gustave Courbet에 의해 강화되었습니다. 그리고 세기 후반에 동일한 흐름이 프랑스에서 러시아로 이동했습니다. 예술, 회화, 건축 및 기타 분야의 방향 문화 생활금세기의 유럽은 매우 다양합니다. 19세기의 마지막 3분의 1은 리얼리즘과 데카당스의 위기에 처했습니다. 이 균형 잡힌 행동의 결과로 인상주의라는 완전히 새로운 방향이 생겼습니다. 그러나이 기간의 러시아 회화의 주요 추세는 여전히 사실주의였습니다.

고전주의

이 방향은 17세기부터 19세기까지 프랑스에서 발전했습니다. 그것은 조화와 이상을 향한 노력이 특징이었습니다. 고전주의는 자신의 계층 구조를 정의했습니다. 높은 지위종교적 역사 및 신화 장르가 포함되었습니다. 그러나 초상화, 정물, 풍경은 사소하고 일상적인 것으로 간주되었습니다. 장르를 결합하는 것은 금지되었습니다. 예술가의 많은 전통은 고전주의에 기인합니다. 특히, 우리 대화하는 중이 야구성 및 합의된 형식의 완성도에 대해. 고전주의 작품은 조화와 조화를 요구합니다.

학문주의

그림의 방향은 시간이 지남에 따라 차례로 바뀌지 않았습니다. 그들은 서로를 관통하고 밀접하게 얽혀 얼마 동안 함께 따라갔습니다. 그리고 한 방향이 다른 방향에서 나오는 경우가 자주 발생했습니다. 이것이 학계에 일어난 일입니다. 그것은 고전 예술의 결과로 발생했습니다. 이것은 여전히 ​​동일한 고전주의이지만 이미 더 정교하고 체계화되었습니다. 이러한 경향을 완벽하게 특징짓는 핵심 포인트는 자연의 이상화와 높은 기술기술적 성능에서. 이 경향의 가장 유명한 예술가는 K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche 등이었습니다. 물론 현대 아카데믹은 더 이상 이러한 스타일이 탄생했을 때 할당되었던 (주도적) 역할을 차지하지 않습니다.

낭만주의

낭만주의를 언급하지 않고 19 세기 회화의 주요 방향을 고려하는 것은 불가능합니다. 낭만주의 시대는 독일에서 시작되었습니다. 점차 영국, 프랑스, ​​러시아 및 기타 국가에 침투했습니다. 이 소개 덕분에 회화와 예술의 세계는 밝은 색상으로 풍부해졌습니다. 줄거리대담한 누드. 이 경향의 예술가들은 인간의 모든 감정과 감정을 밝은 색상으로 묘사했습니다. 그들은 모든 내면의 두려움, 사랑과 증오를 뒤집어 엄청난 수의 특수 효과로 캔버스를 풍부하게 만들었습니다.

실재론

19세기 후반 회화의 주요 방향을 고려할 때 우선 리얼리즘이 언급되어야 한다. 그리고 이 스타일의 출현은 18세기로 거슬러 올라가지만, 가장 큰 꽃을 피우는 시기는 19세기 중반과 후반입니다. 이 시대의 리얼리즘의 주요 규칙은 모든 다양한 표현에서 현대 현실의 묘사였습니다. 1848년 프랑스에서 일어난 혁명은 이러한 회화 경향의 형성에 큰 영향을 미쳤다. 그러나 러시아에서 이러한 예술 경향의 발전은 민주주의 사상의 경향과 밀접한 관련이 있습니다.

쇠미

타락의 시대는 절망과 환멸의 묘사가 특징입니다. 이 스타일의 예술은 퇴폐적입니다. 활력. 그것은 19세기 말에 공중 도덕에 대한 저항의 한 형태로 나타났습니다. 그리고 비록 회화에서 데카당스가 별개의 방향으로 형성되지는 않았지만 그럼에도 불구하고 예술사이 예술 분야의 개별 제작자를 강조합니다. 예를 들어 Aubrey Beardsley 또는 Mikhail Vrubel입니다. 그러나 마음으로 실험하는 것을 두려워하지 않는 퇴폐적 인 예술가는 종종 가장자리에서 흔들렸다는 점에 유의해야합니다. 그러나 이것이 바로 그들이 세상에 대한 비전으로 대중을 놀라게 한 것입니다.

인상주의

인상주의로 여겨지지만 첫 단계이러한 방향의 전제 조건인 현대 미술은 19세기에 시작되었습니다. 낭만주의는 인상주의의 기원이었다. 개인의 개성을 예술의 중심에 두는 사람이 바로 그였기 때문이다. 1872년 모네는 <인상>이라는 그림을 그렸다. 해돋이". 전체 방향에 이름을 부여한 것은 바로이 작업이었습니다. 모든 인상주의는 지각에 기반을 두고 있습니다. 이 스타일로 작업한 아티스트들은 철학적 문제인류. 무엇을 그리느냐가 아니라 어떻게 그리느냐가 가장 중요했다. 각 그림은 작가의 내면 세계를 드러내야 했습니다. 그러나 인상주의자들도 인정받기를 원했습니다. 그렇기 때문에 그들은 인구의 모든 부분에 흥미로운 타협 주제를 찾으려고 노력했습니다. 캔버스에 예술가들은 휴일이나 파티를 묘사했습니다. 그리고 일상적인 상황이 그들의 그림에서 그 자리를 찾았다면 그들은 긍정적인 측면에서만 제시되었습니다. 따라서 인상주의는 "내적" 낭만주의라고 부를 수 있습니다.

19 세기 러시아 회화의 주요 방향 (전반)

19세기 전반기는 러시아 문화에서 특히 밝은 페이지로 간주됩니다. 세기 초에 고전주의는 러시아 회화의 주요 추세로 남아있었습니다. 그러나 30대에 이르러 그 의미는 사라졌습니다. 러시아의 전체 문화는 낭만주의의 도래와 함께 새로운 숨을 쉬었습니다. 그의 주요 가정은 개인의 성격과 모든 예술의 주요 가치로서의 인간의 생각에 대한 주장이었습니다. 에 특별한 관심이 생겼습니다. 내면 세계사람. 19세기 전반기 러시아 회화의 방향은 낭만주의로 향한다. 더욱이 처음에는 영웅적인 성격을 가졌으나 나중에는 비극적 낭만주의로 변모했다.

러시아 문화사에서 19 세기 전반에 대해 말하면서 연구자들은 그것을 두 분기로 나눕니다. 그러나 어떤 구분이 있더라도 시각 예술의 세 가지 스타일 사이의 타임라인을 결정하는 것은 여전히 ​​거의 불가능합니다. 상반기의 19 세기 러시아 회화의 방향 (고전주의, 낭만주의, 사실주의)은 너무 강하게 얽혀있어 조건부로만 구별 할 수 있습니다.

확실히 19세기 전반기에 회화는 18세기보다 사회 생활에서 훨씬 더 큰 위치를 차지했다고 말할 수 있습니다. 1812년 전쟁의 승리에 힘입어 러시아인의 자의식은 강한 발전의 추동력을 얻었고, 그 결과 자국 문화에 대한 사람들의 관심이 크게 높아졌다. 처음으로 사회에 조직이 생겨서 개발하는 것이 첫 번째 임무라고 생각했습니다. 국내 예술. 동시대의 그림에 대해 이야기하는 첫 번째 잡지와 예술가 작품 전시회를 준비하려는 첫 번째 시도가 나타났습니다.

초상화는 이 시기에 뛰어난 성과를 거두었다. 이 장르는 예술가와 사회를 가장 잘 통합했습니다. 이는 해당 기간 동안 가장 많은 주문이 정확히 이루어졌기 때문입니다. 초상화 장르. 19세기 전반의 뛰어난 초상화가 중 한 명은 블라디미르 보로비코프스키(Vladimir Borovikovsky)였습니다. A. Orlovsky, V. Tropinin 및 O. Kiprensky와 같은 유명한 예술가도 주목해야합니다.

러시아 풍경화도 발전한 것은 세기 초였습니다. 이 장르에서 작업한 아티스트 중에서 Fyodor Alekseev를 먼저 뽑아야 합니다. 그는 도시 경관의 거장이자 창시자 중 한 명이었습니다. 이 장르러시아 회화에서. 언급된 기간의 다른 유명한 풍경화가로는 Shchedrin과 Aivazovsky가 있습니다.

Bryullov, Fedotov 및 A. Ivanov는 19 세기 2/4 분기 러시아 최고의 예술가로 간주되었습니다. 그들 각각은 회화의 발전에 특별한 공헌을 했습니다.

Karl Bryullov는 매우 밝았을뿐만 아니라 매우 논란이 많은 화가였습니다. 그리고 19 세기 2/4 분기 러시아 회화의 주요 추세는 낭만주의 였지만 그럼에도 불구하고 예술가는 일부 고전주의 표준에 충실했습니다. 아마도 그래서 그의 작품이 높이 평가되는 것 같습니다.

Alexander Ivanov는 깊이있게 풍부하게 관리했습니다. 철학적 사고러시아어 뿐만 아니라 유럽 ​​회화 19세기. 그는 매우 넓은 창의성혁신가일 뿐만 아니라 역사적인 장르그리고 풍경화그러나 훌륭한 초상화가이기도 합니다. 그의 세대의 예술가 중 누구도 Ivanov와 같은 방식으로 주변 세계를 인식하는 방법을 몰랐고 다양한 기술을 소유하지 않았습니다.

러시아의 사실적인 그림 개발의 중요한 단계는 Pavel Fedotov의 이름과 관련이 있습니다. 이 작가는 풍자가의 재능을 가지고 있었기 때문에 일상적인 장르에 비판적인 표현을 할 수 있었던 최초의 작가였습니다. 그의 그림에 등장하는 인물은 대개 상인, 장교, 가난한 사람들 등 마을 사람들이었습니다.

19세기 후반

19세기 50년대 말, 러시아 사실주의 회화의 역사에서 완전히 새로운 장이 시작되었습니다. 이 사건에 대한 세계적인 영향은 패배였습니다. 짜르 러시아크림 전쟁에서. 민주화와 농민 개혁의 원인이었다. 1863년 14명의 예술가가 주어진 주제에 대한 그림을 그리라는 요구에 반기를 들었고 자신의 재량에 따라 작품을 만들고 싶어 Kramskoy가 이끄는 예술 작품을 만들었습니다. 19 세기 전반기 러시아의 사실주의가 사람의 유난히 아름다운 것을 드러내고 시적이라고 불렀다면 세기 후반에 그것을 대체 한 것을 비판적이라고 불렀습니다. 그러나 시적 시작은 이 흐름을 떠나지 않았다. 이제 그것은 자신의 작업에 투자 한 제작자의 분개 한 감정으로 나타납니다. 19 세기 후반 러시아 회화의 주요 경향은 비판과 비난의 길을 따라 행진하는 사실주의였습니다. 사실은 인정싸움이었다. 가정용 장르, 이는 러시아의 자연스러운 상황을 반영합니다.

70년대에는 회화의 방향이 다소 바뀌었다. 60년대의 예술가들은 농노 제도가 사라진 후 공동선이 시작된다는 믿음을 작품에 반영했습니다. 그리고 그들을 대신한 70년대는 개혁을 뒤따른 농민들의 불행에 환멸을 느꼈고, 이미 그들의 붓은 다가오는 새로운 미래를 향하고 있었다. 이를 대표하는 대표적인 인물 중 풍속화 Myasoedov, 그리고 그의 최고의 사진, 당시의 모든 현실을 반영하여 "Zemstvo가 점심을 먹고있다"라고 불 렸습니다.

80년대는 예술의 관심을 민중을 걱정하는 사람에서 민중 그 자체로 옮겼다. 이것은 I. Repin의 창의성의 전성기입니다. 이 작가의 모든 강점은 작품의 객관성에 있었다. 그의 그림의 모든 이미지는 매우 설득력이 있었습니다. 전선그의 캔버스는 혁명적 주제에 전념했습니다. 그의 예술을 통해 Repin은 그와 관련된 모든 질문과 일상 생활그 시대의. 동시에 다른 아티스트들도 과거에 같은 답을 찾고 있었다. 이것이 위대한 화가의 예술의 특질이자 강점이었습니다. 또 다른 유명한 예술가이 기간은 Vasnetsov였습니다. 그의 작업은 민속 예술. 그의 캔버스를 통해 Vasnetsov는 러시아 국민의 위대한 힘과 그 영웅적 위대함에 대한 아이디어를 전달하려고했습니다. 그의 작업의 기초는 전설과 전통이었습니다. 그의 작품에서 아티스트는 양식화 요소를 사용했을뿐만 아니라 이미지의 무결성을 달성했습니다. 그의 캔버스의 배경으로 Vasnetsov는 일반적으로 중앙 러시아의 풍경을 묘사했습니다.

90년대 컨셉에서 창조적 인 삶다시 변경됩니다. 이제 예술과 사회 사이에 세워진 다리는 무자비하게 파괴되어야 합니다. 예술 작품의 순수성, 즉 일상 생활과의 분리를 촉진하는 "예술의 세계"라는 이름으로 예술가 협회가 결성되었습니다. 이 협회의 일원이었던 예술가들의 창의적인 성격의 특징은 제한된 친밀감이었습니다. 적극적으로 개발 박물관 활동, 그의 주요 임무는 문화 기념물에 대한 관심을 불러 일으키는 것입니다. 그리하여 20세기 초까지 모든 더 많은 아티스트러시아의 역사적 과거를 캔버스에 전달하기 위해 노력합니다. "World of Art"협회의 인물들은 예술 발전에 특별한 역할을했습니다. 책 삽화, 연극 및 장식 예술. 중 하나 최고의 아티스트이 방향은 Somov로 간주되었습니다. 그는 그의 작품에 묘사된 적이 없다. 현대 생활. 극단적인 경우에는 역사적인 가장무도회를 통해 이를 전달할 수도 있다. World of Art에 이어 다른 협회가 형성되기 시작했습니다. 그들은 그림에 대해 다른 관점을 가진 예술가들에 의해 만들어졌습니다.

위 조합에서 창작자들의 작품을 비판한 거장들이 (반대하여) 조합을 만들었다. 파란 장미". 그들은 밝은 색의 그림으로의 복귀를 요구했고 예술은 예술가의 내면의 감정을 일방적으로만 전달해야 한다고 말했습니다. 이 인물 중 가장 재능있는 사람은 Sapunov였습니다.

Blue Rose에 도전하여 Jack of Diamonds라고 불리는 또 다른 조합이 곧 나타났습니다. 그것은 솔직히 반 시적 의미를 가졌습니다. 그러나 그의 지지자들은 현실로의 회귀를 전혀 원하지 않았다. 그들은 모든 종류의 왜곡과 부패를 (그들 자신의 방식으로) 적용했습니다. 따라서 이러한 모든 전쟁 동맹 덕분에 러시아 모더니즘이 발생합니다.

현대 트렌드

시간은 흐르고, 이전에 현대적이라고 여겨졌던 모든 것은 역사의 소유가 되며, 예술도 예외는 아니다. 오늘날 "현대 미술"이라는 용어는 창조된 모든 것에 적용됩니다. 창의적인 사람들천구백칠십년에 시작합니다. 회화의 새로운 트렌드는 두 단계로 발전했습니다. 전자는 모더니즘이고 후자는 포스트모더니즘이다. 20세기의 70년은 모든 예술의 전환점으로 간주됩니다. 올해부터 예술적 움직임은 사실상 분류할 수 없습니다. 절대적으로 확실하게 말할 수 있는 유일한 것은 지난 30년 동안 예술의 사회적 지향이 과거 어느 시대보다 훨씬 강렬하게 표현되었다는 것입니다. 동시에 현대 미술의 회화는 더 이상 선두 자리를 차지하지 않습니다. 점점 더 많은 예술가들이 자신의 아이디어와 아이디어를 실현하기 위해 컴퓨터 기술뿐만 아니라 사진으로 눈을 돌리고 있습니다.

회화의 다재다능한 경향에도 불구하고 우리는 19세기 예술 생활의 주된 임무는 모든 장르의 예술을 가능한 한 일상 생활에 가깝게 만드는 것이라고 말할 수 있습니다. 그리고 그것은 브러시 마스터의 호소를 통해 성공적으로 구현되었습니다. 현재 이슈인간성과 예술가 자신의 내면 세계. 이 시대 회화의 모든 방향을 통해 시대의 정신을 느끼고 당시 사람들이 살고 느꼈던 것을 알 수 있습니다.