세계 민족의 예술적 상징을 주제로 한 크로스워드. 세계 각국의 시적 상징
세계 사람들의 예술적 상징 - 그들은 무엇입니까? 낯선 나라에 도착했다고 상상해보십시오. 무엇에 주로 관심을 가질까요? 어떤 광경이 가장 먼저 보여질까요? 이 나라 사람들은 무엇을 숭배하고 믿습니까? 어떤 전설, 신화 및 전설이 전해지는가? 그들은 어떻게 춤추고 노래합니까? 그리고 많은 다른 사람들. 그리고 많은 다른 사람들.
이집트 - 피라미드 피라미드는 나일 강의 왼쪽 서쪽 기슭에 지어졌습니다. 죽은 자의 영역) 그리고 모든 것 위에 우뚝 솟은 죽음의 도시수많은 무덤, 피라미드, 사원. 이집트 피라미드, 이집트 파라오의 무덤. 그들 중 가장 큰 것은 고대 엘 기자의 Cheops, Khafre 및 Mikerin의 피라미드로 세계 7 대 불가사의 중 하나로 간주되었습니다. 그리스인과 로마인이 이미 이집트의 전체 국민을 무의미한 건설로 몰아 넣은 전례없는 왕의 자부심과 잔인함에 대한 기념비를 본 피라미드의 건설은 가장 중요한 컬트 행위였으며 분명히 다음과 같이 표현해야했습니다. 국가와 통치자의 신비로운 정체성.
Cheops의 세 피라미드 중 가장 큰 세 피라미드 중 가장 큰 것입니다. Cheops의 피라미드. 원래 높이는 147m, 높이는 원래 147m, 밑받침 옆면의 길이는 232m, 밑받침 옆면의 길이는 232m였다. 블록이 필요했고, 평균 체중그 중 2.5 톤 슬래브는 모르타르로 고정되지 않았으며 매우 정확한 맞춤 만 고정됩니다. 고대에 피라미드는 광택이 나는 흰색 석회암 석판으로 늘어서 있었고 그 꼭대기는 태양에 반짝이는 구리 석판으로 덮여있었습니다 (Cheops의 피라미드 만 석회암 안감을 보존했으며 아랍인은 다른 피라미드의 코팅을 건설에 사용했습니다. 카이로의 화이트 모스크). 건설을 위해 평균 무게가 2.5톤인 230만 개의 거대한 석재 블록이 필요했으며 석판은 박격포로 고정되지 않았으며 매우 정밀하게 고정됩니다. 고대에 피라미드는 광택이 나는 흰색 석회암 석판으로 늘어서 있었고 그 꼭대기는 태양에 반짝이는 구리 석판으로 덮여있었습니다 (Cheops의 피라미드 만 석회암 안감을 보존했으며 아랍인은 다른 피라미드의 코팅을 건설에 사용했습니다. 카이로의 화이트 모스크).
Khafre의 피라미드 근처에는 고대와 우리 시대의 가장 큰 동상 중 하나인 파라오 Khafre 자신의 초상화 특징이 있는 바위에서 조각된 거짓말하는 스핑크스의 모습이 있습니다. Khafre의 피라미드 근처에는 고대와 우리 시대의 가장 큰 동상 중 하나인 파라오 Khafre 자신의 초상화 특징이 있는 바위에서 조각된 거짓말하는 스핑크스의 모습이 있습니다. Khafre Khafre의 피라미드
미국 - 자유의 여신상 자유의 여신상 - 조감도 자유의 여신상은 뉴욕 항구의 리버티 섬에 위치한 거대한 조각품입니다. 오른손에 횃불을 들고 있는 여인상은 자유를 상징한다. 동상의 저자 프랑스 조각가 F. 바르톨디. 1876년 프랑스가 미국 독립 100주년을 맞아 미국에 기증한 동상이다.
일본 - 사쿠라 SAKURA, 체리의 일종(체리 톱니). 주로 관상용 식물로 자라며 재배된다. 극동(나무는 일본의 상징입니다). 꽃은 분홍색, 겹꽃, 잎은 봄에는 자주색, 여름에는 녹색 또는 주황색, 가을에는 자주색 또는 갈색입니다. 과일은 먹을 수 없습니다. 체리(체리 톱니)의 일종인 SAKURA. 주로 극동 지역에서 관상용 식물로 자라고 재배됩니다(나무는 일본의 상징입니다). 꽃은 분홍색, 겹꽃, 잎은 봄에는 자주색, 여름에는 녹색 또는 주황색, 가을에는 자주색 또는 갈색입니다. 과일은 먹을 수 없습니다.
사쿠라는 일본의 예술적 상징으로 간주됩니다. 사쿠라는 일본의 예술적 상징으로 간주됩니다. 아름다운 꽃들분홍색, 이중, 봄에는 보라색, 여름에는 녹색 또는 주황색, 가을에는 보라색 또는 갈색을 남깁니다. 아름다운 꽃은 분홍색, 이중, 잎은 봄에는 보라색, 여름에는 녹색 또는 주황색, 가을에는 보라색 또는 갈색입니다. 벚꽃 가지 아래에서 연인들은 소원을 빌고 키스를 합니다. 벚꽃 가지 아래에서 연인들은 소원을 빌고 키스를 합니다. 꽃이 만발한 벚꽃의 이미지는 일본의 민족 의상에도 사용됩니다. 꽃이 만발한 벚꽃의 이미지는 일본의 민족 의상에도 사용됩니다. 벚꽃은 사람과 같은 감정을 느낄 수 있는 생물입니다. 벚꽃은 사람과 같은 감정을 느낄 수 있는 생물입니다.
중국 - 중국의 만리장성 중국 북부의 요새 벽인 중국의 만리장성; 웅장한 건축 기념물 고대 중국. 만리장성(GREAT WALL OF CHINA), 중국 북부의 성벽; 고대 중국 건축의 웅장한 기념비. 일부 가정에 따르면 길이는 약 4,000km, 다른 가정에 따르면 6,000km 이상 10m 주로 기원전 3 세기에 지어졌습니다. 이자형. 그레이트의 완전히 복원된 섹션 중국 벽베이징 근처. 높이 6.6m, 일부 지역에서는 최대 10m 주로 기원전 3세기에 지어졌습니다. 이자형. 베이징 근처의 만리장성 일부가 완전히 복원되었습니다.
Novodevichy 수녀원 미래 차르 이반 4 세의 탄생을 기리기 위해 1532 년 모스크바 근처의 Kolomenskoye에서 모스크바 강의 가파른 가파른 강둑에 승천 교회가 세워졌습니다. 그것의 구조는 동적으로 위로 향하는 새로운 중심 돌기둥 사원의 모습을 나타냅니다. 인근 Dyakovo 마을에는 특이한 건축물로 구별되는 세례 요한 참수 교회가 세워졌습니다. 상속인 인 미래 차르 이반 4 세의 탄생을 기리기 위해 1532 년 모스크바 근처의 콜 로멘스 코예, 모스크바 강 높은 가파른 둑에 승천 교회가 세워졌습니다. 그것의 구조는 동적으로 위로 향하는 새로운 중심 돌기둥 사원의 모습을 나타냅니다. 인근 Dyakovo 마을에는 특이한 건축물로 구별되는 세례 요한 참수 교회가 세워졌습니다. 사건은 성 바실리 성당으로 더 잘 알려진 해자 위의 붉은 광장 남쪽에 중보기도 성당을 짓는 것이었습니다. 사건은 성 바실리 성당으로 더 잘 알려진 해자 위의 붉은 광장 남쪽에 중보기도 성당을 짓는 것이었습니다.
성 바실리 대성당 모스크바에서 가장 유명한 교회 중 하나이며 성모 중보 축제에서 카잔 칸국에 대한 승리를 기리기 위해 Pokrovsky 대성당이라는 이름으로 지어졌습니다. 그 후 축복받은 성 바실리 교회는 성전 전체에 이름을 붙였습니다. 잡색의 채색은 후기(17세기)의 취향을 반영합니다. 사원은 원래 빨간색으로 칠해져 있었고 흰색 페인트. 중보 대성당은 크렘린 성벽 밖에 세워진 최초의 도시 전체 대성당으로 생각되었으며 차르와 국민의 단합을 상징하기로 되어 있었습니다. 모스크바에서 가장 유명한 교회 중 하나는 성모 중보 축제에서 카잔 칸국에 대한 승리를 기리기 위해 Pokrovsky 대성당의 이름으로 지어졌습니다. 그 후 축복받은 성 바실리 교회는 성전 전체에 이름을 붙였습니다. 잡색의 채색은 후기(17세기)의 취향을 반영합니다. 사원은 원래 빨간색과 흰색으로 칠해졌습니다. 중보 대성당은 크렘린 성벽 밖에 세워진 최초의 도시 전체 대성당으로 생각되었으며 차르와 국민의 단합을 상징하기로 되어 있었습니다.
모스크바 크렘린의 Spasskaya Tower 모스크바의 오래된 부분에는 방사형 원형 레이아웃이 있습니다. 모스크바의 역사적 핵심은 모스크바 크렘린의 앙상블이며 그 옆에는 붉은 광장이 있습니다. 모스크바의 오래된 부분에는 방사형 원형 레이아웃이 있습니다. 모스크바의 역사적 핵심은 모스크바 크렘린의 앙상블이며 그 옆에는 붉은 광장이 있습니다.
종탑 "이반 대왕" 중요한 사건 18개의 탑 중 6개에 지어진 크렘린의 새로운 벽돌 벽과 탑의 건설은 통로 문이었습니다. 크렘린은 가장 강력한 유럽 요새 중 하나로 변모했습니다. 중요한 사건은 크렘린의 새로운 벽돌 벽과 탑을 세우는 것이었습니다. 이 탑은 18개의 탑 중 통로 문이 있는 탑 중 6개에 지어졌습니다. 크렘린은 가장 강력한 유럽 요새 중 하나로 변모했습니다.
250개 이상의 국가, 수천 개의 국적, 민족, 크고 작은 사람들이 지구상에 존재하고 서로 상호 작용합니다. 그리고 그들 각각은 수세기에 걸쳐 형성된 고유한 특징, 관습 및 전통을 가지고 있습니다. 캐릭터 특성. 또한 있습니다 예술적 기호존재, 종교, 철학 및 기타 지식과 개념에 대한 생각을 반영하는 세계의 사람들. 안에 다른 나라그들은 서로 다르며 행성의 특정 부분에 내재 된 독창성과 독창성을 가지고 있습니다. 그들은 국가권력에 직접적으로 의존하지 않고 때로는 권력과 통치자가 바뀌는 과정에서 인민 스스로 형성되기도 한다. 일반적으로 받아 들여지는 단어의 의미에서 세계 민족의 예술적 상징은 무엇입니까?
상징
대략적으로 말하면 상징은 비대해진 기호입니다. 즉, 일반적으로 개체, 동물, 식물 또는 개념, 품질, 현상, 아이디어의 도식적이고 조건적인 이미지입니다. 그것은 신성한 맥락, 규범성의 순간, 사회적 또는 종교적-신비적 영성과는 이미지로 표현됩니다(일반적으로 개략적으로 단순화됨).
세계 민족의 예술적 상징
아마 나라마다 고유한 인간이 만든 기적"인간이 만들었다. 물론 원래의 예술적 상징으로 간주되었던 "일곱 기적"이 옛날에 뽑힌 것은 헛되지 않았습니다 (첫 번째 목록은 기원전 5 세기에 Herodotus에 의해 접혔습니다). 새로운 시대- 세 가지 기적만 있었습니다.) 여기에는 바빌론의 정원, 제우스 동상 등이 포함되었습니다. 목록은 수세기에 걸쳐 다양했습니다. 일부 이름은 추가되었고 다른 이름은 사라졌습니다. 세계 민족의 많은 예술적 상징은 오늘날까지 살아남지 못했습니다. 결국, 사실, 다양한 민족들 사이에는 헤아릴 수 없는 숫자가 항상 있었습니다. 숫자 7만이 신성하고 마법적인 것으로 여겨졌습니다. 글쎄, 시간은 오늘날 세계 민족의 몇 가지 상징만을 보존했습니다.
주제: 전 세계 사람들의 예술적 상징.표적: 학생들에게 세계 민족의 예술적 상징을 소개하기 위해,시, 그림 및 음악에서 러시아 자작나무 이미지의 의미를 밝힙니다.
작업: 미적 감각의 발달과 창의성;
세계 민족의 상징에 관한 지식 형성;
학생들이 정보를 선택하는 기술 습득, 주요 중요 사항을 강조하고 독립적인 작업에서 창의적으로 제시하는 능력.
계획된 학습 결과 :
개인의: 새로운 자료를 배우는 데 관심을 보입니다. 인지 활동; 그들의 관심사와 목표, 감정을 알고 적절하게 표현합니다. 다른 사람의 감정 상태를 이해합니다. 서로 양보하다 다른 상황그들의 행동에 대해 비판적으로 반성하십시오.
주제: 배울 것이다 설치하다건축 기념물, 음악 작품, 시각 예술그리고 문학.
메타 주제: 배울 것이다 에서 목적과 문제를 정의 학습 활동; 집단 의사 소통 규범을 준수합니다. 학습 상황에서 계획 활동; 예술적 과장의 문제, 목표 달성 방법을 결정합니다. 토론을 수행하고, 질문하고, 논쟁하고, 자신의 의견을 방어하고, 정보로 작업하는 능력을 개발합니다. 체계화, 구조화; 계획에 따라 일하십시오.
수업 중:
주제에 대한 학생들의 지식 업데이트:
설마
A) 소설 "인생과 놀라운 모험로빈슨 크루소"라고 썼다. 영국 작가 D. 데포? (예).
B) 고대 그리스어에서 "문명"이라는 단어는 "시민, 공공, 국가"처럼 들립니까? (아니오, 라틴어 및 기타 로마인에서).
C) 문명 - 물질의 수준과 영적 발전사회(예).
D) 문화는 "컬트"라는 단어와 관련이 있으며 경건, 숭배를 의미합니다(예).
E) Ozhegov의 사전에서 "문화"라는 단어는 처리, 관리, 재배"및 "정신 및 도덕 교육"(아니요, V. Dahl의 사전에서)의 의미를 갖습니다.
E) "문명"의 개념은 "문화"의 개념보다 넓습니다 (예)
G) 문화는 일시적인 개념이고 문명은 보편적이다(아니, 반대로)
H) 우리는 교양 있는 사람을 사회에서 받아들여지는 사고와 행동의 규범에 따라 행동하는 사람이라고 부릅니다. (예)
나) 이미지 교양있는 사람고대시대에도 피타고라스를 재현하려 했다(아니, 플라톤)
K) 공자는 일본 사상가인가? (아니, 중국어)
L) 화가 Hieronymus Bosch는 15세기 네덜란드에 살았나요? (예)
III . 공부하는 새로운 주제:
자작 나무가없는 러시아는 상상할 수 없습니다.
그녀는 슬라브어로 너무 밝습니다.
아마도 수세기 동안 다른
자작 나무에서-모든 Rus가 태어났습니다.
올렉 셰스틴스키
공과의 주제와 목표 발표. 이 말씀이 무엇에 관한 것인지 누가 말할 수 있겠습니까? 러시아인에게 자작 나무는 무엇입니까? 오늘 수업에서 우리는 조금 할 것입니다 전 세계 여행세계 사람들의 예술적 상징에 대해 알아보고 "자작 나무 옥양목의 나라"를 산책하고 물론 어린 시절부터 우리에게 친숙한 토착 지역으로 뛰어 드십시오.
2. 새로운 자료 학습 .
선생님: 지구상에는 250개 이상의 국가가 있으며 수천 명의 다른 민족이 살고 있습니다.각각 고유의 전통과 특성이 있습니다.이러한 조합을 한 번 이상 들었을 것입니다.: "독일의 깔끔함", "프랑스의 용감함","아프리카 기질", "차가움 englichan', '이탈리아인의 성미 급함', '조지아인의 환대' 등그들 각각 뒤에는 수년에 걸쳐 특정 사람들 사이에서 발전한 특성과 기능이 있습니다.
음, 안으로 예술 문화? 비슷한게 있나요안정적인 이미지와 특성? 의심할 여지 없이. 모든 국가에는 자체 시뮬레이션이 있습니다.세계에 대한 예술적 아이디어를 반영하는 황소.
낯선 나라에 도착했다고 상상해보십시오. 무엇보다 먼저,관심 있어? 물론 여기에서 사용되는 언어는 무엇입니까? 어떤 광경이 가장 먼저 보여질까요? 그들은 무엇을 숭배하고 무엇을 믿습니까? 어떤 전설, 신화 및 전설이 전해지는가? 그들이 춤추는 방법그리고 노래? 그리고 많은 다른 사람들.
예를 들어 이집트를 방문하면 무엇을 보게 될까요?
학생: 디세계의 불가사의 중 하나로 간주되고 오랫동안 된 고대 피라미드이 나라의 예술적 상징.
학생: 바위가 많은 고원에서4000년이 넘도록 모래 위에 선명한 그림자를 드리운 사막3 거대한 비용 기하학체- 완벽하게 정확사면체 피라미드, 파라오 Cheops, Khafre 및 Mi의 무덤케린. 그들의 원래 안감은 오랫동안 잃어 버렸고 약탈당했습니다.석관이 있는 조정실이지만 시간도 사람도 이상적으로 안정된 모양을 깨뜨릴 수 없습니다. 일의 배경에 피라미드의 삼각형영원을 일깨워주는 푸른 하늘은 어디에서나 볼 수 있습니다.
선생님: 파리와의 만남이 있다면 역시 유명해진 유명한 에펠탑 정상에 꼭 오르고 싶을 것이다.이 놀라운 도시의 상징. 그녀에 대해 무엇을 알고 있습니까?
학생: 1889년 건축세계 박람회의 장식으로 처음에는 파리지앵들의 분노와 분노를 불러 일으켰습니다. 서로 경쟁하는 동시대 사람들은 외쳤다.
“우리는 산업 기물 파손을 미화하기 위해 세워진 이 우스꽝스럽고 어지러운 공장 굴뚝에 대해 볼트로 고정된 철판 기둥에 대해 항의하고 있습니다. 파리 한복판에 이 쓸모없고 괴물 같은 에펠탑을 건설한 것은 욕설에 지나지 않는다..."
흥미롭게도 이 시위는 유명한 인물문화: 작곡가 Charles Gounod, 작가 Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... 시인 Paul Verlaine은 이 "골격 탑이 오래 가지 않을 것"이라고 말했지만 그의 우울한 예측은 이루어질 운명이 아니었습니다. 에펠탑은 여전히 서 있으며 공학의 경이로움입니다.
학생: 그 당시 그것은 세계에서 가장 높은 건물이었고 높이는 320m였습니다! 타워의 기술 데이터는 오늘날에도 놀랍습니다. 200만 개가 넘는 리벳으로 연결된 15,000개의 금속 부품이 일종의 "철 레이스"를 형성합니다. 7,000톤이 4개의 기둥 위에 놓여 있고 사람이 의자에 앉아 있는 것보다 더 이상 땅에 압력을 가하지 않습니다. 그녀는 한 번 이상 철거될 예정이었고, 그녀는 자랑스럽게 파리 위로 우뚝 솟아 있어 조감도에서 도시의 광경을 감상할 수 있는 기회를 제공합니다...
선생님: 그리고 미국, 중국, 러시아의 예술적 상징은 무엇입니까?
학생: 미국 자유의 여신상, 제국의 궁전중국의 "자금성", 러시아의 크렘린.
선생님 : 그러나 많은 사람들은 그들만의 특별하고 시적인 상징을 가지고 있습니다. 그들 중 하나에 대해 알려주시겠습니까?
학생: 작은 체리의 기이하게 구부러진 가지 - 사쿠라 - 일본의 시적 상징.
묻는다면:
영혼이란 무엇인가
일본의 섬?
산 체리의 향기에
새벽.
Norinaga (V. Sanovich 번역)
선생님 : 뭐가 그렇게 매력적이야 벚꽃일본어? 아마도,아직 녹지로 덮을 시간이 없었던 맨 가지에 흰색과 옅은 분홍색의 벚꽃 꽃잎이 풍부합니까?
꽃의 아름다움은 너무 빨리 시들었습니다!
그리고 젊음의 아름다움은 너무나 덧없었습니다!
헛되이 지나간 인생...
긴 비를 바라보며
그리고 저는 생각합니다. 세상에서와 같이 모든 것이 영원하지 않습니다!
Komachi (A. Gluskina 번역)
학생 : 시인은 무상의 아름다움, 삶의 연약함과 덧없음에 매력을 느낍니다. 벚꽃은 빨리 피고 젊음은 덧없다.
선생님 : 어느 예술적 기법저자는 사용합니까?
학생: 의인. 시인에게 벚꽃은 사람과 같은 감정을 경험할 수 있는 살아있는 존재이다.
선생님:
봄 안개야, 왜 숨었니
지금 흩날리는 벚꽃
산의 경사면에서?
빛은 우리에게 소중할 뿐만 아니라, -
그리고 희미해지는 순간은 감탄할 만하다!
Tsurayuki (V. Markova 번역)
선생님 : 주석 라인.
학생: 벚꽃잎은 절대 시들지 않습니다. 즐겁게 회전하면서 그들은 날아갑니다바람의 작은 숨결로부터 지구를 덮고 그들이 전에 지구를 덮으십시오.꽃으로 시들었다. 순간 자체가 중요합니다. 개화의 취약성입니다. 이름그러나 이것이 아름다움의 원천입니다.
선생님: 흰색 트렁크는 러시아의 예술적 시적 상징이되었습니다.자작나무
나는 러시아 자작 나무를 사랑
밝거나 슬프거나
표백된 사라판에서,
주머니에 손수건으로
아름다운 걸쇠로
녹색 귀걸이.
나는 그녀의 우아한 사랑
그 맑은, 끓는,
그 슬픈, 울고.
나는 러시아 자작나무를 좋아합니다.
바람에 낮게 구부러진
구부러지지만 부러지지 않습니다!
A. 프로코피예프.
선생님 : 이미 성인이 된 Igor Grabar는 다음과 같이 말했습니다. 환상적이고 초자연적인 나무, 동화 속 나무. 나는 열정적으로 러시아 자작 나무와 사랑에 빠졌고 오랫동안 거의 혼자서 칠했습니다.
선생님: 조국의 주제는 자작 나무의 이미지와 밀접하게 얽혀 있습니다. Yesenin의 각 라인은 러시아에 대한 무한한 사랑의 느낌으로 따뜻해집니다.
자작나무
내 창 아래.
눈으로 덮여,
정확히은입니다.
푹신한 가지에
눈 테두리
브러쉬 꽃
흰색 프린지.
그리고 자작 나무가 있습니다
졸린 침묵 속에서
그리고 눈송이가 불타고 있습니다.
황금빛 불 속에서
새벽, 게으른
걸어 다니며,
소나기 가지
새로운 은. 1913년
선생님 . 자작나무는 우리뿐 아니라 외국인의 영혼까지 감동시킨다. 모스크바를 방문한 후, 유명한 축구 선수인 펠레에게 러시아에서 무엇이 그를 더 좋아하고 감동시켰는지 물었습니다. 그는 "Birches"라고 대답했습니다.
선생님: 수백 년이 흘렀지만 자작나무는 우리의 불멸의 강력한 조국을 상징할 것입니다.
이제 우리 조국의 예술적 상징을 살펴보겠습니다.
바르나 지역의 상징은 무엇이라고 생각하십니까? 맞습니다, Tamerlane의 탑입니다.
학생. 영묘는 바르나 지구 중심에서 멀지 않은 마른 호수 근처의 언덕에 지어졌습니다.
탑은 14세기에 지어졌습니다. 그것은 초기 이슬람 건축의 드문 예입니다. 남부 우랄. Kesene 외에도 Bashkiria에는 Turakhan과 Hussein-Bek의 영묘와 유사한 영묘가 알려져 있습니다. 영묘 주변에는 수백 개의 작은 언덕이 있습니다.
영묘 자체의 건물은 해자와 성벽으로 둘러싸인 직사각형 지역에 있습니다. 그것은 평평한 정사각형 구운 벽돌로 지어졌으며 12면 프리즘에 장착 된 12면 피라미드 형태를 가지고 있습니다. 프리즘은 낮은 실린더에 놓여 있습니다. 아래는 입방 영묘의 본관입니다. 남쪽 입구는 포털로 장식되어 있습니다.
IV . 기본 이해 및 통합
질문 상자.
사람들은 수업 주제 (8-10)에 대한 질문을 종이에 쓰고 반복이 없도록 큰 소리로 읽고 종이를 접어 상자에 넣습니다. 아이들은 나가서 보지 않고 종이 한 장을 들고 질문을 읽고 답을 말합니다. 수업에 도움이 될 수 있습니다.
V . 요약. 반사
테이블을 채우십시오.
VI . 숙제 - 전 세계 사람들의 예술적 이미지에 대한 메시지를 작성하십시오.
본질적인 다양성 또는 의미론적 수정, 예술적 이미지, 뿐만 아니라 그 영적 핵심은 예술 상징,중요한 범주 중 하나의 미학에서 행동합니다. 이미지 내부에서 분석 수준에서 분리하기 어려운 필수 구성 요소입니다. 직립받는 사람의 정신 영적 현실,예술 작품 자체에 포함되어 있지 않습니다. 예를 들어, 이미 언급한 반 고흐의 "해바라기"에서 실제 예술적 이미지는 주로 도자기 주전자에 담긴 해바라기 꽃다발의 시각적 이미지를 중심으로 형성되며 대부분의 시청자에게는 이것으로 제한될 수 있습니다. 예술적이고 미학적 감수성이 고조된 수령인의 더 깊은 수준의 예술적 인식에서 이 기본 이미지는 언어적 설명을 절대적으로 거부하는 예술적 상징으로 펼쳐지기 시작하지만 보는 사람의 정신이 다른 현실로 향하는 문을 여는 사람은 바로 그 사람입니다. 충분히깨닫는 미적 이벤트이 사진의. 이미지의 깊은 완성으로서의 상징, 본질적인 예술적 및 미학적 (비언어적!) 내용은 작품의 높은 예술적 및 미학적 중요성, 그것을 만든 주인의 높은 재능 또는 천재성을 증명합니다. 일반적으로 평균적인 (좋은) 수준의 수많은 예술 작품에는 예술적 이미지 만 있지만 상징은 없습니다. 받는 사람을 데려오지 않습니다. 더 높은 수준영적 현실이지만 수용자의 정신의 정서적-심리적, 심지어 생리적 수준으로 제한됩니다. 현실적이고 자연주의적인 경향, 코미디, 오페레타, 모든 대중 예술의 거의 대부분의 작품이 이 수준에 있습니다. 예술적 이미지가 있지만 예술적 상징이 없습니다. 에 대해서만 일반적입니다. 높은모든 종류의 예술과 신성한 컬트예술적 수준이 높은 작품.
이와 함께 세계 예술에는 모든 종류의 예술 작품이 있습니다 (때로는 거대한 시대 전체-예를 들어 예술 고대 이집트) 예술적 이미지가 실질적으로 상징적 이미지로 축소됩니다. 그러한 예술의 절대적인 예는 고딕 건축, 비잔틴-러시아 상전성기 (Rus의 경우 XIV-XV 세기) 또는 Bach의 음악. 다른 많은 특정 예술 작품은 거의 모든 유형과 역사 기간에서 인용할 수 있습니다. 상징적인 작품,또는 예술적 상징. 여기서 그것은 구체적으로 디자인된 감각적으로 인식된 현실이며, 이미지보다 더 지시적이며, 받는 사람이 비실용적이고 영적으로 능동적인 작업을 관조하는 과정에서 영적 현실을 참조합니다. 상징과의 미학적 소통 과정에서 미적 존재-의식이라는 독특한 초밀도 조형적-의미적 실체가 발생하는데, 이는 또 다른 현실, 전체론적 영적 우주, 근본적으로 비언어적인 다중 세계로 전개하려는 의도를 가지고 있다. 레벨 의미 론적 공간, 각 수신자에 대한 자체 의미 필드, 그에게 미적 즐거움, 영적 기쁨, 이 필드와 깊이 병합되지 않은 느낌에서 오는 즐거움, 개인적인 자기 인식 및 지적 거리를 유지하면서 용해되는 몰입 .
예술적-기호학 분야에서 상징은 예술적 이미지와 기호 사이의 어딘가에 있습니다. 이들의 차이는 동형사상의 정도와 의미론적 자유도에서 관찰된다. 다양한 수준영적 및 미적 에너지 수준에서 수신자의 인식. 동형의 정도는 주로 외형상응하는 의미 론적 구조와 모방에서 감소합니다 (용어의 좁은 의미에서 의태)예술적 이미지 (여기에 도달 상한라고 하는 것에서 유사성)일반적으로 기의와 관련하여 일반적으로 동형이 결여된 관습적인 기호에 대한 예술적 기호를 통해. 의미론적 자유도는 기호에 대해 가장 높으며, 대체로 특정 "아이디어"의 "정체성"(Schelling), "균형"(Losev) 및 기호의 외부 "이미지"에 의해 결정됩니다. 기호와 예술적 이미지에서는 기호에서 (= 철학적 기호 및 예술 수준에서 기능 측면에서 기호와 동일하기 때문에 더 낮습니다. 알레고리)본질적으로 이미지보다 우세한 추상적 아이디어에 의해 제한되며 예술적 이미지에서도 그 반대입니다. 다시 말해 기호(알레고리와 같음)에서 이성적 관념과 (고전적) 예술의 이미지에서 원형과 충분히 높은 정도의 동형은 예술적 기호와 비교하여 이러한 기호학적 구성의 의미론적 자유를 제한합니다.
따라서 그들은 다양한 수준의 인식을 지향합니다. 기호 (우화)-순전히 이성적, 예술적 이미지 및 상징-영적 및 미적. 이 경우 심볼(이미지의 경우와 같이 모든 곳에, 우리 대화하는 중이 야영형 예술적상징)은 훨씬 더 넓고 다양한 예술 및 의미 분야의 이미지보다 영적 현실의 최고 수준에 더 예리하게 초점을 맞춥니다. 마지막으로 상징의 영적-미적(명상적) 에너지 수준은 이미지보다 높다. 그는 쌓이는 것 같다 신화 에너지,일반적으로 작동하는 발산 중 하나입니다. 이 상징은 우리가 이미 반복적으로 보았고 여기에서 다룰 상징주의 이론가와 20세기 초 러시아 종교 사상가들이 그들의 텍스트에서 잘 느끼고 표현한 영적 및 미학적 감수성이 증가한 수신자를 위한 것입니다. .
상징은 그 자체로 접힌 형태로 포함되어 있으며 그 자체로 다른 형태와 세계와의 의사 소통 방법이 접근 할 수없는 무언가를 의식에 드러냅니다. 그러므로 그것은 결코 이성의 개념이나 형식화의 다른(그 자체가 아닌) 방법으로 환원될 수 없습니다. 상징의 의미는 그 형태와 분리할 수 없으며, 그 안에만 존재하고, 그것을 통해 빛나고, 그것으로부터 전개됩니다. 또는 A.F. Losev, “여기에서 기표와 기의는 상호 가역적입니다. 아이디어는 구체적이고 감각적으로 제공되며 시각적으로 이미지에 없는 것이 없으며 그 반대도 마찬가지입니다.
예술적 상징이 의미론적 차원에서 철학적 상징(=기호)과 다르다면 그것은 문화적, 신화적, 종교적 상징과 본질적으로 또는 실질적으로 어느 정도 다르다. 예술적 또는 미적 상징은 영적 및 미적 경험 수준, 미적 의식(즉, 의미론적 수준)에서 신과 인간, 진리와 외모(외관), 아이디어와 현상 사이의 역동적이고 창의적인 중재자입니다. 예술적 상징에 비추어 볼 때, 전체론적 영적 세계는 의식에 열려 있으며, 탐색되지 않고, 드러나지 않고, 발음할 수 없고, 다른 방식으로 설명되지 않습니다.
차례로, 종교-신화적 상징(또는 일반 문화, 원형)은 추가로 상당한아니면 적어도 에너지상징하는 것과 공통점이 있습니다. 기독교 사상은 교부 시대부터 그러한 상징에 대한 이해의 본질에 접근했지만 가장 명확하게 표현되고 공식화 된 것은 Fr. 파벨 플로렌스키,한편으로는 애국자의 경험과 그의 동시대 상징 주의자, 특히 그의 교사 Vyach의 이론에 의존합니다. 반면 이바노바.
그는 "이름-이름, 상징-상징화, 이미지-묘사 된 것의 현실"이라고 확신했습니다. 현재의,그리고 그것은 기호 때문입니다 있다 277. "철학적 전제로서의 Imeslavie"라는 작품에서 Florensky는 상징의 이중성을 보여주는 가장 방대한 정의 중 하나를 제시했습니다. "그 자체보다 더 큰 존재는 상징의 기본 정의입니다. A 상징은 그 자체가 아닌 것, 그것보다 더 크지만 본질적으로 상징을 통해 나타나는 것입니다. 우리는 다음과 같은 공식적인 정의를 밝힙니다. 이 점에서 더 가치 있는 어떤 다른 실체의 에너지는 이런 식으로 후자를 자체적으로 운반합니다.
Florensky에 따르면 기본적으로 상징 이율배반,저것들. 1차원적 담론적 사고의 관점에서 서로 배타적인 것들을 통합한다. 따라서 현대 유럽 문화를 가진 사람이 그 성격을 이해하기 어렵습니다. 그러나 고대인의 사고에서 상징은 종종 이러한 사고의 주요 요소가 되었기 때문에 어떤 어려움도 나타내지 않았습니다. 현재 은유로 인식되는 민속시와 고대시에서 자연의 의인화는 결코 그런 것이 아닙니다.-Florensky는 믿었습니다. 기호위의 의미에서 "스타일의 장식 및 조미료"가 아니라 수사적 인물이 아닙니다. "... 고대 시인에게 요소의 삶은 스타일의 현상이 아니라 비즈니스와 같은 본질의 표현이었습니다." 현대 시인의 경우 특별한 영감의 순간에만“이 깊은 영적 삶의 층은 그들에게 이질적인 우리 시대 세계관의 껍질을 뚫고 시인은 이해할 수없는 삶에 대해 이해할 수있는 언어로 우리에게 말합니다. 우리 영혼의 모든 피조물과 함께 우리에게” 279.
Fr.의 이해에서 상징. Paul은 "수용성의 두 가지 임계 값"을 가지고 있습니다. 상한과 하한은 여전히 상징으로 남아 있습니다. 상단은 상징이 원형과 완전히 동일시될 때 "자연주의"로부터 "물질의 자연적 신비주의의 과장"으로부터 상징을 보호합니다. 고대는 종종 이 극단에 빠졌습니다. 뉴에이지의 특징은 하한선을 넘어 상징과 원형 사이의 주체적 연결이 끊어지면 공통된 물질-에너지가 무시되고 상징은 원형의 기호로만 인식되고 원형으로 인식되지 않는다는 점입니다. 물질 에너지 운반체.
Florensky는 상징이 "가장 깊은 본질 밖의 현상", 본질 자체의 발견, 외부 환경. 예를 들어, 의복이 신체의 상징으로 작용하는 것은 신성하고 세속적인 상징주의에서 이런 의미입니다. 플로렌스키와 고대 교부들에 따르면 예술에서 그러한 상징의 궁극적인 표현은 상원형의 에너지가 부여 된 이상적인 성례의 예술적 현상으로.
예술적 상징을 이해하기 위한 철학적 탐색의 영역에서의 결과는 많은 작품으로 요약된다. AF 로세프,자신을 고려한 Florensky처럼 상징주의자.예술적 형식의 변증법에서 그는 우리가 본 것처럼 원초적 존재에서 아이도스 – 신화 – 상징 – 성격등. 따라서 초기 Losev의 상징은 발산으로 나타납니다. 표현,신화. "드디어 밑에 상징그 쪽도 이해해 신화,특별히 나타내는. 상징은 신화의 의미론적 표현력,또는 신화의 외면"280. 상징의 도움으로 처음으로 본질적인 표현은 외부 표현의 수준에 도달합니다. 의식의 기초이자 깊은 삶인 신화는 상징 외부에서 자신을 드러내고 실제로 그것을 구성합니다 (상징) 중요한 기초, 그 의미, 본질. Losev는 이러한 신화와 상징의 변증법을 깊이 느끼고 언어 적 수준에서 가능한 한 정확하게 수정하려고합니다. “그 상징은 신화의 에이도스이고, 신화는 에이도스와 같은 삶의 얼굴이다. 신화는 상징의 내적 생명이며, 상징의 얼굴과 외형을 낳는 생명의 요소이다. 따라서 신화에서 본질적인 의미 또는 eidos는 "생명의 요소"에서 깊은 구체화를 발견했으며 상징에서 외부를 획득했습니다. 표현,저것들. 에 실제로 등장 예술적 현실.
Losev는 평생 동안 상징의 문제를 다루었습니다. 그의 후기 작품 중 하나인 The Problem of the Symbol and Realist Art(1976)에서 그는 자신의 연구를 다음과 같이 요약했습니다.
"1) 사물의 상징은 참으로 사물의 의미이다. 그러나 이것은 사물을 모형적으로 구성하고 생성하는 그런 의미이다. 반성, 또는 사물의 상징이 사물 자체를 낳는다는 사실에 대해 그리고 두 경우 모두 상징의 특수성이 상실되고 사물과의 관계가 형이상학적 이원론 또는 논리주의의 스타일로 해석됩니다. 사물의 상징은 그것의 반영이지만 수동적이지 않고 죽은 것이 아니라 그 자체로 힘과 힘을 지니고 있는 것입니다. 모든 것이 무작위적이고 중요하지 않으며 사물의 감각적 표면뿐만 아니라 내부 법칙을 반영합니다. 이런 의미에서 사물의 상징이 사물을 일으킨다는 것을 이해해야 합니다. 이 경우 "생성하다"는 의미는 "이해하다" 같은 객관적인 것, 그러나 내부 규칙성, 무작위 더미의 혼돈이 아닙니다." 탄생은 사물 자체의 깊고 규칙적인 기반으로의 침투일 뿐이며, 감각적 반영으로 표현되며 매우 모호하고 무한하며 혼란스러울 뿐입니다.
2) 사물의 상징은 그것의 일반화이다. 그러나이 일반화는 죽은 것이 아니고 비어 있지도 않고 추상적이지 않고 무익하지도 않지만 의미 론적 규칙 성을 도입하여 일반화 된 것으로 돌아가도록 허용하거나 명령하는 것입니다. 즉 기호에 존재하는 일반성, 함축성은 무한하더라도 이미 상징화된 모든 것을 포함하고 있다.
3) 사물의 상징은 그것의 법칙이지만 사물의 경험적 구체성은 그대로 두고 의미론적으로 사물을 생성하는 법칙이다.
4) 사물의 상징은 사물의 규칙적인 순서이지만 다음과 같은 형식으로 주어진다. 일반 원칙생성 모델 형태의 의미론적 구성.
5) 사물의 상징은 그 내외적 표현이지만 사물의 일반적인 구성 원리에 따라 디자인된다.
6) 사물의 상징은 그것의 구조이지만, 고독하거나 고립된 것이 아니라, 이 구조의 상응하는 개별 표현의 유한하거나 무한한 시리즈로 충전됩니다.
7) 사물의 상징은 그것의 기호이지만, 죽고 움직이지 않는 것이 아니라 그것에 의해 지정된 수많은 규칙적이고 단일한 구조를 낳는다. 일반적인 견해추상적으로 주어진 이념적 이미지로.
8) 사물의 상징은 그것의 기호이며, 여기에 지정된 특이점의 즉각적인 내용과 공통점이 없지만, 이렇게 구별되고 반대되는 지정된 특이점은 여기에서 단일 구성 요소로 만드는 일반적인 구성 원칙에 의해 결정됩니다. 분할된 전체성, 특정 방식으로 지시됨.
9) 사물의 상징은 동일성, 기의된 사물과 그것을 의미하는 이데올로기적 이미지의 상호 침투이지만, 이 상징적 정체성은 그것을 생성하고 그것을 자연적으로 얻은 다양한 특이점의 유한 또는 무한 계열로, 특정 공통점에서와 같이 그것들을 발생시킨 원리 또는 모델의 일반적인 정체성으로 병합됩니다. 한계 ". 282
미적 사상의 역사에서 상징의 고전적 개념은 위에서 논의한 바와 같이 19세기 말과 20세기 초의 상징주의자들에 의해 가장 완전하게 발전되었습니다. 20세기에 상징의 개념은 해석학적 미학에서 두드러진 위치를 차지한다. 특히, G.G. 가다머기호가 어느 정도 동일하다고 믿었습니다. 게임;그것은 많은 상징가들이 믿었던 것처럼 지각자를 다른 것으로 언급하지 않지만 그 자체로 그 의미를 구현하고 그것을 기반으로 한 예술 작품처럼 그 의미를 나타냅니다. "존재의 증가"입니다. 따라서 Gadamer는 상징에 대한 전통적인 고전적 이해의 파괴를 표시하고 포스트모더니즘의 미학과 20세기 후반의 많은 예술 관행이 기반이 될 의미론적 변형에 대한 새로운 비고전적 접근 방식을 설명합니다.
비고전적 미학에서 예술의 전통적인 범주는 영상그리고 상징종종 개념으로 대체되고 대체됩니다. 가짜- 원형, 원형이 없는 "likeness". 포스트모던 지향의 일부 사상가들은 상징과 상징의 개념을 유지하지만 비전통적 내용을 가진 구조적 정신분석 이론의 정신으로 채워져 있다. 특히, J. 라캉존재와 의식과 관련하여 상징적 인 것을 기본 보편자로 이해하고 상징적 언어의 전체 의미 론적 우주를 생성하고 인간의 지각에 접근 할 수있는 유일한 실재로 생성하며 이름을 지정하는 행위로 사람 자신을 생성합니다.
정경
이미지보다 예술적 상징이 지배적이었던 예술의 여러 시대와 경향에서 창작 과정에서 중요한 역할은 규범적 예술적 사고, 창의성의 규범화, 시각적 및 표현적 수단 시스템의 규범화에 의해 수행되었습니다. 그리고 원칙. 따라서 우선 내재적 미학의 차원에서 정경고전 미학의 필수 범주 중 하나가 되어 예술사에서 전체 현상을 정의했습니다. 일반적으로 그것은 일부 역사적 기간 또는 일부 예술적 방향에서 예술에 우세하고 특정 유형의 예술의 주요 구조 및 구성 법칙을 수정하는 내부 창의적 규칙 및 규범 시스템을 의미합니다.
Canonicality는 주로 고대 및 중세 예술에 내재되어 있습니다. 비율의 표준은 고대 이집트에서 플라스틱으로 확립되었습니다. 인간의 몸, 고대 그리스 고전에 의해 재검토되고 조각가 Polykleitos (기원전 5 세기)가 "Canon"이라는 논문에서 이론적으로 수정했으며 실제로 "Canon"이라고도하는 동상 "Dorifor"에 구현되었습니다. Polykleitos가 개발 한 인체의 이상적인 비율 시스템은 고대의 표준이되었으며 일부 변경 사항은 르네상스와 고전주의 예술가의 표준이되었습니다. Vitruvius는 건축적 창의성에 대한 일련의 규칙에 "정경"이라는 용어를 적용했습니다. Cicero는 웅변 스타일의 척도를 나타내기 위해 그리스 단어 "canon"을 사용했습니다. 애국심에서 정경교회 공의회에서 합법화 한 성경 본문 전체가 불려졌습니다.
동양의 시각 예술과 유럽 중세, 특히 컬트에서 도상학의 정경이 확립되었습니다. 수세기에 걸친 예술적 실천 과정에서 개발된 주요 구성 체계와 특정 캐릭터 이미지의 해당 요소, 옷, 자세, 몸짓, 풍경 또는 건축 세부 사항은 9세기부터 존재해 왔습니다. 정경으로 고정되어 17세기까지 동방 기독교권 국가 예술가들의 본보기가 되었다. 비잔틴의 노래와 시 또한 자체 표준을 따랐습니다. 특히 비잔틴 찬송가(8세기)의 가장 복잡한 형태 중 하나는 "캐논"이라고 불렸습니다. 그것은 각각 특정한 구조를 가진 9개의 노래로 구성되었습니다. 각 노래(irmos)의 첫 번째 절은 거의 항상 구약성서에서 가져온 주제와 이미지를 기반으로 편집되었으며, 나머지 구절에서는 irmos의 주제가 시적 및 음악적으로 발전했습니다. XII-XIII 세기의 서유럽 음악에서. "canon"이라는 이름으로 특별한 형태의 폴리포니가 개발되고 있습니다. 그 요소는 20세기까지 음악에 보존되었습니다. (P. Hindemith, B. Bartok, D. Shostakovich 등). 고전주의 미학에서 예술의 규범적 표준화는 잘 알려져 있으며 종종 형식주의적 학문주의로 발전합니다.
캐논의 문제는 20세기에 와서야 미학과 예술 연구에서 이론적인 수준에 놓였습니다. P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu.Lotman 및 기타 러시아 과학자들의 작업에서 가장 생산적입니다. 플로렌스키와 불가코프는 도상화와 관련하여 정경의 문제를 고찰했고, 도상학적 정경이 수세기 동안 지속된 인류의 영적-시각적 경험(기독교인의 공의회 경험)을 신의 세계로 침투시키는 데 통합시켰으며, 예술가의 창조적 에너지를 새로운 성취, 창조적 흥망성쇠로” 283 . Bulgakov는 "교회 전통"의 필수 형태 중 하나를 정경에서 보았습니다.
Losev는 정경을 "특정 사회 역사적 지표로서 알려진 일련의 작품을 구성하는 원칙으로 해석되는 그러한 스타일의 예술 작품의 양적 및 구조적 모델"로 정의했습니다 284 . Lotman은 정경의 정보-기호학적 측면에 관심이 있었습니다. 그는 정규화 된 텍스트가 자연 언어의 모델이 아니라 "음악 구조의 원칙에 따라"구성되어 정보의 출처가 아니라 활성화 자라고 믿었습니다. 정식 텍스트는 대상의 정보를 새로운 방식으로 재구성하여 "그의 성격을 기록합니다" 285 .
예술의 역사적 존재 과정에서 정경의 역할은 이중적이다. 특정 예술적 사고의 전통과 그에 상응하는 예술적 실천의 전달자이기 때문에 구조적이고 건설적인 수준의 정경은 특정 시대, 문화, 사람, 예술적 방향 등의 미적 이상을 표현했습니다. 이것이 문화사에서 생산적인 역할입니다. 미적 이상과 예술적 사고의 전체 체계가 문화적, 역사적 시대의 변화와 함께 변화했을 때 지나간 시대의 정경은 예술 발전에 제동이되어 그 시대의 정신적이고 실용적인 상황을 적절하게 표현하지 못했습니다. 문화 및 역사적 발전 과정에서이 정경은 새로운 창의적 경험으로 극복됩니다. 특정 예술 작품에서 정식 체계는 예술적 창조 또는 미적 인식의 모든 행위에서 ( "정식"예술에서 덕분에) 발생하는 예술적 의미 자체의 전달자가 아닙니다. 예술적 이미지의 형성.
정경의 예술적, 미학적 중요성은 어떤 식으로든 물질적으로 고정되어 있거나 예술가의 마음(그리고 이 문화를 전달하는 사람들의 인식)에만 존재하는 정경 체계가 다음과 같다는 사실에 있습니다. 예술적 상징의 건설적 기반,마치 눈에 띄지 않는 시스템 자체로 그녀의 내부에서 그것을 구체적으로 극복하도록 재능있는 마스터를 자극하는 것처럼 그림 및 표현 언어의 모든 요소의 뉘앙스에서 예술적으로 상당한 편차가 있습니다. 인식하는 사람의 정신에서 규범적 체계는 그의 시대와 문화에 대해 전통적인 정보의 안정적인 복합체를 불러일으켰고, 형식 요소의 특정 예술적으로 조직된 변형은 그로 하여금 친숙해 보이지만 항상 다소 새로운 이미지를 깊이 들여다보게 했습니다. 본질적이고 원형적인 근거에 침투하려는 욕구, 영적 깊이에 대해 아직 알려지지 않은 일부 발견에 이르기까지.
르네상스에서 시작된 뉴 에이지의 예술은 규범 적 사고에서 개인-개인 유형의 창의성으로 적극적으로 이동하고 있습니다. "대성당" 경험은 예술가의 개인적인 경험, 세계에 대한 그의 독창적인 개인적 비전, 그리고 그것을 예술적 형태로 표현하는 능력으로 대체되고 있습니다. 그리고 오직 빠른-팝 아트, 개념주의, 포스트 구조주의 및 포스트 모더니즘으로 시작하는 문화, 예술 및 인도 주의적 사고 시스템에서 정식에 가까운 원칙, 일부 시뮬라크르예술 생산 및 언어 적 설명 (최신 예술 해석학) 영역에서 독특한 표준 기술 및 예술 제품 생성 유형 및 언어 지원이 형성 될 때 창의성의 기존 원칙 수준에서 캐논. 오늘날 우리는 팝 아트, 개념주의, "새로운 음악", "고급" 예술 비평, 철학적 및 미학적 담론 등의 "표준" 또는 준 표준에 대해 이야기할 수 있습니다. 이러한 정식-컨벤셔널 공간 내의 "규칙 게임"에서 "시작"되고 영적-지적 또는 미적 발달 수준에 관계없이 커뮤니티의 다른 모든 구성원으로부터 닫힙니다.
스타일
예술 철학과 예술사에서 또 다른 중요한 범주는 스타일.사실은 더 무료표현의 형태와 일종의 수정 정경,더 정확하게 - 상당히 안정적인미술사에서 특정 시기, 특정 방향, 경향, 유파 또는 한 명의 작가, 설명하기 어려운 예술적 사고, 비 유적 표현 방식, 비 유적 및 표현 기법, 건설적이고 형식적인 구조의 원칙에 대한 다단계 시스템등등. XIX-XX 세기에. 이 범주는 많은 미술사가와 이론가, 미학자, 철학자들에 의해 활발하게 발전되었습니다. 예술 평론가 학교 G. Wölfflin, A. Riegl 및 다른 사람들은 예술 작품 구성의 형식적 특징 및 요소의 상당히 안정적인 시스템을 스타일로 이해했습니다 (평평도, 볼륨, 그림 같은 느낌, 그래픽 품질, 단순성, 복잡성, 개방성 또는 닫힌 형식 등) 그리고 이를 바탕으로 예술의 전체 역사를 스타일의 초개인적 역사(“이름 없는 예술의 역사” - Wölfflin)로 간주하는 것이 가능하다고 간주됩니다. AF Losev는 스타일을 "다양한 초구조적 및 비예술적 과제와 기본 모델을 기반으로 예술 작품의 전체 잠재력을 구성하는 원리"라고 정의했지만 작품의 예술적 구조에 의해 내재적으로 느껴졌습니다. .
유. 슈펭글러유럽의 쇠퇴에서 그는 문화의 주요하고 본질적인 특성 중 하나인 특정 시대적 단계로서 스타일에 특별한 관심을 기울였습니다. 그에게 스타일은 특정 시대의 '정신적 분위기'에 의해 결정되는 '형이상학적 형태감'이다. 그것은 성격이나 예술의 재료나 유형, 심지어 예술의 방향에 의존하지 않습니다. 이 문화 단계의 일종의 형이상학적 요소로서 '위대한 문체' 자체가 예술의 개성, 사조, 시대를 만들어낸다. 동시에 Spengler는 예술적이고 미적인 것보다 훨씬 더 넓은 의미에서 스타일을 이해합니다. "스타일은 파도와 맥박처럼 서로를 따른다. 그것들은 예술가 개개인의 개성, 의지, 의식과 공통점이 없다. 유형아티스트. 문화와 마찬가지로 스타일은 예술, 종교, 사상 또는 삶 자체의 스타일과 상관없이 가장 엄격한 괴테의 의미에서 원초적인 현상입니다. "자연"과 마찬가지로 스타일은 깨어있는 사람의 새로운 경험, 그의 분신 및 주변 세계의 거울 이미지입니다. 그렇기 때문에 모든 문화의 일반적인 역사적 그림에는 단 하나의 스타일이 있을 수 있습니다. 이 문화의 스타일 287 . 동시에 Spengler는 미술사에서 "위대한 스타일"이라는 전통적인 분류에 동의하지 않습니다. 예를 들어, 그는 고딕과 바로크가 서로 다른 스타일이 아니라고 믿습니다. 현대 러시아 미술사학자 V.G. Vlasov는 스타일을 "형태의 예술적 의미"로 정의합니다. 감각“역사적 시간과 공간에서 예술적 형성 과정의 포괄적인 완전성을 보는 예술가이자 관객입니다. 스타일은 시간의 예술적 경험입니다. 그는 스타일을 "예술적 인식의 범주"로 이해합니다. 그리고 스타일에 대한 다소 다른 정의와 이해의 이 시리즈는 계속될 수 있습니다290.
그들 각각은 공통점이 있고 다른 정의와 모순되는 것이 있지만 전체적으로 모든 연구자가 적절하게 느끼고 있습니다. 느끼다(본질적으로) 이 현상의 깊은 본질을 이해하지만 말로 정확하게 표현할 수는 없습니다. 이것은 예술적, 미적 현실의 다른 많은 현상 및 현상과 마찬가지로 스타일이 다소 적절하고 모호하지 않게 정의될 수 있는 비교적 미묘한 문제임을 다시 한 번 나타냅니다. 여기서는 일부 원형 설명 방식만 가능하며 결국 독자의 인식에서 실제로 논의되는 내용에 대한 상당히 적절한 아이디어를 생성합니다.
수준에서 문화 시대그리고 예술 동향, 연구자들은 고대 이집트, 비잔티움, 로마네스크, 고딕, 고전주의, 바로크, 로코코, 아르누보의 예술 스타일에 대해 이야기합니다. 한 시대의 세계적 스타일이나 주요 경향이 흐려지는 기간 동안 그들은 개별 유파의 스타일(예: 르네상스의 경우: 시에나, 베네치아, 피렌체 및 기타 유파의 스타일) 또는 특정 유파의 스타일에 대해 이야기합니다. 예술가 (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman 등).
예술사에서 주요 스타일은 일반적으로 건축이었던 주요 예술을 기반으로 일종의 통일 원칙에 따라 주요 예술이 어느 정도 형성되었을 때 일반적으로 합성 시대에 발생했습니다. 회화, 조각, 응용 예술, 때때로 음악은 그것에 의해 안내되었습니다. 건축에서 나타나고 있는 형태와 예술적 이미지(특히 공간 구성의 원칙) 작업을 위한 원칙 체계에 대해. 건축의 스타일과 다른 형태의 예술(삶의 스타일이나 사고 스타일과 마찬가지로 그러한 스타일에 대해서도 이야기함)은 역사적으로 직관적으로 의식적으로 형성되었다는 것이 분명합니다. 아무도 특정 작업을 설정하지 않았습니다. 특정 기능과 특성으로 구별되는 특정 스타일을 만드는 것입니다. 사실, "큰" 스타일은 복잡하게 매개된 최적 예술적 표현과 표현거시적 수준(전체 시대 또는 주요 예술 운동의 수준)에서 특정 역사적 공동체의 본질적인 영적, 미학적, 이데올로기적, 종교적, 사회적, 주제-실용적 특성, 문화의 특정 민족-역사적 단계 ; 특정 사회 문화적, 민족적 역사적 공동체에 적합한 일종의 예술적 사고의 거시 구조. 예술의 특정 재료, 창작 과정에서 처리하는 기술 및 기술도 스타일에 어느 정도 영향을 미칠 수 있습니다.
스타일은 어느 정도 예술적 사고의 비 유적 표현 원칙의 물질적으로 고정되고 상대적으로 명확한 시스템이며 특정 수준의 예술적 재능, 미적 감수성, "스타일 감각"을 가진 모든 수신자가 정확하고 정확하게 인식합니다. 이것은 특정 시대, 역사적 시기, 방향, 창조적 성격, 그 시대의 정신을 느끼기 시작했습니다. 비유적으로 말하자면, 심미적인 필체시대; 최적의주어진 시대에 대한 (방향, 학교, 성격) 미적 디스플레이 모델(특징의 체계 조직의 원칙 예술적 수단및 표현 방법), 내부적으로 영적인이 시대에 필수적인 비언어적 원칙, 이상, 아이디어, 최고 수준의 현실에서 오는 창조적 충동. 이 영성이 없으면 스타일이 사라집니다. 외부 흔적만 남습니다. 방식, 리셉션 시스템.
스타일은 특정 예술 작품에서 그 존재에 대한 고도로 발달된 미적 감각의 모든 가시성에 대해 "위대한" 문체 현상에 대해서도 절대적으로 명확하고 "순수한" 것이 아닙니다. 특정 지배적 인 문체 특성의 통합 세트가 존재하고 우세하기 때문에이 스타일의 거의 모든 작업에는 항상 무작위 요소와 기능이 포함되어 있습니다. 오히려 이 작품은 예술적 가치, 활동, 이 특정 스타일의 미적 현상으로서의 구체적인 활력을 향상시킵니다. 예를 들어, 고딕 건축 기념물에 로마네스크 양식의 많은 요소가 존재한다는 것은 이러한 기념물의 고딕 독창성을 강조할 뿐입니다.
스타일에 대한 대화를 마치면서 간단한 설명동시에 그러한 구두 설명의 불충분 함을 보여주는 "큰"스타일 중 하나입니다. 예를 들어, 고딕- 발전된 유럽 예술의 가장 큰 국제 스타일 중 하나(문체적 특징의 간략한 특성 고전주의그리고 바로크위에서 찾을 수 있습니다 (섹션 1. Ch. I. § 1), 해당 예술 경향의 예술적 및 미적 의식의 특징에 대한 설명으로 나타납니다).
고딕 (이 용어는 "고트"에서 유래 - 3 ~ 5 세기에 로마 제국을 정복 한 유럽 부족의 로마인에 의한 일반화 된 이름, "야만인"의 동의어, 예술의 특성으로 르네상스 사상가가 적용되기 시작했습니다. 13-15세기에 서유럽 예술을 지배했던 조롱할 정도로 경멸적인 의미의 중세 예술)은 정신 자체의 예술적 표현의 가장 높고 궁극적이며 가장 적합한 문체 형식으로 부상했습니다. 기독교 문화서양식 수정에서 (동쪽-정교회 지역-비잔티움과 그 영적 영향 국가-특히 남 슬라브 민족과 고대 루스에서 활발한 비잔틴 양식)과 유사한 표현이 있습니다. 그것은 주로 건축에서 형성되었으며 주로 기독교 예배 및 중세 기독교 마을 사람들의 생활 방식과 관련된 다른 유형의 예술로 퍼졌습니다.
이 스타일의 깊은 의미는 물질에 대한 인간과 우주의 영적 원리의 우선 순위를 확인하는 기독교 세계관의 본질에 대한 일관된 예술적 표현에 있으며, 물질에 대한 내적 깊은 존경심을 가지고 있습니다. 영적, 없이는 지구에 존재할 수 없습니다. 이와 관련하여 고딕은 아마도 기독교 문화에서 가능한 최고에 도달했습니다. 정신, 정신에 의한 물질, 물질, 물질의 극복이 놀라운 힘과 표현력, 일관성으로 실현되었습니다. 이것은 특히 석조 건축에서 구현하기 어려웠고 여기에서 고딕 거장들이 완벽의 정점에 도달했습니다. 방법 힘든 일여러 세대에 걸친 건축업자들은 당시의 통일된 성당 예술 정신에 이끌려 십자형 금고에서 늑골 금고로 전환하는 과정에서 사원 금고의 무거운 석조 구조물을 완전히 비물질화하는 방법을 지속적으로 모색했습니다. 건설적인 구조론의 표현은 예술적 가소성으로 완전히 대체되었습니다.
그 결과 재료(돌)의 무거움과 그 물리적 특성을 극복하기 위한 건축 기법이 사원에 들어가는 사람들에게 완전히 가려진다. 고딕 양식의 사원은 순전히 예술적 수단(내부 공간과 외부 플라스틱 외관을 구성함으로써)에 의해 지상의 시공간 연속체를 완전히 다른 공간으로 본질적으로 변형(변형)하는 특별한 조각 및 건축 현상으로 변형됩니다. , 내부 방향에서 극도로 영적이고 비합리적이며 신비합니다 . 궁극적으로 고딕 양식을 함께 만드는 모든 주요 예술적이고 표현적인(또한 건설적이고 구성적인) 기술과 요소가 이를 위해 작동합니다.
여기에는 얇고 우아하고 복잡하게 프로파일링된 기둥(거대한 로마네스크 기둥과 달리)이 포함되며, 무중력 란셋 볼트까지 거의 접근할 수 없는 높이까지 올라가 수평보다 수직의 우세, 정적보다 역동성(상승, 직립), 휴식보다 표현을 주장합니다. 같은 방향으로 무수한 란셋 아치와 금고가 작동하여 사원의 내부 공간이 실제로 형성됩니다. 유색 스테인드 글라스 창으로 채워진 거대한 란셋 창은 사원에서 형언할 수 없이 끊임없이 진동하고 변화하는 밝은 색상의 초현실적인 분위기를 조성합니다. 길쭉한 본당은 시청자의 정신을 좁고 시각적으로 위로 향하고 제단으로 향하는 먼 길을 따라 인도합니다 (영적으로 그들은 또한 다른 공간으로의 승천, 상향 발기에 기여합니다). 중앙 복음 행사 및 캐릭터의 고딕 이미지와 투각 란셋 제단 구조-retables (French Retable-테이블 뒤)가있는 조각 된 란셋 다중 잎 폐쇄 제단. 같은 란셋으로 길쭉한 형태로 제단과 성전의 자리, 예배 및 응용 용품, 성전기구가 만들어집니다.
고딕 양식의 사원은 외부와 내부에 엄청난 양의 입체 조각으로 가득 차 있는데, 마치 고딕 회화처럼 자연주의에 가까운 방식으로 제작되었으며, 이는 중세 시대에도 조각의 사실적인 채색으로 강조되었습니다. 따라서 신비로운 거리를 지향하는 극도로 비합리적인 건축과 그 속에 건설적으로 유기적으로 유입되지만 정신적으로는 이에 반대하는 지상의 가소성과 회화 사이에 어떤 공간적-환경적 대립이 만들어졌다. 예술적 수준에서 (그리고 이것은 고딕 양식의 특징입니다) 기독교의 본질적인 이율배반이 표현되었습니다. 인간과 지상 세계의 반대 원칙의 통일성 : 영, 영혼, 영적 및 물질, 육체, 육체.
동시에 고딕 조각과 회화의 자연주의를 문자 그대로 말할 수는 없습니다. 이것은 미묘한 예술적 문제로 가득 찬 특별하고 예술적으로 영감을 받은 자연주의이며 지각자의 정신을 영적 및 미적 세계로 승격시킵니다. 고딕 조각상처럼 보이는 조각상처럼 보이는 표정과 몸짓의 독특한 자연주의와 함께 물리적으로 무조건적인 힘의 영향을 받는 옷 주름의 풍부함과 예술적 가소성이 눈에 띕니다. 또는 많은 고딕 양식의 여전히 서있는 인물의 몸을 절묘하게 구부린 선-소위 고딕 곡선 (그림의 S 자형 구부림). 고딕 회화는 특별한 색상 표현의 몇 가지 독특한 법칙을 따릅니다. 거의 자연주의적으로(또는 착시 사진으로) 쓰여진 얼굴, 인물, 제단 그림의 옷은 그들의 초현실적인 초현실적인 힘에 놀라움을 금치 못합니다. 이와 관련하여 뛰어난 예는 네덜란드 예술가 Rogier van der Weyden과 그의 일부 학생들의 예술입니다.
동일한 문체 특징은 다음의 특징입니다. 모습고딕 양식의 사원 : 조각, 아치, 둥근 천장, 모든 작은 건축 요소의 란셋 형태로 인해 전체 외관의 상향 열망, 마지막으로 돌 레이스로 짜여진 것처럼 투각 사원을 장식하는 거대한 화살, 순전히 장식용 탑 건축 목적; 기하학적으로 정확한 창 로제트 및 장식적이고 수많은 장식 장식은 단일 전체 건축 유기체 내에서 조각품의 반 자연주의적 가소성과 나뭇잎이 있는 가지의 빈번한 꽃 장식과 대조됩니다. 유기적 자연과 수학적으로 검증되고 기하학적으로 규정된 형태는 신자 또는 미적 주제의 정신을 다른 현실, 다른 수준의 의식(또는 존재)으로 향하게 하고, 열망하고, 고양시키는 통합된 고도로 예술적이고 고도로 영적인 이미지를 고딕 양식으로 형성합니다. 예를 들어 그레고리오 성가를 연주하는 오르간과 교회 합창단의 건전한 분위기(고딕 교회의 음향이 우수함)를 여기에 추가하면 고딕 양식의 일부 필수 기능에 대한 그림이 어느 정도 완성될 것입니다. 충분하지 않습니다.
