플라스틱의 정신: 일본 현대 미술의 해석. 일본 현대 미술

일본인들은 9-12세기 헤이안 시대(794-1185)에 사물에 숨겨진 아름다움을 발견하고 "모노노와레"(物の哀れ(もののあわれ))라는 특별한 개념으로 명명했습니다. 사물의 슬픈 매력. The Charm of Things는 가장 초기의 것 중 하나입니다. 일본 문학아름다움의 정의는 모든 것이 고유한 신(카미)과 고유한 매력을 가지고 있다는 신도의 믿음과 관련이 있습니다. Avare는 기쁨과 흥분을 일으키는 사물의 내적 본질입니다.

- 와시(wasi) 또는 와가미(wagami).
수동 종이 만들기. 중세 일본인들은 와시를 실용적 가치뿐만 아니라 아름다움으로도 높이 평가했습니다. 그녀는 그녀의 미묘함, 거의 투명성으로 유명했지만 그녀의 힘을 박탈하지는 않았습니다. 와시는 코조(뽕나무) 나무와 다른 나무의 껍질로 만듭니다.
와시 종이는 수세기 동안 보존되어 왔으며, 이에 대한 증거는 수세기를 거쳐 현재까지 내려온 고대 일본 서예, 그림, 병풍, 판화의 앨범과 책입니다.
Vasya의 종이는 섬유질입니다. 현미경을 보면 공기와 햇빛이 침투하는 균열이 보입니다. 이 품질은 병풍과 일본 전통 등불 제조에 사용됩니다.
와시 기념품은 유럽인들에게 매우 인기가 있습니다. 이 종이로 지갑, 봉투, 부채 등 작고 유용한 물건을 많이 만듭니다. 내구성이 뛰어나면서도 가볍습니다.

- 고헤이.
마스코트 종이 스트립. Gohei -종이 지그재그 스트립이 부착 된 신도 사제의 의식 지팡이. 같은 종이 조각이 신사 입구에 걸려 있습니다. 신도에서 종이의 역할은 전통적으로 매우 컸고, 그것으로 만든 제품에는 항상 난해한 의미가 부여되었습니다. 그리고 모든 것, 모든 현상, 심지어 단어에도 카미(신)가 포함되어 있다는 믿음은 고헤이와 같은 유형의 응용 예술의 출현을 설명합니다. 신도주의는 우리의 이교도와 다소 비슷합니다. 신도 신자의 경우, 카미는 특히 평범하지 않은 모든 곳에서 기꺼이 거주합니다. 예를 들어, 종이에. 그리고 오늘날 신사 입구 앞에 걸려 있고 사원에 신이 있음을 나타내는 복잡한 지그재그로 꼬인 고헤이에서 더욱 그렇습니다. 고헤이를 접는 방법은 20가지가 있는데, 특히 특이하게 접힌 것이 가미를 끌어당긴다. Gohei는 주로 흰색이지만 금색, 은색 및 기타 여러 색조도 있습니다. 9세기부터 일본에서는 스모 선수들이 시합을 시작하기 전에 벨트의 고헤이를 강화하는 관습이 있었습니다.

- 아네사마.
종이인형 제작입니다. 19세기에 사무라이 아내들은 아이들이 가지고 노는 종이 인형을 만들어 다른 옷을 입혔습니다. 장난감이 없던 시절, 아네사마는 아이들의 유일한 대담자로서 어머니, 누나, 아이, 친구 역할을 "수행"했습니다.
인형은 일본 종이로 접고 머리카락은 구겨진 종이로 만들고 잉크로 염색하고 접착제로 덮어 광택을냅니다. 독특한 특징은 길쭉한 얼굴에 멋진 작은 코입니다. 오늘날에도 숙련된 손만 있으면 되는 이 간단한 장난감은 전통적인 형태로 이전과 같은 방식으로 계속 만들어지고 있습니다.

- 종이 접기.
종이 접기의 고대 기술(折り紙, 직역: "접힌 종이"). 종이접기의 예술은 고대 중국종이가 발명된 곳. 처음에 종이 접기는 종교 의식에 사용되었습니다. 오랫동안 이러한 유형의 예술은 종이 접기 기술을 소유하는 것이 좋은 취향의 표시인 상류층 대표에게만 제공되었습니다. 제 2 차 세계 대전 이후에만 종이 접기는 동양을 넘어 미국과 유럽으로 건너가 즉시 팬을 찾았습니다. 클래식 종이 접기는 정사각형 종이로 접혀 있습니다.
가장 복잡한 제품의 접는 방식을 스케치하는 데 필요한 특정 기존 기호 세트가 있습니다. 재래식 기호의 대부분은 20세기 중반 일본의 유명한 거장 요시자와 아키라에 의해 실용화되었습니다.
고전적인 종이접기는 풀과 가위 없이 균일한 색상의 정사각형 종이 한 장을 사용하는 것을 규정합니다. 현대 예술 형식은 때때로 이 정경에서 벗어납니다.

- 키리가미.
키리가미는 여러 번 접은 종이를 가위로 여러 모양으로 자르는 기술입니다. 모형을 만드는 과정에서 가위와 종이 자르기를 사용할 수 있는 일종의 종이접기입니다. 이것은 kirigami와 다른 종이 접기 기술의 주요 차이점이며 이름에서 강조됩니다. 切る (kiru) - 자르기, 紙 (gami) - 종이. 우리 모두는 어린 시절에 눈송이를 자르는 것을 좋아했습니다. kirigami의 변형으로 눈송이뿐만 아니라 다양한 인물, 꽃, 화환 및 기타 귀여운 종이를이 기술을 사용하여자를 수 있습니다. 이들 제품은 판화용 스텐실, 앨범 데코레이션, 엽서, 포토액자, 패션디자인, 인테리어 디자인 등 다양한 데코레이션에 활용될 수 있다.

- 꽃꽂이.
Ikebana, (jap 生け花 또는 いけばな) 일본어 번역 - "ike" - 생명, "bana" - 꽃 또는 "살아있는 꽃". 일본의 꽃꽂이 예술은 일본인의 가장 아름다운 전통 중 하나입니다. 꽃꽂이를 만들 때 꽃과 함께 자른 가지, 잎, 새싹을 사용하는데 기본 원칙은 절묘한 단순성이며 이를 달성하기 위해 식물의 자연미를 강조합니다. 꽃꽂이는 꽃의 아름다움과 구성을 창조하는 주인의 영혼의 아름다움이 조화롭게 결합된 새로운 자연 형태의 창조입니다.
오늘날 일본에는 4개의 주요 꽃꽂이 학교가 있습니다: Ikenobo(Ikenobo), Koryu(Koryu), Ohara(Ohara), Sogetsu(Sogetsu). 그들 외에도 이러한 학파 중 하나를 고수하는 약 천 가지의 다른 방향과 추세가 있습니다.

- 오리바나.
17세기 중반에 오하라(이케바나의 주요 형태 - 오리바나)와 고류(주요 형태 - 세크)의 두 유파가 이케노보에서 출발했습니다. 참고로 오하라 유파는 아직 오리바누만 공부하고 있습니다. 일본인이 말했듯이 종이 접기가 종이 접기로 바뀌지 않는 것이 매우 중요합니다. 고미는 일본어로 쓰레기라는 뜻입니다. 결국 종이 한 장을 접은 다음 어떻게해야합니까? Oribana는 인테리어 장식용 부케에 대한 많은 아이디어를 제공합니다. 오리바나 = 종이접기 + 꽃꽂이

- 실수.
보다 시각 예술, 태어난 플로리스트 리. 플로리스트 리가 일본에 600년 이상 존재했지만 8년 전에 우리나라에 나타났습니다. 중세 시대에 사무라이는 전사의 길을 이해했습니다. 그리고 오시바나는 상형 문자를 쓰고 검을 휘두르는 것과 같은 그 길의 일부였습니다. 그 착오의 의미는 사토리(satori)의 완전한 현존 상태에서 주인이 말린 꽃(압화)의 그림을 만들었다는 것이다. 그러면 이 그림은 침묵 속으로 들어가 같은 사토리를 경험할 준비가 된 사람들을 위한 열쇠이자 지침이 될 수 있습니다.
"oshibana"예술의 본질은 꽃, 허브, 잎, 나무 껍질을 압력으로 수집하고 건조하고 바닥에 붙이는 방식으로 작가가 식물의 도움을 받아 진정한 "그림"작업을 만드는 것입니다. 즉, 잘못은 식물로 그림을 그리는 것입니다.
예술적 창의성플로리스트는 건조된 식물 재료의 모양, 색상 및 질감의 보존을 기반으로 합니다. 일본인은 "오시바나" 그림이 색이 바래거나 어두워지는 것을 방지하는 기술을 개발했습니다. 그 본질은 유리와 그림 사이에 공기가 펌핑되고 ​​식물이 부패하는 것을 방지하는 진공이 생성된다는 것입니다.
그것은이 예술의 틀에 얽매이지 않을뿐만 아니라 식물의 특성에 대한 상상력, 맛, 지식을 보여줄 기회도 끌어들입니다. 플로리스트는 장신구, 풍경화, 정물화, 초상화, 이야기 그림을 만듭니다.

- 분재.
현상으로서의 분재는 중국에서 천 년 이상 전에 나타났지만 이 문화는 일본에서만 발전의 절정에 이르렀습니다. (분재 - 일본어 盆栽 문학. "화분에 식물") - 성장의 예술 정확한 사본미니어처의 실제 나무. 이 식물은 우리 시대보다 몇 세기 전에 불교 승려에 의해 재배되었으며 이후 지역 귀족의 활동 중 하나가되었습니다.
분재는 일본 가정과 정원을 장식했습니다. 도쿠가와 시대에 공원 설계는 새로운 자극을 받았습니다. 진달래와 단풍나무 재배는 부유층의 취미가 되었습니다. 드워프 작물 생산(하치노키 - "냄비 속의 나무")도 개발되었지만 당시의 분재는 매우 컸습니다.
이제 일반 나무가 분재에 사용되며 지속적인 가지 치기와 기타 다양한 방법으로 인해 작아집니다. 동시에 그릇의 부피에 의해 제한되는 뿌리 시스템의 크기 비율과 분재의 땅 부분은 자연의 성인 나무 비율에 해당합니다.

- 미즈히키.
마크라메 아날로그. 이것은 특수 끈으로 다양한 매듭을 묶고 그로부터 패턴을 만드는 고대 일본 응용 예술입니다. 이러한 예술 작품은 기프트 카드와 편지에서 헤어스타일과 핸드백에 이르기까지 매우 넓은 범위를 가졌습니다. 현재 mizuhiki는 선물 산업에서 매우 널리 사용됩니다. 인생의 모든 사건에 대해 선물은 매우 특정한 방식으로 포장되고 묶여 있어야 합니다. 미즈히키 기술에는 매우 많은 매듭과 구성이 있으며 모든 일본인이 이를 모두 암기하는 것은 아닙니다. 물론 가장 자주 사용되는 가장 일반적이고 간단한 매듭이 있습니다. 아이의 탄생 축하, 결혼식 또는 기념, 생일 또는 대학 입학을 위해.

- 쿠미히모.
Kumihimo는 일본 꼰 코드입니다. 실을 짜면 리본과 끈을 얻습니다. 이 끈은 Marudai 및 Takadai와 같은 특수 기계로 짜여져 있습니다. Marudai 기계는 둥근 끈을 짜는 데 사용되며 Takadai는 평평한 끈을 짜는 데 사용됩니다. 일본어로 Kumihimo는 "줄 짜기"(kumi - 짜기, 함께 접기, himo - 밧줄, 레이스)를 의미합니다. 역사가들이 스칸디나비아 인들과 안데스 주민들 사이에서 그러한 직조를 찾을 수 있다고 완고하게 주장한다는 사실에도 불구하고, 일본 미술 Kumihimo는 실제로 가장 오래된 직조 유형 중 하나입니다. 그것에 대한 첫 번째 언급은 550년으로 거슬러 올라갑니다. 그때 불교는 일본 전역에 퍼졌고 특별한 의식에는 특별한 장식이 필요했습니다. 나중에 kumihimo 끈은 여성용 기모노의 오비 벨트 고정 장치, 전체 사무라이 무기고를 "포장"하는 로프로 사용되기 시작했습니다 (사무라이는 갑옷과 말 갑옷을 묶기 위해 장식 및 기능적 목적으로 kumihimo를 사용했습니다). 무거운 물건을 묶는 데에도 사용됩니다.
현대적인 쿠미히모의 다양한 패턴은 수제 골판지 베틀에서 매우 쉽게 짜여집니다.

- 코모노.
시간이 지나면 기모노는 어떻게 남습니까? 버려지고 있다고 생각합니까? 이런 건 없어! 일본인은 절대 그렇게 하지 않을 것입니다. 기모노는 비싸다. 그렇게 그냥 버리는 것은 생각할 수 없고 불가능합니다... 다른 유형의 기모노 재활용과 함께 공예가들은 작은 조각으로 작은 기념품을 만들었습니다. 이들은 어린 이용 작은 장난감, 인형, 브로치, 화환, 여성용 보석 및 기타 제품이며, 오래된 기모노는 총칭하여 "komono"라고하는 작고 귀여운 물건을 만드는 데 사용됩니다. 기모노의 길을 이어가며 스스로의 삶을 살게 될 작은 것들. 이것이 "코모노"라는 단어의 의미입니다.

- 칸자시.
천(주로 실크)으로 만든 머리핀(대부분 꽃(나비 등)으로 장식)을 장식하는 기술입니다. 일본 간자시(간자시)는 전통적인 일본 여성 헤어스타일을 위한 긴 머리핀입니다. 그들은 나무, 옻칠, 은색, 거북 껍질은 중국과 일본의 전통 헤어스타일에 사용됩니다. 약 400년 전 일본에서는 여성의 헤어스타일 스타일이 바뀌었습니다. 그리고 기괴한 형태 - nihongami.used 다양한 아이템- 머리핀, 막대기, 빗. 단순한 쿠시 빗조차도 비범한 아름다움의 우아한 액세서리로 변모하여 진정한 예술 작품이 되었습니다. 일본 여성의 전통 의상은 손목 장신구와 목걸이를 허용하지 않았기 때문에 머리 장신구는 메인 뷰티그리고 자기 표현의 밭-소유자의 지갑의 맛과 두께를 보여줍니다. 판화에서 자세히 보면 일본 여성들이 헤어 스타일에 값 비싼 칸자시를 20 개까지 쉽게 걸었던 방법을 볼 수 있습니다.
헤어 스타일에 세련미와 우아함을 더하고 싶어하는 젊은 일본 여성들 사이에서 칸자시를 사용하는 전통이 이제 다시 부활하고 있습니다.

- 키누사이가.
일본의 놀라운 유형의 바느질. 기누사이가(絹彩画)는 바틱과 패치워크의 교차점입니다. 주요 아이디어는 오래된 실크 기모노에서 조각으로 새로운 그림을 수집한다는 것입니다. 진정한 작품미술.
먼저 작가는 종이에 스케치를 한다. 그런 다음 이 도면을 나무판으로 옮깁니다. 패턴의 윤곽은 홈 또는 홈으로 절단된 다음 색상과 톤이 일치하는 작은 조각이 오래된 실크 기모노에서 절단되고 이러한 조각의 가장자리가 홈을 채웁니다. 그런 사진을 보고 있으면 마치 사진을 보고 있는 것 같은 느낌이 들기도 하고, 창밖의 풍경을 보기만 해도 너무 리얼하다.

- 테마리.
단순한 스티치로 만든 일본의 전통적인 기하학적 자수 공으로 한때 어린이 장난감이었으며 현재는 일본뿐만 아니라 전 세계적으로 많은 팬을 보유한 예술 형식이 되었습니다. 오래 전에 이러한 제품은 사무라이 아내가 오락을 위해 만든 것으로 여겨집니다. 처음에는 볼 게임의 공으로 실제로 사용되었지만 점차 예술적 요소를 습득하기 시작하여 나중에 장식용 장식품으로 변했습니다. 이 공의 섬세한 아름다움은 일본 전역에 알려져 있습니다. 그리고 오늘날 다채롭고 세심하게 만들어진 제품은 일본의 민속 공예품 중 하나입니다.

- 유비누키.
일본 골무는 손바느질이나 자수를 할 때 일하는 손의 가운데 손가락의 가운데 지골에 놓고 손가락 끝으로 바늘에 원하는 방향을 부여하고 바늘을 가운데 고리를 통해 밀어 넣습니다. 일하는 손가락. 처음에 일본 유비누키 골무는 아주 간단하게 만들어졌습니다. 약 1cm 너비의 촘촘한 천이나 가죽 조각을 여러 층으로 손가락에 단단히 감싸고 몇 가지 간단한 장식 스티치로 고정했습니다. 유비눅스 시절부터 필요한 과목모든 집에서 그들은 실크 실로 기하학적 자수로 장식되기 시작했습니다. 스티치의 엇갈림부터 화려하고 복잡한 패턴. 단순한 생활용품의 유비누키도 "감탄"의 오브제, 장식으로 변모했습니다. 일상 생활.
유비누키는 여전히 바느질과 자수에 사용되지만 장식용 반지처럼 단순히 손가락에 끼는 것도 볼 수 있습니다. 유비누키 스타일의 자수는 냅킨 링, 팔찌, 테마리 스탠드, 유비누키 자수로 장식된 반지 형태의 다양한 물건을 장식하는 데 사용되며 같은 스타일의 자수 바늘 침대도 있습니다. 유비누키 패턴은 테마리 오비 자수에 큰 영감을 줄 수 있습니다.

- Suibokuga 또는 sumie.
일본 수묵화. 이것 중국 스타일그림은 14세기와 15세기 말에 일본 예술가들에 의해 차용되었습니다. 일본 회화의 주류가 되었다. 스이보쿠가는 단색입니다. 숯의 딱딱한 형태인 검은 먹(수묵)이나 그을음으로 만든 먹물을 먹병에 갈아서 물로 희석해 종이나 비단에 붓는 것이 특징이다. 모노크롬은 중국인들이 오래 전에 잉크의 "색상"으로 인식했던 끝없는 색조 옵션을 마스터에게 제공합니다. Suibokuga는 때때로 실제 색상의 사용을 허용하지만 항상 잉크 라인에 종속되는 얇고 ​​투명한 획으로 제한합니다. 수묵화는 엄격하게 통제된 표현과 형태의 기술적인 숙달과 같은 본질적인 특성을 서예 예술과 공유합니다. 수묵화의 질은 서예에서와 마찬가지로 잉크로 그린 선의 온전함과 찢어짐에 대한 저항으로 귀결됩니다. 말하자면 뼈가 조직을 유지하듯이 예술 작품을 자체적으로 유지하는 것입니다.

- 에테가미.
그린 엽서(e - 그림, 태그 - 편지). DIY 엽서 만들기는 일반적으로 일본에서 매우 인기 있는 활동이며 연휴 전에 인기가 더욱 높아집니다. 일본인은 친구에게 엽서를 보내는 것을 좋아하고 친구도 받는 것을 좋아합니다. 이것은 특수 공백에 대한 일종의 빠른 편지이며 봉투없이 우편으로 보낼 수 있습니다. etegami에는 특별한 규칙이나 기술이 없으며 누구나 특별한 훈련 없이 할 수 있습니다. Etagami는 기분, 인상을 정확하게 표현하는 데 도움이되며 따뜻함, 열정, 관심, 사랑 등 보낸 사람의 감정을 전달하는 그림과 짧은 편지로 구성된 수제 엽서입니다. 그들은 계절, 활동, 야채와 과일, 사람과 동물을 묘사한 명절을 위한 엽서를 보냅니다. 이 그림은 단순하게 그릴수록 더 재미있어 보입니다.

- 보자기.
일본식 포장 기술 또는 천 접기 기술. 보자기는 오랫동안 일본인의 삶에 들어갔습니다. 가마쿠라-무로마치 시대(1185-1573)의 고대 두루마리에는 머리에 천으로 감싼 옷 다발을 들고 있는 여성의 이미지가 보존되어 있습니다. 이 흥미로운 기술은 일찍이 710-794년 일본에서 시작되었습니다. "후로시키"라는 단어는 문자 그대로 "목욕 깔개"로 번역되며 모든 모양과 크기의 물건을 포장하고 운반하는 데 사용되는 정사각형 천 조각입니다.
예전에는 방문객들이 집에서 가져온 가벼운 면 기모노를 입고 일본식 목욕탕(후로)에 들어가는 것이 관례였습니다. 목욕하는 사람은 옷을 벗을 때 서 있던 특별한 양탄자(시키)도 가져왔습니다. "목욕" 기모노로 갈아입은 방문객은 옷을 깔개로 감싸고, 목욕 후에는 젖은 기모노를 깔개로 싸서 집으로 가져옵니다. 따라서 욕실 매트는 다기능 가방이 되었습니다.
보자기는 사용하기 매우 쉽습니다. 천은 포장하는 물체의 모양을 취하고 손잡이가 있어 짐을 쉽게 옮길 수 있습니다. 또한 딱딱한 종이가 아닌 부드러운 다층 천으로 포장 된 선물은 특별한 표현력을 얻습니다. 매일 또는 축제를 위해 다양한 방법으로 보자기를 접을 수 있습니다.

- 아미구루미.
작은 박제 동물과 인간형 생물을 뜨개질하거나 뜨개질하는 일본 예술. 아미구루미(編み包み, lit.: "뜨개질로 감싼")는 대부분 귀여운 동물(곰, 토끼, 고양이, 개 등), 작은 사람이지만 인간의 속성이 부여된 무생물일 수도 있습니다. 예를 들어, 컵케이크, 모자, 핸드백 등. Amigurumi는 뜨개질을하거나 뜨개질을하거나 뜨개질을합니다. 최근 크로 셰 아미 구루미는 점점 더 대중화되고 보편화되었습니다.
원사로 짠 간단한 방법으로뜨개질 - 나선형으로 유럽 뜨개질 방법과 달리 원은 일반적으로 연결되지 않습니다. 또한 실의 굵기에 비해 더 작은 크기로 코바늘로 뜨개질을 하여 충전물이 나올 틈이 없는 매우 조밀한 직물을 만듭니다. 아미구루미는 팔다리가 없고 머리와 몸통만 있어 하나의 전체인 일부 아미구루미를 제외하고 종종 부품으로 만든 다음 조립합니다. 팔다리는 때때로 플라스틱 조각으로 채워져 생체중을 제공하는 반면 신체의 나머지 부분은 섬유질로 채워집니다.
아미구루미 미학의 확산은 그들의 귀여움("카와이")에 의해 촉진됩니다.

많은 기술과 스타일을 다룹니다. 역사를 통틀어 많은 변화를 겪었습니다. 새로운 전통과 장르가 더해졌고 일본 고유의 원칙은 그대로 유지되었습니다. 와 함께 놀라운 이야기일본화도 독특하고 흥미로운 사실을 많이 제시할 준비가 되어 있다.

고대 일본

첫 번째 스타일은 그리스도 이전에도 국가의 가장 오래된 역사적시기에 나타납니다. 이자형. 그 당시 예술은 꽤 원시적이었습니다. 첫째, 기원전 300년 즉, 막대기의 도움으로 도자기에 만들어진 다양한 기하학적 인물이 나타났습니다. 청동 종의 장식품과 같은 고고학자들의 발견은 나중에 속합니다.

조금 후에, 이미 서기 300년에. 즉, 훨씬 더 다양한 동굴 벽화가 나타납니다. 기하학적 장식. 이들은 이미 이미지가 있는 본격적인 이미지입니다. 그것들은 지하실 안에서 발견되었고 아마도 그것들에 그려진 사람들은 이 묘지에 묻혔을 것입니다.

서기 7세기 이자형. 일본은 중국에서 온 스크립트를 채택합니다. 같은시기에 첫 번째 그림이 거기에서 나옵니다. 그러면 회화는 별도의 예술 영역으로 나타납니다.

에도

Edo는 첫 번째 그림이 아니라 마지막 그림이 아니지만 문화에 많은 새로운 것을 가져온 것은 그녀였습니다. 첫째, 블랙과 그레이 톤으로 수행되는 일반적인 기법에 밝기와 광채를 더한 것입니다. 최대 뛰어난 예술가이 스타일은 Sotasu로 간주됩니다. 그는 고전적인 그림을 그렸지만 그의 캐릭터는 매우 화려했습니다. 나중에 그는 자연으로 전환했고 대부분의 풍경은 금박을 배경으로 이루어졌습니다.

둘째, 에도시대에는 이색적인 남반장르가 등장하였다. 그것은 전통적인 일본 스타일과 얽힌 현대 유럽과 중국 기술을 사용했습니다.

그리고 셋째로 낭학파가 등장한다. 그 안에서 예술가들은 먼저 중국 거장의 작품을 완전히 모방하거나 심지어 복사합니다. 그런 다음 분징이라는 새로운 가지가 나타납니다.

근대화 기간

에도 시대는 메이지를 대체하고 지금 일본 회화는 강제로 새로운 무대개발. 이때 서양 등의 장르가 전 세계적으로 유행하면서 미술의 근대화는 보편적인 현상이 되었다. 그러나 모든 사람들이 전통을 숭상하는 나라인 일본에서는 주어진 시간상황은 다른 나라에서 일어난 일과 매우 달랐습니다. 여기에서 유럽과 현지 기술자 간의 경쟁이 급격히 벌어집니다.

이 단계에서 정부는 서양식 기술을 향상시킬 가능성이 큰 젊은 예술가를 선호합니다. 따라서 그들은 유럽과 미국의 학교에 보냅니다.

그러나 이것은 기간 초반에 불과했습니다. 사실은 주목할만한 비평가서구 미술을 상당히 비판했다. 이 문제에 대한 큰 혼란을 피하기 위해 유럽 스타일과 기술은 전시회에서 금지되기 시작했고 전시가 중단되었으며 인기도 높아졌습니다.

유럽 ​​스타일의 출현

그런 다음 다이쇼 시대가 온다. 이때 외국 학교에 유학을 떠났던 젊은 예술가들이 고향으로 돌아옵니다. 당연히 그들은 새로운 스타일을 가져옵니다. 일본화유럽과 매우 유사합니다. 인상주의와 후기 인상주의가 나타난다.

이 단계에서 고대 일본 양식이 부활하는 많은 학교가 형성됩니다. 그러나 서구적 경향을 완전히 제거하는 것은 불가능하다. 따라서 고전 애호가와 현대 유럽 회화 팬 모두를 만족시키기 위해서는 여러 기술을 결합해야합니다.

일부 학교는 많은 국가 전통이 보존되어 있기 때문에 국가에서 자금을 지원합니다. 반면에 개인 거래자는 새로운 것을 원하는 소비자의 리드를 따라야 하며 고전에 지쳤습니다.

제2차 세계대전 회화

전쟁이 시작된 후 일본 회화는 한동안 사건에 무관심했습니다. 별도로 독립적으로 개발되었습니다. 하지만 언제까지나 이대로 갈 수는 없었다.

시간이 지남에 따라 국가의 정치 상황이 악화되면 높고 존경받는 인물이 많은 예술가를 끌어들입니다. 그들 중 일부는 전쟁이 시작될 때도 애국적인 스타일로 만들기 시작합니다. 나머지는 당국의 명령에 의해서만 이 프로세스를 시작합니다.

따라서 제2차 세계대전 당시 일본의 미술은 특별히 발전할 수 없었다. 따라서 페인팅의 경우 정체라고 할 수 있습니다.

영원의 스이보쿠가

일본 수묵화 또는 suibokuga는 "수묵화"를 의미합니다. 이것은 스타일과 기술을 정의합니다. 이 예술. 그것은 중국에서 왔지만 일본인은 그들 자신의 이름을 짓기로 결정했습니다. 그리고 처음에는 기술에 미적 측면이 없었습니다. 선을 공부하는 동안 승려들이 자기 계발을 위해 사용했습니다. 게다가 처음에는 그림을 그렸고, 나중에는 그림을 보면서 집중력을 키웠다. 승려들은 엄격한 선, 모호한 색조 및 그림자가 개선에 도움이 된다고 믿었습니다. 이 모든 것을 단색이라고 합니다.

일본 수묵화는 다양한 그림과 기법에도 불구하고 언뜻 보기에 복잡하지 않습니다. 다음 4개의 플롯만 기반으로 합니다.

1. 국화.
2. 난초.
3. 매화 가지.
4. 대나무.

적은 수의 플롯이 기술 개발을 빠르게 만들지는 않습니다. 일부 마스터는 배움이 평생 지속된다고 믿습니다.

sumi-e가 오래 전에 등장했음에도 불구하고 항상 수요가 많습니다. 또한 오늘날 일본뿐만 아니라 국경을 넘어 널리 퍼져있는이 학교의 주인을 만날 수 있습니다.

근대

제 2 차 세계 대전이 끝날 무렵 일본의 예술은 대도시에서만 번성했고 마을 사람들과 마을 사람들은 충분히 걱정했습니다. 대부분의 경우 예술가들은 전쟁의 손실에 등을 돌리고 캔버스에 모든 장식과 기능으로 현대 도시 생활을 묘사하려고 노력했습니다. 유럽과 미국의 사상은 성공적으로 받아들여졌지만 이러한 상태는 오래가지 못했다. 많은 마스터들이 점차 그들에게서 일본 학교로 이동하기 시작했습니다.

항상 유행을 유지했습니다. 따라서 현대 일본화는 제작 기법이나 그 과정에서 사용된 재료에서만 다를 수 있습니다. 그러나 대부분의 예술가들은 다양한 혁신을 잘 인식하지 못합니다.

유행은 말할 것도 없고 현대 하위 문화애니메이션 및 유사한 스타일과 같은. 많은 예술가들이 고전과 오늘날 요구되는 것 사이의 경계를 흐리게 하려고 노력하고 있습니다. 대부분의 경우 이러한 상태는 상업 때문입니다. 클래식과 전통 장르는 실제로 사지 않기 때문에 좋아하는 장르의 아티스트로 활동하는 것은 수익성이 없으며 패션에 적응해야합니다.

결론

틀림없이 일본화는 미술의 보고입니다. 아마도 문제의 국가는 서구 트렌드를 따르지 않고 패션에 적응하지 못한 유일한 국가였습니다. 새로운 기술의 출현 당시 많은 타격에도 불구하고 일본 예술가들은 여전히 ​​많은 장르에서 국가 전통을 수호했습니다. 이것이 현대에 와서 고전 양식의 그림이 전시회에서 높은 평가를 받는 이유일 것입니다.

오늘날의 세계는 종종 영적 위기, 전통과의 유대 파괴, 세계화로 인해 국가적 토대를 흡수할 수밖에 없다는 비난을 받습니다. 모든 것이 개인화되고 동시에 비개인화됩니다. 소위 고전 예술이라면 우리는 다음과 같이 나눌 수 있습니다. 국립학교그리고 거기에 상상 이탈리아 미술독일 예술은 무엇이며 프랑스 예술은 무엇입니까? 그렇다면 현대 미술을 같은 "학교"로 나눌 수 있습니까?

이 질문에 답하기 위해 일본 현대 미술을 소개하고 싶습니다. 회의에서 예술 박물관모리는 지난해 현대미술의 국제주의라는 주제에 대해 도쿄대 하야시 미치오 교수가 서양에서 '일본다움'에 대한 대중적 인식이 1980년대 '키치', '자연스러움', '기술적 복잡성'의 삼위일체에 의해 굳어졌다고 말했다. ". 오늘날 대중적이고 특히 상업적으로 인기 있는 일본의 현대 미술은 여전히 ​​이 삼각형에 놓일 수 있습니다. 서양 시청자에게는 떠오르는 태양의 땅 예술에만 내재된 특정 기능으로 인해 신비하고 독창적입니다. 8월에는 서양과 동양이 한 번에 세 곳의 예술 공간에서 만났습니다. 8월 8일까지 맨하탄(515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan)에서 “존재의 이중성 – 포스트 후쿠시마” 전시회가 열렸습니다. 주관적 공간'은 8월 15일까지 지속되었으며 거의 ​​근처에 있습니다(508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan). 밀라노의 Palazzo Reale에 있는 Takashi Murakami의 "Arhat Cycle"은 여전히 ​​방문객을 매료시키고 놀라게 합니다.

전시된 모든 작품은 쓰나미가 일본을 강타한 2011년 3월 11일 이후에 제작되었습니다. 후쿠시마 원자력 발전소의 핵 재해는 국가를 결집시켰고, 우선 순위와 가치를 재고하고 오랫동안 잊혀진 전통으로 다시 돌아갈 필요가 있게 만들었습니다. 예술은 제쳐두고 현대 청중의 요구에 초점을 맞추는 동시에 역사적 기반과 가치를 존중하는 새로운 유형의 예술가를 세상에 제시할 수 없었습니다.

무라카미 다카시 - 광고 성공한 예술가테크노 키치를 대중화하고 일본 니혼가 회화의 전통과 애니메이션, 망가의 특수성을 바탕으로 새로운 시각 언어 슈퍼플랫을 창조한 작가. 그의 복제된 조각과 터무니없는 설치의 이념은 전후 소비주의가 만연한 일본의 변화를 보여주기 위한 것이었다. 그러나 2011년 3월 11일은 히로시마와 나가사키에 핵폭탄이 투하된 1945년 8월의 끔찍한 이틀처럼 일본의 삶을 "전"과 "후"로 나누었습니다. 끔찍한 결과를 초래 한 그 강력한 지진 이후 Murakami는 불교와 일본 미학을 재고하는 길에 착수하여 기원과 영성으로 돌아가는 발걸음을 내디뎠습니다. 아라한 사이클을 시작한 첫 작품은 2012년 카타르 도하에서 열린 무라카미 다카시의 개인전에서 선보인 500나한이다. 저자는 불교 주제로의 복귀는 이 세상에는 우리만이 있는 것이 아니라 우리와 무관한 세력이 있으며 우리에게 의존하는 것을 멈추기 위해 매번 개선해야 한다는 것을 깨닫기 위한 시도로 설명합니다. 자신의 욕망과 영향. 캔버스 전체 100m에 걸쳐 격렬한 요소로부터 청중을 보호하는 것처럼 빽빽한 arhats 벽은 모든 사람의 영혼에 평화와 평온을 심어주었습니다. 그러나 무라카미는 한 작품에 그치지 않고 마치 만화 기법을 사용하여 이야기를 시각 디자인으로 전달하듯 내러티브를 보완하고 확장하면서 회화의 순환을 이어갔다. 주기의 두 번째 부분은 2013년 Blum & Poe 갤러리(로스앤젤레스)에서 발표되었습니다. 오늘날 밀라노에서 arhats는 영성으로의 복귀와 열정의 포기에 대한 아이디어를 전파하면서 세 번째로 세계를 여행하고 있습니다. 교화와 의미의 깊이에도 불구하고 그림은 대담하고 밝은 색상 결정, 예술적 언어 자체로 인해 쉽게 인식됩니다. 만화적 요소는 그들에게 필요한 대중화의 몫을 가져왔기 때문에 불교의 방송 사상은 미숙한 대중도 쉽게 읽고 받아들일 수 있었습니다.

근대 일본화의 다음 대표자는 무라카미의 제자인 카즈키 우메자와라고 할 수 있습니다. 그는 애니메이션 캐릭터의 디지털 렌더링을 스티커 위에 그려 추가 깊이와 시각적 혼돈을 만들어냅니다. 인터넷 전체에 흩어져 있는 임의의 이미지에서 그는 콜라주를 구성하고 배경을 깨고 오타쿠(애니메이션 및 만화 팬)의 상상력의 구조와 내용을 반영하는 만다라를 만듭니다. 불교적 상징에 대한 호소는 젊은 예술가의 작품의 의미론적 가치를 높이고, 한편으로는 신성함과 확립된 문화를 연결하고, 다른 한편으로는 현재 이슈, 그러나 다시 특정 일본 현상 인 애니메이션을 포함합니다.

Takashi Murakami와 Kazuki Umezawa는 관련성과 전통, 키치와 스타일 사이에서 능숙하게 균형을 잡습니다.

놀랍게도 2011년 3월 11일 일본 대지진 이후 집 잔해 속에 9일 동안 갇혀 있다가 구조된 16세 소년이 기자의 장래 꿈에 대해 묻자 이렇게 대답했습니다. 예술가가 되고 싶어요.”

현대 일본 미술계는 완전히 세계화 된 것 같습니다. 아티스트는 도쿄와 뉴욕을 오가며 거의 모두 유럽 또는 미국 교육을 받았으며 국제 예술 영어로 작업에 대해 이야기합니다. 그러나이 그림은 완전하지 않습니다.

국가적 형태와 트렌드는 일본이 세계 시장에 제공해야 하는 가장 인기 있는 품목 중 하나임이 입증되고 있습니다. 예술적 아이디어그리고 작동합니다.

비행기 작동. 슈퍼플랫은 미국 괴짜 문화와 일본 전통 회화를 결합하는 방법

무라카미 다카시. "탕탄보"

서구 세계에서 거의 모든 사람들에게(아마도 가장 열렬한 포스트모던 이론가를 제외하고) 높은 것과 높은 것 사이의 경계가 대중 문화문제가 있지만 여전히 관련이 있지만 일본에서는 이러한 세계가 완전히 혼합되어 있습니다.

세계 최고의 갤러리 전시와 스트리밍 제작을 성공적으로 결합한 Takashi Murakami가 그 예입니다.

무라카미 전시회 "부드러운 비가 내리겠습니다" 순회 녹음

그러나 무라카미와 대중문화의 관계(일본의 경우 이것은 주로 만화 및 애니메이션 팬(오타쿠)의 문화)와 관계가 더 복잡합니다. 철학자 아즈마 히로키는 오타쿠를 정통 일본 현상으로 이해하는 것을 비판합니다. 오타쿠는 17-19세기 에도 시대의 전통, 즉 고립주의 시대와 근대화 거부 시대와 직접적으로 연결되어 있다고 생각합니다. Azuma는 만화, 애니메이션, 그래픽 소설, 컴퓨터 게임을 기반으로 한 오타쿠 운동이 미국 문화의 수입으로 인해 전후 미국 점령의 맥락에서만 발생할 수 있다고 주장합니다. Murakami와 그의 추종자들의 예술은 팝 아트 기법으로 오타쿠를 재창조하고 전통의 진정성에 대한 민족주의 신화를 폭로합니다. 그것은 "일본화된 미국 문화의 재미국화"를 나타냅니다.

예술적 관점에서 슈퍼플랫은 초기 일본 우키요에 그림에 가장 가깝습니다. 이 전통에서 가장 유명한 작품은 " 큰 파도카츠시키 호쿠사이(1823-1831)의 '카나가와에서'.

서구 모더니즘에게 일본화의 발견은 돌파구였다. 그것은 그림을 평면으로 볼 수 있게 했고, 그 특성을 극복하는 것이 아니라 그것과 함께 작업하는 것을 추구한다.

카츠시키 호쿠사이. "가나가와 앞바다의 큰 파도"

성능의 선구자. 1950년대 일본 미술은 오늘날 무엇을 의미하는가

카나야마 아키라와 시라가 카즈오의 창작 과정을 기록한 문서

슈퍼플랫은 2000년대에야 비로소 모습을 드러냈습니다. 그러나 세계 예술에 중요한 예술적 행동은 서양보다 훨씬 일찍 일본에서 시작되었습니다.

예술의 수행적 전환은 지난 세기의 60년대와 70년대의 전환기에 일어났습니다. 일본에서는 50년대에 공연이 나왔다.

Gutai Group은 처음으로 자급자족할 수 있는 물건을 만드는 것에서 생산 과정으로 초점을 옮겼습니다. 여기에서 일시적인 이벤트를 위해 예술품을 포기하는 한 단계입니다.

구타이 출신의 개별 예술가(20년 동안 59명)가 국제적 맥락에서 활발히 활동했지만, 일반적으로 일본 전후 예술에 대한 그들의 집단적 활동이 서양에서 어떻게 시작되었는지 이해하는 것은 아주 최근입니다. 붐은 2013년 뉴욕과 로스앤젤레스, 도쿄의 소규모 갤러리에서 여러 전시회를 열면서 시작되었습니다. 일본 미술품의 모스크바 수입은 이러한 추세의 거의 뒤늦은 연속으로 보인다.

모토나가 사다마사. 구겐하임 미술관의 작품(물)

이 회고전 전시가 얼마나 현대적인지 놀랍습니다. 예를 들어, 구겐하임 미술관 전시의 중심 대상은 모토나가 사다마사(Sadamasa Motonaga)의 작품(물) 재건으로, 박물관 원형 건물의 층은 유색 물이 있는 폴리에틸렌 파이프로 연결되어 있습니다. 그것들은 캔버스에서 떼어낸 붓놀림을 연상시키고 "구체성"에 대한 구타이의 중심 초점을 예시합니다. 일본 이름그룹), 작가가 작업하는 대상의 물질성.

구타이의 많은 구성원은 고전 일본화와 관련된 교육을 받았고, 많은 사람들이 선불교의 종교적 맥락과 특징적인 일본 서예에 전기적으로 연결되어 있습니다. 그들 모두는 고대 전통에 대한 새롭고 절차적이거나 참여적인 접근 방식을 찾았습니다. Kazuo Shiraga는 자신의 발로 반 Rauschenberg 단색을 그리는 방법을 비디오로 녹화했으며 공개적으로 그림을 만들었습니다.

요시다 미노루(Minoru Yoshida)는 일본 판화의 꽃을 사이키델릭한 물건으로 바꿨습니다. 그 예로 세계 최초의 키네틱(움직이는) 조각품 중 하나인 양성화(Bisexual Flower)를 들 수 있습니다.

구겐하임 미술관 전시 큐레이터들은 이 작품들의 정치적 중요성에 대해 다음과 같이 이야기합니다.

"구타이는 수십 년 동안 군국주의 정부가 결정적인 영향력을 확보하고 중국을 침공한 후 수십 년 동안 사회적 수동성과 순응에 대응하는 방법으로서 자유로운 개인 행동, 청중의 기대를 무너뜨리는 것, 심지어 어리석음의 중요성을 보여주었습니다. 제2차 세계대전에 가담하십시오."

선하고 현명합니다. 1960년대 예술가들이 일본을 떠나 미국으로 간 이유

구타이는 전후 일본 통치의 예외였다. 아방가르드 그룹은 주변부로 남아 있었고 예술계는 엄격하게 계층적이었습니다. 인정받는 주요 방법은 인정받는 고전 예술가 협회에서 개최하는 대회에 참가하는 것입니다. 따라서 많은 사람들이 서양으로 가서 영어 예술 ​​시스템에 통합되는 것을 선호했습니다.

특히 여자들이 힘들었다. 진보적인 구타이에서도 그들의 비중은 5분의 1도 되지 않았다. 필요한 접근을 위해 전통적인 기관에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 특수 교육. 60년대에 소녀들은 이미 그것에 대한 권리를 얻었지만, 예술을 배우는 것(기술 세트의 일부인 장식에 관한 것이 아니라면 료사이 켄보- 좋은 아내와 현명한 어머니) 직업에 사회적으로 눈살을 찌푸린 사람이었다.

오노 요코. 절단 조각

5명의 강력한 일본 여성 예술가들이 도쿄에서 미국으로 이주하는 이야기는 요시모토 미도리의 연구 "Into Performance: Japanese Women Artists in New York"의 주제였습니다. 쿠사마 야요이, 사이토 타카코, 시오미 미에코, 쿠보타 시게코는 경력 초기에 뉴욕으로 떠나기로 결정하고 일본 미술 전통의 현대화를 포함하여 그곳에서 일했습니다. Yoko Ono만이 미국에서 자랐지만 그녀는 1962-1964년 짧은 체류 기간 동안 도쿄의 예술 계층 구조에 환멸을 느끼며 의도적으로 일본으로 돌아가는 것을 거부했습니다.

Ono는 John Lennon의 아내 일뿐만 아니라 객관화에 전념하는 프로토 페미니스트 공연의 저자로서 다섯 명 중 가장 유명해졌습니다. 여성의 몸. 관객이 아티스트의 옷을 잘라낼 수 있는 Cut Piece It과 "퍼포먼스의 할머니" 마리나 아브라모비치의 "Rhythm 0" 사이에는 명백한 유사점이 있습니다.

짧은 다리에. 스즈키 타다시 작가의 연기 트레이닝을 이수하는 방법

오노와 구타이의 경우 작가와 분리된 작업 방식과 주제가 국제적으로 중요해졌다. 다른 형태의 수출이 있습니다. 작가의 작품이 국제 무대에서 관심을 가지고 인식되지만 그 특이성 때문에 실제 방법의 차용이 발생하지 않는 경우입니다. 가장 눈에 띄는 사례는 스즈키 타다시의 연기 트레이닝 시스템이다.

스즈키 극장은 러시아에서도 사랑 받고 있으며 이는 놀라운 일이 아닙니다. 그가 우리와 마지막으로 함께한 것은 2016년 에우리피데스의 텍스트를 바탕으로 한 트로이의 여인들의 공연이었고, 2000년대에는 셰익스피어와 체호프의 작품으로 여러 차례 찾아왔다. Suzuki는 연극의 행동을 현재 일본의 맥락으로 옮기고 텍스트에 대한 명확하지 않은 해석을 제공했습니다. 그는 Ivanov에서 반유대주의를 발견하고 중국에 대한 일본인의 경멸적인 태도와 비교하고 Lear 왕의 행동을 일본의 정신병원.

Suzuki는 러시아 연극 학교에 반대하는 시스템을 구축했습니다. 19세기 말, 이른바 메이지 시대에 근대화하는 일본 제국은 반대 운동의 부상을 경험했습니다. 그 결과 이전에는 극도로 폐쇄된 문화가 대규모로 서구화되었습니다. 수입된 형식 중에는 Stanislavsky 시스템이 있었는데, 이는 여전히 일본(및 러시아)에서 주요 감독 방법 중 하나로 남아 있습니다.

스즈키 운동

스즈키가 활동을 시작한 60년대에 일본 배우들은 신체적인 특징 때문에 당시 레퍼토리를 가득 채운 서양 텍스트의 역할에 익숙해질 수 없다는 논문이 점점 더 퍼지고 있었습니다. 젊은 감독은 가장 설득력있는 대안을 제시했습니다.

스즈키의 다리 문법이라고 하는 운동 시스템에는 수십 가지 앉는 방법과 더 많은 일어서고 걷는 방법이 포함됩니다.

그의 배우들은 보통 맨발로 연기하며 무게 중심을 낮추어 가능한 한 땅에 단단히 묶인 채 무겁게 보입니다. 스즈키는 현대 장비로 가득 찬 고대 일본 가옥인 토가 마을에서 그들과 외국 공연자들에게 자신의 기술을 가르칩니다. 그의 극단은 1 년에 약 70 회만 공연하고 나머지 시간에는 거의 마을을 떠나지 않고 개인적인 일을 할 시간이 없으며 일만합니다.

도가 센터는 1970년대에 등장했으며, 세계적으로 유명한 건축가 아라타 이소자카가 감독의 요청으로 설계했습니다. 스즈키의 시스템은 가부장적이고 보수적으로 보일 수 있지만, 그 자신은 분권화라는 현대적 용어로 토가에 대해 이야기합니다. 2000년대 중반에도 스즈키는 예술을 수도에서 지역으로 수출하고 현지 생산 지점을 조직하는 것의 중요성을 이해했습니다. 감독에 따르면 일본의 연극지도는 여러면에서 러시아와 비슷합니다. 예술은 도쿄에 집중되어 있고 그보다 적습니다. 주요 센터. 러시아 극장소도시를 정기적으로 여행하고 수도에서 멀리 떨어진 회사도 해를 끼치 지 않을 것입니다.

토가의 SCOT 회사 센터

꽃 산책로. 현대 연극은 노와 가부키 체계에서 어떤 자원을 발견했는가

스즈키 방식은 일본의 고대 전통인 가부키에서 비롯된 것입니다. 이러한 유형의 연극은 종종 걷는 예술로 특징지어질 뿐만 아니라 더 분명한 세부 사항에서도 나타납니다. 스즈키는 종종 남성의 모든 역할 수행에 대한 규칙을 따르고, 예를 들어 무대에서 강당 깊이까지 확장되는 플랫폼인 가부키 샘플의 하나미치("꽃의 길")와 같은 특징적인 공간 솔루션을 사용합니다. 그는 또한 꽃과 두루마리와 같이 잘 알아볼 수 있는 상징을 이용합니다.

물론, 글로벌 세계일본인이 자국 양식을 사용할 수 있는 특권에 대해서는 의문의 여지가 없습니다.

우리 시대의 가장 중요한 감독 중 한 명인 미국 로버트 윌슨의 극장은 ~에서 빌린 것입니다.

그는 일본의 대중을 연상시키는 마스크와 분장을 사용했을 뿐만 아니라 움직임의 최대 감속과 제스처의 자급자족적인 표현력을 바탕으로 연기 방식을 차용했다. 전통과 의례 형식을 최첨단 조명 점수와 미니멀리스트 음악(가장 유명한 작품윌슨 - 필립 글래스의 오페라 "해변의 아인슈타인"의 작품), 윌슨은 본질적으로 현대 예술의 많은 부분이 추구하는 기원과 관련성의 종합을 만들어냅니다.

로버트 윌슨. "해변의 아인슈타인"

노와 가부키에서 현대 무용의 기둥 중 하나가 성장했습니다. 문자 그대로 번역 된 부토는 어둠의 춤입니다. 1959년 안무가 오노 카즈오(Kazuo Ono)와 타츠미 히지카타(Tatsumi Hijikata)가 발명한 부토(butoh)는 충격적인 전쟁 경험의 반성을 신체 차원으로 가져오는 것이었습니다.

“그들은 몸이 아프고, 무너지고, 심지어 기괴하고 기괴하기까지 한 모습을 보여주었습니다.<…>움직임은 느리거나 의도적으로 날카롭고 폭발적입니다. 이를 위해 골격의 뼈 지렛대로 인해 주 근육이 개입되지 않은 것처럼 움직임이 수행되는 특별한 기술이 사용됩니다. 그것은 발레의 규범성에서 벗어나는 것입니다. 그녀는 부토를 20세기 초의 무용가 및 안무가의 관행과 비교합니다. Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman은 후기 "포스트모던" 무용에 대한 영향에 대해 이야기합니다.

부토 전통의 현대적 계승자인 가쓰라 가나의 춤의 단편

오늘날 원래 형태의 부토는 더 이상 전위적인 관행이 아니라 역사적 재구성입니다.

그러나 Ono, Hijikata 및 그 추종자들이 개발한 동작 어휘는 현대 안무가에게 중요한 자원으로 남아 있습니다. 서양에서는 Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky가 사용했으며 The Weekend의 "Belong To The World" 비디오에서도 사용되었습니다. 일본에서 부토 전통의 후계자는 예를 들어 테시가와라 사부로로 10월에 러시아를 방문할 예정입니다. 그 자신은 어둠의 춤과의 유사점을 부인하지만 비평가들은 겉보기에 뼈가없는 몸, 연약함, 소리없는 발걸음과 같은 꽤 눈에 띄는 징후를 발견합니다. 사실, 그들은 이미 포스트 모더니스트 안무의 맥락에 놓여 있습니다. 높은 템포, 달리기, 포스트 산업 소음 음악과 함께 작업합니다.

테시가와라 사부로. 변형

로컬 글로벌. 현대 일본 미술은 서양 미술과 어떻게 비슷합니까?

Teshigawara와 그의 많은 동료들의 작품은 최고의 서양 현대 무용 축제 프로그램에 유기적으로 적합합니다. 일본 최대 규모의 연간 공연인 페스티벌/도쿄에서 선보인 공연과 공연에 대한 설명을 대충 훑어보면 유럽의 트렌드와 근본적인 차이를 느끼기 어려울 것이다.

중심 주제 중 하나는 장소 특정성입니다. 일본 예술가들은 고층 빌딩 형태의 자본주의 덩어리에서 오타쿠 밀집 지역에 이르기까지 도쿄의 공간을 탐구합니다.

또 다른 주제는 세대 간 오해, 라이브 만남의 장소로서의 극장, 다양한 연령대의 사람들의 조직적 의사 소통에 대한 연구입니다. Toshika Okada와 Akira Tanayama가 그녀에게 바친 프로젝트는 유럽의 주요 공연 예술 축제 중 하나에 몇 년 동안 연속으로 비엔나로 옮겨졌습니다. 2000년대 말까지 다큐멘터리 자료와 개인적인 이야기를 무대로 옮기는 것은 새로운 것이 없었지만, 비엔나 페스티벌의 큐레이터는 이 프로젝트를 다른 사람과 실시간으로 일대일로 접촉할 수 있는 기회로 대중에게 제시했습니다. 문화.

또 다른 주요 라인은 충격적인 경험을 통해 작업하는 것입니다. 일본인에게 그것은 수용소나 홀로코스트가 아니라 히로시마와 나가사키의 폭격과 관련이 있습니다. 극장은 끊임없이 그를 언급하지만 모든 현대 일본 문화의 기원의 순간으로서의 원자 폭발에 대한 가장 강력한 진술은 여전히 ​​무라카미 다카시에게 속합니다.

전시회 "리틀 보이: 폭발하는 일본의 하위 문화 예술"

"Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture"는 2005년 뉴욕에서 선보인 기획 프로젝트의 제목입니다. "리틀 보이" - 러시아어로 "아기" - 1945년 일본에 투하된 폭탄 중 하나의 이름. 유명한 일러스트레이터의 만화 만화, 독특한 빈티지 장난감, Godzilla에서 Hello Kitty에 이르는 유명한 애니메이션에서 영감을 받은 상품을 수집한 Murakami는 박물관 공간의 귀여움(카와이)의 집중을 한계까지 끌어올렸습니다. 동시에 그는 다음과 같은 다양한 애니메이션을 출시했습니다. 중앙 이미지폭발, 맨땅, 파괴된 도시의 사진이 있었습니다.

이 반대는 외상 후 스트레스 장애에 대처하는 방법으로 일본 문화의 유아화에 대한 첫 번째 주요 진술이었습니다.

이제 이 결론은 이미 명백해 보입니다. 요모타 이누히코(Inuhiko Yomota)의 카와이에 대한 학문적 연구를 기반으로 합니다.

나중에 외상성 트리거도 있습니다. 가장 중요한 것은 2011년 3월 11일 후쿠시마 원자력 발전소에서 큰 사고를 일으킨 지진과 쓰나미입니다. Festival/Tokyo-2018에서는 6개의 공연으로 구성된 전체 프로그램이 자연 재해와 기술 재해의 결과를 이해하는 데 전념했습니다. 그들은 또한 Solyanka에서 발표된 작품 중 하나의 주제가 되었습니다. 이 예는 무기고가 중요한 방법서양과 일본의 미술은 근본적으로 다르지 않다. 이시이 하루유키(Haruyuki Ishii)는 지진에 관한 텔레비전 프로그램에서 고속으로 편집되고 반복되는 영상을 순환하는 3대의 텔레비전 세트를 제작합니다.

큐레이터는 “작품은 그가 본 모든 것이 더 이상 허구로 인식되지 않는 순간까지 작가가 뉴스에서 매일 보았던 111개의 영상으로 구성되어 있다”고 설명한다. "신일본"은 예술이 어떻게 국가 신화에 근거한 해석에 저항하지 않고 동시에 비판적인 눈동일한 해석이 모든 기원의 예술에 관련될 수 있음을 발견했습니다. 큐레이터들은 노자의 말을 인용하며 일본 전통의 근간인 사색에 대해 이야기합니다. 동시에, 거의 모든 현대 미술이 "관찰자 효과"(전시라고 함)에 초점을 맞추고 있다는 괄호를 벗어난 것처럼-익숙한 현상에 대한 인식에 대한 새로운 맥락을 만드는 형태이든 제기하는 형태이든 상관 없습니다. 그러한 적절한 인식의 가능성에 대한 질문.

Imagined Communities - 비디오 아티스트 Haruyuki Ishii의 또 다른 작품

게임

그러나 2010년대 일본을 진보의 집약체라고 생각해서는 안 된다.

좋은 옛 전통주의의 습관과 오리엔탈리스트 이국주의에 대한 사랑은 아직 오래 가지 못했습니다. "The Theatre of Virgins"는 러시아 보수 잡지 "PTJ"에 실린 일본 연극 "Takarazuka"에 대한 오히려 찬사 기사의 제목입니다. 다카라즈카는 19세기 말 우연히 민간인의 종착지가 된 같은 이름의 외딴 도시에 관광객을 유치하기 위한 사업 프로젝트로 등장했습니다. 철도. 미혼 소녀들만이 극장에서 뛰는데, 철도 소유자에 따르면 남성 관중을 도시로 유인해야했습니다. 오늘날 다카라즈카는 하나의 산업으로 기능합니다. 콘서트 프로그램, 심지어 지역 놀이 공원. 그러나 미혼 소녀 만이 극단에 들어갈 권리가 있습니다. 적어도 처녀성을 확인하지 않기를 바랍니다.

그러나 다카라즈카는 일본인들이 극장이라고도 부르는 교토의 도지 디럭스 클럽에 비하면 아무것도 아니다. 그들은 절대적으로 거칠게 보여줍니다. 설명뉴요커 칼럼니스트 Ian Buruma, 스트립 쇼: 무대 위의 여러 벌거벗은 소녀들이 성기 시연을 공공 의식으로 바꿉니다.

많은 예술적 관행과 마찬가지로 이 쇼는 고대 전설(양초와 돋보기의 도움으로 청중의 남자들이 "어머니 여신 아마테라스의 비밀"을 탐색할 수 있음)에 기반을 두고 있으며 작가 자신이 상기되었습니다. 노 전통의.

찾다 서양 대응"Takarazuki"와 Toji에 대해서는 독자에게 맡길 것입니다. 찾기가 어렵지 않습니다. 우리는 현대 예술의 상당 부분이 슈퍼 플랫에서 부토 댄스에 이르기까지 서양과 일본 모두에서 이러한 억압 관행에 맞서 싸우는 데 정확히 관련되어 있다는 점에 주목합니다.

일본이 전 세계적으로 첨단 기술의 나라로 여겨지고 있음에도 불구하고 현대 현대 미술은 전통과의 결별을 서두르지 않습니다. 전시회 “Mono no Avare. The Charm of Things'는 플라스틱 시대의 인간 조건에 대한 슬픈 이야기입니다.

모노노아레 - 전시명을 붙인 일본문화의 미학적 원리로 사물의 슬픈 매력, 사물과 현상의 뻔하고 암묵적인 아름다움에 대한 매혹감을 의미하며 눈에 보이는 모든 것의 환상적인 본성과 나약함을 감지함으로써. 그것은 일본의 전통적인 종교인 신도와 불가분의 관계가 있습니다. Shintoists는 모든 것이 영적 본질 "kami"를 부여 받았다고 믿습니다. 그것은 나무와 돌 모두 어떤 물체에도 존재합니다. "Kami"는 불멸하며 세상의 모든 것이 지속적으로 업데이트되는 삶과 죽음의 순환에 포함됩니다.

그리고 현대 미술은 국제적인 언어를 사용하지만 이번 전시에서 선보이는 일본 현대 미술은 전통의 관점에서 더 잘 볼 수 있습니다.

아티스트 Hiraki Sawa의 도입부 설치는 방 전체를 차지했으며 배우들이 가정용품인 그림자극장입니다. 그것은 어린이 철도의 원칙에 따라 지어졌습니다. 손전등을 든 기차는 작가가 만든 풍경 속을 지나가고, 한 줄기 빛은 사물의 미시적 세계에서 거시적 세계를 낳는다. 그리고 지금은 이미 버치 그로브수직이 아닌 서있는 연필; 이것들은 빨래 집게가 아니라 들판의 전선입니다. 손잡이가 달린 거꾸로 된 플라스틱 대야는 터널입니다. 이 작품은 "Inside"라고 불리며 이전에 베니스 비엔날레에서 상영되었습니다.

가노 시니시로의 그림은 원시적 초현실주의라고 할 수 있다. Kano의 정물화에는 농구공, 행성 지구 및 과일이 한 접시에 있습니다.

그림 속에 그림 자체는 없고, 기름으로 칠한 틀만 있다. 한 캔버스에는 붉은 기모노를 입은 신의 모습이 다른 하나의 갈고리에 걸린 붉은 수건과 결합되어 있습니다. 이 화보 시리즈는 세상의 허상에 대한 이야기가 아닐까요? 아니면 모든 것에는 카미가 있을 수도 있습니다.

Masaya Chiba의 그림에는 아름다운 정글을 배경으로 두 인물이 있습니다. 백질로 쇠약해진 의인화 된 생물체는 남자와 여자를 거의 닮지 않았습니다. 그들은 동양 연극 인형처럼 막대기에 고정되어 있습니다. 물질은 치명적이며 껍질 일뿐입니다. 마치 저자가 우리에게 말하고 싶어하는 것처럼. 그의 다른 그림 작품 '잠자는 남자'도 마찬가지다. 사진에는 ​​사람이 없고 오토만에는 오래된 사진과 엽서, 자란 선인장, 장갑, 좋아하는 테이프, 향신료 한 병, 도구 세트 등 몇 가지만 있습니다.

예술가 Teppei Kanueji는 동일한 원칙에 따라 자신의 사람을 "조각"(건축물)합니다. 그는 가정용 쓰레기를 의인화된 생물 형태로 접착하고 흰색 페인트로 덮습니다.

거대한 만다라가 바닥에 늘어서 있고, 이것은 일본의 전통적인 사찰 의식으로, 분명히 불교에서 온 것입니다. 그런 주얼리 한 점은 미궁의 정신이나 신비로운 땅의 지도, 그리고 박물관에 바람이 없다는 것이 얼마나 좋은지를 포착합니다. 이 설치물은 독특하며 작가는 박물관 벽 안에서 며칠 동안 그것을 만들었습니다. 흥미로운 일본 전통도 있습니다. 시합 전에 스모 선수는 땅에 소금을 뿌립니다.

모리타 히로아키의 설치 작품 "에비앙에서 볼빅까지" 흥미로운 주제현대 일본 - 플라스틱 가공. 유리 선반에는 에비앙 생수 한 병이 놓여 있고, 그 그림자는 바닥에 서있는 다른 볼빅 병의 목에 정확하게 떨어집니다. 물이 병에서 병으로 쏟아지는 듯한 착각을 불러일으킵니다. 첫눈에 터무니없는. 일본인에게 이 개념적 작업은 "카미"의 순환, 즉 영적 본질을 상징할 뿐만 아니라 문자 그대로재활용의 원칙 - 재활용. 섬나라인 일본은 플라스틱 폐기물을 수집, 분류 및 재활용하는 방법을 가장 먼저 배운 나라 중 하나입니다. 결과물에서 새로운 병과 운동화가 재제조될 뿐만 아니라 인공섬까지 만들어집니다.

Teppei Kuneuji의 설치물은 얼핏 보면 쓰레기 분리수거장과 비슷합니다. 플라스틱 물체는 국자, 틀, 다양한 장난감, 옷걸이, 컬러 칫솔, 호스, 유리잔 등 다양한 순서로 여기에 배치됩니다. 하얀 가루를 뿌려 영원히 여기에 누워있는 것 같습니다. 익숙하지만 지금은 사용하지 않는 사물들 사이를 거닐며 이미 분리된 사물을 바라보면 바위 정원에서 명상하는 것과 같은 느낌을 받습니다. 그의 사진 콜라주에서 Teppei Kuneuji는 건설 잔해로 포탑을 "정신적으로" 만듭니다. 그러나 이것들은 예술 듀오인 Fishli와 Weiss의 것과 같은 운동 사슬이 아니라, 결합 재료 없이 돌이 돌 위에 놓여 있는 불교의 신성한 건물과 같습니다.

예술가 스다 요시히로(Suda Yoshihiro)는 모이카(Moika)가 내려다보이는 박물관 창의 유리창 사이에 꽃잎 하나가 떨어져 있는 분홍 장미 나무를 정교하게 만들었습니다. 박물관에서 이 매우 미묘하고 시적인 개입을 보면서 하이쿠 장르의 일본어 구절로 말하기 시작하고 싶습니다. “겨울. 박물관에 있는 장미도 영원히 핀다.”

그다지 시적이지 않은 또 다른 작품인 Onishi Yasuaki의 The Opposite of Volume은 중세 화가이자 선 승려인 Toyo Sesshu의 작품을 언급합니다. 이 일본 고전은 일본으로 가져 오는 것으로 유명합니다. 떠오르는 태양중국 단색 잉크 드로잉입니다.

Yasuaki의 설치 작품은 산의 회색 폴리에틸렌 3차원 실루엣으로, 얼어붙은 액체 플라스틱 제트(비와 같은)가 천장에서 그 위로 떨어집니다. 폭우 아래 '빈' 산을 만든다고, 마치 흑백으로 도요 회화예술가 Sessu는 산더미 같은 상자를 만들고 얇은 폴리에틸렌으로 덮은 다음 천장에서 뜨거운 플라스틱을 떨어뜨려야 했습니다.

마지막으로 Kengo Kito 설치물: 마치 "일본인의 인사"처럼 매달려 있는 컬러 플라스틱 스포츠 후프의 화환이 러시아로 가져와 올림픽 게임. 전시회 "The Charm of Things"는 일본 예술가들이 환경 문제뿐만 아니라 정신적인 문제를 다루는 재료로 플라스틱을 사용하는 것이 궁금합니다.