19세기 말 20세기 초 프랑스 연극. 파리의 프랑스 극장

프랑스 오페라의 역사에서 19 세기 중반은 전환점, 방향, 스타일의 변화, 장르 재정향의 시대로 밝혀졌습니다. 19 세기 전반에 V. Hugo의 소설 스타일과 J. Meyerbeer의 작품으로 대표되는 E. Scribe의 극작술과 관련된 "그랜드 오페라"장르가 여기에서 지배적이었습니다. "그랜드 오페라"의 특징적인 플롯은 점차 관련성을 잃고 부자연스러운 것으로 인식되기 시작했습니다. 프랑스에서 새로운 문학 학교가 탄생했으며 "신경 감수성의 학교"라고 불립니다. 이들은 A. Dumas 아들의 작품입니다 ( "The Lady of the Camellias", "Lady of the Half World", "Diana de Liz" "), Goncourt 형제 ( "Rene Mauprin"), A. Dode ( "Sappho"). 이 작품에서 작가의 모든 관심은 캐릭터의 내면 세계를 보여주는 데 집중되어 있습니다. 그리고 가장 자주-여 주인공, 여성, 종종-여성은 긴장하고 감수성이 있으며 연약하고 충동 적입니다. 전형적인 이미지는 "회개하는 죄인", 행복을 꿈꾸지만 꿈과 사랑을 포기할 수밖에 없는 아줌마. 그리하여 위고의 기념비적인 사극 이후, 사랑 서정극과 멜로드라마는 프랑스 극장의 새로운 매력의 중심이 되었다.

이러한 문학적 토대 위에서 프랑스 뮤지컬 극장에 새로운 장르가 등장한다. 서정 오페라(G. Verdi의 오페라 La Traviata는이 장르에 대한 일종의 기대가되었습니다). 그녀는 변했지만 "그랜드 오페라"라는 장르를 취소하지 않았습니다. Gounod와 Bizet (19 세기 후반의 가장 큰 프랑스 오페라 작곡가)도 그랜드 오페라 장르로 전환했지만 이것은 오히려 떠난 것에 대한 찬사였습니다. 그리고 리릭 오페라는 새로운 시대의 트렌드입니다. 그랜드 오페라 극장 자체는 요즘 일상의 거점으로 인식되었습니다. 1851년부터 1870년까지 파리에 존재했던 Teatrolyrical Opera에서 모든 새로운 일이 일어났습니다.

Charles Gounod의 Faust(1859)는 서정 오페라의 첫 완성본으로 간주됩니다. 새로운 오페라 스타일을 창조한 것은 구노였으며 이것이 그의 작품의 역사적 의미입니다. 그는 장르가 다른 12개의 오페라의 저자이다. 이것은 코믹 오페라 The Doctor Willy-nilly(1858)와 Meyerbeer 스타일의 오페라 The Queen of Sheba(1862)입니다. 그러나 최고는 서정적 장르와 관련된 작품입니다 : Faust (1859), Mireil (1864), Romeo and Juliet (1867). 또한 Thomas ( "Mignon", 1866, "Hamlet", 1868), J. Bizet ( "The Pearl Fishers", 1863, "The Beauty of Perth", 1867), Delibes ( "Lakme", 1883) 서정 오페라의 장르. 이 장르의 마지막 밝은 예는 19세기 후반 프랑스에서 가장 뛰어난 오페라 작곡가인 Bizet 이후 Jules Massenet의 작품입니다. Massenet "시인이라고 불리는 동시대 여성 영혼". 20 개가 넘는 오페라의 저자 인 그는 Manon (1881-84, Abbé Prevost의 소설을 기반으로 함)과 Werther (1886, Goethe의 The Sufferings of Young Werther)와 같은 서정적 오페라에서 완전히 자신을 발견했습니다.

서정 오페라는 그랜드 오페라와 같은 낭만적인 기원에서 성장했습니다. 그랜드 오페라는 낭만주의의 파토스, 즉 사회적으로 비판적인 방향을 표현한 것입니다. 대중 행동 라인의 발전을 기반으로 한 오페라입니다. 서정 오페라는 낭만주의의 이면인 친밀감, 친밀감, 심리학입니다.

서정적 오페라 덕분에 뮤지컬과 연극 무대에 새로운 플롯이 등장하거나 고전 플롯이 완전히 새로운 방식으로 드러납니다. 작곡가는 종종 셰익스피어("로미오와 줄리엣", "햄릿"), 괴테("파우스트", "베르테르")로 향합니다. 오페라 원본의 철학적 내용이 감소하고 고전적인 음모가 일반화되는 힘을 박탈 당하고 일상적인 소박한 모습을 얻습니다. 플롯의 또 다른 중요한 측면은 낭만적인 기쁨과 배타성에서 벗어나는 것입니다. 원칙적으로 주인공은 서정적 애호가입니다. 즉, 모든 음모는 주로 서정적 드라마 또는 멜로 드라마로 취급됩니다. 현대 프랑스 문학("신경 감수성 학파")에서와 마찬가지로 관심은 영웅에서 여주인공으로 이동합니다. 예를 들어, Goethe 소설의 첫 부분에 따라 쓰여진 Gounod의 오페라 "Faust"에서 Goethe 작품의 철학적 내용은 거의 영향을받지 않으며 줄거리는 서정적-일상적인 측면으로 해석됩니다. 마가리타의 이미지가 중심이됩니다 ( "파우스트"가 아니라 오페라 자체를 "마가리타"라고 부르는 동시대 사람들도 있음).

프랑스 가사 오페라의 또 다른 방향은 동양적이고 이국적인 풍미를 지닌 외국 기원의 음모와 관련이 있습니다. 50 년대 말에 David의 교향곡 "The Desert"가 등장합니다. 프랑스 음악의 첫 번째 "동양"작품 중 하나 인 동양 테마가 유행이됩니다.

Bizet의 오페라 The Pearl Seekers(1863)는 서정적인 "이국적인" 오페라 목록을 엽니다. 행동은 그림 같은 노래와 춤을 배경으로 진주 다이버들 사이에서 실론 섬에서 이루어지며 사냥꾼 Nadir과 Leila의 사랑이 보여집니다. Bizet의 또 다른 "이국적인"오페라 "Jamile"(1872)의 이벤트는 Gartsia의 하렘에있는 카이로에서 열립니다. 이 작품에서 작곡가는 여러 정통 아랍 선율을 사용하고 리드미컬한 억양을 민감하게 발전시킵니다.

1864년, 구노의 오페라 미레유가 등장하는데, 그 줄거리는 고대 관습과 관습이 보존되어 있는 프랑스에서 가장 다채롭고 고풍스러운 지역인 프로방스와 연결되어 있습니다. 이 풍미는 오페라 음악에도 존재합니다.

Saint-Saens의 오페라 Samson and Delilah (1866-1877)에서 줄거리는 Handel의 유명한 오라토리오와 동일하지만 완전히 다른 해석입니다. Handel은 성경 이야기의 영웅적인 정신에 매료되었습니다. Saint-Saens에서 오페라는 다채로운 동양화 시리즈이며 오페라의 중심에는 교활한 유혹자 Delilah의 여성 이미지가 있습니다.

들리브의 오페라 라크메(인디언의 삶에서)에는 동양적 풍미가 미묘하게 전달됩니다.

19 세기 후반과 20 세기 초 동양의 이미지는 다른 국립 학교 작곡가의 오페라에서도 중요한 위치를 차지했습니다. 러시아어 (Glinka, Borodin, Rimsky-Korsakov), 이탈리아어 (Verdi 's Aida, Cio-Cio -San" 및 Puccini의 "Turandot"), 또한 프랑스 인상파 (Debussy, Ravel)의 음악에서 매우 독특한 반영을 발견했습니다.

프랑스 서정 오페라는 플롯을 업데이트하는 것만이 아닙니다. 오페라 자체의 음악 스타일이 달라집니다.

첫째, 줄거리의 단순함과 성실함, 캐릭터의 평범한 감정을 강조하기 위해 작곡가는 오페라의 음악 언어를 "단순화"하여 당시의 일상적인 음악 문화에 더 가깝게 만들기 위해 노력합니다. 그래서 로맨스 요소가 프랑스 오페라 무대를 관통한다. 로맨스는 솔로 번호가 아니라 오페라에 도입됩니다. 때로는 로맨스 시작의 변형을 통해 극적인 줄거리가 발전합니다 (파우스트에서 마가리타의 이미지 개발이 로맨스 멜로디의 극화에 있으며 역학에서 주어진 오페라의 유일한 이미지는 다음과 같습니다. 순진한 그것에 대한 열정적 인 중독과 더 나아가 비극적 비난,여 주인공의 광기에 대한 감정의 각성) .

둘째, "이국적인"음모가있는 오페라에서는 유럽의 비전을 통해 간접적으로 인식되는 모든 종류의 동양 억양이 사용되기 시작합니다. 그러나 어떤 순간에는 원본 재생산(Bizet의 "Jamile")에 도달하기도 했습니다.

이것은 프랑스 오페라 자체의 음악 스타일을 업데이트하는 두 가지 주요 방법이었습니다.

독립 장르로서의 서정 오페라는 오히려 빨리 소진되었습니다. 이미 J. Bizet은 그의 최고의 오페라 "Carmen"에서 서정적 오페라의 좁은 한계를 극복하여 오페라 리얼리즘의 정점에 도달했습니다 (1875). 1990년대에는 프랑스 극장에서 현대적인 주제가 점점 더 강조되었습니다. Alfred Bruno(E. Zola의 소설을 원작으로 한 오페라 The Dream, 1891, Maupassant를 원작으로 한 오페라 The Siege of the Mill, 1893)와 Charpontier(오페라 Louise, 1900)의 작품에서 자연주의적 특징이 두드러진다. . 1902년 C. Debussy의 오페라 "Pelléas et Mélisande"의 제작은 프랑스의 뮤지컬 및 연극 문화에 새로운 시대를 열었습니다.

G. 베르디.

오페라 '트루바두르'. 1막(2장면과 레오노라의 카바티나, 3장면과 만리코의 로맨스); 2 막 (No. 6 Azucena의 노래, No. 7 장면 및 Azucena의 이야기); 3막(13번 장면과 만리코의 아리아); 4막(레오노라의 14장면과 아리아, 합창 "Miserere").

오페라 '리골레토' 1막(1막 전주곡 및 도입부, 2번 듀크의 발라드 "이것 아니면 저것", 7번 장면과 리골레토와 길다의 듀엣, 9번 길다의 아리아 "기쁨으로 가득 찬 마음", 10번 장면 그리고 코러스 "쉿, 쉿"); 2 막 (No. 12 장면 및 Rigoletto의 아리아 "Curtisans ...", No. 13, 14 장면 및 Gilda와 Rigoletto의 듀엣 "나는 겸손하게 성전에 들어갔다"); 3 막 (No. 15 Duke의 노래 "The Heart of Beauties", No. 16 Quartet).

오페라 "라 트라비아타" 1 막 (소개, Alfred의 음주 노래 "We will raise the cup of fun high", 마지막 장면 및 Violetta의 아리아 "Wouldn't you tell me"); 2막(비올레타와 제르몽의 장면과 듀엣); 3막(오케스트라 전주곡, 비올레타의 아리아 "Forgive you forever", 비올레타와 알프레드의 듀엣 "We will leave Paris", 피날레).

오페라 아이다»오케스트라 전주곡, 1 막 (Radamès "Sweet Aida"의 2 번 암송 및 로맨스, "나일강의 신성한 은행으로"합창단, Aida의 5 번 솔로 장면, 6 번 시작 장면 및 피날레); 2 막 (No. 8 장면과 Amneris와 Aida의 듀엣, 피날레-합창단 "Glory to Egypt", 합창단 "Laurel wreaths", 행진); 3 막 (10 번 소개, Aida "Azure Sky"의 합창기도와 로맨스, Radames와 Aida의 12 번 듀엣); 4막(Amneris와 Radames의 듀엣 "모든 사제들이 그곳에 모였다", Aida와 Radames의 듀엣 "Forgive the earth").

오페라 "탄호이저":서곡, 2막(콘테스트 장면 - 볼프람의 노래); 3 막 (Wolfram의 로맨스 "To the Evening Star", Elizabeth의기도).

오페라 로엔그린: 1 막 (오케스트라 소개, 꿈에 대한 Elsa의 이야기 "내가 어떻게기도했는지 기억합니다", 사람들의 합창 "여기! 여기! 오, 기적이군요!"); 2막(오케스트라 도입부, Friedrich Telramund의 아리오소 "You kill me", Friedrich와 Ortrud의 복수의 맹세, Elsa의 아리오소 "O light-winged wind"); 3막(오케스트라 소개, 결혼 합창단 "Our Lord is Blessed", 엘사와 로엔그린의 러브 듀엣 "Wonderful Fire", 로엔그린의 이야기 "In the Holy Land").

오페라 "트리스탄과 이졸데": 1 막에 대한 교향곡 소개; 1막 - 사랑의 술을 마시는 장면; 2막 2장면 - 트리스탄과 이졸데의 러브 듀엣; 3 막 (목동의 소개와 멜로디, 이졸데의 죽음 장면).

오페라 "라인의 황금":관현악 도입부, 장면 2와 3 사이의 막간(니벨하임으로 하강), 장면 4.

오페라 "발키리": 1막(지그문트와 지글린데의 도입부 및 첫 장면); 3 액션 ( "Flight of the Valkyries", 장면 3 - Wotan의 Brunnhilde 작별 및 화재 주문).

오페라 "Siegfried": 1 막 (Siegfried "Notung, Notung, the valiant sword"의 첫 번째 노래와 Siegfried의 두 번째 노래 "나의 강한 검이 망치에 굴복하다"); 2막(장면 2, "숲의 바스락거리는 소리").

오페라 "신들의 죽음":프롤로그에서 라인강을 따라 지그프리트의 여행의 교향곡 에피소드; 3막(지그프리트의 이야기와 장례식 행진곡).

오페라 파우스트: 1 막 (Mephistopheles "지구상에서 온 인류"의 구절); 2 막 (Siebel의 대련 "Tell me", Faust의 cavatina "Hello, 신성한 보호소", Marguerite의 아리아 "with pearls"); 3막(메피스토펠레스의 세레나데 "나와, 친구여").

Daudet의 음악에서 드라마까지의 교향곡 모음곡 "알레시안".

오페라 '카르멘': 서곡 (3 테마), 1 막 (행진 및 소년 합창단 2 번, 노동자 합창단 "연기가 어떻게 날아가는지보세요", 카르멘 3 번 첫 출구, 카르멘 하바네라 "사랑에 ..."아니오 4, 장면 5 - 호세의 등장 , 치명적인 열정의 주제, 호세의 사랑의 주제. 미카엘라와 호세의 듀엣 6. 병사들과 함께하는 카르멘의 장면 - 늙은 남편에 대한 노래, Carmen seguidilla); 2 막 (심포닉 인터미션, 집시 댄스 및 Carmen의 노래, Escamillo의 13 절, Carmen과 Jose의 장면, Jose의 꽃과 아리아); 3막: 심포니 인터미션, 6중주 및 밀수업자 합창단 18번, 카르멘의 점술 장면 19번; 4막 - 심포닉 인터미션, 합창단 24번 - 세비야 광장, 듀엣이 끝납니다. 합창단 26번

나폴레옹이 몰락한 후 1848년 제2공화국이 수립되기까지의 3세기 동안 프랑스는 치열한 정치적 삶을 살았습니다. 왕권의 회복과 추방된 부르봉 왕조(1815)의 가입은 국가의 이익에 부합하지 않았다. 프랑스 인구 대다수의 감정과 생각을 표현한 여론은 지주 귀족과 가톨릭 교회와 같은 가장 반동적 인 사회 세력을지지하는 부르봉 정부에 대해 급격히 부정적이었습니다. 왕실 정부는 탄압, 검열 금지, 테러로 점증하는 사회적 불만의 물결을 억제하려고 노력했습니다. 그럼에도 불구하고 기존 질서에 대한 노골적이거나 은밀한 비판 인 반 봉건적 감정은 신문 및 잡지 기사, 문학 비평, 소설 작품, 역사 작품, 물론 연극 등 다양한 형태로 표현되었습니다. .

19세기 20년대 프랑스의 낭만주의는 낭만주의 문학과 낭만주의 연극의 이론을 발전시키고 고전주의에 대한 결정적인 투쟁에 들어간 인물들이 주도하는 예술 운동으로 구체화되었습니다. 고급 사회 사상과의 모든 연결을 잃어버린 복원 기간 동안의 고전주의는 부르봉 왕가의 공식 스타일로 바뀌었습니다. 정통주의 군주제의 반동적 이데올로기와 고전주의의 연결, 광범위한 민주주의 계층의 취향에 대한 미적 원칙의 소외, 예술의 새로운 경향의 자유로운 발전을 방해하는 일상 및 비활성-이 모든 것이 그 기질을 일으켰습니다. 고전에 대한 낭만주의 투쟁을 구별하는 사회적 열정.

낭만주의의 이러한 특징은 부르주아적 현실에 대한 특징적인 비난과 함께 동시에 형성되고 있던 비판적 리얼리즘에 근접하게 만들었으며, 이 시기에는 말하자면 낭만주의 운동의 일부였습니다. 낭만주의의 가장 위대한 이론가가 낭만주의 위고와 현실주의자 스탕달인 것도 당연합니다. Stendhal, Mérimée 및 Balzac의 사실주의는 낭만적 인 색조로 그려졌으며 특히 마지막 두 사람의 극적인 작품에서 두드러졌습니다.

1920년대 낭만주의와 고전주의의 투쟁은 주로 문학적 논쟁(Stendhal의 작품 "Racine and Shakespeare", Hugo의 드라마 "Cromwell"서문). 낭만극은 프랑스 극장 무대에 어렵게 침투했다. 극장은 여전히 ​​고전주의의 거점이었다. 그러나 그해의 낭만적 인 드라마는 파리의대로 극장의 레퍼토리로 자리 잡았고 대중의 취향, 현대 드라마 및 무대 예술에 큰 영향을 미쳤던 멜로 드라마라는 인물의 동맹을 가졌습니다.

영사관과 제국 시대에 몬벨과 라마르틀리에의 희곡을 구별짓는 직접적인 혁명적 성격을 상실한 멜로드라마는 파리의 민주적 연극이 탄생시킨 장르의 특징을 유지했다. 이것은 일반적으로 사회와 법률에 의해 거부되거나 불의로 고통받는 영웅의 선택과 일반적으로 대조적으로 묘사 된 선과 악의 원칙의 날카로운 충돌을 기반으로하는 플롯의 본질 모두에서 표현되었습니다. 이 갈등은 민주적 대중의 도덕적 감정을 위해 항상 선의 승리로 해결되거나 어떤 경우에는 악의 처벌로 해결되었습니다. 장르의 민주주의는 낭만주의 문학 및 연극 선언문이 등장하기 오래 전에 고전주의의 모든 제한 법칙을 거부하고 낭만주의 이론의 기본 원칙 중 하나를 실질적으로 확인 한 멜로 드라마의 일반적인 접근성에서도 나타났습니다. 예술적 창의성의 완전한 자유의 원칙. 멜로 드라마 극장의 설치는 연극 이벤트에서 시청자의 최대 관심을 목표로 민주적이었습니다. 결국, 예술의 일반적인 접근성의 특징으로서의 오락은 낭만주의 이론가와 실천가가 되살리기를 원했던 전통인 민속 극장 개념의 일부였습니다. 시청자에게 가장 큰 정서적 영향을 미치기 위해 노력한 멜로 드라마 극장은 풍경, 음악, 소음, 빛 등의 "순수한 변화"와 같은 무대 효과 무기고의 다양한 수단을 집중적으로 사용했습니다.

로맨틱 드라마는 멜로드라마의 기법을 광범위하게 사용할 것이며, 이념적 문제점차 로맨스 드라마로 다가갔다.

혁명 이후 멜로 드라마의 창시자이자이 장르의 "고전"중 하나는 Guilbert de Pixerecourt (1773-1844)였습니다. 그의 수많은 희곡은 "빅터, 또는 숲의 아이"(1797), "셀리나 또는 신비의 아이"(1800), "세 사람의 남자"(1801) 및 기타 음모와 무대 효과는 인본주의적이고 민주적 인 경향이 없었습니다. 드라마 "승리자 또는 숲의 아이"에서 Pixerekur는 부모를 모르는 어린 창업자의 이미지를 주었지만 그의 미덕에 대한 보편적 존경심을 방해하지는 않습니다. 또한 그의 아버지는 결국 양반으로 밝혀져 도적단의 우두머리가 되어 악덕을 응징하고 약자를 보호하기 위해 이 길을 걷게 된다. 연극 "The Man of Three Persons"에서 선하고 용감한 영웅, 베네치아 귀족이 총독과 상원에 의해 부당하게 비난을 받고 다른 이름으로 숨도록 강요 당하고 범죄 음모를 폭로하고 궁극적으로 조국을 구합니다.

Pixerekur는 일반적으로 불의와 싸우는 높은 사명을 맡은 강하고 고귀한 영웅의 이미지에 매료되었습니다. 멜로 드라마 "Tekeli"(1803)에서 그는 헝가리 민족 해방 운동의 영웅 이미지를 언급합니다. Pixerecour의 멜로 드라마에서 사회적 갈등의 메아리가 들렸고 교훈주의를 도덕화하고 외부의 화려 함을 강조하여 부드러워졌습니다.

멜로 드라마의 또 다른 유명한 작가 인 Louis Charles Quesnier (1762-1842)의 작품 중 연극 "The Thief Magpie"(1815)는 프랑스와 해외에서 가장 큰 성공을 거두었습니다. 그것에서 멜로 드라마의 민주적 경향은 거의 가장 큰 힘으로 나타났습니다. 연극의 여주인 공인 부유 한 농부의 하인 아네트와 장교를 모욕하여 군대에서 도망쳐 야했던 그녀의 아버지 인 그녀의 아버지는 큰 공감으로 연극에 묘사됩니다. . Annette는은 제품을 훔친 혐의로 기소됩니다. 부당한 판사는 그녀에게 사형을 선고합니다. 그리고 까치 둥지에서 사라진 은이 우연히 발견되어 여주인공을 구합니다. 멜로 드라마 Kenye는 러시아에서 잘 알려져 있습니다. Annette 역을 맡은 농노 배우의 비극적 인 운명에 대한 M. S. Shepkin의 이야기는 A. I. Herzen이 "도둑 까치"이야기에서 사용했습니다.

1920년대를 거치면서 멜로드라마는 점점 음울한 색조를 띠게 되었고, 말하자면 낭만화되었습니다.

따라서 Victor Ducange (1783-1833) "Thirty Years, or the Life of a Gambler"(1827)의 유명한 멜로 드라마에서 인간의 운명과의 투쟁이라는 주제는 긴장된 것처럼 들립니다. 열렬한 청년 그녀의 영웅은 카드 게임, 그 안에서 바위에 대한 투쟁의 환상을 봅니다. 게임의 흥분의 최면의 힘에 빠져 모든 것을 잃고 거지가됩니다. 카드와 상금에 대한 집요한 생각에 압도된 그는 범죄자가 되어 결국 자신의 아들을 죽일 뻔한 죽음을 맞이합니다. 공포와 온갖 무대 효과를 통해이 멜로 드라마는 젊음의 열망, 운명에 맞서려는 영웅적 충동이 사악하고 이기적인 열정으로 변하는 현대 사회의 비난이라는 심각하고 중요한 주제를 드러냅니다. 이 연극은 19세기 전반의 가장 위대한 비극 배우들의 레퍼토리에 들어갔다.

1830~1840년 프랑스 드라마투르기국가 경제 및 정치 발전의 새로운 단계에서 태어난 연극 레퍼토리에 새로운 주제가 나타납니다. 1830년 혁명을 일으킨 인민 대중과 민주적 지식인들은 공화주의자였으며 7월 군주제의 창설을 국민과 국가의 이익에 적대적인 반응의 표명으로 인식했습니다. 군주제 타도와 공화정 선포는 프랑스 민주세력의 정치적 슬로건이 된다. 대중이 사회적 평등과 빈부 모순의 제거로 인식하는 유토피아 사회주의 사상은 사회 사상에 중대한 영향을 미치기 시작했습니다.

부와 빈곤이라는 주제는 7월 군주제의 특징인 부르주아 엘리트의 유례없는 풍요와 소부르주아 집단과 노동자의 파멸과 빈곤이라는 맥락에서 특별한 관련성을 갖게 되었습니다.

부르주아 보호 극작술은 빈곤과 부의 문제를 개인의 문제로 해결했습니다. 인간 존엄성: 부는 근면, 검소, 고결한 삶에 대한 보상으로 해석되었다. 이 주제를 다루는 다른 작가들은 정직한 가난한 사람들에 대한 동정과 동정을 불러 일으키고 부자의 잔인 함과 악을 비난했습니다.

물론 소부르주아 민주주의의 이데올로기적 불안정성은 사회적 모순에 대한 도덕주의적 해석에 반영되었다. 그리고이 경우 사람의 도덕적 자질에 결정적인 중요성이 부여되었으며 그러한 연극에서 정직한 빈곤에 대한 보상은 대부분 예상치 못한 부로 판명되었습니다. 그럼에도 불구하고 그러한 작품은 일관성이 없음에도 불구하고 특정 민주적 지향을 가지고 있었고 사회적 불의를 비난하는 파토스로 가득 차 있었고 평범한 사람들에 대한 동정심을 불러 일으켰습니다.

반군주주의적 주제와 사회적 불평등에 대한 비판은 부인할 수 없는 특징이 되었습니다. 소셜 멜로드라마, 지난 수십 년 동안 프랑스 극장의 민주적 전통과 관련된 30-40 년대. 제작자는 Felix Pia(1810 - 1899)였습니다. 민주주의 작가이자 공화당원이자 파리 코뮌의 일원인 그의 작품은 7월 군주제 기간 동안 연극 생활에 큰 영향을 미쳤습니다. 그의 최고의 희곡은 1830-1848년의 두 혁명 사이의 혁명적 정서의 성장을 반영합니다.

1835 년 파리의 민주적 극장 중 하나 인 Ambigue-Comique의 무대에서 Pia가 Auguste Luche와 공동으로 쓴 역사 드라마 Ango가 상연되었습니다. 이 반 군주제 드라마를 만드는 Pia는 고귀한 역사 기록이 왕 기사, 계몽 자 및 인본주의 자의 전설과 연결된 프란시스 1 세 왕을 상대로 연출했습니다. Pia는 다음과 같이 썼습니다. "우리는 가장 훌륭하고 가장 매력적인 군주의 인격으로 왕권을 공격했습니다." 이 드라마는 루이 필립 군주제에 대한 날카로운 정치적 암시와 왕권에 대한 대담한 공격으로 가득 차있었습니다. "법원은 그들 중 가장 뻔뻔한 왕인 왕이 이끄는 악당 무리입니다!" 등등.

제작에 대한 엄청난 관심에도 불구하고 30 회 공연 후 금지되었습니다.

Pia의 가장 중요한 작품은 1847년 5월 파리의 Porte Saint-Martin Theatre에서 처음으로 선보인 사회 멜로드라마 The Parisian Ragged Man입니다. 연극은 훌륭하고 지속적인 성공이었습니다. 그녀는 "프랑스에서 온 편지"에서 멜로 드라마와 유명 배우의 연기에 대한 자세한 분석을 한 Herzen의 관심을 끌었습니다! 주연을 맡은 프레데릭 르메트르. 연극의 이데올로기 적 파토스는 7 월 군주제의 상류 사회, 은행가, 주식 투기꾼, 부자와 사기꾼이라는 제목의 부유층에 대한 갈증에 사로 잡혀 방탕과 사치에 빠져드는 것에 대한 민주 대중의 항의가 커지고 있음을 표현한 것입니다.

연극의 주요 줄거리는 은행가 호프만의 흥망 성쇠 이야기입니다. 극의 프롤로그에서 파멸하고 노동으로 생계를 유지하려는 경향이없는 Pierre Garus는 센 강 제방에서 장인을 죽이고 강탈합니다. 첫 번째 막에서 살인자와 강도는 이미 중요하고 존경받는 사람입니다. 그의 이름과 과거를 숨기고 그는 먹이를 능숙하게 이용하여 저명한 은행가 인 Baron Hoffmann이되었습니다. 그러나 그는 범죄자의 예전 매너를 잊지 않았습니다.

호프만 남작과 피로 얼룩진 부자들의 세계는 멜로드라마에서 정직한 가난한 남자, 걸레를 줍는 아버지 진, 무죄의 옹호자이자 정의의 옹호자에 의해 반대됩니다. Harus-Hoffmann의 경력이 시작되었습니다. 연극이 끝나면 호프만은 폭로되고 처벌을 받습니다.

연극의 해피 엔딩은 삶의 진실과 일치하지 않았지만 민주적 멜로 드라마에 내재 된 사회적 낙관주의, 즉 선의 승리와 악의 세력에 대한 정의의 규칙성에 대한 믿음을 표현했습니다.

본질에 대한 탐구도, 삶의 사회적 모순에 대한 깊은 이해도 없이 멜로드라마는 전체적으로 억압받는 계층에 대한 자선적 공감에 그치지 않았다. 가장 의미 있는 이데올로기적, 예술적 성취는 민주세력의 투쟁이 제시한 위대한 이데올로기적 과제를 해결한 극작가들에 의해 프랑스 극장에 전해졌습니다. 이들 중 첫 번째는 Victor Hugo였습니다.

휴고

가장 위대한 낭만주의 극작가이자 낭만주의 이론가는 빅토르 위고였다. 그는 나폴레옹 군대의 장군 가족으로 태어났습니다. 작가의 어머니는 부유한 부르주아 가정에서 태어나 군주적 견해를 신성하게 고수했습니다. Hugo의 초기 문학 경험은 그를 군주제이자 고전으로 명성을 얻었습니다. 그러나 1920년대 혁명 이전 프랑스의 정치적 분위기의 영향으로 위고는 자신의 이데올로기적, 미학적 보수주의를 극복하고 낭만주의 운동의 일원이 되었고, 이후 진보적이고 민주적인 낭만주의의 우두머리가 되었다.

Hugo 작업의 이데올로기 적 파토스는 그의 세계관의 주요 특징 인 사회적 불의에 대한 증오, 모든 억압되고 가난한 사람들에 대한 보호, 폭력에 대한 비난 및 인본주의 설교에 의해 결정되었습니다. 이러한 아이디어는 Hugo의 소설, 시, 극작술, 저널리즘 및 정치 팜플렛에 영향을 미쳤습니다.

휴고가 젊었을 때 쓴 초기 미발표 비극을 제외하고 그의 드라마의 시작은 "낭만주의의 서판"이 된 서문인 로맨틱 드라마 크롬웰(1827)이다. 서문의 주요 아이디어는 고전주의와 미적 법칙에 대한 반항입니다. "때가 왔다"고 저자는 선언합니다. 우리는 이론, 시학, 시스템을 망치로 친다! 예술의 외면을 가리고 있는 이 낡은 석고를 허물자! 규칙도 패턴도 없다! .. 드라마는 자연을 비추는 거울이다. 하지만 만약 평평하고 매끄러운 표면을 가진 일반 거울은 흐릿하고 평평한 반사를 줄 것입니다 , 사실이지만 무색입니다 ... 드라마는 깜박임을 빛으로, 빛을 불꽃으로 바꾸는 집중 거울이어야합니다. 고전주의와 논쟁하면서 Hugo는 예술가가 "현상의 세계에서 ... 아름다움이 아니라 특징을 선택해야한다"고 주장합니다 1 .

1 (Hugo V. 선택한 드라마. L., 1937, v. 1, p. 37, 41.)

서문에서 매우 중요한 위치는 Hugo의 작업에서 구체화되고 발전된 낭만적 인 그로테스크 이론이 차지합니다. "그로테스크는 드라마의 위대한 아름다움 중 하나입니다. "라고 Hugo는 썼습니다. 작가가 과장뿐만 아니라 조합, 반대의 조합, 말하자면 현실의 상호 배타적 측면의 조합으로 이해하는 그로테스크를 통해이 현실에 대한 최고의 공개가 달성됩니다. . 높음과 낮음, 비극과 재미, 아름다움과 추함의 조합을 통해 우리는 삶의 다양성을 이해합니다. 휴고에게 셰익스피어는 예술에서 그로테스크를 기발하게 사용한 예술가의 모델이었다. 그로테스크는 "가장 낮은 본성이 종종 고상한 충동을 가지고있는 것처럼 모든 곳에 침투하고 가장 높은 본성은 종종 저속하고 우스꽝스러운 것에 경의를 표합니다. 따라서 그는 항상 무대에 있습니다 ... 그는 웃음을 가져오고 공포를 비극으로 가져옵니다. 그는 로미오와 약사, 맥베스와 세 마녀, 햄릿과 무덤 파는 사람과의 만남을 주선합니다."

Hugo는 정치적 문제를 직접 다루지 않습니다. 그러나 그의 선언문의 반항적 함축은 때때로 쏟아져 나온다. 고전주의에 대한 비판의 사회적 의미는 특히 Hugo의 진술에서 두드러집니다. "현재 정치적 구정권과 같은 문학적 구정권이 있습니다."

"Cromwell"-Hugo가 불렀던이 "뻔뻔스럽게 진실한 드라마"는 무대에 올 수 없었습니다. 극중 작가는 서문에서 선언했던 예술적 개혁에 착수하려 했다. 그러나 작품의 이데올로기적 불확실성과 극적 미숙함이 그를 가로막았다. 구성의 취약성, 번거로움 및 비효율성은 Hugo의 작업이 무대로 가는 길에 극복할 수 없는 장애물이 되었습니다.

"Ernani"의 시사회에서 "전투". J. Granville의 판화

Hugo의 다음 연극인 Marion Delorme(1829)는 낭만주의의 이데올로기적이고 창의적인 원칙을 훌륭하게 구현한 작품입니다. 이번 드라마에서 휴고는 처음으로 궁중 귀족 사회에 반대하는 '하층' 출신 영웅의 로맨틱한 이미지를 갖게 됐다. 극의 줄거리는 뿌리 없는 청년 디디에와 창녀 마리온 델로메의 높고 시적인 사랑이 왕권의 비인간성과 비극적인 갈등을 빚어내는 데 바탕을 두고 있다. Hugo는 행동 시간을 매우 정확하게 결정합니다. 이것은 1638입니다. 저자는 역사적 상황을 밝히고, 연극은 스페인과의 전쟁, Huguenots 학살, 결투 사 처형, 1636 년 말에 초연 된 Corneille의 "Sid"에 대한 논쟁 등을 이야기합니다.

Didier와 Marion은 잔인하고 비겁한 루이 13 세 왕, "빨간 옷을 입은 집행자", "황금 청년"이라는 제목의 리슐리외 추기경, 연인을 조롱하는 강력한 적들과 반대합니다. 그들의 힘은 불평등하며 투쟁은 영웅의 죽음 외에는 끝날 수 없습니다. 그러나 이것에도 불구하고 Didier와 Marion의 영적 세계의 도덕적 아름다움과 순수함, 악과의 싸움에서 그들의 고귀함, 희생 및 용기는 선의 최종 승리의 열쇠입니다.

Richelieu의 이미지는 작가의 특별한 기술로 작성되었습니다. 추기경은 결코 청중에게 보여지지 않지만 드라마의 모든 영웅의 운명은 그에게 달려 있지만 모든 캐릭터, 심지어 왕까지도 그에 대해 공포로 말합니다. 그리고 피날레에서만 사형 폐지에 대한 마리온의 탄원에 대한 응답으로 들것의 캐노피 뒤에 숨겨진 보이지 않는 추기경의 불길한 목소리가 들립니다. "아니, 그녀는 취소되지 않을 것입니다!"

"Marion Delorme"는 19세기 서정시의 좋은 예입니다. 이 연극에서 휴고의 언어는 생생하고 다양하며, 말하기자연 스러움으로 Didier와 Marion의 비극적 인 사랑에 해당하는 사랑 장면의 높은 파토스로 대체됩니다.

반왕실주의 성격의 드라마가 금지됐다.

위고가 그 장면을 처음 접한 드라마는 <에르나니>(1830)이다. 이것은 전형적인 로맨틱 드라마. 연극의 멜로 드라마적인 사건은 중세 스페인의 장엄한 배경을 배경으로 진행됩니다. 이 드라마에는 명확하게 표현된 정치 프로그램이 없지만 전체 이데올로기 및 감정 시스템은 감정의 자유를 확인하고 자신의 명예를 지킬 권리를 옹호합니다. 영웅은 탁월한 열정과 강인함을 부여받으며 행동, 희생적인 사랑, 고귀한 관대함, 복수의 잔인 함을 최대한 보여줍니다. 반항적 인 동기는 낭만적 인 복수 자의 은하계 중 하나 인 강도 Ernani의 주인공 이미지로 표현됩니다. 사이의 갈등에는 사회적 차원도 있습니다. 고귀한 강도그리고 왕, 그리고 드라마의 비극적 인 결과를 결정하는 봉건 기사 도덕의 우울한 세계와 숭고하고 밝은 사랑의 충돌. 낭만주의의 요구 사항에 따라 고전주의 비극에서 메신저가보고 한 가장 중요한 모든 이벤트가 여기 무대에서 열립니다. 연극의 행동은 고전주의적 통일성에 의해 제한되지 않았습니다. 캐릭터의 감정적 인 연설의 격렬한 리듬은 고전주의 드라마의 알렉산드리아 구절의 천천히 엄숙한 소리를 깨뜨 렸습니다.

드라마 "Ernani"는 1830년 초 Comédie Française 극장에서 상연되었습니다. 공연은 격렬한 열정과 강당에서 "클래식"과 "로맨틱"사이의 투쟁의 분위기 속에서 계속되었습니다. 파리 최고의 극장에서 <에르나니>의 제작은 낭만주의의 대승리였다. 그녀는 발표 조기 승인프랑스 무대의 로맨틱 드라마.

1830년 7월 혁명 이후 낭만주의는 연극의 주요 경향이 되었다. 1831년 부르봉 왕조 말년에 금지된 위고의 드라마 '마리옹 들로름'이 상연되었다. 그 후 그의 연극이 차례로 레퍼토리에 들어갑니다. The King Amuses 자신 (1832), Mary Tudor (1833), Ruy Blas (1838). 생생한 멜로 드라마 효과로 가득 찬 재미있는 플롯, Hugo의 드라마는 큰 성공을 거두었습니다. 그러나 그들의 인기의 주된 이유는 뚜렷한 민주적 성격을 지닌 사회 정치적 성향이었습니다.

V. Hugo의 드라마 "Ruy Blas"의 한 장면. 극장 "르네상스", 1838

Hugo의 극작술의 민주적 파토스는 드라마 Ruy Blas에서 가장 완벽하게 표현됩니다. 행동은 17 세기 말 스페인에서 이루어집니다. 그러나 역사적 주제를 다룬 위고의 다른 희곡들처럼 '루이 블라스'는 사극이 아니다. 연극은 사건의 놀라운 본질과 이미지의 대비를 결정하는 대담함과 대담함 인 시적 소설을 기반으로합니다.

Ruy Blas는 높은 의도와 고귀한 충동으로 가득 찬 낭만적인 영웅입니다. 한때 그는 조국과 심지어 온 인류의 선을 꿈꾸었고 그의 높은 임명을 믿었습니다. 그러나 인생에서 아무것도 얻지 못한 그는 왕실에 가까운 부유하고 고귀한 귀족의 하인이 될 수밖에 없습니다. Ruy Blaza의 사악하고 교활한 주인은 여왕에게 복수하기를 열망합니다. 이를 위해 그는 보병에게 그의 친척 인 황량한 Don Caesar de Bazan의 이름과 모든 칭호를 부여합니다. 가상의 돈 카이사르가 여왕의 연인이 되는 것입니다. 자랑스러운 여왕-약자의 여주인-이 교활한 계획입니다. 모든 것이 계획대로 진행되고 있습니다. 그러나 하인은 법정에서 가장 고상하고 지적이고 합당한 사람으로 밝혀졌습니다. 장자권으로만 권력을 가진 사람들 중에서 하인만이 정치가의 마음을 가진 사람으로 밝혀졌습니다. 왕실 회의에서 Ruy Blas는 큰 연설을합니다.

그는 나라를 망하게 하고 국가를 죽음의 문턱에 몰아넣은 궁중파에게 낙인을 찍는다. 그녀는 Ruy Blas와 사랑에 빠졌지 만 여왕을 불명예스럽게 할 수는 없습니다. 그는 독을 마시고 그의 이름의 비밀을 가지고 죽습니다.

이 연극은 깊은 서정과 시를 날카로운 정치적 풍자와 결합합니다. 본질적으로 지배계의 탐욕과 무의미함에 대한 민주적 파토스와 비난은 국민 스스로가 국가를 통치 할 수 있음을 증명했습니다. 이 연극에서 Hugo는 처음으로 비극과 만화를 혼합하는 낭만적 인 방법을 사용하여 진정한 Don Caesar, 망가진 귀족, 명랑한 동료 및 술고래, 냉소 주의자 및 형제의 모습을 작품에 도입합니다. .

극장에서 "Ruy Blas"는 평균적인 성공을 거두었습니다. 관객들은 낭만주의에 식어가기 시작했다. 혁명을 두려워했던 부르주아 관중은 "광적인"낭만적 문학과 관련하여 모든 종류의 반항, 불순종 및 자기 의지의 표현에 대한 그의 극도로 부정적인 태도를 혁명으로 옮겼습니다.

Hugo는 새로운 유형의 낭만적 인 드라마 인 The Burgraves (1843)라는 서사적 비극을 만들려고했습니다. 그러나 연극의 시적 장점은 무대의 존재감 부족을 보상하지 못했다. Hugo는 1830년에 Hernani를 위해 싸운 젊은이들이 The Burgraves의 초연에 참석하기를 원했습니다. 시인의 전 동료 중 한 명이 그에게 "모든 청소년이 죽었습니다. "라고 대답했습니다. 드라마가 실패한 후 Hugo는 극장을 떠났습니다.

뒤마

낭만적 인 드라마를위한 투쟁에서 Hugo의 가장 가까운 동료는 Musketeers에 대한 잘 알려진 3 부작, 소설 The Count of Monte Cristo 및 기타 여러 작가 인 Alexandre Dumas (Dumas père)였습니다. 고전 작품모험 문학. 1920년대 말과 1930년대 초에 뒤마는 낭만주의 운동에 가장 적극적으로 참여한 사람 중 한 사람이었습니다.

Dramaturgy는 Dumas의 문학 유산에서 중요한 위치를 차지합니다. 그는 66편의 희곡을 썼는데 대부분이 1930년대와 1940년대에 만들어졌다.

문학과 연극의 명성으로 인해 Dumas는 1829 년 Odeon 극장에서 상연 된 "Henry III and his court"라는 첫 연극을 가져 왔습니다. Dumas의 첫 번째 드라마의 성공은 "Anthony"(1831), "Nelskaya Tower"(1832), "Kin, or Genius and Debauchery"(1836) 등 그의 후속 희곡에 의해 확보되었습니다.

연극 '안토니오'의 한 장면. A. 뒤마 페르의 희곡

Dumas의 연극은 로맨틱 드라마의 전형적인 예입니다. 그는 부르주아 근대의 평범한 일상과 폭력적인 열정, 치열한 투쟁, 첨예한 극적 상황 속에서 살아가는 비범한 영웅들의 세계를 대조했다. 사실, Dumas의 연극에는 Hugo의 극적인 작품을 구별하는 힘과 열정, 민주적 파토스 및 반항이 없습니다. 그러나 "Henry III"와 "Nelskaya Tower"와 같은 드라마는 봉건 군주제 세계의 끔찍한면을 보여 주었고 범죄, 잔인 함, 왕의 타락과 궁중 귀족 계에 대해 이야기했습니다. 그리고 현대 생활의 연극 ( "Antony", "Kin")은 귀족 사회와 화해 할 수없는 갈등을 겪은 자랑스럽고 용감한 평민 영웅의 비극적 운명을 묘사하여 민주적 대중을 흥분 시켰습니다.

Dumas는 다른 낭만적인 극작가와 마찬가지로 멜로드라마의 기법을 사용했으며, 이것은 그의 연극에 특별한 재미와 무대 존재감을 부여했지만 멜로드라마의 남용으로 인해 살인, 처형, 고문을 묘사할 때 자연주의에 빠졌을 때 나쁜 취향의 위기에 처했습니다. .

1847 년 Dumas는 연극 "Queen Margot"으로 자신이 만든 "역사적 극장"을 열었습니다. 무대에서 프랑스 국가 역사의 사건이 상영되었습니다. 그리고 극장은 오래 가지 못했지만 (1849 년에 문을 닫음) 파리의대로 극장 역사상 두드러진 자리를 차지했습니다.

수년에 걸쳐 진보적 경향은 Dumas의 드라마투르기에서 침식되었습니다. 성공적인 패션 작가 Dumas는 이전의 낭만적인 취미를 포기하고 부르주아 질서를 옹호합니다.

1848 년 10 월 A. Macke와 함께 그가 쓴 연극 "Catilina"가 Dumas 소유의 "Historical Theatre"무대에서 상연되었습니다. A. I. Herzen의 날카로운 항의를 불러 일으킨이 공연은 부르주아 대중의 열광적 인 반응을 받았습니다. 그녀는 연극에서 보았다 역사 수업"반군"과 최근 6 월 노동자 봉기 참가자들의 잔인한 학살의 정당화.

비니

로맨틱 드라마의 저명한 대표자 중 한 명은 Alfred de Vigny였습니다. 그는 프랑스 혁명에 맞서 싸웠고 왕정주의 사상을 위해 단두대로 갔던 오래된 귀족 가문에 속했습니다. 그러나 Vigny는 혁명 이전의 왕실 프랑스를 복원 할 가능성을 믿고 새로운 모든 것을 맹목적으로 미워하는 분노한 귀족들과 같지 않았습니다. 인간 새로운 시대, 그는 무엇보다 자유를 두었고 전제주의를 비난했지만 현대 부르주아 공화국을 받아 들일 수 없었습니다. 그는 자기 계급의 파멸에 대한 의식뿐만 아니라 부르주아적 질서와 관습에 대한 주장으로 인해 훨씬 ​​더 현실에서 반발했습니다. 그는 또한 1930년대 전반기 인민과 프랑스의 혁명적 봉기의 반부르주아적 의미를 이해할 수 없었다. 이 모든 것이 Vigny의 낭만주의의 비관적 성격을 결정합니다. "세계 슬픔"의 모티프는 Vigny의 시를 Byron의 시에 더 가깝게 만듭니다. 그러나 바이런 비극시의 반항성과 생명을 긍정하는 힘은 비니에게는 낯설다. 그의 Byronism은 그에게 낯선 세계 한가운데서 인간의 자랑스러운 외로움, 절망의 의식, 비극적 운명입니다.

대부분의 낭만주의자와 마찬가지로 Vigny는 극장에 끌렸고 셰익스피어를 사랑했습니다. Vigny의 셰익스피어 번역은 프랑스에서 위대한 영국 극작가의 작품을 홍보하는 데 큰 역할을 했지만 Vigny는 그의 작품을 상당히 낭만적으로 표현했습니다. Vigny의 셰익스피어 번역의 의미는 프랑스 무대에서 낭만주의를 확립하는 데에도 큰 의미가 있습니다. 1829 년 극장 "코미디 프랑세즈"에서 비극 "오델로"의 무대는 곧 Hugo의 드라마 "Hernani"의 공연에서 발발 한 낭만주의와 고전 간의 싸움을 예고했습니다.

Vigny의 최고의 극적 작품은 그의 로맨틱 드라마 Chatterton (1835)입니다. 연극을 만들 때 Vigny는 18세기 영국 시인 Chatterton의 전기에서 일부 사실을 사용했지만 드라마는 전기가 아닙니다.

극은 시와 자유를 중시하지 않는 세상에서 시의 독립과 개인의 자유를 지키려는 시인의 비극적 운명을 그린다. 그러나 연극의 의미는 더 넓고 깊습니다. Vigny는 진정한 인간성과 창의성에 대한 새로운 시대의 적대감을 훌륭하게 예견했으며 그 구체화는 시입니다. Chatterton의 비극은 비인간적 세계에서 한 남자의 비극입니다. 드라마의 러브플롯은 내적 의미로 가득하다. 비니의 극은 여성성과 아름다움의 비극이 동시에 부유한 부랑자(남편에 의해 노예가 된 키티 벨의 파멸, 부자 제조업자, 무례하고 탐욕스러운 사람).

드라마의 반 부르주아 파토스는 노동자들이 공장에서 기계에 의해 불구가 된 동지에게 자리를 내달라고 제조업체에 요청하는 이데올로기 적 의미에서 중요한 에피소드로 강화됩니다. 상원에서 노동자의 이익을 옹호했던 바이런처럼 이곳의 귀족 드 비니는 1930년대 노동운동의 이데올로기적 동맹자로 밝혀졌다.

연극은 Vigny의 낭만주의 독창성을 드러낸다. Hugo와 Dumas의 드라마에서 "Chatterton"은 낭만적 인 분노와 의기양양함이 없다는 점에서 다릅니다. 캐릭터는 살아 있고 심리적으로 깊이 발전했습니다. 드라마의 비난은 비극적입니다. Chatterton과 Kitty는 죽습니다. 이것은 캐릭터의 논리, 세계와의 관계에 의해 준비되는 멜로 드라마 효과가 아닙니다. 저자 자신은 줄거리의 단순성과 영웅의 내면 세계에서 행동의 초점을 강조했습니다. "이것은 ... 아침에 편지를 쓰고 저녁까지 답을 기다리는 한 남자의 이야기입니다. 와서 죽인다."

머스셋

프랑스 낭만주의 극장과 낭만주의 드라마의 역사에서 특별한 장소는 Alfred de Musset에 속합니다. 그의 이름은 낭만주의 창시자들의 이름과 뗄래야 뗄 수 없는 관계다. Musset의 소설 "세기의 아들의 고백"은 프랑스 문학 생활에서 가장 큰 사건 중 하나입니다. 소설은 현대의 이미지를 창조합니다. 젊은 사람, 프랑스 대혁명과 나폴레옹 전쟁의 사건이 이미 사라지고 "신과 인간의 권세가 실제로 회복되었지만 그들에 대한 믿음이 영원히 사라진"복고 시대에 생명을 얻은 세대에 속합니다. Musset은 그의 세대에게 "절망에 사로잡혀라"고 촉구했습니다.

삶에 대한 이러한 태도는 Musset의 극작술에서도 표현됩니다. 강렬한 서정적이고 드라마틱한 제트기와 함께 여기에 웃음이 있다. 그러나 이것은 사회적 악을 비난하는 풍자가 아닙니다. 그것은 모든 것에 대한 사악하고 미묘한 아이러니입니다. 아름다움, 영웅주의, 시적 환상이없고 고상하고 낭만적 인 충동이없는 우리 시대의 일상적인 산문에 반대합니다. Musset은 자신이 선포 한 절망 숭배에도 웃으며 아이러니하게도 다음과 같이 말했습니다. "... 실제로는 공허함과 지루함 만 있지만 불행하다고 느끼는 것이 너무 좋습니다."

아이러니는 희극의 주원리일 뿐만 아니라 반로맨틱적 경향도 내포하고 있는데, 특히 40-50년대 그의 극작술에서 뚜렷하게 드러난다.

1930년대에 쓰여진 Musset의 연극(Venetian Night, Marianne's Whims, Fantasio)은 새로운 유형의 로맨틱 코미디의 훌륭한 예입니다. 예를 들어 "Venetian Night"(1830)입니다. 연극의 줄거리는 폭력적인 사랑, 질투, 살인으로이 스타일의 전통적인 피비린내 나는 드라마를 예고합니다. 향락가이자 도박꾼인 라제타는 보답하는 아름다운 라우레타를 열렬히 사랑합니다. 소녀의 보호자는 그녀를 독일 왕자와 결혼시킬 것입니다. Ardent Rasetta는 단호하게 행동합니다. 그는 사랑하는 사람에게 편지와 단검을 보냅니다. 그녀는 왕자를 죽이고 Razetta와 함께 베니스를 탈출해야 합니다. Lauretta가 이렇게 하지 않으면 그는 자살할 것입니다. 그러나 갑자기 영웅들은 열정의 지시가 아니라 상식의 목소리에 따라 인도되는 경향이있는 평범한 사람들처럼 행동하기 시작합니다. 반성한 로레타는 폭력적인 애인과 헤어지고 왕자의 아내가 되기로 결심한다. Razetta는 또한 라이벌 살인이나 자살에 대한 소설을 떠나기로 결정합니다. 젊은 갈퀴 일행과 그들의 여자 친구와 함께 그는 저녁 식사를 위해 곤돌라를 타고 항해하며 마지막에는 연인들의 모든 사치가 끝나기를 바라는 마음을 표현합니다.

코미디 Fantasio (1834)는 슬픈 아이러니로 가득 차 있습니다. 다채롭고 재미 있고 슬프지만 항상 그로테스크 한 이미지로 구현 된 작가의 생각, 기괴한 생각과 감정의 플레이 인 서정적 연극입니다. 우울한 갈퀴이자 재치있는 철학자 인 Fantasio라는 표현적인 이름을 가진 코미디의 주인공은 그의 현명한 친구들 사이에서 혼자입니다. 그러나 그의 의견으로는 모든 사람이 외롭습니다. 각 사람은 다른 사람이 접근 할 수없는 자신에게 닫힌 세계입니다. "인간의 육체는 얼마나 고독한가!" 그는 쾌활한 축하 군중을 바라보며 외쳤다. 때로는 광인처럼 보이지만 그의 광기는 저속한 세상 상식을 경멸하는 최고의 지혜입니다. Fantasio의 이미지는 그가 왕실 광대 의상을 입고 기사도 위업을 수행하여 바이에른 공주 Elsbet을 그녀를 구애하는 우스꽝스러운 Mantua 왕자로부터 구할 때 완전한 완성도를 얻습니다. Fantasio의 광대로의 변신은 마치 셰익스피어의 현명한 광대와 Gozzi 코미디의 밝은 연극 캐릭터와의 친밀감을 확립하는 것처럼 마침내 그의 본질을 명확히합니다.

종종 코미디는 "마리안의 변덕"(1833), "사랑으로 농담하지 않음"(1834)이라는 비극적 결말로 끝납니다.

Musset 코미디의 액션은 다른 국가와 도시에서 이루어지며 액션 시간은 지정되지 않습니다. 전체적으로이 연극에는 밑줄이 그어진 시대 착오가 묘사 된 사건과 이미지의 현대성에 주목하는 특별한 조건부 연극 세계가 등장합니다.

연극 "그들은 사랑으로 농담하지 않는다"에서 중요한 것은 사건이 아니라 영적 충동, 감정, 반성의 모든 복잡성과 불일치로 드러나는 캐릭터의 심리적 경험과 영적 세계입니다. 극의 주인공인 젊은 귀족 페르디칸은 카미유의 신부가 될 운명이다. 그것을 깨닫지 못한 채 젊은이들은 서로 사랑합니다. 그러나 그들의 행복에 대한 장애물은 카밀라의 수도원 양육으로 그녀에게 남자의 속임수, 결혼의 공포에 대한 생각을 심어주었습니다. Camilla는 Perdican을 거부합니다. 거부당하고 모욕당한 그는 가해자에게 복수하기를 원하며 수양 누이 인 순진한 농부 소녀 Razetta를 구애하기 시작하고 심지어 그녀와 결혼하겠다고 약속합니다. 결국 Camilla와 Perdican은 서로의 사랑을 고백합니다. 이 설명을 목격한 라제타는 속임수를 견디지 ​​못하고 죽는다. 일어난 일에 충격을 받은 카미유와 페르디칸은 영원히 헤어진다.

본질적으로 심리 드라마가 된 이 연극은 Musset에 의해 독창적이고 진정으로 혁신적인 연극 형식으로 옷을 입었습니다. Musset은 지역 농민들의 합창단을 무대로 데려옵니다. 이 사람은 보조적이며 동시에 조건부입니다. 합창단은 성벽 안에서 일어나는 일까지 모든 것을 알고 있습니다. 합창단은 다른 캐릭터와 일상적인 대화를 시작하고 그들의 행동에 대해 논평하고 평가합니다. 서사적 시작을 드라마에 도입하는 이러한 방식은 새로운 표현 수단으로 드라마투르기를 풍부하게 만들었다. 일반적으로 낭만적 인 이미지에 존재하는 서정적이고 주관적인 것은 합창단의 얼굴에 "객관화"되었습니다. 작가의 서정에서 해방된 극의 주인공들은 작가의 의지로부터 독립성을 획득한 듯 보였고, 이는 시간이 지나면서 사실주의 드라마에 내재될 것이다.

Musset의 사회적 비관주의는 드라마 Lorenzaccio (1834)에서 가장 두드러집니다. 이 드라마는 역사의 흐름을 혁명적으로 바꾸려는 시도의 비극적 파멸에 대한 뮈세의 성찰의 결실이다. Musset은 "Lorenzaccio"에서 30 년대 초반 프랑스의 정치 생활에서 특히 풍부했던 두 번의 혁명과 여러 혁명적 봉기의 경험을 이해하려고 노력했습니다. 플롯은 피렌체의 중세 역사에서 발생한 사건을 기반으로 합니다. Lorenzo Medici (Lorenzaccio)는 독재를 싫어합니다. 브루투스의 위업을 꿈꾸며 그는 폭군 알렉산드라 메디치를 죽이고 조국에 자유를 줄 계획을 세웁니다. 이 테러 행위는 공화당의 지원을 받아야 합니다. Lorenzaccio는 공작을 죽이지 만 아무것도 변하지 않습니다. 공화당은 발언을 주저하고 있다. 대중적 불만의 별도의 폭발은 군인들에 의해 진압됩니다. 머리에 현상금을 걸고 있는 로렌조는 등을 찔려 죽고 만다. 피렌체의 왕관이 새 공작에게 수여됩니다.

비극은 사회혁명의 불가능성을 말한다. 영웅의 영적 힘에 경의를 표하고 개별 혁명적 행위의 로맨스를 비난합니다. 적지 않은 힘으로 비극은 자유에 대한 생각에 공감하지만 감히 그것을 위해 싸우지 않고 사람들을 이끌 수없는 사람들을 비난합니다. Lorenzo의 말은 그의 동시대 사람들에게 직접 전달되는 것처럼 들립니다. ." 그러나 사람들은 기만당하고 수동적이며 파멸에 처해 있습니다...

드라마 "Lorenzaccio"는 고전주의의 대포를 완전히 무시하고 자유로운 방식으로 작성되었습니다. 연극은 39 개의 짧은 장면 - 에피소드로 나뉘며, 그 번갈아 가며 액션의 급속한 발전, 이벤트 범위의 폭, 다양한 액션의 공개, 주인공 캐릭터의 측면에 기여합니다. .

이 드라마는 역사적으로 결정된 도덕의 잔인함과 사회적 대조에서 보여지는 시대의 광범위하고 생생한 묘사로 표현되는 사실주의적 셰익스피어적 특징이 강하다. 영웅들의 캐릭터도 고전주의 드라마의 직설적 도식이 결여된 현실적이다. 그러나 Lorenzaccio의 인물에서는 탈영웅화의 원칙이 일관되게 수행됩니다. Lorenzaccio의 비극적 잘못은 폭력과 부패의 세계의 적으로 행동하면서 자신이 그 일부가 된 사실에 있습니다. 그러나 고상한 원칙의 이러한 "제거"는 복잡한 내면의 극적인 긴장을 약화시키지 않습니다. 주인공의 이미지는 우울하고 실망하며 비극적으로 절망적 인 "세기의 아들"의 Musset이 만든 초상화에 대한 그의 친밀함을 배신합니다.

Lorenzaccio 이후 Musset은 큰 사회적 주제로 향하지 않습니다. 30년대 후반부터 그는 세속 사회의 삶을 재치 있고 우아한 희극을 써왔다(Candlestick, 1835; Caprice, 1837). 이 유형의 코미디에서 외부 행동은 거의 없으며 모든 관심은 단어에 있으며 여기에 단어는 연극 적으로 강조된 고전주의 또는 낭만적 인 드라마 형식이 아니라 생생한 따뜻함을 유지하는 대화 및 대화의 형태로 여기에 나타납니다. 캐주얼 구어체 연설의.

Musset은 1940 년대 중반부터 순전히 미용실 귀족적 성격을 지닌 속담 코미디의 독특한 장르를 발전시켜 왔습니다. 속담 코미디에 대한 Musset의 호소는 극작가의 창의적인 어조가 어느 정도 감소했음을 나타냅니다. 그러나 아마도 낭만주의 작가 자신에게 이것은 미움과시에 적대적인 거친 이기적 열정의 승리 인 혐오스러운 부르주아 평범함의 세계에서 탈출하는 수단이었을 것입니다.

Musset의 극작술의 무대 운명은 7 월 군주제 시대 프랑스 극장의 특징입니다. 사상적 측면에서 가장 중요하고 형식에서 혁신적인 뮈세의 초기 연극은 프랑스 극장에서 받아들여지지 않았습니다.

Musset의 극작의 연극성은 러시아에서 발견되었습니다. 1837 년 상트 페테르부르크에서 코미디 "카프리스"( "여성의 마음은 어떤 생각보다 낫다"라는 제목 아래)가 상영되었습니다. 러시아 극장 공연에서 연극이 큰 성공을 거둔 후 프랑스로 돌아온 여배우 Allan의 이익을 위해 상트 페테르부르크의 프랑스 극장에서 상연되어 Comedie Francaise 극장의 레퍼토리에 포함되었습니다.

일반적으로 Musset의 극적인 작품은 당시 프랑스 극장의 레퍼토리에서 눈에 띄는 자리를 차지하지 않고 20 세기 프랑스 극장의 이데올로기 및 미학적 이미지에 큰 영향을 미쳤습니다.

메리미

프로스페르 메리메(Prosper Mérimée)의 작품에는 프랑스 드라마 전개의 현실적 경향이 잘 나타나 있다. Merimee의 세계관은 계몽주의 사상의 영향으로 형성되었습니다. 혁명 이후의 현실, 특히 복원 시대는 작가에게 항의와 비난의 느낌을 불러 일으켰습니다. 이로 인해 Merimee는 민주적 방향의 낭만주의에 더 가까워졌습니다. 그러나 Hugo와 Dumas와 같은 낭만주의자들에게 가장 중요한 것은 낭만적인 반항심, 인간 정신의 자유를 구현한 폭력적인 영웅이었습니다. Mérimée의 작품에서 낭만적인 반항은 현실 자체에 대한 날카롭게 비판적이고 심지어 풍자적인 묘사로 대체됩니다.

Merimee는 고전주의에 대한 낭만주의 투쟁에 참여하여 1825 년 "The Theatre of Clara Gasul"이라는 연극 모음을 발표했습니다. 스페인 여배우를 컬렉션의 저자라고 부르는 Merimee는 이에 대해 오래된 스페인 극장의 코미디 스타일로 작성된 연극의 색상을 설명했습니다. 아시다시피 낭만주의는 스페인 르네상스 극장에서 낭만적 인 극장의 특징을 보았습니다. 민속, 무료, 학교 규칙 및 고전주의 표준을 인식하지 못합니다.

Clara Gasoul Theatre에서 Merimee는 밝고 때로는 기괴하지만 항상 생생한 이미지의 갤러리를 보여주었습니다. 장교와 군인, 스파이, 다양한 계급과 지위의 귀족, 승려, 예수회, 세속 여성 및 군인의 여자 친구, 노예, 농민-이들은 코미디의 영웅입니다. 컬렉션에 스며드는 주제 중 하나는 성직자의 도덕에 대한 비난입니다. 육체적 열정에 압도 된 승려와 사제의 날카롭게 기괴한 이미지에서 디드로와 볼테르 추종자의 펜을 느낄 수 있습니다.

Merimee 코미디의 캐릭터는 강하고 열정적이며 뛰어난 위치에 있으며 특별한 일을합니다. 그러나 그들을 로맨스 드라마의 주인공이라고 부르기는 여전히 불가능하다. "클라라 가술 극장"에는 사회에 반대하는 강한 개인 숭배가 없습니다. 이 연극의 영웅들은 낭만적 인 주관성이 없으며 작가의 생각과 감정을 직접적으로 표현하지 않습니다. 또한 낭만적 인 슬픔과 실망은 그들에게 완전히 이질적입니다. 낭만적인 드라마가 비범한 영웅들의 과장된 이미지를 제공했다면, 메리메 연극의 수많은 이미지는 전체적으로 사회적 관습의 그림을 만들어 냈습니다. 메리미 캐릭터들의 로맨틱한 컬러링으로 주인공들의 로맨틱한 분위기를 가라앉히는 아이러니가 가장 강하게 느껴진다.

그래서 코미디 "African Love"에서 Merimee는 낭만적 인 분노의 연극적이고 가짜 성격을 드러내면서 그의 영웅들의 "광란적인"열정이 불가능하다고 비웃습니다. 드라마의 주인공 중 한 명인 베두인 쟌은 친구 하지 누만의 노예와 사랑에 빠져 그녀 없이는 살 수 없다. 그러나 알고 보니 이 사랑은 열렬한 아프리카인들만의 사랑이 아니다. Haji Numan의 손에 맞아 죽어가는 그는 "... 흑인 여성이 있습니다 ... 그녀는 임신했습니다 ... 나에게서. "라고보고합니다. 친구의 죽음에 충격을 받은 누만은 무고한 노예를 단검으로 찌른다. 그러나 그 순간 하인이 나타나 "... 저녁 식사가 제공되고 공연이 끝났습니다. "라고 말합니다. "아! -그런 비난에 만족하는 Haji Numan이 말합니다. -그럼 또 다른 문제입니다." 모든 "살해자"가 일어 서서 노예 역할을 한 여배우는 작가에게 관대 해 달라는 요청으로 대중에게 호소합니다.

낭만적 인 파토스를 줄이기 위해 Merimee는 높고 한심한 말투를 평범하고 구어체이며 심지어 저속한 거리 언어와 충돌시키는 기술을 기꺼이 사용합니다.

"클라라 가술 극장"에 등장하는 캐릭터의 풍자적 특징은 코미디 "거룩한 선물의 운반"에서 가장 완벽하게 표현됩니다. 총독, 그의 신하, 그리고 주교는 모두 민첩한 젊은 여배우 페리콜라의 손에 달려 있습니다.

Clara Gasoul Theatre에서 Merimee는 고전주의의 규범적 미학의 기준을 따르기를 거부하고 창작의 자유를 보여주는 훌륭한 예를 보여주었습니다. 이 컬렉션에 통합 된 연극의주기는 그대로 캐릭터와 열정을 묘사하는 새로운 접근 방식을 찾고 찾는 작가의 창의적인 실험실이었습니다. 표현 수단그리고 극적인 형태.

14 세기 프랑스 농민의 반 봉건 봉기 인 "Jacques"를 묘사 한 Mérimée의 연극 "Jacquerie"(1828)의 등장은 국가 사극에 대한 생각과 관련이 있습니다.

역사 발전의 법칙, 특히 역사 속 인물의 중요성에 대한 Mérimée의 견해는 프랑스 낭만주의 역사서술, 특히 프랑스 역사에 관한 편지(Letters on the History of France, 1827)에서 언급한 Thierry의 역사 개념에 가깝습니다. "영웅이라 불리는... 당신은 전체 국가와 사랑에 빠지고 수세기 동안 그 운명을 따라야 합니다."

이 희곡은 1830년 사건 이전의 혁명적 격동의 분위기 속에서 만들어졌다. "Jacquerie"는 부당하고 잔인한 사회 질서에 대한 대중의 분노 폭발의 필연성을 주장하는 반 봉건 및 반 귀족 연극입니다.

"Jacquerie"에서 극작가 Mérimée의 혁신적인 용기가 드러났습니다. 드라마의 주인공은 국민이다. 그의 운명의 비극, 그의 투쟁 및 패배는 사람들의 이미지와 운명, 농민 전쟁 참가자, "zhaks"의 동맹국과 적과 관련된 많은 동기를 포함하는 연극의 줄거리 기반을 형성합니다. 그들 각자는 봉기에 참여하거나 반대하는 이유가 있습니다. "Jacquerie"의 개별 영웅의 운명은 사람들의 비극적 인 운명에 대한 일반화 된 이미지를 만들고 패배의 역사적 필연성을 말합니다. 무자비한 진실성으로 Merimee는 잔인하고 무례한 도덕, 약탈적이고 어리석은 기사의 오만함, 부유 한 부르주아 마을 사람들의 배신, 농민의 제한적이고 좁은 지평 인 "Jacques"를 재현합니다.

민중이 주인공인 비극의 새로운 발상은 옛 고전주의적 형식을 보존하는 것을 불가능하게 만들었다. Jacquerie에는 대중 장면의 참가자를 제외하고 약 40 명의 배우가 있습니다. 행동은 숲, 마을 광장, 전장, 기사의 성, 수도원, 시청, 반란군 진영 등 다양한 장소에서 이루어집니다. 셰익스피어를 중심으로 독일의 "스토머"와 낭만주의 , Mérimée는 고전주의 비극의 전통적인 5막을 36개의 장면으로 대체합니다. 행동의 시간은 또한 "시간의 통일성"을 훨씬 뛰어 넘습니다. 이 모든 것은 고전주의 비극의 "좁은 형태"를 파괴하고 새로운 예술 이론가들이 말한 자유를 요구했습니다. "Jacquerie"의 예술적 특징은 그의 작품 "Racine and Shakespeare"(1825)에서 Stendhal의 비극에 대한 요구 사항을 완전히 충족합니다.

"Jacquerie"는 프랑스 연극의 레퍼토리에 포함되지 않았지만 그러한 연극의 등장 자체가 30 년대 프랑스 로맨틱 드라마의 발전에서 사실적인 경향의 창조력을 증명 했습니까?

"Jacquerie"의 중요성은 푸쉬킨의 "Boris Godunov"(1825)와 함께 민속 비극의 고전적인 예인 현대 드라마의 역사에서도 큽니다. Mérimée가 그의 연극이라고 불렀던 "봉건 시대의 장면"의 경험은 푸쉬킨이 "Scenes from Knightly Times"로 알려진 미완성 드라마 작업에서 사용했습니다.

러시아, 그 역사, 문학 및 언어에 대한 Merimee의 관심은 컸습니다. 민속 창작에 매료 역사적 비극, 극작가는 "우크라이나의 코사크와 그들의 마지막 족장", "라진의 반란"등 러시아, 우크라이나의 과거에 대한 여러 역사적 작품을 바칩니다. Merimee는 프랑스 인에게 현대 러시아 문학 최고의 작품을 소개하고 " 스페이드의 여왕", "Shot", "Gypsy"및 푸쉬킨의 여러시와 Gogol의 "Inspector"및 Turgenev의 이야기. 러시아 문학계는 작가의 장점을 높이 평가하여 그를 러시아 문학 애호가 협회의 명예 회원으로 선출했습니다.

학자

프랑스의 사회적 조건은 현실에 대한 낭만적인 불만을 불러일으켰습니다. 그 나라는 자본주의 발전의 길을 따라 빠르게 움직이고 있었다. 부르주아지는 점점 더 중요한 세력이 되었고 이에 비례하여 그들의 보수주의도 강화되었습니다.

부르주아의 냉정하고 실용적인 성격은 반항적 인 충동과 폭력적인 열정으로 낭만주의와는 거리가 멀었습니다. 고전주의의 시민 적 파토스는 그녀에게 그다지 이질적이지 않았습니다. 부르주아 혁명의 영웅적 시기는 끝났다. 부르주아 관중은 극장 무대에서 장난기 넘치는 보드빌을보고 싶었습니다. 풍자적 특징이 없지만 너무 사악하지는 않은 코미디입니다. 그는 거리에서 부유한 부르주아 남자의 이데올로기적 수준에 적합하다는 내용으로 밝혀진 사극을 보는 것을 싫어하지 않았다.

이 드라마투르기의 필수 특성은 가벼움과 재미였습니다. 저자는 연극 청중의 심리에 대한 지식뿐만 아니라 기술 기술, 매혹적이고 화려한 음모를 구축하는 능력을 습득해야했습니다. 시청자를 즐겁게하기 위해 이런 종류의 "잘 만들어진 연극"의 제작자는 감각적이고 실용적인 시대의 정신과 열망을 미화하고 현대 부르주아의 도덕성을 전파했으며 그의 산문 이미지를 미덕의 후광으로 둘러싸고 그의 마음, 에너지 및 행운.

오거스틴 유진 스크라이브(Augustin Eugene Scribe, 1791~1861)의 작품은 부르주아 청중의 취향을 가장 완벽하게 구현했다. Herzen은 Scribe의 사회적 이미지와 그의 극작술의 사회적 의미를 훌륭하게 정의하여 그를 부르주아지의 작가라고 불렀습니다. "... 그는 그녀를 사랑하고 그녀에게 사랑을 받고 그녀의 개념과 취향에 적응하여 다른 모든 사람을 잃었다; 스크라이브는 부르주아지의 궁중, 애무자, 설교자, 방랑자, 교사, 어릿광대, 시인이다.부르주아는 극장에서 울고 있다, 그들 자신의 미덕에 감동하고, 서기관이 그린, 성직자의 영웅주의와 시에 감동을 받았다. 카운터 "1. 그는 다작의 극작가였습니다. 무조건적인 재능, 근면함을 소유하고 "잘 만들어진 플레이"의 원칙에 따라 Scribe는 다음과 같이 썼습니다. 사백극적인 작품.

1 (Herzen A.I. soch., 30권 M., 1955, v. 5, p. 34.)

Scribe의 가장 인기있는 작품 중에는 "Bertrand and Raton"(1833), "Ladder of Glory"(1837), "Glass of Water"(1840), "Andrienne Lecouvreur"(1849)가 있습니다.

그의 연극 대부분은 변함없는 성공을 거두며 프랑스 극장 무대에서 공연되었습니다. Scribe의 극작술은 프랑스 밖에서도 명성을 얻었습니다.

표면적이지만 Scribe의 희곡도 분명한 장점이 있고 재미 있습니다. 그의 코미디는 또한 극작가가 자신의 연극을 만든 부르주아 청중과는 거리가 먼 청중에게도 성공했습니다.

1930년대에 보드빌을 시작으로 Scribe는 코미디, 복잡하고 능숙하게 디자인된 음모가 있는 보드빌로 이동하며 미묘하게 눈에 띄는 여러 사회적 및 일상적 특징이 있습니다. 그의 코미디의 단순한 철학은 작가에 따르면 유일한 행복을 담고있는 물질적 번영을 위해 노력하는 것이 었습니다. Scribe의 영웅은 삶의 의미, 의무, 윤리 및 도덕적 문제에 대한 생각으로 자신에게 부담을주지 않는 쾌활하고 진취적인 부르주아입니다. 그들은 생각할 시간이 없으며 신속하고 능숙하게 업무를 정리해야합니다. 수익성있게 결혼하고, 어지러운 경력을 쌓고, 편지를 심고 가로 채고, 도청하고, 추적합니다. 그들은 생각과 경험을 할 시간이 없습니다. 행동하고 풍요로워 야합니다.

Scribe의 최고의 연극 중 하나는 전 세계 무대를 돌았던 유명한 코미디 Glass of Water, or Causes and Effects (1840)였습니다. 그것은 역사 연극에 속하지만 Scribe는 이름, 날짜, 흥미진진한 세부 사항에 대해서만 역사가 필요하며 공개에는 필요하지 않습니다. 역사적 패턴. 연극의 음모는 볼링브룩 경과 앤 여왕이 가장 좋아하는 말보로 공작부인이라는 두 정치적 반대자의 투쟁을 기반으로 합니다. Bolingbroke의 입을 통해 Scribe는 역사에 대한 그의 "철학"을 공개합니다. 위대한 사람들은 국가를 정복하고 인도하지만, 이 위대한 사람들은 자신의 열정, 변덕, 허영심, 즉 가장 작고 가장 불쌍한 인간 ... 감정의 자비에 있습니다 ... "

Scribe가 믿었던 부르주아 관중은 그가 유명한 영웅과 군주보다 나쁘지 않다는 것에 무한히 우쭐했습니다. 훌륭하게 구성된 무대 일화로의 이야기의 변형은 이 관객에게 아주 잘 어울렸습니다. 영국 여왕의 드레스에 물 한 잔을 엎질러 영국과 프랑스 사이의 평화가 종결되었습니다. Bolingbroke는 사라방드 춤을 잘 추어서 목회를 받았지만 감기 때문에 놓쳤습니다. 그러나이 모든 부조리는 화려한 연극 형식으로 옷을 입고 있으며, 연극이 수년 동안 무대를 떠나지 않은 전염성 있고 즐겁고 성급한 삶의 리듬이 주어집니다.

발자크

1930년대와 1940년대 프랑스 드라마의 현실적인 열망은 프랑스의 가장 위대한 소설가 오노레 드 발자크의 드라마투르기에서 가장 큰 힘과 충만함으로 드러났다. 예술가 사상가는 그의 작품에서 사회 생활과 시대 관습의 역사에 대한 분석을 제공했습니다.

그는 자신의 작업에 정확한 과학 법칙을 사용하려고 했습니다. 자연 과학의 성공, 특히 유기체의 통합에 관한 Saint-Hilaire의 가르침을 바탕으로 Balzac은 사회의 발전이 특정 법칙의 적용을 받는다는 사실에서 사회를 묘사하기 시작했습니다. 사람들의 생각과 열정을 "사회 현상"으로 생각하면서 그는 계몽 자들을 따라 사람은 본질적으로 "선도 악도 아니다"라고 주장했지만 "이익에 대한 욕구는 ... 그의 나쁜 성향을 발전시킨다"고 주장했다. 작가의 임무는 사회 환경, 사회 관습 및 사람들의 성격에 따라 이러한 열정의 행동을 묘사하는 것이라고 Balzac은 믿었습니다.

Balzac의 작업은 방법의 개발 및 이론적 이해에서 중요한 단계였습니다. 비판적 사실주의. 인생 사실에 대한 고된 수집과 연구, "실제로있는 그대로"의 묘사는 Balzac에서 평범하고 자연스러운 일상적인 글로 바뀌지 않았습니다. 그는 "조심스럽게 재생산"하는 작가는 "이러한 사회 현상의 기초 또는 하나의 공통 기반을 연구하고 유형, 열정 및 사건의 거대한 컬렉션의 열린 의미를 수용해야합니다 ..."라고 말했습니다.

극장은 항상 Balzac에 관심이 있습니다. 분명히 작가는 교육자이자 멘토가 되어야 한다고 믿었던 그는 연극 예술이 대중에게 미치는 접근성과 영향력에 매료되었습니다.

Balzac은 현대 프랑스 연극, 특히 그 레퍼토리에 대해 비판적이었습니다. 그는 낭만적인 드라마와 멜로드라마를 인생의 진실과 동떨어진 연극이라고 비난했다. 그의 소설.

사실적인 극을 만드는 길은 험난했다. Balzac의 초기 연극에서 그의 극적인 아이디어에는 여전히 낭만적 인 극장에 대한 분명한 의존성이 있습니다. 1920년대와 1930년대 작가는 계획했던 것을 포기하고 자신이 쓴 것에 만족하지 않고 극작술에서 자신의 길을 찾고 있었고 여전히 자신의 극적 스타일을 개발하고 있었으며 이 시기 말에 등장하기 시작했습니다. , 산문 작가 Balzac의 예술의 현실적인 원칙이 가장 명확하게 정의되었을 때.

이때부터 Balzac의 극작가 작업에서 가장 유익하고 성숙한 기간이 시작됩니다. 이 기간 동안(1839-1848) 발자크는 "결혼 학교"(1839), "보트랭"(1839), "키놀라의 희망"(1841), "파멜라 지로"(1843), "사업가"( 1844) , "계모"(1848). 예술 운동의 다양한 극적인 장르의 기술과 형식을 사용하여 Balzac은 점차 사실적인 드라마 제작을 향해 나아갔습니다.

당시 프랑스 극장의 무대를 가득 채웠던 연극과는 달리 여러 극작을 구상한 발자크는 이렇게 썼다. 하찮은, 그 일이 어떤 종류의 소문을 불러일으킬지 보기 위해”진심”. 그러나 이 “하찮은” 연극은 현대 부르주아 가족이라는 매우 중요한 주제에 전념했습니다. 고령의 사업가 Gerard와 그의 회사 직원 인 어린 소녀 Adrienne, 그리고이 "범죄"열정에 대한 그의 가족 및 친척의 존경할만한 구성원의 치열한 투쟁이 도덕적 옹호자는 제한적이고 잔인한 사람들, 범인으로 밝혀졌습니다. 사건의 비극적 결과에 대해.

가족 테마에 대한 이러한 솔루션은 발자크의 드라마와 "웰메이드 연극"을 극명하게 대조했습니다. "결혼 학교"; 상연되지는 않았지만 프랑스 연극사에서 두드러진 위치를 차지했으며 드라마에서 현대 사회의 삶을 사실적으로 반영하려는 첫 번째 시도를 나타냅니다.

다음 연극에서 발자크는 일반적으로 그의 극작술의 특징 인 멜로 드라마의 특징을 크게 증가시킵니다.

이와 관련하여 연극 "Vautrin"이 시사합니다. 이 멜로 드라마의 주인공은 "Father Goriot", "Shine and Poverty of Courtesans"등 Balzac의 작품에서 이미지가 발전한 도망자 죄수 Vautrin입니다. 파리 귀족의 서클. 그녀의 가장 깊은 비밀을 알고 파리의 지하 세계와 연결되어 Vautrin은 진정으로 강력한 인물이 됩니다. 행동 과정에서 외모를 바꾸는 Vautrin은 주식 중개인의 역할이나 절묘한 귀족 또는 사절의 모습으로 나타나고 음모의 결과에 결정적인 최종 행동에 나타납니다. 심지어 "나폴레옹처럼 연기한다." 이러한 모든 변형은 자연스럽게 이미지를 "낭만화"합니다. 그러나 직접적인 플롯 의미 외에도 부르주아 귀족 사회의 존경할만한 아이디어에서 산적을 분리하는 선의 취약성을 말하는 것처럼 다른 의미를 얻습니다. 분명히 Vautrin의 "변형"의 숨겨진 의미는 배우 Frederic Lemaitre에 의해 잘 이해되었습니다. 이 역할을 수행하면서 그는 그의 영웅에게 루이 필립 왕과 예상치 못한 닮은 점을 부여했습니다. 극장 "Port-Saint-Martin"(1840)의 관객들에게 큰 성공을 거둔 드라마가 연극 초연 다음날 금지 된 이유 중 하나였습니다.

극작가 Balzac의 최고의 작품 중 하나는 코미디 "Businessman"입니다. 이것은 그의 동시대 관습에 대한 진실하고 생생한 풍자적 묘사입니다. 연극의 모든 영웅은 풍요에 대한 갈증에 사로 잡혀이 목표를 달성하기 위해 모든 수단을 사용합니다. 그리고 그 남자가 사기꾼이고 범죄자인지 존경받는 사업가인지는 사기의 성공 여부에 따라 결정됩니다.

다양한 규모와 능력을 지닌 상인과 증권 중개인, 파산한 사회의 댄디, 부잣집 신부에게 의지하는 겸손한 청년, 심지어 주인에게 뇌물을 받고 비밀을 장사하는 하인까지 치열한 투쟁을 벌인다.

연극의 주요 얼굴은 사업가 Mercade입니다. 이것은 관통하는 마음, 강한 의지, 위대한 인간적 매력을 가진 사람입니다. 이 모든 것이 그가 절망적으로 보이는 상황에서 벗어나는 데 도움이 됩니다. 그의 가격을 잘 아는 사람들, 그를 감옥에 넣을 준비가 된 채권자들은 그의 의지에 굴복하고 대담한 생각의 비행, 계산의 정확성으로 확신하고 그를 믿을뿐만 아니라 그의 일에 참여할 준비가되어 있습니다. 모험. Merkade의 강점은 환상이 없다는 것입니다. 그는 현대 세계에서 이익을 위한 경쟁적 투쟁에 참여하는 것을 제외하고는 사람들 사이에 연결이 없다는 것을 알고 있습니다. "이제 ... 감정은 폐지되었고 돈으로 대체되었습니다. 더 이상 가족이없고 개인 만 있기 때문에 이기심 만 남아 있습니다." 인간관계가 단절된 사회에서는 명예도 정직도 의미가 없다. 5프랑짜리 동전을 보여주며 Mercada는 외칩니다. , 프랑스의 동료, 장관."

Balzac의 사실주의는 특정 사회 유기체로서 "사업가"의 현대 사회를 예리하게 분석하여 사회적 관습을 진실되게 묘사하는 코미디로 나타났습니다. "Businessman"을 만들 때 Balzac은 17-18 세기 프랑스 코미디의 전통으로 전환했습니다. 따라서 이미지의 일반화, 일상 생활의 부재, 행동 전개의 조화와 논리, 연극의 캐릭터가 살기보다는 행동하는 바로 그 분위기에 내재 된 잘 알려진 연극 관습. 연극은 다소 건조한 합리성과 연극 적 캐릭터를 생생하고 지칠 줄 모르는 복잡한 얼굴로 바꾸는 심리적 음영과 개별 특성의 이미지 부재로 구별됩니다.

1838년에 구상된 코미디 "사업가"는 불과 6년 후에 완성되었습니다. 작가의 생애 동안 연극은 공연되지 않았습니다. Balzac은 Frederic Lemaitre가 Mercade의 역할을 수행하기를 원했지만 Porte Saint-Martin Theatre는 Balzac이 동의하지 않은 저자의 연극 텍스트에 상당한 변경을 요구했습니다.

Balzac의 극적인 작업은 "진정한 연극"을 만드는 작업에 근접한 드라마 "The Stepmother"로 완성됩니다. 작가는 극의 본질을 '가족 드라마'라고 정의했다. 가족 관계를 분석하면서 Balzac은 공개 관습을 연구했습니다. 그리고 이것은 사회적 문제와는 거리가 멀어 보였던 '가족 드라마'에 큰 사회적 의미를 부여했습니다.

번영하는 부르주아 가족의 외부 복지와 평화로운 평온 뒤에는 열정의 투쟁 그림, 정치적 신념이 점차 드러나고 사랑, 질투, 증오, 가족 폭정 및 자녀의 행복에 대한 아버지의 관심이 드러납니다. .

연극의 행동은 1829 년 나폴레옹 군대의 전 장군 인 Comte de Grandchamp의 부유 한 제조업체의 집에서 이루어집니다. 연극의 주인공은 Gertrude 백작의 아내, 그의 첫 결혼에서 얻은 딸인 Pauline, 그리고 현재 장군의 공장 관리자 인 폐허가 된 Ferdinand de Markandal 백작입니다. Polina와 Ferdinand는 서로 사랑합니다. 그러나 그들은 극복할 수 없는 장애물에 직면해 있습니다. 사실 Ferdinand와 Polina는 현대 로미오와 줄리엣입니다. 그의 정치적 신념에 따라 Grandshan 장군은 Bourbons에 봉사하기 시작한 모든 사람을 열정적으로 미워하는 전투적인 Bonapartist입니다. 그리고 그것이 바로 Ferdinand의 아버지가 한 일입니다. Ferdinand 자신은 가명으로 살고 있으며 장군이 "반역자"의 아들에게 결코 딸을주지 않을 것임을 알고 있습니다.

Ferdinand와 Pauline과 그녀의 계모 Gertrude의 사랑을 막습니다. 그녀는 결혼하기 전부터 페르디난드의 정부였습니다. 그가 파산했을 때 Gertrude는 그를 빈곤에서 구하기 위해 부유 한 장군과 결혼하여 그가 곧 죽고 부유하고 자유로운 그녀가 Ferdinand로 돌아 가기를 희망했습니다. 그녀의 사랑을 위해 싸우는 거트루드는 연인들을 갈라놓을 잔인한 음모를 이끈다.

계모의 이미지는 극중 멜로드라마적 악녀의 모습을 띠게 되고, 그것과 함께 결국 드라마 전체가 같은 캐릭터를 갖게 된다. 멜로 드라마틱하고 낭만적 인 극장의 모티브는 심리 드라마의 분위기에 침입합니다. 아편의 도움으로여 주인공의 달래기, 편지 절도, 영웅의 비밀 폭로 위협, 결국 자살 순결한 소녀와 그녀의 연인.

그러나 현상에 대한 "공통 기반"을 찾고 열정과 사건의 숨겨진 의미를 드러내는 그의 규칙에 따라 Balzac은 그의 드라마에서도 이것을 수행합니다. "계모"의 모든 비극적 사건의 중심에는 귀족의 파멸, 부르주아 세계에 공통적 인 편의 결혼, 정치적 반대자들의 적대감 등 사회 생활의 현상이 있습니다.

『계모』에 대한 작가의 의도를 숙지함으로써 사실주의 드라마 전개에 있어 이 연극의 의미를 이해할 수 있다. 발자크는 이렇게 말했습니다. 그것은 관하여조잡한 멜로가 아니라 ... 아니, 모든 것이 차갑고 차분하고 친절한 살롱 드라마를 꿈꿉니다. 남자들은 부드러운 녹색 전등갓 위에 올려진 촛불의 불빛에 만족스럽게 휘파람을 불고 있습니다. 여성들은 자수 작업을 하면서 수다를 떨고 웃는다. 족장 차를 마신다. 한마디로 모든 것이 질서와 조화를 선포합니다. 그러나 내부에서는 열정이 동요하고 드라마는 연기가 나다가 나중에 불길에 휩싸입니다. 그게 내가 보여주고 싶은 거다."

Balzac은이 아이디어를 완전히 구현하지 못하고 "거친 멜로 드라마"의 속성에서 벗어날 수 없었지만 미래 드라마의 윤곽을 훌륭하게 예견 할 수있었습니다. "끔찍한 것", 즉 일상 생활의 비극을 드러내려는 발자크의 생각은 19 세기 후반의 극작술에서만 구체화되었습니다.

계모는 1848년 역사 극장에서 상연되었습니다. Balzac의 모든 극적인 작품 중에서 그녀는 대중에게 가장 성공적이었습니다.

동시대의 어떤 극작가보다 발자크는 성숙한 부르주아 사회의 진정한 모순의 완전한 복잡성을 드러낼 수 있는 새로운 유형의 사실적인 사회 드라마를 창조하는 데 더 많은 노력을 기울였습니다. 그러나 그의 극작에서 그는 그의 최고의 사실주의 소설의 특징인 생명 현상에 대한 포괄적인 범위로 올라갈 수 없었다. 가장 성공적인 연극에서도 발자크의 현실적 강점은 어느 정도 약화되고 축소되었습니다. 그 이유는 상업적 부르주아 극장의 영향으로 소설 뒤의 19 세기 중반 프랑스 극작술의 일반적인 지연 때문입니다.

그러나 그 모든 것에 대해 Balzac은 현실적인 극장의 전사들 사이에서 명예로운 자리를 차지합니다. 프랑스.

프랑스 연극

18 세기 후반 ~ 19 세기 전반기의 공연에서는 실제 행동의 경계를 넓히는 경향이 있었고 시간과 공간의 통일 법칙을 거부했습니다.

극적인 예술에 영향을 미친 변화는 무대의 풍경 디자인에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. 무대 장비뿐만 아니라 극장 건물도 급진적 인 재구성이 필요했지만 19세기 중반세기, 그러한 변화를 만드는 것은 매우 어려웠습니다.

이러한 상황으로 인해 아마추어 판토마임 학교의 대표자들이 뉴 에이지 배우들 사이에서 정당한 자리를 차지할 수 있었고 혁신적인 드라마 투르기 작품의 최고 연기자가되었습니다.

점차 그림 같은 파노라마, 디오라마, 네오라마가 19세기 공연 예술에 널리 퍼졌습니다. L. Daguerre는 검토 기간 동안 프랑스에서 가장 유명한 마스터 데코레이터 중 한 명이었습니다.

19세기 말까지 변화는 극장 무대의 기술적 재정비에도 영향을 미쳤습니다. 1890년대 중반 K. Lautenschläger가 모차르트의 오페라 Don Giovanni를 제작하는 동안 1896년에 처음 사용된 회전 무대가 널리 사용되었습니다. .

19세기의 가장 유명한 프랑스 여배우 중 한 명은 파리 태생의 Catherine Josephine Rafin Duchenois(1777-1835)였습니다. 그녀의 무대 데뷔는 1802년에 일어났다. 그해에 25 세의 여배우는 코미디 프랑세즈 극장 무대에 처음 등장했으며 1804 년에 그녀는 이미 사교계로 극단의 주요 부분에 들어갔습니다.

작업 첫해에 무대에서 비극적 인 역할을 한 Catherine Duchenois는 여배우 Georges와 손바닥을 위해 끊임없이 싸워야했습니다. 지난 공연의 게임과 달리 Duchenois는 따뜻함과 서정으로 관객의 시선을 끌었고 그녀의 관통하고 진정성있는 부드러운 목소리는 누구도 무관심하게 만들 수 없었습니다.

1808년 Georges는 러시아로 떠났고 Catherine Duchenois는 Comédie Française의 주요 비극 배우가 되었습니다.

여배우의 가장 중요한 역할 중에는 Racine의 동명의 연극에서 Phaedra, Luce de Lancival의 Hector의 Andromache, Arnaud의 Germanica의 Agrippina, Jouy의 Sulla의 Valeria, 같은 이름의 연극의 Mary Stuart가 있습니다. 르브룬 등

여배우 Marie Dorval (1798-1849)의 연극도 특별한 관심을 기울일 가치가 있습니다. 쌀. 64), 영감과 탁월한 기술로 사랑을 위한 투쟁에서 사회에 도전하는 여성의 이미지를 무대에서 구현했습니다.

Marie Dorval은 배우 가족에서 태어나 어린 시절을 무대에서 보냈습니다. 그럼에도 불구하고 소녀는 놀라운 연기 능력을 발견했습니다. 감독이 맡은 작은 역할에서 그녀는 전체 이미지를 구현하려고 노력했습니다.

1818년에 Marie는 파리 음악원에 입학했지만 몇 달 후에 떠났습니다. 이 행위의 이유는 젊은 인재의 창의적인 개성과이 교육 기관의 배우 훈련 시스템이 양립 할 수 없기 때문입니다. 곧 Marie Dorval은 Port-Saint-Martin 최고의대로 극장 중 하나의 연기단의 일원이되었습니다. Ducange의 멜로 드라마 "30 년 또는 도박꾼의 삶"에서 Amalia의 역할이 연기되어 여배우를 엄청나게 유명하게 만들었습니다. 이번 공연에서 마리의 엄청난 재능이 드러났고, 그녀는 대도시 관객들에게 그녀의 뛰어난 연기를 보여주었다.

쌀. 64. 키티 벨 역의 마리 도발

1831 년 Dorval은 A. Dumas의 로맨틱 드라마 Antony에서 Ardel d' Hervey 역을 맡았고 몇 달 후 V. Hugo의 드라마 Marion에서 타이틀 역할을했습니다.

여배우에게 시적 연극이 어렵게 주어 졌음에도 불구하고 그 구절은 그녀의 즉각적인 감정과 모순되는 일종의 관습 이었기 때문에 Marie는 성공적으로 역할에 대처했습니다. Dorval이 공연 한 Marion은 청중뿐만 아니라 작품 작가에게도 기쁨의 폭풍을 일으켰습니다.

1835년, 여배우는 그녀를 위해 특별히 쓴 Vigny의 드라마 Chatterton으로 데뷔했습니다. Dorval이 연기 한 Kitty Bell은 큰 사랑을 할 수있는 조용하고 연약한 여성으로 청중 앞에 나타났습니다.

쉰 목소리와 불규칙한 이목구비를 가진 여배우 마리 도발은 19세기 시청자들에게 여성성의 상징이 되었다. 인간 감정의 깊이를 표현할 수 있는 이 감성적인 배우의 연기는 동시대인들에게 잊을 수 없는 인상을 남겼다.

Victor Hugo와 Alexandre Dumas-son의 드라마에서 주연으로 명성을 얻은 유명한 프랑스 배우 Pierre Bocage (1799-1862)는 대중의 특별한 사랑을 받았습니다.

Pierre Bocage는 단순한 노동자의 가정에서 태어 났고 직조 공장은 그에게 삶의 학교가되었으며 소년은 어떻게 든 부모를 돕기 위해 들어갔습니다. 어린 시절에도 Pierre는 무대에 대한 열정의 촉매 역할을 한 셰익스피어의 작품에 관심을 갖게되었습니다.

극장의 꿈을 안고 살던 보카쥬는 음악원에 들어가기 위해 수도까지 걸어서 갔다. 청년의 놀라운 외모와 특이한 기질에 놀란 심사관들은 어떤 장애물도 두지 않았습니다.

그러나 파리 음악원에서의 그의 연구는 수명이 짧은 것으로 판명되었습니다. Pierre는 수업료를 지불 할뿐만 아니라 생활비도 충분하지 않았습니다. 곧 그는 교육 기관을 떠나대로 극장 중 하나의 연기단에 들어가야했습니다. 수년 동안 그는 극장을 돌아다니며 처음에는 Odeon에서 일했고 그 다음에는 Porte Saint-Martin과 다른 많은 곳에서 일했습니다.

Bocage가 무대에서 만든 이미지는 주변 현실에 대한 배우의 태도 표현, 인간의 행복을 파괴하려는 권력자의 욕망에 대한 그의 불일치 진술에 지나지 않습니다.

Pierre Bocage는 Victor Hugo (Didier in Marion Delorme), Alexandre Dumas son (Antoni in Antony), F. Pia (Ango in Ango) 및 등.

지배 엘리트와의 싸움에서 죽음을 맞이한 외롭고 삶에 실망한 낭만적 인 영웅의 이미지를 무대에서 만들기 위해 주도권을 잡은 것은 Bocage였습니다. 그러한 계획의 첫 번째 역할은 아들 A. Dumas의 동명 드라마에서 Anthony였습니다. 절망에서 기쁨으로, 웃음에서 비통한 흐느낌으로의 갑작스러운 전환은 놀라울 정도로 효과적이었습니다. 청중은 오랫동안 Pierre Bocage가 수행 한 Anthony의 이미지를 기억했습니다.

배우는 1848년 프랑스에서 일어난 혁명적 사건에 적극적으로 참여했습니다. 그는 정의의 승리를 믿고 민주화의 염원을 손에 꼭 쥐고 지켰다.

현대 세계에서 정의의 승리에 대한 희망의 붕괴는 Bocage가 자신의 세계관을 바꾸도록 강요하지 않았으며 Odeon Theatre의 무대를 국가 당국의 자의성과 독재에 맞서 싸우는 수단으로 사용하기 시작했습니다.

곧 배우는 반정부 활동으로 기소되었고 극장 감독직에서 해고되었습니다. 그럼에도 불구하고 그의 시대가 끝날 때까지 Pierre Bocage는 계속해서 정의의 승리를 굳게 믿고 그의 이상을 옹호했습니다.

C. Duchenois 및 M. Dorval과 같은 19 세기 전반의 여배우와 함께 유명한 Louise Rosalie Allan-Depreo (1810-1856)가 있습니다. 그녀는 연극 감독의 가족 인 Mons에서 태어났습니다. 이 상황은 Louise Rosalie의 전체 미래 운명을 미리 결정했습니다.

연극 생활의 분위기는 어린 시절부터 유명한 여배우에게 친숙했습니다. 이미 열 살 때 재능있는 소녀가 연기 환경에서 인정을 받았으며 파리 코미디 프랑세즈 극장에서 그녀가 연기 한 어린이 역할은 아무도 무관심하지 않았습니다.

1827년, 음악원 연극반을 졸업한 후, Louise Allan-Depreo는 전문적인 연기 교육을 받았습니다. 그 무렵 젊은 여배우는 이미 꽤 유명했으며 1830 년까지 일했던 Comedie Francaise 극장의 연기단에 합류하겠다는 제안에 놀라지 않았습니다. 1831년부터 1836년까지 Allan-Depreo는 Gimnaz 극장 무대에서 빛을 발했습니다.

Louise Rosalie의 연기 생활에서 중요한 역할은 러시아 여행에서 수행되었습니다. 여기에서 St. Petersburg Mikhailovsky Theatre의 프랑스 극단에서 그녀는 연기 기술을 향상시키면서 10 년 (1837-1847)을 보냈습니다.

고향으로 돌아온 Allan-Depreo는 다시 Comédie Francaise 극단에 합류하여 최고의 여배우그랜드 요염한 여자의 역할. 그녀의 게임은 프랑스와 유럽의 귀족 계층의 관심을 끌었습니다. 러시아 사회: 세련되고 우아한 매너, 특별한 우아함으로 연극 의상을 입을 수있는 능력-이 모든 것이 경솔한 세속적 요염한 이미지를 만드는 데 기여했습니다.

Louise Rosalie Allan-Depreo는 Alfred de Musset의 낭만적인 연극에서 연기자로 유명해졌습니다. 이 여배우의 가장 유명한 역할 중에는 Caprice (1847)의 Madame de Lery, 연극 The Door Must Be Open or Closed (1848)의 Marquise, 비극 You Ca n't Foresee Everything (1849)의 Vernon 백작 부인, "Adrienne Lecouvreur"(1849)의 Duchess Bouillon, "The Candlestick"(1850)의 Jacqueline, "The Ladies 'War"(1850)의 d' Autret 백작 부인 등.

19세기 전반에 판토마임 극장이 널리 보급되기 시작했습니다. 이 장르를 가장 잘 대표하는 사람은 Jean Baptiste Gaspard Debureau(1796-1846)였습니다.

극단 단장 집안에서 태어나 어린 시절부터 극장의 즐거운 분위기가 평생을 채웠다. 1816 년까지 Jean Baptiste Gaspard는 아버지의 팀에서 일한 후 프랑스 수도에서 가장 민주적 인 무대 그룹 중 하나 인 Funambul Theatre에서 일했던 Rope Dancers 극단으로 옮겼습니다.

Rope Dancers 극단의 일원으로 그는 무언극 Harlequin Doctor에서 Pierrot 역을 맡아 스무 살 배우에게 첫 성공을 안겨주었습니다. 청중은 Debureau의 영웅을 너무 좋아해서 배우는 "The Raging Bull"(1827), "The Golden Dream, or Harlequin and the Miser"(1828), "The Whale"과 같은 여러 다른 무언극에서이 이미지를 구현해야했습니다. (1832) 및 "아프리카의 피에로"(1842).

19세기 초, 즐거운 장르의 민속 익살극이 여전히 희극극을 지배했습니다. 장 밥티스트 가스파르 드뷰로(Jean Baptiste Gaspard Debureau)는 익살스러운 무언극에 의미를 부여하여 말 없는 민속 공연을 현대 전문 연극의 깊은 의미 있는 제작에 더 가깝게 만들었습니다.

이것은 나중에 민속 만화 영웅이 된 Deburov의 Pierrot의 인기를 설명합니다. 이 이미지에는 기업, 독창성 및 가성 풍자와 같은 프랑스 캐릭터의 전형적인 국가적 특성이 표현되었습니다.

무수한 구타와 핍박과 굴욕을 당하면서도 평정을 잃지 않는 피에로는 어떤 상황, 심지어 가장 복잡한 상황에서도 승리할 수 있는 흔들리지 않는 부주의를 유지합니다.

드뷰로가 연기한 이 캐릭터는 기존의 질서를 분개하게 거부하고 단순한 도시인이나 소작농의 상식으로 악과 폭력의 세계에 맞섰다.

이전 시대의 무언극 공연에서 피에로 역의 연기자는 필연적으로 소위 극적 메이크업을 적용했습니다. 그는 얼굴을 하얗게 만들고 밀가루를 두껍게 뿌렸습니다. 이 전통을 보존하면서 Jean-Baptiste Gaspard는 세계적으로 유명한 Pierrot 의상을 사용하여 긴 흰색 하렘 바지, 넓은 칼라리스 블라우스 및 상징적 인 검은 붕대를 머리에 두는 이미지를 만들었습니다.

나중에 그의 최고의 판토마임에서 배우는 그 당시와 관련된 불의한 세상에서 가난한 사람들의 비극적 운명에 대한 주제를 반영하려고 노력했습니다. 눈부신 기행과 캐릭터의 깊은 내면을 고스란히 반영한 그의 기교 덕분에 멋진 이미지를 만들어냈다.

Debureau의 게임은 19세기 진보적인 예술 지식인의 관심을 끌었습니다. 유명한 작가 - C. Nodier, T. Gauthier, J. Janin, J. Sand 등이이 배우에 대해 열정적으로 말했습니다.

그러나 Jean-Baptiste Gaspard Debureau는 정의를위한 투사가 아니라 대중적인 민속 인물 역할을 맡은 연기자로만 세계 연극 예술의 역사에 들어갔습니다. Debureau의 배우 작업의 최고의 전통은 나중에 재능있는 프랑스 배우 M. Mars의 작업에 반영되었습니다.

19세기 전반의 주목할 만한 여배우는 Virginie Dejazet(1798-1875)였습니다. 그녀는 예술가 가족으로 태어 났으며 무대에서받은 양육은 그녀의 무대 재능의 초기 발전에 기여했습니다.

1807년, 재능 있는 소녀가 파리의 보드빌 극장에서 기업가의 관심을 끌었습니다. Virginie는 열정적으로 연기단에 합류하겠다는 제안을 수락했으며 오랫동안 수도의 극장에서 일하고 싶었습니다.

Vaudeville에서의 작업은 젊은 여배우의 기술 개발에 기여했지만 점차 그녀를 만족시키지 못했습니다. 이 극장을 떠나 Virginie는 버라이어티에서 일하기 시작했고 Gimnaz와 Nuvota에 초대되어 여배우가 1830년까지 공연했습니다.

그녀의 창작 활동의 전성기는 Virginie Dejazet가 Palais Royal Theatre 무대에서 빛을 발한 1831-1843 년이었습니다. 그 후 몇 년 동안 여배우는 파리 극장 그룹과의 협력을 중단하고 전국을 많이 여행했으며 때로는 지방 극장에서 한두 시즌 동안 머물기도했습니다.

연기의 대가인 Dejaze는 레이크 보이, 애지중지한 후작, 어린 소녀 및 노인의 역할을 수행하는 드래그 퀸 역할을 성공적으로 수행했습니다. 가장 성공적인 역할은 Scribe, Bayard, Dumanoir 및 Sardou의 보드빌과 희극에서 그녀가 담당했습니다.

Virginie Dejazet의 동시대 사람들은 종종 여배우의 비범한 우아함, 무대 대화의 기교, 정확한 표현 능력을 지적했습니다.

보드빌에서 쉽게 구절을 연주 한 Dejaze의 명랑하고 재치있는여 주인공은 여배우의 성공을 보장했으며 오랫동안 그녀를 까다로운 대도시 대중이 가장 좋아하는 사람으로 만들었습니다. 그리고 이것은 Virginie의 레퍼토리가 대중 청중의 전통적인 취향과 일치하지 않는다는 사실에도 불구하고.

여배우의 기교와 그녀의 공연의 깊은 민족적 성격은 Béranger의 노래 (Clairville과 Lambert-Tibout의 보드빌 "Béranger 's Songs"에서 Beranger의 독백 "Lisette Béranger"에서) 공연에서 가장 분명하게 나타났습니다.

낭만주의 시대에 비극적 역할을 한 가장 유명한 프랑스 여배우 중 한 명은 Eliza Rachel (1821-1858)입니다. (그림 65). 그녀는 도시 거리에서 다양한 작은 물건을 파는 가난한 유대인 가정에서 파리에서 태어났습니다. 이미 어린 시절에 소녀는 뛰어난 능력을 보여주었습니다. 그녀가 연주 한 노래는 수많은 구매자를 아버지의 쟁반으로 끌어 들였습니다.

쌀. 65. 페이드라 역의 레이첼

타고난 예술적 재능 덕분에 열일곱 살의 Eliza는 유명한 프랑스 극장 "Comedy Francaise"의 연기단에 합류했습니다. 이 무대에서 그녀의 데뷔 역할은 Corneille의 연극 Horace의 Camille이었습니다.

19 세기 30 년대 대부분의 대도시 극장 레퍼토리는 소설가 (V. Hugo, A. Vigny 등)의 작품을 기반으로했다는 점에 유의해야합니다. Eliza Rachel과 같은 밝은 별이 연극계에 등장한 후에야 잊혀진 고전 제작이 재개되었습니다.

당시 Racine의 동명 연극에서 Phaedra의 이미지는 비극적 장르에서 연기력의 가장 높은 지표로 간주되었습니다. 여배우에게 청중의 큰 성공과 인정을 가져다 준 것은 바로이 역할이었습니다. Eliza Rachel이 연기한 Phaedra는 최고의 인간 자질의 구현인 자랑스럽고 반항적인 성격으로 제시되었습니다.

1840 년대 중반은 재능있는 여배우의 활발한 여행 활동으로 표시되었습니다. 그녀의 유럽 여행은 프랑스 연극 학교를 영광스럽게했습니다. Rachel은 러시아와 북미를 방문하여 연극 평론가로부터 높은 점수를 받았습니다.

1848 년 J. Racine "Gofalia"의 연극을 기반으로 한 공연이 Eliza Rachel이 주연을 맡은 Comedie Francaise 무대에서 상연되었습니다. 그녀가 만든 이미지는 사악하고 파괴적인 힘의 상징이되어 점차 통치자의 영혼을 불태 웠고 여배우는 다시 한 번 뛰어난 재능을 보여줄 수있었습니다.

같은 해 Eliza는 수도의 무대에서 Rouget de Lisle의 Marseillaise를 공개적으로 읽기로 결정했습니다. 이 공연의 결과는 갤러리의 기쁨과 포장 마차에 앉아있는 청중의 분노였습니다.

그 후 Eliza는 대부분의 현대 극장의 레퍼토리가 그녀의 높은 재능에 합당하지 않다고 생각했기 때문에 재능있는 여배우는 한동안 실직했습니다. 그러나 무대 기술은 여전히 ​​여배우를 매료 시켰고 곧 다시 리허설을 시작했습니다.

활발한 연극 활동은 Rachel의 건강을 해쳤습니다. 36 세의 여배우는 결핵에 걸렸고 몇 달 후 사망하여 감사하는 후손에게 탁월한 기술의 풍부한 유산을 남겼습니다.

19세기 후반 가장 인기 있는 배우 중 한 명은 재능 있는 배우 브누아 콘스탄트 코클랭(1841-1909)입니다. 어린 시절에 보여준 연극 예술에 대한 관심은 삶의 문제로 바뀌 었습니다.

그해에 유명한 배우 Renier와 함께 파리 음악원에서 공부하면서 재능있는 청년이 무대에 올라 옛 꿈을 이룰 수있었습니다.

1860년 Coquelin은 Comedie Francaise 극장 무대에 데뷔했습니다. Molière의 연극 Love Annoyance를 기반으로 한 연극에서 Gros Rene의 역할은 배우의 명성을 얻었습니다. 1862년 그는 Beaumarchais의 희곡 The Marriage of Figaro에서 Figaro 역의 연기자로 유명해졌습니다.

그러나 Coquelin은 1885 년 Comédie Française를 떠난 후 그의 최고의 역할 (The Unwilling Doctor의 Sganarelle, The Tradesman in the Nobility의 Jourdain, The Funny Cossacks의 Mascarille, 같은 이름의 Molière 연극의 Tartuffe)을 연기했습니다.

많은 비평가들은 Molière 작품 제작에서 재능있는 배우가 만든 가장 성공적인 이미지를 인정했습니다. Coquelin 레퍼토리의 마지막 창의성 기간에는 Rostand 연극의 역할이 우세했습니다.

재능있는 배우는 또한 연기 문제에 관한 여러 이론 논문 및 기사의 저자로 유명해졌습니다. 1880년에 그의 저서 "예술과 연극"이 출판되었고, 1886년에는 "배우의 예술"이라는 연기 매뉴얼이 출판되었습니다.

11년 동안(1898년부터 1909년까지) Coquelin은 극장 "Port-Saint-Martin"의 감독으로 일했습니다. 이 남자는 프랑스 연극 예술의 발전을 위해 많은 일을 했습니다.

연기력의 향상은 드라마투르기의 발전을 동반했다. 이때 O. de Balzac, E. Zola, A. Dumas-son, Goncourt 형제 등과 같은 유명한 작가들이 등장하여 낭만주의와 사실주의 시대의 무대 예술에 크게 기여했습니다.

유명한 프랑스 작가이자 극작가인 Honore de Balzac(1799-1850)은 관리의 아들인 파리에서 태어났습니다. 아들의 미래를 걱정하는 부모는 그에게 법률 교육을 제공했습니다. 그러나 법학은 문학 활동보다 청년을 훨씬 덜 매료 시켰습니다. 곧 Balzac의 창작물이 널리 보급되었습니다. 평생 동안 그는 97 편의 소설, 단편 소설 및 단편 소설을 썼습니다.

Honore는 어린 시절부터 연극 예술에 관심을 보이기 시작했지만 최초의 극적인 걸작은 1820 년대 초에야 그에 의해 작성되었습니다. 이 작품 중 가장 성공적인 작품은 비극 Cromwell(1820)과 멜로드라마 The Negro and The Corsican(1822)이었습니다. 완벽한 연극과는 거리가 먼 이들은 파리 극장 중 한 곳의 무대에서 매우 성공적으로 상연되었습니다.

창의적 성숙기에 Balzac은 The School of Marriage (1837), Vautrin (1840), Kinola 's Hopes (1842), Pamela Giraud (1843) 등 세계 여러 극장의 레퍼토리에 포함 된 여러 극적인 작품을 만들었습니다. ), 딜러 "(1844) 및"계모 "(1848). 이 연극은 매우 인기가있었습니다.

은행가, 주식 중개인, 제조업체 및 정치인의 극작가가 만든 전형적인 이미지는 놀랍도록 그럴듯한 것으로 판명되었습니다. 작품은 부르주아 세계의 부정적 측면, 포식, 부도덕, 반인간주의를 드러냈다. 발자크는 긍정적인 인물의 도덕적 완성도를 통해 사회악에 맞서기 위해 자신의 희곡에 멜로드라마적 요소를 도입했다.

Balzac의 극적인 작품의 대부분은 깊은 드라마와 역사적 구체성으로 가득 찬 사회적 모순에 기반한 극심한 갈등이 특징입니다.

Honore de Balzac의 드라마에서 개별 캐릭터의 운명 뒤에는 항상 넓은 삶의 배경이 있습니다. 개성을 잃지 않은 영웅들은 일반화 된 이미지의 형태로 동시에 등장했다.

극작가는 자신의 작품을 생생하게 만들고 소개하기 위해 노력했습니다. 형질캐릭터의 정확한 음성 특성을 제공하기 위해 특정 시대의 삶.

19세기 극작술에 눈에 띄는 족적을 남긴 발자크 드라마는 세계 연극 예술의 발전에 지대한 영향을 미쳤다.

재능있는 프랑스 극작가의 가장 유명한 연극 중에는 Storm Harbor, Kinola 's Dreams라는 이름으로 극장 레퍼토리에 포함 된 Kinola의 희망 계모를 언급 할 가치가 있습니다. 소설 "총각의 삶"을 바탕으로 쓴 "유진 그란데"와 "지방 역사".

Honore de Balzac은 극작가이자 작가일 뿐만 아니라 미술 이론가로도 유명해졌습니다. Balzac의 많은 기사는 새로운 극장에 대한 그의 생각을 표현했습니다.

극작가는 무대 위의 동시대 현실에 대한 비판적 반영을 금기시했던 검열에 대해 분개했다. 또한 Balzac은 전형적인 부르주아 이데올로기와 삶의 현실과의 거리로 인해 19 세기 극장의 상업적 기반에 이질적이었습니다.

수많은 멜로드라마, 코미디, 보드빌의 작가이자 재능 있는 프랑스 극작가인 Benjamin Antier(1787-1870)는 Balzac과는 약간 다른 방향으로 작업했습니다.

이 극작가의 연극은 많은 대도시대로 극장의 레퍼토리에 포함되었습니다. 민주적, 공화당 적 사상의 지지자 인 Antje는이를 청중에게 전달하려고 노력했기 때문에 그의 작품에서 비난하는 메모가 들려 사회적 지향적이되었습니다.

인기있는 프랑스 배우 Frederic Lemaitre와 공동으로 극작가는 1834 년 파리 극장 "Foli Dramatic"의 무대에서 상연 된 "Robert Macer"라는 가장 유명한 연극 중 하나를 썼습니다. 대체로 이 연극의 성공은 관객들이 가장 좋아하는 프레데릭 르메트르(Frederic Lemaitre)의 화려한 연기 덕분이다. 쌀. 66) 및 전체 연기 극단.

쌀. 66. 르메트르 - 로버트 메이서

대도시 대중 사이에서 성공한 Benjamin Anttier의 다른 연극 중에서 The Carrier (1825), The Masks of Resin (1825), The Rochester (1829) 및 The Firestarter (1830)는 특별한 관심을 가질 만합니다. 그들은 또한 현대 세계의 심각한 사회 문제를 반영합니다.

19세기 전반 프랑스 연극의 혁신가는 재능 있는 작가 카시미르 장 프랑수아 들라비뉴(1793-1843)였다. 열여덟 살에 프랑스 문단에 입문했고, 8년 뒤 극적으로 데뷔했다.

1819년 Casimir Delavigne은 그의 첫 비극 중 하나인 The Sicilian Vespers가 상연된 무대인 Odeon Theatre에서 일하기 시작했습니다. 여기에서 젊은 극작가의 다른 많은 초기 작품과 마찬가지로 과거의 유명한 연극 고전의 영향을 추적 할 수 있습니다.

동일한 엄격한 전통에서 비극 "Marino Faglieri"가 작성되었으며 "Port-Saint-Martin"극장에서 처음으로 상영되었습니다. 이 연극의 서문에서 Delavigne은 그의 미학적 관점의 기본 원칙을 공식화하려고 노력했습니다. 그는 현대극에서 고전 예술과 낭만주의의 예술적 기법을 결합할 필요가 있다고 믿었다.

당시 많은 문인들이 비슷한 관점을 견지하고 있었으며, 극작술의 다양한 경향에 대한 포용적 태도만이 앞으로 세계 연극 예술이 효과적으로 발전할 수 있다고 믿었다는 점에 유의해야 합니다.

그러나 특히 문학 시어 분야에서 고전 예술의 샘플을 완전히 거부하면 연극 문학 전체가 쇠퇴할 수 있습니다.

재능있는 극작가는 그의 후기 작품에서 혁신적인 경향을 구현했으며, 그 중 가장 중요한 것은 1832 년에 쓰여지고 몇 달 후 Comedie Francaise 극장 무대에서 상연 된 비극 "Louis XI"였습니다.

낭만적인 시학, 이미지의 생생한 역동성, 미묘한 지역색이 특징인 C. J. F. Delavigne의 비극은 전통적인 고전극과 크게 달랐다.

프랑스와 다른 유럽 국가의 최고의 배우들이 무대에서 반복적으로 구현 한 루이 11 세 왕의 이미지는 연기 환경에서 가장 사랑받는 이미지 중 하나가되었습니다. 따라서 러시아에서 Louis의 역할은 이탈리아의 재능있는 배우 V. Karatygin이 E. Rossi에 의해 완벽하게 수행되었습니다.

평생 동안 Casimir Jean-Francois Delavigne은 온건 한 자유주의를 넘어서지 않고 민족 해방 운동 지지자들의 반 사무적 견해를 고수했습니다. 분명히 재능있는 극작가의 작품이 유신 시대의 지배 엘리트들 사이에서 널리 보급되고 7 월 군주제 초기에도 잃지 않는 것은 바로 이러한 상황이었습니다.

가장 유명한 작품 Delavigne의 비극 "Pariah"(1821)와 "Edward 's Children"(1833)의 이름을 지정해야하며 작가의 코미디 작품 ( "School for the Old"(1823), "Don Juan of Austria"(1835) 등)은 적지 않았습니다. 19세기에 유행했다. ).

O. de Balzac의 연극과 다른 유명한 연극 예술 인물보다 덜 유명하지 않은 19 세기에는 유명한 Alexander Dumas 아들 (1824-1895)의 극적인 작품이 사용되었습니다.

그는 The Three Musketeers와 The Count of Monte Cristo의 저자 인 유명한 프랑스 작가 Alexandre Dumas의 가족에서 태어났습니다. 아버지의 직업은 아들의 삶의 길을 미리 결정했지만 그의 저명한 부모와 달리 Alexander는 극적인 활동에 더 매료되었습니다.

진정한 성공은 1852 년에 그가 이전에 쓴 소설에서 다시 만든 연극 The Lady of the Camellias가 일반 대중에게 공개되었을 때만 아들 Dumas에게 왔습니다. 사회에서 거부당한 창녀에 대한 인간성, 따뜻함, 깊은 공감이 담긴 연극 제작은 보드빌 극장 무대에서 진행되었습니다. 관객들은 동백꽃의 여인을 열광적으로 맞이했다.

Dumas Son의 이 극적인 작품은 여러 언어로 번역되어 세계에서 가장 큰 극장의 레퍼토리에 포함되었습니다. 여러 번 S. Bernard, E. Duse 및 기타 유명 여배우가 The Lady of the Camellias에서 주연을 맡았습니다. 이 희곡을 바탕으로 1853년 주세페 베르디는 오페라 라 트라비아타를 썼다.

1850년대 중반까지 가족 문제 A. Dumas Son의 작업에서 주요 주제가되었습니다. 그의 연극 "Diana de Lis"(1853)와 "Half Light"(1855), "Money Question"(1857) 및 "Bad Son"(1858)은 극장 "Gimnaz"의 무대에서 상연되었습니다. 극작가는 "Aubrey 부인의 견해"(1867), "Princess Georges"(1871) 등 후기 작품에서 강한 가족의 주제로 전환했습니다.

19세기 많은 연극 평론가들은 알렉상드르 뒤마를 문제극 장르의 창시자이자 프랑스 사실주의 극작술의 가장 두드러진 대표자로 불렀다. 그러나이 극작가의 창조적 유산에 대한 더 깊은 연구를 통해 그의 작품의 사실주의가 대부분의 경우 외부적이고 다소 일방적이라는 것을 확인할 수 있습니다.

Dumas son은 현대 현실의 특정 측면을 비난하면서 가족 구조의 영적 순수성과 깊은 도덕성을 확인했으며 세상에 존재하는 부도덕과 불의는 개인의 악으로 그의 작품에 나타납니다. E. Ogier, V. Sardou 및 기타 극작가의 최고의 작품과 함께 Alexandre Dumas 아들의 연극은 19세기 후반에 많은 유럽 극장의 레퍼토리의 기초를 형성했습니다.

유명한 작가, 극작가 및 연극 이론가는 Edmond(1822-1896) 형제와 Jules(1830-1870) Goncourt 형제였습니다. 그들은 그들의 첫 작품이 출판된 1851년에 프랑스 문학계에 입문했습니다.

Goncourt 형제가 공동 저자로만 문학 및 극적인 걸작을 만들었다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 공동 창의성열렬한 찬사를 찾을 것입니다.

처음으로 Goncourt 형제 (소설 Henriette Marechal)의 작품이 1865 년 Comedie Francaise 극장 무대에서 상연되었습니다. 수년 후 Free Theatre 무대에서 Henri Antoine은 드라마 조국을 위험에 빠뜨 렸습니다. 그는 또한 Goncourt의 소설 Sister Philomena (1887)와 The Maiden Eliza (1890)를 상연했습니다.

또한 고급 프랑스 대중은 Odeon Theatre의 소설 Germinie Lacerte (1888), Gymnase의 Charles Damailly (1892)의 상연을 무시하지 않았습니다.

Goncourt 형제의 문학 활동은 새로운 장르의 출현과 관련이 있습니다. 유럽 ​​극장자연주의와 같은 현상을 퍼뜨립니다.

유명한 작가들은 사건을 묘사할 때 상세한 정확성을 위해 노력했고, 생리학의 법칙과 사회 환경의 영향을 중시했으며, 캐릭터에 대한 심도 있는 심리적 분석에 특별한 관심을 기울였습니다.

공쿠르의 연극을 연출한 연출가들은 보통 절묘한 풍경을 사용했고 동시에 엄격한 표현력도 부여했다.

1870 년 Jules Goncourt가 죽었고 그의 형제의 죽음은 Edmond에게 큰 인상을 주었지만 그의 문학 활동을 포기하도록 강요하지는 않았습니다. 1870 ~ 1880 년대에 그는 "Zemganno Brothers"(1877), "Faustina"(1882) 등 파리 극장 배우와 서커스 공연자의 삶에 전념하는 여러 소설을 썼습니다.

또한 E. Goncourt는 전기 장르로 전환했습니다. 18 세기의 유명한 프랑스 여배우에 대한 작품 (Mademoiselle Clairon, 1890)이 특히 인기가있었습니다.

독자들에게 그다지 매력적이지 않은 것은 Jules의 생애 동안 시작된 "일기"였습니다. 그 안에 체적 제품저자는 19세기 프랑스의 종교, 역사, 연극 문화에 대한 방대한 주제적 자료를 제시하고자 했다.

그러나 연극 문제에 대한 그의 특별한 관심에도 불구하고 Edmond Goncourt는 그것을 진정한 극작가의 관심을 끌 가치가 없는 멸종 위기에 처한 예술 형식으로 간주했습니다.

작가의 후기 작품에서는 반 민주적 경향이 들렸지 만 그의 소설은 현대 프랑스 문학의 새로운 경향의 특징 인 미묘한 심리학으로 가득 차 있었다.

인상파 예술가들에 이어 Edmond Goncourt는 모든 장르의 작품에 캐릭터의 감정과 분위기의 가장 작은 음영을 반영하는 것이 필요하다고 생각했습니다. 아마도 이런 이유로 E. Goncourt는 프랑스 문학에서 인상주의의 창시자로 간주됩니다.

19세기 후반, 비판적 사실주의라는 새로운 문화적 경향의 발전으로 특징지어지는 유명한 에밀 에두아르 샤를 앙투안 졸라(Emile Edouard Charles Antoine Zola, 1840-1902)를 포함하여 많은 재능 있는 극작가들이 세상에 나타났습니다. 작가뿐만 아니라 문학 및 연극 평론가로도 활동합니다.

Emile Zola는 오래된 가족의 후손 인 이탈리아 엔지니어의 가족에서 태어났습니다. 미래 극작가의 어린 시절은 아버지 Zola가 운하 설계에 참여한 Aix-en-Provence의 작은 프랑스 마을에서 보냈습니다. 여기에서 소년은 적절한 교육을 받고 친구를 사귀 었으며 가장 가까운 사람은 미래의 유명한 예술가 인 Paul Cezanne이었습니다.

1857년 가장이 사망하고 가족의 재정적 복지가 급격히 악화되었으며 과부와 아들은 강제로 파리로 떠나야 했습니다. 여기 프랑스 수도에서 Emile Zola가 Balzac과 Stendhal의 비판적 사실주의의 최고의 전통으로 쓰여진 희극 The Fooled Mentor (1858)라는 그의 첫 번째 예술 작품을 만들었습니다.

2 년 후 젊은 작가는 La Fontaine의 우화 "The Milkmaid and the Jug"를 바탕으로 한 연극을 관객에게 선보였습니다. "Pierrette"라고 불리는이 연극의 무대는 꽤 성공적이었습니다.

단, 상대방에게 인정받기 전에 문학계자본, Emil은 처음에는 이상한 직업에 만족해야했고 곧 Ashet 출판사에서 정규직으로 자리를 내주었습니다. 동시에 Zola는 다양한 신문과 잡지에 기사를 썼습니다.

1864년에 The Tales of Ninon이라는 제목의 그의 첫 단편집이 출판되었고, 1년 후 소설 Claude's Confession이 출판되어 작가의 명성이 널리 퍼졌습니다. Zola도 극적인 분야를 떠나지 않았습니다.

이 장르의 초기 작품 중 "늑대와 함께 사는 것은 늑대처럼 울부 짖는 것"이라는 구절의 단막 보드빌, 감상적인 코미디 "미운 소녀"(1864), 연극 "마들렌"(1865) 그리고 "Marseille Secrets"(1867)는 특별한 관심을 기울일 가치가 있습니다.

에밀 졸라의 첫 번째 진지한 작품으로, 많은 비평가들은 드라마 "테레즈 라캥"이라고 불렀습니다. 동명의 소설 1873년 르네상스 극장에서 하지만 극의 사실적인 줄거리와 긴장감은 내적 갈등주인공은 멜로 드라마적인 비난으로 단순화되었습니다.

드라마 "Thérèse Raquin"은 19 세기 수십 년 동안 최고의 프랑스 극장 레퍼토리에 포함되었습니다. 많은 동시대인들에 따르면, 그것은 "Per Goriot의 Balzac처럼 E. Zola가 셰익스피어 이야기를 반영하여 Teresa Raquin을 Lady Macbeth와 동일시한 진정한 비극"이었습니다.

차기작을 작업하면서 자연주의 문학 사상에 휩싸인 극작가는 " 과학 소설”, 여기에는 자연 과학, 의학 및 생리학의 데이터가 포함됩니다.

각 사람의 성격과 행동이 유전의 법칙, 그가 사는 환경, 역사적 순간에 의해 결정된다고 믿는 Zola는 특정 조건에서 삶의 특정 순간을 객관적으로 묘사하는 데 작가의 임무를 보았습니다.

유전의 기본 법칙을 보여주는 소설 "Madeleine Ferat"(1868)는 한 가족의 여러 세대의 삶에 전념하는 일련의 소설의 첫 번째 징후가되었습니다. Zola가 이 주제로 전환하기로 결정한 것은 이 작업을 작성한 후였습니다.

1870년 30세의 작가는 Gabrielle-Alexandrine Mel과 결혼했고 3년 후 파리 교외에 있는 아름다운 집의 주인이 되었습니다. 곧 현대 연극에서 급진적 인 개혁을 적극적으로 추진 한 자연주의 학교의 지지자 인 젊은 작가들이 배우자의 거실에 모이기 시작했습니다.

1880 년 Zola의 지원으로 젊은이들은 새로운 극작의 진정한 본질을 설명하는 것이 목적인 "Medan Evenings", 이론 작품 "Experimental Novel"및 "Natural Novelists"를 출판했습니다.

자연주의 학교 지지자들을 따라 Emil은 비평 기사를 작성했습니다. 1881년에 그는 극장에 관한 별도의 출판물을 우리 극작가와 극장의 자연주의라는 두 개의 컬렉션으로 결합하여 프랑스 드라마 발전의 개별 단계에 대한 역사적 설명을 제공하려고 했습니다.

이 작품에서 V. Hugo, J. Sand, A. Dumas의 아들, Labiche 및 Sardou의 창의적인 초상화를 보여준 후 Zola는 미학 이론이 만들어지는 논쟁에서 삶의 모습을 그대로 표현하려고했습니다. 또한 컬렉션에는 에세이가 포함되어 있습니다. 연극 활동 Daudet, Erkman-Chatrian 및 Goncourt 형제.

책 중 하나의 이론적 부분에서 재능있는 작가는 연극 예술의 발전에 중요한 역할을 한 극작가 인 Moliere, Regnard, Beaumarchais 및 Balzac 시대 최고의 전통을 흡수 한 새로운 자연주의 프로그램을 제시했습니다. 프랑스뿐 아니라 전 세계적으로.

연극 전통에 심각한 수정이 필요하다고 믿고 Zola는 연기 작업에 대한 새로운 이해를 보여주었습니다. 에 직접 참여 연극 공연, 그는 배우들에게 "연기하는 대신 연극을 살아라"고 조언했습니다.

극작가는 가식적인 플레이 스타일과 선언을 진지하게 받아들이지 않았으며 배우의 포즈와 몸짓의 연극 적 부자연 스러움에 불쾌했습니다.

Zola에게 특히 흥미로운 것은 무대 디자인의 문제였습니다. 빈 무대를 제공하는 셰익스피어 전통에 따라 고전 극장의 무표정한 풍경에 대해 그는 "극적 행동에 도움이 되지 않는" 장면의 교체를 촉구했다.

작가는 예술가들에게 "복잡한 사회 환경"을 진실되게 전달하는 방법을 적용하라고 조언하는 동시에 단순히 "자연을 복사"하는 것, 즉 단순화된 자연주의적 풍경 사용에 대해 경고했습니다. 연극 의상 및 메이크업의 역할에 대한 Zola의 아이디어는 현실과의 화해 원칙에 기반을 두었습니다.

현대 프랑스 드라마투르기의 문제에 비판적으로 접근한 저명한 작가는 배우와 감독 모두에게 무대 액션이 현실에 더 가까워야 하고 다양한 인간 캐릭터를 자세히 연구할 것을 요구했습니다.

Zola는 "전형적인 위치"에서 찍은 "살아있는 이미지"의 생성을 옹호했지만 동시에 Corneille, Racine 및 Moliere와 같은 유명한 고전의 극작술의 최고의 전통을 잊지 말라고 조언했습니다.

추진 된 원칙에 따라 재능있는 극작가의 많은 작품이 작성되었습니다. 그래서 코미디 The Heirs of Rabourdain (1874)에서 Zola는 부유 한 친척의 죽음을 고대하고 있던 재미있는 지방 속물들을 보여줄 때 B. Johnson의 Volpone 스토리 라인과 Molière 연극의 전형적인 코미디 상황을 사용했습니다.

차용 요소는 Zola의 다른 극작에서도 볼 수 있습니다. The Rosebud (1878), 멜로 드라마 Rene (1881), 서정 드라마 The Dream (1891), Messidor (1897) 및 The Hurricane (1901) .

특유의 리드미컬한 언어와 환상적인 플롯이 시간과 장소의 비현실성을 표현한 작가의 서정극은 입센과 메테를링크의 희곡에 가깝고 예술적 가치가 높았다는 점은 주목할 만하다.

그러나 V. Sardou, E. Ogier 및 A. Dumas-son의 "잘 만들어진"드라마에서 자란 연극 평론가와 대도시 관객은 Zola의 작품 제작을 무관심하게 만났고 직접 참여하여 수행되었습니다. 많은 재능있는 감독 V. Byuznak의 저자 극장 장면파리.

그래서 다른 시간에 Zola의 연극 "The Trap"(1879), "Nana"(1881) 및 "Scum"(1883)은 Ambigu Comedian Theatre에서, "The Womb of Paris"(1887)에서 상연되었습니다. 무료 극장 - "Jacques d' Amour"(1887), "Chatelet"- "Germinal"(1888).

1893년부터 1902년까지 Odeon Theatre의 레퍼토리에는 Emile Zola의 "Page of Love", "Earth" 및 "The Misdemeanor of the Abbé Mouret"가 포함되어 있으며 수년 동안 무대에서 꽤 성공적이었습니다. .

19세기 후반의 연극 인물들은 유명한 작가의 작품 후기에 대해 승인하며 "다양한 주제에 대해 다양한 플롯으로 무대 연극의 자유를 얻은 그의 공로를 인정하여 사람들, 노동자, 군인들, 농민들이 무대에 오르다 - 이 모든 목소리가 크고 장엄한 군중들."

Emile Zola의 주요 기념비적 작품은 Rougon-Macquart 시리즈 소설로 1871년부터 1893년까지 수십 년에 걸쳐 작업되었습니다. 이 20권으로 구성된 이 작품의 페이지에서 저자는 1851년(루이 나폴레옹 보나파르트의 쿠데타)부터 1871년(파리 코뮌)까지 프랑스 사회의 영적, 사회적 삶의 그림을 재현하려고 노력했습니다.

그의 인생의 마지막 단계에서 유명한 극작가는 작품의 주인공 인 Pierre Froment의 이데올로기 적 탐색으로 통합 된 두 개의 서사적 소설주기를 만드는 작업을했습니다. 이 주기(세 도시)의 첫 번째 주기에는 소설 루르드(1894), 로마(1896), 파리(1898)가 포함되었습니다. 다음 시리즈 "The Four Gospels"는 "Fecundity"(1899), "Labor"(1901) 및 "Truth"(1903) 책이었습니다.

불행히도 "사복음서"는 미완성 상태로 남아 있었고 작가는 생애 마지막 해에 시작된 작업의 네 번째 볼륨을 완료하지 못했습니다. 그러나이 상황은 미래에 이성과 노동의 승리에 대한 꿈을 실현하려는 작가의 유토피아 적 사상을 주제로 한이 작품의 의미를 결코 감소시키지 않았습니다.

Emile Zola는 문학 분야에서 적극적으로 활동했을뿐만 아니라 국가의 정치 생활에도 관심을 보였습니다. 그는 J. Guesde에 따르면 "세기의 가장 혁명적 인 행위"가 된 유명한 Dreyfus 사건 (1894 년 프랑스 참모 장교 인 Jew Dreyfus가 간첩 행위로 부당하게 유죄 판결을 받았습니다)을 무시하지 않았습니다. 진보적인 프랑스 대중의 따뜻한 반응을 찾았습니다.

1898년에 Zola는 명백한 정의의 유산을 폭로하려고 시도했습니다. "나는 고발합니다"라는 제목의 편지가 공화국 대통령에게 보내졌습니다.

그러나이 행동의 결과는 슬펐습니다. 유명한 작가는 "비방"으로 유죄 판결을 받고 1 년 징역형을 선고 받았습니다.

이와 관련하여 Zola는 강제로 나라를 떠났습니다. 그는 영국에 정착했고 1900년에 드레퓌스가 무죄 판결을 받은 후에야 프랑스로 돌아왔다.

1902년 작가는 예기치 않게 사망했고, 공식적인 이유사망은 일산화탄소 중독으로 인한 것이지만 많은 사람들은 이 "사고"가 계획된 것이라고 생각했습니다. 장례식에서 연설하는 동안 Anatole France는 그의 동료를 "국가의 양심"이라고 불렀습니다.

1908 년 Emile Zola의 유해는 판테온으로 옮겨졌고 몇 달 후 유명한 작가는 사후에 프랑스 과학 아카데미 회원이라는 칭호를 받았습니다 (그의 생애 동안 그의 후보는 약 20 번 제안되었습니다).

19세기 후반 프랑스 드라마의 최고 대표자 중에는 재능 있는 작가이자 저널리스트이자 극작가인 폴 알렉시스(1847-1901)가 있습니다. 그는 아주 일찍 문학적 창의성에 참여하기 시작했고 대학에서 공부하면서 쓴 시가 널리 알려졌습니다.

졸업 후 Paul은 신문과 잡지에서 일하기 시작했으며 이 외에도 드라마에도 매력을 느꼈습니다. 1870년대 후반에 알렉시스는 그의 첫 번째 희곡인 Mademoiselle Pomme(1879)을 썼고 그 뒤를 이어 다른 극적 걸작들을 썼습니다.

Paul Alexis의 연극 활동은 뛰어난 감독이자 배우 Andre Antoine의 자유 극장과 가장 밀접한 관련이 있습니다. 재능 있는 감독의 창의적인 추구를 지원하기 위해 극작가는 그를 위해 최고의 단편 소설인 The End of Lucy Pellegrin을 상연하기도 했습니다. 이 작품은 1880년에 발표되어 1888년 파리 극장에서 상연되었습니다.

공연 예술에서 자연주의를 열렬히 숭배했던 폴 알렉시스는 프랑스 극장에서 반현실주의 경향이 강화되는 것을 반대했습니다.

자연주의에 대한 열망은 1891년에 쓰여지고 몇 달 후 버라이어티 극장 무대에서 상연된 연극 "모든 것에 대한 하인"에서 표현되었습니다. 얼마 후 Alexis의 지시에 따라 Gimnaz 극장은 Goncourt 형제 "Charles Demailli"(1893)의 소설을 상연했습니다.

인본주의 적 동기는 덜 인기있는 프랑스 극작가 인 Edmond Rostand (1868-1918)의 작품으로 가득 차 있습니다. 그의 연극은 각 개인의 영적 힘에 대한 믿음의 낭만적 이상을 반영했습니다. 선함과 아름다움을위한 투사 인 고귀한 기사가 Rostanov 작품의 영웅이되었습니다.

극작가의 무대 데뷔는 1894년 그의 코미디 The Romantics가 Comédie Française에서 열렸을 때였습니다. 이 작품에서 작가는 과거로 간 순진한 낭만의 세계에 대한 슬픔과 안타까움을 관객에게 보여주기 위해 진실한 인간 감정의 숭고함을 보여주고 자했다. 낭만주의는 엄청난 성공을 거두었습니다.

특히 1897년 파리의 Porte Saint-Martin Theatre에서 상연된 Rostand의 영웅 코미디 Cyrano de Bergerac이 인기를 끌었습니다. 극작가는 나중에 프랑스 연극 학교 최고의 배우들의 연기에서 실제 구체화를받은 약자와 불쾌한 사람의 수호자 인 고귀한 기사의 생생한 이미지를 만들었습니다.

주인공의 아름답고 고상한 영혼이 못생긴 외모 뒤에 숨어 수년 동안 아름다운 록산에 대한 그의 사랑을 숨기도록 강요한다는 사실은 연극의 예술적 개념을 특히 가슴 아프게 만듭니다. 시라노는 죽기 직전에야 사랑하는 사람에게 자신의 감정을 드러낸다.

영웅 코미디 "Cyrano de Bergerac"은 Edmond Rostand 작품의 정점이었습니다. 생애 말년에 그는 "돈 후안의 마지막 밤"이라는 또 다른 연극을 썼고 프레젠테이션의 본질과 철학적 논문의 주요 의미를 연상시킵니다.

19세기 말에서 20세기 초 프랑스 무대 예술에서 중요한 역할은 뛰어난 감독, 배우 및 연극 인물인 앙드레 앙투안이 파리에 설립한 소위 앙투안 극장이 맡았습니다.

새로운 극장은 Menu-Pleisir 살롱 중 한 곳에서 작업을 시작했습니다. 그의 레퍼토리는 젊은 동포들의 작품과 새로운 외국 드라마의 가장 좋은 예를 기반으로했습니다. Antoine은 자유 극장에서 수년 동안 함께 일한 극단에 배우를 초대했습니다 (후자는 1896 년에 존재하지 않음).

Theatre Antoine의 초연 작품은 젊은 프랑스 극작가 Briet과 Courteline의 연극을 성공적으로 상연했습니다.

극장을 만들 때 감독은 자유 극장에서 일하면서 자신이 제시 한 것과 동일한 작업을 해결하려고했습니다.

프랑스 연극 예술의 자연주의 학교의 아이디어를 승인 한 Antoine은 젊은 프랑스 작가의 작품을 홍보했을뿐만 아니라 자본 청중에게 프랑스 무대에 거의 닿지 않는 새로운 외국 드라마를 소개했습니다 (당시 유행에 의한 공허하고 무의미한 연극 작가는 많은 파리 극장의 무대에서 상연되었습니다) .

책에서 늑대 인간 : 늑대 인간 카렌 밥

극장 유럽의 트렌드와 함께 연극 예술이 터키에 침투했을 때 하렘의 숙녀들은 술탄에게 seraglio에서 자신의 극장을 열어야 할 필요성을 설득하기 위해 모든 능력을 사용했습니다 분명히 술탄 자신은 새로운 오락에 반대하지 않았습니다.

Everyday Russian Life 책에서 부동산 XIX세기 작가 오클랴비닌 세르게이 드미트리예비치

책에서 소리의 언어로 된 음악. 음악에 대한 새로운 이해의 길 작가 아르농쿠르 니콜라우스

책에서 Pinakothek 2001 01-02 저자

이탈리아 스타일과 프랑스 스타일 XVII 및 XVIII 세기음악은 아직 국제적이고 보편적으로 이해되는 예술이 아니었습니다. 철도, 비행기, 라디오 및 텔레비전 덕분에 오늘날 음악이 원했고 그렇게 될 수 있었습니다. 다른 지역에서는 절대적으로

The Dukes of the Republic in the Age of Translation: The Humanities and the Revolution of Concepts 책에서 발췌 작가 Khapaeva Dina Rafailovna

The Book of General Delusions 책에서 로이드 존

French Intellectual (1896-2000) "지식인"이라는 단어는 저에게 터무니없는 것 같습니다. 개인적으로 나는 지식인을 만난 적이 없다. 나는 소설을 쓰는 사람들과 병자를 고치는 사람들을 만났다. 경제를 다루고 전자 음악을 쓰는 사람들. 나

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프렌치 토스트는 정말 프랑스에서 온 것일까요? 예, 아니오. 담그다 날달걀팬에서 튀기십시오-부실한 빵의 수명을 연장하는 방법에 대한 매우 보편적 인 해결책 물론 프랑스 인은 tostees dorees라고하는 중세 버전을 "황금

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극장 1672-1676 년에 존재했던 최초의 궁정 극장은 Tsar Alexei Mikhailovich 자신과 그의 동시대 사람들에 의해 유럽 군주 극장의 이미지와 유사성에서 일종의 새로운 "재미"와 "차가움"으로 정의되었습니다. 왕실의 극장은 즉시 나타나지 않았습니다. 러시아인

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극장 처음에 비극은 영혼을 정화하는 수단, 카타르시스를 달성하고 열정과 두려움에서 사람을 해방시키는 기회로 사용되었다고 언급해야합니다. 그러나 비극에는 사소하고 이기적인 감정을 가진 사람들뿐만 아니라

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러시아 디아스포라의 예술 문화, 1917–1939 책에서 발췌 [기사 모음] 작가 저자 팀

18세기 상트페테르부르크의 프랑스 발레 프랑스 문화의 영향을 부인할 수 없는 또 다른 분야는 전문 무용입니다. 여기에서 일반적으로 받아 들여지는 출발점은 훌륭한 프랑스 댄서, 안무가 및 교사의 작품입니다.

책 즐겨 찾기에서. 젊은 러시아 작가 게르센존 미하일 오시포비치

20 세기 상트 페테르부르크 건축 텍스트의 프랑스어 악센트 Alexander III의 통치가 끝날 무렵 Neva에는 Nikolaevsky와 Liteiny라는 두 개의 영구 금속 다리가있었습니다. 다음 단계는 해당 레벨에서 완공될 예정이었던 플로팅 트리니티 다리의 교체였습니다.

저자의 책에서

N. I. Tregub Zinaida Serebryakova. 프랑스 시대 : 자체 주제 검색 (1924-1939) 경력 초기부터 Zinaida Evgenievna Serebryakova (1884-1967)의 예술은 시청자와 비평가의 관심을 끌었습니다. 현재 작가의 작품은 많은 곳에 보관되어 있습니다.

1848년 혁명 이후 프랑스 음악 문화는 복잡하고 어려운 시기에 접어들었다. 사회적 조건이 개발을 방해했습니다. 점차적으로 축적되고 성숙해진 새로운 진보적 경향은 이전 경향이 이미 우리 시대의 요구를 충족시키는 것을 중단했으며 최근 유럽에서 가장 큰 음악 중심지였던 파리는 이제 주요 의미를 잃었습니다. Meyerbeer의 가장 큰 영광의 시간은 뒤에 남아 있습니다. 그것은 30-40 대에 속합니다. 같은 수십 년 동안 Berlioz는 최고의 작품을 만들었습니다. 이제 그는 심각한 위기에 처했습니다. 파리의 음악적 삶과 밀접하게 연결되어 있었고 그 삶의 장식이었던 쇼팽이 세상을 떠났다. 이때까지 Liszt는 프랑스를 떠나 독일에 정착했습니다. 사실, 50년대 말과 60년대에 많은 새로운 이름이 나타났습니다. 오펜바흐, 구노, 비제, 생상스다른 사람. 그러나 그들은 (오펜바흐만을 제외하고) 제2제국의 사회 생활의 전체 구조와 성격을 통해 대중의 인정을 받는 데 어려움을 겪었습니다.

1848년 혁명의 정복은 3년 후 자신을 황제 나폴레옹 3세라고 선언한 루이 보나파르트(위고는 그에게 "작은 나폴레옹"이라는 별명을 붙였습니다)에 의해 빼앗겼습니다. 숙련 된 선동가 인 그는 루이 필립의 부르주아 군주제에 대한 일반적인 대중적 불만을 사용하고 프랑스 인구의 다양한 사회 집단 사이를 교묘하게 조종하여 그들을 연기했습니다.

그러나 전체 부르주아 경제를 뒤집어 놓은 나폴레옹 3세는 향후 20년 동안 국가를 완전히 붕괴시켰다. 잔인한 명료함으로 프랑스-프로이센 전쟁 1870은 "정치 및 금융 모험가 그룹"(F. Engels)이 이끄는 제 2 제국의 비열함을 폭로했습니다.

이 나라는 열광적 인 흥분에 사로 잡혔습니다. 이익에 대한 열정, 증권 거래소 투기에 대한 열정이 모든 곳으로 침투했습니다. 이 타락은 자주색과 금색의 파렴치한 사치와 자랑스러운 모험주의의 노골적인 광채로 은폐되었습니다.

나폴레옹 3세는 프랑스를 러시아(이른바 "범죄 캠페인"), 오스트리아, 중국, 시리아, 멕시코, 마지막으로 독일과의 지속적인 전쟁에 빠뜨렸습니다. 이 전쟁은 때때로 탄생했습니다 시계성공했지만 국가 경제에 해를 끼칠 뿐이었습니다. 그러나 나폴레옹은 영국 빅토리아 여왕이나 페르시아 샤 파 루크의 도착, 상트 페테르부르크의 알렉산더 2 세의 대관식 또는 근처의 오스트리아에 대한 승리 등 공개 행사에서 멋진 광경을 마련했기 때문에 그것들이 필요했습니다. 솔페리노(이탈리아), 사망 민속 시인 Berenger 또는 유명한 작곡가 Meyerbeer와 Rossini의 장례식. 이 각 행사에는 호화로운 의식이 수반되었습니다. 군대는 통합 오케스트라의 귀머거리 소리에 맞춰 행진했고 수천 명의 참가자와 함께 콘서트가 열렸습니다. 겉으로 보기에 파리 생활의 전면은 무미건조한 화려함으로 가득 차 있었다. 도시 자체도 변형되었습니다. 오래된 집이 철거되고 동네 전체가 파리는 부르주아 방식으로 재건되었습니다.

프랑스의 공공 생활에서 화려한 기업이 넓은 곳을 차지했습니다. 만국 박람회와 관련하여 축제가 절정에 달했던 1867년까지 파리에는 45개의 극장이 있었는데 그 중 특징적인 세부 사항이 있었습니다! - 서른은 가벼운 장르의 무대를 제공했다. 재미와 공적인 무도회의 소용돌이 속에서 프랑스는 세단 재앙을 향해 빠르게 돌진하고 있었다. (Zola의 여러 권으로 구성된 Rougon-Maquart 소설 시리즈는 제2제정의 매너와 사회 생활에 대한 폭넓은 그림을 포착합니다.).

"빅"과 코믹 오페라의 위기

이러한 상황에서 음악 예술은 가볍고 재미있는 장르를 제외하고는 결실을 맺을 수 없었습니다. 춤 유행은 베르사유에서 파리 외곽에 이르기까지 사회의 모든 부문을 덮었습니다. 날카 롭고 움직이는 리듬과 활기찬 노래가있는 유쾌한 음악은대로 극장, 버라이어티 쇼, 정원 콘서트 등 모든 곳에서 들렸습니다. 때때로 시사 문제에 대한 작은 희극-보드빌이 펼쳐졌습니다. 50 년대에이를 바탕으로 오페레타가 생겼습니다. 그것은 제 2 제국의 경박 한 정신을 구현했습니다 (자세한 내용은 "Jacques Offenbach"에세이 참조). 오페레타의 매혹적인 번영은 오페라 예술의 예술적 쇠퇴를 동반했습니다.

내면의 공허함과 도덕적 부도덕함을 덮는 의례적인 화려함과 과장된 수사법, 제2제정 지배계의 이데올로기의 이러한 특징은 음악 공연, 특히 공식 그랜드 오페라 극장의 내용과 스타일에 흔적을 남겼습니다. 이 이데올로기의 해로운 영향은 장엄한 기념물 유형의 소위 "그랜드 오페라"에 가장 큰 영향을 미쳤습니다.

The Huguenots (1836)가 최고의 업적을 이룬 Scribe-Meyerbeer의 극작술은 소진되었습니다. Meyerbeer 자신은 Huguenots와 관련하여 한 걸음 뒤로 물러난 The Prophet (1849) 이후 다른 검색으로 전환했습니다. 제2제국의 사회 제도. . Berlioz조차도 이것을하지 못했으며 Les Troyens (1859)에서 Gluck의 비극 형식의 윤리적 정신과 고전적 가소성을 부활시키기 위해 노력했습니다. Meyerbeer 학교의 아류 실험은 더욱 무익했습니다. 역사적이거나 신화적인 주제를 화려하고 관습적인 방식으로 사용한 그들의 작품은 생명이 없는 것으로 판명되었습니다. (재능 있고 다작의 Fromental Halévy (1799-1862)의 최고의 오페라- "The Cardinal 's Daughter"라는 이름으로 소련 뮤지컬 극장 무대에서 알려진 "Zhidovka"-또한 The Huguenots 직전 인 1835 년에 상연되었습니다. . V. I. Lenin은 이 오페라에 대해 따뜻하게 말했습니다(참조: Lenin V. I. Poln. sobr. soch., vol. 55, p. 202); A. I. Herzen은 그것을 높이 평가했습니다.. 이데올로기 적 측면의 부도덕 함, 예술적 측면의 절충주의는 "빅 오페라"의 위기를 나타냅니다. Gounod, Saint-Saens, Massenet 등 차세대 대표자들은 생명을 불어 넣을 수 없었습니다.

코믹오페라도 이데올로기적 내용의 빈곤화, 외부적 유흥에 대한 갈망으로 심각한 위기를 맞고 있었다. 그러나 여전히 "빅"과 비교할 때 코믹 오페라 분야에서는 창작 활동이 더 집중적으로 나타났습니다. 수년 동안 Daniel Francois와 같은 경험 많은 마스터가 이곳에서 일했습니다. 오버(1871년에 사망했지만 여전히 1869년 - 87세의 나이로! - 그의 마지막 코믹 오페라를 썼습니다) 및 Ambroise 톰(1896년 사망); 만화 장르에서 그들의 손을 시도 비제(그의 젊은 시절 오페라 "돈 프로코피오"는 상연되지 않았지만), 세인트 산세그리고 구노; 마지막으로 Carmen은 작가가 코믹 오페라로 생각했다는 사실을 잊지 말자.

그럼에도 불구하고 이 해에 만들어진 것은 새로운 길을 여는 것보다 30년대 최고의 작품("Fra Diavolo", "Black Domino"), Adolphe Adam 또는 Louis Herold와 같은 Aubert와 같은 오랜 전통에 의해 더 많은 영양분을 얻었습니다. . 그러나 일상 생활, 실제 유형 및 현대 생활을 묘사하면서 코믹 오페라가 축적 한 풍부한 경험은 헛되지 않았습니다. 그것은 새로운 장르의 오페레타와 "서정적 오페라"의 형성에 기여했습니다.

50 년대 후반과 60 년대부터 평범한 음모, 감정적으로 진실하고 "사교적 인"표현 수단이 프랑스 예술에서 사실주의의 영향력이 커지고 있다는 신호인 "서정 오페라"가 설립되었습니다 (자세한 내용은 "Charles 구노와 쥘 마스네). 그리고 프랑스의 오래된 국가 기관인 파리 극장 "Grand Orera"와 "Comic Opera"의 공연 품질이 급격히 감소하면 새로운 뮤지컬 극장의 개인 기업인 민주적 청취자의 요청에 응답하여 "Lyrical"(1851에서 1870까지 존재)이라는 이름이 전면에 등장했습니다. ). 여기에서 세계 고전 작품뿐만 아니라 Berlioz, 특히 "서정적"장르의 제작자 인 Gounod ( "Faust", "Mireil", "Romeo and Juliet"), Bizet ( "The Pearl")을 포함한 현대 작곡가도 공연되었습니다. Seekers', '퍼스 뷰티') 등이 있다.

콘서트 생활의 상태

이 기간이 끝나면 콘서트 무대에서 약간의 부흥도 계획되어 있습니다. 이것은 파리의 음악 생활에서 가장 취약한 측면입니다. 솔리스트의 공연에 대한 열정으로 인해 교향악 및 실내악 문화는 극도로 낮은 수준이었습니다. 사실, 1828년 지휘자 프랑수아 가베네크가 교수들 중에서 조직한 음악원 오케스트라가 있었습니다. 그러나 첫째, 오케스트라의 공연은 드물었고 둘째, 예술적 완성도가 다르지 않았습니다. 1950년대에 지휘자 Jules Padelo는 음악원 학생들 사이에서 "청소년 오케스트라"(소위 "젊은 예술가 협회")를 결성했으며, 다음 10년 동안 대중에게 교향곡에 대한 관심을 심어주었습니다. .

그러나 Saint-Saens는 다음과 같이 올바르게 지적했습니다. 그것에 대한 음악 평론가. 대중은 "진정한 대중"을 의미하며 생각할 것이 없었습니다. 포스터에 인쇄 된 작곡가의 이름과 프랑스 작곡가, 게다가 살아있는 사람은 멋진 재산을 가졌습니다. 모두를 날려버리기 위해. 이 장르에 대한 불충분 한 대중의 관심은 또한 상당한 양의 독단주의로 죄를 짓고 확립 된 나쁜 전통에 따라 작곡가에게 기악에 대한 예술적 취향을 심어주지 않은 음악원 교육 방법에 흔적을 남겼습니다.

어느 정도 이것은 뮤지컬 무대 표현 수단, 즉 연극, 인간의 감정과 행동의 효과적인 표현, 일반적으로 프랑스 국가 예술의 특징 인 그림 적 순간의 재현에 대한 지배적 인 관심 때문입니다. 전통. 특히 Saint-Saens는 다음과 같이 지적했습니다. 무대 발췌, 행진, 축제, 춤, 교향곡의 이상적인 꿈이 연극 무대의 시각적 현실로 대체되는 행렬.

19세기의 가장 위대한 교향곡 연주자 베를리오즈의 비극적인 운명은 프랑스 기악이 대중에게 알려지게 된 어려운 상황을 잘 보여줍니다. 그러나 이러한 음악적 창의성 영역에서도 60년대와 70년대에 접어들면서 사회적 격동의 결과로 유익한 전환점이 발생했습니다. 50년대에 그들은 Gounod(1851), Saint-Saens(1853), Bizet(1855)의 첫 번째 교향곡을 연주했습니다. 이 교향곡은 작곡가의 생애 동안 연주되지 않았습니다. 그리고 1870년 생상스는 이미 2개의 교향곡, 3개의 피아노 협주곡, 2개의 바이올린, 다수의 오케스트라 서곡 및 모음곡의 저자였지만 그럼에도 불구하고 프랑스 교향곡의 다재다능한 개화 시기는 19 세기.

1869 년 Berlioz는 청중을 박탈당한 채 혼자 죽습니다. 그러나 1년 후 파리는 축제 분위기에서 베를리오즈 축하 행사를 열고 판타스틱 심포니의 창시자는 국가적 천재로 선포됩니다. 그리고 그 후 30년 동안 지휘자 Eduard Colonn의 콘서트에서만 Berlioz의 작품이 500회 공연되었으며 그중 "The Condemnation of Faust"는 150회였습니다.

도시 음악 민속의 역할

따라서 음악 문화의 변화는 점차적으로 설명되었습니다. 그들은 그 가운데에서 재능있는 젊은 작곡가들의 은하계를 골라 낸 민주 진영의 세력의 성장을 반영했습니다. 이전 세대를 대표하는 낭만주의와는 달리 그들의 예술적 이상은 사실주의의 표시 아래 형성되었으며 현재 프랑스 예술에서 광범위하게 발전하고 있습니다.

그림에서 Gustave Courbet은 미래에 적극적인 공동체로 발전했습니다. "사실주의는 본질적으로 예술이다. 민주적"라고 말했다. 그리고 그 후 Edouard Manet은 감각적 인 그림 "Olympia", "Breakfast on the Grass"의 저자로 유명해졌습니다. 현대 생활과 문학의 모순에 대한 깊은 반영 - 세기 후반에 저명한 인물은 Gustave Flaubert, Emile Zola, Guy de Maupassant였습니다. 그럼에도 불구하고 현실적인 흐름은 그 구성이 이질적이었고 조건부로만 대표자를 특정 "학교"로 통합하는 것이 가능했습니다.

음악에 대해서도 마찬가지입니다. 현실적인 경향은 문학보다 여기에서 구체화됩니다. 그 표현은 제 2 제국 지배 계의 미적 취향을 반영한 콘서트 및 연극 관행에 의해 방해를 받았습니다. 따라서 음악의 리얼리즘은 우성방향은 파리코뮌 이후인 70년대에야 등장했고 질적으로도 이질적이었다. 그러나 민주적 이미지와 음모가 음악 작품에 침투했다는 사실은 진보적이었습니다. 더욱이 음악적 표현의 수단, 음악적 연설의 창고는 민주화되었고 더욱 "사교적"이되었습니다.

이 과정에서 억양 업데이트 XIX 세기 후반의 프랑스 음악, 도시 민속의 역할은 중요합니다. 점점 격렬하게 일어나는 혁명운동의 물결은 일상적인 노래와 춤 장르의 광범위한 발전에 기여했습니다. 이 "구전 전통" 음악은 민속 도시 시인-가수에 의해 만들어지고 연주되었습니다. 그들은 프랑스어로 "chansonniers"(chansonniers)라고 불립니다.

Pierre Beranger를 시작으로 많은 프랑스 시인들은 샹소니에의 민속 전통에서 영감을 얻었습니다. 그들 중에는 장인과 노동자가 있습니다. 그들은 예술적 카페에서 즉흥적으로 주제 구절을 불렀습니다. 그러한 모임을 "goguette"라고 불렀습니다 (goguette는 프랑스어로 "즐거운 잔치"또는 "즐거운 노래"를 의미 함). Goguettes는 파리뿐만 아니라 프랑스의 다른 주요 도시에서도 음악 생활의 필수적인 부분입니다.

goguettes를 기반으로 아마추어 노래 사회가 성장했으며 (19 세기 20 대에 발생) 회원을 "orpheonists"라고 불렀습니다. (70년대까지 프랑스에는 3,000개가 넘는 성악 단체가 있었습니다. 금관 음악 앙상블(그 멤버들은 "하모니스트"라고 불렸습니다)도 그다지 인기가 없었습니다.). 이 사회의 주요 부대는 노동자였으며, 자연스럽게 연주되는 노래 레퍼토리의 이념적, 정치적 방향을 결정했습니다. 1834년에 그러한 텍스트 모음("공화당 시", 2판)의 서문에서 다음과 같이 말했습니다. 이제 다음과 같이됩니다. 거리프레스. 그녀는 사람들에게 길을 찾을 것입니다."

그녀는 정말 이 길을 찾았습니다. 노동자들의 계급의식을 일깨우는 많은 노래들이 가장 널리 퍼졌다. 이 중에서 정품 민속 예술- 1848년 혁명 봉기 전날 피에르 듀퐁의 "빵의 노래"가 탄생했으며 수십 년 후 파리 코뮌의 영웅적 업적에 대한 가장 위대한 예술적 기념물인 "The Internationale"의 사건에 대한 응답으로 제작되었습니다. Eugene Pottier - Pierre Degeyter.

파리 코뮌의 역사적 중요성, 예술적 사건의 대중적 성격. 프롤레타리아트 "Internationale"의 국제 국가

파리 코뮌 -이 "프롤레타리아트 독재의 인류 역사에서 비할 데없는 경험"(V. I. Lenin)은 사회 정치적 및 문화 생활프랑스. 코뮌은 독일과의 전쟁에서 부끄러운 패배를 겪었습니다. 장군의 평범함으로 인해 41 일 동안 프랑스는 10 번의 전투에서 패했고 군대의 수장 인 나폴레옹 3 세는 세단에서 항복했습니다. 승자의 자비. 국가의 경제적 파멸은 한계에 도달했습니다. 애국적 충동에 압도된 파리의 노동자들은 권력을 장악했다.

코뮌은 반동적 부르주아지의 피바다에 빠져 불과 72일 만에 오래가지 못했다. 그러나 정치뿐만 아니라 문화 분야에서의 활동은 이데올로기 적 폭과 목적성으로 구별되었습니다. 지자체에서 의무적으로 마련한 훈련, 교회에서 분리되어 노동자들이 극장, 콘서트, 도서관, 박물관 등을 방문할 수 있게 했습니다.

"대중을 위한 예술" - 예술 정책의 기초를 형성한 코뮌이 선포한 슬로건입니다. 노동 대중을 위해 혼합 프로그램과 소규모 공연에 따라 콘서트가 조직되었습니다. 재능있는 여배우 Agar와 Borda의 애국적인 공연이 특히 유명했던 Tuileries Palace에서 엄청난 규모로 주어졌습니다. 거리와 광장에서 음악이 울리는 방위군 분리대 인 파리 지구에서도 수많은 콘서트가 조직되었습니다. 예술에 대한 사랑은 코뮌의 프롤레타리아 수호자들에게 영감을 주었습니다. 그것은 그들의 새로운 혁명적 삶의 상징이 되었습니다.

귀스타브 쿠르베(Gustave Courbet)가 이끄는 예술가 연합(Federation of Artists)은 대규모 공연을 조직하는 데 큰 도움을 주었습니다. 많은 예술가(주로 그랜드 오페라와 프랑스 희극)의 이민이나 사보타주에도 불구하고 연방은 여러 주요 예술 인물을 편으로 끌어들였습니다. 그중에는 시인 Paul Verlaine과 Arthur Rimbaud, 피아니스트 Raoul Pugnot, 작곡가 Henri Litolphe, 바이올리니스트 Charles Dancla, 민속 및 초기 음악 연구원 Louis Burgaud-Decoudre 등이 있습니다.

코뮌은 계획된 음악 교육 개혁에 어려움을 겪었습니다. 교수직의 상당 부분이 파리를 떠났고 (47 명의 교수 중 26 명이 남았습니다) 남아있는 사람들 중 많은 사람들이 코뮌 활동에 참여하지 않았습니다. 400 개가 넘는 노래, 피아노 및 기타 작곡의 저자이자 아랍 음악의 위대한 감정가이자 비평가 인 활기차고 재능있는 작곡가 Daniel-Salvador (1831-1871)가 음악원의 머리에 배치되었습니다. 그러나 보수 교육의 민주화를 위해 일관되게 생각한 프로젝트는 실현되지 않았고 살바도르 자신은 코뮌을 진압하는 동안 부르주아 정부의 군대에 의해 살해되었습니다.

사람들의 복지를 목표로 하는 예술 정책에서 코뮌은 많은 것을 성취했지만 실행을 위해 더 많은 것을 설명했습니다. 그리고 그녀의 활동이 아니었다면 곧장현대 전문 작곡가의 작품에 반영되어 나중에 영향을 미쳤습니다. 간접적으로프랑스 예술의 민주적 토대를 심화하고 확장합니다.

코뮌 아이디어의 직접적인 영향은 일하는 시인과 음악가가 만든 새로운 노래에 담겨 있습니다. 이 노래 중 일부는 우리에게 전해졌고 그 중 하나는 세계적으로 명성을 얻었으며 민주주의와 사회주의를 위한 투쟁의 깃발이 되었습니다. 이것은 국제 (또한 Communards "Red Banner"의 전투 노래 이름을 지정해야합니다. 그 텍스트는 폴란드 시인 B. Chervinsky가 1881 년에 번역했으며 90 년대 후반 폴란드에서이 노래가 곧 러시아로 왔습니다. 큰 인기를 얻었습니다.).

일하는 시인이자 가수 유진 포티에(1816-1887), 1871 년 6 월 3 일 코뮌이 패배 한 지 며칠 후 지하에 숨어있는 설득력있는 코뮌은 나중에 세계 프롤레타리아트의 애국가가 된 텍스트를 만들었습니다. 이 텍스트(1887년에야 출판됨)는 코뮌의 사상에서 탄생했으며, 그 일부는 "공산주의 선언"의 가장 중요한 조항을 의역한 것입니다. (1864 년 K. Marx와 F. Engels의지도하에 "International Association of Workers"가 창설되었습니다. 프롤레타리아트의 최초의 국제 대중 조직은 프랑스어로 "International"으로 약칭되었습니다. Pottier의 노래, 전화 모든 나라의 노동자들의 단결을 위해 칭호가 사용되었습니다.).

또 다른 작업자는 목각가입니다. 피에르 데게이터(1848-1932), Lille시의 "Orpheonists"서클의 활동적인 회원은 1888 년에 Lille의 노동자들이 즉시 집어 들었던 Pottier의 텍스트에 멜로디를 만들었고 그 후 다른 산업 프랑스의 중심지.

1902년 러시아 혁명가 A. Ya. Kots는 노래의 6개 연 중 3개를 번역하여 그 내용에서 혁명적 선동의 순간을 강화했습니다. Kotz의 번역 재 작업은 이듬해에 출판되었으며 찬송가의 메모는 러시아에서 처음으로 1906 년에 출판되었습니다. 러시아 혁명적 관행은 애국가의 억양에 중요한 변화를 가져왔습니다. Degeyter는 1789 년 프랑스 혁명의 대중 노래 인 "Qa ira", "Carmagnola"등과 같이 활기차고 빠른 2/4 행진의 성격으로 멜로디를 구상했습니다. 러시아에서이 멜로디는 넓고 엄숙한 성가를 받아 강력하고 승리의 소리를 얻었습니다. 그리고 이미 러시아인"The Internationale"의 필사본은 국제 프롤레타리아트 연대의 찬송가로 전 세계 사람들에게 인식되었습니다.

V. I. Lenin은 프롤레타리아 애국가의 이념적, 예술적, 선동적 중요성을 높이 평가했습니다. Pottier는 "가장 위대한 사람 중 하나 노래를 통한 선전가". 그리고 The Internationale에 대해 말하면서 V. I. Lenin은 다음과 같이 지적했습니다. “이 노래는 유럽 언어뿐만 아니라 모든 유럽 언어로 번역되었습니다. 성실한 노동자는 어느 나라에 있든, 운명이 그를 던지든, 자신이 아무리 낯선 사람이라고 느끼더라도, 언어도, 아는 사람도 없고, 조국에서 멀리 떨어져 있어도, 인터내셔널가의 친숙한 선율로 동지와 친구를 찾을 수 있습니다. .

"업데이트" 기간 19세기 후반 프랑스 음악 문화의 번영

제2제정의 전복으로 프랑스 경제와 문화의 발전을 방해했던 장애물이 제거되었습니다. 예술을 대중의 관심과 요구에 더 가깝게 만드는 예술의 민주화 문제는 예술가들이 첨예하게 직면했습니다. 그러나 확립된 공화정권은 부르주아적이었고 세기말에 이르러 제국주의 시대 직전에 지배계급 이데올로기의 반동적 측면이 점점 더 강해지고 있었다. 따라서 프랑스의 음악 문화와 개별 대표자들의 작업에서 모순이 심화되었습니다.

향후 20년 동안 콘서트, 연극 및 창작 관행을 풍부하게 만든 많은 가치 있고 진보적인 것들이 밝혀졌습니다. 그러나이 운동은 일관성이 없었고 때로는 타협하고 불안정했습니다. 현실 자체가 날카로운 사회적 모순으로 특징 지어 졌기 때문입니다.

프랑스 역사가들은 이 시기를 "쇄신의 시기"라고 부른다. 그러나이 정의는 부정확합니다. 19 세기의 마지막 3 분의 1에 프랑스 음악 예술은 이전에 등장한 예술적 경향을 더 명확하게 드러냈기 때문에 그다지 "갱신"되지 않았습니다. 동시에 새로운 트렌드도 설명되었습니다. 음악적 인상주의의 특징이 점차 형성되었습니다.

공공 생활의 부흥은 범위의 확장과 더 많은 대규모 콘서트 및 연극 생활에 큰 영향을 미쳤습니다. 어느 정도 이것은 그랜드 오페라에 영향을 미쳤지 만 코믹 오페라 극장의 활동은 이름과는 달리 현대 프랑스 작가 (Bizet의 Carmen에서)를 포함하여 다양한 장르의 작품이 무대에서 넓은 범위를 얻었습니다. 펠레아스와 멜리장드" 드뷔시에게). 동시에 교향곡 콘서트의 비율이 급격히 증가했습니다. 하나는 지휘자 ​​Edouard Colonne (1873 이후 존재)이 이끄는 두 조직과 Charles Lamoureux (1881 이후)가 이끄는 두 조직이 파리에서 개최했습니다. 실내악 연주회도 체계적으로 진행되기 시작했다.

프랑스 음악 생활의 전반적인 분위기를 고양시키는 데 있어서 "National Society"의 역할은 중요합니다. 그것은 1871 년 Saint-Saens의 주도로 Frank의 긴밀한 참여로 전국적인 애국적 급증에 대한 대응으로 만들어졌으며 프랑스 작가 작품의 전면적 선전 목표를 추구했습니다. 이 사회는 정기적으로 콘서트를 조직 현대 음악 30년 동안 300회가 넘는 콘서트를 열었습니다. 그것은 작곡가의 권리를 위해 싸웠을 뿐만 아니라 처음에는 그들의 계급 집결에 기여했습니다. 그러나 프랑스 음악 발전의 모순적인 과정도 여기에 영향을 미쳤습니다. 세기 말에 등장한 이데올로기 적 혼란이 이때까지 National Society의 활동을 마비 시켰습니다.

"갱신 기간"도 상대적으로 짧았습니다. 따라서 Offenbach 또는 Gounod의 작업에서 가장 좋은시기는 50 년대와 60 년대 말, Bizet는 70 년대 초반, Franck, Massenet, Lalo, Chabrier는 70-80년대, Saint-Saens는 60년대 후반부터 80년대까지 가장 생산적으로 일했습니다. 그럼에도 불구하고 전환점이 발생했습니다: 이 시기는 높은 예술적 성취로 표시되었습니다. Bizet의 "Carmen", 발레 "Coppelia" , Delibes의 "Sylvia"및 오페라 "Lakmé", Massenet의 오페라 "Manon"및 "Werther", Saint-Saens의 "Samson and Delilah"등 교향곡 및 실내악 분야에서-이것들은 먼저 그 중에서도 깊은 내용과 예술적 완성도로 프랑스 음악사에 새로운 장을 연 프랑크 작품의 성숙기 작품과 거장 연주회 등 다작을 한 생상스의 작품들이 함께 전시되어 있다. 부분적으로는 그들의 영향을 받아 다른 많은 국가 예술의 주요 인물들이 있습니다.

다음은 그들의 이름입니다 (주로 20 세기 초 이전에 만들어진 작품이 표시됨).

에드워드 랄로교육 바이올리니스트(1823-1892)는 바이올린과 오케스트라를 위한 인기 있는 5부작 스페인 심포니(1874), 같은 작곡을 위한 2부작 노르웨이 랩소디(1879), g-moll 교향곡( 1886), 발레 " Namuna (1882), 오페라 The King of the City of Is (1876, 1882 년 초연). 그의 음악은 가볍고 우아하며 일반적으로 짧은 멜로디는 안도감이 있고 리듬은 날카 롭고 톡 쏘며 하모니는 신선합니다. 기본적으로 사려깊은 척하지 않고 즐거운 음색이 지배합니다.

엠마뉴엘 샤브리에(1841-1894) - 그의 화려한 랩소디 시 "스페인"(1883)으로 가장 잘 알려진 풍부한 유머가 부여된 변덕스러운 예술가. 뮤지컬 극장을 위해 그는 오페레타 The Star(1874), Wagner에 대한 그의 열정을 반영한 2막 오페라 Gwendoline(1886), 쾌활한 국민적 코믹 오페라 The Reluctant King(1887)을 썼습니다. Chabrier는 또한 독창적인 스타일의 여러 피아노 작품을 남겼습니다.

빈센트 d "앤디 Frank의 가장 가깝고 가장 충실한 학생 인 (1851-1931)은 파리 음악원, 음악 및 프랑스의 교육 기관. 페루 d "Andy는 오페라와 교향곡을 포함한 많은 작품을 소유하고 있습니다. 그의 초기 작품인 3부작 "Symphony on a Mountain Theme"(피아노 참여, 1886)에서 작곡가의 개별적인 특성이 명확하게 나타났습니다. 아이디어의 엄격한 숭고함, 구성에 대한 신중한 사려 깊음으로 끌립니다. 프랑스 민속 음악에 대한 더 넓은 관심을 일깨우고 그의 작품에서 구현하려고 노력한 d "Andy의 장점이 특히 중요합니다. 위에서 언급 한 구성 외에도 "Summer Day in the Mountains"(1905)라는 제목의 또 다른 3 부작 교향곡이 이와 관련하여 나타납니다. 그는 초기 음악 연구에 많은 관심을 기울였습니다. 그러나 성직자 교리에 대한 고수는 d "Andy의 이념적 지평을 좁혀 그의 모든 활동에 반동적 각인을 남겼습니다.

앙리 뒤파르크(1848-1933, 1885년 이후, 신경질적인 충격으로 음악 생활에서 은퇴) 실내악과 성악 분야에서 극적인 감정을 표현하는 경향이 있는 용감한 힘으로 특징지어지는 그의 뛰어난 재능을 가장 잘 보여주었다. 그의 로맨스는 오늘날까지 공연됩니다. 그의 작품 목록에서 교향시 "Lenora"(Burger, 1875 이후)도 눈에 띄며 그의 선생님 Frank의 유사한 작품보다 먼저 쓰여졌습니다.

어니스트 쇼송(1855-1899)는 바이올린과 오케스트라를 위한 극적인 "시"(1896), B-dur의 3부 교향곡(1890) 및 멋진 로맨스를 포함한 많은 다른 작품의 저자입니다. 멜랑콜리로 가려진 미묘한 서정, 드라마의 밝은 섬광, 조화로운 표현 수단의 세련미가 그의 음악의 가장 특징입니다.

19세기 말에 Gabrielle도 인정을 받았습니다. 포레(1845-1924), 별명은 "French Schuman"입니다. 그의 첫 창작 시기는 바이올린 소나타 A-dur(1876)로 막을 내렸다. 콘서트 레퍼토리에는 많은 보컬과 피아노 작품 Fauré (후자는 barcaroles, impromptu, nocturnes, preludes; 피아노와 관현악을 위한 발라드 op. 19, 1889, 같은 작곡을 위한 Fantasia op. 111, 1918). 1897년 프랑스 최대의 교사이자 음악가인 폴 공작(1865-1935)는 유명한 오케스트라 스케르초 The Sorcerer's Apprentice를 썼습니다. 이때까지 Claude의 음악적 천재는 완전히 성숙했습니다. 드뷔시(1862-1918): 그는 이미 오케스트라를 위해 The Afternoon of a Faun(1894)과 Three Nocturnes(1899, 초연 1900)를 작곡했습니다. 오페라 Pelléas et Mélisande (1902) 작업이 끝나고있었습니다. 그러나 이 음악은 19세기보다 20세기에 더 속하기 때문에 이 책에서는 고려하지 않을 것입니다.

지난 세기 후반의 프랑스 음악 문화는 수많은 위대한 연주자들로 대표됩니다. 이들은 Charles Lamoureux(1834-1899)와 Edouard Colonne(1838-1910) 위에 이름을 올린 지휘자입니다. 피아니스트 중에는 뛰어난 교사인 Antoine François Marmontel(1816-1898)과 Louis Dieumer(1843-1919; 차이콥스키가 그의 세 번째 피아노 협주곡을 그에게 헌정함)가 있으며, 이들은 파리 음악원의 수석 피아노 교수로 그를 대체했습니다. 모든 곳에서 콘서트를 열었던 카미유 생상스. . 뛰어난 보컬 아트 마스터는 Pauline Viardot-Garcia (1821-1910, 러시아 문화 대표, 특히 Turgenev와의 우호 관계), Desiree Artaud (1835-1907, Tchaikovsky와 우호적), Gilbert Dupre (1809-1896)였습니다. Henri가 이끄는 특별한 "파리 바이올린 학교"도 결성되었습니다. 베트남 황갈색(1820-1881, 1871년부터 - 브뤼셀 음악원 교수); 이 학교는 Pierre Gavinier, Giovanni Viotti 및 Charles Berio의 이름과 관련된 오랜 전통을 가지고 있습니다.

19세기 전반기 파리는 확실히 유럽의 음악 수도라고 할 수 있습니다. 많은 주요 작곡가 (Chopin, Liszt, Rossini)가 여기에 살았고 모든 뛰어난 음악가가 콘서트를 위해 이곳에 오려고했습니다.

극장은 항상 국가의 예술 생활에서 탁월한 위치를 차지했습니다. 19세기 전반기에 많은 새롭고 낭만적인 검색이 극장과 정확히 연결되었습니다. 위대한 작가이자 극작가인 빅토르 위고는 프랑스 낭만주의의 선구자였습니다. 그의 드라마 '크롬웰'의 서문에서 그는 새롭고 낭만적인 연극의 기본 미학 원칙을 공식화했습니다. 새로운 예술을 위한 투쟁의 무대가 된 것은 극장이었다. Hugo와 같은 생각을 가진 사람들의 아이디어는 당시 프랑스 뮤지컬 극장 ᴛ.ᴇ에도 반영되었습니다. 오페라에서.

19세기 전반의 프랑스 오페라는 크게 두 장르로 대표된다. 우선 이것은 A. Boildieu, F. Aubert, F. Herold, F. Halevi, A. Adam의 이름과 관련된 코믹 오페라입니다. 로맨틱 디렉션발레에서). 18세기에 시작된 코믹 오페라는 새롭고 낭만적인 경향을 생생하게 반영하지 못했습니다. 낭만주의의 영향으로 서정적 시작의 강화 만 주목할 수 있습니다 (예시적인 예는 오페라 ʼʼ The White Ladyʼ Boildieu입니다).

프랑스 뮤지컬 낭만주의의 생생한 반영은 1930년대 프랑스에서 발전한 새로운 장르인 그랜드 오페라(그랜드 오페라)였습니다. 그랜드 오페라는 역사적 (주로) 플롯과 관련된 기념비적이고 장식적인 스타일의 오페라로, 특이한 화려 함과 군중 (합창) 장면의 화려한 사용으로 구별됩니다. 장르의 첫 번째 예는 Aubert (1828)의 오페라 ʼPortici의 음소거입니다. 그리고 1930년대에 이 장르는 프랑스 무대에서 선두주자로 자리 잡았고 고전적인 예(Meyerbeer의 오페라 ʼʼHuguenotsʼʼ, ʼʼProphetʼʼ, Halevy의 오페라 ʼʼZhidovkaʼʼ)로 대표되었습니다.

그랜드 프랑스 오페라의 스타일은 왕실 오페라의 지위를 유지하고 귀족 청중의 취향에 초점을 맞춘 그랜드 오페라 극장 (따라서 장르의 이름)의 요구 사항에 따라 크게 결정되었습니다.

물론 위대한 프랑스 오페라의 기준은 고전 비극과 이에 상응하는 음악적 비극인 서정적 비극(륄리, 라모)이었다. 5막의 그랜드 오페라라는 구성의 틀과 공연의 화려함은 모두 고전주의 극장으로 거슬러 올라간다. 고전주의 비극에 이어 그랜드 오페라의 줄거리는 원칙적으로 실제 역사적 인물의 의무적 참여와 함께 과거의 역사적 사건을 기반으로했습니다 (ʼHuguenotsʼʼ-Queen Margot에서). 그랜드 오페라의 또 다른 '트레이드마크''는 발레 모음곡과 Lully가 규제하는 기념비적인 합창 에피소드의 참여였습니다.

웅장한 프랑스 오페라는 V. Hugo가 개발 한 낭만적 인 드라마의 미학을 크게 채택했습니다. 우선 이것은 드라마에서와 마찬가지로 인물의 개인적인 운명과 역사적 사건이 복잡하게 얽혀 있고 역사적 소품의 큰 역할, 사건의 화려한 장식에 대한 열망입니다. 1920년대 유럽에서는 역사소설이 절정에 달했다(W. Scott, P. Merime, V. Hugo). 역사 소설은 동시대 사람들에게 과학적 연구와 동등한 지위를 가진 "높은" 장르로 인식되었습니다. 그리고 그것은 위대한 프랑스 오페라의 가장 전형적인 역사적 음모입니다. 큰 오페라의 주제는 큰 대중 운동의 주제인 ϶ᴛᴏ입니다.

새로운 오페라 장르 형성에 큰 역할을 한 것은 프랑스 대본가 Eugene Scribe였습니다. 이 장르의 가장 좋은 예의 대본을 소유한 사람은 바로 그 사람입니다. 그는 Meyerbeer의 끊임없는 협력자였습니다. F. Liszt는 Scribe에서 오페라 극작술의 가장 위대한 대표자를 보았습니다. 그는 '웰메이드 연극의 대가'로 불렸다. 물론 Scribe는 낭만적 인 역사 소설의 시학을 훌륭하게 마스터하고 때로는 특정 문학 원형에 의존하여 대본에 사용했습니다 (예를 들어 ʼʼHuguenotsʼʼ는 ʼʼChronicles of the Times of Charles IXʼʼ에 의해 만들어졌습니다. 메리미). 그랜드 오페라 음모의 기초는 일반적으로 유명한 역사 조각을 배경으로 한 사생활의 가상 에피소드 인 연애 사건이었습니다. 두 전쟁 연합의 대표자 간의 사랑이라는 표준 멜로 드라마틱 움직임은 치명적인 결과를 미리 결정하고 화려한 전투 장면을 오페라에 도입하도록 동기를 부여합니다. Scribe의 대본은 매우 개략적입니다. 그가 사용하는 가장 안정적인 플롯 모티프를 골라낼 수 있습니다.

비극적인 오해나 근거 없는 비난

은밀한 은혜

강제 결혼

음모, 시도

자기 희생

사실 Scribe는 새로운 유형의 오페라 대본을 만든 사람이 되었습니다. 그 전에 표준은 이탈리아 극작가 Metastasio가 소유 한 고전적인 예인 이탈리아 오페라 세리아의 대본 (또한 역사적 또는 전설적인 음모와 관련됨)이었습니다. 동시에 이탈리아 오페라에서는 등장인물의 감정이 항상 전면에 있다. 이탈리아 오페라 - ϶ᴛᴏ 국영 오페라, 그리고 그들의 전시는 주로 이탈리아 오페라의 극작술의 기초를 형성하는 아리아로 수행됩니다. 새로운 트렌드를 잘 체감한 스크라이브에게 있어 역사적 플롯에서 가장 중요한 것은 상황을 보여주는때때로 그들의 놀라움에 놀랍습니다. 그는 지금까지 부차적이었던 것에 주된 중요성을 부여했습니다. 상황에 따라 놀라움으로 가득 찬 액션은 음악적, 극적 전개와 음악 극작술에 큰 영향을 미쳤습니다. 음악적 행동의 상황을 식별함으로써 앙상블, 합창단, 즉 충돌하는 그룹의 반대와 음악의 대중의 중요성이 높아졌습니다. 그랜드 오페라의 장엄한 스타일을 결정하고 대중의 상상력을 자극한 것은 기념비적 인 대중 장면이었습니다. 이 장르의 약점은 캐릭터의 밝음과 독창성이 부족하다는 것입니다. 그랜드 오페라는 심리학이 아니라 순전히 외부 효과에 충격을 받았습니다.

큰 오페라의 진정한 센세이션은 조건부 고전 인테리어가 자연주의적 풍경으로 대체된 무대 미술에서 창작자들이 만든 혁명이었습니다. 최신 기술 성과도 오페라에 사용되었습니다. 예를 들어, 대중을 놀라게 한 ʼʼMute from Porticiʼʼ의 베수비오 분출 사진. ʼ'The Prophet''(1849)의 ʼ'Electric Sun''은 극장에서 최초로 전기를 사용함으로써 무대 디자인의 역사에 들어섰습니다. ʼʼZhidovkaʼʼ Halevi에서는 250 마리의 말이 엄숙한 행렬에 참여했습니다. 위대한 오페라의 또 다른 속성은 공포와 재앙의 놀라운 장면입니다 (Huguenots ʼ'의 St. Bartholomew 's Night 장면).

그랜드 오페라의 구성은 관객의 심리(피로주의)를 고려했다. 오페라는 규모가 컸지 만 짧고 밝게 대조되는 음악과 풍경 동작으로 구성되었습니다 (표준 구성은 5 개의 동작으로 구성됨).

장르의 첫 번째 완성된 예는 Aubert의 오페라 ʼʼPortici의 음소거ʼʼ로 간주됩니다. 1829년 로시니는 빌헬름 텔이라는 작품을 썼다. 이탈리아 예술가, 여러면에서 위대한 프랑스 오페라의 미학과 스타일에 인접합니다 (Rossini가 그해 파리에 살았다는 것을 기억하십시오). 장르의 추가 개발은 Meyerbeer (ʼ'Robert-Devilʼʼ, 1831, ʼʼHuguenotsʼʼ, 1838. ʼʼProphetʼʼ, 1849, ʼʼAfricanʼʼ, 1838-1865)라는 이름과 불가분의 관계가 있습니다. Aubert와 Halévy는 Meyerbeer와 함께 이 장르에서 작업했습니다.

19세기 30~50년대에는 프랑스의 대오페라 양식이 전 세계 오페라 무대로 집중적으로 확장되었다. 프랑스 모델에 따르면 R. Wagner의 오페라 ʼʼRienziʼʼ, ʼʼEsmeraldaʼʼDargomyzhsky, Rossini의 ʼʼWilliam Tellʼʼ, Donizetti의 ʼʼThe Favoriteʼʼ가 만들어졌으며 ʼʼgrand styleʼʼ의 요소는 Verdi가 그의 여러 오페라에서 사용했습니다. 흥미롭게도 많은 지역 오페라 하우스그들은 파리의 새로운 오페라를 위해 대본을 주문합니다. 동시에 큰 프랑스 오페라는 시간의 시험을 견디지 못했습니다. 30, 40년대 귀족 대중의 취향을 각인시켰고, 19세기 후반에 급격히 인기를 잃었다. 여러면에서 그 명성의 하락은 Richard Wagner가 창안하고 지적인 청취자를 위해 설계된 대체 오페라 공연 모델의 승인 때문이었습니다. 20세기 초에 Meyerbeer의 음악은 이미 무대에서 희소성이 되었습니다. 이들은 독점적인 '복원' 제작물과 그의 오페라에서 개별 번호의 음악적 삶입니다.
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Halévy와 Aubert의 작품은 인기 및 레퍼토리 목록에 전혀 나타나지 않습니다.

Meyerbeer의 모습은 그랜드 오페라 역사상 가장 밝습니다. 그의 창작 활동은 가장 논란이 많은 평가를 받았습니다. 특히 그의 작품에서 그랜드 오페라의 장점과 단점이 충분히 표현되었다. 예를 들어, 괴테는 마이어베어가 파우스트를 위해 작곡할 수 있는 유일한 작곡가라고 믿었습니다. G. Berlioz는 Meyerbeer를 현존하는 가장 위대한 작곡가 중 한 명이라고 불렀습니다. 그리고 반대로 A. Serov는 다음과 같이 말합니다. 그의 이름을 둘러싼 논란은 그의 작품의 참신함과 심지어 개혁적 성격을 증명합니다. ʼʼ빅 로맨틱 스타일ʼʼ을 창조한 것은 마이어베어(Meyerbeer)였습니다. 오페라 생활 19세기 중반 유럽. 수십 년 동안 30 년대에 그가 만든 오페라 공연의 모델은 유럽의 뮤지컬 무대에서 선두에있었습니다.

Meyerbeer는 독일에서 어린 시절을 보냈습니다. 그는 독일 로맨틱 오페라의 창작자 세대에 속했으며 K. M. Weber와 친구였습니다. 그러나 그는 독일의 음악적, 연극적 환경의 한계를 느끼며 일찍 독일을 떠났다. 그의 인생의 다음 시기는 젊은 작곡가가 오페라 예술의 '비밀'을 마스터한 이탈리아와 관련이 있습니다. 그는 1824년 베니스에서 그의 오페라 The Crusaders in Egypt를 다소 성공적으로 제작한 것이 증명하듯이 이탈리아 오페라 스타일을 완벽하게 마스터했습니다. 이탈리아에서 Meyerbeer는 파리로 향합니다. 여기에서 그는 그의 작가 ʼʼ를 발견합니다. 당시 이미 유명한 극작가였던 E. Skrib입니다. 그는 이미 두 개의 흥미로운 오페라 대본을 가지고 있습니다: ʼʼThe White Ladyʼʼ 및 ʼʼThe Mute from Porticiʼʼ. Meyerbeer는 파리를 위해 작곡된 첫 악보가 훌륭하고 신나는 드라마가 될 수 있는 오페라가 되기를 원했습니다. Scribe는 다른 누구와도 달리 이 이상을 구현할 수 있었습니다. 그는 화려하고 호화로운 생산과 동시에 감동적인 것만이 파리 대중을 끌 수 있다는 것을 이해했습니다. 그들이 1831년에 Meyerbeer와 함께 쓴 오페라는 ʼʼRobert the Devilʼʼ입니다. 독일의 뿌리는 여기에서 여전히 가시적입니다 (공포 로맨스). 그러나 규모, 화려 함 및 밝기 측면에서 이것은 물론 훌륭한 파리 스타일의 예입니다.

작곡가의 최고의 작품은 1838년 Scribe와 공동으로 다시 완성한 오페라 ʼʼHuguenotsʼ'입니다(Mérimée에 따르면). 줄거리는 16세기 종교 투쟁의 역사에서 나온 것으로, 비극적 사랑 Huguenot 장교 Raoul de Nangis와 가톨릭 지도자 인 Saint-Brie 백작의 딸인 Valentina. 오페라에는 밝고 화려한 장면과 잘 정의된 캐릭터가 많이 있습니다. 그러나 장르의 특징인 이차적인 에피소드(귀족들의 향연, 목욕하는 사람들의 발레, 집시 노래와 춤, 마고 여왕의 엄숙한 기차 등)로 인해 액션이 복잡해집니다. 시대 (검의 축복의 장면), 대부분은 순전히 외부적이고 장식적입니다. 이 오페라의 동시대 사람들은 특히 기념비적 인 민속 장면, 전쟁 그룹 간의 충돌 (가톨릭과 위그노 사이의 싸움 장면 3 막)에 충격을 받았습니다.

ʼʼHuguenotsʼʼ에서 흥미롭고 새로운 것은 역사적 색채의 묘사입니다. 낭만적 인 드라마 (예 : Hugo)에서와 마찬가지로 오페라에서도 역사주의, 역사적 배경, 역사적 의상에 큰 관심을 기울입니다. 외부 세부 사항에 대한 프랑스 극장의 과도한 관심은 V. Kuchelbecker에 의해 지적되었습니다. ʼʼHugo의 재능은 강력하지만 의자, 바지, 처마 장식이 그를 너무 많이 데려갑니다. 그의 시대의 작가들(Hugo, Stendhal, Mérimée)처럼, Meyerbeer는 때때로 그 시대의 진정한 자료로 눈을 돌립니다. Huguenots를 특징 짓기 위해 그는 루터가 만든 유명한 합창을 오페라에 도입합니다. '강한 요새는 우리 신입니다'. 이것은 오페라의 leitmotif이며 서론은 주제에 따라 구성되며 아이디어에 대한 헌신을 상징하는 행동의 모든 중요한 순간에 나타납니다. 합창의 억양은 라울의 멘토인 옛 위그노 군인 마르세유에 대한 묘사에도 나타난다. 코랄은 오페라에서 일종의 ʼʼ16세기의 기호ʼʼ가 됩니다. 아카펠라 합창단이 부르는 위그노 병사들의 노래 ʼʼ라타플란ʼ'도 프랑스의 옛 민요에서 따온 것이다.

ʼʼHuguenotsʼʼ는 프랑스 그랜드 오페라 장르에서 가장 크고 가장 실행 가능한 현상입니다. 이미 Meyerbeer (ʼʼProphetʼʼ, ʼʼAfricanʼʼ)의 다음 작품에서 ʼʼsunsetʼʼ 장르의 특징을 볼 수 있습니다.

일반적으로 위대한 프랑스 오페라는 음악적 현상으로서가 아니라(위대한 오페라의 가장 눈에 띄는 단편 중 일부만이 그 시대보다 오래 살았다는 사실이 이미 언급되었습니다) 역사적 현상으로서 우리에게 관심이 있습니다. 19세기 오페라 장르 발전에 큰 영향을 미쳤다.

19세기 전반의 프랑스 오페라 - 개념과 유형. 2017년, 2018년 "19세기 전반 프랑스 오페라" 카테고리의 분류 및 특징.