집 › 타이어와 바퀴 › 심포니 오케스트라에 대한 이야기. 심포니 오케스트라의 간략한 역사

심포니 오케스트라에 대한 이야기. 심포니 오케스트라의 간략한 역사

"오케스트라"라는 단어는 이제 모든 학생에게 친숙합니다. 공동으로 음악을 연주하는 대규모 음악가 그룹의 이름입니다. 그리고 한편 고대 그리스"오케스트라"라는 용어(여기에서 현대어"오케스트라") 합창단이 위치한 무대 앞 지역을 나타냄 - 필수 참가자 고대 그리스 비극. 나중에 뮤지션 그룹이 같은 사이트에 위치하기 시작했으며 "오케스트라"라고 불 렸습니다.

수세기가 지났습니다. 그리고 이제 "오케스트라"라는 단어 자체에는 명확한 의미가 없습니다. 요즘에는 브라스, 포크, 바얀 오케스트라, 챔버 오케스트라, 팝 재즈 등 다양한 오케스트라가 있습니다. 그러나 그들 중 누구도 "사운드 기적"과의 경쟁을 견딜 수 없습니다. 매우 자주 그리고 물론 심포니 오케스트라라고 불립니다.

심포니 오케스트라의 가능성은 정말 무궁무진합니다. 거의 들리지 않는 진동과 바스락거리는 소리부터 강력한 우레와 같은 소리에 이르기까지 모든 음향 음영을 마음대로 사용할 수 있습니다. 그리고 요점은 다이내믹한 음영의 폭(일반적으로 모든 오케스트라에서 사용할 수 있음)이 아니라 진정한 교향곡 걸작의 사운드에 항상 수반되는 매혹적인 표현력에 있습니다. 이것은 음색 조합, 강력한 물결 모양의 상승 및 하강, 표현적인 솔로 큐 및 융합된 "오르간" 사운드 레이어가 구출되는 곳입니다.

교향곡의 몇 가지 예를 들어보십시오. 유명한 러시아 작곡가 A. Lyadov의 놀라운 그림 "Magic Lake"를 기억하십시오. 여기서 이미지의 주제는 손길이 닿지 않은 정적 상태의 자연입니다. 이것은 또한 "Magic Lake"에 대한 그의 진술에서 작곡가에 의해 강조됩니다. 그리고 가장 중요한 것은 사람이없고 요청과 불만이 없다는 것입니다. 동화처럼 차갑고 사악하지만 환상적입니다. 그러나 Lyadov의 점수는 죽거나 차갑다고 할 수 없습니다. 반대로 떨리지만 절제된 따뜻한 서정적 느낌으로 따뜻해집니다.

소련의 유명한 음악학자 B. Asafiev는 이 "시적인 관조 뮤지컬 사진... Lyadov의 작업은 서정적 교향곡 풍경의 영역을 차지합니다. "Magic Lake"의 다채로운 팔레트는 가려지고 숨막히는 소리, 바스락 거리는 소리, 바스락 거리는 소리, 간신히 눈에 띄는 물보라와 변동으로 구성됩니다. 미세한 투각 스트로크가 여기에서 우세합니다. 동적 축적은 최소한으로 유지됩니다. 모든 오케스트라 음성은 독립적인 시각적 부하를 전달합니다. 단어의 진정한 의미에서 멜로디 전개가 없습니다. 별도의 짧은 문구-모티프가 깜박이는 하이라이트처럼 빛납니다. 민감하게 "침묵을들을"수 있었던 Lyadov는 놀라운 기술로 마법에 걸린 호수의 그림을 그립니다. 연기가 자욱하지만 영감을받은 그림으로 멋진 향기와 순수하고 순결한 아름다움. 그러한 풍경은 심포니 오케스트라의 도움을 통해서만 "그릴" 수 있습니다. 어떤 악기도 다른 "오케스트라 유기체"도 그러한 선명한 그림을 묘사하고 미묘한 음색과 음영을 찾을 수 없기 때문입니다.

그리고 A. Scriabin의 유명한 "환희의시"의 피날레 인 반대 유형의 예가 있습니다. 작곡가는 이 작품에서 인간의 상태와 행동의 다양성을 꾸준하고 논리적으로 생각한 전개로 보여줍니다. 음악은 관성, 의지의 각성, 위협적인 세력과의 만남, 그들과의 투쟁을 지속적으로 전달합니다. 절정은 절정을 따릅니다. 시가 끝날 무렵 긴장이 고조되어 새롭고 더욱 웅장한 고조를 준비합니다. "환희의시"의 에필로그는 거대한 범위의 눈부신 그림으로 바뀝니다. 반짝이는 무지갯빛 배경(오르간도 거대한 오케스트라와 연결되어 있음)에서 여덟 개의 호른과 트럼펫이 즐겁게 주를 선포합니다. 뮤지컬 테마, 그 소리는 결국 초인적 인 힘에 도달합니다. 그 어떤 앙상블도 그와 같은 힘과 장엄한 소리를 낼 수 없습니다. 심포니 오케스트라 만이 풍부하고 동시에 황홀함, 엑스터시, 광적인 감정의 고조를 다채롭게 표현할 수 있습니다.

Lyadov의 "Magic Lake"와 "The Poem of Ecstasy"의 에필로그는 말하자면 심포니 오케스트라의 가장 풍부한 사운드 팔레트에서 극한의 사운드와 다이내믹 한 극입니다.

이제 다른 종류의 예를 살펴보겠습니다. D. Shostakovich의 11 번째 교향곡의 두 번째 부분에는 "1 월 9 일"이라는 부제가 있습니다. 그 안에서 작곡가는 "Bloody Sunday"의 끔찍한 사건에 대해 이야기합니다. 그리고 그 순간 군중의 외침과 신음 소리, 소총의 발리, 군인의 발걸음의 철 리듬이 놀라운 힘과 힘의 소리 그림으로 합쳐지면 귀머거리 스콜이 갑자기 끊어집니다 ... 그리고 이어지는 침묵, "휘파람" 속삭임 현악기합창단의 조용하고 애절한 노래가 선명하게 들립니다. 음악 학자 G. Orlov의 적절한 정의에 따르면 "마치 궁전 광장의 공기가 성취 된 잔학 행위를보고 슬픔에 잠긴 것처럼"라는 인상을받습니다. D. Shostakovich는 탁월한 음색 감각과 뛰어난 기악 작문 기술을 소유하여 순전히 오케스트라 수단을 사용하여 합창 사운드의 환상을 만들 수 있었습니다. 심지어 교향곡 11번 초연 때 청중들이 오케스트라 뒤 무대에 합창단이 있는 줄 알고 자리에서 계속 일어나는 경우도 있었는데...

심포니 오케스트라는 또한 다양한 자연주의적 효과를 전달할 수 있습니다. 예, 뛰어난 독일 작곡가 Richard Strauss는 그의 교향시 Don Quixote에서 Cervantes의 소설에서 잘 알려진 에피소드를 설명하며 놀랍게도 오케스트라에서 양 떼의 울음 소리를 "시각적으로"묘사했습니다. 스위트룸에서 프랑스 작곡가 C. Saint-Saens의 "Carnival of the Animals"는 당나귀의 울음소리, 코끼리의 어설픈 걸음걸이, 수탉을 품은 암탉의 불안한 점호를 재치 있게 전달했습니다. 교향곡 scherzo "The Sorcerer 's Apprentice"(W. Goethe가 같은 이름의 발라드를 기반으로 작성)의 프랑스 인 Paul Dukas는 야생 물 요소의 그림을 훌륭하게 그렸습니다 (오래된 마술사가없는 경우 학생 빗자루를 하인으로 만들기로 결정합니다. 그는 물을 나르게하여 점차 집 전체에 범람합니다 ). 오페라와 발레 음악에 얼마나 많은 의성어적 효과가 흩어져 있는지는 말할 필요도 없습니다. 여기에서도 심포니 오케스트라를 통해 전달되지만 즉각적인 무대 상황에 의해 촉발되지 않습니다. 문학 프로그램교향곡 작곡에서와 같이. Tsar Saltan의 이야기와 N. Rimsky-Korsakov의 The Snow Maiden, I. Stravinsky의 발레 Petrushka 등과 같은 오페라를 회상하는 것으로 충분합니다.이 작품의 발췌 부분이나 모음곡은 종종 심포니 콘서트에서 공연됩니다.

그리고 교향곡에서 바다 요소의 웅장하고 거의 시각적인 그림을 얼마나 많이 찾을 수 있습니까! N. Rimsky-Korsakov의 모음곡 "Scheherazade", C. Debussy의 "The Sea", F. Mendelssohn의 "Sea Silence and Happy Swimming" 서곡, P. Tchaikovsky의 교향곡 "The Tempest" 및 A의 "The Sea" .Glazunov - 그러한 작품의 목록은 매우 큽니다. 심포니 오케스트라를 위해 많은 작품이 쓰여졌으며 자연의 그림을 묘사하거나 잘 조준된 풍경 스케치가 포함되어 있습니다. 적어도 L. Beethoven의 여섯 번째 ( "목가적") 교향곡의 이름을 이미지의 힘으로 눈에 띄는 갑작스런 뇌우의 그림으로 지정합시다. 교향곡 사진 A. 보로딘 "에서 중앙 아시아", A. Glazunov의 교향곡 판타지 "Forest", G. Berlioz의 Fantastic Symphony에서 "들판의 장면". 그러나이 모든 작품에서 자연의 이미지는 항상 작곡가 자신의 감정적 세계와 전체적으로 작곡의 본질을 결정하는 아이디어와 관련이 있습니다. 일반적으로 묘사적이고 자연스럽고 의성어적인 순간은 교향곡 캔버스에서 차지하는 비중이 매우 적습니다. 더욱이 실제 프로그램 음악, 즉 일정 부분을 지속적으로 전송하는 음악은 문학적 음모, 또한 교향곡 장르 중에서 선두 자리를 차지하지 않습니다. 심포니 오케스트라가 자랑스러워 할 수있는 가장 중요한 것은 다양한 표현 수단의 풍부한 팔레트입니다. 이들은 거대하고 여전히 다양한 악기 조합 및 조합의 가능성을 소진하지 않았으며 구성하는 모든 그룹에서 가장 풍부한 음색 리소스입니다. 오케스트라.

심포니 오케스트라는 구성이 항상 엄격하게 정의된다는 점에서 다른 기악 그룹과 크게 다릅니다. 예를 들어, 현재 전 세계 거의 모든 지역에 풍부하게 존재하는 수많은 팝-재즈 앙상블을 생각해 보십시오. 그들은 서로 전혀 유사하지 않습니다. 악기 수 (3-4에서 20 이상)와 참가자 수도 다를 수 있습니다. 그러나 가장 중요한 것은 이 오케스트라들이 소리가 비슷하지 않다는 것입니다. 일부는 현악기가 지배하고 다른 일부는 색소폰과 금관 악기가 지배합니다. 일부 앙상블에서는 피아노가 주역을 맡습니다(드럼과 더블 베이스가 지원함). 다양한 국가의 다양한 오케스트라 포함 국가 악기따라서 거의 모든 버라이어티 오케스트라나 재즈에서 그들은 엄격하게 정의된 기악 구성을 고수하지 않고 조합을 자유롭게 사용한다. 다양한 도구. 따라서 동일한 작업이 다른 팝 재즈 그룹에서 다르게 들립니다. 각 그룹은 고유한 처리를 제공합니다. 그리고 이것은 이해할 수 있습니다. 결국 재즈는 예술이며 기본적으로 즉흥적입니다.

브라스 밴드도 다릅니다. 일부는 금관 악기로만 구성됩니다(필수적으로 타악기 포함). 그리고 그들 대부분은 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순과 같은 목관 악기 없이는 할 수 없습니다. 민속 악기 오케스트라도 서로 다릅니다. 러시아 민속 오케스트라는 키르기즈 오케스트라와 비슷하지 않고 이탈리아 오케스트라는 그렇지 않습니다. 민속 오케스트라스칸디나비아 국가. 그리고 가장 큰 음악 유기체인 심포니 오케스트라만이 오랫동안 확립되고 엄격하게 정의된 구성을 가지고 있습니다. 따라서 한 국가에서 작곡된 교향곡은 다른 국가의 모든 교향악단에서 연주할 수 있습니다. 따라서 교향곡의 언어는 진정한 국제어입니다. 그들은 2세기 이상 사용되어 왔습니다. 그리고 그는 늙지 않습니다. 게다가 현대 세계만큼 흥미로운 "내부" 변화가 많은 곳도 없습니다. 심포니 오케스트라. 한편으로는 종종 새로운 음색으로 보충되는 오케스트라는 매년 더 풍부해지고 다른 한편으로는 18세기에 형성된 메인 프레임이 점점 더 뚜렷해지고 있습니다. 그리고 때때로 우리 시대의 작곡가들은 그러한 "구식"구성으로 전환하여 표현 가능성이 얼마나 큰지 다시 한 번 증명합니다 ...

아마도 뮤지컬 그룹을 위해 그렇게 멋진 음악이 만들어지지 않았을 것입니다! 화려한 교향곡 작곡가 은하계에서 하이든과 모차르트, 베토벤과 슈베르트, 멘델스존과 슈만, 베를리오즈와 브람스, 리스트와 바그너, 그리그와 드보르작, 글린카와 보로딘, 림스키-코르사코프와 차이코프스키, 라흐마니노프와 스크리아빈, 글라주노프의 이름 Taneyev, 샤인, Mahler 및 Bruckner, Debussy 및 Ravel, Sibelius 및 R. Strauss, Stravinsky 및 Bartok, Prokofiev 및 Shostakovich. 또한 교향악단은 아시다시피 오페라와 발레 공연. 따라서 수백 개의 교향곡에 오케스트라가 있는 오페라와 발레의 조각을 추가해야 합니다(독창자, 합창단 또는 단순히 스테이지 액션) 중요한 역할을 합니다. 하지만 그게 다가 아닙니다. 우리는 수백 편의 영화를 보고 대부분은 심포니 오케스트라의 "음성"입니다.

라디오, 텔레비전, CD는 우리 삶에 확고하게 들어왔고 이를 통해 교향곡. 많은 영화관에서 작은 심포니 오케스트라가 상영 전에 연주합니다. 이러한 오케스트라는 아마추어 공연에서도 만들어집니다. 즉, 우리를 둘러싼 광대하고 거의 무한한 음악의 바다에서 좋은 절반은 교향곡 소리와 어떻게든 연결되어 있습니다. 교향곡과 오라토리오, 오페라와 발레, 기악 협주곡과 모음곡, 연극과 영화를 위한 음악 - 이 모든 장르와 다른 많은 장르는 심포니 오케스트라 없이는 할 수 없습니다.

그러나, 작곡오케스트라에서 연주할 수 있습니다. 결국, 악기의 원리와 법칙을 알면 모든 유능한 음악가가 피아노 또는 기타 작업을 조율할 수 있는 것 같습니다. 즉, 밝은 교향곡 의상을 입힐 수 있습니다. 그러나 실제로 이것은 비교적 드뭅니다. N. Rimsky-Korsakov가 악기가 "구성 자체의 영혼 측면 중 하나"라고 말한 것은 우연이 아닙니다. 따라서 이미 아이디어를 고려한 작곡가는 특정 악기 구성에 의존하고 있습니다. 따라서 심포니 오케스트라를 위해 가볍고 소박한 작품과 웅장하고 대규모 캔버스를 모두 쓸 수 있습니다.

사실, 작품이 새로운 교향곡 버전으로 두 번째 생명을 얻는 경우가 있습니다. 이것은 M. Mussorgsky의 화려한 피아노 사이클 "Pictures at an Exhibition"에서 발생했습니다. M. Ravel이 훌륭하게 조율했습니다. (전람회에서 그림을 편성하려는 덜 성공적인 다른 시도가 있었습니다.) M. Mussorgsky의 오페라 Boris Godunov와 Khovanshchina의 악보가 새로운 오케스트라 버전을 수행한 D. Shostakovich의 손으로 다시 살아났습니다. 때때로 같은 작품의 두 가지 버전이 작곡가의 독창적인 유산인 솔로 악기와 교향곡에 평화롭게 공존합니다. 그러한 예는 거의 없지만 매우 흥미 롭습니다. Ravel의 "Pavane"은 피아노 버전과 오케스트라 버전 모두에 존재하며 둘 다 동등한 위치에 있습니다. 콘서트 생활. 프로코피예프는 피아노 소나타 4번의 느린 부분을 조율하여 독립적이고 순전히 교향곡 작품. Leningrad 작곡가 S. Slonimsky는 민속 텍스트를 기반으로 보컬 사이클 "Songs of the Freemen"을 썼습니다. 이 작품은 또한 동등한 예술적 중요성을 지닌 두 가지 버전을 가지고 있습니다. 하나는 피아노 반주이고 다른 하나는 오케스트라 반주입니다. 그러나 대부분의 경우 작곡가는 작업을 시작할 때 작곡 아이디어뿐만 아니라 음색 구현에 대해서도 좋은 아이디어를 가지고 있습니다. 그리고 교향곡, 기악 협주곡, 교향시, 모음곡, 랩소디 등은 항상 심포니 오케스트라의 사운드와 밀접하게 연결되어 있으며 분리 할 수 없다고 말할 수도 있습니다.

마리나 라제바
NOD "교향악단"의 시놉시스

수업 요약

« 심포니 오케스트라»

5-6세 어린이용

준비된: 음악 감독

라제바 마리나 아나톨리에브나

테이코보 2015

표적: 미취학 아동에게 클래식 음악 소개

작업. 아이들에게 주변 세계에 대한 미적 인식을 형성합니다.

음악 문화에 참여하십시오.

음악 인식의 필요성을 형성합니다.

인지 능력과 창의력을 개발하십시오.

풍부한 어휘.

교육영역 - "예술과 미학 교육"

조직의 형태는 교사와 어린이의 공동 활동입니다.

아이들의 활동 유형:인지, 의사 소통, 음악 및 예술.

재료 및 장비: 음악 감상을 위한 음악 센터, 어린이 악기, 프레젠테이션.

예비 작업: 에 음악 수업아이들은 기본 도구에 익숙해야 합니다. 심포니 오케스트라, 실제 사운드, 음색 착색. 도구 그룹 구별: 현악기, 관악기, 타악기, 단식.

소프트웨어 콘텐츠.

1. 악기 소리의 특징에 대한 어린이의 지식을 확장합니다.

2. 악기 소리에 대한 관심과 욕구를 키웁니다.

3. DMI 기술을 지속적으로 개발 (어린이 악기)

4. 어린이의 음색 청력을 개발하십시오.

계획된 결과.

에 대한 아이디어의 형성 심포니 오케스트라.

악기 소리 구별 능력 강화 심포니 오케스트라.

DMI에서 게임에 적극적으로 참여하십시오.

공연에서 음악을 인식해야 할 필요성을 느끼십시오. 심포니 오케스트라.

과정 진행.

아이들은 홀에 들어가 일반적인 복잡한 음악 및 리드미컬 한 동작을 수행 한 다음 침착하게 의자로 이동합니다.

씨. 노래로 아이들을 맞이하다 "안녕하세요!", 작가…

씨. 아이들이 많은 음악가 그룹을 보는 화면에 아이들의 관심을 끕니다.

씨. 여러분, 이 사진에서 무엇을 볼 수 있습니까?

아이들의 대답.

씨. 그래 오케스트라 - 음악가 그룹같은 음악을 함께 연주하는 사람. 각 음악가는 악보라고 하는 음표에 따라 자신의 역할을 연주합니다. 점수는 특수 스탠드 - 콘솔에 있습니다.

이제 수수께끼를 하나 내겠습니다. 그것을 추측해보십시오.

그 오케스트라를 관장하다,

사람들에게 기쁨을 가져다줍니다.

그냥 지팡이를 흔들

음악 재생이 시작됩니다.

그는 의사나 운전사가 아닙니다.

누구세요? (지휘자)

어린이들. 지휘자.

씨. 에게 오케스트라조화롭게 조화롭게 들립니다. 지휘자가 제어합니다. 그는 음악가들을 마주보고 서 있습니다. 지휘자는 할 수 있습니다 오케스트라 연주와 빠른, 그리고 천천히, 조용히, 그리고 큰 소리로-원하는대로! 그러나 그는 한마디도 하지 않는다. 그는 마술 지휘자의 지휘봉만 사용합니다. 지휘자 앞에는 두껍고 두꺼운 음표가 있으며 여기에는 모든 음악가의 파트가 그려져 있습니다. 이러한 음표를 clavier라고 합니다.

바이올린은 현이 4개인 활 악기로, 그 계열에서 소리가 가장 높고 악기에서 가장 중요합니다. 오케스트라.

첼로는 앉아서 연주하는 큰 바이올린입니다. 첼로는 저음이 풍부합니다.

더블베이스 - 소리는 가장 낮고 크기는 가장 큽니다. (최대 2미터)현악기군 중에서. 서 있거나 특수 의자에서 연주됩니다. 베이스 베이스입니다 (기본)총 오케스트라.

플루트는 목관 악기 그룹에 속합니다. 그러나 현대의 플룻은 나무로 만드는 경우가 거의 없으며 금속으로 만드는 경우가 더 많으며 때로는 플라스틱과 유리로 만드는 경우도 있습니다. 관악기 중에서 가장 기교적이고 기술적으로 기동성이 뛰어난 악기입니다. 플루트는 종종 위탁됩니다 오케스트라 솔로.

씨. 여러분 악기는 왜 관악기라고 하나요?

아이들의 대답.

씨. 예, 정말 터집니다. 관악기에 공기를 불어넣으면 소리가 난다고 말하는 것이 더 정확할 것입니다.

이제 너희는 놋쇠 나팔 소리를 보고 듣는다. 트럼펫은 팡파르에 매우 적합한 높고 선명한 사운드를 가지고 있습니다. Fanfares는 축제 행사, 군사 퍼레이드에서 엄숙하거나 호전적인 신호를 보내는 데 사용됩니다.

당신 앞에는 트롬본이 있습니다. 트롬본은 멜로디보다 베이스 라인을 더 많이 연주합니다. 그것은 움직일 수 있는 백스테이지의 존재에 의해 다른 금관 악기와 다르며, 음악가가 악기의 소리를 앞뒤로 변경합니다.

프렌치 호른 - 호른. 원래 사냥용 뿔의 후손입니다. 뿔은 부드럽고 표현력이 풍부하거나 거칠고 긁힐 수 있습니다.

씨. 이름을 지어주세요 타악기.

어린이들. 드럼, 탬버린, 마라카스, 트라이앵글, 메탈로폰, 캐스터네츠, 종, 딸랑이, 종.

씨. 맞아요. 많은 타악기가 있지만 모두 사용할 수 있는 것은 아닙니다. 심포니 오케스트라.

슬라이드에 표시되는 도구의 이름을 지정하십시오.

드럼, 심벌즈, 실로폰.

슬라이드 14.15.

또한 여러분, 오케스트라단일 도구가 사용됩니다. 그리고 당신은 알고 이름해야합니다

올바르게.

어린이들. 피아노. 하프.

씨. 오른쪽. 콘서트 그랜드피아노 입니다 고대 악기- 하프.

그리고 너희들은 큰 음악가가 된 기분을 원해 오케스트라? 그런 다음 악기를 들고 매우 아름다운 음악을 연주할 것을 제안합니다.

실행할 수 있는 "터키 스타일의 론도"- W. 모차르트 또는

"나쁜 폴카"- A. Filippenko.

씨. 고마워요. 좋아요.

그리고 발랄라이카나 색소폰 같은 악기가 연주할 수 있는 악기에 대해 어떻게 생각하세요? 오케스트라. 그리고 무엇에? 사실 이러한 도구는 다른 도구의 일부입니다. 오케스트라.

이 삽화를 자세히 살펴보십시오. 제외하고 심포니 오케스트라다른 유형이 있습니다 오케스트라: 브라스, 포크, 팝, 재즈. 그들은 악기의 구성과 연주자의 수가 다릅니다. 안에 심포니 오케스트라, 평균적으로 약 60-70명이지만 때로는 100명 이상입니다. 음악가는 특정 순서로 배열됩니다. 그들은 음색이 비슷한 악기 그룹으로 결합됩니다.:

현악기, 목관악기, 금관악기 및 타악기. 같은 그룹의 음악가들은 서로의 말을 더 잘 듣기 위해 나란히 앉습니다. 그리고 그것은 일관된 소리를 만듭니다.

이제 여러분을 게임에 초대하고 싶습니다.

도구에 대해 알아보십시오.

슬라이드 17, 18, 19.

씨. 우리는 당신과 함께 멋진 시간을 보냈습니다. 당신은 그것을 좋아 했습니까? 의 이름은 무엇입니까 오케스트라오늘 우리는 누구를 만났습니까? 어떤 악기를 좋아했나요? (아이들은 한 번에 하나씩 대답합니다). 나는 당신이 엄마 나 아빠와 함께 풀고 추측을 시도 할 수수께끼가있는 카드를 준비했습니다. (실루엣 뒷면 - 점).

내게로 와줘 고맙고 이별하고 싶어 (아이들은 눈을 감고 음악감독은 머리를 쓰다듬는다)

심포니 오케스트라에 대한 흥미로운 사실

수세기의 역사를 통해 꽤 많이 모인 심포니 오케스트라와 관련된 흥미롭고 매혹적인 사실에 익숙해 지도록 초대합니다. 이러한 흥미로운 정보를 통해 발레 애호가뿐만 아니라 이 분야의 진정한 전문가에게도 새로운 것을 발견할 수 있기를 바랍니다.

심포니 오케스트라의 형성은 소규모 앙상블에서 수세기에 걸쳐 이루어졌으며 음악의 새로운 장르가 나타나고 연주자 팀의 변화가 필요한 16-17 세기에 시작되었습니다. 완전히 작은 구성은 XVIII 세기에만 결정되었습니다.
음악가의 수는 작업이나 공연 장소에 따라 50명에서 110명까지 다양합니다. 지금까지 기록된 최다 연주자 수는 1964년 오슬로 시 일레발 스타디움에서 20,100명이 참석한 공연을 말합니다.
때로는 더블, 트리플 심포니 오케스트라의 이름을 들을 수 있는데, 그 안에 들어 있는 관악기의 수로 주어지며 그 크기를 나타냅니다.
그는 오케스트라 발전에 큰 공헌을 했다. L. 베토벤 , 그래서 그의 작품에서 마침내 클래식 또는 소규모 심포니 오케스트라가 설립되었고 나중에 대규모 구성의 특징이 설명되었습니다.
심포니 오케스트라는 음악가를 위해 독일식과 미국식 좌석 배치를 사용합니다. 따라서 러시아어에서는 미국인이 사용됩니다.
전 세계의 모든 오케스트라 중에서 자신의 지휘자를 선택하고 언제든지 할 수 있는 유일한 오케스트라가 있습니다. 바로 비엔나 필하모닉입니다.
지휘자가 전혀 없는 그룹도 있습니다. 처음으로 그러한 생각은 1922년 러시아의 Persimfans에 의해 받아들여졌습니다. 팀워크를 중시하는 시대정신 때문이었다. 나중에 다른 오케스트라도 이 예를 따랐고, 오늘날에도 프라하와 호주에는 지휘자가 없는 오케스트라가 있습니다.

오케스트라는 오보에나 소리굽쇠에 따라 조율되며, 소리굽쇠는 시간이 지날수록 소리가 점점 더 높아집니다. 요점은 처음에 다른 나라그는 다르게 들렸다. 18세기 독일에서 그 소리는 이탈리아어보다는 낮았지만 프랑스어보다는 높았다. 설정이 높을수록 사운드가 더 밝아지고 모든 밴드가 이를 위해 노력한다고 믿었습니다. 그래서 우리 시대에는 380Hz(바로크)에서 442Hz로 톤을 높였습니다. 더욱이 이 수치는 제어 수치가 되었지만 비엔나에서와 마찬가지로 최대 445Hz까지 초과할 수 있습니다.
19세기까지 지휘자의 의무에는 악보 연주도 포함되었습니다. 하프시코드 또는 바이올린 . 또한 그들은 지휘봉이 없었고 작곡가 나 음악가가 악기 나 고개를 끄덕임으로 비트를 이겼습니다.
분야에서 권위 있는 출판물로 인정받는 권위 있는 영자 잡지 Gramophone 고전 음악, 세계 최고의 오케스트라 목록을 발표했으며 러시아 팀이 14, 15, 16 위를 차지했습니다.

심포니 오케스트라

오케스트라(그리스 오케스트라 출신) - 대규모 기악 연주자 팀. 실내악 앙상블과 달리 오케스트라에서는 일부 연주자들이 함께 연주하는 그룹을 형성합니다. 즉, 같은 부분을 연주합니다.
기악 연주자 그룹이 동시에 음악을 만든다는 아이디어는 고대로 거슬러 올라갑니다. 고대 이집트에서도 소그룹의 음악가들이 다양한 휴일과 장례식에서 함께 연주했습니다.
"오케스트라"( "오케스트라")라는 단어는 비극이나 희극에 참여한 고대 그리스 합창단이 있던 고대 그리스 극장의 무대 앞 원형 플랫폼의 이름에서 유래되었습니다. 르네상스와 그 이후 XVII 세기 오케스트라는 오케스트라 피트따라서 그 안에 위치한 뮤지션 집단에 이름을 부여했습니다.
오케스트라에는 군용 금관악기 및 목관악기 오케스트라, 민속 악기 오케스트라, 현악 오케스트라 등 다양한 유형이 있습니다. 구성이 가장 크고 기능면에서 가장 풍부한 것은 심포니 오케스트라입니다.

교향곡현악기, 관악기 및 타악기 계열과 같은 여러 가지 이기종 악기 그룹으로 구성된 오케스트라라고합니다. 그러한 협회의 원칙은 유럽에서 다음과 같이 발전했습니다. XVIII 세기. 처음에 심포니 오케스트라에는 몇 개의 타악기가 결합된 활 악기, 목관 악기 및 금관 악기 그룹이 포함되었습니다. 그 결과 각 그룹의 구성이 확장되고 다양해졌습니다. 현재 다양한 심포니 오케스트라 중에서 소규모와 대규모 심포니 오케스트라를 구분하는 것이 일반적입니다. 소규모 심포니 오케스트라는 주로 클래식 구성의 오케스트라입니다(18세기 말부터 음악 연주 — 초기 XIX세기 또는 현대 양식화). 플루트 2개(드물게 작은 플루트), 오보에 2개, 클라리넷 2개, 바순 2개, 호른 2개(드물게 4개), 때때로 트럼펫 2개와 팀파니, 20개 이하의 악기로 구성된 현악기 그룹(5개의 제1 바이올린과 4개의 제2 바이올린)으로 구성됩니다. , 비올라 4개, 첼로 3개, 더블 베이스 2개). 대규모 심포니 오케스트라(BSO)는 구리 그룹에 필수 트롬본을 포함하며 모든 구성을 가질 수 있습니다. 종종 목제 악기(플루트, 오보에, 클라리넷 및 바순)는 각 제품군의 최대 5개 악기(때로는 더 많은 클라리넷)에 도달하며 다양한 종류(픽 및 알토 플루트, 큐피드 오보에 및 잉글리시 오보에, 스몰, 알토 및 베이스 클라리넷, 콘트라바순)를 포함합니다. 구리 그룹은 최대 8개의 호른(특수 바그너 튜바 포함), 5개의 트럼펫(스몰, 알토, 베이스 포함), 3-5개의 트롬본(테너 및 테너베이스) 및 튜바를 포함할 수 있습니다. 색소폰이 자주 사용됩니다(재즈 오케스트라에서는 4가지 유형 모두). 스트링 그룹은 60개 이상의 악기에 도달합니다. 타악기는 많습니다 (팀파니, 벨, 크고 작은 드럼, 삼각형, 심벌즈 및 인디언 탐톰이 백본을 형성하지만) 하프, 피아노, 하프시 코드가 자주 사용됩니다.
오케스트라의 소리를 설명하기 위해 녹음을 사용하겠습니다. 마지막 콘서트"유튜브 심포니 오케스트라". 콘서트는 2011년 호주 시드니에서 열렸습니다. 전 세계 수백만 명의 사람들이 TV로 생중계했습니다. YouTube 심포니는 음악에 대한 사랑을 키우고 인류의 광대한 창의적 다양성을 보여주는 데 전념하고 있습니다.

콘서트 프로그램에는 잘 알려진 작곡가와 잘 알려지지 않은 작곡가의 잘 알려진 작품과 잘 알려지지 않은 작품이 포함되었습니다.
여기그의 프로그램:

헥토르 베를리오즈 - 로마의 사육제 - 서곡, Op. 9 (Android Jones 피처링 - 디지털 아티스트)
마리아 치오시 만나기
Percy Grainger - Arrival on a Platform Humlet from in a Nutshell - 모음곡
요한 제바스티안 바흐
Paulo Calligopoulos를 만나보세요 - 일렉트릭 기타와 바이올린
알베르토 히나스테라 - 발레 에스탄시아(일리치 리바스 지휘)의 Danza del trigo(밀 춤)와 마지막 Danza(말람보)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" 종 "idol mio" - Canon in three voices, K562 (Sydney Children's Choir와 소프라노 Renee Fleming이 비디오를 통해 출연)
Xiomara Mass - Oboe를 만나보세요
Benjamin Britten - The Young Person's Guide to the Orchestra, Op.34
William Barton - Kalkadunga (William Barton - Didgeridoo 출연)
티모시 컨스터블
Roman Riedel 소개 - 트롬본
리하르트 슈트라우스 - 빈 필하모닉을 위한 팡파르 (세라 윌리스, 호른, 베를린 필하모닉 출연, 에드윈 아웃워터 지휘)
*프리미어* Mason Bates - Mothership (YouTube 심포니 오케스트라를 위해 특별히 작곡됨 2011)
수창을 만나다
펠릭스 멘델스존 - 바이올린 협주곡 마단조 Op. 64(피날레)(Stefan Jackiw 출연, Ilyich Rivas 지휘)
Ozgur Baskin을 만나다 - 바이올린
Colin Jacobsen과 Siamak Aghaei - Ascending Bird - 현악 오케스트라를 위한 모음곡(Colin Jacobsen, 바이올린, Richard Tognetti, 바이올린, Kseniya Simonova - 모래 예술가 출연)
Stepan Grytsay 만나기 - 바이올린
이고르 스트라빈스키- 불새(Infernal Dance - Berceuse - Finale)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (피처링 Eugene Izotov - oboe, and Andrew Mariner - 클라리넷)

심포니 오케스트라는 수세기에 걸쳐 형성되었습니다. 오랫동안 그 발전은 오페라와 교회 앙상블의 깊이에서 이루어졌습니다. 이러한 팀은 XV - XVII 세기 작고 다양했다. 그들은 류트, 비올, 오보에가 있는 플루트, 트롬본, 하프, 드럼을 포함했습니다. 점차 현악기가 우세한 위치를 차지했습니다. 구부러진 악기. 비올은 더 풍부하고 선율적인 소리를 내는 바이올린으로 대체되었습니다. 맨 위로 XVIII V. 그들은 이미 오케스트라에서 최고를 군림했습니다. 별도의 그룹과 관악기(플루트, 오보에, 바순)가 통합되었습니다. 교회 오케스트라에서 그들은 심포니 트럼펫과 팀파니로 전환했습니다. 하프시코드는 기악 앙상블에서 빼놓을 수 없는 멤버였습니다.
이러한 구성은 J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi의 전형이었습니다.
중간에서 XVIII V. 교향곡과 기악 협주곡의 장르가 발전하기 시작합니다. 폴리포닉 스타일에서 벗어나 작곡가들은 음색의 다양성, 오케스트라 목소리에서 부조를 뽑아내려고 애쓰게 되었습니다.
새 도구의 기능이 변경됩니다. 약한 소리를 내는 하프시코드는 점점 주역의 역할을 잃어가고 있다. 곧 작곡가들은 주로 현과 관악기에 의존하여 완전히 포기했습니다. 말 XVIII V. 약 30개의 현, 2개의 플루트, 2개의 오보에, 2개의 바순, 2개의 파이프, 2-3개의 호른 및 팀파니 등 소위 오케스트라의 클래식 구성이 형성되었습니다. 클라리넷은 곧 황동에 합류했습니다. J. Haydn, W. Mozart는 그러한 작곡을 위해 썼습니다. L. Beethoven의 초기 작곡에 나오는 오케스트라입니다. 안에 XIX V.
오케스트라의 발전은 주로 두 가지 방향으로 진행되었습니다. 한편으로는 구성이 증가하면서 다양한 유형의 악기로 풍부해졌습니다(이것은 큰 장점입니다. 낭만주의 작곡가, 주로 Berlioz, Liszt, Wagner) 반면에 오케스트라의 내부 기능이 개발되었습니다. 사운드 색상이 더 깨끗해졌고 질감이 더 명확하고 표현력이 풍부한 리소스가 더 경제적입니다 (Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov의 오케스트라입니다) . 오케스트라 팔레트와 후기의 많은 작곡가를 크게 풍부하게 함 XIX - XX의 상반기 V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich 등).

현대 심포니 오케스트라는 4개의 주요 그룹으로 구성됩니다. 오케스트라의 기초는 현악단(바이올린, 비올라, 첼로, 더블베이스)이다. 대부분의 경우 현악기는 오케스트라에서 멜로디 시작의 주요 전달자입니다. 현악기를 연주하는 뮤지션의 수는 전체 밴드의 약 2/3입니다. 목관 악기 그룹에는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순이 포함됩니다. 그들 각각은 일반적으로 독립 정당을 가지고 있습니다. 음색의 채도, 역동적인 특성 및 다양한 연주 기법에서 구부러진 악기에 양보하는 관악기는 강력한 힘, 컴팩트한 사운드, 밝고 다채로운 색조를 가지고 있습니다. 오케스트라 악기의 세 번째 그룹은 금관악기(호른, 트럼펫, 트롬본, 트럼펫)입니다. 그들은 오케스트라에 새롭고 밝은 색상을 가져와 다이내믹한 기능을 풍부하게 하고 사운드에 힘과 광채를 부여하며 베이스 및 리드미컬한 지원 역할도 합니다.
모두 더 큰 가치심포니 오케스트라에서 타악기를 습득하십시오. 그들의 주요 기능은 리드미컬합니다. 또한 특수 사운드 및 노이즈 배경을 만들고 색상 효과로 오케스트라 팔레트를 보완하고 장식합니다. 소리의 특성에 따라 드럼은 두 가지 유형으로 나뉩니다. 일부는 특정 피치가 있고(팀파니, 벨, 실로폰, 벨 등) 정확한 피치가 없는 것(트라이앵글, 탬버린, 소형 및 대형 드럼, 심벌즈) . 주요 그룹에 포함되지 않은 악기 중에서 하프의 역할이 가장 중요합니다. 때때로 작곡가는 오케스트라의 첼레스타, 피아노, 색소폰, 오르간 및 기타 악기를 포함합니다.
심포니 오케스트라의 악기(현악기, 목관악기, 금관악기 및 타악기)에 대한 자세한 정보는 다음에서 찾을 수 있습니다. 대지.
게시물을 준비하는 동안 발견한 또 다른 유용한 사이트인 "음악에 관한 아이들"을 무시할 수 없습니다. 이곳이 어린이를 위한 사이트라는 사실에 겁먹을 필요가 없습니다. 그 안에는 좀 더 단순하고 이해하기 쉬운 언어로만 말하는 꽤 심각한 것들이 있습니다. 여기 링크그의 위에. 그건 그렇고, 심포니 오케스트라에 대한 이야기도 포함되어 있습니다.

출처:

흥미롭지만 사실...

물리학자 알베르트 아인슈타인은 가장 어려운 질문에 대해 고민하면서 답이 나올 때까지 바이올린을 연주하곤 했습니다. 그런 다음 그는 일어나서 이렇게 말했습니다. "음, 마침내 문제가 무엇인지 이해했습니다!"

심포니 오케스트라의 구조

오케스트라 고대 그리스에서 ~라고 불리는 장소, 의도된 합창단을 위해(그리스어 orheomai - 나는 춤을 춥니 다). 현재 오케스트라는 음색이 서로 깊은 내부 상호 연결을 기반으로 유기적 전체를 형성하는 특정 악기 구성이라고합니다. 뮤지컬 연습은 다양한 유형의 오케스트라를 개발했습니다. 각각은 도구의 특정 구성과 다른 수를 가지고 있습니다. 주요 유형: 오페라 및 심포니, 금관악기, 민속 악기 오케스트라, 재즈 오케스트라.

교향악단에도 다양성이 있다. 챔버 오케스트라 (10~12명) 공연용으로 제작 초기 음악그것이 쓰여진 작곡 (Bach의 Brandenburg Concertos, Vivaldi의 Concerto Grosso, Corelli, Handel). 챔버 오케스트라의 핵심은 하프시코드, 플루트, 오보에, 바순 및 호른이 추가된 현악기 그룹입니다. 현대 음악에서 실내 오케스트라에 대한 호소는 새로운 표현 가능성을 찾는 것과 관련이 있습니다. 챔버 오케스트라 1977) 또는 실제적인 고려로 인해. 이러한 상황은 I. Stravinsky가 1918년에 The Story of a Soldier를 만들었을 때 결정적인 것으로 밝혀졌습니다. 높고 낮은 레지스터의 특징적인 악기. 현에서-바이올린과 더블베이스, 나무에서-클라리넷과 바순, 구리에서-트럼펫과 트롬본, 그리고 마지막으로 한 명의 음악가가 제어하는 타악기.

현악 오케스트라 구성하다 활 그룹오케스트라 (Tchaikovsky. 현악 오케스트라를위한 세레나데, Onneger. Second Symphony).

18세기 말, 당시 창의적인 방법 Haydn과 Mozart 그리고 최초의 Beethoven 교향곡이 등장하고 발전했습니다. 작은 (클래식) 오케스트라. 그것의 구성:

문자열 그룹 목관 악기 금관악기

바이올린 I 플루트 2 호른 2 – 4 팀파니 2 – 3

바이올린 II 오보에 2 트럼펫 2

알토 클라리넷 2

첼로 바순 2

더블베이스

J. 하이든. 교향곡 "시간" 2부

19세기 후반, 대형 심포니 오케스트라. 주요 구별 기능 대형 오케스트라작은 것부터 - 세 개의 트롬본과 튜바의 존재 ( 무거운 구리 사중주 ). 동적 균형을 만들기 위해 문자열 그룹의 연주자 수가 증가합니다.

작은 오케스트라 큰 오케스트라

바이올린 I 4 콘솔 8 – 10 콘솔

바이올린 II 3 콘솔 7 – 9 콘솔

비올라 2 리모콘 6 리모콘

첼로 리모콘 2개 리모콘 5개

더블 베이스 1 콘솔 4 – 5 콘솔

목관 악기의 수에 따라 대규모 심포니 오케스트라의 구성이 여러 개 있습니다.

더블 또는 이중 구성 , 각 가족의 2 악기가 있습니다

슈베르트. 심포니 h-moll.

글린카. 왈츠 환상.

차이코프스키. 교향곡 1번.

트리플 구성,각 제품군에는 3개의 악기가 있습니다.

Lyadov. 바바는 야가입니다.

림스키-코르사코프. 오페라 The Golden Cockerel, The Tale of Tsar Saltan.

4중 구성 : 플루트 4, 오보에 4, 클라리넷 4, 바순 4

예외가 발생하는 방법 단일 구성:

프로코피예프. 교향곡 이야기"피터와 늑대".

림스키-코르사코프. 오페라 모차르트와 살리에리.

사용 가능 중간 구성:

림스키-코르사코프. "셰헤라자드".

쇼스타코비치. 교향곡 7, 8, 10번.

차이코프스키. 교향곡 5번. 서곡 "프란체스카 다 리미니", 로미오와 줄리엣.

심포니 오케스트라의 조직은 단합하는 것입니다 관련 악기그룹으로. 다섯 가지가 있습니다.

현악기 - 아치

목관 악기 - fiati (레그노)

금관 악기 - 오토니

타악기 - 타악기

건반으로 뽑은 악기.

3. 몬테베르디의 오페라 "오르페우스"에서 오케스트라 구성에 대한 정보 찾기