Stravinsky는 어느 나라에서 살았습니까? 이고르 스트라빈스키
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스트라빈스키를 듣는 방법
러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키는 가장 위대한 음악가 20세기 세계에서 가장 밝은 인물 중 한 명 현대 미술. Stravinsky를 기리기 위해 많은 아방가르드 조각으로 장식 된 파리 중심의 광장이 명명되었습니다. Kultura.RF는 Stravinsky의 원래 스타일을 이해하기 위해 올바르게 듣는 방법을 알려줍니다.
세계 시민
태어날 때부터 러시아인이었던 Stravinsky는 진정으로 "세계 시민"이되었습니다. 세르게이 디아길레프의 러시아 시즌 덕분에 예술적인 삶그는 열린 마음을 가진 청중에게 작곡가로서의 재능을 보여줄 수 있는 특별한 기회를 얻었습니다. 스트라빈스키는 그의 첫 세 작품인 <불새>(1910), <페트루슈카>(1911), <봄의 제전>(1913)의 대성공 이후 파리에서 거창한 성공을 거둔 후 세계적인 명성을 얻었고 존경받는 인물로 자리매김했습니다. 예술적 아방가르드절대적으로 자유롭게 만들 수 있습니다. 스트라빈스키는 1917년 혁명 이전에 보수적 보수주의자들의 의견을 고려해야 하고 혁명 후에는 새로운 삶의 주인들의 계급 이데올로기에 순응해야 했던 고국에서 그러한 비행을 거의 감당할 수 없었습니다. Stravinsky의 작품과 심지어 언급조차도 1960 년대 해동까지 소련에서 금지되었으며, 예를 들어 작곡가의 악보, 학생 음악가는 Komsomol에서 추방 될 수 있습니다. 온실.
스트라빈스키 스타일
20세기 내내 Stravinsky는 거의 모든 음악 스타일을 시도했습니다. 공식 음악학에서는 Stravinsky의 창조적 전기를 여러 문체 단계로 나누는 것이 일반적입니다. 일반적으로 그의 삶과 작업의 세 가지 주요 기간은 "러시아어", "신고전주의"및 "연속"이라고합니다. 그러나 사실 이 구분은 다소 자의적이다. 거의 모든 주요 작업 Stravinsky는 지난 세기 전체의 모든 음악에 전형적인 고유 한 스타일로 작성되었습니다. 동시에 그의 모든 작품은 작곡가의 평생 동안 추적할 수 있는 단일한 창의적 접근 방식으로 통합됩니다.
이고르 스트라빈스키. 발레 "Petrushka"(러시아어 재미있는 장면네 장의 사진에서). 개정판 1947. 블라디미르 유로프스키 지휘 모스크바 음악원 심포니 오케스트라 연주
그의 작품 대부분에서 Stravinsky는 일부 문체 소스를 참조합니다. 러시아 민속, 바로크, 초기 재즈, 피터의 캔트, 도시 로맨스, 대중 음악 및 기타 여러 스타일이 될 수 있습니다. 그리고 Stravinsky가 무엇을 선택하든 그는 항상 동일한 원칙에 따라 행동합니다. 그는 한 스타일 또는 다른 스타일의 대부분의 구성이 만들어지는 기본 동기를 취하고 이미 완전히 독립적 인 자신의 작품을 만듭니다 ..
청취자는 무엇에 익숙합니까?
준비되지 않은 청취자에게는 Stravinsky의 많은 작품이 여전히 다소 이례적으로 들립니다. 실제로 거의 모든 20 세기 음악입니다. 그 이유 중 하나는 레퍼토리 정책주로 클래식-로맨틱 시대의 학술 음악이 들리는 대부분의 필 하모닉 홀. 그것은 우리가 태어날 때뿐만 아니라 거의 유전적 수준에서 흡수한 두 가지 매개변수, 즉 음조(안정적이고 불안정한 소리와 화음의 상호 작용 및 반대)와 협화음(동시에 들리는 음의 상대적 호환성 및 유포니)을 기반으로 합니다. 우리가 듣는 모든 대중 음악은 이것을 기반으로 합니다.
따라서 우리에게 제공되는 멜로디가 이러한 한계를 넘어서면 우리는 그것을 비정상적이고 이해할 수 없으며 어떤 면에서는 "손상된" 것으로 인식합니다. 즉, 명확하게 구별할 수 있는 장조-단조 조합이 들리지 않는 경우입니다. 오래된 규칙(여전히 음악 학교와 대학에서 가르치고 있음)에 따라 화음이 일반적인 방식으로 서로 전달되지 않는 경우; 불안정한 소리가 안정적인 소리로 해결되지 않는 경우(이는 우리에게 편안함과 이완감을 줍니다); 그리고 소리의 동시 조합을 잘 알려진 종류의 3화음과 7화음에 정신적으로 맞출 수 없다면 즉시 그러한 음악을 외계인으로 식별합니다. 인도, 중국, 일본, 아랍어 및 일부 다른 유형의 음악이 유럽 전통과 다른 패턴을 기반으로 하기 때문에 너무 "현대적", 즉 여전히 이해할 수 없거나 외국 문화로 보입니다.
스트라빈스키를 받아들이는 방법
20세기 초에 음악에서도 (다른 예술과 마찬가지로) 근본적인 변화가 일어났습니다. 그녀는 더 이상 일상적인 감각과 느낌으로 아름답게 보일 필요가 없었습니다. 작곡가들은 새로운 연결 패턴을 찾기 위해 예술의 새로운 길을 적극적으로 구축하기 시작했습니다. 음악 소리. 그리고 현대 미술의 진원지에서 자신을 찾은 Stravinsky는이 검색에 적극적으로 참여했습니다.
이고르 스트라빈스키. 11개의 악기를 위한 래그타임. 케빈 필드 지휘 말레이시아 필하모닉 유스 오케스트라 연주
종종 그의 음악에서 우리는 친숙하고 친숙한 조성의 유사성을 듣습니다. 그러나 Stravinsky는 동일한 키로 작업을 시작하고 끝내는 오랜 전통 (즉, "원을 닫는 것")을 과감하게 깨고 대부분의 경우 그의 "음조"는 일시적입니다. 친숙한 소리에 대한 또 다른 힌트는 화음에서 명확하게 구별되는 근음이 존재한다는 것입니다. 이것은 약간 "손상된" 3화음과 유사하지만 실제로는 약간 다른 구조를 가지고 있습니다. Stravinsky의 가장 중요한 것은 동시에 들리는 것이 아니라 일반적인 음악 구조의 특정 라인이 어떻게 그리고 어디로 가는가입니다. 따라서 음악학에서 Stravinsky의 많은 작품의 질감은 일반적으로 선형이라고 합니다. 음악 구조의 이러한 라인의 움직임과 상호 작용을 정확하게 듣고 논리를 잡으려고 하면 Stravinsky에서 생성되는 바로 그 하모니가 더 이상 거칠고 추해 보이지 않을 것입니다. 우리를.
그러나 물론 가장 중요한 것은 스타일 브릭입니다. Stravinsky의 질감의 바로 그 선이나 층은 억양, 리듬, 특징적인 동기 또는 그가 작업의 기초로 삼는 스타일의 기성 음악 문구로 구성되어 있으며 어떤 식 으로든 우리에게 친숙합니다. 그의 음악에서 그들을 인식하고 우리는 발레 "Petrushka"의 복잡하고 풍부한 악보에서 러시아 민속 축제의 그림에 내적으로 합쳐지고 래그 타임과 전혀 다른 11 개의 악기에 대한 "래그 타임"에서 고의로 춤을 춥니 다. 러시아 부동산 문화 전체에 우리의 상상력을 즉시 보내는 오페라 "Mavra"의 소리에 향수를 불러 일으키십시오.
이고르 스트라빈스키. 오페라 "마브라". 첫 번째 "러시아 노래"를 상상해보십시오. Elena Revich(바이올린)와 Vadim Kholodenko(피아노)의 연주
Igor Stravinsky는 전통적인 화가와 동일한 색상을 캔버스에 혼합하고 배치하여 완전히 다른 독특하고 표현적인 효과를 얻는 아방가르드 예술가와 같습니다. 그리고 신민속주의, 신바로크, 일련의 기법과 양식화의 합리적인(불합리하지 않은) 사용의 훌륭한 예는 여전히 그의 음악을 현재와 미래의 작곡가들이 연구할 롤 모델이자 주제로 만듭니다.
스트라빈스키 작품의 일반적인 특징
작곡가의 생애 1882 ~ 1871.
뒤에 긴 수명이 Stravinsky는 현대의 모든 업적을 사용했습니다.
아방가르드 음악. 러시아인 민요, 리듬 멜로디 구조의 풍부함
Stravinsky에게 민속 유형의 자신 만의 멜로디 창조의 원천이었습니다.
스트라빈스키는 결코 어떤 스타일의 단순한 에피고인이 아니었습니다. 반대로 어떤 문체
모델은 그에 의해 독점적으로 개별적인 창조물로 변형되었습니다. 모든 문체와 함께
대조적으로 Stravinsky의 작품은 그의 러시아어로 인해 통일성으로 구별됩니다.
작품에 나타난 뿌리와 안정된 요소의 존재 다른 년. 그는 하나이다
민속학에서 처음으로 새로운 음악적 및 구조적 요소를 발견하고 일부 동화
현대 억양(예: 재즈)은 메트로 리듬 조직에 많은 새로운 것을 가져왔습니다.
오케스트레이션, 장르의 해석.
그럼에도 불구하고 t-va S.의 비유적이고 문체적인 복수성은 각 창작 기간에 종속됩니다.
핵심 트렌드. 전체 내용이 엄청나게 길다 창의적인 방법스트라빈스키
일반적으로 세 기간으로 나뉩니다.
러시아 시대(1908년, 1920년대 초)에 스트라빈스키는 고대
현대 러시아 민속, 의식 및 예식 이미지. 이 기간 동안
원칙이 형성된다 음악적 미학ｫ공연장ｻ과 관련된 스트라빈스키,
음악 언어의 기본 요소는 ｫ노래ｻ 주제, 자유
메트로리듬, 오스티나토, 변형 개발 등. 기간은 분할되지 않음으로 표시됩니다.
민화, 이교도 의식, 도시 가정 등 러시아 주제의 지배
장면 또는 푸쉬킨의시. 이 기간 동안 ｫPetrushkaｻ 러시아인이 재미있었다.
장면 네 장의 사진(1910-1911), ｫ불새ｻ (1909-1910), ｫ봄의 제전ｻ (1911-
1913), ｫSoldier's Storyｻ, ｫFox, Rooster, Cat da Ramｻ (1915-1916), ｫMavraｻ
(1921-1922), ｫ결혼식ｻ(1917, 최종판 1923).
다음에 소위. 러시아 테마를 대체하는 신고전주의 시대(1950년대 초까지)
왔다 고대 신화, 성경 본문이 중요한 자리를 차지했습니다. 스트라빈스키
다양한 스타일의 모델로 전향, 유럽 음악의 기법과 수단을 마스터
바로크(오페라 오라토리오 ｫOedipus Rexｻ, 1927), 고대 다성음악(ｫSymphony)의 기법
합창단과 관현악을 위한 시편ｻ, 1930) 등 이 작품들과 함께 노래하는 발레
ｫPulcinellaｻ (G. B. Pergolesi의 주제로, 1920), 발레 ｫKiss of the Fairyｻ(1928), ｫOrpheusｻ
(1947), 2번째 및 3번째 교향곡. (1940, 1945), 오페라 ｫThe Rake's Adventuresｻ (1951) �높지 않음
양식화의 예, 얼마나 많은 밝은 원본 작품(다양한 역사적 및
문체 모델, 작곡가는 개인의 특성에 따라
현대적으로 들리는 작품).
스트라빈스키 작품의 제3기는 제2기 내에서 점차적으로 준비되어 왔으며,
1950년대 초반에 온다. 1951-1952년 동안 유럽을 두 번 방문(현재로서는
작곡가는 미국에 영구적으로 거주), 그는 dodecaphone 기술을 마스터합니다 (그러나
Stravinsky 고유의 음조적 사고 내에서). 이를 바탕으로 그의 최근
작품 - 발레 ｫAgonｻ(1953-1957), 칸타타 ｫTreniｻ, 오페라 발레 ｫFloodｻ(1961-1962),
ｫ윌리엄 셰익스피어의 3곡ｻ, 시인 딜런 토마스를 기리는 ｫFuneral musicｻ 등.
또한 후기 t-va S.는 종교적 주제(ｫ성스러운
성가(1956); "예언자 예레미야 애가"(1957-1958); 레퀴엠ｫ죽은자를 위한 성가ｻ
(1966, 최종 에세이작곡가) 등), 성악 시작(단어)의 역할 강화.
명확성을 위해 장르별:
뮤지컬 극장
ｫ불새ｻ, 두 장면의 발레(1909-1910)
ｫPetrushkaｻ, 러시아의 4가지 재미있는 장면 (1910-1911, 1948년판)
ｫ신성한 샘ｻ, 이교 루스의 장면 두 장면(1911-1913, 1943판)
ｫ나이팅게일ｻ, 오페라 3막(1908-1914),
ｫ여우, 수탉, 고양이, 양 이야기ｻ (1915-1916), 러시아 동화를 바탕으로 한 대본
ｫSvadebkaｻ, 솔리스트, 합창단, 네 대의 피아노와 타악기를 위한 러시아 안무 장면
ｫ군인이야기ｻ (ｫ도망군과 악마이야기, 연주하고 읽고 춤추고ｻ) 3인용
낭독자, 무용수 및 기악 앙상블(1918)
ｫPulcinellaｻ, Gallo, Pergolesi 등의 음악을 바탕으로 한 막에서 노래하는 발레
작곡가(1919-1920)
ｫMavraｻ, 단막의 코믹 오페라(1921-1922)
ｫApollo Musageteｻ, 두 장면의 발레(1927-1928)
ｫ요정의 키스ｻ, 차이코프스키의 음악에 이어 네 장면의 발레(1928)
ｫ페르세포네ｻ, 낭독자, 테너, 합창단, 관현악단을 위한 3장면의 멜로드라마 (1933-1934)
ｫ카드 놀이ｻ, 발레ｫ세 번의 거래ｻ (1936-1937)
ｫ오르페우스ｻ, 세 장면의 발레(1947)
ｫ에필로그가 있는 3막 오페라 The Rake's Adventuresｻ (1947-1951)
ｫAgonｻ, 발레(1953-1957).
ｫThe Flood (opera)ｻ, 솔리스트, 배우, 낭독자, 관현악단을 위한 성서 오페라 (1961-1962).
오케스트라 작품
교향곡 Es-dur, op. 1 (1905-1907)
이고르 스트라빈스키
1882년 6월 5일(17) 상트페테르부르크 근처 오라니엔바움에서 태어났다.
그는 뮤지컬 가족에서 자랐습니다. 그의 아버지는 오페라 가수였습니다. 그는 특수 교육을받지 않고 작곡을 시도했고 20 세에야 Rimsky-Korsakov에서 작곡 수업을 받기 시작했습니다. 1905년에 그는 학술적인 스타일로 작곡된 교향곡을 출판했습니다. Rimsky-Korsakov의 영향으로 그는 러시아 민속 음악으로 향했습니다. 국가적 모티프가 스며든 그의 첫 번째 주요 작품은 파리에서 러시아 발레의 여러 공연을 준비하고 있던 유명한 발레 흥행주 세르게이 디아길레프와의 만남 이후에 등장했습니다. 그의 의뢰로 스트라빈스키는 그의 가장 훌륭한 악보 중 하나인 러시아 동화 The Firebird(1910)를 바탕으로 한 발레를 썼습니다. 안에 내년또 다른 발레가 완성되었습니다. Petrushka는 러시아 Shrovetide의 사진이 생생하고 진정한 이미지로 재현되었습니다. Firebird와 Petrushka의 음악적 언어는 여전히 이전 전통과의 연결을 유지하지만 이미 고대 이교도 Rus에서 열리는 세 번째 발레 인 The Rite of Spring (1913)에서 Stravinsky는 음악적 전통을 깨고 해결되지 않은 불협화음과 끊임없이 변화하는 놀라운 복잡성의 리듬 . 1913년 5월 29일 파리에서 Diaghilev의 Ballets Russes가 상연 한 The Rite of Spring의 초연에는 대중의 격렬한 분노 표현이 수반되었습니다. 그 이후로 Stravinsky의 이름은 음악의 초현대적 경향의 상징이 되었습니다.
제1차 세계 대전이 발발하기 전에 작곡가는 러시아를 떠났습니다. 1939년까지 그는 프랑스에 살다가 미국에 정착했다. 자발적인 망명으로 인해 Stravinsky의 음악에서 러시아 민속 요소가 점차 사라졌습니다. 러시아 테마는 1차 세계 대전 중에 만들어진 7개의 악기에 대한 Story of a Soldier(L "Histoire du soldat)의 악보와 결혼식 칸타타(Les Noces, 1920)에 여전히 존재합니다. 마을 결혼식 축제 - 솔로이스트, 피아노 4대 및 17대 그러나 후기 작품에서는 이미 피아노 협주곡(1924), 발레 아폴로 무사게테(1927), 특히 칸타타 심포니와 같은 고전주의와 종교적 주제로의 전환이 있습니다. of Psalms (A Symphony of Psalms, 1930) 같은 시기에 작곡가는 발레 Pulcinella (Pulcinella, 1920, 페르골레시 주제)와 The Fairy's Kiss (Le Baiser de la fée, 1928, 차이콥스키 주제로) ).그의 세 부분으로 된 교향곡(Symphony in Three Movements, 1945)은 신고전주의 스타일과 봄의 제전의 혁명적 스타일을 종합한 것입니다.
Stravinsky의 가장 완벽한 예술적 금욕주의는 라틴어 텍스트에 대한 오페라 오라토리오 인 Oedipus Rex (Oedipus Rex, 1927)에서 나타납니다. 인색한 기술적 수단으로 작곡가는 특별한 드라마를 이룬다. 1951 년 Stravinsky는 오페라 The Rake 's Progress (William Hogarth의 도덕적 판화 시리즈를 기반으로 함)를 썼습니다. 이 에세이는 코미디, 도덕성 및 멜로 드라마 요소가 장난스럽고 유익한 전체로 합쳐지는 그의 작품의 또 다른 문체 라인을 표시합니다.
아마도 스트라빈스키의 창조적 진화(이미 70년 이상)에서 가장 주목할 만한 단계는 Arnold Schoenberg와 Anton Webern이 사용한 12음(12음) 구성 시스템의 숙달일 것입니다. 이 스타일에서 12 명의 무용수를위한 발레 Agon (Agon, 1957)과 솔리스트, 합창단 및 오케스트라를위한 성경 텍스트 예언자 예레미야의 애가 (Threni, 1958)에 대한 영적 칸타타가 만들어졌습니다. Stravinsky의 독특한 스타일은 이러한 12음계 구성의 리듬, 다성음 및 음색 팔레트에서 분명하게 드러났습니다.
Stravinsky는 1971년 4월 6일 뉴욕에서 사망했습니다. 20세기 음악에 대한 그의 영향력은 막대하다. The Rite of Spring과 같은 걸작은 세계 여러 나라에서 오케스트라의 주요 레퍼토리에 포함되었습니다.
이고르 표도로비치 스트라빈스키(1882-1971), 러시아 작곡가, 지휘자 및 피아니스트.
"천 가지 스타일의 남자", "작곡가-카멜레온", "음악 패션의 치료사" Igor Fyodorovich Stravinsky는 20세기의 가장 위대한 작곡가입니다.
오늘날 그의 유산은 현대의 고전에 속합니다. 시대의 가장 중요한 특징, 갈등, 역 동성을 반영한 것은 바로 그 사람이었습니다. 다양한 테마, 플롯, 이동성 창의적인 방식-백과 사전의 폭으로 근대성의 영적 과정을 포용하고 구현하는 그의 보편적 스타일의 징후.
Igor Fedorovich Stravinsky는 1882년 6월 5일(17) 가족의 Oranienbaum에서 태어났습니다. 유명한 가수, 솔리스트 마린스키 극장표도르 이그나티예비치 스트라빈스키. 작곡가의 어머니 Anna Kirillovna Kholodovskaya는 훌륭한 피아니스트였습니다.
아홉 살 때부터 Igor는 음악을 공부했지만 자신이 회상했듯이 이미 "에서 삼 년자신을 음악가로 깨달았습니다. 시골에서 여름 휴가를 보내는 동안 그는 어린 시절부터 Kryukov 운하 근처 Stravinskys의 St. 도 나옵니다.
작곡가가 The Chronicle of My Life에서 회상하듯이 잊을 수 없는 인상 중 하나는 1892년 Ruslan과 Lyudmila의 기념일 공연에서 그의 특별한 사랑의 대상인 Pyotr Ilyich Tchaikovsky를 만난 행운이었습니다. 젊은 음악가이미 그는 그의 저서 "The Power of Instrumental Figurativeness"에서 감사했습니다. 나중에 Fyodor Ignatievich의 헌정 서명이있는 차이코프스키의 사진이 가족 가보로 미래 작곡가의 집에 보관되었습니다.
Igor의 아버지는 아들이 전문 음악가로서의 경력을 쌓는 것을 원하지 않았고 그를 St. Petersburg University의 법학부에 배정했습니다. 법학 수업은 청년을 매료시키지 않았고 동시에 음악 수업도 계속되었습니다. 1902년부터 Stravinsky는 N. A. Rimsky-Korsakov의 가족과 가까워졌습니다. N. A. Rimsky-Korsakov는 자신의 작곡가로서의 재능을 인정했지만 그에게 조화로운 귀를 개발하도록 조언했으며 주기적으로 조언을 구하도록 허용했습니다. 그 후 5년 동안 그들 사이의 소통은 더욱 가까워졌고 음악적 추구를 넘어섰습니다.
생활의 원에 들어가기 음악적 과정, 젊은 Stravinsky는 V. V. Stasov를 포함하여 가장 저명한 음악가들이 모인 음악 "환경"을 방문했습니다. Stravinsky 자신의 작품 초연도있었습니다 (Nikolai Andreevich의 딸 Nadezhda가 연주 한 fis-moll sonata 및 Pastoral vocalise). N. A. Rimsky-Korsakov의 엄격한 지도하에 Stravinsky는 "친애하는 선생님"에게 바치는 첫 번째 교향곡을 씁니다. Rimsky-Korsakov와 함께 공부한 것이 유일한 작곡가 학교 Stravinsky 덕분에 그는 작곡가의 직업을 완벽하게 마스터했습니다.
1903-1904년경에 그는 Evenings의 회원이었습니다. 현대 음악", 처음에는 선생님으로부터 비밀리에, 그리고 잠시 후에 Rimsky-Korsakov는 그의 학생이 그의 학교에서 "속임수"를하고 있음을 알게됩니다. Nikolai Andreevich는 "Igor Fedorovich가 불필요하게 모더니즘을 쳤습니다. "라고 후회하며 말했습니다. “이 모든 퇴폐적인 가사는 어둠과 안개로 가득 차 있습니다.” "불꽃 놀이", "Fantastic Scherzo"(Maeterlinck에 따르면), 오페라 "The Nightingale"(동일한 Andersen의 동화를 기반으로 함)-이 모든 것이 인상주의와 상징주의의 영향입니다.
1905년 스트라빈스키는 대학을 졸업하고 1년 후 그의 사촌 예카테리나 노센코와 결혼했습니다. 법률 경력을 포기한 그는 전적으로 음악에 전념하기로 결정합니다.
Fireworks (1908)의 초연에는 당시의 모든 "새로운"예술의 분위기를 조성한 World of Art 잡지의 창립자이자 유명한 박애주 의자 인 Sergei Diaghilev가 참석했습니다. 이 남자는 특별한 역할을 할 운명이었습니다. 미래의 운명스트라빈스키.
재능에 감사하다 젊은 작곡가, Diaghilev는 그를 파리의 Russian Seasons에서 상연하기 위해 발레를 만들도록 초대했습니다. 이 기업은 특히 처음에 유럽 대중에게 현대 러시아 예술의 훌륭한 예를 소개했습니다. 파리가 Mussorgsky의 오페라 전체를 듣고 러시아 발레를 본 것은 Diaghilev 덕분이었습니다. 러시아 동화 발레에 대한 아이디어는 오랫동안 Diaghilev를 괴롭혔습니다. 안무가 M. Fokin은 이렇게 회상합니다. 민담동시에 Firebird는 댄스 구현에 가장 적합합니다!
작업 시작 몇 달 후 작곡가 A. Lyadov는 그에게 보낸 발레 대본을 그에게 반환했고 Diaghilev는 마침내 Stravinsky를 선택하기로 결정했습니다. 1910년까지 악보가 준비되었고, 밝은 음색에, 정신이 인상적이었습니다. 이 발레 센세이션은 T. Karsavina, V. Nizhinsky, 예술가 A. Golovin 및 Diaghilev의 지속적인 컨설턴트 인 A. Benois 및 L. Bakst와 같은 주요 역할의 미래 공연자 인 안무가 M. Fokin에 의해 점차적으로 준비되었습니다. . Stravinsky와 Fokine은 움직임과 음악 사이의 동기화를 찾기 위해 오랫동안 피아노에 앉아있었습니다. 안무가는 이렇게 회상합니다. - 내 요청에 따라 그는 자신의 또는 민속 테마장면의 순간, 몸짓에 따라 짧은 문구로. Stravinsky는 나를보고 사악한 Kashchei의 정원을 묘사하는 신비한 떨림을 배경으로 Tsarevich의 멜로디 조각으로 나를 반향했습니다.
몇 년 후 Stravinsky는 발레 음악으로 새로운 오케스트라 작품을 만들어 텍스트를 재편집하고 과도한 음색을 모두 제거했습니다. 새 버전에서는 The Firebird의 제품군이 전 세계적으로 인기를 얻었습니다.
Diaghilev 극단과의 협력 3년 이내에 Stravinsky는 두 개의 발레를 더 만들었습니다. 세계적 명성, 그들 중 "Petrushka"와 "The Rite of Spring". 이들 중 첫 번째는 Stravinsky 자신, Benois 및 Diaghilev (1911)의 저자 인 "재미있는 장면"입니다. 파리에서 발레 초연 후 Debussy는 저자를 "색채와 리듬의 천재"라고 부르며 "Petrushka"의 음악에 대해 열정적으로 이야기합니다.
발레 "The Rite of Spring"-Roerich의 대본에있는 "이교도 Rus의 그림". "Spring"의 갓 완성된 악보를 네 손으로 연주한 후 Lalua는 이렇게 회상합니다.
초연 직후, 스트라빈스키는 스위스에 있는 동안 장티푸스에 걸려 한때는 거의 죽음에 이를 지경에 이르렀습니다. 환자는 Debussy, M. de Falla, A. Casella, Ravel이 방문했습니다. Stravinsky와 Scriabin의 유일한 만남은 언급할 가치가 있습니다. 두 뮤지션은 절제된 방식으로 상호 관심을 보였다. Stravinsky는 The Poem of Ecstasy의 저자에게 그의 마지막을 보내달라고 요청했습니다. 피아노 소나타. 여기에서 그는 A. Schoenberg의 "Moon Pierrot"이라는 표현주의에 대해 알게되었습니다.
"스위스" 시대는 스트라빈스키의 삶과 작품에서 특별한 역할을 했습니다. 그는 러시아 국가 이미지, 러시아 이국주의, 동화, 민속에 관심을 느꼈습니다. 이것은 "Jests", "Tales about the Fox, the Rooster, the Cat and the Sheep", "The Story of a Soldier"와 같은 그 해에 만들어진 작품 목록에 의해 입증됩니다.
1914년 7월, 스트라빈스키는 원래 발레 오락용으로 계획되었던 The Wedding 작업을 시작했습니다. 작곡가는 P. Kireevsky의 시적 러시아 민요 모음과 기타 자료를 찾기 위해 키예프로갔습니다. 그런 다음 그의 가족 소유지인 Ustilug에 들렀다가 같은 가을에 재료를 얻기 위해 Kyiv로 돌아갈 계획이었습니다. 그러나 인생은 그의 계획을 방해했습니다. 스위스로 돌아온 지 며칠 후 전쟁이 발발했습니다. Stravinsky는 파리나 고국으로 돌아가지 않고 중립 스위스에 남아 있기로 결정했습니다. 그는 Claran에 정착했습니다. 그리고 다음 7년 동안 그는 Claran, Salvan, Walrus와 같은 프랑스 스위스의 거의 모든 지역을 여행했습니다.
1917년 스트라빈스키는 로마와 나폴리를 방문했다. 그곳에서 그는 파블로 피카소를 만나 친밀한 우정을 쌓았습니다. 스위스에서 그는 자신의 음악 지휘자로 데뷔했으며 시인 C. Ramuse 및 지휘자 Ernest Ansermet과 친밀한 우정을 쌓았습니다.
1919년 스트라빈스키는 파리로 떠났다. "가장 세련된 파리지앵", Jean Cocteau, Pablo Picasso, Ravel, Benoit, Nijinsky, 예술가 Matisse, Goncharova, Larionov와 같은 젊은 모더니스트였습니다. 특히 Stravinsky를 선호했던 박애주 의자 E. Polignac의 살롱에서 그는 Manuel de Falla, Gabriel Foret, Eric Satie와 가까워졌습니다. 젊은 프랑스 "Six"(J. Auric, F. Poulenc, D. Millau 등)도 Stravinsky를 영감으로 보았습니다. 나중에 Stravinsky는 작가 Andre Gide, Charlie Chaplin과 많은 이야기를 나누었습니다.
프랑스로 돌아온 후 처음 몇 년 동안 작곡가는 여전히 Diaghilev와 밀접한 관련이 있습니다. 유럽에서 그의 발레, 특히 Petrushka는 성공적이었습니다. 1921년에 그는 스페인, 벨기에, 네덜란드, 독일을 여행했습니다. 1924년 5월 22일 스트라빈스키는 피아니스트로서 콘서트 데뷔를 했다. S. Koussevitzky의 오케스트라와 함께 그는 피아노 협주곡을 연주했습니다.
1925년에 그는 처음으로 미국 여행을 떠났습니다. 1937년과 1939년에 이어진 미국 투어는 이 나라와의 창의적인 관계를 점점 더 강화했습니다. 1920년대 중반, 프랑스 회사인 Pleyel이 디자인한 기계식 피아노에 대한 Stravinsky의 관심은 1920년대 중반으로 거슬러 올라갑니다. 작곡가는 일종의 표준이 될 수 있는 다큐멘터리 작가의 녹음을 만들 수 있는 가능성에 매료되었습니다. 그는 특히 녹음의 음향 원리와 그들이 결정한 하모니와 보이스 리딩의 특징을 연구하고 오케스트라 악보를 피아노에 적용했으며 심지어 기계식 피아노와 전자 하모니움을 사용하도록 특별히 설계된 웨딩의 새로운 오케스트레이션을 만들었습니다.
Stravinsky는 실제로 Pleyel 회사 대표의 집에서 살았습니다. 그건 그렇고, 1923 년 파리에 도착한 V. Mayakovsky를 만났습니다. 피아노에 대한 열정은 다른 많은 일시적인 열정만큼 빠르게 지나갔습니다. 예를 들어 스위스에서 그는 자전거 타기를 좋아했고 프랑스에서는 열정적 인 자동차 운전자가되었습니다. 운전을 빨리 배운 그는 Renault Hotchkiss를 타고 Cote d' Azur 전역을 여행했습니다.
1939년 작곡가 E. Nosenko의 아내가 프랑스에서 사망했습니다. 조금 일찍 그는 어머니와 큰딸을 잃었습니다. 작곡가는 사랑하는 사람의 죽음을 매우 심각하게 경험했고 처음으로 다른 나라로 이주하고 싶은 욕구가 생겼습니다. 그러나 다른 이유도 있었습니다. 1936년 친구들은 스트라빈스키와 함께 연주했습니다. 나쁜 농담: 그들은 "불멸 자"중에서 그의 후보를 프랑스 아카데미에 제출하도록 그를 설득했습니다. 미술. 그러나 선거에서 그는 불명예스럽게 패배했고 오히려 평균적인 프랑스 작곡가플로랑 슈미트. 이 사건은 사고가 아니었다. 그 이전에도 많은 프랑스 사람들, 특히 프랑스 음악 청년들이 이전 우상을 배신하기 시작했습니다. 받침대에서 외국 "마스터"를 전복하라는 요구가 점점 더 많이 들렸습니다.
이 모든 것은 이미 프랑스 시민이었던 Stravinsky의 복지에 의해 눈에 띄지 않았습니다. 동시에 미국 여행은 미국 회사, 오케스트라 및 후원자와의 유대를 강화했습니다. 그들의 명령에 따라 그는 많은 작곡을 썼습니다. 1939년 하버드 대학의 초청으로 자신의 음악적 미학에 대한 강의를 했다.
깨진 초 세계 대전최종 결정을위한 마지막 즉각적인 원동력이되었습니다. 증기선 "Mauntbatten"은 작곡가를 그의 "제 3의 고향"의 해안으로 인도했습니다. 스트라빈스키는 1920년부터 1940년까지 프랑스에서 살았습니다. 파리에서 그의 오페라 "Mavra"(1922), "Les Noces"(1923)-러시아 시대의 마지막 작품 및 시작을 알린 오페라 오라토리오 "Oedipus Rex"(1927)의 초연 일반적으로 "신고전주의"라고 불리는 작곡가의 작품에서 시대의.
40대 초반에 오픈 새로운 기간"미국인"이라고 할 수있는 Stravinsky의 창조적 전기. 1939년 12월 초대에 따라 그는 미국 서부 해안인 샌프란시스코와 로스앤젤레스로 떠납니다. 캘리포니아 해안의 도시들은 작곡가에게 프랑스 코트다쥐르를 연상시켰다. 여기, 캘리포니아, 할리우드에 정착하기로 결정했습니다. 그해 유럽에서 파시즘과의 전쟁의 불길에서 이주한 많은 저명한 작가와 음악가가 태평양 연안에 정착했습니다. Thomas Mann, Lion Feuchtwanger, Arnold Schoenberg 등이 있습니다.
미국 영화 산업의 중심에 살았던 스트라빈스키는 영화 음악의 구성을 결정하는 우연의 원칙에 만족하지 못한다며 영화 작업 제안을 일관되게 거부했습니다. 재즈의 진원지이기 때문에 작곡가도 이러한 추세를 우회하지 않습니다. Woody Herman의 Negro 오케스트라를 위해 그는 전형적인 재즈 효과, 거장 클라리넷 솔로 및 "색상 악보"(그의 공연에는 다색 스포트라이트를 사용하는 조명 효과가 수반됨)와 함께 1945년 "The Black Concerto"를 씁니다.
점차적으로 Stravinsky의 음악적 언어는 더욱 금욕적입니다. 역 동성은 구속으로 대체됩니다. 작곡가는 일련의 기법으로 전환하고 이후에는 그의 작곡의 음악 구조를 구성하는 데 지배적이 될 것입니다. 첫 연작 구성은 Septet(1953)이다. Threni(선지자 예레미야의 애가, 1958)는 Stravinsky가 그러한 조성을 완전히 포기한 완전히 연속적인 구성이 되었습니다. 연속 원리가 절대적인 작품은 피아노와 관현악을 위한 악장(1959)이다. 결정적인 작곡연재 기간 - 관현악을 위한 올더스 헉슬리의 변주곡.
1947년 스트라빈스키는 젊은 지휘자 로버트 크래프트를 만났다. 그는 곧 Stravinsky의 영구적인 음악 조수이자 협력자이자 그의 작곡의 통역사가 되었습니다. Kraft와 Stravinsky의 정기적인 장기 커뮤니케이션은 Dialogues 출판의 기반이 되었습니다.
중요한 그룹은 떠난 친구와 친척을 기리는 작품으로 대표됩니다. Stravinsky의 환경은 얇아지고 인생이 끝날 무렵 그는 점점 더 외로움을 느낍니다. "오늘 나는 내 눈으로 세상을 바라 볼 대담자가 없습니다."
기념 작품으로는 "Funeral canons and a song in memory of Dylan Thomas"(l954), "Epitaph"(l959), "Elegy to John F. Kennedy"(1964), Variation in memory of Aldous Huxley(l964), Introitus 등이 있습니다. Thomas Eliot를 기리며 마지막 주요 작품인 콘트랄토와 베이스 솔로, 합창단, 오케스트라를 위한 Requiem Canticles(1966). "죽은자를 위한 성가"가 나의 모든 창조적인 그림을 완성했다", "내 나이의 레퀴엠은 산 자들에게 너무 감동적이다", 최근 몇 년”-I. Stravinsky는 인정합니다.
그럼에도 불구하고 작곡과 연주 활동의 강도는 노년기에도 가라 앉지 않았고 85 세까지 엄격한 작업 일정이 유지되었습니다. 반년-일상적인 창작 작업, 반년-콘서트 투어. 1962년 스트라빈스키는 모스크바와 레닌그라드를 방문했다. 작곡가 자신에 따르면 그의 고향 여행은 그에게 많은 영감을주었습니다.
그의 마지막 완성 작품 중 하나는 Hugo Wolf(1968)의 실내 관현악 편곡이지만 J. S. Bach의 CTC(1968-1970)에서 4개의 전주곡과 푸가를 구상하고 편곡할 시간이 아직 남아 있습니다.
그러나 이것에 창의적인 활동마스터가 헤어집니다. 89세 생일을 두 달 앞둔 1971년 4월 6일, 이고르 페도로비치 스트라빈스키가 사망했습니다. 그는 Sergei Diaghilev의 무덤에서 멀지 않은 그의 아내 Vera와 함께 소위 "러시아인"부분에있는 베니스 (이탈리아)의 San Michele 공동 묘지에 묻혔습니다.
Stravinsky의 길은 Glazunov와 Brahms의 영향으로 표시되는 Youth Symphony에서 The Firebird와 The Nightingale의 러시아 인상주의, 더 나아가 The Rite of Spring의 신 원시주의에 이르기까지 빈번한 변조로 가득 차 있습니다. 금관 8중주는 신고전주의로의 전환을 예고했으며, 30년 동안 여러 병렬 흐름도 등장했습니다.
그리고 마지막으로 1952년 7중주는 스트라빈스키의 창조적 전기의 또 다른 장인 연재 시대를 열었습니다. 그의 예술적 공감은 바흐에서 불레즈까지, 러시아 결혼식에서 프랑스 모던까지, 고대 시의 엄격한 미터에서 날카로운 재즈 리듬에 이르기까지 다양합니다. 이것이 그의 예술적 공감의 원입니다. Stravinsky 전기의 거의 모든 새로운 장은 20세기 서유럽 음악 역사의 한 장입니다.
본질적으로 창의성 Stravinsky는 현실의 사건과는 거리가 멀다. 작곡가는 음악을 듣는 사람의 미적 느낌을 "건축적 형태의 유희"를 생각할 때 경험하는 느낌과 비교합니다. 따라서 그는 근대성에서 벗어나 영웅들로부터 외면하고 때로는 그의 음악 세계에 강력한 삶의 폭풍의 바람이 불고 있습니다.
음악에서 Stravinsky는 피아니스트, 지휘자, 배우와 같은 연주자의 "임의성"을 가장 두려워합니다. 표현의 기술 - 작가의 의도를 정확하게 구현하는 것 - 이것이 그의 이상입니다! 영웅은 "낭만적인" 경험을 박탈해야 합니다. 따라서 이와 같은 큰 중요성주인공의 비인격화, 비인격화 획득(결혼식의 신부, 봄의 제전에서 선택된 자, 바이크에서 주인공은 모방 인물이며 오케스트라에 숨겨진 다른 아티스트들이 그들을 위해 노래하거나 전체 성가대).
음악 현상은 우선 "인간과 시간"의 관계를 포함하여 존재하는 모든 것에 질서를 부여하기 위해서만 우리에게 주어집니다. 예를 들어 작곡가 캐릭터의 특징은 그의 작품에 흔적을 남겼습니다. 전문적인 품질정확성, 시간 엄수, 선견지명, 크로노메트릭 직관. Stravinsky가 작곡가-크로노미터, 작곡가-엔지니어라고 불린 것은 우연이 아니며 그의 친구 J. Cocteau는 다음과 같이 확신했습니다. 직장이 작곡가는 "잘 짜여진 외과 의사의 수술대"를 연상시킵니다.
Stravinsky의 작업은 오늘날에도 여전히 매우 관련이 있습니다. 거의 20 세기 내내 다른 스타일의 가면을 쓰고 자신에게 충실한 사람은 바로 그 사람이었습니다. Chronicle을 마무리하는 작곡가 자신은 다음과 같이 썼습니다. “나는 과거 나 미래에 살지 않습니다. 나는 현재에 있다. 나는 내일 무슨 일이 일어날지 모른다. 나에게는 오늘의 진실밖에 없습니다. 나는 이 진리를 섬기고 완전한 의식으로 그것을 섬기도록 부름 받았습니다.
러시아 작곡가
이고르 스트라빈스키
짧은 전기
이고르 표도로비치 스트라빈스키(1882년 6월 17일, 오라니엔바움, 러시아 제국- 1971년 4월 6일, 뉴욕 베니스에 묻혀 있음) - 러시아 작곡가. 프랑스 시민권(1934년) 및 미국 시민권(1945년). 중 하나 주요 대표 XX 세기의 세계 음악 문화. Stravinsky의 음악은 스타일의 다양성으로 구별됩니다. 그의 창작 작업의 첫 번째 기간 (그의 가장 레퍼토리 작곡)에는 러시아 음악의 생생한 각인이 있습니다. 문화적 전통. 후기 작곡의 문체는 무엇보다도 프랑스 신고전주의의 영향과 신 빈 학파의 12음법을 배반합니다.
이고르 스트라빈스키는 1882년 상트페테르부르크 근처 오라니엔바움의 스위스 거리에서 태어났습니다. 그의 아버지 Fyodor Ignatievich Stravinsky - 오페라 가수, 마린스키 극장의 솔리스트. 그의 어머니, 피아니스트 및 가수 Anna Kirillovna Kholodovskaya (08/11/1854-06/07/1939)는 남편의 콘서트에서 영구 반주자였습니다. 상트 페테르부르크의 Stravinsky 하우스는 F. M. Dostoevsky를 포함하여 음악가, 예술가, 작가를 주최했습니다.
9세 때부터 Stravinsky는 개인 피아노 레슨을 받았고 19세 때 Gurevich 체육관을 졸업한 후 부모님의 주장에 따라 St. Petersburg University의 법학부에 입학했으며 동시에 그는 독립적으로 음악 및 이론 분야를 공부합니다.
1904년부터 1906년까지 이고르 스트라빈스키는 V.P.로부터의 수업과 병행하여 일주일에 두 번 Stravinsky 수업을 제공한 N.A. 칼라파티.
젊은 이고르 스트라빈스키. (1910)
1906년 스트라빈스키는 사촌인 예카테리나 가브릴로브나 노센코와 결혼했다. 1907년에 그들의 첫째 아들인 예술가 Fyodor Stravinsky가 태어났고, 1910년에 그들의 둘째 아들이자 작곡가이자 피아니스트인 Svyatoslav Sulima-Stravinsky가 태어났습니다. 1900-1910년대에 Stravinsky 가족은 Volyn 지방의 Ustilug 부동산에서 오랫동안 살았습니다. 기념 박물관 I. F. Stravinsky).
Rimsky-Korsakov의 지시에 따라 피아노를위한 스케르초와 소나타, 음성 및 오케스트라 "The Faun and the Shepherdess"를위한 모음곡 등 첫 번째 작곡이 작성되었습니다. Sergei Diaghilev는 후자의 초연에 참석하여 높이 평가했습니다. 젊은 작곡가의 재능. 얼마 후 Diaghilev는 그를 파리의 Russian Seasons에서 제작할 발레를 쓰도록 초대했습니다. 디아길레프 극단과 3년 동안 협력하는 동안 Stravinsky는 The Firebird(1910), Petrushka(1911), The Rite of Spring(1913) 등 세계적인 명성을 얻은 세 개의 발레를 썼습니다. 이 기간 동안(주로 Diaghilev의 제작과 관련하여) Stravinsky는 반복적으로 파리를 여행했습니다.
1914년 초, 제1차 세계 대전 직전에 그는 가족과 함께 스위스로 떠났습니다. 전쟁 발발로 인해 Stravinskys는 러시아로 돌아 가지 않았습니다. 1915년 봄부터 작곡가는 주로 파리에서 1920년부터 로잔 근처 모르주에서 가족과 함께 살았습니다.
이 시대의 작품 중에는 오페라 "나이팅게일"이 있습니다. 동명의 동화 Andersen (1914) 및 The Story of a Soldier (1918). Stravinsky와 French "Six"의 화해는 같은 시간으로 거슬러 올라갑니다.
일찍이 1913년에 스트라빈스키는 작곡가 에릭 사티를 만났는데, 그는 그를 "내가 아는 사람 중 가장 이상한 사람"이라고 정의했지만, 더욱이 그를 "가장 훌륭하고" "항상 재치 있는 사람"이라고 불렀습니다. Sati Y. Khanon 연구원에 따르면 Sati의 일부 작품, 특히 발레 "Parade"(1917)와 교향곡 "Socrates"(1918)는 Stravinsky의 작업에 큰 영향을 미쳤습니다. G. Filenko에 따르면 고대 주제의 해결에 특별한 전환이 있었고 소크라테스의 음악 언어의 고풍화와 근본적으로 새로운 음악 구성 방법은 다른 작곡가들에게 유익했으며 Honegger의 Antigone (1924)의 다가오는 신고전주의를 예상했습니다. ) 거의 10년, Stravinsky(1929-1930)의 " Apollo Musagete" 및 "Oedipus Rex"는 새로운 스타일의 모든 주요 기능을 미리 설명합니다.
Stravinsky 자신은 회의론과 자제력으로 Satie의 Socrates와 저자의 직업적 장점에 대해 말했습니다.
나는 그가 악기를 잘 아는 것 같지 않고, 어색한 오케스트라 악보보다 [피아노에서] 나를 연주한 소크라테스를 더 좋아합니다. 나는 항상 Sati의 글이 "문학 예술"에 국한되어 있다고 생각했습니다. 그들의 제목은 문학적이지만 문학에서 가져온 Klee의 그림 이름은 그의 그림을 제한하지 않지만 이것은 Sati에서 발생하는 것으로 보이며 그의 작품을 반복해서 들으면 그들은 많은 관심을 잃습니다. 소크라테스의 문제는 운율만 가지고는 싫증이 난다는 것입니다. 누가 이 단조로움을 견딜 수 있겠습니까? 그러나 소크라테스의 죽음에 대한 음악은 나름대로 감동적이고 고귀합니다.
스트라빈스키. 대화
“Six는 자신이 교리에서 자유로웠다고 느꼈고 자신을 미적 반대자로 제시한 사람들에 대한 열렬한 존경심으로 가득 차 있었기 때문에 어떤 그룹도 구성하지 않았습니다. "신성한 봄"은 강력한 나무처럼 싹이 트고 덤불을 뒤로 밀고 갑자기 Stravinsky가 곧 패배를 인정하려고했습니다. 나 자신을 합류우리의 기술 범위에 영향을 미치고 설명할 수 없이 그의 작품에서 Erik Satie의 영향을 느낄 수도 있습니다.
장 콕토, "1953년 식스 기념일 콘서트를 위해"
전쟁이 끝난 후 Stravinsky는 러시아로 돌아 가지 않기로 결정했고 얼마 후 프랑스로 이사했습니다. 1919년 디아길레프의 의뢰를 받은 작곡가는 1년 후 상연된 발레 풀치넬라를 작곡했습니다.
1922년 작곡가의 어머니 Anna Kholodovskaya는 러시아를 떠나 파리에 있는 아들의 집에서 살았습니다. 그녀는 1939년에 세상을 떠났고 Sainte-Genevieve-des-Bois의 묘지에 묻혔습니다. Igor Stravinsky는 "Two Poems by K. Balmont for Voice and Piano"에서 "Forget-me-not Flower"라는 노래를 그녀에게 바쳤습니다.
스트라빈스키는 1940년까지 프랑스에서 살았다. 그의 오페라 Mavra (1922), 댄스 칸타타 (노래가있는 발레) The Wedding (1923)-러시아 시대의 마지막 작품, 시작을 알린 오페라 오라토리오 Oedipus Rex (1927)의 초연이있었습니다. 일반적으로 "신고전주의"라고 불리는 작곡가의 작품에서 새로운 시대의.
1924년 스트라빈스키는 피아니스트로 데뷔했다. 그는 세르게이 쿠세비츠키가 지휘한 피아노와 브라스 밴드를 위한 자신의 협주곡을 연주했다. 스트라빈스키는 1915년부터 지휘자로 활동해 왔습니다. 1926 년은 아카펠라 합창단을위한 "Our Father"라는 신성한 음악에 대한 작곡가의 첫 번째 호소로 표시되었습니다. 1928 년에 "Apollo Musagete"와 "Kiss of the Fairy"라는 새로운 발레가 등장하고 2 년 후 시편의 (라틴어) 텍스트에 "Symphony of Psalms"가 등장합니다.
1930년대 초, 스트라빈스키는 협주곡 장르로 눈을 돌렸습니다. 그는 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡과 두 대의 피아노를 위한 협주곡을 만들었습니다. 1933-1934년 Ida Rubinstein의 의뢰로 André Gide와 함께 Stravinsky는 멜로드라마 Persephone을 썼습니다. 그러다가 마침내 프랑스 시민권(1934년 취득)을 얻기로 결심하고 자서전 <내 인생의 연대기>를 쓴다.
Stravinsky는 나중에 그의 인생에서 가장 불행한 시간으로 파리 시대를 회상했습니다. 1938년 사망 큰딸 Ludmila, 1939 년 그의 아내 (Sainte-Genevieve-des-Bois 공동 묘지에 파리에 묻힘)와 그의 어머니. 1940년 3월 9일, 스트라빈스키는 1922년부터 알고 지냈던 베라 수데이키나와 다시 결혼했습니다.
1936년부터 Stravinsky는 주기적으로 미국을 여행했으며 그 동안 미국과의 창의적인 관계가 강화되었습니다. 1937 년 뉴욕 메트로폴리탄 오페라 하우스에서 발레 "Playing Cards"가 상연되었고 1 년 후 콘서트 "Dumbarton Oaks"가 공연되었습니다. Stravinsky는 Harvard University에서 강의를하도록 초대되었습니다. 전쟁 발발과 관련하여 Stravinsky는 미국으로 이주하기로 결정했습니다. 그는 먼저 샌프란시스코에 정착한 다음 로스앤젤레스에 정착했습니다. 1945년에 그는 미국 시민권을 받았다. 이 기간의 작품 - 신고전주의 시대의 절정이 된 오페라 The Rake 's Progress (1951), 발레 Orpheus (1948), Symphony in C major (1940) 및 Symphony in three parts (1945), 클라리넷을위한 Ebony Concerto 및 재즈 오케스트라(1946).
1944년 1월 보스턴에서 미국 국가가 편곡된 이례적인 공연과 관련하여 지역 경찰은 스트라빈스키를 체포하고 국가를 잘못 부른 것에 대한 처벌이 있다고 경고했습니다. 1940년 4월 15일(!) 경찰서에서 찍은 어떤 사진이 보존되어 있다. 그것에 묘사 된 사람은 Stravinsky처럼 보입니다. 작곡가 자신은 이 이야기를 부인했습니다.
1950년대 초부터 스트라빈스키는 체계적으로 직렬 원리를 사용하기 시작했습니다. 과도기적 구성은 영국 무명의 시인들의 시에 대한 칸타타로, 음악의 총체적 다성음화 경향을 나타냈다. 첫 번째 연속 구성은 Septet(1953)입니다. 스트라빈스키가 조성을 완전히 포기한 연속 구성은 Threni(선지자 예레미야의 애가, 1958)이다. 연작 원리가 절대적인 작품으로는 피아노와 관현악을 위한 악장(1959)과 관현악을 위한 올더스 헉슬리 변주곡이 있다.
스트라빈스키 연재 기간의 절정은 콘트랄토와 베이스 솔로, 합창, 오케스트라(1966)를 위한 레퀴엠 칸티클("죽은 자를 위한 노래", 레퀴엠)으로 간주됩니다.
"..."Chants for the Dead"가 내 모든 창작 그림을 완성했습니다...", "...내 나이의 레퀴엠은 살아있는 사람들에게 너무 감동적입니다...", "...나는 걸작을 작곡하고 있습니다. 나의 말년" - 스트라빈스키.
수십 년 동안 Stravinsky는 유럽과 미국에서 지휘자(대부분 자신의 작곡)로 광범위하게 순회 공연을 했습니다. 스트라빈스키는 자신이 규정한 연주의 뉘앙스(템포, 강약, 악센트 등)를 극도로 엄격하게 관찰하는 것으로 구별되어 오디오 녹음에 큰 중요성을 부여했습니다. 1950년대와 1960년대 초반 레이블의 저자 지시에 따라 컬럼비아 레코드그의 저서 대부분이 기록되었습니다. 오늘날까지 지휘자로서 스트라빈스키에 대한 저자의 오디오 녹음은 그의 음악에 대한 모든 새로운 연주 해석의 중요한 기준점 역할을 합니다.
1962 년 가을, 오랜 휴식 후 처음으로 그는 소련을 여행하고 모스크바와 레닌 그라드에서 작곡을 지휘했습니다. 그의 마지막 완성 작품은 Hugo Wolf(1968)의 두 성가를 챔버 오케스트라를 위해 편곡한 것입니다. J.S. 바흐(1968-1970)의 평균율 클라비에곡 중 4개의 전주곡과 푸가로 구성된 오케스트레이션은 미완성 상태로 남아 있으며 피아노를 위한 특정 작곡의 스케치도 보존되어 있습니다.
Stravinsky는 1971년 4월 6일 심부전으로 사망했습니다. 그는 Sergei Diaghilev의 무덤에서 멀지 않은 소위 "러시아인"부분에있는 베니스 (이탈리아)의 San Michele 공동 묘지에 묻혔습니다. 1982년 Stravinsky의 무덤 옆에 그의 아내 Vera Arturovna가 묻혔습니다.
창조
Stravinsky의 창의적인 경력은 일반적으로 세 기간으로 나뉩니다.
러시아 시대(1908-1923)
스트라빈스키의 음악 경력의 첫 번째 단계 이 경우중요한 중요성)은 오케스트라 판타지 "불꽃 놀이"의 저술에서 계산되며 S. Diaghilev 극단을 위해 그가 만든 세 개의 발레 ( "The Firebird", "Petrushka"및 "The Rite of Spring")를 포함합니다. 이 작품들은 여러 가지 유사한 특징이 특징입니다. 모두 초대형 오케스트라를 위해 설계되었으며 러시아 민속 테마와 모티프를 적극적으로 사용합니다. 그들은 또한 개발을 명확하게 보여줍니다 문체 기능- "Firebird"에서 Rimsky-Korsakov 작업의 특정 경향을 표현하고 강조하며, "Petrushka"의 다조성 특성을 통해 뚜렷한 자유 온음계 자음(특히 3막)을 기반으로 의도적으로 폴리리듬의 무례한 표현에 이르기까지 The Rite of Spring에서 눈에 띄는 불협화음.
후자의 작품과 관련하여 일부 저자(특히 Neil Wenborn)는 일종의 "지옥 같은" 분위기를 조성하려는 Stravinsky의 의도를 언급합니다. 이러한 관점에서 1913 년 The Rite of Spring의 첫 번째 공연은 매우 성공적인 것으로 간주 될 수 있습니다. 초연은 Stravinsky 자신이 그의 전기에서 "스캔들"(프랑스 스캔들)로 묘사 할 정도로 매우 격렬했습니다. 일부 목격자들은 홀 곳곳에서 접전이 벌어졌고 경찰이 입회한 가운데 2막을 진행해야 했다고 주장했다. 그러나 연구원들은 다양한 버전의 이벤트 프레젠테이션에서 모순에 주의를 기울입니다.
위에 열거한 작품들 외에도 오페라 <나이팅게일>(1916)과 뮤지컬 극장- "병사 이야기"(1918), "여우, 수탉, 고양이, 양 이야기"(1916), "결혼"(1923) 자막) 고유한 저자의 장르 지정.
"신고전주의" 시대(1920-1954)
작곡가로서의 스트라빈스키 발전의 다음 단계의 시작점은 그의 작품에서 소위 "신고전주의" 시대의 시작을 알린 오페라 마브라(1921-1922)입니다. 재고 음악 스타일 18세기의 경향은 오페라 Oedipus Rex(1927, 라틴어 텍스트), 발레 Apollo Musaget(1928), Dumbarton Oaks의 실내 오케스트라를 위한 E-플랫 장조 협주곡(1937-1938) 창작의 기초가 되었습니다. . 3개의 교향곡도 이 시기에 속한다: 시편 교향곡(1930, "신고전주의"가 전혀 없음), C 장조 교향곡(1940), 교향곡 3악장(1945).
고대, 특히 고대 그리스 신화와 관련된 주제에 대한 연구는 Stravinsky가 특히 멜로 드라마 Persephone (1933)과 발레 Orpheus (1947)에서 나타난 고전주의 스타일로 돌아가도록 영감을주었습니다. 1951년에 작곡가는 신고전주의 시대의 마지막 작품인 오페라 The Rake's Progress를 만들었습니다. William Hogarth의 스케치를 기반으로 한 대본은 Wystan Auden이 작성했습니다. 초연 공연은 같은 해 베니스에서 열렸습니다. 그 후 오페라는 유럽과 미국에서 상연되었습니다 (Metropolitan Opera, 1953). 나중에 1962년에 이 작품은 스트라빈스키의 80번째 생일을 기념하기 위해 조직된 축제의 일부로 발표되었습니다. 1997년 오페라는 메트로폴리탄 오페라(뉴욕)의 무대로 돌아왔다.
후기(1953-1968)
1950년대에 작곡가는 자신의 작곡에 일련의 기술을 사용하기 시작했습니다. 동시에 Novovenets(Schoenberg, Webern 및 Berg)와 달리 처음에 그는 시리즈를 매우 자유롭게 다루었고 짧은 시리즈(12개의 톤을 모두 사용하지 않음)를 썼으며 톤의 반복을 허용하고 다른 피치의 사운드를 " pseudo-triads”는 시리즈를 전체 구성으로 확장하지 않고 연속 기법으로 부분을 분리했습니다.
일련의 기술에 대한 첫 번째 실험은 1952-1953년 "Cantata", "Septet" 및 "Three Songs from William Shakespeare"의 작은 작곡에서 추적할 수 있습니다. 1955년에 만들어진 Canticum sacrum에서 다섯 부분 중 하나( 서지 아퀼로)는 완전히 12음파입니다. 그 후 작곡가는 "Agon"(1957), "예언자 예레미야의 애가"(1958), "설교, 비유 및기도"(1961, 마지막 두 개는 성경 텍스트와 주제를 기반으로 함)에서 연속 기법을 사용했습니다. , 뿐만 아니라 창세기에서 발췌한 내용과 중세 영어 미스터리를 합성한 미스터리 "홍수"(1962); 대홍수는 또한 가톨릭 찬송가 테 데움의 가사를 사용합니다.
스타일
수배, 수배
평생 동안 Stravinsky는 자신과 다른 사람들의 작곡 (작가 작곡, 정통 음악, 민요)을 지속적으로 재 작업했습니다. 대부분의 경우 Stravinsky의 각색은 다른(원본과 비교하여) 악기 또는 악기 세트에 대한 자신의 초기 작업을 편곡한 것입니다(예를 들어, 음성 및 피아노를 위해 작성된 러시아 시대의 많은 성악 작품은 나중에 음성을 위해 편곡됨). 악기 앙상블). 어떤 경우에는 처리 과정에 원래 음악의 재작업(축소, 변형, 덜 자주 확장, 조화 업데이트)이 수반되었으며, 이러한 경우 "에디션"(피아노 탱고의 두 가지 버전 - 바이올린용 및 피아노, 바이올린 및 기악 앙상블). 예를 들어 작곡가가 두 번 이상 돌아온 발레 "Petrushka"의 음악이 있습니다. 이 작품은 1911년에 완성되었으며(소위 "초판" 또는 "원판") 이후 다양한 수정을 거쳤습니다. 및 피아노), 1947년(발레 2판, 재편성), 1947년(발레 모음곡 심포니 오케스트라), 1965년(발레 제3판). Stravinsky의 일부 배열은 역설적입니다. 따라서 1949년에 작곡가는 작은 합창 작곡인 Our Father(1926), The Symbol of Faith(1932), The Virgin Mary, Rejoice(1932)에서 정경 정교회 텍스트(Church Slavonic)를 가톨릭 정경 텍스트(in 라틴어; 각각 Pater noster, Credo 및 Ave Maria), 음악의 약간의 변경(완전히 러시아 스타일) 없이.
다른 작곡가의 작품과 민속 음악 Stravinsky는 "단순한" 악기 연주(Hugo Wolf의 영적 노래, Carlo Gesualdo의 madrigals, 러시아 민요 "Dubinushka")에서 본격적인 작가의 재고("Pulcinella"에서 G.B. Pergolesi의 음악으로)에 이르기까지 매우 유연한 동일한 경계 내에서 작업했습니다. .
순위
- 스웨덴 왕립 음악 아카데미 회원(1951)
작곡
문학 작품
- (와 함께
- (P.P. Suvchinsky와 공저) Musical Poetics (French Poétique musicale. Cambridge, MA, 1942; Poetics of Music, 1947이라는 제목의 영어 번역; 러시아어 번역: Moscow, 2004).
- (R. Kraft의 문학적 처리) Dialogues (eng. Dialogues and a Diary. New York, 1968; 러시아어 번역: Leningrad, 1971).
- 연대기. 시학 // 편집, 주석, 번역, 색인, S.I. 사벤코. M.: 로스펜, 2004. 368쪽.
가족
- 형제 - 로마 (1874 - 1897년 5월).
- 형제 - 유리 (1878 - 1941년 5월), 건축가.
- 형제 - Gury (1884 년 8 월 12 일 (7 월 30 일) - 1917 년 4 월),베이스 바리톤 인 Mariinsky Theatre의 예술가는 1 차 세계 대전 남부 전선의 Iasi에서 티푸스와 복막염으로 사망하여 아버지의 무덤에 묻혔습니다. .
- I. F. Stravinsky Lyudmila(1908-1938)의 딸은 시인 Yuri Mandelstam과 결혼했습니다. 고아를 떠난 딸 Ekaterina (Kitty) Mandelstam (1937-2002)은 삼촌 Fyodor Igorevich Stravinsky (1907-1989)의 가족에서 자랐습니다.
상트페테르부르크 주소
- 1882년 6월 5일 - 1908 - M. F. Nemkova의 집 - Kryukov Canal Embankment, 6 (현재 8), apt. 66.
메모리
그의 명예를 위해 발행된 동전 우표; 수성의 분화구가 명명되었습니다. 로잔에는 그의 이름을 딴 골목이 있고, 암스테르담에는 거리(Strawinskylaan)가 있습니다. 그의 이름을 딴 음악 학교오라니엔바움과 음악 관객프랑스 파리의 조르주 퐁피두 센터 앞 동명의 광장에도 스트라빈스키 분수가 있다.
› 이고르 스트라빈스키
