Sergei Prokofiev 지휘자이자 작곡가가 태어난 곳. Sergei Prokofiev : 전기, 흥미로운 사실, 독창성

위대한 작곡가, 혁신가, 뮤지컬 극장의 거장, 새로운 음악 언어의 창시자, 오래된 대포의 파괴자로 러시아 음악의 역사에 남을 Sergei Sergeevich Prokofiev (1891-1953)는 항상 진정한 러시아 예술가로 남아 있습니다.
M. Tarakanov는 이것이 가장 중요한 것이라고 지적합니다. 역사적 의미이 방향으로 작업을 계속한 Prokofiev와; 그의

"당신은 당연히 러시아 음악의 태양이라고 불릴 수 있습니다."

동시에 A. Borodin의 길을 계속 따르고 어떤 의미에서 그는 깊은 아이디어와 밝은 낙관주의로 가득 찬 맹공격, 역 동성, 에너지를 음악에 가져옵니다.

프로코피예프 뮤지컬 극장

이 방향에서 작곡가 작업의 지속적인 창작 과정은 세 가지 주요 라인과 관련된 뮤지컬 무대 드라마의 발전 때문입니다 (L. Danko 하이라이트).

• 코미디 스케르초, 민속 박람회 공연의 전통과의 연결, 동화 패러디 공연 (예 : 발레 "Jester", 오페라 "Love for Three Oranges");
• 갈등 극적, 오페라 "The Gambler"에서 시작하여 오페라 "전쟁과 평화"까지;
• 서정 코미디(오페라 The Duenna, 발레 신데렐라).

민요와 연결된 네 번째 줄은 작곡가의 생애 말년에 형성되었습니다 (오페라 "진짜 남자의 이야기", 발레 "The Tale of 돌꽃».

S.S. 프로코피예프의 오페라

오페라 플롯의 주제는 러시아 및 유럽 고전 문학의 샘플을 다룹니다. 중세 시대부터 소련 시대까지의 시간 범위. 완료된 것 외에도 많은 오페라 계획이 실현되지 않았습니다. 일부는 N. Lobachevskaya가 예로 인용합니다.

• 오페라의 짧은 개요 형태로 존재하는 "단순한 이야기"(B. Lavreniev의 이야기를 기반으로 함);
• 줄거리의 긴 프레젠테이션 인 "Spender"(N. Leskov의 연극을 기반으로 함);
• "Taimyr가 당신을 부릅니다"(A. Galich와 K. Isaev의 연극을 기반으로 함)-여기에서 별도의 캐릭터와 장면이 개발됩니다.
• 오페라 "Khan Buzai"와 "Distant Seas"의 아이디어 (첫 번째 사진은 보존됨).

완결된 오페라 중:

• Gliere와의 작곡가 연구 결과 탄생한 "전염병 시대의 향연";
• Maddalena (1911, 2nd edition 1913)는 단막 서정극 오페라입니다.
• The Gambler (1916, 2nd ed. 1927), 일종의 갈등 극작술이 탄생했습니다.
• Dell Arte 전통에서 비롯된 The Love for Three Oranges(1919);
• "불 같은 천사"(1919-1927/1928, 이후 동명의 소설 V. Bryusov), 실내 가사-심리 오페라와 사회적 비극의 특징을 결합합니다.
• 기능을 결합한 "Semyon Kotko"(1939) 사랑 드라마, 코미디, 사회적 비극;
• Duenna (또는 Betrothal in a Monastery, 1946)는 서정적 코미디와 사회 풍자의 장르를 종합합니다.
• "전쟁과 평화"(1941-1952)-L. Tolstoy의 소설을 기반으로 한 오페라 딜로지;
• "The Tale of a Real Man"(1948, 2판 1960) - 소련 예술의 가장 중요한 문제 중 하나에 전념: 국민성위대한 동안 애국 전쟁.

그의 작품의 음악 텍스트에서 Prokofiev는 음악적 표현 수단의 합리적 사용을 지지합니다. 극작가로서 업데이트 오페라 장르요소를 도입하여 드라마 극장그리고 영화. 따라서 M. Druskin은 Prokofiev의 몽타주 극작술의 세부 사항을 다음과 같이 설명했습니다. , "유입", " 확대". Prokofiev의 오페라는 이미지와 무대 상황의 다양성, 현실 반영의 극성으로도 구별됩니다.

프로코피예프의 발레

20세기의 특징. 발기를 교향곡화하는 경향 발레 장르선도적 인 순위 일뿐만 아니라 그를 오페라의 심각한 경쟁자로 만듭니다. 여러 면에서 이 경향은 거의 모든 프로코피예프의 초기 발레를 의뢰한 S. 디아길레프의 이름과 관련이 있습니다.

• 작곡가는 발레가 안무 공연에서 뮤지컬 극장으로 바뀌는 정점에 도달함으로써 시작된 발레 개혁을 계속하고 완성합니다.
• 소비에트 발레 극장의 세 가지 주요 라인 (영웅-역사적, 고전적, 풍자적) 중에서 Prokofiev 발레의 기본으로 밝혀진 것은 서정적 심리적 성격을 가진 고전입니다.
• , 개발 된 leitmotif 시스템 인 오케스트라의 중요한 역할.

• 스키타이 이야기를 바탕으로 한 "Ala and Lolly"(1914). 그의 음악은 "스키타이 모음곡"으로도 알려져 있습니다. 대담하고 날카 롭고 대담한 "The Jester"또는 "농담을 바꾼 일곱 광대의 광대 이야기"(1915-1920), 파리에서 상연되었습니다.
• 20-30년대 발레: ("Trapezoid", 1924; "Steel lope", 1925; " 탕자", 1928; "On the Dnieper", 1930, S. Diaghilev를 기념하여).
• 3편의 발레는 고국으로 돌아와서 만든 걸작이다(로미오와 줄리엣, 1935; 신데렐라, 1940~1944, 돌꽃이야기, 1948~1950).

프로코피예프의 기악적 창의성

심포니

• No. 1 (1916 - 1917) 작곡가가 베토벤 이전 시대의 충돌없는 유형의 교향곡 (하이든의 교향곡 유형)으로 전환하는 "클래식";
• Nos. 2-4 (1924, 1928, 1930) - 외국 시대의 교향곡. Asafiev는 Symphony No. 2를 "철과 강철로 만든"교향곡이라고 불렀습니다. Symphonies No. 3 및 No. 4 - 오페라 "Fiery Angel"과 발레 "Prodigal Son"을 기반으로 함;
• #5-7(1944, 1945-47, 1951-1952) - 작성 후기. 영웅 서사시 교향곡 5번은 전시 정신을 반영했습니다. 작곡가가 사망하기 1년도 채 안 되어 완성된 교향곡 7번은 그럼에도 불구하고 낙천주의와 삶의 기쁨으로 가득 차 있습니다.
• S. Slonimsky는 또한 첼로 비몰(1950-1952)을 위한 심포니-콘서트 교향곡을 언급합니다.

프로코피예프의 피아노 작품

"유리 같은" 색상, "Prokofiev 자신의 비 유산 피아니즘에 정확히 일치"(L. Gakkel).

반면 Kuchkist 작곡가는 서양 음악 문화의 대표자입니다. 따라서 창의성의 경쾌한 음색, 음악의 조화, 조화로운 발전 방법 (오르간 포인트, 병렬 처리 등), 리드미컬 한 선명도, 음악적 사고 표현의 간결함은 그를 Grieg와 관련되게 만듭니다. 조화 분야의 독창성 - Reger와 함께; 타란텔라 리듬의 은총 - Saint-Saens와 함께 (노트 L. Gakkel).

Prokofiev에게는 음악적 아이디어의 명확성, 구현의 최대 단순성 및 완화가 중요합니다. 따라서 - 테마가 종종 상위 음역에 있고 동적 긴장이 증가함에 따라 사운드의 "투명성"에 대한 요구(초기 작품의 전형) 들리는 목소리(음향에 과부하가 걸리지 않도록). 일반적으로 개발의 일반적인 논리는 멜로디 라인의 움직임에 의해 결정됩니다.

프로코피예프의 피아노 유산에는 9개의 소나타(10번은 미완성 상태로 남아 있음), 3개의 소나티나, 5개의 협주곡(4번 - 왼손용), 많은 작품, 피아노 사이클( "풍자", "일시적", "늙은 할머니의 이야기"등), 약 50 편의 필사본 (대부분 자신의 작곡).

칸타타 오라토리오 작품

Prokofiev는 6개의 칸타타를 만들었습니다.

"그들 중 일곱"(1917-18), "10월 20주년 칸타타"(1936-37), "건배"(1939), "알렉산더 네프스키"(1938-39), "알려지지 않은 소년에 대한 발라드"(1942-43), "번성하다" , 마이티 랜드 " 1947, 오라토리오 "On Guard of the World" 1950.

역사적인 칸타타 장르에 대한 새로운 접근 방식의 첫 번째 예 중 하나는 Balmont의 "Calls of Antiquity"의 텍스트에 쓰여진 Prokofiev의 1 악장 칸타타 "Seven of them"입니다. -생명을 방해하는 신들. 칸타타에서 스키타이적 경향은 구성주의적 경향과 얽혀 있으며, 이는 스키타이 모음곡과 교향곡 2번의 특징이기도 합니다. 합창 작문의 경쾌한 기술이 예상됩니다. 주요 표현 수단은 한편으로는 고대 주문에 가까운 오스티나토 기술입니다. 다른 한편으로, 현대의 음악에서 오는 것입니다.

"10 월 20 주년 칸타타"는 작곡가가 고국으로 돌아온다는 인상과 소련 러시아의 획기적인 사건을 포착하려는 열망에서 탄생했습니다. 그것의 이데올로기적 본질: 위대한 10월 사회주의 혁명, 승리, 국가의 산업화, 헌법. 텍스트 측면에서 마르크스, 스탈린, 레닌의 작품 일부가 포함되어 있습니다. 이 주제를 음악으로 번역한다는 아이디어가 신성 모독으로 간주되어 예술위원회에서 작품을 거부했습니다. 초연은 1966년에야 이뤄졌다.

널리 알려진 역사적인 (영웅 애국적인) 작품 "Alexander Nevsky"는 같은 이름의 영화 (작곡가와 V. Lugovsky의 텍스트)의 음악 자료를 기반으로 한 Prokofiev의 기념비적 창작물입니다. 칸타타의 7 부분 ( "몽골 멍에 아래의 Rus", "Alexander Nevsky의 노래", "프 스코프의 십자군", "일어나라, 러시아인", " 얼음 전투”, "Dead Field", "Alexander의 Pskov 진입"), 서사적 구성의 극적인 원칙과 영화 몽타주 사이에는 긴밀한 상호 작용이 있습니다.

1. 서사시 - 사람들을 메인으로 강조 배우, 그에 대한 노래가 특징 인 Alexander Nevsky의 이미지에 대한 일반화 된 해석;
2. 몽타주 원리는 얼음 전투 장면에서 새로운 음악적 소재, 시각적 범위의 역학으로 인해. 동시에 그것은 형식 수준에서 작동합니다-독립적 섹션의 시퀀스에서 때로는 내부 구조가 형성되는 반면 때로는 개발이 일반적인 형식의 논리를 따르지 않습니다.

S. Prokofiev 스타일 진화의 일반적인 역학은 운동 기술 및 scherzoism과 비교하여 점차적으로 멜로디에 대한 성향이 증가하는 것으로 표시됩니다. 선행 가치그러나 창의성 초기에는 항상 작곡가 작품의 진화와 관련이 없었지만 그가 거주하는 국가와시기에 의해 결정되었습니다.

다른 혁신가들(C. Debussy, B. Bartok)과 함께 그는 그의 작업에서 20세기 음악을 발전시키는 새로운 방법을 결정했습니다.

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밝은 노란색 부츠를 신고 붉은 주황색 넥타이가 달린 체크 무늬의 남자 현상은 그 자체로 도전적인 힘을 가지고 있습니다. 이것이 위대한 러시아 피아니스트가 Prokofiev를 묘사 한 방법입니다. 이 설명은 작곡가의 성격과 그의 음악 모두에 가장 적합한 방식으로 적합합니다. 프로코피예프의 작품은 우리 뮤지컬의 보물창고이자 국가 문화, 그러나 작곡가의 삶은 그다지 흥미롭지 않습니다. 혁명 초기에 서방으로 떠나 15년 동안 그곳에서 살았던 작곡가는 그에게 깊은 개인적인 비극으로 판명된 몇 안 되는 "귀국자" 중 한 명이 되었습니다.

Sergei Prokofiev의 작업을 요약하는 것은 불가능합니다. 그는 작은 피아노 곡에서 영화 음악에 이르기까지 완전히 다른 장르에서 작업하면서 엄청난 양의 음악을 썼습니다. 지칠 줄 모르는 에너지는 끊임없이 그를 다양한 실험으로 몰아 넣었고 스탈린을 찬양하는 칸타타조차도 절대적으로 화려한 음악에 놀랐습니다. 그가 민속 오케스트라와 함께 바순을 위한 협주곡을 작곡하지 않는 한, 이 위대한 러시아 작곡가의 작품은 이 기사에서 논의될 것입니다.

어린 시절과 음악의 첫 걸음

Sergei Prokofiev는 1891년 Yekaterinoslav 지방의 Sontsovka 마을에서 태어났습니다. 어린 시절부터 그의 특징 중 두 가지가 결정되었습니다. 극도로 독립적 인 성격과 저항 할 수없는 음악에 대한 갈망입니다. 5 살 때 그는 이미 피아노를위한 작은 곡을 작곡하기 시작했고 11 살 때 집에서 상연 할 실제 어린이 오페라 "The Giant"를 씁니다. 극장의 밤. 동시에 그 당시 아직 알려지지 않은 젊은 작곡가 인 Reinhold Gliere는 소년에게 작곡 기술과 피아노 연주의 기본 기술을 가르치기 위해 Sontsovka로 퇴원했습니다. Gliere는 그의 엄격한 지도하에 Prokofiev가 그의 새로운 작곡으로 여러 폴더를 채웠을 때 훌륭한 교사로 밝혀졌습니다. 1903년 그는 이 모든 재산을 가지고 상트페테르부르크 음악원에 입학했습니다. Rimsky-Korsakov는 그러한 부지런함에 깊은 인상을 받았고 즉시 그를 그의 수업에 등록했습니다.

상트페테르부르크 음악원에서 수년간 공부

음악원에서 Prokofiev는 Rimsky-Korsakov 및 Lyadov와 작곡과 하모니를, Esipova와 피아노 연주를 공부했습니다. 활기차고 호기심이 많으며 날카 롭고 혀에 가성이있는 그는 많은 친구뿐만 아니라 악의를 품은 사람들도 얻습니다. 이때 그는 유명한 일기를 쓰기 시작하며 소련으로 이주해야만 끝낼 것이며 거의 매일 그의 삶을 자세히 기록합니다. Prokofiev는 모든 것에 관심이 있었지만 체스가 그를 가장 많이 차지했습니다. 그는 토너먼트에서 몇 시간 동안 유휴 상태로 서서 마스터의 게임을 볼 수 있었고 자신이이 분야에서 상당한 성공을 거두었으며 매우 자랑스러워했습니다.

프로코피예프의 피아노 작품은 이 시기에 소나타 1번과 2번, 그리고 피아노와 관현악을 위한 협주곡 1번으로 보충되었습니다. 작곡가의 스타일은 즉시 결정되었습니다. 신선하고 완전히 새롭고 대담하고 대담합니다. 그에게는 전임자도 추종자도 없는 것 같았다. 물론 이것은 전적으로 사실이 아닙니다. Prokofiev 작품의 주제는 러시아 음악의 짧지만 매우 유익한 발전에서 나왔으며 논리적으로 Mussorgsky, Dargomyzhsky 및 Borodin이 시작한 경로를 계속합니다. 그러나 Sergei Sergeyevich의 활기찬 마음에 굴절되어 완전히 독창적 인 음악 언어가 생겼습니다.

러시아의 정수, 심지어 스키타이 정신을 흡수한 Prokofiev의 작업은 청취자에게 찬물 샤워처럼 작용하여 격렬한 기쁨이나 분개 한 거부를 불러 일으켰습니다. 그는 말 그대로 침입했다 음악 세계- 피아니스트 겸 작곡가로 상트페테르부르크 음악원을 졸업했으며, 기말고사에서 피아노 협주곡 1번을 연주했다. Rimsky-Korsakov, Lyadov 등이 대표하는위원회는 도전적이고 불협화음과 눈에 띄고 활기차고 심지어 야만적 인 연주 방식에 겁을 먹었습니다. 그러나 그들은 그들 앞에 음악의 강력한 현상이 있다는 것을 이해하지 못할 수 없었습니다. 높은 커미션 점수는 5 더하기 3이었습니다.

유럽 ​​첫 방문

음악원의 성공적인 완공에 대한 보상으로 Sergei는 아버지로부터 런던 여행을받습니다. 여기에서 그는 젊은 작곡가의 놀라운 재능을 즉시 인식 한 Diaghilev와 친해졌습니다. 그는 Prokofiev가 로마와 나폴리에서 투어를 준비하는 것을 돕고 발레를 쓰라는 명령을 내립니다. 이것이 "Ala and Lolly"가 등장한 방식입니다. Diaghilev는 "진부함"때문에 음모를 거부하고 다음에 러시아 주제에 대해 글을 쓰도록 조언했습니다. Prokofiev는 발레 The Tale of the Jester Who Outwitted Seven Jesters 작업을 시작했으며 동시에 오페라 쓰기에 손을 대기 시작했습니다. 줄거리의 캔버스는 어린 시절부터 작곡가에게 사랑받은 Dostoevsky의 소설 "The Gambler"였습니다.

Prokofiev는 자신이 가장 좋아하는 악기도 무시하지 않습니다. 1915년, 그는 이전에 아무도 "작곡가-축구 선수"라고 의심하지 않았던 서정적 재능을 발견하면서 피아노 곡 "Fleeting"의 사이클을 쓰기 시작합니다. Prokofiev의 가사는 특별한 주제입니다. 믿을 수 없을 정도로 감동적이고 부드러우며 투명하고 미세하게 조정된 질감으로 옷을 입고 있으며 무엇보다 단순함으로 정복합니다. Prokofiev의 작업은 그가 단지 전통의 파괴자가 아니라 훌륭한 선율 연주자임을 보여주었습니다.

Sergei Prokofiev의 삶의 외국 기간

사실 프로코피예프는 이민자가 아니었다. 1918년에 그는 당시 교육 인민위원이었던 Lunacharsky에게 해외 여행 허가를 요청했습니다. 그는 문화교류와 건강증진을 목적으로 하는 외국여권과 유효기간이 없는 첨부서류를 받았다. 작곡가의 어머니는 오랫동안 러시아에 남아 있었기 때문에 Sergei Sergeevich는 그녀를 유럽으로 부를 수있을 때까지 많은 불안을 느꼈습니다.

먼저 Prokofiev는 미국으로갑니다. 문자 그대로 몇 달 후, 또 다른 위대한 러시아 피아니스트이자 작곡가인 Sergei Rachmaninov가 그곳에 도착합니다. 그와의 경쟁은 처음에 Prokofiev의 주요 임무였습니다. Rachmaninoff는 즉시 미국에서 매우 유명해졌으며 Prokofiev는 그의 모든 성공을 열렬히 기록했습니다. 선배 동료에 대한 그의 태도는 매우 복잡했습니다. 이 시간 작곡가의 일기에서 Sergei Vasilievich의 이름이 자주 발견됩니다. 그의 놀라운 피아니즘에 주목하고 그의 음악적 자질을 높이 평가한 Prokofiev는 Rachmaninoff가 불필요하게 대중의 취향에 탐닉하고 있다고 믿었고 자신의 음악을 거의 쓰지 않았습니다. 세르게이 바실리예비치는 러시아 밖에서 살아온 20년이 넘도록 글을 거의 쓰지 않았습니다. 이민 후 처음으로 그는 극심한 향수에 시달리며 깊고 오래 지속되는 우울증에 빠졌습니다. 반면에 Sergei Prokofiev의 작업은 고국과의 연결 부족으로 인해 전혀 고통받지 않는 것 같습니다. 그것은 그대로 훌륭했습니다.

프로코피예프의 미국과 유럽에서의 삶과 작품

유럽 ​​여행에서 Prokofiev는 Diaghilev를 다시 만나 The Jester의 음악을 재 작업하도록 요청합니다. 이 발레의 상연으로 작곡가는 해외에서 첫 번째 놀라운 성공을 거두었습니다. 그 뒤를 이어 유명한 오페라 "세 개의 오렌지에 대한 사랑"이 이어졌는데, 이 행진곡은 라흐마니노프의 샤프 단조 전주곡과 같은 앙코르 작품이 되었습니다. 이번에 Prokofiev는 미국에 순종했습니다. 시카고에서 오페라 "The Love for Three Oranges"의 초연이 열렸습니다. 이 두 작품은 공통점이 많다. 유머러스하고 때로는 풍자적입니다. 예를 들어 Prokofiev가 한숨을 쉬는 낭만 주의자들을 약하고 병약 한 캐릭터로 아이러니하게 묘사 한 "Love"에서 그들은 전형적인 Prokofievian 에너지로 튀었습니다.

1923년 작곡가는 파리에 정착했다. 여기서 그는 매력적인 젊은 가수 Lina Kodina를 만납니다. 예명 Lina Lubera), 나중에 그의 아내가 될 것입니다. 교육을 받고 세련되고 놀라운 스페인의 아름다움이 즉시 다른 사람들의 관심을 끌었습니다. Sergei와의 관계는 그리 순탄하지 않았습니다. 오랫동안 그는 예술가가 어떤 의무도 없어야한다고 믿으며 그들의 관계를 합법화하고 싶지 않았습니다. 그들은 Lina가 임신했을 때만 결혼했습니다. 그것은 절대적으로 훌륭한 커플이었습니다. Lina는 성격의 독립성이나 야망에서 Prokofiev보다 결코 열등하지 않았습니다. 그들 사이에는 종종 다툼이 있었고 부드러운 화해가 이어졌습니다. Lina의 헌신과 감정의 성실함은 그녀를 위해 Sergei를 따라 외국으로 갔을뿐만 아니라 소련 징벌 제도의 잔을 바닥까지 마신 후 끝까지 작곡가에게 충실했다는 사실로 입증됩니다. 그의 아내를 유지하고 그의 유산을 돌보고 있습니다.

당시 Sergei Prokofiev의 작업은 낭만적 인 측면에 대한 눈에 띄는 편견을 경험했습니다. 그의 펜 아래에서 Bryusov의 단편 소설을 기반으로 한 오페라 "Fiery Angel"이 나타났습니다. 우울한 중세의 풍미는 어두운 Wagnerian 하모니의 도움으로 음악으로 전달됩니다. 작곡가에게는 새로운 경험이었고, 그는 이 작품에 열정적으로 임했다. 언제나처럼 그는 완벽하게 성공했습니다. 주제별 자료오페라는 나중에 가장 솔직한 것 중 하나인 교향곡 3번에서 사용되었습니다. 낭만적인 작품, 작곡가 Prokofiev의 작업에는 그다지 많지 않습니다.

외국 항공

작곡가가 소련으로 돌아온 데에는 몇 가지 이유가 있습니다. Sergei Prokofiev의 삶과 작품은 러시아에 뿌리를 두고 있습니다. 약 10년 동안 해외에서 생활한 후 그는 외국 땅의 공기가 자신의 상태에 부정적인 영향을 미치기 시작했습니다. 그는 러시아에 남아있는 그의 친구 작곡가 N. Ya. Myaskovsky와 지속적으로 연락하여 고국의 상황을 알아 냈습니다. 물론 소비에트 정부는 프로코피예프를 되찾기 위해 모든 것을 다했습니다. 이것은 국가의 명성을 강화하는 데 필요했습니다. 문화 노동자들이 정기적으로 그에게 파견되어 고국에서 밝은 미래가 그를 기다리고 있는 것을 색으로 묘사했습니다.

1927년 프로코피예프는 처음으로 소련을 방문했습니다. 그들은 그를 열광적으로 받아들였습니다. 유럽에서는 그의 저술의 성공에도 불구하고 제대로 된 이해와 공감을 얻지 못했다. Rachmaninoff 및 Stravinsky와의 경쟁은 항상 Prokofiev에 유리하게 결정되지 않았으며 이는 그의 자존심을 상하게했습니다. 러시아에서 그는 그토록 부족한 것을 찾고 싶었습니다. 진정한 이해그의 음악. 1927년과 1929년의 여행에서 작곡가에게 받은 따뜻한 환대는 그로 하여금 최종 귀환에 대해 진지하게 생각하게 만들었다. 또한 편지로 러시아에서 온 친구들은 그가 소련 국가에 사는 것이 얼마나 멋진 지 흥분하게 말했습니다. Prokofiev에게 돌아오지 말라고 경고하는 것을 두려워하지 않은 유일한 사람은 Myaskovsky였습니다. 20 세기 30 년대의 분위기는 이미 머리 위로 두꺼워지기 시작했고 작곡가가 실제로 기대할 수있는 것을 완벽하게 이해했습니다. 그러나 1934년에 프로코피예프는 연방에 복귀하기로 최종 결정을 내렸습니다.

귀가

Prokofiev는 공산주의 사상을 진심으로 받아 들였고 무엇보다도 새롭고 자유로운 사회를 건설하려는 열망을 보았습니다. 그는 국가 이데올로기가 부지런히 지원하는 평등과 반 부르주아 정신에 깊은 인상을 받았습니다. 공정하게 말하면 많은 사람들이 소련 사람들이러한 생각도 매우 진지하게 공유했습니다. 프로코피예프가 지난 몇 년 동안 정확히 보관했던 일기가 러시아에 도착한 직후에 끝난다는 사실은 프로코피예프가 소련 보안 기관의 능력을 정말로 몰랐는지 궁금해합니다. 겉으로는 그는 모든 것을 완벽하게 이해했지만 소련 당국에 개방적이고 그녀에게 충성했습니다.

그럼에도 불구하고 자연의 공기는 Prokofiev의 작업에 매우 유익한 영향을 미쳤습니다. 작곡가 자신에 따르면 그는 가능한 한 빨리 소련 주제 작업에 참여하려고했습니다. 감독을 만난 그는 영화 "Alexander Nevsky"의 음악 작업을 열정적으로 시작합니다. 소재가 너무 자급자족해서 지금은 칸타타 형식으로 콘서트에서 공연되고 있다. 애국의 열정으로 가득 찬 이 작품에서 작곡가는 민족에 대한 사랑과 자부심을 표현했습니다.

1935년 프로코피예프는 그의 최고의 작품 중 하나인 발레 로미오와 줄리엣을 완성했습니다. 그러나 청중은 곧 그를 보지 못했습니다. 검열은 셰익스피어의 원작과 맞지 않는 해피엔딩 때문에 발레를 거부했고, 무용수와 안무가들은 음악이 춤에 적합하지 않다고 불평했다. 새로운 플라스틱, 이 발레의 음악적 언어가 요구하는 동작의 심리학화는 즉시 이해되지 않았습니다. 첫 번째 공연은 1938 년 체코 슬로바키아에서 열렸고 소련에서는 Konstantin Sergeev가 주요 역할을 맡은 1940 년에 청중이 그것을 보았습니다. Prokofiev의 음악에 대한 움직임의 무대 언어를 이해하고이 발레를 영화 롭게하는 열쇠를 찾은 것은 바로 그들이었습니다. 지금까지 Ulanova는 Juliet 역할의 최고 연기자로 간주됩니다.

프로코피예프의 "어린이" 작품

1935 년 Sergei Sergeevich는 가족과 함께 N. Sats의 지시에 따라 어린이 뮤지컬 극장을 처음 방문했습니다. Prokofiev는 그의 아들보다 무대에서의 행동에 매료되었습니다. 비슷한 장르의 작품을 해보자는 생각에 너무 영감을 받아 단시간에 뮤지컬 동화 '피터와 늑대'를 썼다. 이 공연을 진행하는 동안 남자들은 다양한 소리에 익숙해 질 기회를 얻습니다. 악기. Prokofiev의 어린이 작업에는 Agnia Barto의 구절에 대한 로맨스 "Chatterbox"와 모음곡 "Winter Campfire"도 포함됩니다. 작곡가는 아이들을 매우 좋아했으며 이 청중을 위해 기꺼이 음악을 작곡했습니다.

1930년대 후반: 작곡가 작품의 비극적 주제

20세기 30년대 말 음악적 창의성 Prokofiev는 불안한 억양으로 물들었습니다. "밀리터리"라고 불리는 그의 피아노 소나타 3 인조 (6, 7, 8)입니다. 그들은 완료되었습니다 다른 시간: 6번째 소나타 - 1940년, 7번째 - 1942년, 8번째 - 1944년. 1941년인지 1937년인지는 이 소나타에 무엇이 더 있는지는 알려져 있지 않습니다. 날카로운 리듬, 불협화음, 장례식 종소리가 말 그대로 이러한 구성을 압도합니다. 그러나 동시에 일반적으로 Prokofiev의 가사가 가장 분명하게 나타났습니다. 소나타의 두 번째 부분은 힘과 지혜가 얽힌 부드러움입니다. Prokofiev가 스탈린 상을 수상한 일곱 번째 소나타의 초연은 1942 년 Svyatoslav Richter가 연주했습니다.

프로코피예프의 경우: 두 번째 결혼

이때 작곡가의 사생활에도 드라마가 있었다. Prokofiev가 그의 아내라고 불렀던 Ptashka와의 관계는 이음새에서 터졌습니다. 세속적 의사 소통에 익숙하고 연합에서 심각한 부족을 경험하는 독립적이고 사교적 인 여성 Lina는 지속적으로 외국 대사관을 방문하여 세심한 주의국가 안보부. Prokofiev는 아내에게 특히 불안정한 국제 상황에서 그러한 비난할만한 의사 소통을 제한 할 가치가 있다고 한 번 이상 말했습니다. 작곡가의 전기와 작업은 Lina의 이러한 행동으로 인해 큰 고통을 겪었습니다. 그러나 그녀는 경고를 무시했습니다. 배우자 사이에 종종 싸움이 벌어졌고 이미 폭풍우가 치는 관계가 더욱 긴장되었습니다. Prokofiev가 혼자 있던 요양소에서 휴식을 취하던 중 그는 Mira Mendelssohn이라는 젊은 여성을 만났습니다. 연구자들은 변덕스러운 아내로부터 그를 보호하기 위해 그녀가 작곡가에게 특별히 보내 졌는지 여전히 논쟁 중입니다. Mira는 국가 계획위원회 직원의 딸이므로이 버전은 그다지 가능성이 없어 보입니다.

그녀는 특별한 아름다움이나 창의력으로 구별되지 않았으며 매우 평범한시를 썼으며 작곡가에게 보내는 편지에서 인용하는 것을 당황하지 않았습니다. 그녀의 주요 미덕은 Prokofiev의 숭배와 완전한 겸손이었습니다. 곧 작곡가는 Lina에게 이혼을 요청하기로 결정했지만 그녀는 그에게 거절했습니다. Lina는 Prokofiev의 아내로 남아있는 한 적어도 그녀에게 적대적인이 나라에서 살아남을 기회가 있음을 이해했습니다. 이것은 법적 관행에서 "Prokofiev의 사건"이라는 이름을 얻은 완전히 놀라운 상황으로 이어졌습니다. 소련의 공식 기관은 Lina Kodina와의 결혼이 유럽에 등록되었으므로 소련 법률의 관점에서 볼 때 유효하지 않다고 작곡가에게 설명했습니다. 결과적으로 Prokofiev는 Lina와의 결혼을 파기하지 않고 Mira와 결혼했습니다. 정확히 한 달 후 Lina는 체포되어 수용소로 보내졌습니다.

Prokofiev Sergey Sergeevich : 전후 시대의 창의성

프로코피예프가 무의식적으로 두려워했던 일은 악명 높은 정부 법령이 발표된 1948년에 일어났습니다. Pravda 신문에 실린 이 글은 일부 작곡가들이 소련의 세계관에 대해 거짓되고 이질적이라고 비난했습니다. Prokofiev는 또한 그러한 "잘못된"사람들의 수에 빠졌습니다. 작곡가 작품의 특징은 반민족적이고 형식주의적이었다. 끔찍한 타격이었습니다. ~에 오랜 세월그는 A. Akhmatova를 "침묵"으로 몰아 넣고 D. Shostakovich와 다른 많은 예술가들을 그림자 속으로 밀어 넣었습니다.

그러나 Sergei Sergeevich는 포기하지 않고 그의 시대가 끝날 때까지 자신의 스타일로 계속 창조했습니다. 프로코피예프의 교향곡 작품 최근 몇 년작곡가로서의 그의 전체 경력의 정점이었습니다. 그가 죽기 1년 전에 쓴 교향곡 7번은 현명하고 순수한 단순성의 승리, 그가 오랫동안 추구해 온 그 빛의 승리입니다. 프로코피예프는 스탈린과 같은 날 사망했다. 사랑하는 민족 지도자의 죽음에 대한 전국적인 슬픔 때문에 그의 출발은 거의 눈에 띄지 않았습니다.

프로코피예프의 삶과 작품은 빛을 향한 끊임없는 노력으로 간단히 설명할 수 있습니다. 믿을 수 없을 정도로 삶을 긍정하는 이 곡은 위대한 베토벤이 그의 백조의 노래인 교향곡 9번에서 구현한 아이디어에 더 가까이 다가가게 합니다. Prokofiev의 삶과 작품은 평생을 음악과 그 위대한 신비에 봉사하는 데 바친 위대한 예술가의 길입니다.

Prokofiev의 작업 초기에는 미니어처에서 작은 사이클, 협주곡 및 소나타에 이르기까지 다양한 형태의 피아노 음악이 주도되었습니다. 작곡가의 독창적인 스타일이 성숙해지는 것은 작은 프로그램 피아노 곡들입니다. 프로코피예프 피아노 음악의 부상의 두 번째 물결은 1930년대 후반부터 1940년대 초반까지 소나타 삼합회(6번, 7번, 8번)가 탄생한 때였습니다. 같은 시대의 교향곡인 5번과 6번만큼 좋습니다.

20세기 피아노 문학에 대한 프로코피예프의 기여는 드뷔시, 스크리아빈, 라흐마니노프의 기여와 견줄만 합니다. 후자와 마찬가지로 그는 많은 기념비적인 피아노 "콘서트 교향곡"을 만들어 차이코프스키가 물려준 전통을 이어갑니다.

Prokofiev의 피아니즘은 Rachmaninov의 낭만적인 스타일과 Debussy의 인상주의적 변동과 반대되는 그래픽적이고 근육질이며 페달이 없습니다. B. Asafiev: "심각한 구성주의는 심리적 표현력과 결합됩니다." 특징: 활력, 토카토, 지속적인 역동성, 기악 선율, 투명한 질감, 심리학적 경향, 대담한 음색 조합, 명확한 형식, 극한 음역에서 연주(Debussy). 날카로운 비 유적 대조 : 원시성과 우아함, 야만적 야수주의와 정교함, 산문 구절과 동화 속 에피소드, 풍자와 가사.

Prokofiev의 피아노 작품은 장르가 다양합니다(피아노 사이클, 미니어처, 발레 작곡의 필사본, 콘서트 소나타). Prokofiev는 Stravinsky, Bartok, Hindemith와 함께 20 세기 전반의 반 낭만주의 전통을 대표하는 것으로 정당하게 간주됩니다.

피아노의 낭만적인 해석을 극복하는 것은 다음과 같은 몇 가지 요인 때문입니다.

소리에 대한 감각적 해석 거부(건조하고 단단하며 유리질). 강조의 특별한 역할, 비 레가토 스타일;

언로드된 사운드. 익스트림 레지스터의 빈번한 사용. 포만감 없음;

피아노의 타악기 해석. Prokofiev는 Scarlatti, Haydn, 프랑스 클라비시니스트, Debussy의 클라비어 고전주의, Mussorgsky의 러시아 전통의 초기 고전 예술의 전통을 이어갑니다.

반낭만적 전통이 우세함에도 불구하고 프로코피예프의 피아노 스타일은 또한 낭만적인 피아노 음악의 특징을 가지고 있다. 이것은 특히 칸틸레나 테마의 순간과 관련하여 사실입니다. 대개 피아노 독창성 Prokofiev는 세 기간으로 나뉩니다.

1) 일찍 . 해외로 떠나기 전(1908-1918). 이 기간 동안 4개의 소나타, 2개의 협주곡, 에튀드(op. 2), 희곡(op. 3,4), 토카타(op. 11), 풍자(op. 17), 과도기(op. 22)가 작성되었습니다.

2) 외국의 (1918-1933). 창의성에는 서정적 영역이 깊어집니다. 3, 4, 5번 협주곡, 5번 소나타, "이야기"(op. 31), 4개의 작품(op. 32);

3) 옛 소련 (1930년대 중반). Prokofiev 자신에 따르면, 이 창의성 기간 동안 "새로운 단순성으로의 전환"이 발생합니다. "Children 's Music"(op. 65), 필사본, 소나타 6-9 작성.

주제: N.Ya. Myaskovsky. 창조. 스타일 기능.

소개.

역사 속으로 사라졌다 소비에트 음악훌륭한 교향곡 연주자이자 뛰어난 교사로서. 그는 소비에트 교향곡 형성의 기원에 서있었습니다. 외적인 화려 함, 콘서트의 광채는 그의 스타일과는 거리가 멀고 화려한 사운드 페인팅이나 초 합리주의에 대한 열정의 흔적이 없다. Myaskovsky의 작품은 Liszt, Wagner, Tchaikovsky 및 "Kuchkists"의 전통이 원래 표현주의 정신으로 개발되고 재 작업 된 러시아 철학 교향곡의 독립적 인 지점입니다.

초기창의성.

Myaskovsky의 진화는 20세기의 다른 많은 작곡가와 마찬가지로 깊이를 잃지 않고 단지 복합성에 대해 말하는 방향으로 향했습니다. 그의 초기 작품은 조밀한 음악 구조, 복잡한 하모니가 특징입니다. 교향곡 5번은 Myaskovsky 작업의 중심 시기를 엽니다.

전자 년.

가장 어려운 것 중 하나 창작 기간. 이 시대의 깊은 개인적인 감정과 주관적인 비극적 감정의 포착은 객관적인 영역 (교향곡 6, 7, 9, 10, 12, 소나타 3, 4, "Fads", "Yellowed Pages")에 눈에 띄게 우세합니다. 교향곡 5번과 8번은 민속 미사 이미지를 담고 있습니다.

전자 년.

역할 증가 민속 이미지, 영웅적이고 용감한 의지의 시작. 서정적 주제, 선율, 선율의 폭과 부드러움(교향곡 15, 17, 18, 19, 21번), 대중가요 인용.

전자 년.

작곡가의 기존 스타일은 학문적 엄격함의 특징을 얻었습니다. 전쟁 기간의 서정적-서사적-극적 교향곡과 모음곡 형식의 작품(교향곡 23번). 장르는 혼란스러운 주제, 내러티브 에피소드, 서정적 독백과 공존합니다. 뮤지컬 패브릭은 깨끗하고 투명합니다.

결과적으로 Myaskovsky의 창의성의 두 줄은 서정적 심리학과 서사적 장르로 결정되었습니다. 20세기의 가장 중요한 양식 중 후기 낭만주의와 표현주의가 작곡가의 작품에 반영되었습니다.

주제: 봄 여름 시즌. 프로코피예프. 칸타타 "Alexander Nevsky".

소개.

S. Eisenstein“A. Nevsky"는 Prokofiev의 창의적인 삶에서 인정받는 정점 중 하나입니다. 이 작품에서 그는 먼저 러시아 영웅 서사적 주제로 전환했습니다. 또한이 라인은 오페라 "전쟁과 평화", 교향곡 5 번, 바이올린과 피아노를위한 첫 번째 소나타, 영화 "Ivan the Terrible"의 음악에서 계속되었습니다. 1939년 5월 칸타타 초연이 있었다.

극 법.

여러 면에서 칸타타의 장르는 독창적이다. 작곡가는 그림 같은 오케스트라 에피소드와 노래 및 합창 장면의 대담한 조합을 달성했습니다. 따라서 프로그래밍 교향곡과 특정 오페라 및 합창 활동의 새로운 장르 융합이 발생했습니다.

칸타타의 드라마투르기는 러시아 애국 군대와 튜턴 십자군의 혐오스러운 얼굴이라는 두 개의 상충되는 국가적 영역 사이의 뚜렷한 대조를 기반으로 합니다. 첫 번째는 서사적 창고의 노래, 슬픈 비유, 재미있는 버푼 곡이 특징입니다. 두 번째는 푹신한 군사 팡파르, 가톨릭 성가 및 자동 행진으로 묘사됩니다. Prokofiev는 항상 그렇듯이 조화와 오케스트라 수단의 도움으로 그들 사이의 대조를 강조했습니다. "러시아"음악에서는 가벼운 온음계, 음색의 부드러움, 현의 선율적인 울림, 목소리의 충만한 음색이 우세합니다. "독일어"는 거친 다음 사운드, "기계적" 리듬, 묵직한 금관악기 트레드 및 타악기로 표시됩니다. 대위법 조합 기술이 특별한 장소를 차지합니다. 다양한 주제( "얼음 전투").

작품의 구성 체계는 신중한 사려 깊음으로 매료됩니다. 내용이 매우 다른 7개 부분은 상대적으로 압축된 노래와 합창 번호(" 그리고 그것은 Neva 강에있었습니다.", "일어나, 러시아인", "데드 필드"). 이 구성은 소나타-교향곡 주기의 특징을 명확하게 보여줍니다.

처음 4개 부분은 소개와 설명입니다.

다섯 번째 - 개발;

6th - 서정적 인터메조;

7 일 - 피날레 합성.

칸타타 분석.

첫 번째 부분 "몽골 멍에 아래의 루스"사이클의 교향곡 프롤로그입니다. 공허함의 느낌은 Prokofiev에서 종종 발견되는 특별한 음성 효과에 의해 달성됩니다. 높고 낮은 음색은 채워지지 않은 중간과 함께 움직입니다. 그리하여 불안과 슬픔이 가득한 풍경이 펼쳐진다.

두 번째 부분은 서사적입니다. Alexander Nevsky에 관한 노래". 평균 범위, 여유로운 배치, 움직임의 명확성. 거친 색채는 오케스트라와 합창단에서 낮은 음색이 우세하여 강조됩니다. 전투화적 요소는 중간 부분에서 강화된다.

극적 갈등의 특징은 세 번째 부분에서 완전히 드러난다. "프 스코프의 십자군".처음으로 극지 이미지가 충돌합니다. 잔인한 튜턴 침략 (극단적 부분)과 정복자의 고통 (중간). 십자군은 가톨릭 성가, 베이스 모티프, 군대 팡파르의 세 가지 주제를 사용하여 묘사됩니다. 중간에는 애절한 멜로디가 있습니다. 애도의 슬픈 멜로디, 풍부한 서브 보컬 구조입니다.

네 번째 부분 - "일어나라, 러시아인들이여"- 두 번째와 마찬가지로 노래창고의 합창장면 형태로 지어진다. 메인 테마는 전투 용기와 기량으로 가득 차 있습니다. 중간 부분(“Native in Rus'”)은 가벼운 시로 마음을 사로잡습니다.

가장 확장된 다섯 번째 부분에서 - "얼음 위의 전투"- 교향곡 전체의 주요 사건들이 집중되어 있다. 여기에서 영화의 본질에 대한 근접성이 가장 두드러집니다. "몽타주"의 원리, 대위법 기법, 이미지 테마의 개발을 통한 것입니다. 소개, 결론, rondality의 특징. 십자군의 무서운 주제는 러시아의 어릿광대 선율에 의해 반대된다. 이전 파트의 주제인 3, 4가 사운드입니다. 장대한 클라이맥스(tutti, fff)와 얼음 밑에서 독일군의 실패 이후, 차분하고 시적인 결론이 나온다.

여섯 번째 부분 "데드 필드"- 긴박한 전투 후 가사 서사시 방전. 전체 칸타타에서 유일한 아리아로, 처음으로 개인적인 감정의 요소를 음악에 도입했습니다. 숨막히는 현, 애절한 억양, 자연미성년자, 모드의 가변성, 성가 - 슬라브 멜로의 생생한 예.

일곱 번째 부분 - "알렉산더의 프스코프 입성".칸타타의 승리 애국적인 피날레는 거의 전적으로 2, 4, 5 악장의 러시아 테마를 기반으로합니다. 주된 분위기는 대중적인 환희, 러시아 국민의 기쁨입니다.

D.D. 쇼스타코비치. (1906-1975).

세르게이 프로코피예프(1891년 4월 23일 - 1953년 3월 5일) 20세기의 가장 크고 가장 영향력 있고 가장 많이 연주된 작곡가 중 한 명으로 간주됩니다. 그는 또한 피아니스트이자 지휘자였습니다. 독창성과 독창성은 항상 모순적인 반응을 일으키기 때문에이 작곡가의 작업에 대해 종종 분쟁이 발생했습니다. 그러나 팬들뿐만 아니라 프로코피예프의 음악을 바로 이해하지 못하는 이들도 그의 재능이 지닌 강력한 힘과 밝음을 느꼈다.

세르게이 프로코피예프의 어린 시절

Sergei Sergeevich Prokofiev는 1891 년 4 월 23 일 Sontsovka 부동산 (현재 도네츠크 지역의 Krasnoye 마을)에서 태어 났으며 농업 경제학자 인 그의 아버지는 지주의 부동산 관리자로 일했습니다.

부모는 아들에게 모든 사랑과 희망을 투자했으며 소년의 음악적 재능은 아주 일찍 나타 났고 어머니 Maria Grigorievna의지도하에 Seryozha는 음악 수업을 시작했습니다.

다섯 살 때 그는 이미 첫 작품을 작곡했습니다. 소문에 따르면 아직 음표를 모르는 소년은 피아노로 자신의 것을 연주하려고 시도한 다음이 "자신"을 녹음하기 위해 음표를 배웠습니다.

첫 번째 오페라 - 자이언트

9 살 때 C. Gounod의 오페라 Faust에 대한 인상을 받아 Seryozha는 자신의 음모에 따라 자신의 오페라를 작곡하기로 결정했습니다. 오페라였다 거대한모험, 싸움 등이 포함된 3막.

소년의 부모는 교육받은 사람들이었고 모든 학교 과목을 직접 가르쳤지만 물론 작곡 규칙을 가르 칠 수는 없었습니다. 따라서 Maria Grigorievna는 아들을 모스크바 여행 중 하나로 데려가 유명한 작곡가이자 교사에게 데려 왔습니다. 세르게이 이바노비치 타네예프, 금메달로 음악원을 막 졸업 한 젊은 작곡가 Serezha와의 수업을 위해 여름 동안 Sontsovka에 초대 할 것을 권장했습니다. 라인홀트 모리츠비치 글리에르.

청소년 프로코피예프

Gliere는 Seryozha와 함께 공부하면서 Sontsovka에서 두 여름을 연속으로 보냈고 1904 년 가을에 13 세의 Sergei Prokofiev는 음악원에서 시험을 치르기 위해 St. 두꺼운 폴더에는 두 개의 오페라, 소나타, 교향곡 및 많은 작은 피아노 곡이 포함되어 있습니다. 노래 Gliere의 지시에 따라 작성되었습니다. 일부 노래는 소리가 너무 독창적이고 날카로워서 Serezha의 친구 중 한 명이 "물기"때문에 노래가 아니라 개라고 부르라고 조언했습니다.

온실에서 공부의 년

Serezha는 음악원에서 가장 어린 학생이었습니다. 그리고 물론 그가 급우들과 친구를 사귀는 것은 어려웠습니다. 특히 그는 때때로 장난으로 실수의 수를 세었기 때문입니다. 음악 작업각 학생. 그러나 여기 온실에는 항상 매우 절제되고 엄격하며 똑똑한 사람이 나타났습니다. 니콜라이 야코블레비치 먀스코프스키, 미래에 유명한 작곡가. 10살의 나이 차이에도 불구하고 두 사람은 평생의 우정을 쌓았습니다. 그들은 서로에게 작곡을 보여주고 개인적으로 그리고 편지로 토론했습니다.

작곡 이론 수업과 자유로운 작곡일반적으로 Prokofiev의 독특한 재능은 호감을 얻지 못했습니다. Prokofiev는 이것이 당혹 스럽거나 짜증을 유발할 것이라는 것을 알고 교사에게 가장 대담한 작곡을 감히 보여주지 않았습니다. 교사들의 태도는 프로코피예프의 작곡 졸업장에서 매우 평균적인 성적으로 표현되었습니다. 그러나 그는 피아노 학위를 가지고 1914년 봄에 음악원을 성공적으로 졸업했습니다.

Prokofiev는 나중에 "작곡가 졸업장의 열악한 품질에 무관심했다면 이번에는 야망에 사로 잡혀 피아노를 먼저 끝내기로 결정했습니다. "라고 회상했습니다.

Prokofiev는 위험을 감수했습니다. 클래식 피아노 협주곡 대신 방금 출판 된 자신의 첫 번째 협주곡을 연주하기로 결정하고 사전에 시험관에게 메모를 전달했습니다. 콘서트의 젊은 열정으로 가득 찬 기뻐하는 음악은 청중을 사로 잡았고 Prokofiev의 공연은 승리였으며 그는 명예 졸업장과 아름다운 독일 피아노 인 Anton Rubinstein Prize를 받았습니다.

S. Prokofiev의 초기 작업

젊은 작곡가 프로코피예프의 창조적 에너지는 정말 폭발적이었습니다. 그는 빠르고 대담하고 지칠 줄 모르고 가장 많은 것을 다루었습니다. 다른 장르그리고 양식. 피아노 협주곡 1번에 이어 2번, 바이올린 협주곡 1번, 오페라, 발레, 로망스, 스키타이 스위트룸놀라울 정도로 밝은 오케스트라 색상, 즉흥적인 역동성 및 에너지 넘치는 리듬이 특징입니다.

Sergei Prokofiev는 그의 음악이 항상 논란을 불러 일으켰고 일부 작품, 특히 무대 작품이 수년 동안 공연을 기다리고 있었지만 국내뿐만 아니라 해외에서도 알려진 작곡가의 첫 번째 줄에 빠르게 들어갔습니다. 그러나 특히 작곡가를 매료시킨 것은 살아있는 인간 캐릭터를 만드는 능력이 있는 장면이었습니다.

그가 이 일을 하는 동안 실내 음악, 예를 들어 음성 이야기에서 미운 오리 (안데르센에 따르면). 가금류 마당의 각 주민들에게는 고유 한 성격이 부여됩니다. 차분한 어미 오리, 작은 열정적 인 새끼 오리, 주인공 자신은 아름다운 백조로 변하기 전에 모든 사람이 불행하고 멸시합니다. Prokofiev, A.M.의 이 이야기를 듣고 있습니다. Gorky는 "하지만 그는 자신에 대해, 자신에 대해 썼습니다! "라고 외쳤습니다.

1918년 초연되었다. 클래식 교향곡- 재미와 미묘한 유머로 반짝이는 우아한 구성, 음악의 진정한 고전 소비에트 시대. 작곡가의 작품에서 교향곡은 그의 후기 작품 인 발레까지 바로 이어지는 밝고 명확한 선을 시작했습니다. 신데렐라, 일곱 번째 교향곡.

해외 생활

1918년 봄 외국 여권을 받고 미국으로 떠났다. 해외 장기 체류(1933년까지)가 고국과의 완전한 분리를 의미하지는 않았습니다.
세 번의 콘서트 투어 소련오랜 친구와 새로운 청중과 소통하는 기회였습니다. 1926년 레닌그라드에서 오페라가 상연되었다. 세 개의 오렌지에 대한 사랑, 집에서 생각했지만 해외에서 작성되었습니다. 1년 전 프로코피예프는 S. 디아길레프발레를 썼다 강철 로프- 젊은 소련 공화국의 삶에 대한 여러 그림 (교향곡 모음곡 형태로 청취자에게 친숙함).

귀가

1933년 프로코피예프는 마침내 고국으로 돌아갔다. 그가 돌아온 후 몇 년은 매우 생산적인 것으로 판명되었습니다. 작품은 속속 만들어지고 각각은 특정 장르에서 새롭고 높은 단계를 표시합니다.

오페라 세묜콧꼬, 발레 , 영화 악보 알렉산더 네프스키, 작곡가가 오라토리오를 만든 기반-이 모든 것이 소비에트 시대 음악의 황금 기금에 포함되었습니다.

성숙기의 작품

억제 할 수없는 창의적 사고의 끓는 소리는 현명한 포이즈로 대체되고 놀랍고 훌륭하고 전설적인 것에 대한 관심은 실제 인간 운명에 대한 관심으로 대체됩니다. 세묜콧꼬- 젊은 군인에 관한 오페라), 고국의 영웅적인 과거까지 ( 알렉산더 네프스키, 오페라), 영원한 테마사랑과 죽음 ().

동시에 Prokofiev의 유머 특성은 사라지지 않았습니다. 가장 어린 청취자를 대상으로 한 동화 (독자와 심포니 오케스트라 용)에서 각 캐릭터는 일종의 악기가 특징입니다. 그것은 오케스트라에 대한 일종의 가이드이자 동시에 쾌활하고 재미있는 음악으로 밝혀졌습니다.

Prokofiev 작품의 정점은 그의 오페라입니다. L. Tolstoy의 위대한 작품의 줄거리, 재창조 영웅 페이지러시아 역사는 애국 전쟁 (오페라가 만들어진 당시) 동안 비정상적으로 예리하고 현대적으로 인식되었습니다.

이 작품은 그의 작품의 가장 훌륭하고 전형적인 특징을 결합했습니다. 여기에서 Prokofiev는 특징적인 억양 초상화의 대가이자 대중 민속 장면을 자유롭게 구성하는 벽화가이자 마지막으로 나타샤의 비정상적으로 시적이고 여성스러운 이미지를 만든 작사가입니다.

Prokofiev의 작업은 다음과 같은 중요한 영향을 미쳤습니다. 음악 예술 XX 세기. 그의 작품은 끊임없이 공연된다 뛰어난 피아니스트, 바이올리니스트, 전 세계 모든 국가의 심포니 오케스트라. 발레와 신데렐라성공하면 러시아와 다른 국가의 여러 단계로 이동합니다.

프로코피예프의 창조적 유산 8개의 오페라, 7개의 발레, 7개의 칸타타, 7개의 교향곡 및 기타 여러 교향곡(조곡, 서곡 등), 8개의 협주곡, 14개의 소나타, 실내악 앙상블, 브라스 밴드, 피아노 곡, 로맨스, 노래, 합창단, 연극 음악그리고 영화를 위한 음악.

작성자: Venskaya I.S.

러시아와 소련의 위대한 작곡가인 프로코피예프의 전기는 너무 방대하고 다재다능해서 이 모든 것이 한 사람에게 어떻게 들어맞는지 상상하기 어려울 때가 있습니다. 피아니스트, 음악 작가, 영화 작곡가, 지휘자-또한 Sergei Sergeevich는 자신 만의 독특한 작곡 스타일을 만들었고 체스와 기독교 과학을 좋아했습니다. 이 기사에서 알 수 있습니다 짧은 전기 Prokofiev와 그의 창의적인 삶의 주요 기간.

어린 시절과 청소년

Sergey Sergeevich Prokofiev의 전기는 1891 년 4 월 15 일 (27) Yekaterinoslav 지방 (현대 우크라이나 도네츠크 지역)에 위치한 Sontsovka 마을에서 시작됩니다. 상인 가족. Sergei의 어머니 Maria Grigorievna는 체육관에서 공부하면서 피아노를 마스터했으며 집에서 종종 베토벤과 쇼팽의 작품을 연주했습니다. Little Seryozha는 종종 어머니 옆의 건반에 앉아 그녀의 연주를 시각적으로 그리고 귀로 기억합니다. 다섯 살 때 그는 그의 일을 시작했다. 음악 전기 Prokofiev Seryozha는 어린 나이에 그의 첫 작품인 "Indian gallop"을 작곡했습니다. Maria Grigorievna는 아들에게 작품을 기보하는 방법을 가르쳤고, 그 이후의 모든 작은 론도와 자신이 작곡한 왈츠는 어린 신동인 Prokofiev가 스스로 녹음했습니다.

9세에 Prokofiev는 The Giant라는 첫 번째 오페라를 썼고 11세에 유명한 작곡가이자 교사인 Sergei Taneyev에게 이 오페라를 연주했습니다. Taneyev는 소년의 재능에 깊은 인상을 받았고 그의 친구이자 유명한 작곡가인 Reinhold Gliere와 함께 Serezha Prokofiev를 훈련시키기로 동의했습니다.

공부와 창의성의 시작

Sergei Prokofiev의 전체 초기 전기는 개인 일기에서 편집되었으며 평생 동안 자세하고 정확하게 보관했습니다. 이미 1909년, 18세의 나이에 세르게이는 지휘자로 상트페테르부르크 음악원을 졸업했고, 5년 후에는 피아니스트로도 졸업했습니다. 그의 선생님은 Rimsky-Korsakov, Lyadov 및 Cherepnin과 같은 훌륭한 음악가였습니다. 또한 공부하는 동안 그는 다른 미래의 위대한 작곡가인 Sergei Rachmaninov와 Igor Stravinsky를 만났습니다. 아래 사진에서 음악원에서 공부하는 동안 Prokofiev.

자신의 피아노 작품으로 데뷔한 프로코피예프의 작품은 "자유로운 환상의 연주와 사치스러운 스타일"로 대담하고 독창적이라고 불렸다. "극단적 인 모더니스트"의 지위는 초보 작곡가에게 할당되었습니다.

1913년 프로코피예프의 피아노 협주곡 2번 연주 이후 청중은 작곡가를 존경하는 사람들과 그를 비판하는 사람들로 명확히 나뉘었고 이 작품을 "스캔들과 미래적"이라고 불렀습니다.

최고의 작품과 세계 인지도

1918년부터 1936년까지 작곡가 Prokofiev의 전기는 그의 미국 생활에 대해 알려줍니다. Sergei Sergeevich는 백인 운동이나 적색 운동에 속하지 않았기 때문에 10 월 혁명을 침착하게 취했습니다. 그는 새로운 영감을 찾아 이민을 떠났습니다.

바다 건너편에서 인정을 얻은 작곡가는 고향으로 돌아갑니다. 위대한 애국 전쟁 중에 그는 일을 멈추지 않았습니다. 최고의 작품이 시점에서 발레 "신데렐라", 오페라 "전쟁과 평화", "교향곡 5번"이 됩니다. 5번은 쇼스타코비치의 7번 교향곡과 함께 애국 전쟁 중에 만들어진 가장 중요한 작품으로 간주됩니다. 심포니 오케스트라가 연주한 프로코피예프의 교향곡 5번에서 발췌한 부분은 아래에서 볼 수 있습니다.

1948년 Sergei Prokofiev는 Shostakovich 및 Khachaturian과 같은 다른 아방가르드 작곡가와 함께 예술위원회에서 "형식주의 및 미래주의"에 대해 비판을 받았으며 그 후 Sergei Sergeyevich의 많은 작품이 금지되었습니다. 그러나 다행스럽게도 Joseph Stalin은 Prokofiev의 작업과 전기에 매우 관심이 있었기 때문에 1949 년 지도자의 개인 명령에 따라 금지령이 해제되었고위원회의 조치가 심각하게 비난되었습니다.

작곡가의 독특한 스타일

세계사에서 Sergei Sergeevich Prokofiev의 전기는 무엇보다도 독특한 음악 언어의 생성으로 구별됩니다. 작곡가의 작품을 구별하는 기술은 지배적 인 형태 (나중에 Prokofiev 지배적이라고 함), 선형 및 불협화음 화음, "침투적인"음악 문구를 연주 할 때 음조를 결합하는 반음계 클러스터의 사용으로 구성되었습니다. Prokofiev의 많은 작품에 표현적인 단편화를 제공하는 구성적이고 반낭만적인 리듬도 독특합니다.

영화 작품

평생 동안 작곡가는 8 개의 소련 영화에 음악을 썼습니다. Prokofiev의 전기에서 가장 유명한 영화 작품은 유명한 감독 Sergei Eisenstein의 영화인 "Alexander Nevsky"(1938)와 "Ivan the Terrible"(1945)을 위해 작성된 작곡입니다. 에이젠슈타인은 위대한 작곡가와 함께 작업하게 되어 기뻤습니다. 감독이자 음악가가 창의성에 대한 유사하고 전위적인 접근 방식을 가졌기 때문입니다. 그 후 프로코피예프는 이 영화들을 위해 작곡된 음악을 독립 작품의 형태로 완성했습니다. Prokofiev의 구성이 포함 된 영화 "Ivan the Terrible"에서 발췌 한 내용을 아래에서 볼 수 있습니다.

어린이를 위한 작품

Prokofiev의 창의적인 전기에는 발레 신데렐라와 돌 꽃 이야기, 알 수없는 소년의 합창단 발라드 작곡, Winter Campfire, On Guard of the World와 같은 어린이를위한 많은 작품이 작성되었습니다.

그러나 Prokofiev의 가장 유명한 어린이 작품은 의심의 여지가 없습니다. 교향곡 이야기"피터와 늑대". Sergei Sergeevich는 이 작품을 작곡하여 1936년 어린이 극장에서 상연하기 위해 자신의 텍스트에 넣었습니다. "피터와 늑대"는 고향으로 돌아온 작곡가의 첫 작품이었습니다.

공연 외에도 이 동화의 여러 애니메이션 버전이 있습니다. 첫 번째는 1946년 월트 디즈니 스튜디오에서 제작되었습니다. 그런 다음 두 개의 소련 인형극 만화(1958년과 1976년)와 폴란드-영국 인형극 만화(2006년 오스카상 수상 만화)도 출시되었습니다.

다른 취미

매우 다재다능한 사람인 Sergei Prokofiev는 음악뿐만 아니라 그의 두 번째 열정은 문학이었습니다. 그의 펜에서 나온 모든 것은 그의 글쓰기 능력의 비범함으로 표시되었습니다. 이것은 작곡가의 삶을 출생부터 1909년까지 다루는 거대한 "자서전"과 그의 일기, 그리고 그가 작곡한 모든 대본과 이야기로 낙천주의로 가득 차 있습니다. 그리고 멋진 느낌기분.

음악과 문학 외에도 Sergei Sergeevich는 체스를 진지하게 좋아했으며 "생각의 음악"이라고 불렀습니다. 1914년부터 1937년까지 Prokofiev는 Capablanca, Lasker 및 Tartakower와 같은 유명한 체스 선수들과 게임을 했습니다.

작곡가는 또한 Christian Science의 지지자였으며 그 방법을 통해 공연 전에 흥분을 극복할 수 있었습니다. Prokofiev는 Mary Baker Eddy의 "과학과 건강"이라는 책을 읽는 것을 좋아했으며 일기에서 한 번 이상 언급하면서이 책이 선, 악, 신 및 인간에 대한 개인적인 태도를 형성하는 데 도움이되었다고 말했습니다.

개인 생활

1923년 프로코피예프는 카탈루냐의 실내악 가수 리나 코디나와 결혼하여 두 아들 스뱌토슬라프와 올렉을 낳았다. 아래 사진에서 그의 아내와 아들과 함께 작곡가.

아내와 18년이라는 서로의 이해에도 불구하고 함께하는 삶, 1941 년 Prokofiev는 가족을 떠나 Mira Mendelson 철학 학부의 학생과 함께 살기 시작했습니다. 1948년 세르게이 프로코피예프는 첫 부인과 이혼하지 않고 미라와 결혼했다. 후속 법적 절차에서 두 결혼 모두 유효하다고 선언되었습니다. 이와 관련하여 "프로코피예프 사건"이라는 용어는 그러한 사건을 언급하면서 소련 변호사에 의해 도입되었습니다. Prokofiev와 그의 두 번째 아내의 사진이 아래에 나와 있습니다.

Sergei Sergeevich는 그의 시대가 끝날 때까지 Mira Mendelson-Prokofieva와 함께 살았습니다. 위대한 작곡가 Prokofiev는 1953 년 3 월 5 일에 사망했습니다. 같은 날 Joseph Stalin이 사망했기 때문에 작곡가의 죽음은 오랫동안 눈에 띄지 않았습니다.