To kjente symfoniske dikt av F. Liszt

Forskjellige typer kunst eksisterer ikke i absolutt isolasjon - de låner fra hverandre ikke bare temaer og plott, men også konsepter. I musikken har et begrep som kom fra litteraturen slått rot – et dikt. Hva er musikalske dikt, og når oppsto denne sjangeren?

Dikt i musikk er forskjellige - og det første i opptreden er et symfonisk dikt. Hennes "far" regnes som en ungarsk romantisk komponist, men han skapte selvfølgelig ny sjanger ikke fra bunnen av. Den umiddelbare forgjengeren til det symfoniske diktet kan betraktes som ouverturen, som i XIX århundre tok et viktig skritt i utviklingen ved å skille seg fra forestillingene. Selvfølgelig ble det fortsatt skapt ouverturer til opera- og dramaforestillinger, men sammen med dem - med lett hånd Felix Mendelssohn-Bartholdy - konsertouverturer dukket opp, hvorfra det virkelig var ett skritt til et symfonisk dikt, og dette steget ble tatt av Franz Liszt ... Hvordan skjedde dette? Det er veldig enkelt - han kalte Tasso-ouverturen skrevet i 1849 for et symfonisk dikt og kalte deretter alle sine ensatsede symfoniske verk, som han skapte ganske mange av - bare tretten verk.

Franz Liszts symfoniske dikt vil hjelpe oss å forstå hvordan et dikt skiller seg fra en ouverture, og hva som hindret Liszt i å fortsette å kalle komposisjonene hans for ouverturer. Begge tilhører feltet programmusikk, det vil si slik musikk, hvis innhold er konkretisert i verbal form. Men selve konseptet med ouverturen reflekterer dens "fortid" - dens forbindelse med sceneverket som den kan (eller i prinsippet kunne) åpne - tross alt, selv "Tasso" Liszt skapte opprinnelig som en orkestral introduksjon til produksjonen av tragedien "Torquato Tasso" av Johann Wolfgang Goethe. Men la oss se nærmere på andre Liszt-dikt: «Preludier» basert på et dikt av den franske poeten Alphonse de Lamartine, «Mazeppa» basert på et dikt av Victor Hugo – disse litterære verkene er ikke iscenesatt, de blir bare lest, og de kan absolutt ikke "åpnes" av en orkesterintroduksjon! Dessuten er dette umulig for fresken som inspirerte Liszt til å lage Hunneslaget. Dermed et symfonisk dikt, som har litterært program, helt fra begynnelsen av sin eksistens antok bare en konsertforestilling. Samtidig var tilstedeværelsen av et program obligatorisk - det var ikke tilfeldig at List lånte begrepet fra arsenalet av litteratur.

Så, karaktertrekk symfonisk dikt - programmatisk, enstemmig og konsertforestilling (uten forbindelse med teatret). Men hun – med utgangspunkt i diktene – fikk også spesifikke trekk ved formen. Vi kan si at i sin form smeltet trekkene til sonate og syklisitet sammen - som om sonateformen "vokst" og "absorberte" andre deler av sonate-symfoni-syklusen (langsom sats, scherzo, finale). Forholdet mellom deler av et symfonisk dikt ligner en sammenligning av temaer og deler av en sonateform – men hver av dem er mer komplett og selvforsynt, noe som bringer delene nærmere deler av en symfoni. Hvis det i sonateform alltid er tre seksjoner - utstilling, utvikling og reprise - så kan det i et symfonisk dikt være flere seksjoner, og i denne forbindelse er komponisten friere, og denne formen er mye mer praktisk for legemliggjøringen av et bestemt plot .

Liszt la grunnlaget for sjangeren til det symfoniske diktet, initiativet ble tatt opp av andre romantiske komponister. skapte diktene «Richard III», «Camp Wallenstein», men glorifiserte spesielt diktsyklusen «Mitt hjemland». Symfoniske dikt ble skapt av Camille Saint-Saens: "The Distaff of Omala", "Phaeton", "Youth of Hercules" og den mest kjente - "Dance of Death". En viktig plass inntar sjangeren til det symfoniske diktet i hans verk: «Don Juan», «Så talte Zarathustra», «Til Ulenspiegel» – dette er bare noen av diktene hans. Det er bemerkelsesverdig at vi hos Strauss ikke lenger vil finne de formtegnene som har vært assosiert med diktet siden Liszts tid - komponisten velger den formen som passer best for det tilsvarende handlingen: sonate allegro i Don Giovanni, variasjoner i Don Quijote, kombinasjon av rondo og variasjoner i "Thiel Ulenspiegel".

Russiske komponister skapte også symfoniske dikt, og først og fremst huskes Alexander Nikolaevich Scriabin med "Ecstasydikt" og "Prometheus" ("Ilddikt"). Imidlertid har Skrjabin også andre dikt - pianoforte ("Det sataniske diktet", diktet "Til flammen"). Diktet til soloinstrumentet kan betraktes som en direkte etterkommer av det symfoniske diktet.

Til slutt begynte definisjonen av "dikt" i det tjuende århundre å bli brukt på noen korverk - som for eksempel "Ti kordikt" eller kordiktet "Ladoga". Det er bemerkelsesverdig at en av hans kantater Sviridov ga tittelen "Dikt til minne om Sergei Yesenin."

Alle rettigheter forbeholdt. Kopiering er forbudt.

Liszt er en innovatør og skaper av sjangeren symfoniske dikt.

Symfonisk dikt - en programorkesterkomposisjon - en sjanger som ble utbredt i romantikkens tid og inkluderer funksjoner program symfoni og konsertoverture. Denne sjangeren ble fullt utviklet i arbeidet til F. Liszt, som introduserte dette navnet. Han ga den først i Tasso-overtyren fra 1854. Etter det begynte han å kalle alle sine endelte program for symfoniske komposisjoner for symfoniske dikt. Selve navnet indikerer sammenhengen mellom musikk og poesi. En annen viktig type programmusikk er programsymfonien.

Liszt skrev 13 symfoniske dikt, de mest kjente var Preludes (1848), Tasso, Orpheus (1854), Battle of the Huns (1857), Ideals (1867), Hamlet (1858). Diktene hans kombinerer ulike strukturer og trekk ved ulike instrumentsjangre.

Monothematism (fra mono ... og tema), prinsippet om å konstruere et musikalsk verk, assosiert med foreningen av ett tema i sonate-symfoni-syklusen eller en-delte former avledet fra det. Et tidlig eksempel på monotematisme er Beethovens 5. symfoni, hvis innledende tema, i en transformert form, bæres gjennom alle satsene. høyere utvikling Monotematisme nådde i tiden musikalsk romantikk, i programvare musikalske verk G. Berlioz og F. Liszt. I de symfoniske diktene til F. Liszt, ny type former som kombinerer egenskapene til sonata allegro og sonate-symfoni-syklusen; verkenes integritet sikres ved bruk av ett tema, som gjennomgår figurative transformasjoner og får et annet utseende, tilsvarende ulike stadier i plottutviklingen.

F. Liszt "Preludes" - symfonisk dikt i C-dur (1854)

Diktet ble tenkt som en ouverture til fire mannskor basert på Otrans dikt "De fire elementene" ("Jorden", "Vinder", "Bølger", "Stjerner"). Den første versjonen ble fullført i 1848. I 1854 ble det revidert som et uavhengig verk med en epigraf fra Lamartine. Liszts dikt er mye lysere og mer figurativt enn programmet. Preludiene er et av Liszts fineste symfoniske verk. Komponisten gikk inn i musikkhistorien som skaperen av en ny romantisk sjanger - det "symfoniske diktet", et symfonisk verk i en bevegelse i fri form.

Liszt regnes som en hovedfigur i musikkhistorien. Som komponist og transkriberende skapte han over 1300 verk. Liszt i sin komponistvirksomhet ga håndflaten til solopianot. Sannsynligvis den mest populært arbeid Liszt - Dreams of Love, og blant den grandiose listen over hans andre verk for piano, kan man trekke frem 19 ungarske rapsodier, en syklus med 12 transcendentale etuder og tre sykluser med små stykker kalt Years of Wanderings. Liszt skrev også mer enn 60 sanger og romanser for stemme og piano og flere orgelverk, inkludert en fantasi og en fuga om BACH-temaet.

Det meste av komponistens pianoarv er transkripsjoner og parafraser av musikk av andre forfattere. Liszts transkripsjoner inkluderer pianotranskripsjoner av Beethovens symfonier og fragmenter fra verk av Bach, Bellini, Berlioz, Wagner, Verdi, Glinka, Gounod, Meyerbeer, Mendelssohn, Mozart, Paganini, Rossini, Saint-Saens, Chopin, Schubert, Schumann og andre.

Liszt ble skaperen av sjangeren en-sats semi-program symfonisk form, som han kalte det symfoniske diktet. Denne sjangeren var ment å uttrykke ikke-musikalske ideer eller gjenfortelle musikalske virkemidler verk av litteratur og kunst. Enheten i komposisjonen ble oppnådd ved å introdusere ledemotiver eller ledemotiver, som gikk gjennom hele diktet. Blant Liszts orkesterverk (eller stykker med et orkester) er de mest interessante de symfoniske diktene, spesielt Preludiene (1854), Orpheus (1854) og Idealene (1857).

Til ulike formuleringer med deltagelse av solister, kor og orkester komponerte Liszt flere messer, salmer og oratoriet The Legend of Saint Elizabeth (1861). I tillegg kan Faust-symfonien med korfinale (1857) og Symfonien til den guddommelige komedie av Dante med kvinnekor på slutten (1867) nevnes: begge verkene trekker i stor grad på prinsippene til symfoniske dikt. Til nå er Liszts klaverkonserter fremført - i A-dur (1839, utgaver av 1849, 1853, 1857, 1861) i Es-dur (1849, utgaver av 1853, 1856). Liszts eneste opera, enakteren Don Sancho, ble skrevet av en 14 år gammel komponist og satt opp på samme tid (tålte fem forestillinger). operapartitur, i lang tid ansett som tapt, ble oppdaget i 1903.

Kromatismene som ble brukt av Liszt beriket ikke bare den romantiske stilen fra forrige århundre, men, enda viktigere, forutså krisen med tradisjonell tonalitet på 1900-tallet. Liszt var en tilhenger av ideen om syntese av alle kunster som den høyeste formen for kunstnerisk uttrykk.

På 30-40-tallet av 1800-tallet dukket det opp nye musikalske sjangre i romantikkens kultur: * symfonisk dikt i en del av programmet, * transkripsjoner, parafraser, rapsodier, for piano. Skaperen av disse sjangrene er komponisten Franz Liszt (1811–1886). Grunnlegger av den ungarske profesjonelle klassisk musikk. Liszt var: en komponist, fremragende pianist, sammen med Chopin - beste pianist Europa. Liszt, i likhet med Chopin, beriket for alvor teknikken til pianospilling. For utviklingen av pianoteknikk skapte han syklusen "Etudes of the best performing skill". Det meste av livet ga han solokonserter i forskjellige land Europa. Derijer, propagandist for symfonisk musikk forskjellige stiler og epoker. Ark musikalsk kritiker, en musikkforsker, publiserte en serie artikler om komponister, for det meste om romantikere. Lærer ved konservatoriene i Weimar og Genève, ønsket unge komponister velkommen og populariserte musikk " mektig håndfull". Ett-sats program symfonisk dikt av Liszt. I denne sjangeren komprimerte Liszt trekkene til symfonien til ett. Hvert av diktene ble skrevet i henhold til et spesifikt litterært verk: "Hamlet", "Tasso", "Prometheus", "Ideals", "Orpheus", "Hva høres på fjellet?", "Preludier", "Ungarn" , Mazepa - hovedoverføringen av de generelle ideene.

«Preludier» – dikt av Lamartin, livet – et forspill til døden. Sonateform, i utstillingen av hoveddelen presenteres bildet av en mann, i sekundærdelen - temaet kjærlighet, i utvikling - en naturscene, i reprise - en marsj for å overvinne alle livets problemer, + en høytidelig GP og PP, med først PP, deretter GP - en speilreprise.

Innovasjon: 1) ouverture - introduksjon - 3 toner, inntrykket er som om instrumentet blir stemt, og fra dette er temaet menneske og kjærlighet født. Fødselen av forskjellige temaer av melodier fra 1. og samme intonasjon kalles monotematisme. Sjangrene parafrase og transkripsjon er ikke nye; de ​​ble funnet i barokkmusikk i arbeidet til I.S. Bach. Transkripsjon- en ny lesning av den skapte musikken, en annen forfatter, en pianoversjon av orkesterkonserter, som bevarer lydene til originalen. Det samme gjør arket. En sjanger oppsto i barokken (Bach skiftet fra konsert til hjem - "Arrangementer"). Omskriv- + et eget element. Liszt tar sine favorittstykker fra operaer => overfører deler av operaen til pianoet, + introduserer elementer av utvikling (han skrev av kvartetten og varierte Schuberts Serenade). Rhapsody - rapsod - folkevandringsmusiker, folkemotiv brukes. Gratis fantasi på folket. Gitt Liszts kraftige orkesterstil, ble hans rapsodier arrangert for symfoniorkesteret.

19. Romantiske instrumentalminiatyrer.

(se Schumann)

20. Romantiske vokalminiatyrer.

(se Schubert)

21. Musikalske helter av F. Schuberts balade "The Fox Tsar".

Se Schubert

22. «Preludier» av F. Liszt – sjangerens særegne.

I den vanlige oppfatning fremstår Liszt først og fremst som forfatter av pianoverk og som en virtuos pianist. Men i virkeligheten skrev han lite mindre musikk for orkesteret enn for pianoet. I orkesterverk følte komponisten seg like trygg som i pianoverk. Friheten til Liszts orientering i komplekse orkesterpartiturer er "overgrodd" med legender. Han synslest dem som om de var utenat pianoarbeid. Ferdigheten til å lese partiturer kom til Liszt i løpet av mange års arbeid som symfoni- og operadirigent. Han dirigerte mange urfremføringer av orkesterkomposisjoner skapt av hans samtidige, dvs. mestret partiturene, som, om jeg får si, «forfatterens blekk ennå ikke har tørket opp». I tillegg arrangerte komponisten en messe for pianoet orkestermusikk, inkludert å lage pianoversjoner av de komplette tekstene til alle ni av Beethovens symfonier.

Liszt gikk inn i den symfoniske musikkens historie som skaperen av en ny sjanger - ensats symfonisk dikt . Navnet fremkaller øyeblikkelig assosiasjoner til poesiens atmosfære og gjenspeiler tydelig forbindelsen mellom musikk og litteratur som lå til grunn for Liszts estetikk (som du vet var Liszt en av de mest trofaste tilhengerne av programmatisk kreativitet og syntese ulike kunster). Siden det symfoniske diktet legemliggjør et spesifikt programmatisk innhold, noen ganger svært komplekst, er dets utforming blottet for stabiliteten som er iboende i dets eldre slektninger - symfonien og ouverturen. De fleste av Liszts symfoniske dikt er basert på den frie eller blandede formen, som var veldig vanlig i romantikkens tid. Dette er navnet på formene som kombinerer de essensielle egenskapene til to eller flere klassiske former. Den samlende faktoren er som regel prinsippet om monotematisme (opprettelsen av skarpt kontrasterende bilder basert på samme tema eller motiv).

12 av Liszts 13 symfoniske dikt hører til storhetstiden til hans verk – de såkalte. Weimar-perioden (1848-186I, dvs. 50-tallet), da komponisten var direktør og dirigent for Weimar hoffteater. Samtidig ble begge Liszt-symfoniene, Faust og Dante, skapt. Komponisten henvendte dem til syklisk form. Symfonien "Dante" er todelt ("Helvete" og "Skjærsilden"), symfonien "Faust" er tredelt ("Faust", "Margarita", "Mephistopheles". Imidlertid er dens deler i strukturen nær hverandre til symfoniske dikt).

Utvalget av bilder som er nedfelt i Liszts symfoniske dikt er svært bredt. Presentert her verdenslitteratur alle aldre fra eldgamle myter til arbeidet til moderne romantikere. Men blant den brokete variasjonen av plott, skiller et veldig spesifikt filosofisk problem for List seg tydelig ut:

• problemet med meningen med menneskelivet - "Preludier", "Hamlet", "Prometheus", "Lament for Heroes";
• skjebnen til kunstneren og formålet med kunst - "Tasso", "Orpheus", "Mazepa";
• folkenes og hele menneskehetens skjebne - "Ungarn", "Slaget om hunerne", "Hva er hørt på fjellet."

De mest kjente av Liszt-diktene var to - "Tasso" (hvor komponisten henvendte seg til personligheten til den bemerkelsesverdige italienske renessansepoeten Torquato Tasso) og "Preludier".

Preludier er Liszts tredje symfoniske dikt. Navnet og programmet ble lånt av komponisten fra diktet med samme navn av den franske poeten Lamartine(Imponert av poesien til Lamartine, skapte komponisten også pianosyklusen "Poetic and Religious Harmonies"). Imidlertid avvek Liszt betydelig fra hovedideen til diktet, dedikert til refleksjoner om den menneskelige eksistens skrøpelighet. Han skapte musikk full av heroisk, livsbekreftende patos.

musikalsk komposisjon Preludiene er basert på fritt tolkede prinsipper for sonata allegro med monotematiske forbindelser mellom de viktigste temaene. I selve generell plan form kan defineres som sonate-konsentrisk(sonate allegro med en introduksjon, en episode under utvikling og en speilreprise av en dynamisert karakter).

Begynnelsen av diktet er veldig karakteristisk for Liszt, som vanligvis nekter høytidelige introduksjoner og begynner mange verk stille, som i hemmelighet. I Preludiene gir de brå stille lydene fra de første taktene inntrykk av mystikk, gåte. Så dukker det opp et typisk romantisk motiv av spørsmålet - do-si-mi (m.2 ned - kap. 4 opp), som uttrykker "nøkkel"-startfrasen til programmet: "Vårt liv er ikke en serie opptak til en ukjent salme, hvor den første høytidelige tonen vil bli tatt av døden?”), det vil si spørsmålet om meningen med livet. Dette motivet spiller rollen som den tematiske kjernen for all påfølgende musikk i komposisjonen.

Vokser ut av motivet til spørsmålet, men tilegner seg visshet om selvbekreftelse, heroisk hovedtema (C-dur) låter kraftig og høytidelig med tromboner, fagott og lave strykere. Koblingstemaene og sekundære temaer står i skarp kontrast til det viktigste, og tegner bildet av en helt fra en annen side drømmer om lykke, om kjærlighet. Samtidig er permen en «lyrisert» versjon av hovedtemaet, forklart av celloene på en meget melodiøs måte. I fremtiden får det en gjennomgående mening i diktet, som dukker opp på randen av viktige seksjoner og på sin side gjennomgår forskjellige transformasjoner.

side(E-dur), ifølge programmets design, er temaet kjærlighet. Dens forbindelse med hovedmotivet er mer indirekte. Med hovedtemaet viser sidetemaet seg å være i et fargerikt, "romantisk" tertiansk forhold. En spesiell varme og oppriktighet gis av sidelyden av horn, doblet av divizi-bratsj.

Kjærlighetsidyllen til sidedelen i utviklingen er erstattet av livsstormer, kampscener og til slutt en stor episode av pastoral karakter: "helten" leter etter hvile fra livets bekymringer i naturens favn (en av de mest typiske ideologiske og plottende motivene for romantisk kunst). I alle disse avsnittene er det transformasjoner av hovedmotivet. I storm episode (første del av utviklingen) blir den mer ustabil, på grunn av sinnets utseende i den.4. Hele harmonien, hovedsakelig basert på reduserte septim-akkorder, deres parallelle bevegelser langs tonene i den kromatiske skalaen, blir også ustabil. Alt dette vekker assosiasjoner til voldsomme vindkast. Episoden av stormen, som minner om mange trekk ved en sonateutvikling, utmerker seg ved sin levende billedskildring. Den fortsetter den lange tradisjonen med "musikalske tordenvær" (Vivaldi, Haydn, Beethoven, Rossini) og har en klar likhet med den symfoniske syklusens stormfulle, dramatiske scherzo.

Neste avsnitt er pastoral – ligner den langsomme delen. Temaet, spilt vekselvis av forskjellige messinginstrumenter, er generelt nytt (dette er "episoden" under utvikling). Men selv her, i den gjennomsiktige lyden av pastorale melodier, blinker "spørsmålets intonasjon", som om helten selv i naturens bryst ikke kan kvitte seg med tvilen. Senere, etter ekko av det forbindende temaet, er et sekundært tema inkludert i utviklingen, som fortsetter musikken til den lyriske episoden veldig naturlig. Her starter speilreprisen av diktet formelt, men nøkkelen er ny - As-dur.

Den påfølgende utviklingen av sidetemaet er rettet mot dets glorifisering: det blir mer og mer aktivt, energisk og i dynamisk reprise går over i en seiersmarsj i en prikkete rytme. Denne marsjaktige versjonen av sidetemaet er igjen innledet av et sammenhengende tema, som også mister sin drømmende karakter og blir til en jublende appell. Glorifiseringen av lyriske bilder fører logisk til toppen av hele verket - en kraftig implementering av hovedtemaet, som blir diktets heroiske apoteose.

Liszts symfoniske dikt er en av de lyseste sidene i europeisk romantisk musikk, et område med utrettelige kreative søk, fantastiske oppdateringer innen tematikk, form, orkestrering og interaksjon med ulike nasjonale opphav. I diktene manifesterte komponistens karakteristiske ønske om syntese med andre kunstarter, for å skape programmatiske verk, seg tydelig. Bilder av eldgamle myter ("Prometheus" og "Orpheus"), bilder av verdenslitteraturens mesterverk ("Tasso" ifølge Goethe, "Mazeppa" og "Hva er hørt på fjellet" ifølge Hugo, "Hamlet" ifølge Shakespeare , "Ideals" ifølge Schiller, "Preludes" ifølge Lamartine), bilder visuell kunst("The Battle of the Huns" ifølge Kaulbach, "From the Cradle to the Grave" ifølge Zichy), og til slutt, bildene av hjemlandet ("Ungarn", "Lament for the Heroes") alt dette kom til uttrykk i Liszts symfoniske opuser. Med all mangfoldet av handlinger og karakterer, hovedtemaene som komponisten legemliggjør her, menneskets storhet og dets gjerninger, det lidenskapelige ønsket om frihet og lykke, godhetens og rettferdighetens uunnværlige triumf, kunstens helbredende effekt, som bidrar til forbedring av menneskeheten, skiller seg ut i lettelse.

Overrasker med skjønnheten i lyden symfonisk dikt nr. 1 "Hva høres på fjellet", opprinnelig kalt "fjellsymfonien". Liszt her ble inspirert av diktet med samme navn av Victor Hugo. Programmet til diktet er basert på den romantiske ideen om å kontrastere majestetisk natur med menneskelig sorg og lidelse. Hva høres i fjellene på kysten av Bretagne? Vindstøyen fra de frostige høydene, bruset fra havbølgene som slår mot klippene, gjeterens melodier fra de grønne enger ved foten av klippene...og ropet fra den lidende menneskeheten. Og du kan høre alt dette i musikk.

Helt symfonisk dikt nr. 2 "Tasso"- den store italienske renessansepoeten Torquato Tasso (1544-1595), hvis episke dikt "Det frigjorte Jerusalem" inspirerte mange gjennom århundrene, inkludert Goethe. I en alder av 35 havnet poeten på et galeasyl og samtidig i fengsel, etter å ha kommet dit på grunn av rettsintriger. Legenden kalte kjærlighet årsaken til fengsling - dikterens frekk, ødelegger alle klassebarrierer kjærlighet til søsteren til hertug Alphonse Eleanor d "Este. Syv år senere, etter å ha forlatt fangehullet takket være pavens forbønn, Tasso - allerede en fullstendig ødelagt person - ble utropt til den største dikteren i Italia og tildelt en laurbærkrans, tidligere tildelt kun én gang til den store Petrarken.Døden kom imidlertid tidligere, og ved en høytidelig seremoni i den romerske hovedstaden ble bare dikterens kiste kronet med laurbær. tynger ofte deres liv, velsignelsen forlater aldri deres graver», skrev Liszt i programmet for dette dramatiske diktet, og skildret alle vendinger i dikterens liv – fra fengsel og minner om kjærlighet til velfortjent berømmelse.

Symfonisk dikt nr. 3 - "Preludier". Navnet og programmet er lånt av komponisten fra diktet med samme navn av den franske poeten Lamartine. Imidlertid avvek Liszt betydelig fra hovedideen til diktet, dedikert til refleksjoner om den menneskelige eksistens skrøpelighet. Han skapte musikk full av heroisk, livsbekreftende patos. Livets bilder er legemliggjort av Liszt i en serie lyse, fargerike episoder fylt med sjanger- og billeddetaljer (marsj, pastoral, storm, kamp, ​​trompetsignaler, hyrdemelodier). De sammenlignes i henhold til kontrastprinsippet og er samtidig nært beslektet med hverandre: gjennom hele diktet forvandler Liszt mesterlig det ledende temaet ved å anvende monotematismeprinsippet som er karakteristisk for ham.

I symfonisk dikt nr. 4 "Orfeus", unnfanget som en ouverture til Glucks opera med samme navn, ble den mytiske legenden om den søtstemme sangeren nedfelt i en generalisert filosofisk plan. Orfeus for Liszt blir et kollektivt symbol på kunst. Dette er et av Liszts mest lapidariske, romslige verk. Diktet har flere temaer, men alle temaene henger sammen nasjonalt og flyter over i hverandre. Den langvarige "G"-lyden av hornene erstattes av harpenes plukking - dette er åpenbart bildet av den kifarede Orpheus, som lytter til verden rundt ham. Den magiske lyden av disse lydene ved de franske hornene setter deg i en sublim stemning, introduserer deg i en poetisk atmosfære. Hoveddelen av vinden og strengene til det diatoniske lageret graviterer mot den episke bredden, selv om den ikke når den. Dette er et bilde av universet, som kunstneren søker å erkjenne, en objektivisert, upersonlig virkelighet. Det uutvidede forbindelsestemaet som erstatter det, symboliserer kunstnerens søken. Med en synkende, hengende melodisk figur skildrer Liszt bildet av musikk-Eurydike, som Orpheus leter etter. I et forsøk på å gi dette temaet en spesiell klangvarme og klarhet, overlater Liszt temaet til solofiolinen, og deretter til solocelloen. Komponistens programmatiske intensjon her er gjennomsiktig og klar: idealet er uoppnåelig, Eurydike er bare en luftspeiling, som er umulig å beholde. Kunst er dømt til evig søken uten prestasjoner.

Symfonisk dikt nr. 5 "Prometheus" er dedikert til den legendariske lidende og humanist som i århundrer begeistret fantasien til menneskehetens kreative elite. Diktet oppsto som en ouverture til de berømtes dramatikk tysk poet Gottfried Herder. «Lidelse (ulykke) og ære (lykke)! Dermed kan hovedideen til denne altfor sanne historien uttrykkes i en fortettet form, og i denne formen blir den som en storm, som et blinkende lyn. Sorg erobret av staheten til uovervinnelig energi - det er dette som utgjør denne saken essensen av musikalsk innhold.

Symfonisk dikt nr. 6 "Mazepa", viet til historisk personlighet i hvis skjebne motsetningen til lidelse og triumf, elsket av romantikerne, ble tydelig avslørt. Hugos dikt publiseres i sin helhet som et program i partituret. Liszt ble først og fremst inspirert av hoveddelen, første del av diktet, komplett fargerike malerier, forferdelige detaljer, en følelse av dødens redsel - i sammenligning med triumfen til den ubrutt helten, ønsket velkommen av hele folket: "Han skynder seg, han flyr, han faller, Og han reiser seg som en konge!"

Programvarekonsept Symfonisk dikt nr. 7 "Festlige lyder" ikke relatert til historiske hendelser eller litterære plott. Det er kjent at komponisten sang her sin forening (dvs. bryllup) med prinsesse Caroline Wittgenstein og kunne ikke klare seg uten portrettegenskaper seg selv og kjæresten.

Symfonisk dikt nr. 8 "Lament for Heroes" opprettet på grunnlag av en uferdig unge Liszt"Revolusjonær symfoni" (1830), dedikert til den franske revolusjon. Bitre klager og forherligelse av den revolusjonære kampen, verdenssorg og sosiale protester høres i dette dramatiske diktet, uvanlig i formen, der et forferdelig trommeslag og henrettelsesscener i midten er erstattet av et av de beste lyriske temaene i komponistens verk. Det er en generell kunstnerisk forbindelse av dette verket med et av de mest populære pianostykkene av Liszt - "The Funeral Procession", skapt som et musikalsk monument over de tragisk døde heltene fra revolusjonen som fant sted i hans hjemland Ungarn. Utseendet til dette verket bærer preg av den tragiske skuffelsen til en romantisk kunstner, og det er først og fremst forbundet med nederlaget til revolusjonen som feide gjennom landene Sentraleuropa i 1848-49.

Symfonisk dikt nr. 9 "Ungarn" ofte kalt orkester "Hungarian Rhapsody". Det oppsto som svar på et dikt dedikert til Liszt av den ungarske poeten Vereshmarty. Med dette diktet ønsket Vörösmarty velkommen for halvannet tiår siden, i januar 1840, ankomsten til hjemlandet til en ung mann som ennå ikke hadde fylt 30 år, men allerede over hele verden kjent pianist. Liszts turer fikk da karakter av en nasjonal feiring. Han ble tildelt tittelen æresborger i byen Pest; etter konserten i Nasjonalteater, hvor Liszt opptrådte på ungarsk nasjonaldrakt, på vegne av nasjonen, ble han overrakt en "æresabel". Disse inntrykkene ble gjenspeilet i komponistens komposisjoner om nasjonale temaer som oppsto samtidig – «The Heroic March in the Hungarian Style» og «Hungarian National Melodies and Rhapsodies». Mange år senere lånte Liszt tre temaer derfra for det symfoniske diktet "Ungarn": to heroiske, marsjerende og ett i brennende ånd folkedans chardash.

Symfonisk dikt nr. 10 "Hamlet"- det siste diktet Weimar-perioden, plassert imidlertid på utgivelsestidspunktet under nummer ti. I likhet med mange av Liszts andre symfoniske dikt, oppsto det fra en ouverture ment å iscenesette en Shakespeare-tragedie. Alle heltene i Shakespeares tragedie er fanget i musikk - både Hamlet og Ophelia, etc.

Programvareprototypen til kampen symfonisk dikt nr. 11 - "Battle of the Huns" ganske uvanlig. Han er billedlig. Malt i 1834-1835 av den fasjonable historiske maleren Wilhelm von Kaulbach, fresken med samme navn prydet fremre trapp ny Berlin Museum. Maleriet skildrer en blodig kamp som raste hele dagen og etterlot bare noen få sårede på bakken. Det fortsetter i himmelen, der i midten av en gruppe er en mektig Hun i hjelm med hevet sverd, og en annen gruppe blir overskygget av en flygende engel med et kors. Liszt ble fascinert av den dypt humanistiske betydningen av kunstnerens skapelse: kristen kjærlighets og barmhjertighets triumf over hedensk villskap og blodtørstighet.
http://s017.radikal.ru/i441/1110/09/f47e38600605.jpg

Symfonisk dikt nr. 12 "Ideals" inspirert av diktet med samme navn av Schiller: "Det ideelle - det er ingenting mer ønskelig, og det er ingenting mer uoppnåelig. Bare han vil finne veien til det, som skaper sakte og aldri ødelegger"...

I løpet av sommeren 1881 skriver komponisten, overveldet av tanker om forestående død, sin siste symfonisk dikt nr. 13 "Fra vuggen til graven", inspirert av penntegningene "Fra vuggen til kisten", gitt til ham av den kjente ungarske kunstneren Mihaly Zichy. http://s017.radikal.ru/i403/1110/71/363fe132803b.jpg På forespørsel fra prinsesse Wittgenstein ble ordet "kiste" erstattet med "grav", og til slutt ble diktet kalt "Fra vuggen til grav." Musikken til Liszts siste dikt er trist og lys...

To episoder fra Lenaus "Faust" - "Night Procession" og "Dance in a Village Tavern (Mephisto Waltz)". Bildene av Faust og Mephistopheles bekymret Liszt gjennom hele hans kreativt liv. Lenau er dominert av Mephistopheles, fornektelsens og ødeleggelsens ånd, utstyrt med en ubøyelig vilje og lidenskapens uhemmede kraft. Ondskapens triumf er utvilsomt: en slik Mephistopheles underkuer lett Faust - en forvirret mann, nå grepet av glede, nå kastet ned i fortvilelsens avgrunn, ute av stand til å kontrollere verken sine følelser eller livsomstendigheter. Åpningsdelen av The Night Procession er bygget på en skarp kontrast. Hans første tema, sørgmodig og dyster, er en beskrivelse av Fausts sinnstilstand. Helten blir motarbeidet av rolig vårnatur: i den gjennomsiktige lyden av strykere, treblåsere, horn kan man høre nattergalens triller, suset fra trær, suset fra bekker. Den fjerne ringingen av klokken varsler den sentrale episoden - selve prosesjonen. Liszt baserte det på temaet for den katolske sangen "Pange lingua gloriosi" ("Syng, språk"), hvis tekst er tilskrevet Thomas Aquinas. Flere instrumenter kommer inn, prosesjonen nærmer seg, for så å forsvinne i det fjerne. Stillheten hersker igjen. Og, som en eksplosjon av fortvilelse, lyder det første temaet: «hungrende voldsomt», ifølge forfatterens bemerkning, faller motivene til fioliner, fløyter og oboer ned. De blekner til kjedelige basser strenggruppe, og rammer dermed inn hele verket med et bilde av heltens sjel, som for Liszt er viktigere enn pittoreske skisser. Mefistovalsen danner en skarp kontrast til den første episoden. Dette er et ekte valsedikt - kjapt, spennende, fullstendig blottet for sakte tempo. To bilder sammenlignes dyktig: en ekte hverdagsdans med komiske effekter og en fantastisk dans. Den første legemliggjør spill av landsbymusikere, og et fullt symfoniorkester imiterer lyden av et bondeensemble. Musikere forbereder seg lenge, stiller inn, samler mot. Til slutt fremfører bratsjene og celloene selvsikkert et landlig, frekt, skarpt aksent tema, ifølge forfatterens bemerkning. Moroa vokser, alle nydanserne virvler i en voldsom dans. Så, slitne, stopper de. Celloer i et uvanlig høyt register begynner nytt tema (forfatterens notat"mild, kjærlig") - sløv, sensuell, kromatisk, passer ikke inn i et tydelig dansenett. Det var Mefistofeles; temaet hans fullføres av den falmende lyden fra fiolinsoloen. En enda mer heftig fantastisk episode begynner. Og når bygdedansen kommer tilbake, lar den djevelske melodien den ikke snu, forvrenger motivene – de adlyder Mefistofeles vilje, blir like knuste, kromatiserte. Nå har djevelen selv ansvaret. Dansen blir til en hektisk bacchanalia, den tredelte meteren erstattes av en todelt, "valsens bevegelse blir til en slags vill chardash, full av ild og uhemmet lidenskap." På klimakset bryter dansen av, og den fantastiske episoden gjentas en gang til; sterkt redusert, det ender med naturens fredelige stemmer (fløytesolo cadenza, harpeglissando). Men siste ord forblir hos Mefistofeles: den vanvittige dansen eksploderer igjen, truende triumferende, det djevelske motivet bekreftes gjentatte ganger i bassene til orkesteret. Plutselig avtar alt, forsvinner i det fjerne; bare det falmende suset fra pauken og pizzicato av celloer og kontrabasser gjenstår. Etter harpens glissando skrev Liszt den siste linjen fra Lenau: "Og, rasende, lidenskapens hav svelger dem."

Dirigent Arpad Joo (Hung. Árpád Joó) ble født i Budapest 8. juni 1948, kommer fra en gammel ungarsk familie, et vidunderbarn. Selv i barndommen ble han lagt merke til av Zoltan Kodai og falt under hans beskyttelse, han studerte ved Budapest Academy of Music. Franz Liszt ved Pala Kadosi og Josef Gat. I 1962 vant han Liszt og Bartók Piano Competition i Budapest. Deretter studerte han dirigering ved Juilliard School og ved Indiana University, studerte med Igor Markevich i Monte Carlo. I 1973-1977. sjefdirigent Knoxville Symphony Orchestra, 1977-1984. - Filharmonisk orkester Calgary, i 1988-1990 - Symfoniorkesteret til den spanske radioen og fjernsynet. Fremført med London Symfoniorkester. Han har jobbet som gjestedirigent med European Community Orchestra. Opptak av dirigent full syklus Skriftene til Kodály og Bartók ble en begivenhet ikke bare i Ungarn. I 1985, på 100-årsdagen for Liszts død, spilte han inn med Budapest Symphony Orchestra komplett samling hans symfoniske dikt, som han fikk den ettertraktede for "Grand Prix du Disque" i Paris, direkte fra hendene til den franske kulturministeren Léotard. Hvorfor fremførte franskmennene som Liszt av Budapester og Arpad Joo så mye? Sannsynligvis, mykhet og plastisitet av tolkning. Det er ingen vanlige fantastiske "spesialeffekter" og kunstig ytre patos, men det er inderlige melodier.

Lytte:http://www.youtube.com/watch?v=yfhf7_mUccY

Ferenc Liszt - Symfoniske dikt komplett
Budapest Symfoniorkester / Arpad Joo
Innspilt Budapest 1984/5 DDD
1987 "Grand Prix Du Disque", Paris, Frankrike

Franz Liszt (1811-1886)

CD1
Symfonisk dikt nr. 1. Hva høres på fjellet ("Mountain Symphony") (etter Hugo, 1847-1857) (30:34)
Symfonisk dikt nr. 2. Tasso. Klage og triumf (av Goethe, 1849-1856) (21:31)
Symfonisk dikt nr. 3. Preludier (etter Lamartine, 1850–1856) (15:52)

CD2
Symfonisk dikt nr. 4. Orpheus (som introduksjon og konklusjon til Glucks Orpheus, 1856)(11:36)
Symfonisk dikt nr. 5. Prometheus (ifølge Herder, 1850-1855) (13:29)
Symfonisk dikt nr. 6. Mazeppa (av Hugo, 1851-1856) (15:54)
Symfonisk dikt nr. 7. Festlige lyder (Caroline Wittgenstein, 1853-1861) (19:47)

CD3
Symfonisk dikt nr. 8. Lament for Heroes (basert på første sats av "Revolutionary Symphony", 1830-1857) (24:12)
Symfonisk dikt nr. 9. Ungarn (svar på et patriotisk dikt av Vörösmarty, 1839-1857) (22:22)
Symfonisk dikt nr. 10. Hamlet (etter Shakespeare, 1858-1861)(14:35)

CD4
Symfonisk dikt nr. 11. Battle of the Huns (etter en freske av Kaulbach, 1857-1861) (13:58)
Symfonisk dikt nr. 12. Idealer (ifølge Schiller, 1857-1858)(26:55)
Symfonisk dikt nr. 13. Fra vuggen til graven (ifølge tegningen av M. Zichy, 1881-1883)
I. Vugge (6:31) / II. Kamp for tilværelsen (3:14) / III. Grav (7:38)

CD5
To episoder fra "Faust" Lenau (1857-1866)
I. Nattprosesjon (15:15)
II. Dance in a Village Tavern (Mephisto Waltz No. 1) (11:54)
Mephisto vals nr. 2 (1880-1881) (11:41)
Appell og ungarsk hymne (1873) (10:13)

Ewa Kwiatkowska () oppdaterte lydlenke:

Are potrekovo

http://files.mail.ru/973FB84356324B3886DFA2E0A4CF6F9B

G. Krauklis `F. Liszt symfoniske dikt`
Moskva, 1974, 144 s.
Boken er et populærvitenskapelig essay om Liszts symfoniske dikt.
INNHOLD
Programsymfonisme til F. Liszt og hans symfoniske dikt 5
"Hva høres på fjellet" ("Ce qu'on entend sur la montagne") 30
"Tasso. Klage og triumf» («Tasso. Lamento e trionfo») 43
"Preludes" ("Les Préludes") 53
Orfeus 62
Prometheus 71
"Mazeppa" ("Mazeppa") 77
"Festlige lyder" ("Fest-Klänge") 85
"Lament for Heroes" ("Héroїde funèbre") 93
"Hungaria" 99
"Hamlet" 107
"Battle of the Huns" ("Hunnenschlacht") 114
"Ideals" ("Die Ideale") 122
Merknader 135
Søknader 140
Referanser 141

Symfoniske verk av Liszt.

For orkester skrev Liszt 13 symfoniske dikt og 2 symfonier: "Dante" (I del - "Helvete", II del - "Skjærsilden") og "Faust" (I del - "Faust", II del - "Gretchen", III del "Mephistopheles"). Liszt skaper en ny sjanger – det symfoniske diktet. Et symfonisk dikt er en programvare i en bevegelse i fri form. Hos Liszt er det kun det siste symfoniske diktet «Fra vuggen til graven» som har 3 små deler som går uten avbrudd. I symfoniske dikt bruker Liszt ofte sonateform, og kombinerer den ofte med andre formasjonsprinsipper (variasjoner, rondo). Noen ganger "absorberer" denne enstemmigheten, som i h-moll-sonaten, elementer av den sonate-symfoniske syklusen (det vil si at individuelle deler av sonateformen kan sammenlignes med deler av syklusen)

Fremveksten av sjangeren til det symfoniske diktet ble forberedt av den tidligere utviklingen av musikalske sjangere. En rekke komponister viste en tilbøyelighet til enheten i en mangedelt syklus, mot å forene den med tverrgående temaer, mot sammenslåing av deler (Beethoven, Mendelssohn, Schumann). Forløperen til det symfoniske diktet er programkonsertouvertyren, for eksempel ouverturene til Mendelssohn, Beethoven. Det er ingen tilfeldighet at Liszt i de første versjonene av sine fremtidige symfoniske dikt kalte konsertoverturer. Forberedte fremveksten av en ny sjanger og store en-sats verk for piano - fantasier, ballader av Schubert, Schumann, Chopin.

Alle Liszts symfoniske verk er programmatiske. Programmet kan uttrykkes på forskjellige måter: 1. Navn.

2. Verbal presentasjon av handlingen.

3. Epigraf (et utdrag fra et dikt).

Programmer varierer i innhold:

a) bilder av antikken - "Orpheus", "Prometheus";

b) bilder av moderlandet - "Ungarn";

c) bilder lånt fra bokstavelig talt virker- "Tasso", symfoni "Faust" (Goethe); "Mazepa", "Hva høres på fjellet" (Hugo); "Hamlet" (Shakespeare); symfoni "Dante" (Dantes "guddommelige komedie");

d) vendte seg til maleri - "Battle of the Huns" basert på et maleri av den tyske kunstneren Kaulbach, "From the Cradle to the Grave" basert på en tegning av den ungarske kunstneren Zichy.

Handlingene er mangfoldige, men alle er forent av et heroisk tema. Liszt ble tiltrukket av plott som skildrer sterk i ånden mennesker, bilder av kamper og seire, plott der universelle, filosofiske spørsmål reises.

Liszt er preget av en viss type programmering. Dens programmering i både piano og symfonisk musikk har på ikke sekvensielt plot, men generalisert karakter. Liszt formidler ikke den konsekvente utviklingen av handlingen i musikk. Han søker å uttrykke en generell poetisk idé, å skape et levende bilde av den sentrale karakteren. Og fokuser lytterens oppmerksomhet på opplevelsene hans. Vanligvis er helten hans en bærer av store filosofisk idé. Lederskap sentralt bilde genererer prinsippet om monotematisme- når hele verket er basert på modifikasjon av ett tema, motiv. For eksempel de symfoniske diktene "Preludier", "Tasso", "Mazeppa". Takket være dette skapes et enkelt, men samtidig mangefasettert, foranderlig bilde av helten. Ulike versjoner av samme tema (noen ganger kontrasterende), som om de viser forskjellige sider av heltens karakter.

"Preludier".

«Preludier» er et av Liszts beste symfoniske dikt. Musikken ble unnfanget i 1844 som en ouverture til fire mannskor basert på teksten til den franske poeten Joseph Autrans 'dikt "De fire elementer" (Jorden, vinder, bølger, stjerner). I 1848 var ouverturen ferdig, men ikke publisert. Liszt omarbeider gjentatte ganger ouverturen og lager et symfonisk dikt basert på den. Som program for dette diktet bestemmer han seg for å ta Lamartines dikt «Preludier» fra syklusen «New Poetic Reflections». Skriver flere versjoner av programmet. Til å begynne med veldig detaljert, med poetiske sitater, reduseres den gradvis, mens den beveger seg mer og mer bort fra den opprinnelige kilden (programmet i læreboken, s. 159). Hovedideen med verkene til Liszt og Lamartine viste seg å være vær forskjellig. Lamartine er pessimistisk. Menneskeliv er en serie opptak til døden. Liszt har et optimistisk, livsbekreftende bilde av døden er fraværende. En person som søker, strever, opplever lykke og sorg, kommer til slutt til å hevde sin makt, storhet.

Diktet ble skrevet i sonateform med en introduksjon og en speilreprise. Speilreprisen er betinget av det ideologiske konseptet - på slutten seier triumfen, åndens storhet. Og disse bildene uttrykker hovedpartiet, så det er plassert på slutten av arbeidet som en konklusjon. "Preludier" - Dette et godt eksempel monotematisme. Fra den innledende melodien vil bare tre lyder (do, si, mi), temaene i introduksjonen, de viktigste, forbindende delene, vokse, hovedkornet føles i sidedelen.

Introduksjon. I innledningen er hovedintonasjonen i verket gitt. Dette er et spørsmålstema, høres i hemmelighet, dempet, insinuerende på strykerne, deretter på treblåserne.

Eksponering. Hovedparti- C-dur, høytidelig, kraftig, bildet av en stolt, kraftig person (tromboner, fløyter, kontrabasser, celloer). Temaet vokser ut av hovedmotivet for oppføringen.

Koblingsfest– C-dur – E-dur, viser bildet av helten fra den andre siden, lyrisk, myk. Dette er drømmer om lykke, kjærlighet, drømmer om ungdom (cello). Hovedmotivet forvandles, en lys kontrast av hovedpartiet skapes.

Sideparti- E-dur, lyrisk bilde kjærlighet. Vals-aktig, bred pustende melodi. Til å begynne med lyder det hemmelig ved hornene, bratsj med demper. Så vokser det, fanger et stort spenn, hele orkesteret kommer inn. Selv om dette emnet ikke vokser direkte ut av hovedkornet, fanges også den spørrende intonasjonen til introduksjonstemaet i det.

Utvikling. 2 seksjoner er under utvikling. Første del- en storm som ødelegger en persons lykke, alt syder, vindens hyl høres. Gradvis avtar alt. Andre seksjon– Allegro pastorale. Dette er et lyst minne om kjærlighet midt i stormer og motgang. Helten leter etter glemselen i naturens favn. Oboen synger forsiktig temaet - en av variantene av koblingsdelen. Fransk horn, obo, klarinett og fløyte imiterer hyrdens piper, fred, idyll. Da dukker sidedelens tema opp.

Speil reprise.Temaer vises i omvendt rekkefølge - først koblende og sekundære, deretter hoveddelen. Lyriske temaer kobling og sidepartier endres, får de karakteren av en høytidelig marsj. Som konklusjonen lyder hoveddelen, grandiost, majestetisk, fullfører den diktet.

Dermed har et stort symfonisk verk vokst frem fra ett tematisk korn, fra en kort spørrende intonasjon. «Preludier» er et levende eksempel på Liszts monotematisme.