Musikalsk litteratur. Sykliske former i den musikalske ordboken musikalsk ordbok: musikalsk leksikon Hva er klassisk musikk

Seksjon 2 Sjangere for kormusikk

Emner 11-12 SYKLER I VOKAL-KOR MUSIKK

Vokal og kor instrumentalverk komponister kombinerer ofte i sykluser. La oss huske instrumentell syklus Camille Saint-Saens Dyrenes karneval. Musikken til dette verket er full av humor, den inneholder stemmene til dyr.

Det mest favorittspillet til mange fans av arbeidet til K, Saint-Saens er "The Swan". I hovedtema Dette verket, som er utført av celloen, skildrer den grasiøse bevegelsen til en svane på vannet.

En vokalsyklus er en syklus av romanser eller sanger forent av én idé.

Husk hvilke skuespill fra Carnival of the Animals-syklusen av C. Saint-Saens du hørte på i tidligere klasser. Hva forener verkene i denne syklusen?

Den russiske komponisten Modest Petrovich Mussorgsky skapte den uovertrufne vokalsyklusen "Children's", bestående av syv musikalske miniatyrer for fremføring av en eller to vokalister, akkompagnert av piano. Versene for hver av disse små scenene ble skrevet av komponisten selv.

En miniatyr er et lite musikkstykke, oftest et instrumentalt stykke.

I det første stykket, With the Nanny, overtaler et barn barnepiken sin til å fortelle forskjellige historier. Det særegne ved dette verket ligger i det faktum at komponisten formidler den emosjonelle appellen til gutten med en resitativ. De understrekede stavelsene i ordene ah sammenfaller med det melodiske spranget. Takket være disse musikalske virkemidlene skapes inntrykket av et barns livlige tale.

Det andre verket i syklusen - "In the Corner" begynner med en "høy" emosjonell tone av barnepiken, som er sint på kjæledyret hennes Mikhasik. Ballen viklet seg, stengene tapt! Ahti! Droppet alle løkkene! Strømpen var sprutet med blekk!» 3 hjørner for å høre guttens sentimentale respons, nedfelt i mindre intonasjoner med en fallende ende. Ungen forklarer til barnepiken at kattungen gjorde skaden, ikke han.

Omslag av trykte noter fra "Barnas" syklus. Mussorgsky

Mikhas' tale utvikler seg gradvis - dynamikken endrer seg, tempoet akselererer, de usikre intonasjonene av unnskyldninger vokser til ropene til et fornærmet barn. I de fire siste taktene går tempoet i musikken noe ned – gutten «truer» barnepiken med at han ikke kommer til å elske henne i fremtiden, fordi hun fornærmet ham.

Syklusen inkluderte skuespillene "Beetle", "With a Doll", "For the Coming Sleep", "Cat Sailor", "On a Stick". Andre, som komponisten spilte for vennene sine, er ikke bevart i musikalsk form.

I hver del viser barna sine karaktertrekk på forskjellige måter. livssituasjoner. For å gjøre dette kombinerer forfatteren harmonisk ord og musikk. Takket være dette samspillet skaper hvert av de musikalske og poetiske skuespillene inntrykk av et komplett og komplett verk, som har rett til liv utenfor syklusen.

Modest Mussorgsky, "With the Nanny", "In the Corner" fra vokalsyklusen "Children's".

Av vokalscenene, likte du den mest? Med hvilke musikalske midler avslører komponisten barnets verden? Vær oppmerksom på uttrykksevnen til vokalmelodien, dens forbindelse med teksten. Hva er rollen til instrumentell akkompagnement i å skape musikalske og poetiske bilder?

PORTRETT AV EN KOMPONIST

Modest Petrovich Mussorgsky:

"Hvis lyduttrykket av menneskelig tanke og følelse i enkel tale reflekteres riktig i musikken min, og slik gjengivelse er musikalsk og kunstnerisk, så er alt i orden!"

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) - russisk nyskapende komponist, forfatter av operamesterverkene "Boris Godunov" og "Khovanshchina", hvis musikk har dype nasjonale røtter. Han er også forfatteren av orkestrale og kammerinstrumentale verk, romanser, som han stolte på folkekunst. Kunstnerens verk utmerker seg ved dybde, dramatikk og sannhet i bildene.

Født inn med. Karevo, Pskov-provinsen. Studerte og jobbet i St. Petersburg, tjenestegjorde i militæret. profesjonell musikkutdanning komponisten skjønte det ikke og begynte å lage musikk som amatør (amatør).

Imidlertid bestemte han seg senere for å vie livet sitt til kunst, og forlot tjenesten.

Aktiv kreativ aktivitet begynte i rekkene av den berømte nasjonalpatriotiske sirkelen av russiske komponister "The Mighty Handful". Materielt behov tvang ham imidlertid til å jobbe igjen som tjenestemann i forskjellige institusjoner, noe som distraherte kreativiteten.

I 1879, sammen med Opera sanger Daria Leonova foretok en konsertturné i byene i Ukraina. Ukrainske motiver gjenspeiles i hans uferdige opera " Sorochinskaya-messen basert på verket med samme navn av Nikolai Gogol.

Monument til N. Mussorgsky i nærheten musikkskole i Krivoy Rog (Ukraina)

1. Hvilke verk kombineres til musikalske sykluser? Hva er grunnlaget for vokalsyklusen?

2. Gi eksempler på musikalske i verket: instrumental, vokal, skrevet i form av en syklus.

Musikkprosjekt. Gå inn i seksjon skolebibliotek"Musikk for barn". Plukk opp bilder om barn som kan være epigrafillustrasjoner for hver syklus fra musikkbiblioteket ditt. Oppdrag etter ønske. Lag en syklus med flere kjente sanger om et spesifikt emne, gi det et navn. Tenk over konstruksjonen av vokalsyklusen, utviklingen av musikk i henhold til den valgte handlingen og innholdet i de omkringliggende sangene.

De musikalske syklusene inkluderer samlinger av sanger eller skuespill, laget i henhold til et bestemt tema eller avsluttet med forfatterne av fragmenter av deres egne operaer, balletter, symfonier.

Et av de mest elskede temaene som alltid har inspirert komponister til å lage "magisk" musikk er julehøytiden. Så, piano syklus miniatyrer på melodiene til julesanger, vanlig i ukrainernes liv, tilhører Vasily Barvinskys verk.

holdt seg ikke unna og utenlandske artister, hvorav mange ga lytterne gledelige minutter med julemusikk. For eksempel, Britisk komponist Benjamin Britten laget en korsyklus av julesanger som kan høres i julehøytiden i konsert haller forskjellige land.

Jeg er i musikkens verden: Jeg oppfatter, jeg forstår

Benjamin Britten, «Wreath of Carols» eller «Wreath of Christmas Carols» for kor, diskantsolister og harpe (nr. 2, 5, 10).

Beskriv den generelle stemningen i arbeidet og den enkelte korminiatyrer. Hvilke klangfarger bringer lyden av harpe?

PORTRETT AV EN KOMPONIST

Benjamin Britten:

"Ikke gi opp når du hører på et nytt stykke for første gang og ikke forstår det... Husk at musikk ikke er underholdning, selv om dette er hensikten med lett musikk."

Benjamin Britten (1913-1976) - britisk pianist, dirigent, en av de største komponistene på 1900-tallet, i hvis verk nesten alle musikalske sjangre er representert.

Født i Suffolk, sønn av en lege. Oppdaget som barn musikalsk evne og begynte å studere musikk under veiledning av sin mor, en amatørpianist og aktivt medlem av det lokale koret. De første små bitene inspirert av inntrykk familie liv, dukket opp tidlig - i en alder av 8. I en alder av 12 skrev Benjamin "Simple Symphony" for strykeorkester, og som 16-åring gikk han inn på Royal College of Music (Konservatoriet). I løpet av studiene skrev han mange kor, symfoniske og kammerverk inkludert flere barnesanger. Siden den gang har forfatteren hele tiden vendt seg til musikk for barn.

Den unge komponisten fikk sin første jobb i et filmselskap dokumentarer hvor det var et lite instrumentalt ensemble. Takket være sitt arbeid innen film lærte Britten å skrive musikk raskt, selv når det ikke var inspirasjon, og til ulike, ofte ikke i det hele tatt poetiske emner (for eksempel om lossing av et skip).

I 1939, da den andre Verdenskrig, Britten dro til Amerika. Som et svar på tragiske hendelser som fant sted i Europa, oppsto kantaten «Ballad of Heroes» – dedikert til kampen mot fascismen i Spania. I tre år vendte komponisten tilbake til hjemlandet og slo seg ned i kystbyen Aldbor. Flere operaer så verden der, spesielt "Peter Grimes".

Artisten skrev også mange musikkstykker for barn og ungdom. I stykket "La oss lage en opera" unge seere ta del selv.

OY POLYPLOG MALM

Å, åkeren har en malmplog.

God kveld, god kveld

Gode ​​mennesker til helse!

(Gjentas etter hver linje.)

Der går Vasilko med en plog.

Moren hans bringer ham mat.

Ori, sønn, thuyu kornåker.

Ja, og spis litt hvete.

1. Nevn vokal-kor-syklusene kjent for deg og deres forfattere.

2. Husk og forklar når julesanger synges i jule- og nyttårsferien, og når de er rause.

Musikkprosjekt. Spør hvilke julesanger og julesanger som er vanlige i ditt område. Skriv ned titlene og tekstene til favorittsangene dine. Ta opp melodier hvis mulig. Sammen med foreldre eller voksne, lag en "Krans av julesanger og generøsitet til familien min" eller "Julekrans av sanger fra mitt land."

Sonateform med episode brukes i ulike sjangere: separate stykker, finaler av sykliske former, langsomme deler.

En episode kan ha det ene eller det andre utfylte skjemaet.

I noen tilfeller dukker det opp en gjeng fra episode til reprise.

I tillegg er det kombinerte midtdeler i sonateform som bruker utvikling med en episode eller omvendt.

Dramaturgi i sonateform. Essensen av sonatedramaturgi (sonate) ligger ikke i sonateformens struktur, men i selve utviklingsprosessen. Denne prosessen kommer til uttrykk i spesielle relasjoner og funksjoner til det tematiske materialet. I motsetning til sammenstillingen eller gjennom utvikling som er typisk for en kompleks tredelt form eller rondo, utmerker sonateformen seg ved en dynamisk kombinasjon, som kommer til uttrykk i den intensive forberedelsen av følgende temaer eller avsnitt.

Enda viktigere for sonatedramaturgi er rollen og samspillet mellom funksjonene til materialet i utstillingen, hvorav det er tre:

1. hovedmaterialet som spiller en stor rolle i arbeidet og fokuserer lytterens oppmerksomhet (hovedemner);

2. forberedende materiale som forårsaker forventning om det neste (introduksjon, lenker, spådommer);

3. sluttmateriale av bekreftende karakter (sluttemner, koder).

I forholdet mellom hoved- og sidepartier er det alltid en ubalanse til fordel for P.P. Dette lettes av den store størrelsen til sistnevnte, og spesielt dens tonale fiksering ved hjelp av materiale av bekreftende karakter og kadens.

Sonateformen brukes i sonate-symfoni-syklusen (førstesats, finale, saktesats), individuelle verk av selvstendig karakter, ouverturer, sjeldnere vokalmusikk og operascener. 41. Forbindelser av deler av et instrumentelt syklisk verk.

Sykliske former i musikk er musikalske former for et verk, som antyder tilstedeværelsen av separate deler, uavhengige i struktur, men forbundet med en enhet av intensjon. I den akademiske musikkhistorien er syklusene "preludium-fuge", suitesykluser, sonate-symfoni-sykluser kjent. En syklus kan også kalles en serie sammenkoblede verk (som hver kan ha eller ikke har en syklisk form) eller konsertprogrammer. I ikke-akademisk musikk (jazz, rock) kan konseptuelle album og separate hovedverk trekke seg mot sykliske former.

Den todelte syklusen "preludium-fuge" har vært kjent siden barokken. Det foreslår funksjonaliseringen av opptakten som en improvisasjonsintroduksjon til fugaen.

"Prelude-fuge"-syklusene kan kombineres til større sykluser på grunnlag av et formelt eller tematisk prinsipp. Det mest kjente eksemplet er The Well-Tempered Clavier av J.S. Bach, bygget på prinsippet om en viss veksling av modale korrespondanser. Et eksempel fra musikken på 1900-tallet er "24 Preludes and Fugues" av D. D. Shostakovich.

Suiten, kjent siden 1500-tallet, er preget av:

koblingen av individuelle deler av verket med tradisjonelle anvendte (sang, dans) sjangre, enkelheten i strukturen til delene;

kontrast sammenstilling av deler;

en tendens til enhet eller nærmeste tilhørighet til nøklene til delene.

Toppene av sjangeren i barokkmusikk er suitene til J. S. Bach og G. F. Handel, i den klassiske perioden - W. A. ​​​​Mozart og J. Haydn. På 1800-tallet vendte store komponister seg til sjangeren til suiten hovedsakelig for stiliseringsformål (E. Grieg, M. Ravel og andre).

På 1900-tallet ble sjangeren til suiten betydelig omtenkt, nye teknikker ble brukt på den (slik som for eksempel dodekafoniske orkestersuiter av A. Schoenberg og A. Berg), nytt materiale(for eksempel i P. Hindemiths suite "1922" brukes fasjonable danser fra tilsvarende tid: shimmy, boston, ragtime).

Noen verk av ikke-akademisk musikk (hovedsakelig progressiv rock) trekker også mot suiteformen. Eksempler inkluderer "Lizard" fra King Crimsons selvtitulerte album og "Atom Heart Mother" fra Pink Floyds selvtitulerte album. Men "rocksuiter" kalles også ofte komposisjoner som trekker mer mot frie og blandede former (i tradisjonell musikkteoretisk terminologi).

Den sonate-symfoniske syklusen inkluderer de mest abstrakte sjangrene av akademisk musikk, som symfoni, sonate, kvartett, konsert. Den er preget av:

abstraksjon fra musikkens anvendte natur (selv om anvendt materiale brukes som materiale til en hvilken som helst del);

muligheten for figurative og semantiske kontraster mellom separate deler (opp til deres direkte motsetning);

kompleks tonal utvikling;

etablerte funksjoner og former for individuelle deler (karakteristisk for individuelle sjangere av sonatasymfonisk musikk).

Den klassiske sonaten ble dannet i løpet av 1700-tallet, nådde sitt høydepunkt i wienerklassikerne og forblir, med noen forbehold, en levende sjanger. Symfonien som sjanger ble dannet på midten av 1700-tallet, den nådde også sitt høydepunkt i wienerklassikerne og er fortsatt en levende sjanger av akademisk musikk. (Den symfoniske formen skal ikke forveksles med symfonisme, som også kan være karakteristisk for verk som ikke tilhører denne formen). Kvartetten fikk form av en sonatesyklus i J. Haydns verk og videreutviklet i Wien-klassikernes verk. I andre halvdel av 1900-tallet ble ledemotiv og monotematiske prinsipper karakteristiske for mange verk av denne sjangeren. Konserten, som et slags sonatesymfonisk syklisk verk, som er preget av motsetningen av lyden til hele ensemblet og enkeltgrupper eller solister, tok form i sin nå kjente form mot slutten av 1700-tallet.

Et musikkverk kan bestå av deler forent etter et prinsipp som er forskjellig fra de i de oppførte sjangrene, og likevel ha en syklisk karakter i en eller annen grad. Slike er mange sjangre av anvendt hellig musikk (messe, hellig konsert, vigil), kantater, vokal- og vokal-kor-sykluser (narrative og lyriske).

Hele verk kan også kombineres til en syklus (som hver i sin tur kan ha en syklisk karakter eller ikke). Dette er syklusene av preludier og fuger nevnt ovenfor, R. Wagners tetralogi Der Ring des Nibelungen, konseptuelle album innen ikke-akademisk musikk, samt individuelle hovedverk innen jazz og rock. 42. Musikalsk språk.

Musikalsk språk er, som andre språksystemer, en organisasjon av denne typen, hvis representasjon i form av et hierarkisk system har mer forklaringskraft enn en enkel taksonomisk beskrivelse. Som et resultat er det akseptert at de musikalske tekstene vi observerer utgjør "musikalsk tale", som er realiseringen, produktet av et ideelt (ikke direkte observerbart) system - det musikalske "språket". ... For det første krever selve begrepet "musikalsk språk" (og følgelig "musikalsk tale") avklaring. Det første forstås som et system som på ingen måte bare realiseres i litterære tekster, som reduserer enkelte konstruksjonsmønstre. Snakker. for eksempel "språket i Beethovens verker", mener vi et system som genererer ikke bare disse verkene, men også alle slags tekster som bevarer mønstrene som er karakteristiske for Beethovens verk. . . . Musikalsk tale med denne forståelsen viser seg å være åpen, det vil si at den består av et uendelig antall tekster. .

Deretter er begrepet stil viktig for oss. Dette konseptet kan defineres som et sett med tekster som er postulert å representere implementeringen av ett system. På den andre siden. Med hensyn til forskjellige stiler, antas det at de implementerer forskjellige systemer. .

Strukturen til det musikalske systemet er representert som et hierarki av nivåer. Så, tilsynelatende, er det mulig å skille ut nivået til individuelle lyder, nivået på lydkombinasjoner, det harmoniske nivået (nivået på akkorder), nivået (eller en rekke nivåer) av formell artikulasjon. Innenfor ett nivå er det enheter av samme rekkefølge - lyder, kombinasjoner av lyder, akkorder, ulike deler av formen. Modellen for hvert nivå skal tilsynelatende generere tekster som er korrekte fra dette nivåets synspunkt. "43. Musikalsk-leksikalske strukturer

Sammen med rent terminologisk vokabular inkluderer ordboken et omfattende lag med generell litterært vokabular som brukes i musikklitteratur for å evaluere og beskrive musikkverk, samt for å beskrive deres innvirkning på indre verden person, på den estetiske oppfatningen til lytteren. Ordboken ble utarbeidet med engelsk og amerikansk forklarende ordbøker av musikk, musikalsk leksikon, samt originaltekster fra musikkbøker. Menneskelivet kan ikke tenkes uten lydkunstneriske bilder som oppstår i det mentale rommet når man oppfatter musikk. Denne monografien undersøker innholdsstrukturen til "musikalske" fragmenter av verdensbildet, representert ved hjelp av moderne engelsk. De kognitive strukturene som ligger til grunn for oppfatningen av musikalsk vokabular av både en profesjonell og en amatør blir analysert. Metaforiske modeller presenteres som et kognitivt grunnlag for dannelsen av musikalske termer og vanlig brukte musikalske vokabular for det engelske språket. Musikkspråkets funksjon i tekster med ulike forhold mellom verbale og visuelle deler vurderes. Denne boken er enda et steg i studiet av forholdet mellom de to verdenene – språk og musikk. Boken er ment for alle som er interessert i spørsmål om mental strukturering av den språklige oppfatningen av den omliggende virkeligheten. 44. Enkle musikalske virkemidler og deres semantikk

Verket består av separate musikalske fraser - små integrerte musikalske fragmenter. Musikalske fraser er kombinert i perioder. Perioder som høres likt ut kombineres til deler. Fragmenter (fraser, perioder, deler) av et musikalsk verk er indikert med latinske bokstaver: A, B, C, etc. Ulike kombinasjoner av fragmenter danner ulike musikalske former. Så, en vanlig form i klassisk musikk - ABA (sangform), betyr at den originale del A forsvinner når den erstattes av del B, og gjentas på slutten av verket.

Det er også en mer kompleks strukturering: motiv (det minste elementet i en musikalsk form; 1-2 takter), frase (en komplett musikalsk tanke; 2-4 takter), setning (den minste delen av en melodi fullført av en slags kadens; 4-8 takter), punktum (element av musikalsk form; 8-16 takter; 2 setninger)

Ulike måter å utvikle og sammenligne elementene i en melodi førte til dannelsen av forskjellige typer musikalske former:

Form i ett stykke (A)

Det kalles også balladeformen eller luften. Den mest primitive formen. Melodien kan gjentas med mindre endringer (form AA1A2...). Eksempler: ting.

Todelt form (AB)

Det består av to kontrasterende fragmenter – et argument og et motargument (for eksempel stykket «Orgelkvernen synger» fra P.I. Tsjaikovskijs «Barnealbum»). Men hvis fragmentene ikke er kontrasterende, det vil si at det andre fragmentet er bygget på materialet til det første, blir den todelte formen til en variasjon av den endelte formen. Likevel blir slike verk (for eksempel stykket «Erindring» fra R. Schumanns «Album for ungdom») noen ganger omtalt som todelt.

Tredelt skjema (ABA)

Det kalles også sang eller ternær. Det er 2 typer tredelt form - enkel og kompleks; Enkelt sagt er hver seksjon en periode, den midterste kan være en kort overgang; i kompleks - hver seksjon er som regel en todelt eller enkel tredelt form.

konsentrisk form

Den konsentriske formen består av tre eller flere deler, som gjentas etter den sentrale i omvendt rekkefølge, for eksempel: A B C B A 45. Semantikk av musikalske komposisjonsformer

Det musikalsk-komposisjonelle systemet har et så detaljert sett med konsepter som gjør at det kan "se" musikalske verk til minste detalj. Ingen annen musikkvitenskap har en slik skarphet og nøyaktighet av "visjon" - musikkhistorien, teorien om ytelse, musikalsk etnografi, musikalsk estetikk, etc. Samtidig har musikalske og kompositoriske konsepter en tendens til å "tilegne seg" semantikk, som dannes i den langsiktige erfaringen til musikere i kommunikasjon med det konseptuelle systemet som forklarer musikk. Semantikk og seg selv musikalske komposisjoner- deres typer, varianter, individuelle tilfeller. Musikalske former fanger naturen til musikalsk tenkning, dessuten flerlagstenkning, som gjenspeiler ideene fra epoken, den nasjonale kunstskolen, stilen til komponisten, etc. Dermed bør både gjenstanden for betraktningen - formene, komposisjonene til musikkverk - og analysemetodene være knyttet til musikkens ekspressive og semantiske sfære.

Teoretisk musikkvitenskap omhandler to typer språk - musikkens kunstneriske språk og det vitenskapelige språket for teoretiske begreper om musikk. Det er en kategorisk forskjell mellom disse språkene, men det er også en likhet - tilstedeværelsen av etablerte semantiske betydninger. I musikalsk språk semantikk har en assosiativ-ekspressiv karakter, med assosiativ-konseptuell blanding, i vitenskapelig - tvert imot, assosiativ-konseptuell med assosiativ-ekspressiv blanding; i musikk er språkets enhet intonasjon, i musikkteori ordet-term. Når det gjelder metodikken for musikkanalyse, er det viktig at det hele tiden dannes forbindelser mellom musikalske intonasjoner og musikkologiske begreper (ord), som metter musikkens språk med økt betydning, konseptualitet og billedspråk, ekspressivitet - musikkvitenskapens språk. La oss ta «sonateutvikling» som eksempel. På den ene siden, når det gjelder musikalsk og kunstnerisk, er utøveren forpliktet til å spille denne delen av sonateformen så ustabil, fantasilignende at et konseptuelt tegn bør sveve «i luften» i konsertsalen: «dette er utvikling". På den annen side, når det gjelder teoretisk vitenskap, skal tegnet, konseptet "sonateutvikling" fremkalle ideen om en slags musikalsk ustabilitet, fantasi og være omgitt av noen imaginære intonasjonslyder av en sonateutvikling. I driften av "mekanismen" til en slik forbindelse mellom elementene i musikalsk-kunstneriske og musikalsk-teoretiske språk, er det en garanti for at operasjonene til musikalsk analyse (med tilbørlig dyktighet, kunst) kan tjene til å avsløre det ekspressive og semantiske logikken i et musikalsk verk.

"Læren om musikalsk form" (musikalische Formenlehre) oppsto historisk i Tyskland på slutten av 1700-tallet. og hadde som mål å bestemme normene for komposisjonsstruktur for verk av forskjellige sjangre - motett, opera-aria, sonate, etc. Det grunnleggende grunnleggende verket om musikalsk form, "The Doctrine of Musical Composition" av A.B. Marx (1837-1847), betraktet "former" i en systemisk enhet med sjangere og alle aspekter av musikalsk komposisjon - intervaller, harmoni, polyfoni, instrumentering, etc. Det var ikke ordet «form» som ble plassert i tittelen, men ordet «sammensetning». Ordet "form" hadde en lang filosofisk tradisjon og korresponderte blant annet med kategorien skjønnhet - med utgangspunkt i Plotinus, hans "Skjønnhetsmetafysikk" (3. århundre), gjenopplivet på 1700-1800-tallet. Shaftesbury og Winkelman. Og Glinka sa: "Form betyr forholdet mellom deler og helhet, form betyr skjønnhet."

Samtidig er ikke begrepet «musikalsk form» identisk med begrepet «form» i filosofi og estetikk. "Musikalsk form" er en mono-kategori, ikke koblet i en dyade eller triade med noen andre kategorier. Det står ikke i motsetning til «innhold», men har innhold, det vil si den ekspressiv-semantiske, innasjonale essensen av et musikkverk. I den filosofiske tradisjonen er "form" ikke uavhengig og forstås kun i sammenheng med komplementære kategorier: materie og "eidos" (det vil si "form" - hos Platon), materie, form, innhold (i Hegel), form og innhold (i Schiller). , i marxistisk-leninistisk filosofi og estetikk). I lys av ikke-identiteten til den filosofiske og musikalske "formen", og også, etter forfatterens mening, foreldelsen av den filosofiske dyaden "innholdsform", er det tilrådelig å bruke en nyere, semiotisk opposisjon i musikkvitenskap: " innholdsplanet - uttrykksplanet".

I. musikalsk form som fenomen;

II. musikalsk form som en historisk typisk komposisjon;

III. musikalsk form som en individuell komposisjon av et verk.

Innholdet i den musikalske formen som fenomen (I) samsvarer med innholdsbegrepet musikk og kunst generelt. I kunsten som helhet er lag smeltet sammen, som kan kalles "spesielle" og "ikke-spesielle". Det "ikke-spesielle" laget reflekterer virkelige verden inkludert negative aspekter. "Spesiell" er den ideelle skjønnhetens verden, som bærer den etiske ideen om godhet til mennesket, den estetiske ideen om universets harmoni og psykologisk - følelsen av glede. Den musikalske formen er først og fremst knyttet til kunstens «spesielle» innhold. Og hele systemet med musikalske og kompositoriske teorier lærer å oppnå harmoni, ikke kakofoni, koherensen av stemmene, ikke deres separasjon, rytmisk organisering, ikke desorganisering, til slutt - dannelsen av former, konstruksjonen av formen og ikke formløsheten . Og hun streber etter å utvikle universelle komposisjonsregler som ikke endres avhengig av den spesifikke ideen om et bestemt verk. Følgelig er vitenskapen om musikalsk form vitenskapen om musikalsk skjønnhet, om det ideelle, "spesielle" laget av musikkens innhold.

Innholdet, semantikken i den musikalske formen som en historisk typifisert komposisjon (II) er dannet på grunnlag av samme språklige mekanisme som semantikken. musikalsk sjanger. Sjangerformer er den gregorianske messen, middelalder-revival rondo, virele, ballata, le og andre, sjangerfargingen er klassisk to- og tredelt "sangformer", "adagioform" og andre. Semantikken til musikalske former er i stor grad påvirket av estetikk, kunstneriske ideer epoken som påvirket fremveksten eller førte til blomstringen av en eller annen form. For eksempel inneholder blandingsformene på 1800-tallet, som dukket opp i en tid med figurativ og konstruktiv innflytelse på musikken til de poetiske sjangrene av ballader, dikt, semantikken til fortelling om uvanlige hendelser, med mirakuløse transformasjoner (transformasjoner), med en stormfull, kulminerende slutt. Å etablere semantikken til typiske, historisk utvalgte musikalske former er det metodiske trekk ved denne læreboken.

Den musikalske formen som en individuell komposisjon av et verk (III) fremstår i form av to hovedsaker: 1) konkretisering av en historisk typifisert form, 2) en individuell, utypet form. I begge tilfeller er den meningsfulle betydningen av formen diktert av den levende originale ideen om komposisjonen. Så Chopins Nocturne i c-moll, skrevet i en typisk kompleks tredelt form, har et sjeldent trekk - en transformert reprise, som ble reflektert i den romantiske plot-dikt-tenkningen på 1800-tallet. Og den utypede formen, for eksempel, til den tredje kvartetten av Gubaidulina kommer fra den unike ideen om samspillet mellom typer lyduttrykk når du spiller pizzicato og bue.

Av de tre innholdsnivåene i den musikalske formen er det første, metanivået, universelt og er tilstede i alle musikkverk. Den andre, nær kategorien sjanger i semiotisk forstand, den mest tydelige semantisk, er historisk lokal. Det tredje nivået er uunnværlig, men graderingene varierer fra et minimalt avvik fra standardformens standard til en uforlignelig, unik musikalsk komposisjon. 46. ​​Tekstur som et element i musikalsk språk.

Faktura (lat. factura - enhet, struktur) - typisk måte design av en polyfonisk musikalsk komposisjon i et av de (polyfoniske) musikalske varehusene. I russisk musikkvitenskap blir det (metaforiske) begrepet "musikalsk stoff" ofte brukt som et synonym for tekstur. For eksempel beskriver uttrykket "kortekstur" den typiske komposisjonen av det musikalske stoffet i monorytmiske arrangementer. kirkesanger("choralach") I.S. Bach og andre barokkkomponister, "arpeggiated texture" - i claviersonatene til D. Scarlatti, pointillisme - tekstur, bestående av "isolerte" toner fordelt mellom individuelle stemmer eller instrumenter i musikken til A. Webern, etc.

Konseptet tekstur er nært knyttet til konseptet med et musikalsk lager, som uttrykkes i typiske setninger, for eksempel "gammel homofonisk tekstur", "polyfonisk tekstur", "heterofon tekstur", etc. 47. Melodi som et element i musikalsk språk.

For å forstå musikk er tre ting nødvendig, to av dem er åpenbare, den tredje er det ikke.

Den første nødvendige tingen er evnen til å skille ved øret elementer av det musikalske språket - dynamisk, klangfarget, rytmisk, melodisk, harmonisk, polyfonisk, strukturell. Du bør ikke være redd for disse spesielle ordene - alt er ikke så vanskelig.

Dynamiske elementer er de mest åpenbare. Musikken kan være myk eller høy, og lyden kan tone inn eller ut.

Timbre-elementer er det som for eksempel lydene til ulike musikkinstrumenter skiller seg fra hverandre. Vi kan umiskjennelig, med minimal musikalsk erfaring, skille lyden av en fiolin fra lyden av et piano. La oss, som en første tilnærming, bli enige om at klang er det som får oss til å gjenkjenne ulike lydkilder - stemmen til en fløyte og stemmen til en harpe, stemmen til mor og stemmen til far.

Rytmiske elementer er, i den enkleste presentasjonen, forhold mellom varigheten av lyder. Musikk eksisterer i tid, og noen lyder varer lenger enn andre. Faktisk er alt mye mer komplisert, men til å begynne med vil vi begrense oss til en slik definisjon.

Melodiske elementer er forholdet mellom lyder i høyden. I dette tilfellet skal lydene ikke spilles samtidig, men etter tur. Faktisk, igjen, er alt mer komplisert, men for nå er denne definisjonen nok. Hvis det ikke er helt klart for deg hva "pitch" er, så er her en tilgjengelig definisjon: for at lyd skal finne sted, må det være en klingende kropp - en klokke, en streng, en luftsøyle i et rør ( fløyte, orgelpipe, etc. ). Den lydende kroppen svinger med en eller annen hastighet (for eksempel 100 eller 500 vibrasjoner per sekund). Jo flere svingninger per sekund, jo høyere lyd, som man sier. Selv de såkalte "ikke-musikalske" menneskene (selv om det praktisk talt ikke finnes slike mennesker i naturen, men de sier det) skiller mellom lyder "tykke" og "tyne", "mørk" og "lys" - dette er det grunnleggende skille mellom lyder i tonehøyde.

Harmoniske elementer er også forholdet mellom lyder i høyden, men nå skal lydene spilles ikke etter tur, men samtidig. I dette tilfellet er det som regel mer enn to slike samtidig gjengitte lyder. Og igjen, faktisk er alt mer komplisert, men foreløpig er dette nok til i det minste på en eller annen måte å forstå ordet "harmoni".

Polyfoniske elementer er også den samtidige gjengivelsen, men ikke av individuelle lyder, men av to eller flere forskjellige melodier.

Strukturelle elementer er det musikken minner spesielt om språk og litteratur. I et musikkstykke kan du høre individuelle musikalske "ord", "fraser", "avsnitt", "kapitler". Men dette betyr ikke at musikalske «ord» blir oversatt til vanlig språk på samme måte som vi oversetter, for eksempel, fra spansk til russisk. Og likevel er den musikalske flyten ikke kontinuerlig, men delt inn i deler – både små og store – og denne inndelingen kan oppfattes på gehør.

Nå, når jeg plutselig begynner å snakke om dynamikk, klang, rytme, melodi, harmoni, polyfoni og struktur, vil vi allerede vite hva vi snakker om.

Husk at, som nevnt ovenfor, tre ting er nødvendig for å forstå musikk, og så langt har vi bare snakket om den første av dem - evnen til å skille elementer av musikalsk språk med gehør.

Moderne musikkvitenskap bruker de grunnleggende prinsippene for den semiotiske tilnærmingen til musikk og dens språk. Musikkspråket kan betraktes som et sett med musikalske virkemidler (elementer) som har utviklet seg i prosessen med historisk utvikling og har en kompleks struktur, betraktet som en felles kulturarv, som alle elementer er sammenkoblet.

Omverdenen er fylt med lyder av ulike slag: her er lydene uttalt av personen selv og ved hjelp av musikkinstrumenter for å uttrykke hans tanker, opplevelser, samt lyder som eksisterer direkte i naturen. Enhver gjenstand kan produsere lyd (både livlig og livløs) av forskjellige kvaliteter. Lyder høres fra overalt, de kan høres hvor som helst: hjemme, på jobben, på kysten, i skogen osv. Noen ganger overføres vanlige lyder av komponisten til et musikkstykke, så får de status som musikalske, noe som fører til ideen om at skrik, lydene av affekter kan kalles musikalske hvis de er inkludert i flyten av et musikalsk budskap og de gis en musikalsk betydning.

Tradisjonelt inkluderer elementene i musikkspråket som et spesielt tegnsystem lyder preget av tonehøyde, lydstyrke, varighet og klang, som utgjør en melodi, harmoni (individuelle konsonanser, akkorder). Musikalske lyder, som interagerer med hverandre, danner metrorytmiske mønstre, formes til et verk som inneholder et bestemt musikalsk bilde.

Et karakteristisk trekk ved musikkspråket er tilstedeværelsen i det av forskjellige tegnnivåer som samhandler med hverandre. Det er følgende nivåer av musikalsk uttrykksevne (musikalsk språk), som danner et system av nivåer: tonehøyde (modus, harmoni, klangfarger, registre, tonalitet, melodi); rytmisk (rytmiske mønstre); komposisjonell side (den musikalske prosessen som helhet): alle virkemidler som skaper en komposisjon; forestillingstolkning (agogikk, artikulasjon, slag og forestillingsintonasjon). Musikkspråket er et heterogent system som inneholder elementer både høyt organisert (harmonisk side) og mindre organisert (dynamikk).

Så musikkens språk er et komplekst hierarkisk system på flere nivåer, som er preget av en tendens til utvikling, konsistens og muligheten til å oppdatere delene som utgjør det. 48. Harmoni som et element i musikalsk språk.

Harmoni (gammelgresk ἁρμονία - forbindelse, orden; system, harmoni; koherens, proporsjonalitet, harmoni) - et kompleks av begreper innen musikkteori. Harmonisk kalles (inkludert i dagligtale) en sammenheng av lyder behagelige for øret og forstås av sinnet (musikalsk og estetisk konsept). I et vitenskapelig perspektiv fører denne ideen til det kompositoriske og tekniske konseptet harmoni som kombinasjonen av lyder til konsonanser og deres regelmessige sekvens. Harmoni som en vitenskapelig og pedagogisk-praktisk disiplin studerer tonehøydeorganiseringen av musikk.

Konseptet med harmoni brukes til å karakterisere et logisk organisert tonehøydesystem: type modus (modal harmoni, tonal harmoni), musikalsk stil (for eksempel "barokkharmoni"), individuelt spesifikk utførelse av tonehøyde ("Prokofjevs harmoni"), karakteristiske akkorder (harmoni som synonym for ordene "akkord, konsonans).

Begrepet harmoni bør imidlertid ikke forveksles med begrepene "akkompagnement", homofoni (for eksempel i uttrykket "melodi og harmoni" i stedet for "melodi og akkompagnement" eller i stedet for "melodi og akkord"; "polyfoni" og harmoni" i stedet for "polyfoni og homofoni").

Klassiske komponister er kjent over hele verden. Hvert navn musikalsk geni- en unik individualitet i kulturhistorien.

Hva er klassisk musikk

Klassisk musikk - fortryllende melodier skapt av talentfulle forfattere, som med rette kalles klassiske komponister. Verkene deres er unike og vil alltid være etterspurt av utøvere og lyttere. Klassisk er det på den ene siden vanlig å kalle streng, dyp musikk som ikke er relatert til retningene: rock, jazz, folk, pop, chanson osv. På den annen side er det i den historiske utviklingen av musikk en periode på slutten av XIII - tidlig XX århundre, kalt klassisisme.

Klassiske temaer kjennetegnes av sublim intonasjon, raffinement, en rekke nyanser og harmoni. De har en positiv effekt på det følelsesmessige verdensbildet til voksne og barn.

Stadier av utvikling av klassisk musikk. Deres korte beskrivelse og hovedrepresentanter

I historien om utviklingen av klassisk musikk kan stadier skilles:

• Renessanse eller renessanse – tidlig på 1300-tallet – siste fjerdedel av 1500-tallet. I Spania og England varte renessansen til tidlig på 1600-tallet.
• Barokk - kom til å erstatte renessansen og varte til begynnelsen av 1700-tallet. Spania var sentrum for stil.
• Klassisisme - en utviklingsperiode Europeisk kultur fra begynnelsen av 1700-tallet til begynnelsen av 1800-tallet.
• Romantikken er en retning motsatt av klassisismen. Det varte til midten av 1800-tallet.
• Klassikere fra det 20. århundre - moderne tid.

Kort beskrivelse og hovedrepresentanter for kulturperioder

1. Renessanse - en lang periode med utvikling av alle kulturområder. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria komponerte og overlot udødelige kreasjoner til ettertiden.

2. Barokk - i denne epoken dukker det opp nye musikalske former: polyfoni, opera. Det var i denne perioden Bach, Handel, Vivaldi skapte sine berømte kreasjoner. Bachs fuger er bygget i samsvar med klassisismens krav: obligatorisk overholdelse av kanonene.

3. Klassisisme. Wienerklassiske komponister som skapte sine udødelige kreasjoner i klassisismens tid: Haydn, Mozart, Beethoven. Sonateform vises, sammensetningen av orkesteret øker. og Haydn skiller seg fra de tunge verkene til Bach ved deres ukompliserte konstruksjon og elegansen i deres melodier. Det var fortsatt en klassiker som strebet etter perfeksjon. Beethovens komposisjoner er grensen for kontakt mellom romantisk og klassiske stiler. I musikken til L. van Beethoven er det mer sensualitet og glød enn rasjonell kanonitet. Slike viktige sjangre som symfoni, sonate, suite, opera skilte seg ut. Beethoven ga opphav til den romantiske perioden.

4. Romantikk. Musikkverk er preget av farger og dramatikk. Ulike sangsjangre dannes, for eksempel ballader. Pianokomposisjoner av Liszt og Chopin fikk anerkjennelse. Romantikkens tradisjoner ble arvet av Tsjaikovskij, Wagner, Schubert.

5. Klassikere fra 1900-tallet - preget av forfatternes ønske om nyskaping i melodier, oppsto begrepene aleatorisk, atonalisme. Verkene til Stravinsky, Rachmaninov, Glass er referert til det klassiske formatet.

Russiske klassiske komponister

Tsjaikovskij P.I. - Russisk komponist musikalsk kritiker, offentlig person, lærer, dirigent. Hans komposisjoner er de mest fremførte. De er oppriktige, lett å oppfatte, gjenspeiler den poetiske originaliteten til den russiske sjelen, pittoreske bilder av russisk natur. Komponisten skapte 6 balletter, 10 operaer, mer enn hundre romanser, 6 symfonier. Verdensberømt ballett " Svanesjøen”, opera “Eugene Onegin”, “Barnealbum”.

Rachmaninov S.V. - virker fremragende komponist følelsesladet og munter, og noen er dramatiske i innholdet. Sjangrene deres er forskjellige: fra små skuespill til konserter og operaer. De generelt anerkjente verkene til forfatteren: operaer " Snille ridder", "Aleko" basert på Pushkins dikt "Gypsies", "Francesca da Rimini" basert på et plott lånt fra " Guddommelig komedie» Dante, dikt "Klokkene"; suite "Symfoniske danser"; pianokonserter; vokal for stemme med pianoakkompagnement.

Borodin A.P. var komponist, lærer, kjemiker, lege. Den mest betydningsfulle kreasjonen er operaen "Prins Igor" av historisk arbeid"The Tale of Igor's Campaign", som ble skrevet av forfatteren i nesten 18 år. I løpet av sin levetid hadde ikke Borodin tid til å fullføre den, etter hans død fullførte A. Glazunov og N. Rimsky-Korsakov operaen. Flott komponist er stamfaren klassiske kvartetter og symfonier i Russland. "Bogatyr"-symfonien regnes som kronen på verket til verdens og russisk nasjonalheroisk symfoni. De instrumentelle kammerkvartettene, den første og andre kvartetten ble anerkjent som fremragende. En av de første som introduserte helteskikkelser fra gammel russisk litteratur i romanser.

Flotte musikere

M. P. Mussorgsky, som kan sies å være en stor realistisk komponist, en dristig innovatør, som berører akutte sosiale problemer, en utmerket pianist og en utmerket vokalist. Den mest betydningsfulle musikalske verk er operaene «Boris Godunov» basert på det dramatiske verket til A.S. Pushkin og "Khovanshchina" - folkemusikalsk drama, hoved skuespillerkarakter disse operaene - de opprørske menneskene fra forskjellige sosiale lag; kreativ syklus "Bilder på en utstilling", inspirert av Hartmanns verk.

Glinka M.I. - en berømt russisk komponist, grunnleggeren av den klassiske retningen i russisk musikkkultur. Han fullførte prosessen med å lage en skole med russiske komponister, basert på verdien av folkemusikk og profesjonell musikk. Mesterens verk er gjennomsyret av kjærlighet til fedrelandet, reflekterer den ideologiske orienteringen til folket i det. historisk epoke. Det verdenskjente folkedramaet «Ivan Susanin» og eventyroperaen «Ruslan og Lyudmila» har blitt nye trender i russisk opera. Symfoniske verk«Kamarinskaya» og «Spanish Overture» av Glinka er grunnlaget for russisk symfonisme.

Rimsky-Korsakov N.A. er en talentfull russisk komponist, marineoffiser, lærer, publisist. To strømninger kan spores i arbeidet hans: historiske ("Tsarens brud", "Pskovite") og fabelaktig ("Sadko", "Snow Maiden", Suite "Scheherazade"). Særpreget trekk komponistens verk: originalitet basert på klassiske verdier, homofoni i den harmoniske konstruksjonen av tidlige komposisjoner. Hans komposisjoner har en forfatterstil: originale orkesterløsninger med uvanlig bygde vokalpartiturer, som er de viktigste.

Russiske klassiske komponister prøvde å reflektere i verkene sine den kognitive tenkningen og folkloren som er karakteristisk for nasjonen.

Europeisk kultur

Kjente klassiske komponister Mozart, Haydn, Beethoven bodde i hovedstaden musikalsk kultur den gang - Wien. Genius kombinerer mesterlig fremføring, utmerkede komposisjonsløsninger, bruk av forskjellige musikalske stiler: fra folketoner til polyfoniske utviklinger musikalske temaer. De store klassikerne er preget av en omfattende kreativ mental aktivitet, kompetanse, klarhet i konstruksjonen av musikalske former. I deres verk er intellekt og følelser, tragiske og komiske komponenter, letthet og klokskap organisk knyttet sammen.

Beethoven og Haydn graviterte mot instrumentale komposisjoner, Mozart klarte mesterlig både opera- og orkesterkomposisjoner. Beethoven var en uovertruffen skaper av heroiske verk, Haydn satte pris på og brukte med hell humor, folk-sjangertyper i sitt arbeid, Mozart var en universell komponist.

Mozart er skaperen av sonatens instrumentalform. Beethoven perfeksjonerte det, brakte det til uovertrufne høyder. Perioden ble en periode med kvartettens storhetstid. Haydn, etterfulgt av Beethoven og Mozart, gir et betydelig bidrag til utviklingen av denne sjangeren.

italienske mestere

Giuseppe Verdi - fremragende musiker 1800-tallet utviklet den tradisjonelle italienske operaen. Han hadde upåklagelig håndverk. Kulminasjonen av komponeringsaktiviteten hans var operaverk"Trubadur", "La Traviata", "Othello", "Aida".

Niccolo Paganini - født i Nice, en av de mest musikalsk begavede personlighetene på 1700- og 1800-tallet. Han var en virtuos på fiolin. Han komponerte caprices, sonater, kvartetter for fiolin, gitar, bratsj og cello. Han skrev konserter for fiolin og orkester.

Gioacchino Rossini - arbeidet på 1800-tallet. Forfatter av åndelig og kammermusikk, komponert 39 operaer. Fremragende verk - "Barberen fra Sevilla", "Othello", "Askepott", "The Thieving Magpie", "Semiramide".

Antonio Vivaldi er en av store representanter fiolinkunst på 1700-tallet. Han fikk berømmelse takket være sine mest bemerkelsesverdig arbeid- 4 fiolinkonserter "Seasons". Levde et utrolig produktivt liv kreativt liv, komponert 90 operaer.

Kjente italienske klassiske komponister etterlot seg en evig musikalsk arv. Deres kantater, sonater, serenader, symfonier, operaer vil gi glede til mer enn én generasjon.

Egenskaper ved oppfatning av musikk av et barn

Å lytte til god musikk har en positiv effekt på den psyko-emosjonelle utviklingen til barnet, ifølge barnepsykologer. God musikk introduserer for kunst og danner en estetisk smak, så tenker lærerne.

Mange kjente kreasjoner ble skapt av klassiske komponister for barn, tatt i betraktning deres psykologi, persepsjon og aldersspesifikasjoner, det vil si for å lytte, mens andre komponerte forskjellige stykker for små utøvere som lett ble oppfattet av øret og teknisk tilgjengelig for dem.

"Children's Album" av Tchaikovsky P.I. for små pianister. Dette albumet er en dedikasjon til en nevø som elsket musikk og var veldig begavet barn. Samlingen inneholder mer enn 20 stykker, noen av dem basert på folkloremateriale: napolitanske motiver, russisk dans, tyrolske og franske melodier. Samling "Barnesanger" av Tchaikovsky P.I. designet for auditiv persepsjon barnepublikum. Sanger med optimistisk stemning om våren, fugler, en blomstrende hage ("Min hage"), om medfølelse for Kristus og Gud ("Kristus babyen hadde en hage").

Klassiker for barn

Mange klassiske komponister jobbet for barn, listen over verk er veldig mangfoldig.

Prokofiev S.S. «Peter og ulven» er et symfonisk eventyr for barn. Takket være dette eventyret blir barn kjent med musikkinstrumentene til symfoniorkesteret. Teksten til historien ble skrevet av Prokofiev selv.

Schumann R. «Barnescener» er korte musikalske historier med et enkelt plot, skrevet for voksne utøvere, barndomsminner.

Debussys pianosyklus "Children's Corner".

Ravel M. "Mother Goose" basert på eventyrene til Ch. Perrault.

Bartok B. "First Steps at the Piano".

Sykluser for barn Gavrilova S. "For de minste"; "Eventyrets helter"; "Barn om dyr."

Shostakovich D. "Album pianostykker for barn".

Bach I.S. Notatbok for Anna Magdalena Bach. Han lærte barna musikk og laget spesielle stykker og øvelser for dem for å utvikle tekniske ferdigheter.

Haydn J. - stamfader til den klassiske symfonien. Laget en spesiell symfoni kalt "Children's". Instrumentene som brukes: nattergal av leire, rangle, gjøk - gi den en uvanlig lyd, barnslig og provoserende.

Saint-Saens K. kom opp med en fantasi for orkester og 2 pianoer kalt "Carnival of the Animals", der han på en mesterlig måte formidlet hønseklakkingen, brølet fra en løve, selvtilfredsheten til en elefant og dens bevegelsesmåte, en rørende grasiøs svane med musikalske midler.

Å komponere komposisjoner for barn og ungdom, tok de store klassiske komponistene seg av interessante historielinjer arbeid, tilgjengeligheten av det foreslåtte materialet, tatt i betraktning utøverens eller lytterens alder.

Levedyktigheten til "Glinka"-kuplettvariasjonsformen er bevist av bruken av sovjetiske komponister. Samtidig, utviklingsteknikker, uttrykksmidler (spesielt harmonisk språk), men selve formtypen er bevart: den første delen av "Little Cantata" ("Girl's Chastushkas") fra Shchedrins opera "Not Only Love".

I kuplettvariant form vokalpartiet utsettes for variasjon først og fremst.

Særtrekk ved varians: en variant som innebærer melodiske endringer tillater struktur- og skalaendringer, men beholder figurativ og sjangerenhet. Konsekvensen av dette er den relative likheten mellom varianten og temaet, mens variasjonen er et avledet, sekundært fenomen, underordnet temaet.

Kombinasjonen av klarhet, klarhet i strukturen, evnen til å endre seg på mange måter, og evnen til å følge teksten gjør kuplettvariantformen til en av de vanligste formene for vokalmusikk. Denne formen opptar en stor plass i låtskriving Schubert, Mahler. Fra sovjetiske komponister G. Sviridov vender seg villig til henne: koret "Hvordan sangen ble født", "I det landet" fra "The Poem in Memory of S. Yesenin". Andre eksempler er Schuberts Gretchen ved snurrehjulet, Polinas romantikk fra Tsjaikovskijs Spardronningen.

gjennom form

Den tverrgående formen oppsto av behovet for at musikken skulle følge utviklingen av handlingen. Mer enn i noen annen form brukes her musikkens billedlige og billedlige muligheter og dens evne til å forsterke den emosjonelle siden av teksten. Det er ingen tilfeldighet at det ble gitt stor oppmerksomhet til denne formen av de komponistene som var spesielt følsomme for de mest subtile nyanser av tekstbilder og psykologiske overtoner - Schubert, Mussorgsky. De fleste av Liszts sanger er skrevet i en gjennomgående form. Denne formen har tatt en stor plass i musikken. sent XIX- begynnelsen av 1900-tallet, spesielt i sjangeren "dikt med musikk", som ble utbredt i Wolfs verk, i russisk musikk - med Medtner, Prokofiev, Gnesin, Tcherepnin, delvis Rachmaninov og i vokalverk på prosatekster (" stygg and» Prokofjev).

Ethvert ende-til-ende-skjema er basert på prinsippet om kontinuerlig fornyelse musikalsk materiale i henhold til innholdet i teksten. Imidlertid streber komponister etter å introdusere visse musikalske samlende faktorer i de tverrgående formene. For dette formålet, prinsippene om reprise, reprise-lukking, ende-til-ende-refreng ("leitakchords" av døden i Mussorgskys "Vuggevise" og refrenget "bayushki, bayu, bayu"), intonasjon-tematisk forbindelse av delene av form, og tonal organisering brukes.

Eksempler på en gjennomgående form: Schuberts «Skogen», Kalinnikovs «The Stars Dim»-kor.

Emne 14. Sykliske former: suite, sonate-symfonisk syklus

Suiter

Sonata

syklisk kalt en form som består av flere separate kontrasterende deler, uavhengige i form, men forbundet med et enkelt kunstnerisk konsept.

Hovedtrekkene til sykliske former:

♦ tilstedeværelsen av flere deler (fra 2 til 10),

♦ uavhengighet av formen til hver del,

♦ separate deler (en del kan utføres separat),

♦ tempokontrast,

♦ kontrast i naturen,

♦ tonal fellesskap:

a) en enkelt tonalitet av alle deler,

b) lage en tonal reprise (sonate-symfonisk syklus),

c) valg av tonesentre (rådende tonaliteter),

♦ generell hensikt:

a) ett team med utøvere,

b) én sjangersfære,

c) tematisk fellesskap,

d) program.

Sykliske former er vokal, instrumental og scene.

Vokal(vokal-instrumental) sykluser er delt inn i kantate-ora-torial(kantate, oratorium, messe, requiem, lidenskaper) og kammervokal(vokalsykluser).

Stage sykluser: opera og ballett.

Verktøysykluser

Det er to hovedtyper av sykliske former: suiten og den sonate-symfoniske syklusen. Uavhengigheten til delene av syklusen bestemmes av det faktum at de kan utføres separat (danser av suiter, deler av sonater eller symfonier).

Suite (serie, sekvens) - et syklisk verk, bestående av uavhengige, kontrasterende karakter- og tempodeler av en danse- eller sjangerkarakter. Vekslingen av deler i en suite er ikke streng, og antallet er ikke regulert. Ofte er alle deler skrevet i samme toneart.

Suiten har flere historisk faste typer. Den gamle (barokke) suiten ble til slutt dannet på midten av 1600-tallet. - første halvdel av XVIII århundre. i arbeidet til komponister av forskjellige nasjonale skoler: Froberger, Handel, Corelli, Couperin, Rameau osv. I forskjellige land ble det kalt forskjellig: i Tyskland - partita, i England - leksjoner, i Frankrike - ouverture, i Italia - sonata da camera, ballett.

For suiter fra 1600-tallet. og tidligere var det tematiske fellesskapet av danser vanlig, men på 1700-tallet. den har blitt relativt sjelden (ikke i Bach, å finne hos Händel). Suitedanser allerede fra midten av 1600-tallet. mistet sin anvendte karakter, og i det XVIII århundre. deres form ble mye mer komplisert, selv om små former rådde (enkel 2- og 3-delt, sammensatt form, starosonata, konsert og kontrastkompositt).

Grunnlaget for den gamle suiten fra XVII-XVIII århundrer. besto av 4 danser: allemande, courant, sarabande og jig. I syklusen var rolig-sakte danser to ganger i motsetning til livlige-raske:

1) allemanda - moderat sakte tempo,

2) klokkespill - moderat raskt,

3) sarabande - veldig sakte,

4) pilk - veldig raskt.

Allemande - todelt (størrelse 4/4) jevn runddans i moderat tempo, tysk avstamning. Det starter på grunn av tiltaket (til. XVII århundre) med en åttende eller sekstende varighet. Når det gjelder antall stemmer, er allemande oftere 4-stemmig, med en overflod av undertoner og imitasjoner. Samtidig jevner polyfonisk utvikling ut dansbarheten til rytmen. Formen på allemande er en gammel todelt en (del II - omvendt versjon av del I).

Courant − trippel (3/4 eller 3/2) dans Fransk avstamning. Tempoet er moderat eller høyt. typisk rytme. Sammen med allemande i begynnelsen. 18. århundre Courante gikk ut av bruk og fungerte som et objekt for stilisering (Bach). Etter antall stemmer er klokkespillet vanligvis todelt. Formen er enkel todelt (på slutten - en slags reprise).

Sarabande - trippel (3/4 eller 3/2) dans av spansk opprinnelse. Ingen innledende spark. Typiske rytmiske mønstre:

i kadenser -. Endringen av harmonier understreker den grunnleggende typen rytme. Sarabanden er dominert av et akkordlager (homofon-harmonisk tekstur). Formen har en tendens til å være tredelt (reprise er mer uttalt).

Gigue − rask trippel (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) dans Engelsk opprinnelse. Hyppige treff. Ofte utsatt for fugeutvikling, inkludert reversering av temaet i andre del.I henhold til antall stemmer - to eller tre stemmer. Skjemaet er en enkel tredelt.

I tillegg til hoveddansene, introduseres ofte flere stykker i suiten:

1) noen danser hadde en dobbel (variant), en slags ornamental variasjon;

2) det er et forspill før allemande (innledning, ouverture, toccata, fantasi, sinfonia); et slikt stykke kan være en liten to- eller tredelt syklus;

3) inne i suiten (vanligvis mellom sarabande og gigue) er andre danser plassert - menuett, gavotte, bourre, paspier, rondo, burlesk, scherzo, capriccio eller skuespill (aria).

Av de andre sykliske formene ble sonaten og konserten utbredt i barokktiden.

Klassisk musikk i mp3

• music.edu.ru Musikksamling. Musikk i mp3. Biografier om komponister
• classical.ru Klassisk musikk i Russland
• classic.chubrik.ru Klassisk musikk. Musikk i mp3, noter, biografier om komponister
• classic.manual.ru Klassisk musikk. Mp3 av klassisk musikk med kommentarer, noter
• belcanto.ru I operaens verden. Libretto, sangere, mp3
• ClassicMp3.ru Samling av klassisk musikk i mp3
• firemusic.narod.ru Musikk i mp3, komponister, libretto av operaer, balletter

Klassisk. Komponister

• wolfgang-mozart.ru Wolfgang Mozart. Biografi, anmeldelser
• itopera.narod.ru G. Verdi. Libretto, biografi, mp3
• glinka1804.narod.ru Mikhail Glinka. Biografi om grunnleggeren av russisk klassisk musikk
• rachmaninov1873.narod.ru Rachmaninov. Komponist, pianist og dirigent
• skill21.com Balakirev russisk komponist og pianist
• borodin1833.narod.ru Alexander Borodin. Livet til en komponist og vitenskapsmann, mp3

Filharmoniker og utøvere

• classicalmusic.ru Moscow Philharmonic. Historie, filharmoniske saler, plakat
• philharmonia.spb.ru St. Petersburg acad. filharmoniske. Struktur, musikere, repertoar
• lifanovsky.com Boris Lifanovsky - cellist. Artikler, mp3

Musikkinstrumenter

• simphonica.narod.ru symfoniorkester. Beskrivelse av musikkinstrumenter
• sheck.ru Workshop med eldgamle europeiske instrumenter

Keyboardinstrumenter

• digitalpiano.ru - Digitalpianoer
• keys.rni.ru - Musikalske synthesizere. Modeller

blåseinstrumenter

• trumpetclub.ru Portal av trompetspillere. Artikler, utøvere, notater
• brassmusic.ru Fellesskap av musikere - messinginstrumenter
• partita.ru For brass band. Noter, deler, partiturer
• soprano-recorder.ru I kjølvannet av blokkfløytetimer med en lærer
• blockfluete.newmail.ru Opptaker. Spillferdigheter
• Fagotizm.narod.ru Fagoto: Noter, mp3, midi
• harmonica.ru Munnspill. Lære å spille
• shaku-rus.com Skole, musikk, shakuhachi-laging

Slaginstrumenter

• drumspeech.com Trommeslagere. Kommunikasjon, artikler, leksjoner, notater
• drums.ru Prosjekt til trommeslager E. Ryabogo
• EthnoBeat.ru Lære å spille etniske trommer

Strykeinstrumenter

• skripach.ru Om fiolinister og for fiolinister, Mp3
• domraland.narod.ru Nettsted om domra. Informasjon, notater
• gukovski.narod.ru Folkeinstrumenter

Gitaren er flott

• guitarhistory.narod.ru Historie klassisk gitar, ordliste
• guitarra-antiqua.km.ru Klassisk gitarhistorie, noter, mp3
• eslivamnravitsa.narod.ru Hvis du liker å spille gitar. Akkorder, pedagogisk litteratur

etniske instrumenter

• vargan.ru Akustiske og etniske instrumenter. Beskrivelse, tips, mp3
• sekkepipes.narod.ru Sekkepiper. Tips, leksjoner, notater
• folkinst.narod.ru russisk folkeinstrumenter, lenker, mp3
• kuznya.ru Etniske instrumenter og folkemusikk, foto, mp3
• khomus.ru Vargan musikk

Musikksider. Annen

• classic-music.ru - Klassisk musikk. Biografier om komponister, ordliste
• cdguide.nm.ru - Musikk på CD. Anmeldelser, plateanmeldelser, notater om klassisk musikk
• stmus.nm.ru - Tidlig musikkmagasin
• abc-guitar.narod.ru - Gitarister og komponister. Biografisk ordbok
• music70-80.narod.ru - Sanger og musikk fra 70-80-tallet.
• viaansambles.narod.ru - VIA 60-70-80s. Ensembler info, sanger, forum
• elf.org.ru Folkemusikk