Når ble det første stilleben malt? Stilleben i maleri: typer og beskrivelse

Stilleben (fr. nature morte - "død natur") er en sjanger visuell kunst, som skildrer objektene rundt oss som har en semantisk forbindelse med hverandre. Denne typen kunst tiltrekker seg med sine store visuelle muligheter, som bidrar til utvikling av komposisjonsevner og fargekonstruksjon.

Stilleben formidler til oss visse bilder og symboler av verden rundt oss. Involverer oss i en verden av kommunikasjon av objekter, og gir en mulighet til å være i rollen som en samtalepartner. ekte kunstner lar seeren se hemmelig betydning gjenstander rundt oss. Ved å forhåndsvelge og bygge visse attributter inn i en bestemt sammensetning, som bærer en spesifikk semantisk oppgave.

Stilleben oppsto i Europa på 1500- og 1600-tallet, men forhistorien oppsto mye tidligere. På nivå med hverdagssjanger stilleben i lang tid kunne ikke ta en ledende posisjon innen maleri. Siden det ble ansett som umulig å formidle de viktigste sosiale ideene gjennom denne typen maleri. Takket være de store mesterne ble denne sjangeren anerkjent som ganske i stand til å formidle ulike sosiale forhold, og dermed påvirke ulike sosiale dyder. Ved hjelp av forskjellige attributter ble det opprettet et eller annet bilde, som gjenspeiler betydningen av hovedideen. Husholdningsartikler klassifiserte den sosiale statusen, livsstilen til eieren deres, noe som var viktig for å formidle bilder av sosiale lag.

Når man ser på kronologien til kunsthistorien, kan man spore rekkefølgen av veksten og fallet til en så særegen sjanger som stilleben.

"Danningen av stilleben som en uavhengig sjanger av maleri skyldtes arbeidet til nederlenderne og flamske kunstnere XVII århundre. 1600-tallet i Europa er markert som stillebens storhetstid. I løpet av denne perioden ble alle hovedvariantene av stilleben opprettet.

Den progressive utviklingen av stilleben i Vest-Europa maleri XVIIårhundre kan i stor grad forklares av særegenhetene ved den generelle kulturelle og verdensbilde situasjonen, spesielt den ultimate fortynningen og samtidig den gjensidige personifiseringen av slike kategorier som materielle og åndelige, individuelle og universelle. I stilleben ble den mest konkrete av alle spesifisitetene til denne verden kunstnerisk bekreftet - en ting, et produkt av en veldig spesifikk menneskelig aktivitet, samtidig ble disse jordiske menneskeskapte tingene utstyrt med en allegorisk, emblematisk betydning , oppfattet som tegn på immaterielle, åndelige verdier, som personifisert meditasjon på mening menneskelig liv. En ting, etter å ha mistet sin allegoriske betydning, slutter å være et objekt stor kunst. Sjangeren stilleben begynner gradvis å bli foreldet.

Gjenopplivingen finner sted på slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. På grunn av plottet og til en viss grad semantisk sterilitet, viser stilleben i disse stormfulle tiårene for utvikling av kunst seg å være spesielt praktisk for kreativ eksperimentering. En av de mest konservative, fra ikonografiens synspunkt, en av de mest veletablerte når det gjelder komposisjon, tillot stilleben kunstnere å utføre de mest vågale, noen ganger paradoksale brudd på sjangerens lover, mens de holdt seg innenfor den. De fleste eksperimentene i dette området hadde som oppgave den mest komplette plottet og figurative frikoblingen av ting.

Ting går så å si utover deres grenser, mister sin selvbetydning, slutter å være lik seg selv. De løses enten opp i lys og farger, spres i strålingen av energier, eller kondenserer til klumper av materie, danner kombinasjoner av de enkleste volumene, eller smuldrer opp i mange fragmenter - og av alt dette nye ekstra-substantielle eller omvendt super-substantielle ting lages på lerretet. Som i maleriene på 1600-tallet har de en allegorisk betydning, men i motsetning til klassiske stilleben, utføres rollen til primærelementene i disse billedkryptogrammene ikke så mye av gjenstandene selv som av deres individuelle trekk, deres kvaliteter er mettet. med økt semantisk spenning.

I de første årene av 1900-tallet var det ikke bare en utvisking av grensene for ting innenfor stilleben, men også en betydelig utvisking av grensene for selve sjangeren. I de åpne lerretene til Matisse smelter gjenstandene som utgjør stillebenet, gjennomsyret av naturens organiske rytmer, sammen med landskapet eller blir selv til et landskap, og overvinner barrieren mellom de levendes og de livløses verden. . I de konstruerte kubistiske landskapene til Picasso objektiveres naturen selv, får trekk av å være laget, materialitet, landskapet sammenlignes med et stilleben. .

"Stilleben inntok også en fremtredende plass i arbeidet til franske impresjonistiske kunstnere (Manet, Cezanne, Monet, etc.). De forsøkte å legemliggjøre de første friske inntrykkene av det de så i verkene sine. For stillebenene deres, så vel som for maleriet av impresjonistene generelt, er de preget av: harmonien av rene farger som oppfattes direkte i naturen, komposisjonens naturlighet og vitalitet.

En av de beste håndverkerne stilleben var berømt fransk kunstner Chardin, som klarte å trenge inn i intimt liv de mest vanlige tingene, bringer dem nærmere betrakteren, og dette er i stor grad lettet av den myke fargen på maleriene hans, dypt gjennomtenkt og kommer fra observasjon av liv, enkelhet og naturlighet i arrangementet av objekter.

I stillebenene til Chardin er det ingen strenge ordninger utviklet av den nederlandske skolen, monotoni i komposisjonsteknikker, valg av objekter, paletten av farger. .

I Russland, stilleben uavhengig sjanger maleri, dukket opp i tidlig XVII I århundre. Ideen om ham var opprinnelig assosiert med bildet av jordens og havets gaver, den mangfoldige verdenen av ting rundt en person. Opp til sent XIXårhundre stilleben, i motsetning til portrettet og historisk bilde, ble sett på som en "mindreverdig" sjanger. Det eksisterte hovedsakelig som en pedagogisk produksjon og var bare tillatt i begrenset forstand som et maleri av blomster og frukt.

Begynnelsen av 1900-tallet var preget av oppblomstringen av russisk stillebenmaleri, som for første gang fikk likestilling blant andre sjangre. Kunstnernes ønske om å utvide billedspråkets muligheter ble ledsaget av aktivt søk innen farge, form, komposisjon. Alt dette er spesielt tydelig i stilleben. Beriket med nye temaer, bilder og kunstneriske teknikker, russisk stilleben utviklet seg uvanlig raskt: på halvannet tiår går det fra impresjonisme til abstrakt formskaping.

På 30-40-tallet av 1900-tallet stoppet denne utviklingen, men siden midten av 50-tallet har stillebenet opplevd sovjetisk maleri et nytt oppsving og fra den tid hever seg endelig og fast på høyde med andre sjangere.

I billedkunsten kalles et stilleben (fra fransk natur morte - "død natur") vanligvis bildet av livløse gjenstander kombinert til en enkelt komposisjonsgruppe. For mange, tysk eller engelsk versjon betegnelser stilleben og fortsatt leben ( stille liv). På nederlandsk høres betegnelsen på denne sjangeren ut som stilleven, det vil si "stille liv", etter mange kunstneres og kunsthistorikeres mening er dette det mest nøyaktige uttrykket for essensen av sjangeren, men det er styrken til tradisjonen at «stilleben» er et kjent og forankret navn. Et stilleben kan både ha en selvstendig mening og være integrert del komposisjoner sjangermaleri. Stilleben uttrykker menneskets forhold til verden rundt seg. Det avslører forståelsen av det vakre, som er iboende i kunstneren som en mann i sin tid.

Stilleben, som en uavhengig sjanger, oppsto i Flandern og Holland på begynnelsen av 1500- og 1600-tallet, og nådde raskt ekstraordinær perfeksjon i overføringen av en rekke gjenstander. materiell verden. Prosessen med å bli et stilleben gikk omtrent på samme måte i mange land. Vest-Europa. Men hvis vi tar kunsthistorien sammen, så refererer det første stadiet i utviklingen av stilleben til den paleolittiske perioden. Det er to hovedteknikker brukt av gamle kunstnere: naturalisme og ornamentalitet. Så begynner disse to strømmene å konvergere mer og mer, og et "halvbevisst" stilleben dukker opp, et bilde av individuelle deler av et objekt. En ekte hel gjenstand kan bare finnes i bronsealderen. Dette andre stadiet i utviklingen av stilleben får sin storhetstid i kunsten til Egypt. Objekter er alltid avbildet isolert fra hverandre. For første gang introduseres motivet til en blomst, temaet snittplanter. Korrelasjon av proporsjoner vises i verkene til egeisk kunst. Gjenstander er avbildet i tre kvartaler arrangert i grupper. Tradisjonene med egeisk maleri fant sin fortsettelse i gresk kultur. Vi kan bedømme denne sjangeren av kunst etter vasene. Gjenstander henger ikke lenger i luften, men har sine egne " ekte sted«i verdensrommet: et skjold som lener seg mot et tre, en mantel kastet over en gren – det såkalte «hengende» stilleben. også i skolescener et «musikalsk» stilleben er ofte avbildet. En annen type gresk stilleben kan skilles - "antikk". Kunstnere lager bilder av verksteder: biter av statuer, en sag, en hammer, skisseplater. Det er nesten umulig å finne bilder av blomster og dyr på greske vaser.

I middelalderkunsten, som et resultat av fragmenteringen av komposisjonen, delingen av billedlerretet i særegne registre, blir motivet et attributt, og ikke et objekt for bildet. Ornament fortsetter også å spille en viktig rolle, spesielt aktivt brukt i glassmalerier i katolske katedraler. Den strenge, intenst asketiske kunsten i Byzantium, som skapte udødelige, monumentalt-generaliserte, sublimt heroiske bilder, brukte bilder av individuelle objekter med ekstraordinær uttrykksevne.

I gammelt russisk ikonmaleri spilte også de få gjenstandene som kunstneren introduserte i sine strengt kanoniske verk en viktig rolle. De brakte spontanitet, vitalitet, noen ganger så det ut til å være et åpent uttrykk for følelser i et verk dedikert til et abstrakt mytologisk plot.

Stilleben spilte en enda større rolle i maleriene til kunstnere på 1400- og 1500-tallet under renessansen. Maleren som først tegnet nøye oppmerksomhet på verden rundt ham, søkte å indikere stedet, for å bestemme verdien av hver ting som tjener en person. Husholdningsartikler fikk den adelen og den stolte betydningen som eieren deres, den de tjente. På store lerreter opptok stilleben vanligvis et veldig beskjedent sted: et glasskar med vann, en elegant sølvvase eller delikate hvite liljer på tynne stilker ofte sammenkrøpet i hjørnet av bildet. Men i skildringen av disse tingene var det så mye poetisk kjærlighet til naturen, deres betydning er så sterkt åndeliggjort at her kan du allerede se alle funksjonene som senere bestemte selvstendig utvikling hele sjangeren.

Objekter, et materiell element, fikk en ny betydning i maleriene på 1600-tallet - i den utviklede stillebensjangerens tid. I komplekse komposisjoner med et litterært plot tok de plass sammen med andre helter i arbeidet. Ved å analysere verkene fra denne tiden kan man se hvilken viktig rolle stillebenet begynte å spille i bildet. Ting begynte å dukke opp i disse verkene som det viktigste tegn, som viser hva en kunstner kan oppnå ved å vie sine ferdigheter til denne typen kunst.

Gjenstander laget av dyktige, flittige, kloke hender bærer preg av en persons tanker, ønsker og tilbøyeligheter. De tjener ham, gleder ham, inspirerer til en legitim følelse av stolthet. Ikke rart vi lærer om epoker som lenge har forsvunnet fra jordens overflate fra de skårene av tallerkener, husholdningsredskaper og rituelle gjenstander som for arkeologer blir spredte sider av menneskehetens historie.

kikker inn verden, trenge med et nysgjerrig sinn inn i dets lover, avdekke livets fascinerende mysterier, kunstneren reflekterer det mer og mer fullstendig og multilateralt i sin kunst. Han skildrer ikke bare verden rundt seg, men formidler også sin forståelse, sin holdning til virkeligheten.

Historien om dannelsen og utviklingen av ulike sjangre av maleri er levende bevis på utrettelig arbeid menneskelig bevissthet streber etter å omfavne det uendelige mangfoldet av aktiviteter, for å forstå det estetisk. Sjangeren stilleben var spesielt uttalt i nederlandsk maleri proto-renessanse. Det er fortsatt en del av interiøret, men samtidig skaper kunstnernes kjærlighet til detaljer fantastiske små stilleben: tallerkener, et arbeidsbord, sko som står på gulvet. Alt dette er avbildet med samme kjærlighet som skikkelsene til mennesker og helgener. I Italia dukker stillebenet opp fra naturen. I fremtiden mottar objektet en slags uavhengig aktivitet, blir en deltaker i handlingen. Siden proto-renessansen har den objektive verden blitt mer og mer realistisk, noen ganger til og med nesten håndgripelig. Det slutter å være lureri, men blir hverdag. På 1500-tallet begynte kunstnerne fra den nordlige renessansen å avsløre gjenstander, rive av dekslene deres (for eksempel huden fra dyr).

Stilleben er en relativt ung sjanger. Den fikk uavhengig betydning i Europa først på 1600-tallet. Historien om utviklingen av stilleben er interessant og lærerik. Stillebenet blomstret spesielt fullt og levende i Flandern og Nederland. Stilleben tar endelig form som en uavhengig sjanger av maleri. Dens fremvekst er assosiert med de revolusjonære historiske hendelsene, som et resultat av at disse landene, etter å ha oppnådd uavhengighet, i begynnelsen XVII århundre gikk inn på den borgerlige utviklingens vei. For Europa på den tiden var dette et viktig og progressivt fenomen. Nye horisonter åpnet seg før kunsten. Historiske forhold, ny PR rettet og bestemt kreative forespørsler, endringer i å løse problemene maleren står overfor. uten å vise direkte historiske hendelser, kunstnere tok et nytt blikk på verden, fant nye verdier i mennesket. Livet dukket rutinemessig opp foran dem med hittil ukjent betydning og fylde. De ble tiltrukket av det nasjonale livets særegenheter, innfødt natur, ting som beholder preg av arbeid og dager vanlige folk. Det var herfra, fra en bevisst, dyptgående, tilskyndet interesse for menneskenes liv, at separate og uavhengige sjangere av hverdagsmaleri, landskap ble født, og stilleben oppsto.

Stillebenskunsten, som utviklet seg på 1600-tallet, bestemte hovedkvalitetene til denne sjangeren. Maleri, dedikert til verden ting, snakket om de grunnleggende egenskapene som ligger i gjenstander rundt en person, avslørte holdningen til kunstneren og samtiden til det som er avbildet, uttrykte naturen og fullstendigheten av kunnskapen om virkeligheten. Maleren formidlet den materielle eksistensen av ting, deres volum, vekt, tekstur, farge, funksjonelle verdi av husholdningsartikler, deres levende forbindelse med menneskelig aktivitet. Skjønnheten og perfeksjonen til husholdningsredskaper ble bestemt ikke bare av deres nødvendighet, men også av dyktigheten til skaperen deres. Stilleben fra den revolusjonære epoken til det seirende borgerskapet reflekterte kunstnerens respekt for nye former nasjonalt liv landsmenn, respekt for arbeid.

Formulert på 1600-tallet ble sjangerens oppgaver i generelt eksisterte i Europaskolen fram til midten av det nittendeårhundre. Dette betyr imidlertid ikke at kunstnerne ikke satte seg nye oppgaver, mekanisk repeterte ferdige løsninger.

I løpet av epokene har ikke bare metodene og måtene å male et stilleben endret seg på, men kunstnerisk erfaring akkumulert, i prosessen med dannelsen utviklet det seg et mer komplekst og stadig berikende syn på verden.

død natur - en sjanger av kunst, hovedsakelig staffelimaleri, dedikert til bildet av livløse gjenstander: blomster, frukt, dødt vilt, fisk, attributter til enhver aktivitet.

Flott definisjon

Ufullstendig definisjon ↓

STILLEIV

fransk nature morte - død natur), en av sjangrene til maleri. Stilleben skildrer naturens gaver (frukt, blomster, fisk, vilt), så vel som ting laget av menneskehender (servise, vaser, klokker, etc.). Noen ganger sameksisterer livløse gjenstander med levende vesener - insekter, fugler, dyr og mennesker.

Stilleben inkludert i plott komposisjoner, allerede funnet i maleri eldgamle verden(veggmalerier i Pompeii). Det er en legende om at den antikke greske kunstneren Apelles avbildet druer så dyktig at fuglene forvekslet ham med en ekte og begynte å hakke. Som en selvstendig sjanger utviklet stilleben seg på 1600-tallet. og opplevde deretter sin lyse storhetstid i arbeidet til de nederlandske, flamske og spanske mestrene.

I Holland var det flere varianter av stilleben. Kunstnerne malte "frokoster" og "desserter" på en slik måte at det virket som om en person var et sted i nærheten og snart ville komme tilbake. En pipe ryker på bordet, en serviett er krøllet, vin i et glass er ikke ferdig, en sitron kuttes, brød er knust (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Også populære var bilder av kjøkkenutstyr, vaser med blomster, og til slutt "Vanitas" ("forfengelighet av forfengelighet"), stilleben med temaet livets skrøpelighet og dets kortsiktige gleder, som kaller til å huske sanne verdier og ta vare på sjelens frelse. Favorittattributter til "Vanitas" er en hodeskalle og en klokke (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Nederlandske stilleben, så vel som stilleben fra 1600-tallet generelt, er preget av tilstedeværelsen av skjulte filosofiske overtoner, kompleks kristen eller kjærlighetssymbolikk (sitronen var et symbol på måtehold, hunden var troskap osv.) Samtidig tiden gjenskapte kunstnere i stilleben med kjærlighet og entusiasme verdens mangfold (spill av silke og fløyel, tunge teppeduker, glitrende sølv, saftige bær og edelvin). Sammensetningen av stilleben er enkel og stabil, underlagt diagonalen eller formen til en pyramide. Den viktigste "helten" er alltid fremhevet i den, for eksempel et glass, en kanne. Mestere bygger subtilt relasjoner mellom objekter, motstående eller omvendt matchende farge, form, overflatetekstur. forsiktig utskrevet de minste detaljene. Disse maleriene er små i størrelse og er utformet for nær undersøkelse, lang kontemplasjon og forståelse av deres skjulte betydning.

Flemingerne malte tvert imot store, noen ganger enorme lerreter beregnet på å dekorere palasshallene. De er preget av en festlig flerfarge, en overflod av gjenstander og kompleksiteten i komposisjonen. Slike stilleben ble kalt "butikker" (J. Feit, F. Snyders). De avbildet bord strødd med vilt, sjømat, brød, og ved siden av dem sto eierne som tilbød varene sine. Rikelig mat, som om den ikke passet på bordene, hang ned, falt ut direkte på publikum.

Spanske kunstnere foretrakk å begrense seg til et lite sett med gjenstander og arbeidet på en behersket måte. fargevalg. Retter, frukt eller skjell i maleriene til F. Zurbaran og A. Pereda er rolig plassert på bordet. Formene deres er enkle og edle; de er nøye støpt med chiaroscuro, nesten håndgripelige, komposisjonen er strengt balansert (F. Zurbaran. "Still life with appelsiner og sitroner", 1633; A. Pereda. "Still life with a clock").

På 1700-tallet den franske mester J.-B. S. Chardin. Hans malerier, som skildrer enkle, solide redskaper (skåler, en kobbergryte), grønnsaker, enkel mat, er fylt med livspust, varmet opp av ildstedets poesi og bekrefter hverdagens skjønnhet. Chardin malte også allegoriske stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

I Russland dukket de første stillebenene opp på 1700-tallet. i dekorative malerier på veggene til palasser og "dummy" malerier, der gjenstander ble gjengitt så nøyaktig at de virket ekte (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). På 1800-tallet luringstradisjoner har blitt tenkt nytt. Stillebenet opplever en opptur i første halvdel. 1800-tallet i verkene til F. P. Tolstoy, som tenkte om tradisjonene for "triks" ("Bær av røde og hvite rips", 1818), kunstnere fra den venetianske skolen og I. T. Khrutsky. I dagligdagse gjenstander søkte kunstnere å se skjønnhet og perfeksjon.

En ny storhetstid for sjangeren kommer på slutten. 19 - beg. 20. århundre, da stilleben blir et laboratorium for kreative eksperimenter, et middel til å uttrykke kunstnerens individualitet. stilleben tar betydelig sted i postimpresjonistenes arbeid - W. Van Gogh, P. Gauguin og fremfor alt P. Cezanne. Komposisjonens monumentalitet, gjerrige linjer, elementære, stive former i Cezannes malerier er designet for å avsløre strukturen, grunnlaget for tingen og minne om verdensordenens urokkelige lover. Kunstneren skulpturerer formen med farger, og understreker dens materialitet. Samtidig gir unnvikende fargespill, spesielt kaldt blått, stillebenene hans en følelse av luft og romslighet. Linjen til Cezanne stilleben ble videreført i Russland av mesterne til "Jack of Diamonds" (I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky og andre), og kombinerte den med russerens tradisjoner folkekunst. Kunstnerne av "Blue Rose" (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) skapte nostalgiske komposisjoner i antikk stil. Stilleben til K. S. Petrov-Vodkin er gjennomsyret av filosofiske generaliseringer. På 1900-tallet P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi løste sine kreative oppgaver innen stillebensjangeren. I Russland var de største mesterne i denne sjangeren M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov og andre.

Flott definisjon

Ufullstendig definisjon ↓

Instruksjon

Stilleben som sjanger skilte seg ikke ut umiddelbart, i lang tid malerier som viser blomster og husholdningsartikler ble brukt som et innrammingstilskudd til andre lerreter, samt dekorasjon på møbeldører. De første uavhengige maleriene dukket opp rundt 1600-tallet. Så begynte bildene av gjenstander å bli brukt som allegorier, og hver gjenstand hadde en ekstra symbolsk betydning. Senere ble stilleben populær blant artister, men ble ansett som en underordnet sjanger.

Det finnes flere typer stilleben, en av de tidligste og vanligste er blomsterstilleben, den nest mest populære er stilleben på det serverte bordet. Det symbolske stillebenet fortsetter å eksistere. et annet syn som har dukket opp relativt nylig er et abstrakt stilleben, i denne stilen er ikke gjenstander avbildet realistisk, formene er skisseaktige, og fargene er blottet for jevne overganger.

Hvis du er glad i å tegne, har du sikkert laget mange tegninger og malerier i denne sjangeren. For å tegne et stilleben trenger du ikke bruke tid og krefter på å lete etter interessante gjenstander for tegning, du kan alltid tegne god komposisjon varer som alltid er for hånden. Bruk draperi som bakteppe, et lite stykke stoff er fint. Ordne gjenstandene slik at du får flere planer, husk at gjenstandene stor størrelse skal være i bakgrunnen og være de som er mindre. Sett en ekstra sidefargekilde, dette vil gi volum til objektene. Regelmessige øvelser med slike produksjoner vil tillate deg å finpusse tegneferdighetene dine.

Relaterte videoer

Kilder:

• Komposisjon i stilleben
• Hva er stilleben

Flink stilleben er født lenge før du henter maling og pensel. Suksess avhenger av hvordan du velger objektene du skal tegne og hvordan du arrangerer dem i rommet.

Instruksjon

Tenk på et stilleben-tema. Selvfølgelig kan du legge alle elementene på bordet samtidig, men komponentene forent av en historie, gjettet av personligheten til eieren deres, eller i det minste stilistisk, vil se mye mer logisk ut.

Sorter alle komponentene etter form. Det er ønskelig at det er variert – finn gjenstander høyt og lavt, bredt og smalt. Ellers vil monotonien av former i bildet føre til at alt vil blande seg i en masse og gjenstandene vil ganske enkelt "falle ut" av synsfeltet.

Pass på at den ikke består av produkter og ting som ikke stemmer i fargen. Hvis du synes det er vanskelig å avgjøre dette med øyet, bruk fargehjulet. Skriv inn en likesidet trekant i den. Vinklene vil indikere tre primærfarger som passer godt med hverandre. Som ekstra farger kan du ta nyanser som er på sidene av de viktigste.

Velg riktig bakgrunn. Du kan legge ut et stilleben på et draperi eller avdekket overflate. Det er viktig at det er nøytralt i fargen (hvis nyanser av gjenstander er mettet) eller kombinert med hele komposisjonen. Bakgrunnen bør uansett ikke ta brorparten av seerens oppmerksomhet.

I en varm sommer på landet eller i en langvarig snøstorm. Fra hjemmet ditt kan du finne inspirasjon i vanlige frukter eller uvanlige blomster. Motivet prøver ikke å snu hodet, som i et portrett, og endrer ikke skygger til lys hvert sekund, som i et landskap. Det er det som gjør stillebensjangeren så bra. Og "død natur" på fransk, eller "stille liv av ting" i den nederlandske versjonen, liver virkelig opp interiøret. Natalia Letnikova presenterer topp 7 stilleben av russiske artister.

"Skogsfioler og forglemmigei"

Skogsfioler og forglemmigei

Maleriet av Isaac Levitan er som en blå himmel og en hvit sky - fra sangeren av russisk natur. Bare på lerretet er ikke innfødte åpne områder, men en bukett med ville blomster. Løvetann, syriner, kornblomster, immortelle, bregner og asalea... Etter skogen ble kunstnerens verksted til «enten et drivhus eller en blomsterbutikk». Levitan elsket blomsterstilleben og lærte elevene å se både farger og blomsterstander: "Det er nødvendig at de ikke lukter av maling, men av blomster."

"Epler og blader"

epler og blader

Verkene til Ilya Repin satte organisk i gang de strålende omgivelsene til det russiske museet. Den omreisende artisten komponerte en komposisjon for studenten sin - Valentin Serov. Det ble så pittoresk at læreren selv tok opp penselen. Seks epler fra en vanlig hage - krøllete og med "tønner", og en haug med løv, dekket høstfarger, som en kilde til inspirasjon.

"Blomsterbukett. Flokser»

Blomsterbukett. Phloxes

Maleri av Ivan Kramskoy. "En talentfull person vil ikke kaste bort tid på å skildre for eksempel bassenger, fisk osv. Det er bra for folk som allerede har alt, og vi har mye arbeid å gjøre," skrev Kramskoy til Vasnetsov. Og likevel sjangeren stilleben på slutten av livet kjent portrettmaler gikk ikke forbi oppmerksomheten. En bukett med flokser i en glassvase ble presentert på den XII vandreutstillingen. Maleriet ble kjøpt før åpningen av vernissasjen.

"Stilleben"

Stilleben

Kazimir Malevich på vei til "Svarteplassen" gjennom impresjonisme og kubisme, utenom realismen. En vase med frukt er frukten av kreativ forskning, selv innenfor rammen av ett bilde: tykke svarte linjer av den franske cloisonné-teknikken, flate retter og voluminøse frukter. Alle komponentene i bildet forenes kun etter farge. Spesielt for kunstneren - lyst og mettet. Som en utfordring til pastellfarger det virkelige liv.

"Sild og sitron"

Sild og sitron

Fire barn og maleri. Denne kombinasjonen i artistens liv dikterer umiskjennelig sjangeren. Så det skjedde med Zinaida Serebryakova. En rekke familieportretter og stilleben, i henhold til hvilke du kan lage en meny: "Fruktkurv", "Asparges og jordbær", "Druer", "Fisk på grønnsaker" ... I hendene på en ekte mester vil "sild og sitron" bli et kunstverk. Poesi og enkelhet: et spiralt sitronskall og en fisk uten dikkedarer.

"Stilleben med en samovar"

Stilleben med en samovar

En student av Serov, Korovin og Vasnetsov, "Jack of Diamonds" - Ilya Mashkov likte å skildre verden rundt ham, men lysere. Porselensfigurer og begonier, gresskar... Kjøtt, vilt - i de gamle mesternes ånd, og Moskva-brød - skisser fra Smolensk-markedet i hovedstaden. Og ifølge russisk tradisjon - hvor uten en samovar. Et stilleben fra festlivets rike med frukt og lyse retter kompletteres av en hodeskalle - en påminnelse om livets skrøpelighet.

"Etude med medaljer"

Studer med medaljer

Stilleben i sovjetisk stil. Kunstneren fra det 20. århundre Anatoly Nikich-Krilichevsky i ett bilde viste hele livet til den første sovjetiske verdensmesteren i hurtigløp - Maria Isakova. Med kopper, som hver - år med trening; medaljer som ble delt ut i en bitter kamp; brev og enorme buketter. Vakkert bilde for artisten og en kunstnerisk krønike om sportssuksess. Stillebenshistorie.