ศิลปินต่างประเทศในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่
ซานโดร บอตติเชลลี(1 มีนาคม 1445 - 17 พฤษภาคม 1510) - ลึก คนเคร่งศาสนาทำงานในโบสถ์ใหญ่ทุกแห่งในฟลอเรนซ์และในโบสถ์น้อยซิสทีนแห่งวาติกัน แต่ในประวัติศาสตร์ศิลปะ เขายังคงเป็นผู้เขียนภาพเขียนบทกวีขนาดใหญ่ในหัวข้อที่ได้รับแรงบันดาลใจจากยุคคลาสสิก - "ฤดูใบไม้ผลิ" และ "กำเนิดของ วีนัส". .
เป็นเวลานานแล้วที่บอตติเชลลีอยู่ภายใต้ร่มเงาของยักษ์ใหญ่แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่ทำงานหลังจากเขาจนกระทั่งเขาอยู่ใน กลางเดือนสิบเก้าศตวรรษที่ค้นพบใหม่โดยกลุ่มพรีราฟาเอลของอังกฤษ ผู้ซึ่งนับถือเส้นตรงอันเปราะบางและความสดในฤดูใบไม้ผลิของผืนผ้าใบที่โตเต็มวัยของเขาในฐานะจุดสูงสุดในการพัฒนาศิลปะโลก
เกิดในครอบครัวของพลเมืองผู้มั่งคั่ง Mariano di Vanni Filipepi ได้รับการศึกษาที่ดี เขาศึกษาการวาดภาพกับพระฟิลิปโป ลิปปี และรับเอาความหลงใหลนั้นมาแทนเขาในการพรรณนาถึงลวดลายที่สัมผัสได้ซึ่งสร้างความแตกต่างให้กับภาพวาดทางประวัติศาสตร์ของลิปปี จากนั้นเขาก็ทำงานให้กับ Verrocchio ประติมากรชื่อดัง ในปี ค.ศ. 1470 เขาได้จัดห้องทำงานของเขาเอง..
เขารับเอาความละเอียดอ่อนและความเที่ยงตรงของลายเส้นมาจากพี่ชายคนรองซึ่งเป็นพ่อค้าอัญมณี บางครั้งเขาได้ศึกษากับ Leonardo da Vinci ในเวิร์คช็อปของ Verrocchio คุณสมบัติดั้งเดิมของพรสวรรค์ของบอตติเชลลีคือความโน้มเอียงไปสู่ความมหัศจรรย์ เขาเป็นคนแรกๆ ที่นำตำนานและสัญลักษณ์เปรียบเทียบโบราณมาสู่งานศิลปะในยุคของเขา และเขาทำงานด้วยความรักเป็นพิเศษในเรื่องที่เกี่ยวกับตำนาน ที่น่าตื่นเต้นเป็นพิเศษคือวีนัสของเขาซึ่งเปลือยกายว่ายน้ำในทะเลในเปลือกหอยและเทพเจ้าแห่งสายลมโปรยฝนดอกกุหลาบให้เธอและขับเปลือกไปที่ฝั่ง
การสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของบอตติเชลลีถือเป็นจิตรกรรมฝาผนังที่เขาเริ่มในปี ค.ศ. 1474 ในโบสถ์ Sistine ของวาติกัน เสร็จสิ้นภาพวาดจำนวนมากที่ได้รับมอบหมายจาก Medici โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เขาวาดธงของ Giuliano Medici น้องชายของ Lorenzo the Magnificent ในช่วงทศวรรษที่ 1470 และ 1480 ภาพเหมือนจะกลายเป็น ประเภทอิสระในผลงานของบอตติเชลลี ("Man with a Medal", c. 1474; "Young Man", 1480s) บอตติเชลลีมีชื่อเสียงจากรสนิยมทางสุนทรียะที่ละเอียดอ่อนและผลงานเช่น The Annunciation (1489-1490), The Abandoned Woman (1495-1500) เป็นต้น ปีที่แล้วเห็นได้ชัดว่าบอตติเชลลีในชีวิตของเขาวาดภาพซ้าย ..
Sandro Botticelli ถูกฝังอยู่ในสุสานของครอบครัวในโบสถ์ Ognisanti ในเมืองฟลอเรนซ์ ตามพินัยกรรมเขาถูกฝังใกล้กับหลุมฝังศพของ Simonetta Vespucci ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจมากที่สุด ภาพที่สวยงามปริญญาโท
เลโอนาร์โด ดิ เซอร์ ปิเอโร ดาวินชี(15 เมษายน 1452 หมู่บ้าน Anchiano ใกล้เมือง Vinci ใกล้ Florence - 2 พฤษภาคม 1519 - ศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ (จิตรกรประติมากรสถาปนิก) และนักวิทยาศาสตร์ (นักกายวิภาคศาสตร์นักธรรมชาติวิทยา) นักประดิษฐ์ นักเขียน หนึ่ง ของ ผู้แทนรายใหญ่ศิลปะยุคเรอเนซองส์สูง เป็นตัวอย่างที่สำคัญของ "มนุษย์สากล" .
เลโอนาร์โดเป็นที่รู้จักในหมู่คนร่วมสมัยของเราในฐานะศิลปิน นอกจากนี้ เป็นไปได้ว่า da Vinci อาจเป็นประติมากร: นักวิจัยจากมหาวิทยาลัยเปรูจา - Giancarlo Gentilini และ Carlo Sisi - อ้างว่าหัวดินเผาที่พวกเขาพบในปี 1990 เป็นงานประติมากรรมเพียงชิ้นเดียวของ Leonardo da Vinci ที่ลงมา สำหรับพวกเรา. อย่างไรก็ตามดาวินชีเองในช่วงชีวิตต่าง ๆ คิดว่าตัวเองเป็นวิศวกรหรือนักวิทยาศาสตร์เป็นหลัก เขาไม่ได้อุทิศเวลาให้กับงานวิจิตรศิลป์มากนักและทำงานค่อนข้างช้า นั่นเป็นเหตุผล มรดกทางศิลปะเลโอนาร์โดมีจำนวนไม่มากนัก และผลงานของเขาจำนวนหนึ่งสูญหายหรือเสียหายอย่างหนัก อย่างไรก็ตามผลงานของเขาที่มีต่อโลก วัฒนธรรมทางศิลปะมีความสำคัญอย่างยิ่งแม้กับพื้นหลังของกลุ่มอัจฉริยะที่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีมอบให้ ด้วยผลงานของเขาศิลปะการวาดภาพจึงก้าวไปสู่คุณภาพ เวทีใหม่ของการพัฒนา ศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่นำหน้าลีโอนาร์โดได้ละทิ้งแบบแผนของศิลปะยุคกลางจำนวนมากอย่างเด็ดขาด มันเป็นการเคลื่อนไหวไปสู่ความสมจริงและประสบความสำเร็จมาแล้วมากมายในการศึกษามุมมอง กายวิภาคศาสตร์ อิสระมากขึ้นในการตัดสินใจในการประพันธ์เพลง แต่ในแง่ของความงดงาม การทำงานกับสี ศิลปินยังคงค่อนข้างธรรมดาและมีข้อจำกัด เส้นในภาพระบุตัวแบบอย่างชัดเจน และภาพมีลักษณะของภาพวาดที่ลงสี เงื่อนไขมากที่สุดคือภูมิทัศน์ซึ่งเล่น บทบาทรอง. .
เลโอนาร์โดตระหนักและนำสิ่งใหม่ไปใช้ เทคนิคการวาดภาพ. เส้นของเขามีสิทธิ์ที่จะเบลอเพราะนั่นคือวิธีที่เราเห็น เขาตระหนักถึงปรากฏการณ์การกระเจิงของแสงในอากาศและลักษณะของหมอกควันระหว่างผู้ชมกับวัตถุที่ปรากฎ ซึ่งทำให้คอนทราสต์และเส้นของสีอ่อนลง เป็นผลให้ความสมจริงในการวาดภาพย้ายไปสู่ระดับใหม่ในเชิงคุณภาพ . จิตรกรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บอตติเชลลี ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
ราฟาเอล สันติ(28 มีนาคม 1483 - 6 เมษายน 1520) - จิตรกรกราฟิกและสถาปนิกชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่ตัวแทนของโรงเรียน Umbrian ..
ลูกชายของจิตรกร Giovanni Santi ได้รับการฝึกศิลปะเบื้องต้นใน Urbino กับ Giovanni Santi พ่อของเขา แต่เมื่ออายุยังน้อยเขาก็ลงเอยที่สตูดิโอ ศิลปินที่โดดเด่นปิเอโตร เปรูจิโน อย่างแน่นอน ภาษาศิลปะและความเป็นรูปเป็นร่างของภาพวาดของเปรูจิโน ด้วยความโน้มถ่วงที่มีต่อองค์ประกอบที่สมดุลแบบสมมาตร ความชัดเจนของความละเอียดเชิงพื้นที่ และความนุ่มนวลในการแก้สีและแสง มีอิทธิพลหลักต่อลักษณะท่าทางของราฟาเอลในวัยเยาว์
นอกจากนี้ยังจำเป็นต้องระบุว่าสไตล์การสร้างสรรค์ของราฟาเอลรวมถึงการสังเคราะห์เทคนิคและการค้นพบของปรมาจารย์คนอื่น ๆ ในตอนแรก ราฟาเอลอาศัยประสบการณ์ของเปรูจิโน ต่อมาก็ค้นพบการค้นพบของเลโอนาร์โด ดา วินชี, ฟรา บาร์โทโลมีโอ, มีเกลันเจโล .
ผลงานช่วงต้น(“Madonna Conestabile” 1502-1503) เปี่ยมไปด้วยความไพเราะ บทเพลงที่นุ่มนวล การดำรงอยู่ของมนุษย์บนโลก ความกลมกลืนของจิตวิญญาณและ กำลังกายได้รับการยกย่องในภาพจิตรกรรมฝาผนังของห้องวาติกัน (1509-1517) โดยได้รับความรู้สึกที่ไร้ที่ติของสัดส่วน, จังหวะ, สัดส่วน, ความไพเราะของสี, ความสามัคคีของตัวเลขและภูมิหลังทางสถาปัตยกรรมอันสง่างาม ..
ในฟลอเรนซ์เมื่อได้สัมผัสกับผลงานของมีเกลันเจโลและเลโอนาร์โด ราฟาเอลได้เรียนรู้จากภาพที่ถูกต้องทางกายวิภาคของร่างกายมนุษย์ เมื่ออายุ 25 ปี ศิลปินเดินทางไปกรุงโรม และตั้งแต่นั้นเป็นต้นมาช่วงเวลาที่ผลงานของเขาเริ่มบานสูงสุด เขาแสดงภาพจิตรกรรมฝาผนังขนาดใหญ่ในพระราชวังวาติกัน (ค.ศ. 1509--1511) ซึ่งเป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีปัญหาของ ต้นแบบ - ปูนเปียก "The School of Athens" เขียน องค์ประกอบแท่นบูชาและภาพวาดขาตั้งซึ่งโดดเด่นด้วยความกลมกลืนของการออกแบบและการดำเนินการทำงานเป็นสถาปนิก (บางครั้งราฟาเอลยังดูแลการก่อสร้างมหาวิหารเซนต์ปีเตอร์ด้วย) ในการค้นหาอุดมคติของเขาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยซึ่งเป็นตัวแทนของศิลปินในภาพลักษณ์ของมาดอนน่า เขาสร้างผลงานที่สมบูรณ์แบบที่สุดของเขา - "Sistine Madonna" (1513) ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของความเป็นแม่และการปฏิเสธตนเอง ภาพวาดและจิตรกรรมฝาผนังของราฟาเอลเป็นที่จดจำของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน และในไม่ช้าสันติก็กลายเป็นบุคคลสำคัญในชีวิตศิลปะของกรุงโรม ผู้สูงศักดิ์หลายคนในอิตาลีต้องการแต่งงานกับศิลปินรวมถึงพระคาร์ดินัล Bibbiena เพื่อนสนิทของราฟาเอล ศิลปินเสียชีวิตเมื่ออายุสามสิบเจ็ดปีจากภาวะหัวใจล้มเหลว ภาพวาดของ Villa Farnesina, Vatican Loggias และงานอื่น ๆ ที่ยังไม่เสร็จเสร็จสิ้นโดยนักเรียนของ Raphael ตามภาพร่างและภาพวาดของเขา
หนึ่งในตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูงซึ่งมีภาพวาดที่โดดเด่นด้วยความสมดุลและความกลมกลืนของทั้งหมดความสมดุลขององค์ประกอบความสม่ำเสมอของจังหวะและการใช้ความเป็นไปได้ของสีที่ละเอียดอ่อน คำสั่งที่ไร้ที่ติของเส้นและความสามารถในการสรุปและเน้นสิ่งสำคัญทำให้ราฟาเอลเป็นหนึ่งในผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพที่โดดเด่นที่สุดตลอดกาล มรดกของราฟาเอลทำหน้าที่เป็นหนึ่งในเสาหลักในกระบวนการสร้างนักวิชาการของยุโรป สาวกของลัทธิคลาสสิก - พี่น้อง Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov และศิลปินอื่น ๆ อีกมากมายยกย่องมรดกของ Raphael ว่าเป็นปรากฏการณ์ที่สมบูรณ์แบบที่สุดในศิลปะโลก ..
ทิเชียน เวเชลลิโอ(1476/1477 หรือ 1480-1576) - จิตรกรยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาชาวอิตาลี ชื่อของทิเชียนเทียบได้กับศิลปินยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เช่น มีเกลันเจโล เลโอนาร์โด ดา วินชี และราฟาเอล ทิเชียนวาดภาพเกี่ยวกับเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลและตำนาน เขามีชื่อเสียงในฐานะจิตรกรภาพเหมือน เขาได้รับมอบหมายจากกษัตริย์และพระสันตะปาปา พระคาร์ดินัล ดยุคและเจ้าชาย ทิเชียนอายุไม่ถึงสามสิบปีเมื่อเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นจิตรกรที่ดีที่สุดในเวนิส
จากสถานที่เกิดของเขา (Pieve di Cadore ในจังหวัด Belluno) บางครั้งเขาเรียกว่า da Cadore; หรือที่เรียกว่า Titian the Divine
Titian เกิดในครอบครัวของ Gregorio Vecellio รัฐบุรุษและบุคคลสำคัญทางการทหาร ตอนอายุสิบขวบเขาถูกส่งไปเวนิสกับพี่ชายเพื่อเรียนกับ Sebastian Zuccato นักโมเสกที่มีชื่อเสียง ไม่กี่ปีต่อมาเขาเข้าสตูดิโอของ Giovanni Bellini ในฐานะเด็กฝึกงาน เขาเรียนกับ Lorenzo Lotto, Giorgio da Castelfranco (Giorgione) และศิลปินอีกหลายคนซึ่งต่อมามีชื่อเสียง
ในปี ค.ศ. 1518 ทิเชียนวาดภาพ "การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของพระมารดาของพระเจ้า" ในปี ค.ศ. 1515 - ซาโลเมกับศีรษะของยอห์นผู้ให้บัพติศมา จากปี ค.ศ. 1519 ถึงปี ค.ศ. 1526 เขาวาดภาพแท่นบูชาหลายแท่น รวมทั้งแท่นบูชาของตระกูลเปซาโร
ทิเชียนอาศัยอยู่ อายุยืน. ก่อน วันสุดท้ายเขาไม่หยุดทำงาน ของฉัน รูปสุดท้าย, "คร่ำครวญของพระคริสต์" ทิเชียนเขียนสำหรับหลุมฝังศพของเขาเอง ศิลปินเสียชีวิตด้วยโรคระบาดในเวนิสเมื่อวันที่ 27 สิงหาคม ค.ศ. 1576 โดยติดโรคจากลูกชายขณะดูแลเขา
จักรพรรดิชาร์ลส์ที่ 5 เรียกทิเชียนมาหาพระองค์ และห้อมล้อมพระองค์ด้วยความเคารพและให้เกียรติ และตรัสมากกว่าหนึ่งครั้งว่า “ฉันสามารถสร้างดยุคได้ แต่ฉันจะหาทิเชียนคนที่สองได้จากที่ไหน” เมื่อวันหนึ่งศิลปินทำพู่กันตก Charles V ก็หยิบมันขึ้นมาและพูดว่า: "เป็นเกียรติที่ได้รับใช้ Titian แม้แต่กับจักรพรรดิ" ทั้งกษัตริย์สเปนและฝรั่งเศสเชิญ Titian มาที่บ้านเพื่อตั้งถิ่นฐานในศาล .
อิตาลีเป็นประเทศที่มีชื่อเสียงในด้านศิลปินมาโดยตลอด ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ที่เคยอาศัยอยู่ในอิตาลีได้เชิดชูศิลปะไปทั่วโลก เราสามารถพูดได้อย่างแน่นอนว่าถ้าไม่มีศิลปิน ประติมากร และสถาปนิกชาวอิตาลี โลกในวันนี้จะดูแตกต่างออกไปมาก ที่สำคัญที่สุดใน ศิลปะอิตาลีแน่นอนว่านับเป็น อิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการหรือยุคฟื้นฟูศิลปวิทยารุ่งเรืองเฟื่องฟูเป็นประวัติการณ์ ศิลปินที่มีความสามารถ, ประติมากร, นักประดิษฐ์, อัจฉริยะตัวจริงที่ปรากฏในสมัยนั้นยังคงเป็นที่รู้จักของเด็กนักเรียนทุกคน ศิลปะ ความคิดสร้างสรรค์ แนวคิด การพัฒนาในปัจจุบันถือเป็นศิลปะคลาสสิก ซึ่งเป็นแกนหลักในการสร้างศิลปะและวัฒนธรรมโลก
มากที่สุดแห่งหนึ่ง อัจฉริยะที่มีชื่อเสียงแน่นอนว่ายุคฟื้นฟูศิลปวิทยาของอิตาลีนั้นยอดเยี่ยมมาก เลโอนาร์โด ดา วินชี(1452-1519). ดาวินชีมีพรสวรรค์มากที่เขาประสบความสำเร็จอย่างมากในหลาย ๆ ด้านของกิจกรรมรวมถึง ศิลปกรรมโอ้และวิทยาศาสตร์ ศิลปินที่มีชื่อเสียงอีกคนหนึ่งซึ่งเป็นปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับคือ ซานโดร บอตติเชลลี(1445-1510). ภาพวาดของบอตติเชลลีเป็นของขวัญที่แท้จริงสำหรับมนุษยชาติ วันนี้มีความหนาแน่นมากที่สุด พิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงโลกและไม่มีค่าอย่างแท้จริง มีชื่อเสียงไม่น้อยไปกว่าเลโอนาร์โด ดา วินชีและบอตติเชลลี ราฟาเอล สันติ(ค.ศ. 1483-1520) ซึ่งมีชีวิตอยู่เป็นเวลา 38 ปี และในช่วงเวลานี้สามารถสร้างภาพวาดที่น่าทึ่งทั้งชั้นซึ่งกลายเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่สว่างที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น อีกหนึ่งอัจฉริยะผู้ยิ่งใหญ่ ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีไม่ต้องสงสัยเลย มีเกลันเจโล บูนารอตตี(1475-1564). นอกจากการวาดภาพแล้ว มีเกลันเจโลยังทำงานด้านประติมากรรม สถาปัตยกรรม และกวีนิพนธ์ และประสบความสำเร็จอย่างมากในศิลปะเหล่านี้ รูปปั้นของ Michelangelo ที่เรียกว่า "David" ถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ไม่มีใครเทียบได้ซึ่งเป็นตัวอย่างของความสำเร็จสูงสุดของศิลปะประติมากรรม
นอกเหนือจากศิลปินที่กล่าวถึงข้างต้นแล้ว ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของอิตาลีในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ได้แก่ ปรมาจารย์เช่น Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Titian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi และ คนอื่น ๆ . . พวกเขาทั้งหมดเป็น ตัวอย่างที่สำคัญน่ายินดี โรงเรียนเวนิสจิตรกรรม. สู่โรงเรียนฟลอเรนซ์ ภาพวาดอิตาลีเป็นของศิลปินเช่น Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto
ในการแสดงรายการศิลปินทั้งหมดที่ทำงานในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและหลายศตวรรษต่อมาซึ่งกลายเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกและเชิดชูศิลปะการวาดภาพได้พัฒนาหลักการและกฎหมายพื้นฐานที่รองรับทุกประเภทและประเภทของ วิจิตรศิลป์ อาจใช้เวลาเขียนหลายเล่ม แต่รายการนี้ก็เพียงพอที่จะเข้าใจว่าศิลปินชาวอิตาลีผู้ยิ่งใหญ่เป็นงานศิลปะที่เรารู้จัก ที่เรารัก และเราจะชื่นชมตลอดไป!
ภาพวาดโดยศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ชาวอิตาลี
Andrea Mantegna - ปูนเปียกใน Camera degli Sposi
Giorgione - นักปรัชญาสามคน
เลโอนาร์โด ดา วินชี - โมนาลิซา
Nicolas Poussin - ความใจกว้างของ Scipio
เปาโล เวโรเนเซ - ยุทธการเลปานโต
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มขึ้นในอิตาลี ได้รับชื่อเนื่องจากความเฟื่องฟูทางปัญญาและศิลปะที่เฉียบแหลมซึ่งเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 14 และมีอิทธิพลอย่างมากต่อสังคมและวัฒนธรรมยุโรป ยุคเรอเนซองส์ไม่ได้แสดงเฉพาะในภาพวาดเท่านั้น แต่ยังแสดงออกในสถาปัตยกรรม ประติมากรรม และวรรณกรรมด้วย ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ได้แก่ Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo และ Raphael
ในช่วงเวลาเหล่านี้ เป้าหมายหลักของจิตรกรคือ ภาพที่เหมือนจริงร่างกายมนุษย์ ดังนั้น พวกเขาจึงวาดคนเป็นหลัก บรรยายเรื่องศาสนาต่างๆ มีการคิดค้นหลักการของมุมมองซึ่งเปิดโอกาสใหม่สำหรับศิลปิน
ฟลอเรนซ์กลายเป็นศูนย์กลางของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตามด้วยเวนิส และต่อมาใกล้กับศตวรรษที่ 16 กรุงโรม
เลโอนาร์โดเป็นที่รู้จักในฐานะจิตรกร ประติมากร นักวิทยาศาสตร์ วิศวกร และสถาปนิกที่มีพรสวรรค์ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตลอดชีวิตของเขา Leonardo ทำงานในฟลอเรนซ์ซึ่งเขาสร้างผลงานชิ้นเอกมากมายที่เป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ในหมู่พวกเขา: "Mona Lisa" (มิฉะนั้น - "Gioconda"), "Lady with an Ermine", "Madonna Benois", "John the Baptist" และ "St. อันนากับมารีย์และพระกุมาร
ศิลปินคนนี้เป็นที่รู้จักเนื่องจากสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ที่เขาพัฒนาขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นอกจากนี้เขายังวาดภาพผนังของ Sistine Chapel ตามคำขอส่วนตัวของ Pope Sixtus IV บอตติเชลลีวาดภาพที่มีชื่อเสียงในรูปแบบตำนาน ภาพวาดดังกล่าว ได้แก่ "Spring", "Pallas and the Centaur", "The Birth of Venus"
ทิเชียนเป็นหัวหน้าโรงเรียนศิลปินแห่งฟลอเรนซ์ หลังจากการตายของเบลลินี อาจารย์ของเขา ทิเชียนได้กลายเป็นศิลปินอย่างเป็นทางการของสาธารณรัฐเวนิส จิตรกรผู้นี้เป็นที่รู้จักจากการวาดภาพบุคคลบน ธีมทางศาสนา: "การเสด็จขึ้นสู่สวรรค์ของแมรี่", "ดาเน่", "ความรักของโลกและความรักจากสวรรค์"
กวี ประติมากร สถาปนิก และศิลปินชาวอิตาลีได้บรรยายผลงานชิ้นเอกหลายชิ้น ซึ่งเป็นรูปปั้นที่มีชื่อเสียงของ "เดวิด" ที่ทำจากหินอ่อน รูปปั้นนี้กลายเป็นสถานที่ท่องเที่ยวสำคัญในฟลอเรนซ์ มีเกลันเจโลวาดภาพห้องใต้ดินของโบสถ์น้อยซิสทีนในวาติกัน ซึ่งเคยเป็น ออเดอร์ใหญ่สมเด็จพระสันตะปาปาจูเลียสที่ 2. ในช่วงที่ทำงาน เขาให้ความสนใจกับสถาปัตยกรรมมากขึ้น แต่ได้มอบ "การตรึงกางเขนของนักบุญปีเตอร์", "หลุมฝังศพ", "การสร้างอาดัม", "ผู้ทำนาย" ให้กับเรา
งานของเขาก่อตัวขึ้นภายใต้อิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของเลโอนาร์โด ดา วินชีและมีเกลันเจโล ซึ่งทำให้เขาได้รับประสบการณ์และทักษะอันล้ำค่า เขาวาดภาพโถงพิธีในวาติกันเพื่อเป็นตัวแทน กิจกรรมของมนุษย์และพรรณนาฉากต่าง ๆ จากพระคัมภีร์ ท่ามกลาง ภาพวาดที่มีชื่อเสียงราฟาเอล - " ซิสทีน มาดอนน่า", "Three Graces", "Saint Michael and the Devil"
Ivan Sergeevich Tseregorodtsev
ชาวยุโรปพยายามที่จะฟื้นฟูสมบัติและประเพณีที่สูญเสียไปเนื่องจากสงครามการทำลายล้างที่ไม่มีที่สิ้นสุด สงครามพรากผู้คนไปจากพื้นโลก และสิ่งยิ่งใหญ่ที่ผู้คนสร้างขึ้น แนวคิดที่จะฟื้นฟูอารยธรรมอันสูงส่ง โลกโบราณนำมาซึ่งปรัชญาชีวิต วรรณกรรม ดนตรี การเติบโตของวิทยาศาสตร์ธรรมชาติ และเหนือสิ่งอื่นใด ความเฟื่องฟูของศิลปะ ยุคนี้ต้องการคนที่แข็งแกร่งและมีการศึกษาที่ไม่กลัวงานใดๆ ท่ามกลางพวกเขานั้นการเกิดขึ้นของอัจฉริยะไม่กี่คนที่ถูกเรียกว่า "ไททันแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" นั้นเป็นไปได้ คนที่เราเรียกด้วยชื่อต้นเท่านั้น
ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาใช้ภาษาอิตาลีเป็นหลัก ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ในอิตาลีศิลปะในช่วงเวลานี้ถึงจุดสูงสุดและเฟื่องฟู ที่นี่มีชื่อไททันอัจฉริยะศิลปินผู้ยิ่งใหญ่และมีความสามารถมากมาย
ดนตรี เลโอนาร์โด.
ช่างเป็นผู้ชายที่โชคดี! หลายคนจะพูดเกี่ยวกับเขา เขามีสุขภาพที่หายากหล่อเหลาสูงตาสีฟ้า ในวัยหนุ่ม เขาสวมผมลอนสีบลอนด์ มีส่วนสูงที่น่าภาคภูมิใจซึ่งชวนให้นึกถึงนักบุญจอร์จของโดนาเทลลา เขามีความแข็งแกร่งที่ไม่เคยมีมาก่อนและความกล้าหาญ ความกล้าหาญของผู้ชาย เขาร้องเพลงได้อย่างยอดเยี่ยม ต่อหน้าผู้ชม เขาแต่งทำนองและบทกวี เล่นบนใด ๆ เครื่องดนตรียิ่งไปกว่านั้น เขาสร้างมันขึ้นมาเอง
สำหรับงานศิลปะของเลโอนาร์โด ดา วินชี ผู้ร่วมสมัยและผู้สืบทอดไม่เคยพบคำจำกัดความอื่นนอกจาก "ยอดเยี่ยม" "ศักดิ์สิทธิ์" "ยิ่งใหญ่" คำเดียวกันนี้ใช้กับการเปิดเผยทางวิทยาศาสตร์ของเขา: เขาประดิษฐ์รถถัง, รถขุด, เฮลิคอปเตอร์, เรือดำน้ำ, ร่มชูชีพ, อาวุธอัตโนมัติ, หมวกดำน้ำ, ลิฟต์, ตัดสินใจ ปัญหาที่ยากที่สุดอะคูสติก, พฤกษศาสตร์, ยา, จักรวาลวิทยา, สร้างโครงการสำหรับโรงละครรอบ, ประดิษฐ์ลูกตุ้มนาฬิกาหนึ่งศตวรรษก่อนหน้ากาลิเลโอ, ดึงสกีน้ำในปัจจุบัน, พัฒนาทฤษฎีกลศาสตร์
ช่างเป็นผู้ชายที่โชคดี! - หลายคนจะพูดเกี่ยวกับเขาและเริ่มจดจำเจ้าชายและกษัตริย์อันเป็นที่รักของเขาซึ่งกำลังมองหาความคุ้นเคยกับเขา แว่นตาและวันหยุดที่เขาประดิษฐ์ขึ้นในฐานะศิลปิน นักเขียนบทละคร นักแสดง สถาปนิก และสนุกสนานกับพวกเขาเหมือนเด็ก
อย่างไรก็ตามเลโอนาร์โดตับยาวที่ไม่ย่อท้อมีความสุขซึ่งทุกวันได้ให้ผู้คนและโลกทั้งโลกและความเข้าใจอย่างลึกซึ้ง? เขามองเห็นชะตากรรมอันเลวร้ายของการสร้างสรรค์ของเขา: การทำลาย "กระยาหารมื้อสุดท้าย" การยิงอนุสาวรีย์ของ Francesca Sforza การค้าขายที่ต่ำและการขโมยไดอารี่สมุดงานของเขาอย่างเลวทราม โดยรวมแล้วมีเพียงสิบหกภาพเท่านั้นที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้ ไม่กี่ประติมากรรม แต่ภาพวาดจำนวนมาก, ภาพวาดที่เข้ารหัส: เช่นเดียวกับวีรบุรุษในนิยายวิทยาศาสตร์สมัยใหม่, เขาเปลี่ยนรายละเอียดในการออกแบบของเขาราวกับว่าคนอื่นไม่สามารถใช้งานได้
ลีโอนาร์โด ดา วินชี ทำงานอยู่ ประเภทต่างๆและประเภทศิลปะ แต่การวาดภาพทำให้เขามีชื่อเสียงมากที่สุด
ภาพวาดยุคแรกๆ ของเลโอนาร์โดคือ Madonna with a Flower หรือ Benois Madonna ที่นี่ศิลปินปรากฏตัวในฐานะผู้ริเริ่มที่แท้จริง เขาเอาชนะขอบเขตของโครงเรื่องดั้งเดิมและทำให้ภาพมีความหมายสากลที่กว้างขึ้น ซึ่งก็คือความสุขและความรักของมารดา ในงานนี้ คุณสมบัติหลายอย่างของงานศิลปะของศิลปินได้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจน: องค์ประกอบที่ชัดเจนของตัวเลขและปริมาณของรูปแบบ ความปรารถนาที่จะกระชับและวางนัยทั่วไป และการแสดงออกทางจิตวิทยา
ภาพวาด “มาดอนน่า ลิตต้า” เป็นความต่อเนื่องของหัวข้อเริ่มต้น ซึ่งแสดงคุณลักษณะอีกอย่างของผลงานของศิลปินอย่างชัดเจน นั่นคือการเล่นบนความแตกต่าง ชุดรูปแบบเสร็จสมบูรณ์ด้วยภาพวาด "พระแม่มารีในถ้ำ" ซึ่งเป็นวิธีการจัดองค์ประกอบภาพในอุดมคติ เนื่องจากภาพร่างของพระแม่มารี พระคริสต์ และเหล่าทูตสวรรค์ผสานเข้ากับภูมิทัศน์เป็นภาพเดียว กอปรด้วยความสงบและความสามัคคี
หนึ่งในจุดสูงสุดของงานของเลโอนาร์โดคือปูนเปียก " พระกระยาหารมื้อสุดท้าย» ในห้องโถงของอาราม Santa Maria Della Grazie ผลงานนี้ไม่เพียงแต่สร้างความประทับใจให้กับองค์ประกอบโดยรวมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความแม่นยำด้วย เลโอนาร์โดไม่เพียงแต่สื่อถึงสภาพจิตใจของบรรดาอัครสาวกเท่านั้น แต่ยังถ่ายทอดในช่วงเวลาที่มาถึงด้วย จุดวิกฤตกลายเป็นการระเบิดทางจิตวิทยาและความขัดแย้ง การระเบิดครั้งนี้เกิดจากพระวจนะของพระคริสต์: "คนหนึ่งในพวกท่านจะทรยศต่อเรา" ในงานนี้ เลโอนาร์โดใช้วิธีการตีข่าวที่เป็นรูปธรรมอย่างเต็มที่ ต้องขอบคุณที่ตัวละครแต่ละตัวปรากฏเป็นบุคลิกลักษณะและบุคลิกเฉพาะตัวที่ไม่เหมือนใคร
จุดสุดยอดที่สองของงานของลีโอนาร์ดคือ ภาพเหมือนที่มีชื่อเสียงโมนาลิซ่า หรือ "La Gioconda" งานนี้เป็นจุดเริ่มต้นของประเภท แนวจิตวิทยาวี ศิลปะยุโรป. เมื่อมันถูกสร้างขึ้น อาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ใช้คลังแสงทั้งหมดอย่างชาญฉลาด การแสดงออกทางศิลปะ: คอนทราสต์ที่เฉียบคมและโทนสีอ่อน ความไม่เคลื่อนไหวเยือกแข็ง ความลื่นไหลและความแปรปรวนทั่วไป ความแตกต่างและการเปลี่ยนแปลงทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนที่สุด อัจฉริยะทั้งหมดของเลโอนาร์โดอยู่ที่รูปลักษณ์ที่มีชีวิตชีวาอย่างน่าทึ่งของโมนาลิซา ความลึกลับของเธอและ รอยยิ้มลึกลับหมอกควันอาถรรพ์ปกคลุมทั่วทิศ งานนี้เป็นหนึ่งในงานศิลปะชิ้นเอกที่หายากที่สุด
ทุกคนที่เห็น Gioconda ที่นำมาจากพิพิธภัณฑ์ลูฟร์ในมอสโกวจะจดจำช่วงเวลาที่หูหนวกสนิทใกล้กับผืนผ้าใบขนาดเล็กนี้ ซึ่งเป็นความตึงเครียดของสิ่งที่ดีที่สุดในตัวเอง Gioconda ดูเหมือนจะเป็น "ดาวอังคาร" ซึ่งเป็นตัวแทนของสิ่งที่ไม่รู้จัก - ต้องเป็นอนาคตไม่ใช่อดีตของเผ่ามนุษย์ซึ่งเป็นศูนย์รวมของความสามัคคีซึ่งโลกไม่เบื่อและจะไม่เบื่อที่จะฝันถึง .
มีอีกมากที่จะพูดเกี่ยวกับเขา แปลกใจว่านี่ไม่ใช่นิยายหรือแฟนตาซี ตัวอย่างเช่นที่นี่เราจำได้ว่าเขาเสนอให้ย้ายมหาวิหารซานจิโอวานนี่ได้อย่างไร - งานดังกล่าวทำให้เราประหลาดใจซึ่งอาศัยอยู่ในศตวรรษที่ยี่สิบ
เลโอนาร์โดกล่าวว่า: ศิลปินที่ดีจะต้องสามารถเขียนสองสิ่งหลัก: บุคคลและการเป็นตัวแทนของวิญญาณของเขา หรือมีการกล่าวถึง "โคลัมไบน์" จาก St. Petersburg Hermitage? นักวิจัยบางคนเรียกมันว่า "La Gioconda" ไม่ใช่ผืนผ้าใบของลูฟวร์
เด็กชาย Nardo ซึ่งเป็นชื่อของเขาในภาษา Vinci: ลูกชายนอกกฎหมายของเสมียนทนายความ ผู้ซึ่งถือว่านกและม้าเป็นสัตว์ที่ดีที่สุดในโลก เป็นที่รักของทุกคนและโดดเดี่ยว ดัดดาบเหล็กและวาดคนแขวนคอ ผู้ประดิษฐ์สะพานข้ามช่องแคบบอสฟอรัสและ เมืองที่สมบูรณ์แบบสวยงามกว่าของ Corbusier และ Niemeyer ร้องเพลงด้วยเสียงบาริโทนเบา ๆ และทำให้โมนาลิซ่ายิ้ม ในสมุดบันทึกเล่มสุดท้าย ชายผู้โชคดีคนนี้เขียนว่า "สำหรับฉันแล้วดูเหมือนว่าฉันกำลังเรียนรู้ที่จะมีชีวิตอยู่ แต่ฉันกำลังเรียนรู้ที่จะตาย" อย่างไรก็ตาม เขาสรุปว่า: "ชีวิตที่ดีคือชีวิตที่ยืนยาว"
เป็นไปได้ไหมที่จะไม่เห็นด้วยกับเลโอนาร์โด?
ซานโดร บอตติเชลลี
Sandro Botticelli เกิดที่เมือง Florence ในปี 1445 ในครอบครัวของช่างฟอกหนัง
งานต้นฉบับชิ้นแรกของบอตติเชลลีถือเป็นเรื่อง The Adoration of the Magi (ประมาณปี 1740) ซึ่งลักษณะดั้งเดิมของเขา ความเพ้อฝัน และบทกวีที่ละเอียดอ่อนได้ส่งผลกระทบอย่างเต็มที่แล้ว เขามีพรสวรรค์ด้านกวีนิพนธ์โดยกำเนิด แต่สัมผัสที่ชัดเจนของความโศกเศร้าครุ่นคิดฉายแววผ่านตัวเขาในทุกสิ่งอย่างแท้จริง แม้แต่ Saint Sebastian ซึ่งถูกทรมานด้วยลูกธนูของผู้ทรมานก็ยังมองเขาอย่างครุ่นคิดและแยกจากกัน
ในช่วงปลายทศวรรษ 1470 บอตติเชลลีได้ใกล้ชิดกับวงกลมของลอเรนโซ เมดิชิ ผู้ปกครองที่แท้จริงของฟลอเรนซ์ซึ่งมีชื่อเล่นว่าผู้ยิ่งใหญ่ ในสวนอันหรูหราของ Lorenzo สังคมของผู้คนมารวมตัวกัน ซึ่งน่าจะเป็นผู้รู้แจ้งและมีความสามารถมากที่สุดในฟลอเรนซ์ มีนักปรัชญากวีนักดนตรี บรรยากาศแห่งความชื่นชมในความงามครอบงำ และไม่เพียงแต่ความงามของศิลปะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความงามของชีวิตด้วย อย่างไรก็ตาม โบราณวัตถุรับรู้ผ่านปริซึมของชั้นปรัชญายุคหลัง ถือเป็นต้นแบบของศิลปะในอุดมคติและชีวิตในอุดมคติ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภายใต้อิทธิพลของบรรยากาศนี้เป็นอย่างแรก ภาพใหญ่บอตติเชลลี "Primavera (ฤดูใบไม้ผลิ)" นี่คืออุปมานิทัศน์ที่เหมือนความฝัน ประณีต งดงามอย่างน่าอัศจรรย์ของวัฏจักรอันเป็นนิรันดร์ การต่ออายุของธรรมชาติอย่างต่อเนื่อง มันเต็มไปด้วยจังหวะดนตรีที่ซับซ้อนและแปลกประหลาดที่สุด ร่างของฟลอราที่ประดับประดาด้วยดอกไม้เต้นรำอย่างสง่างามในสวนเอเดนเป็นภาพแห่งความงามที่ยังไม่มีใครเห็นในเวลานั้น ดังนั้นจึงสร้างความประทับใจที่น่าหลงใหลเป็นพิเศษ บอตติเชลลีหนุ่มเข้ามาแทนที่เจ้านายในยุคของเขาทันที
ชื่อเสียงอันสูงส่งของจิตรกรหนุ่มคนนี้ทำให้เขาได้รับคำสั่งซื้อจิตรกรรมฝาผนังตามพระคัมภีร์สำหรับโบสถ์วาติกันซิสทีน ซึ่งเขาสร้างขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1480 ในกรุงโรม เขาวาดภาพ "ฉากจากชีวิตของโมเสส", "การลงโทษของโคราห์, ดาธานและอาวิรอน" ซึ่งแสดงทักษะการประพันธ์ที่น่าทึ่ง ความสงบแบบคลาสสิกของอาคารโบราณซึ่งบอตติเชลลีเปิดเผยการกระทำนั้นแตกต่างอย่างมากกับจังหวะที่น่าทึ่งของตัวละครและความหลงใหลที่ปรากฎ การเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์นั้นซับซ้อน สลับซับซ้อน เต็มไปด้วยพลังระเบิด บุคคลหนึ่งได้รับความประทับใจจากความสามัคคีที่สั่นคลอน การไร้ที่พึ่งของโลกที่มองเห็นได้ก่อนที่เวลาและเจตจำนงของมนุษย์จะจู่โจมอย่างรวดเร็ว ภาพเฟรสโกของโบสถ์น้อยซิสทีนเป็นครั้งแรกที่แสดงถึงความวิตกกังวลอย่างลึกซึ้งที่อยู่ในจิตวิญญาณของบอตติเชลลี ซึ่งแข็งแกร่งขึ้นเมื่อเวลาผ่านไป ความสามารถอันน่าทึ่งของบอตติเชลลีในฐานะจิตรกรภาพบุคคลสะท้อนให้เห็นในจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ แต่ละใบหน้าที่วาดไว้ล้วนมีความดั้งเดิม มีเอกลักษณ์ และยากจะลืมเลือน ...
ในช่วงทศวรรษที่ 1480 เมื่อกลับมาที่ฟลอเรนซ์ บอตติเชลลียังคงทำงานอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย แต่ความชัดเจนอันเงียบสงบของ "ตัวอย่าง" นั้นล้าหลังไปมากแล้ว ในช่วงกลางทศวรรษที่เขาเขียนเรื่อง The Birth of Venus อันโด่งดังของเขา นักวิจัยได้บันทึกผลงานชิ้นต่อมาของปรมาจารย์เกี่ยวกับศีลธรรม ความสูงส่งทางศาสนาที่ไม่ธรรมดาสำหรับเขามาก่อน
ภาพวาดในยุค 90 ของบอตติเชลลีอาจมีความสำคัญมากกว่าภาพวาดช่วงปลาย ตลกขั้นเทพ» ดันเต้ เขาวาดภาพด้วยความสุขที่ชัดเจนและไม่ปิดบัง วิสัยทัศน์ของกวีผู้ยิ่งใหญ่ได้รับการถ่ายทอดด้วยความรักและระมัดระวังโดยความสมบูรณ์แบบของสัดส่วนของตัวเลขจำนวนมาก การจัดระเบียบพื้นที่อย่างรอบคอบ ทรัพยากรที่ไม่รู้จักหมดสิ้นในการค้นหาสิ่งที่เทียบเท่ากับคำกวี...
แม้จะมีพายุทางจิตและวิกฤตใด ๆ บอตติเชลลีจนถึงวาระสุดท้าย (เขาเสียชีวิตในปี ค.ศ. 1510) ก็ยังคงเป็นศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ซึ่งเป็นปรมาจารย์ด้านศิลปะของเขา นี่เป็นหลักฐานที่ชัดเจนจากการแกะสลักใบหน้าอันสูงส่งใน "Portrait หนุ่มน้อย” ซึ่งเป็นลักษณะที่แสดงออกของโมเดลโดยไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันสูง ศักดิ์ศรีความเป็นมนุษย์ภาพวาดที่มั่นคงของอาจารย์และสายตาที่ใจดีของเขา
วันที่ 7 สิงหาคม 2557
นักศึกษามหาวิทยาลัยศิลปะและผู้ที่สนใจในประวัติศาสตร์ศิลปะรู้ดีว่าในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14 และ 15 จุดเปลี่ยนที่คมชัดเกิดขึ้นในการวาดภาพ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ประมาณปี 1420 จู่ๆ ทุกคนก็วาดรูปเก่งขึ้นมาก เหตุใดภาพจึงดูสมจริงและมีรายละเอียดมาก และเหตุใดภาพวาดจึงมีแสงและปริมาณ เกี่ยวกับมัน เป็นเวลานานไม่มีใครคิด จนกระทั่ง David Hockney หยิบแว่นขยายขึ้นมา
มาดูกันว่าเขาเจออะไร...
วันหนึ่งเขากำลังดูภาพวาดของ Jean Auguste Dominique Ingres หัวหน้าโรงเรียนวิชาการฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 Hockney เริ่มสนใจที่จะเห็นภาพวาดขนาดเล็กของเขาในขนาดที่ใหญ่ขึ้น และเขาได้ขยายภาพเหล่านั้นด้วยเครื่องถ่ายเอกสาร นั่นทำให้เขาได้พบกับความลับของประวัติศาสตร์การวาดภาพตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
หลังจากทำสำเนาภาพวาดขนาดเล็ก (ประมาณ 30 เซนติเมตร) ของ Ingres แล้ว Hockney รู้สึกทึ่งกับความสมจริงของภาพเหล่านั้น และดูเหมือนว่าสำหรับเขาแล้ว คำพูดของ Ingres มีความหมายบางอย่างสำหรับเขา
เตือน. ปรากฎว่าพวกเขาทำให้เขานึกถึงงานของวอร์ฮอล และวอร์ฮอลทำสิ่งนี้ - เขาฉายภาพบนผืนผ้าใบและร่างภาพ
ซ้าย: รายละเอียดของภาพวาด Ingres ขวา: วาดโดยเหมาเจ๋อตง วอร์ฮอล
กรณีที่น่าสนใจ Hockney กล่าว เห็นได้ชัดว่า Ingres ใช้ Camera Lucida ซึ่งเป็นอุปกรณ์ที่สร้างด้วยปริซึม ซึ่งต่อเข้ากับแท่นวางแท็บเล็ต ดังนั้นศิลปินที่มองภาพวาดของเขาด้วยตาข้างหนึ่งจึงเห็นภาพจริงและอีกภาพหนึ่ง - ภาพวาดจริงและมือของเขา มันกลายเป็นภาพลวงตาที่ช่วยให้คุณถ่ายโอนสัดส่วนจริงไปยังกระดาษได้อย่างแม่นยำ และนี่คือ "การรับประกัน" ความสมจริงของภาพ
การวาดภาพบุคคลด้วยกล้องลูซิดา พ.ศ. 2350
จากนั้น Hockney ก็สนใจภาพวาดและภาพวาดประเภท "ออปติคัล" นี้อย่างจริงจัง ในสตูดิโอของเขา เขาและทีมงานแขวนภาพจำลองหลายร้อยภาพที่สร้างขึ้นในช่วงหลายศตวรรษบนผนัง งานที่ดูเหมือน "จริง" และงานที่ดูเหมือนไม่ใช่ Hockney และทีมงานของเขาเห็นจุดเปลี่ยนที่คมชัดในการวาดภาพในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15 โดยเรียงตามเวลาที่สร้างและภูมิภาค - ทิศเหนืออยู่ด้านบน ทิศใต้อยู่ด้านล่าง โดยทั่วไปแล้วทุกคนที่รู้เรื่องประวัติศาสตร์ศิลปะอย่างน้อยก็รู้ - ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
บางทีพวกเขาอาจใช้กล้อง-ลูซิด้าตัวเดียวกัน? ได้รับการจดสิทธิบัตรในปี 1807 โดย William Hyde Wollaston แม้ว่าในความเป็นจริงแล้ว Johannes Kepler ได้อธิบายถึงอุปกรณ์ดังกล่าวในปี 1611 ในงาน Dioptrice ของเขา ถ้าอย่างนั้นพวกเขาอาจใช้อุปกรณ์ออปติคัลอื่น - กล้องปิดบัง? ท้ายที่สุดมันเป็นที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยอริสโตเติลและเป็นห้องมืดที่แสงผ่านเข้าไปในรูเล็ก ๆ ดังนั้นในห้องมืดจึงมีการฉายภาพสิ่งที่อยู่ด้านหน้าของรู แต่กลับหัวกลับหาง ทุกอย่างจะดี แต่ภาพที่ได้รับเมื่อฉายกล้อง obscura โดยไม่มีเลนส์พูดอย่างอ่อนโยนไม่มีคุณภาพสูงไม่ชัดเจนต้องใช้แสงจ้ามากไม่ต้องพูดถึงขนาดของ การฉายภาพ แต่เลนส์คุณภาพสูงแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะผลิตได้จนถึงศตวรรษที่ 16 เพราะไม่มีทางที่จะผลิตกระจกคุณภาพสูงได้ในเวลานั้น Hockney คิดเรื่องต่างๆ ซึ่งขณะนั้นกำลังต่อสู้กับปัญหากับ Charles Falco นักฟิสิกส์อยู่แล้ว
อย่างไรก็ตาม มีภาพวาดของ Jan van Eyck ปรมาจารย์จาก Bruges ซึ่งเป็นจิตรกรชาวเฟลมิชในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนต้น ซึ่งมีเงื่อนงำซ่อนอยู่ ภาพวาดนี้มีชื่อว่า "Portrait of the Cheta Arnolfini"
Jan Van Eyck "ภาพเหมือนของ Arnolfini" 1434
รูปภาพนั้นเปล่งประกายด้วยรายละเอียดจำนวนมากซึ่งค่อนข้างน่าสนใจเพราะมันถูกวาดในปี 1434 เท่านั้น และคำใบ้ว่าผู้เขียนสามารถก้าวไปข้างหน้าอย่างยิ่งใหญ่ในความสมจริงของภาพได้อย่างไรก็คือกระจกเงา และเชิงเทียน - ซับซ้อนและสมจริงอย่างเหลือเชื่อ
Hockney เต็มไปด้วยความอยากรู้อยากเห็น เขาได้สำเนาโคมระย้าดังกล่าวและพยายามวาดมัน ศิลปินต้องเผชิญกับความจริงที่ว่าสิ่งที่ซับซ้อนนั้นยากที่จะวาดในมุมมอง อื่น จุดสำคัญเป็นรูปเป็นร่างแห่งวัตถุโลหะนี้ เมื่อวาดภาพวัตถุเหล็ก การวางส่วนไฮไลท์ให้สมจริงมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้เป็นสิ่งสำคัญมาก เนื่องจากจะทำให้มีความสมจริงอย่างมาก แต่ปัญหาของไฮไลท์เหล่านี้คือพวกมันจะเคลื่อนไหวเมื่อสายตาของผู้ชมหรือศิลปินเคลื่อนไหว ซึ่งหมายความว่ามันไม่ง่ายเลยที่จะจับภาพพวกมันได้เลย และให้ภาพที่สมจริงของโลหะและแสงสะท้อนอีกด้วย ลักษณะเด่นภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก่อนหน้านั้นศิลปินไม่ได้พยายามทำสิ่งนี้ด้วยซ้ำ
ทีมงานของ Hockney สร้างแบบจำลอง 3 มิติที่แม่นยำขึ้นใหม่เพื่อให้มั่นใจว่าโคมระย้าใน The Arnolfini ถูกวาดขึ้นในมุมมองที่แท้จริงด้วยจุดที่หายไปเพียงจุดเดียว แต่ปัญหาคือเครื่องมือวัดแสงที่แม่นยำเช่นกล้องออบสคูราพร้อมเลนส์ไม่มีอยู่จนกระทั่งประมาณหนึ่งศตวรรษหลังจากการสร้างภาพวาด
ส่วนของภาพวาดโดย Jan van Eyck "Portrait of the couple Arnolfini" 1434
ส่วนที่ขยายใหญ่ขึ้นแสดงให้เห็นว่ากระจกในภาพวาด "Portrait of the Arnolfini" นั้นนูนออกมา ดังนั้นจึงมีกระจกอยู่ตรงกันข้าม - เว้า ยิ่งกว่านั้นในสมัยนั้นกระจกดังกล่าวถูกสร้างขึ้นในลักษณะนี้ - ทรงกลมแก้วถูกถ่ายและด้านล่างของมันถูกปกคลุมด้วยเงินจากนั้นทุกอย่างยกเว้นด้านล่างก็ถูกตัดออก กระจกมองหลังไม่ได้หรี่แสง ดังนั้นกระจกเว้าของยาน ฟาน เอคอาจเป็นกระจกแบบเดียวกับที่แสดงในภาพก็ได้ ด้านหลัง. และนักฟิสิกส์ทุกคนรู้ว่ากระจกคืออะไร เมื่อสะท้อนออกมา มันจะฉายภาพของสิ่งที่สะท้อนออกมา นี่คือที่ที่ Charles Falco นักฟิสิกส์เพื่อนของเขาช่วย David Hockney ในการคำนวณและการวิจัย
กระจกเว้าจะฉายภาพของหอคอยนอกหน้าต่างลงบนผืนผ้าใบ
ขนาดของส่วนที่ชัดและโฟกัสของการฉายภาพคือประมาณ 30 ตารางเซนติเมตร และนี่เป็นเพียงขนาดของศีรษะในภาพวาดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาหลายๆ ภาพ
Hockney วาดภาพโครงร่างของบุคคลบนผืนผ้าใบ
นี่คือขนาดของตัวอย่าง เช่น ภาพเหมือนของ Doge Leonardo Loredan โดย Giovanni Bellini (1501), ภาพเหมือนของผู้ชายโดย Robert Campin (1430), ภาพเหมือนของ "ชายในชุดผ้าโพกศีรษะสีแดง" ของ Jan van Eyck และอีกมากมาย ภาพเหมือนของชาวดัตช์ในยุคแรกอื่นๆ
ภาพเหมือนยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา
การวาดภาพเป็นงานที่ได้รับค่าตอบแทนสูง และแน่นอนว่าความลับทั้งหมดของธุรกิจนั้นถูกเก็บไว้เป็นความลับอย่างเข้มงวดที่สุด มันเป็นประโยชน์สำหรับศิลปินที่คนที่ไม่ได้ฝึกหัดทุกคนเชื่อว่าความลับอยู่ในมือของนายและไม่สามารถขโมยได้ ธุรกิจถูกปิดไม่ให้บุคคลภายนอก - ศิลปินอยู่ในกิลด์และยังประกอบด้วยช่างฝีมือหลากหลาย - ตั้งแต่ผู้ที่ทำอานม้าไปจนถึงผู้ที่ทำกระจก และในกิลด์เซนต์ลุคซึ่งก่อตั้งในแอนต์เวิร์ปและกล่าวถึงครั้งแรกในปี 1382 (จากนั้นกิลด์ที่คล้ายกันก็เปิดขึ้นในหลายๆ เมืองทางตอนเหนือและหนึ่งในกิลด์ที่ใหญ่ที่สุดคือกิลด์ใน Bruges ซึ่งเป็นเมืองที่ Van Eyck อาศัยอยู่) นอกจากนี้ยังมีปรมาจารย์ที่ทำกระจกด้วย
ดังนั้น Hockney จึงสร้างวิธีการวาดโคมระย้าที่ซับซ้อนขึ้นมาใหม่จากภาพวาดของ Van Eyck ไม่น่าแปลกใจที่ขนาดของโคมระย้าที่ฉายโดย Hockney จะตรงกับขนาดของโคมระย้าในภาพวาด "Portrait of the Arnolfini" และแน่นอนไฮไลท์บนโลหะ - ในการฉายภาพจะหยุดนิ่งและไม่เปลี่ยนแปลงเมื่อศิลปินเปลี่ยนตำแหน่ง
แต่ปัญหายังไม่ได้รับการแก้ไขอย่างสมบูรณ์เพราะก่อนที่จะมีเลนส์คุณภาพสูงซึ่งจำเป็นต้องใช้กล้อง obscura เหลือเวลาอีก 100 ปีและขนาดของการฉายภาพที่ได้รับจากกระจกมีขนาดเล็กมาก . วิธีการวาดภาพขนาดใหญ่กว่า 30 ตารางเซนติเมตร? พวกมันถูกสร้างขึ้นเป็นภาพปะติด - จากมุมมองที่หลากหลาย มันกลายเป็นการมองเห็นทรงกลมที่มีจุดที่หายไปมากมาย Hockney เข้าใจสิ่งนี้เพราะเขาเองมีส่วนร่วมในภาพดังกล่าว - เขาสร้างภาพปะติดจำนวนมากที่ให้เอฟเฟกต์เดียวกันทุกประการ
เกือบหนึ่งศตวรรษต่อมา ในช่วงทศวรรษที่ 1500 ในที่สุดก็เป็นไปได้ที่จะได้รับและแปรรูปกระจกอย่างดี - มีเลนส์ขนาดใหญ่ปรากฏขึ้น และในที่สุดก็สามารถใส่เข้าไปในกล้อง obscura ซึ่งเป็นหลักการทำงานที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ สิ่งบดบังของกล้องพร้อมเลนส์ถือเป็นการปฏิวัติวงการทัศนศิลป์อย่างไม่น่าเชื่อ เนื่องจากตอนนี้การฉายภาพอาจมีขนาดใดก็ได้ และอีกประการหนึ่ง ตอนนี้ภาพไม่ใช่ "มุมกว้าง" แต่เป็นมุมมองปกติ นั่นคือ เหมือนกับในปัจจุบันเมื่อถ่ายภาพด้วยเลนส์ที่มีทางยาวโฟกัส 35-50 มม.
อย่างไรก็ตาม ปัญหาของการใช้กล้องออบสคูรากับเลนส์ก็คือการฉายภาพโดยตรงจากเลนส์นั้นมีลักษณะพิเศษ สิ่งนี้นำไปสู่คนถนัดซ้ายจำนวนมากในการวาดภาพในช่วงแรกของการใช้เลนส์ เช่นเดียวกับในภาพวาดจากปี 1600 จากพิพิธภัณฑ์ Frans Hals ที่คู่รักที่ถนัดซ้ายกำลังเต้นรำ ชายชราที่ถนัดซ้ายใช้นิ้วขู่พวกเขา และลิงที่ถนัดซ้ายแอบมองใต้ชุดของผู้หญิง
ทุกคนในภาพนี้ถนัดซ้าย
ปัญหานี้แก้ไขได้โดยการติดตั้งกระจกเงาที่เลนส์โดยตรง ทำให้ได้การฉายภาพที่ถูกต้อง แต่เห็นได้ชัดว่ากระจกที่ดี สม่ำเสมอ และบานใหญ่นั้นมีราคาสูง ดังนั้นไม่ใช่ทุกคนที่มีมัน
อีกประเด็นหนึ่งคือการโฟกัส ความจริงก็คือบางส่วนของภาพที่ตำแหน่งหนึ่งของผืนผ้าใบภายใต้รังสีของการฉายภาพนั้นหลุดโฟกัส ไม่ชัดเจน ในผลงานของแจน เวอร์เมียร์ ซึ่งการใช้เลนส์มองเห็นได้ค่อนข้างชัดเจน งานของเขาโดยทั่วไปดูเหมือนภาพถ่าย คุณยังสามารถสังเกตเห็นสถานที่ที่อยู่นอก "โฟกัส" คุณยังสามารถเห็นรูปแบบที่เลนส์มอบให้ - "โบเก้" ที่มีชื่อเสียง ตัวอย่างเช่น ในภาพวาด "The Milkmaid" (1658) ตะกร้า ขนมปังในนั้น และแจกันสีน้ำเงินอยู่นอกโฟกัส แต่สายตามนุษย์ไม่สามารถมองเห็นได้ "หลุดโฟกัส"
รายละเอียดบางส่วนของภาพหลุดโฟกัส
และด้วยเหตุนี้จึงไม่น่าแปลกใจเลยที่ เพื่อนที่ดี Jan Vermeer คือ Anthony Phillips van Leeuwenhoek นักวิทยาศาสตร์และนักจุลชีววิทยาด้วย ต้นแบบที่ไม่ซ้ำใครผู้สร้างกล้องจุลทรรศน์และเลนส์ของเขาเอง นักวิทยาศาสตร์กลายเป็นผู้จัดการมรณกรรมของศิลปิน และนี่ชี้ให้เห็นว่า Vermeer วาดภาพเพื่อนของเขาบนผืนผ้าใบสองผืน - "Geographer" และ "Astronomer"
ในการดูส่วนใดส่วนหนึ่งที่อยู่ในโฟกัส คุณต้องเปลี่ยนตำแหน่งของผืนผ้าใบใต้ลำแสงฉาย แต่ในกรณีนี้ข้อผิดพลาดในสัดส่วนปรากฏขึ้น ดังที่เห็นที่นี่: ไหล่ขนาดใหญ่ของ Anthea โดย Parmigianino (ประมาณปี 1537), หัวขนาดเล็กของ "Lady Genovese" ของ Anthony van Dyck (1626), เท้าขนาดใหญ่ของชาวนาในภาพวาดโดย Georges de La Tour
ข้อผิดพลาดในสัดส่วน
แน่นอนว่าศิลปินทุกคนใช้เลนส์ด้วยวิธีต่างๆ กัน มีคนร่างภาพใครบางคนสร้างขึ้นจากส่วนต่าง ๆ - ตอนนี้มันเป็นไปได้ที่จะสร้างภาพบุคคลและทำทุกอย่างให้เสร็จด้วยแบบจำลองอื่นหรือแม้แต่หุ่นจำลอง
ภาพวาดของ Velasquez แทบไม่มีเหลืออยู่เลย อย่างไรก็ตาม ผลงานชิ้นเอกของเขายังคงอยู่ - ภาพเหมือนของ Pope Innocent ที่ 10 (1650) บนเสื้อคลุมของสมเด็จพระสันตะปาปา - เห็นได้ชัดว่าเป็นผ้าไหม - เป็นการเล่นแสงที่สวยงาม แสงจ้า และเพื่อเขียนทั้งหมดนี้จากมุมมองเดียว จำเป็นต้องพยายามอย่างมาก แต่ถ้าคุณทำการฉายภาพ ความงามทั้งหมดนี้จะไม่หนีไปไหน แสงสะท้อนจะไม่ขยับอีกต่อไป คุณสามารถเขียนด้วยลายเส้นที่กว้างและรวดเร็วเหมือนของ Velazquez
Hockney ทำซ้ำภาพวาดโดย Velasquez
ต่อจากนั้น ศิลปินหลายคนสามารถซื้อกล้อง obscura ได้ และมันก็หยุดอยู่แค่นั้น ความลับที่ยิ่งใหญ่. คานาเลตโตใช้กล้องอย่างแข็งขันเพื่อสร้างภาพทิวทัศน์ของเมืองเวนิสและไม่ได้ปิดบัง ด้วยความแม่นยำของภาพวาดเหล่านี้ ทำให้เราสามารถพูดถึง Canaletto ในฐานะผู้สร้างภาพยนตร์สารคดีได้ ขอบคุณ Canaletto คุณไม่เพียงมองเห็น ภาพอันสวยงามแต่ยังรวมถึงประวัติศาสตร์ด้วย คุณสามารถดูว่าสะพานเวสต์มินสเตอร์แห่งแรกในลอนดอนเป็นอย่างไรในปี 1746
คานาเลตโต "สะพานเวสต์มินสเตอร์" 2289
ศิลปินชาวอังกฤษ Sir Joshua Reynolds เป็นเจ้าของกล้องออบสคูรา และเห็นได้ชัดว่าไม่ได้บอกใครเกี่ยวกับเรื่องนี้ เนื่องจากกล้องของเขาพับขึ้นและดูเหมือนหนังสือ หน้าปัจจุบันคือ พิพิธภัณฑ์วิทยาศาสตร์ลอนดอน
กล้องออบสคูราปลอมตัวเป็นหนังสือ
ในที่สุด ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 วิลเลียม เฮนรี ฟ็อกซ์ ทัลบอต ใช้กล้องลูซิดา ซึ่งเป็นกล้องที่ต้องมองด้วยตาข้างเดียวและวาดด้วยมือ สาปแช่ง ตัดสินใจว่าความไม่สะดวกดังกล่าวควรหมดไปในครั้งเดียว และกลายเป็นหนึ่งในผู้คิดค้นการถ่ายภาพทางเคมี และต่อมาก็กลายเป็นนักนิยมที่ทำให้มันแพร่หลาย
ด้วยการคิดค้นการถ่ายภาพ การผูกขาดการวาดภาพบนความสมจริงของภาพจึงหายไป ตอนนี้ภาพถ่ายกลายเป็นการผูกขาด และที่นี่ในที่สุด ภาพวาดก็เป็นอิสระจากเลนส์ ดำเนินต่อไปตามเส้นทางที่เปลี่ยนไปในช่วงทศวรรษที่ 1400 และแวนโก๊ะก็กลายเป็นผู้บุกเบิกศิลปะทั้งหมดในศตวรรษที่ 20
ซ้าย: โมเสกไบแซนไทน์ศตวรรษที่ 12 ขวา: Vincent van Gogh "Portrait of Mr. Trabuk" 1889
การประดิษฐ์ภาพถ่ายเป็นสิ่งที่ดีที่สุดที่เกิดขึ้นกับการวาดภาพในประวัติศาสตร์ทั้งหมด ไม่จำเป็นต้องสร้างภาพจริงเพียงอย่างเดียวอีกต่อไป ศิลปินมีอิสระ แน่นอนว่า สาธารณชนต้องใช้เวลาถึงหนึ่งศตวรรษในการตามทันศิลปินที่มีความเข้าใจเกี่ยวกับดนตรีประกอบภาพ และหยุดคิดว่าคนอย่างแวนโก๊ะนั้น "บ้า" ในเวลาเดียวกันศิลปินเริ่มใช้รูปถ่ายเป็น " วัสดุอ้างอิง". จากนั้นมีคนเช่น Wassily Kandinsky, เปรี้ยวจี๊ดของรัสเซีย, Mark Rothko, Jackson Pollock ภายหลังมีการเผยแพร่จิตรกรรม สถาปัตยกรรม ประติมากรรม และดนตรี จริงอยู่ที่โรงเรียนสอนการวาดภาพของรัสเซียนั้นติดอยู่กับกาลเวลา และทุกวันนี้ก็ยังถือว่าเป็นเรื่องน่าละอายในโรงเรียนและโรงเรียนต่างๆ ที่จะใช้การถ่ายภาพเพื่อช่วย และความสามารถทางเทคนิคล้วน ๆ ในการวาดด้วยมือเปล่าให้เหมือนจริงที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ถือเป็นความสำเร็จสูงสุด .
ขอบคุณบทความของนักข่าว Lawrence Weshler ซึ่งอยู่ในงานวิจัยของ David Hockney และ Falco ความจริงที่น่าสนใจ: ภาพ Arnolfinis ของ Van Eyck เป็นภาพเหมือนของพ่อค้าชาวอิตาลีในเมือง Bruges Mr. Arnolfini เป็นชาว Florentine และยิ่งกว่านั้น เขาเป็นตัวแทนของธนาคาร Medici (โดยแท้จริงแล้วเป็นปรมาจารย์แห่ง Renaissance Florence ซึ่งถือเป็นผู้อุปถัมภ์ศิลปะในยุคนั้นในอิตาลี) สิ่งนี้พูดว่าอะไร? ความจริงที่ว่าเขาสามารถนำความลับของกิลด์เซนต์ลุค - กระจก - ไปกับเขาที่ฟลอเรนซ์ได้อย่างง่ายดายซึ่งตามประวัติศาสตร์ดั้งเดิมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มต้นขึ้นและศิลปินจากบรูจส์ ถือเป็น "บรรพกาล"
มีความขัดแย้งมากมายเกี่ยวกับทฤษฎี Hockney-Falco แต่มีความจริงอยู่ในนั้นอย่างแน่นอน สำหรับนักวิจารณ์ศิลปะ นักวิจารณ์ และนักประวัติศาสตร์ ยากที่จะจินตนาการว่ามีกี่คน เอกสารทางวิทยาศาสตร์ในความเป็นจริงแล้วประวัติศาสตร์และศิลปะกลายเป็นเรื่องไร้สาระโดยสิ้นเชิง แต่สิ่งนี้ได้เปลี่ยนแปลงประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมด ทฤษฎีและข้อความทั้งหมดของพวกเขา
ข้อเท็จจริงของการใช้ออปติกไม่ได้ลดทอนความสามารถของศิลปินแม้แต่น้อย ท้ายที่สุด เทคโนโลยีเป็นวิธีการถ่ายทอดสิ่งที่ศิลปินต้องการ และในทางกลับกัน สิ่งที่อยู่ในภาพเหล่านี้คือที่สุด ความเป็นจริงที่แท้จริงเพิ่มน้ำหนักให้กับพวกเขาเท่านั้น - ท้ายที่สุดแล้วนี่คือสิ่งที่ผู้คนในเวลานั้นสิ่งต่าง ๆ สถานที่เมืองดูเหมือน นี่คือเอกสารจริง
