เกี่ยวกับศิลปะกีตาร์และการฝึกสอนกีตาร์ การก่อตัวของการแสดงกีตาร์รัสเซีย การก่อตัวของศิลปะการแสดงบนกีตาร์

การก่อตัวของการแสดงกีตาร์รัสเซีย

1. การเกิดขึ้นของศิลปะการเล่นกีตาร์เจ็ดสายในรัสเซียในศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

ความคิดริเริ่มของการมีอยู่ของกีตาร์ในรัสเซียนั้นอยู่ที่การมีอยู่ของสองสายพันธุ์ - เจ็ดสายและหกสาย อย่างไรก็ตาม "ส่วนแบ่ง" ในการทำดนตรีของพวกเขานั้นแตกต่างกัน: จากช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ XX ในช่วงที่นอกเหนือไปจากการศึกษาหนังสือเล่มนี้ กีตาร์หกสายก็ได้รับความนิยมมากขึ้นเรื่อย ๆ ในขณะเดียวกัน เกือบตลอดช่วงศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีหลากหลายประเภทที่สามารถเรียกได้เต็มปากว่าเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซียนั้นมีความโดดเด่นในการทำดนตรีในประเทศ และไม่เพียง แต่ตามเกณฑ์ทางสังคมที่เกี่ยวข้องกับการมุ่งเน้นไปที่ผู้ที่ไม่ใช่ชนชั้นสูงในแง่ดนตรีและศิลปะซึ่งเป็นส่วนสำคัญของประชากรรัสเซีย ในกีตาร์เจ็ดสายที่มีการปรับจูนแบบ "รัสเซีย" แบบพิเศษ องค์ประกอบทางชาติพันธุ์ของสัญชาตินั้นไม่ชัดเจนเลย: เป็นเวลากว่าสองศตวรรษที่มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในประเทศของเราและยังคงมีอยู่เพื่อแสดงออกถึงแนวเพลงดั้งเดิม เพลงชาติ. การปรับแต่งตามเสียงของ G-dur triad เพิ่มขึ้นเป็นสองเท่าและสตริงด้านล่างเว้นระยะควอร์ตปรากฏในรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และกลายเป็นธรรมชาติอย่างมากในสภาพแวดล้อมในเมืองที่พวกเขาชอบร้องเพลง เพลงและความรักพร้อมสูตรเบสคอร์ดคลอที่ไม่เปลี่ยนแปลง (ในประเทศในชีวิตดนตรีของต้นศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีดังกล่าวมักถูกเรียกว่ากีตาร์ของ "ระบบโปแลนด์" ในขณะเดียวกันการปรับแต่งด้วยเสียงของ กลุ่ม G-dur แพร่หลายเฉพาะในรัสเซียเท่านั้น (ข้อยกเว้นเพียงอย่างเดียวอาจเป็นสภาพแวดล้อมของผู้อพยพชาวรัสเซียในประเทศอื่น ๆ )
ใช้ร่วมกับกีตาร์เจ็ดสายในการทำดนตรีที่บ้าน โดยปกติจะใช้หู - ฟังก์ชันฮาร์มอนิกที่ง่ายที่สุดของดนตรีประกอบดังกล่าวกลายเป็นสิ่งที่เข้าถึงได้ง่ายมาก ผู้แต่งเพลงและความรักมักเป็นมือสมัครเล่นที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก แต่บางครั้งก็เป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นรุ่นก่อนของ M. I. Glinka เช่น A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. A. Alyabyev, A. I. Dyubuk , P. P. Bulakhov การแสดงเพลง "เจ็ดสาย" ของเพลงเช่น "ระฆังเขย่าแล้วมีเสียงจำเจ" โดย A. L. Gurilev, "พายุหิมะกวาดไปตามถนน" โดย A. E. Varlamov, "อย่าดุฉันที่รัก" โดย A. I. Dyubuk และอื่น ๆ อีกมากมาย พวกเขาได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พวกเขาเริ่มมีตัวตนในหมู่ประชาชนทั่วไปในฐานะเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย
ศิลปะของชาวยิปซีรัสเซียมีบทบาทสำคัญในการแพร่กระจายของกีตาร์เจ็ดสาย นักกีตาร์เจ็ดสายที่งดงามเป็นผู้นำของคณะนักร้องประสานเสียงยิปซีเช่น Ilya Osipovich และ Grigory Ivanovich Sokolov, Alexander Petrovich Vasilyev, Nikolai Sergeevich Shishkin, Rodion Arkadevich Kalabin และคนอื่น ๆ (ดังที่ K. A. Baurov ตั้งข้อสังเกตว่า "การประสานเสียงยิปซีในรัสเซียกำลังเป็นที่นิยมด้วย มือเบาเคานต์ A. G. Orlov ขุนนางเจ้าของที่ดินและพ่อค้าผู้มั่งคั่งหลายคนได้รับคณะนักร้องประสานเสียงยิปซีของตนเอง
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 กีตาร์เจ็ดสายสามารถได้ยินในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงและแม้แต่ในราชสำนัก กลางเดือนสิบเก้าศตวรรษ ประชาธิปไตยที่สำคัญได้รับการสังเกต M. A. Stakhovich ใน "เรียงความเกี่ยวกับประวัติของกีตาร์เจ็ดสาย" ซึ่งตีพิมพ์ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2397 เขียนว่า: "กีตาร์เจ็ดสายเป็นเครื่องดนตรีที่พบมากที่สุดในรัสเซียเพราะเป็นเรื่องธรรมดาที่สุดเพราะนอกเหนือจากการศึกษาแล้ว คลาสมันเล่นโดยคนธรรมดาด้วย”
ในเวลาเดียวกันเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 กีตาร์ประเภทนี้เริ่มพัฒนาในฐานะตัวแทนของนักวิชาการ ศิลปะดนตรี. หากการร้องเพลงคลอกีตาร์ของเพลงในเมืองและเพลงรักเป็นลักษณะเฉพาะของประเพณีที่ไม่มีการฟังเป็นลายลักษณ์อักษร ดังนั้นเพลงเดียวกันที่มีไว้สำหรับการแสดงเดี่ยวด้วยกีตาร์ในการทำเพลงที่บ้านจึงได้รับการเผยแพร่ในคอลเลกชั่นดนตรีต่างๆ ส่วนใหญ่เป็นการแปร-เรียบเรียงทำนองเพลงพื้นบ้าน ที่นี่ ผู้เขียนได้แสดงจินตนาการที่สร้างสรรค์เมื่อตกแต่งธีม ด้วย "การลงสี" ที่มีสีสันในตัวเลือกที่หลากหลาย
สำหรับกีตาร์เจ็ดสายก็ปรากฏองค์ประกอบหลักเช่นกัน อยู่ใน ต้น XIXศตวรรษ Sonata สำหรับกีตาร์คู่โดย V. Lvov ได้รับการปล่อยตัว เริ่มมีการเผยแพร่ชิ้นส่วนกีตาร์ต่างๆ มากขึ้น วางอยู่ในคู่มือการเรียนการสอนและระเบียบวิธี หรือจัดพิมพ์เป็นฉบับแยกต่างหาก ตัวอย่างเช่นมีเพชรประดับจำนวนมากซึ่งส่วนใหญ่อยู่ในประเภทการเต้นรำ - mazurkas, วอลทซ์, การเต้นรำแบบคันทรี่, ecossaises, polonaises เช่นเดียวกับ serenades, divertissements ที่สร้างขึ้นโดย Ignaz Geld (1766-1816) ครูสอนกีตาร์และระเบียบวิธีที่มีชื่อเสียง

อิกนาซ เกลด์

ใช้ชีวิตสร้างสรรค์เกือบทั้งหมดในรัสเซีย ชาวเช็กชาวรัสเซียคนนี้ทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อทำให้การเล่นกีตาร์เชิงวิชาการเป็นที่นิยม ในปี พ.ศ. 2341 "โรงเรียนสอนกีตาร์เจ็ดสาย" ของเขาได้รับการตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งมีชื่อเป็นภาษาฝรั่งเศสว่า "Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre" นอกจากข้อมูลทางทฤษฎีแล้ว ยังมีตัวอย่างดนตรีมากมาย ทั้งดนตรีที่เรียบเรียงขึ้นสำหรับกีตาร์ และการประพันธ์ของผู้เขียนเอง เหล่านี้คือโหมโรง, Waltz, Dumka, Polonaise, March, Allegretto; ในตอนท้ายของฉบับยังมีแม้แต่โซนาตาสำหรับฟลุตและกีตาร์ ชิ้นสำหรับไวโอลินและกีตาร์ สำหรับเสียงและกีตาร์ ฯลฯ
โรงเรียนได้รับการพิมพ์ซ้ำหลายครั้งและเสริมด้วยเนื้อหาใหม่ที่หลากหลาย (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ฉบับที่สามได้รับการขยายโดยการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซียและยูเครนถึงสี่สิบเพลง) คุณค่าทางศิลปะที่สูงสามารถพิสูจน์ได้จากความจริงที่ว่ามันได้กลายเป็นพื้นฐานวิธีการสำหรับการสกัดฮาร์โมนิกธรรมชาติและเทียม สิ่งนี้ดำเนินการโดย S. N. Aksenov ผู้เผยแพร่วิธีการดำเนินการของพวกเขาในส่วนเสริมของเขาไปยังสิ่งพิมพ์และแยกพวกเขาออกจากบทอื่นที่นี่
"School for the Seven-String Guitar" ของครูผู้แต่งเพลงประกอบละคร Dmitry Fedorovich Kushenov-Dmitrievsky (ค.ศ. 1772-1835) ก็กลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญในช่วงเวลานั้นเช่นกัน คู่มือกีตาร์ของเขาคือ “The New and Complete Guitar School แต่งขึ้นในปี 1808 โดย Mr. Kushenov-Dmitrievsky หรือคู่มือสอนกีตาร์ด้วยตนเอง ซึ่งคุณสามารถเรียนรู้วิธีการเล่นกีตาร์อย่างถูกต้องด้วยตัวเองโดยไม่ต้องอาศัยความช่วยเหลือจาก ครู” ซึ่งตีพิมพ์ครั้งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2351 ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และพิมพ์ซ้ำหลายครั้ง แม้ว่าจะมีไว้สำหรับการศึกษาด้วยตนเอง ผู้เขียนเน้นย้ำว่าความสำเร็จในการรับรู้ส่วนใหญ่ได้มา "ด้วยความช่วยเหลือจากครูที่ดี" ในฉบับปรับปรุงใหม่ของ School of 1817 ผู้เขียนระบุอย่างชัดเจนยิ่งขึ้นว่า "... ไม่มีวิทยาศาสตร์ใดศาสตร์เดียวที่ไม่ต้องการผู้ให้คำปรึกษาหรือผู้ชี้แนะเพื่อความรู้ที่สมบูรณ์แบบ ดังนั้นฉันไม่แนะนำให้คุณเริ่มสอนก่อนเวลานั้นจนกว่าจะพบครูที่มีความสามารถและมีความรู้เพียงพอสำหรับสิ่งนี้
D. F. Kushenov-Dmitrievsky สร้างจินตนาการของเพลงโฟล์คหลายเพลงและดัดแปลงสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย ในปี 1818 เขาได้ตีพิมพ์คอลเลคชันกีตาร์ "Interdubele หรือ Collection of estimplary Pieces for the Seven-string Guitar" มันมีหนึ่งร้อย หมายเลขดนตรีโดยเฉพาะอย่างยิ่ง เพชรประดับของเขาเอง การเรียบเรียงดนตรีพื้นบ้าน ตลอดจนการถอดความบทละครของ W. A. ​​Mozart, A. O. Sichra, F. Carulli และผู้ประพันธ์เพลงคนอื่นๆ
นักแต่งเพลง - นักไวโอลินชื่อดังชาวรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 เป็นเจ้าของกีตาร์เจ็ดสายอย่างสมบูรณ์แบบ ในหมู่พวกเขาเช่นเดียวกับในสาขาศิลปะ balalaika ก่อนอื่นควรกล่าวถึง Ivan Evstafyevich Khandoshkin ซึ่งเขียนเพลงสำหรับกีตาร์ด้วยโดยแต่งเพลงที่หลากหลายในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย (น่าเสียดายที่ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้) . ฉันต้องการตั้งชื่อในบริบทเดียวกัน Gavriil Andreevich Rachinsky (1777-1843) ซึ่งตีพิมพ์ผลงานกีตาร์ของเขาในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19
การออกดอกของการแสดงกีตาร์มืออาชีพในประเทศอย่างแท้จริงเริ่มต้นด้วยกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Andrei Osipovich Sikhra นักกีตาร์ชั้นครูที่โดดเด่น (พ.ศ. 2316-2393) ในฐานะที่เป็นนักเล่นพิณโดยการศึกษาและเชี่ยวชาญในการแสดงเครื่องดนตรีนี้อย่างสมบูรณ์แบบ เขายังคงอุทิศทั้งชีวิตของเขาเพื่อส่งเสริมกีตาร์เจ็ดสาย: ในวัยหนุ่มของเขาเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมคอนเสิร์ต การสอนและการตรัสรู้

อันเดรย์ โอซิโปวิช ซิกครา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Sichra มาจากวิลนีอุสไปมอสโคว์ซึ่งเขาเริ่มสนใจกีตาร์และในปี 1813 เขาย้ายไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตั้งแต่ปี 1801 คอนเสิร์ตกีตาร์ของเขาในมอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กประสบความสำเร็จอย่างมาก (เป็นเวลานาน A. O. Sikhra ยังได้รับการพิจารณาให้เป็นผู้ประดิษฐ์กีตาร์เจ็ดสายของรัสเซีย ดังนั้น M. A. Stakhovich จึงสังเกตว่า Sikhra ยังคงอยู่ที่ ปลายศตวรรษที่ 18 “ฉันเกิดความคิดที่จะสร้างเครื่องดนตรีจากกีตาร์ 6 สายที่สมบูรณ์และใกล้เคียงกับพิณในแง่ของอาร์เพจจิโอ และในขณะเดียวกันก็มีความไพเราะมากกว่าพิณ และผูกสายที่เจ็ดเข้ากับกีตาร์ พร้อมกันนั้น เขาก็เปลี่ยนการปรับสาย ทำให้สายทั้งหกเป็นกลุ่มคอร์ดโทนิคสองคอร์ดในโทนเสียง G-dur [...] ในสายที่เจ็ด เขาวางเบสที่หนาที่สุด ประกอบด้วยอ็อกเทฟล่าง - re (D) และมีเสียงหลักของ G-dur โทนเสียงเด่นด้านบน "A. S. Famintsyn ทำซ้ำข้อมูลเดิมโดยเน้นว่า Sichra โดยการเพิ่มสายที่เจ็ดเปลี่ยนการปรับแต่ง arpeggios กับเครื่องดนตรีพิเศษของเขา - พิณ” แม้ว่าข้อมูลนี้จะไม่พบเอกสารยืนยันใด ๆ แต่มีสิ่งหนึ่งที่เถียงไม่ได้: นักดนตรีเช่นเดียวกับนักเรียนของเขา มีส่วนทำให้กีตาร์ประเภทนี้ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในรัสเซีย)
อ. สิกขราประสบความสำเร็จเป็นพิเศษจากผลงานเพลงของเขา ซึ่งในสมัยนั้นเรียกว่า "นิตยสาร" ดังนั้นในปี ค.ศ. 1800 ฉบับดังกล่าวจึงได้รับการตีพิมพ์โดยใช้ชื่อภาษาฝรั่งเศสว่า “Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra” (“Journal for guitar with seven strings of A. Sychra”) นิตยสารประสบความสำเร็จอย่างชัดเจน เห็นได้จากการพิมพ์ซ้ำในอีกสองปีต่อมา การจัดเรียงเพลงพื้นบ้านรัสเซียการเรียบเรียงดนตรีคลาสสิกการย่อส่วนแบบเรียบง่ายในประเภทการเต้นรำถูกวางไว้ที่นี่
ในทศวรรษต่อมา จนถึงปี 1838 นักดนตรีได้ตีพิมพ์นิตยสารกีตาร์ที่คล้ายกันหลายฉบับ ซึ่งนำเสนอผลงานที่หลากหลาย การถอดความจากเพลงโอเปร่า ความรัก เพลงและการเต้นรำ ธีมที่หลากหลายจากงานคลาสสิก ฯลฯ ทั้งหมดนี้ส่วนใหญ่ ปริญญามีส่วนทำให้ความนิยมเพิ่มขึ้นของเครื่องดนตรี
นิตยสารที่ตีพิมพ์ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2369 ภายใต้ชื่อ "นิตยสาร Petersburg สำหรับกีตาร์ จัดพิมพ์โดย Sychra ซึ่งมีการประพันธ์เพลงหลายประเภท น่าฟังและเล่นง่าย" ได้รับชื่อเสียงเป็นพิเศษ ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต ส่วนใหญ่เขาได้แต่งเพลงสำหรับกีตาร์คู่ และตัวเขาเองแสดงเพลง tessitura ที่ต่ำกว่า ซึ่งเป็นท่อนที่สอง และเขาได้มอบกีตาร์ tertz ลำดับที่สูงกว่าให้กับนักเรียนคนหนึ่งของเขา
กิจกรรมที่มีระเบียบแบบแผนของนักดนตรีก็มีความสำคัญเช่นกัน ในปี พ.ศ. 2393 "โรงเรียนทฤษฎีและปฏิบัติสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" ของเขาปรากฏในสามส่วน (ส่วนแรก - "เกี่ยวกับกฎของดนตรีโดยทั่วไป" ส่วนที่สอง - แบบฝึกหัดทางเทคนิค สเกลและอาร์เพจจิโอ ส่วนที่สาม - เนื้อหาดนตรี ส่วนใหญ่มาจากผลงานของลูกศิษย์ของ Sychra) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เอฟ. ที. สเตลลอฟสกีซึ่งตีพิมพ์โรงเรียนซ้ำหลายครั้งได้ขยายละครอย่างมีนัยสำคัญโดยเพิ่มการเรียบเรียงผลงานของนักแต่งเพลงคลาสสิก
คู่มือแนะนำและการสอนที่สำคัญอีกเล่มหนึ่งคือ "กฎการปฏิบัติที่ประกอบด้วยแบบฝึกหัด 4 แบบ" โดย อ. สิกขรา ซึ่งเป็นโรงเรียนระดับอุดมศึกษาประเภทหนึ่งสำหรับพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักกีตาร์ สารานุกรมเกี่ยวกับเทคนิคและวิธีการเล่นกีตาร์เจ็ดสายในยุคนั้น แม้ว่าจะรวมเฉพาะ etudes ไว้ที่นี่ แต่โดยพื้นฐานแล้วเป็นบทละครเพิ่มเติม ดังนั้นพวกเขาจะกล่าวถึงในส่วนที่แยกต่างหากของบทนี้
สิชราเป็นคนแรกที่สร้างกีตาร์เจ็ดสายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวทางวิชาการ โดยทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของนักกีตาร์สมัครเล่นหลากหลายกลุ่ม เขาฝึกฝนนักเรียนจำนวนมากและที่สำคัญที่สุดคือสร้างโรงเรียนสอนการแสดงของเขาเองเพื่อเป็นแนวทางด้านศิลปะ โดดเด่นด้วยความสนใจรอบด้านต่อบุคลิกลักษณะที่สร้างสรรค์ของนักเรียนและการกระตุ้นความคิดทางศิลปะของเขา การผสมผสานระหว่างศิลปะการแสดงและ การแต่งเพลงโดยแพร่หลายของการประมวลผลเพลงพื้นบ้าน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่กิจกรรมการสอนของ Sichra ในสาขากีตาร์นั้นมีมูลค่าสูง ตัวอย่างเช่น นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงเช่น A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky
การทำงานอย่างมากกับนักเรียนของเขาเพื่อให้ได้เสียงกีตาร์ที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อน นักดนตรีคนนี้ไม่ได้พยายามพัฒนาเกม Cantilena จากพวกเขา แต่เปรียบกีตาร์กับพิณ ตัวอย่างเช่น นักดนตรีเรียกผู้รับมรดกที่แสดงออกโดยเล่นไวเบรโตจำนวนมากโดยผู้ติดตามที่มีความสามารถมากที่สุดคนหนึ่งของเขาว่า "ยิปซี" แม้ว่าแน่นอนว่าเขาไม่ได้เข้าไปยุ่งเกี่ยวกับการเปิดเผยคุณลักษณะนี้ของสไตล์การแสดงของเขา เนื่องจากในขณะที่ M. G. Dolgushina ตั้งข้อสังเกตว่าเขาคิดว่าเป็น "นักเรียนที่ดีที่สุดของเขาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับเขาได้สร้างผลงานที่ซับซ้อนทางเทคนิคจำนวนมาก นักเรียนคนนี้คือ Semyon Nikolaevich Aksenov (2327-2396) ในช่วงทศวรรษที่ 1810-1830 เขาอาจเป็นผู้สนับสนุนเครื่องดนตรีที่โดดเด่นที่สุด แม้ว่าอาชีพหลักของเขาคือการทำหน้าที่เป็นเจ้าหน้าที่ระดับสูง (หลังจากย้ายจากมอสโกวไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1810 S. N. Aksenov เริ่มอาชีพอย่างเป็นทางการอย่างรวดเร็ว: 1823 เป็นเจ้าหน้าที่สำหรับภารกิจพิเศษภายใต้รัฐมนตรีว่าการกระทรวงสงครามของรัสเซีย เป็นเวลานานรับราชการในตำแหน่งเดียวกันในกระทรวงทหารเรือ เป็นสมาชิกของ ยศทหารพันเอก).

เซมยอน นิโคลาเยวิช อักเซนอฟ

เกมของ S. N. Aksenov นั้นโดดเด่นด้วยความไพเราะที่ไม่ธรรมดา ความอบอุ่นของน้ำเสียง และด้วยสิ่งนี้ - ความเก่งกาจที่ยิ่งใหญ่ นักดนตรีมีส่วนสำคัญในการปรับปรุงเทคนิคการแสดง: เขาเป็นคนแรกที่พัฒนาระบบฮาร์มอนิกเทียมบนกีตาร์เจ็ดสายอย่างระมัดระวัง ในปี พ.ศ. 2362 เขายังได้ทำการพิมพ์เพิ่มเติมครั้งสำคัญให้กับการพิมพ์ซ้ำของ I. Geld's School ซึ่งไม่เพียงแต่มีบทเกี่ยวกับเสียงประสานเท่านั้น แต่ยังมีท่อนใหม่ ๆ และการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านอีกด้วย
สิ่งสำคัญที่สุดประการหนึ่งของกิจกรรมของ Aksenov คือการตรัสรู้ทางดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในช่วงปี 1810 เขาเริ่มตีพิมพ์ New Journal for the Seven-String Guitar ซึ่งอุทิศให้กับคนรักดนตรี โดยเขาได้ตีพิมพ์การถอดเสียงโอเปร่าอาเรียยอดนิยมหลายชุด ซึ่งเป็นรูปแบบของเขาเองในธีมของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย ภายใต้อิทธิพลของความหลงใหลในเพลงพื้นบ้านของรัสเซียของนักกีตาร์ ครูของเขา A. O. Sikhra เริ่มให้ความสนใจกับการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านมากขึ้น
ในบรรดานักเรียนคนแรกของ A. O. Sikhra ควรพูดถึง Vasily Sergeevich Alferyev (1775-c. 1835) ด้วย ในปี พ.ศ. 2340 จินตนาการของเขาในหัวข้อเพลงพื้นบ้านรัสเซีย "ฉันทำให้คุณเสียใจได้อย่างไร" ได้รับการตีพิมพ์และในปี พ.ศ. 2351 เขาเริ่มตีพิมพ์ "หนังสือเพลงพกพาของรัสเซียสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" ฉบับรายเดือน รวม "เพลงที่มีรูปแบบหลากหลาย" ขนาดเล็กแยก การถอดความของโอเปร่าอาเรียที่เป็นที่นิยมในเวลานั้น ผลงานดนตรีคลาสสิก ความโรแมนติกสำหรับเสียงและกีตาร์ นอกจากนี้ยังมีการเผยแพร่การเต้นรำที่ทันสมัยต่างๆ ที่นี่ ซึ่งมีไว้สำหรับทั้งกีตาร์โซโลและกีตาร์ดูเอต (V. S. Alferyev ยังเป็นสมาชิกของ Free Society of Lovers of Russian Literature ดังที่ M. G. Dolgushina ตั้งข้อสังเกตว่า "ประกาศเป้าหมายการกุศลเป็นหลัก ตัวแทนความสนใจที่หลากหลายของขุนนาง" นักดนตรียังเป็นคู่รักและนักสะสมนิทานพื้นบ้านรัสเซียที่ยอดเยี่ยม ตามหนังสือเล่มเดียวกันความรักของ V. S. Alferyev และ S. N Aksenov - พวกเขาถูกสร้างขึ้นเป็นหลักจากคำพูดของ กวีร่วมสมัย).
ในบรรดานักเรียนของ A. O. Sikhra ก็มี Fedor Mikhailovich Zimmerman (พ.ศ. 2356-2425) นักกีตาร์ที่มีความสามารถ ผู้ร่วมสมัยมักเรียกเขาว่า "ปากานินีแห่งกีตาร์" ทึ่งในเทคนิค ความเป็นอิสระ และความคล่องตัวของมือ "ราวกับว่าไม่มีห้านิ้ว แต่มีสิบนิ้วในแต่ละมือ" เขาด้นสดบนกีตาร์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ สร้าง บทละครที่หลากหลาย - เพ้อฝัน, เพลงวอลทซ์, มาซูร์กา, อีทูเดส และอื่นๆ
Vasily Stepanovich Sarenko (1814-1881) ยังทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในงานศิลปะกีตาร์

วาซิลี สเตฟาโนวิช ซาเรนโก

A. I. Dubuk นักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวรัสเซียคนสำคัญในศตวรรษที่ 19 ผู้แต่งเพลงและความรักยอดนิยมมากมาย อธิบายถึงศิลปะของเขาดังนี้: "ผู้เล่นเป็นชั้นหนึ่งและรู้จักดนตรีอย่างสมบูรณ์แบบ มีรสนิยมและจินตนาการมากมาย โดยทั่วไปแล้ว นักดนตรีที่พัฒนาอย่างครอบคลุม เล่นอย่างสง่างาม หมดจด ราบรื่น; เครื่องสายของเขาร้องได้ทั้งจังหวะเร็วและจังหวะช้า บทละครและบทกวีที่แต่งโดย V. S. Sarenko มักจะเต็มไปด้วยท่วงทำนองที่สื่ออารมณ์และเนื้อสัมผัสที่พัฒนาขึ้น เขายังได้ทำการเรียบเรียงและถอดเสียงกีตาร์มากมาย เราควรพูดถึงนักเรียนที่มีพรสวรรค์ของ A. O. Sikhra เช่น Pavel Feodosievich Beloshein ซึ่งกลายเป็นครูสอนกีตาร์ที่ยอดเยี่ยมซึ่งเป็นผู้เขียนของจิ๋วมากมาย
Vladimir Ivanovich Morkov (1801-1864) เป็นนักเรียนที่มีการศึกษาสูงของ A. O. Sikhra

วลาดิมีร์ อิวาโนวิช มอร์คอฟ

(ภาพที่อ้างถึงซึ่งสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2382 เป็นของศิลปินชาวรัสเซียที่โดดเด่น Vasily Andreevich Tropinin (พ.ศ. 2319-2400) ซึ่งเป็นข้ารับใช้ในตระกูลขุนนางใหญ่ของแครอทมันถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซียแห่งเซนต์ . ปีเตอร์สเบิร์ก ในปี 2550 "Portrait of V. I. Morkov" ตีพิมพ์ในเล่มที่สามของซีรีส์ "The Russian Museum presents ภาพวาดครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 Almanac "(ฉบับที่ 193) V. A. Tropinin กล่าวถึงภาพของ มือกีต้าร์ มากกว่าหนึ่งครั้ง หนึ่งในรูปแบบต่างๆ ของภาพดังกล่าว ลงวันที่ 1823 และเก็บไว้ใน State Tretyakov Gallery ในสีสันของต้นฉบับอยู่บนหน้าปกของหนังสือ) เขาเป็นเจ้าของการเรียบเรียงดนตรีคลาสสิกหลายชิ้น มีไว้สำหรับกีตาร์หนึ่งและสองตัว นอกจากนี้เขายังตีพิมพ์ "School for the Seven-String Guitar" และในปี พ.ศ. 2404 ได้เขียนบทนำยี่สิบสี่สำหรับกีตาร์ในคีย์หลักและรองทั้งหมด (นอกเหนือจากการเล่นกีตาร์แล้ว V. I. Morkov ยังเป็นนักวิจารณ์ดนตรีอีกด้วย บทความและบทวิจารณ์ในหนังสือพิมพ์และนิตยสารของเมืองหลวง เขาสร้างผลงานโมโนกราฟิกเกี่ยวกับดนตรี รวมถึงหนังสือ "A Historical Sketch of Russian Opera from Its Very Beginning to 1862" ซึ่งตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 2405 ซึ่งดึงดูดความสนใจของละครเพลง ชุมชนในเวลานั้น บทความเกี่ยวกับเรื่องนี้เขียนโดยนักวิจารณ์ชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง A. N. Serov ในขณะเดียวกันดนตรีไม่ใช่อาชีพของ V. I. Morkov - เขามีตำแหน่งที่ปรึกษาระดับสูงของรัฐจริง ๆ สถานที่ให้บริการหลักของเขาคือแผนก ทะเบียนทหาร.).
หนึ่งในบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในการพัฒนาการเล่นกีตาร์ของรัสเซียคือ Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837)

มิคาอิล ทิโมเฟเยวิช วิสซอตสกี้

คนแรกที่แนะนำให้เขารู้จักเครื่องดนตรีนี้คือ S. N. Aksenov ซึ่งเป็นที่ปรึกษาของเขาด้วย
สไตล์การแสดงของ M. T. Vysotsky ถูกทำเครื่องหมายด้วยจินตนาการที่สร้างสรรค์อย่างกล้าหาญในท่วงทำนองเพลงพื้นบ้านที่หลากหลาย ทักษะทางเทคนิคที่โดดเด่น และการแสดงออกทางเสียงดนตรีที่ไม่ธรรมดา “การเล่นของเขาโดดเด่นด้วยความแข็งแกร่งและความสม่ำเสมอของน้ำเสียงแบบคลาสสิก ด้วยความเร็วและความกล้าหาญที่ไม่ธรรมดา เธอแสดงความจริงใจและความไพเราะออกมาในเวลาเดียวกัน เขาเล่นได้อย่างอิสระโดยไม่ต้องใช้ความพยายามแม้แต่น้อย ราวกับว่าไม่มีปัญหาสำหรับเขา [...] เขาหลงไหลในความคิดริเริ่มของเลกาโต้อันไพเราะและความหรูหราของอาร์เปจจิโอ ซึ่งเขาได้รวมพลังของพิณเข้ากับความไพเราะของไวโอลิน รูปแบบการแต่งเพลงดั้งเดิมพิเศษส่งผลต่อการเล่นของเขา การเล่นของเขาทึ่ง ตรึงใจผู้ฟัง และทิ้งความประทับใจไม่รู้ลืมตลอดไป [...] Vysotsky มีการเล่นอีกประเภทหนึ่งที่ทำให้โคตรประหลาดใจ เขาเรียกมันว่า "โพรบ" หรือ "คอร์ด" จริงๆแล้วมันเป็นโหมโรงฟรี เขาสามารถโหมโรงในทางเดินที่หรูหราที่สุด การมอดูเลต ด้วยคอร์ดมากมายนับไม่ถ้วน และในแง่นี้เขาไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย” V. A. Rusanov เขียนเกี่ยวกับเขา
M. T. Vysotsky สร้างการจัดเตรียมและการถอดความผลงานของนักแต่งเพลงคลาสสิกโดยเฉพาะผลงานของ W. A. ​​Mozart, L. Beethoven, D. Field, เขียนภาพขนาดย่อมากมายสำหรับกีตาร์ - โหมโรง, จินตนาการ, ชิ้นในประเภทการเต้นรำ ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกของนักแต่งเพลงคือรูปแบบต่างๆของเพลงพื้นบ้านรัสเซียซึ่งจะกล่าวถึงต่อไป
นักดนตรีเป็นตัวแทนของลักษณะการแสดงแบบอิมโพรไวเซชั่นและการฟัง และในเรื่องนี้เขาใกล้เคียงกับการทำดนตรีพื้นบ้านรัสเซียแบบดั้งเดิม รูปแบบทางศิลปะสูงในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านรัสเซียซึ่งมักแสดงในวันนี้ไม่ได้บันทึกโดยตัวเขาเองและนักเรียนของเขาได้บันทึกไว้ในข้อความดนตรีในภายหลังเท่านั้น (V. A. Rusanov ยังกล่าวถึงศิลปะการแสดงสดที่ผิดปกติของนักกีตาร์:“ ครั้งหนึ่งเมื่อมาที่ A. I. Dubuc ในระหว่างบทเรียนและได้ยินการแสดงมารยาทของ Kramer โดยนักเรียนของเขา Vysotsky รู้สึกยินดีและคว้ากีตาร์เริ่มทำซ้ำและเปลี่ยน etudes เหล่านี้เพื่อให้ A. I. Dubuc ประหลาดใจ เขาแนะนำให้ Vysotsky เขียนจินตนาการนี้ และตัวเขาเองก็ตอบรับเข้าร่วมอย่างแข็งขันในเรื่องนี้)
วิธีการสอนของ M. T. Vysotsky ก็สอดคล้องกันเช่นกันซึ่งประกอบด้วยการถ่ายทอดทักษะการเล่นเครื่องดนตรีโดยเฉพาะ "จากมือ" และ "จากนิ้ว" ของครูโดยอิงจากการแสดงผลทางหูของนักเรียน อย่างไรก็ตาม งานการสอนของเขาได้ผลดีมาก ลักษณะที่สร้างแรงบันดาลใจของสไตล์การแสดงของนักกีตาร์สร้างบรรยากาศที่สร้างสรรค์อย่างแท้จริงในบทเรียน เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักเรียนและได้รับการชื่นชมอย่างมากจากผู้ที่เรียนกับเขา (Vysotsky บันทึกประสบการณ์การสอนของเขาไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตใน "โรงเรียนภาคปฏิบัติและทฤษฎีสำหรับ กีตาร์" ตีพิมพ์ในกรุงมอสโกในปี พ.ศ. 2379 อย่างไรก็ตาม ทั้งในแง่ของความสำคัญของคำแนะนำเกี่ยวกับระเบียบวิธีวิทยา หรือในแง่ของระดับเสียงและลำดับของเพลงที่นำเสนอ (มีเพียง 24 หน้าในโรงเรียน) บทบาทใหญ่เธอไม่ได้เล่นในรูปแบบของการแสดงกีตาร์ของรัสเซีย) โดยเฉพาะอย่างยิ่งบทเรียนกีตาร์ถูกนำมาจากเขาโดยกวี M. Yu. Lermontov อายุสิบหกปีผู้อุทิศบทกวี "เสียง" ให้กับครูของเขา
นักกีตาร์ปลูกฝังความรักในเพลงพื้นบ้านรัสเซียให้กับนักเรียนของเขาอย่างแข็งขัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในหมู่นักเรียนของเขาคือ Mikhail Aleksandrovich Stakhovich (1819-1858) ซึ่งเป็นนักโฟล์คลิสต์ชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียง ผู้แต่งคอลเลคชันเพลงพื้นบ้านพร้อมกีตาร์คลอ กวีและนักเขียน ผู้เขียนหนังสือเกี่ยวกับต้นกำเนิดของรัสเซียที่ตีพิมพ์ครั้งแรกด้วย การแสดงกีตาร์ - "บทความเกี่ยวกับประวัติของกีตาร์เจ็ดสาย" (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก 2407) Ivan Egorovich Lyakhov (1813-1877) ผู้เขียนบทละครและการเรียบเรียง Alexander Alekseevich Vetrov ผู้สร้างคอลเลกชั่น "เพลงพื้นบ้านรัสเซีย 100 เพลง" บทละครและการเรียบเรียงสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย รอบการเปลี่ยนแปลงของเพลงพื้นบ้าน ยังเป็นนักเรียนของ M. T. Vysotsky นักกีตาร์หลายคน - หัวหน้าคณะนักร้องประสานเสียงยิปซีเช่น I. O. Sokolov, F. I. Gubkin และคนอื่น ๆ ก็เรียนกับ M. T. Vysotsky
ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ศิลปะกีตาร์ของรัสเซีย เช่น ศิลปะของกูเซล เริ่มลดลง แต่ถ้าการร้องเพลงสรรเสริญเริ่มหายไปจากการทำดนตรีในชีวิตประจำวัน กีตาร์ซึ่งยังคงเป็นเครื่องดนตรีประกอบที่ไม่เปลี่ยนแปลงเท่าๆ กันในด้านเพลงเมืองและแนวโรแมนติก การร้องเพลงยิปซี ก็ค่อยๆ สูญเสียความสำคัญในสังคมภายในประเทศเนื่องจากระดับมืออาชีพลดลง ของนักกีต้าร์. ในช่วงเวลานี้นักแสดงและครูที่โดดเด่นเช่น Sikhra, Vysotsky หรือ Aksenov ไม่ปรากฏคู่มือวิธีการที่จริงจังเกือบจะหยุดตีพิมพ์และหนังสือแนะนำตนเองที่ตีพิมพ์ส่วนใหญ่ออกแบบมาเพื่อความต้องการที่ไม่โอ้อวดของผู้ชื่นชอบการทำดนตรีทุกวัน และมีเฉพาะตัวอย่างความรัก เพลง การเต้นรำที่เป็นที่นิยมซึ่งมักมีคุณภาพต่ำ (ในเรื่องนี้ เป็นที่น่าสนใจที่จะอ้างถึงข้อสังเกตของ A. S. Famintsyn: “การกลายเป็นเครื่องมือของร้านขายเครื่องแต่งกายบุรุษในหมู่ชั้นล่างของสังคม - อารยธรรมชนชั้นกลาง, กีตาร์กลายเป็นหยาบคาย, เสียงของมันเริ่มที่จะให้บริการพร้อมกับความรักที่“ ละเอียดอ่อน” ซ้ำ ๆ กีตาร์ที่เล่นเองด้วยเครื่องดนตรี "คนรับใช้" นี้ซึ่งเป็นเรื่องของการค้าของร้านขายยาสูบ - กลายเป็นสัญญาณของรสนิยมที่ไม่ดีใน สังคม; กีตาร์หายไปจากมันโดยสิ้นเชิง")
กระแสความสนใจของสาธารณชนเกี่ยวกับกีตาร์ในรัสเซียเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา กิจกรรมของนักกีตาร์ นักแสดง และครูที่มีชื่อเสียงเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลาย ก่อนอื่นฉันต้องการชื่อ Alexander Petrovich Solovyov (1856-1911) "โรงเรียนสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" (พ.ศ. 2439) ที่สร้างและเผยแพร่โดยเขากลายเป็นส่วนสนับสนุนสำคัญในการพัฒนาวิธีการสอนสำหรับการเล่นเครื่องดนตรี (ในปี พ.ศ. 2507 โรงเรียนของ A.P. Solovyov ได้รับการตีพิมพ์ซ้ำ (ภายใต้บรรณาธิการของ R.F. Meleshko ) โดยสำนักพิมพ์ Muzyka.) . ส่วนแรกของคู่มือประกอบด้วยเนื้อหาทางทฤษฎีมากมาย แบ่งออกเป็น 25 บทเรียน นำเสนออย่างมืออาชีพและเข้าถึงได้ในขณะเดียวกัน ส่วนเพิ่มเติมของโรงเรียนประกอบด้วยแบบฝึกหัดทางเทคนิคและละครที่มีคุณค่า - การถอดความจากผลงานคลาสสิกของรัสเซียและยุโรปตะวันตก การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน

อเล็กซานเดอร์ เปโตรวิช โซโลวีฟ

นอกจากนี้ A.P. Solovyov ยังจัดเตรียมกีตาร์จำนวนมากซึ่งขยายความเข้าใจของผู้ชมเกี่ยวกับวิธีการทางศิลปะของเครื่องดนตรีอย่างมีนัยสำคัญ พอจะพูดถึงเพลงแรปโซดีส์ฮังการีครั้งที่สองและหกโดย F. Liszt, "Dance of Death" โดย C. Saint-Saens ผลงานของ L. Beethoven, F. Chopin, F. Mendelssohn นอกจากนี้เขายังตีพิมพ์สี่อัลบั้มที่ประกอบด้วยสี่สิบเพลงพื้นบ้านของยูเครน คอลเลกชันของยิปซีโรแมนซ์สำหรับเสียงและกีตาร์ ชิ้นสำหรับดูเอต ทรีโอ และกีตาร์ควอร์เต็ต เขียนผลงานมากกว่าสามร้อยรายการ
ในบรรดานักเรียนที่มีชื่อเสียงของ A.P. Solovyov, Vasily Mikhailovich Yuriev (2424-2505), Viktor Georgievich Uspensky (2422-2477), Vladimir Nilovich Berezkin (2424-2488), Mikhail Fedorovich Ivanov (2432-2496), Sergey Alexandrovich Kurlaev ( 2428- 2505).
แต่นักเรียนที่ฉลาดที่สุดของ Solovyov คือ Valerian Alekseevich Gusanov (2409-2461) เขามีบุคลิกที่หลากหลายผิดปกติ: เป็นครู, นักประพันธ์เพลงและที่สำคัญที่สุดคือนักประวัติศาสตร์และนักโฆษณาชวนเชื่อที่โดดเด่นของกีตาร์ (เป็นที่น่าสังเกตว่า V. A. Rusanov ยังได้รับชื่อเสียงในฐานะหัวหน้าสมาคมคนรักเครื่องดนตรีพื้นบ้านแห่งมอสโก ภายในที่เขาจัดวงดนตรีพื้นบ้าน - วงออเคสตราบรรเลงการแต่งเพลงแตกต่างจากที่ V. V. Andreev และผู้ร่วมงานของเขาปลูกฝังอย่างชัดเจนซึ่งจะกล่าวถึงในภายหลังในการประพันธ์ดนตรีนี้ balalaikas อยู่ร่วมกับแมนโดลินกีตาร์และเปียโน)
มันคือ V. A. Rusanov ที่สามารถรวบรวมนักกีตาร์ชาวรัสเซียได้โดยการจัดพิมพ์นิตยสาร "Guitarist" ของรัสเซียทั้งหมดซึ่งมีตั้งแต่ปี 1904 ถึง 1906 พวกเขา
บทความมากมายเขียนขึ้นในนิตยสาร Music of the Guitarist, Accord, บทความรายละเอียดที่ให้ข้อมูลได้รับการตีพิมพ์ - กีตาร์และนักกีตาร์, คำสอนของกีตาร์และอื่น ๆ อีกมากมาย สิ่งพิมพ์ที่สำคัญเป็นพิเศษคือหนังสือ "Guitar in Russia" ของเขาซึ่งเป็นครั้งแรกใน วรรณกรรมในประเทศมีการนำเสนอประวัติโดยละเอียดของเครื่องดนตรี

วาเลเรียน อเล็กเซวิช รูซานอฟ

กิจกรรมการสอนของ V. A. Rusanov ก็มีผลเช่นกัน ตัวอย่างเช่นนักเรียนของเขาคือ P. S. Agafoshin ซึ่งในช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 1920 - 1930 ได้กลายเป็นผู้นำของครูผู้สอนในบ้านและนักระเบียบวิธีในสาขานี้ กีตาร์หกสาย.
ในบรรดานักกีตาร์ของต้นศตวรรษที่ 20 ฉันอยากจะพูดถึง Vasily Petrovich Lebedev (1867-1907) ผู้แต่งเพลงและเรียบเรียงเสียงประสานสำหรับกีตาร์เจ็ดและหกสายซึ่งเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม ฉันต้องการทราบว่าในปี พ.ศ. 2441 V. V. Andreev เชิญให้เขาทำงานเป็นครูสอนเครื่องดนตรีพื้นบ้านและดนตรีพื้นบ้านในกองทหารรักษาพระองค์ของเขตทหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ที่นี่ V.P. Lebedev ดำเนินงานดนตรีและการศึกษาที่หลากหลายที่สุด เขาแสดงเป็นศิลปินเดี่ยวด้วยกีตาร์เจ็ดสายในคอนเสิร์ตของ Great Russian Orchestra ชอบห้องและเสียงที่นุ่มนวลของมัน (การทัวร์ของ V.P. Lebedev กับ Great Russian Orchestra ของ V.V. Andreev ที่งาน World Exhibition ปี 1900 ในปารีสประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ ). ในปีพ. ศ. 2447 เขายังตีพิมพ์คู่มือระเบียบวิธี - "โรงเรียนสำหรับกีตาร์เจ็ดสายของระบบรัสเซียและสเปน" (อันหลังหมายถึงการเพิ่มสายล่าง "P" ให้กับกีตาร์หกสายคลาสสิก)
ดังนั้น ศิลปะกีตาร์ในช่วงศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 จึงมีบทบาทสำคัญเท่าเทียมกันในการศึกษาดนตรีและศิลปะของคนทั่วไป เช่นเดียวกับศิลปะการเล่นดอมราหรือบาลาไลกา ดังนั้นเมื่อกล่าวถึงประชากรทั่วไปของรัสเซียจึงสามารถให้ขั้นตอนที่เชื่อถือได้ในการเคลื่อนไหวไปสู่ชนชั้นสูงทางดนตรีและด้วยเหตุนี้จึงได้รับคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของเครื่องดนตรีพื้นบ้านในแง่ของสถานะทางสังคม

กีตาร์หกสาย (สเปน) และกีตาร์เจ็ดสาย (รัสเซีย)

กีตาร์เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เป็นที่ชื่นชอบและเป็นที่นิยมมากที่สุดในหลายประเทศทั่วโลก ประวัติของศิลปะกีตาร์เต็มไปด้วยเหตุการณ์มากมาย การค้นหาที่สร้างสรรค์ การพัฒนาอย่างต่อเนื่องทั้งเครื่องดนตรีและเทคนิคการเล่น

กีตาร์มีลักษณะใกล้เคียงกับสมัยใหม่ในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น เครื่องดนตรีที่ดึงออกมา เช่น พิณ พิณ ไซทาราของกรีก วิโอลาอิตาลี และวิฮูเอลาของสเปนถือเป็นเครื่องดนตรีรุ่นก่อนอย่างถูกต้อง

ปัจจุบันมีกีตาร์หลายสายพันธุ์: คลาสสิกหกสาย ("สเปน") เจ็ดสาย ("รัสเซีย") เช่นเดียวกับ "ฮาวาย" กีตาร์แจ๊ส กีตาร์ไฟฟ้า

บ้านเกิดของกีตาร์หกสายที่พบมากที่สุดในโลกคือสเปน กีตาร์เจ็ดสายถือเป็นรัสเซียอย่างถูกต้อง

ในหมู่คนรักศิลปะกีตาร์ การอภิปรายยังคงไม่หยุด: ควรเลือกเครื่องดนตรีชนิดใดต่อไปนี้ ผู้สนับสนุนกีตาร์ 6 สายชี้ให้เห็นถึงความยอดเยี่ยมของเครื่องดนตรีของพวกเขา ถึงความสำเร็จในการสร้างสรรค์ที่สำคัญจริงๆ ที่นักแต่งเพลงและนักแสดงใช้มัน แฟน ๆ ของกีตาร์เจ็ดสายยังอ้างถึงความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของนักดนตรีและประเพณีการแสดงที่พัฒนาขึ้นในวัฒนธรรมศิลปะของรัสเซียในศตวรรษที่ 19 โดยเน้นความใกล้ชิดของเครื่องดนตรีกับธรรมชาติของเพลงรัสเซีย, ท่วงทำนองพื้นบ้าน พวกเขาทราบอย่างถูกต้องว่าการพัฒนาแนวเพลงรักรัสเซียโบราณด้วยเนื้อร้องที่นุ่มนวลและความจริงใจ ความรู้สึกอบอุ่น ความใกล้ชิดกับนิทานพื้นบ้านในเมืองมีสาเหตุหลักมาจากกีตาร์เจ็ดสาย

ในความเห็นของเรา คำตอบสำหรับคำถามที่ถามนั้นค่อนข้างชัดเจน: ทั้งกีตาร์ 6 สายและกีตาร์ 7 สายมีข้อดีและขนบธรรมเนียมของตัวเอง เครื่องดนตรีแต่ละชนิดสามารถแก้ปัญหาทางศิลปะได้หลากหลาย ความชอบธรรมในการใช้กีตาร์ประเภทใดประเภทหนึ่งนั้นขึ้นอยู่กับวิธีการแสดงออกที่ผู้แต่งต้องการเพื่อรวบรวมความคิดสร้างสรรค์ เนื้อหาเชิงอุปมาอุปไมยที่เขาต้องการเปิดเผยด้วยความช่วยเหลือ

วรรณคดีกีตาร์มีประวัติและประเพณีอันยาวนาน การจัดเรียงของงานที่เขียนขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีอื่น ๆ เช่นเดียวกับรุ่นก่อน ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับพิณ ครอบครองตำแหน่งที่โดดเด่นในละครของนักกีตาร์

Andres Torres Segovia นักกีตาร์และครูผู้เก่งกาจชาวสเปน (พ.ศ. 2436-2530) ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนวิชาการสมัยใหม่แห่งการเล่นกีตาร์หกสาย

นักกีตาร์ตีความองค์ประกอบไวโอลินจำนวนมากได้สำเร็จ ตัวอย่างเช่น Andres Segovia เป็นนักแสดงที่ไม่มีใครเทียบได้ของ Chaconne ที่ยากที่สุดของ J. S. Bach ซึ่งเป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของดนตรีไวโอลิน

แต่สิ่งที่สำคัญที่สุด: สำหรับกีตาร์มีเพลงเดี่ยวดั้งเดิมที่เติบโตอย่างต่อเนื่องซึ่งประกอบด้วยคอนแชร์โต, โซนาตา, การเปลี่ยนแปลง, ชิ้น; นักแต่งเพลงใช้อย่างแข็งขันในฐานะวงดนตรีและเครื่องดนตรีประกอบ

บทบาทสำคัญในการสร้างเพลงกีตาร์เป็นของนักแต่งเพลงชาวสเปน: Fernando Sora (1778-1839), Francisco Tarrega Eixea (1852-1909), Miguel Llobet (1878-1938), Emilio Pujol Villarubi (b. 1886) และ จำนวนอื่น ๆ พวกเขาสร้างผลงานที่มีพรสวรรค์สำหรับกีตาร์ซึ่งเป็นสไตล์ที่มีอิทธิพลต่อการประพันธ์เปียโนของ C. Debussy, M. Ravel ผลงานที่โดดเด่นสำหรับกีตาร์เขียนโดย N. Paganini, F. Schubert, K. M. Weber, G. Berlioz; ในศตวรรษของเรา - M. de Falley, A. Roussel, D. Millau, A. Jolivet, E. Vila Lobos, X. Rodrigo

มีการเขียนผลงานที่สำคัญจำนวนหนึ่งสำหรับกีตาร์ นักแต่งเพลงโซเวียต. ในหมู่พวกเขา ฉันอยากจะตั้งชื่อคอนแชร์โตสำหรับกีตาร์ที่มีวงเครื่องสาย คลาริเน็ต และทิมปานีโดย B. Asafiev, Sonata โดย V. Shebalin งานกีตาร์สร้างโดย I. Boldyrev, Yu. Obedov, L. Birnov, N. Chaikin, Yu. Shishakov, G. Kamaldinov และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ

ประวัติของกีตาร์เจ็ดสายซึ่งแพร่หลายในรัสเซียนั้นน่าสนใจ เธอเข้าสู่ชีวิตทางดนตรีอย่างกว้างขวาง การทำดนตรีที่บ้านจะไม่สมบูรณ์หากไม่มีกีตาร์ เพลงโรแมนติกและเพลงถูกร้องคลอเพื่อใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวและวงดนตรี

ความรุ่งเรืองของศิลปะการเล่นกีตาร์เจ็ดสายเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ A. Sikhra (พ.ศ. 2316-2393) และ M. Vysotsky (ประมาณ พ.ศ. 2334-2380) นักดนตรีหลักในยุคนั้น พวกเขามีความสุขกับความเห็นอกเห็นใจและความรักของประชาชนชาวรัสเซีย ความเคารพและความชื่นชมของบุคคลในวัฒนธรรมของชาติ

นักเรียนของศรีราชาได้มีส่วนร่วมกับศิลปะการเล่นกีตาร์ ในหมู่พวกเขาจำเป็นต้องสังเกตนักกีตาร์และนักแต่งเพลง S. Aksenov (พ.ศ. 2327-2396) ผู้ตีพิมพ์ "นิตยสารใหม่สำหรับกีตาร์เจ็ดสายที่อุทิศให้กับคนรักดนตรี"; V. Svintsov (d. c. 1880) ซึ่งกลายเป็นหนึ่งในนักแสดงมืออาชีพคนแรกที่ใช้กีตาร์เจ็ดสาย เอฟ. ซิมเมอร์มานน์ (พ.ศ. 2353-2425) เป็นที่รู้จักจากการแสดงด้นสดอันยอดเยี่ยม V. Morkov (1801-1864) ผู้แต่งผลงานและการถอดความสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย

ศิลปะการเล่นกีตาร์หกสายกำลังพัฒนาในรัสเซียเช่นกัน M. Sokolovsky (พ.ศ. 2361-2426) เป็นนักแสดงที่โดดเด่นซึ่งมีกิจกรรมคอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จอย่างมากทั้งในรัสเซียและในหลายประเทศในยุโรป นักแสดงและผู้นิยมกีตาร์หกสายคลาสสิก N. Makarov (พ.ศ. 2353-2433) ก็มีชื่อเสียงเช่นกัน

Pyotr Spiridonovich Agafoshin นักกีตาร์ฝีมือดีชาวรัสเซียชาวรัสเซีย (พ.ศ. 2417 - 2493)

อย่างไรก็ตามในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ทั้งในยุโรปและในรัสเซียความสนใจในกีตาร์ลดลงในส่วนของนักดนตรีมืออาชีพมันได้รับการยกย่องมากขึ้นว่าเป็นเครื่องดนตรีที่ไม่มีความสำคัญทางศิลปะและ ดังนั้นจึงไม่สมควรได้รับความสนใจ ความเป็นไปได้ในการแสดงออกและความคิดริเริ่มจึงถูกประเมินต่ำไป

ความเฟื่องฟูของศิลปะกีตาร์เกิดขึ้นแล้วในศตวรรษที่ 20 และส่งผลกระทบต่อทุกด้าน: การแต่งเพลง การแสดง การสอน กีตาร์อยู่ในตำแหน่งที่เท่าเทียมกันพร้อมกับเครื่องดนตรีอื่น ๆ บนเวทีคอนเสิร์ต เพื่อส่งเสริมศิลปะกีตาร์และกิจกรรมของนักดนตรีกีตาร์ มีการเผยแพร่นิตยสารพิเศษในรัสเซีย: "Guitarist", "Guitarist's Music" มีข้อมูลที่ไม่สูญเสียความสำคัญในยุคของเรา

ในทศวรรษที่ผ่านมาใน ประเทศต่างๆมีการจัดการแข่งขันระดับนานาชาติและเทศกาลของนักเล่นกีตาร์, ชั้นเรียนกีตาร์เปิดในสถาบันดนตรีและโรงเรียนสอนดนตรีหลายแห่ง, สมาคมและสมาคมนักแสดง, มืออาชีพและมือสมัครเล่นจำนวนมาก, หนังสือพิเศษและวรรณกรรมดนตรีได้รับการตีพิมพ์ ได้ยินเพลงกีตาร์อย่างต่อเนื่องทางวิทยุและโทรทัศน์ บันทึกไว้ในแผ่นเสียงและเทปคาสเซ็ตขนาดกะทัดรัด

สถานที่ชั้นนำในหมู่นักกีตาร์ในศตวรรษของเราสมควรเป็นของ Andres Segovia นักดนตรีชาวสเปนผู้ยิ่งใหญ่ (พ.ศ. 2436) การแสดง การสอน และกิจกรรมด้านการศึกษาหลายแง่มุมของเขา การสร้างการถอดเสียงมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาศิลปะกีตาร์ต่อไป

เซโกเวียเยือนสหภาพโซเวียตซ้ำแล้วซ้ำเล่า คอนเสิร์ตของเขาซึ่งประสบความสำเร็จมาโดยตลอดมีส่วนทำให้ความสนใจในกีตาร์ในประเทศของเราฟื้นคืนมา แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงความสามารถทางเทคนิคและศิลปะที่สำคัญของเครื่องดนตรี กระตุ้นกิจกรรมการแสดง การสอน และการแต่งเพลงของนักดนตรีโซเวียตเช่น P. Agafoshin ( พ.ศ. 2417-2493), P. Isakov (2429-2501), V. Yashnev (2422-2505), A. Ivanov-Kramskoy (2455-2516)

Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy นักกีตาร์และอาจารย์อัจฉริยะของโซเวียต (พ.ศ. 2455 - 2516)

ฉันอยากจะสังเกตถึงความสำคัญในการพัฒนาโรงเรียนสอนกีตาร์โซเวียตของศิลปินผู้มีเกียรติแห่ง RSFSR Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy A. Ivanov-Kramskoy ผู้ประพันธ์คอนแชร์โตสองเพลงสำหรับกีตาร์และวงออเคสตรา และกว่าร้อยชิ้นสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ A. Ivanov-Kramskoy เขาเตรียมภายในกำแพงโรงเรียนดนตรีที่ Moscow State Conservatory ซึ่งตั้งชื่อตาม P. I. Tchaikovsky ทั้งเส้นนักดนตรีที่น่าสนใจ A. Ivanov-Kramskoy เปิดตัว "The School of Playing the Six-String Guitar" ซึ่งมีบทบาทสำคัญในการฝึกนักกีตาร์รุ่นเยาว์

ปัจจุบันกีตาร์หกสายคลาสสิกได้รับการส่งเสริมอย่างแข็งขันโดย P. Veshchitsky, N. Komoliatov, E. Larichev, A. Frauchi, B. Khlopovsky และนักกีตาร์อื่น ๆ อีกมากมาย

V. Sazonov (2455-2512), M. Ivanov (2432-2496), V. Yuryev (2424-2505) มีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาและส่งเสริมกีตาร์เจ็ดสาย วันนี้ - B. Okunev, S. Orekhov, L. Menro และนักดนตรีอีกหลายคน

ในประเทศของเราในการซ้อมคอนเสิร์ตทั้งหกสายและ กีตาร์เจ็ดสาย. การศึกษามีให้ในสถาบันการศึกษาเฉพาะทางระดับสูงและมัธยมศึกษาหลายแห่ง ในโรงเรียนสอนดนตรีสำหรับเด็กและภาคค่ำ สตูดิโอและวงกลมหลายแห่งที่ Palaces of Pioneers and Schoolchildren และสถาบันสโมสร

ศิลปะการเล่นกีตาร์มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่องในต่างประเทศ M. Zelenka, V. Mikulka (เชโกสโลวะเกีย), L. Sendrei-Karper (ฮังการี) มีชื่อเสียง 3. Behrend (เยอรมนี), L. Brouwer (คิวบา), D. Blanke, M. Cubedo, A. Membrado (สเปน), D. Brim, D. Williams (บริเตนใหญ่), M. L. Anido, E. Bitetti (อาร์เจนตินา) , A. Diaz (เวเนซุเอลา) และนักแสดงอื่นๆ อีกมากมาย

ด้วยการพัฒนาในศตวรรษที่ 20 ของดนตรีแจ๊สและป๊อป เพลงบรรเลงกีตาร์แจ๊สซึ่งกลายเป็นเครื่องดนตรีไฟฟ้าในช่วงทศวรรษที่ 1930 ก็แพร่หลายเช่นกัน มันถูกใช้ในวงดนตรีแจ๊สและป๊อปและออเคสตร้ากลุ่มชาวบ้านและงานเดี่ยวที่หลากหลาย

ในประเทศของเราการพัฒนากีตาร์แจ๊สนั้นเกี่ยวข้องกับชื่อของพ่อและลูกชาย Kuznetsov, Alexei Yakushev, Stanislav Kashirin และนักดนตรีอีกหลายคน

กีตาร์เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีหลักในการร้องและบรรเลง ใช้โดยศิลปินเดี่ยวและวงดนตรีในการแสดงเพลงการต่อสู้เพื่อสันติภาพ เพื่อเอกราชของชาติจากการกดขี่ของจักรวรรดินิยม

ตัวอย่างที่ชัดเจนของผลกระทบต่อหัวใจและความคิดของผู้คนคืองานศิลปะของนักร้องและนักกีตาร์ชาวชิลี Victor Jara ผู้สละชีวิตในการต่อสู้เพื่อประชาธิปไตยและความก้าวหน้าทางสังคมในบ้านเกิดของเขา

ศิลปะกีตาร์มีการพัฒนาอย่างต่อเนื่อง วรรณกรรมสำหรับเครื่องดนตรีนี้ได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่องด้วยผลงานต้นฉบับใหม่ๆ ในหลากหลายประเภท ความนิยมอย่างมากของกีตาร์ ความเก่งกาจที่สำคัญ และความเป็นไปได้ในการแสดงออก ทำให้ศิลปะการเล่นเครื่องดนตรีประชาธิปไตยชนิดนี้เฟื่องฟูยิ่งขึ้นไปอีก

เกี่ยวข้องกับ II พันปีก่อนคริสต์ศักราช พวกเขาแสดงเครื่องดนตรีที่มีลำตัวขนาดเล็กทำจากกระดองเต่าหรือน้ำเต้า

ในอียิปต์โบราณ เครื่องดนตรีที่มีลักษณะคล้ายกีตาร์มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับชีวิตของผู้คนจนกลายเป็นสัญลักษณ์แห่งความดี

มีข้อสันนิษฐานว่ากีตาร์ปรากฏในตะวันออกกลางและจากนั้นแพร่กระจายไปทั่วเอเชียและยุโรป

รัสเซียได้รับการแนะนำให้รู้จักกับกีตาร์หกสายโดยชาวอิตาลีที่รับใช้ในราชสำนักและขุนนางในราชสำนัก ประวัติศาสตร์ได้รักษาชื่อของชาวอิตาลีสองคน - Giuseppe Sarti และ Carlo Canobbio นักแต่งเพลงชาวอิตาลี Giuseppe Sarti ตามที่คุณหญิง V.N. Golovina เล่นกีตาร์ด้วยความเต็มใจ Carlo Canobbio สอนลูกสาวสามคนของ Paul I ให้เล่นกีตาร์โดยได้รับรางวัลมากมายสำหรับบทเรียนเหล่านี้ - 1,000 rubles ต่อปี

แฟนกีตาร์ในตอนนั้นยังมีน้อย Pasquale Gagliani นักดนตรีฝีมือดีชาวอิตาลีซึ่งแสดงในร้านของขุนนางในราชสำนักสามารถขยายวงคนรักเครื่องดนตรีได้ หลังจากทำกิจกรรมกับ Rossi มาหลายปี Galliani ได้ออกคอลเลคชัน etudes และแบบฝึกหัด เช่น ตำราเรียนกีตาร์

ชาวอิตาเลียนพยายามแปรรูปเพลงพื้นบ้านสำหรับกีตาร์ แต่ก็ไม่ประสบความสำเร็จ: กีตาร์หกสายไม่ได้รับการดัดแปลงให้เข้ากับโครงสร้างของดนตรีพื้นบ้านของรัสเซีย ในเวลาเดียวกันกีตาร์เจ็ดสายของรัสเซียก็ปรากฏตัวขึ้น

ในปี 1821 Marcus Aurelius Zani de Ferranti (1800-1878) เดินทางมายังรัสเซีย Niccolo Paganini ผู้ซึ่งเคยได้ยินฝีมือของนักเล่นกีตาร์หลายคน ประเมินการเล่นของ Zani de Ferranti ดังนี้: "ฉันเป็นพยานว่า Zani de Ferranti เป็นหนึ่งในนักกีตาร์ที่เก่งที่สุดที่ฉันเคยได้ยินมา และเป็นคนที่ทำให้ฉันมีความสุขอย่างสุดจะพรรณนากับการเล่นที่ยอดเยี่ยมและสนุกสนานของเขา" สำหรับนักกีตาร์คนนี้รัสเซียเป็นหนี้ความจริงที่ว่ากีตาร์หกสายกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางที่นี่ นักดนตรีจัดคอนเสิร์ตบ่อยและเขาต้องเล่น ห้องโถงขนาดใหญ่. เขายังเป็นนักแต่งเพลงอีกด้วย - เขาแต่งเพลงกลางคืน, เพลงเพ้อฝัน, เพลงเต้นรำ Tsani de Ferranti ให้บทเรียนกีตาร์แก่ผู้ที่ต้องการ แต่เป็นเพียงผู้เริ่มต้นเท่านั้น โดยไม่ต้องเปลี่ยนนักเรียนให้เป็นนักกีตาร์มืออาชีพ

ซึ่งแตกต่างจากแบบ 7 สาย ความหลากหลายแบบ 6 สายของมันพัฒนาขึ้นในรัสเซียในศตวรรษที่ 17-19 เกือบจะเป็นเครื่องดนตรีทางวิชาการระดับมืออาชีพโดยเฉพาะ และไม่ค่อยเน้นไปที่การถ่ายทอดบทเพลงในเมืองและความโรแมนติกในชีวิตประจำวัน

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 มีโรงเรียนและคู่มือสำหรับกีตาร์หกสายโดย I. Geld และ I. Berezovsky ซึ่งส่วนใหญ่มีการพึ่งพาคลาสสิกของสเปนและอิตาลี - งานกีตาร์ของ Mauro Giuliani, Matteo Carcassi, Luigi Legnani, Ferdinando Carulli, Fernando Sora ในเพลงเปียโนถอดความจากนักแต่งเพลงชาวยุโรปตะวันตกที่โดดเด่น มีบทบาทสำคัญในการจำหน่ายกีตาร์หกสายในรัสเซียโดยทัวร์ของนักกีตาร์ต่างชาติที่โดดเด่น - ในปี 1822 การแสดงของ Mauro Giuliani ชาวอิตาลีเกิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและในปี 1923 ในมอสโกโดย Ferdinand Sor ชาวสเปน .

นักดนตรีตะวันตกตื่นขึ้นในรัสเซียให้สนใจกีตาร์คลาสสิก โปสเตอร์คอนเสิร์ตเริ่มปรากฏชื่อเพื่อนร่วมชาติของเรา นักแสดงชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดนักโฆษณาชวนเชื่อของกีตาร์หกสายคือ Nikolai Petrovich Makarov (1810 - 1890) และ Mark Danilovich Sokolovsky (1818 - 1883)

เอ็น.พี. Makarov เกิดในจังหวัด Kostroma ในครอบครัวของเจ้าของที่ดิน ในปี 1829 เขาโชคดีพอที่จะได้ยินการเล่นของ Paganini และในปี 1830 เขาได้เข้าร่วมคอนเสิร์ตของโชแปง

Niccolo Paganini ทำให้ Makarov ตกใจมากจนไม่มีนักดนตรีคนต่อมาสามารถบดบังความประทับใจในการเล่นของเขาได้

เอ็น.พี. Makarov มุ่งมั่นที่จะประสบความสำเร็จในการเล่นกีตาร์ระดับเฟิร์สคลาส นักดนตรีมีส่วนร่วมใน 01 - 12 ชั่วโมงทุกวัน ในปี พ.ศ. 2384 คอนเสิร์ตครั้งแรกของเขาจัดขึ้นที่เมืองทูลา ไม่พบการยอมรับและความสนใจอย่างจริงจังต่อตัวเองในฐานะนักกีตาร์ เขาไปทัวร์ยุโรป ในหลายประเทศทั่วโลก N.P. Makarov ได้รับชื่อเสียงในฐานะนักกีตาร์อัจฉริยะที่ยอดเยี่ยม ล่ามที่ยอดเยี่ยมของการประพันธ์กีตาร์ที่ซับซ้อนที่สุด ในระหว่างการทัวร์นักดนตรีได้พบกับนักกีตาร์ต่างชาติที่มีชื่อเสียง: Tzani de Ferranti, Matteo Carcassi, Napoleon Cost

เพื่อฟื้นความรุ่งเรืองในอดีตของกีตาร์ Makarov ตัดสินใจจัดการแข่งขันระดับนานาชาติในยุโรป ในกรุงบรัสเซลส์ เขาจัดการแข่งขันสำหรับนักแต่งเพลงและปรมาจารย์ด้านกีตาร์ ก่อนการแข่งขัน นักกีตาร์จะจัดคอนเสิร์ตของตัวเอง ซึ่งเขาแสดงผลงานการแต่งเพลงของตัวเองและผลงานของนักเขียนคนอื่นๆ มาคารอฟเล่นกีตาร์สิบสาย

ต้องขอบคุณการแข่งขันครั้งนี้ นักดนตรีจึงสามารถทำงานในด้านนี้ได้อย่างเข้มข้นขึ้นอย่างเห็นได้ชัด เพลงกีต้าร์นักแต่งเพลงและผู้ผลิตกีตาร์ชาวยุโรปตะวันตกจำนวนหนึ่งมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์เครื่องดนตรีชนิดใหม่ๆ

Makarov เป็นผู้เขียนเรียงความและบันทึกวรรณกรรมจำนวนมาก เขาตีพิมพ์หนังสือของเขาเองและละครเพลงของเขาเอง เช่น คาร์นิวัลแห่งเวนิส, มาซูร์กา, ความรัก, คอนแชร์โต้สำหรับกีตาร์, การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน อย่างไรก็ตาม ดนตรีที่เขาสร้างขึ้นนั้นไม่ได้สื่อความหมายมากนักและไม่ได้ถูกใช้อย่างแพร่หลาย ในปี พ.ศ. 2417 "กฎการเล่นกีตาร์ระดับสูง" ของเขาได้รับการเผยแพร่ โบรชัวร์มีคำแนะนำอันมีค่าเกี่ยวกับการปรับปรุงเทคนิคกีตาร์: การเล่นทริลล์ ฮาร์มอนิก สเกลโครมาติก การใช้นิ้วก้อยในเกม ฯลฯ

Mark Danilovich Sokolovsky นักกีตาร์ชาวรัสเซียอีกคน (พ.ศ. 2355 - 2426) ไม่ได้พยายามสร้างความประทับใจให้กับผู้ชมด้วยเทคนิคทางเทคนิคที่ซับซ้อน ผู้ฟังต่างหลงใหลในการแสดงละครเพลงที่ยอดเยี่ยมของเขา

ในวัยเด็ก Sokolovsky เล่นไวโอลินและเชลโล จากนั้นก็เริ่มเล่นกีตาร์ หลังจากเชี่ยวชาญเครื่องดนตรีในระดับที่เพียงพอแล้ว ในปี 1841 เขาก็เริ่มกิจกรรมคอนเสิร์ต คอนเสิร์ตของเขาจัดขึ้นที่ Zhytomyr, Kyiv, Vilna, Moscow, St. Petersburg ในปีพ. ศ. 2400 นักกีตาร์ได้รับโอกาสในการแสดงในมอสโกวในห้องโถงใหญ่พันที่นั่งของ Noble Assembly ในปีพ. ศ. 2403 เขาได้รับการขนานนามว่าเป็น "คนโปรดของสาธารณชนมอสโก" ตั้งแต่ พ.ศ. 2407 ถึง พ.ศ. 2411 นักดนตรีทัวร์เมืองต่างๆ ของยุโรป เขาแสดงคอนเสิร์ตในลอนดอน ปารีส เบอร์ลิน และเมืองอื่นๆ ทุกที่ที่เขามาพร้อมกับความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ ทัวร์ที่ประสบความสำเร็จของนักดนตรีทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักกีตาร์ที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่ง เป็นที่น่าสังเกตว่าในการแสดงของ Sokolovsky หลายครั้ง นักดนตรีประกอบของเขาคือ N.G. นักเปียโนชาวรัสเซียที่โดดเด่น รูบินสไตน์.

ในบรรดาคุณสมบัติที่โดดเด่นของสไตล์การแสดงของ Sokolovsky ประการแรกจำเป็นต้องแยกแยะความละเอียดอ่อนของความแตกต่างเล็กน้อย ความหลากหลายของจานเสียงต่ำ ความสามารถสูงและความอบอุ่นของ Cantilena คุณสมบัติเหล่านี้แสดงให้เห็นโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการตีความคอนแชร์โตสามเพลงโดย M. Giuliani เช่นเดียวกับการแสดงการถอดความ ชิ้นเปียโนเอฟ. โชแปงและของจิ๋วของเขาเอง ในหลาย ๆ ด้านใกล้เคียงกับสไตล์ของโชแปง - โหมโรง, โปโลเนส, การเปลี่ยนแปลง ฯลฯ คอนเสิร์ตสาธารณะครั้งสุดท้ายของ M. D. Sokolovsky จัดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2420 จากนั้นนักดนตรีก็ตั้งรกรากอยู่ในวิลนีอุสซึ่งเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอน

การแสดงคอนเสิร์ตของนักกีตาร์ในประเทศ N.P. Makarov และ M.D. Sokolovsky กลายเป็นแนวทางสำคัญในการศึกษาดนตรีสำหรับแฟนเพลงจำนวนมากในรัสเซีย

1. 
   กีตาร์เจ็ดสายในศตวรรษที่ 18-19

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 กีตาร์เจ็ดสายดั้งเดิมปรากฏในรัสเซีย มันถูกสร้างขึ้นตามเสียงของ G-major triad ที่เพิ่มเป็นสองเท่าเป็นอ็อกเทฟและสตริงด้านล่างเว้นระยะควอร์ต เครื่องดนตรีนี้เหมาะที่สุดกับคอร์ดเบสที่คลอไปกับเงินบำนาญในเมืองและความโรแมนติก

ที่บ้านพวกเขามักจะเล่นกีตาร์ด้วยหู - ดนตรีประกอบจากฟังก์ชั่นฮาร์มอนิกที่ง่ายที่สุดนั้นเป็นเพลงระดับประถมศึกษาและด้วยการปรับแต่งนี้ทำให้สามารถเข้าถึงได้มาก ผู้แต่งเพลงและความรักส่วนใหญ่มักเป็นนักดนตรีสมัครเล่นที่ไม่ค่อยมีใครรู้จัก แต่บางครั้งก็เป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงในศตวรรษที่ 19 - A. Varlamov, A. Gurilev, A. Alyabyev, A. Dubuk, A. Bulakhov และคนอื่น ๆ

กีตาร์เจ็ดสายยังมีบทบาทสำคัญในดนตรีของชาวยิปซี นักกีตาร์ที่งดงามเป็นผู้นำของคณะนักร้องประสานเสียงยิปซี - I. Sokolov, I. Vasiliev, M. Shishkin, R. Kalabin

สถานที่พิเศษในประวัติศาสตร์ของกีตาร์รัสเซียเป็นของ Ignatius Geld (1766 - 1816) ผู้เขียน "School" แห่งแรกสำหรับกีตาร์เจ็ดสายของรัสเซีย เป็นชาวเช็กตามสัญชาติ เขาใช้ชีวิตเกือบทั้งชีวิตสร้างสรรค์ในรัสเซีย และพยายามทำหลายอย่างเพื่อทำให้กีตาร์เจ็ดสายเป็นที่นิยมในฐานะเครื่องดนตรีทางวิชาการที่จริงจัง

ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 18 กีตาร์เจ็ดสายเริ่มพัฒนาเป็นเครื่องดนตรีทางวิชาการ องค์ประกอบหลักสำหรับกีตาร์ปรากฏขึ้น ดังนั้นในปี 1799 Sonata ของ I. Kamensky จึงได้รับการตีพิมพ์ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 - Sonata สำหรับกีตาร์สองตัวของ V. Lvov ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีการผลิตวรรณกรรมกีตาร์ในปริมาณที่มากกว่าวรรณกรรมสำหรับเครื่องดนตรีชนิดอื่น แม้แต่สำหรับเปียโนฟอร์เต้ มีการเผยแพร่กีตาร์หลายชิ้นซึ่งอยู่ในคู่มือการเรียนการสอนและวิธีการหรือออกเป็นฉบับแยกต่างหาก ตัวอย่างเช่นมีเพชรประดับจำนวนมากซึ่งส่วนใหญ่อยู่ในประเภทการเต้นรำ - mazurkas, waltzes, ecossaises, polonaises, serenades, divertissements ซึ่งสร้างขึ้นโดย Ignatius Geld นักกีตาร์และนักระเบียบวิธีที่มีชื่อเสียง

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงบางคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 ชอบเล่นกีตาร์เจ็ดสาย ในหมู่พวกเขาคือ Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747 - 1804) ผู้แต่งบทเพลงพื้นบ้านรัสเซียหลายรูปแบบสำหรับเครื่องดนตรีและ Gavriil Andreevich Rachinsky (1777 - 1843) ผู้ตีพิมพ์สิบชิ้นสำหรับกีตาร์เจ็ดสายใน 1817. ในหมู่พวกเขามีห้า polonaises และสองรอบของการเปลี่ยนแปลงในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย ในเวลาเดียวกันผลงานของนักแต่งเพลงที่ถูกลืมไปแล้ว - Gornostaev - ได้รับการเผยแพร่สำหรับเครื่องดนตรี โคนอฟกินา, มาสโลวา.

การออกดอกของการแสดงระดับมืออาชีพอย่างแท้จริงบนกีตาร์เจ็ดสายนั้นตรงกับปีแห่งกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Andrei Osipovich Sikhra นักกีตาร์ชั้นครูที่โดดเด่น (พ.ศ. 2316 - 2393) เขาอุทิศทั้งชีวิตให้กับการฝึกฝนกีตาร์ Andrei Osipovich มีส่วนร่วมในดนตรีโดยเฉพาะในวัยเด็กของเขาก็มีชื่อเสียงทั้งในฐานะนักแสดงอัจฉริยะและนักแต่งเพลง Sychra ไม่เพียงแต่งเพลงสำหรับฮาร์ปและกีตาร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงเปียโนด้วย

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Sychra ย้ายไปที่ Mostka และกลายเป็นผู้สนับสนุนเครื่องดนตรีของเขาที่กระตือรือร้นและกระตือรือร้น กีตาร์ของเขาพบผู้ชื่นชมมากมายในหมู่ประชาชนชาวมอสโกในทันที ที่นี่ในกรุงมอสโกโรงเรียนมอสโก "ยุคแรก" ของเขากำลังก่อตัวขึ้น: เขาสอนนักเรียนหลายคน, ศึกษาด้วยตัวเอง, ปรับปรุงเครื่องดนตรีของเขา, สร้างเนื้อหาเกี่ยวกับวิธีการที่หลากหลาย, วางรากฐานสำหรับละครสำหรับกีตาร์เจ็ดสายและแสดงด้วย นักเรียนในคอนเสิร์ต นักเรียนหลายคนของเขาเองก็กลายเป็นนักกีตาร์และนักแต่งเพลงที่โดดเด่นในเวลาต่อมา โดยสานต่องานที่เริ่มต้นโดยครูผู้ยิ่งใหญ่ของพวกเขา สาวก A.O. สิครี - S.N. Aksenov, V.I. มอร์คอฟ วี.เอส. ซาเรนโก เอฟ.เอ็ม. Zimmerman - สร้างบทละครและการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านรัสเซียมากมาย

ตั้งแต่ปี 1800 จนถึงวาระสุดท้ายของชีวิต A.O. Sychra เผยแพร่ผลงานหลายชิ้นสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ ซึ่งเป็นการเรียบเรียงเพลงอาเรียยอดนิยม ดนตรีเต้นรำ จินตนาการที่ซับซ้อนที่สุดของแผนคอนเสิร์ต งานของ Sychra พัฒนาขึ้นในทุกด้าน เขาสร้างผลงานสำหรับกีตาร์โซโล กีตาร์คู่ ไวโอลินและกีตาร์ รวมถึงจินตนาการในธีมของนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงและทันสมัย ​​จินตนาการในธีมเพลงพื้นบ้านรัสเซีย การออกกำลังกาย. Sykhra ทำการถอดความและจัดการของ M.I. กลินกา, เวอร์จิเนีย โมสาร์ท, จี. โดนิเซ็ตติ, เค. เวเบอร์, ดี. รอสซินี, ดี. แวร์ดี

อ. สิชราเป็นคนแรกที่สร้างกีตาร์เจ็ดสายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวทางวิชาการ โดยทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อการศึกษาเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ของนักกีตาร์สมัครเล่นหลากหลายกลุ่ม

ในปี 1802 A.O. Sychry” ซึ่งเผยแพร่การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย การถอดเสียงดนตรีคลาสสิก ในปีต่อ ๆ มาจนถึงปี 1838 นักดนตรีได้ตีพิมพ์นิตยสารที่คล้ายกันหลายฉบับซึ่งมีส่วนทำให้ความนิยมของเครื่องดนตรีเพิ่มขึ้นอย่างมาก

นอกเหนือจากผลงานกีตาร์เจ็ดสายจำนวนมากแล้ว Sychra ยังออกจาก "School" ซึ่งเขาเขียนขึ้นตามการยืนกรานของนักเรียนของเขา V.I. แครอท. มันถูกตีพิมพ์ในปี 1840

บุคคลสำคัญของโรงเรียน Sichra คือ Semyon Nikolaevich Aksenov (พ.ศ. 2327 - 2396) ครั้งหนึ่ง ไม่มีใครเก่งกว่าเขาในเรื่องเครื่องดนตรีและการประพันธ์เพลง ในมอสโกว นักดนตรีถือเป็นนักกีตาร์ฝีมือดีที่สุด การเล่นของ Aksenov นั้นโดดเด่นในเรื่องความไพเราะที่ไม่ธรรมดา โทนเสียงที่อบอุ่น ด้วยจิตใจที่อยากรู้อยากเห็น เขามองหาเทคนิคใหม่ๆ เกี่ยวกับเครื่องดนตรี ดังนั้นเขาจึงพัฒนาระบบแฟลกโอเล็ตเทียม นักดนตรีมีพรสวรรค์ในการสร้างคำที่น่าทึ่งบนเครื่องดนตรี Aksyonov แสดงภาพเสียงนกร้อง เสียงกลอง เสียงระฆัง เสียงประสานที่ใกล้เข้ามาและถอยห่าง ฯลฯ ด้วยเอฟเฟกต์เสียงเหล่านี้ เขาทำให้ผู้ชมประหลาดใจ น่าเสียดายที่บทละครประเภทนี้ของ Aksyonov ไม่ได้มาถึงเรา

กิจกรรมการศึกษาของ S.N. อัคเซโนวา. ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2353 เขาได้ตีพิมพ์ New Journal for the Seven-String Guitar โดยอุทิศให้กับคนรักดนตรี ซึ่งรวมการถอดเสียงโอเปร่ายอดนิยมและรูปแบบต่างๆ ของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย Aksyonov ยังสร้างความรักด้วยเสียงพร้อมกับกีตาร์

Aksyonov เลี้ยงดู Mikhail Vysotsky นักกีตาร์ที่มีพรสวรรค์เก่งกาจซึ่งในไม่ช้าก็สร้างชื่อเสียงให้กับโรงเรียนนักกีตาร์รัสเซียในมอสโกว

กิจกรรมสร้างสรรค์ของ Mikhail Timofeevich Vysotsky (พ.ศ. 2334 - 2380) มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาการแสดงกีตาร์รัสเซียระดับมืออาชีพและเชิงวิชาการ

การเล่นของนักดนตรีสามารถได้ยินได้ไม่เฉพาะในร้านเสริมสวยและการประชุมพ่อค้าเท่านั้น นักกีตาร์ยังเล่นให้กับสาธารณชนทั่วไปจากหน้าต่างอพาร์ตเมนต์ของเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ซึ่งเป็นช่วงที่เขาต้องการความช่วยเหลืออย่างมาก คอนเสิร์ตเหล่านี้มีส่วนทำให้กีตาร์เจ็ดสายแพร่หลายในหมู่ชนชั้นกลางและช่างฝีมือ

นักดนตรีมีพรสวรรค์ที่น่าทึ่งในฐานะนักด้นสด Vysotsky สามารถด้นสดได้หลายชั่วโมงด้วยคอร์ดและการมอดูเลตมากมายไม่รู้จบ

นักกีตาร์ยังแต่งเพลงเต้นรำซึ่งเป็นที่นิยมในยุคของเขา: mazurkas, polonaises, waltzes, ecossaises ทุกชิ้นเหล่านี้มีความสง่างามและเป็นดนตรี Vysotsky ทำการถอดความผลงานของ V.A. โมสาร์ท, แอล. เบโธเฟน, ดี. ฟิลด์. นักดนตรีตีพิมพ์ผลงานของเขาเป็นฉบับเล็ก ๆ และไม่มีการพิมพ์ซ้ำ ดังนั้นคอลเลกชั่นจึงขายหมดในทันทีและแทบจะกลายเป็นหนังสือหายากในบรรณานุกรมในทันที มีบทประพันธ์ที่เขียนด้วยลายมือของ Vysostky เพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดมาได้ เช่นเดียวกับบทละคร 84 เรื่องที่ตีพิมพ์ในฉบับของ Gutheil

คู่มือการเล่นกีตาร์เจ็ดสายด้วยตนเองเล่มแรกในรัสเซียปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2341 มีการตีพิมพ์ "Semantic Guide for the Seven-String Guitar" ของ I. Geld ซึ่งพิมพ์ซ้ำหลายครั้งและเสริมด้วยเนื้อหาใหม่ ฉบับที่สามได้รับการขยายด้วยการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซียและยูเครน 40 เพลง ในปี 1808 "โรงเรียนสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" โดย D.F. Kushenov-Dmitrievsky ได้รับการปล่อยตัวในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คอลเลกชันนี้ได้รับการพิมพ์ซ้ำหลายครั้ง ในปี พ.ศ. 2393 หนังสือ “Theoretical and Practical School for the Seven-String Guitar” ของ A.O. Sikhra ได้รับการตีพิมพ์เป็นสามส่วน ส่วนแรกเรียกว่า "กฎของดนตรีโดยทั่วไป" ส่วนที่สองประกอบด้วยแบบฝึกหัดทางเทคนิค สเกลและอาร์เพจจิโอ ส่วนที่สามประกอบด้วยเนื้อหาทางดนตรี ซึ่งส่วนใหญ่ประกอบด้วยการประพันธ์เพลงโดยนักเรียนของ Sykhra คู่มือแนะนำและการสอนที่สำคัญอีกเล่มหนึ่งคือ สิครีย์. นี่คือโรงเรียนระดับสูงสำหรับการพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักกีตาร์

ในปีพ. ศ. 2362 S.N. Aksenov ได้ทำการเพิ่มเติมอย่างมีนัยสำคัญในการพิมพ์ซ้ำครั้งต่อไปของ "โรงเรียน" ของ I. Geld มีการเพิ่มบทเกี่ยวกับฮาร์โมนิกธรรมชาติและเทียม มีการแนะนำท่อนใหม่ๆ มารยาท และการเรียบเรียงของเพลงพื้นบ้าน รวมถึง องค์ประกอบของตัวเอง. คู่มือต่าง ๆ สำหรับการเรียนรู้กีตาร์เจ็ดสายออกโดย V.I. มอร์คอฟ, M.T. Vysotsky และนักกีตาร์คนอื่น ๆ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19

ในรัสเซียกีตาร์เจ็ดสายมีอยู่คู่ขนานทั้งในฐานะนักวิชาการและเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19 กีตาร์เจ็ดสายซึ่งแสดงออกถึงชั้นดั้งเดิมของการทำดนตรีในบ้านนั้นถูกแจกจ่ายในหมู่คนงาน ช่างฝีมือ เด็กฝึกงาน และผู้ให้บริการประเภทต่างๆ เครื่องดนตรีนี้กลายเป็นเครื่องมือในการศึกษาและทำความคุ้นเคยกับวัฒนธรรมดนตรีสำหรับประชาชนทั่วไป

ตั้งแต่ทศวรรษที่ 1840 เป็นต้นมา ศิลปะกีตาร์ เช่น ศิลปะของกูเซลนี เริ่มลดลง แต่ถ้าการบรรเลงเพลงสรรเสริญเริ่มหายไปจากการทำดนตรีในชีวิตประจำวัน กีตาร์ซึ่งยังคงเป็นเครื่องดนตรีประกอบที่ไม่เปลี่ยนแปลงเท่าๆ กันในด้านของเพลงเมือง เพลงรักและการร้องเพลงยิปซี ก็ค่อยๆ สูญเสียคุณสมบัติทางสังคมของผู้คนไปเนื่องจากความเป็นมืออาชีพลดลง มือกีต้าร์ระดับ. ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ ไม่มีนักแสดงและครูที่เก่งเท่า A.O. ศิชรา เอส.เอ็น. Aksenov และ M.T. วีซอตสกี้. คู่มือระเบียบวิธีที่สำคัญเกือบจะหยุดพิมพ์แล้ว และบทแนะนำที่เผยแพร่ส่วนใหญ่ได้รับการออกแบบมาสำหรับความต้องการที่ไม่โอ้อวดของผู้ชื่นชอบการทำเพลงในชีวิตประจำวันและมีเพียงตัวอย่างเท่านั้น ความรักที่เป็นที่นิยม, เพลง, การเต้นรำ, ส่วนใหญ่มักจะมีคุณภาพทางศิลปะต่ำ

1. 
   การก่อตัวของการแสดงในรัสเซีย domra

มีข้อสันนิษฐานว่าเครื่องดนตรีแทนเบอร์ทางตะวันออกซึ่งยังคงมีอยู่ในหมู่ชนชาติในตะวันออกกลางและทรานคอเคเชียเป็นบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลของดอมรารัสเซีย มันมาถึงเราในมาตุภูมิในศตวรรษที่ 9 - 10 โดยพ่อค้าที่ค้าขายกับคนเหล่านี้ เครื่องมือประเภทนี้ไม่เพียงปรากฏในมาตุภูมิเท่านั้น แต่ยังปรากฏในรัฐใกล้เคียงอื่น ๆ ซึ่งมีตำแหน่งทางภูมิศาสตร์ระดับกลางระหว่างชนชาติสลาฟและชนชาติตะวันออก หลังจากผ่านการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเมื่อเวลาผ่านไปเครื่องมือเหล่านี้เริ่มถูกเรียกแตกต่างกันไปในหมู่ชนชาติต่างๆ: ในหมู่ชาวจอร์เจีย - ปานาดูรีและชองกูรี, ทาจิกิสถานและอุซเบก - ดัมรัค, เติร์กเมน - ดูตาร์, คีร์กีซ - โคมุซ, อาเซอร์ไบจานและอาร์เมเนีย - ทาร์และซาซ, คาซัคและคาลมีค - dombra, มองโกล - dombur, Ukrainians - bandura เครื่องดนตรีทั้งหมดเหล่านี้ยังคงไว้ซึ่งสิ่งที่เหมือนกันมากในแง่ของรูปทรง วิธีการสร้างเสียง อุปกรณ์ ฯลฯ

แม้ว่าชื่อ "ดอมรา" จะมีชื่อเสียงเฉพาะในศตวรรษที่ 16 แต่ข้อมูลแรกเกี่ยวกับเครื่องดนตรีแบบดึงนิ้ว (รูปแทนเบอร์) ในรัสเซียได้มาถึงเราตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 Tanbur ในหมู่ชาวรัสเซีย เครื่องดนตรีพื้นบ้านบรรยายโดยอิบัน ดาสต้า นักเดินทางชาวอาหรับในศตวรรษที่ 10 ผู้ไปเยือนเคียฟระหว่างปี 903 ถึง 912

การกล่าวถึงดอมราครั้งแรกที่มาถึงเรานั้นย้อนกลับไปในปี ค.ศ. 1530 "คำสอนของเมโทรโพลิแทนดาเนียล" กล่าวถึงการเล่นดอมรา ควบคู่ไปกับการเล่นพิณและสมีก (เสียงบี๊บ) ของผู้รับใช้ในโบสถ์ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 แม้แต่ gusli ซึ่งเป็นที่รักของผู้คนก็ "หลีกทางให้ domrams อย่างมาก" ด้วยความนิยม ในมอสโกในศตวรรษที่ 17 มี "แถวบ้าน" ที่ขายดอมรา ด้วยเหตุนี้ ความต้องการเครื่องมือเหล่านี้จึงมีมากจนต้องจัดระเบียบร้านค้าจำนวนมากเพื่อขาย ข้อมูลที่ดอมราสร้างขึ้นในปริมาณมากไม่ใช่เฉพาะในมอสโกเท่านั้นที่สามารถยืนยันได้อย่างน่าเชื่อถือโดยหนังสือศุลกากรซึ่งมีการบันทึกค่าธรรมเนียมรายวันในตลาดท้องถิ่นของรัฐรัสเซีย

Domra in Rus ตกอยู่ในชีวิตของผู้คนมากมาย มันกลายเป็นเครื่องมือสาธารณะและประชาธิปไตย ความเบาและขนาดที่เล็กของเครื่องดนตรี ความดัง (พวกเขามักจะเล่นดอมราด้วยปิ๊ก) ความสามารถทางเทคนิคทางศิลปะที่หลากหลาย - ทั้งหมดนี้เป็นที่ชื่นชอบของควาย Domra ฟังได้ทุกที่ในสมัยนั้น: ในราชสำนักชาวนาและราชวงศ์ใน ชั่วโมงแห่งความสนุกและช่วงเวลาแห่งความเศร้า "ฉันดีใจที่ได้ skomra เกี่ยวกับ domra ของฉัน" สุภาษิตรัสเซียโบราณกล่าว

ตัวตลกมักเป็นผู้ยุยงและมีส่วนร่วมในความไม่สงบที่เป็นที่นิยม นั่นคือเหตุผลที่นักบวชและผู้ปกครองของรัฐจับอาวุธต่อต้านงานศิลปะของพวกเขาอย่างมาก

เป็นเวลาเกือบ 100 ปี (ตั้งแต่ปี 1470 ถึง 1550) ห้ามมิให้เล่นเครื่องดนตรีในพระราชกฤษฎีกาแปดประการ การประหัตประหารของควายและดนตรีของพวกเขาทวีความรุนแรงขึ้นโดยเฉพาะใน XV - ศตวรรษที่สิบสอง x - ในช่วงที่มีการประท้วงโดยชาวนาเพื่อต่อต้านรัฐบาลซาร์และเจ้าที่ดิน (สงครามชาวนาที่นำโดย Ivan Bolotnikov และ Stepan Razin)

ในปี ค.ศ. 1648 ซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิชได้ออกกฎบัตรซึ่งออกมาตรการทางกฎหมายเพื่อคว่ำบาตรผู้คนจากเครื่องดนตรี: "แล้วดอมราและแซร์น ฮอร์น พิณ และภาชนะบีบแตรศักดิ์สิทธิ์จะอยู่ที่ไหน และเจ้าจะสั่งปีศาจเหล่านั้น ภาชนะที่จะถูกยึดและได้ทำลายเกมปีศาจเหล่านั้นแล้ว เขาสั่งให้เผามัน

ในฤดูร้อนและฤดูใบไม้ร่วงปี 1654 ตามคำสั่งของพระสังฆราชนิคอนได้ทำการยึดเครื่องดนตรีจำนวนมากจาก "สีดำ" พวกเขาถูกทำลายทุกหนทุกแห่ง Gusli, แตร, domras, ไปป์, แทมบูรีนถูกนำข้ามแม่น้ำมอสโกและเผา

เนื่องจากพระราชกฤษฎีกาห้ามเล่นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 การผลิตดอมราโดยช่างฝีมือผู้เชี่ยวชาญจึงหยุดลง การลงโทษอย่างรุนแรงตามมาสำหรับการผลิตและแม้แต่การจัดเก็บเครื่องมือ ด้วยการกำจัดศิลปะของควาย การแสดงระดับมืออาชีพของนักดนตรีดอมราเชก็หายไปเช่นกัน

อย่างไรก็ตามต้องขอบคุณศิลปะของตัวตลก Domra ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในหมู่ผู้คน เธอบุกเข้าไปในหมู่บ้านที่ห่างไกลและหูหนวกที่สุด

ในต้นฉบับของศตวรรษที่ 16 - 17 มีภาพประกอบจำนวนมากพร้อมภาพเครื่องดนตรีพื้นบ้านโดยเฉพาะดอมราชีฟและนักแสดง - ดอมราชีฟ ภาพประกอบเหล่านี้บ่งชี้ว่าในเวลานั้น ดอมราเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่ใช้กันทั่วไปในมาตุภูมิ

Domra รัสเซียเก่าใน XVI - ศตวรรษที่สิบสองมีอยู่สองเวอร์ชัน: อาจมีรูปร่างใกล้เคียงกับดอมราสมัยใหม่มากและอีกแบบหนึ่งเป็นพิณชนิดหนึ่ง - เครื่องดนตรีหลายสายที่มีลำตัวขนาดใหญ่ คอค่อนข้างสั้นและศีรษะงอไปข้างหลัง

เอกสารทางประวัติศาสตร์ในยุคนั้นเป็นพยานถึงการแสดงร่วมกันของดอมรา ตลอดจนการอยู่ร่วมกันของดอมราหลากหลายชนิด: ดอมราขนาดเล็ก ขนาดกลาง และขนาดใหญ่ พวกเขาเล่นดอมราด้วยเศษไม้หรือขนนก

ศตวรรษที่ 16 เป็นช่วงเวลาของการแพร่กระจายที่กว้างที่สุดของ skomorosh domra รัสเซียเก่า ภาพ Lubok ย้อนหลังไปถึงต้นศตวรรษที่ 18 มักจะเป็นภาพตัวตลกสองตัว - Foma และ Yerema ในมือของหนึ่งในนั้นคุณจะเห็นเครื่องสายที่ดึงออกมา มีลำตัวเป็นวงรีขนาดเล็กและคอแคบ นักวิจัยด้านภาพพิมพ์ยอดนิยมของรัสเซีย นักประวัติศาสตร์ศิลปะที่มีชื่อเสียง D.A. Rovinsky เป็นคำอธิบายสำหรับภาพวาดโดยอ้างถึงเรื่องราวทั้งหมดเกี่ยวกับโทมัสและเยเรมา มันบอกว่า: "Yerema มีพิณ และ Foma มี domra"

Domra มักจะเป่าในที่โล่งและบางครั้งก็อยู่ในวงดนตรีที่มีเครื่องดนตรีที่ดังกว่าในแง่ของไดนามิก

เมื่อเปรียบเทียบภาพทั้งหมดของดอมรารัสเซียโบราณกับเครื่องดนตรีที่คล้ายคลึงกันของชนชาติอื่น ๆ สิ่งสำคัญคือต้องให้ความสนใจอย่างมาก คุณลักษณะที่น่าสนใจ: เครื่องดนตรีทั้งหมดคือ kobza (เครื่องดนตรีนี้พบได้ทั่วไปในยูเครนในศตวรรษที่ 16-17 มีลำตัวเป็นวงรีหรือครึ่งวงกลมขนาดใหญ่และคอมีสาย 5-6 สายยืดอยู่โดยมีหัวงอไปด้านหลัง - นั่นคือประเภทพิณ , หรือเครื่องดนตรีที่มีขนาดเล็กและ 3 - 4 สาย), ดอมราแบบตะวันออกและอื่น ๆ - นำเสนอเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวเท่านั้น เครื่องดนตรีอื่น ๆ จะไม่แสดงที่ใดพร้อมกับพวกเขา อย่างไรก็ตามภาพของดอมรารัสเซียโบราณในศตวรรษที่ 16-17 พูดถึงการใช้ร่วมกับเครื่องดนตรีอื่นๆ ดอมราโบราณเป็นเครื่องดนตรีที่มีไว้สำหรับการทำดนตรีร่วมกันเป็นหลัก และมีอยู่ในเทสซิทูราหลากหลายสายพันธุ์ ตัวอย่างเช่น เพชรประดับที่ลงมาหาเราแสดงถึงดอมราขนาดต่างๆ Domra ที่มีลำตัวเล็กนั้นสอดคล้องกับขนาดของ Domra ขนาดเล็กที่ทันสมัย ในภาพวาดโบราณมีภาพของดอมราที่มีลำตัวเล็กกว่า: เป็นไปได้ว่า "ดอมริชโก" นี้เป็นเครื่องดนตรีที่มีเทสซิทูราสูงมาก

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ดอมราค่อยๆ หายไปจากความทรงจำของผู้คน

1. 
   Balalaika ในศตวรรษที่ 18-19

บาลาไลก้าซึ่งเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีประจำชาติของรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 ในไม่ช้าก็กลายเป็นสัญลักษณ์ทางดนตรีของรัสเซียซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของศิลปะการบรรเลงพื้นบ้านของรัสเซีย ในขณะเดียวกันในประวัติศาสตร์ของการกำเนิดและการก่อตัวจนถึงเวลาของเรามีคำถามมากมายที่ยังไม่ได้สำรวจ

ด้วยการหายไปของชื่อ "ดอมรา" ในช่วงสามสุดท้ายของศตวรรษที่ 17 - ในปี ค.ศ. 1688 การกล่าวถึงบาลาไลก้าครั้งแรกก็ปรากฏขึ้น ผู้คนต้องการเครื่องสายที่ดึงสายได้คล้ายกับดอมรา ง่ายต่อการผลิตและมีเสียงที่ชัดเจนเป็นจังหวะชัดเจน ถูกต้องแล้ว สร้างขึ้นด้วยวิธีช่างฝีมือแบบโฮมเมด และเอะอะกับดอมรา - บาลาไลกาเวอร์ชันใหม่

Balalaika ปรากฏตัวในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฐานะละครพื้นบ้าน ในศตวรรษที่ 18 มันได้รับความนิยมเป็นพิเศษตามที่นักประวัติศาสตร์ J. Shtelin กล่าวว่า "เครื่องดนตรีที่พบมากที่สุดทั่วประเทศรัสเซีย" มีหลายสถานการณ์ที่สนับสนุนสิ่งนี้ - การสูญเสียความสำคัญชั้นนำของเครื่องดนตรีที่มีอยู่ก่อนหน้านี้ (พิณ, ดอมรา, เสียงบี๊บ), ความพร้อมใช้งานและความสะดวกในการควบคุม balalaika, ความเรียบง่ายของการผลิต

บาลาไลก้าพื้นบ้านในจังหวัดต่าง ๆ ของรัสเซียมีรูปแบบแตกต่างกัน ในศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 บาลาไลก้าทรงกลม (ตัดด้านล่าง) และตัวรูปไข่ซึ่งทำจากฟักทองเป็นที่นิยม ในศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีที่มีรูปทรงสามเหลี่ยมเริ่มปรากฏบ่อยขึ้นเรื่อย ๆ ภาพของพวกเขาเป็นภาพพิมพ์ยอดนิยมต่างๆ มีเครื่องดนตรีที่มีรูปทรงสี่เหลี่ยมและสี่เหลี่ยมคางหมูโดยมีจำนวนสตริงตั้งแต่ 2 ถึง 5 (ทองแดงหรือลำไส้) วัสดุสำหรับการผลิตเครื่องมือคือไม้ชนิดต่าง ๆ และฟักทองในภาคใต้ ความหลากหลายของ balalaikas และระบบแตกต่างกัน มีบาลาไลก้าสามสายสำหรับการปรับเสียงที่สี่ ห้า สี่และห้าผสมกัน เฟรตที่สามารถเคลื่อนย้ายได้ 4 - 5 เฟรตถูกกำหนดไว้บนเฟรตบอร์ด

บาลาไลกาดั้งเดิมที่มีอยู่ในหมู่ผู้คนนั้นถูกสร้างเป็นงานฝีมือ พวกมันมีขนาดไดอาโทนิกและความสามารถที่จำกัดมาก

ขนาดของ balalaikas มักจะต้องเก็บไว้ในสลิง: กว้าง 0 1 ฟุตหรือที่เรียกว่า ยาวประมาณ 30.5 ซม. ยาว 1.5 ฟุต (46 ซม.) และคอยาวเกิน "ความยาวลำตัวอย่างน้อย 4 เท่า" กล่าวคือ ถึง 1.5 เมตร พวกเขาเล่นบาลาไลก้าด้วยการดึงสายแต่ละเส้น การเขย่า และใช้ปิ๊กซึ่งเป็นวิธีการเล่นทั่วไปในศตวรรษที่ 18

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เครื่องดนตรีได้แพร่หลายทั้งในวงการมือสมัครเล่นและในหมู่นักดนตรีมืออาชีพ ควบคู่ไปกับการมีอยู่ของผู้คนจำนวนมาก balalaika ในช่วงนี้ได้พบกันในบ้านที่ "มีชื่อเสียง" และยังมีส่วนร่วมใน การจัดดนตรีพิธีศาลเทศกาล ละครของผู้เล่น balalaika ในเมืองในเวลานั้นไม่เพียงรวมถึงเพลงและการเต้นรำพื้นบ้านเท่านั้น แต่ยังรวมถึงงานดนตรีที่เรียกว่าฆราวาส: arias, minuets, การเต้นรำของโปแลนด์รวมถึง "งานจาก andante, allegro และ presto"

การถือกำเนิดขึ้นของผู้เล่นบาลาไลก้ามืออาชีพประเภทในเมืองนั้นย้อนไปถึงช่วงเวลานี้ คนแรกควรเรียกว่า Ivan Evstafievich Khandoshkin นักไวโอลินที่ยอดเยี่ยม (1747 - 1804) ความเป็นไปได้ในการแต่งเพลงสำหรับ balalaika โดยนักดนตรีคนนี้ไม่ได้ถูกตัดออกไป Khandoshkin เป็นนักดนตรีพื้นบ้านรัสเซียที่ไม่มีใครเทียบได้ทั้งบนไวโอลินและบาลาไลก้า ชื่อเสียงของ balalaika virtuoso คนแรกที่อยู่ข้างหลังเขาเป็นเวลานาน เป็นที่ทราบกันดีว่า Khandoshkin เป็นผู้ที่ทำให้ขุนนางระดับสูงเช่น Potemkin และ Naryshkin เข้าสู่ "ความโกรธทางดนตรี" ด้วยเครื่องดนตรีของเขา ในตอนแรก Khandoshkin เล่นบาลาไลกาสไตล์พื้นบ้านที่ทำจากน้ำเต้าและติดคริสตัลที่แตกข้างในซึ่งทำให้เครื่องดนตรีมีเสียงไพเราะเป็นพิเศษ และต่อมาเป็นเครื่องดนตรีที่สร้างโดย Ivan Batov ช่างทำไวโอลินที่ยอดเยี่ยม เป็นไปได้ค่อนข้างมากที่บาลาไลก้าของบาตอฟจะไม่เพียงมีร่างกายที่ดีขึ้นเท่านั้น แต่ยังมีร่องเฟรตด้วย ในงานบรรเลงของอ. Famintsyn "Domra และเครื่องดนตรีที่เกี่ยวข้อง" เผยแพร่ภาพวาด "นักแสดงของผู้คนกับบาลาไลก้ารูปสามเหลี่ยมในช่วงต้นศตวรรษที่ 19" ซึ่งนักดนตรีเล่นบาลาไลก้าที่ได้รับการปรับปรุงด้วยเฟร็ตเจ็ดร่อง

ในบรรดาผู้เล่นบาลาไลก้ามืออาชีพที่มีชื่อเสียง เราสามารถตั้งชื่อนักไวโอลินในศาลของ Catherine II, I.F. Yablochkin ลูกศิษย์ของ Khandoshkin ไม่เพียง แต่ในด้านไวโอลินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงบาลาไลก้าด้วย ไม่ต้องสงสัยเลยว่าผู้เล่นบาลาไลก้าที่โดดเด่นซึ่งแต่งเครื่องดนตรีชิ้นนี้คือนักไวโอลิน นักแต่งเพลง และวาทยกรชาวมอสโกวลาดิมีร์ อิลยิช ราดิวิลอฟ (พ.ศ. 2348 - 2406) ผู้ร่วมสมัยเป็นพยานว่า Radivilov ปรับปรุง balalaika ทำให้เป็นสี่สาย และในการ "เล่นมัน เขาประสบความสำเร็จอย่างสมบูรณ์แบบจนทำให้ผู้ชมประหลาดใจ การทาบทามทั้งหมดเป็นองค์ประกอบของเขาเอง

ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18 - 19 เป็นยุครุ่งเรืองของศิลปะการเล่นบาลาไลก้า

ในเอกสารของช่วงเวลานี้ ข้อมูลปรากฏขึ้นเพื่อยืนยันการมีอยู่ของนักแสดงมืออาชีพในหมู่ผู้เล่นบาลาไลก้า ซึ่งส่วนใหญ่ยังไม่เปิดเผยชื่อ

เราได้รับข้อมูลเกี่ยวกับผู้เล่น balalaika ที่โดดเด่น M.G. Khrunov ผู้เล่น balalaika "การออกแบบพิเศษ" ผู้ร่วมสมัยให้การประเมินการเล่นของนักดนตรีได้อย่างยอดเยี่ยมแม้จะมีทัศนคติที่ไม่ใส่ใจต่อเครื่องดนตรีพื้นบ้านที่เรียบง่ายนี้

สิ่งพิมพ์ระบุชื่อของผู้เล่น balalaika อีกหลายคนซึ่งเป็นเจ้าของเครื่องดนตรีนี้อย่างเชี่ยวชาญ ได้แก่ พี.เอ. ไบเออร์ และ เอ.เอส. พัสคินเป็นเจ้าของที่ดินจากจังหวัดตเวียร์ เช่นเดียวกับนักแสดงที่โดดเด่น เจ้าของที่ดิน Oryol ที่มีนามสกุลเข้ารหัส (P.A. La-ky) ซึ่งเล่น "บาลาไลก้าด้วยเทคนิคที่เลียนแบบไม่ได้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งการอวดเสียงประสานของเขา นักดนตรีเหล่านี้เล่นเครื่องดนตรีโดยช่างฝีมือที่ดีที่สุด

บาลาไลก้าที่มีอยู่ในเมืองนั้นแตกต่างจากคนทั่วไป การแสดงนั้นแตกต่างกัน V.V. Andreev เขียนว่าในเมืองเขาได้พบกับเครื่องดนตรีเจ็ดเฟร็ตและ A.S. Paskin ทำให้เขาตะลึงอย่างแท้จริงด้วยเกมระดับมืออาชีพของเขา เต็มไปด้วยเทคนิคดั้งเดิมและค้นพบ

ในหมู่บ้านในงานปาร์ตี้ เกมของผู้เล่น balalaika ได้รับการจ่ายเงินในคลับ ในที่ดินของเจ้าของที่ดินหลายแห่ง ผู้เล่น balalaika ถูกเก็บไว้ ซึ่งเล่นเพื่อความบันเทิงภายในบ้าน

ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เรียงความสำหรับ balalaika ปรากฏขึ้น - รูปแบบของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย "Elnik, my spruce forest" งานนี้เขียนโดยคนรักที่ยิ่งใหญ่ของ balalaika นักร้องโอเปร่าชื่อดังของ Mariinsky Theatre N.V. ลาฟรอฟ ( ชื่อจริงเชอร์กิน). รูปแบบต่างๆ ได้รับการเผยแพร่เป็นภาษาฝรั่งเศสและอุทิศให้กับนักแต่งเพลงชื่อดัง A.A. อัลยาบีฟ. หน้าชื่อระบุว่างานนี้เขียนขึ้นสำหรับบาลาไลก้าสามสาย สิ่งนี้เป็นเครื่องพิสูจน์ถึงความนิยมอย่างกว้างขวางในเวลานั้น เครื่องดนตรีสามสาย.

เอกสารทางประวัติศาสตร์ยืนยันความจริงที่ว่า balalaika ทำหน้าที่เป็นเครื่องดนตรีทั้งมวลในการรวมกันที่หลากหลายกับเครื่องดนตรีพื้นบ้าน - ในการบรรเลงด้วยเสียงบี๊บ, ปี่, หีบเพลง, แตร; ในสามคน - พร้อมกลองและช้อน ในวงออร์เคสตราขนาดเล็กที่ประกอบด้วยไวโอลิน กีตาร์ และแทมบูรีน ในชุดประกอบด้วยขลุ่ยและไวโอลิน การใช้ balalaika ในการแสดงโอเปร่าก็เป็นที่รู้กันเช่นกัน ดังนั้นในโอเปร่าของ M.M. Sokolovsky เรื่อง "The Miller, the Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker" เพลงของ Melnik จากองก์ที่สาม "The way the old man and the old woman walk" จึงแสดงร่วมกับ balalaika

ความนิยมของ balalaika ในหมู่คนจำนวนมากสะท้อนให้เห็นทั้งในเพลงพื้นบ้านและในนิยาย เครื่องมือนี้ถูกกล่าวถึงในผลงานของ A.S. Pushkin, M.Yu. Lermontov, F.I. Dostoevsky, L.N. ตอลสตอย, เอ.พี. เชคอฟ, I.Turgenev, N.V. โกกอลและอื่น ๆ

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 ความนิยมของบาลาไลก้าในฐานะเครื่องดนตรีมวลชนเริ่มจางหายไป ในรูปแบบดั้งเดิม บาลาไลกาไม่สามารถตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียภาพใหม่ได้อย่างเต็มที่อีกต่อไป ประการแรก กีตาร์ 7 สายและออร์แกน ได้ขับไล่ balalaika จากการทำดนตรีโฟล์กโฮม กระบวนการของการหายตัวไปอย่างค่อยเป็นค่อยไปของ balalaika ก็เริ่มต้นขึ้นในชีวิตดนตรีพื้นบ้าน จากการจำหน่ายเครื่องดนตรีอย่างแพร่หลาย กลายเป็นเรื่องของดนตรีโบราณคดีมากขึ้น

ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา บัณฑิต นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณมาก

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

กระทรวงวัฒนธรรมของประเทศยูเครน

สถาบันวัฒนธรรมแห่งรัฐคาร์คิฟ

เพื่อเข้าศึกษาต่อระดับ "มหาบัณฑิต"

ศิลปะกีตาร์ ปรากฏการณ์ทางประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี

Pikhulya Taras Olegovich

คาร์คิฟ 2015

วางแผน

การแนะนำ

1. ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการสร้างและพัฒนาการเล่นกีตาร์คลาสสิก

1.1 ประวัติการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงประสิทธิภาพของกีตาร์

1.2 การก่อตัวของศิลปะกีตาร์ในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

2. ประวัติการเกิดขึ้นและวิวัฒนาการของกระแสป๊อปแจ๊สในงานศิลปะ

2.1 ประเภทของกีตาร์ที่ใช้ในงานศิลปะป๊อปแจ๊ส

2.2 ทิศทางหลักของการแสดงดนตรีป๊อปแจ๊สในยุค 60-70

บรรณานุกรม

ในการดำเนิน

ศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ XX พัฒนาอย่างรวดเร็วและรวดเร็ว ลักษณะเฉพาะที่สำคัญของการพัฒนานี้คือการผสมผสานสไตล์และเทรนด์ต่างๆ การตกผลึกของภาษาดนตรีใหม่ หลักการใหม่ขององค์ประกอบ รูปทรง และการก่อตัวของแพลตฟอร์มสุนทรียะต่างๆ กระบวนการนี้ไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับนักแต่งเพลง นักแสดง นักประวัติศาสตร์ศิลป์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ฟังหลายล้านคนที่สร้างสรรค์ผลงานดนตรีให้ด้วย

ความเกี่ยวข้องของหัวข้อนี้เกิดจากการพิจารณาดนตรีบรรเลงคลาสสิกและป๊อปแจ๊สจากมุมมองของการพัฒนาวิวัฒนาการของศิลปะกีตาร์ นั่นคือการก่อตัวของแนวเพลงและแนวโน้มใหม่

วัตถุประสงค์ของการศึกษาคือเพื่อพิจารณาดนตรีบรรเลงคลาสสิกและป๊อปแจ๊สและอิทธิพลของดนตรีเหล่านี้ที่มีต่อการก่อตัวของรูปแบบใหม่ ทักษะการแสดง และวัฒนธรรมกีตาร์โดยทั่วไป

วัตถุประสงค์ของการวิจัย:

1) พิจารณาประวัติการเกิดขึ้น การพัฒนา และการก่อตัวของวัฒนธรรมกีตาร์ในยุโรป รัสเซีย สหภาพโซเวียต

2) พิจารณาที่มา ต้นกำเนิด และการก่อตัวของรูปแบบใหม่ในศิลปะป๊อปแจ๊ส

วัตถุประสงค์ของการวิจัยคือการก่อตัวของดนตรีบรรเลงคลาสสิกและป๊อปแจ๊ส

พื้นฐานของระเบียบวิธีของงานคือวิธีการวิเคราะห์น้ำเสียงโดยเน้นที่เอกภาพของหลักการทางดนตรีและการพูด ซึ่งเป็นพื้นฐานของประเพณีทางศิลปะของยุโรป แอฟริกา และรัสเซีย

ความแปลกใหม่ทางวิทยาศาสตร์ของผลงานนี้อยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่าผลงานชิ้นนี้เป็นการศึกษาการก่อตัวและวิวัฒนาการของศิลปะกีตาร์และอิทธิพลที่มีต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมกีตาร์

คุณค่าเชิงปฏิบัติของผลงานอยู่ที่ความเป็นไปได้ในการใช้วัสดุในกระบวนการศึกษาประวัติศาสตร์และดนตรีเชิงทฤษฎี

1. ข้อกำหนดเบื้องต้นรูปแบบและการพัฒนาเกมบนคลาสสิกกีตาร์

1.1 ประวัติการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงประสิทธิภาพของกีตาร์

ประวัติความเป็นมาของการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงของเครื่องดนตรีนี้น่าทึ่งและลึกลับมาก ราวกับเป็นเรื่องราวนักสืบที่น่าตื่นเต้น ข้อมูลแรกเกี่ยวกับกีตาร์ย้อนกลับไปในสมัยโบราณ ในอนุสรณ์สถานของอียิปต์เมื่อพันปีก่อนมีรูปเครื่องดนตรี - "นาบลา" ซึ่งดูเหมือนกีตาร์ กีตาร์ยังแพร่หลายในเอเชีย ซึ่งยืนยันได้จากภาพบนอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมของอัสซีเรีย บาบิโลน และฟีนิเซีย ในศตวรรษที่ 13 ชาวอาหรับนำมันมาที่สเปนซึ่งในไม่ช้าก็ได้รับการยอมรับอย่างเต็มที่ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 ตระกูลที่ร่ำรวยของสเปนเริ่มแข่งขันกันเพื่ออุปถัมภ์วิทยาศาสตร์และศิลปะ กีตาร์พร้อมกับลูตและเครื่องดนตรีอื่นๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีโปรดในคอร์ท ใน ชีวิตทางวัฒนธรรมในสเปนเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 สมาคมสถาบันการศึกษาแวดวงและการประชุมจำนวนมาก - "ร้านเสริมสวย" ซึ่งจัดขึ้นเป็นประจำมีบทบาทสำคัญ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ความหลงใหลในเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาก็แทรกซึมเข้าไปในกลุ่มคนจำนวนมาก และวรรณกรรมดนตรีพิเศษก็ถูกสร้างขึ้นสำหรับพวกเขา ชื่อของนักแต่งเพลงที่เป็นตัวแทนของเธอประกอบด้วยสายยาว: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz และอื่น ๆ อีกมากมาย

จากการพัฒนามาอย่างยาวนาน กีตาร์จึงมีรูปลักษณ์ที่ทันสมัย จนถึงศตวรรษที่ 18 มันมีขนาดเล็กกว่าและลำตัวค่อนข้างแคบและยาว ในขั้นต้น มีการตั้งสายห้าสายบนเครื่องดนตรี ปรับเป็นสี่ส่วนเหมือนในลูท ต่อมา กีตาร์กลายเป็นแบบ 6 สาย โดยมีการปรับจูนให้เหมาะกับการเล่นในตำแหน่งเปิดมากขึ้นเพื่อใช้ประโยชน์จากเสียงของสายที่เปิดได้ดีขึ้น ดังนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 กีตาร์จึงได้รับรูปแบบสุดท้าย หกสายปรากฏขึ้นพร้อมกับระบบ: mi, si, salt, re, la, mi

กีตาร์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรปและถูกนำไปยังประเทศในอเมริกาเหนือและใต้ จะอธิบายการใช้กีตาร์อย่างแพร่หลายได้อย่างไร? ส่วนใหญ่เป็นเพราะมีศักยภาพที่ดี: สามารถเล่นเดี่ยวพร้อมกับเสียง ไวโอลิน เชลโล ฟลุต สามารถพบได้ในวงออร์เคสตราและวงดนตรีต่างๆ ขนาดเล็กและความเป็นไปได้ของการเคลื่อนไหวที่ง่ายดายในอวกาศและที่สำคัญที่สุดคือเสียงที่ไพเราะลึกล้ำและโปร่งใสในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความรักในเครื่องดนตรีสากลนี้โดยผู้ชื่นชมที่หลากหลายตั้งแต่นักท่องเที่ยวที่โรแมนติกไปจนถึงนักดนตรีมืออาชีพ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงและนักประพันธ์เพลงได้ปรากฏตัวขึ้นในสเปน

F. Sor และ D. Aguado พร้อมกับพวกเขาในอิตาลี - M. Giuliani L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi และคนอื่นๆ พวกเขาสร้างการแสดงคอนเสิร์ตที่กว้างขวางสำหรับกีตาร์ ตั้งแต่ชิ้นเล็กๆ ไปจนถึงโซนาตาและคอนแชร์โตกับวงออร์เคสตรา รวมถึง "โรงเรียนสำหรับเล่นกีตาร์หกสาย" ที่ยอดเยี่ยม ซึ่งเป็นละครที่ให้ความรู้และสร้างสรรค์มากมาย แม้ว่าจะผ่านไปเกือบสองร้อยปีแล้วนับตั้งแต่การตีพิมพ์ครั้งแรกของวรรณกรรมการสอนเรื่องนี้ แต่ก็ยังคงเป็นมรดกอันมีค่าสำหรับทั้งครูและนักเรียน

นักแต่งเพลง Sor แสดงคอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จในเมืองต่างๆ ของยุโรปตะวันตกและรัสเซีย บัลเลต์ของเขาเรื่อง Cinderella, The Lubok as a Painter, Hercules และ Omphale ตลอดจนโอเปร่า Telemachus ได้รับการแสดงหลายครั้งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มอสโก และเมืองใหญ่ในยุโรปตะวันตก สไตล์โพลีโฟนิก จินตนาการที่เข้มข้น และเนื้อหาที่ลุ่มลึกเป็นลักษณะของงานของ Sora นี่คือนักดนตรี-นักแต่งเพลงที่มีการศึกษา เป็นนักกีตาร์ฝีมือเยี่ยมที่ประทับใจในการแสดงที่ลุ่มลึกและความเฉลียวฉลาดของเทคนิคของเขา การแต่งเพลงของเขาได้เข้าสู่ละครของนักกีตาร์อย่างแน่นหนา Giuliani ชาวอิตาลีเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์อิตาลี เขาเป็นนักกีตาร์ที่ยอดเยี่ยมและยังเป็นนักไวโอลินที่สมบูรณ์แบบอีกด้วย เมื่อในปี 1813 ซิมโฟนีที่เจ็ดของ Beethoven ได้รับการแสดงเป็นครั้งแรกในเวียนนาภายใต้ไม้กระบองของผู้แต่ง Giuliani ได้มีส่วนร่วมในการแสดงในฐานะนักไวโอลิน เบโธเฟนยกย่องจูเลียนีในฐานะนักแต่งเพลงและนักดนตรี โซนาตา คอนแชร์โตกับวงออร์เคสตราของเขาบรรเลงโดยนักกีตาร์สมัยใหม่ และวรรณกรรมการสอนเป็นมรดกอันมีค่าสำหรับทั้งครูและนักเรียน

ฉันอยากจะอาศัยอยู่ที่ "School of Playing the Six-String Guitar" ที่มีชื่อเสียงที่สุดและเผยแพร่บ่อยที่สุดในประเทศของเราโดย M. Carcassi นักแต่งเพลงชาวอิตาเลียนที่มีชื่อเสียง ในคำนำของ "โรงเรียน" ผู้เขียนกล่าวว่า: "... ฉันไม่ได้ตั้งใจที่จะเขียนงานทางวิทยาศาสตร์ ฉันเพียงต้องการทำให้การเรียนรู้กีตาร์ง่ายขึ้นโดยการวางแผนที่จะทำให้คุ้นเคยกับคุณสมบัติทั้งหมดของเครื่องดนตรีนี้มากขึ้น ตามคำพูดเหล่านี้เป็นที่ชัดเจนว่า M. Carcassi ไม่ได้กำหนดตัวเองให้สร้างคู่มือสากลสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์และแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย "โรงเรียน" ให้คำแนะนำที่มีค่ามากมายเกี่ยวกับเทคนิคของมือซ้ายและขวา, วิธีการเล่นกีตาร์แบบต่างๆ, การเล่นในตำแหน่งและคีย์ต่างๆ ตัวอย่างดนตรีและท่อนต่างๆ เรียงตามลำดับความยากจากน้อยไปหามาก พวกเขาเขียนด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมในฐานะนักแต่งเพลงและครู และยังมีคุณค่าอย่างยิ่งในฐานะสื่อการศึกษา

แม้ว่าจากมุมมองสมัยใหม่ "โรงเรียน" นี้มีข้อบกพร่องร้ายแรงหลายประการ ตัวอย่างเช่น มีการให้ความสนใจเพียงเล็กน้อยกับเทคนิคที่สำคัญในการเล่นมือขวา เช่น apoyando (การเล่นด้วยการสนับสนุน); ภาษาดนตรีตามดนตรีของประเพณียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18 นั้นค่อนข้างซ้ำซากจำเจ ปัญหาของการพัฒนานิ้วการคิดที่ไพเราะ - ฮาร์มอนิกไม่ได้ถูกแตะต้องเรากำลังพูดถึงการวางนิ้วมือซ้ายและขวาที่ถูกต้องเท่านั้นซึ่งช่วยให้เราสามารถแก้ไขปัญหาทางเทคนิคมากมายในการแสดงปรับปรุงเสียงการใช้ถ้อยคำ ฯลฯ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ชื่อใหม่ที่สดใสของนักแต่งเพลงชาวสเปน ศิลปินเดี่ยวอัจฉริยะ และอาจารย์ Francisco Tarrega ปรากฏในประวัติศาสตร์ของกีตาร์ เขาสร้างสไตล์การเขียนของเขาเอง ในมือของเขากีตาร์กลายเป็นวงออเคสตราขนาดเล็ก

ผลงานการแสดงของนักดนตรีที่โดดเด่นนี้มีอิทธิพลต่อผลงานของเพื่อนของเขา - นักแต่งเพลง: Albeniz, Granados, de Falla และอื่น ๆ ในงานเปียโนของพวกเขา เรามักจะได้ยินการเลียนแบบกีตาร์ สุขภาพไม่ดีไม่เปิดโอกาสให้ Tarrega แสดงคอนเสิร์ตได้ดังนั้นเขาจึงอุทิศตนให้กับการสอน เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่า Tarrega สร้างโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์ของเขาเอง ในบรรดานักเรียนที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe และผู้เล่นคอนเสิร์ตที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ จนถึงปัจจุบัน "โรงเรียน" โดย E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens และ P. Rocha ตามวิธีการสอนของ Tarrega ได้รับการเผยแพร่แล้ว มาดูวิธีการนี้อย่างละเอียดยิ่งขึ้นโดยใช้ตัวอย่าง "โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสาย" โดย E. Pujol นักกีตาร์ ครู และนักดนตรีชื่อดังชาวสเปน คุณลักษณะที่โดดเด่นของ "โรงเรียน" คือการนำเสนอ "ความลับ" หลักทั้งหมดของการเล่นกีตาร์คลาสสิกอย่างละเอียดและละเอียด ประเด็นที่สำคัญที่สุดของเทคนิคกีตาร์ได้รับการพัฒนาอย่างรอบคอบ: ตำแหน่งของมือ เครื่องดนตรี วิธีการสร้างเสียง เทคนิคการเล่น ฯลฯ ลำดับของการจัดเรียงของวัสดุมีส่วนช่วยในการเตรียมการด้านเทคนิคและศิลปะอย่างเป็นระบบของนักกีตาร์ "โรงเรียน" สร้างขึ้นจากเนื้อหาดนตรีต้นฉบับทั้งหมด: ผู้เขียนและแบบฝึกหัดเกือบทั้งหมดแต่งขึ้น (โดยคำนึงถึงวิธีการของ F. Tarrega) โดยเฉพาะในส่วนที่เกี่ยวข้อง

สิ่งที่มีค่าอย่างยิ่งคือสิ่งพิมพ์ด้านการศึกษานี้ไม่เพียงแต่ให้รายละเอียดเกี่ยวกับความยากลำบากในการเล่นกีตาร์เท่านั้น แต่ยังอธิบายถึงวิธีการเอาชนะในรายละเอียดอีกด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งการให้ความสนใจอย่างมากกับปัญหาการใช้นิ้วที่ถูกต้องเมื่อเล่นด้วยมือขวาและซ้ายรวมถึงเทคนิคการเล่นในตำแหน่งต่าง ๆ การเคลื่อนไหวต่าง ๆ การเลื่อนของมือซ้ายซึ่งก่อให้เกิดการพัฒนาอย่างแน่นอน ของการคิดนิ้ว ประสิทธิภาพของ "โรงเรียน" ของ Pujol ได้รับการยืนยันโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากการใช้งานในสถาบันการศึกษาหลายแห่งในประเทศยุโรปและอเมริกาของเรา

สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาศิลปะกีตาร์โลกคือกิจกรรมสร้างสรรค์ของนักกีตาร์ชาวสเปนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 อันเดรส เซโกเวีย. ความสำคัญเป็นพิเศษของบทบาทของเขาในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาเครื่องดนตรีไม่ได้เป็นเพียงความสามารถด้านการแสดงและการสอนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถของเขาในฐานะผู้จัดงานและนักโฆษณาชวนเชื่อด้วย นักวิจัย M. Weisbord เขียนว่า: “…เพื่อสร้างกีตาร์เป็นเครื่องดนตรีสำหรับคอนเสิร์ต มันขาดสิ่งที่ขาดไป เช่น เปียโนหรือไวโอลิน ซึ่งเป็นดนตรีที่มีศิลปะสูง ข้อดีทางประวัติศาสตร์ของ Andres Segovia อยู่ที่ประการแรกในการสร้างละครดังกล่าว…” และเพิ่มเติม: “M. Ponce (เม็กซิโก), M.K. Tedesco (อิตาลี), J. Ibert, A. Roussel (ฝรั่งเศส) K. Pedrel (อาร์เจนตินา), A. Tansman (โปแลนด์) และ D. Duart (อังกฤษ), R. Smith (สวีเดน)…” จากเล็กและไกลจากนี้ รายการที่สมบูรณ์นักแต่งเพลงเห็นได้ชัดว่าต้องขอบคุณ A. Segovia ที่ภูมิศาสตร์ของการประพันธ์เพลงระดับมืออาชีพสำหรับกีตาร์คลาสสิกขยายตัวอย่างรวดเร็วและเมื่อเวลาผ่านไปเครื่องดนตรีนี้ก็ดึงดูดความสนใจของศิลปินที่โดดเด่นหลายคน - E. Vila Lobos, B. Britten ในทางกลับกัน มีนักแต่งเพลงที่มีความสามารถมากมายซึ่งเป็นนักแสดงมืออาชีพ เช่น A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin เป็นต้น

1. 2 รูปแบบกีตาร์ศิลปะวีสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

วันนี้เขาประสบความสำเร็จในการออกทัวร์ในหลายประเทศทั่วโลกรวมถึงการเยือนสหภาพโซเวียตสี่ครั้ง (พ.ศ. 2469 และ พ.ศ. 2478, พ.ศ. 2479) เขาแสดงผลงานของนักกีตาร์คลาสสิก: Sora, Giuliani, ถอดความผลงานของ Tchaikovsky, Schubert, Haydn และต้นฉบับ ผลงานของนักแต่งเพลงชาวสเปน: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เซโกเวียมีการประชุมหลายครั้งกับนักกีตาร์โซเวียต ซึ่งเขาตอบคำถามด้วยความเต็มใจ ในการสนทนาเกี่ยวกับเทคนิคการเล่นกีตาร์ Segovia ชี้ให้เห็นถึงความสำคัญเฉพาะของไม่เพียงแต่การตั้งมือ แต่ยังรวมถึงการใช้นิ้วที่ถูกต้องด้วย กีตาร์ทิ้งร่องรอยที่สดใสไว้ในศิลปะดนตรีของรัสเซีย นักวิชาการ J. Shtelin ซึ่งอาศัยอยู่ในมอสโกระหว่างปี 1735 ถึง 1785 เขียนว่ากีตาร์ในรัสเซียแพร่กระจายอย่างช้าๆ แต่ด้วยการปรากฏตัวของนักกีตาร์อัจฉริยะ Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani และนักแสดงรับเชิญคนอื่น ๆ เครื่องมือนี้คือ ได้รับความเห็นอกเห็นใจและใช้กันอย่างแพร่หลาย

การซื้อสายเจ็ดสายแบบดั้งเดิมในรัสเซียตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โดยมี G-major สามตัวเพิ่มเป็นสองเท่าเป็นอ็อกเทฟและสายล่างเว้นระยะห่างกันควอร์ต ของเพลงเมืองและความโรแมนติก

ความเฟื่องฟูอย่างแท้จริงของการแสดงระดับมืออาชีพบนเครื่องดนตรีนี้เริ่มต้นขึ้นด้วยกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Andrei Osipovich Sikhra นักกีตาร์ชั้นครูที่โดดเด่น (พ.ศ. 2316-2393) ในฐานะนักเล่นพิณเขาอุทิศทั้งชีวิตเพื่อส่งเสริมกีตาร์เจ็ดสาย - ในวัยหนุ่มเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมคอนเสิร์ตจากนั้นจึงสอนและตรัสรู้ ในปี 1802 วารสารกีตาร์เจ็ดสายของ A. Sikhra เริ่มตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยมีการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซียและการเรียบเรียงดนตรีคลาสสิก ในทศวรรษต่อมา จนถึงปี พ.ศ. 2381 นักดนตรีได้ตีพิมพ์นิตยสารที่คล้ายคลึงกันหลายฉบับซึ่งส่งผลให้เครื่องดนตรี A.O. ได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นอย่างมาก Sychra เลี้ยงดูนักเรียนจำนวนมากโดยกระตุ้นความสนใจในการแต่งเพลงสำหรับกีตาร์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเปลี่ยนแปลงในธีมของท่วงทำนองเพลงพื้นบ้าน นักเรียนที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ S.N. Aksenov, V.I. มอร์คอฟ วี.เอส. ซาเรนโก เอฟ.เอ็ม. ซิมเมอร์แมนและคนอื่น ๆ - ทิ้งบทละครและการเรียบเรียงเพลงรัสเซียไว้มากมาย กิจกรรมของ Mikhail Timofeevich Vysotsky (พ.ศ. 2334-2380) มีความสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาการแสดงกีตาร์รัสเซียระดับมืออาชีพและวิชาการ คนแรกที่แนะนำให้เขารู้จักกีตาร์คือ S.N. Aksenov เขายังกลายเป็นที่ปรึกษาของเขาด้วย

ตั้งแต่ประมาณ พ.ศ. 2356 ชื่อของ M.T. Vysotsky ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง การเล่นของเขาโดดเด่นด้วยรูปแบบการแสดงสดที่เป็นต้นฉบับ การแสดงจินตนาการที่สร้างสรรค์ในท่วงทำนองเพลงพื้นบ้านที่หลากหลาย ม. Vysotsky เป็นตัวแทนของรูปแบบการแสดงการได้ยินแบบด้นสด - ในเรื่องนี้เขาใกล้เคียงกับการทำดนตรีพื้นบ้านรัสเซียแบบดั้งเดิม สามารถพูดได้มากมายเกี่ยวกับตัวแทนคนอื่น ๆ ของการแสดงกีตาร์ของรัสเซียซึ่งมีส่วนในการพัฒนาโรงเรียนสอนการแสดงแห่งชาติ แต่นี่เป็นบทสนทนาแยกต่างหาก โรงเรียนภาษารัสเซียของแท้นั้นโดดเด่นด้วยคุณสมบัติดังต่อไปนี้: ความชัดเจนของเสียงที่เปล่งออกมา, โทนเสียงดนตรีที่สวยงาม, การมุ่งเน้นไปที่ความสามารถอันไพเราะของเครื่องดนตรีและการสร้างเพลงที่เฉพาะเจาะจง, วิธีการที่ก้าวหน้าในการใช้นิ้วพิเศษ "ช่องว่าง" การทดลองและจังหวะเผยให้เห็นความสามารถของเครื่องดนตรี

ระบบการเล่นเครื่องดนตรีรวมถึงการเล่นหน้าที่ทางดนตรี น้ำเสียง และการอุทธรณ์ ซึ่งจดจำแยกกันในแต่ละคีย์และมีการเคลื่อนไหวของเสียงที่คาดเดาไม่ได้ บ่อยครั้งที่การใช้นิ้วแต่ละนิ้ว "ช่องว่าง" ที่ไพเราะ - ฮาร์มอนิกได้รับการปกป้องอย่างกระตือรือร้นและส่งต่อให้กับนักเรียนที่ดีที่สุดเท่านั้น อิมโพรไวเซชันไม่ได้รับการศึกษาเป็นพิเศษ มันเป็นผลมาจากพื้นฐานทางเทคนิคทั่วไป และนักกีตาร์ที่ดีก็สามารถผสมผสานน้ำเสียงที่คุ้นเคยของเพลงเข้ากับลำดับฮาร์มอนิกได้ ชุดของจังหวะต่างๆ มักจะล้อมรอบวลีดนตรีและให้สีที่แปลกประหลาดแก่ผ้าดนตรี วิธีการสอนที่ประดิษฐ์ขึ้นนี้ดูเหมือนจะเป็นการค้นพบของรัสเซียล้วนๆ และไม่พบในงานต่างประเทศในเวลานั้น น่าเสียดายที่ประเพณีการแสดงกีตาร์ของรัสเซียในศตวรรษที่ XVIII-XIX ถูกลืมอย่างไม่ยุติธรรมและต้องขอบคุณความพยายามของผู้ที่ชื่นชอบสถานการณ์ในทิศทางนี้กำลังเปลี่ยนแปลงไปในทางที่ดีขึ้น

ศิลปะกีตาร์ยังพัฒนาขึ้นในสมัยโซเวียตแม้ว่าทัศนคติของเจ้าหน้าที่ต่อการพัฒนาเครื่องดนตรีนี้คือการทำให้มันเย็นลงอย่างอ่อนโยน เป็นการยากที่จะประเมินบทบาทของครูนักแสดงและนักแต่งเพลงที่โดดเด่น A.M. อีวานอฟ-ครามสคอย โรงเรียนสอนเล่นของเขารวมถึงโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์และอาจารย์ป. Agafoshina เป็นเครื่องมือช่วยสอนที่จำเป็นสำหรับนักกีตาร์รุ่นเยาว์ กิจกรรมนี้ดำเนินต่อไปอย่างยอดเยี่ยมโดยนักเรียนและผู้ติดตามจำนวนมาก: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (กีตาร์คลาสสิกในดนตรีแจ๊ส), S. Rudnev (กีตาร์คลาสสิกในรัสเซีย สไตล์) และอื่น ๆ อีกมากมาย

กีต้าร์ คลาสสิค ป๊อป แจ๊ส

2. เรื่องราวการเกิดขึ้นและวิวัฒนาการป๊อปแจ๊สทิศทางวีศิลปะ

2.1 ประเภทของกีตาร์ที่ใช้ในงานศิลปะป๊อปแจ๊ส

ในเพลงป๊อปสมัยใหม่ กีตาร์สี่ประเภทที่ใช้เป็นหลัก:

1. Flat Top (Flat Top) - กีตาร์พื้นบ้านทั่วไปที่มีสายโลหะ

2. คลาสสิก (คลาสสิก) - กีตาร์คลาสสิกพร้อมสายไนลอน

3. Arch Top (Arch Top) - กีตาร์แจ๊สที่มีรูปร่างเหมือนไวโอลินขยายที่มี "efs" ตามขอบของ soundboard

4. กีตาร์ไฟฟ้า - กีตาร์ที่มีปิ๊กอัพแม่เหล็กไฟฟ้าและแท่นไม้เสาหิน (บาร์)

เมื่อ 120-130 ปีก่อน กีตาร์เพียงประเภทเดียวที่ได้รับความนิยมในยุโรปและอเมริกา ใช้ในประเทศต่างๆ ระบบที่แตกต่างกันการตั้งค่าและในบางแห่งก็เปลี่ยนจำนวนสตริง (เช่นในรัสเซียมีเจ็ดสายไม่ใช่หกสาย) แต่ในรูปแบบกีตาร์ทั้งหมดมีความคล้ายคลึงกันมาก - ส่วนบนและส่วนล่างของร่างกายที่ค่อนข้างสมมาตรซึ่งบรรจบกับคอที่เฟรตที่ 12

ขนาดเล็ก ปาล์มร่อง คอกว้าง สปริงรูปพัด ฯลฯ - ทั้งหมดนี้ทำให้กีตาร์ประเภทนี้โดดเด่น อันที่จริงแล้ว เครื่องดนตรีที่มีรูปแบบและเนื้อหาข้างต้นคล้ายกับกีตาร์คลาสสิกในปัจจุบัน และรูปแบบของกีตาร์คลาสสิกในปัจจุบันเป็นของปรมาจารย์ชาวสเปน Torres ซึ่งมีชีวิตอยู่เมื่อประมาณ 120 ปีที่แล้ว

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ผ่านมา กีตาร์เริ่มได้รับความนิยมอย่างมาก หากก่อนหน้านั้นกีตาร์เล่นในบ้านส่วนตัวและร้านเสริมสวยเท่านั้น ในตอนท้ายของศตวรรษที่ผ่านมากีตาร์ก็เริ่มปรากฏบนเวที มีความจำเป็นต้องขยายเสียง นั่นเป็นช่วงเวลาที่มีการแบ่งที่ชัดเจนขึ้นระหว่างกีตาร์คลาสสิกกับกีตาร์โฟล์คหรือที่ฝรั่งเรียกว่ากีตาร์โฟล์ก เทคโนโลยีเริ่มสร้างสายโลหะที่มีเสียงดังขึ้น

นอกจากนี้ตัวตู้ยังเพิ่มขนาดซึ่งทำให้เสียงมีความลึกและดังขึ้น เหลืออยู่คนเดียว ปัญหาร้ายแรง- ความตึงเครียดที่รุนแรงของสายโลหะทำให้ชั้นบนสุดเสียหาย และความหนาของผนังเปลือกในท้ายที่สุดก็ทำลายการสั่นสะเทือนและเสียงด้วย จากนั้นจึงคิดค้นตัวยึดสปริงรูปตัว X ที่มีชื่อเสียง สปริงถูกติดกาวในแนวขวางซึ่งจะเป็นการเพิ่มความแข็งแรงของดาดฟ้าด้านบน แต่ปล่อยให้มันสั่นสะเทือน

ดังนั้นจึงมีการแบ่งที่ชัดเจน - กีตาร์คลาสสิกซึ่งไม่ได้เปลี่ยนแปลงมากนักตั้งแต่นั้นมา (เฉพาะสายที่เริ่มทำจากใยสังเคราะห์และไม่ใช่จากเอ็นเหมือนเมื่อก่อน) และกีตาร์พื้นบ้านตะวันตกซึ่งมีอยู่หลายตัว แต่มักจะใช้สปริงรูปตัว X สายโลหะ ตัวขยาย และอื่นๆ

ในเวลาเดียวกัน กีตาร์ประเภทอื่นกำลังพัฒนา - "ส่วนโค้ง" (ส่วนโค้ง) มันคืออะไร? ในขณะที่บริษัทอย่าง Martin กำลังแก้ไขปัญหาการขยายเสียงด้วยการติดสปริง บริษัทอย่าง Gibson กลับทำอีกทางหนึ่ง โดยสร้างกีตาร์ที่มีรูปทรงและสร้างขึ้นเหมือนไวโอลิน เครื่องดนตรีดังกล่าวโดดเด่นด้วยซาวด์บอร์ดโค้งด้านบน น็อตซึ่งเปรียบเสมือนดับเบิ้ลเบส และหางเครื่อง ตามกฎแล้ว เครื่องดนตรีเหล่านี้มีช่องเจาะไวโอลินตามขอบของซาวด์บอร์ดแทนที่จะเป็นรูกลมแบบดั้งเดิมตรงกลาง กีตาร์เหล่านี้ให้เสียงที่ไม่อบอุ่นและทุ้ม แต่มีความสมดุลและหนักแน่น ด้วยกีตาร์แบบนี้ ทุกโน้ตสามารถได้ยินได้อย่างชัดเจน และนักดนตรีแจ๊สก็ตระหนักได้อย่างรวดเร็วว่า "ม้ามืด" ปรากฏในขอบเขตการมองเห็นของพวกเขาอย่างไร สำหรับดนตรีแจ๊สนั้น "ยอดโค้ง" เป็นหนี้ความนิยมซึ่งพวกเขาได้รับฉายาว่ากีตาร์แจ๊ส ในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 สถานการณ์เริ่มเปลี่ยนไป สาเหตุหลักมาจากการเกิดขึ้นของไมโครโฟนและปิ๊กอัพคุณภาพสูง นอกจากนี้ เพลงบลูส์สไตล์ใหม่ที่เป็นที่นิยมได้เข้าสู่เวทีและยึดครองโลกในทันที ดังที่คุณทราบ เพลงบลูส์พัฒนาขึ้นจากความพยายามของนักดนตรีผิวดำที่ยากจนเป็นหลัก พวกเขาเล่นทุกวิถีทางด้วยนิ้ว ปิ๊ก และแม้แต่ขวดเบียร์ (คอขวดเบียร์เป็นบรรพบุรุษโดยตรงของสไลเดอร์สมัยใหม่) คนเหล่านี้ไม่มีเงินสำหรับเครื่องดนตรีราคาแพง พวกเขาไม่มีโอกาสซื้อสายใหม่ให้ตัวเองเสมอไป มีกีตาร์แจ๊สแบบไหน? และพวกเขาเล่นทุกอย่างที่จำเป็น ส่วนใหญ่เล่นด้วยเครื่องดนตรีทั่วไปมากกว่า - ของตะวันตก ในช่วงหลายปีที่ผ่านมานอกเหนือจาก "archtops" ที่มีราคาแพงแล้ว บริษัท Gibson ยังผลิตขนาดใหญ่ ผู้เล่นตัวจริง"ผู้บริโภค" กีตาร์โฟล์ค สถานการณ์ในตลาดเป็นเช่นนั้น Gibson แทบจะเป็นบริษัทเดียวที่ผลิตกีตาร์โฟล์คราคาถูกแต่มีคุณภาพสูง เป็นเหตุผลที่นักแต่งเพลงบลูส์ส่วนใหญ่ขาดเงินสำหรับสิ่งที่สมบูรณ์แบบกว่า จึงจับ Gibsons ไว้ในมือ จนถึงขณะนี้พวกเขายังไม่ได้แยกทางกับพวกเขา

เกิดอะไรขึ้นกับกีตาร์แจ๊ส? ด้วยการกำเนิดของปิ๊กอัพ ปรากฎว่าเสียงที่สมดุลและชัดเจนของเครื่องดนตรีประเภทนี้เหมาะสมที่สุดสำหรับระบบขยายเสียงในยุคนั้น แม้ว่ากีตาร์แจ๊สจะไม่มีอะไรเหมือนกับ Fender หรือ Ibanez สมัยใหม่เลย แต่ Leo Fender คงไม่เคยสร้าง Telecasters และ Stratocasters ของเขาเลย ถ้าฉันไม่ได้ทดลองกับกีตาร์แจ๊สและปิ๊กอัพก่อน โดยวิธีการเล่นบลูส์ไฟฟ้าในภายหลังและเล่นในเครื่องดนตรีแจ๊สด้วยรถปิคอัพ แต่ความหนาของร่างกายในนั้นลดลง ตัวอย่างที่เด่นชัดคือ B.B. King และกีตาร์ Lussil อันโด่งดังของเขา ซึ่งปัจจุบันหลายคนมองว่าเป็นมาตรฐานของกีตาร์ไฟฟ้าบลูส์

การทดลองครั้งแรกในการขยายเสียงกีตาร์ด้วยไฟฟ้าย้อนกลับไปในปี 1923 เมื่อวิศวกรและนักประดิษฐ์ Lloyd Loar ได้คิดค้นปิ๊กอัพไฟฟ้าสถิตที่บันทึกการสั่นสะเทือนของกล่องเสียงสะท้อนของเครื่องสาย

ในปี พ.ศ. 2474 Georges Beauchamp และ Adolph Rickenbacker ได้ประดิษฐ์ปิ๊กอัพแม่เหล็กไฟฟ้าที่พัลส์ไฟฟ้าวิ่งผ่านขดลวดของแม่เหล็ก ทำให้เกิดสนามแม่เหล็กไฟฟ้าที่ขยายสัญญาณจากสายที่สั่น ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 นักทดลองจำนวนมากเริ่มรวมปิ๊กอัพเข้ากับกีตาร์ทรงฮอลโลว์แบบสเปนที่ดูดั้งเดิมมากขึ้น ตัวเลือกที่รุนแรงที่สุดได้รับการเสนอโดยนักกีตาร์และวิศวกร Les Paul (Les Paul) - เขาสร้างซาวด์บอร์ดสำหรับกีตาร์แบบเสาหิน

มันทำจากไม้และเรียกง่าย ๆ ว่า "บาร์" (ท่อนซุง) ด้วยชิ้นส่วนที่เป็นของแข็งหรือเกือบจะเป็นของแข็ง วิศวกรคนอื่นๆ เริ่มทำการทดลอง ตั้งแต่ทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ XX ทั้งผู้ที่ชื่นชอบส่วนบุคคลและบริษัทขนาดใหญ่ต่างก็ประสบความสำเร็จในการทำเช่นนี้

ตลาดของผู้ผลิตกีตาร์ยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องขยายขอบเขตอย่างต่อเนื่อง และถ้าก่อนหน้านี้ "ผู้นำเทรนด์" เป็นคนอเมริกันเท่านั้น ตอนนี้ Yamaha, Ibanez และบริษัทญี่ปุ่นอื่น ๆ ครองตำแหน่งผู้นำอย่างมั่นคง ทำให้ทั้งรุ่นและสำเนากีตาร์ที่มีชื่อเสียงยอดเยี่ยมในหมู่ผู้นำในการผลิต

สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยกีตาร์ - และใช้ไฟฟ้าเป็นหลัก - ในดนตรีร็อค อย่างไรก็ตาม นักกีตาร์ร็อคที่เก่งที่สุดเกือบทั้งหมดไม่ได้นอกเหนือไปจากสไตล์ของดนตรีร็อค โดยเป็นการยกย่องดนตรีแจ๊สอย่างมาก และนักดนตรีบางคนก็เลิกเล่นดนตรีร็อคไปอย่างสิ้นเชิง ไม่มีอะไรน่าแปลกใจในเรื่องนี้เนื่องจากประเพณีการเล่นกีตาร์ที่ดีที่สุดนั้นเน้นที่ดนตรีแจ๊ส

ประเด็นที่สำคัญมากได้รับความสนใจจาก Joe Pass ผู้ซึ่งในโรงเรียนสอนดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงของเขาเขียนว่า กีตาร์แจ๊สหรือกีตาร์ปิ๊กปรากฏขึ้นในศตวรรษของเราเท่านั้น และกีตาร์ไฟฟ้ายังคงเป็นปรากฏการณ์ใหม่ที่เราเพิ่งเริ่มเข้าใจถึงความสามารถของมันในฐานะเครื่องดนตรีที่เต็มเปี่ยม ในสถานการณ์เช่นนี้ ประสบการณ์ที่สั่งสมมา ประเพณีดนตรีแจ๊สของความเชี่ยวชาญด้านกีตาร์มีความสำคัญเป็นพิเศษ

ในรูปแบบแรกของบลูส์ "โบราณ" หรือ "ชนบท" มักเรียกอีกอย่างว่าคำศัพท์ภาษาอังกฤษ "คันทรีบลูส์" (คันทรีบลูส์) องค์ประกอบหลักของเทคนิคกีตาร์ได้ก่อตัวขึ้นซึ่งกำหนดการพัฒนาต่อไป เทคนิคที่แยกจากกันของนักกีตาร์บลูส์กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการก่อตัวของสไตล์ที่ตามมาในภายหลัง

การบันทึกเสียงเพลงคันทรี่บลูส์ในยุคแรกเริ่มมีอายุย้อนกลับไปในช่วงกลางทศวรรษที่ 20 แต่มีเหตุผลทุกประการที่จะเชื่อได้ว่าโดยเนื้อแท้แล้ว มันแทบไม่แตกต่างจากสไตล์ดั้งเดิมที่เกิดขึ้นในหมู่คนผิวดำของรัฐทางใต้ (เท็กซัส ลุยเซียนา อลาบามา ฯลฯ ) ) ย้อนกลับไปในยุค 70-80 ของศตวรรษที่ XIX

ในบรรดานักร้องนักกีตาร์ที่โดดเด่นในสไตล์นี้คือ Blind Lemon Jefferson (พ.ศ. 2440-2473) ซึ่งมีอิทธิพลอย่างเห็นได้ชัดต่อนักดนตรีหลายคนในยุคต่อมาและไม่ใช่แค่เพลงบลูส์เท่านั้น Blind Blake (คนตาบอด) ผู้เชี่ยวชาญด้านกีตาร์แร็กไทม์และบลูส์ที่ยอดเยี่ยม Blake, 1895 - 1931) ซึ่งหลายคนยังคงทึ่งกับเทคนิคที่ยอดเยี่ยมและความเฉลียวฉลาดในการแสดงด้นสด เบลคถือเป็นหนึ่งในผู้ริเริ่มการใช้กีตาร์เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว Huddie Leadbetter หรือที่รู้จักกันทั่วไปในชื่อ Leadbelly (1888-1949) เคยถูกเรียกว่า "ราชาแห่งกีตาร์สิบสองสาย" บางครั้งเขาเล่นคู่กับเจฟเฟอร์สันแม้ว่าเขาจะด้อยกว่าเขาในฐานะนักแสดงก็ตาม Leadbelly นำเสียงเบสที่มีลักษณะเฉพาะมาใช้ในดนตรีประกอบ - "Wandering Bass" ซึ่งต่อมาใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีแจ๊ส

โดดเด่นในหมู่นักกีตาร์บลูส์คันทรี ลอนนี่ จอห์นสัน (ลอนนี่ จอห์นสัน, 1889-1970) นักดนตรีฝีมือดีที่ใกล้ชิดกับดนตรีแจ๊สมาก พวกเขาบันทึกเพลงบลูส์ที่ยอดเยี่ยมโดยไม่มีเสียงร้อง และบ่อยครั้งที่เขาเล่นเป็นคนกลาง ซึ่งไม่เพียงแสดงให้เห็นถึงเทคนิคที่ยอดเยี่ยม แต่ยังแสดงทักษะการแสดงสดที่โดดเด่นอีกด้วย

คุณสมบัติอย่างหนึ่งของยุคชิคาโกในการพัฒนาดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมซึ่งเปลี่ยนผ่านไปสู่วงสวิงคือการเปลี่ยนเครื่องดนตรี: แทนที่จะเป็นคอร์เน็ต, ทูบาและแบนโจ, ทรัมเป็ต, ดับเบิ้ลเบสและกีตาร์มาก่อน

เหตุผลประการหนึ่งคือการเกิดขึ้นของไมโครโฟนและวิธีการบันทึกด้วยกลไกไฟฟ้า: ในที่สุดกีตาร์ก็ส่งเสียงอย่างเต็มที่ในบันทึก คุณลักษณะที่สำคัญของดนตรีแจ๊สในชิคาโกคือบทบาทที่เพิ่มขึ้นของการแสดงเดี่ยว ที่นี่เป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญในชะตากรรมของกีตาร์: มันกลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่เต็มเปี่ยม

นี่เป็นเพราะชื่อของ Eddie Lang (Eddie Lang, ชื่อจริง - Salvador Massaro) ซึ่งแนะนำการเล่นกีตาร์ด้วยเทคนิคดนตรีแจ๊สมากมายตามแบบฉบับของเครื่องดนตรีอื่น ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งลักษณะการใช้ถ้อยคำของเครื่องลม เอ็ดดี แลงยังสร้างสไตล์การเล่นดนตรีแจ๊สในฐานะคนกลาง ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นสิ่งที่โดดเด่น ครั้งแรกที่เขาใช้ปิ๊กกีตาร์ - กีตาร์พิเศษสำหรับเล่นดนตรีแจ๊สซึ่งแตกต่างจากกีตาร์สเปนทั่วไปตรงที่ไม่มีดอกกุหลาบทรงกลม แต่บนดาดฟ้าเรือกลับปรากฏรถยนต์รุ่น ef คล้ายกับไวโอลิน และแผงบังแบบถอดได้ซึ่งป้องกันการตีปิ๊ก การเล่น Eddie Lang ในวงดนตรีนั้นโดดเด่นด้วยการผลิตเสียงที่แข็งแกร่ง เขามักจะใช้เสียงผ่าน ลำดับสี; บางครั้งเขาเปลี่ยนมุมของปิ๊กให้สัมพันธ์กับฟิงเกอร์บอร์ด เพื่อให้ได้เสียงที่เฉพาะเจาะจง

ลักษณะเฉพาะของ Lang คือคอร์ดที่มีสายไม่ออกเสียง สำเนียงที่รุนแรง คอร์ดที่ไม่ใช่คอร์ดแบบขนาน สเกลโทนเสียงทั้งหมด กลิสซันโดที่แปลกประหลาด ฮาร์โมนิกประดิษฐ์ คอร์ดที่เพิ่มขึ้น และการใช้ถ้อยคำทองเหลือง เราสามารถพูดได้ว่าอยู่ภายใต้อิทธิพลของ Eddie Lang ที่นักกีตาร์หลายคนเริ่มให้ความสนใจกับโน้ตเสียงเบสในคอร์ด และถ้าเป็นไปได้ ให้นำเสียงได้ดีขึ้น การประดิษฐ์กีตาร์ไฟฟ้าเป็นแรงผลักดันให้เกิดโรงเรียนสอนกีตาร์และเทรนด์ใหม่ๆ พวกเขาก่อตั้งโดยนักกีตาร์แจ๊สสองคน: Charlie Christian ในอเมริกาและ Django Reinhardt

(Django Reinhardt) ในยุโรป

ในหนังสือของเขา "From Reg to Rock" นักวิจารณ์ชาวเยอรมันชื่อดัง I. Berendt เขียนว่า "สำหรับนักดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ ประวัติของกีตาร์เริ่มต้นที่ Charlie Christian ในช่วงสองปีที่เขาอยู่ในแวดวงดนตรีแจ๊ส เขาได้ปฏิวัติการเล่นกีตาร์ของเขา แน่นอนว่ามีมือกีตาร์อยู่ก่อนหน้าเขา แต่ดูเหมือนว่ากีตาร์ที่เล่นต่อหน้าคริสเตียนและกีตาร์ที่เป่าตามหลังเขานั้นเป็นเครื่องดนตรีสองชิ้นที่แตกต่างกัน”

ชาร์ลีเล่นด้วยความมีไหวพริบที่ดูเหมือนเด็กรุ่นราวคราวเดียวกันจะเข้าถึงไม่ได้ เมื่อเขามาถึง กีตาร์ก็กลายเป็นสมาชิกที่ทัดเทียมกันของวงดนตรีแจ๊ส เขาเป็นคนแรกที่แนะนำกีตาร์โซโลเป็นเสียงที่สามให้กับวงดนตรีที่มีทรัมเป็ตและเทเนอร์แซกโซโฟน ทำให้เครื่องดนตรีไม่ต้องเล่นตามจังหวะในวงออเคสตรา ก่อนคนอื่น C. Christian ตระหนักว่าเทคนิคการเล่นกีตาร์ไฟฟ้านั้นแตกต่างอย่างมากจากวิธีการเล่นอะคูสติก ด้วยความกลมกลืน เขาทดลองเพิ่มและลดคอร์ด คิดค้นรูปแบบจังหวะใหม่สำหรับท่วงทำนองแจ๊สที่ดีที่สุด (เอเวอร์กรีน) ในทางเดิน เขามักจะใช้ส่วนเสริมกับคอร์ดที่เจ็ด ซึ่งดึงดูดผู้ฟังด้วยความไพเราะและจังหวะอันชาญฉลาด เขาเป็นคนแรกที่พัฒนาปฏิภาณโวหารของเขาโดยไม่ได้อาศัยความกลมกลืนของธีม แต่ขึ้นอยู่กับการส่งผ่านคอร์ดซึ่งเขาวางไว้ระหว่างคอร์ดหลัก ในวงเมโลดิกนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการใช้เลกาโตแทนฮาร์ดสแตคกาโต

การแสดงของ C. Christian นั้นโดดเด่นเสมอด้วยการแสดงพลังที่ไม่ธรรมดา บวกกับการเหวี่ยงที่รุนแรง นักทฤษฎีดนตรีแจ๊สอ้างว่าในการเล่นดนตรีของเขา เขาคาดการณ์ถึงการเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊สสไตล์ใหม่ (be-bop) และเป็นหนึ่งในผู้สร้างสรรค์ดนตรีแจ๊ส

พร้อมกันกับคริสเตียน Django Reinhardt นักกีตาร์แจ๊สที่โดดเด่นไม่แพ้กันก็ฉายแววในปารีส ชาร์ลีคริสเตียนในขณะที่ยังคงแสดงในคลับในโอคลาโฮมาชื่นชม Django และมักจะบันทึกซ้ำสำหรับบันทึกเดี่ยวของเขาที่บันทึกไว้ในบันทึกแม้ว่านักดนตรีเหล่านี้จะแตกต่างกันอย่างมากในลักษณะการเล่น นักดนตรีและศิลปินแจ๊สที่มีชื่อเสียงหลายคนพูดถึงการมีส่วนร่วมของ Django ในการพัฒนาสไตล์การเล่นกีตาร์แจ๊สและความเชี่ยวชาญของเขา ตามที่ D. Ellington กล่าวว่า "Django เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยม แต่ละโน้ตที่เขาจดคือขุมทรัพย์ แต่ละคอร์ดคือหลักฐานของรสนิยมที่ไม่สั่นคลอนของเขา

Django แตกต่างจากนักกีตาร์คนอื่นๆ ด้วยเสียงที่ไพเราะ หนักแน่น และสไตล์การเล่นที่แปลกประหลาดของเขา ด้วยจังหวะที่ยาวหลังจากวัดมาหลายครั้ง ทางเดินที่รวดเร็วอย่างฉับพลัน จังหวะที่มั่นคงและเน้นเสียงที่เฉียบคม ในช่วงเวลาไคลแมกซ์ เขามักจะเล่นเป็นอ็อกเทฟ

เทคนิคประเภทนี้ยืมมาจากเขาโดย C. Christian และอีกสิบสองปีต่อมา - โดย W. Montgomery ด้วยความรวดเร็ว เขาสามารถสร้างไฟและแรงดันเช่นนี้ได้ ซึ่งก่อนหน้านี้พบได้เฉพาะในการแสดงด้วยเครื่องมือลมเท่านั้น ในคนที่เชื่องช้าเขามีแนวโน้มที่จะโหมโรงและแรปโซดีใกล้เคียงกับเพลงบลูส์ของนิโกร Django ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเดี่ยวที่เก่งกาจเท่านั้น แต่ยังเป็นนักดนตรีประสานที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย เขานำหน้าคนรุ่นราวคราวเดียวกันหลายคนในการใช้คอร์ดรองลงมาที่เจ็ด คอร์ดที่ลดลง คอร์ดที่เพิ่มและคอร์ดที่ส่งผ่านอื่นๆ Django ให้ความสนใจอย่างมากกับความกลมกลืนของแผนภาพฮาร์มอนิกของท่อนต่างๆ โดยมักจะเน้นว่าหากทุกอย่างถูกต้องและมีเหตุผลในลำดับคอร์ด เมโลดี้ก็จะไหลไปเอง

ในฐานะนักดนตรี เขามักจะใช้คอร์ดที่เลียนแบบเสียงของท่อนทองเหลือง การมีส่วนร่วมของ Charlie Christian และ Django Reinhardt ต่อประวัติศาสตร์ของกีตาร์แจ๊สเป็นสิ่งที่ประเมินค่ามิได้ นักดนตรีที่โดดเด่นสองคนนี้แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่ไม่สิ้นสุดของเครื่องดนตรีของคุณ ไม่เพียงแต่ในการบรรเลงคลอเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงเดี่ยวแบบด้นสดด้วย ซึ่งได้กำหนดทิศทางหลักในการพัฒนาเทคนิคการเล่นกีตาร์ไฟฟ้าไว้ล่วงหน้าในอีกหลายปีข้างหน้า

บทบาทที่เพิ่มขึ้นของกีตาร์ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวทำให้นักแสดงอยากเล่นเป็นวงเล็กๆ (คอมโบ) ที่นี่นักกีตาร์รู้สึกเหมือนเป็นสมาชิกที่เต็มเปี่ยมของวงดนตรีโดยทำหน้าที่เป็นทั้งนักดนตรีและศิลปินเดี่ยว ความนิยมของกีตาร์เพิ่มขึ้นทุกวัน นักกีตาร์แจ๊สที่มีพรสวรรค์ปรากฏตัวมากขึ้น และวงดนตรีขนาดใหญ่ยังคงมีจำนวนจำกัด นอกจากนี้ ผู้นำและผู้เรียบเรียงเสียงประสานของวงออเคสตร้าขนาดใหญ่หลายคนไม่ได้แนะนำกีตาร์ในส่วนจังหวะเสมอไป พอจะยกตัวอย่างได้ว่า

Duke Ellington ผู้ซึ่งไม่ชอบที่จะรวมเสียงของกีตาร์และเปียโนเข้าด้วยกัน อย่างไรก็ตาม บางครั้งงาน "เชิงกล" ซึ่งทำหน้าที่รักษาจังหวะในวงดนตรีขนาดใหญ่ก็กลายเป็นศิลปะแจ๊สอย่างแท้จริง เรากำลังพูดถึงหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของกีตาร์สไตล์จังหวะคอร์ดที่เล่น Freddie Green

เทคนิคการเล่นคอร์ดที่เก่งกาจ ความรู้สึกในการสวิงที่ยอดเยี่ยม รสนิยมทางดนตรีที่ละเอียดอ่อนทำให้การเล่นของเขาโดดเด่น เขาแทบไม่เคยเล่นเดี่ยว แต่ในขณะเดียวกันก็มักจะถูกเปรียบเทียบกับเรือลากจูงซึ่งเกี่ยวข้องกับวงออเคสตราทั้งหมด

เฟรดดี กรีนเป็นหนี้วงดนตรีวงใหญ่ของ Count Basie ในเรื่องความกะทัดรัดที่ไม่ธรรมดาของส่วนจังหวะ การปลดปล่อย และความกระชับของเกม อาจารย์คนนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักเล่นกีตาร์ที่ชอบการเล่นดนตรีประกอบและการเล่นประสานเสียงกับการเล่นแบบยาวและการเล่นแบบโมโนโฟนิก ผลงานของ Charlie Christian, Django และ Freddie Green ก่อตัวเป็นสามสาขาของแผนภูมิต้นไม้ตระกูลกีตาร์แจ๊ส อย่างไรก็ตาม ควรกล่าวถึงอีกทิศทางหนึ่งซึ่งค่อนข้างห่างกัน แต่ในยุคของเรากำลังได้รับการยอมรับและเผยแพร่มากขึ้นเรื่อย ๆ

ความจริงก็คือไม่ใช่นักกีตาร์ทุกคนที่ยอมรับสไตล์ของ Ch. Christian ซึ่งกีตาร์ได้รับเสียงของเครื่องลม (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หลายคนฟังการบันทึกของ Charlie Christian เข้าใจผิดว่าเสียงกีตาร์ของเขาเป็นแซกโซโฟน) ประการแรกสไตล์ของเขาเป็นไปไม่ได้สำหรับผู้ที่เล่นกีตาร์อะคูสติก

เทคนิคหลายอย่างที่พัฒนาโดย C. Christian (เลกาโต้แบบยาว ไลน์อิมโพรไวเซชันแบบยาวโดยไม่มีฮาร์มอนิกซัพพอร์ต โน๊ตแบบต่อเนื่อง การโค้ง การใช้สายเปิดที่หายาก ฯลฯ) ไม่ได้ผลสำหรับพวกเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเล่นเครื่องดนตรีที่มีสายไนลอน นอกจากนี้ยังมีนักกีตาร์ที่ผสมผสานคลาสสิก การเล่นกีตาร์ ฟลาเมงโก และองค์ประกอบของดนตรีละตินอเมริกาเข้ากับดนตรีแจ๊สอย่างสร้างสรรค์ เหล่านี้รวมถึงนักดนตรีแจ๊สที่โดดเด่นสองคน: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) และ Charlie Byrd (ชาร์ลี เบิร์ด) ซึ่งผลงานของเขามีอิทธิพลต่อนักกีตาร์หลายคน สไตล์คลาสสิกแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่ไร้ขีด จำกัด ของกีตาร์อะคูสติกในทางปฏิบัติ ด้วยเหตุผลที่ดีพวกเขาถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์ "กีตาร์คลาสสิกในดนตรีแจ๊ส"

นักกีตาร์ชาวนิโกร เวส จอห์น เลสลี มอนต์โกเมอรี่เป็นหนึ่งในนักดนตรีที่เจิดจรัสที่สุดที่ปรากฏตัวในวงการดนตรีแจ๊สตั้งแต่ ค. คริสเตียน เขาเกิดในปี 2468 ในอินเดียแนโพลิส เขาเริ่มสนใจกีตาร์เมื่ออายุ 19 ปีเท่านั้นภายใต้อิทธิพลของบันทึกของ Charlie Christian และความกระตือรือร้นของพี่น้อง Buddy และ Monk ผู้เล่นเปียโนและดับเบิ้ลเบสในวงออเคสตราของ Lionel Hampton นักไวบราโฟนชื่อดัง เขาจัดการเพื่อให้ได้เสียงที่ "นุ่มนวล" ที่อบอุ่นผิดปกติ (โดยใช้นิ้วโป้งของมือขวาแทนปิ๊ก) และพัฒนาเทคนิคอ็อกเทฟจนถึงระดับที่เขาแสดงคอรัสแบบอิมโพรไวเซชันทั้งหมดในอ็อกเตฟได้อย่างง่ายดายและบริสุทธิ์อย่างน่าทึ่ง จังหวะเร็ว ทักษะของเขาสร้างความประทับใจให้คู่หูมากจนพวกเขาตั้งฉายาให้เวสว่า "Mr. Octave" อย่างติดตลก แผ่นดิสก์แผ่นแรกที่มีการบันทึกเสียงของ W. Montgomery วางจำหน่ายในปี 1959 และทำให้มือกีตาร์ประสบความสำเร็จและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในทันที ผู้ที่ชื่นชอบดนตรีแจ๊สต้องตกตะลึงกับความเก่งกาจในการเล่นของเขา การเรียบเรียงเสียงประสานที่ประณีตและยับยั้งชั่งใจ ความไพเราะของอิมโพรไวส์ ความรู้สึกคงที่ของน้ำเสียงบลูส์ และจังหวะการสวิงที่สดใส การผสมผสานกีตาร์ไฟฟ้าโซโลของ Wes Montgomery กับเสียงของวงออร์เคสตราขนาดใหญ่รวมถึงกลุ่มเครื่องสายเป็นสิ่งที่น่าสนใจมาก

นักกีตาร์แจ๊สที่ตามมาส่วนใหญ่ - รวมถึงนักดนตรีชื่อดังเช่น Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - รับรู้ถึงอิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของ Wes Montgomery ในการทำงานของพวกเขา ในช่วงทศวรรษที่ 40 มาตรฐานที่พัฒนาโดยวงสวิงไม่ได้สร้างความพึงพอใจให้กับนักดนตรีหลายคน ถ้อยคำที่ซ้ำซากจำเจในความกลมกลืนของรูปแบบเพลง คำศัพท์ซึ่งมักถูกลดทอนเป็นการอ้างอิงโดยตรงของปรมาจารย์ดนตรีแจ๊สที่โดดเด่น จังหวะที่ซ้ำซากจำเจและการใช้วงสวิงในดนตรีเชิงพาณิชย์กลายเป็นสิ่งกีดขวางระหว่างทาง การพัฒนาต่อไปประเภท. หลังจาก "ช่วงเวลาทอง" ของการแกว่ง ก็ถึงเวลาค้นหารูปแบบใหม่ที่ก้าวหน้ากว่า มีทิศทางใหม่เกิดขึ้นมากขึ้นเรื่อยๆ ซึ่งตามกฎแล้วจะรวมกันเป็นหนึ่งเดียว ชื่อ - ทันสมัยแจ๊ส (แจ๊สสมัยใหม่) ประกอบด้วยบีป็อบ ("แจ๊ส-สตาคาโต"), ฮาร์ดบอป, โปรเกรสซีฟ, คูล, กระแสที่สาม, บอสซาโนวาและแจ๊สแอฟโฟร-คิวบา, แจ๊สโมดอล, แจ๊ส-ร็อก, ฟรีแจ๊ส, ฟิวชั่น และอื่นๆ: ความหลากหลายดังกล่าว อิทธิพลซึ่งกันและกัน และ การแทรกซึมซึ่งกันและกันของกระแสที่แตกต่างกันทำให้การวิเคราะห์ผลงานของนักดนตรีแต่ละคนซับซ้อนขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อหลายคนเล่นในคราวเดียวในลักษณะที่หลากหลาย ตัวอย่างเช่น ในบันทึกของ Ch. Byrd เราสามารถพบ Boss Nova, Blues, แนวเหวี่ยง, การเรียบเรียงของเพลงคลาสสิก และ Country Rock และอื่นๆ อีกมากมาย ในเกมของ B. Kessel - สวิง, บี๊บ, บอสซาโนวา, องค์ประกอบของโมดอลแจ๊ส ฯลฯ เป็นลักษณะเฉพาะที่นักกีตาร์แจ๊สเองมักจะตอบสนองค่อนข้างรุนแรงต่อความพยายามที่จะจำแนกพวกเขาว่าเป็นทิศทางของดนตรีแจ๊สแบบใดแบบหนึ่ง โดยพิจารณาจากแนวทางดั้งเดิมในการประเมินผลงานของพวกเขา ข้อความดังกล่าวสามารถพบได้ใน Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin และคนอื่นๆ

2 .2 หลักทิศทางป๊อปแจ๊สผลงาน60-70 - เอ็กซ์ปี

และตามที่นักวิจารณ์ดนตรีแจ๊สคนหนึ่ง I. Berendt ในช่วงทศวรรษที่ 60-70 สี่ทิศทางหลักได้พัฒนาขึ้นในการแสดงกีตาร์สมัยใหม่: 1) กระแสหลัก (กระแสหลัก); 2) แจ๊สร็อค; 3) ทิศทางบลูส์; 4) หิน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของกระแสหลัก ได้แก่ Jim Hall, Kenny Burrell และ Joe Pass จิม ฮอลล์ "กวีแห่งดนตรีแจ๊ส" ตามที่เขามักเรียกกันว่า เป็นที่รู้จักและเป็นที่รักของสาธารณชนตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 50 จนถึงปัจจุบัน

"มือกีตาร์แจ๊ส" เรียกว่า โจ พาส (Joe Pass ชื่อเต็ม Joseph Anthony Jacoby Passalaqua) นักวิจารณ์ทำให้เขาอยู่ในระดับเดียวกับนักดนตรีเช่น Oscar Peterson, Ella Fitzgerald และ Barney Kessel ผลงานเพลงคู่ของเขากับ Ella Fitzgerald และ Herb Ellis วงดนตรีทั้งสามร่วมกับ Oscar Peterson และมือเบส Nils Pederson และโดยเฉพาะอย่างยิ่งแผ่นเดี่ยวของเขา "Joe Pass the Virtuoso" ประสบความสำเร็จอย่างมาก Joe Pass เป็นหนึ่งในนักกีตาร์แจ๊สที่น่าสนใจและหลากหลายที่สุดในประเพณีของ Jacgo Reinhardt, Charlie Christian และ Wes Montgomery งานของเขาได้รับอิทธิพลเพียงเล็กน้อยจากเทรนด์ใหม่ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่: เขาชอบบี๊บ็อบ นอกเหนือจากกิจกรรมคอนเสิร์ตแล้ว Joe Pass ยังสอนมากมายและประสบความสำเร็จเผยแพร่ผลงานเกี่ยวกับวิธีการซึ่งโรงเรียนของเขา "Joe Pass Guitar Style" ครอบครองสถานที่พิเศษ "2E

อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่นักกีตาร์แจ๊สทุกคนที่ทุ่มเทให้กับ "กระแสหลัก" ในบรรดานักดนตรีที่โดดเด่นที่มุ่งไปสู่การพัฒนาดนตรีแจ๊สใหม่ควรสังเกต George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola นักดนตรีชาวเม็กซิกัน คาร์ลอส ซานตานา (Carlos Santana, เกิดในปี 1947) เล่นในสไตล์ "ลาตินร็อก" โดยอิงตามจังหวะละตินอเมริกา (แซมบ้า รุมบ้า ซัลซ่า ฯลฯ) ในลักษณะร็อค ผสมผสานกับองค์ประกอบของฟลาเมงโก .

George Benson เกิดในปี 1943 ที่เมือง Pittsburgh และตอนเป็นเด็กเขาร้องเพลงบลูส์ เล่นกีตาร์ และแบนโจ เมื่ออายุได้ 15 ปี จอร์จได้รับกีตาร์ไฟฟ้าตัวเล็กเป็นของขวัญ และเมื่ออายุได้ 17 ปี หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียน เขาก็ได้ตั้งวงดนตรีร็อกแอนด์โรลวงเล็ก ๆ ซึ่งเขาร้องเพลงและเล่น หนึ่งปีต่อมา Jack McDuff นักเล่นออร์แกนแจ๊สมาถึงพิตต์สเบิร์ก ปัจจุบัน ผู้เชี่ยวชาญบางคนมองว่าการบันทึกเสียงครั้งแรกของเขากับ Jack McDuff นั้นดีที่สุดในรายชื่อจานเสียงทั้งหมดของ Benson Benson ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานของ Django Reinhardt และ Wes Montgomery โดยเฉพาะอย่างยิ่งเทคนิคของรุ่นหลัง

ในบรรดานักกีตาร์รุ่นใหม่ที่เล่นดนตรีแจ๊ส-ร็อกและพัฒนาสไตล์แจ๊สที่ค่อนข้างใหม่-ฟิวชัน Ol di Meola (AI di Meola) โดดเด่นกว่าใคร ความหลงใหลในกีตาร์แจ๊สของนักดนตรีหนุ่มคนนี้เริ่มต้นจากการฟังการบันทึกเสียงของวงดนตรีสามท่านที่มี Larry Coryell (ซึ่งบังเอิญ Al di Meola เข้ามาแทนที่ในไลน์อัพเดียวกันในอีกไม่กี่ปีต่อมา) ตอนอายุ 17 ปีเขามีส่วนร่วมในการบันทึกเสียงด้วย จิกคอมโคเรีย. Ol di Meola เล่นกีตาร์อย่างเชี่ยวชาญ - ทั้งด้วยนิ้วและปิ๊ก หนังสือเรียน "ลักษณะเฉพาะของการเล่นกีตาร์โดยคนกลาง" ซึ่งเขียนโดยเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากผู้เชี่ยวชาญ

นักประดิษฐ์ในยุคของเรายังรวมถึง Larry Coryell นักกีตาร์ผู้มากความสามารถซึ่งผ่านความยากลำบากมา วิธีที่สร้างสรรค์-- จากความหลงใหลในร็อกแอนด์โรล สู่กระแสใหม่ล่าสุดในดนตรีแจ๊สสมัยใหม่

ในความเป็นจริงหลังจาก Django นักกีตาร์ชาวยุโรปเพียงคนเดียวที่ได้รับการยอมรับอย่างไม่มีเงื่อนไขทั่วโลกและมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีแจ๊สโดยทั่วไปนั่นคือ John McLaughlin ชาวอังกฤษ ความรุ่งเรืองของพรสวรรค์ของเขาอยู่ในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ดนตรีแจ๊สขยายขอบเขตของโวหารอย่างรวดเร็ว ผสมผสานกับดนตรีร็อค การทดลองดนตรีอิเล็กทรอนิกส์และดนตรีเปรี้ยวจี๊ด และประเพณีดนตรีพื้นบ้านต่างๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ไม่เพียง แต่แฟนเพลงแจ๊สเท่านั้นที่คิดว่า McLaughlin เป็น "ของพวกเขาเอง" เราจะพบชื่อของเขาในสารานุกรมของดนตรีร็อค ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 กิ้นได้จัดตั้งวงดุริยางค์มหาวิษณุ (มหาวิษณุ) นอกจากคีย์บอร์ด กีตาร์ กลอง และเบสแล้ว เขายังนำไวโอลินมาใช้ในการประพันธ์อีกด้วย ด้วยวงออร์เคสตรานี้ นักกีตาร์ได้บันทึกเสียงจำนวนหนึ่ง ซึ่งได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นจากสาธารณชน ผู้วิจารณ์สังเกตความเก่งกาจของ McLaughlin นวัตกรรมในการเรียบเรียง ความสดของเสียง เนื่องจากการใช้องค์ประกอบของดนตรีอินเดีย แต่สิ่งสำคัญคือการปรากฏตัวของแผ่นดิสก์เหล่านี้ถือเป็นการก่อตั้งและพัฒนาเทรนด์ดนตรีแจ๊สใหม่: แจ๊สร็อค

ในปัจจุบันมีนักกีตาร์ที่โดดเด่นหลายคนที่สืบสานและเพิ่มพูนประเพณีของปรมาจารย์ในอดีต สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับวัฒนธรรมป๊อปแจ๊สระดับโลกคือผลงานของนักเรียนที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Jimm Hall - Pat Mattini ความคิดสร้างสรรค์ของเขาช่วยเสริมความไพเราะ-ฮาร์มอนิกของดนตรีป๊อปยุคใหม่ให้สมบูรณ์ยิ่งขึ้น นอกจากนี้ ฉันยังอยากชื่นชมการแสดงและการสอนที่ยอดเยี่ยมของ Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, Lee Ritenour นักเรียนของ Joe Pass และคนอื่นๆ อีกมากมาย

สำหรับการพัฒนาศิลปะการเล่นกีตาร์ป๊อปแจ๊ส (ไฟฟ้าและอะคูสติก) ในประเทศของเราคงเป็นไปไม่ได้หากไม่มีงานด้านการศึกษาและการศึกษาที่ประสบความสำเร็จหลายปีโดย V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov , A. Vinitsky รวมถึงผู้ติดตามของพวกเขา S. Popov, I. Boyko และคนอื่น ๆ สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งคือกิจกรรมการแสดงคอนเสิร์ตของนักดนตรีเช่น: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk และอื่น ๆ อีกมากมาย หลังจากเปลี่ยนจากเพลงบลูส์มาเป็นแจ๊สร็อค กีตาร์ไม่เพียงทำให้ความเป็นไปได้ของมันหมดลงเท่านั้น แต่ยังได้รับความเป็นผู้นำในทิศทางใหม่ๆ ของดนตรีแจ๊สอีกด้วย ความสำเร็จในด้านเทคนิคการเล่นกีตาร์อะคูสติกและกีตาร์ไฟฟ้า การใช้อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ การรวมองค์ประกอบของฟลาเมงโก สไตล์คลาสสิก ฯลฯ ให้เหตุผลในการพิจารณากีตาร์ว่าเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำของดนตรีประเภทนี้ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมนักดนตรีรุ่นใหม่จึงต้องศึกษาประสบการณ์ของนักกีตาร์แจ๊สรุ่นก่อน บนพื้นฐานนี้เท่านั้นที่จะสามารถค้นหาสไตล์การเล่นของแต่ละคน วิธีการพัฒนาตนเอง และพัฒนากีตาร์ป๊อปแจ๊สต่อไป

ข้อสรุป

ในยุคของเราหัวข้อของการพัฒนาทักษะการแสดงกีตาร์ 6 สายยังคงมีความเกี่ยวข้องเนื่องจากในขณะนี้มีโรงเรียนและระบบการฝึกอบรมมากมาย พวกเขารวมถึงทิศทางที่แตกต่างกันจากโรงเรียนสอนการเล่นคลาสสิกไปจนถึงโรงเรียนสอนดนตรีแจ๊ส ละติน และบลูส์

ในการพัฒนาสไตล์ดนตรีแจ๊ส เทคนิคเครื่องดนตรีเฉพาะมีบทบาทสำคัญมาก ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการใช้เครื่องดนตรีแจ๊สและความสามารถในการแสดงออกของมัน เช่น ความไพเราะ ท่วงทำนอง จังหวะ ฮาร์มอนิก ฯลฯ บลูส์มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของดนตรีแจ๊ส ในทางกลับกัน "หนึ่งในปัจจัยชี้ขาดในการตกผลึกของเพลงบลูส์จากนิทานพื้นบ้านนิโกรแบบยุคก่อนและแบบน้อยกว่าคือ 'การค้นพบ' ของกีตาร์ในสื่อนี้"

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาศิลปะกีตาร์รู้ชื่อนักกีตาร์ - ครู นักแต่งเพลง และนักแสดงมากมายที่สร้างอุปกรณ์ช่วยสอนมากมายสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์ ซึ่งหลายคนเกี่ยวข้องโดยตรงหรือโดยอ้อมกับปัญหาการพัฒนาความคิดแบบใช้นิ้ว

ในยุคของเรา แนวคิดของนักกีตาร์รวมถึงความเชี่ยวชาญทั้งเทคนิคคลาสสิกหลัก ทั้งพื้นฐาน และความสามารถและความเข้าใจในรูปแบบที่มาพร้อมกับฟังก์ชัน ความสามารถในการเล่นและด้นสดบนดิจิทัล รายละเอียดปลีกย่อยทั้งหมด และ คุณลักษณะของการคิดแบบบลูส์และแจ๊ส

น่าเสียดายที่ใน เมื่อเร็วๆ นี้สื่อมีอิทธิพลน้อยมากไม่เพียงแต่กับดนตรีคลาสสิกที่จริงจังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีป๊อปแจ๊สที่ไม่ใช่เชิงพาณิชย์ด้วย

รายการใช้แล้ววรรณกรรม

1. Bakhmin A.A. คู่มือเล่นกีตาร์หกสายด้วยตนเอง / อ.เอ. แบคมิน. M.: ASS-center, 1999.-80 น.

2. บอยโกะ ไอ.เอ. การด้นสดบนกีตาร์ไฟฟ้า ตอนที่ 2 "เทคนิคพื้นฐานของคอร์ด" - ม.; ศูนย์งานอดิเรก 2543-39 น.;

3. บอยโก ไอ.เอ. การด้นสดบนกีตาร์ไฟฟ้า ตอนที่ 3 "วิธีการด้นสดแบบก้าวหน้า" - ม.; ศูนย์งานอดิเรก 2544-2529 น.

4. บอยโก ไอ.เอ. การด้นสดบนกีตาร์ไฟฟ้า ตอนที่ 4 "Pentatonic และความเป็นไปได้ในการแสดงออก" - M.; Hobby Center, 2544 - 98 น.; ป่วย.

5. แบรนด์ วี.เค. พื้นฐานของเทคนิคของนักกีตาร์วงป๊อป / คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธีสำหรับโรงเรียนดนตรี - ม. 2527 - 56 น.

6. ดมิทรีเยฟสกี้ ยู.วี. / กีต้าร์จากบลูส์สู่แจ๊ส-ร็อค / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musical Ukraine, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสาย / A.M. อีวานอฟ-ครามสคอย - ม.: ส. นักแต่งเพลง พ.ศ. 2518 - 120 น.

8. Manilov V.A. เรียนรู้การเล่นกีตาร์ / V.A. Manilov - K.: Musical Ukraine, 1986. - 105 p.

9. Pass, D. สไตล์กีตาร์ของ Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M.: "Guitar College", 2545 - 64 น.; ป่วย.

10. Popov, S. Basis / Comp.; "วิทยาลัยกีตาร์" - ม.; "วิทยาลัยกีตาร์", 2546 - 127 น.;

11. Puhol M. โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสาย / Per. และกองบรรณาธิการของ N. Polikarpov - M.; นกฮูก ผู้แต่ง, 2530 - 184 น.

12. Al Di Meola "เทคนิคการเล่นกับคนกลาง"; ต่อ. / คอมพ์; GIInform

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; พ.ศ. 2514 ฉบับที่ 10 - หน้า 20-31

โฮสต์บน Allbest.ru

...

เอกสารที่คล้ายกัน

การพัฒนาและการใช้เสียงประสานและทำนองของดนตรีแจ๊สในการแสดงและการสอนดนตรีป๊อปแจ๊สสมัยใหม่ ทำนองเพลงแจ๊ซสไตล์บีบ็อบ คำแนะนำเชิงปฏิบัติเพื่อเพิ่มประสิทธิภาพการทำงานของนักร้องเพลงป๊อปในละครเพลงแจ๊ส

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 07/17/2017


ลักษณะการเขียน การแสดงฝ้า ในช่วงเวลาต่างๆ สาเหตุของฝ้า การใช้งาน การรับดนตรีในการแสดงดนตรีแนวป๊อปแจ๊ส แบบฝึกหัดเพื่อพัฒนาเทคนิคการร้องเสียงดีของนักร้อง

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 11/11/2013


คุณสมบัติที่โดดเด่นของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการ: การเกิดขึ้นของรูปแบบเพลง (มาดริกัล, วิลลาซิโก, ฟรอทอล) และดนตรีบรรเลง, การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ (เพลงเดี่ยว, แคนตาตา, ออราทอรีโอ, โอเปร่า) แนวคิดและประเภทหลักของพื้นผิวดนตรี

บทคัดย่อ เพิ่ม 01/18/2012


การสร้างดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะ ขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ของการก่อตัวของดนตรี ประวัติความเป็นมาของดนตรีในการแสดงละคร แนวคิด " แนวดนตรี". ฟังก์ชั่นการละครของดนตรีและประเภทหลักของลักษณะดนตรี

นามธรรมเพิ่ม 05/23/2015


กลไกการก่อตัวของดนตรีคลาสสิก การเติบโตของดนตรีคลาสสิกจากระบบเสียงพูด ข้อความทางดนตรี (การแสดงออก) การก่อตัวขึ้นในประเภทของศิลปะดนตรี (การร้องเพลงประสานเสียง แคนทาทา โอเปร่า) ดนตรีเป็นศิลปะการสื่อสารแบบใหม่

บทคัดย่อ เพิ่ม 03/25/2010


การกำเนิดของวัฒนธรรมร็อคโลก: "ประเทศ", "จังหวะและบลูส์", "ร็อคแอนด์โรล" รุ่งอรุณแห่งความรุ่งโรจน์ของร็อกแอนด์โรลและความเสื่อมโทรม การเกิดขึ้นของลักษณะหิน เรื่องราว วงในตำนาน"เดอะบีทเทิลส์". ร็อคสตาร์ในตำนาน ราชาแห่งกีตาร์ การก่อตัวของฮาร์ดร็อค

บทคัดย่อ เพิ่ม 06/08/2010


ประเพณีวัฒนธรรมพื้นบ้านในการเลี้ยงดูดนตรีและการศึกษาของเด็ก การเล่นเครื่องดนตรีเป็นกิจกรรมทางดนตรีประเภทหนึ่งสำหรับเด็กก่อนวัยเรียน คำแนะนำเกี่ยวกับการใช้วัฒนธรรมบรรเลงเพื่อพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเด็ก

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 05/08/2010


สถานที่ของดนตรีร็อคในวัฒนธรรมดนตรีมวลชนของศตวรรษที่ XX ผลกระทบทางอารมณ์และอุดมการณ์ต่อผู้ชมที่เป็นเยาวชน ตำแหน่งปัจจุบันหินรัสเซียในตัวอย่างผลงานของ V. Tsoi: บุคลิกภาพและความคิดสร้างสรรค์ ความลึกลับของปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม

ภาคนิพนธ์ เพิ่ม 12/26/2010


ลักษณะเฉพาะของสถานการณ์ทางสังคมและวัฒนธรรมสมัยใหม่ที่มีอิทธิพลต่อกระบวนการสร้างวัฒนธรรมดนตรีและสุนทรียศาสตร์ของเด็กนักเรียน เทคโนโลยีในการพัฒนาบทเรียนดนตรี วิธีการที่มีประสิทธิภาพที่นำไปสู่การศึกษาวัฒนธรรมดนตรีในวัยรุ่น

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 07/12/2009


การสังเคราะห์แอฟริกันและ วัฒนธรรมยุโรปและประเพณี พัฒนาการของดนตรีแจ๊ส การพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิกใหม่ๆ ของนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส แจ๊สในโลกใหม่ แนวเพลงแจ๊สและคุณสมบัติหลัก นักดนตรีแจ๊สรัสเซีย.

การแสดงกีตาร์ในรัสเซียมีประวัติศาสตร์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง อย่างไรก็ตามในงานนี้เราจะพิจารณาเฉพาะหน้าที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการฝึกเล่นกีตาร์เจ็ดสายและส่งผลต่อคุณลักษณะที่อยู่เบื้องหลังการก่อตัวของสไตล์กีตาร์รัสเซีย
โรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียก่อตั้งขึ้นในช่วงเวลาที่กีตาร์คลาสสิกได้ประกาศตัวว่าเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวของคอนเสิร์ตในยุโรปตะวันตก เธอได้รับความนิยมเป็นพิเศษในอิตาลี สเปน. นักแสดงและนักแต่งเพลงจำนวนหนึ่งปรากฏตัว สร้างละครใหม่คลาสสิก ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ D. อกัวโด. เอ็ม. จูเลียนี. F. Carulli, M. Carcassi. ต่อมานักดนตรีที่โดดเด่นเช่น Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber และคนอื่น ๆ หันไปหา PR และเขียนให้

ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างกีตาร์รัสเซียกับกีตาร์คลาสสิกที่ได้รับความนิยมในยุโรปคือจำนวนสาย (เจ็ดไม่ใช่หก) และหลักการปรับจูน เป็นคำถามของการปรับแต่งที่เป็นรากฐานที่สำคัญเสมอมาในข้อโต้แย้งเกี่ยวกับข้อได้เปรียบของกีตาร์ 6 หรือ 7 สาย เมื่อเข้าใจถึงความสำคัญเฉพาะของปัญหานี้แล้ว เราพิจารณาว่าจำเป็นต้องกลับไปที่หัวข้อกำเนิดของกีตาร์เจ็ดสายและการปรากฏตัวในรัสเซีย
ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด ในยุโรปมีกีตาร์หลายประเภท หลายดีไซน์ หลายขนาด โดยมีจำนวนสายที่แตกต่างกันและหลายวิธีในการปรับจูน กีตาร์กลุ่มใหญ่รวมกันตามหลักการของการปรับสายเป็นสี่ส่วนโดยมีหนึ่งในสามหลักอยู่ตรงกลาง (เพื่อความสะดวกเราจะเรียกการปรับแต่งนี้ว่าสี่) เครื่องมือเหล่านี้ใช้กันอย่างแพร่หลายในอิตาลี สเปน. ฝรั่งเศส.
ในบริเตนใหญ่ เยอรมนี โปรตุเกส และยุโรปกลาง มีเครื่องดนตรีกลุ่มหนึ่งที่เรียกว่าระบบ terts ซึ่งจะใช้เสียงที่สามในการจูนสายเสียง (เช่น terts ขนาดใหญ่สองตัวถูกคั่นด้วยหนึ่งในสี่)
เครื่องดนตรีทั้งสองกลุ่มนี้รวมกันเป็นหนึ่งโดยข้อเท็จจริงที่ว่าดนตรีที่เขียนขึ้นสำหรับมาตราส่วนหนึ่งสามารถเล่นได้โดยใช้การจัดเรียงขนาดเล็กบนเครื่องดนตรีของอีกมาตราส่วนหนึ่ง
สิ่งที่เราสนใจคือกีตาร์ที่มีสี่สายคู่ซึ่งมาจากอังกฤษถึงยุโรปและจากยุโรปถึงรัสเซีย (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) โครงสร้างของกีตาร์นี้มีสองประเภท: ที่สี่และสาม หลังแตกต่างจากกีตาร์รัสเซียเจ็ดสายในขนาด ข้อเท็จจริงนี้สำคัญมากสำหรับเรา

การขาดหลักฐานทางประวัติศาสตร์เกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของลำตัวกีตาร์ ขนาด และขนาดโดยรวมของสาย ทำให้เราสามารถสันนิษฐานได้เฉพาะทางเลือกสำหรับการพัฒนาเท่านั้น เป็นไปได้มากว่าขนาดของคอกีตาร์จะพิจารณาจากความสะดวกในการเล่น และความตึงของสาย การปรับจูน สอดคล้องกับเสียงร้องเพลง บางทีการปรับปรุงอาจนำไปสู่การเพิ่มขึ้นของเนื้อความ การเปลี่ยนเกล็ดโลหะด้วยเกลียว และด้วยเหตุนี้จึงส่งผลให้ระดับเสียงของเสียงลดลง ซึ่งเป็นการ "เลื่อน" ของระบบโดยรวมลง
ไม่มีข้อมูลที่เชื่อถือได้ยืนยันว่าเป็นกีตาร์ตัวนี้ที่ทำหน้าที่เป็นต้นแบบของ "เจ็ดสาย" ของรัสเซีย แต่ความสัมพันธ์ของพวกเขาชัดเจน ประวัติการแสดงกีตาร์ในรัสเซียเกี่ยวข้องกับการปรากฏตัวในรัชสมัยของ Catherine the Great (1780-90s) ของนักกีตาร์ต่างชาติที่เล่นกีตาร์ตัวที่สามและตัวที่สาม ในหมู่พวกเขา ได้แก่ Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez มีการตีพิมพ์คอลเลกชันชิ้นส่วนสำหรับกีตาร์ 5-6 สาย นิตยสารกีตาร์
อิกนาซ ฟอน เกลด์ (Ignatius von Geld) จัดพิมพ์คู่มือชื่อ "วิธีง่ายๆ ในการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เจ็ดสายโดยไม่ต้องมีครู" เป็นครั้งแรก น่าเสียดายที่ไม่มีสำเนาของโรงเรียนเล่นกีตาร์แห่งแรกในรัสเซียแห่งนี้รวมถึงข้อมูลเกี่ยวกับวิธีการสอนของผู้เขียนเกี่ยวกับ ประเภทกีต้าร์วิธีการตั้งค่า มีแต่ประจักษ์พยานร่วมสมัย Geld คนนั้นเป็นนักกีตาร์ชาวอังกฤษที่ยอดเยี่ยม
แต่ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียที่แท้จริงคือฉันซึ่งตั้งรกรากในมอสโกว ณ สิ้นศตวรรษที่ 18 นักดนตรีที่มีการศึกษา Andrey Osipovich Sikhra นักเล่นพิณผู้ยิ่งใหญ่ เขาเป็นผู้แนะนำให้รู้จักกับการสร้างกีตาร์เจ็ดสายด้วยระบบ d, h, g, D, H, G, D ซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักในนามของรัสเซีย

เราไม่สามารถรู้ได้เลยว่า อ. สิชราคุ้นเคยกับการทดลองในยุโรปอย่างไรในการสร้างกีตาร์ที่มีจำนวนสายและวิธีการปรับจูนที่แตกต่างกัน ไม่ว่าเขาจะใช้ผลลัพธ์ในผลงานของเขาเกี่ยวกับ "การปรับปรุง" (แต่ในคำพูดของเขาเอง) ของกีตาร์คลาสสิกทั้งหก -สายกีตาร์. สิ่งนี้ไม่สำคัญนัก
สิ่งที่สำคัญก็คือ อ.สีหราช ในฐานะที่เป็นผู้ชื่นชมการแสดงกีตาร์อย่างกระตือรือร้นครูที่ยอดเยี่ยมและผู้มีชื่อเสียงที่มีความสามารถในความคิดของเขาเขาได้ทิ้งร่องรอยที่สดใสไว้ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาการแสดงดนตรีของรัสเซีย เขาได้พัฒนาวิธีการสอนกีตาร์เจ็ดสายโดยใช้ความสำเร็จที่ดีที่สุดของโรงเรียนสอนกีตาร์คลาสสิกของสเปน โดยเริ่มใช้ในหนังสือที่ตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2375 และ พ.ศ. 2383 "โรงเรียน". โดยใช้รูปแบบและประเภทคลาสสิก Sychra ได้สร้างบทเพลงใหม่สำหรับกีตาร์รัสเซียโดยเฉพาะ และนำเสนอกลุ่มนักเรียนที่ยอดเยี่ยม

ด้วยกิจกรรมของ A. O. Sikhra และเพื่อนร่วมงานของเขากีตาร์เจ็ดสายได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ตัวแทนของชนชั้นต่างๆ: ปัญญาชนชาวรัสเซียและตัวแทนของชนชั้นกลางชื่นชอบมันนักดนตรีมืออาชีพและผู้ชื่นชอบดนตรีประจำวันหันมาสนใจมัน: ผู้ร่วมสมัยเริ่มเชื่อมโยงกับแก่นแท้ของดนตรีพื้นบ้านในเมืองรัสเซีย คำอธิบายของเสียงที่มีเสน่ห์ของกีตาร์เจ็ดสายสามารถพบได้ในบทกลอนที่จริงใจของพุชกิน เลอร์มอนตอฟ, ทูร์เกเนฟ. เชคอฟ ตอลสตอย และกวีและนักเขียนอีกหลายคน กีตาร์เริ่มถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซีย
จำได้ว่ากีตาร์ของ A. Sikhra ปรากฏในรัสเซียในสภาพที่แทบจะไม่เคยเห็นกีตาร์เจ็ดสายที่ไหนเลยมันเป็นไปไม่ได้ที่จะซื้อมันในร้านค้าหรือจากช่างฝีมือ ตอนนี้ใคร ๆ ก็สงสัยว่าเร็วแค่ไหน (ใน 2-3 ทศวรรษ) ปรมาจารย์เหล่านี้ซึ่งเป็นนักไวโอลินที่ใหญ่ที่สุดสามารถสร้างการผลิตกีตาร์รัสเซียได้ นี่คือ Ivan Batov, Ivan Arhuzen อีวาน คราสนอชเชคอฟ กีตาร์ของปรมาจารย์ชาวเวียนนา I. Scherzer ถือเป็นหนึ่งในกีตาร์ที่ดีที่สุด ตามที่คนร่วมสมัยกล่าวว่ากีตาร์ของ F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky นั้นมีความโดดเด่นด้วยบุคลิกลักษณะเฉพาะ แต่ตอนนี้เราจะไม่พูดถึงเรื่องนี้เพราะมันสมควรได้รับการอภิปรายแยกต่างหาก

รสชาติประจำชาติของกีตาร์เจ็ดสายยังได้รับจากการเรียบเรียงที่เขียนขึ้นสำหรับเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย “แน่นอนว่าอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้านที่มีต่อศิลปะดนตรีจะเริ่มขึ้นในฐานะส่วนหนึ่งของประเพณีของหลายๆ ชาติ อย่างไรก็ตาม ในรัสเซีย ดนตรีโฟล์กได้กลายเป็นประเด็นที่ผู้คนคลั่งไคล้ในดนตรีของพวกเขาเอง ซึ่งอาจเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่โดดเด่นที่สุดของจิตวิญญาณชาวรัสเซีย
เพื่อความเป็นธรรมควรสังเกต ว่างานของ A. Sikhra ในธีมรัสเซียนั้นเขียนขึ้นในรูปแบบของการแปรผันแบบคลาสสิกและไม่มีกลิ่นอายดั้งเดิมของรัสเซียล้วนๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mikhail Timofeevich Vysotsky ผู้สร้างการแต่งเพลงมากมายในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านรัสเซียได้มีส่วนร่วมอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียในฐานะปรากฏการณ์ระดับชาติดั้งเดิม M. Vysotsky เติบโตขึ้นมาในหมู่บ้าน Ochakovo (12 กม. จากมอสโก) บนที่ดินของกวี M. Kheraskov อธิการบดีมหาวิทยาลัยมอสโกในบรรยากาศแห่งความรักและความเคารพต่อประเพณีพื้นบ้านของรัสเซีย เด็กชายสามารถฟังได้อย่างยอดเยี่ยม นักร้องลูกทุ่งเพื่อร่วมพิธีกรรมพื้นบ้าน เป็นบุตรข้าแผ่นดิน. Misha สามารถรับการศึกษาได้โดยการเข้าร่วมการประชุมของปัญญาชนที่สร้างสรรค์และบ้านของ Kheraskovs ฟังบทกวี การโต้วาที และการแสดงอย่างกะทันหันของแขกผู้มีการศึกษา

ในหมู่พวกเขาคืออาจารย์หลักของ M. Vysotsky - Semyon Nikolaevich Aksenov เขาสังเกตเห็นพรสวรรค์ของเด็กชายและเริ่มให้บทเรียนการเล่นกีตาร์รัสเซียแก่เขา และแม้ว่าชั้นเรียนเหล่านี้จะไม่เป็นระบบ แต่เด็กชายก็มีความก้าวหน้าอย่างมาก ต้องขอบคุณความพยายามของ S. Aksenov ที่ M. Vysotsky ได้รับอิสรภาพในปี 1813 และย้ายไปมอสโคว์เพื่อการศึกษาต่อ ต่อมานักดนตรีนักแต่งเพลงชื่อดัง A. Dubuk ได้ให้ความช่วยเหลือ Vysotsky ในการเรียนรู้ดนตรีและทฤษฎี

M. Vysotsky กลายเป็นนักกีตาร์ที่ยอดเยี่ยม - อิมโพรไวเซอร์นักแต่งเพลง ในไม่ช้าชื่อเสียงของนักกีตาร์อัจฉริยะที่ไม่มีใครเทียบได้ก็มาถึงเขา ตามที่คนร่วมสมัยเล่น Vysotsky สร้างความประทับใจไม่เพียง แต่เทคนิคพิเศษของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแรงบันดาลใจความมั่งคั่งด้วย ดนตรีแฟนตาซี. ดูเหมือนว่าเขาจะรวมเข้ากับกีตาร์: มันเป็นการแสดงออกถึงอารมณ์ทางจิตวิญญาณและความคิดของเขา
นี่คือวิธีที่นักเรียนและนักกีตาร์เพื่อนร่วมงานของเขา I. E. Lyakhov ประเมินการเล่นของ Vysotsky: - การเล่นของเขาไม่สามารถเข้าใจได้ อธิบายไม่ได้ และทิ้งความประทับใจที่ไม่มีโน้ตและคำพูดใดสามารถถ่ายทอดได้ ที่นี่คุณร้องเพลงเครื่องปั่นด้ายอย่างเศร้าโศก อ่อนโยน อ่อนโยน เฟอร์มาโตตัวเล็ก ๆ - และทุกอย่างดูเหมือนจะตอบเธอ: พวกเขาพูดว่า, ถอนหายใจ, เสียงเบส, พวกเขาตอบด้วยเสียงร้องไห้ของเสียงแหลมและคอรัสทั้งหมดนี้ถูกปกคลุมด้วยคอร์ดที่ประนีประนอมมากมาย แต่แล้วเสียงเช่นความคิดที่เหนื่อยล้าก็กลายเป็นสามรูปแบบแม้กระทั่งธีมเกือบจะหายไปราวกับว่านักร้องกำลังคิดเรื่องอื่นอยู่ แต่ไม่เลย เขากลับเข้าสู่หัวข้ออีกครั้งตามความคิดของเขา และมันฟังดูเคร่งขรึมและแม้กระทั่งกลายเป็นบทสวดอาดาจิโอ คุณได้ยินสุนัขรัสเซียซึ่งยกระดับไปสู่ความศักดิ์สิทธิ์ (Sudet ทุกอย่างสวยงามและเป็นธรรมชาติจริงใจและดนตรีอย่างสุดซึ้งอย่างที่คุณไม่ค่อยเห็นในการแต่งเพลงรัสเซียอื่น ๆ ที่นี่คุณจะจำอะไรไม่ได้เลย: ทุกอย่างที่นี่เป็นของใหม่ และต้นฉบับ ต่อหน้าเราคือนักดนตรีชาวรัสเซียที่ได้รับแรงบันดาลใจต่อหน้าคุณคือ Vysotsky

คุณสมบัติที่โดดเด่นของงานของ Vysotsky คือการพึ่งพาเพลงพื้นบ้านรัสเซียอันทรงพลังและความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นเครื่องมือบางส่วน นี่คือสิ่งที่กำหนดการพัฒนาโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียสาขามอสโก M. Vysotsky อาจไม่ค่อยกังวลกับคำแนะนำการจัดระบบสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เจ็ดสายแม้ว่าเขาจะให้บทเรียนเป็นจำนวนมาก แต่ในงานของเขากีตาร์เจ็ดสายของรัสเซียกลายเป็นจริง เครื่องดนตรีประจำชาติ, มีเพลงพิเศษของตัวเอง, เทคนิคพิเศษและความแตกต่างของโวหาร, สไตล์การแสดง, รูปแบบการพัฒนาในรูปแบบดนตรี (เราหมายถึงความเชื่อมโยงระหว่างเนื้อหาบทกวีของเพลงกับกระบวนการพัฒนารูปแบบต่างๆ ในการประพันธ์เพลง) ในเรื่องนี้ M. Vysotsky สำหรับเรา อาจเป็นบุคคลที่สำคัญที่สุดในการเล่นกีตาร์ของรัสเซีย งานของเขาวางรากฐานสำหรับรูปแบบการเล่นดั้งเดิม เช่นเดียวกับหลักการของการได้เสียงที่ไพเราะและเทคนิคที่มาพร้อมกับมัน แต่จะมีการหารือในภายหลัง

ดังนั้นการเกิดขึ้นของโรงเรียนสอนกีตาร์ดั้งเดิมในรัสเซียจึงเกี่ยวข้องกับชื่อของ A. Sikhra และ M. Vysotsky รวมถึงนักเรียนที่ดีที่สุดของพวกเขา
โดยสรุปฉันอยากจะบอกว่าการใช้กีตาร์อย่างแพร่หลายในรัสเซียในช่วงเวลาสั้น ๆ ทางประวัติศาสตร์ไม่สามารถเกิดอุบัติเหตุได้ ค่อนข้างเป็นหลักฐานที่ดีถึงความมีชีวิตของตราสาร มีเหตุผลเพียงพอที่จะภูมิใจในความสำเร็จของโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซีย อย่างไรก็ตาม อาจกล่าวได้ด้วยความขมขื่นว่าเราไม่รู้ความจริงทั้งหมดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของเราและมรดกที่สร้างขึ้นเพื่อมัน สิ่งสำคัญคือต้องรู้และเข้าใจสิ่งนี้ในวันนี้เมื่อเกือบทุกอย่างที่รัสเซียเคยภาคภูมิใจในอดีตถูกทำลายลงจนราบคาบ และไม่มีอะไรถูกสร้างขึ้นมาแทนที่ อาจถึงเวลาหันหน้าสู่มรดกกีตาร์รัสเซียแล้ว?! ประกอบด้วยผลงาน วิธีการ และละครของผู้มีการศึกษาสูงสุดในยุคนั้น นี่คือชื่อบางส่วน: M. Stakhovich - ขุนนาง, นักประวัติศาสตร์, นักเขียน; A. Golikov - ขุนนางนายทะเบียนวิทยาลัย V. Sarenko - แพทย์ศาสตร์การแพทย์; F. Zimmerman - ขุนนาง, เจ้าของที่ดิน; I. Makarov - เจ้าของที่ดิน, บรรณานุกรมสำคัญ; V. Morkov - ขุนนาง, ที่ปรึกษาแห่งรัฐที่แท้จริง: V. Rusanov - ขุนนาง, ผู้ควบคุมวง, บรรณาธิการที่โดดเด่น