แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นลักษณะทั่วไป ศิลปะดนตรีแห่งยุคโรแมนติก - การนำเสนอที่ Moscow Art Theatre

ดนตรีเป็นสถานที่พิเศษในสุนทรียภาพของแนวโรแมนติก ได้รับการประกาศให้เป็นแบบอย่างและบรรทัดฐานสำหรับงานศิลปะทุกแขนง เนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของงานศิลปะ จึงสามารถแสดงการเคลื่อนไหวของจิตวิญญาณได้อย่างเต็มที่ที่สุด“ดนตรีเริ่มต้นเมื่อคำพูดจบลง” (G. Heine)

แนวโรแมนติกทางดนตรีเป็นทิศทางที่พัฒนาขึ้นในตอนต้นXIXศตวรรษและพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับแนวโน้มต่างๆ ของวรรณกรรม จิตรกรรม และโรงละคร ขั้นตอนแรกแนวโรแมนติกทางดนตรีแสดงโดยผลงานของ F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, N. Paganini, G. Rossini; ขั้นตอนต่อไป (1830-50s) - ผลงานของ F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, J. Verdi ช่วงปลายของแนวจินตนิยมขยายไปสู่จุดสิ้นสุดXIXศตวรรษ. ดังนั้นหากในวรรณกรรมและการวาดภาพแนวโรแมนติกนั้นเสร็จสิ้นการพัฒนาโดยพื้นฐานแล้วXIXศตวรรษ ชีวิตของแนวโรแมนติกทางดนตรีในยุโรปนั้นยาวนานกว่ามาก

ใน แนวโรแมนติกทางดนตรีเช่นเดียวกับในรูปแบบอื่น ๆ ของศิลปะและวรรณกรรม การต่อต้านของโลกที่สวยงาม อุดมคติที่ไม่อาจบรรลุได้และชีวิตประจำวันที่แทรกซึมไปด้วยจิตวิญญาณของลัทธิฟิลิสตินและลัทธิฟิลิสติน ในแง่หนึ่ง ก่อให้เกิดความขัดแย้งอย่างมาก การครอบงำของแรงจูงใจที่น่าเศร้าของ ความเหงา, ความสิ้นหวัง, การเดินเตร่, ฯลฯ กับสิ่งอื่น ๆ - การทำให้เป็นจริงและบทกวีของอดีตอันไกลโพ้น, ชีวิตพื้นบ้าน, ธรรมชาติ เช่นเดียวกับสภาพจิตใจของบุคคล ธรรมชาติในงานโรแมนติกมักถูกแต่งแต้มด้วยความรู้สึกไม่ลงรอยกัน

เช่นเดียวกับเรื่องโรแมนติกอื่น ๆ นักดนตรีเชื่อว่าความรู้สึกเป็นชั้นลึกของจิตวิญญาณมากกว่าจิตใจ:"จิตคิดผิด ความรู้สึกไม่เคย" (ร. ชูมันน์).

ความสนใจเป็นพิเศษในบุคลิกภาพของมนุษย์ที่มีอยู่ในดนตรีโรแมนติกนั้นแสดงออกในความเด่นของน้ำเสียงส่วนตัว . การเปิดเผยละครส่วนบุคคลมักได้รับความหมายแฝงในหมู่เรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆอัตชีวประวัติ ที่นำความจริงใจมาสู่บทเพลง ตัวอย่างเช่นหลายคน งานเปียโนชูมันน์เชื่อมโยงกับเรื่องราวความรักที่เขามีต่อคลารา วีค Berlioz เขียนอัตชีวประวัติซิมโฟนี "Fantastic" ลักษณะอัตชีวประวัติของโอเปร่าของเขาเน้นย้ำอย่างมากโดยวากเนอร์

มักจะเกี่ยวข้องกับหัวข้อของ "คำสารภาพโคลงสั้น ๆ "ธีมธรรมชาติ .

การค้นพบที่แท้จริงของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกคือธีมแฟนตาซี เป็นครั้งแรกที่ดนตรีได้เรียนรู้ที่จะรวบรวมภาพที่ยอดเยี่ยมและน่าอัศจรรย์ด้วยวิธีทางดนตรีอย่างแท้จริง ในโอเปร่าXVII - XVIIIตัวละครที่ "พิสดาร" หลายศตวรรษ (เช่น ราชินีแห่งรัตติกาลจาก " ขลุ่ยวิเศษ") พูดในภาษาดนตรีที่ "เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไป" ซึ่งโดดเด่นจากพื้นหลังของคนจริงๆ นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกได้เรียนรู้ที่จะถ่ายทอดโลกแฟนตาซีให้เป็นสิ่งที่เฉพาะเจาะจง (ด้วยความช่วยเหลือของวงออร์เคสตราและสีฮาร์มอนิกที่ไม่ธรรมดา) ตัวอย่างที่เด่นชัดคือ "Wolf Gulch Scene" ใน Magic Shooter ของ Weber

ถ้า XVIIIศตวรรษเป็นยุคของนักด้นสดฝีมือดีประเภทสากลที่มีความสามารถทัดเทียมกันทั้งร้อง แต่งเพลง เล่นเครื่องดนตรีต่างๆXIXศตวรรษนี้เป็นช่วงเวลาแห่งความกระตือรือร้นอย่างไม่เคยมีมาก่อนในงานศิลปะของนักเปียโนฝีมือดี (K. M. Weber, F. Mendelssohn, F. Chopin, F. Liszt, I. Brahms)

ยุคโรแมนติกได้เปลี่ยน "ภูมิศาสตร์ดนตรีของโลก" ไปอย่างสิ้นเชิง ภายใต้อิทธิพลของการปลุกสำนึกในตนเองของชาติอย่างแข็งขันของชาวยุโรป โรงเรียนนักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ในรัสเซีย โปแลนด์ ฮังการี สาธารณรัฐเช็ก และนอร์เวย์ ได้ก้าวไปสู่เวทีดนตรีระดับนานาชาติ นักแต่งเพลงของประเทศเหล่านี้ได้รวบรวมภาพวรรณกรรมประจำชาติ ประวัติศาสตร์ ธรรมชาติพื้นเมืองอาศัยน้ำเสียงและจังหวะของคติชนพื้นเมือง

ลักษณะเด่นของแนวโรแมนติกทางดนตรีคือความสนใจศิลปท้องถิ่น . เช่นเดียวกับกวีโรแมนติกที่เพิ่มพูนและปรับปรุงด้วยค่าใช้จ่ายของนิทานพื้นบ้าน ภาษาวรรณกรรม, นักดนตรีหันไปหานิทานพื้นบ้านของชาติอย่างกว้างขวาง - เพลงพื้นบ้าน, เพลงบัลลาด, มหากาพย์ (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg เป็นต้น) การแสดงภาพวรรณคดีประจำชาติ ประวัติศาสตร์ ธรรมชาติพื้นเมือง พวกเขาใช้น้ำเสียงและจังหวะของนิทานพื้นบ้านของชาติ รื้อฟื้นโหมดไดอะโทนิกแบบเก่าภายใต้อิทธิพลของนิทานพื้นบ้าน เนื้อหาของดนตรียุโรปเปลี่ยนไปอย่างมาก

ธีมและรูปภาพใหม่จำเป็นต้องมีการพัฒนาความรักวิธีใหม่ของภาษาดนตรี และหลักการของการกำหนดรูปแบบ การกำหนดลักษณะเฉพาะของทำนองและการแนะนำเสียงสูงต่ำ การขยายเสียงต่ำและฮาร์มอนิกของดนตรี (เฟรตธรรมชาติ, การจับคู่สีหลักและรอง ฯลฯ )

เนื่องจากจุดสนใจของความรักไม่ใช่มนุษยชาติโดยรวมอีกต่อไป แต่เป็นบุคคลเฉพาะที่มีความรู้สึกเฉพาะตัวตามลำดับและในวิธีการแสดงออก นายพลกำลังหลีกทางให้กับปัจเจกบุคคลมากขึ้นเรื่อยๆ สัดส่วนของโทนเสียงทั่วไปในเมโลดี้ การขึ้นคอร์ดที่ใช้กันทั่วไปอย่างกลมกลืน และรูปแบบทั่วไปในพื้นผิวจะลดลง วิธีการทั้งหมดเหล่านี้จะถูกทำให้เป็นรายบุคคล ในการออเคสตร้า หลักการของกลุ่มออเคสตร้าทำให้การโซโลของเสียงออเคสตร้าเกือบทั้งหมด

จุดที่สำคัญที่สุดสุนทรียศาสตร์ แนวโรแมนติกทางดนตรีคือแนวคิดของการสังเคราะห์งานศิลปะ ซึ่งพบการแสดงออกที่ชัดเจนที่สุดในงานอุปรากรของวากเนอร์และในเพลงโปรแกรม แบร์ลิออซ, ชูมันน์, ลิซท์

แนวดนตรีในผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวโรแมนติก

ในดนตรีโรแมนติก มีกลุ่มแนวเพลงสามกลุ่มที่ชัดเจน:

• ประเภทที่ครอบครองตำแหน่งรองในศิลปะคลาสสิก (ส่วนใหญ่เป็นเพลงและเปียโนขนาดเล็ก);
• ประเภทที่โรแมนติกจากยุคก่อนรับรู้ (โอเปร่า, ออราทอริโอ, วงโซนาต้า-ซิมโฟนี, ทาบทาม);
• ประเภทบทกวีฟรี (เพลงบัลลาด แฟนตาซี แรปโซดี บทกวีไพเราะ) ความสนใจในตัวพวกเขาอธิบายได้จากความปรารถนาของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกในการแสดงออกอย่างอิสระการเปลี่ยนแปลงภาพอย่างค่อยเป็นค่อยไป

เบื้องหน้าใน วัฒนธรรมดนตรีผู้สนับสนุนแนวโรแมนติกเพลง เป็นแนวเพลงที่เหมาะสมที่สุดสำหรับการแสดงความคิดที่ลึกที่สุดของศิลปิน (ในขณะที่นักแต่งเพลงมืออาชีพทำงานXVIIIในศตวรรษที่เพลงโคลงสั้น ๆ ได้รับมอบหมายให้มีบทบาทเล็กน้อย - ทำหน้าที่หลักเพื่อการพักผ่อน) Schubert, Schumann, Liszt, Brahms, Grieg และคนอื่นๆ ทำงานด้านดนตรี

นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกทั่วไปจะแต่งเพลงตามคำสั่งของหัวใจโดยตรง เป็นธรรมชาติ ความเข้าใจโลกแบบโรแมนติกไม่ใช่การเข้าใจความเป็นจริงทางปรัชญาที่สอดคล้องกัน แต่เป็นการตรึงทุกสิ่งที่สัมผัสจิตวิญญาณของศิลปินในทันที ในเรื่องนี้ในยุคโรแมนติกแนวเพลงก็เฟื่องฟูเพชรประดับ (อิสระหรือรวมกับของจิ๋วอื่นๆ ในวงจร) นี่ไม่ใช่แค่เพลงและความรักเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการประพันธ์เพลงด้วย -ช่วงเวลาทางดนตรี, ทันควัน, โหมโรง, etudes, nocturnes, waltzes, mazurkas (เกี่ยวกับการพึ่งพาศิลปะพื้นบ้าน).

ประเภทโรแมนติกหลายประเภทมีต้นกำเนิดมาจากบทกวีซึ่งเป็นรูปแบบบทกวี เช่น บทกวี เพลงที่ไม่มีคำพูด เรื่องสั้น เพลงบัลลาด

หนึ่งในแนวคิดชั้นนำเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์โรแมนติก - แนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะ - ทำให้ปัญหาของโอเปร่าเป็นศูนย์กลางของความสนใจโดยธรรมชาติ นักแต่งเพลงโรแมนติกเกือบทั้งหมดหันไปหาแนวโอเปร่าโดยมีข้อยกเว้นที่หายาก (บราห์มส์)

โทนการแสดงออกที่เป็นส่วนตัวและเป็นความลับซึ่งมีอยู่ในแนวจินตนิยมจะเปลี่ยนแนวเพลงคลาสสิกของซิมโฟนี โซนาตา และควอเตตไปอย่างสิ้นเชิง พวกเขาได้รับการตีความทางจิตวิทยาและโคลงสั้น ๆ - ละคร เนื้อหาของงานโรแมนติกจำนวนมากเกี่ยวข้องกับการเขียนโปรแกรม (รอบเปียโนชูมันน์, ปีพเนจรของลิซท์, ซิมโฟนีของแบร์ลิออซ, การทาบทามของเมนเดลโซห์น)

ภาษาฝรั่งเศส แนวโรแมนติก

การเคลื่อนไหวทางศิลปะที่เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และต้นศตวรรษที่ 19 อันดับแรกในวรรณคดี (เยอรมนี บริเตนใหญ่ ประเทศอื่นๆ ในยุโรปและอเมริกา) จากนั้นในดนตรีและศิลปะอื่นๆ แนวคิดของ "ความโรแมนติก" มาจากฉายา "โรแมนติก"; ก่อนศตวรรษที่ 18 เขาชี้ให้เห็นถึงคุณลักษณะบางอย่างของงานวรรณกรรมที่เขียนด้วยภาษาโรมานซ์ (นั่นคือไม่ใช่ในภาษาของสมัยโบราณคลาสสิก) สิ่งเหล่านี้คือความรัก (ความรักของสเปน) รวมถึงบทกวีและนวนิยายเกี่ยวกับอัศวิน ในคอน ศตวรรษที่ 18 คำว่า "โรแมนติก" เป็นที่เข้าใจกันในวงกว้างมากขึ้น: ไม่เพียงแต่เป็นการผจญภัย ความบันเทิง แต่ยังรวมถึงสมัยโบราณ พื้นบ้านดั้งเดิม ห่างไกล ไร้เดียงสา น่าอัศจรรย์ จิตวิญญาณสูงส่ง น่ากลัว ตลอดจนน่าทึ่งและน่ากลัว F. Blume เขียนไว้ว่า “ความโรแมนติกทำให้ทุกสิ่งที่พวกเขาชอบทั้งในอดีตและปัจจุบันเป็นเรื่องโรแมนติก” พวกเขามองว่างานของ Dante และ W. Shakespeare, P. Calderon และ M. Cervantes, J. S. Bach และ J. W. Goethe เป็น "ของพวกเขาเอง" มากในสมัยโบราณ พวกเขายังถูกดึงดูดด้วยบทกวีของดร. นักขุดแร่ตะวันออกและยุคกลาง ตามลักษณะที่ระบุไว้ข้างต้น เอฟ. ชิลเลอร์เรียก "สาวใช้แห่งออร์ลีนส์" ของเขาว่า "โศกนาฏกรรมโรแมนติก" และในภาพของมิญงและฮาร์เปอร์ เขามองเห็นความโรแมนติกของ "ปีแห่งคำสอนของวิลเฮล์ม มีสเตอร์" ของเกอเธ่

ยวนใจเป็น ระยะวรรณกรรมปรากฏครั้งแรกใน Novalis เป็น คำศัพท์ทางดนตรี- อี.ที.เอ. ฮอฟฟ์มันน์ อย่างไรก็ตามในเนื้อหานั้นไม่แตกต่างจากคำคุณศัพท์ที่เกี่ยวข้องมากนัก แนวโรแมนติกไม่เคยมีโปรแกรมหรือสไตล์ที่ชัดเจน นี้ วงกลมกว้างแนวโน้มทางอุดมการณ์และสุนทรียศาสตร์ซึ่งในสถานการณ์ทางประวัติศาสตร์, ประเทศ, ผลประโยชน์ของศิลปินได้สร้างสำเนียงบางอย่าง, กำหนดเป้าหมายและวิธีการต่างๆ อย่างไรก็ตาม ศิลปะโรแมนติกในรูปแบบต่างๆ ก็มีลักษณะทั่วไปที่สำคัญทั้งในด้านตำแหน่งและรูปแบบทางอุดมการณ์

แนวโรแมนติกได้รับการสืบทอดคุณสมบัติที่ก้าวหน้าหลายประการจากการตรัสรู้ ในขณะเดียวกันก็เกี่ยวข้องกับความผิดหวังอย่างลึกซึ้งทั้งในการตรัสรู้เองและในความสำเร็จของอารยธรรมใหม่ทั้งหมดโดยรวม สำหรับคู่รักในยุคแรก ๆ ที่ยังไม่ทราบผลแห่งมหา การปฏิวัติฝรั่งเศสที่น่าผิดหวังคือกระบวนการทั่วไปของการหาเหตุผลเข้าข้างตนเองในชีวิต การอยู่ใต้บังคับบัญชาของ "เหตุผล" ที่เงียบขรึมโดยเฉลี่ยและการปฏิบัติจริงที่ไร้วิญญาณ ในอนาคต โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงหลายปีของจักรวรรดิและการฟื้นฟู ความหมายทางสังคมของตำแหน่งของกลุ่มโรแมนติก - การต่อต้านชนชั้นกลางของพวกเขา - ชัดเจนยิ่งขึ้น ตามคำกล่าวของ F. Engels “สถาบันสาธารณะและการเมืองที่ก่อตั้งขึ้นโดยชัยชนะของเหตุผลกลายเป็นภาพล้อเลียนที่ชั่วร้ายและน่าผิดหวังอย่างขมขื่นของคำสัญญาที่ยอดเยี่ยมของผู้รู้แจ้ง” (Marx K. และ Engels F., On Art, vol. 1, ม., 2510, น. 387 ).

ในการทำงานของยุคโรแมนติก การต่ออายุบุคลิกภาพ การยืนยันความแข็งแกร่งทางจิตวิญญาณและความงามนั้นถูกรวมเข้ากับการเปิดโปงอาณาจักรของพวกฟิลิสเตีย มนุษย์เต็มเปี่ยม, ความคิดสร้างสรรค์ตรงข้ามกับคนธรรมดา, ไม่สำคัญ, ติดหล่มในความฟุ้งเฟ้อ, ฟุ้งซ่าน, คิดคำนวณเล็กน้อย เมื่อถึงเวลาของ Hoffmann และ J. Byron, V. Hugo และ George Sand, H. Heine และ R. Schumann การวิพากษ์วิจารณ์ทางสังคมเกี่ยวกับโลกของชนชั้นกลางได้กลายเป็นองค์ประกอบหลักประการหนึ่งของแนวโรแมนติก ในการค้นหาแหล่งที่มาของการฟื้นฟูจิตวิญญาณ คนโรแมนติกมักจะทำให้อดีตในอุดมคติพยายามสร้างแรงบันดาลใจ ชีวิตใหม่สู่ตำนานทางศาสนา ดังนั้น ความขัดแย้งจึงเกิดขึ้นระหว่างการวางแนวที่ก้าวหน้าทั่วไปของแนวโรแมนติกและแนวอนุรักษ์นิยมที่เกิดขึ้นในช่องทางของมันเอง ในผลงานของนักดนตรีโรแมนติก แนวโน้มเหล่านี้ไม่ได้มีบทบาทที่เห็นได้ชัดเจน พวกเขาแสดงตัวตนส่วนใหญ่ในบรรทัดฐานทางวรรณกรรมและบทกวีของงานบางชิ้น อย่างไรก็ตาม ในการตีความทางดนตรีของบรรทัดฐานดังกล่าว หลักการที่มีชีวิตและเป็นมนุษย์ที่แท้จริงมักจะมีน้ำหนักเกิน

แนวโรแมนติกทางดนตรีซึ่งแสดงให้เห็นอย่างเป็นรูปธรรมในทศวรรษที่สองของศตวรรษที่ 19 เป็นปรากฏการณ์ใหม่ทางประวัติศาสตร์ และในขณะเดียวกันก็เผยให้เห็นความสัมพันธ์ที่ลึกซึ้งต่อเนื่องกับดนตรีคลาสสิก ผลงานของนักแต่งเพลงที่โดดเด่นในครั้งก่อน (รวมถึงไม่เพียง แต่เพลงคลาสสิกของเวียนนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีในศตวรรษที่ 16 และ 17 ด้วย) ทำหน้าที่สนับสนุนการฝึกฝนศิลปะชั้นสูง มันเป็นศิลปะประเภทนี้ที่กลายเป็นต้นแบบของความรัก ตามคำกล่าวของชูมันน์ “เฉพาะแหล่งที่มาอันบริสุทธิ์นี้เท่านั้นที่สามารถหล่อเลี้ยงพลังของศิลปะใหม่ได้” (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 140) และนี่เป็นที่เข้าใจได้: มีเพียงผู้สูงส่งและสมบูรณ์แบบเท่านั้นที่สามารถต่อต้านการพูดคุยที่ไร้สาระทางดนตรีของร้านเสริมสวยฆราวาสความเก่งกาจที่น่าทึ่งของเวทีและ เวทีโอเปร่าอนุรักษนิยมที่ไม่แยแสของนักดนตรีช่างฝีมือ

ดนตรีคลาสสิกในยุคหลังบาคเป็นพื้นฐานสำหรับแนวโรแมนติกทางดนตรีที่เกี่ยวข้องกับเนื้อหา เริ่มต้นด้วย C. F. E. Bach องค์ประกอบของความรู้สึกแสดงออกมาอย่างอิสระมากขึ้นเรื่อย ๆ ดนตรีเชี่ยวชาญวิธีการใหม่ที่ทำให้สามารถแสดงทั้งความแข็งแกร่งและความละเอียดอ่อนของชีวิตทางอารมณ์ การแต่งเนื้อร้องในแต่ละเวอร์ชั่น แรงบันดาลใจเหล่านี้ทำให้นักดนตรีหลายคนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 มีความเกี่ยวข้องกัน กับขบวนการวรรณกรรม Sturm und Drang ทัศนคติของ Hoffmann ต่อ K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart และโดยเฉพาะอย่างยิ่งต่อ L. Beethoven ในฐานะศิลปินของคลังสินค้าแสนโรแมนติกนั้นค่อนข้างเป็นธรรมชาติ การประเมินดังกล่าวไม่เพียงสะท้อนให้เห็นถึงความหลงใหลในการรับรู้เรื่องโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังให้ความสนใจกับคุณลักษณะของ

แนวโรแมนติกทางดนตรีได้รับการเตรียมการในอดีตโดยการเคลื่อนไหวที่นำหน้าแนวโรแมนติกทางวรรณกรรมในเยอรมนีท่ามกลางแนวโรแมนติกแบบ "เจนเนียน" และ "ไฮเดลเบิร์ก" (ดับเบิลยู. จี. แวคเคนโรเดอร์, โนวาลิส, พี่น้องเอฟ. และเอ. ชเลเกล, แอล. เทียก, เอฟ. เชลลิง, แอล. Arnim, C. Brentano และอื่น ๆ ) จากนักเขียน Jean Paul ซึ่งสนิทกับพวกเขา ต่อมาจาก Hoffmann ในบริเตนใหญ่ จากกวีของสิ่งที่เรียกว่า "โรงเรียนริมทะเลสาบ" (ดับเบิลยู. เวิร์ดสเวิร์ธ, เอส. ที. โคเลริดจ์ และคนอื่นๆ) ได้พัฒนาหลักการทั่วไปของแนวจินตนิยมอย่างสมบูรณ์แล้ว ซึ่งต่อมาได้ตีความและพัฒนาดนตรีในแบบของพวกเขาเอง ในอนาคต แนวโรแมนติกทางดนตรีได้รับอิทธิพลอย่างมากจากนักเขียนเช่น Heine, Byron, Lamartine, Hugo, Mickiewicz และคนอื่นๆ

พื้นที่ที่สำคัญที่สุดของความคิดสร้างสรรค์ของนักดนตรีแนวโรแมนติก ได้แก่ เนื้อเพลง, แฟนตาซี, พื้นบ้านและต้นฉบับระดับชาติ, ธรรมชาติ, ลักษณะเฉพาะ

ความสำคัญยิ่งของเนื้อเพลงโรแมนติก ศิลปะโดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีได้รับการพิสูจน์โดยพื้นฐานของเขา นักทฤษฎี R. สำหรับพวกเขา "โรแมนติก" เป็นหลัก "ดนตรี" (สถานที่ที่มีเกียรติที่สุดได้รับในลำดับชั้นของศิลปะในดนตรี) เพราะความรู้สึกมีอิทธิพลสูงสุดในดนตรีดังนั้นผลงานของศิลปินโรแมนติกจึงพบเป้าหมายสูงสุด ในนั้น. ดังนั้นดนตรีจึงเป็นเนื้อร้อง ในแง่มุมทางปรัชญานามธรรมตามทฤษฎีของแสง ร. อนุญาตให้บุคคลรวมเข้ากับ "จิตวิญญาณของโลก" กับ "จักรวาล"; ในแง่มุมของชีวิตที่เป็นรูปธรรม ดนตรีโดยธรรมชาติแล้วเป็นสิ่งที่ตรงกันข้ามกับร้อยแก้ว ความจริงคือเสียงของหัวใจที่สามารถบอกได้อย่างสมบูรณ์ที่สุดเกี่ยวกับบุคคล ความมั่งคั่งทางจิตวิญญาณของเขา เกี่ยวกับชีวิตและแรงบันดาลใจของเขา นั่นคือเหตุผลในด้านเนื้อเพลงของเพลง R. เป็นคำที่สว่างที่สุด การแต่งเนื้อร้อง ความฉับไว และการแสดงออก การแต่งเนื้อร้องเป็นรายบุคคลของนักดนตรีแนวโรแมนติกเป็นเรื่องใหม่ คำสั่งการถ่ายโอนทางจิตวิทยา การพัฒนาความรู้สึกที่เต็มไปด้วยรายละเอียดล้ำค่าใหม่ในทุกขั้นตอน

นิยายตรงกันข้ามกับร้อยแก้ว ความจริงนั้นคล้ายกับเนื้อเพลงและโดยเฉพาะอย่างยิ่งในดนตรีจะเกี่ยวพันกับเนื้อร้อง ในตัวมันเอง จินตนาการเผยให้เห็นแง่มุมต่างๆ ที่จำเป็นสำหรับ R เท่าเทียมกัน มันทำหน้าที่เป็นอิสระแห่งจินตนาการ อิสระทางความคิดและความรู้สึก และในขณะเดียวกัน ในฐานะอิสระแห่งความรู้พุ่งเข้าสู่โลกของ "แปลก" อย่างกล้าหาญซึ่งน่าอัศจรรย์ไม่รู้จักราวกับว่าท้าทายการปฏิบัติจริงของชาวฟิลิสเตีย "สามัญสำนึก" ที่น่าสมเพช แฟนตาซีก็เป็นความงามแบบโรแมนติกเช่นกัน ในขณะเดียวกัน นิยายวิทยาศาสตร์ทำให้เป็นไปได้ในรูปแบบทางอ้อม (และด้วยเหตุนี้ ด้วยลักษณะทั่วไปทางศิลปะขั้นสูงสุด) เพื่อปะทะกันระหว่างสิ่งที่สวยงามและอัปลักษณ์ ความดีและความชั่ว ในด้านศิลปะ อาร์มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาความขัดแย้งนี้

ความสนใจของความรักในชีวิต "ภายนอก" นั้นเชื่อมโยงกับแนวคิดทั่วไปของแนวคิดเช่นเอกลักษณ์พื้นบ้านและประจำชาติธรรมชาติลักษณะเฉพาะ มันเป็นความปรารถนาที่จะสร้างความถูกต้อง ความเป็นอันดับหนึ่ง ความสมบูรณ์ที่หายไปในความเป็นจริงโดยรอบขึ้นมาใหม่ ดังนั้นความสนใจในประวัติศาสตร์ ในตำนานพื้นบ้าน ลัทธิธรรมชาติ จึงถูกตีความว่าเป็นปฐมกาล เป็นศูนย์รวมที่สมบูรณ์ที่สุดและไม่บิดเบี้ยวของ "วิญญาณของโลก" สำหรับคนโรแมนติก ธรรมชาติคือที่หลบภัยจากปัญหาของอารยธรรม มันปลอบประโลมและเยียวยาคนที่กระวนกระวายใจ ความโรแมนติกมีส่วนอย่างมากต่อความรู้ศิลปะ การฟื้นฟูผู้คน กวีนิพนธ์และดนตรีในยุคก่อนตลอดจนประเทศที่ "ห่างไกล" ตามที่ T. Mann กล่าวว่า R. เป็น "ความปรารถนาในอดีตและในขณะเดียวกันก็รับรู้ถึงสิทธิในการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ ๆ สำหรับทุกสิ่งที่เคยมีอยู่จริงด้วยสีสันและบรรยากาศในท้องถิ่นของตัวเอง" (Coll. soch., v . 10 , M. , 1961, p. 322) เริ่มต้นในสหราชอาณาจักรในศตวรรษที่ 18 คอลเลกชันของชาติ คติชนยังคงดำเนินต่อไปในศตวรรษที่ 19 ว. สก๊อต; ในเยอรมนี คนโรแมนติกเป็นคนแรกที่รวบรวมและเผยแพร่สมบัติของเตียงสองชั้นต่อสาธารณชน ความคิดสร้างสรรค์ของประเทศของตน (งานสะสมของ L. Arnim และ K. Brentano "The Magic Horn of a Boy", "นิทานเด็กและครอบครัว" โดย Brother Grimm) ซึ่งมี ความสำคัญอย่างยิ่งและสำหรับเพลง ความปรารถนาที่จะส่งสัตย์ซื่อต่อชาติ-นัต ศิลปะ สไตล์ ("สีท้องถิ่น") - ลักษณะทั่วไปของนักดนตรีโรแมนติกจากประเทศและโรงเรียนต่างๆ เช่นเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับดนตรี ภูมิประเทศ. สร้างขึ้นในพื้นที่นี้โดยนักแต่งเพลง 18 - ต้น ศตวรรษที่ 19 ห่างไกลจากความโรแมนติก ในเสียงเพลง ศูนย์รวมของธรรมชาติ R. ถึงรูปธรรมเชิงเปรียบเทียบที่ไม่รู้จักมาก่อน; สิ่งนี้ให้บริการโดยด่วนที่เพิ่งค้นพบ หมายถึงดนตรี ฮาร์มอนิกและออร์เคสตราเป็นหลัก (G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner)

"ลักษณะเฉพาะ" ดึงดูดความโรแมนติกในบางกรณีในรูปแบบดั้งเดิม ส่วนประกอบ ดั้งเดิม ในกรณีอื่น ๆ - แปลกประหลาด แปลกประหลาด ภาพล้อเลียน เพื่อสังเกตลักษณะเฉพาะ การเปิดเผยหมายถึงการทะลวงผ่านม่านสีเทาที่ปรับระดับของการรับรู้ธรรมดาและสัมผัสชีวิตจริงที่มีสีสันแปลกประหลาดและเดือดดาล ในการมุ่งมั่นเพื่อเป้าหมายนี้ เป็นเรื่องปกติสำหรับงานศิลปะแนวโรแมนติก และดนตรี การวาดภาพบุคคล การอ้างสิทธิ์ดังกล่าวมักเกี่ยวข้องกับคำวิจารณ์ของศิลปินและนำไปสู่การสร้างภาพเหมือนล้อเลียนและวิตถาร จาก Jean Paul และ Hoffmann แนวโน้มของภาพร่างที่มีลักษณะเฉพาะถูกส่งไปยัง Schumann และ Wagner ในรัสเซียไม่ใช่โดยปราศจากอิทธิพลของความโรแมนติก ประเพณีดนตรี ภาพวาดที่พัฒนาขึ้นในหมู่นักแต่งเพลงแนท เหมือนจริง. โรงเรียน - จาก A. S. Dargomyzhsky ถึง M. P. Mussorgsky และ N. A. Rimsky-Korsakov

R. พัฒนาองค์ประกอบของวิภาษวิธีในการตีความและการแสดงโลก และในแง่นี้ก็ใกล้เคียงกับเขาร่วมสมัย คลาสสิก ปรัชญา. ในชุดสูท ความเข้าใจในความสัมพันธ์ระหว่างบุคคลและส่วนรวมจะเพิ่มขึ้น ตามที่ F. Schlegel โรแมนติก กวีนิพนธ์เป็น "สากล" มัน "มีทุกอย่างที่เป็นบทกวี ตั้งแต่ระบบศิลปะที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ซึ่งรวมถึงระบบทั้งหมดอีกครั้ง ไปจนถึงการถอนหายใจ ไปจนถึงการจุมพิต ขณะที่พวกเขาแสดงออกในเพลงไร้ศิลปะของเด็ก" (“Fr. Schlegels Jugendschriften”,hrsg ของ J. Minor, Bd 2, S. 220) ความหลากหลายไม่จำกัดด้วยส่วนขยายที่ซ่อนอยู่ ความสามัคคี - นั่นคือสิ่งที่โรแมนติกให้คุณค่าเช่น ใน Don Quixote โดย Cervantes; F. Schlegel เรียกโครงสร้างของนวนิยายเรื่องนี้ว่า "ดนตรีแห่งชีวิต" (ibid., p. 316) นี่คือนวนิยายที่มี "การเปิดโลกทัศน์" - บันทึก A. Schlegel; จากการสังเกตของเขา เซร์บันเตสหันไปใช้ "รูปแบบที่ไม่สิ้นสุด" "ราวกับว่าเขาเป็นนักดนตรีที่เก่งกาจ" (A. W. Schlegel. Sämtliche Werke,hrsg. von E. Böking, Bd 11, S. 413) ศิลปะดังกล่าว ตำแหน่งสร้างความสนใจเป็นพิเศษสำหรับ otd ความประทับใจและความเชื่อมโยงไปสู่การสร้างแนวคิดร่วมกัน ทางด้านดนตรีโดยตรง. ความรู้สึกที่หลั่งไหลออกมากลายเป็นปรัชญา ภูมิทัศน์ การเต้นรำ ฉากประเภท ภาพเหมือนเต็มไปด้วยการแต่งเนื้อร้องและนำไปสู่การสรุปทั่วไป R. แสดงความสนใจเป็นพิเศษในกระบวนการชีวิตในสิ่งที่ N. Ya. Berkovsky เรียกว่า "กระแสตรงของชีวิต" ("Romanticism in Germany", Leningrad, 1973, p. 31); สิ่งนี้ใช้กับดนตรีด้วย เป็นเรื่องปกติสำหรับนักดนตรีแนวโรแมนติกที่จะพยายามเปลี่ยนแปลงความคิดดั้งเดิมอย่างไม่รู้จบ เพื่อการพัฒนาที่ “ไม่สิ้นสุด”

เนื่องจากอาร์เห็นในความหมายเดียวและบทเดียว เป้าหมายคือการผสานเข้ากับแก่นแท้อันลึกลับของชีวิต แนวคิดเรื่องการสังเคราะห์ศิลปะได้รับความหมายใหม่ “สุนทรียศาสตร์ของศิลปะแขนงหนึ่งคือสุนทรียศาสตร์ของอีกแขนงหนึ่ง มีเพียงเนื้อหาเท่านั้นที่แตกต่างกัน” ชูมานน์ (“On Music and Musicians”, vol. 1, M., 1975, p. 87) ตั้งข้อสังเกต แต่การผสมผสานระหว่าง "วัสดุที่แตกต่างกัน" ช่วยเพิ่มพลังที่น่าประทับใจให้กับงานศิลปะทั้งหมด ในการผสมผสานที่ลึกซึ้งและเป็นธรรมชาติของดนตรีกับบทกวี โรงละคร และภาพวาด ความเป็นไปได้ใหม่ๆ ได้เปิดกว้างสำหรับงานศิลปะ ในสาขาของสถาบัน ดนตรี หลักการของความสามารถในการตั้งโปรแกรมได้เข้ามามีบทบาทสำคัญ กล่าวคือ การรวมไว้ในความคิดของนักแต่งเพลงและในกระบวนการรับรู้ดนตรี และสมาคมอื่นๆ

R. เป็นตัวแทนอย่างกว้างขวางในดนตรีของเยอรมนีและออสเตรีย ในช่วงเริ่มต้น - ผลงานของ F. Schubert, E. T. A. Hoffmann, K. M. Weber, L. Spohr, G. Marschner; เพิ่มเติมโดยโรงเรียน Leipzig โดย F. Mendelssohn-Bartholdy และ R. Schumann เป็นหลัก; ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 - อาร์. วากเนอร์, ไอ. บราห์มส์, เอ. บรัคเนอร์, ฮูโก วูล์ฟ ในฝรั่งเศส R. ปรากฏตัวในโอเปร่าโดย A. Boildieu และ F. Aubert จากนั้น Berlioz ในรูปแบบที่พัฒนาและเป็นต้นฉบับมากขึ้น โรแมนติกในอิตาลี แนวโน้มสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนใน G. Rossini และ G. Verdi ชาวยุโรปทั่วไป ค่าที่ได้รับการทำงานของคอมพิวเตอร์โปแลนด์ เอฟ. โชแปง, ฮุง. - F. Liszt ชาวอิตาลี - N. Paganini (ผลงานของ Liszt และ Paganini ก็เป็นจุดสุดยอดของการแสดงโรแมนติกเช่นกัน) เยอรมัน - เจ เมเยอร์เบียร์

ภายใต้เงื่อนไขของประเทศ โรงเรียน R. ยังคงมีความเหมือนกันมากและในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความคิดริเริ่มที่สังเกตได้ชัดเจน โครงเรื่อง ประเภทที่ชื่นชอบและสไตล์

ในยุค 30 พบสิ่งมีชีวิต ความขัดแย้งระหว่างเขา และภาษาฝรั่งเศส โรงเรียน มีแนวคิดที่แตกต่างกันเกี่ยวกับการวัดโวหารที่อนุญาต นวัตกรรม; ความขัดแย้งยังเป็นคำถามของการยอมรับของสุนทรียศาสตร์ การประนีประนอมของศิลปินเพื่อเอาใจรสนิยมของ "ฝูงชน" ศัตรูของนวัตกรรมของ Berlioz คือ Mendelssohn ซึ่งปกป้องบรรทัดฐานของสไตล์ ชูมันน์ผู้ซึ่งปกป้องแบร์ลิออซและลิซท์อย่างแข็งขัน แต่ถึงกระนั้นก็ไม่ยอมรับสิ่งที่ดูเหมือนว่าเขาจะมองว่าเป็นความสุดโต่งของชาวฝรั่งเศส โรงเรียน; เขาชอบโชแปงที่มีความสมดุลมากกว่ามากกว่าผู้แต่ง Fantastic Symphony ซึ่ง Mendelssohn และ A. Henselt, S. Heller, V. Taubert, W. S. Bennett และคนอื่น ๆ ที่ใกล้เคียงกับนักแต่งเพลงคนนี้ได้รับตำแหน่งสูงมาก Schumann วิจารณ์ Meyerbeer ด้วยความเฉียบคมเป็นพิเศษโดยเห็นใน การแสดงละครที่น่าทึ่งของเขา การหลอกลวง และการแสวงหาความสำเร็จ ในทางตรงกันข้าม Heine และ Berlioz ชื่นชมความมีชีวิตชีวาของ "Huguenots" ของผู้แต่ง ดนตรี ละคร วากเนอร์พัฒนาที่สำคัญ อย่างไรก็ตาม แรงจูงใจของชูมันน์ในการทำงานของเขานั้นห่างไกลจากบรรทัดฐานของความโรแมนติกในระดับปานกลาง สไตล์; ยึดมั่น (ไม่เหมือน Meyerbeer) กับเกณฑ์ด้านความงามที่เข้มงวด การเลือกเขาเดินตามเส้นทางของการปฏิรูปที่กล้าหาญ ร.ทั้งหมด ศตวรรษที่ 19 เป็นฝ่ายค้านกับโรงเรียนไลป์ซิกที่เรียกว่า โรงเรียนเยอรมันหรือไวมาร์แห่งใหม่ Liszt กลายเป็นศูนย์กลางในปี Weimar ของเขา (1849-61), R. Wagner, H. Bülow, P. Cornelius, J. Raff และคนอื่น ๆ เป็นสมัครพรรคพวก Weimarians เป็นผู้สนับสนุนรายการเพลงดนตรี ละครประเภทวากเนอเรียนและดนตรีประเภทใหม่ที่ได้รับการปฏิรูปอย่างรุนแรงอื่นๆ คดีความ ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2402 เป็นต้นมา แนวคิดเกี่ยวกับโรงเรียนภาษาเยอรมันแห่งใหม่ได้นำเสนอโดย "นายพลชาวเยอรมัน Ferein" และวารสารที่สร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2377 โดยชูมันน์ "Neue Zeitschrift für Musik" Krym ตั้งแต่ปี 1844 กำกับโดย K.F. Brendel ในค่ายตรงข้ามพร้อมกับนักวิจารณ์ E. Hanslik นักไวโอลินและนักแต่งเพลง J. Joachim และคนอื่นๆ คือ J. Brahms; หลังไม่ได้พยายามโต้เถียงและปกป้องหลักการของเขาในความคิดสร้างสรรค์เท่านั้น (ในปีพ. ศ. 2403 Brahms ใส่ลายเซ็นของเขาคนเดียวภายใต้บทความเชิงโต้แย้ง - คำพูดโดยรวมที่ต่อต้านแนวคิดบางอย่างของ "Weimarites" ซึ่งตีพิมพ์ในนิตยสารเบอร์ลิน "Echo" ). สิ่งที่นักวิจารณ์มักจะพิจารณาว่างานของบราห์มส์มีความอนุรักษ์นิยมนั้นแท้จริงแล้วคืองานศิลปะที่มีชีวิตและเป็นต้นฉบับที่โรแมนติก ประเพณีได้รับการปรับปรุงโดยได้รับอิทธิพลใหม่อันทรงพลังจากคลาสสิก เพลงในอดีต. โอกาสของเส้นทางนี้แสดงให้เห็นโดยการพัฒนาของยุโรป เพลงต่อไป ทศวรรษ (M. Reger, S. Frank, S. I. Taneev และคนอื่น ๆ ) ในระดับเดียวกัน ข้อมูลเชิงลึกของ "Weimarites" กลายเป็นสิ่งที่มีแนวโน้ม ในอนาคต ความขัดแย้งระหว่างสองโรงเรียนกลายเป็นเรื่องล้าสมัยไปแล้ว

เนื่องจากในกระแสหลักของอาร์มีการค้นหาแนทที่ประสบความสำเร็จ ความถูกต้องทางสังคมและจิตใจ ความจริง อุดมคติของขบวนการนี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับอุดมการณ์ของสัจนิยม ความเชื่อมโยงดังกล่าวเห็นได้ชัด เช่น ในบทประพันธ์ของแวร์ดีและบิเซ็ต คอมเพล็กซ์เดียวกันเป็นเรื่องปกติสำหรับแนทจำนวนหนึ่ง ดนตรี โรงเรียนในศตวรรษที่ 19 เป็นภาษารัสเซีย เพลงโรแมนติก องค์ประกอบมีการนำเสนออย่างชัดเจนโดย M. I. Glinka และ A. S. Dargomyzhsky ในช่วงครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 - จากนักแต่งเพลงของ The Mighty Handful และจาก P. I. Tchaikovsky ต่อจาก S. V. Rachmaninov, A. N. Scriabin, N. K. Medtner ภายใต้อิทธิพลที่แข็งแกร่งของ R. Young Muss พัฒนาขึ้น วัฒนธรรมของโปแลนด์ สาธารณรัฐเช็ก ฮังการี นอร์เวย์ เดนมาร์ก ฟินแลนด์ (S. Moniuszko, B. Smetana, A. Dvorak, F. Erkel, K. Sinding, E. Grieg, N. Gade, E. Hartman, K. Nielsen, I Sibelius และอื่นๆ) รวมทั้งภาษาสเปน ดนตรีชั้น2. 19 - ขอ ศตวรรษที่ 20 (I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla)

มิวส์ อาร์มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการพัฒนาเนื้อเพลงและโอเปร่าเสียงร้องของห้อง ตามอุดมคติของร.ในการปฏิรูปวก. เพลง ช. มีบทบาทโดยการสังเคราะห์ Art-in ที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น กระทะ ท่วงทำนองตอบสนองต่อการแสดงออกของบทกวีอย่างละเอียดอ่อน คำพูดมีรายละเอียดมากขึ้นและเป็นรายบุคคล เครื่องมือ งานเลี้ยงสูญเสียลักษณะของ "ดนตรีประกอบ" ที่เป็นกลางและอิ่มตัวมากขึ้นด้วยเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่าง ในงานของ Schubert, Schumann, Franz, Wolf เส้นทางสามารถติดตามได้จากเพลงที่พัฒนาขึ้นมาเป็น "เพลง" บทกวี." ท่ามกลางกระทะ ประเภท, บทบาทของเพลงบัลลาด, บทพูดคนเดียว, ฉาก, บทกวีเพิ่มขึ้น; เพลงใน pl กรณีจะรวมกันเป็นวงจร ในความโรแมนติก โอเปร่าซึ่งพัฒนาขึ้นในเดือนธันวาคม ทิศทาง ความเชื่อมโยงระหว่างดนตรี คำพูด โรงละครมีมากขึ้นเรื่อย ๆ การกระทำ วัตถุประสงค์นี้ให้บริการโดย: ระบบของรำพึง ลักษณะเฉพาะและคำร้อง พัฒนาการของน้ำเสียงพูด การผสมผสานตรรกะของดนตรี และเวที การพัฒนาการใช้โอกาสมากมายไพเราะ วงออร์เคสตรา (คะแนนของวากเนอร์เป็นของความสำเร็จสูงสุดของซิมโฟนีโอเปร่า)

ในอินสตราแกรม เพลง นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกมักจะชอบ FP เป็นพิเศษ จิ๋ว. บทละครสั้นกลายเป็นสิ่งที่จับจ้องไปชั่วขณะ ซึ่งเป็นที่พึงปรารถนาสำหรับศิลปินแนวโรแมนติก: ภาพร่างคร่าว ๆ ของอารมณ์ ทิวทัศน์ ภาพที่มีลักษณะเฉพาะ มันซาบซึ้งและสัมพันธ์กัน ความเรียบง่าย ความใกล้ชิดกับแหล่งที่มาที่สำคัญของดนตรี - การร้องเพลง การเต้นรำ ความสามารถในการจับรสชาติดั้งเดิมที่สดใหม่ พันธุ์โรแมนติกยอดนิยม ท่อนสั้น: "เพลงที่ไม่มีคำพูด", กลางคืน, โหมโรง, วอลทซ์, มาซูร์กา รวมถึงท่อนที่มีชื่อรายการ ในอินสตราแกรม ขนาดเล็กบรรลุเนื้อหาสูง ภาพนูน; ด้วยรูปแบบที่กะทัดรัด จึงโดดเด่นด้วยการแสดงออกที่สดใส เช่นเดียวกับในกระทะ เนื้อเพลงที่นี่มีแนวโน้มที่จะรวมกัน otd เล่นเป็นวัฏจักร (โชแปง - โหมโรง, ชูมันน์ - "ฉากเด็ก", ลิซท์ - "ปีแห่งการพเนจร" ฯลฯ ); ในบางกรณี สิ่งเหล่านี้เป็นวัฏจักรของโครงสร้าง "ผ่าน" ซึ่งระหว่างแต่ละอันจะค่อนข้างเป็นอิสระต่อกัน บทละครเกิดขึ้นแตกต่างกัน ประเภทของน้ำเสียง การสื่อสาร (Schumann - "Butterflies", "Carnival", "Kreisleriana") วัฏจักร "ผ่าน" ดังกล่าวได้ให้แนวคิดเกี่ยวกับแนวโน้มหลักของแนวโรแมนติกแล้ว การตีความของสถาบันขนาดใหญ่ แบบฟอร์ม ด้านหนึ่งเน้นความแตกต่าง ความหลากหลายของแต่ละบุคคล ในทางกลับกันความสามัคคีของทั้งหมดก็แข็งแกร่งขึ้น ภายใต้สัญลักษณ์ของแนวโน้มเหล่านี้ ความคิดสร้างสรรค์ใหม่จะได้รับ การตีความคลาสสิก วงจรโซนาตาและโซนาตา ความทะเยอทะยานเดียวกันนี้กำหนดตรรกะของรูปแบบ "อิสระ" แบบหนึ่งส่วน ซึ่งมักจะรวมคุณสมบัติของโซนาตา อัลเลโกร วงจรโซนาตา และรูปแบบต่างๆ รูปแบบ "ฟรี" สะดวกอย่างยิ่งสำหรับโปรแกรมเพลง ในการพัฒนาของพวกเขาในเสถียรภาพของประเภทของ "ซิมโฟนี" ส่วนเดียว กลอน"ลิซท์บุญมาก หลักการสร้างสรรค์ที่เป็นรากฐานของบทกวีของลิซท์ - การแปลงรูปแบบหนึ่งอย่างอิสระ (เอกพจน์) - สร้างการแสดงออก ความแตกต่างและในขณะเดียวกันก็รับประกันความเป็นเอกภาพสูงสุดขององค์ประกอบทั้งหมด (Preludes, Tasso เป็นต้น)

ในรูปแบบเพลง R. บทบาทที่สำคัญที่สุดเล่นโดยวิธีโมดอลและฮาร์มอนิก การค้นหาความหมายใหม่นั้นเกี่ยวข้องกับสองกระบวนการที่ขนานกันและมักจะสัมพันธ์กัน: ด้วยการเสริมความแข็งแกร่งของการทำงานและไดนามิก ด้านข้างของฮาร์โมนีและขยายฮาร์มอนิก สีสัน ขั้นตอนแรกของกระบวนการเหล่านี้คือการเพิ่มความอิ่มตัวของคอร์ดด้วยการดัดแปลงและความไม่ลงรอยกัน ซึ่งทำให้ความไม่เสถียรของคอร์ดซ้ำเติม เพิ่มความตึงเครียดที่ต้องใช้ความละเอียดในการประสานเสียงในอนาคต ความเคลื่อนไหว. คุณสมบัติของความกลมกลืนดังกล่าวแสดงออกถึง "ความอิดโรย" ตามแบบฉบับของ R. ได้ดีที่สุด กระแสของความรู้สึกที่พัฒนาอย่าง "ไม่สิ้นสุด" ซึ่งรวมอยู่ในความสมบูรณ์เป็นพิเศษใน "Tristan" ของ Wagner เอฟเฟกต์สีสันปรากฏขึ้นแล้วในการใช้ความเป็นไปได้ของระบบโมดอลหลักและรอง (Schubert) มาใหม่ หลากหลายสีมาก เฉดสีถูกดึงออกมาจากสิ่งที่เรียกว่า โหมดธรรมชาติด้วยความช่วยเหลือของนาร์ที่เน้นย้ำ หรือคร่ำครึ ลักษณะของดนตรี บทบาทสำคัญ - โดยเฉพาะอย่างยิ่งในนิยายวิทยาศาสตร์ - ได้รับมอบหมายให้เฟร็ตด้วยสเกลโทนเสียงทั้งหมดและ "โทนเซมิโทน" นอกจากนี้ยังพบคุณสมบัติของสีสันในคอร์ดที่ไม่ลงรอยกันซึ่งซับซ้อนด้วยสี และ ณ จุดนี้เองที่กระบวนการที่กล่าวไว้ข้างต้นสัมผัสได้อย่างชัดเจน สด เสียงประกอบได้สำเร็จด้วย การเปรียบเทียบคอร์ดหรือโหมดภายในไดอะโทนิก มาตราส่วน.

ในความโรแมนติก ไพเราะทำหน้าที่ต่อไปนี้ ch. แนวโน้ม: ในโครงสร้าง - ความต้องการความกว้างและความต่อเนื่องของการพัฒนาและส่วนหนึ่งสำหรับ "การเปิดกว้าง" ของรูปแบบ ในจังหวะ - การเอาชนะประเพณี เมตริกความสม่ำเสมอ สำเนียงและอัตโนมัติ การทำซ้ำ; ในน้ำเสียง องค์ประกอบ - รายละเอียดเติมความหมายไม่เพียง แต่แรงจูงใจเริ่มต้นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความไพเราะด้วย การวาดภาพ. "ท่วงทำนองไม่รู้จบ" ในอุดมคติของ Wagner รวมถึงแนวโน้มเหล่านี้ทั้งหมด ศิลปะของนักเล่นดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 19 ก็เชื่อมโยงกับพวกเขาเช่นกัน โชแปงและไชคอฟสกี. มิวส์ อาร์ได้รับการเสริมแต่งอย่างมากทำให้วิธีการนำเสนอ (พื้นผิว) เป็นรายบุคคลทำให้พวกเขาเป็นหนึ่งในองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของท่วงทำนอง ภาพ เช่นเดียวกับการใช้ instr การประพันธ์เพลงโดยเฉพาะอย่างยิ่งซิมโฟนิก วงออเคสตรา ร.พัฒนาสี. วิธีการของวงออเคสตราและการแสดงละครของออร์ค พัฒนาไปถึงขั้นที่ดนตรียุคก่อนๆไม่รู้จัก

เพลงสาย. R. (ปลายศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20) ยังคงให้ "ต้นกล้าที่อุดมสมบูรณ์" และโรแมนติกในหมู่ผู้สืบทอดที่ใหญ่ที่สุด ประเพณียังคงแสดงความคิดของความก้าวหน้าเห็นอกเห็นใจ การอ้างสิทธิ์ (G. Mahler, R. Strauss, K. Debussy, A. N. Skryabin)

ความคิดสร้างสรรค์ใหม่เกี่ยวข้องกับการเสริมสร้างความแข็งแกร่งและการเปลี่ยนแปลงเชิงคุณภาพของแนวโน้มของอาร์ ความสำเร็จในด้านดนตรี ภาพที่มีรายละเอียดใหม่กำลังได้รับการปลูกฝัง - ทั้งในขอบเขตของความประทับใจภายนอก (สีสันที่น่าประทับใจ) และในการถ่ายทอดความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนอย่างประณีต (Debussy, Ravel, Scriabin) ความเป็นไปได้ของดนตรีกำลังขยายตัว ความเป็นรูปเป็นร่าง (R. Strauss) ในแง่หนึ่งการปรับแต่งและเพิ่มการแสดงออกทางอารมณ์ทำให้เกิดการแสดงออกทางอารมณ์ของดนตรีที่กว้างขึ้น (Scriabin, Mahler) ในเวลาเดียวกันในช่วงปลายอาร์ซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับแนวโน้มใหม่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 (Impressionism, Expressionism) อาการของวิกฤตก็ทวีขึ้น แรกเริ่ม. ศตวรรษที่ 20 วิวัฒนาการของ R. เผยให้เห็นถึงการเจริญมากเกินไปของหลักการอัตนัย การค่อยๆ เสื่อมถอยของการปรับแต่งไปสู่ความไม่มีรูปร่างและการไม่สามารถเคลื่อนที่ได้ ปฏิกิริยาตอบโต้อย่างรุนแรงต่อคุณลักษณะวิกฤตเหล่านี้คือท่วงทำนอง ต่อต้านความโรแมนติกของ 10-20s (I. F. Stravinsky, Young S. S. Prokofiev, นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส "Six" ฯลฯ ); ปลายอาร์ไม่เห็นด้วยกับความปรารถนาที่จะมีความเที่ยงธรรมในเนื้อหา เพื่อความชัดเจนของรูปแบบ ลุกขึ้น คลื่นลูกใหม่"คลาสสิก" ลัทธิของปรมาจารย์เก่า ch. อร๊าย ยุคก่อนเบโธเฟน กลางศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตาม แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ของประเพณีที่มีค่าที่สุดของอาร์ แม้ว่าดนตรีตะวันตกจะมีแนวโน้มทำลายล้างรุนแรงขึ้น แต่อาร์ก็ยังคงมีพื้นฐานทางจิตวิญญาณและเสริมด้วยโวหารใหม่ องค์ประกอบได้รับการพัฒนาโดยหลาย นักแต่งเพลงที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 20 (D. D. Shostakovich, Prokofiev, P. Hindemith, B. Britten, B. Bartok และอื่น ๆ )

วรรณกรรม: Asmus V., สุนทรียศาสตร์ทางดนตรีของปรัชญาแนวโรแมนติก, "SM", 1934, No 1; Nef K., ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตก, แปลจากภาษาฝรั่งเศส แก้ไขโดย B. V. Asafiev มอสโก 2481 Sollertinsky I., แนวโรแมนติก, สุนทรียศาสตร์ทั่วไปและดนตรี, ในหนังสือของเขา: Historical etudes, L. , 1956, vol. 1, 1963; Zhitomirsky D., Notes on Musical Romanticism (โชแปงและชูมันน์), "SM", 1960, No 2; ชูมันน์และจินตนิยมของเขาเองในหนังสือของเขา: Robert Schumann, M., 1964; Vasina-Grossman V. เพลงโรแมนติกแห่งศตวรรษที่ 19, M. , 1966; Konen, V., ประวัติดนตรีต่างประเทศ, vol. 3 ม.ค. 2515; Mazel L. , ปัญหาของความสามัคคีแบบคลาสสิก, M. , 1972 (ch. 9 - เกี่ยวกับพัฒนาการทางประวัติศาสตร์ของความสามัคคีแบบคลาสสิกในศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20); สเคร็บคอฟ เอส. หลักการทางศิลปะรูปแบบดนตรี ม. 2516; สุนทรียภาพทางดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19 คอมพ์ ข้อความบทนำ บทความและบทนำ บทความโดย E. F. Bronfin, M. , 1974 (อนุสาวรีย์แห่งความคิดทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์); หนังสือเพลงของออสเตรียและเยอรมนีในศตวรรษที่ 19 1 ม.ค. 2518; Druskin M., ประวัติดนตรีต่างประเทศ, ฉบับที่. 4 ม.ค. 2519.

D. V. Zhitomirsky

อุดมการณ์ ทิศทางศิลปะซึ่งพัฒนาขึ้นในทุกประเทศของยุโรปและเหนือ อเมริกาในคอน 18 - ชั้น 1 ศตวรรษที่ 19 ร. แสดงความไม่พอใจของสังคมชนชั้นกลาง. การเปลี่ยนแปลงซึ่งตรงข้ามกับความคลาสสิกและการตรัสรู้ F. Engels ตั้งข้อสังเกตว่า "... สถาบันทางสังคมและการเมืองที่จัดตั้งขึ้นโดย การวิพากษ์วิจารณ์วิถีชีวิตใหม่ซึ่งปรากฏอยู่ในกระแสหลักของการตรัสรู้ในหมู่ผู้มีความรู้สึกไวนั้นยิ่งปรากฏชัดเจนยิ่งขึ้นในหมู่ผู้รักใคร่ โลกดูเหมือนพวกเขาจงใจไม่มีเหตุผล เต็มไปด้วยผู้คนที่ลึกลับ เข้าใจยาก และไม่เป็นมิตร บุคลิกภาพ. สำหรับความรัก ความทะเยอทะยานสูงนั้นไม่สอดคล้องกับโลกภายนอก และความขัดแย้งกับความเป็นจริงกลายเป็นประเด็นหลักเกือบทั้งหมด เนื้อเรื่อง ร.ลุ่มๆ ดอนๆ ของโลกแห่งความเป็นจริง อาร์ ต่อต้าน ศาสนา ธรรมชาติ ประวัติศาสตร์ มหัศจรรย์ และแปลกใหม่ ลูกกลม adv. ความคิดสร้างสรรค์ แต่ที่สำคัญที่สุด - ชีวิตภายในของมนุษย์ การเป็นตัวแทนเกี่ยวกับอาร์ของเธอนั้นสมบูรณ์มาก หากสมัยโบราณเป็นอุดมคติของความคลาสสิค R. ก็ได้รับคำแนะนำจากศิลปะยุคกลางและสมัยใหม่ โดยพิจารณาจาก A. Dante, W. Shakespeare และ J. W. Goethe เป็นบรรพบุรุษของเขา R. ยืนยันว่างานศิลปะไม่ได้จัดทำขึ้นโดยแบบจำลอง แต่สร้างขึ้นโดยเจตจำนงเสรีของศิลปิน โดยรวบรวมโลกภายในของเขาไว้ การไม่ยอมรับความเป็นจริงที่อยู่รอบข้าง R. รู้ลึกและถ่องแท้ยิ่งกว่าความคลาสสิกเสียอีก ศิลปะสูงสุดสำหรับอาร์คือดนตรีในฐานะศูนย์รวมขององค์ประกอบอิสระของชีวิต เธอประสบความสำเร็จอย่างมากในช่วงเวลานั้น ร. ยังเป็นช่วงเวลาแห่งการพัฒนาบัลเล่ต์อย่างรวดเร็วและมีนัยสำคัญ ก้าวแรกของความโรแมนติก บัลเลต์ผลิตในอังกฤษ อิตาลี รัสเซีย (Sh. Didlo, A. P. Glushkovsky และอื่น ๆ ) อย่างไรก็ตาม R. เป็นรูปเป็นร่างในภาษาฝรั่งเศสอย่างเต็มที่และสม่ำเสมอที่สุด โรงละครบัลเลต์ซึ่งสะท้อนอิทธิพลในประเทศอื่น หนึ่งในข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับสิ่งนี้คือการพัฒนาเทคโนโลยีคลาสสิกในระดับสูงในฝรั่งเศสในเวลานั้น การเต้นรำโดยเฉพาะของผู้หญิง โรแมนติกชัดเจนที่สุด แนวโน้มแสดงออกมาในบัลเลต์ของ F. Taglioni ("La Sylphide", 1832 เป็นต้น) ซึ่งการกระทำมักจะเกิดขึ้นควบคู่กันในโลกแห่งความจริงและโลกแห่งจินตนาการ การเต้นรำแฟนตาซีปลดปล่อยความต้องการเหตุผลส่วนตัวในชีวิตประจำวัน เปิดขอบเขตสำหรับการใช้เทคนิคที่สั่งสมมาและการพัฒนาต่อไปเพื่อเปิดเผยคุณสมบัติที่สำคัญของตัวละครที่ปรากฎในการเต้นรำ ในการเต้นรำของผู้หญิงซึ่งมาก่อนในบัลเล่ต์ของ R. การกระโดดถูกนำมาใช้อย่างกว้างขวางมากขึ้นการเต้นรำบนรองเท้า pointe ฯลฯ เกิดขึ้นซึ่งสอดคล้องกับลักษณะที่ปรากฏอย่างสมบูรณ์แบบ สิ่งมีชีวิตที่พิสดาร- วิลลิส, ซิลฟ์. ในบัลเล่ต์ R. ครอบงำการเต้นรำ รูปแบบใหม่ของการประพันธ์เพลงคลาสสิก การเต้นรำบทบาทของการเต้นรำหญิงบัลเล่ต์พร้อมเพรียงกันเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว วงดนตรีคู่และ เต้นเดี่ยว. บทบาทของนักบัลเล่ต์ชั้นนำเพิ่มขึ้น โดยเริ่มจาก M. Taglioni เสื้อคลุมปรากฏเป็นเครื่องแต่งกายถาวรสำหรับนักเต้น บทบาทของดนตรีมีมากขึ้นก่อนทีมชาติ ซิมโฟนีแห่งการเต้นรำเริ่มขึ้น การกระทำ จุดสุดยอดของความโรแมนติก บัลเล่ต์ - "Giselle" (1841) จัดแสดงโดย J. Coralli และ J. Perrot ผลงานของแปร์โรลต์เป็นเวทีใหม่ในบัลเลต์อาร์ การแสดงตอนนี้อาศัยแสงสีเป็นหลัก แหล่งที่มาดั้งเดิม ("Esmeralda" ตาม Hugo, "Corsair" ตาม Byron ฯลฯ ) และด้วยเหตุนี้การเต้นรำจึงกลายเป็นละครมากขึ้นบทบาทขององค์ประกอบที่มีประสิทธิภาพ (เพิ่ม "การกระทำ" ที่เพิ่มขึ้น) นิทานพื้นบ้านที่ใช้การเต้นรำมากขึ้น อย่างกว้างขวาง แรงบันดาลใจที่คล้ายกันแสดงออกมาในผลงานของนักเต้นบัลเลต์ที่โดดเด่นที่สุดในเดือนสิงหาคม Bournonville Dancers F. Elsler, C. Grisi, F. Cerrito, L. Grand, E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya ก้าวไปข้างหน้า

ประเภทโรแมนติก การแสดงที่จัดตั้งขึ้นในบัลเล่ต์ของ Taglioni, Perrot, Bournonville ยังคงมีอยู่จนถึงที่สุด ศตวรรษที่ 19 อย่างไรก็ตามโครงสร้างภายในของการแสดงเหล่านี้ส่วนใหญ่อยู่ในงานของบัลเล่ต์ M. I. Petipa แปลงร่าง

ความปรารถนาในการฟื้นฟูที่โรแมนติก บัลเล่ต์ในหน้ากากดั้งเดิมได้แสดงออกมาในผลงานของปรมาจารย์บัลเลต์บางคนในศตวรรษที่ 20 M. M. Fokin มอบคุณลักษณะใหม่ของอิมเพรสชันนิสม์ให้กับ R. ในบัลเลต์

บัลเล่ต์ สารานุกรม, SE, 1981

I Music (จากเพลงกรีกตามตัวอักษรคือศิลปะของเพลง) เป็นศิลปะประเภทหนึ่งที่สะท้อนความเป็นจริงและส่งผลกระทบต่อบุคคลผ่านลำดับเสียงที่มีความหมายและจัดเป็นพิเศษซึ่งประกอบด้วยเสียงส่วนใหญ่ ...... สารานุกรมแห่งสหภาพโซเวียตผู้ยิ่งใหญ่

- (moysikn กรีกจาก mousa muse) ประเภทของชุดที่สะท้อนความเป็นจริงและส่งผลกระทบต่อบุคคลผ่านลำดับเสียงที่มีความหมายและจัดเป็นพิเศษในความสูงและเวลาซึ่งประกอบด้วยเสียงเป็นหลัก ...... สารานุกรมดนตรี

สารบัญ 1 แง่มุมทางประวัติศาสตร์ 2 วรรณกรรม 2.1 กำเนิด 2.2 สัจนิยม ... Wikipedia

คำนี้มีพื้นฐานมาจากภาษากรีก ή μουσική (หมายถึงศิลปะ τέχνη) นั่นคือ ศิลปะของมิวส์ (โดยพื้นฐานแล้วเป็นเทพีแห่งการร้องเพลงและการเต้นรำ) ต่อมาได้รับความหมายที่กว้างขึ้นจากชาวกรีกในแง่ของการพัฒนาจิตวิญญาณโดยทั่วไปและกับเราอีกครั้ง ... ... พจนานุกรมสารานุกรม F.A. Brockhaus และ I.A. เอฟรอน

เพลงจิตวิญญาณ- ดนตรี. งานของพระคริสต์ เนื้อหาที่มิได้จัดทำขึ้นในระหว่างการนมัสการ D. m. มักจะต่อต้านดนตรีฆราวาส และในแง่นี้ บางครั้งปรากฏการณ์ที่หลากหลายมากจากดนตรีประกอบพิธีกรรมก็เรียกบริเวณนี้ว่า ... ... สารานุกรมออร์โธดอกซ์

รากของ N. m ย้อนกลับไปในสมัยโบราณ ข้อมูลทางโบราณคดี. การศึกษาบ่งชี้ถึงการมีอยู่ของเชื้อโรคอื่นๆ เผ่าวิญญาณประเภทต่างๆ เครื่องมือ (lurs) การผลิต krykh มีอายุย้อนไปถึงยุคสำริด สว่าง และประวัติศาสตร์ ... ... สารานุกรมดนตรี

คุณสมบัติของการก่อตัวของรำพึง วัฒนธรรมของสหรัฐอเมริกาซึ่งเริ่มขึ้นในความขัดแย้ง ศตวรรษที่ 17 ส่วนใหญ่ถูกกำหนดโดยประเภทของการพัฒนาของประเทศในยุคอาณานิคม ย้ายไปที่ Amer พื้นดินของดนตรี ประเพณีของยุโรป, แอฟริกา, เอเชียต่อมาถูกหลอมรวมและมีปฏิสัมพันธ์ ... ... สารานุกรมดนตรี

ต้นกำเนิดของ ร.ม. ย้อนกลับไปที่งานตะวันออก ความรุ่งโรจน์. ชนเผ่าที่อาศัยอยู่ในดินแดนของดร. มาตุภูมิก่อนที่จะเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 9 ชาวรัสเซียคนแรก ไป va เกี่ยวกับ สายพันธุ์โบราณทิศตะวันออก ความรุ่งโรจน์. เพลงสามารถตัดสินโดยสมมุติฐานโดย otd ประวัติศาสตร์ หลักฐาน... ... สารานุกรมดนตรี

ต้นกำเนิดของ F. m. ย้อนกลับไปที่นิทานพื้นบ้านของชนเผ่า Celtic, Gallic และ Frankish ที่อาศัยอยู่ในสมัยโบราณในดินแดนของฝรั่งเศสในปัจจุบัน น. ศิลปะการขับร้อง รวมถึงวัฒนธรรม Gallo-Roman กลายเป็นรากฐานสำหรับการพัฒนา F. m. Ancient lit และ… … สารานุกรมดนตรี

ในตอนท้ายของ XVIII - ต้น XIXศตวรรษ ทิศทางศิลปะเช่นแนวโรแมนติกปรากฏขึ้น ในยุคนี้ ผู้คนต่างใฝ่ฝันถึงโลกในอุดมคติและ "หนี" ไปในโลกแห่งจินตนาการ สไตล์นี้พบว่าเป็นศูนย์รวมที่สดใสและเป็นรูปเป็นร่างที่สุดในดนตรี ในบรรดาตัวแทนของแนวโรแมนติกนักแต่งเพลงในศตวรรษที่ 19 เช่น Carl Weber

โรเบิร์ต ชูมันน์, ฟรานซ์ ชูเบิร์ต, ฟรานซ์ ลิซท์ และริชาร์ด วากเนอร์

ฟรานซ์ ลิซท์

อนาคตเกิดในตระกูลนักเล่นเชลโล พ่อของเขาสอนดนตรีให้เขาตั้งแต่อายุยังน้อย ตอนเป็นเด็กเขาร้องเพลงประสานเสียงและเรียนรู้ที่จะเล่นออร์แกน เมื่อ Franz อายุ 12 ปี ครอบครัวของเขาย้ายไปปารีสเพื่อให้เด็กชายได้เรียนดนตรี เขาไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าเรือนกระจก อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่อายุ 14 ปี เขาได้เขียนภาพสเก็ตช์ ในศตวรรษที่ 19 เช่น Berlioz, Paganini มีอิทธิพลอย่างมากต่อเขา

Paganini กลายเป็นไอดอลตัวจริงของ Liszt และเขาตัดสินใจที่จะฝึกฝนทักษะการเล่นเปียโนของตัวเอง กิจกรรมคอนเสิร์ตในปี พ.ศ. 2382-2390 มาพร้อมกับชัยชนะที่ยอดเยี่ยม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา Ferenc ได้สร้างคอลเลคชันละคร "Years of Wanderings" ที่มีชื่อเสียง การเล่นเปียโนที่เก่งกาจและเป็นที่ชื่นชอบของสาธารณชนได้กลายเป็นศูนย์รวมแห่งยุคอย่างแท้จริง

Franz Liszt แต่งเพลง เขียนหนังสือหลายเล่ม สอน และเปิดบทเรียน นักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 19 จากทั่วยุโรปมาหาเขา เราสามารถพูดได้ว่าเกือบตลอดชีวิตของเขาเขาทำงานด้านดนตรีเพราะเขาทำงานมา 60 ปี จนถึงทุกวันนี้ พรสวรรค์และทักษะทางดนตรีของเขาเป็นแบบอย่างให้กับนักเปียโนยุคใหม่

ริชาร์ด วากเนอร์

อัจฉริยะสร้างดนตรีที่ไม่สามารถปล่อยให้ใครเฉยได้ เธอมีทั้งผู้ชื่นชมและศัตรูที่ดุร้าย วากเนอร์หลงใหลในโรงละครมาตั้งแต่เด็ก และเมื่ออายุ 15 ปี เขาตัดสินใจสร้างโศกนาฏกรรมด้วยดนตรี เมื่ออายุได้ 16 ปี เขานำผลงานของเขามาที่ปารีส

เป็นเวลา 3 ปีที่เขาพยายามอย่างไร้ผลในการแสดงโอเปร่า แต่ไม่มีใครต้องการจัดการกับนักดนตรีที่ไม่รู้จัก เช่น นักแต่งเพลงยอดนิยมศตวรรษที่ 19 เช่นเดียวกับ Franz Liszt และ Berlioz ที่เขาพบในปารีสไม่ได้นำโชคมาให้เขา เขายากจนและไม่มีใครต้องการสนับสนุนแนวคิดทางดนตรีของเขา

หลังจากล้มเหลวในฝรั่งเศส นักแต่งเพลงกลับไปที่เดรสเดน ซึ่งเขาเริ่มทำงานเป็นวาทยกรในโรงละครศาล ในปีพ. ศ. 2391 เขาย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์เพราะหลังจากเข้าร่วมการจลาจลเขาถูกประกาศว่าเป็นอาชญากร วากเนอร์ตระหนักถึงความไม่สมบูรณ์ของสังคมชนชั้นกลางและตำแหน่งที่ต้องพึ่งพาอาศัยกันของศิลปิน

ในปี 1859 เขาร้องเพลง Love ในโอเปร่าเรื่อง Tristan und Isolde ใน Parsifal ภราดรภาพสากลถูกนำเสนอในแบบยูโทเปีย ความชั่วร้ายพ่ายแพ้ ความยุติธรรมและปัญญาชนะ นักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่ทุกคนในศตวรรษที่ 19 ได้รับอิทธิพลจากดนตรีของ Wagner และเรียนรู้จากผลงานของเขา

ในศตวรรษที่ 19 โรงเรียนสอนการแต่งเพลงและการแสดงระดับชาติได้ก่อตั้งขึ้นในรัสเซีย ดนตรีรัสเซียมีสองช่วง: แนวโรแมนติกในยุคแรกและคลาสสิค ครั้งแรกรวมถึงนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เช่น A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev

มิคาอิล กลินก้า

Mikhail Glinka ก่อตั้งโรงเรียนนักแต่งเพลงในประเทศของเรา จิตวิญญาณของรัสเซียมีอยู่ในโอเปร่าที่มีชื่อเสียงทั้งหมดของเขาเช่น "Ruslan and Lyudmila", "Life for the Tsar" ซึ่งเต็มไปด้วยความรักชาติ Glinka สรุปลักษณะเฉพาะของดนตรีพื้นบ้านโดยใช้เพลงเก่าและจังหวะของดนตรีพื้นบ้าน นักแต่งเพลงยังเป็นผู้ริเริ่มละครเพลงอีกด้วย งานของเขาคือการเพิ่มขึ้นของวัฒนธรรมของชาติ

นักแต่งเพลงชาวรัสเซียมอบโลกมากมาย ผลงานอัจฉริยะที่ยังคงครองใจผู้คนมาจนทุกวันนี้ ในบรรดานักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ยอดเยี่ยมในศตวรรษที่ 19 ชื่อเช่น M. Balakirev, A. Glazunov, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky เป็นอมตะ

ดนตรีคลาสสิกสะท้อนโลกภายในของบุคคลได้อย่างชัดเจนและเปี่ยมความรู้สึก ลัทธิเหตุผลนิยมที่เคร่งครัดถูกแทนที่ด้วยความรักในศตวรรษที่ 19

ช่วงเวลาโรแมนติก

ยุคโรแมนติกในดนตรีกินเวลาตั้งแต่ทศวรรษที่ 1830 ถึง 1910 ในระดับหนึ่ง คำว่า "โรแมนติก" เป็นเพียงฉลาก ซึ่งเป็นแนวคิดที่ไม่สามารถนิยามได้อย่างเข้มงวด เช่นเดียวกับคำอื่น ๆ อีกมากมาย งานหลายชิ้นที่กล่าวถึงในทุกบทของหนังสือของเราสามารถเรียกได้อย่างถูกต้องว่า "โรแมนติก" โดยไม่มีข้อยกเว้น

ความแตกต่างที่สำคัญของช่วงเวลานี้จากช่วงเวลาอื่นคือนักแต่งเพลงในยุคนั้นให้ความสำคัญกับความรู้สึกและการรับรู้ของดนตรีมากขึ้นโดยพยายามแสดงประสบการณ์ทางอารมณ์ด้วยความช่วยเหลือ ในเรื่องนี้พวกเขาแตกต่างจากนักแต่งเพลงในยุคคลาสสิกซึ่งสิ่งที่สำคัญที่สุดในดนตรีคือรูปแบบและผู้ที่พยายามทำตามกฎบางอย่างในการสร้างองค์ประกอบ

ในขณะเดียวกัน องค์ประกอบของแนวโรแมนติกสามารถเห็นได้ในนักแต่งเพลงบางคนในยุคคลาสสิก และองค์ประกอบของแนวโรแมนติกสามารถเห็นได้ในนักแต่งเพลงในยุคโรแมนติก ดังนั้นทุกสิ่งที่เราพูดถึงข้างต้นจึงไม่ใช่กฎที่ยากและรวดเร็วแต่อย่างใด แต่เป็นเพียง ลักษณะทั่วไป.

ประวัติศาสตร์ไม่ได้หยุดนิ่งและทุกคนก็ไม่ได้เป็นคนโรแมนติกซึ่งสนใจเพียงประสบการณ์ทางอารมณ์ของพวกเขาเท่านั้น นี่คือเวลากำเนิดของสังคมนิยม การปฏิรูปไปรษณีย์ และการก่อตั้งกองทัพแห่งความรอด ในเวลาเดียวกันมีการค้นพบวิตามินและเรเดียม คลองสุเอซถูกสร้างขึ้น เดมเลอร์ออกแบบรถยนต์คันแรก และพี่น้องตระกูลไรท์ทำการบินครั้งแรก Marconi ประดิษฐ์วิทยุโดยส่งข้อความไร้สายในระยะทาง 1 ไมล์ครึ่งได้สำเร็จ สมเด็จพระราชินีวิกตอเรียประทับบนบัลลังก์แห่งบริเตนใหญ่นานกว่ากษัตริย์อังกฤษพระองค์อื่นๆ การตื่นทองทำให้คนหลายพันคนเดินทางไปอเมริกา

เมื่อพลิกดูหนังสือของเรา คุณจะสังเกตเห็นว่านี่เป็นบทที่ใหญ่ที่สุดในบรรดาบททั้งหมด ซึ่งมีการกล่าวถึงนักแต่งเพลงไม่น้อยกว่าสามสิบเจ็ดคน หลายคนอาศัยและทำงานพร้อมกันในหลายประเทศ ดังนั้นเราจึงแบ่งบทนี้ออกเป็นสามส่วน: "Early Romantics", "National Composers" และ "Late Romantics"

อย่างที่คุณอาจเดาได้แล้วว่าการแบ่งส่วนนี้ไม่ได้อ้างว่ามีความแม่นยำอย่างแน่นอน อย่างไรก็ตาม เราหวังว่ามันจะช่วยให้การเล่าเรื่องสอดคล้องกัน แม้ว่าจะไม่ได้เรียงตามลำดับเวลาเสมอไป

เหล่านี้คือนักแต่งเพลงที่กลายเป็นสะพานเชื่อมระหว่างยุคคลาสสิกกับยุคโรแมนติกตอนปลาย หลายคนทำงานในเวลาเดียวกันกับ "คลาสสิก" และ Mozart และ Beethoven มีอิทธิพลอย่างมากต่องานของพวกเขา ในเวลาเดียวกันหลายคนมีส่วนร่วมในการพัฒนาดนตรีคลาสสิก

นักแต่งเพลงยุคโรแมนติกคนแรกของเราเป็นดาราในยุคนั้นจริงๆ ในระหว่างการแสดงของเขา เขาได้แสดงให้เห็นถึงความมหัศจรรย์ของความสามารถด้านไวโอลินและทำการแสดง ต้องเลิกอย่างไม่น่าเชื่อ. เช่นเดียวกับ Jimi Hendrix มือกีตาร์ร็อคอัจฉริยะผู้เกิดภายหลังหนึ่งร้อยหกสิบปี นิโคโล ปากานินี่สร้างความประทับใจให้กับผู้ชมอย่างสม่ำเสมอด้วยการแสดงที่เร่าร้อนของเขา

Paganini สามารถเล่นทั้งท่อนด้วยสายไวโอลินสองสายแทนที่จะเป็นสี่สาย บางครั้ง

เขาจงใจทำให้สายขาดระหว่างการแสดง หลังจากนั้นเขายังคงทำงานให้เสร็จอย่างยอดเยี่ยมโดยได้รับเสียงปรบมือกึกก้องจากสาธารณชน

เมื่อตอนเป็นเด็ก Paganini ทำงานด้านดนตรีโดยเฉพาะ อย่างไรก็ตาม พ่อของเขาถึงกับลงโทษที่เขาออกกำลังกายไม่เพียงพอด้วยการไม่ให้อาหารและน้ำแก่เขา

เมื่อโตเป็นผู้ใหญ่ ปากานินีเล่นไวโอลินเก่งจนมีข่าวลือว่าเขาทำสัญญากับปีศาจ เนื่องจากไม่มีมนุษย์คนใดเล่นได้อย่างงดงามเช่นนี้ หลังจากนักดนตรีเสียชีวิต ในตอนแรกคริสตจักรปฏิเสธที่จะฝังเขาในที่ดินของตนเองด้วยซ้ำ

ปากานินี ไม่ต้องสงสัยเลยว่าตัวเขาเองเข้าใจถึงประโยชน์ทั้งหมดของสุนทรพจน์ต่อสาธารณะ โดยระบุว่า:

"ฉันน่าเกลียด แต่เมื่อผู้หญิงได้ยินฉันเล่น พวกเขาจะคลานไปที่เท้าของฉัน"

รูปแบบและโครงสร้างของการประพันธ์ดนตรียังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องทั้งในการประพันธ์ดนตรีและในโอเปร่า ในเยอรมนี แนวหน้าของโอเปร่าเป็นผู้นำ คาร์ล มาเรีย ฟอน เวเบอร์,แม้ว่าเขาจะมีชีวิตอยู่ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งหลายคนไม่ได้กล่าวถึงช่วงเวลาโรแมนติก

อาจกล่าวได้ว่าสำหรับ Webers โอเปร่าเป็นเรื่องของครอบครัว และคาร์ลเดินทางไกลกับคณะโอเปร่าของพ่อตั้งแต่ยังเป็นเด็ก โอเปร่าของเขา นักกีฬาฟรี (นักกีฬามายากล)เข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีเนื่องจากมีการใช้ลวดลายพื้นบ้าน

หลังจากนั้นไม่นานคุณจะได้เรียนรู้ว่าเทคนิคดังกล่าวได้รับการพิจารณา คุณลักษณะเฉพาะช่วงเวลาโรแมนติก

เวเบอร์ยังเขียนคอนแชร์โตคลาริเน็ตหลายเพลง ซึ่งเขาเป็นที่รู้จักอย่างมากในปัจจุบัน

อิตาลีเป็นแหล่งกำเนิดของโอเปร่าและต่อหน้า จิโออัคชิโน อันโตนิโอ รอสซินีชาวอิตาเลียนโชคดีที่ได้พบกับฮีโร่คนใหม่ของประเภทนี้ เขาเขียนโอเปร่าที่มีเนื้อหาทั้งการ์ตูนและโศกนาฏกรรมโดยประสบความสำเร็จเท่าเทียมกัน

Rossini เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่แต่งเพลงได้เร็ว และโดยปกติแล้วเขาใช้เวลาเพียงไม่กี่สัปดาห์ในการเขียนโอเปร่า เมื่อถึงจุดสูงสุดของชื่อเสียงเขาเคยพูดว่า:

“เอาบิลค่าซักรีดมาให้ฉัน แล้วฉันจะเปิดเพลงให้ฟัง”

พวกเขาพูดอย่างนั้น ช่างตัดผมแห่งเซบียา Rossini แต่งขึ้นในเวลาเพียงสิบสามวัน การทำงานที่รวดเร็วเช่นนี้นำไปสู่ความจริงที่ว่าโอเปร่าใหม่ของเขาถูกจัดแสดงอย่างต่อเนื่องในโรงภาพยนตร์ทุกแห่งในอิตาลี แต่เขาไม่ได้ปฏิบัติต่อผู้ประพันธ์เพลงของเขาอย่างดีเสมอไปและครั้งหนึ่งเคยพูดถึงพวกเขาอย่างดูถูกเหยียดหยาม:

“โอเปร่าจะวิเศษขนาดไหนถ้าไม่มีนักร้องอยู่ในนั้น!”

แต่เมื่ออายุได้ 37 ปี Rossini ก็หยุดเขียนโอเปร่าทันทีและเกือบตลอดเวลาที่ผ่านมา สี่ทศวรรษของชีวิตจากผลงานชิ้นสำคัญที่เขาสร้างขึ้นเท่านั้น วัสดุ Stabat

จนถึงขณะนี้ยังไม่ชัดเจนว่าเขาได้รับคำแนะนำจากอะไรเมื่อทำการตัดสินใจดังกล่าว อย่างไรก็ตาม เมื่อถึงเวลานั้น เงินจำนวนมหาศาลได้สะสมอยู่ในบัญชีธนาคารของเขา นั่นคือค่าลิขสิทธิ์จากการผลิต

นอกจากดนตรีแล้ว Rossini ยังมีความหลงใหลในศิลปะการทำอาหาร และมีอาหารอีกมากมายที่ตั้งชื่อตามเขามากกว่านักแต่งเพลงคนอื่นๆ คุณยังสามารถจัดอาหารค่ำทั้งมื้อ ซึ่งรวมถึงสลัดรอสซินี ออมเล็ตรอสซินี และรอสซินีทัวร์เนโด (Turnedos คือเนื้อแถบชุบเกล็ดขนมปังทอด เสิร์ฟพร้อมปาเตและเห็ดทรัฟเฟิล)

ฟรานซ์ ชูเบิร์ต,ซึ่งมีชีวิตอยู่เพียงสามสิบเอ็ดปี เมื่ออายุได้สิบเจ็ดปีก็ได้พิสูจน์ตัวเองว่าเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ สำหรับตัวฉันเอง อายุยืนรวมแล้วเขาเขียนเพลงมากกว่าหกร้อยเพลง ซิมโฟนีเก้าเพลง โอเปร่าสิบเอ็ดเพลง และงานอื่นๆ อีกประมาณสี่ร้อยเพลง ในปี พ.ศ. 2358 เพียงปีเดียว เขาแต่งเพลงได้หนึ่งร้อยสี่สิบสี่เพลง สองเพลง ซิมโฟนีหนึ่งเพลง และผลงานอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง

เขาป่วยเป็นโรคซิฟิลิสในปี พ.ศ. 2366 และอีกห้าปีต่อมา ในปี พ.ศ. 2371 เขาเสียชีวิตด้วยโรคไข้ไทฟอยด์ หนึ่งปีก่อน เขาไปร่วมงานศพของลุดวิก ฟาน เบโธเฟน ไอดอลของเขา

เป็นที่น่าสังเกตว่าชูเบิร์ตเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงรายใหญ่คนแรก ๆ ที่มีชื่อเสียงจากการแสดงผลงานของผู้อื่น เขาเองก็ให้มาเพียงคนเดียว คอนเสิร์ตใหญ่ในปีที่เขาเสียชีวิต และถึงกระนั้นเขาก็ถูกบดบังด้วยการแสดงของ Paganini ซึ่งมาถึงเวียนนาในเวลาเดียวกัน ชูเบิร์ตผู้น่าสงสารจึงไม่เคยได้รับความเคารพอย่างที่เขาสมควรได้รับเลยในช่วงชีวิตของเขา

ความลึกลับที่ยิ่งใหญ่ประการหนึ่งของชูเบิร์ตคือ ซิมโฟนีหมายเลข 8,รู้จักกันในชื่อ ยังไม่เสร็จเขาเขียนเพียงสองส่วนแล้วหยุดทำงาน ไม่มีใครรู้ว่าทำไมเขาถึงทำเช่นนี้ แต่ซิมโฟนีนี้ยังคงเป็นหนึ่งในผลงานที่ได้รับความนิยมมากที่สุดของเขา

เอคตอร์ แบร์ลิออซเกิดในครอบครัวของแพทย์ดังนั้นเขาจึงไม่เหมือนกับนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ที่กล่าวถึงในหนังสือของเราซึ่งไม่ได้รับการศึกษาด้านดนตรีอย่างเต็มรูปแบบ

ในตอนแรกเขาตัดสินใจที่จะเดินตามรอยเท้าพ่อของเขาและเป็นหมอซึ่งเขาเดินทางไปปารีส แต่ที่นั่นเขาเริ่มใช้เวลามากขึ้นในโรงละครโอเปร่า ในที่สุดเขาก็ตัดสินใจไล่ตามดนตรี ซึ่งทำให้พ่อแม่ของเขาเสียใจมาก

ภาพลักษณ์ของ Berlioz อาจดูเหมือนภาพล้อเลียนสำหรับผู้คนจนไม่สามารถเขียนได้

มีการนำเสนอนักแต่งเพลงใด ๆ : ประหม่าและหงุดหงิด, หุนหันพลันแล่น, อารมณ์แปรปรวนอย่างรุนแรงและแน่นอนว่าโรแมนติกผิดปกติในความสัมพันธ์กับเพศตรงข้าม เมื่อเขาทำร้ายอดีตคนรักด้วยปืนในมือและขู่ว่าจะวางยาเธอ เขาติดตามไปอีกคนโดยแต่งกายด้วยเสื้อผ้าของผู้หญิง

แต่ประเด็นหลักของความปรารถนาอันโรแมนติกของ Berlioz คือนักแสดงหญิง Harriet Smithson ซึ่งภายหลังได้รับความทุกข์ทรมานจากอาการทางประสาทอย่างรุนแรง - เห็นได้ชัดว่าเธอเป็นหนี้พวกเขาในระดับมากสำหรับ Berlioz เอง เขาพบเธอครั้งแรกในปี พ.ศ. 2370 แต่เขาได้พบเธอเป็นการส่วนตัวในปี พ.ศ. 2375 เท่านั้น ในตอนแรก Smithson ปฏิเสธ Berlioz และเขาต้องการบรรลุการแลกเปลี่ยนซึ่งกันและกัน ซิมโฟนีที่ยอดเยี่ยมในปี 1833 ทั้งคู่แต่งงานกัน แต่ตามที่คาดไว้ ไม่กี่ปีต่อมา Berlioz ก็ตกหลุมรักผู้หญิงอีกคนหนึ่ง

สำหรับดนตรี Berlioz ชอบขอบเขต ยกตัวอย่างเช่นเขา บังสุกุลเขียนขึ้นสำหรับวงออร์เคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ รวมถึงแตรวงสี่วงที่วางไว้ในแต่ละมุมของเวที ความชื่นชอบดังกล่าวสำหรับ แบบฟอร์มขนาดใหญ่ไม่ได้มีส่วนช่วยให้ชื่อเสียงหลังมรณกรรมของเขามากนัก การแสดงผลงานของเขาในรูปแบบที่เขาคิดนั้นอาจมีราคาแพงมากและบางครั้งก็เป็นไปไม่ได้ แต่อุปสรรคดังกล่าวไม่ได้รบกวนเขาเลย และเขายังคงแต่งเพลงด้วยความหลงใหลทั้งหมดที่เขาสามารถทำได้ เมื่อเขากล่าวว่า:

"นักแต่งเพลงทุกคนคุ้นเคยกับความเจ็บปวดและความสิ้นหวังที่เกิดจากการไม่มีเวลามากพอที่จะเขียนสิ่งที่เขาคิดขึ้นมา"

เด็กนักเรียนคนใดที่อ่านหนังสือเล่มนี้จะต้องอิจฉาคนที่ชอบ เฟลิกซ์ เมนเดลโซห์น,ถึงคนดังในวัยเด็ก

ดังที่เราเห็นจากตัวอย่างมากมาย สิ่งนี้ไม่ใช่เรื่องแปลกในโลกของดนตรีคลาสสิก

อย่างไรก็ตาม Mendelssohn ไม่เพียงแต่ประสบความสำเร็จในด้านดนตรีเท่านั้น เขาเป็นหนึ่งในไม่กี่คนที่ประสบความสำเร็จในทุกสิ่งที่พวกเขาทำ - ในการวาดภาพ, บทกวี, กีฬา, ภาษา

ไม่ใช่เรื่องยากสำหรับ Mendelssohn ที่จะเชี่ยวชาญทั้งหมดนี้

Mendelssohn โชคดี เขาเกิดในครอบครัวที่ร่ำรวยและเติบโตมาในบรรยากาศที่สร้างสรรค์ของวงการศิลปะเบอร์ลิน เมื่อตอนเป็นเด็กเขาได้พบกับศิลปินและนักดนตรีที่มีพรสวรรค์มากมายที่มาเยี่ยมพ่อแม่ของเขา

Mendelssohn ปรากฏตัวต่อสาธารณชนเป็นครั้งแรกเมื่ออายุเก้าขวบ และเมื่ออายุได้สิบหกปี เขาก็ได้แต่งเพลงแล้ว สตริงออกเตตหนึ่งปีต่อมาเขาได้เขียนทาบทามบทละครของเชคสเปียร์ ความฝันในคืนฤดูร้อนแต่เขาสร้างเพลงที่เหลือสำหรับหนังตลกนี้หลังจากสิบเจ็ดปีเท่านั้น (รวมถึงเพลงที่มีชื่อเสียง งานแต่งงานเดือนมีนาคม, ซึ่งมักจะทำในงานแต่งงาน)

ชีวิตส่วนตัวของ Mendelssohn ก็ประสบความสำเร็จเช่นกัน ในช่วงหลายปีของการแต่งงานที่ยาวนานและยั่งยืน เขาและภรรยามีลูกห้าคน

เขาทำงานและเดินทางบ่อย รวมทั้งในสกอตแลนด์เกี่ยวกับชาวเมืองที่เขาพูดไม่ค่อยเห็นด้วยนัก:

"... [พวกเขา] ไม่ได้ผลิตอะไรเลยนอกจากวิสกี้ หมอก และสภาพอากาศเลวร้าย"

แต่สิ่งนี้ไม่ได้หยุดเขาจากการเขียนผลงานที่ยอดเยี่ยมสองชิ้นที่อุทิศให้กับสกอตแลนด์ สิบสามปีหลังจากการเดินทางครั้งแรกสิ้นสุดลง ซิมโฟนีแห่งสกอตแลนด์;พื้นฐาน การทาบทามของ Hebridesเมโลดี้สก๊อตนอนลง Mendelssohn ยังเชื่อมโยงกับบริเตนใหญ่โดย oratorio Elijah ซึ่งจัดแสดงครั้งแรกในเบอร์มิงแฮมในปี พ.ศ. 2389 เขาได้พบกับสมเด็จพระราชินีวิกตอเรียและสอนดนตรีให้กับเจ้าชายอัลเบิร์ต

Mendelssohn เสียชีวิตด้วยโรคหลอดเลือดสมองค่อนข้าง อายุน้อยเวลาสามสิบแปด แน่นอนอาจกล่าวได้ว่าเขาไม่ได้ไว้ชีวิตตัวเองและทำงานหนักเกินไปจากการทำงานมากเกินไป แต่ส่วนใหญ่การตายของเขารีบเร่งโดยการตายของ Fanny น้องสาวอันเป็นที่รักของเขาซึ่งเป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์เช่นกัน

ก่อนที่เราจะโรแมนติกกับไขกระดูก ในนั้น เฟรเดริก โชแปงเขายังโดดเด่นด้วยความทุ่มเทอย่างกระตือรือร้นต่อเครื่องดนตรีชิ้นเดียว และนี่คือสิ่งที่หายากอย่างยิ่งสำหรับนักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา

การบอกว่าโชแปงชอบเปียโนนั้นเป็นการพูดเกินจริง เขาชื่นชมมัน เขาอุทิศทั้งชีวิตให้กับการแต่งเพลงเปียโนและปรับปรุงเทคนิคการเล่นเปียโน ราวกับว่าไม่มีเครื่องดนตรีอื่นใดสำหรับเขา เว้นแต่อาจจะเป็นดนตรีประกอบในการประพันธ์ดนตรี

โชแปงเกิดในปี พ.ศ. 2353 ในกรุงวอร์ซอว์ พ่อของเขาเป็นชาวฝรั่งเศสโดยกำเนิด และแม่ของเขาเป็นชาวโปแลนด์ เฟรดเดอริกเริ่มแสดงตั้งแต่อายุเจ็ดขวบ และการประพันธ์เพลงครั้งแรกของเขามีอายุย้อนกลับไปในช่วงเวลาเดียวกัน ก็ต้องบอกว่าของเขา จุดเด่นให้ความสำคัญกับอนาคตเสมอ

ต่อจากนั้นโชแปงก็มีชื่อเสียงในปารีสซึ่งเขาเริ่มสอนดนตรีให้กับคนร่ำรวยซึ่งเขาเองก็ร่ำรวย เขาคอยจับตาดูเขาอยู่เสมอ รูปร่างและเพื่อให้ตู้เสื้อผ้าของเขาทันสมัยอยู่เสมอด้วยแฟชั่นล่าสุด

ในฐานะนักแต่งเพลง โชแปงมีระเบียบแบบแผนและพิถีพิถัน พระองค์ไม่เคยปล่อยให้ทรงประมาทเลินเล่อ ทุกๆ งานพระองค์ได้ทรงทำให้สมบูรณ์แบบ ไม่น่าแปลกใจเลยที่การแต่งเพลงเป็นกระบวนการที่เจ็บปวดสำหรับเขา

โดยรวมแล้วเขาแต่งผลงานเดี่ยวสำหรับเปียโนหนึ่งร้อยหกสิบเก้าชิ้น

ในปารีส โชแปงตกหลุมรักกับอามันดีน ออโรรา ลูซิล ดูแปง นักเขียนชื่อดังชาวฝรั่งเศสที่มีชื่อแปลก และเป็นที่รู้จักกันดีในนามแฝงว่า จอร์จ แซนด์ เธอเป็นคนค่อนข้างโดดเด่น: มักพบเธอบนถนนในกรุงปารีสที่เดินไปมาในชุดผู้ชายและสูบซิการ์ซึ่งทำให้เธอตกใจกับสาธารณชนที่มีมารยาทดี ความรักระหว่างโชแปงและจอร์จแซนด์ดำเนินไปอย่างดุเดือดและจบลงด้วยการแตกหักอย่างเจ็บปวด

เช่นเดียวกับนักแต่งเพลงในยุคโรแมนติกคนอื่น ๆ โชแปงมีชีวิตอยู่ได้ไม่นาน - เขาเสียชีวิตด้วยวัณโรคเมื่ออายุสามสิบเก้าปีหลังจากเลิกกับจอร์จแซนด์ได้ไม่นาน

โรเบิร์ต ชูมันน์- นักแต่งเพลงอีกคนหนึ่งที่มีชีวิตสั้นและน่าตื่นเต้น แม้ว่าในกรณีของเขาทุกอย่างจะเต็มไปด้วยความบ้าคลั่งพอสมควร ปัจจุบันผลงานเปียโน เพลง และแชมเบอร์มิวสิคของชูมันน์เป็นที่รู้จัก

ชูมันน์เป็นนักแต่งเพลงที่เก่งกาจ แต่ในช่วงชีวิตของเขา เขาอยู่ภายใต้ร่มเงาของภรรยา คลาร่า ชูมันน์,นักเปียโนที่เก่งกาจในยุคนั้น ในฐานะนักแต่งเพลงเธอไม่ค่อยมีใครรู้จักแม้ว่าเธอจะแต่งเพลงที่น่าสนใจด้วยก็ตาม

Robert Schumann เองไม่สามารถแสดงเป็นนักเปียโนได้เนื่องจากอาการบาดเจ็บที่มือ และเป็นเรื่องยากสำหรับเขาที่จะอยู่เคียงข้างผู้หญิงที่มีชื่อเสียงในด้านนี้

นักแต่งเพลงได้รับความทุกข์ทรมานจากโรคซิฟิลิสและอาการทางประสาท ครั้งหนึ่งเขาเคยพยายามฆ่าตัวตายด้วยการทิ้งตัวลงแม่น้ำไรน์ เขาได้รับการช่วยเหลือและนำส่งโรงพยาบาลจิตเวช ซึ่งเขาเสียชีวิตในอีก 2 ปีต่อมา

ชูมันน์ปฏิบัติต่อศิลปะอย่างจริงจัง ทราบข้อความต่อไปนี้:

“ในการแต่งเพลง คุณแค่ต้องคิดทำนองที่ไม่มีใครนึกถึง”

หาก Paganini สามารถเรียกได้ว่าเป็นราชาแห่งนักเล่นไวโอลินแล้วชื่อนี้ก็เป็นของนักเปียโนโรแมนติกในบรรดานักเปียโนโรแมนติก ฟรานซ์ ลิซท์.เขายังมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนและแสดงผลงานของนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยโดยเฉพาะ Wagner ซึ่งจะกล่าวถึงในภายหลัง

การประพันธ์เพลงเปียโนของ Liszt ทำได้ยากมาก แต่เขาเขียนตามเทคนิคการเล่นของเขา โดยรู้ดีว่าไม่มีใครจะเล่นเปียโนได้ดีไปกว่าเขา

นอกจากนี้ ลิซท์ยังได้ถ่ายทอดผลงานของนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ลงบนเปียโน ได้แก่ เบโธเฟน แบร์ลิออซ รอสซินี และชูเบิร์ต ภายใต้นิ้วของเขาพวกเขาได้รับความคิดริเริ่มที่แปลกประหลาดและเริ่มส่งเสียงในรูปแบบใหม่ เมื่อพิจารณาว่าเดิมทีพวกเขาเขียนขึ้นสำหรับวงออร์เคสตรา ก็ยังคงต้องทึ่งในทักษะของนักดนตรี ผู้ซึ่งทำซ้ำได้อย่างแม่นยำอย่างน่าประหลาดใจในเครื่องดนตรีชิ้นเดียว

Liszt เป็นดาราตัวจริงในยุคนั้น หนึ่งร้อยปีก่อนการประดิษฐ์ดนตรีร็อกแอนด์โรล เขามีชีวิตที่คู่ควรกับนักดนตรีร็อกทุกคน รวมถึงคนอื่นๆ ด้วย เรื่องความรัก. แม้แต่การตัดสินใจรับคำสั่งศักดิ์สิทธิ์ก็ไม่ได้หยุดเขาจากการเริ่มความสัมพันธ์

ลิซท์ยังนิยมการแสดงด้วยเปียโนและวงออร์เคสตรา ซึ่งเป็นแนวเพลงที่ยังคงดำเนินมาจนถึงทุกวันนี้ เขาชอบที่จะจับสายตาชื่นชมของแฟน ๆ และฟังเสียงร้องไห้อย่างกระตือรือร้นของผู้ชมที่มองดูนิ้วของเขาบินเหนือคีย์ ดังนั้นเขาจึงหมุนเปียโนเพื่อให้ผู้ชมสามารถติดตามการเล่นของนักเปียโนได้ ก่อนหน้านั้นพวกเขานั่งหันหลังให้ผู้ชม

คนทั่วไปรู้ จอร์ช บิเซต์ในฐานะผู้สร้างโอเปร่า คาร์เมนแต่รายการที่ตีพิมพ์ในตอนท้ายของหนังสือของเรารวมผลงานของเขาอีกเล่มหนึ่งด้วย วัดนักบุญเอาฟองดู(หรือที่เรียกว่า คู่ของ Nadir และ Zurgi)จากโอเปร่า ผู้แสวงหาไข่มุกอยู่ในอันดับต้น ๆ ของชาร์ตอย่างต่อเนื่องตั้งแต่เราเริ่มรวบรวมรายชื่อเพลงที่ได้รับความนิยมสูงสุดในหมู่ผู้ฟัง Classic FM ในปี 1996

Bizet เป็นเด็กอัจฉริยะอีกคนหนึ่งที่แสดงให้เห็นถึงความพิเศษของเขา ความสามารถทางดนตรีแม้แต่ในวัยเด็ก เขาเขียนซิมโฟนีครั้งแรกเมื่ออายุสิบเจ็ดปี จริงอยู่ เขายังเสียชีวิตก่อนวัยอันควรด้วยวัยสามสิบหกปี ซึ่งรวมอยู่ในรายชื่ออัจฉริยะที่ล่วงลับไปก่อนเวลาอันควร

แม้จะมีพรสวรรค์ Bizet ก็ไม่เคยได้รับการยอมรับอย่างแท้จริงในช่วงชีวิตของเขา โอเปร่า ผู้แสวงหาไข่มุกถูกจัดแสดงด้วยความสำเร็จที่หลากหลายและรอบปฐมทัศน์ คาร์เมนและจบลงด้วยความล้มเหลวโดยสิ้นเชิง - ประชาชนที่ทันสมัยในเวลานั้นไม่ยอมรับ เป็นที่ชื่นชอบของนักวิจารณ์และผู้ที่ชื่นชอบดนตรีอย่างแท้จริง คาร์เมนเอาชนะได้หลังจากการตายของนักแต่งเพลงเท่านั้น ตั้งแต่นั้นมาก็เป็นผู้นำทั้งหมด โรงละครโอเปร่าความสงบ.

นี่เป็นอีกคำจำกัดความที่คลุมเครือมาก ไม่เพียง แต่นักแต่งเพลงแนวโรแมนติกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงตัวแทนจำนวนมากของยุคบาโรกและยุคคลาสสิกที่สามารถเรียกได้อย่างถูกต้องว่า "ชาตินิยม"

อย่างไรก็ตาม ในส่วนนี้ เราจะแสดงรายชื่อนักแต่งเพลงชั้นนำ 14 คนในยุคโรแมนติก ซึ่งมีผลงานเขียนในรูปแบบที่แม้แต่ผู้ฟังที่ไม่คุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิกมากนักก็สามารถบอกได้ว่าปรมาจารย์คนนี้มาจากไหน

บางครั้งนักแต่งเพลงเหล่านี้ถูกจัดประเภทว่าเป็นของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติแห่งใดแห่งหนึ่ง แม้ว่าแนวทางนี้จะไม่ถูกต้องทั้งหมด

โดยปกติเมื่อใช้คำว่า "โรงเรียน" ห้องเรียนจะถูกนำเสนอซึ่งเด็ก ๆ ทำงานภายใต้การแนะนำของครู

หากเราพูดถึงนักแต่งเพลง พวกเขาจะรวมเป็นหนึ่งด้วยแนวทางเดียวกัน และแต่ละคนก็เดินตามเส้นทางของตัวเอง พยายามหาวิธีการแสดงออกทางดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง

หากดนตรีคลาสสิกของรัสเซียมีบิดาผู้ก่อตั้ง ไม่ต้องสงสัยเลยว่า มิคาอิล อิวาโนวิช กลินกานักดนตรีแนวชาตินิยมมีความโดดเด่นอย่างชัดเจนจากข้อเท็จจริงที่ว่าพวกเขาใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านในผลงานของพวกเขา Glinka ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับเพลงรัสเซียโดยคุณยายของเขา

ซึ่งแตกต่างจากนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์คนอื่น ๆ ที่มักถูกกล่าวถึงในหน้าหนังสือของเรา Glinka เริ่มศึกษาดนตรีอย่างจริงจังตั้งแต่อายุยังน้อย - ในวัยยี่สิบต้น ๆ ในตอนแรกเขาทำหน้าที่เป็นเจ้าหน้าที่ในกระทรวงรถไฟ

เมื่อกลินกาตัดสินใจเปลี่ยนอาชีพ เขาก็ไปอิตาลีที่ซึ่งเขาแสดงเป็นนักเปียโน ที่นั่นเขาพัฒนาความรักอย่างลึกซึ้งต่อโอเปร่า เมื่อกลับถึงบ้านเขาได้แต่งโอเปร่าเรื่องแรก ชีวิตเพื่อราชา.สาธารณชนจำได้ทันทีว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงร่วมสมัยชาวรัสเซียที่ดีที่สุด โอเปร่าที่สองของเขา รุสลันและลุดมิลาไม่ประสบความสำเร็จแม้ว่ามันจะยืนหยัดในการทดสอบของเวลาได้ดีกว่า

Alexander Porfiryevich Borodinเป็นของนักแต่งเพลงที่มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในกิจกรรมอื่น ๆ นอกเหนือจากดนตรี สำหรับ Borodin เขาเริ่มอาชีพของเขาในฐานะนักวิทยาศาสตร์ - นักเคมี การแต่งเพลงครั้งแรกของเขามีชื่อว่า "เกี่ยวกับการกระทำของเอทิลไอโอไดด์ต่อไฮโดรเบนซาไมด์และอมรินทร์" และแน่นอนว่าคุณจะไม่เคยได้ยินเรื่องนี้ทาง Classic FM เนื่องจากเป็น งานทางวิทยาศาสตร์ที่ไม่เกี่ยวกับดนตรีเลย

โบโรดินเป็นบุตรนอกสมรสของเจ้าชายจอร์เจีย เขารับเอาความรักในดนตรีและความสนใจในศิลปะโดยทั่วไปมาจากแม่ของเขา เพื่อรักษามันไว้ตลอดชีวิต

เนื่องจากมีการจ้างงานอย่างต่อเนื่อง เขาสามารถจัดพิมพ์ผลงานได้เพียงประมาณ 20 ชิ้นเท่านั้น ซึ่งรวมถึงซิมโฟนี เพลง และเชมเบอร์มิวสิค

ร่วมกับ มิลี่ บาลาคิเรฟ, นิโคไล ริมสกี-คอร์ซาคอฟ, ซีซาร์ ชุยและ Mussorgsky เจียมเนื้อเจียมตัว Borodin เป็นสมาชิกของชุมชนดนตรี Mighty Handful ความสำเร็จของนักแต่งเพลงเหล่านี้น่าทึ่งยิ่งกว่าเพราะพวกเขาล้วนมีอาชีพอื่นนอกเหนือจากดนตรี

ในนี้พวกเขาแตกต่างอย่างชัดเจนจากนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ส่วนใหญ่ที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้

ผลงานยอดนิยมของ Borodin - การเต้นรำของ Polovtsianจากโอเปร่าของเขา เจ้าชายอิกอร์ควรสังเกตว่าตัวเขาเองไม่เคยทำมันให้เสร็จ (แม้ว่าเขาจะทำงานมาสิบเจ็ดปีแล้วก็ตาม) โอเปร่าเสร็จสมบูรณ์โดยเพื่อนของเขา Rimsky - Korsakov ซึ่งเราจะพูดถึงรายละเอียดเพิ่มเติมในภายหลัง

ตามความเห็นของเรา เจียมเนื้อเจียมตัว Petrovich Mussorgskyเป็นผู้สร้างสรรค์และมีอิทธิพลมากที่สุดในบรรดานักแต่งเพลงของ "Mighty Handful" แม้ว่าเขาจะเป็นคนผิดปกติ แต่ก็ไม่ได้หนีความชั่วร้ายหนึ่งหรือสองอย่างที่มีอยู่ในตัวแทนของอาชีพสร้างสรรค์

ออกจากกองทัพ Mussorgsky ได้งานในราชการ ในวัยเด็กเขาชอบที่จะเดินเล่นเขามีความโดดเด่นด้วยความประทับใจและในช่วงสุดท้ายของชีวิตเขาต้องทนทุกข์ทรมานจากโรคพิษสุราเรื้อรัง ด้วยเหตุนี้เขาจึงมักมีผมยุ่งเหยิงและจมูกสีแดงผิดธรรมชาติ

Mussorgsky มักจะทำงานไม่เสร็จและเพื่อน ๆ ของเขาทำเพื่อเขา - บางครั้งก็ไม่เป็นไปตามที่เขาตั้งใจดังนั้นตอนนี้เราไม่แน่ใจว่าความตั้งใจดั้งเดิมของผู้เขียนคืออะไร การประสานเสียงของโอเปร่า บอริส โกดูนอฟสร้างใหม่ Rimsky-Korsakov เช่นเดียวกับ " ภาพดนตรี» คืนบนเขาหัวโล้น(ใช้ในภาพยนตร์ดิสนีย์ แฟนตาซี).การประสานเสียงเพื่อ ภาพจากนิทรรศการเขียน Maurice Ravel และในเวอร์ชันนี้พวกเขาเป็นที่รู้จักในยุคของเรา

แม้ว่า Mussorgsky จะมาจากครอบครัวที่ร่ำรวยและมีพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมในฐานะนักเปียโนและนักแต่งเพลง แต่เขาก็เสียชีวิตเมื่ออายุเพียงสี่สิบสองปีจากโรคพิษสุราเรื้อรัง

ผู้ปกครอง นิโคไล ริมสกี-คอร์ซาคอฟใฝ่ฝันให้ลูกชายรับราชการในกองทัพเรือ และเขาก็ทำตามความคาดหวังของพวกเขา แต่หลังจากรับราชการในกองทัพเรือมาหลายปีและทำเงินได้เป็นจำนวนมาก การเดินทางทางทะเลเขากลายเป็นนักแต่งเพลงและครูสอนดนตรี ซึ่งสร้างความประหลาดใจให้กับครอบครัวของเขาอย่างไม่ต้องสงสัย เพื่อบอกความจริง Rimsky-Korsakov สนใจดนตรีอยู่เสมอและเริ่มแต่งเพลงด้วยซ้ำ ซิมโฟนีหมายเลข 1,เมื่อเรือของเขาจอดอยู่ในเขตอุตสาหกรรม Gravesend ที่ปากแม่น้ำเทมส์ นี่อาจเป็นหนึ่งในสถานที่ที่โรแมนติกน้อยที่สุดในการแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้

นอกเหนือจากข้อเท็จจริงที่ว่า Rimsky-Korsakov ได้สร้างและปรับปรุงองค์ประกอบบางส่วนของ Mussorgsky แล้ว ตัวเขาเองได้สร้างโอเปร่าสิบห้าเรื่องในธีมจากชีวิตชาวรัสเซีย แม้ว่างานของเขาจะรู้สึกถึงอิทธิพลของประเทศที่แปลกใหม่ ตัวอย่างเช่น, เชเฮราซาดอิงจากเรื่องพันหนึ่งราตรี

Rimsky-Korsakov ทำได้ดีเป็นพิเศษในการแสดงความงามของเสียงของวงออเคสตราทั้งหมด เขาให้ความสนใจอย่างมากกับสิ่งนี้ในกิจกรรมการสอนของเขา และด้วยเหตุนี้จึงมีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียหลายคนที่ทำงานหลังจากเขา โดยเฉพาะสตราวินสกี

ปีเตอร์ อิลยิช ไชคอฟสกียังใช้ท่วงทำนองพื้นบ้านของรัสเซียในการแต่งเพลงของเขา แต่แตกต่างจากนักแต่งเพลงสัญชาติรัสเซียคนอื่น ๆ เขาประมวลผลด้วยวิธีของเขาเองราวกับเป็นมรดกทางดนตรีของยุโรปทั้งหมด

ชีวิตส่วนตัวของ Tchaikovsky ซึ่งปกคลุมไปด้วยความลับต่างๆ (มีข่าวลือแพร่สะพัดเกี่ยวกับพฤติกรรมรักร่วมเพศของเขา) นั้นไม่ใช่เรื่องง่าย ตัวเขาเองเคยกล่าวไว้ว่า

“มันคงเป็นอะไรที่บ้าไปแล้วถ้าไม่ใช่เพราะดนตรี!”

ตอนเป็นเด็กเขาเป็นคนที่น่าประทับใจ และตอนโตเป็นผู้ใหญ่ เขามักจะเศร้าโศกและแม้แต่ซึมเศร้า เขามีความคิดที่จะฆ่าตัวตายมากกว่าหนึ่งครั้ง ในวัยหนุ่ม เขาเรียนกฎหมายและทำงานสั้นๆ ในกระทรวงยุติธรรม แต่ไม่นานก็ออกจากราชการเพื่ออุทิศตนให้กับดนตรีโดยสิ้นเชิง ตอนอายุสามสิบเจ็ดปีเขาแต่งงานโดยไม่คาดคิด แต่การแต่งงานของเขากลายเป็นความทรมานอย่างแท้จริงสำหรับทั้งตัวเขาและภรรยาของเขา ในที่สุดภรรยาของเขาก็เข้าโรงพยาบาลจิตเวชซึ่งเธอเสียชีวิต ไชคอฟสกีเองก็ต้องทนทุกข์ทรมานเป็นเวลานานจากการเลิกราที่เกิดขึ้นหลังงานแต่งงานเพียงสองเดือน

ผลงานในยุคแรกของไชคอฟสกีไม่เป็นที่รู้จักของคนทั่วไป และสิ่งนี้ทำให้เขาต้องทนทุกข์ทรมานมาก อยากรู้อยากเห็นหลายงานรวมถึง คอนแชร์โตสำหรับไวโอลินและวงออร์เคสตราและ เปียโนคอนแชร์โต หมายเลข 1 ในกำลังเป็นที่นิยมอย่างมากในขณะนี้ การบันทึก เปียโนคอนแชร์โต หมายเลข 1โดยทั่วไปแล้วกลายเป็นการบันทึกเสียงดนตรีคลาสสิกชุดแรกที่ได้รับสถานะ "Golden Disc" จากการขายหนึ่งล้านชุด

ไชคอฟสกีเขียนโอเปร่า 10 เรื่อง ได้แก่ ยูจีน โอเนจิน,และดนตรีบัลเลต์เช่น แคร็กเกอร์ เจ้าหญิงนิทราและ สวอนเลค.เมื่อฟังเพลงนี้ คุณจะรู้ได้ทันทีถึงความยอดเยี่ยมของพรสวรรค์ของไชคอฟสกี ผู้ซึ่งสามารถสร้างท่วงทำนองที่กลมกลืนและน่าตื่นเต้นอย่างยิ่ง บัลเลต์ของเขามักจะถูกจัดแสดงในเวทีระดับโลกและกระตุ้นความชื่นชมจากสาธารณชนอย่างไม่เปลี่ยนแปลง ด้วยเหตุผลเดียวกัน วลีทางดนตรีจากซิมโฟนีและคอนแชร์โตของเขาจึงเป็นที่รู้จักแม้กระทั่งผู้ที่ไม่คุ้นเคยกับดนตรีคลาสสิก

เป็นเวลาหลายปีที่ Tchaikovsky ได้รับความโปรดปรานจากหญิงม่ายผู้มั่งคั่งชื่อ Nadezhda von Meck ผู้ซึ่งส่งเงินจำนวนมากมาให้เขาโดยมีเงื่อนไขว่าพวกเขาจะไม่เคยพบหน้ากัน เป็นไปได้ว่าในการประชุมส่วนตัวพวกเขาจะไม่รู้จักกัน

สถานการณ์การเสียชีวิตของนักแต่งเพลงยังไม่ชัดเจนนัก ตามข้อสรุปอย่างเป็นทางการ ไชคอฟสกีเสียชีวิตด้วยอหิวาตกโรค เขาดื่มน้ำที่ติดเชื้อไวรัส แต่มีรุ่นที่เขาฆ่าตัวตายโดยกลัวว่าความสัมพันธ์รักร่วมเพศของเขาจะถูกเปิดเผยต่อสาธารณะ

หาก Glinka ถือเป็นบิดาแห่งดนตรีคลาสสิกของรัสเซียก็จะมีบทบาทเดียวกันในดนตรีคลาสสิกของเช็ก เบดริช สเมทานา.

Smetana ได้รับแรงบันดาลใจจากภาษาเช็กมาโดยตลอด วัฒนธรรมพื้นบ้านและธรรมชาติ ประเทศบ้านเกิด. นี่เป็นความรู้สึกโดยเฉพาะอย่างยิ่งในวงจรของบทกวีไพเราะ มาตุภูมิของฉันซึ่งใช้เวลาแปดปีในการเขียน Smetana

ปัจจุบันงานที่ได้รับความนิยมสูงสุดในรอบนี้คือ วัลตาวาอุทิศให้กับหนึ่งในแม่น้ำเช็กที่ใหญ่ที่สุดที่ไหลผ่านกรุงปราก

ในช่วงบั้นปลายของชีวิต เบดริช สเมทานาล้มป่วยหนัก (สันนิษฐานว่าเป็นโรคซิฟิลิส) หูหนวกและสูญเสียสติสัมปชัญญะ เขาเสียชีวิตเมื่ออายุหกสิบ

ดนตรีของเขามีอิทธิพลต่อนักแต่งเพลงคนต่อไปในรายชื่อ Antonín Dvořák ซึ่งผลงานการประพันธ์ของเขาได้รับการยอมรับไปไกลถึงสาธารณรัฐเช็ก

แอนโทนิน ดโวรัคเป็นวีรบุรุษของชาติเช็กที่รักบ้านเกิดของเขาอย่างสุดซึ้ง เพื่อนร่วมชาติของเขาตอบรับและชื่นชมเขา

ผลงานของ Dvorak ได้รับการส่งเสริมอย่างกว้างขวางจาก Brahms (ซึ่งจะกล่าวถึงในภายหลัง) ชื่อของ Dvorak ค่อยๆเป็นที่รู้จักไปทั่วโลก ตัวอย่างเช่น เขาได้รับแฟนเพลงในอังกฤษ ซึ่งเขาได้แสดงตามคำเชิญของ Royal Philharmonic Society เช่นเดียวกับในงานเทศกาลในเบอร์มิงแฮมและลีดส์

หลังจากนั้น Dvorak ตัดสินใจเดินทางไปสหรัฐอเมริกาซึ่งในปี 1890 เขาได้รับตำแหน่งผู้ควบคุมวง National Conservatory ในนิวยอร์กซึ่งเขาดำรงตำแหน่งเป็นเวลาสามปี Dvorak คิดถึงบ้านเกิดของเขามาก แต่ก็ไม่สนใจดนตรีท้องถิ่น ความประทับใจของเธอสะท้อนให้เห็นในตัวเขา ซิมโฟนีหมายเลข 9,ชื่อ จากโลกใหม่

ในที่สุด Dvorak ตัดสินใจกลับบ้านและใช้ชีวิตช่วงปีสุดท้ายในปรากเพื่อสอนหนังสือ

นอกจากดนตรีแล้ว Dvorak ยังสนใจในรถไฟและเรือ และนี่คือความหลงใหลของเขาเองที่มีส่วนทำให้เขาตกลงที่จะไปเยือนสหรัฐอเมริกา แม้ว่าค่าธรรมเนียมจำนวนมากที่เสนอให้เขาก็สามารถมีบทบาทชี้ขาดได้เช่นกัน

d ตัวแทนของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติเช็กรวมถึง โจเซฟ ซุก, ลีออส ยานาเซ็กและ โบกุสลาฟ มาร์ติน.

นอร์เวย์ เอ็ดวาร์ด กรีกอยู่ในวงนักแต่งเพลงที่รักบ้านเกิดของตนอย่างสุดหัวใจ และมาตุภูมิก็ตอบรับเขาเป็นการตอบแทน ในนอร์เวย์ การแต่งเพลงของเขายังคงได้รับความนิยมอย่างมาก แต่ทุกอย่างอาจแตกต่างออกไปเนื่องจากตระกูล Grieg มีต้นกำเนิดจากสกอตแลนด์ - ปู่ทวดของเขาอพยพไปยังสแกนดิเนเวียหลังจากพ่ายแพ้ในการสู้รบกับอังกฤษใกล้กับคัลโลเดน

เหนือสิ่งอื่นใด Grieg ได้สร้างผลงานประเภทเล็ก ๆ เช่น บทละครสำหรับเปียโน แต่คอนเสิร์ตที่โด่งดังที่สุดของเขาคือ คอนเสิร์ตเปียโน,ด้วยบทนำที่น่าประทับใจ ซึ่งเสียงของเปียโนราวกับจะโปรยปรายลงมาใต้ลูกคอของกลองทิมปานี

d ตัวแทนของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติสแกนดิเนเวียรวมถึง คาร์ล นีลเซ่นและ โยฮัน สเวนเซ่น.

ทั้งๆที่ใน ศตวรรษที่สิบเก้าในสเปนก็เขียนดนตรีคลาสสิกเช่นกันมีนักแต่งเพลงไม่มากนักที่มีชื่อเสียงระดับโลก หนึ่งในข้อยกเว้นคือ ไอแซค อัลเบนิซในวัยหนุ่มของเขาเขาไม่โดดเด่นด้วยนิสัยที่เข้ากันได้

พวกเขาบอกว่า Albeniz เรียนรู้การเล่นเปียโนตั้งแต่อายุหนึ่งขวบ สามปีต่อมาเขาได้แสดงในที่สาธารณะและเมื่ออายุได้แปดขวบเขาก็เริ่มออกทัวร์ เมื่ออายุได้สิบห้าปี เขาสามารถไปเยือนอาร์เจนตินา คิวบา สหรัฐอเมริกา และอังกฤษได้

Albeniz ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในการแสดงด้นสด: เขาสามารถคิดทำนองเพลงได้ทันทีและเอาชนะมันในหลาย ๆ เวอร์ชั่นได้ทันที เขายังแสดงให้เห็นถึงความมหัศจรรย์ของการเรียนรู้เครื่องดนตรี - เขาเล่นโดยยืนหันหลังให้เขา ยิ่งไปกว่านั้น เขาแต่งตัวเป็นทหารเสือทุกครั้ง เพิ่มความน่าตื่นเต้นให้กับการแสดงของเขา

ในวัยผู้ใหญ่ เขานั่งลงเล็กน้อยและทำให้ผู้ชมประหลาดใจไม่ใช่พฤติกรรมอุกอาจของเขาอีกต่อไป แต่ด้วยการแต่งเพลงของเขา เขามีชื่อเสียงเป็นพิเศษจากวงจรการเล่นเปียโน ไอบีเรียด้วยความสำเร็จของเขา นักแต่งเพลงคนนี้ได้นำสเปนออกจากเงามืดและดึงดูดความสนใจของชุมชนดนตรีโลก

d Albéniz มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในโรงเรียนแห่งชาติของสเปนรวมถึง ปาโบล เด ซาราซาเต, เอ็นริเก กรานาโดส, มานูเอล เด ฟอลลาและ เฮโทรา วิลล่า - โลโบซา(ซึ่งเป็นชาวบราซิล)

อาเธอร์ ซัลลิแวนรู้จักกันดีในปัจจุบัน แต่ประวัติศาสตร์ไม่ได้ปฏิบัติต่อเขาอย่างยุติธรรมเพราะทุกวันนี้ยังห่างไกลจากผลงานที่ดีที่สุดของเขา ในปี 1870 เขาเริ่มทำงานร่วมกับกวีและนักประพันธ์ ดับเบิลยู. เอส. กิลเบิร์ต พวกเขาร่วมกันเขียนบทละครการ์ตูนหลายเรื่อง: การพิจารณาคดีโดยคณะลูกขุน, Pirates of Penzance, เรือฟริเกต Pinafore ของสมเด็จพระราชินี, เจ้าหญิง Ida, The Mikado, Yeoman the Guardและคนอื่น ๆ.

แม้จะประสบความสำเร็จอย่างมากในการทำงานร่วมกัน แต่ผู้เขียนทั้งสองก็เข้ากันได้ไม่ดีนักและท้ายที่สุดหลังจากการทะเลาะกันอย่างรุนแรงพวกเขาก็หยุดสื่อสารกันโดยสิ้นเชิง อย่างไรก็ตามการทะเลาะวิวาทเหล่านี้ว่างเปล่า

ตัวอย่างเช่น หนึ่งในนั้นเกี่ยวข้องกับพรมใหม่ในโรงละคร Savoy ในลอนดอน ซึ่งโดยปกติแล้วละครโอเปเรตตาของพวกเขาจะถูกจัดแสดง

ซัลลิแวนใฝ่ฝันที่จะมีชื่อเสียงในฐานะนักแต่งเพลงที่จริงจัง แต่ตอนนี้งานของเขาซึ่งไม่ได้อยู่ในประเภทโอเปเรตตาได้ถูกลืมไปแล้ว

อย่างไรก็ตาม เขาเขียนโอเปร่า ไอแวนโฮค่อนข้างน่าสนใจ ซิมโฟนีใน E minorและเพลงสรรเสริญพระบารมี “ไปข้างหน้า กองทัพของพระคริสต์!”- บางทีอาจเป็นงานที่ทำบ่อยที่สุดของเขา

d ผู้แทนจาก English National School of Music รวมถึง อาร์โนลด์ บัคส์, ฮิวเบิร์ต แพร์รี, ซามูเอล โคลริดจ์-เทย์เลอร์, ชาร์ลส์ วิลเลียร์ส สแตนฟอร์ดและ จอร์จ บัตเตอร์เวิร์ธ.

อะนาล็อกฝรั่งเศสของ Gilbert and Sullivan operettas สามารถเรียกได้ว่าเป็นผลงาน ฌาคส์ ออฟเฟนบาคคนที่มีอารมณ์ขันอย่างแน่นอน เขาเกิดในโคโลญจน์ และบางครั้งจึงเซ็นชื่อเป็น "O. จากโคโลญจน์” (“O. de Cologne” ฟังดูเหมือน “โคโลญจน์”)

ในปี 1858 ออฟเฟนบาคทำให้ชาวปารีสประหลาดใจ สามารถจากละคร ออร์ฟัสในนรก; สำหรับสาธารณชนที่ละเอียดอ่อนการเต้นรำของคนทั่วไปนั้นดูดุร้ายและลามกอนาจารอย่างไรก็ตามตัวละครเองก็ถือว่าเป็นเรื่องอื้อฉาว

อย่างไรก็ตามหากคุณคุ้นเคยกับชื่อนี้คุณควรจำไว้ว่า Peri, Monteverdi และ Gluck เขียนเพลงสำหรับตำนานของ Orpheus ในศตวรรษก่อนหน้า เวอร์ชันของออฟเฟนบาคเป็นเรื่องเหน็บแนม มีไว้เพื่อความบันเทิง ดังนั้นจึงมีฉากที่ไร้สาระมาก อย่างไรก็ตาม แม้จะมีความประทับใจแรกพบ แต่ในที่สุดประชาชนก็หลงรักบทประพันธ์นี้ ดังนั้นตัวออฟเฟนบาคจึงแทบไม่มีเหตุผลใดที่จะต้องเสียใจในสิ่งที่เขาเขียน

โอเปร่าจริงจังเป็นที่รู้จักในหมู่ผลงานอื่นๆ ของเขา เรื่องเล่าของฮอฟฟ์มันน์ที่มันฟัง บาร์คาโรล.

ลีโอ เดลีเบสเป็นนักแต่งเพลงที่มีอิทธิพลไม่น้อยไปกว่าออฟเฟนบาค แม้ว่าตอนนี้จะจำได้เพียงโอเปร่าเรื่องเดียวเท่านั้น - ลาคเม่,ซึ่งมีชื่อเสียง คู่ดอกไม้,ใช้ในสกรีนเซฟเวอร์โทรทัศน์และโฆษณามากมาย

ในบรรดาคนรู้จักของ Delibes มีนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมเช่น Berlioz และ Bizet ซึ่งเขาทำงานเป็นผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียงของ Lyric Theatre ในปารีส

d ตัวแทนของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติของฝรั่งเศสรวมถึง อเล็กซิส-เอ็มมานูเอล ชาเบรียร์,ชาร์ลส์ มารี วิดอร์,โจเซฟ ก็องเต้-หลับและ จูลส์ แมสเซเน็ต,โอเปร่า คนไทยซึ่งรวมถึงอินเตอร์เมซโซด้วย ภาพสะท้อน (กรรมฐาน),เป็นที่นิยมของนักไวโอลินร่วมสมัยหลายคน

นักแต่งเพลงสองชาติคนสุดท้ายของเรา - โรแมนติก - เป็นพ่อและลูก แม้ว่าอายุระหว่างพวกเขา (ยี่สิบเอ็ดปี) จะต่างกันไม่มากสำหรับประวัติศาสตร์ โยฮันน์ สเตราส์ ซีเนียร์ถือเป็น "บิดาแห่งเพลงวอลทซ์" เขาเป็นนักไวโอลินฝีมือเยี่ยมและเป็นผู้นำวงออเคสตร้าที่เล่นไปทั่วยุโรปและได้รับเงินก้อนโตสำหรับสิ่งนี้

อย่างไรก็ตาม ชื่อของ "ราชาแห่งเพลงวอลทซ์" เป็นของลูกชายของเขาโดยชอบธรรม ซึ่งเรียกอีกอย่างว่าโยฮันน์ สเตราส์ พ่อของเขาไม่ต้องการให้เขาเป็นนักไวโอลิน แต่ Johann ผู้เป็นน้องก็อุทิศชีวิตของเขาให้กับดนตรีและจัดวงออร์เคสตราของเขาเอง ซึ่งแข่งขันกับพ่อของเขาได้ ที่ น้องสเตราส์มีความเฉียบแหลมทางธุรกิจที่ดีซึ่งทำให้เขาสามารถเสริมสร้างฐานะทางการเงินของเขาได้

ทั้งหมด โยฮันน์ สเตราส์ - ลูกชายเขียนหนึ่งร้อยหกสิบแปดเพลงวอลทซ์รวมถึงเพลงที่ได้รับความนิยมมากที่สุด - บนแม่น้ำดานูบสีน้ำเงินที่สวยงามในท้ายที่สุด วงออร์เคสตรามากถึงหกวงได้รับการตั้งชื่อตามวง Strauss ซึ่งวงหนึ่งนำโดยพี่ชายของโยฮันน์ โจเซฟผู้เป็นน้อง และอีกวงหนึ่งโดยพี่ชายอีกคนของเขา เอดูอาร์ด (แต่ละวงแต่งเพลงประมาณสามร้อยเพลง)

เพลงวอลทซ์และโพลกาของ Johann เป็นเพลงฮิตในร้านกาแฟเวียนนา และสไตล์ที่เบาและกระปรี้กระเปร่าของเขาก็กลายเป็นมาตรฐานของเพลงแดนซ์ทั่วยุโรป

ผู้ชื่นชอบดนตรีคลาสสิกบางคนยังคงคิดว่าการประพันธ์ของสเตราส์นั้นหยาบคายและไร้สาระเกินไป อย่าเชื่อพวกเขาและอย่ายอมจำนนต่อการยั่วยุของพวกเขา! ครอบครัวนี้สามารถเขียนผลงานที่ยอดเยี่ยมอย่างแท้จริง ยกระดับใจ และน่าจดจำเป็นเวลานานทันทีหลังจากฟังครั้งแรก

นักแต่งเพลงหลายคนในยุคนี้ยังคงเขียนเพลงได้ดีในศตวรรษที่ 20 อย่างไรก็ตาม เราพูดถึงพวกเขาที่นี่ ไม่ใช่ในบทถัดไป ด้วยเหตุผลที่ว่ามันเป็นจิตวิญญาณของความโรแมนติกที่หนักแน่นในดนตรีของพวกเขา

ควรสังเกตว่าบางคนมีความสัมพันธ์ใกล้ชิดและแม้แต่มิตรภาพกับนักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหัวข้อย่อย "Early Romantics" และ "Nationalists"

นอกจากนี้ ควรระลึกไว้เสมอว่าในช่วงเวลานี้นักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมจำนวนมากทำงานในประเทศต่างๆ ในยุโรป ซึ่งการแบ่งตามหลักการใด ๆ จะเป็นไปโดยพลการโดยสิ้นเชิง หากในวรรณคดีต่าง ๆ ที่อุทิศให้กับยุคคลาสสิกและยุคบาโรกจะมีการกล่าวถึงกรอบเวลาเดียวกันโดยประมาณ ช่วงเวลาโรแมนติกจะถูกกำหนดแตกต่างกันไปทุกที่ ดูเหมือนว่าเขตแดนระหว่างการสิ้นสุดของยุคโรแมนติกและต้นศตวรรษที่ 20 ในดนตรีนั้นเบลอมาก

นักแต่งเพลงชั้นนำของอิตาลีในศตวรรษที่ 19 คือไม่ต้องสงสัย จูเซปเป้ แวร์ดี.ชายคนนี้มีหนวดและคิ้วหนา มองมาที่เราด้วยดวงตาเป็นประกาย ยืนหัวและไหล่อยู่เหนือนักแต่งเพลงโอเปร่าคนอื่นๆ

การแต่งเพลงทั้งหมดของ Verdi เต็มไปด้วยท่วงทำนองที่สดใสและน่าจดจำอย่างแท้จริง โดยรวมแล้วเขาเขียนโอเปร่ายี่สิบหกเรื่องซึ่งส่วนใหญ่จัดแสดงเป็นประจำจนถึงทุกวันนี้ ในบรรดาผลงานศิลปะโอเปร่าที่มีชื่อเสียงและโดดเด่นที่สุดตลอดกาล

เพลงของ Verdi มีมูลค่าสูงแม้ในช่วงชีวิตของผู้แต่ง ในรอบปฐมทัศน์ ฮาเดสผู้ชมปรบมืออย่างยาวนานจนศิลปินต้องคำนับมากถึงสามสิบสองครั้ง

Verdi เป็นคนร่ำรวย แต่เงินไม่สามารถช่วยชีวิตทั้งภรรยาและลูกสองคนของผู้แต่งจากการเสียชีวิตก่อนวัยอันควรได้ดังนั้นจึงมีช่วงเวลาที่น่าเศร้าในชีวิตของเขา เขายกมรดกให้เป็นที่พักพิงสำหรับนักดนตรีเก่าที่สร้างขึ้นภายใต้การดูแลของเขาในมิลาน Verdi เองถือว่าการสร้างที่พักพิงไม่ใช่ดนตรีเป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา

แม้ว่าชื่อของ Verdi จะเกี่ยวข้องกับโอเปร่าเป็นหลัก แต่การพูดถึงเขาเป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึง บังสุกุลซึ่งถือเป็นตัวอย่างเพลงประสานเสียงที่ดีที่สุดเพลงหนึ่ง มันเต็มไปด้วยละครและคุณลักษณะบางอย่างของโอเปร่าหลุดลอยไป

นักแต่งเพลงคนต่อไปของเราไม่ใช่คนที่มีเสน่ห์ที่สุด โดยทั่วไปแล้วนี่เป็นตัวเลขที่น่าอับอายและเป็นที่ถกเถียงกันมากที่สุดในบรรดาผู้ที่กล่าวถึงในหนังสือของเรา หากเราจะทำรายการตามลักษณะบุคลิกภาพเพียงอย่างเดียวแล้วล่ะก็ ริชาร์ด วากเนอร์จะไม่ตีมัน อย่างไรก็ตาม เราได้รับคำแนะนำจากหลักเกณฑ์ทางดนตรีเท่านั้น และประวัติศาสตร์ของดนตรีคลาสสิกก็เป็นไปไม่ได้หากไม่มีชายคนนี้

พรสวรรค์ของวากเนอร์เป็นสิ่งที่ปฏิเสธไม่ได้ จาก - ภายใต้ปากกาของเขามีสิ่งที่สำคัญและน่าประทับใจที่สุด การประพันธ์ดนตรีตลอดระยะเวลาของการยวนใจ - โดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับโอเปร่า ในเวลาเดียวกัน เขาถูกพูดถึงว่าเป็นพวกต่อต้านชาวยิว เหยียดเชื้อชาติ เทปสีแดง ผู้หลอกลวงคนสุดท้ายและแม้แต่หัวขโมยที่ไม่ลังเลที่จะรับทุกสิ่งที่เขาต้องการ และคนที่หยาบคายโดยไม่สำนึกผิด วากเนอร์มีความนับถือตนเองสูงเกินจริง และเขาเชื่อว่าอัจฉริยภาพของเขายกระดับเขาเหนือคนอื่นๆ

วากเนอร์เป็นที่จดจำจากการแสดงโอเปร่าของเขา นักแต่งเพลงคนนี้ยกระดับอุปรากรเยอรมันไปสู่อีกระดับหนึ่ง และแม้ว่าเขาจะเกิดในช่วงเวลาเดียวกับแวร์ดี แต่ดนตรีของเขาก็แตกต่างจากบทประพันธ์ของอิตาลีในยุคนั้นอย่างมาก

นวัตกรรมอย่างหนึ่งของ Wagner คือให้ตัวละครหลักแต่ละตัวมีตัวละครของตัวเอง ธีมดนตรีซึ่งทำซ้ำทุกครั้งที่เขาเริ่มมีบทบาทสำคัญในเวที

วันนี้ดูเหมือนชัดเจนในตัวเอง แต่ในเวลานั้นความคิดนี้ทำให้เกิดการปฏิวัติอย่างแท้จริง

ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของวากเนอร์คือวัฏจักร วงแหวนแห่ง Nibelung,ประกอบด้วยโอเปร่าสี่เรื่อง: ไรน์โกลด์, วาลคิรี, ซิกฟรีดและ ความตายของเทพเจ้าโดยปกติจะใส่ติดต่อกันสี่คืนและโดยรวมแล้วจะใช้เวลาประมาณสิบห้าชั่วโมง โอเปร่าเหล่านี้เพียงอย่างเดียวก็เพียงพอที่จะเชิดชูนักแต่งเพลงของพวกเขา แม้จะมีความคลุมเครือของวากเนอร์ในฐานะบุคคล แต่ก็ควรได้รับการยอมรับว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่โดดเด่น

ลักษณะเด่นของโอเปร่าของวากเนอร์คือระยะเวลา โอเปร่าสุดท้ายของเขา พาร์ซิฟาลกินเวลานานกว่าสี่ชั่วโมง

วาทยกร David Randolph เคยกล่าวถึงเธอว่า:

“นี่คือโอเปร่าประเภทหนึ่งที่เริ่มตอนหกโมงเย็น และเมื่อคุณดูนาฬิกาข้อมือหลังจากผ่านไปสามชั่วโมง ปรากฎว่ามันแสดงเวลา 6:20”

ชีวิต แอนตัน บรั๊คเนอร์ในฐานะนักแต่งเพลง นี่เป็นบทเรียนในการไม่ยอมแพ้และยืนหยัดในความเป็นตัวเอง เขาฝึกฝนสิบสองชั่วโมงต่อวันอุทิศเวลาทั้งหมดให้กับงาน (เขาเป็นนักเล่นออร์แกน) และเรียนรู้ดนตรีมากมายด้วยตัวเขาเอง จบการเรียนรู้ทักษะการเขียนทางจดหมายเมื่ออายุครบสามสิบเจ็ดปี

ทุกวันนี้ ซิมโฟนีของ Bruckner มักเป็นที่จดจำ ซึ่งเขาแต่งทั้งหมดเก้าชิ้น บางครั้งเขาถูกครอบงำด้วยความสงสัยเกี่ยวกับความสามารถของเขาในฐานะนักดนตรี แต่เขาก็ยังได้รับการยอมรับ แม้ว่าในช่วงบั้นปลายชีวิตของเขา หลังจากดำเนินการแล้ว ซิมโฟนีหมายเลข 1ในที่สุดนักวิจารณ์ก็ยกย่องนักแต่งเพลงซึ่งในเวลานั้นอายุได้สี่สิบสี่ปีแล้ว

โยฮันเนส บรามส์ไม่ใช่หนึ่งในนักแต่งเพลงที่เกิดมาพร้อมกับไม้กายสิทธิ์สีเงิน เมื่อถึงเวลาที่เขาเกิด ครอบครัวได้สูญเสียความมั่งคั่งในอดีตไปและแทบจะหาเลี้ยงชีพไม่ได้ ตอนเป็นวัยรุ่นเขาหาเลี้ยงชีพด้วยการเล่นซ่องโสเภณีในเมืองฮัมบูร์กบ้านเกิดของเขา เมื่อ Brahms โตเป็นผู้ใหญ่ ไม่ต้องสงสัยเลยว่าเขาคุ้นเคยกับด้านที่น่าดึงดูดที่สุดของชีวิต

เพลงของ Brahms ได้รับการโปรโมตโดย Robert Schumann เพื่อนของเขา หลังจากการเสียชีวิตของ Schumann Brahms ก็สนิทกับ Clara Schumann และในที่สุดก็ตกหลุมรักเธอ ไม่มีใครรู้แน่ชัดว่าพวกเขามีความสัมพันธ์แบบใดแม้ว่าความรู้สึกที่มีต่อเธออาจมีบทบาทบางอย่างในความสัมพันธ์ของเขากับผู้หญิงคนอื่น - เขาไม่ได้มอบหัวใจให้กับพวกเขาเลย

โดยส่วนตัวแล้ว Brahms ค่อนข้างจะไร้การควบคุมและขี้หงุดหงิด แต่เพื่อน ๆ ของเขาอ้างว่าเขามีความอ่อนโยน แม้ว่าเขาจะไม่ได้แสดงให้คนรอบข้างเห็นก็ตาม วันหนึ่ง กลับจากงานเลี้ยง เขาพูดว่า:

“ถ้าฉันไม่ได้ทำให้ใครขุ่นเคือง ฉันก็ขออโหสิกรรมจากพวกเขา”

Brahms คงไม่ชนะการแข่งขันสำหรับนักแต่งเพลงที่แต่งตัวหรูหราและทันสมัยที่สุด เขาไม่ชอบซื้อเสื้อผ้าใหม่อย่างมาก และมักสวมกางเกงขาดๆ ปะๆ ตัวเดิม เกือบจะสั้นเกินไปสำหรับเขา ในระหว่างการแสดงครั้งหนึ่ง กางเกงของเขาเกือบหลุด ครั้งหนึ่งเขาต้องถอดเนคไทออกแล้วใช้มันแทนเข็มขัด

สไตล์ดนตรีของ Brahms ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Haydn, Mozart และ Beethoven และนักประวัติศาสตร์ดนตรีบางคนอ้างว่าเขาเขียนด้วยจิตวิญญาณของความคลาสสิก ซึ่งในตอนนั้นล้าสมัยไปแล้ว ในเวลาเดียวกัน เขายังเป็นเจ้าของความคิดใหม่ๆ อีกหลายประการ เขาประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในการพัฒนาดนตรีชิ้นเล็กๆ และเล่นซ้ำไปซ้ำมาตลอดทั้งงาน ซึ่งนักแต่งเพลงเรียกว่า

Opera Brahms ไม่ได้เขียน แต่เขาได้ลองเล่นดนตรีคลาสสิกประเภทอื่นๆ เกือบทั้งหมดด้วยตัวเอง ดังนั้นเขาจึงสามารถเรียกได้ว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคนหนึ่งที่กล่าวถึงในหนังสือของเราซึ่งเป็นดนตรีคลาสสิกที่แท้จริง เขาพูดสิ่งนี้เกี่ยวกับงานของเขา:

"การแต่งเพลงไม่ใช่เรื่องยาก แต่การโยนโน้ตพิเศษลงไปใต้โต๊ะนั้นยากอย่างน่าประหลาดใจ"

แม็กซ์ บรูชเกิดหลังบราห์มส์เพียง 5 ปี และคนหลังคงจะบดบังเขาอย่างแน่นอน หากไม่ใช่เพราะผลงานชิ้นเดียว ไวโอลินคอนแชร์โต้หมายเลข 1.

Bruch เองยอมรับข้อเท็จจริงนี้โดยระบุด้วยความถ่อมตนว่าผิดปกติสำหรับนักแต่งเพลงหลายคน:

"อีก 50 ปีนับจากนี้ บราห์มส์จะถูกเรียกว่าเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดตลอดกาล และฉันจะถูกจดจำจากการเขียนไวโอลินคอนแชร์โต้ใน G Minor"

และเขาก็เป็นฝ่ายถูก จริงอยู่ Brujah เองก็มีบางอย่างที่ต้องจำ! เขาแต่งผลงานอื่น ๆ อีกมากมาย - รวมประมาณสองร้อยชิ้น - เขามีผลงานมากมายโดยเฉพาะสำหรับนักร้องประสานเสียงและโอเปร่าซึ่งไม่ค่อยมีการจัดฉากในทุกวันนี้ เพลงของเขามีความไพเราะ แต่เขาไม่ได้มีส่วนร่วมในการพัฒนาสิ่งใหม่เป็นพิเศษ นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ ในยุคนั้นดูเหมือนจะเป็นนักประดิษฐ์ตัวจริง

ในปี 1880 Bruch ได้รับการแต่งตั้งเป็นวาทยกรของ Liverpool Royal Philharmonic Society แต่กลับมาที่เบอร์ลินในอีกสามปีต่อมา นักดนตรีของวงดุริยางค์ไม่พอใจกับเขา

ในหน้าหนังสือของเรา เราได้พบกับอัจฉริยะทางดนตรีมากมายแล้ว และ คามิลล์ แซงต์-ซองส์ครอบครองไม่มากที่สุดในหมู่พวกเขา สถานที่สุดท้าย. เมื่ออายุได้ 2 ขวบ Saint-Saens ก็สามารถเล่นทำนองบนเปียโนได้แล้ว และเขาเรียนรู้ที่จะอ่านและเขียนเพลงไปพร้อมๆ กัน ตอนอายุสามขวบเขาเล่นละคร องค์ประกอบของตัวเอง. ตอนอายุสิบขวบเขาแสดง Mozart และ Beethoven ได้อย่างสมบูรณ์แบบ อย่างไรก็ตาม เขาสนใจอย่างจริงจังในกีฏวิทยา (ผีเสื้อและแมลง) และต่อมาในวิทยาศาสตร์อื่น ๆ รวมทั้งธรณีวิทยา ดาราศาสตร์ และปรัชญา ดูเหมือนว่าเด็กที่มีความสามารถเช่นนี้ไม่สามารถจำกัดตัวเองได้เพียงสิ่งเดียว

หลังจากจบการศึกษาจาก Paris Conservatory แล้ว Saint-Saens ก็ทำงานเป็นนักเล่นออร์แกนเป็นเวลาหลายปี ด้วยวัยเริ่มมีอิทธิพล ชีวิตดนตรีฝรั่งเศสและต้องขอบคุณเขาที่ดนตรีของนักแต่งเพลงเช่น J.S. Bach, Mozart, Handel และ Gluck เริ่มแสดงบ่อยขึ้น

ที่สุด เรียงความที่มีชื่อเสียงเซนต์ - ซานซ่า - เทศกาลสัตว์,ซึ่งผู้แต่งห้ามแสดงตลอดชีวิต เขากังวลเกี่ยวกับวิธีการ นักวิจารณ์เพลงเมื่อได้ยินงานนี้ไม่คิดว่ามันไร้สาระเกินไป ท้ายที่สุด มันเป็นเรื่องตลกเมื่อวงออเคสตร้าบนเวทีแสดงภาพสิงโต ไก่กับไก่ เต่า ช้าง จิงโจ้ พิพิธภัณฑ์สัตว์น้ำที่มีปลา นก ลาและหงส์

Saint-Saens เขียนผลงานชิ้นอื่นๆ ของเขาสำหรับการผสมผสานเครื่องดนตรีที่ไม่บ่อยนัก รวมถึงเครื่องดนตรีที่มีชื่อเสียงด้วย "ออร์แกน" ซิมโฟนีหมายเลข 3,ฟังในภาพยนตร์เรื่อง "Babe"

ดนตรีของแซ็ง-แซงมีอิทธิพลต่องานของผู้อื่น นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส, รวมทั้ง กาเบรียล โฟเร่.ชายหนุ่มคนนี้สืบทอดตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในโบสถ์ St. Magdalene ของกรุงปารีส ซึ่งก่อนหน้านี้ Saint-Saens เคยดำรงตำแหน่ง

และแม้ว่าพรสวรรค์ของ Faure จะเทียบกับพรสวรรค์ของครูไม่ได้ แต่เขาเป็นนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

Fauré เป็นคนยากจน ดังนั้นเขาจึงทำงานหนัก เล่นออร์แกน กำกับคณะนักร้องประสานเสียง และสอนบทเรียน เขากำลังเขียนใน เวลาว่างซึ่งเหลืออยู่น้อยมาก แต่ถึงกระนั้นเขาก็สามารถเผยแพร่ผลงานของเขาได้มากกว่าสองร้อยห้าสิบชิ้น บางคนแต่งขึ้นเป็นเวลานานมากเช่นทำงานต่อไป บังสุกุลกินเวลากว่ายี่สิบปี

ในปี 1905 Fauré ได้กลายเป็นผู้อำนวยการของ Paris Conservatory ซึ่งก็คือชายผู้ซึ่งการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศสในยุคนั้นขึ้นอยู่กับตัวเขาเป็นหลัก สิบห้าปีต่อมา Faure เกษียณ บั้นปลายชีวิตต้องสูญเสียการได้ยิน

วันนี้ Faure เป็นที่นับถือนอกฝรั่งเศส แม้ว่าเขาจะเป็นที่ชื่นชมที่สุดที่นั่น

สำหรับแฟนเพลงอังกฤษรูปร่างหน้าตาเช่น เอ็ดเวิร์ด เอลการ์,มันต้องดูเหมือนปาฏิหาริย์จริงๆ นักประวัติศาสตร์ดนตรีหลายคนเรียกเขาว่าเป็นนักแต่งเพลงชาวอังกฤษคนแรกที่มีความสำคัญรองจาก Henry Purcell ซึ่งทำงานในช่วงยุคบาโรก แม้ว่าเราจะพูดถึง Arthur Sullivan ก่อนหน้านี้เล็กน้อยก็ตาม

Elgar ชื่นชอบประเทศอังกฤษมาก โดยเฉพาะ Worcestershire บ้านเกิดของเขา ซึ่งเขาใช้เวลาส่วนใหญ่ในชีวิตของเขาในการหาแรงบันดาลใจในทุ่งของ Malvern Hills

ตอนเป็นเด็ก เขาถูกห้อมล้อมไปด้วยเสียงดนตรีทุกที่ พ่อของเขาเป็นเจ้าของร้านดนตรีในท้องถิ่นและสอนเอลการ์ตัวน้อยให้เล่นเพลงต่างๆ เครื่องดนตรี. ตอนอายุสิบสอง เด็กชายได้เปลี่ยนออร์แกนในงานบริการของโบสถ์แล้ว

หลังจากทำงานในสำนักงานทนายความ Elgar ตัดสินใจอุทิศตนให้กับอาชีพที่มีความมั่นคงทางการเงินน้อยกว่ามาก บางครั้งเขาทำงานนอกเวลาให้บทเรียนไวโอลินและเปียโนเล่นในวงออเคสตราท้องถิ่นและแม้แต่ดำเนินการเล็กน้อย

ชื่อเสียงของ Elgar ในฐานะนักแต่งเพลงค่อยๆ เพิ่มขึ้น แม้ว่าเขาจะต้องดิ้นรนเพื่อหลีกทางให้ออกไปนอกเขตบ้านเกิดของเขา ชื่อเสียงนำเขามา การเปลี่ยนแปลงในธีมดั้งเดิมซึ่งปัจจุบันรู้จักกันดีในชื่อ รูปแบบปริศนา

ตอนนี้เพลงของ Elgar ถูกมองว่าเป็นภาษาอังกฤษและฟังในช่วงเหตุการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดระดับประเทศ ที่เสียงแรกของมัน เชลโล่คอนแชร์โต้ชนบทอังกฤษปรากฏขึ้นทันที นิมโรดจาก รูปแบบต่างๆมักเล่นในงานพิธีการและ การเดินขบวนเคร่งขรึมและพิธีการหมายเลข 1รู้จักกันในนาม ดินแดนแห่งความหวังและความรุ่งโรจน์แสดงที่งานพรอมทั่วสหราชอาณาจักร

Elgar เป็นคนในครอบครัวและรักชีวิตที่เงียบสงบและเป็นระเบียบ อย่างไรก็ตาม เขาทิ้งร่องรอยไว้ในประวัติศาสตร์ นักแต่งเพลงที่มีหนวดเขียวชอุ่มสามารถสังเกตเห็นได้ทันทีบนธนบัตร 20 ปอนด์ เห็นได้ชัดว่าผู้ออกแบบธนบัตรพบว่าขนบนใบหน้านั้นปลอมได้ยากมาก

ในอิตาลี ผู้สืบทอดศิลปะโอเปร่าของจูเซปเป้แวร์ดีคือ จาโกโม ปุชชินี, ถือเป็นหนึ่งในปรมาจารย์ศิลปะแขนงนี้ที่ได้รับการยอมรับในระดับโลก

ครอบครัว Puccini มีความเกี่ยวข้องกันมานานแล้ว เพลงคริสตจักรแต่เมื่อ Giacomo ได้ฟังโอเปร่าครั้งแรก ไอด้า Verdi เขาตระหนักว่านี่คือการเรียกของเขา

หลังจากเรียนที่มิลาน ปุชชินีแต่งโอเปร่า มานอน เลสโกซึ่งทำให้เขาประสบความสำเร็จอย่างยิ่งใหญ่ครั้งแรกในปี พ.ศ. 2436 หลังจากนั้น การผลิตที่ประสบความสำเร็จตามมาอีกชิ้นหนึ่ง: โบฮีเมียในปี พ.ศ. 2439 โหยหาในปี พ.ศ. 2443 และ มาดามบัตเตอร์ฟลายในปี 1904

โดยรวมแล้ว ปุชชีนีแต่งโอเปร่าสิบสองเรื่อง ซึ่งเรื่องสุดท้ายคือ ทูรันดอท.เขาเสียชีวิตโดยไม่ได้แต่งเพลงให้เสร็จ และนักแต่งเพลงอีกคนก็ทำงานให้เสร็จ ในรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่า วาทยกร Arturo Toscanini ได้หยุดวงออร์เคสตราตรงที่ปุชชินีออกไปพอดี เขาหันไปหาผู้ชมและพูดว่า:

"ที่นี่ความตายมีชัยเหนือศิลปะ"

ด้วยการมรณกรรมของ Puccini ความรุ่งเรืองของศิลปะโอเปร่าของอิตาลีก็สิ้นสุดลง หนังสือของเราจะไม่กล่าวถึงภาษาอิตาลีอีกต่อไป นักแต่งเพลงโอเปร่า. แต่ใครจะรู้อนาคตของเรา

ในชีวิต กุสตาฟ มาห์เลอร์เขาเป็นที่รู้จักในฐานะวาทยกรมากกว่านักแต่งเพลง เขาดำเนินการในฤดูหนาวและในฤดูร้อนตามกฎแล้วเขาชอบเขียน

เมื่อตอนเป็นเด็ก กล่าวกันว่ามาห์เลอร์พบเปียโนในห้องใต้หลังคาของบ้านคุณย่าของเขา สี่ปีต่อมาเมื่ออายุสิบขวบเขาได้แสดงครั้งแรกแล้ว

มาห์เลอร์เรียนที่ Vienna Conservatory ซึ่งเขาเริ่มแต่งเพลง ในปี พ.ศ. 2440 เขาได้ดำรงตำแหน่งผู้อำนวยการของ Vienna State Opera และในอีก 10 ปีต่อมา เขาได้รับชื่อเสียงอย่างมากในด้านนี้

ตัวเขาเองเริ่มเขียนโอเปร่าสามเรื่อง แต่ยังไม่จบ ในสมัยของเรา เขาเป็นที่รู้จักกันดีในฐานะนักแต่งเพลงซิมโฟนี ในประเภทนี้เขาเป็นเจ้าของ "เพลงฮิต" ที่แท้จริง - ซิมโฟนีหมายเลข 8,ในการแสดงที่มีนักดนตรีและนักร้องเข้าร่วมมากกว่าพันคน

หลังจากการเสียชีวิตของมาห์เลอร์ ดนตรีของเขาก็ล้าสมัยไปเป็นเวลา 50 ปี แต่ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เพลงของเขากลับมาได้รับความนิยมอีกครั้ง โดยเฉพาะในบริเตนใหญ่และสหรัฐอเมริกา

ริชาร์ด สเตราส์เกิดในเยอรมนีและไม่ได้เป็นสมาชิกของราชวงศ์เวียนนาสเตราส์ แม้ว่านักแต่งเพลงคนนี้จะมีชีวิตอยู่เกือบครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 แต่เขาก็ยังถือว่าเป็นตัวแทนของแนวโรแมนติกทางดนตรีของเยอรมัน

ความนิยมทั่วโลกของริชาร์ด สเตราส์ค่อนข้างได้รับความเดือดร้อนจากการที่เขาตัดสินใจอยู่ในเยอรมนีหลังปี 1939 และหลังสงครามโลกครั้งที่ 2 เขาถูกกล่าวหาโดยสิ้นเชิงว่าร่วมมือกับพวกนาซี

สเตราส์เป็นวาทยกรที่ยอดเยี่ยม ต้องขอบคุณที่เขาเข้าใจอย่างถ่องแท้ว่าเครื่องดนตรีชิ้นนี้หรือชิ้นนั้นในวงออเคสตราควรให้เสียงอย่างไร เขามักจะนำความรู้นี้ไปใช้ในทางปฏิบัติ นอกจากนี้เขายังให้คำแนะนำต่าง ๆ แก่นักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เช่น:

"อย่าดูทรอมโบน คุณแค่ให้กำลังใจพวกเขา"

“อย่าเหงื่อออกขณะแสดง คนฟังเท่านั้นที่ควรร้อน”

วันนี้สเตราส์จำได้ว่าเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของเขาเป็นหลัก Zarathustra พูดดังนี้บทนำที่ Stanley Kubrick ใช้ในภาพยนตร์ของเขา 2001: A Space Odyssey แต่เขายังเขียนโอเปร่าเยอรมันที่ดีที่สุดบางเรื่องอีกด้วย - โรเซนกาวาเลียร์, ซาโลเมและ Ariadne บน Naxosหนึ่งปีก่อนเสียชีวิตเขายังแต่งได้ไพเราะมาก สี่เพลงสุดท้ายสำหรับเสียงและวงออเคสตรา ที่จริงแล้วนี่ไม่ใช่เพลงสุดท้ายของสเตราส์ แต่กลายเป็นเพลงสุดท้ายของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา

จนถึงขณะนี้ในบรรดานักแต่งเพลงที่กล่าวถึงในหนังสือเล่มนี้มีตัวแทนเพียงคนเดียวของสแกนดิเนเวีย - Edvard Grieg แต่ตอนนี้เราถูกส่งไปยังดินแดนที่หนาวเหน็บและหนาวเหน็บอีกครั้ง - คราวนี้ไปที่ฟินแลนด์ ฌอง ซิเบลิอุส,อัจฉริยะทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม

เพลงของ Sibelius ซึมซับตำนานและตำนานของบ้านเกิดของเขา ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา ฟินแลนด์,ถือเป็นศูนย์รวมของจิตวิญญาณแห่งชาติของชาวฟินน์ เช่นเดียวกับในสหราชอาณาจักร ผลงานของ Elgar ได้รับการยอมรับว่าเป็นสมบัติของชาติ นอกจากนี้ Sibelius ก็เหมือนกับ Mahler ซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านซิมโฟนีที่แท้จริง

สำหรับความสนใจอื่น ๆ ของนักแต่งเพลงนั้น ในชีวิตประจำวันของเขาเขาชอบดื่มเหล้าและสูบบุหรี่มากเกินไป จนเมื่ออายุได้สี่สิบกว่าปี เขาก็ล้มป่วยด้วยโรคมะเร็งในลำคอ บ่อยครั้งที่เขาขาดเงินและรัฐให้เงินบำนาญแก่เขาเพื่อที่เขาจะได้เขียนเพลงต่อไปโดยไม่ต้องกังวลเกี่ยวกับความเป็นอยู่ทางการเงินของเขา แต่กว่ายี่สิบปีก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Sibelius หยุดแต่งเพลงเลย เขาใช้ชีวิตที่เหลืออยู่อย่างสันโดษ เขารุนแรงเป็นพิเศษเกี่ยวกับผู้ที่ได้รับเงินจากการวิจารณ์เพลงของเขา:

“อย่าใส่ใจกับสิ่งที่นักวิจารณ์พูด จนถึงตอนนี้ยังไม่มีนักวิจารณ์สักคนเดียวที่ได้รับรูปปั้น”

คนสุดท้ายในรายชื่อนักแต่งเพลงโรแมนติกของเรายังมีชีวิตอยู่จนถึงเกือบกลางศตวรรษที่ 20 แม้ว่าเขาจะเขียนผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาในช่วงทศวรรษ 1900 และถึงกระนั้นเขาก็ติดอันดับความโรแมนติกและสำหรับเราแล้วดูเหมือนว่านี่คือที่สุด นักแต่งเพลงโรแมนติกจากทั้งกลุ่ม

เซอร์เก วาซิลเยวิช ราห์มานินอฟเกิดในตระกูลขุนนางซึ่งสมัยนั้นใช้เงินมาก เขาพัฒนาความสนใจในดนตรีตั้งแต่เนิ่นๆ เด็กปฐมวัยและพ่อแม่ของเขาก็ส่งเขาไปเรียนที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กก่อนแล้วจึงไปมอสโคว์

Rachmaninov เป็นนักเปียโนที่มีพรสวรรค์อย่างน่าประหลาดใจ และเขายังกลายเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย

ของฉัน เปียโนคอนแชร์โต หมายเลข 1เขาเขียนตอนอายุสิบเก้า นอกจากนี้เขายังหาเวลาสำหรับการแสดงโอเปร่าเรื่องแรกของเขาด้วย อเลโกะ.

แต่ตามกฎแล้วนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ไม่พอใจกับชีวิตเป็นพิเศษ ในหลาย ๆ ภาพ เราเห็นชายที่โกรธเกรี้ยวและขมวดคิ้ว Igor Stravinsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียอีกคนหนึ่งเคยกล่าวไว้ว่า:

“แก่นแท้อมตะของ Rachmaninoff คือการขมวดคิ้วของเขา เขาขมวดคิ้วสูงหกฟุตครึ่ง...เขาเป็นคนที่น่ากลัว"

เมื่อ Rachmaninoff วัยเยาว์เล่นให้กับ Tchaikovsky เขารู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งที่ได้ให้คะแนน 5 บวก 4 บนแผ่นคะแนนของเขาซึ่งเป็นคะแนนสูงสุดในประวัติศาสตร์ของ Moscow Conservatory ในไม่ช้าคนทั้งเมืองก็เริ่มพูดถึงพรสวรรค์รุ่นเยาว์

อย่างไรก็ตามชะตากรรมยังคงไม่เอื้ออำนวยต่อนักดนตรีเป็นเวลานาน

นักวิจารณ์รุนแรงกับเขามาก ซิมโฟนีหมายเลข 1,ซึ่งการฉายรอบปฐมทัศน์จบลงด้วยความล้มเหลว สิ่งนี้ทำให้ Rachmaninov มีประสบการณ์ทางอารมณ์ที่รุนแรง เขาสูญเสียศรัทธาในความแข็งแกร่งของตัวเองและไม่สามารถเขียนอะไรได้เลย

ในท้ายที่สุด มีเพียงความช่วยเหลือจากจิตแพทย์ที่มีประสบการณ์ Nikolai Dahl เท่านั้นที่ทำให้เขารอดพ้นจากวิกฤตได้ ในปี 1901 รัคมานินอฟได้เล่นเปียโนคอนแชร์โตเสร็จ ซึ่งเขาได้ทำงานอย่างหนักเป็นเวลาหลายปีและอุทิศให้กับดร.ดาห์ล ครั้งนี้ผู้ชมทักทายผลงานของนักแต่งเพลงด้วยความยินดี ตั้งแต่นั้นมา เปียโนคอนแชร์โต้ หมายเลข 2กลายเป็นที่ชื่นชอบ คลาสสิกดำเนินการโดยต่างๆ กลุ่มดนตรีทั่วโลก

รัคมานินอฟเริ่มทัวร์ยุโรปและสหรัฐอเมริกา กลับไปรัสเซียเขาดำเนินการและแต่งเพลง

หลังจากการปฏิวัติในปี 1917 Rachmaninov และครอบครัวของเขาไปดูคอนเสิร์ตในสแกนดิเนเวีย เขาไม่เคยกลับบ้าน เขาย้ายไปสวิตเซอร์แลนด์แทน ซึ่งเขาซื้อบ้านบนชายฝั่งทะเลสาบลูเซิร์น เขารักผืนน้ำมาโดยตลอด และตอนนี้เมื่อเขากลายเป็นคนร่ำรวย เขามีเงินพอที่จะพักผ่อนบนชายฝั่งและชื่นชมทิวทัศน์ที่เปิดกว้างได้

รัคมานินอฟเป็นวาทยกรที่ยอดเยี่ยมและมักจะให้คำแนะนำต่อไปนี้แก่ผู้ที่ต้องการเป็นเลิศในสาขานี้:

“ผู้นำที่ดีจะต้องเป็นคนขับรถที่ดี ทั้งสองต้องการคุณสมบัติที่เหมือนกัน: สมาธิ ความสนใจอย่างต่อเนื่องและจิตใจ ผู้ควบคุมวงดนตรีจำเป็นต้องรู้ดนตรีเพียงเล็กน้อย…”

ในปี 1935 Rachmaninoff ตัดสินใจตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา ตอนแรกเขาอาศัยอยู่ที่นิวยอร์ก แล้วจึงย้ายไปลอสแองเจลิส ที่นั่นเขาเริ่มสร้างเพื่อตัวเอง บ้านใหม่เหมือนกับสิ่งที่เขาทิ้งไว้ในมอสโกว

เมื่ออายุมากขึ้น รัคมานินอฟแต่งเพลงน้อยลงเรื่อยๆ และหยุดแต่งเพลงเกือบทั้งหมด เขามาถึงจุดสูงสุดของชื่อเสียงในฐานะนักเปียโนที่ยอดเยี่ยม

แม้จะคิดถึงบ้าน แต่ Rachmaninov ก็ชอบสหรัฐอเมริกา เขาภูมิใจในรถยนต์คาดิลแลคคันใหญ่ของเขา และมักจะเชิญแขกมานั่งรถเพียงเพื่ออวดรถของเขา

ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต Rachmaninoff ได้รับสัญชาติสหรัฐฯ ในประเทศนี้เขาถูกฝังไว้

เราให้ความสนใจกับช่วงเวลาโรแมนติกในหนังสือของเรามากกว่าช่วงเวลาอื่นๆ ของดนตรีคลาสสิก

ในยุคนี้มีสิ่งที่น่าสนใจมากมายเกิดขึ้นในประเทศต่าง ๆ ซึ่งเป็นไปไม่ได้เลยที่จะบอกเล่าทุกอย่างในบทความเล็ก ๆ ดนตรีคลาสสิกเปลี่ยนไปมากเช่นเดียวกับเสียงซึ่งต้องขอบคุณความยิ่งใหญ่ วงดุริยางค์ซิมโฟนีเข้มข้นและเข้มข้นยิ่งขึ้น ผลงานของ Rachmaninoff เป็นตัวอย่างที่สมบูรณ์แบบของเสียงนี้ในหลายๆ ด้าน หากเราเปรียบเทียบกับเบโธเฟน จะเห็นได้ชัดว่าการเปลี่ยนแปลงนั้นยิ่งใหญ่เพียงใด

แต่ไม่ว่าการเปลี่ยนแปลงแบบเดียวกันนี้จะมีนัยสำคัญเพียงใดซึ่งเกิดขึ้นในโลกของดนตรีในช่วงประมาณแปดสิบปีแห่งยุคโรแมนติก ก็ไม่สามารถเทียบเคียงกับสิ่งที่เกิดขึ้นในภายหลังได้ และในอนาคตดนตรีก็มีความหลากหลายและแปลกตามากขึ้นซึ่งตามความเห็นของเราไม่ได้เข้าข้างมันเสมอไป