เกี่ยวกับศิลปะกีตาร์และการฝึกสอนกีตาร์ โครงร่างสั้น ๆ เกี่ยวกับประวัติของกีตาร์ ศิลปะกีตาร์และการวิจัย

ส่งงานที่ดีของคุณในฐานความรู้เป็นเรื่องง่าย ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง

นักศึกษา บัณฑิต นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงานจะขอบคุณมาก

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru/

กระทรวงวัฒนธรรมของประเทศยูเครน

สถาบันวัฒนธรรมแห่งรัฐคาร์คิฟ

เพื่อเข้าศึกษาต่อระดับ "มหาบัณฑิต"

ศิลปะกีตาร์เป็นปรากฏการณ์ทางประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรี

Pikhulya Taras Olegovich

คาร์คิฟ 2015

วางแผน

การแนะนำ

1. ข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการสร้างและพัฒนาการเล่นกีตาร์คลาสสิก

1.1 ประวัติการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงประสิทธิภาพของกีตาร์

1.2 การก่อตัวของศิลปะกีตาร์ในสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

2. ประวัติการกำเนิดและวิวัฒนาการของป๊อป ทิศทางดนตรีแจ๊สในงานศิลปะ

2.1 ประเภทของกีตาร์ที่ใช้ในงานศิลปะป๊อปแจ๊ส

2.2 ทิศทางหลักของการแสดงดนตรีป๊อปแจ๊สในยุค 60-70

บรรณานุกรม

ในการดำเนิน

ศิลปะดนตรีแห่งศตวรรษที่ XX พัฒนาอย่างรวดเร็วและรวดเร็ว ลักษณะเฉพาะที่สำคัญของการพัฒนานี้คือการผสมผสานสไตล์และเทรนด์ต่างๆ การตกผลึกของภาษาดนตรีใหม่ หลักการใหม่ขององค์ประกอบ รูปทรง และการก่อตัวของแพลตฟอร์มสุนทรียะต่างๆ กระบวนการนี้ไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับนักแต่งเพลง นักแสดง นักประวัติศาสตร์ศิลป์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงผู้ฟังหลายล้านคนที่สร้างสรรค์ผลงานดนตรีให้ด้วย

ความเกี่ยวข้องของหัวข้อนี้เกิดจากการพิจารณาดนตรีบรรเลงคลาสสิกและป๊อปแจ๊สจากมุมมองของการพัฒนาวิวัฒนาการของศิลปะกีตาร์ นั่นคือการก่อตัวของแนวเพลงและแนวโน้มใหม่

วัตถุประสงค์ของการศึกษาคือเพื่อพิจารณาดนตรีบรรเลงคลาสสิกและป๊อปแจ๊ส อิทธิพลของดนตรีเหล่านี้ต่อการก่อตัวของรูปแบบใหม่ ทักษะการแสดงและ วัฒนธรรมกีตาร์โดยทั่วไป.

วัตถุประสงค์ของการวิจัย:

1) พิจารณาประวัติการเกิดขึ้น การพัฒนา และการก่อตัวของวัฒนธรรมกีตาร์ในยุโรป รัสเซีย สหภาพโซเวียต

2) พิจารณาที่มา ต้นกำเนิด และการก่อตัวของรูปแบบใหม่ในศิลปะป๊อปแจ๊ส

วัตถุประสงค์ของการวิจัยคือการก่อตัวของดนตรีบรรเลงคลาสสิกและป๊อปแจ๊ส

พื้นฐานของระเบียบวิธีของงานคือวิธีการวิเคราะห์น้ำเสียงโดยเน้นที่เอกภาพของหลักการทางดนตรีและการพูด ซึ่งเป็นพื้นฐานของประเพณีทางศิลปะของยุโรป แอฟริกา และรัสเซีย

ความแปลกใหม่ทางวิทยาศาสตร์ของผลงานนี้อยู่ที่ข้อเท็จจริงที่ว่าผลงานชิ้นนี้เป็นการศึกษาการก่อตัวและวิวัฒนาการของศิลปะกีตาร์และอิทธิพลที่มีต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมกีตาร์

คุณค่าเชิงปฏิบัติของผลงานอยู่ที่ความเป็นไปได้ในการใช้วัสดุในกระบวนการศึกษาประวัติศาสตร์และดนตรีเชิงทฤษฎี

1. ข้อกำหนดเบื้องต้นรูปแบบและการพัฒนาเกมบนคลาสสิกกีตาร์

1.1 ประวัติการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงประสิทธิภาพของกีตาร์

ประวัติความเป็นมาของการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงของเครื่องดนตรีนี้น่าทึ่งและลึกลับมาก ราวกับเป็นเรื่องราวนักสืบที่น่าตื่นเต้น ข้อมูลแรกเกี่ยวกับกีตาร์ย้อนกลับไปในสมัยโบราณ ในอนุสรณ์สถานของอียิปต์เมื่อพันปีก่อนมีรูปเครื่องดนตรี - "นาบลา" ซึ่งดูเหมือนกีตาร์ กีตาร์ยังแพร่หลายในเอเชีย ซึ่งยืนยันได้จากภาพบนอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมของอัสซีเรีย บาบิโลน และฟีนิเซีย ในศตวรรษที่ 13 ชาวอาหรับนำมันมาที่สเปนซึ่งในไม่ช้าก็ได้รับการยอมรับอย่างเต็มที่ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 ตระกูลที่ร่ำรวยของสเปนเริ่มแข่งขันกันเพื่ออุปถัมภ์วิทยาศาสตร์และศิลปะ กีตาร์พร้อมกับลูตและเครื่องดนตรีอื่นๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีโปรดในคอร์ท ในชีวิตทางวัฒนธรรมของสเปนเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 สมาคมสถาบันการศึกษาแวดวงและการประชุมจำนวนมาก - "ร้านเสริมสวย" ซึ่งจัดขึ้นเป็นประจำมีบทบาทสำคัญ ตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ความหลงใหลในเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาก็แทรกซึมเข้าไปในกลุ่มคนจำนวนมาก และวรรณกรรมดนตรีพิเศษก็ถูกสร้างขึ้นสำหรับพวกเขา ชื่อของนักแต่งเพลงที่เป็นตัวแทนของเธอประกอบด้วยสายยาว: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz และอื่น ๆ อีกมากมาย

จากการพัฒนามาอย่างยาวนาน กีตาร์จึงมีรูปลักษณ์ที่ทันสมัย จนถึงศตวรรษที่ 18 มันมีขนาดเล็กกว่าและลำตัวค่อนข้างแคบและยาว ในขั้นต้น มีการตั้งสายห้าสายบนเครื่องดนตรี ปรับเป็นสี่ส่วนเหมือนในลูท ต่อมา กีตาร์กลายเป็นแบบ 6 สาย โดยมีการปรับจูนให้เหมาะกับการเล่นในตำแหน่งเปิดมากขึ้นเพื่อใช้ประโยชน์จากเสียงของสายที่เปิดได้ดีขึ้น ดังนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 กีตาร์จึงได้รับรูปแบบสุดท้าย หกสายปรากฏขึ้นพร้อมกับระบบ: mi, si, salt, re, la, mi

กีตาร์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรปและถูกนำไปยังประเทศในอเมริกาเหนือและใต้ จะอธิบายการใช้กีตาร์อย่างแพร่หลายได้อย่างไร? ส่วนใหญ่เป็นเพราะมีศักยภาพที่ดี: สามารถเล่นเดี่ยวพร้อมกับเสียง ไวโอลิน เชลโล ฟลุต สามารถพบได้ในวงออร์เคสตราและวงดนตรีต่างๆ ขนาดเล็กและความเป็นไปได้ของการเคลื่อนไหวที่ง่ายดายในอวกาศและที่สำคัญที่สุดคือเสียงที่ไพเราะลึกล้ำและโปร่งใสในขณะเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงความรักในเครื่องดนตรีสากลนี้โดยผู้ชื่นชมที่หลากหลายตั้งแต่นักท่องเที่ยวที่โรแมนติกไปจนถึงนักดนตรีมืออาชีพ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงและนักประพันธ์เพลงได้ปรากฏตัวขึ้นในสเปน

F. Sor และ D. Aguado พร้อมกับพวกเขาในอิตาลี - M. Giuliani L. Leniani, F. Carulli, M. Carcassi และคนอื่นๆ พวกเขาสร้างการแสดงคอนเสิร์ตที่กว้างขวางสำหรับกีตาร์ ตั้งแต่ชิ้นเล็กๆ ไปจนถึงโซนาตาและคอนแชร์โตกับวงออร์เคสตรา รวมถึง "โรงเรียนสำหรับเล่นกีตาร์หกสาย" ที่ยอดเยี่ยม ซึ่งเป็นละครที่ให้ความรู้และสร้างสรรค์มากมาย แม้ว่าจะผ่านไปเกือบสองร้อยปีแล้วนับตั้งแต่การตีพิมพ์ครั้งแรกของวรรณกรรมการสอนเรื่องนี้ แต่ก็ยังคงเป็นมรดกอันมีค่าสำหรับทั้งครูและนักเรียน

นักแต่งเพลง ส. แสดงคอนเสิร์ตในเมืองต่าง ๆ อย่างประสบความสำเร็จ ยุโรปตะวันตกและรัสเซีย บัลเลต์ของเขาเรื่อง Cinderella, The Lubok as a Painter, Hercules และ Omphale ตลอดจนโอเปร่า Telemachus ได้รับการแสดงหลายครั้งในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มอสโก และเมืองใหญ่ในยุโรปตะวันตก สไตล์โพลีโฟนิก จินตนาการที่เข้มข้น และเนื้อหาที่ลุ่มลึกเป็นลักษณะของงานของ Sora นี่คือนักดนตรี-นักแต่งเพลงที่มีการศึกษา เป็นนักกีตาร์ฝีมือเยี่ยมที่ประทับใจในการแสดงที่ลุ่มลึกและความเฉลียวฉลาดของเทคนิคของเขา การแต่งเพลงของเขาได้เข้าสู่ละครของนักกีตาร์อย่างแน่นหนา Giuliani ชาวอิตาลีเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์อิตาลี เขาเป็นนักกีตาร์ที่ยอดเยี่ยมและยังเป็นนักไวโอลินที่สมบูรณ์แบบอีกด้วย เมื่อในปี 1813 ซิมโฟนีที่เจ็ดของ Beethoven ได้รับการแสดงเป็นครั้งแรกในเวียนนาภายใต้ไม้กระบองของผู้แต่ง Giuliani ได้มีส่วนร่วมในการแสดงในฐานะนักไวโอลิน เบโธเฟนยกย่องจูเลียนีในฐานะนักแต่งเพลงและนักดนตรี โซนาตา คอนแชร์โตกับวงออร์เคสตราของเขาบรรเลงโดยนักกีตาร์สมัยใหม่ และวรรณกรรมการสอนเป็นมรดกอันมีค่าสำหรับทั้งครูและนักเรียน

ฉันอยากจะอาศัยอยู่ที่ "School of Playing the Six-String Guitar" ที่มีชื่อเสียงที่สุดและเผยแพร่บ่อยที่สุดในประเทศของเราโดย M. Carcassi นักแต่งเพลงชาวอิตาเลียนที่มีชื่อเสียง ในคำนำของ "โรงเรียน" ผู้เขียนกล่าวว่า: "... ฉันไม่ได้ตั้งใจที่จะเขียนงานทางวิทยาศาสตร์ ฉันเพียงต้องการทำให้การเรียนรู้กีตาร์ง่ายขึ้นโดยการวางแผนที่จะทำให้คุ้นเคยกับคุณสมบัติทั้งหมดของเครื่องดนตรีนี้มากขึ้น ตามคำพูดเหล่านี้เป็นที่ชัดเจนว่า M. Carcassi ไม่ได้กำหนดตัวเองให้สร้างคู่มือสากลสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์และแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย "โรงเรียน" ให้คำแนะนำที่มีค่ามากมายเกี่ยวกับเทคนิคของมือซ้ายและขวา, วิธีการเล่นกีตาร์แบบต่างๆ, การเล่นในตำแหน่งและคีย์ต่างๆ ตัวอย่างดนตรีและท่อนต่างๆ เรียงตามลำดับความยากจากน้อยไปหามาก พวกเขาเขียนด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมในฐานะนักแต่งเพลงและครู และยังมีคุณค่าอย่างยิ่งในฐานะสื่อการศึกษา

แม้ว่าจากมุมมองสมัยใหม่ "โรงเรียน" นี้มีข้อบกพร่องร้ายแรงหลายประการ ตัวอย่างเช่น มีการให้ความสนใจเพียงเล็กน้อยกับเทคนิคที่สำคัญในการเล่นมือขวา เช่น apoyando (การเล่นด้วยการสนับสนุน); ภาษาดนตรีตามดนตรีของประเพณียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18 นั้นค่อนข้างซ้ำซากจำเจ ปัญหาของการพัฒนานิ้วการคิดที่ไพเราะ - ฮาร์มอนิกไม่ได้ถูกแตะต้องเรากำลังพูดถึงการวางนิ้วมือซ้ายและขวาที่ถูกต้องเท่านั้นซึ่งช่วยให้เราสามารถแก้ไขปัญหาทางเทคนิคมากมายในการแสดงปรับปรุงเสียงการใช้ถ้อยคำ ฯลฯ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ชื่อใหม่ที่สดใสของนักแต่งเพลงชาวสเปน ศิลปินเดี่ยวอัจฉริยะ และอาจารย์ Francisco Tarrega ปรากฏในประวัติศาสตร์ของกีตาร์ เขาสร้างสไตล์การเขียนของเขาเอง ในมือของเขากีตาร์กลายเป็นวงออเคสตราขนาดเล็ก

ผลงานการแสดงของนักดนตรีที่โดดเด่นนี้มีอิทธิพลต่อผลงานของเพื่อนของเขา - นักแต่งเพลง: Albeniz, Granados, de Falla และอื่น ๆ ในงานเปียโนของพวกเขา เรามักจะได้ยินการเลียนแบบกีตาร์ สุขภาพไม่ดีไม่เปิดโอกาสให้ Tarrega แสดงคอนเสิร์ตได้ดังนั้นเขาจึงอุทิศตนให้กับการสอน เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่า Tarrega สร้างโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์ของเขาเอง ในบรรดานักเรียนที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ Miguel Llobet, Emelio Pujol, Domenico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe และผู้เล่นคอนเสิร์ตที่มีชื่อเสียงอื่น ๆ จนถึงปัจจุบัน "โรงเรียน" โดย E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupe, I. Ahrens และ P. Rocha ตามวิธีการสอนของ Tarrega ได้รับการเผยแพร่แล้ว มาดูวิธีการนี้อย่างละเอียดยิ่งขึ้นโดยใช้ตัวอย่าง "โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสาย" โดย E. Pujol นักกีตาร์ ครู และนักดนตรีชื่อดังชาวสเปน คุณลักษณะที่โดดเด่นของ "โรงเรียน" คือการนำเสนอ "ความลับ" หลักทั้งหมดของการเล่นกีตาร์คลาสสิกอย่างละเอียดและละเอียด ประเด็นที่สำคัญที่สุดของเทคนิคกีตาร์ได้รับการพัฒนาอย่างรอบคอบ: ตำแหน่งของมือ เครื่องดนตรี วิธีการสร้างเสียง เทคนิคการเล่น ฯลฯ ลำดับของการจัดเรียงของวัสดุมีส่วนช่วยในการเตรียมการด้านเทคนิคและศิลปะอย่างเป็นระบบของนักกีตาร์ "โรงเรียน" สร้างขึ้นจากเนื้อหาดนตรีต้นฉบับทั้งหมด: ผู้เขียนและแบบฝึกหัดเกือบทั้งหมดแต่งขึ้น (โดยคำนึงถึงวิธีการของ F. Tarrega) โดยเฉพาะในส่วนที่เกี่ยวข้อง

สิ่งที่มีค่าอย่างยิ่งคือสิ่งพิมพ์ด้านการศึกษานี้ไม่เพียงแต่ให้รายละเอียดเกี่ยวกับความยากลำบากในการเล่นกีตาร์เท่านั้น แต่ยังอธิบายถึงวิธีการเอาชนะในรายละเอียดอีกด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งการให้ความสนใจอย่างมากกับปัญหาการใช้นิ้วที่ถูกต้องเมื่อเล่นด้วยมือขวาและซ้ายรวมถึงเทคนิคการเล่นในตำแหน่งต่าง ๆ การเคลื่อนไหวต่าง ๆ การเลื่อนของมือซ้ายซึ่งก่อให้เกิดการพัฒนาอย่างแน่นอน ของการคิดนิ้ว ประสิทธิภาพของ "โรงเรียน" ของ Pujol ได้รับการยืนยันโดยเฉพาะอย่างยิ่งจากการใช้งานในสถาบันการศึกษาหลายแห่งในประเทศยุโรปและอเมริกาของเรา

สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับการพัฒนาศิลปะกีตาร์โลกคือกิจกรรมสร้างสรรค์ของนักกีตาร์ชาวสเปนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 อันเดรส เซโกเวีย. ความสำคัญเป็นพิเศษของบทบาทของเขาในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาเครื่องดนตรีไม่ได้เป็นเพียงความสามารถด้านการแสดงและการสอนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถของเขาในฐานะผู้จัดงานและนักโฆษณาชวนเชื่อด้วย นักวิจัย M. Weisbord เขียนว่า: “…เพื่อสร้างกีตาร์เป็นเครื่องดนตรีสำหรับคอนเสิร์ต มันขาดสิ่งที่ขาดไป เช่น เปียโนหรือไวโอลิน ซึ่งเป็นดนตรีที่มีศิลปะสูง ข้อดีทางประวัติศาสตร์ของ Andres Segovia อยู่ที่ประการแรกในการสร้างละครดังกล่าว…” และเพิ่มเติม: “M. Ponce (เม็กซิโก), M.K. Tedesco (อิตาลี), J. Ibert, A. Roussel (ฝรั่งเศส) K. Pedrel (อาร์เจนตินา), A. Tansman (โปแลนด์) และ D. Duart (อังกฤษ), R. Smith (สวีเดน)…” จากรายชื่อนักแต่งเพลงที่มีขนาดเล็กและห่างไกลจากรายชื่อทั้งหมด จะเห็นได้ว่าต้องขอบคุณ A. Segovia ที่ภูมิศาสตร์ของการประพันธ์เพลงระดับมืออาชีพสำหรับกีตาร์คลาสสิกขยายตัวอย่างรวดเร็ว และเมื่อเวลาผ่านไปเครื่องดนตรีชิ้นนี้ก็ดึงดูดความสนใจของศิลปินที่โดดเด่นหลายคน - E. วิลา โลบอส, บี. บริทเต็น. ในทางกลับกัน มีนักแต่งเพลงที่มีความสามารถมากมายซึ่งเป็นนักแสดงมืออาชีพ เช่น A. Barrios, L. Brouwer, R. Dyens, N. Koshkin เป็นต้น

1. 2 รูปแบบกีตาร์ศิลปะวีสหภาพโซเวียตและรัสเซีย

วันนี้เขาประสบความสำเร็จในการออกทัวร์ในหลายประเทศทั่วโลกรวมถึงการเยือนสหภาพโซเวียตสี่ครั้ง (พ.ศ. 2469 และ พ.ศ. 2478, พ.ศ. 2479) เขาแสดงผลงานของนักกีตาร์คลาสสิก: Sora, Giuliani, ถอดความผลงานของ Tchaikovsky, Schubert, Haydn และต้นฉบับ ผลงานของนักแต่งเพลงชาวสเปน: Turin, Torroba, Tansman, Castelnuovo-Tedesco และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ เซโกเวียมีการประชุมหลายครั้งกับนักกีตาร์โซเวียต ซึ่งเขาตอบคำถามด้วยความเต็มใจ ในการสนทนาเกี่ยวกับเทคนิคการเล่นกีตาร์ Segovia ชี้ให้เห็นถึงความสำคัญเฉพาะของไม่เพียงแต่การตั้งมือ แต่ยังรวมถึงการใช้นิ้วที่ถูกต้องด้วย กีตาร์ทิ้งร่องรอยที่สดใสไว้ในศิลปะดนตรีของรัสเซีย นักวิชาการ J. Shtelin ซึ่งอาศัยอยู่ในมอสโกระหว่างปี 1735 ถึง 1785 เขียนว่ากีตาร์ในรัสเซียแพร่กระจายอย่างช้าๆ แต่ด้วยการปรากฏตัวของนักกีตาร์อัจฉริยะ Tsani de Ferranti, F. Sor, M. Giuliani และนักแสดงรับเชิญคนอื่น ๆ เครื่องมือนี้คือ ได้รับความเห็นอกเห็นใจและใช้กันอย่างแพร่หลาย

การซื้อสายเจ็ดสายแบบดั้งเดิมในรัสเซียตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 โดยมี G-major สามตัวเพิ่มเป็นสองเท่าเป็นอ็อกเทฟและสายล่างเว้นระยะห่างกันควอร์ต ของเพลงเมืองและความโรแมนติก

ความเฟื่องฟูอย่างแท้จริงของการแสดงระดับมืออาชีพบนเครื่องดนตรีนี้เริ่มต้นขึ้นด้วยกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Andrei Osipovich Sikhra นักกีตาร์ชั้นครูที่โดดเด่น (พ.ศ. 2316-2393) ในฐานะนักเล่นพิณเขาอุทิศทั้งชีวิตเพื่อส่งเสริมกีตาร์เจ็ดสาย - ในวัยหนุ่มเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมคอนเสิร์ตจากนั้นจึงสอนและตรัสรู้ ในปี 1802 วารสารกีตาร์เจ็ดสายของ A. Sikhra เริ่มตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยมีการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซียและการเรียบเรียงดนตรีคลาสสิก ในทศวรรษต่อมา จนถึงปี พ.ศ. 2381 นักดนตรีได้ตีพิมพ์นิตยสารที่คล้ายคลึงกันหลายฉบับซึ่งส่งผลให้เครื่องดนตรี A.O. ได้รับความนิยมเพิ่มขึ้นอย่างมาก Sychra เลี้ยงดูนักเรียนจำนวนมากโดยกระตุ้นความสนใจในการแต่งเพลงสำหรับกีตาร์ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การเปลี่ยนแปลงในธีมของท่วงทำนองเพลงพื้นบ้าน นักเรียนที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาคือ S.N. Aksenov, V.I. มอร์คอฟ วี.เอส. ซาเรนโก เอฟ.เอ็ม. ซิมเมอร์แมนและคนอื่น ๆ - ทิ้งบทละครและการเรียบเรียงเพลงรัสเซียไว้มากมาย กิจกรรมของ Mikhail Timofeevich Vysotsky (พ.ศ. 2334-2380) มีความสำคัญอย่างยิ่งในการพัฒนาการแสดงกีตาร์รัสเซียระดับมืออาชีพและวิชาการ คนแรกที่แนะนำให้เขารู้จักกีตาร์คือ S.N. Aksenov เขายังกลายเป็นที่ปรึกษาของเขาด้วย

ตั้งแต่ประมาณ พ.ศ. 2356 ชื่อของ M.T. Vysotsky ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง การเล่นของเขาโดดเด่นด้วยรูปแบบการแสดงสดที่เป็นต้นฉบับ การแสดงจินตนาการที่สร้างสรรค์ในท่วงทำนองเพลงพื้นบ้านที่หลากหลาย ม. Vysotsky เป็นตัวแทนของรูปแบบการแสดงการได้ยินแบบด้นสด - ในเรื่องนี้เขาใกล้เคียงกับการทำดนตรีพื้นบ้านรัสเซียแบบดั้งเดิม สามารถพูดได้มากมายเกี่ยวกับตัวแทนคนอื่น ๆ ของการแสดงกีตาร์ของรัสเซียซึ่งมีส่วนในการพัฒนาโรงเรียนสอนการแสดงแห่งชาติ แต่นี่เป็นบทสนทนาแยกต่างหาก โรงเรียนภาษารัสเซียของแท้นั้นโดดเด่นด้วยคุณสมบัติดังต่อไปนี้: ความชัดเจนของเสียงที่เปล่งออกมา, โทนเสียงดนตรีที่สวยงาม, การมุ่งเน้นไปที่ความสามารถอันไพเราะของเครื่องดนตรีและการสร้างเพลงที่เฉพาะเจาะจง, วิธีการที่ก้าวหน้าในการใช้นิ้วพิเศษ "ช่องว่าง" การทดลองและจังหวะเผยให้เห็นความสามารถของเครื่องดนตรี

ระบบการเล่นของเครื่องดนตรีประกอบด้วยการเล่น ฟังก์ชั่นดนตรี, น้ำเสียงและที่อยู่ของมันซึ่งถูกจดจำแยกกันในแต่ละคีย์และมีการเคลื่อนไหวของเสียงที่คาดเดาไม่ได้ บ่อยครั้งที่การใช้นิ้วแต่ละนิ้ว "ช่องว่าง" ที่ไพเราะ - ฮาร์มอนิกได้รับการปกป้องอย่างกระตือรือร้นและส่งต่อให้กับนักเรียนที่ดีที่สุดเท่านั้น อิมโพรไวเซชันไม่ได้รับการศึกษาเป็นพิเศษ มันเป็นผลมาจากพื้นฐานทางเทคนิคทั่วไป และนักกีตาร์ที่ดีก็สามารถผสมผสานน้ำเสียงที่คุ้นเคยของเพลงเข้ากับลำดับฮาร์มอนิกได้ ชุดของจังหวะต่างๆ มักจะล้อมรอบวลีดนตรีและให้สีที่แปลกประหลาดแก่ผ้าดนตรี วิธีการสอนที่ประดิษฐ์ขึ้นนี้ดูเหมือนจะเป็นการค้นพบของรัสเซียล้วนๆ และไม่พบในงานต่างประเทศในเวลานั้น น่าเสียดายที่ประเพณีการแสดงกีตาร์ของรัสเซียในศตวรรษที่ XVIII-XIX ถูกลืมอย่างไม่ยุติธรรมและต้องขอบคุณความพยายามของผู้ที่ชื่นชอบสถานการณ์ในทิศทางนี้กำลังเปลี่ยนแปลงไปในทางที่ดีขึ้น

ศิลปะกีตาร์ยังพัฒนาขึ้นในสมัยโซเวียตแม้ว่าทัศนคติของเจ้าหน้าที่ต่อการพัฒนาเครื่องดนตรีนี้คือการทำให้มันเย็นลงอย่างอ่อนโยน เป็นการยากที่จะประเมินบทบาทของครูนักแสดงและนักแต่งเพลงที่โดดเด่น A.M. อีวานอฟ-ครามสคอย โรงเรียนสอนเล่นของเขารวมถึงโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์และอาจารย์ป. Agafoshina เป็นเครื่องมือช่วยสอนที่จำเป็นสำหรับนักกีตาร์รุ่นเยาว์ กิจกรรมนี้ดำเนินต่อไปอย่างยอดเยี่ยมโดยนักเรียนและผู้ติดตามจำนวนมาก: E. Larichev, N. Komoliatov, A. Frauchi, V. Kozlov, N. Koshkin, A. Vinitsky (กีตาร์คลาสสิกในดนตรีแจ๊ส), S. Rudnev (กีตาร์คลาสสิกในรัสเซีย สไตล์) และอื่น ๆ อีกมากมาย

กีต้าร์ คลาสสิค ป๊อป แจ๊ส

2. เรื่องราวการเกิดขึ้นและวิวัฒนาการป๊อปแจ๊สทิศทางวีศิลปะ

2.1 ประเภทของกีตาร์ที่ใช้ในงานศิลปะป๊อปแจ๊ส

ในเพลงป๊อปสมัยใหม่ กีตาร์สี่ประเภทที่ใช้เป็นหลัก:

1. Flat Top (Flat Top) - กีตาร์พื้นบ้านทั่วไปที่มีสายโลหะ

2. คลาสสิก (คลาสสิก) - กีตาร์คลาสสิกพร้อมสายไนลอน

3. Arch Top (Arch Top) - กีตาร์แจ๊สที่มีรูปร่างเหมือนไวโอลินขยายที่มี "efs" ตามขอบของ soundboard

4. กีตาร์ไฟฟ้า - กีตาร์ที่มีปิ๊กอัพแม่เหล็กไฟฟ้าและแท่นไม้เสาหิน (บาร์)

เมื่อ 120-130 ปีก่อน กีตาร์เพียงประเภทเดียวที่ได้รับความนิยมในยุโรปและอเมริกา ประเทศต่างๆ ใช้ระบบการปรับแต่งที่แตกต่างกัน และในบางแห่งก็เปลี่ยนจำนวนสตริงด้วยซ้ำ (เช่น ในรัสเซียมีเจ็ดสาย ไม่ใช่หกสาย) แต่ในรูปแบบกีตาร์ทั้งหมดมีความคล้ายคลึงกันมาก - ส่วนบนและส่วนล่างของร่างกายที่ค่อนข้างสมมาตรซึ่งบรรจบกับคอที่เฟรตที่ 12

ขนาดเล็ก ปาล์มร่อง คอกว้าง สปริงรูปพัด ฯลฯ - ทั้งหมดนี้ทำให้กีตาร์ประเภทนี้โดดเด่น อันที่จริงแล้ว เครื่องดนตรีที่มีรูปแบบและเนื้อหาข้างต้นคล้ายกับกีตาร์คลาสสิกในปัจจุบัน และรูปแบบของกีตาร์คลาสสิกในปัจจุบันเป็นของปรมาจารย์ชาวสเปน Torres ซึ่งมีชีวิตอยู่เมื่อประมาณ 120 ปีที่แล้ว

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ผ่านมา กีตาร์เริ่มได้รับความนิยมอย่างมาก หากก่อนหน้านั้นกีตาร์เล่นในบ้านส่วนตัวและร้านเสริมสวยเท่านั้น ในตอนท้ายของศตวรรษที่ผ่านมากีตาร์ก็เริ่มปรากฏบนเวที มีความจำเป็นต้องขยายเสียง นั่นเป็นช่วงเวลาที่มีการแบ่งที่ชัดเจนขึ้นระหว่างกีตาร์คลาสสิกกับกีตาร์โฟล์คหรือที่ฝรั่งเรียกว่ากีตาร์โฟล์ก เทคโนโลยีเริ่มสร้างสายโลหะที่มีเสียงดังขึ้น

นอกจากนี้ตัวตู้ยังเพิ่มขนาดซึ่งทำให้เสียงมีความลึกและดังขึ้น เหลืออยู่คนเดียว ปัญหาร้ายแรง- ความตึงเครียดที่รุนแรงของสายโลหะทำให้ชั้นบนสุดเสียหาย และความหนาของผนังเปลือกในท้ายที่สุดก็ทำลายการสั่นสะเทือนและเสียงด้วย จากนั้นจึงคิดค้นตัวยึดสปริงรูปตัว X ที่มีชื่อเสียง สปริงถูกติดกาวในแนวขวางซึ่งจะเป็นการเพิ่มความแข็งแรงของดาดฟ้าด้านบน แต่ปล่อยให้มันสั่นสะเทือน

ดังนั้นจึงมีการแบ่งที่ชัดเจน - กีตาร์คลาสสิกซึ่งไม่ได้เปลี่ยนแปลงมากนักตั้งแต่นั้นมา (เฉพาะสายที่เริ่มทำจากใยสังเคราะห์และไม่ใช่จากเอ็นเหมือนเมื่อก่อน) และกีตาร์พื้นบ้านตะวันตกซึ่งมีอยู่หลายตัว แต่มักจะใช้สปริงรูปตัว X สายโลหะ ตัวขยาย และอื่นๆ

ในเวลาเดียวกัน กีตาร์ประเภทอื่นกำลังพัฒนา - "ส่วนโค้ง" (ส่วนโค้ง) มันคืออะไร? ในขณะที่บริษัทอย่าง Martin กำลังแก้ไขปัญหาการขยายเสียงด้วยการติดสปริง บริษัทอย่าง Gibson กลับทำอีกทางหนึ่ง โดยสร้างกีตาร์ที่มีรูปทรงและสร้างขึ้นเหมือนไวโอลิน เครื่องดนตรีดังกล่าวโดดเด่นด้วยซาวด์บอร์ดโค้งด้านบน น็อตซึ่งเปรียบเสมือนดับเบิ้ลเบส และหางเครื่อง ตามกฎแล้ว เครื่องดนตรีเหล่านี้มีช่องเจาะไวโอลินตามขอบของซาวด์บอร์ดแทนที่จะเป็นรูกลมแบบดั้งเดิมตรงกลาง กีตาร์เหล่านี้ให้เสียงที่ไม่อบอุ่นและทุ้ม แต่มีความสมดุลและหนักแน่น ด้วยกีตาร์แบบนี้ ทุกโน้ตสามารถได้ยินอย่างชัดเจน และแจ๊สแมนก็ตระหนักได้อย่างรวดเร็วว่า “ ม้ามืดปรากฏในขอบเขตการมองเห็นของพวกเขา สำหรับดนตรีแจ๊สนั้น "ยอดโค้ง" เป็นหนี้ความนิยมซึ่งพวกเขาได้รับฉายาว่ากีตาร์แจ๊ส ในช่วงทศวรรษที่ 1930 และ 1940 สถานการณ์เริ่มเปลี่ยนไป สาเหตุหลักมาจากการเกิดขึ้นของไมโครโฟนและปิ๊กอัพคุณภาพสูง นอกจากนี้ เพลงบลูส์สไตล์ใหม่ที่เป็นที่นิยมได้เข้าสู่เวทีและยึดครองโลกในทันที ดังที่คุณทราบ เพลงบลูส์พัฒนาขึ้นจากความพยายามของนักดนตรีผิวดำที่ยากจนเป็นหลัก พวกเขาเล่นทุกวิถีทางด้วยนิ้ว ปิ๊ก และแม้แต่ขวดเบียร์ (คอขวดเบียร์เป็นบรรพบุรุษโดยตรงของสไลเดอร์สมัยใหม่) คนเหล่านี้ไม่มีเงินสำหรับเครื่องดนตรีราคาแพง พวกเขาไม่มีโอกาสซื้อสายใหม่ให้ตัวเองเสมอไป มีกีตาร์แจ๊สแบบไหน? และพวกเขาเล่นทุกอย่างที่จำเป็น ส่วนใหญ่เล่นด้วยเครื่องดนตรีทั่วไปมากกว่า - ของตะวันตก ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นอกเหนือจาก "อาร์คท็อป" ที่มีราคาแพงแล้ว บริษัท Gibson ยังผลิตกีตาร์โฟล์ค "สำหรับผู้บริโภค" จำนวนมากอีกด้วย สถานการณ์ในตลาดเป็นเช่นนั้น Gibson แทบจะเป็นบริษัทเดียวที่ผลิตกีตาร์โฟล์คราคาถูกแต่มีคุณภาพสูง เป็นเหตุผลที่นักแต่งเพลงบลูส์ส่วนใหญ่ขาดเงินสำหรับสิ่งที่สมบูรณ์แบบกว่า จึงจับ Gibsons ไว้ในมือ จนถึงขณะนี้พวกเขายังไม่ได้แยกทางกับพวกเขา

เกิดอะไรขึ้นกับกีตาร์แจ๊ส? ด้วยการกำเนิดของปิ๊กอัพ ปรากฎว่าเสียงที่สมดุลและชัดเจนของเครื่องดนตรีประเภทนี้เหมาะสมที่สุดสำหรับระบบขยายเสียงในยุคนั้น แม้ว่ากีตาร์แจ๊สจะไม่มีอะไรเหมือนกับ Fender หรือ Ibanez สมัยใหม่เลย แต่ Leo Fender คงไม่เคยสร้าง Telecasters และ Stratocasters ของเขาเลย ถ้าฉันไม่ได้ทดลองกับกีตาร์แจ๊สและปิ๊กอัพก่อน โดยวิธีการเล่นบลูส์ไฟฟ้าในภายหลังและเล่นในเครื่องดนตรีแจ๊สด้วยรถปิคอัพ แต่ความหนาของร่างกายในนั้นลดลง ตัวอย่างที่ชัดเจนคือ บี.บี. คิงและเขา กีตาร์ที่มีชื่อเสียง"Lussil" (Lussil) ซึ่งปัจจุบันหลายคนคิดว่าเป็นกีตาร์บลูส์ไฟฟ้ามาตรฐาน

การทดลองครั้งแรกในการขยายเสียงกีตาร์ด้วยไฟฟ้าย้อนกลับไปในปี 1923 เมื่อวิศวกรและนักประดิษฐ์ Lloyd Loar ได้คิดค้นปิ๊กอัพไฟฟ้าสถิตที่บันทึกการสั่นสะเทือนของกล่องเสียงสะท้อนของเครื่องสาย

ในปี พ.ศ. 2474 Georges Beauchamp และ Adolph Rickenbacker ได้ประดิษฐ์ปิ๊กอัพแม่เหล็กไฟฟ้าที่พัลส์ไฟฟ้าวิ่งผ่านขดลวดของแม่เหล็ก ทำให้เกิดสนามแม่เหล็กไฟฟ้าที่ขยายสัญญาณจากสายที่สั่น ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1930 นักทดลองจำนวนมากเริ่มรวมปิ๊กอัพเข้ากับกีตาร์ทรงฮอลโลว์แบบสเปนที่ดูดั้งเดิมมากขึ้น ตัวเลือกที่รุนแรงที่สุดถูกเสนอโดยนักกีตาร์และวิศวกร Les Paul ( เลส พอล) -- เขาเพิ่งสร้างซาวด์บอร์ดสำหรับกีตาร์แบบเสาหิน

มันทำจากไม้และเรียกง่าย ๆ ว่า "บาร์" (ท่อนซุง) ด้วยชิ้นส่วนที่เป็นของแข็งหรือเกือบจะเป็นของแข็ง วิศวกรคนอื่นๆ เริ่มทำการทดลอง ตั้งแต่ทศวรรษที่ 40 ของศตวรรษที่ XX ทั้งผู้ที่ชื่นชอบส่วนบุคคลและบริษัทขนาดใหญ่ต่างก็ประสบความสำเร็จในการทำเช่นนี้

ตลาดของผู้ผลิตกีตาร์ยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องขยายขอบเขตอย่างต่อเนื่อง และถ้าก่อนหน้านี้ "ผู้นำเทรนด์" เป็นคนอเมริกันเท่านั้น ตอนนี้ Yamaha, Ibanez และบริษัทญี่ปุ่นอื่น ๆ ครองตำแหน่งผู้นำอย่างมั่นคง ทำให้ทั้งรุ่นและสำเนากีตาร์ที่มีชื่อเสียงยอดเยี่ยมในหมู่ผู้นำในการผลิต

สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยกีตาร์ - และใช้ไฟฟ้าเป็นหลัก - ในดนตรีร็อค อย่างไรก็ตาม นักกีตาร์ร็อคที่เก่งที่สุดเกือบทั้งหมดไม่ได้นอกเหนือไปจากสไตล์ของดนตรีร็อค โดยเป็นการยกย่องดนตรีแจ๊สอย่างมาก และนักดนตรีบางคนก็เลิกเล่นดนตรีร็อคไปอย่างสิ้นเชิง ไม่มีอะไรน่าแปลกใจในเรื่องนี้เนื่องจากประเพณีการเล่นกีตาร์ที่ดีที่สุดนั้นเน้นที่ดนตรีแจ๊ส

ประเด็นที่สำคัญมากได้รับความสนใจจาก Joe Pass ผู้ซึ่งในโรงเรียนสอนดนตรีแจ๊สที่มีชื่อเสียงของเขาเขียนว่า กีตาร์แจ๊สหรือกีตาร์ปิ๊กปรากฏขึ้นในศตวรรษของเราเท่านั้น และกีตาร์ไฟฟ้ายังคงเป็นปรากฏการณ์ใหม่ที่เราเพิ่งเริ่มเข้าใจถึงความสามารถของมันในฐานะเครื่องดนตรีที่เต็มเปี่ยม ในสถานการณ์เช่นนี้ ประสบการณ์ที่สั่งสมมา ประเพณีดนตรีแจ๊สของความเชี่ยวชาญด้านกีตาร์มีความสำคัญเป็นพิเศษ

เข้าแล้ว ฟอร์มต้นบลูส์ "คร่ำครึ" หรือ "ชนบท" มักเรียกอีกอย่างว่าคำว่า "คันทรีบลูส์" (คันทรีบลูส์) เป็นองค์ประกอบหลักของเทคนิคกีตาร์ที่กำหนดการพัฒนาต่อไป เทคนิคที่แยกจากกันของนักกีตาร์บลูส์กลายเป็นพื้นฐานสำหรับการก่อตัวของสไตล์ที่ตามมาในภายหลัง

การบันทึกเสียงเพลงคันทรี่บลูส์ในยุคแรกเริ่มมีอายุย้อนกลับไปในช่วงกลางทศวรรษที่ 20 แต่มีเหตุผลทุกประการที่จะเชื่อได้ว่าโดยเนื้อแท้แล้ว มันแทบไม่แตกต่างจากสไตล์ดั้งเดิมที่เกิดขึ้นในหมู่คนผิวดำของรัฐทางใต้ (เท็กซัส ลุยเซียนา อลาบามา ฯลฯ ) ) ย้อนกลับไปในยุค 70-80 ของศตวรรษที่ XIX

ในบรรดานักร้อง-นักกีตาร์ที่โดดเด่นในสไตล์นี้คือ Blind Lemon Jefferson (1897-1930) ซึ่งมีอิทธิพลต่อนักดนตรีหลายคนอย่างเห็นได้ชัด ช่วงปลายและไม่เพียงแต่เพลงบลูส์เท่านั้น Blind Blake (1895-1931) ยังเป็นปรมาจารย์ด้านกีตาร์แนวแร็กไทม์และบลูส์ที่เก่งกาจ ซึ่งหลายคนยังคงประทับใจกับเทคนิคที่ยอดเยี่ยมและการด้นสดที่สร้างสรรค์ เบลคถือเป็นหนึ่งในผู้ริเริ่มการใช้กีตาร์เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว Huddie Leadbetter หรือที่รู้จักกันทั่วไปในชื่อ Leadbelly (1888-1949) เคยถูกเรียกว่า "ราชาแห่งกีตาร์สิบสองสาย" บางครั้งเขาเล่นคู่กับเจฟเฟอร์สันแม้ว่าเขาจะด้อยกว่าเขาในฐานะนักแสดงก็ตาม Leadbelly นำเสียงเบสที่มีลักษณะเฉพาะมาใช้ในดนตรีประกอบ - "Wandering Bass" ซึ่งต่อมาใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีแจ๊ส

โดดเด่นในหมู่นักกีตาร์บลูส์คันทรี ลอนนี่ จอห์นสัน (ลอนนี่ จอห์นสัน, 1889-1970) นักดนตรีฝีมือดีที่ใกล้ชิดกับดนตรีแจ๊สมาก พวกเขาบันทึกเพลงบลูส์ที่ยอดเยี่ยมโดยไม่มีเสียงร้อง และบ่อยครั้งที่เขาเล่นเป็นคนกลาง ซึ่งไม่เพียงแสดงให้เห็นถึงเทคนิคที่ยอดเยี่ยม แต่ยังแสดงทักษะการแสดงสดที่โดดเด่นอีกด้วย

คุณสมบัติอย่างหนึ่งของยุคชิคาโกในการพัฒนาดนตรีแจ๊สแบบดั้งเดิมซึ่งเปลี่ยนผ่านไปสู่วงสวิงคือการเปลี่ยนเครื่องดนตรี: แทนที่จะเป็นคอร์เน็ต, ทูบาและแบนโจ, ทรัมเป็ต, ดับเบิ้ลเบสและกีตาร์มาก่อน

เหตุผลประการหนึ่งคือการเกิดขึ้นของไมโครโฟนและวิธีการบันทึกด้วยกลไกไฟฟ้า: ในที่สุดกีตาร์ก็ส่งเสียงอย่างเต็มที่ในบันทึก คุณลักษณะที่สำคัญของดนตรีแจ๊สในชิคาโกคือบทบาทที่เพิ่มขึ้นของการแสดงเดี่ยว ที่นี่เป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญในชะตากรรมของกีตาร์: มันกลายเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวที่เต็มเปี่ยม

นี่เป็นเพราะชื่อของ Eddie Lang (Eddie Lang, ชื่อจริง - Salvador Massaro) ซึ่งแนะนำการเล่นกีตาร์ด้วยเทคนิคดนตรีแจ๊สมากมายตามแบบฉบับของเครื่องดนตรีอื่น ๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งลักษณะการใช้ถ้อยคำของเครื่องลม เอ็ดดี แลงยังสร้างสไตล์การเล่นดนตรีแจ๊สในฐานะคนกลาง ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นสิ่งที่โดดเด่น ครั้งแรกที่เขาใช้ปิ๊กกีตาร์ - กีตาร์พิเศษสำหรับเล่นดนตรีแจ๊สซึ่งแตกต่างจากกีตาร์สเปนทั่วไปตรงที่ไม่มีดอกกุหลาบทรงกลม แต่บนดาดฟ้าเรือกลับปรากฏรถยนต์รุ่น ef คล้ายกับไวโอลิน และแผงบังแบบถอดได้ซึ่งป้องกันการตีปิ๊ก การเล่น Eddie Lang ในวงดนตรีนั้นโดดเด่นด้วยการผลิตเสียงที่แข็งแกร่ง เขามักจะใช้เสียงผ่าน ลำดับสี; บางครั้งเขาเปลี่ยนมุมของปิ๊กให้สัมพันธ์กับฟิงเกอร์บอร์ด เพื่อให้ได้เสียงที่เฉพาะเจาะจง

ลักษณะเฉพาะของ Lang คือคอร์ดที่มีสายไม่ออกเสียง สำเนียงที่รุนแรง คอร์ดที่ไม่ใช่คอร์ดแบบขนาน สเกลโทนเสียงทั้งหมด กลิสซันโดที่แปลกประหลาด ฮาร์โมนิกประดิษฐ์ คอร์ดที่เพิ่มขึ้น และการใช้ถ้อยคำทองเหลือง เราสามารถพูดได้ว่าอยู่ภายใต้อิทธิพลของ Eddie Lang ที่นักกีตาร์หลายคนเริ่มให้ความสนใจกับโน้ตเสียงเบสในคอร์ด และถ้าเป็นไปได้ ให้นำเสียงได้ดีขึ้น การประดิษฐ์กีตาร์ไฟฟ้าเป็นแรงผลักดันให้เกิดโรงเรียนสอนกีตาร์และเทรนด์ใหม่ๆ พวกเขาก่อตั้งโดยนักกีตาร์แจ๊สสองคน: Charlie Christian ในอเมริกาและ Django Reinhardt

(Django Reinhardt) ในยุโรป

ในหนังสือของเขา "From Reg to Rock" นักวิจารณ์ชาวเยอรมันชื่อดัง I. Berendt เขียนว่า "สำหรับนักดนตรีแจ๊สสมัยใหม่ ประวัติของกีตาร์เริ่มต้นที่ Charlie Christian ในช่วงสองปีที่เขาใช้เวลา ฉากแจ๊สเขาปฏิวัติการเล่นกีตาร์ แน่นอนว่ามีมือกีตาร์อยู่ก่อนหน้าเขา แต่ดูเหมือนว่ากีตาร์ที่เล่นต่อหน้าคริสเตียนและกีตาร์ที่เป่าตามหลังเขานั้นเป็นเครื่องดนตรีสองชิ้นที่แตกต่างกัน”

ชาร์ลีเล่นด้วยความมีไหวพริบที่ดูเหมือนเด็กรุ่นราวคราวเดียวกันจะเข้าถึงไม่ได้ เมื่อเขามาถึง กีตาร์ก็กลายเป็นสมาชิกที่ทัดเทียมกันของวงดนตรีแจ๊ส เขาเป็นคนแรกที่แนะนำกีตาร์โซโลเป็นเสียงที่สามให้กับวงดนตรีที่มีทรัมเป็ตและเทเนอร์แซกโซโฟน ทำให้เครื่องดนตรีไม่ต้องเล่นตามจังหวะในวงออเคสตรา ก่อนคนอื่น C. Christian ตระหนักว่าเทคนิคการเล่นกีตาร์ไฟฟ้านั้นแตกต่างอย่างมากจากวิธีการเล่นอะคูสติก ด้วยความกลมกลืน เขาทดลองเพิ่มและลดคอร์ด คิดค้นรูปแบบจังหวะใหม่สำหรับท่วงทำนองแจ๊สที่ดีที่สุด (เอเวอร์กรีน) ในทางเดิน เขามักจะใช้ส่วนเสริมกับคอร์ดที่เจ็ด ซึ่งดึงดูดผู้ฟังด้วยความไพเราะและจังหวะอันชาญฉลาด เขาเป็นคนแรกที่พัฒนาปฏิภาณโวหารของเขาโดยไม่ได้อาศัยความกลมกลืนของธีม แต่ขึ้นอยู่กับการส่งผ่านคอร์ดซึ่งเขาวางไว้ระหว่างคอร์ดหลัก ในวงเมโลดิกนั้นมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการใช้เลกาโตแทนฮาร์ดสแตคกาโต

การแสดงของ C. Christian นั้นโดดเด่นเสมอด้วยการแสดงพลังที่ไม่ธรรมดา บวกกับการเหวี่ยงที่รุนแรง นักทฤษฎีดนตรีแจ๊สอ้างว่าในการเล่นดนตรีของเขา เขาคาดการณ์ถึงการเกิดขึ้นของดนตรีแจ๊สสไตล์ใหม่ (be-bop) และเป็นหนึ่งในผู้สร้างสรรค์ดนตรีแจ๊ส

พร้อมกันกับคริสเตียน Django Reinhardt นักกีตาร์แจ๊สที่โดดเด่นไม่แพ้กันก็ฉายแววในปารีส ชาร์ลีคริสเตียนในขณะที่ยังคงแสดงในคลับในโอคลาโฮมาชื่นชม Django และมักจะบันทึกซ้ำสำหรับบันทึกเดี่ยวของเขาที่บันทึกไว้ในบันทึกแม้ว่านักดนตรีเหล่านี้จะแตกต่างกันอย่างมากในลักษณะการเล่น นักดนตรีและศิลปินแจ๊สที่มีชื่อเสียงหลายคนพูดถึงการมีส่วนร่วมของ Django ในการพัฒนาสไตล์การเล่นกีตาร์แจ๊สและความเชี่ยวชาญของเขา ตามที่ D. Ellington กล่าวว่า "Django เป็นศิลปินที่ยอดเยี่ยม แต่ละโน้ตที่เขาจดคือขุมทรัพย์ แต่ละคอร์ดคือหลักฐานของรสนิยมที่ไม่สั่นคลอนของเขา

Django แตกต่างจากนักกีตาร์คนอื่นๆ ด้วยเสียงที่ไพเราะ หนักแน่น และสไตล์การเล่นที่แปลกประหลาดของเขา ด้วยจังหวะที่ยาวหลังจากวัดมาหลายครั้ง ทางเดินที่รวดเร็วอย่างฉับพลัน จังหวะที่มั่นคงและเน้นเสียงที่เฉียบขาด ในช่วงเวลาไคลแมกซ์ เขามักจะเล่นเป็นอ็อกเทฟ

เทคนิคประเภทนี้ยืมมาจากเขาโดย C. Christian และอีกสิบสองปีต่อมา - โดย W. Montgomery ด้วยความรวดเร็ว เขาสามารถสร้างไฟและแรงดันเช่นนี้ได้ ซึ่งก่อนหน้านี้พบได้เฉพาะในการแสดงด้วยเครื่องมือลมเท่านั้น ในคนที่เชื่องช้าเขามีแนวโน้มที่จะโหมโรงและแรปโซดีใกล้เคียงกับเพลงบลูส์ของนิโกร Django ไม่เพียงแต่เป็นศิลปินเดี่ยวที่เก่งกาจเท่านั้น แต่ยังเป็นนักดนตรีประสานที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย เขานำหน้าคนรุ่นราวคราวเดียวกันหลายคนในการใช้คอร์ดรองลงมาที่เจ็ด คอร์ดที่ลดลง คอร์ดที่เพิ่มและคอร์ดที่ส่งผ่านอื่นๆ Django ให้ความสนใจอย่างมากกับความกลมกลืนของโครงร่างฮาร์โมนิกของท่อนต่างๆ โดยมักจะเน้นว่าหากทุกอย่างถูกต้องและมีเหตุผลในลำดับคอร์ด เมโลดี้ก็จะไหลไปเอง

ในฐานะนักดนตรี เขามักจะใช้คอร์ดที่เลียนแบบเสียงของท่อนทองเหลือง การมีส่วนร่วมของ Charlie Christian และ Django Reinhardt ต่อประวัติศาสตร์ของกีตาร์แจ๊สเป็นสิ่งที่ประเมินค่ามิได้ นักดนตรีที่โดดเด่นสองคนนี้แสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่ไม่สิ้นสุดของเครื่องดนตรีของคุณ ไม่เพียงแต่ในการบรรเลงคลอเท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงเดี่ยวแบบด้นสดอีกด้วย ซึ่งได้กำหนดทิศทางหลักในการพัฒนาเทคนิคการเล่นกีตาร์ไฟฟ้าไว้ล่วงหน้าในอีกหลายปีข้างหน้า

บทบาทที่เพิ่มขึ้นของกีตาร์ในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวทำให้นักแสดงอยากเล่นเป็นวงเล็กๆ (คอมโบ) ที่นี่นักกีตาร์รู้สึกเหมือนเป็นสมาชิกที่เต็มเปี่ยมของวงดนตรีโดยทำหน้าที่เป็นทั้งนักดนตรีและศิลปินเดี่ยว ความนิยมของกีตาร์เพิ่มขึ้นทุกวัน มีนักกีตาร์แจ๊สที่มีพรสวรรค์มากขึ้นเรื่อยๆ และวงดนตรีขนาดใหญ่ยังคงมีจำนวนจำกัด นอกจากนี้ ผู้นำและผู้เรียบเรียงเสียงประสานของวงออเคสตร้าขนาดใหญ่หลายคนไม่ได้แนะนำกีตาร์ในส่วนจังหวะเสมอไป พอจะยกตัวอย่างได้ว่า

Duke Ellington ผู้ซึ่งไม่ชอบที่จะรวมเสียงของกีตาร์และเปียโนเข้าด้วยกัน อย่างไรก็ตาม บางครั้งงาน "เชิงกล" ซึ่งทำหน้าที่รักษาจังหวะในวงดนตรีขนาดใหญ่ก็กลายเป็นศิลปะแจ๊สอย่างแท้จริง มันเป็นเรื่องของเกี่ยวกับหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของรูปแบบการเล่นกีตาร์จังหวะคอร์ด Freddie Green

เทคนิคการเล่นคอร์ดที่เก่งกาจ ความรู้สึกในการสวิงที่ยอดเยี่ยม รสนิยมทางดนตรีที่ละเอียดอ่อนทำให้การเล่นของเขาโดดเด่น เขาแทบไม่เคยเล่นเดี่ยว แต่ในขณะเดียวกันก็มักจะถูกเปรียบเทียบกับเรือลากจูงซึ่งเกี่ยวข้องกับวงออเคสตราทั้งหมด

เฟรดดี กรีนเป็นหนี้วงดนตรีวงใหญ่ของ Count Basie ในเรื่องความกะทัดรัดที่ไม่ธรรมดาของส่วนจังหวะ การปลดปล่อย และความกระชับของเกม อาจารย์คนนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อนักเล่นกีตาร์ที่ชอบการเล่นดนตรีประกอบและการเล่นประสานเสียงกับการเล่นแบบยาวและการเล่นแบบโมโนโฟนิก ผลงานของ Charlie Christian, Django และ Freddie Green มีสามสาขาเหมือนเดิม ต้นไม้ครอบครัวกีตาร์แจ๊ส. อย่างไรก็ตาม ควรกล่าวถึงอีกทิศทางหนึ่งซึ่งค่อนข้างห่างกัน แต่ในยุคของเรากำลังได้รับการยอมรับและเผยแพร่มากขึ้นเรื่อย ๆ

ความจริงก็คือไม่ใช่นักกีตาร์ทุกคนที่ยอมรับสไตล์ของ Ch. Christian ซึ่งกีตาร์ได้รับเสียงของเครื่องลม (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่หลายคนฟังการบันทึกของ Charlie Christian เข้าใจผิดว่าเสียงกีตาร์ของเขาเป็นแซกโซโฟน) ประการแรกสไตล์ของเขาเป็นไปไม่ได้สำหรับผู้ที่เล่นกีตาร์อะคูสติก

เทคนิคหลายอย่างที่พัฒนาโดย C. Christian (เลกาโต้แบบยาว ไลน์อิมโพรไวเซชันแบบยาวโดยไม่มีฮาร์มอนิกซัพพอร์ต โน๊ตแบบต่อเนื่อง การโค้ง การใช้สายเปิดที่หายาก ฯลฯ) ไม่ได้ผลสำหรับพวกเขา โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเล่นเครื่องดนตรีที่มีสายไนลอน นอกจากนี้ยังมีนักกีตาร์ที่ผสมผสานคลาสสิก การเล่นกีตาร์ ฟลาเมงโก และองค์ประกอบของดนตรีละตินอเมริกาเข้ากับดนตรีแจ๊สอย่างสร้างสรรค์ เบื้องต้นประกอบด้วยนักดนตรีแจ๊สที่โดดเด่นสองคน: Laurindo Almeida (Laurindo Almeida) และ Charlie Byrd (ชาร์ลี เบิร์ด) ซึ่งผลงานของเขามีอิทธิพลต่อนักกีตาร์คลาสสิกหลายคน โดยแสดงให้เห็นถึงความเป็นไปได้ที่ไร้ขีดจำกัดของกีตาร์อะคูสติกในทางปฏิบัติ ด้วยเหตุผลที่ดีพวกเขาถือได้ว่าเป็นผู้ก่อตั้งสไตล์ "กีตาร์คลาสสิกในดนตรีแจ๊ส"

นักกีตาร์ชาวนิโกร เวส จอห์น เลสลี มอนต์โกเมอรี่เป็นหนึ่งในนักดนตรีที่เจิดจรัสที่สุดที่ปรากฏตัวในวงการดนตรีแจ๊สตั้งแต่ ค. คริสเตียน เขาเกิดในปี 2468 ในอินเดียแนโพลิส เขาเริ่มสนใจกีตาร์เมื่ออายุ 19 ปีเท่านั้นภายใต้อิทธิพลของบันทึกของ Charlie Christian และความกระตือรือร้นของพี่น้อง Buddy และ Monk ผู้เล่นเปียโนและดับเบิ้ลเบสในวงออเคสตราของ Lionel Hampton นักไวบราโฟนชื่อดัง เขาจัดการเพื่อให้ได้เสียงที่ "นุ่มนวล" ที่อบอุ่นผิดปกติ (โดยใช้นิ้วโป้งของมือขวาแทนปิ๊ก) และพัฒนาเทคนิคอ็อกเทฟจนถึงระดับที่เขาแสดงคอรัสแบบอิมโพรไวเซชันทั้งหมดในอ็อกเตฟได้อย่างง่ายดายและบริสุทธิ์อย่างน่าทึ่ง จังหวะเร็ว ทักษะของเขาสร้างความประทับใจให้คู่หูมากจนพวกเขาตั้งฉายาให้เวสว่า "Mr. Octave" อย่างติดตลก แผ่นดิสก์แผ่นแรกที่มีการบันทึกเสียงของ W. Montgomery วางจำหน่ายในปี 1959 และทำให้มือกีตาร์ประสบความสำเร็จและเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางในทันที ผู้ที่ชื่นชอบดนตรีแจ๊สต้องตกตะลึงกับความเก่งกาจในการเล่นของเขา การเรียบเรียงเสียงประสานที่ประณีตและยับยั้งชั่งใจ ความไพเราะของอิมโพรไวส์ ความรู้สึกคงที่ของน้ำเสียงบลูส์ และจังหวะการสวิงที่สดใส เป็นเรื่องที่น่าสนใจมากสำหรับ Wes Montgomery ในการรวมกีตาร์ไฟฟ้าเดี่ยวเข้ากับเสียงของ วงออเคสตราขนาดใหญ่ซึ่งรวมถึงกลุ่มสตริง

นักกีตาร์แจ๊สที่ตามมาส่วนใหญ่ - รวมถึงนักดนตรีชื่อดังเช่น Jim Hall, Joe Pass, John McLaughlin, George Benson, Larry Coryell - รับรู้ถึงอิทธิพลอันยิ่งใหญ่ของ Wes Montgomery ในการทำงานของพวกเขา ในช่วงทศวรรษที่ 40 มาตรฐานที่พัฒนาโดยวงสวิงไม่ได้สร้างความพึงพอใจให้กับนักดนตรีหลายคน ความคิดโบราณที่ก่อตัวขึ้นในความกลมกลืนของรูปแบบเพลง คำศัพท์ซึ่งมักถูกลดทอนให้เป็นการอ้างอิงโดยตรงของปรมาจารย์ดนตรีแจ๊สที่โดดเด่น จังหวะที่ซ้ำซากจำเจและการใช้วงสวิงในดนตรีเชิงพาณิชย์กลายเป็นตัวขัดขวางการพัฒนาแนวเพลงต่อไป หลังจาก "ช่วงเวลาทอง" ของการแกว่ง ก็ถึงเวลาค้นหารูปแบบใหม่ที่ก้าวหน้ากว่า มีทิศทางใหม่มากขึ้นเรื่อย ๆ ซึ่งตามกฎแล้วจะรวมกันเป็นชื่อสามัญ - แจ๊สสมัยใหม่ (Modern Jazz) ประกอบด้วยบีป็อบ ("แจ๊ส-สตาคาโต"), ฮาร์ดบอป, โปรเกรสซีฟ, คูล, กระแสที่สาม, บอสซาโนวาและแจ๊สแอฟโฟร-คิวบา, แจ๊สโมดอล, แจ๊ส-ร็อก, ฟรีแจ๊ส, ฟิวชั่น และอื่นๆ: ความหลากหลายดังกล่าว อิทธิพลซึ่งกันและกัน และ การแทรกซึมซึ่งกันและกันของกระแสที่แตกต่างกันทำให้การวิเคราะห์ผลงานของนักดนตรีแต่ละคนซับซ้อนขึ้นโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อหลายคนเล่นในคราวเดียวในลักษณะที่หลากหลาย ตัวอย่างเช่น ในบันทึกของ Ch. Byrd เราสามารถพบ Boss Nova, Blues, แนวเหวี่ยง, การเรียบเรียงของเพลงคลาสสิก และ Country Rock และอื่นๆ อีกมากมาย ในเกมของ B. Kessel - สวิง, บี๊บ, บอสซาโนวา, องค์ประกอบของโมดอลแจ๊ส ฯลฯ เป็นลักษณะเฉพาะที่นักเล่นกีตาร์แจ๊สเองมักจะตอบสนองค่อนข้างรุนแรงต่อความพยายามที่จะจำแนกพวกเขาว่าเป็นทิศทางของดนตรีแจ๊สแบบใดแบบหนึ่ง โดยพิจารณาจากแนวทางดั้งเดิมในการประเมินผลงานของพวกเขา ข้อความดังกล่าวสามารถพบได้ใน Larry Coryell, Joe Pass, John McLaughlin และคนอื่นๆ

2 .2 หลักทิศทางป๊อปแจ๊สผลงาน60-70 - เอ็กซ์ปี

และตามที่นักวิจารณ์ดนตรีแจ๊สคนหนึ่ง I. Berendt ในช่วงทศวรรษที่ 60-70 สี่ทิศทางหลักได้พัฒนาขึ้นในการแสดงกีตาร์สมัยใหม่: 1) กระแสหลัก (กระแสหลัก); 2) แจ๊สร็อค; 3) ทิศทางบลูส์; 4) หิน ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของกระแสหลัก ได้แก่ Jim Hall, Kenny Burrell และ Joe Pass จิม ฮอลล์ "กวีแห่งดนตรีแจ๊ส" ตามที่เขามักเรียกกันว่า เป็นที่รู้จักและเป็นที่รักของสาธารณชนตั้งแต่ช่วงปลายทศวรรษที่ 50 จนถึงปัจจุบัน

"Jazz Guitar Virtuoso" เรียกว่า โจพาส (Joe Pass, ชื่อเต็มโจเซฟ แอนโธนี จาโคบี พาสซาลาควา) นักวิจารณ์ทำให้เขาอยู่ในระดับเดียวกับนักดนตรีเช่น Oscar Peterson, Ella Fitzgerald และ Barney Kessel ผลงานเพลงคู่ของเขากับ Ella Fitzgerald และ Herb Ellis วงดนตรีทั้งสามร่วมกับ Oscar Peterson และมือเบส Nils Pederson และโดยเฉพาะอย่างยิ่งแผ่นเดี่ยวของเขา "Joe Pass the Virtuoso" ประสบความสำเร็จอย่างมาก Joe Pass เป็นหนึ่งในนักกีตาร์แจ๊สที่น่าสนใจและหลากหลายที่สุดในประเพณีของ Jacgo Reinhardt, Charlie Christian และ Wes Montgomery งานของเขาได้รับอิทธิพลเพียงเล็กน้อยจากเทรนด์ใหม่ของดนตรีแจ๊สสมัยใหม่: เขาชอบบี๊บ็อบ นอกเหนือจากกิจกรรมคอนเสิร์ตแล้ว Joe Pass ยังสอนมากมายและประสบความสำเร็จเผยแพร่ผลงานเกี่ยวกับวิธีการซึ่งโรงเรียนของเขา "Joe Pass Guitar Style" ครอบครองสถานที่พิเศษ "2E

อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่นักกีตาร์แจ๊สทุกคนที่ทุ่มเทให้กับ "กระแสหลัก" ท่ามกลาง นักดนตรีที่โดดเด่นมุ่งสู่สิ่งใหม่ในการพัฒนาดนตรีแจ๊ส ควรสังเกต George Benson, Carlos Santana, Ola di Meola นักดนตรีชาวเม็กซิกัน คาร์ลอส ซานตานา (Carlos Santana, เกิดในปี 1947) เล่นในสไตล์ "ลาตินร็อก" โดยอิงตามจังหวะละตินอเมริกา (แซมบ้า รุมบ้า ซัลซ่า ฯลฯ) ในลักษณะร็อค ผสมผสานกับองค์ประกอบของฟลาเมงโก .

George Benson เกิดในปี 1943 ที่เมือง Pittsburgh และตอนเป็นเด็กเขาร้องเพลงบลูส์ เล่นกีตาร์ และแบนโจ เมื่ออายุได้ 15 ปี จอร์จได้รับกีตาร์ไฟฟ้าตัวเล็กเป็นของขวัญ และเมื่ออายุได้ 17 ปี หลังจากจบการศึกษาจากโรงเรียน เขาก็ได้ตั้งวงดนตรีร็อกแอนด์โรลวงเล็ก ๆ ซึ่งเขาร้องเพลงและเล่น หนึ่งปีต่อมา Jack McDuff นักเล่นออร์แกนแจ๊สมาถึงพิตต์สเบิร์ก ปัจจุบัน ผู้เชี่ยวชาญบางคนมองว่าการบันทึกเสียงครั้งแรกของเขากับ Jack McDuff นั้นดีที่สุดในรายชื่อจานเสียงทั้งหมดของ Benson Benson ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากงานของ Django Reinhardt และ Wes Montgomery โดยเฉพาะอย่างยิ่งเทคนิคของรุ่นหลัง

ในบรรดานักกีตาร์รุ่นใหม่ที่เล่นดนตรีแจ๊ส-ร็อกและพัฒนาสไตล์แจ๊สที่ค่อนข้างใหม่-ฟิวชัน Ol di Meola (AI di Meola) โดดเด่นกว่าใคร ความหลงใหลในกีตาร์แจ๊สของนักดนตรีหนุ่มคนนี้เริ่มต้นจากการฟังการบันทึกเสียงของวงดนตรีสามท่านที่มี Larry Coryell (ซึ่งบังเอิญ Al di Meola เข้ามาแทนที่ในไลน์อัพเดียวกันในอีกไม่กี่ปีต่อมา) เมื่ออายุได้ 17 ปี เขามีส่วนร่วมในการบันทึกเสียงกับ Chick Corea Ol di Meola เล่นกีตาร์อย่างเชี่ยวชาญ - ทั้งด้วยนิ้วและปิ๊ก หนังสือเรียน "ลักษณะเฉพาะของการเล่นกีตาร์โดยคนกลาง" ซึ่งเขียนโดยเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจากผู้เชี่ยวชาญ

นักประดิษฐ์ในยุคของเรายังรวมถึง Larry Coryell นักกีตาร์ผู้มากความสามารถซึ่งผ่านความยากลำบากมา วิธีที่สร้างสรรค์-- จากความหลงใหลในร็อกแอนด์โรล สู่กระแสใหม่ล่าสุดในดนตรีแจ๊สสมัยใหม่

ในความเป็นจริงหลังจาก Django นักกีตาร์ชาวยุโรปเพียงคนเดียวที่ได้รับการยอมรับอย่างไม่มีเงื่อนไขทั่วโลกและมีอิทธิพลต่อการพัฒนาดนตรีแจ๊สโดยทั่วไปนั่นคือ John McLaughlin ชาวอังกฤษ ความรุ่งเรืองของพรสวรรค์ของเขาอยู่ในช่วงครึ่งแรกของทศวรรษที่ 70 ของศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นช่วงเวลาที่ดนตรีแจ๊สขยายขอบเขตของโวหารอย่างรวดเร็ว ผสมผสานกับดนตรีร็อค การทดลองดนตรีอิเล็กทรอนิกส์และดนตรีเปรี้ยวจี๊ด และประเพณีดนตรีพื้นบ้านต่างๆ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ไม่เพียง แต่แฟนเพลงแจ๊สเท่านั้นที่คิดว่า McLaughlin เป็น "ของพวกเขาเอง" เราจะพบชื่อของเขาในสารานุกรมของดนตรีร็อค ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 กิ้นได้จัดตั้งวงดุริยางค์มหาวิษณุ (มหาวิษณุ) นอกจากคีย์บอร์ด กีตาร์ กลอง และเบสแล้ว เขายังนำไวโอลินมาใช้ในการประพันธ์อีกด้วย ด้วยวงออร์เคสตรานี้ นักกีตาร์ได้บันทึกเสียงจำนวนหนึ่ง ซึ่งได้รับการตอบรับอย่างกระตือรือร้นจากสาธารณชน ผู้วิจารณ์สังเกตความเก่งกาจของ McLaughlin นวัตกรรมในการเรียบเรียง ความสดของเสียง เนื่องจากการใช้องค์ประกอบของดนตรีอินเดีย แต่สิ่งสำคัญคือการปรากฏตัวของแผ่นดิสก์เหล่านี้ถือเป็นการก่อตั้งและพัฒนาเทรนด์ดนตรีแจ๊สใหม่: แจ๊สร็อค

ในปัจจุบันมีนักกีตาร์ที่โดดเด่นหลายคนที่สืบสานและเพิ่มพูนประเพณีของปรมาจารย์ในอดีต สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งสำหรับวัฒนธรรมป๊อปแจ๊สระดับโลกคือผลงานของนักเรียนที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Jimm Hall - Pat Mattini ความคิดสร้างสรรค์ของเขาช่วยเสริมความไพเราะ-ฮาร์มอนิกของดนตรีป๊อปยุคใหม่ให้สมบูรณ์ยิ่งขึ้น นอกจากนี้ ฉันยังอยากชื่นชมการแสดงและการสอนที่ยอดเยี่ยมของ Mike Stern, Frank Gambal, Joe Satriani, Steve Vai, Lee Ritenour นักเรียนของ Joe Pass และคนอื่นๆ อีกมากมาย

สำหรับการพัฒนาศิลปะการเล่นกีตาร์ป๊อปแจ๊ส (ไฟฟ้าและอะคูสติก) ในประเทศของเราคงเป็นไปไม่ได้หากไม่มีงานด้านการศึกษาและการศึกษาที่ประสบความสำเร็จหลายปีโดย V. Manilov, V. Molotkov, A. Kuznetsov , A. Vinitsky รวมถึงผู้ติดตามของพวกเขา S. Popov, I. Boyko และคนอื่น ๆ สิ่งที่สำคัญอย่างยิ่งคือกิจกรรมการแสดงคอนเสิร์ตของนักดนตรีเช่น: A. Kuznetsov, I. Smirnov, I. Boyko, D. Chetvergov, T. Kvitelashvili, A. Chumakov, V. Zinchuk และอื่น ๆ อีกมากมาย หลังจากเปลี่ยนจากเพลงบลูส์มาเป็นแจ๊สร็อค กีตาร์ไม่เพียงทำให้ความเป็นไปได้ของมันหมดลงเท่านั้น แต่ยังได้รับความเป็นผู้นำในทิศทางใหม่ๆ ของดนตรีแจ๊สอีกด้วย ความสำเร็จในด้านเทคนิคการเล่นกีตาร์อะคูสติกและกีตาร์ไฟฟ้า การใช้อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์ การรวมองค์ประกอบของฟลาเมงโก สไตล์คลาสสิก ฯลฯ ให้เหตุผลในการพิจารณากีตาร์ว่าเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีชั้นนำของดนตรีประเภทนี้ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมนักดนตรีรุ่นใหม่จึงต้องศึกษาประสบการณ์ของนักกีตาร์แจ๊สรุ่นก่อน บนพื้นฐานนี้เท่านั้นที่จะสามารถค้นหาสไตล์การเล่นของแต่ละคน วิธีการพัฒนาตนเอง และพัฒนากีตาร์ป๊อปแจ๊สต่อไป

ข้อสรุป

ในยุคของเราหัวข้อของการพัฒนาทักษะการแสดงกีตาร์ 6 สายยังคงมีความเกี่ยวข้องเนื่องจากในขณะนี้มีโรงเรียนและระบบการฝึกอบรมมากมาย พวกเขารวมถึงทิศทางที่แตกต่างกันจากโรงเรียนสอนการเล่นคลาสสิกไปจนถึงโรงเรียนสอนดนตรีแจ๊ส ละติน และบลูส์

ในการพัฒนาสไตล์ดนตรีแจ๊ส เทคนิคเครื่องดนตรีเฉพาะมีบทบาทสำคัญมาก ซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของการใช้เครื่องดนตรีแจ๊สและความสามารถในการแสดงออกของมัน เช่น ความไพเราะ ท่วงทำนอง จังหวะ ฮาร์มอนิก ฯลฯ บลูส์มีบทบาทสำคัญในการก่อตัวของดนตรีแจ๊ส ในทางกลับกัน "หนึ่งในปัจจัยชี้ขาดในการตกผลึกของเพลงบลูส์จากนิทานพื้นบ้านนิโกรแบบยุคก่อนและแบบน้อยกว่าคือ 'การค้นพบ' ของกีตาร์ในสื่อนี้"

ประวัติความเป็นมาของการพัฒนาศิลปะกีตาร์รู้ชื่อนักกีตาร์ - ครู นักแต่งเพลง และนักแสดงมากมายที่สร้างอุปกรณ์ช่วยสอนมากมายสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์ ซึ่งหลายคนเกี่ยวข้องโดยตรงหรือโดยอ้อมกับปัญหาการพัฒนาความคิดแบบใช้นิ้ว

ในยุคของเรา แนวคิดของนักกีตาร์รวมถึงความเชี่ยวชาญทั้งเทคนิคคลาสสิกหลัก ทั้งพื้นฐาน และความสามารถและความเข้าใจในรูปแบบที่มาพร้อมกับฟังก์ชัน ความสามารถในการเล่นและด้นสดบนดิจิทัล รายละเอียดปลีกย่อยทั้งหมด และ คุณลักษณะของการคิดแบบบลูส์และแจ๊ส

น่าเสียดายที่เมื่อเร็ว ๆ นี้ สื่อมีอิทธิพลน้อยมาก ไม่เพียงแต่กับเพลงคลาสสิกที่จริงจังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพลงป๊อปแจ๊สประเภทที่ไม่ใช่เชิงพาณิชย์ด้วย

รายการใช้แล้ววรรณกรรม

1. Bakhmin A.A. คู่มือเล่นกีตาร์หกสายด้วยตนเอง / อ.เอ. แบคมิน. M.: ASS-center, 1999.-80 น.

2. บอยโกะ ไอ.เอ. การด้นสดบนกีตาร์ไฟฟ้า ตอนที่ 2 "เทคนิคพื้นฐานของคอร์ด" - ม.; ศูนย์งานอดิเรก 2543-39 น.;

3. บอยโก ไอ.เอ. การด้นสดบนกีตาร์ไฟฟ้า ตอนที่ 3 "วิธีการด้นสดแบบก้าวหน้า" - ม.; ศูนย์งานอดิเรก 2544-2529 น.

4. บอยโก ไอ.เอ. การด้นสดบนกีตาร์ไฟฟ้า ตอนที่ 4 "Pentatonic และความเป็นไปได้ในการแสดงออก" - M.; Hobby Center, 2544 - 98 น.; ป่วย.

5. แบรนด์ วี.เค. พื้นฐานของเทคนิคของนักกีตาร์วงป๊อป / คู่มือการศึกษาและระเบียบวิธีสำหรับโรงเรียนดนตรี - ม. 2527 - 56 น.

6. ดมิทรีเยฟสกี้ ยู.วี. / กีต้าร์จากบลูส์สู่แจ๊ส-ร็อค / Yu.V. Dmitrievsky - M.: Musical Ukraine, 1986. - 96 p.

7. Ivanov-Kramskoy A.M. โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสาย / A.M. อีวานอฟ-ครามสคอย - ม.: ส. นักแต่งเพลง พ.ศ. 2518 - 120 น.

8. Manilov V.A. เรียนรู้การเล่นกีตาร์ / V.A. Manilov - K.: Musical Ukraine, 1986. - 105 p.

9. Pass, D. สไตล์กีตาร์ของ Joe Pass / Joe Pass, Bill Thrasher / Comp.: "Guitar College" - M.: "Guitar College", 2545 - 64 น.; ป่วย.

10. Popov, S. Basis / Comp.; "วิทยาลัยกีตาร์" - ม.; "วิทยาลัยกีตาร์", 2546 - 127 น.;

11. Puhol M. โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์หกสาย / Per. และกองบรรณาธิการของ N. Polikarpov - M.; นกฮูก ผู้แต่ง, 2530 - 184 น.

12. Al Di Meola "เทคนิคการเล่นกับคนกลาง"; ต่อ. / คอมพ์; GIInform

13. Yalovets A. Django Reichard - "Krugozor", M.; พ.ศ. 2514 ฉบับที่ 10 - หน้า 20-31

โฮสต์บน Allbest.ru

...

เอกสารที่คล้ายกัน

การพัฒนาและการใช้เสียงประสานและทำนองของดนตรีแจ๊สในการแสดงและการสอนดนตรีป๊อปแจ๊สสมัยใหม่ ทำนองเพลงแจ๊ซสไตล์บีบ็อบ คำแนะนำการปฏิบัติเพื่อเพิ่มประสิทธิภาพการทำงานของนักร้องเพลงป๊อปในละครเพลงแจ๊ส

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 07/17/2017


ลักษณะการเขียน การแสดงฝ้า ในช่วงเวลาต่างๆ สาเหตุของฝ้า การใช้เทคนิคทางดนตรีในการแสดงดนตรีป๊อป-แจ๊ส แบบฝึกหัดเพื่อพัฒนาเทคนิคการร้องเสียงดีของนักร้อง

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 11/11/2013


คุณสมบัติที่โดดเด่นของวัฒนธรรมดนตรีของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: การเกิดขึ้นของรูปแบบเพลง (มาดริกัล, วิลลาซิโก, ฟรอทอล) และดนตรีบรรเลง, การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่ (เพลงเดี่ยว, แคนทาทา, โอราโตรีโอ, โอเปร่า) แนวคิดและประเภทหลักของพื้นผิวดนตรี

บทคัดย่อ เพิ่ม 01/18/2012


การสร้างดนตรีเป็นรูปแบบศิลปะ ขั้นตอนทางประวัติศาสตร์ของการก่อตัวของดนตรี ประวัติความเป็นมาของดนตรีในการแสดงละคร แนวคิดของ "แนวดนตรี" ฟังก์ชั่นที่น่าทึ่งของดนตรีและลักษณะดนตรีประเภทหลัก

นามธรรมเพิ่ม 05/23/2015


กลายเป็นกลไก เพลงคลาสสิค. การเติบโตของดนตรีคลาสสิกจากระบบเสียงพูด ข้อความทางดนตรี (การแสดงออก) การก่อตัวขึ้นในประเภทของศิลปะดนตรี (การร้องเพลงประสานเสียง แคนทาทา โอเปร่า) ดนตรีเป็นศิลปะการสื่อสารแบบใหม่

บทคัดย่อ เพิ่ม 03/25/2010


การกำเนิดของวัฒนธรรมร็อคโลก: "ประเทศ", "จังหวะและบลูส์", "ร็อคแอนด์โรล" รุ่งอรุณแห่งความรุ่งโรจน์ของร็อกแอนด์โรลและความเสื่อมโทรม การเกิดขึ้นของลักษณะหิน เรื่องราว วงในตำนาน "เดอะบีเทิลส์" ตัวแทนในตำนานของฉากร็อค ราชาแห่งกีตาร์ การก่อตัวของฮาร์ดร็อค

บทคัดย่อ เพิ่ม 06/08/2010


ประเพณีวัฒนธรรมพื้นบ้านในการเลี้ยงดูดนตรีและการศึกษาของเด็ก การเล่นเครื่องดนตรีเป็นกิจกรรมทางดนตรีประเภทหนึ่งสำหรับเด็กก่อนวัยเรียน คำแนะนำเกี่ยวกับการใช้วัฒนธรรมบรรเลงเพื่อพัฒนาความสามารถทางดนตรีของเด็ก

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 05/08/2010


สถานที่ของดนตรีร็อคในวัฒนธรรมดนตรีมวลชนของศตวรรษที่ XX ผลกระทบทางอารมณ์และอุดมการณ์ต่อผู้ชมที่เป็นเยาวชน สถานะปัจจุบันของหินรัสเซียในตัวอย่างผลงานของ V. Tsoi: บุคลิกภาพและความคิดสร้างสรรค์ ความลึกลับของปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรม

ภาคนิพนธ์ เพิ่ม 12/26/2010


ลักษณะเฉพาะของสถานการณ์ทางสังคมและวัฒนธรรมสมัยใหม่ที่มีอิทธิพลต่อกระบวนการสร้างวัฒนธรรมดนตรีและสุนทรียศาสตร์ของเด็กนักเรียน เทคโนโลยีในการพัฒนาบทเรียนดนตรี วิธีการที่มีประสิทธิภาพเอื้อต่อการศึกษาวัฒนธรรมดนตรีในวัยรุ่น

วิทยานิพนธ์, เพิ่ม 07/12/2009


การสังเคราะห์วัฒนธรรมและประเพณีของแอฟริกาและยุโรป พัฒนาการของดนตรีแจ๊ส การพัฒนารูปแบบจังหวะและฮาร์โมนิกใหม่ๆ ของนักดนตรีและนักแต่งเพลงแจ๊ส แจ๊สในโลกใหม่ แนวเพลงแจ๊สและคุณสมบัติหลัก นักดนตรีแจ๊สของรัสเซีย

การแสดงกีตาร์ในรัสเซียมีประวัติศาสตร์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตนเอง อย่างไรก็ตามในงานนี้เราจะพิจารณาเฉพาะหน้าที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการฝึกเล่นกีตาร์เจ็ดสายและส่งผลต่อคุณลักษณะที่อยู่เบื้องหลังการก่อตัวของสไตล์กีตาร์รัสเซีย
โรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียก่อตั้งขึ้นในช่วงเวลาที่กีตาร์คลาสสิกได้ประกาศตัวว่าเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวของคอนเสิร์ตในยุโรปตะวันตก เธอได้รับความนิยมเป็นพิเศษในอิตาลี สเปน. ปรากฏขึ้น ทั้งเส้นนักแสดงและนักแต่งเพลง สร้างละครใหม่คลาสสิก ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ D. อกัวโด. เอ็ม. จูเลียนี. F. Carulli, M. Carcassi. ต่อมานักดนตรีที่โดดเด่นเช่น Franz Schubert, Niccolò Paganini, Carl Weber และคนอื่น ๆ หันไปหา PR และเขียนให้

ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างกีตาร์รัสเซียกับกีตาร์คลาสสิกที่ได้รับความนิยมในยุโรปคือจำนวนสาย (เจ็ดไม่ใช่หก) และหลักการปรับจูน เป็นคำถามของการปรับแต่งที่เป็นรากฐานที่สำคัญเสมอมาในข้อโต้แย้งเกี่ยวกับข้อได้เปรียบของกีตาร์ 6 หรือ 7 สาย เมื่อเข้าใจถึงความสำคัญเฉพาะของปัญหานี้แล้ว เราพิจารณาว่าจำเป็นต้องกลับไปที่หัวข้อกำเนิดของกีตาร์เจ็ดสายและการปรากฏตัวในรัสเซีย
ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบแปด ในยุโรปมีกีตาร์หลายประเภท หลายดีไซน์ หลายขนาด โดยมีจำนวนสายที่แตกต่างกันและหลายวิธีในการปรับจูน กีตาร์กลุ่มใหญ่รวมกันตามหลักการของการปรับสายเป็นสี่ส่วนโดยมีหนึ่งในสามหลักอยู่ตรงกลาง (เพื่อความสะดวกเราจะเรียกการปรับแต่งนี้ว่าสี่) เครื่องมือเหล่านี้ใช้กันอย่างแพร่หลายในอิตาลี สเปน. ฝรั่งเศส.
สหราชอาณาจักร เยอรมนี โปรตุเกส และ ยุโรปกลางมีเครื่องดนตรีกลุ่มหนึ่งที่เรียกว่าระบบ terts ซึ่งเมื่อปรับสายเสียง จะใช้หนึ่งในสาม (ตัวอย่างเช่น terts ขนาดใหญ่สองตัวคั่นด้วยควอร์ต)
เครื่องดนตรีทั้งสองกลุ่มนี้รวมกันเป็นหนึ่งโดยข้อเท็จจริงที่ว่าดนตรีที่เขียนขึ้นสำหรับมาตราส่วนหนึ่งสามารถเล่นได้โดยใช้การจัดเรียงขนาดเล็กบนเครื่องดนตรีของอีกมาตราส่วนหนึ่ง
สิ่งที่เราสนใจคือกีตาร์ที่มีสี่สายคู่ซึ่งมาจากอังกฤษถึงยุโรปและจากยุโรปถึงรัสเซีย (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) โครงสร้างของกีตาร์นี้มีสองประเภท: ที่สี่และสาม หลังแตกต่างจากกีตาร์รัสเซียเจ็ดสายในขนาด ข้อเท็จจริงนี้สำคัญมากสำหรับเรา

ขาดหลักฐานทางประวัติศาสตร์สำหรับการเปลี่ยนแปลง ตัวกีต้าร์ค่าของมัน และสเกลทั่วไปของสตริงทำให้เราสามารถสมมติตัวเลือกสำหรับการพัฒนาได้ เป็นไปได้มากว่าขนาดของคอกีตาร์จะพิจารณาจากความสะดวกในการเล่น และความตึงของสาย การปรับจูน สอดคล้องกับเสียงร้องเพลง บางทีการปรับปรุงอาจนำไปสู่การเพิ่มขึ้นของเนื้อความ การเปลี่ยนเกล็ดโลหะด้วยเกลียว และด้วยเหตุนี้จึงส่งผลให้ระดับเสียงของเสียงลดลง ซึ่งเป็นการ "เลื่อน" ของระบบโดยรวมลง
ไม่มีข้อมูลที่เชื่อถือได้ยืนยันว่าเป็นกีตาร์ตัวนี้ที่ทำหน้าที่เป็นต้นแบบของ "เจ็ดสาย" ของรัสเซีย แต่ความสัมพันธ์ของพวกเขาชัดเจน ประวัติการแสดงกีตาร์ในรัสเซียเกี่ยวข้องกับการปรากฏตัวในรัชสมัยของ Catherine the Great (1780-90s) ของนักกีตาร์ต่างชาติที่เล่นกีตาร์ตัวที่สามและตัวที่สาม ในหมู่พวกเขา ได้แก่ Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez มีการตีพิมพ์คอลเลกชันชิ้นส่วนสำหรับกีตาร์ 5-6 สาย นิตยสารกีตาร์
อิกนาซ ฟอน เกลด์ (Ignatius von Geld) จัดพิมพ์คู่มือชื่อ "วิธีง่ายๆ ในการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เจ็ดสายโดยไม่ต้องมีครู" เป็นครั้งแรก น่าเสียดายที่ไม่มีสำเนาของโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์แห่งแรกในรัสเซียแห่งนี้ รวมถึงข้อมูลเกี่ยวกับวิธีการสอนของผู้แต่ง ประเภทของกีตาร์ และวิธีการปรับแต่งที่ยังไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ มีแต่ประจักษ์พยานร่วมสมัย Geld คนนั้นเป็นนักกีตาร์ชาวอังกฤษที่ยอดเยี่ยม
แต่ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียที่แท้จริงคือฉันซึ่งตั้งรกรากในมอสโกว ณ สิ้นศตวรรษที่ 18 นักดนตรีที่มีการศึกษา Andrey Osipovich Sikhra นักเล่นพิณผู้ยิ่งใหญ่ เขาเป็นผู้แนะนำให้รู้จักกับการสร้างกีตาร์เจ็ดสายด้วยระบบ d, h, g, D, H, G, D ซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักในนามของรัสเซีย

เราไม่สามารถรู้ได้เลยว่า อ. สิชราคุ้นเคยกับการทดลองในยุโรปอย่างไรในการสร้างกีตาร์ที่มีจำนวนสายและวิธีการปรับจูนที่แตกต่างกัน ไม่ว่าเขาจะใช้ผลลัพธ์ในผลงานของเขาเกี่ยวกับ "การปรับปรุง" (แต่ในคำพูดของเขาเอง) ของคลาสสิกหรือไม่ กีตาร์หกสาย. สิ่งนี้ไม่สำคัญนัก
สิ่งที่สำคัญก็คือ อ.สีหราช ในฐานะที่เป็นผู้ชื่นชมการแสดงกีตาร์อย่างกระตือรือร้นครูที่ยอดเยี่ยมและผู้มีชื่อเสียงที่มีความสามารถในความคิดของเขาเขาได้ทิ้งร่องรอยที่สดใสไว้ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาการแสดงดนตรีของรัสเซีย เขาได้พัฒนาวิธีการสอนกีตาร์เจ็ดสายโดยใช้ความสำเร็จที่ดีที่สุดของโรงเรียนสอนกีตาร์คลาสสิกของสเปน โดยเริ่มใช้ในหนังสือที่ตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2375 และ พ.ศ. 2383 "โรงเรียน". โดยใช้รูปแบบและประเภทคลาสสิก Sychra ได้สร้างบทเพลงใหม่สำหรับกีตาร์รัสเซียโดยเฉพาะ และนำเสนอกลุ่มนักเรียนที่ยอดเยี่ยม

ด้วยกิจกรรมของ A. O. Sikhra และเพื่อนร่วมงานของเขากีตาร์เจ็ดสายได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ตัวแทนของชนชั้นต่างๆ: ปัญญาชนชาวรัสเซียและตัวแทนของชนชั้นกลางชื่นชอบมันนักดนตรีมืออาชีพและผู้ชื่นชอบดนตรีประจำวันหันมาสนใจมัน: ผู้ร่วมสมัยเริ่มเชื่อมโยงกับแก่นแท้ของดนตรีพื้นบ้านในเมืองรัสเซีย คำอธิบายของเสียงที่มีเสน่ห์ของกีตาร์เจ็ดสายสามารถพบได้ในบทกลอนที่จริงใจของพุชกิน เลอร์มอนตอฟ, ทูร์เกเนฟ. เชคอฟ ตอลสตอย และกวีและนักเขียนอีกหลายคน กีตาร์เริ่มถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซีย
จำได้ว่ากีตาร์ของ A. Sikhra ปรากฏในรัสเซียในสภาพที่แทบจะไม่เคยเห็นกีตาร์เจ็ดสายที่ไหนเลยมันเป็นไปไม่ได้ที่จะซื้อมันในร้านค้าหรือจากช่างฝีมือ ตอนนี้ใคร ๆ ก็สงสัยว่าเร็วแค่ไหน (ใน 2-3 ทศวรรษ) ปรมาจารย์เหล่านี้ซึ่งเป็นนักไวโอลินที่ใหญ่ที่สุดสามารถสร้างการผลิตกีตาร์รัสเซียได้ นี่คือ Ivan Batov, Ivan Arhuzen อีวาน คราสนอชเชคอฟ กีตาร์ของปรมาจารย์ชาวเวียนนา I. Scherzer ถือเป็นหนึ่งในกีตาร์ที่ดีที่สุด ตามที่คนร่วมสมัยกล่าวว่ากีตาร์ของ F. Savitsky, E. Eroshkin, F. Paserbsky นั้นมีความโดดเด่นด้วยบุคลิกลักษณะเฉพาะ แต่ตอนนี้เราจะไม่พูดถึงเรื่องนี้เพราะมันสมควรได้รับการอภิปรายแยกต่างหาก

รสชาติประจำชาติของกีตาร์เจ็ดสายยังได้รับจากการเรียบเรียงที่เขียนขึ้นสำหรับเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย “แน่นอนว่าอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้านที่มีต่อศิลปะดนตรีจะเริ่มขึ้นในฐานะส่วนหนึ่งของประเพณีของหลายๆ ชาติ อย่างไรก็ตาม ในรัสเซีย ดนตรีโฟล์กได้กลายเป็นประเด็นที่ผู้คนคลั่งไคล้ในดนตรีของพวกเขาเอง ซึ่งอาจเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่โดดเด่นที่สุดของจิตวิญญาณชาวรัสเซีย
เพื่อความเป็นธรรมควรสังเกต ว่างานของ A. Sikhra ในธีมรัสเซียนั้นเขียนขึ้นในรูปแบบของการแปรผันแบบคลาสสิกและไม่มีกลิ่นอายดั้งเดิมของรัสเซียล้วนๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Mikhail Timofeevich Vysotsky ผู้สร้างการแต่งเพลงมากมายในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านรัสเซียได้มีส่วนร่วมอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียในฐานะปรากฏการณ์ระดับชาติดั้งเดิม M. Vysotsky เติบโตขึ้นมาในหมู่บ้าน Ochakovo (12 กม. จากมอสโก) บนที่ดินของกวี M. Kheraskov อธิการบดีมหาวิทยาลัยมอสโกในบรรยากาศแห่งความรักและความเคารพต่อประเพณีพื้นบ้านของรัสเซีย เด็กชายสามารถฟังนักร้องพื้นบ้านที่ยอดเยี่ยมมีส่วนร่วมในพิธีกรรมพื้นบ้าน เป็นบุตรข้าแผ่นดิน. Misha สามารถรับการศึกษาได้โดยการเข้าร่วมการประชุมของปัญญาชนที่สร้างสรรค์และบ้านของ Kheraskovs ฟังบทกวี การโต้วาที และการแสดงอย่างกะทันหันของแขกผู้มีการศึกษา

ในหมู่พวกเขาคืออาจารย์หลักของ M. Vysotsky - Semyon Nikolaevich Aksenov เขาสังเกตเห็นพรสวรรค์ของเด็กชายและเริ่มให้บทเรียนการเล่นกีตาร์รัสเซียแก่เขา และแม้ว่าชั้นเรียนเหล่านี้จะไม่เป็นระบบ แต่เด็กชายก็มีความก้าวหน้าอย่างมาก ต้องขอบคุณความพยายามของ S. Aksenov ที่ M. Vysotsky ได้รับอิสรภาพในปี 1813 และย้ายไปมอสโคว์เพื่อการศึกษาต่อ ต่อมานักดนตรีนักแต่งเพลงชื่อดัง A. Dubuk ได้ให้ความช่วยเหลือ Vysotsky ในการเรียนรู้ดนตรีและทฤษฎี

M. Vysotsky กลายเป็นนักกีตาร์ที่ยอดเยี่ยม - อิมโพรไวเซอร์นักแต่งเพลง ในไม่ช้าชื่อเสียงของนักกีตาร์อัจฉริยะที่ไม่มีใครเทียบได้ก็มาถึงเขา ตามที่คนร่วมสมัยเล่น Vysotsky สร้างความประทับใจไม่เพียง แต่ด้วยเทคนิคพิเศษของเขาเท่านั้น แต่ด้วยแรงบันดาลใจความร่ำรวยของจินตนาการทางดนตรีของเขา ดูเหมือนว่าเขาจะรวมเข้ากับกีตาร์: มันเป็นการแสดงออกถึงอารมณ์ทางจิตวิญญาณและความคิดของเขา
นี่คือวิธีที่นักเรียนและนักกีตาร์เพื่อนร่วมงานของเขา I. E. Lyakhov ประเมินการเล่นของ Vysotsky: - การเล่นของเขาไม่สามารถเข้าใจได้ อธิบายไม่ได้ และทิ้งความประทับใจที่ไม่มีโน้ตและคำพูดใดสามารถถ่ายทอดได้ ที่นี่คุณร้องเพลงเครื่องปั่นด้ายอย่างเศร้าโศก อ่อนโยน อ่อนโยน เฟอร์มาโตตัวเล็ก ๆ - และทุกอย่างดูเหมือนจะตอบเธอ: พวกเขาพูดว่า, ถอนหายใจ, เสียงเบส, พวกเขาตอบด้วยเสียงร้องไห้ของเสียงแหลมและคอรัสทั้งหมดนี้ถูกปกคลุมด้วยคอร์ดที่ประนีประนอมมากมาย แต่แล้วเสียงเช่นความคิดที่เหนื่อยล้าก็กลายเป็นสามรูปแบบแม้กระทั่งธีมเกือบจะหายไปราวกับว่านักร้องกำลังคิดเรื่องอื่นอยู่ แต่ไม่เลย เขากลับเข้าสู่หัวข้ออีกครั้งตามความคิดของเขา และมันฟังดูเคร่งขรึมและแม้กระทั่งกลายเป็นบทสวดอาดาจิโอ คุณได้ยินสุนัขรัสเซียซึ่งยกระดับไปสู่ความศักดิ์สิทธิ์ (Sudet ทุกอย่างสวยงามและเป็นธรรมชาติจริงใจและดนตรีอย่างสุดซึ้งอย่างที่คุณไม่ค่อยเห็นในการแต่งเพลงรัสเซียอื่น ๆ ที่นี่คุณจะจำอะไรไม่ได้เลย: ทุกอย่างที่นี่เป็นของใหม่ และต้นฉบับ ต่อหน้าเราคือนักดนตรีชาวรัสเซียที่ได้รับแรงบันดาลใจต่อหน้าคุณคือ Vysotsky

คุณสมบัติที่โดดเด่นของงานของ Vysotsky คือการพึ่งพาเพลงพื้นบ้านรัสเซียอันทรงพลังและความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นเครื่องมือบางส่วน นี่คือสิ่งที่กำหนดการพัฒนาโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียสาขามอสโก M. Vysotsky อาจไม่ค่อยกังวลกับคำแนะนำการจัดระบบสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เจ็ดสายแม้ว่าเขาจะให้บทเรียนเป็นจำนวนมาก แต่ในงานของเขา กีตาร์เจ็ดสายของรัสเซียกลายเป็นเครื่องดนตรีประจำชาติอย่างแท้จริง โดยมีเพลงประกอบละครพิเศษ เทคนิคพิเศษ และความแตกต่างทางโวหาร สไตล์การแสดง รูปแบบการพัฒนาในรูปแบบดนตรี (เราหมายถึงความเชื่อมโยงระหว่างเนื้อหาบทกวีของ เพลงและกระบวนการพัฒนารูปแบบในการประพันธ์ดนตรี) ในเรื่องนี้ M. Vysotsky สำหรับเรา อาจเป็นบุคคลที่สำคัญที่สุดในการเล่นกีตาร์ของรัสเซีย งานของเขาวางรากฐานสำหรับรูปแบบการเล่นดั้งเดิม เช่นเดียวกับหลักการของการได้เสียงที่ไพเราะและเทคนิคที่มาพร้อมกับมัน แต่จะมีการหารือในภายหลัง

ดังนั้นการเกิดขึ้นของโรงเรียนสอนกีตาร์ดั้งเดิมในรัสเซียจึงเกี่ยวข้องกับชื่อของ A. Sikhra และ M. Vysotsky รวมถึงนักเรียนที่ดีที่สุดของพวกเขา
โดยสรุปฉันอยากจะบอกว่าการใช้กีตาร์อย่างแพร่หลายในรัสเซียในช่วงเวลาสั้น ๆ ทางประวัติศาสตร์ไม่สามารถเกิดอุบัติเหตุได้ ค่อนข้างเป็นหลักฐานที่ดีถึงความมีชีวิตของตราสาร มีเหตุผลเพียงพอที่จะภูมิใจในความสำเร็จของโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซีย อย่างไรก็ตาม อาจกล่าวได้ด้วยความขมขื่นว่าเราไม่รู้ความจริงทั้งหมดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของเราและมรดกที่สร้างขึ้นเพื่อมัน สิ่งสำคัญคือต้องรู้และเข้าใจสิ่งนี้ในวันนี้เมื่อเกือบทุกอย่างที่รัสเซียเคยภาคภูมิใจในอดีตถูกทำลายลงจนราบคาบ และไม่มีอะไรถูกสร้างขึ้นมาแทนที่ อาจถึงเวลาหันหน้าสู่มรดกกีตาร์รัสเซียแล้ว?! ประกอบด้วยผลงาน วิธีการ และละครของผู้มีการศึกษาสูงสุดในยุคนั้น นี่คือชื่อบางส่วน: M. Stakhovich - ขุนนาง, นักประวัติศาสตร์, นักเขียน; A. Golikov - ขุนนางนายทะเบียนวิทยาลัย V. Sarenko - แพทย์ศาสตร์การแพทย์; F. Zimmerman - ขุนนาง, เจ้าของที่ดิน; I. Makarov - เจ้าของที่ดิน, บรรณานุกรมสำคัญ; V. Morkov - ขุนนาง, ที่ปรึกษาแห่งรัฐที่แท้จริง: V. Rusanov - ขุนนาง, ผู้ควบคุมวง, บรรณาธิการที่โดดเด่น

โครงการศึกษาเพิ่มเติมเตรียมวิชาชีพทั่วไป สาขาดนตรีศิลป์ "เครื่องดนตรีพื้นบ้าน" กีตาร์ สาขาวิชา ข.00. ส่วนที่แตกต่างกัน V.03.UP.03.ประวัติประสิทธิภาพของกีตาร์ CASSIANระยะเวลาดำเนินการ 1 ปี โปรแกรมประกอบด้วยส่วนที่จำเป็นทั้งหมด: บันทึกอธิบาย, เนื้อหาของวิชา, หลักสูตร, ข้อกำหนดสำหรับระดับการฝึกอบรมของนักเรียน, รูปแบบและวิธีการควบคุม, ระบบการประเมิน, การสนับสนุนระเบียบวิธีกระบวนการศึกษา รายการอ้างอิง

ดาวน์โหลด:

แสดงตัวอย่าง:

สถานศึกษางบประมาณเทศบาล

การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก

โรงเรียนสอนศิลปะเด็ก p.Novozavidovsky

มืออาชีพเพิ่มเติม

โครงการศึกษาทั่วไปในภูมิภาค

ศิลปะดนตรี

"เครื่องดนตรีพื้นบ้าน"

กีตาร์

สาขาวิชา

ว.00. ส่วนที่แตกต่างกัน

V.03.UP.03. ประวัติประสิทธิภาพของกีตาร์ CASSIAN

เกี่ยวกับการพัฒนาดนตรีในระบบการศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก ๆ ของโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็กและแผนกดนตรี

โรงเรียนสอนศิลปะสำหรับเด็ก

เรียบเรียงโดย: Bensman Vera Igorevna

อาจารย์ MBOU DOD DSHI

พี. โนโวซาวิดอฟสกี้

พี. โนโวซาวิดอฟสกี้ 2014

โปรแกรมได้รับการอนุมัติ อนุมัติ

สภาการสอน ________________ Saperova I.G.

MBOU DOD DSHI ผู้อำนวยการ MBOU DOD DSHI

พี. โนโวซาวิดอฟสกี พี. โนโวซาวิดอฟสกี

รายงานการประชุมครั้งที่ 2 วันที่ 30 ตุลาคม 2557 เขตโคนาคอฟสกี้

ภูมิภาคตเวียร์

รวบรวมโดย: อาจารย์ Bensman Vera Igorevna

ผู้วิจารณ์: อาจารย์ประเภทสูงสุด Bensman L.I.

1. บันทึกอธิบาย

ลักษณะของวิชา สถานที่ และบทบาทในกระบวนการศึกษา

คำศัพท์สำหรับการดำเนินเรื่อง;

จำนวนเวลาเรียนที่หลักสูตรกำหนดไว้สำหรับการใช้งาน -a เรื่อง;

รูปแบบการจัดอบรมในห้องเรียน

วัตถุประสงค์และวัตถุประสงค์ของเรื่อง

โครงสร้างหลักสูตรของสาขาวิชา

วิธีการสอน;

คำอธิบายของเนื้อหาและเงื่อนไขทางเทคนิคสำหรับการดำเนินการตามหัวข้อนั้น

ข้อมูลเกี่ยวกับค่าเวลาเรียน;

หลักสูตร.

3. ข้อกำหนดสำหรับระดับการฝึกอบรมของนักเรียน

4. รูปแบบและวิธีการควบคุมระบบการให้เกรด :

การรับรอง: เป้าหมาย ประเภท แบบฟอร์ม เนื้อหา สอบไล่;

เกณฑ์การประเมิน.

5. การสนับสนุนวิธีการของกระบวนการศึกษา

6. รายการอ้างอิง

หมายเหตุอธิบาย

กีตาร์เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่นิยมใช้ในการฝึกฝนทั้งมืออาชีพและมือสมัครเล่น ละครกีตาร์ที่หลากหลายรวมถึงดนตรีสไตล์และยุคต่างๆ เช่น คลาสสิก ยอดนิยม แจ๊ส

กีตาร์ไม่ได้เป็นเพียงเครื่องดนตรีเดี่ยวและเล่นประกอบเท่านั้น แต่ยังเป็นโลกทั้งใบอีกด้วย: นักแสดง นักแต่งเพลง ผู้เรียบเรียง ครู อาจารย์ ผู้เชี่ยวชาญด้านกีตาร์ นักประวัติศาสตร์ นักสะสม ผู้ที่ชื่นชอบ ผู้ชื่นชม นักกีตาร์สมัครเล่น... เป็นส่วนสำคัญของวัฒนธรรมโลก การศึกษาซึ่งจะเป็นที่สนใจของหลาย ๆ คน

กีตาร์ถูกอุทิศให้กับดนตรี ภาพวาด เพลง การวิจัย ร้อยแก้ว การสอนและพรสวรรค์ของช่างฝีมือ งานประวัติศาสตร์ และบทกวี ม.อ. ถวายสายชื่นชมแด่พระองค์ เลอร์มอนตอฟ:

เสียงอะไร! ฉันยังคง

เสียงหวาน I.

ฉันลืมสวรรค์นิรันดร์โลก

ตัวเขาเอง...

ลักษณะของวิชา สถานที่ และบทบาทในกระบวนการศึกษา

ในโรงเรียนสอนศิลปะสำหรับเด็ก ในกระบวนการสอนนักเรียนแผนกเครื่องดนตรี ความสนใจไม่เพียงพอจะจ่ายให้กับองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของการศึกษาดนตรี เช่น ประวัติของการแสดงดนตรี

ในบทเรียนของวรรณกรรมดนตรีมีการศึกษาผลงานของนักแต่งเพลงและกล่าวถึงเฉพาะนักแสดงเท่านั้น มีเนื้อหาเกี่ยวกับเครื่องดนตรีพื้นบ้านและโดยเฉพาะอย่างยิ่งเครื่องดนตรีประเภทกีตาร์น้อยมาก กิจกรรมนอกหลักสูตรที่ดำเนินการโดยครูมีความหลากหลายและช่วยชดเชยข้อบกพร่องนี้ได้บางส่วน แต่นี่ยังไม่เพียงพอ

นักเรียนโรงเรียนศิลปะเด็กควรมีความรู้มากมายและเป็นระบบในด้านประวัติการพัฒนาเครื่องดนตรีและการแสดงดนตรี (ของโรงเรียนในประเทศและต่างประเทศ)

การนำหัวข้อนี้เข้าสู่หลักสูตรของโปรแกรมการศึกษาเพื่อการพัฒนาทั่วไปของ Children's School of Art มีความเกี่ยวข้องในขั้นตอนปัจจุบันโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับโปรแกรมเตรียมวิชาชีพ

หัวข้อเกี่ยวข้องกับการเน้นขั้นตอนหลักในการพัฒนาเครื่องดนตรีกีตาร์ การทบทวนผลงานของนักแสดง นักแต่งเพลงที่โดดเด่น การทำความคุ้นเคยกับ ผลงานดนตรีสร้างขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีนี้ ฟังและดูการบันทึกของนักแสดงกีตาร์ ผู้ได้รับรางวัลและผู้ชนะประกาศนียบัตรจากการแข่งขัน (รวมถึงเด็ก เยาวชน)

หัวข้อ "ประวัติการเล่นกีตาร์คลาสสิก" เสนอให้รวมอยู่ในส่วน "ตัวแปร" ของโปรแกรมการพัฒนาทั่วไปก่อนมืออาชีพเพิ่มเติมในสาขาศิลปะดนตรี "ศิลปะการบรรเลง", "เครื่องดนตรีพื้นบ้าน", "กีตาร์" . คุณยังสามารถป้อนรายการใน แผนการศึกษาโปรแกรมการพัฒนาทั่วไปดำเนินการในโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กโดยเฉพาะ

โปรแกรมของผู้เขียนในหัวข้อ "ประวัติการแสดงกีตาร์คลาสสิก" ได้รับการพัฒนาขึ้นตามข้อกำหนดของรัฐบาลกลางสำหรับโปรแกรมการศึกษาทั่วไปเพิ่มเติมในสาขาศิลปะดนตรี (2555) โปรแกรมนี้เป็นส่วนหนึ่งของหลักสูตรการแสดงเครื่องดนตรี "เครื่องดนตรีพื้นบ้าน" กีต้าร์.

มีการใช้สื่อต่อไปนี้ในการจัดทำโปรแกรม:

ระเบียบวิธีการศึกษาที่ซับซ้อน "การแสดงของ Istrian ในเครื่องดนตรีพื้นบ้าน" พิเศษ 071301 "โฟล์ค ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ". รวบรวมโดย Zhdanova T.A. ศาสตราจารย์ภาควิชาการแสดงออร์เคสตร้าและเครื่องดนตรีพื้นบ้านของ Tyumen State Academy of Culture and Art and Social Technologies ทูเมน, 2011

Chupakhina T.I. "รายวิชาประวัติการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้าน". ออมสค์, 2547

โรงเรียนสอนกีตาร์ Charles Duckart

กำหนดเวลาสำหรับการดำเนินการตามหัวข้อ:

ระยะเวลาดำเนินการสำหรับรายการนี้คือ 1 ปี (35 สัปดาห์)

ด้วยระยะเวลาการศึกษา 5 (6) - ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 5

ในภาคการศึกษาที่ 8 (9) - ในเกรด 8

จำนวนเวลาเรียนที่หลักสูตรกำหนด:

ความเข้มของแรงงานทั้งหมดคือ 70 ชั่วโมง

ในจำนวนนี้: 35 ชั่วโมง - บทเรียนในห้องเรียน 35 ชั่วโมง - งานอิสระ

จำนวนชั่วโมงสำหรับการเรียนในห้องเรียนคือ 1 ชั่วโมงต่อสัปดาห์

จำนวนชั่วโมงสำหรับ งานอิสระ(ภาระงานนอกหลักสูตร) ​​- 1 ชั่วโมงต่อสัปดาห์

รูปแบบการจัดอบรมในห้องเรียน.

เป้าหมายและวัตถุประสงค์ของเรื่อง

หัวข้อ "ประวัติการแสดงกีตาร์คลาสสิก" เป็นส่วนสำคัญของการเตรียมการสำหรับบัณฑิตโรงเรียนศิลปะเด็กในชั้นเรียนกีตาร์ ศิลปะกีตาร์เป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมศิลปะโลก สามารถติดตามได้ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบันและเชื่อมโยงกับวัฒนธรรมการแสดงและการบรรเลงละคร เป็นที่ชัดเจนว่าประเด็นต่างๆ รวมถึงการศึกษาประวัติการปฏิบัติงานเป็นอย่างไร

• จุดประสงค์ของวิชานี้คือเพื่อแสดงเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์และลำดับพัฒนาการของศิลปะการแสดง เพื่อให้เข้าใจกระบวนการพัฒนาและการก่อตัวของเครื่องดนตรีกีตาร์ เพื่อศึกษารูปแบบการก่อตัวทางประวัติศาสตร์และลักษณะเด่นของละคร ลักษณะของศิลปะการแสดงบนกีตาร์
• วัตถุประสงค์ของวิชานี้ก็เพื่อให้แน่ใจว่าการพัฒนาความสามารถเชิงสร้างสรรค์และความเป็นปัจเจกของนักเรียน ความสนใจอย่างยั่งยืนในกิจกรรมอิสระในสาขาศิลปะดนตรี
• เพื่อปลูกฝังให้ผู้เรียนรู้จักศึกษา ฟัง และวิเคราะห์
• การบรรลุระดับการศึกษาที่ช่วยให้บัณฑิตสามารถสำรวจวัฒนธรรมดนตรีโลกได้อย่างอิสระ

วัตถุประสงค์ของวิชา:

• ภารกิจหลักประการหนึ่งของการเรียนวิชานี้คือการส่งเสริมให้นักเรียนเข้าใจประเด็นประวัติศาสตร์และทฤษฎีพัฒนาการของเครื่องดนตรีที่พวกเขากำลังเรียนรู้ที่จะเล่น
• การได้มาซึ่งความรู้ในสาขาประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมดนตรี การขยายขอบฟ้าทางศิลปะของนักเรียน ตลอดจนการพัฒนาความสามารถในการนำทางในแง่มุมต่างๆ ของศิลปะกีตาร์ สไตล์และทิศทางดนตรี
• จัดเตรียมระบบความรู้ ทักษะ และวิธีการของกิจกรรมทางดนตรี ซึ่งโดยรวมแล้วเป็นพื้นฐานสำหรับการสื่อสารอย่างอิสระเพิ่มเติมเกี่ยวกับดนตรี การเรียนรู้ดนตรีด้วยตนเอง และการศึกษาด้วยตนเอง
• การสร้างแรงจูงใจอย่างมีสติในหมู่ผู้สำเร็จการศึกษาที่ดีที่สุดเพื่อศึกษาต่อในวิชาชีพและเตรียมความพร้อมสำหรับการสอบเข้าสถาบันการศึกษาระดับมืออาชีพ

โครงสร้างหลักสูตรของสาขาวิชา

ปัญหาที่กล่าวถึงในโปรแกรมนี้ได้รับการพิจารณาในบริบทของการพัฒนาศิลปะกีตาร์ โดยคำนึงถึงหลักการของลัทธิประวัติศาสตร์นิยมและการกำหนดช่วงเวลาตามลำดับเวลา

โปรแกรมประกอบด้วยส่วนต่อไปนี้:

ข้อมูลเกี่ยวกับค่าเวลาเรียน;

หลักสูตร;

ข้อกำหนดสำหรับระดับการฝึกของนักเรียน

รูปแบบและวิธีการควบคุม ระบบการให้คะแนน การรับรองขั้นสุดท้าย

การสนับสนุนระเบียบวิธีของกระบวนการศึกษา

ตามคำแนะนำเหล่านี้ กำลังสร้างส่วนหลักของโปรแกรม "เนื้อหาหัวเรื่อง"

วิธีการสอน.

เพื่อให้บรรลุเป้าหมายที่ตั้งไว้และดำเนินการตามวัตถุประสงค์ของวิชา จะใช้วิธีการสอนต่อไปนี้:

วาจา: การบรรยาย เรื่องราว การสนทนา.

ภาพ: การแสดง การอธิบาย การฟังเนื้อหา

ปฏิบัติ: การทำงานกับสื่อเสียงและวิดีโอ การเขียนรายงาน บทคัดย่อ การเตรียมการนำเสนอ

อารมณ์: ความประทับใจทางศิลปะ

คำอธิบายของวัสดุและเงื่อนไขทางเทคนิคสำหรับการดำเนินการตามหัวข้อ

สร้างความมั่นใจในการสอนวิชานี้: การปรากฏตัวของผู้ชมที่ตรงตามมาตรฐานด้านสุขอนามัยและข้อกำหนดด้านความปลอดภัยจากอัคคีภัย คอมพิวเตอร์หรือแล็ปท็อป, ทีวี, ศูนย์ดนตรี, โปรเจ็กเตอร์มัลติมีเดีย + หน้าจอสาธิต - เป็นที่น่าพอใจ ภาพถ่าย, เสียง, สื่อวิดีโอที่มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันของทรัพยากรอินเทอร์เน็ต

กองทุนห้องสมุดเสร็จสมบูรณ์ด้วยสิ่งพิมพ์ สิ่งพิมพ์อิเล็กทรอนิกส์ วรรณกรรมเพื่อการศึกษาและระเบียบวิธี

นักเรียนแต่ละคนจะได้รับการเข้าถึงกองทุนห้องสมุดและเงินทุนสำหรับการบันทึกเสียงและวิดีโอ ระหว่างทำงานอิสระ นักเรียนจะใช้อินเทอร์เน็ตเพื่อรวบรวม วัสดุเพิ่มเติมเพื่อศึกษาหัวข้อที่เสนอ

ข้อมูลเกี่ยวกับค่าเวลาเรียน;

ตารางที่ 1

1. ตารางที่ 2

"กีตาร์" ระยะเวลาเรียน 5(6) ปี
ส่วนแปรผัน
ชื่อรายการ	1 ชั้นเรียน	2 เซลล์	3 เซลล์	4 เซลล์	5 เซลล์	6 เซลล์
ประวัติการเล่นกีตาร์คลาสสิค
การรับรองระดับกลาง

ตารางที่ 3

1. ตารางที่ 4

"กีตาร์" ระยะเวลาเรียน 8(9) ปี
ส่วนแปรผัน
ชื่อรายการ	1 ชั้นเรียน	2 เซลล์	3 เซลล์	4 เซลล์	5 เซลล์	6 เซลล์	7 เซลล์	8 เซลล์	9 เซลล์
ประวัติการแสดงดนตรี
จำนวนสัปดาห์ของการเรียนในห้องเรียน
การรับรองระดับกลาง

หลักสูตร

	ชื่อหัวข้อ	ห้องเรียน	งานอิสระ
	จากประวัติศาสตร์ศิลปะกีตาร์ ที่มาและพัฒนาการ.
	ที่มาของกีตาร์. ห้าช่วงเวลาที่แตกต่างกันในประวัติศาสตร์: การก่อตัว การชะงักงัน การฟื้นฟู การเสื่อมถอย การเฟื่องฟู	1 ชั่วโมง	1 ชั่วโมง
	เครื่องดนตรีรุ่นก่อนของกีตาร์ กีตาร์และลูท กีตาร์ในสเปน (ศตวรรษที่สิบสาม) ช่วงเวลาของการฟื้นฟูกีตาร์นั้นเกี่ยวข้องกับนักแต่งเพลง, นักแสดง, อาจารย์ชาวอิตาลี Mauro Giuliani (เกิดในปี พ.ศ. 2324)
	Fernando Sor (1778-1839) เป็นนักกีตาร์และนักแต่งเพลงชาวสเปนที่มีชื่อเสียง เขาเป็นคนแรกๆ ที่ค้นพบความเป็นไปได้ของโพลีโฟนิกในกีตาร์ ผลงานของ ฟ.ซอ สำหรับกีตาร์ บทความของเขาเกี่ยวกับกีตาร์ Aguado Dionisio (1784 - 1849) - นักแสดงชาวสเปนที่โดดเด่น - อัจฉริยะนักแต่งเพลง เป็นชาวเมืองมาดริด ประสบความสำเร็จอย่างมากในปารีส
	Carulli Fernando (พ.ศ. 2313-2384) - อาจารย์ที่มีชื่อเสียงผู้แต่ง "School of Playing the Guitar" นักแต่งเพลงที่แต่งผลงานประมาณสี่ร้อยชิ้นนักกีตาร์อัจฉริยะชาวอิตาลีGiuliani Mauro (1781 - 1829) - นักกีตาร์ชาวอิตาลีที่โดดเด่น - นักแสดง, นักแต่งเพลง, อาจารย์ I. ฟอร์เทีย??????? ??
	Matteo Carcassi (พ.ศ. 2324–2372) - นักเล่นกีตาร์ชาวอิตาลีคนสำคัญที่สุด ผู้เขียน School of Guitar Playingนักแต่งเพลง. Regondi Giulio (พ.ศ. 2365 - 2415) - นักกีตาร์ชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียง - นักแต่งเพลงอัจฉริยะ
	Tarrega Francisco Eixea (พ.ศ. 2395 - 2452) - นักกีตาร์ชาวสเปนชื่อดังผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์สมัยใหม่นักแสดงคอนเสิร์ตนักแต่งเพลงผู้แต่งผลงานกีตาร์ที่โด่งดังที่สุด
	ตำนานแห่งศตวรรษที่ 20 - Andres Segovia(พ.ศ. 2436-2530) ลูกศิษย์และผู้สืบทอดของทาร์เรกา นักกีตาร์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในศตวรรษที่ 20
	การรับรองระดับกลาง (1 ไตรมาส)
	กีตาร์ฟลาเมงโก สไตล์ฟลาเมงโกPaco de Lucia เป็นนักกีตาร์ฟลาเมงโกชาวสเปน
	กีตาร์ในยุโรป นักแสดงที่มีชื่อเสียง
	นักกีตาร์ละตินอเมริกา นักแต่งเพลงชาวบราซิล E. Villa-Lobos (2430-2502) องค์ประกอบของ Villa-Lobos เป็นส่วนสำคัญของละครของนักกีตาร์สมัยใหม่ นักกีตาร์ชาวคิวบา ตัวแทนที่สดใสคือ Acosta Anido Maria Luisa (เกิดปี 1907) เป็นนักกีตาร์ชาวอาร์เจนตินาที่โดดเด่น นักแสดงคอนเสิร์ต นักแต่งเพลง ครู กีตาร์ฮาวายและคุณสมบัติของมัน
	ชั้นเรียนสัมมนา
	การรับรองระดับกลาง (ครึ่งปีแรก)
	กีตาร์ในรัสเซีย รัสเซียในศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20			ไตรมาสที่ 3
	การเกิดขึ้นของศิลปะการเล่นกีตาร์เจ็ดสายในรัสเซีย ทำความคุ้นเคยกับกีตาร์ผ่านนักกีตาร์ชาวอิตาลี Giuseppe Sarti, Carlo Conobbio, Pasquale Gagliani เพลงและความรักของนักแต่งเพลงชื่อดังแห่งศตวรรษที่ 19 (A.E. Varlamov, อ. Gurilev, A.A. Alyabiev, .I. ดูบัค, P.P. บูลคอฟ.)
	ความรุ่งเรืองของศิลปะมืออาชีพในประเทศ A.O. Sikhra (พ.ศ. 2316-2393) - ปรมาจารย์แห่งกีตาร์เจ็ดสายของรัสเซียนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมอาจารย์ที่มีชื่อเสียงซึ่งนำนักกีตาร์ที่มีความสามารถสูงมาสู่กาแล็กซี่ Andrei Sikhra และสำนักพิมพ์เพลงของเขา ผู้ติดตามของ A. Sikhra ลูกศิษย์ของเขา: F. Zimmerman, V. Sarenko, V. Markov, S. Aksenov กีตาร์เจ็ดสายและเพลงรัสเซีย โรแมนติกที่โหดร้าย
	นักกีตาร์คนแรกที่เล่นกีตาร์หกสายคือ N.P. Markov (1810- ) เทคนิคการเล่นกีตาร์ การแข่งขันในกรุงบรัสเซลส์ จัดโดย Markov เพื่อฟื้นความสนใจในกีตาร์ที่จางหายไป M.D. Sokolovsky (พ.ศ. 2361-2426) นักแสดงคอนเสิร์ตที่มีชื่อเสียงซึ่งเป็นตัวแทนเพียงคนเดียวของโรงเรียนสอนกีตาร์ในประเทศในสมัยนั้นที่ได้รับชื่อเสียงในยุโรป กิจกรรมของเขาในการเป็นที่นิยมของกีตาร์
	Isakov P. I. (2429-2501) - นักกีตาร์ - ผู้เล่นคอนเสิร์ต, นักดนตรี, ครู, ผู้ริเริ่มการสร้าง Society of Leningrad Guitarists Yashnev V.I. (พ.ศ. 2422 - 2505) - นักกีตาร์ - ครู, นักแต่งเพลง, ผู้แต่ง (ร่วมกับ B.L. Volman) ของโรงเรียนเล่นกีตาร์หกสาย Agafoshin PS (พ.ศ. 2417 - 2493) - นักกีตาร์ที่มีความสามารถ, อาจารย์ที่มีชื่อเสียง, ผู้แต่ง "โรงเรียน" ในประเทศที่ดีที่สุดสำหรับกีตาร์หกสาย นักศึกษา V.A. รูซานอฟ. . การพบกันของ Segovia และ Agafoshin
	Ivanov - Kramskoy Alexander Mikhailovich (2455-2516) - นักกีตาร์ชื่อดัง - เล่นคอนเสิร์ต, นักแต่งเพลง, อาจารย์ ศิลปินผู้มีเกียรติของ RSFSR ป.ล. Agafoshina.N.A. อิวาโนวา - ครามสกายา
	นักกีตาร์ชื่อดังในยุคของเรา
	โรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซีย ความคิดสร้างสรรค์ของ Alexander Kuznetsov ความคิดสร้างสรรค์ V. Shirokogo, V. Derun อ. Frauchi, อ. Zimakova มือกีต้าร์: V.Kozlov, Alexander Chekhov, Nikita Koshkin, Vadim Kuznetsov, N.A.Komolyatov, A.Gitman, E.Filkshtein, A.Borodinaวลาดิมีร์ เทอร์โว…………Dervoed A. V. , Matokhin S. N. , Vinitsky A. E. , เรซนิค เอ.แอล.
	นักกีตาร์ต่างชาติในทิศทางคลาสสิก
	สัมมนา
	บทเรียนสุดท้ายไตรมาสที่ 3
	การแข่งขันระดับนานาชาติ การแข่งขันของรัสเซีย ผู้ได้รับรางวัลนักการทูต เทศกาล
	กีตาร์ในวงแชมเบอร์ กีตาร์ออเคสตร้า
	กีตาร์คลาสสิกในภูมิภาคตเวียร์และตเวียร์ เช้า. Skvortsov, E.A. แบฟ; เครื่องดนตรีคู่ "Musical Miniatures" - E. Baev - กีตาร์, E. Muravyova - ไวโอลิน "Art Duet" Natalya Gritsay, Elena Bondar
	กีต้าร์แจ๊สคลาสสิค. กีตาร์แจ๊ส. ทิศทางอื่น ๆ ในสาขาศิลปะกีตาร์ เทคนิคระดับประเทศ. ฟินเชอร์สไตล์. ฟิวชั่น …….นักแสดงแนวต่างๆ
	กีตาร์ถูกสร้างขึ้นอย่างไร? ผู้ผลิตกีตาร์ชั้นนำ อัพเกรดกีตาร์ กีตาร์มีกี่สาย? Narciso Yepes กับกีตาร์ 10 สายของเขา ใหม่ในศิลปะการแสดงกีตาร์คลาสสิก.
	สัมมนา-ปรึกษา.
	สอบไล่
	รวมในอัตราทั้งหมด

3. ข้อกำหนดสำหรับระดับการฝึกอบรมของนักเรียน

ระดับการฝึกฝนของนักเรียนเป็นผลมาจากการเรียนรู้โปรแกรมในหัวข้อ "ประวัติการแสดงกีตาร์คลาสสิก" ซึ่งเกี่ยวข้องกับการสร้างความรู้ทักษะดังต่อไปนี้เช่น:

* ความสนใจของนักเรียนในประวัติศาสตร์การแสดงดนตรี

* ความสามารถในการนำทางในแง่มุมต่างๆ ของศิลปะกีตาร์ สไตล์และทิศทางของดนตรี

* ความซับซ้อนของความรู้ ทักษะ และความสามารถที่มีรูปแบบที่ดีซึ่งช่วยให้สามารถประเมิน ระบุลักษณะของงานที่ฟัง รูปแบบและลักษณะท่าทางของนักแสดง

* ความรู้ที่ช่วยให้คุณสามารถใช้ทรัพยากรอินเทอร์เน็ตได้อย่างอิสระ

*ผู้สำเร็จการศึกษาควรทราบหัวข้อหลักของหลักสูตร

4. รูปแบบและวิธีการควบคุมระบบประเมินผล.

• การรับรอง: เป้าหมาย ประเภท แบบฟอร์ม เนื้อหา

เกณฑ์การประเมิน

การควบคุมความรู้ ทักษะ และความสามารถของนักเรียนจัดให้มีการจัดการกระบวนการศึกษาและดำเนินการฝึกอบรม การทดสอบ การศึกษาและการแก้ไข รูปแบบต่างๆ ของการติดตามความคืบหน้าของนักเรียนทำให้สามารถประเมินความสำเร็จและคุณภาพของกระบวนการศึกษาได้อย่างเป็นกลาง ประเภทหลักของการควบคุมความคืบหน้าในเรื่อง

"ประวัติการแสดงกีตาร์คลาสสิก" ได้แก่ การควบคุมปัจจุบัน การรับรองระดับกลาง สอบไล่.

การรับรองในปัจจุบันดำเนินการเพื่อควบคุมคุณภาพของการเรียนรู้ในส่วนของสื่อการศึกษาและมีวัตถุประสงค์เพื่อระบุทัศนคติต่อหัวข้อที่องค์กรที่รับผิดชอบของการบ้านและกระตุ้น การรับรองปัจจุบันดำเนินการในรูปแบบของการสำรวจ การสนทนาในหัวข้อที่นักเรียนจัดทำขึ้น และการอภิปรายเกี่ยวกับการแสดงที่ได้ฟัง งานควบคุมปัจจุบันที่เป็นไปได้ในรูปแบบของการทดสอบ เช่นเดียวกับแบบทดสอบดนตรี

ชั้นเรียนเกี่ยวกับ "ประวัติการแสดงดนตรี" จัดขึ้นในรูปแบบของการบรรยายโดยอาจารย์, การสนทนากับนักเรียนในหัวข้อที่เตรียมโดยพวกเขา, การสำรวจความคิดเห็นของนักเรียน;

ได้รับสถานที่ขนาดใหญ่ในการทำงาน ภาพประกอบดนตรีการฟังและการดูเนื้อหาที่เกี่ยวข้อง ขอแนะนำให้จัดสัมมนาในหัวข้อที่อาจารย์หรือนักเรียนเลือก งานควบคุมปัจจุบันที่เป็นไปได้ในรูปแบบของการทดสอบ เช่นเดียวกับแบบทดสอบดนตรี ขึ้นอยู่กับผลลัพธ์ของการควบคุมปัจจุบัน การประมาณการรายไตรมาสจะได้รับมา

การรับรองระดับกลาง(เสนอเมื่อสิ้นสุดภาคการศึกษาที่หนึ่งและสอง) กำหนดความสำเร็จของการพัฒนานักเรียนและระดับที่พวกเขาเชี่ยวชาญในการเรียนรู้ในขั้นตอนนี้ รูปแบบของการรับรองระดับกลาง: บทเรียนควบคุม, การทดสอบ, รายงาน, บทคัดย่อ, การนำเสนอ

สอบไล่

เมื่อผ่านการรับรองขั้นสุดท้ายแล้วบัณฑิตจะต้องแสดงความรู้ ทักษะ และความสามารถตามข้อกำหนดของหลักสูตร รูปแบบและเนื้อหาของการประเมินขั้นสุดท้ายสำหรับหัวข้อ "ประวัติการแสดงกีตาร์คลาสสิก" จัดทำขึ้นโดยองค์กรอิสระ (ตามคำแนะนำของอาจารย์) แบบฟอร์มแนะนำ: แบบทดสอบที่มีการประเมินหรือข้อสอบเป็นลายลักษณ์อักษรหรือแบบปากเปล่าในรูปแบบของคำตอบสำหรับคำถามที่เตรียมไว้ล่วงหน้า

สำหรับการรับรองนักเรียนจะมีการสร้างเครื่องมือการประเมินซึ่งรวมถึงวิธีการควบคุมที่ช่วยให้คุณสามารถประเมินความรู้ทักษะและความสามารถที่ได้รับ

เกณฑ์การประเมิน

5 ("ยอดเยี่ยม");

4 ("ดี");

3 ("น่าพอใจ").

การประเมินผล - "ไม่น่าพอใจ" ในเรื่องนี้เป็นสิ่งที่ไม่พึงปรารถนาเพราะไม่ว่านักเรียนจะพัฒนาในระดับใดครูก็มีโอกาสที่จะหาแนวทางเฉพาะสำหรับนักเรียนแต่ละคนและเพิ่มความสามารถในการสร้างสรรค์ของเขา

5. การสนับสนุนระเบียบวิธีของกระบวนการศึกษา

เรื่องนี้สอนโดยครูสอนกีตาร์

แน่นอนว่าเราไม่สามารถได้ยินการบันทึกของนักแสดงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตได้ ศตวรรษที่ 20 เปิดโอกาสให้เรา เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับประเพณีและความต่อเนื่องของการแสดงดนตรีจากยุคต่างๆ ผ่านนักเรียนและผู้ติดตาม (ตัวอย่าง: F. Tarrega, Segovia, A.M. Ivanov-Kramskoy, A. Frauchi……….).

รูปแบบของการดำเนินการบทเรียนมีหลากหลาย แต่ด้วยการรวมข้อบังคับในการทำงานของทั้งกลุ่ม ร่วมฟังและดูบันทึก, งานสร้างสรรค์ - รายงาน, บทคัดย่อ, ความประทับใจในการฟังบันทึกในชั้นเรียนและอิสระ การนำเสนอเนื้อหารวมถึง: การบรรยายโดยอาจารย์เองพร้อมการฟังและการดูสื่อเสียงและวิดีโอ การทำการบ้านที่เฉพาะเจาะจงภายในกรอบของเนื้อหาที่ศึกษาโดยนักเรียนทุกคนพร้อมการอภิปรายในภายหลัง สถานที่ขนาดใหญ่ในงานมอบให้กับภาพประกอบดนตรีการฟังและการดูเนื้อหาที่เกี่ยวข้องเป็นสิ่งสำคัญสำหรับครูในการเลือกอย่างถูกต้อง วัสดุดนตรีสำหรับการฟังและกำหนดงานเฉพาะเพื่อ: สอนสมาธิ กระตุ้นการได้ยิน การคิด ทำให้คุณใส่ใจในรายละเอียด รูปแบบการแสดง และการแสดงเจตนาของผู้แต่งเพลงโดยผู้แสดง สิ่งนี้จะพัฒนารสนิยมของนักเรียนเองและทำให้พวกเขาเข้าถึงผลงานอย่างมีสติมากขึ้น

แนะนำให้ทำการทดสอบในรูปแบบของการสัมมนา รายงาน บทคัดย่อ การอ้างอิงสั้น ๆที่นักเรียนสามารถดำเนินการด้วยตนเองโดยใช้แหล่งข้อมูลออนไลน์ และเป็นการบ้านนักเรียนสามารถฟังผลงานในการแสดงต่างๆและทำ การวิเคราะห์เปรียบเทียบได้ยินเช่น เสร็จสิ้นงานที่สร้างสรรค์

นอกจากนี้ รูปแบบงานที่สร้างสรรค์ในทิศทางนี้คือการเดินทางร่วมกัน (ถ้าเป็นไปได้) ของนักเรียนกับครู ผู้ปกครอง ไปจนถึงคอนเสิร์ตดนตรีบรรเลง ตามด้วยการอภิปรายในห้องเรียน (ในโรงเรียนของเรามีการจัดกิจกรรมดังกล่าวเป็นประจำเนื่องจากที่ตั้งที่สะดวกของหมู่บ้านไปยังองค์กรจัดคอนเสิร์ตของตเวียร์, Klin, มอสโกว นอกจากนี้นักแสดงจากตเวียร์มาหาเราด้วย)

สถานที่ที่ยอดเยี่ยมถูกครอบครองโดยการเตรียมครูและนักเรียนสำหรับชั้นเรียน เป็นกระบวนการที่ลำบากและสร้างสรรค์ คุณต้องทำงานมากกับสื่อข้อความ เสียง วิดีโอ ทรัพยากรทางอินเทอร์เน็ต จำเป็นต้องกระตุ้นให้นักเรียนทำงานทุกวันเป็นเวลาอย่างน้อยหนึ่งชั่วโมง กับอิสระประจำชั้นเรียนจะมีความสนใจเพิ่มขึ้นไม่เพียง แต่ในเรื่องนี้ แต่ยังต้องการความเป็นอิสระด้วย การทำงานที่อุตสาหะวิชาเอกกีตาร์

1. อเวริน วี.เอ. ประวัติการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย ครัสโนยาสค์ 2545
2. ป.ล. Agafoshin ใหม่เกี่ยวกับกีตาร์ ม.
3. Bendersky L. หน้าประวัติศาสตร์การแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้าน สเวอร์ดลอฟสค์ 2526
4. Weisbord C. Andres Segovia. ม., ดนตรี, 2523.
5. Weisbord M. Andrea Segovia และศิลปะกีตาร์แห่งศตวรรษที่ 20: บทความเกี่ยวกับชีวิตและการทำงาน - ม.: ส. นักแต่งเพลง 2532 - 208 จ.: ป่วย
6. Weisbord M. Andrea Segovia. - ม.: ดนตรี, 2524. - 126 วินาที. จากอาการป่วย
7. Weisbord ปริญญาโท Andres Segovia และศิลปะกีตาร์แห่งศตวรรษที่ 20: บทความเกี่ยวกับชีวิตและการทำงาน ม., 2532
8. ไวส์บอร์ด. Andrei Segovia และศิลปะกีตาร์แห่งศตวรรษที่ 20 - ม., นักแต่งเพลงโซเวียต, 1989.
9. Vasilenko S. หน้าแห่งความทรงจำ, M., L., 1948
10. Vasiliev Yu., Shirokov A. เรื่องราวเกี่ยวกับเครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซีย M. นักแต่งเพลงโซเวียต 2519
11. Vertkov K. เครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซีย ล., ดนตรี, 2518.
12. Vertkov K. , Blagodatov G. , Yarovitskaya E. Atlas ของเครื่องดนตรีของสหภาพโซเวียต ม., 2518.
13. วิดัล R.Zh. หมายเหตุเกี่ยวกับกีตาร์ / ต่อ จาก fr. L. Berekashvili - ม.: ดนตรี, 2533.-32ส.
14. Wolman BL.. กีตาร์. ม., ดนตรี, 2515.
15. กีตาร์ Wolman B. ในรัสเซีย แอล. มูซกิซ 2523.
16. กีตาร์ Wolman B. พิมพ์ครั้งที่ 2. ม., 2523.
17. วอลแมน บี.แอล. กีตาร์ในรัสเซีย ล., 2504.
18. วอลแมน บี.แอล. กีตาร์และนักเล่นกีตาร์ เรียงความเกี่ยวกับประวัติของกีตาร์หกสาย - L.: ดนตรี, 2511.-188s.
19. โวลแมน. กีตาร์ BL ในรัสเซีย L., Muzgiz, 1961.
20. โวลมอน บีแอล กีตาร์และนักเล่นกีตาร์ ล., 2511.
21. โวลมอน บีแอล กีตาร์. ม., 2515.
22. คำถามเกี่ยวกับระเบียบวิธีและทฤษฎีการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้าน การรวบรวมบทความฉบับที่ 2 Sverdlovsk, 1990
23. Ghazaryan S. ในโลกของเครื่องดนตรี ม., ครุศาสตร์, 2528.
24. Gazaryan S. เรื่องราวเกี่ยวกับกีตาร์ ม., 2530.
25. Gazaryan S. เรื่องราวเกี่ยวกับกีตาร์ มอสโก 2531
26. Gertsman E. ดนตรีวิทยาไบแซนไทน์ - L.: ดนตรี, 2531. -256s.
27. นักกีตาร์และนักกีตาร์: นิตยสารวรรณกรรมรายเดือน - Grozny: M. Panchenkov, 1925; ลำดับที่ 1-11.
28. กีตาร์และมือกีตาร์: นิตยสารวรรณกรรมรายเดือน - กรอซนืย: M. Panchenkov, 1925; ลำดับที่ 11-12.
29. กีตาร์: ปูมดนตรี. - ปัญหา. 1. ม. 2529; ปัญหา. 2., 1990.
30. นักกีตาร์: นิตยสารดนตรีและวรรณกรรม. - ม. 2536 - ฉบับที่ 1; 2537. - ครั้งที่ 2; 2541. - ครั้งที่ 3; 2542. - ครั้งที่ 4; 2543. - ครั้งที่ 3; 2544. - ครั้งที่ 1,2,3,4; 2545. - ฉบับที่ 1,2,3,4; 2546. - ฉบับที่ 1,2,3,4; 2547. - ครั้งที่ 1.
31. Grigoriev G. Tirando ม., 2542.
32. Dmitrievsky Yu., Kolesnik S., Manilov V. กีต้าร์จากบลูส์ถึงแจ๊สร็อค
33. นิตยสาร Dukart O.N. "Guitarist" ฉบับที่ 1 ปี 1993; 4. - ครั้งที่สอง - ฉบับที่ 2, 1994; 5. - ครั้งที่สอง - ฉบับที่ 3, 1997; 6. - ครั้งที่สอง - ฉบับที่ 1, 1998; 7. - ครั้งที่สอง - ฉบับที่ 1, 1999; 8. - ครั้งที่สอง - ฉบับที่ 1, 2545;
34. Ivanov M. กีตาร์เจ็ดสายของรัสเซีย ม. - ล., 2491
35. Ivanov M. กีตาร์เจ็ดสายของรัสเซีย M., L., Muzgiz, 1948.
36. Ivanova-Kramskoy N.A. "ประวัติกีตาร์ ความรัก และบทเพลง"
37. Ilyukhin A. เนื้อหาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และทฤษฎีการแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย ฉบับที่ 1. ม. 2512 ฉบับที่ 2. ม. 2514.
38. ศิลปะ, 2545. - 18 น.
39. ประวัติดนตรีโซเวียตรัสเซีย tt.1,2. M. , 1959. เคียฟ, ดนตรียูเครน, 1986. - 96 p.
40. ระดับ วงดนตรีแจ๊ส. ตัวอย่างโปรแกรมพิเศษ 070109
41. คุซเน็ตซอฟ กีตาร์แจ๊ส. // ปูมดนตรี. ประเด็นที่ 1. กีต้าร์. ม., 2532
42. ลาริเชฟ. .E.D. กีตาร์หกสาย. ในวันเสาร์ "ปูมดนตรี", ฉบับที่ 1, M. , Muzyka, 1989
43. Manilov V.A. เพื่อนของคุณคือกีตาร์ เคียฟ: ดนตรี ยูเครน 2549 - 208 หน้า: ป่วย
44. M.: Afromeev Guitarist: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบโน้ต [adj.] -, 2448; #1-12.
45. M.: Afromeev Guitarist: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบโน้ต [adj.] -, 2449; No. 1, Guitarist: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบ, โน๊ต. [adj.] ., 2542; No. 1 - C16., Guitarist: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบ, โน้ต [adj.] -, 2542; No. 1 - P. 56-63., Guitarist: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบ, โน้ต [adj.] - ม., 2545; หมายเลข 1 - S.52-53
46. M.: Toropov, Guitar and master: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบ, โน้ต adj. - 1999 M.: Afromeev Guitarist: นิตยสารดนตรีพร้อมภาพประกอบ, โน้ต [adj.] -, 2447; #1-12
47. Mikhailenko N.P และ Fan Dinh Tang "คู่มือมือกีตาร์",
48. Mikhailenko N.P. วิธีการสอนเล่นกีตาร์หกสาย เคียฟ 2546
49. Mikhailenko N.P. และ Pham Dinh Tan คู่มือนักกีตาร์. เคียฟ 1997
50. ปูมดนตรี "กีตาร์" ฉบับที่ 1 มอสโก "ดนตรี" 2532
51. ปูมดนตรี "กีตาร์" ฉบับที่ 2 มอสโก "ดนตรี" 2533
52. โรงเรียนสอนดนตรี (เชี่ยวชาญด้านดนตรีป๊อป) เครื่องดนตรีออร์เคสตราหลากหลายชนิด - อูฟา 2543. - น. 24-25
53. "ดุริยางคศิลป์" เชี่ยวชาญ "เครื่องดนตรีหลากหลาย"

วงดุริยางค์". - ม., State Musical College of Variety and Jazz Department

1. Otyugova T. , Galembo A. , Gurkov I. การเกิดของเครื่องดนตรี แอล., 2529.
2. ราพัทสกายา. LA การเอาชนะแบบแผนกีตาร์ (หมายเหตุเกี่ยวกับงานของ Igor Rekhin) ในนิตยสาร "Guitarist" ฉบับที่ 3, 1997
3. Rusanov V.A. กีตาร์และนักกีตาร์ ฉบับที่ 2 ม., 1901.
4. ชาร์นาส กีต้าร์หกสาย. ตั้งแต่กำเนิดจนถึงปัจจุบัน. ม., ดนตรี, 2534.
5. เชฟเชนโก้. กีตาร์ฟลาเมงโก เคียฟ มิวสิคัลยูเครน 2531
6. Shiryalin A.V. บทกวีเกี่ยวกับกีตาร์ -M., "เวทีเยาวชน", RIFME, 1994
7. Shiryalin A.V. กลอนกีตาร์. ม., 2543.
8. เอเวอร์ส อาร์ คุณลักษณะบางประการของศิลปะกีตาร์สมัยใหม่ // กีตาร์คลาสสิก: การแสดงและการสอนสมัยใหม่: นามธรรม II นักศึกษาฝึกงาน เชิงปฏิบัติทางวิทยาศาสตร์ คอนเฟิร์ม 12-13 เม.ย. 2550 / ตม. สถานะ ดนตรี-ped. ใน-t ฉัน เอส.วี. รัชมานินอฟ. - Tambov, 2007. - S. 3-6.
9. วิวัฒนาการของกีตาร์จากการวิเคราะห์โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์แบบดั้งเดิมและสมัยใหม่
10. สารานุกรมของนักกีตาร์ ความสามัคคีของบลูส์ มินสค์, 1998.
11. Yablokov M.S. กีตาร์คลาสสิกในรัสเซียและสหภาพโซเวียต Tyumen - Yekaterinburg, 1992 เนื้อหาของเล่มแรก
12. Yablokova M.S. "กีตาร์คลาสสิกในรัสเซียและสหภาพโซเวียต"

แหล่งกำเนิดของมันคือประเทศในตะวันออกกลางและใกล้ซึ่งปรากฏขึ้นเมื่อหลายพันปีก่อน
แต่รูปลักษณ์ในรูปแบบดั้งเดิมนั้นนำหน้าด้วยการพัฒนาที่ยาวนาน ตามที่นักวิจัยหลายคนกล่าวว่าธนูของนักล่าดึกดำบรรพ์ไม่เพียงใช้เป็นอาวุธเท่านั้น แต่ยังใช้เป็นเครื่องดนตรีได้อีกด้วย ดังนั้น หากมีการดึงสายธนูหลายสายบนคันธนู เนื่องจากความยาว แรงดึง และความหนาที่แตกต่างกัน ระดับเสียงที่เปล่งออกมาจึงเปลี่ยนไป อาจเป็นไปได้ว่านี่คือรูปลักษณ์ของเครื่องดนตรีซึ่งกลายเป็นต้นแบบของ Assyro-Babylonian และ Egyptian cithara ในทางกลับกัน ซิทาราโบราณก็กลายเป็น "บรรพบุรุษ" ของกีตาร์

บนพีระมิดอียิปต์โบราณและอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมของชาวอัสซีเรียน มีอักษรอียิปต์โบราณที่แสดงถึงเครื่องดนตรีนาบลู ซึ่งมีรูปร่างคล้ายกีตาร์คลุมเครือ ที่น่าสนใจคือชาวอียิปต์โบราณใช้อักษรอียิปต์โบราณเดียวกันเพื่อกำหนดแนวคิดของ "ดี" "ดี" "สวยงาม"
ในเมโสโปเตเมียและอียิปต์ ซิทาราบางสายพันธุ์ (รวมถึงนาบลาของอียิปต์และอาหรับเอลออด) ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมและแพร่กระจายไปทั่วชายฝั่งทะเลเมดิเตอร์เรเนียนตั้งแต่ช่วง 3 - 2 พันปีก่อนคริสต์ศักราช ยุคใหม่. จนถึงขณะนี้ในประเทศในเอเชียไมเนอร์มีเครื่องดนตรี "kinira" ที่เกี่ยวข้องกับกีตาร์

ในสมัยกรีกโบราณเป็นที่นิยมมากที่สุด เครื่องดนตรีเป็นคีทารา (คิตารา), พิณ, พิณ, แพนดอร่า
ในศตวรรษแรกของยุคใหม่ กีตาร์ละตินที่เกี่ยวข้องกับกรีกแพร่หลายในประเทศแถบเมดิเตอร์เรเนียนของยุโรป นอกจากนี้ยังรู้จักญาติสนิทของกีตาร์คือลูต ชื่อ "lute" นั้นมาจากคำภาษาอาหรับ "el-aud" ซึ่งแปลว่า "ไม้" หรือ "ไพเราะ"
มีข้อสันนิษฐานว่าชาวอาหรับนำพิณและกีตาร์ไปยังยุโรป - ผ่านสเปนที่พิชิตโดยพวกเขาและในศตวรรษที่ 8 อย่างไรก็ตาม เป็นไปได้มากว่าเครื่องดนตรีเหล่านี้แพร่กระจายไปยังยุโรปผ่านกรีกโบราณ - ด้วยความสัมพันธ์ทางวัฒนธรรมกับประเทศในแถบตะวันออกใกล้และตะวันออกกลาง

จนถึงศตวรรษที่ 16 กีตาร์เป็นแบบสามสายและสี่สาย พวกเขาเล่นโดยใช้นิ้วและปิ๊ก (บันทึกกระดูกและเต่า)
ในศตวรรษที่ 16 กีตาร์ห้าสายปรากฏขึ้นในสเปน และตั้งแต่นั้นมาก็กลายเป็นที่รู้จักในชื่อกีตาร์สเปน เครื่องสายเพิ่มเป็นสองเท่า บางครั้งเครื่องสายเครื่องแรก ("นักร้อง") เป็นสายเดี่ยว ในบรรดาประเทศในยุโรปทั้งหมด กีตาร์ถูกใช้อย่างแพร่หลายที่สุดในสเปน ซึ่งมันกลายเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านอย่างแท้จริง
ด้วยการกำเนิดของสายที่ห้าและความสามารถทางศิลปะและการแสดงที่เพิ่มขึ้น กีตาร์เริ่มประสบความสำเร็จในการแข่งขันกับลูตและวิฮูลาซึ่งเป็นบรรพบุรุษของมัน และค่อยๆ เลิกใช้มันจากการใช้ดนตรี
ผู้มีฝีมือและนักแต่งเพลงที่มีความสามารถหลายคนปรากฏตัวขึ้นซึ่งได้ยกระดับศิลปะการเล่นกีตาร์ให้อยู่ในระดับที่สูงมาก ระดับสูง. ในจำนวนนี้มี F. Corbetta (1620-1681) นักกีตาร์ในราชสำนักของกษัตริย์สเปน ฝรั่งเศส และอังกฤษ R. de Vize ลูกศิษย์ของเขา (1650-1725) นักกีตาร์ในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 แห่งฝรั่งเศส F. Campion (1686) -1748), G. Sanz (1640-1710) และอื่น ๆ อีกมากมาย
คอลเลกชั่น tablature แรกและสื่อการสอนสำหรับกีตาร์เริ่มปรากฏ: "Guitar Book" โดย R. de Vize (1682), "New Discoveries of the Guitar" โดย F. Campion (1705) และอื่นๆ อีกมากมาย

พวกเขาพิมพ์เก่า สเปนเต้นรำ- pascals, chaconnes, sarabandes, folios และชิ้นอื่นๆ
ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 กีตาร์หกสายปรากฏขึ้น (ตามประวัติศาสตร์อีกครั้งในสเปน) ด้วยการกำเนิดของสายที่หกและการเปลี่ยนสายคู่เป็นสายเดี่ยว ขบวนแห่แห่งชัยชนะของกีตาร์ข้ามประเทศและทวีปจึงเริ่มต้นขึ้น ยังคงอยู่ในรูปแบบนี้ ความเป็นไปได้ทางดนตรีของกีตาร์ 6 สายนั้นยอดเยี่ยมมากจนกลายเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เป็นที่ชื่นชอบมากที่สุด
"ยุคทอง" ของกีตาร์เริ่มต้นขึ้น มีความเกี่ยวข้องกับชื่อของนักแต่งเพลงชาวสเปนและนักกีตาร์ฝีมือดี F. Sora (1778-1839), D. Aguado (1784-1849) และ F. Carulli ชาวอิตาลี (1770-1871), M. Giuliani (1781-1829), M . การ์กาซี (พ.ศ. 2335-2396).

นักแสดง

สเปน

SOR José Fernando (เฟอร์นันโดซอร์ 2321-2382)

นักกีตาร์ นักแต่งเพลง และครูชาวสเปน ในวัยเด็กเขาแสดงความสามารถพิเศษและได้รับการศึกษาด้านดนตรีในอารามคาทอลิกแห่งหนึ่งเพื่อพัฒนาการเล่นกีตาร์ของเขาเอง การเล่นกีตาร์ของโซระสร้างความรู้สึกที่แท้จริงในลอนดอน ซึ่งเขาเดินทางไปหลังจากพำนักระยะสั้นในปารีส ในฤดูใบไม้ร่วงปี พ.ศ. 2366 ซอร์กับภรรยาซึ่งเป็นนักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศสเดินทางไปรัสเซีย ซึ่งการแสดงของเขาประสบความสำเร็จอย่างมาก ในมอสโกที่ Bolshoi Theatre มีการแสดงบัลเล่ต์ "Sandrillon" ของ Sora ในปี พ.ศ. 2369 ซอร์กลับไปปารีสและอยู่ที่นั่นจนสิ้นอายุขัย มีชื่อเล่นว่า "The Beethoven of the Guitar" ดนตรีที่ลึกซึ้งและกินใจของเขาและเสียงที่ไพเราะนุ่มนวลในการเล่นของเขาทำให้เขาเป็นหนึ่งในนักกีตาร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้น
ซอร์เกิดที่บาร์เซโลนา ตอนอายุห้าขวบเขาแต่งเพลงอยู่แล้วโดยเล่นกีตาร์ตัวเก่าของพ่อไปกับเขา เขาได้รับการศึกษาด้านดนตรีที่วัดคาทอลิกแห่งมอนต์เซอร์รัตใกล้กับบาร์เซโลนา และเมื่ออายุได้ 13 ปี เขาก็สามารถแต่งเพลงที่ซับซ้อนได้แล้ว เมื่อครูของเขาได้รับคำสั่งให้แต่งพิธีมิสซาสำหรับนักร้องเดี่ยว คณะนักร้องประสานเสียง และออร์แกน แต่เนื่องจากความเจ็บป่วย เขาจึงไม่สามารถจัดเตรียมได้ทันกำหนด ซอร์ช่วยอาจารย์ของเขาโดยทำคำสั่งให้สำเร็จอย่างยอดเยี่ยมในคืนเดียว
หลังจากจบการศึกษาด้านดนตรีและหาผู้อุปถัมภ์ Sor ตั้งรกรากในมาดริดและอุทิศตนทั้งหมดให้กับการแต่งเพลงและพัฒนาทักษะกีตาร์ของเขา ในปี พ.ศ. 2356 เขาไปปารีส ซึ่งไม่นานเขาก็ได้รับชื่อเสียงว่าเป็นหนึ่งในนักเล่นดนตรีฝีมือดีที่สุด ซึ่งทำให้แบร์ลิออซ, เชรูบินี และนักดนตรีคนอื่น ๆ หลงใหลในเมืองหลวงของฝรั่งเศสด้วยการเล่นของเขา ในปี ค.ศ. 1815 Soar ไปลอนดอน ที่ซึ่งเขาสร้างความรู้สึกที่แท้จริงด้วยการเล่นกีตาร์ ในปี พ.ศ. 2366 ซอร์อยู่ในรัสเซียแล้ว ซึ่งเขาได้รับการต้อนรับเป็นพิเศษเช่นกัน ระหว่างการเดินทางไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กครั้งหนึ่ง Sor ได้รับเชิญไปที่ศาลของจักรพรรดินี Elizaveta Alekseevna ภรรยาของ Alexander I ซึ่งแสดงความโปรดปรานอย่างมากต่อนักกีตาร์ ความใกล้ชิดกับศาลสัญญากับ Sor ว่ามีโอกาสที่ยอดเยี่ยมและเขาตั้งใจจะอยู่ในรัสเซียตลอดไป แต่ถูกบังคับให้ออกไปหลังจากการสิ้นพระชนม์ของจักรพรรดินี
หลังจากกลับมายังยุโรปตะวันตก Sor ก็ยังคงประสบความสำเร็จอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน อำนาจของเขาในหมู่นักกีตาร์นั้นสูงมาก อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษที่ 1930 กีตาร์ไม่ได้เป็นเครื่องดนตรีที่ทันสมัยอีกต่อไป และ Sor ซึ่งเป็นทั้งนักกีตาร์และนักแต่งเพลงก็ตกเทรนด์เช่นกัน ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2382 ซอร์เสียชีวิต โดยเพื่อนนักดนตรีของเขาลืมไปครึ่งหนึ่ง
ดนตรีของโซระได้กลายเป็นส่วนหนึ่งของประวัติศาสตร์ การประพันธ์กีตาร์หลายชิ้นของเขายังคงแสดงอยู่บนเวทีคอนเสิร์ต และ "School for the Guitar" (1830) ของเขาได้รับการยกย่องจากหลาย ๆ คนว่าเป็นองค์ประกอบที่โดดเด่นที่สุดสำหรับเทคนิคการแสดงกีตาร์

อิตาลี

จูเลียนี เมาโร (GIULIANI, Giuseppe Sergio Pantaleo 1781-1829)

นักกีตาร์ฝีมือดีชาวอิตาลีที่โดดเด่น นักแต่งเพลงที่ได้รับการยอมรับจากผู้มีอำนาจเช่น J. Haydn และ L. Beethoven เกิดใกล้กับเมืองเนเปิลส์ เมื่อตอนเป็นเด็ก เขาเรียนรู้ที่จะเล่นไวโอลินและฟลุต ในขณะเดียวกันก็สอนกีตาร์ด้วยตนเอง เมื่ออายุได้ยี่สิบปี เขาก็ประสบความสำเร็จอย่างยอดเยี่ยมจนได้รับชื่อเสียงในอิตาลีในฐานะนักกีตาร์ที่เก่งที่สุด ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2343 กิจกรรมคอนเสิร์ตของเขาเริ่มต้นขึ้นโดยเริ่มขึ้นในอิตาลีและฝรั่งเศส ในปี 1807 เขามาที่เวียนนาพร้อมกับคอนเสิร์ตโดยที่ นักวิจารณ์เพลงยอมรับอย่างเป็นเอกฉันท์ว่าเขาเป็นนักกีตาร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในโลก
เมื่อตั้งรกรากในเวียนนา Giuliani ได้แสดงคอนเสิร์ตและกิจกรรมการสอน ในบรรดาเพื่อนของเขา ได้แก่ L. Beethoven และ J. Haydn นักไวโอลิน L. Spohr และ J. Mayseder นักเปียโน I. Hummel, I. Moscheles และ A. Diabelli
ในปี พ.ศ. 2359 จูเลียนีได้ไปเที่ยวเยอรมนีอย่างประสบความสำเร็จ ในปี พ.ศ. 2362 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตร่วมกับ D. Rossini และ N. Paganini ในกรุงโรม
การแสดงที่ยอดเยี่ยม Giuliani และการแสดงคอนแชร์โตของเขาเองสำหรับกีตาร์และวงออเคสตราได้พิสูจน์สิทธิที่เท่าเทียมกันของกีตาร์ในฐานะเครื่องดนตรีที่ใช้แสดงคอนเสิร์ตร่วมกับไวโอลิน เชลโล และเปียโน "Little Orchestra" - นี่คือลักษณะที่เบโธเฟนให้เสียงกีตาร์ของ Giuliani
ในปี 1821 Giuliani กลับไปอิตาลีและตั้งรกรากที่โรม ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิต เขาได้ไปเที่ยวที่ประเทศเยอรมนี โปแลนด์ รัสเซีย และอังกฤษ ทุกที่ สร้างความเพลิดเพลินและทึ่งในงานศิลปะของเขา
M. Giuliani เสียชีวิตในปี พ.ศ. 2372 ในเมืองเนเปิลส์

Carulli Ferdinand (เฟอร์นันโด 2313-2384)

นักกีตาร์ ครู และนักแต่งเพลงชาวอิตาลี ในขั้นต้นเขาศึกษาเชลโล หลังจากหัดเล่นกีตาร์ด้วยตัวเอง เขาก็กลายเป็นนักกีตาร์มืออาชีพ น้ำเสียงที่ไพเราะ ความบริสุทธิ์ และความคล่องแคล่วในการเล่นกีตาร์ทำให้เขาประสบความสำเร็จในเนเปิลส์ และจากนั้นในปารีส ซึ่งเขากลายเป็นร้านโปรดของร้าน Carulli ตั้งรกรากในปารีสในปี 1818 หลังจากได้รับชื่อเสียงในฐานะนักกีตาร์ที่เก่งที่สุดในยุคนั้น เขาได้ร่วมชิงแชมป์กับ Matteo Carcassi และดำรงตำแหน่งจนกระทั่ง Fernando Sor กลับมา
ครูที่โดดเด่นและนักแสดงที่ยอดเยี่ยม Carulli ตีพิมพ์ผลงานของเขาประมาณสามร้อยชิ้น: ชิ้นสำหรับกีตาร์โซโล, คอนแชร์โตสำหรับกีตาร์และวงออเคสตรา, งานแชมเบอร์ซึ่งมีความโดดเด่นด้วยทักษะด้านเครื่องมือและเทคนิคระดับสูง ผลงานเชิงทฤษฎีสองชิ้นของเขาได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวาง เหล่านี้คือ "โรงเรียนสอนเล่นพิณหรือกีตาร์" (พ.ศ. 2353) และการศึกษาเกี่ยวกับดนตรีประกอบ "ความสามัคคีที่ใช้กับกีตาร์" (พ.ศ. 2368) "โรงเรียน" ของ Carulli ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ: มีการพิมพ์ถึง 5 ฉบับในคราวเดียวและได้รับการตีพิมพ์หลายครั้งหลังจากผู้เขียนเสียชีวิต

การ์กาซี มัตเตโอ (ค.ศ. 1792 - 1853)

นักกีตาร์ชาวอิตาลีที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคนั้น นักแต่งเพลงและครู ลูกศิษย์ของ F. Carulli ในประวัติศาสตร์ของกีตาร์ เขาเป็นที่รู้จักในฐานะผู้ประพันธ์ "The School of Playing the Guitar" (1836) และผลงานด้านการสอน การเรียนกีตาร์ของเขายังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้ โดยเป็นสื่อการฝึกอบรมสำหรับนักกีตาร์สมัยใหม่และถือเป็นคลาสสิก
Matteo Carcassi เรียนกีตาร์ตั้งแต่อายุยังน้อยในประเทศอิตาลี เขาอายุยังไม่ถึงยี่สิบเมื่อเขามีชื่อเสียงในอิตาลีในฐานะมือกีตาร์อัจฉริยะ ในปี พ.ศ. 2358 เขาเข้ารับการสอนกีตาร์และเปียโนในปารีส ระหว่างการเดินทางไปแสดงคอนเสิร์ตที่เยอรมนีในปี พ.ศ. 2362 การ์กัสซีได้พบกับนักกีตาร์ชาวฝรั่งเศส ไมส์โซเนียร์ ซึ่งในปี พ.ศ. 2355 ได้ก่อตั้งสำนักพิมพ์ของเขาในปารีส นักกีตาร์ทั้งสองกลายเป็นเพื่อนสนิทกัน และ Meissonier ได้ตีพิมพ์ผลงานส่วนใหญ่ของ Carcassi
ในปี 1822 ในลอนดอน หลังจากคอนเสิร์ตเพียงไม่กี่คอนเสิร์ต ผู้คนเริ่มพูดถึง Carcassy ในฐานะมือกีตาร์และครูที่ยอดเยี่ยม ในไม่ช้าเขาก็กลับไปปารีส แต่ไปเยือนลอนดอนทุกปี ซึ่งพรสวรรค์ด้านกีตาร์ของเขาได้รับการชื่นชมอย่างสูง และเป็นที่ที่เขาคาดหวังและเคารพเสมอมา
เมื่อ Carcassi ปรากฏตัวครั้งแรกในปารีส พรสวรรค์ของเขาเคยอยู่ภายใต้ร่มเงาของ Ferdinando Carulli นักกีตาร์มือฉมังชาวอิตาลีมาระยะหนึ่ง แต่หลังจากนั้นไม่กี่ปี Carcassi ก็ได้รับการยอมรับและประสบความสำเร็จอย่างมาก เขาแสดงคอนเสิร์ตทุกปีในเมืองหลักส่วนใหญ่ของยุโรป ในปี พ.ศ. 2379 การ์กาซีเดินทางกลับอิตาลีในช่วงสั้นๆ แต่ปารีสยังคงเป็นที่อยู่อาศัยถาวรจนกระทั่งเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2396

ฝรั่งเศส

ชายฝั่งนโปเลียน (Napolón Coste / Claude Antoine Jean George Napolón Coste 1805 - 1883

นักกีตาร์และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เกิดใน Franche-Comte ในวัยเด็กเขาเริ่มกิจกรรมของนักแสดงและครูแล้ว ในปี 1830 เขาย้ายไปปารีสซึ่งเขาได้เป็นเพื่อนกับ F. Sor, D. Aguado, F. Carulli และ M. Carcassi ซึ่งอาศัยอยู่ที่นั่นพร้อมกับเขาซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของเขา ในปีพ. ศ. 2399 ในการแข่งขันระดับนานาชาติสำหรับการประพันธ์เพลงที่ดีที่สุดและเครื่องดนตรีที่ดีที่สุดซึ่งจัดในกรุงบรัสเซลส์โดยนักกีตาร์ชาวรัสเซีย N. Makarov เขาได้รับรางวัลที่สองสำหรับการประพันธ์เพลง "The Great Serenade"
คอสเป็นหนึ่งในนักแสดงชาวฝรั่งเศสที่ดีที่สุดในศตวรรษที่ 19 และมักถูกเปรียบเทียบกับซอ เนื่องจากอาการบาดเจ็บที่มืออันเป็นผลมาจากอุบัติเหตุ เขาถูกบังคับให้หยุดกิจกรรมคอนเสิร์ตของเขา งานของคอสตาค่อนข้างเล็ก แต่เป็นพยานถึงความสามารถในการแต่งเพลงที่โดดเด่น เขาเขียนงานกีตาร์ประมาณ 70 ชิ้น: วอลทซ์, ความหลากหลาย, "Concert Rondo", "Great Serenade", วัฏจักร "Autumn Leaves", "25 Etudes" (op. 38), ชิ้นโอโบและกีตาร์ ฯลฯ แม้กระทั่ง ชิ้นเล็ก ๆ มักจะรู้สึกถึงความกลมกลืนและความไพเราะของวงออเคสตรา
ชื่อของคอสตายังเกี่ยวข้องกับ Sor's School for the Guitar ฉบับแก้ไขและขยายฉบับใหม่ ซึ่งราคารวมการถอดความของชุดโดย Robert de Wiese เสียชีวิตในปารีส

กีตาร์ในรัสเซีย

ประวัติของกีตาร์ในรัสเซียนั้นน่าสนใจและเป็นต้นฉบับมาก
ในการพัฒนานั้นต้องผ่านขั้นตอนเดียวกันกับในประเทศยุโรปตะวันตกโดยประมาณ
N. Karamzin นักประวัติศาสตร์ชาวรัสเซียเขียนว่าย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 6 ชาวสลาฟชอบเล่นซิทาราและพิณโดยไม่แยกทางกับพวกเขาแม้ในการรณรงค์ทางทหารที่รุนแรง เล่นในรัสเซียและกีตาร์สี่สาย
ในปี พ.ศ. 2312 นักวิชาการ Shtelin เขียนเกี่ยวกับการปรากฏตัวในรัชสมัยของจักรพรรดินีเอลิซาเบ ธ ของกีตาร์ห้าสายของอิตาลีซึ่งตีพิมพ์ในนิตยสารดนตรีพิเศษ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 กีตาร์หกสายปรากฏในรัสเซีย. ในไม่ช้าเธอก็กลายเป็นที่นิยมในทุกด้านของชีวิต มีการพิมพ์โรงเรียนแห่งแรกที่เล่นเครื่องดนตรีนี้และฉบับดนตรีต่างๆ โรงเรียนที่เก่าแก่ที่สุดที่เผยแพร่ในรัสเซียคือ "Ignatius von Geld โรงเรียนสอนกีตาร์ฉบับปรับปรุง หรือคู่มือสอนกีตาร์ด้วยตนเอง" เธอออกไปที่ ต้น XIXศตวรรษในภาษารัสเซียและภาษาเยอรมัน
ในช่วงเวลาเดียวกัน "Etudes" และ "Four Sonatas" สำหรับเปียโนและกีตาร์หกสายโดยอัจฉริยะนักแต่งเพลงและอาจารย์ชื่อดัง P. Galyani "นิตยสารใหม่สำหรับกีตาร์หกสาย" โดย A. Berezovsky "Concerto for six - กีตาร์เครื่องสายพร้อมวงออร์เคสตรา" ตีพิมพ์ในนักแต่งเพลง Ashanin (1815) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ในปี พ.ศ. 2364 - 2366 "สถาบันดนตรี" เปิดขึ้นในมอสโกและ Nizhny Novgorod ซึ่งเด็กชายและเด็กหญิงได้เรียนรู้การเล่นกีตาร์ ผู้เชี่ยวชาญด้านกีตาร์ชาวรัสเซียที่โดดเด่นปรากฏตัว - M. Sokolovsky, N. Makarov, V. Lebedev

Vysotsky Mikhail Timofeevich (ประมาณ พ.ศ. 2334-2380)

นักกีตาร์และนักแต่งเพลงกีตาร์อัจฉริยะชาวรัสเซีย เขาเรียนกีตาร์กับ S. N. Aksenov เขาชอบความคลาสสิก โดยเฉพาะ Bach ซึ่งเขาพยายามถ่ายทอดความทรงจำเกี่ยวกับกีตาร์ สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นในรูปแบบการประพันธ์กีตาร์ที่จริงจังและสูงส่งของเขา: ส่วนใหญ่เป็นจินตนาการและรูปแบบที่หลากหลายเกี่ยวกับภาษารัสเซีย ธีมพื้นบ้าน(วงจรของ 4-5 รูปแบบ ล้อมรอบด้วย "สกรีนเซฟเวอร์" และ "ตอนจบ") นอกจากนี้ยังมีการเรียบเรียงเสียงประสานสำหรับกีตาร์โดย V.A. Mozart, L. van Beethoven, J. Field (ซึ่งเป็นนักดนตรีที่สนิทด้วย) และคนอื่นๆ ในจำนวนนี้ พิมพ์ 83 เล่ม; "โรงเรียนปฏิบัติและทฤษฎีสำหรับกีตาร์" ของเขา (พ.ศ. 2379) ก็ได้รับการตีพิมพ์เช่นกัน

มาคารอฟ นิโคไล เปโตรวิช (2353-2433)

นักกีตาร์อัจฉริยะชาวรัสเซีย นักโฆษณาชวนเชื่อของศิลปะกีตาร์
เกิดที่เมือง Chukhloma จังหวัด Kostroma เขาใช้ชีวิตในวัยเด็กในที่ดินของพ่อและป้าของเขา M.P. โวลคอนสกายา. รับราชการเป็นทหารกองประจำการ
เล่นไวโอลินตั้งแต่เด็ก ตอนอายุยี่สิบแปดปี เขาเริ่มสนใจกีตาร์และฝึกฝนสิบถึงสิบสองชั่วโมงต่อวัน และในไม่ช้าก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก
คอนเสิร์ตครั้งแรกของ Makarov เกิดขึ้นในปี 1841 ที่เมือง Tula ใน Hall of the Nobility Assembly ซึ่งเขาเล่นส่วนแรกของเพลงประสานเสียงครั้งที่ 3 ของ Giuliani
ในปี 1852 Makarov เดินทางไปต่างประเทศซึ่งเขาได้พบกับนักกีตาร์ที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป: Tsani de Ferranti, Carcassi, Kost, Mertz, Scherzer ปรมาจารย์กีตาร์ ในปี พ.ศ. 2399 ในกรุงบรัสเซลส์ เขาได้จัดการแข่งขันระดับนานาชาติครั้งที่ 1 สำหรับการประพันธ์เพลงที่ดีที่สุดสำหรับกีตาร์และเครื่องดนตรีที่ดีที่สุด ซึ่งเขาได้แสดงในฐานะศิลปินเดี่ยวที่ประสบความสำเร็จอย่างมาก รางวัลที่ 1 สำหรับการประพันธ์เพลงยอดเยี่ยมตกเป็นของ J.K. Mertz รางวัลที่ 2 เป็นของ N. Kost รางวัลที่ 1 สำหรับเครื่องดนตรีที่ดีที่สุดเป็นของปรมาจารย์ชาวออสเตรีย I. Scherzer รางวัลที่ 2 เป็นของปรมาจารย์ชาวรัสเซีย I. Arhuzen N. Makarov เสียชีวิตในหมู่บ้าน Funtikovo-Rozhdestvenskoye ภูมิภาค Tula

มาร์ค ดานิโลวิช โซโคลอฟสกี (2361-2426)

เกิดในยูเครนใกล้กับ Zhytomyr ฉันหัดเล่นกีตาร์ด้วยตัวเองตามโรงเรียน Giuliani, Leniani และ Mertz
ในปี พ.ศ. 2384 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวครั้งแรกที่เมือง Zhitomir ซึ่งเขาได้แสดงคอนแชร์โตใน E Minor โดย F. Carulli ในปีพ. ศ. 2389 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวในห้องโถงของ Noble Assembly คอนเสิร์ตนี้ประสบความสำเร็จอย่างมากและมีผู้เข้าร่วมกว่าพันคน
ในปี 1858 Sokolovsky ไปต่างประเทศ คอนเสิร์ตของเขาในเวียนนาประสบความสำเร็จอย่างมาก ในปีพ.ศ. 2406-2411 พระองค์ทรงเสด็จประพาสเมืองสำคัญต่างๆ ในยุโรป ได้แก่ ปารีส ลอนดอน เบอร์ลิน บรัสเซลส์ เดรสเดน มิลาน คราคูฟ วอร์ซอว์ พวกเขาเรียกเขาว่า "ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่" ในเยอรมนี "Paganini of the Guitar" - ในอังกฤษ "Kosciuszko of Guitarists" - ในโปแลนด์
เมื่อวันที่ 25 มกราคม พ.ศ. 2412 Sokolovsky ได้แสดงคอนเสิร์ตในห้องโถงที่มีผู้คนพลุกพล่านของโรงละครบอลชอย คอนเสิร์ตอำลาของเขา (เนื่องจากความเจ็บป่วย) เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2420 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในห้องโถงของ Court Singing Chapel
Sokolovsky ใช้เวลาปีสุดท้ายของชีวิตในวิลนา (วิลนีอุส) โดยมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอน ผลกระทบครั้งใหญ่สำหรับเขาคือการที่ N. Rubinstein ปฏิเสธที่จะเปิดชั้นเรียนกีตาร์ที่ Moscow Conservatory
Mark Sokolovsky เสียชีวิตในปี 2426 ใน Vilna และถูกฝังที่สุสาน Rasu ใน Vilna; ไม่ไกลจากนั้น Mikaelius Konstintinis Čiurlionis ศิลปินและนักแต่งเพลงชื่อดังชาวลิทัวเนียก็ถูกฝังในเวลาต่อมา

เลเบเดฟ วาซิลี เปโตรวิช (2410-2450)

เกิดที่จังหวัดซามารา นักเรียนของนักกีตาร์ชาวรัสเซียชื่อดัง I. Dekker-Schenk
ประสบความสำเร็จในการแสดงคอนเสิร์ตในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและเมืองอื่น ๆ ของรัสเซีย ในปี 1900 เขาแสดงร่วมกับวงออร์เคสตราของเครื่องดนตรีพื้นบ้านรัสเซีย VV Andreev ในปารีสที่งาน World Exhibition สื่อมวลชนกล่าวถึงความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของศิลปิน Lebedev เป็นนักแสดงคนแรกของส่วนกีตาร์ใน Quartet ของ N. Paganini สำหรับกีตาร์ ไวโอลิน วิโอลา และเชลโล เขาสอนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่พิพิธภัณฑ์การสอนและในส่วนของเขตทหาร เสียชีวิตในปีเตอร์สเบิร์ก

ปฏิเสธ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ศิลปะกีตาร์ลดลง ดนตรีโอเปร่า ซิมโฟนี และดนตรีบรรเลง ซึ่งเริ่มเบ่งบานเต็มที่ ทำให้กีตาร์กลายเป็นฉากหลังและทำให้การพัฒนาล่าช้าไปหลายสิบปี แต่ในระดับที่ยิ่งใหญ่กว่านั้นมีส่วนทำให้แฟชั่นและรสนิยมของชนชั้นนายทุนน้อยนี้แพร่กระจายไปในทุกชั้นของสังคม ตามการแสดงออกโดยนัยของ Segovia นักกีตาร์ที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 "กีตาร์ถูกแขวนไว้บนผนังของช่างทำผม" จุดประสงค์หลักของมันคือการเล่นคลอเพลงและความรักแบบดั้งเดิม นักดนตรีเลิกคิดว่ากีตาร์เป็นเครื่องดนตรีที่จริงจัง . ประเพณีเก่า ๆ มากมายได้สูญเปล่า บันทึกและต้นฉบับที่หายากจำนวนนับไม่ถ้วนได้พินาศไป นักแสดงและนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์มีน้อยลงเรื่อย ๆ - ความเป็นมืออาชีพและความไม่รู้ได้กวาดล้างศิลปะกีตาร์
ความเสื่อมโทรมแพร่กระจายไปยังทุกประเทศในยุโรป แต่น้อยกว่าประเทศอื่น ๆ มันกระทบสเปนซึ่งเริ่มการฟื้นฟูกีตาร์ใหม่
นักดนตรีผู้คืนชื่อที่ดีให้กับกีตาร์และยกระดับศิลปะของกีตาร์ให้สูงขึ้นอย่างที่ไม่เคยมีใครเห็นมาก่อนคือ Francisco Eschea Tarrega นักกีตาร์ นักแต่งเพลง และผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนกีตาร์สมัยใหม่ชาวสเปน

การเกิดใหม่

ทาร์เรกา-เอเชีย ฟรานซิสโก (พ.ศ. 2395 - 2452)

นักกีตาร์และนักแต่งเพลงฝีมือเยี่ยมชาวสเปน ผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์แห่งสเปน เกิด 21 พฤศจิกายน 2395 เสียชีวิต 5 ธันวาคม 2452 เขาเล่นกีตาร์มาตั้งแต่เด็ก ความสามารถทางดนตรีของ Tarrega ดึงดูดความสนใจและด้วยการสนับสนุนของครอบครัวที่ร่ำรวย เขาสามารถไปมาดริดได้และในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2417 ได้เข้าเรียนที่เรือนกระจกซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาอย่างยอดเยี่ยมในสองสาขาพิเศษ - เปียโนและการประพันธ์เพลง แม้ว่าเขาจะมีความสามารถด้านเปียโนที่ดี แต่ Tarrega ก็ยังชอบกีตาร์ ซึ่งเขาพัฒนาขึ้นมากในการเล่นที่เขาตัดสินใจแสดงคอนเสิร์ตของตัวเองที่โรงละคร Alhambra ในกรุงมาดริด ความสำเร็จครั้งใหญ่ที่มาพร้อมกับการแสดงนี้ได้ตัดสินปัญหาอย่างสมบูรณ์ - Tarrega กลายเป็นนักกีตาร์ การเดินทางไปแสดงคอนเสิร์ตที่ฝรั่งเศส อิตาลี ออสเตรีย ฮอลแลนด์ และประเทศอื่น ๆ เป็นการยืนยันความสามารถที่โดดเด่นของนักกีตาร์ สื่อเปรียบเทียบ Tarrega กับนักแสดงร่วมสมัยที่ใหญ่ที่สุด - นักไวโอลิน Pablo de Sarasate และนักเปียโน Anton Rubinstein

Barrios (Mangori) Augustine (ออกัสติน Barrios Mangore 05/23/1885-08/07/1944)

นักกีตาร์ฝีมือดีชาวปารากวัย ผู้ซึ่งได้รับการชื่นชมอย่างเต็มที่หลังจากเสียชีวิตไปเกือบ 50 ปี เกิดมาในครอบครัวนักดนตรีซึ่งนอกจากออกัสตินแล้วยังมีเด็กอีกเจ็ดคน เขาเริ่มเล่นกีตาร์เร็วมาก ครูคนแรกคือ Gustavo Escalda ผู้แนะนำนักกีตาร์รุ่นเยาว์ให้รู้จักโลกของดนตรีโดย Sor, Tarrega, Aguado และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ ซึ่งผลงานเหล่านี้เป็นพื้นฐานของการเล่นกีตาร์แบบดั้งเดิม เมื่ออายุได้ 13 ปี เมื่อสังเกตเห็นพรสวรรค์อันน่าทึ่งของเด็กซึ่งแสดงออกมาแล้วในหลาย ๆ ด้าน (เขาวาดรูปเก่ง มีความสามารถทางคณิตศาสตร์ที่น่าทึ่งและมีพรสวรรค์ด้านวรรณกรรม) เขาถูกส่งไปเรียนที่ National College ในอะซุนซิออง
ในปี 1910 Barrios ซึ่งในเวลานั้นกลายเป็นที่รู้จักในฐานะนักกีตาร์อัจฉริยะได้ออกจากปารากวัยและไปยังอาร์เจนตินา ในอีก 34 ปีข้างหน้าเขาได้ไปเที่ยวทวีปอเมริกาใต้โดยแสดงคอนเสิร์ตในเมืองต่าง ๆ ของอาร์เจนตินา อุรุกวัย บราซิล เวเนซุเอลา คอสตาริกา และเอลซัลวาดอร์ เขายังเดินทางไปยังชิลี เม็กซิโก กัวเตมาลา ฮอนดูรัส ปานามา โคลอมเบีย คิวบา และฮาวาย ระหว่าง พ.ศ. 2477 ถึง พ.ศ. 2479 การเดินทางไปยุโรปเกิดขึ้น - เขาเล่นในสเปน เยอรมนี และเบลเยียม
ในปี 1932 Barrios เริ่มเรียกตัวเองว่า "Nitsuga Mangori - กีตาร์ Paganini" (Nitsuga คือการอ่านแบบย้อนกลับของ Augustine และ Mangori เป็นชื่อของผู้นำในตำนานของชาวอินเดียนแดง Guarani) ประมาณกลางทศวรรษที่ 30 Barrios เริ่มมีปัญหาสุขภาพ - หัวใจที่ป่วยทำให้เขาไม่สามารถเดินทางคอนเสิร์ตที่ยาวนานและมีพลังได้อีกต่อไป เขาใช้ชีวิตช่วงปีสุดท้ายในซาน ซัลวาดอร์ เมืองหลวงของรัฐเอลซัลวาดอร์ รัฐเล็กๆ ในอเมริกากลาง สอนและแต่งเพลง แสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวกีตาร์เป็นครั้งคราวเท่านั้น
Mangori ไม่เพียงแต่เป็นนักแสดงที่โดดเด่นเท่านั้น แต่ยังเป็นนักแต่งเพลงที่เป็นเจ้าของผลงานกีตาร์มากกว่า 300 ชิ้น ซึ่งหลายชิ้นได้รับการพิจารณาให้อยู่ในกลุ่มของ ผลงานที่ดีที่สุดเคยเขียนสำหรับกีตาร์โซโล

Vila-Lobos Heitor (เฮตอร์ วิลลา-โลบอส 1887 - 1959)

นักแต่งเพลงชาวบราซิลที่โดดเด่น ผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรีพื้นบ้าน วาทยกร และครู เกิด 5 มีนาคม 2430 เสียชีวิต 17 พฤศจิกายน 2502 รับบทเรียนจาก F. Braga ในปี พ.ศ. 2448-2455 เขาเดินทางไปทั่วประเทศ ศึกษาวิถีชีวิตพื้นบ้าน ดนตรีพื้นบ้าน (บันทึกทำนองเพลงพื้นบ้านมากกว่า 1,000 เพลง) จากปี 1915 เขาได้แสดงคอนเสิร์ตของผู้แต่ง
ในปี พ.ศ. 2466-30 ส่วนใหญ่อาศัยอยู่ในปารีสสื่อสารกับนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ในช่วงทศวรรษที่ 1930 เขาทำงานได้อย่างยอดเยี่ยมในการจัดระบบการศึกษาดนตรีแบบครบวงจรในบราซิล ก่อตั้งโรงเรียนดนตรีและคณะนักร้องประสานเสียงหลายแห่ง Vila-Lobos เป็นผู้เขียนสื่อการสอนพิเศษ ("คู่มือปฏิบัติ", "การร้องเพลงประสานเสียง", "Solfeggio" ฯลฯ ) งานเชิงทฤษฎี "Musical Education" นอกจากนี้เขายังทำหน้าที่เป็นวาทยกร ส่งเสริมดนตรีบราซิลในบ้านเกิดของเขาและในประเทศอื่นๆ เขาได้รับการศึกษาด้านดนตรีในปารีส ซึ่งเขาได้พบกับ A. Segovia และต่อมาเขาได้อุทิศการแต่งเพลงทั้งหมดให้กับกีตาร์ การประพันธ์กีตาร์ของ Vila-Lobos มีความเด่นชัด ตัวละครประจำชาติจังหวะและความสามัคคีที่ทันสมัยในนั้นมีความเกี่ยวพันอย่างใกล้ชิดกับเพลงและการเต้นรำดั้งเดิมของชาวอินเดียนแดงชาวบราซิลและคนผิวดำ หัวหน้าโรงเรียนนักแต่งเพลงแห่งชาติ ผู้ริเริ่มก่อตั้ง Brazilian Academy of Music (พ.ศ. 2488 เป็นประธาน) พัฒนาระบบการศึกษาดนตรีสำหรับเด็ก เขาเขียนโอเปร่า 9 เรื่อง, บัลเลต์ 15 เรื่อง, ซิมโฟนี 20 เรื่อง, บทกวีไพเราะ 18 เรื่อง, คอนแชร์โต 9 เรื่อง, วงเครื่องสาย 17 เรื่อง; 14 "โชรอส" (พ.ศ. 2463-2929), "บราซิลเลียนบาเฮียน" (พ.ศ. 2487) สำหรับวงดนตรีบรรเลง, นักร้องประสานเสียงจำนวนนับไม่ถ้วน, เพลง, เพลงสำหรับเด็ก, การจัดเรียงตัวอย่างนิทานพื้นบ้าน ฯลฯ - รวมแล้วมีความหลากหลายมากที่สุดกว่าพันรายการ องค์ประกอบ

เซโกเบีย อันเดรส (2436-2530)

นักกีตาร์และครูชาวสเปนที่โดดเด่น เขาเกิดในแคว้นอันดาลูเซีย ในเมืองลินาเรส เมื่อวันที่ 21 กุมภาพันธ์ พ.ศ. 2436 และไม่กี่สัปดาห์ต่อมา ครอบครัวก็ย้ายไปอยู่ที่เมืองจาเอน ศิลปะการแสดงด้นสดอันยอดเยี่ยมของนักเล่นกีตาร์พื้นบ้านชาวอันดาลูเซียและวัฒนธรรมดั้งเดิมของดินแดนโบราณนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อทัศนคติของเขา
ในปี 1910 คอนเสิร์ตสาธารณะครั้งแรกของ Andres Segovia ซึ่งจัดโดยเพื่อนของเขาจัดขึ้นที่ "Artistic Center" ของกรานาดา
ในปี 1915 เซโกเวียได้พบกับมือกีตาร์ Miguel Llobet ซึ่งต้องขอบคุณที่เขาสามารถแสดงคอนเสิร์ตในบาร์เซโลนาในเดือนมกราคม 1916 อย่างไรก็ตาม พวกเขาไม่ได้พยายามที่จะปล่อยกีตาร์เข้าไปในห้องโถงขนาดใหญ่ เธอไม่ใช่เครื่องดนตรียอดนิยม และทุกคนรู้สึกว่าพลังเสียงของเธอไม่เพียงพอ และเธอจะไม่ได้ยินในห้องขนาดใหญ่
จุดเปลี่ยนในชะตากรรมของกีตาร์คือคอนเสิร์ตที่ Palau Chamber Music ในบาร์เซโลนาซึ่งในที่สุด Segovia ก็ได้รับอนุญาตให้แสดง ความงดงามของเสียงกีตาร์อะคูสติกทำให้ผู้ฟังต้องมนต์สะกด
บรรยากาศของเรนาซีเมียนโต การเคลื่อนไหวเพื่อการฟื้นฟูประเพณีพื้นบ้านในดนตรีและวัฒนธรรมของสเปน มีส่วนทำให้เซโกเวียประสบความสำเร็จต่อไป ในอีกหกปีข้างหน้า นักกีตาร์ได้รับการยอมรับจากเครื่องดนตรีของเขาไม่เพียง แต่ในคอนเสิร์ตฮอลล์ของมาดริดและบาร์เซโลนาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเมืองอื่น ๆ ในสเปนด้วย ต้องเพิ่มความสำเร็จของการทัวร์สองครั้งไปยังอเมริกาใต้ในปี พ.ศ. 2462 และ พ.ศ. 2464
ทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 กลายเป็นช่วงเวลาแห่งการเกิดยุคใหม่ของศิลปะกีตาร์และจุดเริ่มต้นของการที่โลกรู้จักเซโกเวีย การแสดงแต่ละครั้งของเซโกเวียถูกมองว่าเป็นปาฏิหาริย์ เป็นการค้นพบสิ่งใหม่ เขาพยายามที่จะเอาชนะแบบแผนและสร้างกีตาร์เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว
สามครั้งในปี 2469 2470 2478-2479 เขามาที่สหภาพโซเวียตและด้วยความสำเร็จอย่างต่อเนื่องทำให้คอนเสิร์ตในมอสโกวเลนินกราดเคียฟและโอเดสซา เซโกเวียไม่ได้แสดงเฉพาะกับคอนเสิร์ตเท่านั้น แต่ยังได้พบกับนักกีตาร์ท้องถิ่น ฟังเกมของพวกเขา ดำเนินการสนทนาอย่างเป็นระบบ และ เปิดบทเรียน. สิ่งนี้ส่งผลต่อการพัฒนาศิลปะกีตาร์ในสหภาพโซเวียตด้วย: หลังจากการทัวร์นักดนตรีมืออาชีพหลายคนเริ่มมองว่ากีตาร์เป็นเครื่องดนตรีที่ควรค่าแก่การศึกษาอย่างจริงจัง ผลที่ได้คือการเปิดชั้นเรียนกีตาร์ในโรงเรียนดนตรี (โรงเรียนเทคนิคในขณะนั้น) รวมถึงในมหาวิทยาลัยดนตรีแต่ละแห่ง P. S. Agafoshin เป็นผู้สนับสนุนอย่างกระตือรือร้นของ Segovia ซึ่งเป็นคนแรกในสหภาพโซเวียตที่สร้าง "โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์ 6 สาย" ตามหลักเกณฑ์วิธีการของนักกีตาร์ที่โดดเด่น ดังนั้น เซโกเวียจึงไม่เพียงเป็นศิลปินเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้ส่งเสริมเครื่องดนตรีของเขาอีกด้วย

กีตาร์ในรัสเซีย 2

อากาโฟชิน เพตเตอร์ (2417-2493)

นักกีตาร์ชาวรัสเซียที่ยอดเยี่ยมซึ่งเป็นหนึ่งในครูคนแรกของกีตาร์หกสาย ป.ล. Agafoshin เกิดที่หมู่บ้าน Pirogovo จังหวัด Ryazan ในครอบครัวชาวนา ความหลงใหลในกีตาร์ที่สืบทอดมาจากพ่อของเขา (แต่เดิมเขาเล่นกีตาร์เจ็ดสาย) หลังจากย้ายไปมอสโคว์แล้ว Petr Agafoshin ได้ปรับปรุงการเล่นเครื่องดนตรีโปรดของเขาด้วยตัวเองโดยใช้คำแนะนำของครูเป็นครั้งคราวเท่านั้น ซึ่งรวมถึง V. Rusanov บรรณาธิการของนิตยสาร Moscow "Guitarist มีบทบาทสำคัญใน พัฒนาการทางศิลปะ Agafoshin เล่นโดยมิตรภาพของเขากับศิลปิน V. I. Surikov และ D. E. Marten ซึ่งเป็นแฟนตัวยงของกีตาร์ ร่วมเป็นนักแสดงในคอนเสิร์ตมากมาย มาพร้อมกับนักร้องที่โดดเด่น F. Chaliapin, D. Smirnov, T. Ruffo การได้รับการยอมรับในศิลปะการแสดงของ Agafoshin คือคำเชิญให้เข้าร่วมในโอเปร่า Don Quixote ของ Massenet ที่โรงละคร Bolshoi ในปี 1916 ซึ่งเขาร่วมกับ F.I. ชลีพิน.
การประชุมในปี 1926 กับ Segovia เป็นแรงบันดาลใจให้ Agafoshin เขาไม่พลาดคอนเสิร์ตเดียวของศิลปินชาวสเปนซึ่งได้พบกับเขาเป็นการส่วนตัว “หลังจากการจากไปของ Segovia” Agafoshin เขียน “ฉันจัดระบบใหม่ทันที, ทำการปรับเปลี่ยนที่จำเป็นสำหรับการผลิตของฉัน, วิธีการของเกม เมื่อมาถึงครั้งต่อไปในฤดูใบไม้ผลิปี 1927 สภาพของฉันก็สมดุลมากขึ้นตั้งแต่นี้เป็นต้นไป ตัวฉันเองค่อนข้างมีเวลาว่างอยู่แล้ว ดังนั้น การสังเกตเพิ่มเติมเกี่ยวกับการเล่นของเขาจึงมีประสิทธิผลมากขึ้น ฉันสามารถเน้นไปที่ช่วงเวลาส่วนตัวและรายละเอียดการแสดงของเขา โดยเฉพาะชิ้นส่วนที่อยู่ในขั้นตอนการศึกษาของฉัน
ป.ล. Agafoshin ทำงานเป็นนักแสดงวงออเคสตราที่ State Maly Theatre มานานกว่า 40 ปี ในปี พ.ศ. 2473-2493 เขาสอนวิชากีตาร์ที่วิทยาลัยดนตรี การปฏิวัติเดือนตุลาคมและเรือนกระจกแห่งรัฐมอสโก นักกีตาร์โซเวียตที่มีชื่อเสียงหลายคนเป็นนักเรียนของเขา (A. Ivanov-Kramskoy, E. Rusanov, I. Kuznetsov, E. Makeeva, Yu. Mikheev, A. Kabanikhin, A. Lobikov และอื่น ๆ )

อเล็กซานเดอร์ อิวานอฟ-ครามสคอย (พ.ศ. 2455 - 2516)

นักกีตาร์โซเวียตรัสเซียที่โดดเด่น นักแต่งเพลง วาทยกร ครู ผู้ประพันธ์ "School of Playing the Six-String Guitar" หนึ่งในนักกีตาร์โซเวียตไม่กี่คนที่ได้รับรางวัล Honored Artist of the RSFSR (1959) เกิดเมื่อวันที่ 26 กรกฎาคม พ.ศ. 2455 ที่กรุงมอสโก เรียนที่วิทยาลัยดนตรีตั้งชื่อตาม การปฏิวัติเดือนตุลาคมกับ Petr Spiridonovich Agafoshin (กีตาร์หกสาย) จากนั้นที่ Moscow Conservatory (หลักสูตรฝึกอบรม) เขามีบทบาทอย่างมากในการพัฒนากีตาร์หกสายในรัสเซีย
เขาแสดงเป็นศิลปินเดี่ยวและร่วมกับนักร้อง (N. A. Obukhova, I. S. Kozlovsky) ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2475 เขาทำงานที่ All-Union Radio ในปี 1939 เขาได้รับรางวัลที่ 2 จากการแข่งขัน All-Union สำหรับนักแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ในปี พ.ศ. 2482-45 ผู้ควบคุมวงเพลงและการเต้นรำของ NKVD แห่งสหภาพโซเวียต ในปี พ.ศ. 2490-52 เขาเป็นผู้ควบคุมวงประสานเสียงพื้นบ้านของรัสเซียและวงออเคสตราของเครื่องดนตรีพื้นบ้านของ All-Union Radio
ผู้ประพันธ์บทละครและโรงเรียนสอนกีตาร์หกสาย การประพันธ์กีตาร์ของเขา (รวมถึงคอนแชร์โตสองเพลงสำหรับกีตาร์และวงออร์เคสตรา) เป็นที่นิยมในหมู่นักกีตาร์
กิจกรรมการสอนของ A. M. Ivanov-Kramskoy จากนั้นเขาสอนที่สถาบันวัฒนธรรม
Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy เป็นนักดนตรีและบุคคลสาธารณะที่มีชื่อเสียงซึ่งอุทิศพลังงานทั้งหมดของเขาเพื่อส่งเสริมศิลปะกีตาร์ หลังจาก เป็นเวลานานหลายปีต้องขอบคุณนักแสดงและครูที่โดดเด่นทำให้กีตาร์ฟื้นสถานะของเครื่องดนตรีคอนเสิร์ตมืออาชีพและเริ่มสอนในสถาบันดนตรีระดับมัธยมศึกษาและสูงกว่าของประเทศ เสียชีวิต Ivanov-Kramskoy ในมินสค์ระหว่างทัวร์ เขาถูกฝังในมอสโกที่สุสาน Vvedensky

โคโมเลียตอฟ นิโคไล (พ.ศ. 2488)

ครูเล่นกีตาร์รัสเซียร่วมสมัยที่ดีที่สุดคนหนึ่ง เกิดในปี 2488 ในเมือง Saransk ในปี 2505-2513 เรียนที่โรงเรียนแล้วที่สถาบัน Gnesins ในชั้นเรียนของนักกีตาร์ชาวรัสเซียชื่อดัง A. M. Ivanov-Kramskoy จบการศึกษาจาก Ural State Conservatory M. P. Mussorgsky ตั้งแต่เปิดคลาสกีตาร์ที่ราม. Gnesinykh ทำงานเป็นครูโดยเตรียมผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขันต่าง ๆ มากมายในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ปัจจุบันเขาเป็นอาจารย์สอนกีตาร์ของ Russian Academy of Music Gnesin
ในปี 1996 เขาได้รับรางวัลการแข่งขันระดับนานาชาติในเทศกาลศิลปะละตินอเมริกา เขาเป็นนักแสดงคนแรกจากผลงานมากมายของนักแต่งเพลงร่วมสมัย Firma "Melody" เปิดตัวสองแผ่นเดี่ยวของนักแสดง แผ่นดิสก์แผ่นแรกประกอบด้วย etudes และ preludes โดย E. Vila-Lobos และแผ่นที่สองรวมผลงานของ P. Panin (Two etudes, Two preludes, Dance of the Shaman และ Humoresque) และชุดของ I. Rekhin "In Memory of E. Vila -โลบอส".
ในการทบทวนคอนเสิร์ตของ N. Komoliatov สื่อมวลชนได้บันทึกความไพเราะของเครื่องดนตรีและเทคนิคอันชาญฉลาดของเขา ความสง่างามและความละเอียดอ่อนของรสนิยมทางศิลปะของนักดนตรี
สำหรับความสำเร็จที่โดดเด่นในด้านศิลปะกีตาร์ N. Komoliatov ได้รับรางวัลศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซีย เป็นเวลากว่า 25 ปีแล้วที่เขาเป็นศิลปินเดี่ยวของ Moscow State Philharmonic

YerzunovV Viktor (พ.ศ. 2488)

นักกีตาร์, นักแต่งเพลง, ครูสอนดนตรี. เกิดในปี 2488 ที่เมืองซารานส์ก พ่อเสียชีวิตที่หน้า ความสามารถทางดนตรีปรากฏขึ้นตั้งแต่เนิ่น ๆ แต่ไม่มีโอกาสเรียน
เขาเริ่มเรียนรู้ที่จะเล่นเมื่ออายุเพียง 17 ปีในสนาม เราพอใจกับสามคอร์ดหลัก... จุดเปลี่ยนคือการรู้จักกับ Nikolai Komoliatov คนเดียวใน Saransk ที่ไปเรียนกับ Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy ฉันยังจำโหมโรงครั้งแรกของ Vila-Lobos ซึ่งเขาเล่นระหว่างการพบกันครั้งแรกของเราได้
จากนั้นการฝึกอบรมก็ดำเนินต่อไปด้วยความช่วยเหลือจากคู่มือการเล่นกีตาร์ด้วยตนเองและ "โดยการติดต่อ" Nikolai Komoliatov ซึ่งทำหน้าที่เป็นกะลาสีเรือและเล่นในวงดนตรีของ Pacific Fleet ได้บันทึกผลงานเหล่านั้นไว้ในเครื่องบันทึกเทปซึ่งเป็นบันทึกที่ Victor มีและส่งทางไปรษณีย์จาก Vladivostok ดังนั้น "ด้วยหู" เขาจึงเข้าใจโน้ตโดยเล่นตามแบบจำลองของครูที่อยู่ห่างไกลของเขา ในปี พ.ศ. 2506 หลังจากจบการศึกษา เขาไปทำงานเป็นช่างประกอบชิ้นส่วนที่โรงงาน Elektrovypryamitel เขาสามารถเล่นกีตาร์ได้แม้ในช่วงพักกลางวันและหลังเลิกงาน - จนกระทั่งมืดในตอนกลางคืน ฉันเตรียมโปรแกรมสำหรับเข้าโรงเรียนดนตรีด้วยตัวเอง ฉันไม่ได้เข้าโรงเรียนที่ Moscow Conservatory เนื่องจากตามคำสั่งของกระทรวงวัฒนธรรมในปีนั้นมีนักเรียนกลุ่มหนึ่งจากคาซัคสถานและอุซเบกิสถาน แต่ในปีเดียวกันกีตาร์หกสายขนาดเล็กได้เปิดขึ้นที่โรงเรียน Gnessin ในแผนกเครื่องดนตรีพื้นบ้าน รับสมัครสองในสามสิบคน หนึ่งในนั้นคือ Viktor Erzunov หลังจากเรียน 3.5 เดือน Viktor ก็ถูกเกณฑ์เข้าประจำการในกองทัพโซเวียต ซึ่งเขาทำหน้าที่ในหน่วยรบเป็นเวลาสามปี เมื่อกลับถึงโรงเรียนก็เรียนวันละสิบชั่วโมงเพื่อให้ทัน ในเวลาเดียวกันเขาเริ่มได้รับประสบการณ์การสอนครั้งแรกของเขา ตัวเขาเองเลือกเพลงสำหรับนักเรียนเพื่อปลูกฝังรสนิยมทางดนตรีที่ดีให้กับพวกเขา
Boris Khlopovsky ครูของ V. Yerzunov ออกไปเล่นที่ Mosconcert และแนะนำนักเรียนที่ดีที่สุดของเขาสำหรับงานสอน ตำแหน่งครูสอนกีตาร์ที่ว่างนั้นจัดขึ้นเป็นเวลาหกเดือนสำหรับ Viktor Alekseevich ในขณะที่เขากำลังศึกษาอยู่ ในปี 1971 เขาเริ่มทำงานที่วิทยาลัยดนตรี Gnesin ในเวลาเดียวกันตามคำเชิญของ Marina Davydovna Khidekel เขาได้เปิดชั้นเรียนกีตาร์ที่โรงเรียนศิลปะ Chernogolovskaya
ชิ้นแรกเป็นของปรมาจารย์ที่บรรลุนิติภาวะแล้ว ซึ่งได้รับการคัดเลือกหลังจากผ่านการทดสอบเป็นเวลาหลายปี ได้รับการตีพิมพ์ในปี 1989 ใน "Collection of Pedagogical Repertoire for Guitar" พร้อมกับผลงานคลาสสิก คอลเลกชัน "Guitarist's Album" ของ Viktor Yerzunov ผู้แต่งทั้งหมดสำหรับโรงเรียนสอนดนตรีสำหรับเด็กก็ได้รับการเผยแพร่เช่นกัน

วินิทสกี้ อเล็กซานเดอร์
(ข. 2493)

นักกีตาร์ นักแต่งเพลง ครูสอนดนตรีชาวรัสเซีย ผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขันระดับนานาชาติ จบการศึกษาจาก Russian Academy of Music Gnesin เขาสอนที่ State Musical College กีตาร์คลาสสิก Gnessins, แสดงคอนเสิร์ตเดี่ยว, เขียนเพลงสำหรับกีตาร์, จัดการสัมมนาและมาสเตอร์คลาสในหัวข้อ "กีตาร์คลาสสิกในดนตรีแจ๊ส" มีส่วนร่วมใน เทศกาลนานาชาติกีตาร์และดนตรีแจ๊สประสบความสำเร็จในการแสดงในต่างประเทศและในเมืองใหญ่ของรัสเซีย ในโปรแกรมคอนเสิร์ตของ Alexander Vinitsky การแต่งเพลงของผู้แต่งผสมผสานกัน สไตล์ที่แตกต่างกันรวมถึงการเรียบเรียงดนตรีโดยเกิร์ชวิน โจบิม บอนฟฟ์ กิลเบอร์โต พาวเวลล์ พอร์เตอร์ ร็อดเจอร์ส และผู้ประพันธ์เพลงคนอื่นๆ บันทึกได้ 7 แผ่น เขาเผยแพร่ผลงานของเขาในสำนักพิมพ์เพลงรายใหญ่ของโลก เขาเป็นประธานและคณะกรรมการตัดสินการแข่งขันกีตาร์คลาสสิกระดับนานาชาติในฝรั่งเศส โปแลนด์ และรัสเซียหลายครั้ง

Frauchi Alexander (พ.ศ. 2497)

หนึ่งในนักเล่นกีตาร์คลาสสิคชาวรัสเซียที่ดีที่สุด เกิดใน Rostov ในปี 1954 เขาเริ่มก้าวแรกในดนตรีภายใต้การแนะนำของพ่อของเขา Camille Arturovich Frauchi นักไวโอลินชื่อดังและเป็นนักกีตาร์และครูที่ยอดเยี่ยมอย่างที่พวกเขาพูด เขาเรียนที่โรงเรียนดนตรีกลางที่เรือนกระจก Tchaikovsky ในมอสโกในชั้นเรียนของ N. A. Ivanova-Kramskaya และที่ Conservatory Mussorgsky ใน Sverdlovsky กับ G. Mineev ในปี 1979 เขาได้รับรางวัลที่หนึ่งจากการแข่งขันดนตรีแห่งชาติของนักแสดงใน Leningrad และในปี 1986 - รางวัลที่หนึ่งจากการแข่งขันกีตาร์นานาชาติในฮาวานา (คิวบา) เขาได้จัดคอนเสิร์ตเดี่ยวและจัดมาสเตอร์คลาสในเยอรมนี ฝรั่งเศส เบลเยียม บริเตนใหญ่ สหรัฐอเมริกา ออสเตรีย อิตาลี ยูโกสลาเวีย โปแลนด์ คิวบา ฮังการี สาธารณรัฐเช็ก บัลแกเรีย ตุรกี และกรีซ Alexander Frauchi ได้รับเชิญซ้ำแล้วซ้ำอีกในฐานะสมาชิกคณะลูกขุนที่ การแข่งขันระดับนานาชาตินักกีตาร์ บริษัท Melodiya ออกบันทึกรวมถึงซีดีรอม (1994) พร้อมบันทึกผลงานของ Nikita Koshkin
ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งรัสเซีย ครูสอนดนตรี ศาสตราจารย์ที่ Russian Academy of Music (เดิมคือ Gnessin Musical and Pedagogical Institute) ในมอสโกว