Edward Hopper arbeitet. Eine Geschichte Amerika: Edward Hopper

Es gibt so ein einprägsames Gemälde, das den Betrachter sofort gefangen nimmt. Es gibt keine Verwirrung, Wachsamkeit, alles scheint sofort klar zu sein, wie in der Liebe auf den ersten Blick. Es ist nicht verwunderlich, dass sorgfältige Prüfung, Reflexion und Empathie einer solchen Liebe schaden können. Ist es möglich, hinter dem äußeren Glanz etwas Tiefes, Solides zu finden? Ist keine Tatsache.

Nehmen Sie zum Beispiel die modischsten für das zweite Jahrhundert des Impressionismus. Wahrscheinlich gibt es für das heutige Massenpublikum keinen populäreren Trend in der Geschichte der Malerei. Als künstlerische Richtung erwies sich der Impressionismus jedoch als überraschend vergänglich, da er in seiner reinen Form nur kurze zwanzig Jahre existierte. Die Gründerväter gaben ihre Idee schließlich auf und fühlten die Erschöpfung von Ideen und Methoden. Renoir kehrte zu den klassischen Formen von Ingres zurück, und Monet trat zum Abstraktionismus vor.

Das Gegenteil passiert auch. Die Malerei ist schlicht und unprätentiös, die Motive banal, die Techniken traditionell. Hier ist ein Haus an der Straße, hier ist ein Mädchen am Fenster, aber im Allgemeinen eine banale Tankstelle. Keine Atmosphäre, keine Lichteffekte, keine romantischen Leidenschaften. Wenn Sie mit den Schultern zucken und weitermachen, bleibt alles so. Und wenn du anhältst und schaust, wirst du einen Abgrund finden.

Das ist die Malerei von Edward Hopper, einem der berühmtesten amerikanischen Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts.

Europa nicht wahrnehmen

Hoppers Biografie enthält fast keine hellen Ereignisse und unerwarteten Wendungen. Er hat studiert, ging nach Paris, arbeitete, heiratete, arbeitete weiter, erhielt Anerkennung ... Keine Wurf, Skandale, Scheidungen, Alkoholismus, unverschämte Eskapaden - nichts "gebratenes" für die Boulevardpresse. Darin ähnelt Hoppers Lebensgeschichte seinen Gemälden: Äußerlich ist alles einfach, sogar ruhig, aber in der Tiefe gibt es eine dramatische Spannung.

Bereits im Kindesalter entdeckte er die Fähigkeit zu zeichnen, wobei ihn seine Eltern nach Kräften unterstützten. Nach der Schule studierte er ein Jahr lang per Fernstudium Illustration und trat dann in die renommierte New York Art School ein. Amerikanische Quellen zitieren eine ganze Liste seiner berühmten Kommilitonen, aber ihre Namen sagen dem russischen Publikum fast nichts. Mit Ausnahme von Rockwell Kent blieben sie alle Künstler von nationaler Bedeutung.

1906 beendete Hopper sein Studium und begann als Illustrator in einer Werbeagentur zu arbeiten, ging aber im Herbst nach Europa.

Ich muss sagen, dass eine Reise nach Europa fast ein obligatorischer Teil war Berufsausbildung für amerikanische Künstler. Zu dieser Zeit leuchtete der Stern von Paris hell, und junge und ehrgeizige Menschen aus der ganzen Welt wurden dorthin gezogen, um sich den neuesten Errungenschaften und Trends in der Weltmalerei anzuschließen.

Es ist überraschend, wie unterschiedlich die Folgen dieses Brauens in einem internationalen Hexenkessel sind. Einige, wie der Spanier Picasso, wurden schnell von Studenten zu Führungspersönlichkeiten und selbst zu Trendsettern in der künstlerischen Mode. Andere blieben immer Nachahmer, so talentiert sie auch waren, wie Mary Cassatt und James Abbot McNeil Whistler. Wieder andere, wie zum Beispiel russische Künstler, kehrten in ihre Heimat zurück, infiziert und aufgeladen mit dem Geist neue Kunst, und schon zu Hause ebneten sie den Weg aus den Hinterhöfen der Weltkunst in ihre Avantgarde.

Hopper war der originellste von allen. Er reiste durch Europa, war in Paris, London, Amsterdam, kehrte nach New York zurück, reiste erneut nach Paris und Spanien, verbrachte Zeit in europäischen Museen und traf europäische Künstler ... Aber abgesehen von kurzfristigen Einflüssen tut seine Malerei dies nicht offenbaren alle Vertrautheit mit modernen Trends. Überhaupt nichts, sogar die Palette hat sich nur kaum aufgehellt!

Er schätzte Rembrandt und Hals, später - El Greco, von den damals schon zu Klassikern gewordenen Meistern Edouard Manet und Edgar Degas. Was Picasso betrifft, so behauptete Hopper ernsthaft, dass er seinen Namen in Paris nicht gehört habe.

Es ist schwer zu glauben, aber die Tatsache bleibt. Die Postimpressionisten waren gerade verstorben, die Fauvisten und Kubisten brachen bereits ihre Speere, der Futurismus zeichnete sich am Horizont ab, die Malerei löste sich vom Bild des Sichtbaren und konzentrierte sich auf die Probleme und Grenzen der Bildebene, Picasso und Matisse glänzten . Aber Hopper, der mitten im Geschehen war, schien es nicht zu sehen.

Und nach 1910 überquerte er nie den Atlantik, selbst als seine Bilder im amerikanischen Pavillon der renommierten Biennale von Venedig ausgestellt wurden.

Künstler bei der Arbeit

1913 ließ sich Hopper in New York am Washington Square nieder, wo er mehr als fünfzig Jahre lebte und arbeitete – bis ans Ende seiner Tage. Im selben Jahr verkaufte er sein erstes Gemälde, ausgestellt auf der berühmten Armory Show in New York. Die Karriere scheint vielversprechend zu beginnen und der Erfolg lässt nicht auf sich warten.

Es war nicht so rosig. „Armory Show“ wurde als erste Ausstellung in den Vereinigten Staaten konzipiert zeitgenössische Kunst und war damit ein durchschlagender Erfolg. Sie lenkte die Augen von Amateuren, Kritikern und Künstlern vom Realismus weg und lenkte sie auf die Avantgarde, wenn auch begleitet von Spott und Skandalen. Vor dem Hintergrund von Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque wirkte Hoppers Realismus provinziell und überholt. Amerika entschied, dass es notwendig sei, Europa einzuholen, wohlhabende Sammler interessierten sich für Kunst aus Übersee, und Einzelverkäufe einheimischer Werke änderten nichts.

Hopper arbeitete viele Jahre als kommerzieller Illustrator. Er gab sogar die Malerei auf und widmete sich der Radierung, einer Technik, die damals eher für die Druckreproduktion geeignet war. Er war nicht im Dienst, arbeitete Teilzeit mit Zeitschriftenbestellungen und erlebte alle Strapazen dieser Position, verfiel zeitweise sogar in Depressionen.

Im damaligen New York gab es jedoch eine Kunstmäzenin, die beschloss, gezielt die Werke amerikanischer Künstler zu sammeln – Gertrude Whitney, Tochter des Millionärs Vanderbilt; übrigens der, mit dem der Kannibale Ellochka erfolglos konkurrierte und ein Teesieb von Ostap Bender gegen einen der zwölf Stühle eintauschte.

Nachtschatten.

Anschließend versuchte Whitney, ihre Sammlung zeitgenössischer amerikanischer Künstler dem Metropolitan Museum of Art zu schenken, aber sein Management hielt das Geschenk nicht für würdig. Als Vergeltung gründete die abgewiesene Sammlerin in der Nähe ein eigenes Museum, das bis heute in Betracht gezogen wird bestes Museum Amerikanische Kunst.

Abendwind. 1921 Museum für Amerikanische Kunst, New York

Aber das liegt in der Zukunft. Während Hopper das Whitney Studio besuchte, wo er 1920 seine erste Einzelausstellung hatte - 16 Gemälde. Auch einige seiner Radierungen erregten die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit, insbesondere „Nachtschatten“ und „Abendwind“. Freischaffender Künstler konnte er aber noch nicht werden und verdiente weiterhin sein Geld mit Illustrationen.

Familie und Anerkennung

1923 lernte Hopper seine kennen zukünftige Ehefrau Josefine. Ihre Familie war stark, aber Familienleben schwierig. Jo verbot ihrem Mann, Akte zu malen und posierte notfalls für sich selbst. Edward war eifersüchtig auf sie, sogar wegen der Katze. Alles wurde durch seine Schweigsamkeit und seinen düsteren Charakter verschlimmert. „Manchmal war es, als würde man mit Eddie reden, als würde man einen Stein in einen Brunnen werfen. Mit einer Ausnahme: Das Geräusch des Sturzes ins Wasser war nicht zu hören “, gab sie zu.

Edward und Joe Hopper. 1933

Dennoch war es Jo, der Hopper an die Möglichkeiten des Aquarellierens erinnerte und er kehrte zu dieser Technik zurück. Bald stellte er sechs Werke im Brooklyn Museum aus, und eines davon wurde vom Museum für 100 Dollar gekauft. Kritiker reagierten positiv auf die Ausstellung und bemerkten die Lebendigkeit und Ausdruckskraft von Hoppers Aquarellen selbst bei den bescheidensten Sujets. Diese Kombination aus äußerer Zurückhaltung und Ausdruckstiefe sollte für den Rest der Jahre zu Hoppers Markenzeichen werden.

1927 verkaufte Hopper das Gemälde „Two in Auditorium“ für 1.500 US-Dollar, und mit diesem Geld bekam das Paar sein erstes Auto. Der Künstler bekam die Gelegenheit, Skizzen zu machen, und das ländliche Provinzamerika wurde für lange Zeit zu einem der Hauptmotive seiner Malerei.

Zwei in der Aula. 1927. Kunstmuseum, Toledo

1930 fand ein weiteres wichtiges Ereignis im Leben des Künstlers statt. Der Philanthrop Stephen Clark schenkte sein Gemälde „Railway House“ dem New Yorker Museum of Modern Art, und seitdem hängt es dort an prominenter Stelle.

So trat Hopper kurz vor seinem fünfzigsten Geburtstag in die Zeit der Anerkennung ein. 1931 verkaufte er 30 Werke, darunter 13 Aquarelle. 1932 nahm er an der ersten regulären Ausstellung des Whitney Museums teil und ließ die nächste bis zu seinem Tod nicht aus. 1933 präsentierte das Museum of Modern Art zu Ehren des Künstlerjubiläums eine Retrospektive seines Schaffens.

Die nächsten dreißig Jahre seines Lebens arbeitete Hopper trotz gesundheitlicher Probleme, die im Alter auftraten, fruchtbar. Jo überlebte ihn um zehn Monate und vermachte die gesamte Familiensammlung dem Whitney Museum.

Mitternachtsmenschen. 1942. Institut der Künste, Chicago

In den Jahren der Reife schuf der Künstler viele anerkannte Meisterwerke, wie "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun". In dieser Zeit erhielt er viele Auszeichnungen, reiste nach Kanada und Mexiko, wurde auf mehreren Retrospektiven und Einzelausstellungen präsentiert.

Überwachungsschutz

Man kann nicht sagen, dass sich seine Malerei in all den Jahren nicht entwickelt hat. Trotzdem hat Hopper früh seine Lieblingsthemen und -bilder gefunden, und wenn sich etwas geändert hat, dann ist es die Glaubwürdigkeit ihrer Verkörperung.

Wenn man eine Kurzformel für Hoppers Arbeit finden würde, wäre es "Entfremdung und Isolation". Wohin gehen seine Charaktere? Warum sind sie mitten am Tag eingefroren? Was hindert sie daran, einen Dialog zu beginnen, aufeinander zuzugehen, zu rufen und zu antworten? Es gibt keine Antwort, und ehrlich gesagt gibt es fast keine Fragen, zumindest für sie. So sind sie, das ist das Leben, das ist die Welt, die die Menschen durch unsichtbare Barrieren trennt.

Diese Unsichtbarkeit von Barrieren beunruhigte Hopper ernsthaft, weshalb es so viele Fenster in seinen Gemälden gibt. Glas ist eine visuelle Verbindung, aber eine physische Barriere. Seine Helden und Heldinnen wirken von der Straße aus weltoffen, sind aber verschlossen, in sich versunken – siehe Night Owls oder The Office in New York. Diese Dualität führt zu einer ergreifenden Kombination aus zerbrechlicher Verletzlichkeit und hartnäckiger Unzugänglichkeit, ja sogar Uneinnehmbarkeit.

Wenn wir dagegen zusammen mit den Charakteren durch das Glas hinausschauen, dann täuscht das Fenster wieder und neckt nur mit der Möglichkeit, etwas zu sehen. Im besten Fall Außenwelt nur durch eine Reihe von Bäumen oder Gebäuden angedeutet, und oft ist im Fenster nichts zu sehen, wie zum Beispiel bei „Abendwind“ oder im Gemälde „Automat“.

automat. 1927. Kunstzentrum, Des Moines. USA

Generell zeichnen sich Hoppers Fenster und Türen durch die gleiche Kombination aus Offenheit und Geschlossenheit aus wie bei Zeichentrickfiguren. Leicht geöffnete Flügel, schwankende Vorhänge, geschlossene Jalousien, halb geschlossene Türen wandern von Bild zu Bild.

Durchsichtig ist undurchdringlich, und was verbinden soll, trennt. Daher das ständige Gefühl von Mysterium, Understatement, gescheitertem Kontakt.

Einsamkeit unter Menschen, in einer Großstadt, vor aller Augen ist zu einem Querschnittsthema der Kunst des 20. Jahrhunderts geworden, nur dass es hier bei Hopper nicht die Einsamkeit ist, vor der sie flüchten, sondern wo sie gerettet werden. Die Nähe seiner Charaktere wird als natürliche Form der Selbstverteidigung empfunden und nicht als Laune oder Charaktereigenschaft. Das Licht, das auf sie fällt, ist schmerzlich gnadenlos und sie werden zu offen öffentlich zur Schau gestellt, und eine Art gleichgültige Bedrohung lauert in der Welt um sie herum. Daher ist es notwendig, anstelle von externen Barrieren interne Barrieren aufzubauen.

Wenn die Wände im Büro zerstört werden, steigt natürlich die Arbeitseffizienz, denn voreinander und vor allem vor dem Chef sind die Menschen weniger abgelenkt und unterhalten sich weniger. Aber wenn alle überwacht werden, hört die Kommunikation auf und Schweigen wird zur einzigen Form der Verteidigung. Die Helden werden gezügelt, Instinkte unterdrückt, Leidenschaften tief getrieben – zivilisierte, kultivierte Menschen im Schutzpanzer äußerer Anständigkeit.

Aufmerksamkeit darüber hinaus

Sehr oft erwecken Hoppers Bilder den Eindruck eines angehaltenen Moments. Und das, obwohl im Bild selbst die Bewegung gar nicht angedeutet ist. Aber es wird als Filmbild wahrgenommen, das gerade das vorherige ersetzt hat und bereit ist, dem nächsten Platz zu machen. Es ist kein Zufall, dass Hopper von amerikanischen Filmemachern, insbesondere von Hitchcock, so geschätzt wurde und die Hollywood-Standards für die Gestaltung eines Rahmens weitgehend unter Berücksichtigung seines Einflusses gebildet wurden.

Es war für den Künstler selbstverständlich, die Aufmerksamkeit des Betrachters nicht so sehr auf den dargestellten Moment zu lenken, sondern auf die imaginären Ereignisse, die ihm vorangegangen oder gefolgt waren. Diese in der Geschichte der Malerei seltene Fähigkeit verband paradoxerweise die Errungenschaften des Impressionismus mit seiner gesteigerten Aufmerksamkeit für den Moment und des Postimpressionismus, der den Lauf der Zeit zu einem künstlerischen Momentbild verdichten wollte.

Hopper ist es wirklich gelungen, einen schwer fassbaren Moment des Seins fest auf die Leinwand zu bannen und gleichzeitig den unaufhörlichen Fluss der Zeit anzudeuten, der ihn an die Oberfläche brachte und ihn sofort in die dunklen Tiefen der Vergangenheit entführt. Wenn der Futurismus versuchte, Bewegung direkt auf der malerischen Ebene darzustellen, dann nimmt Hopper sie aus den Grenzen der Malerei heraus, belässt sie aber innerhalb der Grenzen unserer Wahrnehmung. Wir sehen es nicht, aber wir fühlen es.

Ebenso gelingt es dem Künstler, unsere Aufmerksamkeit nicht nur zeitlich, sondern auch räumlich über das Bild hinaus zu lenken. Die Figuren blicken irgendwo nach draußen, der Blick des Betrachters wird von der an der Tankstelle vorbeifliegenden Autobahn angezogen und weiter Eisenbahn das Auge schafft es, nur den letzten Waggon des Zuges zu erfassen. Und öfter ist er nicht mehr da, der Zug rauscht vorbei, und wir schlüpfen unwillkürlich und erfolglos mit unseren Augen hinter ihm entlang der Schienen.

Das ist Amerika wie es ist – keine Sehnsucht nach dem Verlorenen, keine Verherrlichung des Fortschritts. Aber wenn es nur Amerika wäre, dann wäre Hopper nicht zu Weltruhm gekommen, genauso wie viele seiner Zeitgenossen von nicht schlechterem Können es nicht bekommen haben. Tatsächlich gelang es Hopper, universelle Gefühle zu berühren, indem er nationales Material verwendete. Er ebnete den Weg für internationale Anerkennung Amerikanische Malerei, obwohl sie zu den führenden Rollen in der Weltkunst gebracht wurde Künstler der Nachkriegszeit, nicht von Hopper selbst erkannt.

Sein Weg ist einzigartig. In der turbulenten Welt vibrierender künstlerischer Strömungen gelang es ihm, sich niemandem zu unterwerfen und auf dem schmalen Pfad zwischen Romantik und Gesellschaftskritik, zwischen avantgardistischer Konzeptbesessenheit und dem bewussten Naturalismus des Präzisions- und Hyperrealismus treu zu bleiben sich bis zum Ende.

Der amerikanische Künstler Edward Hopper gilt manchen als Urbanist, anderen als Vertreter der Magischer Realismus, und einige sind ein Vorläufer der Pop-Art. Fans von Hoppers Werk nennen ihn begeistert „einen Träumer ohne Illusionen“ und „einen Dichter der Leere“. Alle Meinungen werden durch Hoppers dramatische Leinwand namens "Night Owls" vereint. Es ist erkennbar als Mona Lisa von Leonardo Da Vinci, Der Schrei von Edvard Munch oder Dogs Playing Poker von Coolidge. Die unglaubliche Popularität dieser Arbeit hat ihn zu einer der Ikonen der Popkultur gemacht.

(Eduard Hopper , 1882-1967) war ein prominenter Vertreter der Amerikaner Genremalerei XX Jahrhundert. Und obwohl in dieser Zeit neue Kunstrichtungen geboren wurden, blieb er den avantgardistischen Veränderungen und Experimenten seiner Kollegen gegenüber gleichgültig. Zeitgenossen, die mit der Mode Schritt hielten, liebten Kubismus, Surrealismus und abstrakte Kunst, und Hoppers Malerei galt als langweilig und konservativ. Edward litt, änderte aber nichts an seinen Idealen: „ Wie können sie nicht verstehen: Die Originalität des Künstlers ist kein Einfallsreichtum und keine Methode, insbesondere keine modische Methode, sie ist die Quintessenz der Persönlichkeit ».

Und die Persönlichkeit von Edward Hopper war sehr komplex. Und sehr verschlossen. Und zwar so sehr, dass nach seinem Tod vielleicht die einzige Informationsquelle über sein Leben und seinen Charakter das Tagebuch seiner Frau war. In einem der Interviews sagte sie:

Eines Tages versuchte ein Mitarbeiter des New Yorker Magazins, einen Aufsatz über Edwards Leben zu schreiben. Und ich konnte nicht. Es gab kein Material. Nichts zu schreiben. Sein echte Biografie Ich konnte nur schreiben. Und es wäre Dostojewski pur« .

So war er von Kindheit an, obwohl der Junge in einer guten Familie aufwuchs, der Besitzer eines Kurzwarenladens in der Stadt Nyack (New York). Kunst war der Familie nicht fremd: An den Wochenenden kamen Vater, Mutter und Kinder manchmal zu Besuch nach New York Kunstausstellungen oder ins Theater gehen. Der Junge schrieb seine Eindrücke heimlich in ein dickes Notizbuch. Dort wurden den Erwachsenen viele Dinge verborgen. Insbesondere seine Erfahrungen und Ressentiments, als er im Alter von 12 Jahren über den Sommer plötzlich 30 cm gewachsen ist und anfing, furchtbar unbeholfen und schlaksig auszusehen. Klassenkameraden an jeder Ecke verspotteten und neckten ihn deswegen. Vielleicht bewahrte Edward Hopper aufgrund dieses unglücklichen Vorfalls für immer seine schmerzhafte Schüchternheit, Isolation und Stille. Seine Frau schrieb in ihr Tagebuch: Etwas zu Ed zu sagen ist, als würde man einen Stein in einen bodenlosen Brunnen werfen. Kann das Plätschern nicht hören «.

Dies spiegelte sich natürlich auch im Stil seiner Gemälde wider. Hopper malte gerne leblose Innenräume und Wüstenlandschaften: Eisenbahn-Sackgassen, die ins Nirgendwo führen, verlassene Cafés, in denen die Einsamkeit durchdringt. Fensteröffnungen waren ein durchgängiges Leitmotiv seiner Arbeit. Der Künstler suchte gleichsam einen Ausweg aus seiner verschlossenen Welt. Oder vielleicht öffnete er sich heimlich den Eingang: Das Sonnenlicht, das durch die Fenster in die Räume fiel, erwärmte leicht die Kälte von Hoppers asketischen Gemälden. Wir können sagen, dass vor dem Hintergrund seiner düsteren Landschaften und Interieurs die Sonnenstrahlen auf seinen Leinwänden genau die Metapher verkörpern " ein Lichtstrahl in einem dunklen Reich «.

Aber vor allem hat Hopper in seinen Gemälden Einsamkeit dargestellt. Hoppers sogar Sonnenuntergänge, Straßen und Häuser sind einsam. Paare, die auf seinen Leinwänden abgebildet sind, sehen nicht weniger einsam aus, besonders Paare. Gegenseitige Unzufriedenheit und Entfremdung zwischen einem Mann und einer Frau ist ein ständiges Thema von Edward Hopper.

Das Thema hatte durchaus lebenswichtige Grundlage: In seinem vierzigsten Lebensjahr heiratete Hopper seine Kollegin Josephine Nivison, die er seit der New Yorker Kunstschule kannte. Sie bewegten sich in denselben Kreisen, waren durch dieselben Interessen verbunden, hatten in vielen Dingen ähnliche Ansichten. Aber ihr Familienleben war voller Streitigkeiten und Skandale aller Art, die manchmal zu Kämpfen führten. Laut Tagebuch der Ehefrau war der unhöfliche Ehemann an allem schuld. Gleichzeitig ist nach den Erinnerungen von Bekannten klar, dass Jo selbst weit vom Ideal des Hüters des Familienherds entfernt war. Zum Beispiel, als ihre Künstlerfreunde sie einmal fragten: „ Welche Lieblingsgericht Eduard“, sagte sie arrogant, „ Findest du nicht, dass es in unserem Kreis zu viel leckeres Essen und zu wenig gute Malerei gibt? Unser Lieblingsgericht ist eine freundliche Dose mit geschmorten Bohnen.«.

Hoppers Gemälde von Paaren zeigen deutlich die Tragödie seiner Beziehung zu seiner Frau. Sie lebten, litten und quälten sich gegenseitig, und gleichzeitig waren sie unzertrennlich. Sie verband die Liebe zu französischer Poesie, Malerei, Theater und Kino – das genügte ihnen, um zusammen zu bleiben. Josephine war nach 1923 sogar eine Muse und das Hauptmodell für Edwards Gemälde. Bei ein paar verspäteten Diner-Besuchern, dargestellt in seinem Gemälde „Nachteulen“, hat der Autor sich und seine Frau noch einmal deutlich dargestellt, so deutlich wird die Entfremdung von Mann und Frau, die nebeneinander sitzen.

"Mitternachter" (Nachtschwärmer), 1942, Edward Hopper

Zufällig ist es das Bild "Mitternachter" wurde in den Vereinigten Staaten zum Kultkunstwerk. (Im Original heißt es " Nachtschwärmer“, was auch übersetzt werden kann als „ Eulen"). Edward Hopper malte Nachteulen im Jahr 1942, kurz nach dem Angriff auf Pearl Harbor. Das Ereignis löste in ganz Amerika ein Gefühl der Unterdrückung und Angst aus. Dies erklärt die düstere, diffuse Atmosphäre von Hoppers Leinwand, wo die Besucher des Diners einsam und nachdenklich sind, die menschenleere Straße vom schummrigen Licht eines Schaufensters erhellt wird und ein lebloses Haus als Hintergrund für alles dient. Der Autor bestritt jedoch, dass er eine Art Depression ausdrücken wollte. In seinen Worten, er vielleicht unbewusst dargestellte Einsamkeit in große Stadt ».

In jedem Fall ist Hoppers Mitternachtscafé eine kritische Abkehr von den Stadtcafés, die seine Kollegen dargestellt haben. Normalerweise verbreiteten diese Etablissements immer und überall ein Flair von Romantik und Liebe. Vincent van Gogh, der ein Nachtcafé in Arles darstellt, hat überhaupt keine schwarze Farbe verwendet, seine Leute sitzen auf einer offenen Terrasse, und der Himmel ist wie eine Blumenwiese mit Sternen übersät.

« Nachtterrasse Café“, Arles, 1888, Vincent van Gogh

Kann man seine kunterbunte Palette mit der Kühle und Geiz von Hoppers Farben vergleichen? Und dennoch wird beim Betrachten des Gemäldes „Night Owls“ deutlich, dass sich hinter der betonten Prägnanz von Hoppers Schreibweise ein Abgrund der Expressivität verbirgt. Seine stummen Figuren, in ihre eigenen Gedanken versunken, scheinen Teilnehmer eines Dramas auf einer von tödlichem Neonlicht durchfluteten Bühne zu sein. Der Betrachter wird hypnotisch beeinflusst von der Geometrie paralleler Linien, dem gleichmäßigen Rhythmus der leblosen Fenster des Nachbargebäudes, der von den Sitzen entlang der Bartheke widergespiegelt wird, dem Kontrast von massiven Steinwänden und transparentem zerbrechlichem Glas, hinter dem sich die Figuren befinden von vier Personen flüchteten sich auf eine Insel des Lichts ... Es scheint, dass der Autor sie absichtlich hier eingeschlossen hat, um sich vor der gleichgültigen Dunkelheit der Straße zu verstecken - wenn man genau hinschaut, kann man sehen, dass es keinen einzigen sichtbaren Ausgang aus dem Raum gibt.

Das Gemälde "Nachteulen" hatte großen Einfluss auf die amerikanische Kultur. Postmodernisten haben das Gemälde für unzählige parodistische Remakes verwendet, die auf Literatur, Film und Malerei basieren.

Anspielungen und Parodien auf dieses Werk von Edward Hopper finden sich in vielen Gemälden, Filmen, Büchern und Liedern. Tom Waits nannte eines seiner Alben „ Nachtschwärmer im Diner» — « Mitternacht im Diner". Diese Leinwand ist eines der Lieblingswerke des Regisseurs David Lynch. Sie beeinflusste auch das Erscheinungsbild der Stadt im Film von Ridley Scott „Blade Runner“.

Inspiriert von Nachtschwärmern hat der österreichische Künstler Gottfried Helnwein ein berühmtes Remake mit dem Titel „ Boulevard der zerbrochenen Träume ". Anstelle von gesichtslosen Charakteren platzierte er 4 Prominente in der kosmischen Leere der Einsamkeit – Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley und James Dean. Damit wird angedeutet, wie sinnlos ihr Leben und ihre Talente vorzeitig ins Nichts versunken sind: Presley starb an den Folgen des langjährigen Konsums und Missbrauchs von Alkohol und Drogen; Marilyn starb an einer Überdosis Antidepressiva; Bogarts Tod war auch das Ergebnis von Alkoholmissbrauch, und James Dean starb bei einem tragischen Autounfall.

Andere Spoof-Remake-Autoren haben US-Kultstücke aus verschiedenen Kunstbereichen verwendet. Zuallererst das beliebteste - amerikanische Kino mit seinen berühmte Charaktere, Comic-Superhelden und weltberühmte Geschichten. Der düstere Stil des Schwarz-Weiß-Film Noir passte perfekt zur Stimmung von Hoppers Malerei ( Film Noir ).

Sehen Sie sich zur Sicherheit den "Schnitt" von Einzelbildern aus den Noir-Filmen der 40er Jahre an, die durch das Lied " Boulevard der zerbrochenen Träume ". (Im Jahr 2005 gaben Mitglieder der Punk Green Day-Gruppe an, dass ihre zweite Single diesen Titel und zugehörige Poster unter dem direkten Einfluss von Hoppers Malerei erhielt).

Ironischerweise spielten die Remakes auch auf vielen anderen Hollywood-Fetischen an.

Star Wars
Star Wars
Die Simpsons
Familienmensch
basierend auf dem Kult-Comic Die Abenteuer von Tim und Struppi

Superman und Batman
Zombie
Remake zum Thema m / w "Dead Bride" unter der Regie von Tim Burton

Nicht dem Schicksal entgangen, Parodie zu werden, sind Remakes von Hoppers Gemälden anders beliebte Sendungen und Serien.

Parodieplakat zum Thema der Comedy-Fernsehserie "Seinfeld" (1989-1998)
Parodieplakat zum Thema der Krimiserie "C.S.I.: Crime Scene Investigation"

Natürlich wurde in den Parodien der geschlossene Raum des Cafés hochgespielt, was der Autor in seinem Bild betont.

Und die kalten Töne des Bildes und die Askese der Palette ließen viele Witzbolde mit dem Weltraum assoziieren.

Auch alle möglichen amerikanischen Klischees der Stadtlandschaft wurden verwendet.

Nun, wo es eine Nachtstraße gibt und keine Bullen in der Nähe sind, ist es ziemlich logisch, dass ein Straßengraffiti-Tyrann Banksy auftaucht, aber hier wirft er Plastikstühle in ein Caféfenster.

Sie können immer noch Hunderte von Beispielen für ironische Remakes von Edward Hoppers Gemälden nennen, die zu allen möglichen Themen gemacht wurden. Dies ist eines der häufigsten Internet-Memes. Und eine solche Fruchtbarkeit bestätigt nur, dass wahre Meisterwerke nicht der Zeit unterliegen.

Es gibt Bilder, die den Betrachter sofort und nachhaltig in ihren Bann ziehen – sie sind wie Mausefallen für die Augen. Die einfache Mechanik solcher Bilder, die nach der Theorie der bedingten Reflexe des Akademikers Pavlov erfunden wurde, ist in Werbe- oder Reporterfotos deutlich sichtbar. Aus ihnen ragen in alle Richtungen Haken der Neugier, Lust, des Schmerzes oder des Mitgefühls – je nach Bildzweck – der Verkauf von Waschpulver oder das Sammeln von Spendengeldern. Hat man sich an einen Strom solcher Bilder wie an eine starke Droge gewöhnt, kann man Bilder anderer Art - real und lebendig (anders als die ersten, die nur das Leben imitieren) als fade und leer übersehen, vermissen. Sie sind nicht so schön, und schon gar nicht rufen sie typische bedingungslose Emotionen hervor, sie sind unerwartet und ihre Botschaft ist zweifelhaft. Aber nur sie können Kunst genannt werden, die illegale "gestohlene Luft" von Mandelstam.

In jedem Bereich der Kunst gibt es Künstler, die nicht nur ihr eigenes geschaffen haben einzigartige Welt, sondern auch ein System der Vision der umgebenden Realität, eine Methode, die Phänomene des Alltags in die Realität eines Kunstwerks zu übertragen - in die kleine Ewigkeit eines Bildes, Films oder Buches. Einer dieser Künstler, der sein eigenes einzigartiges System des analytischen Sehens entwickelte und seinen Anhängern sozusagen seine Augen implantierte, war Edward Hopper. Es genügt zu sagen, dass viele Filmemacher der Welt, darunter Alfred Hitchcock und Wim Wenders, sich ihm zu Dank verpflichtet fühlten. In der Welt der Fotografie ist sein Einfluss an den Beispielen von Stephen Shore, Joel Meyerowitz, Philip-Lorca diCorcia zu sehen: die Liste geht weiter. Auch bei Andreas Gursky scheinen Anklänge an Hoppers „distanzierten Blick“ zu erkennen.

Vor uns liegt eine ganze Schicht moderner visueller Kultur mit einer ganz eigenen Art, die Welt zu sehen. Ein Blick von oben, ein Blick von der Seite, ein Blick auf einen (gelangweilten) Fahrgast aus dem Fenster einer E-Bahn – halbleere Umspannwerke, unvollendete Gesten der Wartenden, gleichgültige Wandflächen, Kryptogramme von Eisenbahndrähten. Es ist kaum legitim, Gemälde und Fotografien zu vergleichen, aber wenn es erlaubt wäre, dann würden wir darüber nachdenken mythologisches Konzept"decisive moment" (Decisive Moment), eingeführt von Cartier-Bresson, am Beispiel von Hoppers Gemälden. Hoppers fotografisches Auge hebt seinen „entscheidenden Moment“ unverkennbar hervor. Bei allem imaginären Zufall sind die Bewegungen der Figuren in den Gemälden, die Farben der umliegenden Gebäude und Wolken genau aufeinander abgestimmt und unterliegen der Identifizierung dieses „entscheidenden Moments“. Das ist zwar ein ganz anderer Moment als auf den Fotografien des berühmten Zen-Fotografen Henri Cartier-Bresson. Dort ist es der Höhepunkt der Bewegung einer Person oder eines Objekts; der Moment, in dem die gefilmte Situation ihre maximale Ausdruckskraft erreicht, die es ermöglicht, ein für diesen bestimmten Moment charakteristisches Bild mit einer klaren und eindeutigen Handlung zu schaffen, eine Art Quetsch oder Quintessenz eines „schönen“ Moments, der um jeden Preis gestoppt werden sollte . Nach den Vorschriften des Doktor Faust.

Philippe-Lorca di Corchia „Eddie Anderson“

Aus der Prämisse, einen schönen oder schrecklichen Moment zu stoppen, entsteht die moderne journalistische Erzählfotografie und damit die Werbefotografie. Beide nutzen das Bild nur als Vermittler zwischen Idee (Produkt) und Konsument. In diesem Begriffssystem wird das Bild zu einem klaren Text, der keine Auslassungen oder Zweideutigkeiten zulässt. Die Nebenfiguren von Magazinfotos sind mir jedoch näher - sie wissen immer noch nichts über den "entscheidenden Moment".

Der "entscheidende Moment" in Hoppers Gemälden hinkt Bressons um einige Momente hinterher. Die Bewegung dort hat gerade erst begonnen, und die Geste hat noch keine Phase der Gewissheit angenommen: Wir sehen ihre zaghafte Geburt. Und deshalb – Hoppers Malerei ist immer ein Mysterium, immer eine melancholische Ungewissheit, ein Wunder. Wir beobachten eine zeitlose Lücke zwischen Momenten, aber die Energieintensität dieses Moments ist so groß wie in der schöpferischen Leere zwischen der Hand Adams und dem Schöpfer in der Sixtinischen Kapelle. Und wenn wir von Gesten sprechen, dann sind die entscheidenden Gesten Gottes eher bressonisch, und die nicht offenbarten Gesten Adams sind hopperisch. Das erste ist ein bisschen „nachher“, das zweite eher „vorher“.

Das Mysterium von Hoppers Gemälden liegt auch darin, dass die eigentlichen Handlungen der Figuren, ihr „decisive moment“, nur ein Hinweis auf den wahren „decisive moment“ sind, der sich bereits außerhalb des Rahmens, außerhalb des Rahmens, befindet imaginärer Konvergenzpunkt vieler anderer dazwischenliegender "entscheidender Momente". Momente"-Gemälde.

Auf den ersten Blick fehlen den Gemälden von Edward Hopper alle äußeren Attribute, die den Betrachter anziehen können – die Komplexität der kompositorischen Lösung oder die unglaubliche Farbgebung. Eintönige Farbflächen, die mit trägen Strichen überzogen sind, können als langweilig bezeichnet werden. Doch anders als „normale“ Gemälde berührt Hoppers Werk auf unbekannte Weise den Nerv des Sehens und lässt den Betrachter lange in Gedanken zurück. Was ist hier das Geheimnis?

So wie eine Kugel mit verschobenem Schwerpunkt härter und schmerzhafter einschlägt, so verlagert sich in Hoppers Malerei der semantische und kompositorische Schwerpunkt vollständig in eine Art imaginären Raum außerhalb des Bildes. Und darin liegt Haupträtsel, und aus diesem Grund werden die Gemälde gewissermaßen zu semantischen Negativen gewöhnlicher Gemälde, die nach allen Regeln der Bildkunst aufgebaut sind.

Es ist davon Kunstraum und ein geheimnisvoller Lichtstrom, auf den die Bewohner der Gemälde wie gebannt blicken. Was ist das – die letzten Strahlen der untergehenden Sonne, das Licht einer Straßenlaterne oder das Licht eines unerreichbaren Ideals?

Trotz der bewusst realistischen Handlungsstränge der Gemälde und asketischen künstlerischen Techniken bleibt beim Betrachter nicht das Gefühl einer flüchtigen Realität zurück. Und es scheint, dass Hopper dem Zuschauer absichtlich einen Trick der Sichtbarkeit zusteckt, damit der Zuschauer nicht das Wichtigste und Wesentliche hinter den falschen Bewegungen erkennen kann. Ist es nicht das, was die Realität um uns herum tut?

Eines der berühmtesten Gemälde von Hopper ist NightHawks. Vor uns ein Panorama Nachtstraße. Ein geschlossener leerer Laden, die dunklen Fenster des gegenüberliegenden Gebäudes und auf unserer Straßenseite - eine Vitrine eines Nachtcafés oder wie sie in New York genannt werden - ein Tauchgang, in dem sich vier Personen befinden - Ehepaar, ein einsamer Mann, der an seinem Longdrink nippt, und ein Barkeeper ("Willst du es mit oder ohne Eis?"). Oh nein, natürlich habe ich mich geirrt – ein Mann mit einem Hut, der aussieht wie Humphrey Bogart, und eine Frau in einer roten Bluse sind kein Mann und keine Frau. Vielmehr sind sie ein heimliches Liebespaar, oder ... Ist der Mann links ein Spiegeldoppel des ersten? Optionen vervielfachen sich, aus Understatement erwächst ein Plot, wie es bei einem Spaziergang durch die Stadt beim Hineinschauen geschieht Fenster öffnen Gesprächsfetzen abhören. Unvollendete Bewegungen, unklare Bedeutungen, unbestimmte Farben. Eine Aufführung, die wir nicht von Anfang an sehen und deren Finale wohl kaum zu sehen sein wird. Bestenfalls eine der Aktionen. Schlechte Schauspieler und ein schlechter Regisseur.

Es ist, als würden wir durch einen Spalt in das unauffällige Leben eines anderen blicken, aber bisher passiert nichts – aber ist es gewöhnliches Leben so oft passiert was. Ich stelle mir oft vor, dass jemand aus der Ferne mein Leben beobachtet - hier sitze ich in einem Sessel, hier bin ich aufgestanden, habe Tee eingegossen - nichts weiter - sie gähnen wahrscheinlich vor Langeweile oben - es gibt keinen Sinn oder Plan. Aber um eine Handlung zu erstellen, braucht es einfach einen distanzierten Beobachter von außen, der Überflüssiges abschneidet und zusätzliche Bedeutungen einbringt – so entstehen Fotografien und Filme. Vielmehr ergibt sich aus der inneren Logik der Bilder selbst die Handlung.

Eduard Hopper. "Hotelfenster"

Vielleicht ist das, was wir in Hoppers Gemälden sehen, nur eine Nachahmung der Realität. Vielleicht ist dies die Welt der Mannequins. Eine Welt, aus der das Leben entfernt wurde, ist wie die Kreaturen in den Flaschen des Zoologischen Museums oder ausgestopfte Hirsche, von denen nur die äußere Hülle übrig bleibt. Manchmal erschrecken mich Hoppers Bilder mit dieser monströsen Leere, dem absoluten Vakuum, das durch jeden Strich scheint. Der von Black Square begonnene Weg in die absolute Leere endete mit Hotel Window. Das einzige, was uns nicht erlaubt, Hopper als vollständigen Nihilisten zu bezeichnen, ist gerade dieses fantastische Licht von außen, diese unvollendeten Gesten der Figuren, die die Atmosphäre der geheimnisvollen Erwartung der Person betonen wichtige Veranstaltung, was nicht passiert. Es scheint mir, dass Dino Buzzati und seine "Tatar Desert" als literarisches Analogon zu Hoppers Werk angesehen werden können. Während des ganzen Romans passiert absolut nichts, aber die Atmosphäre verzögerter Handlung durchdringt den gesamten Roman - und in Erwartung großer Ereignisse liest man den Roman zu Ende, aber nichts passiert. Malerei ist viel prägnanter als Literatur, und allein durch Hoppers Gemälde „People in the Sun“ lässt sich der ganze Roman illustrieren.

Eduard Hopper. "Menschen in der Sonne"

Hoppers Gemälde werden zu einer Art Gegenbeweis – so versuchten mittelalterliche Philosophen, die Eigenschaften Gottes zu bestimmen. Die Anwesenheit von Dunkelheit selbst beweist die Existenz von Licht. Vielleicht ist es das, was Hopper tut – er zeigt eine graue und langweilige Welt, er ist nur mit dieser Subtraktionsaktion negative Eigenschaften deutet auf die Existenz anderer Realitäten hin, die mit den Mitteln der Malerei nicht widergespiegelt werden können. Oder, mit den Worten von Emil Cioran, „wir können uns die Ewigkeit nicht anders vorstellen, als alles, was passiert, alles, was für uns messbar ist, zu eliminieren.“

Und doch verbindet Hoppers Malerei nicht nur im Rahmen der Künstlerbiografie eine Handlung. In ihrer Sequenz stellen sie eine Reihe von Bildern dar, die ein spionierender Engel über die Welt fliegen sehen würde, wie er in die Fenster von Bürohochhäusern schaut, unsichtbar in Häuser eindringt und unser unauffälliges Leben ausspioniert. So sieht Amerika aus, gesehen durch die Augen eines Engels, mit seinen endlosen Straßen, endlosen Wüsten, Ozeanen, Straßen, durch die man die klassische Perspektive studieren kann. Und die Schauspieler, ein bisschen wie Schaufensterpuppen aus dem nächsten Supermarkt, ein bisschen wie Menschen in ihrer kleinen Einsamkeit inmitten einer großen bunten Welt, von allen Winden verweht.

Edward Hopper (Edward Hopper) Kunsthistoriker geben unterschiedliche Namen. „Künstler der Leere“, „Dichter der Epoche“, „düsterer sozialistischer Realist“. Aber welchen Namen Sie auch wählen, es ändert nichts an der Essenz: Hopper ist einer von ihnen die klügsten Vertreter Amerikanische Malerei, deren Werke niemanden gleichgültig lassen können.

Tankstelle, 1940

Die amerikanische Kreativmethode nahm während der Weltwirtschaftskrise in den Vereinigten Staaten Gestalt an. Verschiedene Forscher von Hoppers Arbeit neigen dazu, in seinen Werken Anklänge an die Schriftsteller Tennessee Williams, Theodore Dreiser, Robert Frost, Jerome Salinger, an die Künstler DeKirko und Delvaux zu finden, später beginnen sie, eine Reflexion seiner Arbeit in den Filmarbeiten von David zu sehen Lynchen ...

Es ist nicht sicher, ob einer dieser Vergleiche eine echte Grundlage hat, aber eines ist klar: Edward Hopper hat es sehr subtil geschafft, den Zeitgeist darzustellen, indem er ihn in den Posen von Helden, in den leeren Räumen seiner Leinwände transportiert , in einem einzigartigen Farbschema.

Dies wird als Vertreter des magischen Realismus bezeichnet. In der Tat sind seine Charaktere, die Umgebung, in der er sie platziert, äußerst einfach Inlandsplan. Trotzdem spiegeln seine Leinwände immer ein gewisses Understatement wider, spiegeln immer einen verborgenen Konflikt wider, geben am meisten Anlass verschiedene Deutungen. Manchmal bis zur Absurdität. So wurde beispielsweise sein Gemälde „Night Conference“ vom Sammler an den Verkäufer zurückgegeben, weil er darin eine versteckte kommunistische Verschwörung sah.

Abendveranstaltung, 1949

Am meisten berühmtes Gemälde Hopper - "Nachteulen". Einst hing seine Reproduktion im Zimmer fast jedes amerikanischen Teenagers. Die Handlung des Bildes ist denkbar einfach: Im Schaufenster eines Nachtcafés sitzen drei Besucher am Tresen, sie werden von einem Barkeeper bedient. Es scheint nichts Bemerkenswertes zu sein, aber jeder, der das Bild eines amerikanischen Künstlers betrachtet, spürt fast körperlich das transzendente, schmerzende Gefühl der Einsamkeit eines Menschen in einer Großstadt.

Mitternacht, 1942

Hoppers magischer Realismus wurde damals von seinen Zeitgenossen nicht akzeptiert. Mit einem allgemeinen Trend zu „interessanteren“ Methoden – Kubismus, Surrealismus, Abstraktionismus – wirkten seine Bilder langweilig und ausdruckslos.
„Sie verstehen es nie Hopper sagte, dass die Originalität des Künstlers keine modische Methode ist. Das ist die Quintessenz seiner Persönlichkeit.“

Heute gilt sein Werk nicht nur als Meilenstein der amerikanischen bildenden Kunst, sondern als kollektives Bild, als Zeitgeist. Einer seiner Biografen schrieb einmal: „Nachkommen werden aus den Gemälden von Edward Hopper mehr über diese Zeit erfahren als aus jedem Lehrbuch.“ Und vielleicht hat er in gewissem Sinne recht.

Jede nationale Schule Malerei kann einige ihrer besten Vertreter markieren. So wie die russische Malerei des 20. Jahrhunderts ohne Malewitsch unmöglich ist, so auch die amerikanische Malerei ohne Eduard Hopper . In seinen Werken gibt es keine revolutionären Ideen und akuten Themen, keine Konflikte und komplizierten Handlungsstränge, aber sie alle sind von einer besonderen Atmosphäre durchdrungen, die wir nicht immer spüren können Alltagsleben. Hopper brachte die amerikanische Malerei auf die Weltebene. Seine Anhänger waren David Lynch und andere spätere Künstler.

Kindheit und Jugend des Künstlers

Eduard Hopper wurde 1882 in Nuascu geboren. Seine Familie hatte ein durchschnittliches Einkommen und war daher in der Lage, dem jungen Edward eine angemessene Ausbildung zu ermöglichen. Nach seinem Umzug nach New York im Jahr 1899 studierte er an der School of Advertising Artists und trat dann in die renommierte Robert Henry School ein. Die Eltern waren sehr unterstützend junger Künstler und versuchte, sein Talent zu entwickeln.

Reise nach Europa

Nach dem Abschluss Eduard Hopper arbeitete nur ein Jahr in der New Yorker Werbeagentur und ging bereits 1906 nach Europa. Diese Reise sollte ihm die bereits bekannten Künstler anderer Schulen öffnen, ihn mit Picasso, Manet, Rembrandt, El Greco, Degas und Hals bekannt machen.

Üblicherweise lassen sich alle Künstler, die Europa besucht oder dort studiert haben, in drei Kategorien einteilen. Der erste hat sofort reagiert vorhandene Erfahrung große Meister und eroberten schnell die ganze Welt mit ihrem innovativen Stil oder der Genialität ihrer Arbeit. Natürlich gehört Picasso in größerem Umfang zu dieser Kategorie. Andere, in Kraft eigenen Charakter oder aus anderen Gründen, blieb unbekannt, wenn auch sehr talentierte Künstler. Wieder andere (was eher auf russische Maler zutrifft) nahmen die gesammelten Erfahrungen mit in ihre Heimat und schufen dort ihre besten Werke.

Doch schon in dieser Zeit zeigt sich die Isolation und Originalität des Stilsdie Werke von Edward Hopper. Anders als alle jungen Künstler brennt er nicht für neue Schulen und Techniken und nimmt alles ganz gelassen. Von Zeit zu Zeit kehrte er nach New York zurück und ging dann wieder nach Paris. Europa hat es nicht vollständig erfasst. Es wäre jedoch falsch anzunehmen, dass eine solche Haltung Hopper als infantil oder als Person charakterisiert, die nicht in der Lage ist, das bereits vorhandene brillante künstlerische Erbe anderer Meister vollständig zu würdigen. Das ist genau der Stil des KünstlersEdward Hopper - einäußere Ruhe und Gelassenheit, hinter der sich immer ein tiefer Sinn verbirgt.

Nach Europa

Wie bereits erwähnt, wurden alle Werke der Meister weiter produziert Eduard Hopper ein lebhafter, aber kurzlebiger Eindruck. Er interessierte sich schnell für die Technik und den Stil dieses oder jenes Autors, kehrte aber immer wieder zu seinem eigenen zurück. Auch Degas bewunderte ihn in höchstem Maße. Man kann sagen, dass ihre Stile sogar ein Echo fanden. Aber die Werke von Picasso, wie Hopper selbst sagte, bemerkte er nicht einmal. Es ist ziemlich schwierig, an eine solche Tatsache zu glauben, denn Pablo Picasso war vielleicht der berühmteste unter den Künstlern. Tatsache bleibt jedoch.

Nach seiner Rückkehr nach New York hat Hopper Amerika nie verlassen.

Eigenständig durchstarten

Der Weg von Edward Hopper war, obwohl er nicht mit Dramen und scharf dissonanten Skandalen gefüllt war, immer noch nicht einfach.

1913 kehrte der Künstler für immer nach New York zurück und ließ sich in einem Haus am Washington Square nieder. Der Beginn einer Karriere scheint gut zu laufen – der ersteGemälde von Edward Hopperwurde im selben Jahr 1913 verkauft. Dieser Erfolg endet jedoch vorübergehend. Hopper zeigte seine Arbeiten erstmals auf der Armory Show in New York, die als Ausstellung zeitgenössischer Kunst konzipiert war. Hier spielte der Stil von Edward Hopper damit schlechter Witz- vor dem Hintergrund der Avantgarde-Gemälde von Picasso, Picabia und anderen Malern wirkten Hoppers Bilder recht bescheiden und sogar provinziell. Seine Idee wurde von seinen Zeitgenossen nicht verstanden.Gemälde von Edward Hopperwurden sowohl von Kritikern als auch von Zuschauern als gewöhnlicher Realismus wahrgenommen, der keinen künstlerischen Wert hatte. So beginnt die Ruhezeit. Hopper hat finanzielle Schwierigkeiten und ist gezwungen, eine Stelle als Illustrator anzunehmen.

Vor der Anerkennung

Angesichts der Not der Situation übernimmt Edward Hopper private Aufträge für kommerzielle Veröffentlichungen. Für eine Weile verlässt der Künstler sogar die Malerei und arbeitet in der Technik der Radierung - Gravur, die hauptsächlich auf einer Metalloberfläche ausgeführt wird. In den 1910er Jahren war es die Radierung, die am besten für Drucktätigkeiten geeignet war. Hopper war noch nie im Dienst gewesen, also musste er mit großer Sorgfalt arbeiten. Darüber hinaus wirkte sich diese Situation auch auf seine Gesundheit aus – oft geriet der Künstler in schwere Depressionen.

Aufgrund dessen ist anzunehmen, dass Edward Hopper als Maler in den Jahren, in denen er nicht malte, seine Fähigkeiten verlieren könnte. Aber glücklicherweise ist dies nicht geschehen.

Rückkehr nach "Stille"

Wie jedes Talent brauchte Edward Hopper Hilfe. Und 1920 hatte der Künstler das Glück, eine gewisse Gertrude Whitney zu treffen, eine sehr wohlhabende Frau, die sich sehr für Kunst interessierte. Sie war die Tochter des damals berühmten Millionärs Vanderbilt, also konnte sie es sich leisten, eine Mäzenin zu sein. Gertrude Whitney wollte also die Werke amerikanischer Künstler sammeln und ihnen natürlich helfen und Arbeitsbedingungen schaffen.

So organisierte sie 1920 für Edward Hopper seine erste Ausstellung. Nun reagierte die Öffentlichkeit mit großem Interesse auf seine Arbeit. SolchGemälde von Edward Hopper,wie "Evening Wind" und "Night Shadows", sowie einige seiner Radierungen.

Ein durchschlagender Erfolg war es allerdings noch nicht. Und Hoppers finanzielle Situation verbesserte sich kaum, sodass er gezwungen war, weiterhin als Illustrator zu arbeiten.

Lang ersehnte Anerkennung

Nach mehreren Jahren des "Schweigens" kehrt Edward Hopper dennoch zur Malerei zurück. Er hofft, dass sein Talent gewürdigt wird.

1923 heiratet Hopper die junge Künstlerin Josephine Verstiel. Ihr Familienleben war ziemlich schwierig - Jo war eifersüchtig auf ihren Ehemann und verbot ihm sogar, nackte weibliche Natur zu zeichnen. Solche Angaben zum Privatleben sind für uns jedoch nicht von Bedeutung. Interessanterweise war es Jo, die Hopper riet, sich an Aquarell zu versuchen. Und, wir müssen ihm Respekt zollen, dieser Stil hat ihn zum Erfolg geführt.

Die zweite Ausstellung wurde im Brooklyn Museum organisiert. Hier wurden sechs Werke von Edward Hopper präsentiert. Das Museum erwarb eines der Gemälde für seine Ausstellung. Das ein Ausgangspunkt kreativer Aufschwung im Leben des Künstlers.

Stilbildung

In der Zeit, als Edward Hopper Aquarell als seine Haupttechnik wählte, kristallisierte sich seine Malerei endgültig heraus. eigener Stil. Hoppers Bilder zeigen immer ganz einfache Situationen – Menschen in ihrer natürlichen Form, in gewöhnlichen Städten. Hinter jeder dieser Handlungen verbirgt sich jedoch ein subtiles psychologisches Bild, das tiefe Gefühle und Gemütszustände widerspiegelt.

Zum Beispiel, Nachteulen von Edward HopperAuf den ersten Blick mögen sie zu einfach erscheinen – nur ein Nachtcafé, ein Kellner und drei Besucher. Dieses Bild hat jedoch zwei Geschichten. Einer Version zufolge tauchten „Nachteulen“ als Ergebnis von Eindrücken aus Van Goghs „Nachtcafé in Arles“ auf. Und nach einer anderen Version spiegelte die Handlung die Geschichte von E. Hemingway "The Killers" wider. Der 1946 gedrehte Film "The Killers" gilt zu Recht als Personifizierung von nicht nur Literarische Quelle, sondern auch der Stil von Hoppers Malerei. Es ist wichtig sich das zu merken„Nighthawks“ von Edward Hopper(als "Midnighters" bezeichnet) beeinflussten maßgeblich den Stil eines anderen Künstlers - David Lynch.

Dabei verzichtet Hopper nicht auf die Technik der Radierung. Obwohl er keine finanziellen Schwierigkeiten mehr hatte, fertigte er weiterhin Gravuren an. Natürlich beeinflusste dieses Genre auch die Malerei des Meisters. Eine eigentümliche Kombination von Techniken fand in vielen seiner Werke Platz.

Geständnis

Seit 1930 ist Hoppers Erfolg unumkehrbar geworden. Seine Werke gewinnen immer mehr an Popularität und sind in den Ausstellungen fast aller Museen in Amerika präsent. Allein 1931 wurden etwa 30 seiner Bilder verkauft. Zwei Jahre später zeigt das New York Museum seine Einzelausstellung. Mit der Verbesserung der materiellen Beschaffenheit wandelt sich auch Hoppers Stil. Er hat die Möglichkeit, außerhalb der Stadt zu reisen und Landschaften zu malen. Neben der Stadt beginnt der Künstler also, kleine Häuser und die Natur zu malen.

Stil

In Hoppers Arbeiten scheinen die Bilder einzufrieren, stehenzubleiben. All jene Details, die im Alltag nicht erfasst werden können, um ihre Bedeutung einzuschätzen, werden sichtbar. Dies rechtfertigt zum Teil das Interesse der Regisseure an Hoppers Gemälden. Seine Gemälde können wie die wechselnden Einzelbilder eines Films betrachtet werden.

Hoppers Realismus ist sehr eng mit der Symbolik verwoben. Einer der Tricks sind offene Fenster und Türen als Zeichen klingender Einsamkeit. In gewisser Weise spiegelte diese Symbolik die Geisteshaltung des Autors wider. Die leicht angelehnten Fenster der Zimmer, die Türen zum Café, in dem nur ein Besucher ist, zeigen eine Person unter sich weite Welt. Viele Jahre, die allein auf der Suche nach einer Möglichkeit zum Schaffen verbracht wurden, hinterließen Spuren in der Haltung des Künstlers. Und in den Bildern ist die Seele eines Menschen sozusagen offen, zur Schau gestellt, aber niemand merkt es.

Betrachten Sie zum Beispiel Edward Hoppers Gemälde „Reclining nude“. Das Bild eines nackten Mädchens scheint von Apathie und Schweigen durchdrungen zu sein. Und die ruhige Farbgebung und die Unstetigkeit des Aquarells betonen diesen Zustand der Glückseligkeit und Leere. Eine ganze Handlung wird gedanklich gezeichnet - eine junge Frau in einem leeren Raum, in ihre Gedanken versunken. Dies ist eine andere charakteristisch Hoppers Arbeiten sind eine Gelegenheit, sich die Situation vorzustellen, die Umstände, die die Helden in eine solche Umgebung gebracht haben.

Glas wurde zu einem weiteren wichtigen Symbol in den Gemälden des Meisters. Dieselben "Midnighters" zeigen uns die Charaktere durch das Caféfenster. Diese Bewegung ist in Hoppers Werk sehr oft zu sehen. Auch die Einsamkeit der Figuren kommt auf diese Weise zum Ausdruck. Die Unfähigkeit oder Unfähigkeit, ein Gespräch zu beginnen - das ist das Glas. Es ist transparent und manchmal sogar nicht wahrnehmbar, aber dennoch kalt und stark. Als eine Art Barriere, die die Helden von der ganzen Welt isoliert. Dies ist in den Gemälden „Automatik“, „Morgensonne“, „Büro in New York“ zu sehen.

Modernität

Bis zu seinem Lebensende hörte Edward Hopper nicht auf zu arbeiten. Mein letztes Bild„Comedians“ schuf er erst zwei Jahre vor seinem Tod. Der Künstler nahm an allen Ausstellungen der Whitney Hall teil, einem Museum, das von seiner Gönnerin Gertrude Whitney gegründet wurde. 2012 wurden 8 dem Künstler gewidmete Kurzfilme veröffentlicht. Das wird jeder sagen, auch wenn er mit seiner Arbeit ein wenig vertraut istNighthawks von Edward HopperDies ist eines seiner berühmtesten Gemälde. Reproduktionen seiner Werke sind heute weltweit gefragt und die Originale hoch geschätzt. Die Einzigartigkeit seines Talents konnte sich dennoch durch die damals modische Avantgarde durchbrechen kritische AnsichtenÖffentlichkeit, die Nöte einer arbeitslosen Stelle. Die Gemälde von Edward Hopper gingen als sehr dünn in die Geschichte der Malerei ein psychologische Arbeit erobert mit seiner Tiefe und Unaufdringlichkeit.