Καλλιτέχνες της Ιαπωνίας - από την αρχαιότητα μέχρι σήμερα. Σχολική Εγκυκλοπαίδεια Τέχνης Ιαπωνίας

Αρτελίνο

« Μεγάλο κύμα in Kanagawa» του Katsushika Hokusai (1760-1849) είναι ένα από τα πιο διάσημα χαρακτικά και το πρώτο φύλλο της σειράς Thirty-six Views of Fuji. Στις αρχές της δεκαετίας του 1830, ο Katsushika Hokusai, με εντολή του εκδοτικού οίκου Eijudo, άρχισε να δημιουργεί μια σειρά 46 φύλλων (36 κύρια και 10 επιπλέον) και το The Great Wave off Kanagawa ήταν ένα χαρακτικό που ανοίγει ολόκληρη τη σειρά.

Τέτοιες συλλογές χαρακτικών χρησίμευαν για τους κατοίκους της πόλης εκείνης της εποχής ως ένα είδος " εικονικό ταξίδι”, ένας τρόπος για να ικανοποιήσετε την περιέργεια - βολικός και ανέξοδος. Οι εκτυπώσεις που μοιάζουν με το Fuji κοστίζουν περίπου 20 δευτ. - περίπου το ίδιο με μια διπλή μερίδα noodles σε ένα ιαπωνικό εστιατόριο της εποχής. Ωστόσο, η επιτυχία ήταν τόσο μεγάλη που μέχρι το 1838 το κόστος των φύλλων του Hokusai είχε αυξηθεί σε σχεδόν 50 μήνες, και μετά το θάνατο του πλοιάρχου, το Wave μόνο ανατυπώθηκε από νέους πίνακες περισσότερες από 1000 φορές.

Είναι εκπληκτικό ότι, παρά το δηλωμένο θέμα ολόκληρης της σειράς, ο Fuji στο The Wave παίζει σαν δευτερεύον ρόλο. Αρχηγός " ηθοποιός«Σε αυτό το χαρακτικό είναι ένα κύμα και σε πρώτο πλάνο ξετυλίγεται μια δραματική σκηνή της πάλης ενός άνδρα με τα στοιχεία. Οι άκρες της κορυφής του αφρού μοιάζουν με τα στριμμένα δάχτυλα ενός φανταστικού θυμωμένου δαίμονα και η απρόσωπη και η αδράνεια των ανθρώπινων μορφών στις βάρκες δεν αφήνει καμία αμφιβολία ποιος θα είναι ο νικητής σε αυτόν τον αγώνα. Ωστόσο, δεν είναι αυτή η αντιπαράθεση που είναι η σύγκρουση που δημιουργεί την πλοκή του χαρακτικού.
Σταματώντας τη στιγμή μετά την οποία συντρίβονται τα σκάφη, ο Χοκουσάι επιτρέπει στον θεατή να δει για μια στιγμή τον Φούτζι στον γκρίζο ουρανό, σκοτεινίζοντας προς τον ορίζοντα. Αν και οι Ιάπωνες χαράκτες ήταν ήδη εξοικειωμένοι με τις αρχές της ευρωπαϊκής γραμμικής και εναέριας προοπτικής εκείνη την εποχή, δεν ένιωθαν την ανάγκη για αυτήν την τεχνική. Το σκούρο φόντο, καθώς και το μακρύ ταξίδι του ματιού από το προσκήνιο με βάρκες μέσα από την κίνηση του κύματος προς το Φούτζι, πείθουν το μάτι ότι ιερό βουνόπου μας χωρίζει η θάλασσα.

Το Fuji υψώνεται μακριά από την ακτή ως σύμβολο σταθερότητας και σταθερότητας, σε αντίθεση με τα θυελλώδη στοιχεία. Η ενότητα και η αλληλεξάρτηση των αντιθέτων στηρίζουν την ιδέα της κοσμικής τάξης και της απόλυτης αρμονίας στην κοσμοθεωρία της Άπω Ανατολής και ήταν αυτά που έγιναν το κύριο θέμα του χαρακτικού "The Great Wave off Kanagawa", που άνοιξε τη σειρά από Κατσουσίκα Χοκουσάι.

"Beauty Nanivaya Okita" του Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο

Ο Kitagawa Utamaro (1753-1806) δικαίως μπορεί να ονομαστεί τραγουδιστής γυναικεία ομορφιάσε ιαπωνική εκτύπωση ukiyo-e: δημιούργησε μια σειρά από κανονικές εικόνες γιαπωνέζων καλλονών ( bijinga) - οι κάτοικοι των σπιτιών τσαγιού και της διάσημης συνοικίας ψυχαγωγίας Yoshiwara στην πρωτεύουσα της Ιαπωνίας, Έντο edo — το όνομα του Τόκιο μέχρι το 1868..

Στη χαρακτική bijinga, όλα δεν είναι ακριβώς όπως φαίνονται στον σύγχρονο θεατή. Οι πλούσια ντυμένες ευγενείς κυρίες, κατά κανόνα, ασχολούνταν με μια επαίσχυντη τέχνη και ανήκαν στην κατώτερη τάξη, και τα χαρακτικά με πορτρέτα καλλονών είχαν μια ανοιχτά διαφημιστική λειτουργία. Ταυτόχρονα, η γκραβούρα δεν έδωσε ιδέα για την εμφάνιση του κοριτσιού, και παρόλο που η Okita από το τεϊοποτείο Nanivaya κοντά στο ναό Asakusa θεωρήθηκε η πρώτη ομορφιά του Edo, το πρόσωπό της στη γκραβούρα είναι στερείται εντελώς ατομικότητας.

Από τον 10ο αιώνα, οι γυναικείες εικόνες στην ιαπωνική τέχνη υπόκεινται στον κανόνα του μινιμαλισμού. "Γραμμή-μάτι, γάντζος-μύτη" - τεχνική hikime-kagihanaεπέτρεψε στον καλλιτέχνη μόνο να υποδείξει ότι απεικονιζόταν μια συγκεκριμένη γυναίκα: στην ιαπωνική παραδοσιακή κουλτούρα, το ζήτημα της φυσικής ομορφιάς συχνά παραλείπονταν. Στις γυναίκες ευγενικής καταγωγής, η «ομορφιά της καρδιάς» και η εκπαίδευση εκτιμήθηκαν πολύ περισσότερο και οι κάτοικοι των χαρούμενων συνοικιών προσπαθούσαν να μιμηθούν τα υψηλότερα παραδείγματα σε όλα. Σύμφωνα με τον Utamaro, η Okita ήταν πραγματικά όμορφη.

Το φύλλο "Beauty Nanivaya Okita" τυπώθηκε το 1795-1796 στη σειρά "Διάσημες ομορφιές που παρομοιάζονται με έξι αθάνατους ποιητές", στην οποία ένας από τους συγγραφείς του 9ου αιώνα αντιστοιχούσε σε κάθε ομορφιά. Στο φύλλο με το πορτρέτο του Okita στην επάνω αριστερή γωνία υπάρχει μια εικόνα του Arivara no Narihira (825-880), ενός από τους πιο σεβαστούς ποιητές στην Ιαπωνία, στον οποίο αποδίδεται παραδοσιακά το μυθιστόρημα Ise Monogatari. Αυτός ο ευγενής ευγενής και λαμπρός ποιητής έγινε επίσης διάσημος για τους έρωτές του, μερικές από τις οποίες αποτέλεσαν τη βάση του μυθιστορήματος.

Αυτό το φύλλο είναι μια ιδιόμορφη χρήση της τεχνικής ακάρεα(συγκρίσεις) σε ιαπωνική γκραβούρα. Οι ιδιότητες ενός έγκυρου «πρωτότυπου» μεταφέρονται στην εικονιζόμενη ομορφιά και η κομψή εταίρα, με ένα γαλήνιο πρόσωπο που σερβίρει στον καλεσμένο ένα φλιτζάνι τσάι, διαβάζεται ήδη από τον θεατή ως μια κυρία με δεξιοτεχνία στην ποίηση και τα έργα αγάπης. Η σύγκριση με την Arivara no Narihira ήταν πραγματικά μια αναγνώριση της υπεροχής της μεταξύ των καλλονών Edo.

Ταυτόχρονα, ο Utamaro δημιουργεί μια εκπληκτικά λυρική εικόνα. Εξισορροπώντας σκοτεινά και ανοιχτόχρωμα σημεία στο φύλλο και σκιαγραφώντας τη φόρμα με μελωδικές, κομψές γραμμές, δημιουργεί μια πραγματικά τέλεια εικόνα χάρης και αρμονίας. Η «διαφήμιση» υποχωρεί και η ομορφιά που συνέλαβε ο Utamaro παραμένει διαχρονική.

Οθόνη «Irises» της Ogata Korin, δεκαετία του 1710

Wikimedia Commons / Μουσείο Nezu, Τόκιο

Ένα ζευγάρι οθόνες ίριδας με έξι πάνελ - τώρα εθνικός θησαυρός της Ιαπωνίας - δημιουργήθηκαν από τον Ogata Korin (1658-1716) γύρω στο 1710 για τον ναό Nishi Hongan-ji στο Κιότο.

Από τον 16ο αιώνα, η ζωγραφική σε πάνελ τοίχου και χάρτινες οθόνες έχει γίνει ένα από τα κορυφαία είδη διακοσμητικής τέχνης στην Ιαπωνία και ο Ogata Korin, ο ιδρυτής της σχολής τέχνης Rinpa, ήταν ένας από τους μεγαλύτερους δασκάλους της.

Οι οθόνες στο ιαπωνικό εσωτερικό έπαιξαν σημαντικό ρόλο. Οι ευρύχωροι χώροι του παλατιού δεν διέφεραν δομικά από τις κατοικίες ενός απλού Ιάπωνα: δεν είχαν σχεδόν καθόλου εσωτερικούς τοίχους και ο χώρος ήταν ζωνοποιημένος με πτυσσόμενες οθόνες. Μόλις λίγο περισσότερο από ενάμιση μέτρο ύψος, οι οθόνες σχεδιάστηκαν για την κοινή ιαπωνική παράδοση όλων των τάξεων να ζουν στο πάτωμα. Στην Ιαπωνία, τα παιδικά καρεκλάκια και τα τραπέζια δεν χρησιμοποιήθηκαν μέχρι τον 19ο αιώνα και το ύψος της οθόνης, καθώς και η σύνθεση της ζωγραφικής της, έχουν σχεδιαστεί για την θέα ενός ατόμου που κάθεται στα γόνατά του. Με αυτήν την άποψη προκύπτει ένα εκπληκτικό αποτέλεσμα: οι ίριδες φαίνεται να περιβάλλουν τον καθισμένο άτομο - και ένα άτομο μπορεί να αισθανθεί τον εαυτό του στις όχθες του ποταμού, περιτριγυρισμένο από λουλούδια.

Οι ίριδες είναι ζωγραφισμένες με τρόπο χωρίς περίγραμμα - σχεδόν ιμπρεσιονιστικές, φαρδιές πινελιές από σκούρο μπλε, λιλά και μοβ τέμπερα μεταδίδουν την πλούσια μεγαλοπρέπεια αυτού του λουλουδιού. Το γραφικό αποτέλεσμα ενισχύεται από τη θαμπή λάμψη του χρυσού, πάνω στην οποία απεικονίζονται ίριδες. Οι οθόνες δεν απεικονίζουν τίποτα άλλο εκτός από λουλούδια, αλλά η γωνιακή γραμμή ανάπτυξής τους υποδηλώνει ότι τα λουλούδια κάμπτονται γύρω από την ελικοειδή ροή του ποταμού ή τα ζιγκ-ζαγκ ξύλινων γεφυρών. Θα ήταν φυσικό για τους Ιάπωνες να δουν μια γέφυρα να λείπει από την οθόνη, μια ειδική «γέφυρα οκτώ σανίδων» ( γιατσουχάσιακούστε)), που σχετίζεται με τις ίριδες στην κλασική ιαπωνική λογοτεχνία. Το μυθιστόρημα Ise Monogatari (9ος αιώνας) περιγράφει το θλιβερό ταξίδι ενός ήρωα που εκδιώχθηκε από την πρωτεύουσα. Έχοντας εγκατασταθεί με τη συνοδεία του για να ξεκουραστεί στην όχθη του ποταμού κοντά στη γέφυρα Yatsuhashi, ο ήρωας, βλέποντας ίριδες, θυμάται την αγαπημένη του και συνθέτει ποιήματα:

η αγαπημένη μου με τα ρούχα
Χαριτωμένο εκεί, στην πρωτεύουσα,
Έφυγε η αγάπη...
Και σκέφτομαι με λαχτάρα πόσο
Είμαι μακριά της... Μετάφραση N.I. Konrad.

«Έτσι δίπλωσε και όλοι έριξαν δάκρυα στο ξερό ρύζι τους, έτσι που φούσκωσε από υγρασία», προσθέτει ο συγγραφέας και λυρικός ήρωας της ιστορίας, Arivara no Narihira.

Για έναν μορφωμένο Ιάπωνα, η σύνδεση μεταξύ ίριδες δίπλα στη γέφυρα και Ise monogatari, ίριδες και το θέμα του χωρισμένου έρωτα ήταν ξεκάθαρη, και η Ogata Korin αποφεύγει τη βερμπαλισμό και την παραστατικότητα. Με τη βοήθεια της διακοσμητικής ζωγραφικής, δημιουργεί μόνο έναν ιδανικό χώρο γεμάτο φως, χρώμα και λογοτεχνικές υποδηλώσεις.

Kinkakuji Golden Pavilion, Κιότο, 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2006

Ο Χρυσός Ναός είναι ένα από τα σύμβολα της Ιαπωνίας, που, κατά ειρωνικό τρόπο, δοξάστηκε περισσότερο από την καταστροφή του παρά από την κατασκευή του. Το 1950, ένας ψυχικά ασταθής μοναχός του μοναστηριού Rokuonji, στο οποίο ανήκει αυτό το κτίριο, έβαλε φωτιά σε μια λίμνη που στεκόταν στην επιφάνεια του
περίπτερο Κατά τη διάρκεια πυρκαγιάς το 1950, ο ναός σχεδόν καταστράφηκε. Οι εργασίες αποκατάστασης στο Kinkaku-ji ξεκίνησαν το 1955, μέχρι το 1987 ολοκληρώθηκε η ανοικοδόμηση στο σύνολό της, αλλά η αντικατάσταση του εντελώς χαμένου εσωτερική διακόσμησησυνεχίστηκε μέχρι το 2003.. Τα αληθινά κίνητρα της πράξης του παρέμειναν ασαφή, αλλά στην ερμηνεία του συγγραφέα Yukio Mishima, έφταιγε η άφταστη, σχεδόν μυστικιστική ομορφιά αυτού του ναού. Πράγματι, για αρκετούς αιώνες, το Kinkakuji θεωρούνταν η επιτομή της ιαπωνικής ομορφιάς.

Το 1394, ο Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), ο οποίος υπέταξε σχεδόν όλη την Ιαπωνία στη θέλησή του, αποσύρθηκε επίσημα και εγκαταστάθηκε σε μια ειδικά κατασκευασμένη βίλα στο βόρειο Κιότο. Το τριώροφο κτίριο στην τεχνητή λίμνη Κυοκώτη («λίμνη-καθρέφτης») έπαιζε τον ρόλο ενός είδους ερημητηρίου, ενός απομονωμένου περιπτέρου για χαλάρωση, διάβασμα και προσευχή. Περιείχε μια συλλογή από πίνακες ζωγραφικής του σογκούν, μια βιβλιοθήκη και μια συλλογή βουδιστικών κειμηλίων. Τοποθετημένο στο νερό κοντά στην ακτή, το Kinkakuji είχε επικοινωνία μόνο με βάρκα με την ακτή και ήταν το ίδιο νησί με τα τεχνητά νησιά με πέτρες και πεύκα διάσπαρτα γύρω από το Kyokoti. Η ιδέα του «νησιού των ουρανίων» δανείστηκε από την κινεζική μυθολογία, στην οποία το νησί Penglai, το νησί των αθανάτων, χρησίμευε ως εικόνα της ουράνιας κατοικίας. Η αντανάκλαση του περιπτέρου στο νερό προκαλεί ήδη βουδιστικούς συσχετισμούς με ιδέες για την απατηλή φύση του θνητού κόσμου, που είναι μόνο μια χλωμή αντανάκλαση της λαμπρότητας του κόσμου της βουδιστικής αλήθειας.

Αν και όλες αυτές οι μυθολογικές αποχρώσεις είναι εικασιακές, η θέση του περιπτέρου του δίνει μια εκπληκτική αρμονία και αρμονία. Η αντανάκλαση κρύβει την κλίση του κτιρίου, καθιστώντας το ψηλότερο και πιο λεπτό. Ταυτόχρονα, είναι το ύψος του περιπτέρου που καθιστά δυνατή τη θέασή του από οποιαδήποτε όχθη της λίμνης, πάντα σε ένα σκοτεινό φόντο πρασίνου.

Παραμένει, ωστόσο, όχι απολύτως σαφές πόσο χρυσό ήταν αυτό το περίπτερο αρχική μορφή. Πιθανώς, κάτω από το Ashikaga Yoshimitsu, ήταν πράγματι καλυμμένο με φύλλα χρυσού και ένα προστατευτικό στρώμα βερνικιού. Αλλά αν πιστεύετε τις φωτογραφίες του 19ου - αρχές του 20ου αιώνα και τον Yukio Mishima, τότε μέχρι τα μέσα του 20ου αιώνα η επιχρύσωση είχε σχεδόν ξεφλουδίσει και τα υπολείμματά της ήταν ορατά μόνο στην επάνω βαθμίδα του κτιρίου. Αυτή την ώρα μάλλον άγγιξε την ψυχή με τη γοητεία της ερήμωσης, τα ίχνη του χρόνου, αδυσώπητα και στα πιο όμορφα πράγματα. Αυτή η μελαγχολική γοητεία αντιστοιχούσε στην αισθητική αρχή σάμπιπολύ σεβαστή στην ιαπωνική κουλτούρα.

Με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, η λαμπρότητα αυτού του κτιρίου δεν ήταν καθόλου σε χρυσό. Η εξαιρετική αυστηρότητα των μορφών του Kinkakuji και η άψογη αρμονία του με το τοπίο το καθιστούν ένα από τα αριστουργήματα της ιαπωνικής αρχιτεκτονικής.

Μπολ "Iris" στο στυλ του καράτσου, αιώνες XVI-XVII

Diane Martineau /pinterest.com/Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη

Η λέξη meibutsu- ένα πράγμα με όνομα. Μόνο το όνομα αυτού του κυπέλλου σώθηκε πραγματικά, αφού δεν έχει διασωθεί ούτε ο ακριβής χρόνος και ο τόπος δημιουργίας του, ούτε το όνομα του κυρίου. Παρόλα αυτά, έχει χαρακτηριστεί ως εθνικός θησαυρός της Ιαπωνίας και είναι ένας από τους ξεκάθαρα παραδείγματακεραμικά σε εθνικό στυλ.

Στα τέλη του 16ου αιώνα η τελετή του τσαγιού cha-no-yuεγκατέλειψε το εκλεπτυσμένο Κινέζικη πορσελάνηκαι κεραμικά με λούστρες που θυμίζουν πολύτιμα υλικά. Η εντυπωσιακή ομορφιά τους φαινόταν πολύ τεχνητή και ειλικρινής στους δασκάλους του τσαγιού. Τέλεια και ακριβά αντικείμενα - μπολ, δοχεία νερού και τσαγιού - δεν αντιστοιχούσαν στους σχεδόν ασκητικούς πνευματικούς κανόνες του βουδισμού Ζεν, στο πνεύμα του οποίου αναπτύχθηκε η τελετή του τσαγιού. Μια πραγματική επανάσταση στη δράση του τσαγιού ήταν η απήχηση στην ιαπωνική κεραμική, πολύ πιο απλή και άτεχνη σε μια εποχή που τα εργαστήρια της Ιαπωνίας μόλις είχαν αρχίσει να κυριαρχούν στις τεχνολογίες της ηπειρωτικής κεραμικής.

Το σχήμα του μπολ Iris είναι απλό και ακανόνιστο. Η ελαφριά καμπυλότητα των τοίχων, τα βαθουλώματα του αγγειοπλάστη ορατά σε όλο το σώμα δίνουν στο μπολ μια σχεδόν αφελή ευκολία. Το θραύσμα πηλού καλύπτεται με ελαφρύ λούστρο με δίκτυο ρωγμών - κρακέλου. Στην μπροστινή πλευρά, που απευθύνεται στον καλεσμένο κατά τη διάρκεια της τελετής τσαγιού, μια εικόνα μιας ίριδας εφαρμόζεται κάτω από το γλάσο: το σχέδιο είναι αφελές, αλλά εκτελείται με ένα ενεργητικό πινέλο, ακριβώς, σαν σε μια κίνηση, στο πνεύμα του Ζεν καλλιγραφία. Φαίνεται ότι τόσο η φόρμα όσο και το ντεκόρ θα μπορούσαν να έχουν γίνει αυθόρμητα και χωρίς την εφαρμογή ειδικών δυνάμεων.

Αυτός ο αυθορμητισμός αντανακλά το ιδανικό wabi- απλότητα και άτεχνη, δημιουργώντας μια αίσθηση πνευματικής ελευθερίας και αρμονίας. Οποιοδήποτε άτομο ή ακόμα και ένα άψυχο αντικείμενο στις απόψεις των Ιαπώνων οπαδών του Ζεν Βουδισμού έχει τη φωτισμένη φύση του Βούδα και οι προσπάθειες του ειδικού στοχεύουν στην ανακάλυψη αυτής της φύσης στον εαυτό του και στον κόσμο γύρω του. Τα πράγματα που χρησιμοποιούνται στην τελετή του τσαγιού, παρ' όλη τους την αδεξιότητα, θα έπρεπε να προκαλούν μια βαθιά εμπειρία της αλήθειας, τη συνάφεια κάθε στιγμής, να αναγκάζονται να κοιτάξουν τις πιο συνηθισμένες μορφές και να δουν αληθινή ομορφιά σε αυτές.

Η αντίθεση με την τραχιά υφή του μπολ και την απλότητά του είναι η αποκατάσταση με μια μικρή πελεκημένη χρυσή λάκα (αυτή η τεχνική ονομάζεται kintsugi). Η αποκατάσταση πραγματοποιήθηκε τον 18ο αιώνα και καταδεικνύει την ευλάβεια με την οποία οι Ιάπωνες δάσκαλοι του τσαγιού περιποιήθηκαν τα σκεύη για την τελετή του τσαγιού. Έτσι, η τελετή του τσαγιού παρέχει στους συμμετέχοντες έναν «τρόπο» να ανακαλύψουν την αληθινή ομορφιά των πραγμάτων, όπως το μπολ της Ίριδας. Η σιωπηρή, η μυστικότητα έχει γίνει η βάση της αισθητικής έννοιας του wabi και ένα σημαντικό μέρος της ιαπωνικής κοσμοθεωρίας.

Πορτρέτο του μοναχού Gandzin, Nara, 763

Toshodaiji, 2015

Τον 8ο αιώνα, η γλυπτική έγινε η κύρια μορφή καλλιτεχνικής έκφρασης της εποχής, της εποχής Νάρα (710-794), που συνδέεται με τη διαμόρφωση του ιαπωνικού κράτους και την ενίσχυση του βουδισμού. Οι Ιάπωνες δάσκαλοι έχουν ήδη περάσει το στάδιο της μαθητείας και της τυφλής μίμησης ηπειρωτικών τεχνικών και εικόνων και άρχισαν να εκφράζουν ελεύθερα και ζωντανά το πνεύμα της εποχής τους στη γλυπτική. Η εξάπλωση και η ανάπτυξη της εξουσίας του Βουδισμού προκάλεσε την εμφάνιση ενός βουδιστικού γλυπτικού πορτρέτου.

Ένα από τα αριστουργήματα αυτού του είδους είναι το πορτρέτο του Gandzin, που δημιουργήθηκε το 763. Κατασκευασμένο με την τεχνική της ξηρής λάκας (δημιουργώντας στρώματα λάκας σε ξύλινο πλαίσιο καλυμμένο με ύφασμα), το γλυπτό είναι σχεδόν μέγεθος ζωήςήταν ζωγραφισμένο ρεαλιστικά και στο μισοσκόταδο του ναού, ο Ganjin κάθισε σε μια στάση διαλογισμού «σαν ζωντανός». Αυτή η ζωντάνια ήταν η κύρια λατρευτική λειτουργία τέτοιων πορτρέτων: ο δάσκαλος έπρεπε να είναι πάντα μέσα στα τείχη του μοναστηριού Todaiji στην πόλη Nara και να είναι παρών στις πιο σημαντικές θείες λειτουργίες.

Αργότερα, τον 11ο-13ο αιώνα, τα γλυπτικά πορτρέτα έφτασαν σε έναν σχεδόν ανελέητο ψευδαίσθηση, που απεικονίζουν τη γεροντική αναπηρία των αξιοσέβαστων δασκάλων, τα βυθισμένα στόματά τους, τα χαλαρά μάγουλά τους και τις βαθιές ρυτίδες. Αυτά τα πορτρέτα κοιτάζουν τους οπαδούς του Βουδισμού με ζωντανά μάτια, ένθετα με βράχο κρύσταλλο και ξύλο. Αλλά το πρόσωπο του Gandzin φαίνεται θολό, δεν υπάρχουν σαφή περιγράμματα και σαφείς μορφές σε αυτό. Τα βλέφαρα των μισόκλειστων και μη επικαλυμμένων ματιών φαίνονται πρησμένα. το τεταμένο στόμα και οι βαθιές ρινοχειλικές πτυχές εκφράζουν τη συνήθη προσοχή παρά τη συγκέντρωση του διαλογισμού.

Όλα αυτά τα χαρακτηριστικά αποκαλύπτουν τη δραματική βιογραφία αυτού του μοναχού, την ιστορία εκπληκτικού ασκητισμού και τραγωδιών. Ο Ganjin, ένας Κινέζος βουδιστής μοναχός, προσκλήθηκε στην Ιαπωνία για την τελετή αγιασμού του μεγαλύτερου μοναστηριού της Nara, του Todaiji. Το πλοίο αιχμαλωτίστηκε από πειρατές, ανεκτίμητα ειλητάρια και βουδιστικά γλυπτά που προορίζονταν για έναν μακρινό ιαπωνικό ναό χάθηκαν στη φωτιά, ο Ganjin έκαψε το πρόσωπό του και έχασε την όρασή του. Αλλά δεν άφησε την επιθυμία να κηρύξει στα μακρινά περίχωρα του πολιτισμού - δηλαδή, πώς αντιλήφθηκε η Ιαπωνία από την ήπειρο εκείνη την εποχή.

Αρκετές ακόμα προσπάθειες να διασχίσει τη θάλασσα τελείωσαν με τον ίδιο ανεπιτυχή τρόπο και μόνο στην πέμπτη προσπάθεια, ο ήδη μεσήλικας, τυφλός και άρρωστος Ganjin φτάνει στην ιαπωνική πρωτεύουσα Νάρα.

Στην Ιαπωνία, ο Ganjin δεν δίδαξε βουδιστικό νόμο για πολύ: τα δραματικά γεγονότα της ζωής του υπονόμευσαν την υγεία του. Αλλά η εξουσία του ήταν τόσο υψηλή που, πιθανότατα, ακόμη και πριν από το θάνατό του, αποφασίστηκε να δημιουργήσει το γλυπτό του. Αναμφίβολα, οι καλλιτέχνες-μοναχοί προσπάθησαν να δώσουν στο γλυπτό όσο το δυνατόν περισσότερη ομοιότητα με το μοντέλο. Αυτό όμως δεν έγινε για να σωθεί εμφάνισηενός ατόμου, αλλά για να αποτυπώσει την ατομική πνευματική του εμπειρία, εκείνο το δύσκολο μονοπάτι που πέρασε ο Ganjin και στο οποίο καλούσε η βουδιστική διδασκαλία.

Daibutsu - Μεγάλος Βούδας του Ναού Todaiji, Νάρα, μέσα του 8ου αιώνα

Todd/flickr.com

Στα μέσα του 8ου αιώνα, η Ιαπωνία υπέφερε από φυσικές καταστροφές και επιδημίες και οι ίντριγκες της οικογένειας Fujiwara με επιρροή και η εξέγερση που ξεσήκωσαν ανάγκασαν τον αυτοκράτορα Shomu να εγκαταλείψει την πρωτεύουσα, την πόλη Nara. Στην εξορία, ορκίστηκε να ακολουθήσει το μονοπάτι των βουδιστικών διδασκαλιών και το 743 διέταξε την κατασκευή του κύριου ναού της χώρας και τη χύτευση ενός κολοσσιαίου χάλκινου αγάλματος του Βούδα Vairochana (Buddha Great Sun ή All Illuminating Light). Αυτή η θεότητα θεωρήθηκε η παγκόσμια ενσάρκωση του Βούδα Σακιαμούνι, του ιδρυτή των βουδιστικών διδασκαλιών, και υποτίθεται ότι γινόταν ο εγγυητής της προστασίας του αυτοκράτορα και ολόκληρης της χώρας κατά την περίοδο της αναταραχής και της εξέγερσης.

Οι εργασίες ξεκίνησαν το 745 και διαμορφώθηκαν σύμφωνα με το γιγάντιο άγαλμα του Βούδα στους ναούς των σπηλαίων Longmen κοντά στην κινεζική πρωτεύουσα Luoyang. Το άγαλμα στη Νάρα, όπως κάθε εικόνα του Βούδα, υποτίθεται ότι έδειχνε «μεγάλα και μικρά σημάδια του Βούδα». Αυτός ο εικονογραφικός κανόνας περιελάμβανε επιμήκεις λοβούς αυτιών, που θυμίζουν το γεγονός ότι ο Βούδας Shakyamuni καταγόταν από πριγκιπική οικογένεια και από την παιδική του ηλικία φορούσε βαριά σκουλαρίκια, ένα ύψωμα στην κορυφή του κεφαλιού του (ushnisha), μια κουκκίδα στο μέτωπό του (τεφροδόχος).

Το ύψος του αγάλματος ήταν 16 μέτρα, το πλάτος του προσώπου ήταν 5 μέτρα, το μήκος της τεντωμένης παλάμης ήταν 3,7 μέτρα και η τεφροδόχος ήταν μεγαλύτερη από ανθρώπινο κεφάλι. Για την κατασκευή χρειάστηκαν 444 τόνοι χαλκού, 82 τόνοι κασσίτερου και τεράστια ποσότητα χρυσού, η αναζήτηση του οποίου έγινε ειδικά στα βόρεια της χώρας. Μια αίθουσα, το Daibutsuden, χτίστηκε γύρω από το άγαλμα για να προστατεύσει το ιερό. Στο μικρό του χώρο, μια ελαφρώς υπόκλιση καθιστή φιγούρα του Βούδα γεμίζει ολόκληρο τον χώρο, απεικονίζοντας ένα από τα κύρια αξιώματα του Βουδισμού - την ιδέα ότι η θεότητα είναι πανταχού παρούσα και διαπερνά τα πάντα, αγκαλιάζει και γεμίζει τα πάντα. Η υπερβατική ηρεμία του προσώπου και η χειρονομία του χεριού της θεότητας (μούτρα, η χειρονομία παροχής προστασίας) συμπληρώνουν την αίσθηση του ήρεμου μεγαλείου και δύναμης του Βούδα.

Ωστόσο, μόνο μερικά θραύσματα του αρχικού αγάλματος έχουν απομείνει σήμερα: πυρκαγιές και πόλεμοι προκάλεσαν τεράστιες ζημιές στο άγαλμα τον 12ο και 16ο αιώνα, και το σύγχρονο άγαλμα είναι κυρίως χυτό του 18ου αιώνα. Κατά την αποκατάσταση του 18ου αιώνα, η χάλκινη μορφή δεν ήταν πλέον καλυμμένη με χρυσό. Ο βουδιστικός ζήλος του αυτοκράτορα Shomu τον 8ο αιώνα ουσιαστικά άδειασε το θησαυροφυλάκιο και αφαίμαξε την ήδη συγκλονισμένη χώρα, και οι μεταγενέστεροι ηγεμόνες δεν μπορούσαν πλέον να αντέξουν οικονομικά τέτοιες άμετρες δαπάνες.

Ωστόσο, η σημασία του Daibutsu δεν έγκειται στον χρυσό, ούτε καν στην αξιόπιστη αυθεντικότητα - η ίδια η ιδέα μιας τέτοιας μεγαλειώδους ενσάρκωσης των βουδιστικών διδασκαλιών είναι ένα μνημείο μιας εποχής όπου η ιαπωνική μνημειακή τέχνη γνώρισε μια γνήσια άνθηση, απελευθερωμένη από τυφλή αντιγραφή ηπειρωτικών δειγμάτων και πέτυχε ακεραιότητα και εκφραστικότητα, που αργότερα χάθηκαν.

Οι Ιάπωνες ανακάλυψαν την ομορφιά που κρύβεται στα πράγματα τον 9ο-12ο αιώνα, στην εποχή Heian (794-1185) και μάλιστα την χαρακτήρισαν με μια ιδιαίτερη αντίληψη». μονο ουτε αβρε"(Ιαπωνικά: 物の哀れ (もののあわれ)), που σημαίνει "η θλιβερή γοητεία των πραγμάτων." "Η γοητεία των πραγμάτων" είναι ένας από τους πρώτους ορισμούς της ομορφιάς στην ιαπωνική λογοτεχνία, συνδέεται με την σιντοϊστική πεποίθηση ότι κάθε πράγμα έχει τη δική του θεότητα - το κάμι - και τη δική του μοναδική γοητεία. Το Avare είναι η εσωτερική ουσία των πραγμάτων, αυτό που προκαλεί απόλαυση, ενθουσιασμό.

- Washi (wasi) ή wagami (wagami).
Χειροκίνητη κατασκευή χαρτιού. Οι μεσαιωνικοί Ιάπωνες εκτιμούσαν το washi όχι μόνο για τις πρακτικές του ιδιότητες, αλλά και για την ομορφιά του. Φημιζόταν για τη λεπτότητα, τη σχεδόν διαφάνειά της, που όμως δεν της στέρησε τη δύναμη. Το Washi φτιάχνεται από το φλοιό του δέντρου kozo (μουριά) και ορισμένων άλλων δέντρων.
Το χαρτί Washi έχει διατηρηθεί για αιώνες, απόδειξη αυτού είναι τα άλμπουμ και οι τόμοι της αρχαίας ιαπωνικής καλλιγραφίας, οι πίνακες ζωγραφικής, οι οθόνες, τα χαρακτικά που έχουν περάσει από τους αιώνες μέχρι σήμερα.
Το χαρτί του Vasya είναι ινώδες, αν κοιτάξετε μέσα από ένα μικροσκόπιο, θα δείτε ρωγμές από τις οποίες διεισδύει ο αέρας και το ηλιακό φως. Αυτή η ποιότητα χρησιμοποιείται στην κατασκευή οθονών και παραδοσιακών ιαπωνικών φαναριών.
Τα αναμνηστικά Washi είναι πολύ δημοφιλή στους Ευρωπαίους. Πολλά μικρά και χρήσιμα αντικείμενα κατασκευάζονται από αυτό το χαρτί: πορτοφόλια, φάκελοι, ανεμιστήρες. Είναι αρκετά ανθεκτικά αλλά και ελαφριά.

- Gohei.
Μασκότ από λωρίδες χαρτιού. Gohei - ένα τελετουργικό ραβδί ενός Σιντοϊσμού ιερέα, στο οποίο συνδέονται χάρτινες λωρίδες ζιγκ-ζαγκ. Οι ίδιες λωρίδες χαρτιού είναι κρεμασμένες στην είσοδο ενός σιντοϊστικού ναού. Ο ρόλος του χαρτιού στο Σιντοϊσμό ήταν παραδοσιακά πολύ μεγάλος, και τα προϊόντα που κατασκευάζονταν από αυτό αποδίδονταν πάντα εσωτερικά. Και η πεποίθηση ότι κάθε πράγμα, κάθε φαινόμενο, ακόμη και οι λέξεις, περιέχουν ένα κάμι - μια θεότητα - εξηγεί την εμφάνιση αυτού του είδους εφαρμοσμένες τέχνεςόπως το gohei. Ο σιντοϊσμός μοιάζει κάπως με τον δικό μας παγανισμό. Για τους Σιντοϊστές, το Κάμι είναι ιδιαίτερα πρόθυμο να εγκατασταθεί σε οτιδήποτε είναι έξω από τα συνηθισμένα. Για παράδειγμα, στα χαρτιά. Και ακόμη περισσότερο σε ένα gohei στριμμένο σε ένα περίπλοκο ζιγκ-ζαγκ, το οποίο κρέμεται σήμερα μπροστά από την είσοδο των σιντοϊστικών ιερών και υποδηλώνει την παρουσία μιας θεότητας στο ναό. Υπάρχουν 20 τρόποι για να διπλώσετε το gohei και αυτοί που είναι ιδιαίτερα ασυνήθιστα διπλωμένοι προσελκύουν το kami. Το Gohei έχει κυρίως λευκό χρώμα, αλλά υπάρχουν επίσης χρυσές, ασημί και πολλές άλλες αποχρώσεις. Από τον 9ο αιώνα, υπήρχε ένα έθιμο στην Ιαπωνία να ενισχύουν το gohei στις ζώνες των παλαιστών σούμο πριν από την έναρξη του αγώνα.

- Ανεσάμα.
Πρόκειται για την κατασκευή χάρτινων κούκλων. Τον 19ο αιώνα, οι σύζυγοι των Σαμουράι κατασκεύαζαν χάρτινες κούκλες με τις οποίες έπαιζαν τα παιδιά, ντύνοντάς τις με διαφορετικά ρούχα. Σε εποχές που δεν υπήρχαν παιχνίδια, ο ανεσάμα ήταν ο μοναδικός συνομιλητής για τα παιδιά, «ερμηνεύοντας» το ρόλο της μητέρας, της μεγάλης αδερφής, του παιδιού και της φίλης.
Η κούκλα είναι διπλωμένη από ιαπωνικό χαρτί washi, τα μαλλιά είναι φτιαγμένα από τσαλακωμένο χαρτί, βαμμένα με μελάνι και καλυμμένα με κόλλα, που της δίνει μια λάμψη. Διακριτικό χαρακτηριστικόείναι μια ωραία μικρή μύτη σε ένα μακρόστενο πρόσωπο. Σήμερα, αυτό το απλό παιχνίδι, που δεν απαιτεί τίποτα άλλο παρά επιδέξια χέρια, παραδοσιακής μορφής, συνεχίζει να κατασκευάζεται με τον ίδιο τρόπο όπως πριν.

- Origami.
Η αρχαία τέχνη της αναδίπλωσης του χαρτιού (折り紙, λιτ.: «διπλωμένο χαρτί»). Η τέχνη του origami έχει τις ρίζες της Αρχαία Κίναόπου εφευρέθηκε το χαρτί. Αρχικά, το origami χρησιμοποιήθηκε σε θρησκευτικές τελετές. Για μεγάλο χρονικό διάστημα, αυτό το είδος τέχνης ήταν διαθέσιμο μόνο σε εκπροσώπους των ανώτερων τάξεων, όπου ένα σημάδι καλού γούστου ήταν η κατοχή τεχνικών διπλώματος χαρτιού. Μόνο μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, το origami ξεπέρασε την Ανατολή και ήρθε στην Αμερική και την Ευρώπη, όπου βρήκε αμέσως τους θαυμαστές του. Το κλασικό origami διπλώνεται από ένα τετράγωνο φύλλο χαρτιού.
Υπάρχει ένα ορισμένο σύνολο συμβατικών συμβόλων που είναι απαραίτητα για να σκιαγραφηθεί το σχέδιο αναδίπλωσης ακόμη και του πιο περίπλοκου προϊόντος. Τα περισσότερα από τα συμβατικά σήματα εφαρμόστηκαν στα μέσα του 20ου αιώνα από τον διάσημο Ιάπωνα δάσκαλο Akira Yoshizawa.
Το κλασικό origami συνταγογραφεί τη χρήση ενός τετράγωνου φύλλου χαρτιού ομοιόμορφου χρώματος χωρίς κόλλα και ψαλίδι. Οι σύγχρονες μορφές τέχνης μερικές φορές αποκλίνουν από αυτόν τον κανόνα.

- Κιριγκάμι.
Το Kirigami είναι η τέχνη της κοπής διαφόρων σχημάτων από ένα φύλλο χαρτιού διπλωμένο πολλές φορές με τη βοήθεια ψαλιδιού. Ένα είδος origami που επιτρέπει τη χρήση ψαλιδιού και κοπής χαρτιού στη διαδικασία κατασκευής του μοντέλου. Αυτή είναι η κύρια διαφορά μεταξύ του kirigami και άλλων τεχνικών διπλώματος χαρτιού, η οποία τονίζεται στο όνομα: 切る (kiru) - κόψιμο, 紙 (gami) - χαρτί. Όλοι μας άρεσε να κόβουμε νιφάδες χιονιού στην παιδική ηλικία - μια παραλλαγή του kirigami, μπορείτε να κόψετε όχι μόνο νιφάδες χιονιού, αλλά και διάφορες φιγούρες, λουλούδια, γιρλάντες και άλλα χαριτωμένα χάρτινα πράγματα χρησιμοποιώντας αυτήν την τεχνική. Αυτά τα προϊόντα μπορούν να χρησιμοποιηθούν ως στένσιλ για εκτυπώσεις, διακοσμητικά άλμπουμ, καρτ ποστάλ, κορνίζες φωτογραφιών, σχέδιο μόδας, εσωτερική διακόσμηση και άλλες διάφορες διακοσμήσεις.

- Ικεμπάνα.
Ikebana, (jap 生け花 ή いけばな) σε μετάφραση από Ιαπωνική γλώσσα- ike» - ζωή, «μπανά» - λουλούδια ή «λουλούδια που ζουν». Η ιαπωνική τέχνη της ανθοδετικής είναι μια από τις πιο όμορφες παραδόσεις του ιαπωνικού λαού. Κατά τη σύνταξη του ikebana, μαζί με λουλούδια, χρησιμοποιούνται κομμένα κλαδιά, φύλλα και βλαστοί.Η θεμελιώδης αρχή είναι η εξαιρετική απλότητα, για να επιτευχθεί η οποία προσπαθούν να τονίσουν φυσική ομορφιάφυτά. Το Ikebana είναι η δημιουργία μιας νέας φυσικής μορφής, στην οποία η ομορφιά ενός λουλουδιού και η ομορφιά της ψυχής του πλοιάρχου που δημιουργεί τη σύνθεση συνδυάζονται αρμονικά.
Σήμερα στην Ιαπωνία υπάρχουν 4 μεγάλες σχολές ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Εκτός από αυτά, υπάρχουν περίπου χίλιες διαφορετικές κατευθύνσεις και τάσεις που ακολουθούν μία από αυτές τις σχολές.

- Οριμπάνα.
Στα μέσα του 17ου αιώνα, δύο σχολές της ohara (η κύρια μορφή του ikebana - oribana) και του koryu (η κύρια μορφή - sek) αναχώρησαν από το ikenobo. Παρεμπιπτόντως, η σχολή ohara εξακολουθεί να σπουδάζει μόνο oribanu. Όπως λένε οι Ιάπωνες, είναι πολύ σημαντικό το origami να μην μετατραπεί σε origami. Gomi σημαίνει σκουπίδια στα Ιαπωνικά. Τελικά, όπως συμβαίνει, διπλώσατε ένα κομμάτι χαρτί και μετά τι να το κάνετε; Η Oribana προσφέρει πολλές ιδέες για μπουκέτα για τη διακόσμηση του εσωτερικού. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Λάθος.
Ένα είδος καλών τεχνών που γεννήθηκε από την ανθοκομία. Το ανθοπωλείο εμφανίστηκε στη χώρα μας πριν από οκτώ χρόνια, αν και υπάρχει στην Ιαπωνία για περισσότερα από εξακόσια χρόνια. Κάποια στιγμή στο Μεσαίωνα, οι σαμουράι κατάλαβαν τον τρόπο ενός πολεμιστή. Και η oshibana ήταν μέρος αυτού του μονοπατιού, ακριβώς όπως το να γράφεις ιερογλυφικά και να κρατάς ένα σπαθί. Το νόημα του λάθους ήταν ότι στην κατάσταση της συνολικής παρουσίας στη στιγμή (satori), ο πλοίαρχος δημιούργησε μια εικόνα αποξηραμένων λουλουδιών (πατημένα λουλούδια). Τότε αυτή η εικόνα θα μπορούσε να χρησιμεύσει ως κλειδί, ένας οδηγός για όσους ήταν έτοιμοι να μπουν στη σιωπή και να ζήσουν το ίδιο σατόριο.
Η ουσία της τέχνης του "oshibana" είναι ότι, συλλέγοντας και στεγνώνοντας λουλούδια, βότανα, φύλλα, φλοιό υπό πίεση και κολλώντας τα στη βάση, ο συγγραφέας δημιουργεί με τη βοήθεια των φυτών ένα πραγματικά έργο "ζωγραφικής". Με άλλα λόγια, λάθος είναι το βάψιμο με φυτά.
Καλλιτεχνική δημιουργικότηταανθοπωλεία βασίζεται στη διατήρηση του σχήματος, του χρώματος και της υφής του αποξηραμένου φυτικού υλικού. Οι Ιάπωνες έχουν αναπτύξει μια τεχνική για την προστασία των πινάκων "oshibana" από το ξεθώριασμα και το σκούρο. Η ουσία του είναι ότι ο αέρας αντλείται μεταξύ του γυαλιού και της εικόνας και δημιουργείται ένα κενό που εμποδίζει τα φυτά να χαλάσουν.
Προσελκύει όχι μόνο την αντισυμβατικότητα αυτής της τέχνης, αλλά και την ευκαιρία να δείξει φαντασία, γεύση, γνώση των ιδιοτήτων των φυτών. Ανθοπωλεία δημιουργούν στολίδια, τοπία, νεκρές φύσεις, πορτρέτα και πίνακες ιστοριών.

- Μπονσάι.
Το μπονσάι, ως φαινόμενο, εμφανίστηκε πριν από περισσότερα από χίλια χρόνια στην Κίνα, αλλά αυτός ο πολιτισμός έφτασε στο αποκορύφωμα της ανάπτυξής του μόνο στην Ιαπωνία. (μπονσάι - ιαπωνικό 盆栽 λιτ. "φυτό σε γλάστρα") - η τέχνη της καλλιέργειας ενός ακριβούς αντιγράφου ενός πραγματικού δέντρου σε μικρογραφία. Αυτά τα φυτά καλλιεργήθηκαν από βουδιστές μοναχούς αρκετούς αιώνες πριν από την εποχή μας και στη συνέχεια έγιναν μια από τις δραστηριότητες των τοπικών ευγενών.
Τα μπονσάι κοσμούσαν ιαπωνικά σπίτια και κήπους. Στην εποχή του Tokugawa, ο σχεδιασμός των πάρκων έλαβε μια νέα ώθηση: η καλλιέργεια αζαλέας και σφενδάμου έγινε χόμπι για τους πλούσιους. Αναπτύχθηκε επίσης η παραγωγή νάνων (hachi-no-ki - «δέντρο σε γλάστρα»), αλλά τα μπονσάι εκείνης της εποχής ήταν πολύ μεγάλα.
Τώρα τα συνηθισμένα δέντρα χρησιμοποιούνται για μπονσάι, γίνονται μικρά λόγω συνεχούς κλαδέματος και διαφόρων άλλων μεθόδων. Ταυτόχρονα, η αναλογία των μεγεθών του ριζικού συστήματος, που περιορίζεται από τον όγκο του μπολ, και του εδάφους του μπονσάι αντιστοιχεί στις αναλογίες ενός ενήλικου δέντρου στη φύση.

- Mizuhiki.
Ανάλογο μακραμέ. Πρόκειται για μια αρχαία ιαπωνική εφαρμοσμένη τέχνη να δένεις διάφορους κόμπους από ειδικά κορδόνια και να δημιουργείς σχέδια από αυτά. Τέτοια έργα τέχνης είχαν ένα εξαιρετικά ευρύ πεδίο - από κάρτες δώρων και γράμματα μέχρι χτενίσματα και τσάντες. Επί του παρόντος, το mizuhiki χρησιμοποιείται εξαιρετικά ευρέως στη βιομηχανία δώρων - για κάθε γεγονός στη ζωή, ένα δώρο υποτίθεται ότι τυλίγεται και δένεται με πολύ συγκεκριμένο τρόπο. Υπάρχουν πάρα πολλοί κόμποι και συνθέσεις στην τέχνη του mizuhiki, και δεν τα γνωρίζει όλοι από καρδιάς όλοι οι Ιάπωνες. Φυσικά, υπάρχουν οι πιο συνηθισμένοι και απλοί κόμποι που χρησιμοποιούνται συχνότερα: για συγχαρητήρια για τη γέννηση ενός παιδιού, για γάμο ή εορτασμό, γενέθλια ή εισαγωγή στο πανεπιστήμιο.

- Κουμιχίμο.
Το Kumihimo είναι ένα ιαπωνικό πλεγμένο κορδόνι. Κατά την ύφανση των νημάτων, λαμβάνονται κορδέλες και κορδόνια. Αυτά τα κορδόνια υφαίνονται σε ειδικές μηχανές - Marudai και Takadai. Η μηχανή Marudai χρησιμοποιείται για την ύφανση στρογγυλών κορδονιών και το Takadai για επίπεδες. Kumihimo στα ιαπωνικά σημαίνει «ύφανση σχοινιών» (kumi - ύφανση, δίπλωμα μαζί, himo - σχοινί, δαντέλα). Παρά το γεγονός ότι οι ιστορικοί επιμένουν πεισματικά ότι παρόμοια ύφανση μπορεί να βρεθεί μεταξύ των Σκανδιναβών και των κατοίκων των Άνδεων, η ιαπωνική τέχνη του kumihimo είναι πράγματι ένας από τους αρχαιότερους τύπους υφαντικής. Η πρώτη αναφορά του χρονολογείται από το 550, όταν ο Βουδισμός εξαπλώθηκε σε όλη την Ιαπωνία και ειδικές τελετές απαιτούσαν ειδική διακόσμηση. Αργότερα, τα κορδόνια kumihimo άρχισαν να χρησιμοποιούνται ως στερέωση της ζώνης obi σε ένα γυναικείο κιμονό, ως σχοινιά για να «πακετάρουν» ολόκληρο το οπλοστάσιο των όπλων των σαμουράι (οι σαμουράι χρησιμοποιούσαν το kumihimo για διακοσμητικούς και λειτουργικούς σκοπούς για να δέσουν την πανοπλία και την πανοπλία αλόγων) και επίσης για δέσιμο βαρέων αντικειμένων.
Μια ποικιλία από σχέδια μοντέρνου kumihimo υφαίνονται πολύ εύκολα σε σπιτικούς αργαλειούς από χαρτόνι.

- Κομόνο.
Τι μένει από ένα κιμονό αφού έχει σερβίρει την ώρα του; Πιστεύετε ότι πετιέται; Τίποτα σαν αυτό! Οι Ιάπωνες δεν θα το κάνουν ποτέ αυτό. Τα κιμονό είναι ακριβά. Είναι αδιανόητο και αδύνατο να το πετάξεις έτσι απλά... Μαζί με άλλα είδη ανακύκλωσης κιμονό, οι τεχνίτες έφτιαχναν μικρά αναμνηστικά από μικρά κομμάτια. Πρόκειται για μικρά παιχνίδια για παιδιά, κούκλες, καρφίτσες, γιρλάντες, γυναικεία κοσμήματα και άλλα προϊόντα, το παλιό κιμονό χρησιμοποιείται στην κατασκευή μικρών χαριτωμένων πραγμάτων, τα οποία ονομάζονται συλλογικά "komono". Μικρά πράγματα που θα πάρουν τη δική τους ζωή, συνεχίζοντας την πορεία του κιμονό. Αυτό σημαίνει η λέξη "komono".

- Κανζάσι.
Η τέχνη της διακόσμησης κλιπ μαλλιών (τις περισσότερες φορές διακοσμημένα με λουλούδια (πεταλούδες κ.λπ.) από ύφασμα (κυρίως μετάξι). Το ιαπωνικό kanzashi (kanzashi) είναι μια μακριά φουρκέτα για ένα παραδοσιακό ιαπωνικό γυναικείο χτένισμα. Ήταν κατασκευασμένα από ξύλο, λάκα, ασήμι, κέλυφος χελώνας που χρησιμοποιείται σε παραδοσιακά κινέζικα και ιαπωνικά χτενίσματα. Πριν από περίπου 400 χρόνια, στην Ιαπωνία, το στυλ των γυναικείων χτενισμάτων άλλαξε: οι γυναίκες σταμάτησαν να χτενίζουν τα μαλλιά τους στην παραδοσιακή μορφή - taregami (μακριά ίσια μαλλιά) και άρχισαν να τα χτενίζουν με περίπλοκα και περίεργες φόρμες - nihongami. χρησιμοποιήθηκαν διάφορα αντικείμενα - φουρκέτες, ξυλάκια, χτένες. Τότε ήταν που ακόμη και μια απλή χτένα kushi μετατρέπεται σε ένα κομψό αξεσουάρ εξαιρετικής ομορφιάς, που γίνεται πραγματικό έργο τέχνης. Η ιαπωνική γυναικεία παραδοσιακή φορεσιά δεν το επέτρεπε κοσμήματα καρπού και κολιέ, έτσι ήταν τα χτενίσματα κύρια ομορφιάκαι ένα πεδίο για αυτοέκφραση - καθώς και επίδειξη της γεύσης και του πάχους του πορτοφολιού του ιδιοκτήτη. Στις γκραβούρες μπορείτε να δείτε -αν κοιτάξετε προσεκτικά- πώς οι Γιαπωνέζες κρέμασαν εύκολα μέχρι και είκοσι ακριβά kanzashi στα χτενίσματα τους.
Υπάρχει τώρα μια αναβίωση στην παράδοση της χρήσης kanzashi μεταξύ των νεαρών Γιαπωνέζων που επιθυμούν να προσθέσουν κομψότητα και κομψότητα στα χτενίσματά τους.

- Κινουσάιγκα.
Ένα καταπληκτικό είδος κεντήματος από την Ιαπωνία. Το Kinusaiga (絹彩画) είναι μια διασταύρωση μπατίκ και συνονθύλευμα. Η κύρια ιδέα είναι ότι νέοι πίνακες συλλέγονται από παλιά μεταξωτά κιμονό κομμάτι-κομμάτι - αληθινά έργατέχνη.
Αρχικά, ο καλλιτέχνης κάνει ένα σκίτσο σε χαρτί. Στη συνέχεια αυτό το σχέδιο μεταφέρεται σε μια ξύλινη σανίδα. Το περίγραμμα του σχεδίου κόβεται με αυλακώσεις ή αυλακώσεις και στη συνέχεια κόβονται μικρά κομμάτια, που ταιριάζουν στο χρώμα και τον τόνο, από το παλιό μεταξωτό κιμονό και οι άκρες αυτών των κομματιών γεμίζουν τις αυλακώσεις. Όταν κοιτάζετε μια τέτοια εικόνα, έχετε την αίσθηση ότι κοιτάτε μια φωτογραφία, ή ακόμα και απλώς παρακολουθείτε το τοπίο έξω από το παράθυρο, είναι τόσο ρεαλιστικές.

- Τέμαρι.
Πρόκειται για παραδοσιακές ιαπωνικές γεωμετρικές κεντημένες μπάλες φτιαγμένες με απλές βελονιές που κάποτε ήταν παιδικό παιχνίδι και τώρα έχουν γίνει μια μορφή τέχνης με πολλούς θαυμαστές όχι μόνο στην Ιαπωνία αλλά και σε όλο τον κόσμο. Πιστεύεται ότι πριν από πολύ καιρό αυτά τα προϊόντα κατασκευάζονταν από συζύγους σαμουράι για διασκέδαση. Στην αρχή χρησιμοποιήθηκαν πραγματικά ως μπάλα για παιχνίδι με μπάλα, αλλά σταδιακά άρχισαν να αποκτούν καλλιτεχνικά στοιχεία, μετατρέποντας αργότερα σε διακοσμητικά στολίδια. Η λεπτή ομορφιά αυτών των μπάλων είναι γνωστή σε όλη την Ιαπωνία. Και σήμερα, τα πολύχρωμα, προσεκτικά κατασκευασμένα προϊόντα είναι ένας από τους τύπους λαϊκών χειροτεχνιών στην Ιαπωνία.

- Γιουμπινούκι.
Ιαπωνικές δακτυλήθρες, όταν ράβουν με το χέρι ή κεντούν, τοποθετούνται στη μεσαία φάλαγγα του μεσαίου δακτύλου του χεριού εργασίας, με τη βοήθεια των άκρων των δακτύλων δίνεται στη βελόνα η επιθυμητή κατεύθυνση και η βελόνα σπρώχνεται μέσα από το δακτύλιο στη μέση δάχτυλο στη δουλειά. Αρχικά, οι ιαπωνικές δακτυλήθρες yubinuki κατασκευάζονταν πολύ απλά - μια λωρίδα από πυκνό ύφασμα ή δέρμα πλάτους περίπου 1 cm σε διάφορα στρώματα τυλίγεται σφιχτά γύρω από το δάχτυλο και στερεώνεται μεταξύ τους με μερικές απλές διακοσμητικές βελονιές. Δεδομένου ότι τα yubinuki ήταν απαραίτητο αντικείμενο σε κάθε σπίτι, άρχισαν να διακοσμούνται με γεωμετρικά κεντήματα με μεταξωτές κλωστές. Από το πλέξιμο των βελονιών, πολύχρωμο και περίπλοκα μοτίβα. Το Yubinuki από ένα απλό οικιακό αντικείμενο έχει μετατραπεί και σε αντικείμενο «θαυμασμού», διακόσμησης της καθημερινότητας.
Τα Yubinuki εξακολουθούν να χρησιμοποιούνται στη ραπτική και στο κέντημα, αλλά μπορούν επίσης να τα βρούμε απλά φορεμένα στα χέρια σε οποιοδήποτε δάχτυλο, όπως διακοσμητικά δαχτυλίδια. Το κέντημα σε στιλ Yubinuki χρησιμοποιείται για τη διακόσμηση διαφόρων αντικειμένων με τη μορφή δαχτυλιδιού - δαχτυλίδια από χαρτοπετσέτες, βραχιόλια, βάσεις temari, διακοσμημένα με κέντημα yubinuki και υπάρχουν επίσης κεντημένα κρεβάτια με βελόνες στο ίδιο στυλ. Τα μοτίβα Yubinuki μπορούν να αποτελέσουν εξαιρετική έμπνευση για κέντημα temari obi.

- Suibokuga ή sumie.
Ιαπωνική ζωγραφική με μελάνι. Αυτό κινέζικο στυλΗ ζωγραφική δανείστηκε από Ιάπωνες καλλιτέχνες τον 14ο αιώνα και μέχρι τα τέλη του 15ου αιώνα. έγινε το κύριο ρεύμα της ζωγραφικής στην Ιαπωνία. Το Suibokuga είναι μονόχρωμο. Χαρακτηρίζεται από τη χρήση μαύρου μελανιού (sumi), στερεής μορφής ξυλάνθρακαςή φτιαγμένη από αιθάλη κινέζικου μελανιού, η οποία αλέθεται σε δοχείο μελανιού, αραιώνεται με νερό και εφαρμόζεται με πινέλο σε χαρτί ή μετάξι. Το Monochrome προσφέρει στον πλοίαρχο μια ατελείωτη επιλογή τονικών επιλογών, που οι Κινέζοι αναγνώρισαν εδώ και πολύ καιρό ως τα «χρώματα» του μελανιού. Το Suibokuga μερικές φορές επιτρέπει τη χρήση πραγματικών χρωμάτων, αλλά την περιορίζει σε λεπτές, διαφανείς πινελιές που παραμένουν πάντα υποδεέστερες της γραμμής μελανιού. Η ζωγραφική με μελάνι μοιράζεται με την τέχνη της καλλιγραφίας βασικά χαρακτηριστικά όπως η αυστηρά ελεγχόμενη έκφραση και η τεχνική κυριαρχία της φόρμας. Η ποιότητα της ζωγραφικής με μελάνι πέφτει, όπως και στην καλλιγραφία, στην ακεραιότητα και την αντίσταση στο σχίσιμο της γραμμής που χαράσσεται με μελάνι, η οποία, όπως λέμε, κρατά το έργο τέχνης πάνω του, όπως τα οστά κρατούν ιστούς πάνω τους.

- Ετεγάμη.
Σχεδιασμένες καρτ ποστάλ (e - εικόνα, με ετικέτα - γράμμα). Φτιάξτο μόνος σου η κατασκευή καρτ ποστάλ είναι γενικά μια πολύ δημοφιλής δραστηριότητα στην Ιαπωνία και πριν από τις διακοπές η δημοτικότητά της αυξάνεται ακόμη περισσότερο. Οι Ιάπωνες λατρεύουν να στέλνουν καρτ ποστάλ στους φίλους τους, και λατρεύουν να τις λαμβάνουν επίσης. Αυτός είναι ένας τύπος γρήγορης επιστολής σε ειδικά κενά, μπορεί να σταλεί ταχυδρομικά χωρίς φάκελο. Όχι στο etegami ειδικούς κανόνεςή τεχνικός, μπορεί να είναι οποιοδήποτε άτομο χωρίς ειδική εκπαίδευση. Το Etagami βοηθά να εκφράσει με ακρίβεια τη διάθεση, τις εντυπώσεις, αυτή είναι μια χειροποίητη καρτ ποστάλ που αποτελείται από μια εικόνα και ένα σύντομο γράμμα, που μεταφέρει τα συναισθήματα του αποστολέα, όπως ζεστασιά, πάθος, φροντίδα, αγάπη κ.λπ. Στέλνουν αυτές τις καρτ ποστάλ για τις γιορτές και ακριβώς έτσι, που απεικονίζουν τις εποχές, τις δραστηριότητες, τα λαχανικά και τα φρούτα, τους ανθρώπους και τα ζώα. Όσο πιο απλή σχεδιάζεται αυτή η εικόνα, τόσο πιο ενδιαφέρουσα φαίνεται.

- Φουροσίκι.
Ιαπωνική τεχνική περιτυλίγματος ή η τέχνη του διπλώματος του υφάσματος. Ο Furoshiki μπήκε για πολύ καιρό στη ζωή των Ιαπώνων. Αρχαία ειλητάρια από την περίοδο Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) έχουν διατηρηθεί με εικόνες γυναικών που κουβαλούσαν στο κεφάλι τους δεμάτια ρούχα τυλιγμένα με ύφασμα. Αυτή η ενδιαφέρουσα τεχνική ξεκίνησε ήδη από το 710 - 794 μ.Χ. στην Ιαπωνία. Η λέξη "furoshiki" μεταφράζεται κυριολεκτικά σε "χαλί μπάνιου" και είναι ένα τετράγωνο κομμάτι ύφασμα που χρησιμοποιήθηκε για να τυλίξει και να μεταφέρει αντικείμενα όλων των σχημάτων και μεγεθών.
Τα παλιά χρόνια συνηθιζόταν να περπατούν στα ιαπωνικά λουτρά (furo) με ελαφριά βαμβακερά κιμονό, τα οποία οι επισκέπτες έφερναν μαζί τους από το σπίτι. Ο λουόμενος έφερε επίσης ένα ειδικό χαλί (shiki) στο οποίο στεκόταν ενώ γδύνονταν. Έχοντας αλλάξει σε κιμονό «λουόμενου», ο επισκέπτης τύλιξε τα ρούχα του σε ένα χαλί και μετά το μπάνιο τύλιξε ένα βρεγμένο κιμονό σε ένα χαλί για να το φέρει στο σπίτι. Έτσι, το χαλάκι μπάνιου έχει γίνει μια πολυλειτουργική τσάντα.
Το Furoshiki είναι πολύ εύκολο στη χρήση: το ύφασμα παίρνει το σχήμα του αντικειμένου που τυλίγετε και οι λαβές διευκολύνουν τη μεταφορά του φορτίου. Επιπλέον, ένα δώρο τυλιγμένο όχι σε σκληρό χαρτί, αλλά σε ένα απαλό, πολυεπίπεδο ύφασμα, αποκτά μια ιδιαίτερη εκφραστικότητα. Υπάρχουν πολλά σχέδια για πτυσσόμενα furoshiki για κάθε περίσταση, καθημερινή ή εορταστική.

- Αμιγκουρούμι.
Η ιαπωνική τέχνη του πλεξίματος ή του κροσέ μικρών λούτρινων ζώων και ανθρωποειδών πλασμάτων. Τα αμιγκουρούμι (編み包み, λιτ.: «πλεκτά-τυλιγμένα») είναι πιο συχνά χαριτωμένα ζώα (όπως αρκούδες, κουνελάκια, γάτες, σκύλοι κ.λπ.), ανθρωπάκια, αλλά μπορεί επίσης να είναι άψυχα αντικείμενα προικισμένα με ανθρώπινες ιδιότητες. Για παράδειγμα, cupcakes, καπέλα, τσάντες και άλλα. Το amigurumi είναι πλεκτό ή πλεκτό ή κροσέ. Πρόσφατα, τα κροσέ amigurumi έχουν γίνει πιο δημοφιλή και πιο συνηθισμένα.
πλεκτά από νήμα με απλή μέθοδο πλεξίματος - σε σπείρα και, σε αντίθεση με την ευρωπαϊκή μέθοδο πλεξίματος, οι κύκλοι συνήθως δεν συνδέονται. Είναι επίσης κροσέ σε μικρότερο μέγεθος σε σχέση με το πάχος του νήματος για να δημιουργηθεί ένα πολύ πυκνό ύφασμα χωρίς κενά για να βγαίνει γέμιση. Τα amigurumi συχνά φτιάχνονται από μέρη και στη συνέχεια συναρμολογούνται, με εξαίρεση μερικά amigurumi, τα οποία δεν έχουν άκρα, αλλά έχουν μόνο κεφάλι και κορμό, τα οποία είναι ένα σύνολο. Τα άκρα μερικές φορές γεμίζουν με πλαστικά κομμάτια για να τους δώσουν ζωντανό βάρος, ενώ το υπόλοιπο σώμα γεμίζει με ίνες.
Η διάδοση της αισθητικής amigurumi διευκολύνεται από τη χαριτότητά τους (“kawaii”).

Δημιούργησε τους πίνακές του κατά την περίοδο Taise (1912-26) και την πρώιμη Showa. Γεννήθηκε το 1891
έτος στο Τόκιο, ήταν ο γιος της δημοσιογράφου Kishida Ginko. Το 1908 αποφοίτησε από το σχολείο, σε ηλικία
Σε ηλικία 15 ετών έγινε χριστιανός και αφοσιώθηκε στις εκκλησιαστικές δραστηριότητες, στη συνέχεια στην Κίσιντα
Ο Ryūsei σπούδασε δυτικά στυλ τέχνης στο στούντιο Hakubakai
Seiki Kuroda (1866-1924), που ήταν ένας από τους ιδρυτές της Ακαδημίας Τεχνών στην Ιαπωνία.
Ήδη το 1910, ο νεαρός καλλιτέχνης άρχισε να εκθέτει το έργο του στην ετήσια
Κρατική Έκθεση Banten. Τα πρώτα του έργα, ιδιαίτερα τα τοπία, ζωγραφίστηκαν
επηρεάστηκε έντονα και απηχεί το ύφος του δασκάλου του Kuroda Seiki.

Πορτρέτο του Ρέικο

Αργότερα, ο καλλιτέχνης γνώρισε και έγινε φίλος με τον Musanoka Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
που μύησε τον καλλιτέχνη στην κοινωνία Sirakaba (White Birch) και τον μύησε στην ευρωπαϊκή
Φωβισμός και Κυβισμός. Η διαμόρφωση του Kishida Ryūsei ως καλλιτέχνη συνέβη στην πρώτη
δεκαετία του εικοστού αιώνα, όταν πολλοί Ιάπωνες νέοι καλλιτέχνες έφυγαν για σπουδές
ζωγραφική στο εξωτερικό, κυρίως στο Παρίσι. Ο Kishida Ryūsei δεν έχει πάει ποτέ στην Ευρώπη και
δεν σπούδασε με Ευρωπαίους δασκάλους, αλλά την επιρροή του ευρωπαϊκού μετα-ιμπρεσιονισμού πάνω του
ήταν τεράστιο, ειδικά το έργο του Βαν Γκογκ και του Σεζάν. Από τα τέλη του 1911 ως τις αρχές
1912 εμπνεύστηκε από το έργο σύγχρονων Γάλλων καλλιτεχνών, με το έργο των οποίων
Γνωρίστηκε στο περιοδικό Shirakaba και μέσα από εικονογραφημένα βιβλία. Το πρώιμο έργο του είναι ξεκάθαρα
δημιουργήθηκε υπό την επιρροή του Ανρί Ματίς και των Φωβιστών.

Αυτοπροσωπογραφία με καπέλο, 1912
στυλ: φωβισμός

Το 1912, σε ηλικία είκοσι ενός ετών, ο Kishida Ryūsei έκανε το ντεμπούτο του ως
επαγγελματίας καλλιτέχνης, πραγματοποιήθηκε η πρώτη του ατομική έκθεση
Γκαλερί Τέχνης Rokando. Την ίδια χρονιά, ο καλλιτέχνης οργάνωσε τη δική του
Fyizankai Art Circle για μελέτη και προώθηση
μετα-ιμπρεσιονισμός.

Κήπος του Προέδρου της South Manchurian Railway Company 1929

Ο κύκλος σύντομα διαλύθηκε λόγω εσωτερικές συγκρούσειςμετά από δύο εκθέσεις.
Από το 1914 περίπου, ο καλλιτέχνης εγκατέλειψε τον Φωβισμό, το πρώιμο στυλ του. Το 1915
έτος, ο Kishida Reisai δημιούργησε την ομάδα Shodosa, στην οποία ο κύριος σύντροφός του, μαθητής
και ο καλλιτέχνης Michisai Kono ήταν ακόλουθος.

Διαδρομή στις αρχές του καλοκαιριού 1917
στυλ: γιόγκα-κα

Από τότε, έχει αναπτύξει το δικό του μοναδικό στυλ ενός μεγάλου δασκάλου, στα ιαπωνικά
στη γλώσσα ονομάζεται "shajitsu" ή "shasei", συνήθως μεταφράζεται στα ρωσικά ως ρεαλισμός.
Ο καλλιτέχνης απλοποιεί τις φόρμες, βρίσκει ένα μοναδικό χρώμα, όλα αυτά προέρχονται από την τέχνη
Σεζάν. Αν και ο Κισίντα Ρεϊσάι εκτιμούσε ιδιαίτερα την τέχνη της Γαλλίας, αλλά στη μεταγενέστερη περίοδο
θεωρείται η ανατολίτικη τέχνη πολύ ανώτερη από τη δυτική τέχνη.

Road Cut Through a Hill, 1915
στυλ: γιόγκα-κα

Πορτρέτο του Bernard Leach, 1913
στυλ: φωβισμός

Αυτοπροσωπογραφία, 1915,
στυλ: γιόγκα-κα

Αυτοπροσωπογραφία, 1913,
στυλ: γιόγκα-κα

Αυτοπροσωπογραφία, 1917,
στυλ: γιόγκα-κα

Πορτρέτο ενός άνδρα
στυλ: γιόγκα-κα

Ξεκινώντας γύρω στο 1917, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στο Kugenuma Fujisawa στην περιοχή Kanagawa. Αυτός άρχισε
μελετήστε τα στυλ και τις τεχνικές των βορειοευρωπαίων καλλιτεχνών της Αναγέννησης όπως
Dürer και Van Dyck. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ζωγράφισε τη διάσημη σειρά από πίνακες της κόρης του Reiko,
που συνδυάζουν σχεδόν τον φωτογραφικό ρεαλισμό με το σουρεαλιστικό
διακοσμητικά στοιχεία. Στις αρχές της δεκαετίας του 1920, ο Kishida Ryūsei έδειξε ενδιαφέρον
στοιχεία της ανατολίτικης τέχνης, ιδίως, στους κινεζικούς πίνακες "Τραγούδια" και
«Δυναστεία Γιουάν».

"Πορτρέτο της Sanada Hisakichi"

Κατά τη διάρκεια του μεγάλου σεισμού του Κάντο το 1923, το σπίτι του καλλιτέχνη στο Kugenum ήταν
καταστράφηκε, ο Kishida Ryūsei μετακόμισε στο Κιότο για ένα σύντομο χρονικό διάστημα, μετά το οποίο τον Φεβρουάριο
Το 1926 επέστρεψε για να ζήσει στην Καμακούρα. Στη δεκαετία του 1920, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε πολλά
άρθρα για την αισθητική και την ιστορία της ιαπωνικής ζωγραφικής.

Φλιτζάνι τσαγιού Μπολ τσαγιού και τρία πράσινα μήλα, 1917
στυλ: σεζανισμός

Νεκρή φύση, 1918,
στυλ: σεζανισμός

Δύο κόκκινα μήλα, φλιτζάνι τσαγιού, μπολ και ένα μπουκάλι, 1918
στυλ: σεζανισμός

Το 1929, με τη βοήθεια του South Manchurian Railway, ο Kishida Ryūsei έκανε
το μόνο ταξίδι στο εξωτερικό στη ζωή μου, που επισκέφθηκα το Dalian, το Harbin και το Fengtian
στη Μαντζουρία. Στο δρόμο της επιστροφής στο σπίτι, έκανε μια στάση στην πόλη Τοκουγιάμα, μια συνοικία
Γιαμαγκούτσι, όπου πέθανε ξαφνικά από οξεία αυτοδηλητηρίαση του σώματος. Kishida Ryusei
δημιούργησε τα πορτρέτα, τα τοπία και τις νεκρές φύσεις του μέχρι τον πρόωρο θάνατό του σε ηλικία ετών
38 ετών. Ο τάφος του καλλιτέχνη βρίσκεται στο νεκροταφείο Tama Reien στο Τόκιο. Μετά θάνατον
Ο Kishida Ryūsei σε δύο από τους πίνακές του Ιαπωνική Κυβερνητική Υπηρεσία για Πολιτιστικές Υποθέσεις
απένειμε τον τίτλο της «Εθν πολιτιστική αξία". Τον Δεκέμβριο του 2000, ένα από τα
Το πορτρέτο της κόρης του Ρέικο με ένα μαντήλι στους ώμους της πουλήθηκε για 360 εκατομμύρια γιεν, το οποίο
έγινε η υψηλότερη τιμή σε ιαπωνικές δημοπρασίες ζωγραφικής.

Η τεράστια περιοχή, που συμβατικά αναφέρεται ως Άπω Ανατολή, περιλαμβάνει την Κίνα, την Ιαπωνία, την Κορέα, τη Μογγολία και το Θιβέτ - χώρες που έχουν μια σειρά από ομοιότητες, αλλά ταυτόχρονα σημαντικές διαφορές στον πολιτισμό.

Όλες οι χώρες της Άπω Ανατολής επηρεάστηκαν από τους αρχαίους πολιτισμούς της Κίνας και της Ινδίας, όπου ήδη από την 1η χιλιετία π.Χ., προέκυψαν φιλοσοφικές και θρησκευτικές διδασκαλίες που έθεσαν τα θεμέλια για την έννοια της φύσης ως ολοκληρωμένου Κόσμου - ενός ζωντανού και πνευματικού κόσμου. οργανισμός που ζει σύμφωνα με τους δικούς του νόμους. Η φύση βρισκόταν στο επίκεντρο των φιλοσοφικών και καλλιτεχνικών αναζητήσεων ολόκληρης της μεσαιωνικής περιόδου και οι νόμοι της θεωρούνταν παγκόσμιοι, καθορίζοντας τη ζωή και τις σχέσεις των ανθρώπων. Ο εσωτερικός κόσμος του ανθρώπου συγκρίθηκε με τις ποικίλες εκδηλώσεις της φύσης. Αυτό επηρέασε την ανάπτυξη της συμβολικής μεθόδου στις εικαστικές τέχνες, καθορίζοντας την αλληγορική ποιητική της γλώσσα. Στην Κίνα, την Ιαπωνία και την Κορέα, υπό την επίδραση μιας τέτοιας στάσης στη φύση, διαμορφώθηκαν τύποι και είδη τέχνης, χτίστηκαν αρχιτεκτονικά σύνολα, στενά συνδεδεμένα με το γύρω τοπίο, τέχνη κήπουκαι, τέλος, ήρθε η αυγή της τοπογραφίας. Υπό την επίδραση του αρχαίου ινδικού πολιτισμού, ο Βουδισμός άρχισε να εξαπλώνεται και ο Ινδουισμός άρχισε επίσης να εξαπλώνεται στη Μογγολία και στο Θιβέτ. Αυτά τα θρησκευτικά συστήματα έφεραν όχι μόνο νέες ιδέες στις χώρες της Άπω Ανατολής, αλλά είχαν και άμεσο αντίκτυπο στην ανάπτυξη της τέχνης. Χάρη στον Βουδισμό, μια προηγουμένως άγνωστη νέα καλλιτεχνική γλώσσα γλυπτικής και ζωγραφικής εμφανίστηκε σε όλες τις χώρες της περιοχής, δημιουργήθηκαν σύνολα, το χαρακτηριστικό γνώρισμα των οποίων ήταν η αλληλεπίδραση αρχιτεκτονικής και καλών τεχνών.

Τα χαρακτηριστικά της εικόνας των βουδιστικών θεοτήτων στη γλυπτική και τη ζωγραφική εξελίχθηκαν κατά τη διάρκεια πολλών αιώνων ως ειδική συμβολική γλώσσα που εξέφραζε ιδέες για το σύμπαν, τους ηθικούς νόμους και το πεπρωμένο του ανθρώπου. Έτσι, η πολιτιστική εμπειρία και οι πνευματικές παραδόσεις πολλών λαών εδραιώθηκαν και διατηρήθηκαν. Οι εικόνες της βουδιστικής τέχνης ενσάρκωναν τις ιδέες της αντιπαράθεσης μεταξύ του καλού και του κακού, του ελέους, της αγάπης και της ελπίδας. Όλες αυτές οι ιδιότητες καθόρισαν την πρωτοτυπία και την παγκόσμια σημασία των εξαιρετικών δημιουργιών του καλλιτεχνικού πολιτισμού της Άπω Ανατολής.

Η Ιαπωνία βρίσκεται στα νησιά του Ειρηνικού Ωκεανού, που εκτείνονται κατά μήκος της ανατολικής ακτής της ηπειρωτικής Ασίας από βορρά προς νότο. Ιαπωνικά νησιάβρίσκεται σε περιοχή επιρρεπή σε συχνούς σεισμούς και τυφώνες. Οι κάτοικοι των νησιών συνηθίζουν να είναι συνεχώς σε επιφυλακή, να αρκούνται σε μια μέτρια ζωή, να αποκαθιστούν γρήγορα τα σπίτια και τα νοικοκυριά τους μετά από φυσικές καταστροφές. Παρά τα φυσικά στοιχεία που απειλούν συνεχώς την ευημερία των ανθρώπων, η ιαπωνική κουλτούρα αντανακλά την επιθυμία για αρμονία με τον έξω κόσμο, την ικανότητα να βλέπεις την ομορφιά της φύσης σε μεγάλο και μικρό.

Στην ιαπωνική μυθολογία, οι θεϊκοί σύζυγοι, Izanagi και Izanami, θεωρούνταν οι πρόγονοι των πάντων στον κόσμο. Από αυτούς προήλθε μια τριάδα μεγάλων θεών: Amaterasu - η θεά του Ήλιου, Tsukiyomi - η θεά της Σελήνης και Susanoo - ο θεός της καταιγίδας και του ανέμου. Σύμφωνα με τις ιδέες των αρχαίων Ιαπώνων, οι θεότητες δεν είχαν ορατή εμφάνιση, αλλά ενσωματώθηκαν στην ίδια τη φύση - όχι μόνο στον Ήλιο και τη Σελήνη, αλλά και σε βουνά και βράχους, ποτάμια και καταρράκτες, δέντρα και χόρτα, τα οποία ήταν σεβαστά ως πνεύματα-κάμι (οι σλοβάκοι σε μετάφραση από τα ιαπωνικά σημαίνει θεϊκός άνεμος). Αυτή η θεοποίηση της φύσης διατηρήθηκε σε όλη την περίοδο του Μεσαίωνα και ονομάστηκε Σιντοϊσμός - το μονοπάτι των θεών, και έγινε η ιαπωνική εθνική θρησκεία. Οι Ευρωπαίοι το αποκαλούν Σιντοϊσμό. Οι απαρχές του ιαπωνικού πολιτισμού έχουν τις ρίζες τους στην αρχαιότητα. Τα αρχαιότερα έργα τέχνης χρονολογούνται στην 4η...2η χιλιετία π.Χ. Η μακρύτερη και πιο γόνιμη για την ιαπωνική τέχνη ήταν η περίοδος του Μεσαίωνα (6...19ος αιώνας).

Ο σχεδιασμός ενός παραδοσιακού ιαπωνικού σπιτιού που αναπτύχθηκε από τον 17ο-18ο αιώνα. Είναι ξύλινος σκελετός με τρεις κινητούς τοίχους και έναν σταθερό. Οι τοίχοι δεν φέρουν τις λειτουργίες στήριξης, επομένως μπορούν να απομακρυνθούν ή ακόμα και να αφαιρεθούν, λειτουργώντας ταυτόχρονα ως παράθυρο. Στη ζεστή εποχή, οι τοίχοι ήταν μια δικτυωτή κατασκευή, επικολλημένη με ημιδιαφανές χαρτί που άφηνε το φως να περάσει, και την κρύα και βροχερή εποχή καλύφθηκαν ή αντικαταστάθηκαν με ξύλινα πάνελ. Με υψηλή υγρασία στο ιαπωνικό κλίμα, το σπίτι πρέπει να αερίζεται από κάτω. Ως εκ τούτου, ανυψώνεται πάνω από το επίπεδο του εδάφους κατά 60 εκ. Για την προστασία των υποστυλωμάτων στήριξης από τη φθορά, τοποθετήθηκαν σε πέτρινα θεμέλια.

Ο ελαφρύς ξύλινος σκελετός είχε την απαραίτητη ευελιξία, που μείωνε την καταστροφική δύναμη της ώθησης κατά τους συχνούς σεισμούς στη χώρα. Η στέγη, κεραμοσκεπή ή καλαμιά, είχε μεγάλους θόλους που προστάτευαν τους χάρτινους τοίχους του σπιτιού από τη βροχή και τον καυτό καλοκαιρινό ήλιο, αλλά δεν συγκρατούσαν το χαμηλό φως του ήλιου το χειμώνα, τις αρχές της άνοιξης και τα τέλη του φθινοπώρου. Κάτω από το κουβούκλιο της στέγης υπήρχε μια βεράντα.

Το πάτωμα των σαλονιών ήταν καλυμμένο με ψάθες - τατάμι, πάνω στα οποία κάθονταν κυρίως, δεν στέκονταν. Επομένως, όλες οι αναλογίες του σπιτιού επικεντρώθηκαν σε ένα καθισμένο άτομο. Επειδή δεν υπήρχαν μόνιμα έπιπλα στο σπίτι, κοιμόντουσαν στο πάτωμα, πάνω σε ειδικά χοντρά στρώματα, τα οποία κατά τη διάρκεια της ημέρας τα έβαζαν στις ντουλάπες. Έφαγαν, καθισμένοι σε ψάθες, σε χαμηλά τραπέζια, σέρβιραν και για διάφορα επαγγέλματα. Τα συρόμενα εσωτερικά χωρίσματα, καλυμμένα με χαρτί ή μετάξι, μπορούσαν να χωρίσουν τις εσωτερικές εγκαταστάσεις ανάλογα με τις ανάγκες, γεγονός που επέτρεπε τη χρήση τους με μεγαλύτερη ποικιλία, ωστόσο, ήταν αδύνατο για κάθε έναν από τους κατοίκους του να αποσυρθεί εντελώς μέσα στο σπίτι, κάτι που επηρέασε το εσωτερικό -οικογενειακές σχέσεις στην ιαπωνική οικογένεια, και με γενικότερη έννοια - σχετικά με τα χαρακτηριστικά του εθνικού χαρακτήρα των Ιαπώνων. Σημαντική λεπτομέρειαστο σπίτι - μια θέση που βρίσκεται κοντά σε έναν σταθερό τοίχο - τοκονάμα, όπου θα μπορούσε να κρεμαστεί μια εικόνα ή μια σύνθεση από λουλούδια - η ikebana θα μπορούσε να σταθεί. Ήταν το πνευματικό κέντρο του σπιτιού. Στη διακόσμηση της κόγχης εκδηλώθηκαν οι ατομικές ιδιότητες των κατοίκων του σπιτιού, τα γούστα και οι καλλιτεχνικές τους κλίσεις.

Συνέχεια του παραδοσιακού ιαπωνικού σπιτιού ήταν ένας κήπος. Έπαιζε το ρόλο του φράχτη και ταυτόχρονα συνέδεε το σπίτι με περιβάλλον. Όταν οι εξωτερικοί τοίχοι του σπιτιού απομακρύνθηκαν, το όριο μεταξύ του εσωτερικού χώρου του σπιτιού και του κήπου εξαφανίστηκε και δημιουργήθηκε μια αίσθηση εγγύτητας με τη φύση, άμεση επικοινωνία μαζί της. Ήταν σημαντικό χαρακτηριστικόεθνικό συναίσθημα. Ωστόσο, οι ιαπωνικές πόλεις μεγάλωσαν, το μέγεθος του κήπου μειώθηκε, συχνά αντικαταστάθηκε από μια μικρή συμβολική σύνθεση λουλουδιών και φυτών, που εξυπηρετούσε τον ίδιο ρόλο επαφής μεταξύ της κατοικίας και του φυσικού κόσμου. Ο οίκος ιαπωνικής μυθολογίας ikebana netsuke

Η τέχνη της τακτοποίησης λουλουδιών σε βάζα - ikebbna (η ζωή των λουλουδιών) - χρονολογείται από την αρχαία συνήθεια της τοποθέτησης λουλουδιών στο βωμό μιας θεότητας, που εξαπλώθηκε στην Ιαπωνία με τον Βουδισμό τον 6ο αιώνα. Τις περισσότερες φορές, η σύνθεση με το στυλ εκείνης της εποχής - rikka (φυτευμένα λουλούδια) - αποτελούνταν από κλαδί πεύκου ή κυπαρισσιού και λωτούς, τριαντάφυλλα, νάρκισσους, εγκατεστημένα σε αρχαία χάλκινα αγγεία.

Με ανάπτυξη κοσμικός πολιτισμόςτον 10ο...12ο αιώνα τοποθετήθηκαν ανθοσυνθέσεις σε ανάκτορα και κατοικίες εκπροσώπων της αριστοκρατικής τάξης. Στην αυτοκρατορική αυλή, οι ειδικοί διαγωνισμοί στην τακτοποίηση ανθοδέσμων έγιναν δημοφιλείς. Στο δεύτερο μισό του 15ου αιώνα, εμφανίστηκε μια νέα κατεύθυνση στην τέχνη της ikebana, ιδρυτής της οποίας ήταν ο πλοίαρχος Ikenobo Sen'ei. Τα έργα της σχολής Ikenobo διακρίνονταν για την ιδιαίτερη ομορφιά και την κομψότητά τους, τοποθετήθηκαν σε οικιακούς βωμούς και παρουσιάστηκαν ως δώρα. Τον 16ο αιώνα, με τη διάδοση των τελετών τσαγιού, διαμορφώθηκε ένας ειδικός τύπος ikebana για να διακοσμήσει την κόγχη tokonoma στο περίπτερο τσαγιού. Η απαίτηση της απλότητας, της αρμονίας, των συγκρατημένων χρωμάτων, που παρουσιάζονται σε όλα τα αντικείμενα της λατρείας του τσαγιού, επεκτάθηκε και στο σχεδιασμό των λουλουδιών - tyabana (ikebana για την τελετή του τσαγιού). Ο διάσημος δάσκαλος του τσαγιού Senno Rikyu δημιούργησε ένα νέο, πιο ελεύθερο στυλ - nageire (απρόσεκτα τοποθετημένα λουλούδια), αν και ήταν στην φαινομενική διαταραχή που συνίστατο η ιδιαίτερη πολυπλοκότητα και ομορφιά των εικόνων αυτού του στυλ. Ένα από τα είδη του nageire ήταν η λεγόμενη τσουριμπάνα, όταν τα φυτά τοποθετούνταν σε ένα κρεμασμένο δοχείο σε σχήμα βάρκας. Τέτοιες συνθέσεις προσφέρθηκαν σε άτομο που ανέλαβε καθήκοντα ή αποφοίτησε από το σχολείο, καθώς συμβόλιζαν «να βγεις στην ανοιχτή θάλασσα της ζωής». Τον 17ο...19ο αιώνα διαδόθηκε ευρέως η τέχνη του ikebana και προέκυψε ένα έθιμο για την υποχρεωτική εκπαίδευση των κοριτσιών στην τέχνη της κατασκευής ανθοδέσμων. Ωστόσο, λόγω της δημοτικότητας του ikebana, οι συνθέσεις απλοποιήθηκαν και οι αυστηροί κανόνες του stylerikka έπρεπε να εγκαταλειφθούν υπέρ του nageire, από το οποίο προέκυψε ένα άλλο νέο στυλ seika ή shoka (ζωντανά λουλούδια). Στα τέλη του 19ου αιώνα, ο δάσκαλος Ohara Usin δημιούργησε το στυλ moribana, η κύρια καινοτομία του οποίου ήταν ότι τα λουλούδια τοποθετούνταν σε φαρδιά αγγεία.

Στη σύνθεση του ikebana, κατά κανόνα, υπάρχουν τρία υποχρεωτικά στοιχεία, που δηλώνουν τις τρεις αρχές: Ουρανό, Γη και Άνθρωπος. Μπορούν να ενσωματωθούν ως λουλούδι, κλαδί και γρασίδι. Η σχέση τους μεταξύ τους και πρόσθετα στοιχείαδημιουργεί έργα διαφορετικού στυλ και περιεχομένου. Το καθήκον του καλλιτέχνη δεν είναι μόνο να δημιουργήσει μια όμορφη σύνθεση, αλλά και να μεταφέρει πλήρως σε αυτήν τις δικές του σκέψεις για τη ζωή ενός ατόμου και τη θέση του στον κόσμο. Τα έργα των εξαιρετικών δασκάλων της ikebana μπορούν να εκφράσουν ελπίδα και θλίψη, πνευματική αρμονία και θλίψη.

Σύμφωνα με την παράδοση στο ikebana, η εποχή αναπαράγεται αναγκαστικά και ο συνδυασμός των φυτών σχηματίζει συμβολικές καλές ευχές γνωστές στην Ιαπωνία: πεύκο και τριαντάφυλλο - μακροζωία. παιώνια και μπαμπού - ευημερία και ειρήνη. χρυσάνθεμο και ορχιδέα - χαρά. μανόλια - πνευματική αγνότητα κ.λπ.

Η μινιατούρα γλυπτικής - το netsuke έγινε ευρέως διαδεδομένο τον 18-19 αιώνες ως ένα από τα είδη τεχνών και χειροτεχνίας. Η εμφάνισή του οφείλεται στο γεγονός ότι η εθνική ιαπωνική φορεσιά - κιμονό - δεν έχει τσέπες και όλα τα απαραίτητα μικροαντικείμενα (σωλήνας, θήκη, κουτί φαρμάκων) συνδέονται στη ζώνη χρησιμοποιώντας ένα αντίβαρο μπρελόκ. Το Netsuke, λοιπόν, έχει απαραίτητα μια τρύπα για δαντέλα, με τη βοήθεια της οποίας στερεώνεται το επιθυμητό αντικείμενο. Μπρελόκ σε μορφή ραβδιών και κουμπιών χρησιμοποιούνταν παλαιότερα, αλλά από τα τέλη του 18ου αιώνα, γνωστοί δάσκαλοι έχουν ήδη εργαστεί στη δημιουργία του netsuke, βάζοντας την υπογραφή τους στα έργα.

Το Netsuke είναι η τέχνη της αστικής τάξης, μαζική και δημοκρατική. Σύμφωνα με τις πλοκές του netsuke, μπορεί κανείς να κρίνει τις πνευματικές ανάγκες, τα καθημερινά ενδιαφέροντα, τα ήθη και τα έθιμα των κατοίκων της πόλης. Πίστευαν σε πνεύματα και δαίμονες, που συχνά απεικονίζονταν σε μινιατούρες γλυπτικής. Λάτρευαν τα ειδώλια των «επτά θεών της ευτυχίας», μεταξύ των οποίων τα πιο δημοφιλή ήταν ο θεός του πλούτου Daikoku και ο θεός της ευτυχίας Fukuroku. Τα σταθερά οικόπεδα του netsuke ήταν τα εξής: μια ραγισμένη μελιτζάνα με πολλούς σπόρους μέσα - μια ευχή για έναν μεγάλο αρσενικό απόγονο, δύο πάπιες - ένα σύμβολο οικογενειακή ευτυχία. Ένας τεράστιος αριθμός netsuke είναι αφιερωμένος σε καθημερινά θέματα και την καθημερινή ζωή της πόλης. Αυτοί είναι περιπλανώμενοι ηθοποιοί και μάγοι, πλανόδιοι πωλητές, γυναίκες που κάνουν διάφορες δραστηριότητες, περιπλανώμενοι μοναχοί, παλαιστές, ακόμη και οι Ολλανδοί με τα εξωτικά, από την άποψη των Ιαπώνων, ρούχα - καπέλα με φαρδύ γείσο, καμιζόλες και παντελόνια. Διακρινόμενο από τη θεματική ποικιλομορφία, το netsuke διατήρησε την αρχική του λειτουργία του μπρελόκ, και αυτός ο σκοπός υπαγόρευσε στους τεχνίτες ένα συμπαγές σχήμα χωρίς εύθραυστες προεξέχουσες λεπτομέρειες, στρογγυλεμένο, ευχάριστο στην αφή. Η επιλογή του υλικού συνδέεται επίσης με αυτό: όχι πολύ βαρύ, ανθεκτικό, που αποτελείται από ένα κομμάτι. Τα πιο κοινά υλικά ήταν διάφορα είδη ξύλου, ελεφαντόδοντου, κεραμικά, λάκα και μέταλλο.

Η ιαπωνική ζωγραφική είναι πολύ διαφορετική όχι μόνο ως προς το περιεχόμενο, αλλά και στη μορφή: πρόκειται για τοιχογραφίες, ζωγραφιές οθόνης, κάθετες και οριζόντιες κύλινδροι, που εκτελούνται σε μετάξι και χαρτί, φύλλα άλμπουμ και θαυμαστές.

ΣΧΕΤΙΚΑ ΜΕ αρχαία ζωγραφικήμπορεί να κριθεί μόνο με αναφορές σε γραπτά έγγραφα. Τα παλαιότερα σωζόμενα εξαιρετικά έργα χρονολογούνται στην περίοδο Heian (794-1185). Πρόκειται για εικονογραφήσεις του περίφημου «The Tale of Prince Genji» του συγγραφέα Murasaki Shikibu. Οι εικονογραφήσεις έγιναν σε πολλούς οριζόντιους κυλίνδρους και συμπληρώθηκαν με κείμενο. Αποδίδονται στο πινέλο του καλλιτέχνη Fujiwara Takayoshi (πρώτο μισό 12ου αιώνα).

Ένα χαρακτηριστικό γνώρισμα του πολιτισμού εκείνης της εποχής, που δημιουργήθηκε από έναν μάλλον στενό κύκλο της αριστοκρατικής τάξης, ήταν η λατρεία της ομορφιάς, η επιθυμία να βρουν σε όλες τις εκδηλώσεις της υλικής και πνευματικής ζωής την εγγενή γοητεία τους, μερικές φορές άπιαστη και άπιαστη. Ο πίνακας εκείνης της εποχής, που αργότερα ονομάστηκε yamato-e (κυριολεκτικά ιαπωνική ζωγραφική), δεν μετέφερε μια δράση, αλλά μια κατάσταση του νου. Όταν οι σκληροί και θαρραλέοι εκπρόσωποι της στρατιωτικής τάξης ήρθαν στην εξουσία, ο πολιτισμός της εποχής Heian άρχισε να παρακμάζει. Στη ζωγραφική στους κυλίνδρους, καθιερώθηκε η αφηγηματική αρχή: πρόκειται για θρύλους για θαύματα γεμάτα δραματικά επεισόδια, βιογραφίες κηρύκων της βουδιστικής πίστης, σκηνές μαχών πολεμιστών. Τους 14-15 αιώνες, υπό την επίδραση των διδασκαλιών της αίρεσης Ζεν, με την ιδιαίτερη προσοχή της στη φύση, άρχισε να αναπτύσσεται η ζωγραφική του τοπίου (αρχικά υπό την επίδραση κινεζικών μοντέλων).

Για ενάμιση αιώνα, οι Ιάπωνες καλλιτέχνες κατέκτησαν το κινεζικό σύστημα τέχνης, καθιστώντας τη μονόχρωμη ζωγραφική τοπίων ιδιοκτησία της εθνικής τέχνης. Η υψηλότερη ανθοφορία του συνδέεται με το όνομα του εξαίρετου δασκάλου Toyo Oda (1420...1506), πιο γνωστού με το ψευδώνυμο Sesshu. Στα τοπία του, χρησιμοποιώντας μόνο τις καλύτερες αποχρώσεις του μαύρου μελανιού, κατάφερε να αντικατοπτρίσει όλη την πολυχρωμία του φυσικού κόσμου και τις αμέτρητες καταστάσεις του: την ατμόσφαιρα της πρώιμης άνοιξης με υγρασία, τον αόρατο αλλά αισθητό αέρα και την κρύα φθινοπωρινή βροχή, την ακίνητη ηρεμία του χειμώνα.

Ο 16ος αιώνας ανοίγει την εποχή του λεγόμενου ύστερος Μεσαίωναςπου κράτησε τρεισήμισι αιώνες. Την εποχή αυτή διαδόθηκαν ευρέως οι τοιχογραφίες που διακοσμούσαν τα ανάκτορα των ηγεμόνων της χώρας και των μεγάλων φεουδαρχών. Ένας από τους ιδρυτές της νέας κατεύθυνσης στη ζωγραφική ήταν ο διάσημος δάσκαλος Κάνο Εϊτόκου, ο οποίος έζησε στο δεύτερο μισό του 16ου αιώνα. Η ξυλογραφία (ξυλογραφία), που άκμασε τον 18-19 αιώνες, έγινε ένα άλλο είδος καλών τεχνών του Μεσαίωνα. Η χαρακτική, όπως και η ζωγραφική του είδους, ονομαζόταν ukiyo-e (εικόνες του καθημερινού κόσμου). Εκτός από τον καλλιτέχνη που δημιούργησε το σχέδιο και έγραψε το όνομά του στο έτοιμο φύλλο, η γκραβούρα δημιουργήθηκε από έναν χαράκτη και έναν τυπογράφο. Στην αρχή, η γκραβούρα ήταν μονοφωνική, ζωγραφίστηκε στο χέρι από τον ίδιο τον καλλιτέχνη ή από τον αγοραστή. Στη συνέχεια εφευρέθηκε η εκτύπωση σε δύο χρώματα και το 1765 ο καλλιτέχνης Suzuki Harunobu (1725-1770) χρησιμοποίησε για πρώτη φορά πολύχρωμη εκτύπωση. Για να γίνει αυτό, ο χαράκτης τοποθέτησε ένα χαρτί παρακολούθησης με ένα σχέδιο σε μια ειδικά προετοιμασμένη διαμήκη πριστή σανίδα (από αχλάδι, κεράσι ή ιαπωνικό πυξάρι) και έκοψε τον απαιτούμενο αριθμό τυπωμένων σανίδων, ανάλογα με το χρωματικό σχέδιο της χάραξης. Μερικές φορές ήταν περισσότεροι από 30 από αυτούς. Μετά από αυτό, ο εκτυπωτής, επιλέγοντας τις σωστές αποχρώσεις, έκανε εκτυπώσεις σε ειδικό χαρτί. Η ικανότητά του ήταν να πετύχει μια ακριβή αντιστοίχιση των περιγραμμάτων κάθε χρώματος, που προέκυψε από διαφορετικές ξύλινες σανίδες. Όλα τα χαρακτικά χωρίστηκαν σε δύο ομάδες: τα θεατρικά, τα οποία απεικόνιζαν Ιάπωνες ηθοποιούς. κλασικό θέατροΤο Kabuki σε διάφορους ρόλους, και την καθημερινότητα, αφιερωμένο στην εικόνα των καλλονών και σκηνές από τη ζωή τους. Ο πιο διάσημος δεξιοτέχνης των θεατρικών εκτυπώσεων ήταν ο Toshushai Syaraku, ο οποίος κοντινό πλάνοαπεικόνισε τα πρόσωπα των ηθοποιών, τονίζοντας τα χαρακτηριστικά του ρόλου που έπαιξαν, γνωρίσματα του χαρακτήραένα άτομο που μετενσαρκώνεται ως χαρακτήρας σε ένα έργο: θυμός, φόβος, σκληρότητα, δόλος.

Τέτοιοι εξαιρετικοί καλλιτέχνες όπως ο Suzuki Harunobu και ο Kitagawa Utamaro έγιναν διάσημοι στη χαρακτική της καθημερινής ζωής. Ο Utamaro ήταν ο δημιουργός γυναικείες εικόνεςενσαρκώνοντας το εθνικό ιδεώδες της ομορφιάς. Οι ηρωίδες του φαίνεται να έχουν παγώσει για μια στιγμή και τώρα θα συνεχίσουν την ομαλή χαριτωμένη κίνησή τους. Αλλά αυτή η παύση είναι η πιο εκφραστική στιγμή που η κλίση του κεφαλιού, η χειρονομία του χεριού, η σιλουέτα της φιγούρας μεταφέρουν τα συναισθήματα που ζουν.

Ο πιο διάσημος χαράκτης ήταν ο λαμπρός καλλιτέχνης Katsushika Hokusai (1776-1849). Το έργο του Χοκουσάι βασίζεται στον αιωνόβιο εικαστικό πολιτισμό της Ιαπωνίας. Ο Χοκουσάι έκανε πάνω από 30.000 σχέδια και εικονογράφησε περίπου 500 βιβλία. Ήδη εβδομήντα ετών, ο Hokusai δημιούργησε ένα από τα πιο σημαντικά έργα - μια σειρά από "36 Views of Fuji", η οποία του επιτρέπει να βρεθεί στο ίδιο επίπεδο με τους πιο εξαιρετικούς καλλιτέχνες της παγκόσμιας τέχνης. Προβάλλοντας το όρος Φούτζι - το εθνικό σύμβολο της Ιαπωνίας - από διαφορετικά μέρη, ο Χοκουσάι αποκαλύπτει για πρώτη φορά την εικόνα της πατρίδας και την εικόνα των ανθρώπων στην ενότητά τους. Ο καλλιτέχνης είδε τη ζωή ως μια ενιαία διαδικασία σε όλη της την ποικιλία των εκδηλώσεων, που κυμαίνονται από τα απλά συναισθήματα ενός ατόμου, τις καθημερινές του δραστηριότητες και τελειώνουν με γύρω φύσημε τα στοιχεία και την ομορφιά του. Το έργο του Χοκουσάι, που απορρόφησε την μακραίωνη εμπειρία της τέχνης του λαού του, είναι η τελευταία κορύφωση στο καλλιτεχνική κουλτούραμεσαιωνική Ιαπωνία, το αξιοσημείωτο αποτέλεσμα της.

Η Ιαπωνία διακρινόταν πάντα για την ευλαβική της στάση απέναντι στη διατήρηση και αναπαραγωγή των αρχαίων παραδόσεων της, και αυτό το αξιοσημείωτο χαρακτηριστικό κάνει τη χώρα Ανατολή του ηλίουένα μοναδικό μέρος όπου οι σύγχρονες καινοτομίες συνδυάζονται αρμονικά με τις πολιτιστικές παραδόσεις αιώνων στη ζωή των απλών Ιαπώνων.

Αν έχετε ξαναπάει στην Ιαπωνία, αναμφίβολα θα έχετε συναντήσει κόκκινα και μαύρα μπολ σούπας, δίσκους, ξυλάκια και πολλά άλλα. λακαρισμένα αντικείμενα(τα αντίστοιχά τους μάλλον χαμηλής ποιότητας βρίσκονται στη χώρα μας). Η τέχνη της λάκας είναι μια από τις παραδοσιακές ιαπωνικές τέχνες που προέρχονται από την αρχαιότητα - τα πρώτα προϊόντα ανακαλύφθηκαν στην Ιαπωνία ήδη από την περίοδο Jomon (14.000-300 π.Χ.) - και έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα. Στη σύγχρονη εποχή, τα ιαπωνικά βερνίκια εξήχθησαν ενεργά και έγιναν ένα είδος "μάρκας" της χώρας - δεν είναι τυχαίο ότι στον δυτικό κόσμο η λέξη "ιαπωνία" απέκτησε μια δεύτερη σημασία - "βερνίκι, λάκα, εφαρμόστε βερνίκι".

Γιαπωνέζικη λάκα είναι οργανική ύληφτιαγμένο από το χυμό του δέντρου urushi (漆), το οποίο εξάγεται με το ξύσιμο του δέντρου. Το προκύπτον βερνίκι ονομάζεται επίσης. Πιστεύεται ότι αυτή η λέξη προέρχεται από δύο άλλες ιαπωνικές λέξεις: uruwashii (麗しい), που σημαίνει "όμορφη, όμορφη" και uruosu (潤す), που σημαίνει "ενυδατώνει". Το ίδιο το ιερογλυφικό urushi, σε αντίθεση με άλλα ονόματα δέντρων, τα οποία γράφονται χρησιμοποιώντας το κλειδί "δέντρο" [木] (桜 - sakura, 梅 - δαμάσκηνο, 松 - πεύκο, κ.λπ.), έχει το κλειδί "νερό" [氵], που τονίζει ότι αυτό το δέντρο εκτιμάται περισσότερο λόγω του νερού, δηλαδή του χυμού που περιέχεται σε αυτό. Στα ιαπωνικά, τα βερνίκια ονομάζονται shikki (漆器: 漆 "βερνίκι, λάκα ξύλο" + 器 "εργαλείο, αξεσουάρ") ή nurimono (塗物: 塗る "εφαρμόζω, ζωγραφίζω" + 物 "πράγμα, αντικείμενο").

Η σκληρυμένη λάκα σχηματίζει μια προστατευτική επίστρωση που απωθεί το νερό και αποτρέπει τη σήψη του αντικειμένου, καθώς και το καθιστά λιγότερο επιρρεπές σε προσβολή από οξέα, αλκάλια, άλατα και αλκοόλ. Ως υλικό για προϊόντα χρησιμοποιείται ξύλο (το πιο κοινό υλικό), δέρμα, χαρτί, κεραμικά, γυαλί, μέταλλο ακόμα και πλαστικό. Υπάρχουν πολλοί τρόποι για να δημιουργήσετε και να διακοσμήσετε λάκα. Ας μιλήσουμε λίγο σήμερα για τα πιο διάσημα είδη αυτής της ιαπωνικής τέχνης.

Λάκα Ouchi

Η τέχνη της λάκας Ouchi ξεκίνησε στη νομαρχία Yamaguchi (山口県) μέσω των προσπαθειών του πολέμαρχου Ouchi Hiroyo (1325-1380). Σε μια προσπάθεια να μετατρέψει τα υπάρχοντά του σε ένα είδος πρωτεύουσας εκείνης της εποχής, το Κιότο (京都), κάλεσε ενεργά διάφορους δασκάλους και τεχνίτες, με αποτέλεσμα τον συνδυασμό των δεξιοτήτων και των ιδεών των τεχνιτών του Κιότο με τοπικές παραδόσειςγέννησε μια νέα μοναδική κουλτούρα.

Λάκα Kishu

Περίπου τον 14ο-16ο αιώνα. Βουδιστές μοναχοί στο ναό Negoroji (στην περιοχή της σύγχρονης πόλης Iwade (岩出市), στην επαρχία Wakayama (和歌山県) ξεκίνησαν την παραγωγή χρηστικών βερνικιών - ξυλάκια, δίσκους, θρησκευτικά μπολ, λατρεία - αντικείμενα για προσευχές και μάντρα Δεδομένου ότι η χειροτεχνία τους δεν ήταν τέλεια, σε ορισμένα σημεία υπήρχαν κηλίδες στα τελειωμένα αντικείμενα. ιδιαίτερο στυλπροϊόντα ονομάστηκε Negoro. Τον 17ο αιώνα, με την υποστήριξη των αρχών του πριγκιπάτου του Kishu, τα βερνίκια των μοναχών έγιναν διάσημα και τους αποδόθηκε το όνομα αυτής της περιοχής.

Λακαρισμένα ραβδιά Wakasa

Αυτά τα λακαρισμένα μαγειρικά σκεύη κατασκευάζονται στην πόλη Ομπάμα (小浜市), στην επαρχία Φουκούι (福井県). Περισσότερο από το 80% όλων των λακαρισμένων chopsticks στην Ιαπωνία παράγονται εδώ. Τέτοια ραβδιά εξαιρετικής ομορφιάς και χάρης είναι ένα δημοφιλές γαμήλιο δώρο στη Χώρα του Ανατέλλοντος Ηλίου.

Λάκα Odawara

Νομός Καναγκάουα (神奈川県). Αυτός ο τύπος τέχνης λάκας χρονολογείται από την περίοδο Kamakura (1185-1333), όταν η ισχυρή και ισχυρή φυλή Hojo προώθησε ενεργά την ανάπτυξη της τέχνης, μετατρέποντας την πόλη Odawara (小田原市) σε κέντρο παραγωγής λάκας. Την περίοδο Έντο (1603-1868), ένας μεγάλος αριθμός τέτοιων προϊόντων εξήχθη στο Έντο (σημερινό Τόκιο) - μπολ, δίσκοι και ακόμη και λακαρισμένες πανοπλίες.

Λάκα Kagawa

Νομός Καγκάουα (香川県). Το 1638, ο Daimyo Yorishige Matsudaira ήρθε σε αυτά τα μέρη με το διορισμό του σογκουνάτου. Διακρίθηκε από την αγάπη του για τα βερνίκια και τα γλυπτά, έτσι άρχισε να αναπτύσσει αυτά τα είδη τεχνών και χειροτεχνίας στον τομέα του. Δύο αιώνες αργότερα, χάρη στο έργο του δασκάλου Tsukoku Tamakaji (1807-1869), τα βερνίκια Kagawa έγιναν διάσημα σε όλη τη χώρα. Η χρήση ειδικών μεθόδων λείανσης και στίλβωσης διαποτίζει τα προϊόντα με εξαιρετική λάμψη.

Λάκα Wajima

Νομός Ishikawa (石川県). Το παλαιότερο σωζόμενο παράδειγμα αυτού του είδους τέχνης είναι η λακαρισμένη πύλη του ναού Shigezo στην πόλη Wajima (輪島市), που χτίστηκε γύρω στο 1397. Κατά την περίοδο Έντο (1603-1868), εφευρέθηκε η σκόνη zinoko, φτιαγμένη από θρυμματισμένο ψημένο πηλό, που έκανε αυτά τα βερνίκια απίστευτα ανθεκτικά, γεγονός που επηρέασε σε μεγάλο βαθμό τη ζήτησή τους στον πληθυσμό.

Λάκα Aizu

Το Aizu είναι μια από τις παραδοσιακές τέχνες του νομού Φουκουσίμα (福島県). Η εμφάνιση αυτής της τέχνης χρονολογείται από το 1590, όταν ο τοπικός φεουδάρχης Gamo Ujisato άρχισε να συγκαλεί πλοιάρχους από τις προηγούμενες κτήσεις του και στη συνέχεια να τους προσπεράσει τελευταία τεχνολογίαχειροτεχνίες εκείνης της εποχής. Ως αποτέλεσμα, η Aizu έγινε ένας από τους μεγαλύτερους κατασκευαστές βερνικιών. Η επέκταση της παραγωγής οδήγησε στη δυνατότητα εξαγωγής προϊόντων στην Κίνα και την Ολλανδία, γεγονός που δόξασε την περιοχή σε άλλες χώρες.

Tsugaru βερνίκια

Tsugaru είναι το όνομα του δυτικού τμήματος του νομού Aomori (青森県). Η τέχνη της λάκας Tsugaru ξεκίνησε τον 17ο και 18ο αιώνα, όταν η βιομηχανική ανάπτυξη ενθαρρύνθηκε στις πόλεις κατά την περίοδο Έντο. Το στυλ tsugaru προέκυψε από αυτή την έξαρση, καθώς στους τεχνίτες και τους τεχνίτες της περιοχής δόθηκε η ώθηση και οι ευκαιρίες να αναπτύξουν περαιτέρω τις δεξιότητές τους. Κατά τη δημιουργία προϊόντων, η μέθοδος που χρησιμοποιήθηκε πριν από περισσότερα από 300 χρόνια εξακολουθεί να χρησιμοποιείται σήμερα.

Εξετάσαμε πολλά από τα κύρια στυλ της ιαπωνικής τέχνης λάκας. Αναμφίβολα, υπάρχουν πολλά περισσότερα από αυτά, και πολλά συμπληρώνονται με νέες τεχνικές και βελτιώνονται.

Η ιαπωνική τέχνη της δημιουργίας βερνικιού ξεκίνησε από την αρχαιότητα και έχει επιβιώσει μέχρι σήμερα, αποτελώντας ένα από τα πιο κομψά, αρμονικά, θεαματικά είδη τεχνών και χειροτεχνιών στον κόσμο. Αυτή είναι μια από τις πολιτιστικές παραδόσεις, χωρίς να λάβουμε υπόψη την οποία δεν θα μπορέσουμε να αντιληφθούμε πλήρως το όραμα του κόσμου, τις αισθητικές αρχές και τον χαρακτήρα του ιαπωνικού λαού.

Μπορεί να είναι δύσκολο για ένα άπειρο άτομο να καταλάβει όλα τα είδη βερνικιού στην αρχή. Επομένως, είναι καλύτερο να περιηγηθείτε στα καταστήματα όπου πωλούνται, να τα δείτε ζωντανά, να συνομιλήσετε με τον πωλητή και, αν θέλετε να αγοράσετε κάτι για εσάς και τους φίλους σας ως δώρο, επιλέξτε ένα αντικείμενο της αρεσκείας σας.

Αν πρόκειται να επισκεφτείτε τη Χώρα του Ανατέλλοντος Ηλίου, τα μαθήματά μας μπορεί να σας φανούν χρήσιμα: ακολουθήστε και εγγραφείτε τώρα!