Έκθεση για τα μουσικά στυλ του νέου Μεσαίωνα. Πρώιμη μουσική και Μεσαίωνας
ΜΟΥΣΙΚΗ μεσαιωνική εποχή - περίοδος ανάπτυξηςμουσική κουλτούρα, που εκτείνεται σε μια χρονική περίοδο από περίπου 5ος έως 14ος αιώνας μ.Χ .Κατά τον Μεσαίωνα στην Ευρώπη ένας νέος τύπος μουσικής κουλτούρας αναδύεται -φεουδαρχικός που συνδυάζει επαγγελματική τέχνη, ερασιτεχνική μουσική καιλαογραφία. Από την εκκλησία κυριαρχεί σε όλους τους τομείς της πνευματικής ζωής, η βάση της επαγγελματικής μουσικής τέχνης είναι η δραστηριότητα των μουσικών σεναούς και μοναστήρια . Η κοσμική επαγγελματική τέχνη αρχικά εκπροσωπούνταν μόνο από τραγουδιστές που δημιουργούσαν και έπαιζαν επικά παραμύθια στην αυλή, στα σπίτια των ευγενών, ανάμεσα σε πολεμιστές κ.λπ.βάρδοι, σκάλτσες και τα λοιπά.). Με τον καιρό αναπτύσσονται ερασιτεχνικές και ημιεπαγγελματικές μορφές μουσικής.ιπποτισμός: στη Γαλλία - η τέχνη των τροβαδούρων και των trouveurs (Adam de la Halle, XIII αιώνας), στη Γερμανία - Minnesingers ( Βόλφραμ φον Έσενμπαχ, Walther von der Vogelweide, XII - XIII αιώνες ), καθώς και αστικήτεχνίτες. Σε φεουδαρχικά κάστρα και στις πόλεις καλλιεργούνται κάθε λογής γένη,είδη και μορφές τραγουδιών (επική, «αυγή», rondo, le, virele, μπαλάντες, κανζόνες, laudas κ.λπ.).
Νέοι άνθρωποι έρχονται στη ζωήμουσικά όργανα, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που προέρχονταν απόΑνατολή (βιόλα, λαούτο κ.λπ.), προκύπτουν σύνολα (ασταθών συνθέσεων). Η λαογραφία ανθεί ανάμεσα στους αγρότες. Υπάρχουν και «επαγγελματίες του λαού»:παραμυθάδες , πλανόδιοι συνθετικοί καλλιτέχνες (ζογκλέρ, μίμοι, μινστρέλ, σπίλμαν, μπουφόν ). Η μουσική εκτελεί πάλι κυρίως εφαρμοσμένες και πνευματικές-πρακτικές λειτουργίες. Η δημιουργικότητα δρα σε ενότητα μεεκτέλεση(συνήθως σε ένα άτομο).
Και στο περιεχόμενο της μουσικής, και στη μορφή της κυριαρχείσυλλογικότητα ; η ατομική αρχή υπακούει στο γενικό, χωρίς να ξεχωρίζει από αυτό (ο μουσικός-μάστορας είναι ο καλύτερος εκπρόσωποςκοινότητες ). Αυστηρή βασιλεία σε όλαπαράδοση και κανονικότητα . Ενοποίηση, διατήρηση και διάδοσηπαραδόσεις και πρότυπα.
Σταδιακά, έστω και αργά, το περιεχόμενο της μουσικής, τουείδη, μορφές , εκφραστικά μέσα. ΣΕΔυτική Ευρώπη από τον 6ο - 7ο αι . ένα αυστηρά ρυθμιζόμενο σύστημαμονοφωνικός (μονωδικός ) εκκλησιαστική μουσικήμε βάσηδιατονικοί τρόποι ( Γρηγοριανό άσμα), συνδυάζοντας απαγγελία (ψαλμωδία) και άσμα (ύμνους ). Στο γύρισμα της 1ης και 2ης χιλιετίας, ηπολυφωνία . Νέοςφωνητικό (χορωδιακό ) και φωνητική-οργανική (χορωδία καιόργανο) είδη: organum, motet, conduct, μετά mass. Η Γαλλία τον 12ο αιώνα ο πρώτοςσχολή συνθέτη (δημιουργική) στο Η Παναγία των Παρισίων(Leonin, Perotin). Στο γύρισμα της Αναγέννησης (στυλ ars nova στη Γαλλία και την Ιταλία, XIV αιώνας) σε επαγγελματική μουσικήη μονοφωνία εξαναγκάζεταιπολυφωνία , η μουσική αρχίζει σταδιακά να απελευθερώνεται από καθαρά πρακτικές λειτουργίες (υπηρεσία εκκλησίαςτελετουργίες ), αυξάνει την τιμήκοσμικός είδη, συμπεριλαμβανομένου του τραγουδιού Guillaume de Machaux).
Αναγέννηση.
Μουσική στην περίοδο XV-XVII αιώνα.Στο Μεσαίωνα, η μουσική ήταν προνόμιο της Εκκλησίας, επομένως τα περισσότερα μουσικά έργα ήταν ιερά, βασίζονταν σε εκκλησιαστικοί ύμνοι(Γρηγοριανό άσμα), που αποτελούν μέρος του δόγματος από την αρχή του Χριστιανισμού. Στις αρχές του 17ου αιώνα, οι λατρευτικές μελωδίες, με την άμεση συμμετοχή του Πάπα Γρηγορίου Α', αγιοποιήθηκαν τελικά. Γρηγοριανό άσμα ερμήνευσαν επαγγελματίες τραγουδιστές. Αφού η εκκλησιαστική μουσική κατέκτησε την πολυφωνία, το Γρηγοριανό άσμα παρέμεινε η θεματική βάση των πολυφωνικών λατρευτικών έργων (μαζές, μοτέτες κ.λπ.).
Τον Μεσαίωνα ακολούθησε η Αναγέννηση, η οποία ήταν για τους μουσικούς μια εποχή ανακάλυψης, καινοτομίας και εξερεύνησης, μια αναγέννηση όλων των στρωμάτων πολιτιστικής και επιστημονικής έκφρασης της ζωής από τη μουσική και τη ζωγραφική μέχρι την αστρονομία και τα μαθηματικά.
Αν και η μουσική παρέμεινε σε μεγάλο βαθμό θρησκευτική, η αποδυνάμωση του εκκλησιαστικού ελέγχου στην κοινωνία άνοιξε μεγαλύτερη ελευθερία στους συνθέτες και τους ερμηνευτές να επιδείξουν τα ταλέντα τους.
Με την εφεύρεση του τυπογραφείου κατέστη δυνατή η εκτύπωση και η διανομή παρτιτούρων και από εκείνη τη στιγμή ξεκινά αυτό που ονομάζουμε κλασική μουσική.
Την περίοδο αυτή εμφανίστηκαν νέα μουσικά όργανα. Τα πιο δημοφιλή ήταν τα όργανα στα οποία οι λάτρεις της μουσικής μπορούσαν να παίξουν εύκολα και απλά, χωρίς να απαιτούν ιδιαίτερες δεξιότητες.
Ήταν εκείνη την εποχή που εμφανίστηκε η βιόλα, ο προκάτοχος του βιολιού. Τα τάστα (ξύλινες λωρίδες σε όλη την ταστιέρα) έκαναν εύκολη την αναπαραγωγή και ο ήχος ήταν ήσυχος, απαλός και έπαιζε καλά σε μικρούς χώρους.
Τα πνευστά ήταν επίσης δημοφιλή - ηχογράφηση, φλάουτο και κόρνο. Η πιο περίπλοκη μουσική γράφτηκε για το νεοδημιουργημένο τσέμπαλο, το παρθενικό (αγγλικό τσέμπαλο, που χαρακτηρίζεται από μικρό μέγεθος) και το όργανο. Ταυτόχρονα, οι μουσικοί δεν ξέχασαν να συνθέσουν πιο απλή μουσική, η οποία δεν απαιτούσε υψηλές εκτελεστικές δεξιότητες. Ταυτόχρονα, υπήρξαν αλλαγές στη μουσική γραφή: τα βαριά ξύλινα τυπογραφικά μπλοκ αντικαταστάθηκαν από κινητά μεταλλικά γράμματα που εφευρέθηκε από τον Ιταλό Ottaviano Petrucci. Τα δημοσιευμένα μουσικά έργα εξαντλήθηκαν γρήγορα, όλο και περισσότεροι άνθρωποι άρχισαν να συμμετέχουν στη μουσική.
Το τέλος της Αναγέννησης σηματοδοτήθηκε από το πιο σημαντικό γεγονός μουσική ιστορία- η γέννηση της όπερας. Μια ομάδα ανθρωπιστών, μουσικών και ποιητών συγκεντρώθηκε στη Φλωρεντία υπό την αιγίδα του αρχηγού τους, κόμη Τζιοβάνι Ντε Μπάρντι (1534 - 1612). Η ομάδα ονομαζόταν "kamerata", τα κύρια μέλη της ήταν οι Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (πατέρας του αστρονόμου Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri και Ottavio Rinuccini στα νεότερα τους χρόνια.
Η πρώτη τεκμηριωμένη συνάντηση της ομάδας έλαβε χώρα το 1573, και τα πιο δραστήρια χρόνια εργασίας "Φλωρεντινή Καμεράτα «Ήταν 1577 - 1582. Πίστευαν ότι η μουσική ήταν «χαλασμένη» και προσπάθησαν να επιστρέψουν στη φόρμα και το στυλ αρχαία Ελλάδα, πιστεύοντας ότι η τέχνη της μουσικής μπορεί να βελτιωθεί και, κατά συνέπεια, θα βελτιωθεί και η κοινωνία. Ο Καμεράτα επέκρινε την υπάρχουσα μουσική για την υπερβολική χρήση της πολυφωνίας σε βάρος της κατανοητότητας του κειμένου και της απώλειας του ποιητικού στοιχείου του έργου και πρότεινε τη δημιουργία ενός νέου μουσικού ύφους στο οποίο το κείμενο σε μονοωδικό ύφος συνοδευόταν από ορχηστρική μουσική. Τα πειράματά τους οδήγησαν στη δημιουργία μιας νέας φωνητικής-μουσικής φόρμας - ρετσιτάτι, που χρησιμοποιήθηκε για πρώτη φορά από τον Emilio de Cavalieri, που στη συνέχεια σχετίζεται άμεσα με την ανάπτυξη της όπερας.
Το πρώτο επίσημα αναγνωρισμένοΛΥΡΙΚΗ ΣΚΗΝΗ , αντίστοιχη στα σύγχρονα πρότυπα, ήταν η όπερα «Δάφνη» (Δάφνη), που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά το 1598. Συγγραφείς της «Δάφνης» ήταν οι Τζάκοπο Πέρι και Τζάκοπο Κόρσι, λιμπρέτο του Οττάβιο Ρινουτσίνι. Αυτή η όπερα δεν έχει επιβιώσει. Η πρώτη όπερα που σώθηκε είναι η «Ευρυδίκη» (1600) των ίδιων συγγραφέων - Jacopo Periκαι Ottavio Rinuccini. Αυτή η δημιουργική ένωση δημιούργησε ακόμη πολλά έργα, τα περισσότερα από τα οποία έχουν χαθεί.
Πρώιμη μπαρόκ μουσική (1600-1654)
Η δημιουργία του ρετσιτατικού του ύφους από τον Ιταλό συνθέτη Claudio Monteverdi (1567-1643) και η συνεπής ανάπτυξη της ιταλικής όπερας μπορούν να θεωρηθούν ως ένα σημείο μετάβασης υπό όρους μεταξύ της εποχής του Μπαρόκ και της Αναγέννησης. Η έναρξη των παραστάσεων όπερας στη Ρώμη και ιδιαίτερα στη Βενετία σήμαινε ήδη την αναγνώριση και τη διάδοση του νέου είδους σε όλη τη χώρα. Όλα αυτά ήταν μόνο μέρος μιας ευρύτερης διαδικασίας που αιχμαλώτισε όλες τις τέχνες, και ιδιαίτερα εμφανίστηκε ξεκάθαρα στην αρχιτεκτονική και τη ζωγραφική.Οι συνθέτες της Αναγέννησης έδιναν προσοχή στην επεξεργασία κάθε μέρους ενός μουσικού έργου, δίνοντας ελάχιστη ή καθόλου σημασία στην αντιπαράθεση αυτών των μερών. Ξεχωριστά, κάθε μέρος θα μπορούσε να ακούγεται εξαιρετικό, αλλά το αρμονικό αποτέλεσμα της προσθήκης ήταν περισσότερο θέμα τύχης παρά κανονικότητας. Η εμφάνιση του φιγούρα μπάσου έδειξε μια σημαντική αλλαγή στη μουσική σκέψη - δηλαδή, ότι η αρμονία, που είναι "η προσθήκη μερών σε ένα σύνολο", είναι εξίσου σημαντική με τα ίδια τα μελωδικά μέρη (πολυφωνία). Όλο και περισσότερο, η πολυφωνία και η αρμονία έμοιαζαν με τις δύο πλευρές της ίδιας ιδέας για τη σύνθεση ευφωνικής μουσικής: κατά τη σύνθεση αρμονικών ακολουθιών, δόθηκε η ίδια προσοχή στους τριτόνους κατά τη δημιουργία παραφωνίας. Αρμονική σκέψη υπήρχε και μεταξύ ορισμένων συνθετών της προηγούμενης εποχής, όπως ο Carlo Gesualdo, αλλά στην εποχή του μπαρόκ έγινε γενικά αποδεκτή.
Εκείνα τα μέρη των έργων όπου είναι αδύνατο να διαχωριστεί με σαφήνεια η τροπικότητα από την τονικότητα, τα σημείωσε ως μικτά μείζονα ή μικτά ελάσσονα (αργότερα για αυτές τις έννοιες εισήγαγε τους όρους "monal major" και "monal minor", αντίστοιχα). Ο πίνακας δείχνει πώς η τονική αρμονία ήδη στην πρώιμη περίοδο του μπαρόκ σχεδόν υποκαθιστά την αρμονία της προηγούμενης εποχής.
Η Ιταλία γίνεται το κέντρο ενός νέου στυλ. Ο παπισμός, αν και αιχμαλωτίστηκε από τον αγώνα κατά της μεταρρύθμισης, αλλά παρόλα αυτά είχε τεράστιους οικονομικούς πόρους που αναπληρώθηκαν από τις στρατιωτικές εκστρατείες των Αψβούργων, αναζητούσε τρόπους διάδοσης της Καθολικής πίστης μέσω της επέκτασης της πολιτιστικής επιρροής. Με τη μεγαλοπρέπεια, το μεγαλείο και την πολυπλοκότητα της αρχιτεκτονικής, των καλών τεχνών και της μουσικής, ο καθολικισμός, όπως λέγαμε, διαφωνούσε με τον ασκητικό προτεσταντισμό. Οι πλούσιες ιταλικές δημοκρατίες και πριγκιπάτα ανταγωνίζονταν επίσης σθεναρά στις καλές τέχνες. Ενας από σημαντικά κέντραμουσική τέχνη ήταν η Βενετία, η οποία την εποχή εκείνη βρισκόταν υπό την κοσμική και εκκλησιαστική αιγίδα.
Ο Giovanni Gabrieli ήταν μια σημαντική προσωπικότητα στην πρώιμη περίοδο του μπαρόκ, του οποίου η θέση ήταν στο πλευρό του Καθολικισμού, ο οποίος αντιτάχθηκε στην αυξανόμενη ιδεολογική, πολιτιστική και κοινωνική επιρροή του προτεσταντισμού. Τα έργα του ανήκουν στο ύφος της «Υψηλής Αναγέννησης» (την περίοδο της ακμής της Αναγέννησης). Ωστόσο, ορισμένες από τις καινοτομίες του στον τομέα των οργάνων (η ανάθεση συγκεκριμένων εργασιών σε ένα συγκεκριμένο όργανο) δείχνουν ξεκάθαρα ότι ήταν ένας από τους συνθέτες που επηρέασαν την εμφάνιση ενός νέου στυλ.
Μία από τις απαιτήσεις που επέβαλε η εκκλησία στη σύνθεση της ιερής μουσικής ήταν να είναι ευανάγνωστα τα κείμενα στα έργα με φωνητικά. Αυτό απαιτούσε μια απομάκρυνση από την πολυφωνία στις μουσικές τεχνικές, όπου έβγαιναν τα λόγια σε πρώτο πλάνο. Τα φωνητικά έγιναν πιο περίπλοκα, περίτεχνα σε σύγκριση με τη συνοδεία. Έτσι αναπτύχθηκε η ομοφωνία.
Μοντεβέρντε Κλαούντιο(1567-1643), Ιταλός συνθέτης. Τίποτα δεν τον τράβηξε όσο η έκθεση του εσωτερικού, πνευματική ηρεμίαένα άτομο στις δραματικές του συγκρούσεις και συγκρούσεις με τον έξω κόσμο. Ο Μοντεβέρντι είναι ο πραγματικός ιδρυτής της συγκρουσιακής δραματουργίας του τραγικού σχεδίου. Είναι αληθινός τραγουδιστής των ανθρώπινων ψυχών. Προσπάθησε επίμονα για τη φυσική εκφραστικότητα της μουσικής. «Ο ανθρώπινος λόγος είναι η ερωμένη της αρμονίας και όχι ο υπηρέτης της».
"Ορφέας" (1607) -Η μουσική της όπερας επικεντρώνεται στην αποκάλυψη εσωτερική ειρήνητραγικός ήρωας. Το κομμάτι του είναι εξαιρετικά πολύπλευρο· μέσα του συγχωνεύονται διάφορα συναισθηματικά και εκφραστικά ρεύματα και γραμμές. Φωνάζει με ενθουσιασμό στα γενέθλια δάση και τις ακτές του ή θρηνεί την απώλεια της Ευρυδίκης του σε άτεχνα δημοτικά τραγούδια.
Μουσική του ώριμου μπαρόκ (1654-1707)
Η περίοδος συγκεντροποίησης της υπέρτατης εξουσίας στην Ευρώπη ονομάζεται συχνά Απολυταρχία. Ο απολυταρχισμός έφτασε στο απόγειό του υπό τον Γάλλο βασιλιά Λουδοβίκο ΙΔ'. Για όλη την Ευρώπη, η αυλή του Λούις ήταν πρότυπο. Συμπεριλαμβανομένης της μουσικής που ακούγεται στο γήπεδο. Η αυξημένη διαθεσιμότητα μουσικών οργάνων (κυρίως πλήκτρων) έδωσε ώθηση στην ανάπτυξη της μουσικής δωματίου.Το ώριμο μπαρόκ διαφέρει από το πρώιμο μπαρόκ στην πανταχού παρουσία του νέου στυλ και στον αυξημένο διαχωρισμό των μουσικών μορφών, ειδικά στην όπερα. Όπως και στη λογοτεχνία, η έλευση της συνεχούς εκτύπωσης μουσικών έργων οδήγησε σε διεύρυνση του κοινού. η ανταλλαγή μεταξύ των κέντρων του μουσικού πολιτισμού εντάθηκε.
Εξαιρετικός εκπρόσωπος των αυλικών συνθετών της αυλής του Λουδοβίκου XIV ήταν Τζιοβάνι Μπατίστα Λούλι (1632-1687).Ήδη σε ηλικία 21 ετών έλαβε τον τίτλο του «αυλικού συνθέτη ενόργανης μουσικής». δημιουργική εργασίαΟ Lully συνδέθηκε έντονα με το θέατρο από την αρχή. Μετά την οργάνωση της δικαστικής μουσικής δωματίου και τη σύνθεση του «airs de cour», άρχισε να γράφει μουσική μπαλέτου. Ο ίδιος ο Λουδοβίκος XIV χόρευε σε μπαλέτα, που ήταν τότε η αγαπημένη διασκέδαση των αρχόντων της αυλής. Η Lully ήταν εξαιρετική χορεύτρια. Έτυχε να συμμετέχει σε παραγωγές, χορεύοντας με τον βασιλιά. Είναι γνωστός για τη συνεργασία του με τον Μολιέρο, για τα έργα του οποίου έγραψε μουσική. Αλλά το κύριο πράγμα στη δουλειά του Lully ήταν ακόμα να γράφει όπερες. Παραδόξως, ο Lully δημιούργησε έναν ολοκληρωμένο τύπο Γαλλική όπερα; τη λεγόμενη λυρική τραγωδία στη Γαλλία (fr. tragedie lyrique), και έφτασε σε αναμφισβήτητη δημιουργική ωριμότητα στα πρώτα κιόλας χρόνια της δουλειάς του στο όπερα. Ο Lully χρησιμοποιούσε συχνά την αντίθεση μεταξύ του μεγαλειώδους ήχου του ορχηστρικού τμήματος και των απλών ρετσιτάτιβ και άριων. μουσική γλώσσαΤο Lully δεν είναι πολύ περίπλοκο, αλλά σίγουρα νέο: η σαφήνεια της αρμονίας, η ρυθμική ενέργεια, η σαφήνεια της άρθρωσης της μορφής, η καθαρότητα της υφής μιλούν για τη νίκη των αρχών της ομοφωνικής σκέψης. Σε μεγάλο βαθμό, η επιτυχία του διευκολύνθηκε επίσης από την ικανότητά του να επιλέγει μουσικούς για την ορχήστρα και τη δουλειά του μαζί τους (ο ίδιος διηύθυνε πρόβες). Αναπόσπαστο στοιχείο της δουλειάς του ήταν η προσοχή στην αρμονία και το σόλο όργανο.
Στην Αγγλία, το ώριμο μπαρόκ σημαδεύτηκε από τη λαμπρή ιδιοφυΐα του Henry Purcell (1659-1695).Πέθανε νέος, σε ηλικία 36 ετών, έχοντας γράψει μεγάλο αριθμό έργων και έγινε ευρύτερα γνωστός όσο ζούσε. Ο Purcell ήταν εξοικειωμένος με το έργο του Corelli και άλλων Ιταλών συνθετών του μπαρόκ. Ωστόσο, οι θαμώνες και οι πελάτες του ήταν διαφορετικού είδους από τους Ιταλούς και Γάλλους κοσμικούς και εκκλησιαστικούς ευγενείς, επομένως τα γραπτά του Purcell είναι πολύ διαφορετικά από την ιταλική σχολή. Ο Purcell εργάστηκε σε ένα ευρύ φάσμα ειδών. από απλούς θρησκευτικούς ύμνους μέχρι μουσική εμβατηρίου, από φωνητικές συνθέσεις μεγάλου σχήματος έως σκηνοθετημένη μουσική. Ο κατάλογός του περιέχει πάνω από 800 έργα. Ο Purcell έγινε ένας από τους πρώτους συνθέτες μουσικής με πλήκτρα, του οποίου η επιρροή εκτείνεται μέχρι σήμερα.
Σε αντίθεση με τους παραπάνω συνθέτες, ο Dietrich Buxtehude (1637-1707)δεν ήταν δικαστικός συνθέτης. Ο Buxtehude εργάστηκε ως οργανίστας, πρώτα στο Helsingborg (1657-1658), μετά στο Elsinore (1660-1668) και στη συνέχεια από το 1668 στο St. Η Μαρία στο Λίμπεκ. Δεν κέρδιζε χρήματα δημοσιεύοντας τα έργα του, αλλά ερμηνεύοντάς τα και προτιμούσε να συνθέτει μουσική από εκκλησιαστικά κείμενα και να εκτελεί τα δικά του οργανικά έργα από την προστασία των ευγενών. Δυστυχώς, δεν έχουν διατηρηθεί όλα τα έργα αυτού του συνθέτη. Η μουσική του Buxtehude βασίζεται σε μεγάλο βαθμό στην κλίμακα των ιδεών, του πλούτου και της ελευθερίας της φαντασίας, μια τάση για πάθος, δράμα και κάπως ρητορικό τονισμό. Το έργο του είχε ισχυρή επιρροή σε συνθέτες όπως ο J. S. Bach και ο Telemann.
Μουσική Ύστερου Μπαρόκ (1707-1760)
Η ακριβής γραμμή μεταξύ ώριμου και όψιμου μπαρόκ είναι θέμα συζήτησης. Βρίσκεται κάπου μεταξύ 1680 και 1720. Μεγάλο μέρος της πολυπλοκότητας του ορισμού του είναι το γεγονός ότι σε διάφορες χώρες τα στυλ άλλαξαν ασύχρονα. Οι καινοτομίες που ήταν ήδη αποδεκτές ως κανόνας σε ένα μέρος ήταν φρέσκες ανακαλύψεις σε άλλοΟι μορφές που ανακαλύφθηκαν από την προηγούμενη περίοδο έχουν φτάσει σε ωριμότητα και μεγάλη μεταβλητότητα. το κονσέρτο, η σουίτα, η σονάτα, το κοντσέρτο γκρόσο, το ορατόριο, η όπερα και το μπαλέτο δεν είχαν πλέον έντονα εκφραζόμενα εθνικά χαρακτηριστικά. Γενικά αποδεκτά σχήματα έργων έχουν καθιερωθεί παντού: μια επαναλαμβανόμενη φόρμα δύο τμημάτων (AABB), μια απλή τριμερής μορφή (ABC) και ένα rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) -Ιταλός συνθέτης, γεννημένος στη Βενετία. Το 1703 έλαβε τον βαθμό του καθολικού ιερέα. Ήταν σε αυτά, τα οποία εκείνη την εποχή εξακολουθούσαν να αναπτύσσονται ορχηστρικά είδη (μπαρόκ σονάτα και μπαρόκ κονσέρτο), όπου ο Βιβάλντι συνέβαλε τη σημαντικότερη. Ο Βιβάλντι συνέθεσε πάνω από 500 κοντσέρτα. Έδωσε επίσης προγραμματικούς τίτλους σε κάποια έργα του, όπως το περίφημο The Four Seasons.
Domenico Scarlatti (1685-1757)ήταν ένας από τους κορυφαίους συνθέτες και ερμηνευτές πλήκτρων της εποχής του. Ίσως όμως ο πιο διάσημος δικαστικός συνθέτης ήταν Georg Friedrich Handel (1685-1759).Γεννήθηκε στη Γερμανία, σπούδασε στην Ιταλία για τρία χρόνια, αλλά εγκατέλειψε το Λονδίνο το 1711, όπου ξεκίνησε τη λαμπρή και εμπορική του καριέρα. επιτυχημένη καριέραένας ανεξάρτητος συνθέτης όπερας που εκτελεί παραγγελίες για τους ευγενείς. Διαθέτοντας ακούραστη ενέργεια, ο Χέντελ ξαναδούλευε το υλικό άλλων συνθετών και συνεχώς ανανεωνόταν δικές τους συνθέσεις. Για παράδειγμα, είναι γνωστός ότι έχει ξαναδουλέψει τόσες φορές το περίφημο ορατόριο «Messiah» που πλέον δεν υπάρχει καμία εκδοχή που να μπορεί να ονομαστεί «αυθεντική».
Μετά το θάνατό του, αναγνωρίστηκε ως κορυφαίος Ευρωπαίος συνθέτης και μελετήθηκε από μουσικούς της κλασικής εποχής. Ο Χέντελ ανακάτεψε στη μουσική του τις πλούσιες παραδόσεις του αυτοσχεδιασμού και της αντίστιξης. Η τέχνη των μουσικών στολιδιών έφτασε σε πολύ υψηλό επίπεδο ανάπτυξης στα έργα του. Ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη για να μελετήσει τη μουσική άλλων συνθετών, σε σχέση με την οποία είχε έναν πολύ ευρύ κύκλο γνωριμιών μεταξύ συνθετών άλλων στυλ.
Γιόχαν Σεμπάστιαν ΜπαχΓεννήθηκε στις 21 Μαρτίου 1685 στο Eisenach της Γερμανίας. Κατά τη διάρκεια της ζωής του, συνέθεσε πάνω από 1.000 έργα σε διάφορα είδη, εκτός από την όπερα. Αλλά κατά τη διάρκεια της ζωής του δεν πέτυχε καμία σημαντική επιτυχία. Μετακινούμενος πολλές φορές, ο Μπαχ άλλαζε τη μία όχι πολύ υψηλή θέση μετά την άλλη: στη Βαϊμάρη ήταν αυλικός μουσικός στον δούκα της Βαϊμάρης Johann Ernst, και στη συνέχεια έγινε ο επιστάτης του οργάνου στην εκκλησία του St. Ο Βονιφάτιος στο Άρνσταντ, λίγα χρόνια αργότερα δέχτηκε τη θέση του οργανίστα στην εκκλησία του Αγ. Vlasia στο Mühlhausen, όπου εργάστηκε μόνο για περίπου ένα χρόνο, μετά τον οποίο επέστρεψε στη Βαϊμάρη, όπου πήρε τη θέση του οργανίστα της αυλής και του διοργανωτή συναυλιών. Κατείχε τη θέση αυτή για εννέα χρόνια. Το 1717, ο Leopold, δούκας του Anhalt-Köthen, προσέλαβε τον Bach ως Kapellmeister και ο Bach άρχισε να ζει και να εργάζεται στο Köthen. Το 1723 ο Μπαχ μετακόμισε στη Λειψία, όπου παρέμεινε μέχρι το θάνατό του το 1750. Τα τελευταία χρόνια της ζωής του και μετά τον θάνατο του Μπαχ, η φήμη του ως συνθέτη άρχισε να μειώνεται: το στυλ του θεωρούνταν παλιομοδίτικο σε σύγκριση με τον κλασικισμό που ανερχόταν. Ήταν περισσότερο γνωστός και θυμόταν ως ερμηνευτής, δάσκαλος και πατέρας του Bachs Jr., κυρίως του Carl Philipp Emmanuel, του οποίου η μουσική ήταν πιο διάσημη.
Μόνο η παράσταση του Πάθους κατά τον Ματθαίο από τον Μέντελσον, 79 χρόνια μετά τον θάνατο του J.S. Bach, αναβίωσε το ενδιαφέρον για το έργο του. Τώρα ο J.S. Bach είναι ένας από τους πιο δημοφιλείς συνθέτες
Κλασσικότης
Κλασσικισμός - στυλ και κατεύθυνση στην τέχνη XVII - αρχές XIXαιώνες
Αυτή η λέξη προέρχεται από το λατινικό classicus - υποδειγματικό. Ο κλασικισμός βασίστηκε στην πίστη στον ορθολογισμό της ύπαρξης, στο γεγονός ότι η ανθρώπινη φύση είναι αρμονική. Είδαν το ιδανικό τους για τους κλασικούς στην αρχαία τέχνη, που θεωρούνταν η υψηλότερη μορφή τελειότητας.
Τον δέκατο όγδοο αιώνα, ξεκινά ένα νέο στάδιο στην ανάπτυξη της κοινωνικής συνείδησης - η Εποχή του Διαφωτισμού. Η παλιά κοινωνική τάξη καταστρέφεται. Οι ιδέες του σεβασμού της ανθρώπινης αξιοπρέπειας, της ελευθερίας και της ευτυχίας είναι υψίστης σημασίας. το άτομο αποκτά ανεξαρτησία και ωριμότητα, χρησιμοποιεί το μυαλό του και κριτική σκέψη. Τα ιδανικά της εποχής του μπαρόκ με τη μεγαλοπρέπεια, τη μεγαλοπρέπεια και την επισημότητά τους αντικαθίστανται από έναν νέο τρόπο ζωής που βασίζεται στη φυσικότητα και την απλότητα. Έρχεται η ώρα για τις ιδεαλιστικές απόψεις του Jean-Jacques Rousseau, που ζητούν επιστροφή στη φύση, στη φυσική αρετή και ελευθερία. Μαζί με τη φύση, η Αρχαιότητα εξιδανικεύεται, αφού πίστευαν ότι κατά την Αρχαιότητα οι άνθρωποι κατάφεραν να ενσαρκώσουν όλες τις ανθρώπινες φιλοδοξίες. Η αρχαία τέχνη ονομάζεται κλασική, αναγνωρίζεται ως υποδειγματική, η πιο αληθινή, τέλεια, αρμονική και, σε αντίθεση με την τέχνη της εποχής του μπαρόκ, θεωρείται απλή και κατανοητή. Στο επίκεντρο της προσοχής, μαζί με άλλες σημαντικές πτυχές, βρίσκονται η εκπαίδευση, η θέση των απλών ανθρώπων στην κοινωνική δομή, η ιδιοφυΐα ως ιδιότητα του ανθρώπου.
Ο λόγος βασιλεύει και στην τέχνη. Θέλοντας να τονίσει τον υψηλό σκοπό της τέχνης, τον κοινωνικό και πολιτικό της ρόλο, ο Γάλλος φιλόσοφος και παιδαγωγός Denis Diderot έγραψε: «Κάθε έργο γλυπτικής ή ζωγραφικής πρέπει να εκφράζει κάποιον σπουδαίο κανόνα ζωής, πρέπει να διδάσκει».
Το θέατρο ήταν ταυτόχρονα ένα εγχειρίδιο ζωής, και της ίδιας της ζωής. Επιπλέον, στο θέατρο η δράση είναι πολύ τακτοποιημένη, μετρημένη. χωρίζεται σε πράξεις και σκηνές, οι οποίες, με τη σειρά τους, χωρίζονται σε ξεχωριστά αντίγραφα χαρακτήρων, δημιουργώντας ένα ιδανικό τέχνης τόσο αγαπητό στον 18ο αιώνα, όπου όλα είναι στη θέση τους και υπόκεινται σε λογικούς νόμους.
Η μουσική του κλασικισμού είναι εξαιρετικά θεατρική· φαίνεται να αντιγράφει την τέχνη του θεάτρου και να τη μιμείται.
Ο χωρισμός μιας κλασικής σονάτας και μιας συμφωνίας σε μεγάλα τμήματα - μέρη, σε καθένα από τα οποία υπάρχουν πολλά μουσικά «δρώμενα», είναι σαν να χωρίζεις ένα έργο σε δράσεις και σκηνές.
Στη μουσική της κλασικής εποχής, συχνά υπονοείται μια πλοκή, μια συγκεκριμένη δράση που εκτυλίσσεται μπροστά στο κοινό με τον ίδιο τρόπο που εκτυλίσσεται η θεατρική δράση ενώπιον του κοινού.
Ο ακροατής χρειάζεται μόνο να ενεργοποιήσει τη φαντασία και να αναγνωρίσει τους χαρακτήρες μιας κλασικής κωμωδίας ή τραγωδίας με «μουσικά ρούχα».
Η τέχνη του θεάτρου βοηθά να εξηγηθούν οι μεγάλες αλλαγές στην απόδοση της μουσικής που σημειώθηκαν τον 18ο αιώνα. Προηγουμένως, το κύριο μέρος όπου ακουγόταν η μουσική ήταν ο ναός: σε αυτόν, ένα άτομο βρισκόταν από κάτω, σε έναν τεράστιο χώρο, όπου η μουσική φαινόταν να τον βοηθά να κοιτάξει ψηλά και να αφιερώσει τις σκέψεις του στον Θεό. Τώρα, τον 18ο αιώνα, η μουσική ακούγεται σε ένα αριστοκρατικό σαλόνι, στην αίθουσα χορού ενός αρχοντικού κτήματος ή σε μια πλατεία της πόλης. Ο ακροατής της Εποχής του Διαφωτισμού φαίνεται να αντιμετωπίζει τη μουσική «σε σένα» και δεν βιώνει πλέον την απόλαυση και τη δειλία που του ενέπνευσε όταν ακουγόταν στο ναό.
Ο δυνατός, επίσημος ήχος του οργάνου δεν είναι πια στη μουσική· ο ρόλος της χορωδίας έχει μειωθεί. ΜΟΥΣΙΚΗ κλασσικόακούγεται ελαφρύ, έχει πολύ λιγότερους ήχους, λες και «ζυγίζει λιγότερο» από τη βαριά, πολυεπίπεδη μουσική του παρελθόντος. Ο ήχος του οργάνου και της χορωδίας αντικαταστάθηκε από τον ήχο μιας συμφωνικής ορχήστρας. οι υπέροχες άριες έδωσαν τη θέση τους στην ανάλαφρη, ρυθμική και χορευτική μουσική.
Χάρη στην απεριόριστη πίστη στις δυνατότητες του ανθρώπινου μυαλού και στη δύναμη της γνώσης, ο 18ος αιώνας άρχισε να ονομάζεται Εποχή του Λόγου ή Εποχή του Διαφωτισμού.
Η ακμή του κλασικισμού έρχεται στη δεκαετία του '80 του δέκατου όγδοου αιώνα. Το 1781, ο J. Haydn δημιούργησε πολλά καινοτόμα έργα, συμπεριλαμβανομένου του Κουαρτέτο Εγχόρδων του op. 33; η πρεμιέρα της όπερας του V.A. «Απαγωγή από το Σεράγιο» του Μότσαρτ. Το δράμα του Φ. Σίλερ «Ληστές» και «Κριτική καθαρό μυαλό» Ι. Καντ.
Οι λαμπρότεροι εκπρόσωποι της κλασικής περιόδου είναι οι συνθέτες της Κλασικής Σχολής της Βιέννης Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart και Ludwig van Beethoven. Η τέχνη τους χαίρεται με την τελειότητα της τεχνικής σύνθεσης, τον ανθρωπιστικό προσανατολισμό της δημιουργικότητας και την επιθυμία, ιδιαίτερα αισθητή στη μουσική του W. A. Mozart, να επιδεικνύουν τέλεια ομορφιά μέσω της μουσικής.
Η ίδια η έννοια της Κλασικής Σχολής της Βιέννης προέκυψε λίγο μετά το θάνατο του Λ. Μπετόβεν. Η κλασική τέχνη διακρίνεται από μια λεπτή ισορροπία μεταξύ συναισθημάτων και λογικής, μορφής και περιεχομένου. Η μουσική της Αναγέννησης αντανακλούσε το πνεύμα και την πνοή της εποχής της. Στην εποχή του Μπαρόκ, οι ανθρώπινες καταστάσεις έγιναν αντικείμενο προβληματισμού στη μουσική. Η μουσική της εποχής του κλασικισμού τραγουδά τις πράξεις και τις πράξεις ενός ανθρώπου, τα συναισθήματα και τα συναισθήματα που βιώνει, το προσεκτικό και ολιστικό ανθρώπινο μυαλό.
Λούντβιχ βαν Μπετόβεν (1770-1827)
Γερμανός συνθέτης, που συχνά θεωρείται ο μεγαλύτερος συνθέτης όλων των εποχών.
Το έργο του αποδίδεται τόσο στον κλασικισμό όσο και στον ρομαντισμό.
Σε αντίθεση με τον προκάτοχό του Μότσαρτ, ο Μπετόβεν συνέθετε με δυσκολία. Τα τετράδια του Μπετόβεν δείχνουν πώς σταδιακά, βήμα προς βήμα, αναδύεται μια μεγαλειώδης σύνθεση από αβέβαια σκίτσα, που χαρακτηρίζονται από πειστική λογική κατασκευής και σπάνιας ομορφιάς. Είναι η λογική κύρια πηγήΤο μεγαλείο του Μπετόβεν, η απαράμιλλη ικανότητά του να οργανώνει αντιθετικά στοιχεία σε ένα μονολιθικό σύνολο. Ο Μπετόβεν διαγράφει τις παραδοσιακές καισούρες μεταξύ των τμημάτων της φόρμας, αποφεύγει τη συμμετρία, συγχωνεύει μέρη του κύκλου, αναπτύσσει εκτεταμένες κατασκευές από θεματικά και ρυθμικά μοτίβα, που με την πρώτη ματιά δεν περιέχουν τίποτα ενδιαφέρον. Με άλλα λόγια, ο Μπετόβεν δημιουργεί μουσικό χώρο με τη δύναμη του μυαλού του, με τη δική του θέληση. Πρόβλεψε και δημιούργησε εκείνες τις καλλιτεχνικές τάσεις που έγιναν καθοριστικές για τη μουσική τέχνη του 19ου αιώνα.
Ρομαντισμός.
καλύπτει υπό όρους 1800-1910
Οι ρομαντικοί συνθέτες προσπάθησαν να εκφράσουν το βάθος και τον πλούτο του εσωτερικού κόσμου ενός ανθρώπου με τη βοήθεια μουσικών μέσων. Η μουσική γίνεται πιο ανάγλυφη, ατομική. Τα είδη τραγουδιών αναπτύσσονται, συμπεριλαμβανομένης της μπαλάντας.
Οι κύριοι εκπρόσωποι του ρομαντισμού στη μουσική είναι: στοΑυστρία - Φραντς Σούμπερτ
; Στα γερμανικά - Έρνεστ Θίοντορ Χόφμαν,
Καρλ Μαρία Βέμπερ, Ρίτσαρντ Βάγκνερ, Φέλιξ Μέντελσον, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; V
και τα λοιπά.................
Η επαγγελματική μουσική κουλτούρα του Μεσαίωνα στην Ευρώπη συνδέεται πρωτίστως με την εκκλησία, δηλαδή με τον χώρο της λατρευτικής μουσικής. Γεμάτη θρησκευτικότητα, η τέχνη είναι κανονική και δογματική, αλλά, ωστόσο, δεν έχει παγώσει, έχει μετατραπεί από την εγκόσμια φασαρία στον αποστασιοποιημένο κόσμο της υπηρεσίας του Κυρίου. Ωστόσο, μαζί με μια τέτοια «ανώτερη» μουσική, υπήρχε και φολκλόρ, και έργο πλανόδιων μουσικών, καθώς και μια ευγενής κουλτούρα ιπποτισμού.
Πνευματικός μουσικός πολιτισμός του πρώιμου Μεσαίωνα
Στην εποχή πρώιμο μεσαιωνικόεπαγγελματική μουσική ακουγόταν μόνο στους καθεδρικούς ναούς και στις σχολές τραγουδιού που ήταν συνδεδεμένες με αυτούς. Το κέντρο της μουσικής κουλτούρας του Μεσαίωνα στη Δυτική Ευρώπη ήταν η πρωτεύουσα της Ιταλίας - η Ρώμη - η ίδια η πόλη όπου βρίσκονταν οι «ανώτατες εκκλησιαστικές αρχές».
Στα έτη 590-604, ο Πάπας Γρηγόριος Α' πραγματοποίησε μια μεταρρύθμιση του λατρευτικού τραγουδιού. Παρήγγειλε και συγκέντρωσε διάφορα άσματα στη συλλογή «Γρηγοριανό Αντιφωνητικό». Χάρη στον Γρηγόριο Α', μια κατεύθυνση που ονομάζεται Γρηγοριανό άσμα διαμορφώνεται στη δυτικοευρωπαϊκή ιερή μουσική.
χορικός- αυτό είναι, κατά κανόνα, ένα μονοφωνικό άσμα, το οποίο αντικατοπτρίζει τις αιωνόβιες παραδόσεις των λαών της Ευρώπης και της Μέσης Ανατολής. Ήταν αυτή η ομαλή μονοφωνική μελωδία που είχε σκοπό να καθοδηγήσει τους ενορίτες να κατανοήσουν τα θεμέλια του Καθολικισμού και να αποδεχτούν μια ενιαία διαθήκη. Βασικά, η χορωδία εκτελούνταν από τη χορωδία, και μόνο μερικά μέρη από σολίστ.
Η βάση του Γρηγοριανού τραγουδιού ήταν μια σταδιακή κίνηση κατά μήκος των ήχων των διατονικών τρόπων, αλλά μερικές φορές στο ίδιο άσμα υπήρχαν επίσης αργές, αυστηρές ψαλμωδίες και μελισματική ψαλμωδία μεμονωμένων συλλαβών.
Η απόδοση τέτοιων μελωδιών δεν εμπιστευόταν κανέναν, καθώς απαιτούσε επαγγελματικές φωνητικές δεξιότητες από τους τραγουδιστές. Ακριβώς όπως η μουσική, το κείμενο των ύμνων στη λατινική γλώσσα, ακατανόητο για πολλούς ενορίτες, προκαλεί ταπεινοφροσύνη, απομάκρυνση από την πραγματικότητα και περισυλλογή. Συχνά, ο ρυθμικός σχεδιασμός της μουσικής εξαρτιόταν και από την παρακολούθηση του κειμένου. Το Γρηγοριανό άσμα δεν μπορεί να εκληφθεί ως ιδανική μουσική, είναι μάλλον άσμα ενός προσευχητικού κειμένου.
Μάζα – κύριο είδοςσυνθέτης μουσικής του Μεσαίωνα
καθολική μάζα είναι η κύρια λειτουργία του ναού. Συνδύασε τέτοιους τύπους Γρηγοριανού άσμα όπως:
- αντιφωνικό (όταν δύο χορωδίες τραγουδούν με τη σειρά).
- υπεύθυνη (εναλλάξ τραγουδούν σολίστ και χορωδία).
Η κοινότητα συμμετείχε μόνο στην ψαλμωδία των κοινών προσευχών.
Αργότερα, τον XII αιώνα. ύμνοι (ψαλμοί), ακολουθίες και τροπάρια εμφανίστηκαν στη μάζα. Ήταν πρόσθετα κείμενα που είχαν ομοιοκαταληξία (σε αντίθεση με το κύριο χορικό) και μια ιδιαίτερη μελωδία. Αυτά τα θρησκευτικά κείμενα με ομοιοκαταληξία θυμήθηκαν πολύ καλύτερα οι ενορίτες. Τραγουδώντας μαζί με τους μοναχούς, άλλαξαν τη μελωδία και στοιχεία της λαϊκής άρχισαν να εισχωρούν στην ιερή μουσική και χρησίμευσαν ως αφορμή για συγγραφική δημιουργικότητα (Notker Zaika και Tokelon monk - το μοναστήρι του St. Golene). Αργότερα, αυτοί οι μελωδίες αντικατέστησαν γενικά τα ψαλμωδικά μέρη και εμπλούτισαν σημαντικά τον ήχο του Γρηγοριανού άσμα.
Τα πρώτα δείγματα πολυφωνίας προέρχονται από μοναστήρια, όπως το organum - κίνηση σε παράλληλες τέταρτες ή πέμπτες, gimel, foburdon - κίνηση σε έκτη συγχορδίες, διαγωγή. Εκπρόσωποι μιας τέτοιας μουσικής είναι οι συνθέτες Leonin και Perotin (Καθεδρικός Ναός Παναγία των Παρισίων- XII-XIII αιώνες).
Κοσμικός μουσικός πολιτισμός του Μεσαίωνα
Η κοσμική πλευρά της μουσικής κουλτούρας του Μεσαίωνα αντιπροσωπεύτηκε από: στη Γαλλία - ταχυδακτυλουργοί, μίμοι, μινστραλιστές , Στα γερμανικά - shpilmans, στην Ισπανία - hoglars, στη Ρωσία - μπουφόν. Όλοι τους ήταν πλανόδιοι καλλιτέχνες και συνδυάζονταν στη δουλειά τους παίζοντας όργανα, τραγούδι, χορό, μαγεία, κουκλοθέατρο, τέχνη του τσίρκου.
Ένα άλλο συστατικό της κοσμικής μουσικής ήταν η ιπποτική, τα λεγόμενα αυλική κουλτούρα . Δημιουργήθηκε ένας ειδικός ιπποτικός κώδικας, ο οποίος έλεγε ότι ο καθένας από τους ιππότες πρέπει να έχει όχι μόνο θάρρος και γενναιότητα, αλλά και εκλεπτυσμένους τρόπους, εκπαίδευση και αφοσιωθείτε στην Ωραία Κυρία. Όλες αυτές οι πτυχές της ζωής των ιπποτών αντικατοπτρίζονται στο έργο τροβαδούρων(νότια Γαλλία - Προβηγκία), Τρούβερ(βόρεια Γαλλία), minnesingers(Γερμανία).
Το έργο τους παρουσιάζεται κυρίως σε στίχους αγάπης, το πιο κοινό του είδος ήταν η καντσόνα (albs - "Morning Songs" μεταξύ των minnesingers). Εφαρμόζοντας ευρέως την εμπειρία των τροβαδούρων, οι trouveurs δημιούργησαν τα δικά τους είδη: «Μαγικά τραγούδια», «υφαντικά τραγούδια».
Ο σημαντικότερος τομέας των μουσικών ειδών των εκπροσώπων της αυλικής κουλτούρας ήταν τα είδη τραγουδιού και χορού, όπως rondo, virele, μπαλάντα, ηρωικό έπος. Ο ρόλος των οργάνων ήταν πολύ ασήμαντος, περιορίστηκε στο καδράρισμα των φωνητικών μελωδιών με εισαγωγή, ιντερμέδιο, μεταλούδιο.
Ώριμος Μεσαίωνας XI-XIII αιώνες.
Χαρακτηριστικό γνώρισμα του ώριμου Μεσαίωνα είναι η ανάπτυξη burgher πολιτισμό . Το επίκεντρό του ήταν η αντιεκκλησιαστική, η ελεύθερη σκέψη, η σύνδεση με το κωμικό και το καρναβαλικό φολκλόρ. Εμφανίζονται νέα είδη πολυφωνίας: μοτέτο, που χαρακτηρίζεται από μελωδική ανομοιότητα των φωνών, επιπλέον, σε ένα μοτέτο τραγουδούν ταυτόχρονα διαφορετικά κείμενακαι ακόμη και επάνω διαφορετικές γλώσσες; μαδριγάλιο - τραγούδι μητρική γλώσσα(Ιταλικά), το caccia είναι ένα φωνητικό κομμάτι με στίχους που περιγράφουν ένα κυνήγι.
Από τον 12ο αιώνα έως παραδοσιακή τέχνηενώθηκαν οι αλήτες και οι γκολιάρδες, οι οποίοι, σε αντίθεση με τους υπόλοιπους, ήταν εγγράμματοι. Τα πανεπιστήμια έγιναν φορείς της μουσικής κουλτούρας του Μεσαίωνα. Δεδομένου ότι το τροπικό σύστημα του Μεσαίωνα αναπτύχθηκε από εκπροσώπους της ιερής μουσικής, άρχισαν να ονομάζονται εκκλησιαστικοί τρόποι (ιωνικός τρόπος, αιολικός τρόπος).
Προβλήθηκε επίσης το δόγμα των εξάχορδων - μόνο 6 βήματα χρησιμοποιήθηκαν σε τάστα. Ο μοναχός Guido Aretinsky έφτιαξε ένα πιο τέλειο σύστημα ηχογράφησης σημειώσεων, το οποίο συνίστατο στην παρουσία 4 γραμμών, μεταξύ των οποίων υπήρχε μια τριτογενής αναλογία και σύμβολο κλειδιούή χρωματισμός γραμμής. Εισήγαγε επίσης τη συλλαβική ονομασία των βημάτων, δηλαδή το ύψος των βημάτων άρχισε να δηλώνεται με γράμματα.
Ars Nova XIII-XV αιώνες
Η μεταβατική περίοδος μεταξύ του Μεσαίωνα και της Αναγέννησης ήταν ο XIV αιώνας. Αυτή η περίοδος στη Γαλλία και την Ιταλία ονομαζόταν Ars Nova, δηλαδή «νέα τέχνη». Ήρθε η ώρα για νέα πειράματα στην τέχνη. Οι συνθέτες άρχισαν να συνθέτουν έργα, ο ρυθμός των οποίων έγινε πολύ πιο περίπλοκος από τους προηγούμενους (Philippe de Vitry).
Επίσης, σε αντίθεση με την ιερή μουσική, τα ημιτόνια εισήχθησαν εδώ, ως αποτέλεσμα των οποίων άρχισαν να συμβαίνουν τυχαίες αυξήσεις και πτώσεις των τόνων, αλλά αυτό δεν είναι ακόμη διαμόρφωση. Ως αποτέλεσμα τέτοιων πειραμάτων, προέκυψαν έργα που ήταν ενδιαφέροντα, αλλά όχι πάντα ευφωνικά. Ο Solage ήταν ο πιο λαμπρός πειραματιστής-μουσικός εκείνης της εποχής. μουσική κουλτούραΟ Μεσαίωνας είναι πιο ανεπτυγμένος σε σύγκριση με τον πολιτισμό αρχαίος κόσμος, παρά τους περιορισμούς των κονδυλίων και περιέχει τις προϋποθέσεις για την άνθηση της μουσικής στην Αναγέννηση.
μεσαιωνικοί μουσικοί. Χειρόγραφο του 13ου αιώνα Μουσική του Μεσαίωνα Η περίοδος ανάπτυξης του μουσικού πολιτισμού, που καλύπτει μια χρονική περίοδο από περίπου τον 5ο έως τον 14ο αιώνα μ.Χ. ... Wikipedia
Περιλαμβάνει μια ποικιλία ζωντανών και ιστορικών ειδών λαϊκής, λαϊκής, ποπ και κλασικής μουσικής. Ινδός κλασσική μουσική, που αντιπροσωπεύεται από τις παραδόσεις της Καρνατάκα και των Ινδουστάνι, πηγαίνει πίσω στη Σάμα Βέδα και περιγράφεται ως περίπλοκη και ποικιλόμορφη ... Wikipedia
Μια ομάδα μουσικών στη Μονμάρτρη Η γαλλική μουσική είναι μια από τις πιο ενδιαφέρουσες και επιδραστικές ευρωπαϊκές μουσικές κουλτούρες, η οποία έλκει τις ρίζες της από ... Wikipedia
Περιεχόμενα 1 Λαϊκή μουσική 2 Κλασική μουσική, όπερα και μπαλέτο 3 Δημοφιλή μουσική ... Wikipedia
Αυτό το άρθρο αφορά το μουσικό στυλ. Για μια ομάδα φιλοσοφικών απόψεων, δείτε το άρθρο New Age Δείτε επίσης την κατηγορία: New Age Music New Age (new age) Σκηνοθεσία: Ηλεκτρονική μουσικήΠροέλευση: τζαζ, έθνικ, μινιμαλισμός, κλασική μουσική, συγκεκριμένη μουσική ... Wikipedia
Η μουσική (από το ελληνικό musike, κυριολεκτικά η τέχνη των μουσών) είναι ένα είδος τέχνης που αντανακλά την πραγματικότητα και επηρεάζει τον άνθρωπο μέσα από ουσιαστικές και ειδικά οργανωμένες ηχητικές ακολουθίες, που αποτελούνται κυρίως από τόνους ... ... Μεγάλο σοβιετική εγκυκλοπαίδεια
- (Ελληνικά moysikn, από το mousa muse) ένα είδος κοστουμιού που αντανακλά την πραγματικότητα και επηρεάζει ένα άτομο μέσω ηχητικών ακολουθιών που έχουν νόημα και ειδικά οργανωμένες σε ύψος και χρόνο, που αποτελούνται κυρίως από τόνους ... ... Μουσική Εγκυκλοπαίδεια
Μια σειρά άρθρων για τους Κροάτες ... Wikipedia
Η βελγική μουσική έλκει τις ρίζες της από μουσικές παραδόσειςοι Φλαμανδοί, που κατοικούσαν στο βόρειο τμήμα της χώρας, και οι παραδόσεις των Βαλλωνών, που ζούσαν στο νότο και επηρεάστηκαν από τις γαλλικές παραδόσεις. Η διαμόρφωση της βελγικής μουσικής προχώρησε σε πολύπλοκα ιστορικά ... ... Wikipedia
Βιβλία
- Εικονογραφημένη Ιστορία της Τέχνης. Αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, μουσική, Lyubke V. Lifetime edition. Αγία Πετρούπολη, 1884. Έκδοση του A. S. Suvorin. Έκδοση με 134 σχέδια. Ιδιοκτήτη δέσιμο με δερμάτινη ράχη και γωνίες. Επίδεσμος σπονδυλικής στήλης. Η ασφάλεια είναι καλή.…
- Εικονογραφημένη Ιστορία της Τέχνης. Αρχιτεκτονική, γλυπτική, ζωγραφική, μουσική (για σχολεία, αυτοδιδασκαλία και ενημέρωση), Lübke. Έκδοση Life. Αγία Πετρούπολη, 1884. Έκδοση του A. S. Suvorin. Βιβλίο με 134 σχέδια. Τυπογραφικό εξώφυλλο. Η ασφάλεια είναι καλή. Μικρά σκισίματα στο εξώφυλλο. Πλούσια εικονογράφηση…
Στις συνθήκες του πρώιμου Μεσαίωνα, ολόκληρη η μουσική κουλτούρα ανάγεται σε δύο βασικούς «όρους». Σε έναν από τους πόλους της είναι η επαγγελματική λειτουργική μουσική νομιμοποιημένη από την εκκλησία, η οποία είναι κατ' αρχήν η ίδια για όλους τους λαούς που έχουν υιοθετήσει τον Χριστιανισμό (η ενότητα της γλώσσας είναι τα Λατινικά, η ενότητα του τραγουδιού είναι το Γρηγοριανό άσμα). Από την άλλη πλευρά - λαϊκή μουσική κατατρεγμένη από την εκκλησία σε διάφορες τοπικές γλώσσες, συνδεδεμένη με τη λαϊκή ζωή, με τις δραστηριότητες των περιπλανώμενων μουσικών.
Παρά την απόλυτη ανισότητα των δυνάμεων (όσον αφορά την υποστήριξη από το κράτος, τις υλικές συνθήκες κ.λπ.), η λαϊκή μουσική αναπτύχθηκε εντατικά και ακόμη και εν μέρει διείσδυσε στην εκκλησία με τη μορφή διαφόρων ενθέτων στο αγιοποιημένο Γρηγοριανό άσμα. Ανάμεσά τους, για παράδειγμα, τροπάρια και ακολουθίες που δημιουργήθηκαν από προικισμένους μουσικούς.
μονοπάτια - πρόκειται για κείμενο και μουσικές προσθήκες που εισάγονται στη μέση της χορωδίας. Ένα είδος διαδρομής είναι μια ακολουθία. Μεσαιονικόςακολουθίες Αυτά είναι υποκείμενα σύνθετων φωνητικών. Ένας από τους λόγους που προκάλεσαν την εμφάνισή τους ήταν η σημαντική δυσκολία στην ανάμνηση μεγάλων μελωδιών που τραγουδήθηκαν σε ένα φωνήεν. Με τον καιρό οι σεκάνς άρχισαν να βασίζονται στις μελωδίες της λαϊκής αποθήκης.
Ένας μοναχός αναφέρεται στους συγγραφείς των πρώτων ακολουθιών.Notker με το παρατσούκλι Zaika από το μοναστήρι του St. Gallen (στην Ελβετία, κοντά λίμνη της Κωνσταντίας). Ο Νόκερ (840-912) ήτανσυνθέτης, ποιητής, θεωρητικός της μουσικής, ιστορικός, θεολόγος. Δίδαξε στο μοναστηριακό σχολείο και, παρά τον τραυλισμό του, ήταν γνωστός ως άριστος δάσκαλος. Για τις σεκάνς του, ο Νόκερ χρησιμοποίησε εν μέρει διάσημα τραγούδια, που αποτελείται εν μέρει από τον ίδιο.
Με διάταγμα της Συνόδου του Τρεντ (1545-63), σχεδόν όλες οι ακολουθίες εκδιώχθηκαν από την εκκλησιαστική λειτουργία, με εξαίρεση τέσσερις. Ανάμεσά τους η πιο γνωστή ήταν η σεκάνςDies irae ("Ημέρα οργής"), λέγοντας για την ημέρα της κρίσης . Αργότερα, η πέμπτη ακολουθία έγινε δεκτή στη χρήση της καθολικής εκκλησίας,Stabat mater («Υπήρχε μια μάνα που θρηνούσε»).
Το πνεύμα της εγκόσμιας τέχνης εισήχθη στην εκκλησιαστική ζωή καιύμνους - πνευματικά άσματα, κλείσιμο παραδοσιακά τραγούδιαστο ποιητικό κείμενο.
Από το τέλος XIαιώνα μέσα μουσική ζωήΗ Δυτική Ευρώπη περιλαμβάνει νέους τύπους δημιουργικότητας και μουσικής που συνδέονται με την ιπποτική κουλτούρα. Οι τραγουδιστές-ιππότες στην ουσία σηματοδότησε την αρχή της κοσμικής μουσικής. Η τέχνη τους βρισκόταν σε επαφή με τη λαϊκή-καθημερινή μουσική παράδοση (χρήση δημοτικών τραγουδιστικών επιτονισμών, πρακτική συνεργασίας με λαϊκούς μουσικούς). Σε πολλές περιπτώσεις, οι τροβαδούροι επέλεξαν πιθανώς κοινές λαϊκές μελωδίες για τα κείμενά τους.
Το μεγαλύτερο επίτευγμα της μουσικής κουλτούρας του Μεσαίωνα ήταν η γέννηση ενός επαγγελματία Ευρωπαίουπολυφωνία . Η αρχή του αναφέρεται σεIXαιώνα, όταν η ομόφωνη απόδοση του Γρηγοριανού τραγουδιού αντικαταστάθηκε μερικές φορές από μια δίφωνη. Ο παλαιότερος τύπος δίφωνου ήταν παράλληλοςόργανο , στο οποίο το Γρηγοριανό άσμα μεταγλωττίστηκε σε οκτάβα, τέταρτο ή πέμπτο. Στη συνέχεια εμφανίστηκε ένα μη παράλληλο όργανο με έμμεση (όταν κινούνταν μόνο μία φωνή) και αντίθετη κίνηση. Σταδιακά, η φωνή που συνόδευε το Γρηγοριανό άσμα γινόταν όλο και πιο ανεξάρτητη. Αυτό το στυλ διπλής φωνής ονομάζεταιτριπλάσιος (σε μετάφραση - "pe-nie apart").
Για πρώτη φορά άρχισαν να γράφονται τέτοια οργανούμΛεονίν , ο πρώτος γνωστός συνθέτης-πολυφωνιστής (XIIαιώνας). Υπηρέτησε ως αντιβασιλέας στον περίφημο καθεδρικό ναό της Παναγίας των Παρισίων, όπου αναπτύχθηκε μια μεγάλη πολυφωνική σχολή.
Το έργο του Λεονίν συνδέθηκε μεars antiqua (ars antiqua, που σημαίνει " παλιά τέχνη"). Αυτό το όνομα δόθηκε στη λατρευτική πολυφωνίαXII- XIIIμουσικοί αιώνων πρώιμη αναγέννηση, που αντιτάχθηκεars nova («νέα τέχνη»).
Αρχικά XIIIαιώνες η παράδοση του Λεονίν συνεχίστηκεπεροτίνη , σύμφωνα με το προσωνύμιο Μέγας. Δεν συνέθεσε πλέον δίφωνο, αλλά 3 x και 4 x - φωνητικά όργανα. Οι ανώτερες φωνές του Perotin άλλοτε σχηματίζουν μια αντίθετη διφωνία, άλλοτε χρησιμοποιεί επιδέξια τη μίμηση.
Την εποχή του Perotin σχηματίστηκε και νέου τύπουπολυφωνία -αγωγός , η βάση του οποίου δεν ήταν πια το Γρηγοριανό άσμα, αλλά μια δημοφιλής καθημερινή ή ελεύθερα συντιθέμενη μελωδία.
Μια ακόμη πιο τολμηρή πολυφωνική μορφή ήτανμικρός ύμνος - συνδυασμός μελωδιών με διαφορετικούς ρυθμούς και διαφορετικά κείμενα, συχνά ακόμη και σε διαφορετικές γλώσσες. Ο Μοτέτ ήταν ο πρώτος μουσικό είδος, εξίσου συνηθισμένο στην εκκλησία και στην δικαστική ζωή.
Η ανάπτυξη της πολυφωνίας, η απομάκρυνση από την ταυτόχρονη προφορά κάθε συλλαβής του κειμένου σε όλες τις φωνές (σε μοτέτες), απαιτούσαν τη βελτίωση της σημειογραφίας, τον ακριβή προσδιορισμό των διαρκειών. Εμφανίζεταιεμμηνορροϊκή σημειογραφία (από το λατινικό mensura - μέτρο, κυριολεκτικά - μετρημένη σημειογραφία), που επέτρεψε τον καθορισμό τόσο του ύψους όσο και της σχετικής διάρκειας των ήχων.
Παράλληλα με την ανάπτυξη της πολυφωνίας, υπήρξε μια διαδικασία σχηματισμούμάζες - ένα πολυφωνικό κυκλικό έργο για το κείμενο της κύριας θείας λειτουργίας της Καθολικής Εκκλησίας. Το τελετουργικό της μάζας διαμορφώθηκε κατά τη διάρκεια πολλών αιώνων. Απέκτησε την τελική του μορφή μόνο για ναXIve-ku. Πόσο ολιστικό μουσική σύνθεσηΗ μάζα πήρε μορφή ακόμη αργότερα, μέσαXIVαιώνα, καθιστώντας το κορυφαίο μουσικό είδος της Αναγέννησης.
Ο Μεσαίωνας είναι μια μεγάλη εποχή της ανθρώπινης ιστορίας, η εποχή της κυριαρχίας του φεουδαρχικού συστήματος.
Περιοδοποίηση του πολιτισμού:
Πρώιμος Μεσαίωνας - 5ος - 10ος αιώνας
Ώριμος Μεσαίωνας - XI - XIV αιώνες.
Το 395, η Ρωμαϊκή Αυτοκρατορία χωρίστηκε σε δύο μέρη: Δυτική και Ανατολική. Στο δυτικό τμήμα στα ερείπια της Ρώμης τον 5ο-9ο αιώνα υπήρχαν βαρβαρικά κράτη: Οστρογότθοι, Βησιγότθοι, Φράγκοι κ.λπ. Τον 9ο αιώνα, ως αποτέλεσμα της κατάρρευσης της αυτοκρατορίας του Καρλομάγνου, σχηματίστηκαν εδώ τρία κράτη : Γαλλία, Γερμανία, Ιταλία. Πρωτεύουσα του ανατολικού τμήματος ήταν η Κωνσταντινούπολη, που ιδρύθηκε από τον αυτοκράτορα Κωνσταντίνο στη θέση της ελληνικής αποικίας του Βυζαντίου - εξ ου και η ονομασία του κράτους.
§ 1. Δυτικοευρωπαϊκός Μεσαίωνας
Η υλική βάση του Μεσαίωνα ήταν οι φεουδαρχικές σχέσεις. Ο μεσαιωνικός πολιτισμός διαμορφώνεται στις συνθήκες αγροτικό κτήμα. Περαιτέρω κοινωνική βάσηπολιτισμός γίνεται αστικό περιβάλλον - burghers.Με τη συγκρότηση των κρατών σχηματίζονται τα κύρια κτήματα: ο κλήρος, οι ευγενείς, ο λαός.
Η τέχνη του Μεσαίωνα συνδέεται στενά με Εκκλησία . χριστιανικό δόγμα- τη βάση της φιλοσοφίας, της ηθικής, της αισθητικής, ολόκληρης της πνευματικής ζωής αυτής της εποχής. Γεμάτη με θρησκευτικούς συμβολισμούς, η τέχνη φιλοδοξεί από το γήινο, παροδικό στο πνευματικό, αιώνιο.
Μαζί με επίσημη εκκλησίαπολιτισμός (υψηλή) υπήρχε κοσμικόςπολιτισμός (λαϊκή βάση) - λαογραφία(κατώτερες κοινωνικές τάξεις) και ιπποτικός(ευγενής).
Κύρια εστία επαγγελματίαςμουσική του πρώιμου Μεσαίωνα - καθεδρικοί ναοί, σχολές τραγουδιού που συνδέονται με αυτούς, μοναστήρια - τα μόνα κέντρα εκπαίδευσης εκείνης της εποχής. Σπούδασαν ελληνικά και λατινικά, αριθμητική και μουσική.
Το κύριο κέντρο της εκκλησιαστικής μουσικής στο Δυτική ΕυρώπηΗ Ρώμη ήταν στο Μεσαίωνα. Στα τέλη του VI - αρχές του VII αιώνα. σχηματίζεται η κύρια ποικιλία της δυτικοευρωπαϊκής εκκλησιαστικής μουσικής - Γρηγοριανό άσμα , που πήρε το όνομά του από τον Πάπα Γρηγόριο Α', ο οποίος πραγματοποίησε τη μεταρρύθμιση του εκκλησιαστικού τραγουδιού, συγκεντρώνοντας και εξορθολογίζοντας διάφορους εκκλησιαστικούς ύμνους. Γρηγοριανό άσμα - μονοφωνικόςΚαθολικό άσμα, στο οποίο έχουν συγχωνευθεί οι αιωνόβιες τραγουδιστικές παραδόσεις διαφόρων λαών της Μέσης Ανατολής και της Ευρώπης (Σύριοι, Εβραίοι, Έλληνες, Ρωμαίοι κ.λπ.). Ήταν το ομαλό μονοφωνικό ξεδίπλωμα μιας μόνο μελωδίας που είχε σκοπό να προσωποποιήσει μια μοναδική βούληση, το επίκεντρο της προσοχής των ενοριτών σύμφωνα με τα δόγματα του Καθολικισμού. Η φύση της μουσικής είναι αυστηρή, απρόσωπη. Τα χορωδιακά ερμήνευσε η χορωδία (εξ ου και το όνομα), μερικά τμήματα από τον σολίστ. Επικρατεί η σταδιακή κίνηση που βασίζεται σε διατονικούς τρόπους. Το Γρηγοριανό άσμα επέτρεπε πολλές διαβαθμίσεις, που κυμαίνονταν από πολύ αργές χορωδιακή ψαλμωδίακαι τελειώνει επετείους(μελισματική ψαλμωδία συλλαβής), που απαιτούν δεξιοτεχνικές φωνητικές δεξιότητες για την απόδοσή τους.
Το Γρηγοριανό τραγούδι αποξενώνει τον ακροατή από την πραγματικότητα, προκαλεί ταπείνωση, οδηγεί στον στοχασμό, τη μυστικιστική απομάκρυνση. Το κείμενο επάνω λατινικά,ακατανόητη μάζα ενοριτών. Ο ρυθμός του τραγουδιού καθοριζόταν από το κείμενο. Είναι αόριστο, αόριστο, λόγω της φύσης των τονισμών της απαγγελίας του κειμένου.
Τα διάφορα είδη του Γρηγοριανού ψαλμού συγκεντρώθηκαν στην κύρια λατρευτική λειτουργία της Καθολικής Εκκλησίας - μάζα, στα οποία ιδρύθηκαν πέντε σταθερά μέρη:
Κύριε ελέησον(Κύριε δείξε έλεος)
Γκλόρια(δόξα)
Πίστη(πιστεύω)
Sanctus(άγιος)
Άγκνους Ντέι(Αμνός του Θεού).
Καθώς ο καιρός περνά, στοιχεία αρχίζουν να εισχωρούν στο Γρηγοριανό άσμα. παραδοσιακή μουσικήδιά μέσου ύμνους, ακολουθίες και τροπάρια.Αν η ψαλμωδία εκτελούνταν από επαγγελματική χορωδία ψαλτών και κληρικών, τότε οι ύμνοι στην αρχή ερμηνεύονταν από ενορίτες. Ήταν ένθετα στην επίσημη λατρεία (είχαν χαρακτηριστικά δημοτικής μουσικής). Σύντομα όμως τα υμνικά μέρη της μάζας άρχισαν να αντικαθιστούν τα ψαλμωδικά, γεγονός που οδήγησε στην εμφάνιση πολυφωνική μάζα.
Οι πρώτες σεκάνς ήταν ένα υποκείμενο στη μελωδία της επετείου, έτσι ώστε ένας ήχος της μελωδίας να έχει ξεχωριστή συλλαβή. Η σειρά γίνεται κοινό είδος (το πιο δημοφιλές « Veni, αγιάζει πνεύματος» , « Πεθαίνει irae», « Stabat μητήρ» ). Το «Dies irae» χρησιμοποιήθηκε από τους Μπερλιόζ, Λιστ, Τσαϊκόφσκι, Ραχμανίνοφ (πολύ συχνά ως σύμβολο θανάτου).
Τα πρώτα δείγματα πολυφωνίας προέρχονται από μοναστήρια - όργανο(κίνηση παράλληλα σε πέμπτα ή τέταρτα), gimel, foburdon(παράλληλες έκτη συγχορδίες), αγωγός. Συνθέτες: Λεονίν και Περοτέν (12-13 αιώνες - Καθεδρικός Ναός της Παναγίας των Παρισίων).
μεταφορείς κοσμική λαϊκή μουσική στο Μεσαίωνα μίμοι, ταχυδακτυλουργοί, μινστρέλστη Γαλλία, shpilmans- σε χώρες Γερμανικός πολιτισμός, γουρουνάκια -στην Ισπανία, μπουφόν -στη Ρωσία. Αυτοί οι πλανόδιοι καλλιτέχνες ήταν παγκόσμιοι δάσκαλοι: συνδύαζαν το τραγούδι, το χορό, το παιχνίδι διάφορα εργαλείαμε μαγεία, τέχνη τσίρκου, κουκλοθέατρο.
η άλλη πλευρά κοσμικός πολιτισμόςήταν ιπποτικός (αυλικός) πολιτισμός (πολιτισμός κοσμικών φεουδαρχών). Σχεδόν όλοι οι ευγενείς άνθρωποι ήταν ιππότες - από φτωχούς πολεμιστές μέχρι βασιλιάδες. Διαμορφώνεται ένας ειδικός ιπποτικός κώδικας, σύμφωνα με τον οποίο ένας ιππότης, μαζί με θάρρος και ανδρεία, έπρεπε να έχει εκλεπτυσμένους τρόπους, να είναι μορφωμένος, γενναιόδωρος, μεγαλόψυχος, να υπηρετεί πιστά την Ωραία Κυρία. Όλες οι πτυχές της ιπποτικής ζωής αντικατοπτρίζονται στη μουσική και την ποιητική τέχνη τροβαδούρων(Προβηγκία - Νότια Γαλλία) , τρούβερ(βόρεια Γαλλία), minnesingers(Γερμανία). Η τέχνη των τροβαδούρων συνδέεται κυρίως με τους ερωτικούς στίχους. Το πιο δημοφιλές είδος ερωτικών στίχων ήταν canzone(μεταξύ των minnesingers - "Morning Songs" - albs).
Οι Trouvers, χρησιμοποιώντας ευρέως την εμπειρία των τροβαδούρων, δημιούργησαν τα δικά τους πρωτότυπα είδη: ύφανση τραγουδιών», « Τραγούδια του Μάη". Ένας σημαντικός τομέας των μουσικών ειδών των τροβαδούρων, των τροβαδούρων και των ναρχοψαλτών ήταν είδη τραγουδιού και χορού: rondo, μπαλάντα, virele(έντυπα ρεφρέν), καθώς και ηρωικό έπος(Γαλλικό έπος "Song of Roland", γερμανικό - "Song of the Nibelungs"). Οι Minnesingers ήταν συνηθισμένοι σταυροφορικά τραγούδια.
Χαρακτηριστικά γνωρίσματα της τέχνης των τροβαδούρων, τροβαδούρων και ψαράδων:
μονοφωνία- είναι συνέπεια της άρρηκτης σύνδεσης της μελωδίας με το ποιητικό κείμενο, που απορρέει από την ίδια την ουσία της μουσικής και της ποιητικής τέχνης. Η μονοφωνία αντιστοιχούσε επίσης στη στάση απέναντι στην εξατομικευμένη έκφραση των δικών του εμπειριών, σε μια προσωπική εκτίμηση του περιεχομένου της δήλωσης (συχνά η έκφραση των προσωπικών εμπειριών πλαισιωνόταν από την απεικόνιση εικόνων της φύσης).
Κυρίως φωνητική απόδοση.Ο ρόλος των οργάνων δεν ήταν σημαντικός: περιορίστηκε στην απόδοση εισαγωγών, ιντερμέδων και υστέρων που πλαισιώνουν τη φωνητική μελωδία.
Είναι ακόμα αδύνατο να μιλήσουμε για την ιπποτική τέχνη ως επαγγελματική, αλλά για πρώτη φορά υπό συνθήκες κοσμικόςμελοποιητική, δημιουργήθηκε μια δυνατή μουσική και ποιητική κατεύθυνση με ανεπτυγμένο σύμπλεγμα εκφραστικών μέσων και σχετικά τέλεια μουσική γραφή.
Ένα από τα σημαντικά επιτεύγματα ώριμος μεσαίωναςξεκινώντας από τους X-XI αιώνες, ήταν αστική ανάπτυξη(πολιτισμός burgher) . Τα κύρια χαρακτηριστικά της αστικής κουλτούρας ήταν ο αντιεκκλησιαστικός, ο φιλελεύθερος προσανατολισμός, η σύνδεση με τη λαογραφία, ο κωμικός και καρναβαλικός χαρακτήρας της. Αναπτύσσεται το γοτθικό αρχιτεκτονικό στυλ. Νέα πολυφωνικά είδη διαμορφώνονται: από τον 13ο-14ο έως τον 16ο αιώνα. - μικρός ύμνος(από τα γαλλικά - "λέξη". Για ένα μοτέτο, μια μελωδική ανομοιότητα φωνών είναι χαρακτηριστική, που τονίζει διαφορετικά κείμενα ταυτόχρονα - συχνά ακόμη και σε διαφορετικές γλώσσες), μαδριγάλιο(από τα ιταλικά - "τραγούδι στη μητρική γλώσσα", δηλαδή ιταλικά. Τα κείμενα είναι ερωτικά-λυρικά, ποιμαντικά), κάκα(από τα ιταλικά - "κυνήγι" - ένα φωνητικό κομμάτι βασισμένο σε κείμενο που απεικονίζει το κυνήγι).
Οι λαϊκοί περιπλανώμενοι μουσικοί περνούν από τον νομαδικό τρόπο ζωής σε έναν καθιστικό, κατοικώντας ολόκληρα τετράγωνα της πόλης και σχηματίζοντας ένα είδος «εργαστηρίων μουσικών». Ξεκινώντας από τον XII αιώνα, προσχώρησαν λαϊκοί μουσικοί αλήτες και γκολιάρδες- αποχαρακτηρισμένοι από διαφορετικές τάξεις (μαθητές, δραπέτες μοναχοί, περιπλανώμενοι κληρικοί). Σε αντίθεση με τους αγράμματους ζογκλέρ - τυπικούς εκπροσώπους της τέχνης της προφορικής παράδοσης - οι αλήτες και οι γκολιάρ ήταν εγγράμματοι: γνώριζαν τη λατινική γλώσσα και τους κανόνες της κλασικής στιχουργίας, συνέθεταν μουσική - τραγούδια (το φάσμα των εικόνων συνδέεται με τη σχολική επιστήμη και τη μαθητική ζωή) και ακόμη και πολύπλοκες συνθέσεις όπως διαγωγές και μοτέτες .
Σημαντικό κέντρο της μουσικής κουλτούρας έχει γίνει πανεπιστήμια.Η μουσική, πιο συγκεκριμένα - η μουσική ακουστική - μαζί με την αστρονομία, τα μαθηματικά, τη φυσική ήταν μέρος του τετράγωνου, δηλ. ένας κύκλος τεσσάρων κλάδων που μελετήθηκαν σε πανεπιστήμια.
Έτσι, στη μεσαιωνική πόλη υπήρχαν κέντρα μουσικού πολιτισμού, διαφορετικού χαρακτήρα και κοινωνικού προσανατολισμού: σύλλογοι λαϊκών μουσικών, δικαστική μουσική, μουσική μοναστηριών και καθεδρικών ναών, πανεπιστημιακή μουσική πρακτική.
Μουσική θεωρία του Μεσαίωνα συνδέθηκε στενά με τη θεολογία. Στις ελάχιστες μουσικοθεωρητικές πραγματείες που μας έχουν φτάσει, η μουσική θεωρούνταν «υπηρέτης της εκκλησίας». Από τις εξέχουσες πραγματείες του πρώιμου Μεσαίωνα ξεχωρίζουν 6 βιβλία «Περί μουσικής» του Αυγουστίνου, 5 βιβλία του Βοήθιου «Περί καθιέρωσης της μουσικής» κ.λπ. Μεγάλη θέση σε αυτές τις πραγματείες δόθηκε σε αφηρημένα σχολαστικά ζητήματα. δόγμα του κοσμικού ρόλου της μουσικής κ.λπ.
Το μεσαιωνικό τροπικό σύστημα αναπτύχθηκε από εκπροσώπους των επαγγελματιών της εκκλησίας μουσική τέχνη- ως εκ τούτου, το όνομα "εκκλησιαστικοί τρόποι" αποδόθηκε στα μεσαιωνικά τάστα. Η ιωνική και η αιολική καθιερώθηκαν ως οι κύριοι τρόποι.
Η μουσική θεωρία του Μεσαίωνα προέβαλε το δόγμα των εξάχορδων. Σε κάθε τάστα χρησιμοποιήθηκαν στην πράξη 6 βήματα (για παράδειγμα: do, re, mi, fa, salt, la). Ο Σι αποφεύχθηκε τότε, γιατί. σχημάτισαν, μαζί με το F, μια κίνηση σε ένα διευρυμένο τέταρτο, το οποίο θεωρήθηκε πολύ παράφωνο και ονομαζόταν μεταφορικά ο «διάβολος στη μουσική».
Η μη υποχρεωτική σημειογραφία χρησιμοποιήθηκε ευρέως. Γκουίντο Αρετίνσκιβελτίωσε το σύστημα της μουσικής σημειογραφίας. Η ουσία της μεταρρύθμισής του ήταν η εξής: η παρουσία τεσσάρων γραμμών, μια τριτογενής σχέση μεταξύ μεμονωμένων γραμμών, ένα βασικό σημάδι (αρχικά κυριολεκτικά) ή χρωματισμός γραμμών. Εισήγαγε επίσης τη συλλαβική σημειογραφία για τα πρώτα έξι βήματα του τρόπου λειτουργίας: ut, re, mi, fa, salt, la.
Εισήχθη εμμηνορροϊκή σημειογραφία, όπου σε κάθε νότα αποδιδόταν ένα ορισμένο ρυθμικό μέτρο (λατινικά mensura - μέτρο, μέτρηση). Ονόματα διάρκειας: maxim, longa, brevis κ.λπ.
XIVαιώνα - η μεταβατική περίοδος μεταξύ του Μεσαίωνα και της Αναγέννησης. Η τέχνη της Γαλλίας και της Ιταλίας του XIV αιώνα ονομαζόταν " Ars nova«(από τα λατινικά - νέα τέχνη), και στην Ιταλία είχε όλες τις ιδιότητες της πρώιμης Αναγέννησης. Κύρια χαρακτηριστικά: άρνηση χρήσης αποκλειστικά εκκλησιαστικών ειδών και στροφή σε κοσμικά φωνητικά και ορχηστρικά είδη δωματίου (μπαλάντα, κάτσα, μαδριγάλι), προσέγγιση με το καθημερινό τραγούδι, χρήση διαφόρων μουσικών οργάνων. Το Ars nova είναι το αντίθετο του λεγόμενου. ars antiqua (λατ. ars antiqua - παλιά τέχνη), που υπονοεί τη μουσική τέχνη πριν από τις αρχές του XIV αιώνα. Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι ars nova ήταν Guillaume de Macho (14ος αιώνας, Γαλλία) και Francesco Landino (14ος αιώνας, Ιταλία).
Έτσι, η μουσική κουλτούρα του Μεσαίωνα, παρά τα σχετικά περιορισμένα μέσα, αντιπροσωπεύει ένα υψηλότερο επίπεδο σε σύγκριση με τη μουσική του Αρχαίου Κόσμου και περιέχει τις προϋποθέσεις για την άνθηση της μουσικής τέχνης στην Αναγέννηση.
