फ़िनिश कलाकार. एटेनियम संग्रहालय के हॉल के माध्यम से: हर्मिटेज में फिनिश कलाकारों की सबसे प्रसिद्ध और दिलचस्प प्रदर्शनी

अक्सेली गैलेन-कल्लेला

सैमन पुओलस्टस (1896)

कालेवाला के लिए चित्रण. " सैम्पो रक्षा«.

सैंपो(फिन. सैंपो) - करेलियन-फ़िनिश पौराणिक कथाओं में, एक अनोखी जादुई वस्तु जादुई शक्तिऔर सुख, समृद्धि और प्रचुरता का स्रोत है। कालेवाला महाकाव्य में, इसके निर्माता एलियास लोनरोट ने सैम्पो को पवनचक्की के रूप में प्रस्तुत किया।

ह्यूगो सिमबर्ग

हल्ला (1895)

हल्ला- यह ठंढ, अगर मैं सही ढंग से समझूं, उदाहरण के लिए, गर्मियों में रात में या सुबह जल्दी

इस अर्थ में, चित्र छवि को अच्छी तरह व्यक्त करता है।

हेलेन शेजर्फबेक

टोइपिलास (1888)

toipilas — अच्छा हो जानेवाला

ह्यूगो सिमबर्ग

कुओलेमन पुउतारहा —मौत का बगीचा

इस पेंटिंग के कई संस्करण हैं, यह चित्र टाम्परे के गिरजाघर का एक भित्तिचित्र है।

इस तस्वीर की सिफारिश मुझे एक फ़िनिश लड़की ने की थी, जब मैंने देखा कि यह किसी तरह उदास फिन्स के लिए भी उदास थी, तो उसने मुझे गर्मजोशी से जवाब दिया: "मौतें रेगिस्तान के बीच में फूलों-लोगों की देखभाल करती हैं, और जब उन्हें उन्हें काटने के लिए मजबूर किया जाता है, तो वे इसे धीरे से करते हैं, जैसे कि माफी मांग रहे हों ..."

ह्यूगो सिमबर्ग

हावोइटटुनट एन्केली -घायल देवदूत
(1903)

तस्वीर का कथानक एक पहचानने योग्य ऐतिहासिक पृष्ठभूमि के खिलाफ सामने आता है: यह एलिंटारहा पार्क (शाब्दिक रूप से "चिड़ियाघर") और हेलसिंकी में टूलो खाड़ी है। 20वीं सदी की शुरुआत में, पार्क श्रमिकों के लिए एक लोकप्रिय मनोरंजन क्षेत्र था, और इसमें धर्मार्थ संस्थान भी थे। जिस सड़क पर पात्र चल रहे हैं वह आज तक बची हुई है: जुलूस इसके साथ-साथ अंधी लड़कियों के लिए मौजूदा स्कूल और विकलांगों के लिए आश्रय स्थल की ओर बढ़ता है।

पेंटिंग में दो लड़कों को आंखों पर पट्टी बांधकर एक परी को ले जाते हुए दिखाया गया है, जिसके पंख से खून बह रहा है। लड़कों में से एक ध्यान से और भौंहें चढ़ाकर सीधे दर्शक की ओर देखता है, उसकी निगाह या तो घायल देवदूत के प्रति सहानुभूति व्यक्त करती है, या अवमानना। पृष्ठभूमि परिदृश्य जानबूझकर कठोर और विरल है, लेकिन शांति का आभास देता है। गैर-तुच्छ कथानक व्याख्याओं की एक विस्तृत श्रृंखला के लिए जगह खोलता है। लड़कों के खुरदरे कपड़े और जूते, उनके डूबे हुए, गंभीर चेहरे हल्के कपड़े पहने एक देवदूत की नाजुक आकृति के विपरीत हैं, जो जीवन और मृत्यु के विरोध का सुझाव देता है, परी के पंख पर खून और आंखों पर पट्टी भेद्यता और क्षणभंगुर अस्तित्व का संकेत है, लेकिन उसके हाथ में देवदूत बर्फ की बूंदों का एक गुलदस्ता रखता है - पुनर्जन्म और पुनर्प्राप्ति का प्रतीक। यहां जिंदगी मौत के करीब लगती है. लड़कों में से एक ने दर्शकों की ओर रुख किया, जिससे चित्र का बंद स्थान टूट गया, जिससे यह स्पष्ट हो गया कि जीवन और मृत्यु के मुद्दे सीधे उनसे संबंधित हैं। सिम्बर्ग ने स्वयं द वाउंडेड एंजेल की कोई भी व्याख्या देने से इनकार कर दिया, जिससे दर्शकों को अपने निष्कर्ष निकालने पर मजबूर होना पड़ा।

पेंटिंग का फिनिश संस्कृति पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा। इसका उल्लेख उच्च एवं जन कला की अनेक कृतियों में मिलता है। फ़िनिश मेटल बैंड नाइटविश का "अमारैंथ" गीत का वीडियो "द वाउंडेड एंजेल" के मूल भाव पर चलता है।

अल्बर्ट एडेलफेल्ट

पेरिसिन लक्ज़मबर्गिन पुइस्टोसा — पेरिस के लक्ज़मबर्ग गार्डन में.

अक्सेली गैलेन-कल्लेला

अक्का जा किस्सा — बूढ़ी औरत और बिल्ली

गैलेन-कल्लेला में, सामान्य तौर पर, सभी पेंटिंग उत्कृष्ट कृतियाँ हैं, यह वास्तव में एक विश्व स्तरीय कलाकार है।

यह चित्र सशक्त रूप से प्राकृतिक तरीके से लिखा गया है, लेकिन, अपनी सारी अलंकृतता के बावजूद, यह सबसे सरल और सबसे गरीब लोगों के लिए सहानुभूति और प्रेम से भरा है।

यह पेंटिंग 1895 में तुर्कू कला संग्रहालय द्वारा अधिग्रहित की गई थी और आज भी वहां मौजूद है।

शब्द अक्कामैं हमेशा कठिनाई से अनुवाद करता हूँ - "महिला" और "दादी" दोनों।

यहां मैं थोड़ा स्वाद दिखाऊंगा और एक और तस्वीर जोड़ूंगा हेलेन शेजर्फबेक- रूसी में हमने उसका नाम हेलेना शेजर्फबेक पढ़ा।

और यहाँ प्रकाश और गर्मी की किरण है।

1882 पेंटिंग, Tanssiaiskengat —नृत्य जूते.

यह संभवतः फिनिश की सबसे दुखद तस्वीर है। कम से कम मेरे विचार में।

अल्बर्ट एडेलफेल्ट

लैपसेन रूमिसात्तो — एक बच्चे का अंतिम संस्कार(वस्तुतः एक बच्चे का अंतिम संस्कार जुलूस)

फिनिश दृश्य कला में यह पहली आउटडोर शैली रचना है। वह मानो वास्तविक जीवन का एक टुकड़ा बन गई, जिसे कलाकार ने देखा और कैद किया। तस्वीर इंसान के दुख के बारे में बताती है. एडेलफेल्ट चित्रित साधारण परिवारनाव पर एक छोटा सा ताबूत ले जाना। कठोर परिदृश्य उन लोगों की मनोदशा से मेल खाता है जो अपने बच्चे को उनकी अंतिम यात्रा पर विदा कर रहे हैं। उनके शोकाकुल चेहरे, संयमित हरकतों में - गंभीर उदासी, जो झील की सफेद शांत सतह, चमकीले ठंडे आकाश, दूर के निचले तटों से प्रतिध्वनित होती है।

"द फ्यूनरल ऑफ ए चाइल्ड" ने उन्हें शिक्षाविद की उपाधि दिलाई, और यह काम मॉस्को में एक निजी संग्रह में खरीदा गया था। उसी समय, सार्सकोए सेलो में एक व्यक्तिगत प्रदर्शनी का आयोजन किया गया था, और एडेलफेल्ट को अलेक्जेंडर III और मारिया फेडोरोव्ना को प्रस्तुत किया गया था, जो पेंटिंग के भी शौकीन थे।

कलाकार की अदालत से निकटता ने रूस में फिनिश पेंटिंग की लोकप्रियता में मदद की। हम कह सकते हैं कि एडेलफेल्ट उन लोगों में से एक थे जिन्होंने रूस के लिए फिनलैंड की कला की खोज की थी।

1907 में यह पेंटिंग फिनलैंड लौट आई और अब एटेनियम संग्रहालय, हेलसिंकी में है।

फिर भी, अपनी ओर से, मैं यह नोट करना चाहूंगा कि इस तस्वीर में मृत्यु के प्रति फिन्स के रवैये को बहुत सटीक रूप से व्यक्त किया गया है (जो, अफसोस, किसी भी जीवन का एक हिस्सा, आखिरी हिस्सा है)। यह बहुत सख्त और संयमित है, यहाँ भी रूसियों से अंतर है। लेकिन यह सख्ती और संयम उनकी भावनात्मकता की बात नहीं करता है, यह सिर्फ इतना है कि फिन्स यह सब अपने भीतर गहराई से रखते हैं। हम रूसियों से भी ज़्यादा गहरा. लेकिन इससे होने वाला दुःख उनके लिए दुःख बनकर नहीं रह जाता।

पेक्का हेलोनेन

तिएनराइवाजिया करजलासा — करेलिया में सड़क बनाने वाले।

वस्तुतः यह "करेलिया में सड़क साफ़ करने वाला" होगा।

रायवता- अच्छी क्रिया रास्ता साफ
मुझे नहीं पता कि इसमें इस शब्द के साथ कुछ समानता है या नहीं रायवो — क्रोध, उन्माद

लेकिन इस तस्वीर को देखकर हम ये मान सकते हैं कि हां.

तस्वीर में फिन्स की एक और विशेषता है - ऐतिहासिक रूप से उन्हें बेहद प्रतिकूल प्राकृतिक वातावरण में रहना पड़ा, यानी, कभी-कभी वे अपने अस्तित्व के लिए जमकर लड़ते हैं, इसलिए, शायद, यह दृढ़ता है कि वे काम और प्रतिकूल परिस्थितियों में दिखाते हैं। कम से कम पहले तो ऐसा ही होता था.

ह्यूगो सिमबर्ग

ह्यूगो सिम्बर्ग की एक और तस्वीर - " सपना«.

सिमबर्ग को प्रतीकवादी माना जाता है, उनकी पेंटिंग व्याख्याओं और व्याख्याओं के लिए बेहद खुली हैं।

और साथ ही, उनकी पेंटिंग्स में हमेशा कुछ न कुछ राष्ट्रीय जरूर होता है।

अक्सेली गैलेन-कल्लेला

पोइका जा वारिस — लड़का और कौवा.

(1884) वैसे, व्यक्तिगत रूप से, केवल एक वयस्क के रूप में ही मैंने यह सीखा कौआ (वारिस), तुलनात्मक रूप से कहें तो, पत्नी/महिला नहीं कौआ (कोरपी). सच तो यह है कि ऐसा भ्रम सौभाग्य से केवल रूसी भाषा में ही होता है। उदाहरण के लिए, यूक्रेनी में, एक कौआ एक "बदमाश" है, और एक कौवा एक "कौवा" होगा। अंग्रेजी में रेवेन के लिए शब्द "रेवेन" लगता है, और कौवे को "क्रो" कहा जाता है।

पेंटिंग अब एटेनियम में है।

अक्सेली गैलेन-कल्लेला।

लेमिन्काइसेन एति — लेम्मिन्किनेन की माँ।
(1897)

पेंटिंग एटीनम, हेलसिंकी में है।

पेंटिंग में द कालेवाला के एक दृश्य का वर्णन किया गया है जिसमें लेमिन्किनेन को मार दिया जाता है और टुकड़े-टुकड़े कर दिया जाता है, और शरीर के हिस्सों को अंधेरी नदी, तुओनेला में फेंक दिया जाता है। नायक की माँ ने अपने बेटे के शरीर के हिस्सों को रेक से इकट्ठा किया और उन्हें एक पूरे में सिल दिया। तस्वीर में, वह एक मधुमक्खी की प्रतीक्षा कर रही है - इसलिए वह ऊपर देखती है - जो वरिष्ठ देवता उक्को से जादुई शहद लाएगी, जिसे लेम्मिन्किनेन को पुनर्जीवित करना होगा।

1933 में हेलसिंकी में स्थापित। प्रारंभ में, इसने विभिन्न विशिष्टताओं के 23 कलाकारों को एकजुट किया, 1930 के दशक के अंत तक - लगभग 45। सोसायटी के पहले अध्यक्ष वास्तुकार और इंटीरियर कलाकार एल. . सोसाइटी ने अपने सदस्यों के काम की वार्षिक प्रदर्शनियाँ (नकद पुरस्कारों के साथ) और वार्षिक चैरिटी बॉल्स (आमतौर पर होटल ग्रांड में) की मेजबानी की; वहाँ एक पारस्परिक लाभ कोष था, मैत्रीपूर्ण शामें आयोजित की जाती थीं, और कला पर सार्वजनिक रिपोर्टें पढ़ी जाती थीं। अलग-अलग वर्षों में पढ़ी गई रिपोर्टों में: एस. एम. वेसेलोव (1935) द्वारा "पिछले 25 वर्षों में रूसी रंगमंच", वी. पी. शचेपांस्की द्वारा "रूसी लैंडस्केप पेंटर्स" (1936; कलाकार एम. ए. फेडोरोवा की स्मृति को समर्पित), एल. ई. कुरपतोव (1936) और अन्य द्वारा "घर पर संस्कृति"। - कवि की मृत्यु के शताब्दी वर्ष से संबंधित घटनाओं में। 1934 में, एक कला कार्यशाला आयोजित करने और गर्मियों में रेखाचित्रों पर काम करने के लिए संयुक्त रूप से एक ग्रीष्मकालीन कॉटेज किराए पर लेने का निर्णय लिया गया।

सोसायटी की प्रदर्शनियों में शामिल हुए: एम. अकुतिना-शुवालोवा, एन. पी. बेली, ए. जी. इरमान ओवा, आई. एम. कार्पिन्स्की, आई. क्रास्नोस्टोव्स्की, एल. क्रेट्ज़, एल. एल. कुज़मिन, एन. जी. कुज़मीना, आई. कुर्किरांटा, एल. ई. कुरपतोव, ओ. कुरपतोवा, टी. कुर्तो, ए. लिंडेनबर्ग, पी. लोमाकिन, बैरोनेस एम. बी. मेडेल, एम. मिलोवा, एम. एम. वॉन मिंगिन, वी. मितिनिन, एम.एन. नेमिलोवा, एम. पेट्स-ब्लाज़्नोवा, एल. प्लैटन, जी. प्रेसास, यू. पी. शचेपांस्की।

1939 में फ़िनलैंड के ख़िलाफ़ शत्रुता शुरू होने के साथ, समाज की गतिविधियाँ बंद हो गईं और युद्ध के बाद ही अधिक सक्रिय हो गईं। 1945 में सोसायटी को फिनलैंड में रूसी कलाकारों के संघ में बदल दिया गया, जिसकी अध्यक्षता आई. एम. कार्पिंस्की ने की। अगले वर्ष, यह संगठन रूसी सांस्कृतिक लोकतांत्रिक संघ का सामूहिक सदस्य बन गया और 1947 में इसकी पहली प्रदर्शनी हरहैमर आर्ट सैलून में आयोजित की गई।

ग्रंथ सूची:	विदेश में रूसियों के साहित्यिक जीवन का क्रॉनिकल: फ़िनलैंड (1918-1938) / संकलित: ई. हेमलैनेन, यू. ए. अजरोव // साहित्यिक पत्रिका। रूसी विज्ञान अकादमी की भाषा और साहित्य अनुभाग। रूसी विज्ञान अकादमी के सामाजिक विज्ञान पर वैज्ञानिक सूचना संस्थान। - 2006. क्रमांक 20. एस. 271-319।
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एटेनियम संग्रहालय की स्थायी प्रदर्शनीइमारत की तीसरी मंजिल पर कब्जा है (वहां छोटी विषयगत प्रदर्शनियां भी व्यवस्थित की गई हैं), और दूसरी मंजिल (हॉल की योजना) पर अस्थायी प्रदर्शनियां आयोजित की जाती हैं। इस नोट में, हम एटेनियम संग्रह में कुछ सबसे दिलचस्प और प्रसिद्ध चित्रों और मूर्तियों के साथ-साथ उनके लेखकों के बारे में बात करेंगे: प्रसिद्ध फ़िनिश चित्रकार और मूर्तिकार. एटेनियम संग्रहालय के इतिहास और संग्रहालय भवन की वास्तुकला के बारे में अधिक जानकारीपढ़ा जा सकता है. इसके बारे में उपयोगी जानकारी भी प्रदान करता है टिकट की कीमतें, खुलने का समयऔर एटेनियम संग्रहालय देखने की प्रक्रिया। ध्यान दें: हमेशा संग्रहालय में आप एक ही समय में सभी प्रसिद्ध कार्यों को नहीं देख सकते हैं।

फ़िनिश मूर्तिकारों की कृतियाँ

आइए प्रवेश द्वार से ही एटेनियम संग्रहालय में अपनी सैर शुरू करें।

लॉबी में हमारा स्वागत एक संगमरमर समूह द्वारा किया जाता है" अपोलो और मार्सियास» (1874) प्रसिद्ध फिनिश मूर्तिकार द्वारा वाल्टर रुनबर्ग (वाल्टर मैग्नस रूनबर्ग) (1838-1920), हेलसिंकी में जोहान रुनबर्ग और सम्राट अलेक्जेंडर द्वितीय के स्मारकों के लेखक। मूर्तिकार के पिता, कवि जोहान रूनबर्ग, साहित्य में राष्ट्रीय रोमांटिक प्रवृत्ति के प्रतिनिधि, ने साहस और भक्ति के मूल्य सहित ग्रीक और रोमन सभ्यता के आदर्शों को फिनिश संस्कृति में पेश किया। उनके बेटे ने इन आदर्शों को व्यक्त करना जारी रखा, लेकिन मूर्तिकला के माध्यम से। 1858-62 में. वाल्टर रुनबर्ग ने कोपेनहेगन में ललित कला अकादमी में डेनिश मूर्तिकार हरमन विल्हेम बिसेन के मार्गदर्शन में अध्ययन किया, जो प्रसिद्ध थोरवाल्ड्सन के छात्र थे, जो नवशास्त्रीय मूर्तिकला के अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त मास्टर थे। 1862-1876 में। रुनबर्ग ने शास्त्रीय विरासत का अध्ययन जारी रखते हुए रोम में काम किया।

इस मूर्तिकला समूह में, रुनबर्ग ने प्रकाश के देवता अपोलो को अपनी कला से व्यंग्यकार मार्सिया को पराजित करते हुए, अंधेरे और पृथ्वी को चित्रित करते हुए चित्रित किया। अपोलो की आकृति प्राचीन आदर्शों की भावना से बनाई गई है, जबकि यह छवि स्पष्ट रूप से बारोक-जंगली चरवाहे मार्सियास का विरोध करती है। रचना का उद्देश्य मूल रूप से नए हेलसिंकी स्टूडेंट हाउस को सजाना था और इसे सोरोरिटी द्वारा कमीशन किया गया था, लेकिन तब महिलाओं ने स्पष्ट रूप से फैसला किया कि रुनबर्ग की मूर्तिकला में बहुत अधिक नग्नता थी। किसी न किसी तरह, अंत में, काम फ़िनलैंड की आर्ट सोसाइटी को एक उपहार के रूप में प्रस्तुत किया गया - और इस तरह यह एटेनियम संग्रहालय के संग्रह में समाप्त हो गया।

मुख्य में प्रवेश करने पर प्रदर्शनी हॉलतीसरी मंजिल पर एटेनियम आप कुछ और देख सकते हैं दिलचस्प कार्य फ़िनिश मूर्तिकार. संगमरमर और कांस्य की मूर्तियां, सुंदर मूर्तियाँ और फूलदान विशेष रूप से आकर्षक हैं विले वालग्रेन (विले वालग्रेन) (1855–1940).विले वालग्रेनवह पहले फ़िनिश मूर्तिकारों में से एक थे जिन्होंने प्राप्त करने के बाद निर्णय लिया बुनियादी शिक्षाफ़िनलैंड में कोपेनहेगन में नहीं, बल्कि पेरिस में पढ़ाई जारी रखने के लिए। उनकी पसंद प्रसिद्ध कलाकार अल्बर्ट एडेलफेल्ट से प्रभावित थी, जो पोर्वू के मूल निवासी भी थे। एडेलफेल्ट ने अन्य जीवन और पेशेवर मामलों में आवेगी देशवासी की मदद की: उदाहरण के लिए, यह उनकी मदद से था कि वॉलग्रेन को एस्प्लेनेड बुलेवार्ड पर प्रसिद्ध हैविस अमांडा फाउंटेन (1908) को पूरा करने का आदेश मिला।

विले वालग्रेनलगभग 40 वर्षों तक फ़्रांस में रहने वाले, अपनी कामुक महिला आकृतियों के लिए जाने जाते हैं आर्ट नोव्यू शैली में. हालाँकि, अपने काम के शुरुआती चरण में, वह अक्सर युवा पुरुषों को चित्रित करते थे और अधिक शास्त्रीय शैली (काव्यात्मक) का पालन करते थे संगमरमर की मूर्तियां « गूंज" (1887) और " लड़का केकड़े के साथ खेल रहा है(1884), जिसमें वॉलग्रेन मानवीय चरित्रों और प्राकृतिक दुनिया को जोड़ता है)।

19वीं शताब्दी के अंत में, विले वालग्रेन ने सजावटी मूर्तियों के साथ-साथ फूलदान, अंत्येष्टि कलश और आंसू की बूंदों के एक उल्लेखनीय स्वामी के रूप में दुनिया भर में ख्याति प्राप्त की, जो शोक संतप्त लड़कियों की आकृतियों से सजाए गए थे। लेकिन कम प्रेरकता के साथ, बॉन विवांट वालग्रेन ने जीवन की खुशियों को चित्रित किया, जिसमें उसी हेविस अमांडा जैसी चुलबुली और मोहक महिलाएं भी शामिल थीं। उपर्युक्त मूर्तिकला "बॉय प्लेइंग विद ए क्रैब" (1884) के अलावा, एटेनियम संग्रहालय की तीसरी मंजिल पर आप देख सकते हैं विले वालग्रेन द्वारा कांस्य कृतियाँ: "टियरड्रॉप" (1894), "स्प्रिंग (पुनर्जागरण)" (1895), "टू यंग पीपल" (1893) और एक फूलदान (लगभग 1894)। पूरी तरह से तैयार किए गए विवरणों के साथ ये उत्कृष्ट कृतियाँ आकार में छोटी हैं, लेकिन वे एक मजबूत भावनात्मक प्रभाव डालती हैं और अपनी सुंदरता के लिए याद की जाती हैं।

विले वॉलग्रेन ने एक मूर्तिकार के रूप में करियर के लिए एक लंबा सफर तय किया है, लेकिन एक बार जब उन्हें अपनी दिशा मिल गई और पेशेवरों का समर्थन प्राप्त हुआ, तो वह इतिहास में सबसे सम्मानित और अंतरराष्ट्रीय स्तर पर मान्यता प्राप्त कलाकारों में से एक बन गए। फ़िनिश कला. उदाहरण के लिए, वह एकमात्र फिन थे जिन्होंने पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में अपने काम के लिए ग्रांड प्रिक्स पदक प्राप्त किया था (यह 1900 में हुआ था)। वॉलग्रेन ने पहली बार 1889 की विश्व प्रदर्शनी के दौरान सहकर्मियों और आलोचकों का ध्यान आकर्षित किया, जहां उनकी राहत "क्राइस्ट" प्रस्तुत की गई थी। में फिर एक बारफ़िनिश मूर्तिकार ने प्रतीकवादी पेरिस के सैलून के दौरान अपनी पहचान बनाई गुलाब + क्रॉइक्स 1892 और 1893 में. वॉलग्रेन की पत्नी स्वीडिश कलाकार और मूर्तिकार एंटोनेट रोस्ट्रेम थीं ( एंटोनेट रोस्ट्रॉम) (1858-1911).

फ़िनिश कला का स्वर्ण युग: अल्बर्ट एडेलफेल्ट, अक्सेली गैलेन-कल्लेला, ईरो जर्नफेल्ट, पेक्का हैलोनेन

तीसरी मंजिल पर सबसे बड़े हॉल में से एक में एटेनियम संग्रहालयका प्रतिनिधित्व किया शास्त्रीय पेंटिंग, मित्र विले वालग्रेन के कार्यों सहित - अल्बर्ट एडेलफेल्ट (अल्बर्ट एडेलफेल्ट) (1854-1905), दुनिया में सबसे व्यापक रूप से जाना जाता है फ़िनिश कलाकार.

दर्शकों का ध्यान जरूर आकर्षित होगा शानदार चित्र « रानी ब्लैंका"(1877) - फ़िनलैंड में सबसे लोकप्रिय और प्रिय चित्रों में से एक, मातृत्व का एक वास्तविक भजन। इस पेंटिंग और इसे दर्शाने वाली कढ़ाई की मुद्रित प्रतिकृतियाँ पूरे देश में हजारों घरों में पाई जा सकती हैं। एडेलफेल्ट जकारियास टोपेलियस की लघु कहानी "द नाइन सिल्वरस्मिथ्स" से प्रेरित था ( दे नियो सिल्वरपेनिंगार्ना), जिसमें स्वीडन और नॉर्वे की मध्ययुगीन रानी, ​​नामुर की ब्लैंका, अपने बेटे, डेनमार्क के मार्गरेट प्रथम के भावी पति, प्रिंस हाकोन मैग्नसन का गीतों के साथ मनोरंजन करती हैं। इस विवाह का परिणाम, बस आयोजित किया गया रानी ब्लैंका, स्वीडन, नॉर्वे और डेनमार्क का संघ बन गया - काल्मर संघ (1397-1453)। प्रिटी ब्लैंका अपने छोटे बेटे के लिए इन सभी भविष्य की घटनाओं के बारे में गाती है।

इस कैनवास के निर्माण के युग में, ऐतिहासिक चित्रकला को कला का सबसे महान रूप माना जाता था और फ़िनिश समाज के शिक्षित वर्गों द्वारा इसकी मांग की गई थी, क्योंकि राष्ट्रीय पहचानउस समय आकार लेना शुरू ही हुआ था। अल्बर्ट एडेलफेल्ट केवल 22 वर्ष के थे जब उन्होंने मध्ययुगीन स्कैंडिनेवियाई इतिहास के विषय पर एक पेंटिंग बनाने का फैसला किया और क्वीन ब्लैंका उनका पहला गंभीर काम बन गया। कलाकार ने अपने लोगों की अपेक्षाओं को पूरा करने और उन्हें मूर्त रूप देने का प्रयास किया ऐतिहासिक दृश्ययथासंभव सजीव और प्रामाणिक रूप से (चित्र लिखने के समय, एडेलफेल्ट पेरिस में एक तंग अटारी में रहते थे और, अपने शिक्षक जीन-लियोन गेरोम के आग्रह पर, उस काल की वेशभूषा का अध्ययन किया, मध्ययुगीन वास्तुकला और फर्नीचर के बारे में किताबें पढ़ीं, और मध्ययुगीन क्लूनी संग्रहालय का दौरा किया)। उस कौशल को देखें जिसके साथ रानी की पोशाक के चमकदार रेशम, फर्श पर भालू की खाल और कई अन्य विवरण लिखे गए हैं (कलाकार ने विशेष रूप से डिपार्टमेंट स्टोर में भालू की खाल किराए पर ली थी)। लेकिन तस्वीर में मुख्य बात, कम से कम आधुनिक दर्शकों के लिए (और खुद एडेलफेल्ट के लिए, जो अपनी मां को दुनिया में किसी से भी ज्यादा प्यार करता था), इसकी गर्म भावनात्मक सामग्री है: मां का चेहरा और बच्चे के हावभाव, जो प्यार, खुशी और अंतरंगता व्यक्त करते हैं।

एक खूबसूरत 18 वर्षीय पेरिसियन ने रानी ब्लैंका के लिए मॉडल के रूप में काम किया, और एक सुंदर इतालवी लड़के ने राजकुमार के लिए पोज़ दिया। पेंटिंग "क्वीन ब्लैंका"पहली बार 1877 में पेरिस सैलून में जनता के सामने प्रस्तुत किया गया था, यह एक बड़ी सफलता थी और इसे फ्रांसीसी कला प्रकाशनों में दोहराया गया था। फिर उसे फ़िनलैंड में दिखाया गया, जिसके बाद कैनवास औरोरा करमज़िना को बेच दिया गया। इसके बाद, पेंटिंग मैग्नेट हजलमार लिंडर के संग्रह में समाप्त हो गई, जिन्होंने इसे दान कर दिया था एटेनियम संग्रहालय 1920 में.

प्रारंभिक रचनात्मकता का एक और उदाहरण अल्बर्ट एडेलफेल्टशोकपूर्ण पेंटिंग " एक बच्चे का अंतिम संस्कार"("ताबूत का परिवहन") (1879)। हम पहले ही कह चुके हैं कि अपनी युवावस्था में एडेलफेल्ट एक इतिहास चित्रकार बनने जा रहे थे; एंटवर्प और फिर पेरिस में पढ़ाई के दौरान उन्होंने खुद को इसके लिए तैयार किया। लेकिन 1870 के दशक के अंत तक, उनके आदर्श बदल गए, उनकी फ्रांसीसी कलाकार बास्टियन-लेपेज से दोस्ती हो गई और वे प्लेन एयर पेंटिंग के प्रचारक बन गए। अगला कार्य एडेलफेल्टये पहले से ही किसान जीवन और जीवित जीवन का यथार्थवादी प्रतिबिंब हैं जन्म का देश. लेकिन पेंटिंग "द फ्यूनरल ऑफ ए चाइल्ड" सिर्फ रोजमर्रा की जिंदगी के दृश्य को प्रतिबिंबित नहीं करती है: यह मौलिक मानवीय भावनाओं में से एक - दुःख को व्यक्त करती है।

उस वर्ष, एडेलफेल्ट ने पहली बार पोर्वू के पास हाइको एस्टेट पर अपनी मां द्वारा किराए पर लिए गए डाचा का दौरा किया (बाद में कलाकार हर गर्मियों में इन खूबसूरत जगहों पर आते थे)। यह चित्र पूरी तरह से खुली हवा में चित्रित किया गया था, जिसके लिए एक बड़े कैनवास को तटीय पत्थरों से जोड़ना पड़ा ताकि यह हवा में न लहराए। एडेलफेल्ट ने अपने एक दोस्त से कहा, "मैंने नहीं सोचा था कि बाहर पेंटिंग करना इतना मुश्किल होगा।" एडेलफेल्ट ने पोरवू द्वीपसमूह के निवासियों के खराब चेहरों का रेखाचित्र बनाया, एक से अधिक बार मछुआरों के साथ समुद्र में गए, और विवरणों को सटीक रूप से पुन: प्रस्तुत करने के लिए विशेष रूप से अपनी कार्यशाला में एक मछली पकड़ने वाली नाव भी रखी। एडेलफेल्ट पेंटिंग « एक बच्चे का अंतिम संस्कार" 1880 के पेरिस सैलून में प्रदर्शित किया गया था और उसे तीसरी डिग्री पदक (पहली बार) से सम्मानित किया गया था फ़िनिश कलाकारऐसा सम्मान प्राप्त हुआ) फ्रांसीसी आलोचकों ने चित्र की विभिन्न खूबियों पर ध्यान दिया, जिसमें यह तथ्य भी शामिल है कि यह अत्यधिक भावुकता से रहित है, लेकिन उस गरिमा को दर्शाता है जिसके साथ पात्र अपरिहार्य को स्वीकार करते हैं।

तस्वीर बिल्कुल अलग, धूप और लापरवाह मूड से ओत-प्रोत है। अल्बर्ट एडेलफेल्ट « लक्ज़मबर्ग उद्यान» (1887). जब एडेलफेल्ट ने इस कैनवास को चित्रित किया, तो वह पहले से ही पेरिस में एक बहुत प्रसिद्ध व्यक्ति थे कला जगत. अच्छे मौसम का आनंद ले रहे कई बच्चों और आयाओं के साथ पेरिस के पार्कों से मंत्रमुग्ध होकर, उन्होंने इस सुंदरता को कैद करने का फैसला किया। उस समय तक, चित्रकार दस साल से अधिक समय तक पेरिस में रह चुका था, और यह और भी अजीब है कि यह पेंटिंग उसका एकमात्र प्रमुख काम है पेरिस का जीवन. यह शायद कलाकारों के बीच भयंकर प्रतिस्पर्धा के कारण है: इस माहौल में अधिक "विदेशी" फिनिश विषयों पर काम करना आसान था। पेंटिंग "लक्ज़मबर्ग गार्डन" इस मायने में भी असामान्य है कि एडेलफेल्ट ने इसमें प्रभाववाद की कई तकनीकों का इस्तेमाल किया। साथ ही, प्रभाववादियों के विपरीत, उन्होंने इस कैनवास पर एक वर्ष से अधिक समय तक, खुली हवा और स्टूडियो दोनों में काम किया। काम अक्सर सामान्य कारणों से धीमा हो जाता था: खराब मौसम या देर से मॉडल के कारण। आत्म-आलोचनात्मक एडेलफेल्ट ने कैनवास पर बार-बार काम किया, अंतिम क्षण तक बदलाव किए, जब काम को प्रदर्शनी में ले जाने का समय आया।

यह पेंटिंग पहली बार एक प्रदर्शनी में दिखाई गई थी गैलरी पेटिटमई 1887 में. एडेलफेल्ट स्वयं परिणाम से बहुत संतुष्ट नहीं थे: फ्रांसीसी प्रभाववादियों के चित्रों में रंग विस्फोटों की पृष्ठभूमि के खिलाफ, उनका कैनवास, जैसा कि उन्हें लग रहा था, एनीमिक, "तरल" लग रहा था। हालाँकि, इस काम को आलोचकों और जनता द्वारा खूब सराहा गया। इसके बाद, यह पेंटिंग फिनिश कला - और विशेष रूप से एडेलफेल्ट - पेरिस के साथ घनिष्ठ संबंधों का एक प्रकार का प्रतीक बन गई, जो उस समय कलात्मक ब्रह्मांड का केंद्र था।

चित्र " रुओकोलहटी में चर्च में महिलाएं» (1887) अल्बर्ट एडेलफेल्टहाइको में अपनी ग्रीष्मकालीन कार्यशाला में लिखा - वहाँ उन्होंने लोक जीवन के विषय पर अपनी लगभग सभी रचनाएँ बनाईं। हालाँकि पेंटिंग पूर्वी फ़िनलैंड की यात्रा के छापों को दर्शाती है, यह ज्ञात है कि हाइको की महिलाएं पेंटिंग के लिए मॉडल थीं (उनके स्टूडियो में एडेलफेल्ट के लिए पोज़ देते हुए उनकी तस्वीरें संरक्षित की गई हैं)। अन्य बड़ी रचनाओं की तरह, यह रातोरात नहीं बनाई गई थी, हमेशा सावधानीपूर्वक प्रारंभिक रेखाचित्र बनाए गए थे। हालाँकि, कलाकार का मुख्य लक्ष्य हमेशा "स्नैपशॉट" का सहज, जीवंत प्रभाव प्राप्त करना रहा है।

एटेनियम संग्रहालय में अल्बर्ट एडेलफेल्ट की कृतियों के बगल में, आप फिनिश कला के स्वर्ण युग के एक अन्य प्रतिनिधि की पेंटिंग देख सकते हैं, ईरो जार्नेफेल्टा (ईरो जर्नफेल्ट) (1863-1937) फ़िनलैंड में अपनी पढ़ाई ख़त्म करने के बाद जर्नफेल्ट चले गए सेंट पीटर्सबर्गजहां उन्होंने पढ़ाई की कला अकादमीअपने चाचा मिखाइल क्लोड्ट के साथ, रेपिन और कोरोविन के करीबी बन गए और फिर पेरिस में अपनी शिक्षा जारी रखने के लिए चले गए। विदेशी प्रभावों के बावजूद, जर्नफेल्ट का काम राष्ट्रीय पहचान की खोज, अपनी मूल संस्कृति की विशिष्ट प्रकृति पर जोर देने की इच्छा को दर्शाता है ( रचनात्मकता के बारे में और अधिक ईरो जार्नेफेल्टापढ़ना ).

जार्नेफेल्ट को एक चित्रकार और कोली क्षेत्र के राजसी परिदृश्यों और तुउसुलानजेरवी झील के आसपास के लेखक के रूप में जाना जाता है, जहां उनका विला-स्टूडियो सुविरंता स्थित था (बगल में ऐनोला घर था, जहां संगीतकार सिबेलियस अपनी पत्नी, जार्नेफेल्ट की बहन के साथ रहते थे)।

लेकिन ईरो जर्नफेल्ट का सबसे महत्वपूर्ण और प्रसिद्ध काम, निश्चित रूप से, पेंटिंग है "जुए के नीचे" ("जंगल को जलाना")(1893) (नाम के अन्य रूप - " पैसे के लिए पीठ झुकाना», « बंधुआ मज़दूरी"). कैनवास का कथानक खेती की प्राचीन पद्धति से जुड़ा है, जिसमें कृषि योग्य भूमि (तथाकथित स्लैश-एंड-बर्न कृषि) प्राप्त करने के लिए जंगल को जलाना शामिल है। यह पेंटिंग 1893 की गर्मियों में एक खेत में बनाई गई थी रन्नन पुरुलालापिनलाहटी में, उत्तरी सावो क्षेत्र में। उस वर्ष दूसरी बार पाले ने फसल बर्बाद कर दी। जर्नफेल्ट ने एक धनी परिवार के खेत में काम किया और भूमिहीन श्रमिकों की कठोर जीवन और कामकाजी परिस्थितियों को देखा, जिन्हें उनके काम के लिए भुगतान केवल तभी किया जाता था जब फसल अच्छी होती थी। उसी समय, जर्नफेल्ट ने जलते हुए वन परिदृश्य के रेखाचित्र बनाए, आग और धुएं के व्यवहार का अध्ययन किया, और तस्वीरें भी लीं ग्रामीणों, जो अंततः उनकी तस्वीर के मुख्य पात्र बन गए।

चित्र में केवल एक पात्र सीधे दर्शक की ओर देखता है: यह एक लड़की है जिसने थोड़ी देर के लिए काम में बाधा डाली और हमें तिरस्कार की दृष्टि से देखा। उसका पेट भूख से सूज गया था, उसका चेहरा और कपड़े कालिख से काले हो गए थे, और उसके सिर के चारों ओर जर्नफेल्ट ने एक प्रभामंडल जैसा धुआं दर्शाया था। कलाकार ने यह छवि जोहाना कोक्कोनेन नाम की 14 वर्षीय लड़की की बनाई है ( जोहाना कोक्कोनेन), खेत पर नौकर। अग्रभूमि में मौजूद व्यक्ति हेइकी पुरुनेन हैं ( हाइकी पुरुनेन), किसान के भाई और खेत के मालिक को पृष्ठभूमि में दर्शाया गया है।

तस्वीर को देखकर, आप सचमुच आग की गर्मी महसूस कर सकते हैं, लौ की धीमी आवाज और शाखाओं की खड़खड़ाहट सुन सकते हैं। चित्र की कई व्याख्याएँ हैं, लेकिन इसका मुख्य अर्थ उत्पीड़ित लोगों की कठोर आलोचना के रूप में देखा जाता है। तस्वीर में दिख रही लड़की फिनलैंड के सभी गरीब और भूखे बच्चों, सभी वंचित लोगों की एक सामान्यीकृत छवि बन गई है। कैनवास को पहली बार 1897 में जनता के सामने प्रस्तुत किया गया था।

एक पूरा बड़ा हॉल एटेनियम संग्रहालयफिनिश के स्वर्ण युग के एक और प्रसिद्ध प्रतिनिधि के काम के लिए समर्पित दृश्य कला - अक्सेली गैलेना-कल्लेला (अक्सेली गैलेन-कल्लेला) (1865-1931). उस काल के अन्य प्रमुख फिनिश कलाकारों की तरह, उन्होंने अध्ययन किया। 1900 की विश्व प्रदर्शनी के दौरान गैलेन-कल्लेला ने पेरिस की जनता का विशेष ध्यान आकर्षित किया, जब उन्होंने फिनिश महाकाव्य कालेवाला पर आधारित फिनिश मंडप के लिए कई भित्तिचित्रों का प्रदर्शन किया।

दौरान पेरिस में अध्ययनगैलेन-कालेला अक्सर सड़कों और कैफे में देखे गए दृश्यों का रेखाचित्र बनाते थे। इस काल की रचनात्मकता का एक उदाहरण चित्रकला है "नग्न" ("बिना मास्क के") (Demasquee ) (1888) - गैलेन-कल्लेला के काम में लगभग एकमात्र कामुक कैनवास। यह ज्ञात है कि इसे फ़िनिश कलेक्टर और परोपकारी फ्रिड्टजॉफ़ एंटेल द्वारा नियुक्त 23 वर्षीय कलाकार द्वारा बनाया गया था, जो यौन रूप से स्पष्ट चित्रों के अपने संग्रह को फिर से भरना चाहता था। हालाँकि, जब एंटेल ने पेंटिंग देखी, तो उन्होंने इसे लेने से इनकार कर दिया, जाहिर तौर पर यह पेंटिंग उनके स्वाद के लिए भी अश्लील थी।

पेंटिंग में एक नग्न पेरिसियन महिला (जाहिरा तौर पर एक वेश्या) को पारंपरिक फिनिश कालीन से ढके सोफे पर कलाकार के स्टूडियो में बैठे हुए दिखाया गया है। चित्र बोहेमियन जीवनशैली का एक अंदाज़ा देता है, लेकिन साथ ही संकेत देता है कि उसकी खुशियाँ मृत्यु, पतन से भरी हैं। कलाकार ने मासूमियत का प्रतीक एक लिली का चित्रण किया है, जो एक सशक्त कामुक मॉडल और एक गिटार के विपरीत है, जिसका आकार कामुक भावना को और बढ़ाता है। महिला आकर्षक और डराने वाली दोनों दिखती है। क्रूसिफ़िक्स, बुद्ध प्रतिमा और प्राचीन फिनिश कालीन ruyu, आत्म-संतुष्ट महिला मांस के बगल में चित्रित, संत के अपमान की ओर इशारा करता है। पृष्ठभूमि में मेज पर एक खोपड़ी मुस्कुरा रही है - वनिता शैली के चित्रों में एक लगातार तत्व, जो दर्शकों को सांसारिक सुखों की कमजोरी और मृत्यु की अनिवार्यता की याद दिलाता है। कैनवास Demasqueeमें पहली बार प्रदर्शित किया गया था एटेनियम संग्रहालय 1893 में.

बाद के कई काम गैलेना-कल्लेलासमर्पित "कालेवाले". फ़िनिश महाकाव्य के वेनामोइनेन और लेमिन्किनेन जैसे नायकों का चित्रण करते समय, कलाकार एक विशेष शैली का उपयोग करता है, कठोर और अभिव्यंजक, अद्वितीय चमकीले रंगों और शैलीबद्ध आभूषणों से भरा हुआ। इस चक्र से, यह आश्चर्यजनक तस्वीर ध्यान देने योग्य है " लेम्मिन्किनेन की माँ» (1897). हालाँकि यह पेंटिंग महाकाव्य का एक चित्रण है, इसमें अधिक वैश्विक, सार्वभौमिक ध्वनि है और इसे एक प्रकार का उत्तरी पिएटा माना जा सकता है। मातृ प्रेम का यह मर्मस्पर्शी गीत "थीम" पर गैलेन-कल्लेला के सबसे आश्चर्यजनक कार्यों में से एक है। कालेवाला».

लेम्मिन्किनेन की माँ- एक हँसमुख लड़का, एक चतुर शिकारी और महिलाओं को बहकाने वाला - अपने बेटे को मौत की काली नदी (तुओनेला नदी) पर पाता है, जहाँ उसने पवित्र हंस को गोली मारने की कोशिश की थी। पृष्ठभूमि में हंस को गहरे पानी में चित्रित किया गया है, और चट्टानी तट पर खोपड़ियाँ और हड्डियाँ बिखरी हुई हैं और मौत के फूल उग रहे हैं। कालेवाला बताता है कि कैसे एक माँ एक लंबी रेक से पानी में कंघी करती है, सभी टुकड़ों को बाहर निकालती है और अपने बेटे को उनमें से फिर से मोड़ती है। मंत्र और मलहम की मदद से, वह लेम्मिन्किनेन को पुनर्जीवित करती है। चित्र उस क्षण को दर्शाता है जो पुनरुत्थान से पहले का है। ऐसा लगता है कि सब कुछ चला गया है, लेकिन सूरज की किरणें मृतकों के दायरे में प्रवेश करती हैं, आशा देती हैं, और मधुमक्खी नायक के पुनरुत्थान के लिए जीवन देने वाली दिव्य बाम ले जाती है। गहरे, मौन रंग इस अंडरवर्ल्ड की शांति को बढ़ाते हैं, जबकि चट्टानों पर तीव्र रक्त-लाल काई, लेम्मिन्किनेन के पौधों और त्वचा की घातक सफेदी, मधुमक्खी के दिव्य सुनहरे रंग और आकाश से गिरने वाली किरणों के विपरीत है।

इस पेंटिंग के लिए कलाकार को उसकी अपनी माँ ने पोज़ दिया था। वह एक जीवंत, गहन नज़र के साथ एक बहुत ही यथार्थवादी छवि बनाने में कामयाब रहे (यह एक वास्तविक भावना है: गैलेन-कालेला ने जानबूझकर अपनी मां से कुछ दुखद बात कही, जिससे वह रोने लगीं)। साथ ही, चित्र को शैलीबद्ध किया गया है, जो एक विशेष पौराणिक वातावरण बनाने की अनुमति देता है, यह अहसास कि घटनाएँ वास्तविकता के "दूसरी तरफ" घटित हो रही हैं। प्रवर्धन के लिए भावनात्मक प्रभावगैलेन-कल्लेला ने तेल पेंट के स्थान पर टेम्परा का उपयोग किया। सरलीकृत रूप, आकृतियों की स्पष्ट रूपरेखा और बड़े रंगीन विमान एक शक्तिशाली रचना बनाने में मदद करते हैं। चित्र की निराशाजनक मनोदशा को बेहतर ढंग से व्यक्त करने के लिए, कलाकार ने रुओवेसी में अपने स्टूडियो हाउस में एक पूरी तरह से काला कमरा सुसज्जित किया, जिसमें प्रकाश का एकमात्र स्रोत रोशनदान था। इसके अलावा, उन्होंने फर्श पर नग्न अवस्था में लेटे हुए खुद की तस्वीर खींची और इन चित्रों का उपयोग तब किया जब उन्होंने लेम्मिन्किनेन की आकृति को चित्रित किया।

पूरी तरह से अलग, रमणीय और लगभग तुच्छ शैली में, गैलेन-कल्लेला का त्रिपिटक " ऐनो की किंवदंती» (1891). यह रचना युवा लड़की ऐनो और बूढ़े ऋषि वेनामोइनेन के बारे में कालेवाला के कथानक को समर्पित है। ऐनो को, उसके माता-पिता के निर्णय के अनुसार, वेनामोइनेन से विवाह करना था, लेकिन वह उससे दूर भागती है, और खुद डूब जाना पसंद करती है। ट्रिप्टिच के बाईं ओर, जंगल में पारंपरिक करेलियन पोशाक पहने एक बूढ़े आदमी और एक लड़की की पहली मुलाकात दिखाई गई है, और दाईं ओर हम उदास ऐनो को देखते हैं। खुद को पानी में फेंकने की तैयारी करते हुए, वह किनारे पर रोती है, पानी में खेल रही समुद्री युवतियों की पुकार सुनती है। अंत में, केंद्रीय पैनल कहानी के अंत को दर्शाता है: वेनामोइनेन एक नाव लेकर समुद्र में जाती है और मछली पकड़ने जाती है। एक छोटी मछली पकड़ने के बाद, वह उसमें उस लड़की को नहीं पहचान पाता जो उसकी गलती के कारण डूब गई थी और मछली को वापस पानी में फेंक देता है। लेकिन उस क्षण, मछली ऐनो में बदल जाती है - एक जलपरी जो उस बूढ़े आदमी पर हंसती है जो उससे चूक गया था और फिर हमेशा के लिए लहरों में गायब हो जाती है।

1890 के दशक की शुरुआत में गैलेन-कल्लेलाप्रकृतिवाद के समर्थक थे, और उन्हें निश्चित रूप से चित्र में सभी आकृतियों और वस्तुओं के लिए वास्तविक मॉडल की आवश्यकता थी। तो, करेलियन गांवों में से एक के निवासी ने अपनी लंबी खूबसूरत दाढ़ी के साथ वेनामोइनेन की छवि के लिए कलाकार के लिए पोज़ दिया। इसके अलावा, कलाकार ने एक बूढ़े आदमी से डरी हुई मछली की सबसे सटीक छवि प्राप्त करने के लिए पर्चों को सुखाया। यहां तक ​​कि ऐनो के हाथ पर चमकने वाला चांदी का कंगन भी वास्तविकता में मौजूद था: गैलेन-कल्लेला ने यह आभूषण अपनी युवा पत्नी मैरी को भेंट किया था। उन्होंने स्पष्ट रूप से ऐनो के लिए एक मॉडल के रूप में काम किया। करेलिया में अपने हनीमून के दौरान कलाकार द्वारा ट्रिप्टिच के परिदृश्यों का रेखाचित्र बनाया गया था।

रचना को एक लकड़ी के फ्रेम द्वारा तैयार किया गया है जिसमें स्वयं गैलेन-कल्लेला के हाथ से लिखे गए कालेवाला के आभूषण और उद्धरण शामिल हैं। यह त्रिपिटक आंदोलन का प्रारंभिक बिंदु बन गया फ़िनलैंड में राष्ट्रीय रूमानियत- आर्ट नोव्यू का फिनिश संस्करण। कलाकार ने इस पेंटिंग का पहला संस्करण 1888-89 में पेरिस में बनाया था। (अब बैंक ऑफ फिनलैंड के स्वामित्व में है)। जब पेंटिंग पहली बार हेलसिंकी में प्रस्तुत की गई, तो इसे बड़े उत्साह के साथ स्वागत किया गया, और सीनेट ने सार्वजनिक खर्च पर एक नया संस्करण ऑर्डर करने का निर्णय लिया। फेनोमानी आंदोलन के मद्देनजर ऐसा विचार काफी स्वाभाविक लगता है, जिसने फिनिश राष्ट्र को आदर्श और रोमांटिक बनाया। इसके अलावा, कला को फिनिश राष्ट्रीय आदर्शों को व्यक्त करने का एक शक्तिशाली साधन माना जाता था। उसी समय, "असली फिनिश शैली" की तलाश में कलाकारों का करेलिया में अभियान शुरू हुआ। करेलिया को एकमात्र अछूते क्षेत्र के रूप में देखा जाता था जहां कालेवाला के निशान संरक्षित थे, और गैलेन-कल्लेला ने स्वयं इस महाकाव्य को एक कहानी के रूप में माना था बीता हुआ समयराष्ट्रीय भव्यता, एक खोए हुए स्वर्ग की छवि के रूप में।

गैलेन-कल्लेला द्वारा पेंटिंग " कुल्लर्वो का अभिशाप"(1899) कालेवाला के एक और नायक के बारे में बताता है। कुल्लर्वो असाधारण ताकत का एक युवक था, एक अनाथ जिसे गुलामी में डाल दिया गया था और गाय चराने के लिए जंगल में भेज दिया गया था। दुष्ट मालकिन, लोहार इल्मारिनन की पत्नी ने उसे यात्रा के लिए रोटी दी, जिसमें एक पत्थर छिपा हुआ था। रोटी काटने की कोशिश में, कुल्लवरो ने चाकू तोड़ दिया, जो उसके पिता की एकमात्र स्मृति थी। क्रोधित होकर, वह भेड़ियों, भालूओं और लिनेक्स का एक नया झुंड इकट्ठा करता है, जो मालकिन को फाड़ देता है। कुल्लर्वो गुलामी से भाग जाता है और यह जानने के बाद घर लौटता है कि उसका परिवार जीवित है। हालाँकि, कुल्लर्वो की दुस्साहसियाँ यहीं समाप्त नहीं होती हैं। बदले की भावना का अंतहीन सिलसिला न केवल उसके नए परिवार को, बल्कि खुद को भी नष्ट कर देता है। वह पहले एक लड़की से मिलता है और उसे बहकाता है जो उसकी बहन निकलती है और इस पापपूर्ण रिश्ते के कारण बहन आत्महत्या कर लेती है। जल्द ही उसके सभी रिश्तेदार मर जाते हैं। फिर कुल्लर्वो ने खुद को तलवार से मारकर आत्महत्या कर ली।

गैलेन-कल्लेला की पेंटिंग एक एपिसोड दिखाती है जब कुल्लर्वो अभी भी एक चरवाहे के रूप में सेवा कर रहा है (उसका झुंड पृष्ठभूमि में दिखाई देता है, और पके हुए पत्थर के साथ रोटी को सामने दर्शाया गया है)। युवक अपनी मुट्ठी हिलाता है और अपने दुश्मनों से बदला लेने की कसम खाता है। कलाकार ने शुरुआती शरद ऋतु के धूप वाले परिदृश्य की पृष्ठभूमि में क्रोधित नायक को चित्रित किया है, लेकिन पृष्ठभूमि में पहले से ही बादल इकट्ठा हो रहे हैं, और लाल रंग में डाला गया रोवन एक चेतावनी के रूप में कार्य करता है, भविष्य के रक्तपात की भविष्यवाणी करता है। इस तस्वीर में, त्रासदी को करेलियन प्रकृति की सुंदरता के साथ जोड़ा गया है, और बदला लेने वाले नायक को एक तरह से फिनिश लड़ाई की भावना और बढ़ती राष्ट्रीय चेतना के प्रतीक के रूप में देखा जा सकता है। दूसरी ओर, हमारे सामने क्रोध और निराशा का चित्र है, एक ऐसे व्यक्ति की नपुंसकता जिसका पालन-पोषण अजनबियों ने किया, जिन्होंने हिंसा और बदले के माहौल में उसके परिवार को खत्म कर दिया, और इसने उसके भाग्य पर एक दुखद छाप छोड़ी।

रचनात्मकता के बारे में अधिक जानकारी गैलेना-कल्लेलापढ़ना ।

हम इस खंड को चित्रकला में फिनिश राष्ट्रीय रूमानियत के एक अन्य प्रमुख प्रतिनिधि, फिनिश स्वर्ण युग के प्रसिद्ध कलाकार - पेक्का हेलोनेन के काम के बारे में एक कहानी के साथ समाप्त करते हैं। पेक्का हेलोनेन (पेक्का हेलोनेन) (1865-1933) 1890 के दशक में प्रमुखता से उभरे और खुद को एक कुशल विशेषज्ञ साबित किया। शीतकालीन दृश्य . इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक पेंटिंग है " बर्फ के नीचे युवा पाइंस"(1899), एक उदाहरण माना जाता है फ़िनिश जापानीवादऔर पेंटिंग में आर्ट नोव्यू। अंकुरों को ढँकने वाली मुलायम मुलायम बर्फ, सफेद रंग के विभिन्न रंगों के साथ खेलते हुए, एक वन परी कथा का शांतिपूर्ण माहौल बनाती है। धुंधली हवा ठंडी सर्दियों की धुंध से संतृप्त है, और बर्फ की हरी-भरी परतें युवा पाइंस की नाजुक सुंदरता पर जोर देती हैं। सामान्य तौर पर पेड़ रचनात्मकता में पसंदीदा रूपांकनों में से एक थे। पेक्की हेलोनेना. अपने पूरे जीवन में, उन्होंने उत्साहपूर्वक पेड़ों का चित्रण किया अलग - अलग समयवर्ष, और वह विशेष रूप से वसंत से प्यार करता था, लेकिन फिर भी वह एक गुरु के रूप में सबसे प्रसिद्ध हो गया शीतकालीन दृश्य- कुछ चित्रकारों ने ठंड में रचना करने का साहस किया। पेक्का हेलोनेन सर्दी से नहीं डरते थे और जीवन भर किसी भी मौसम में बाहर काम करते थे। प्लेन एयर काम के समर्थक, वह उन कलाकारों से घृणा करते थे जो "एक खिड़की के माध्यम से दुनिया को देखते हैं।" हेलोनेन की पेंटिंग्स में, शाखाएं ठंढ से टूट जाती हैं, पेड़ बर्फ की टोपी के वजन के नीचे झुक जाते हैं, सूरज जमीन पर नीली छाया डालता है, और वनवासी नरम सफेद कालीन पर पैरों के निशान छोड़ते हैं।

शीतकालीन परिदृश्य एक प्रकार के हो गए हैं राष्ट्रीय चिह्नफ़िनलैंड और पेक्का हेलोनेन ने 1900 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में फ़िनिश मंडप के लिए फ़िनिश प्रकृति और लोक जीवन के विषय पर एक दर्जन कैनवस बनाए। इस चक्र में शामिल है, उदाहरण के लिए, पेंटिंग " छेद पर"(बर्फ पर धुलाई") (1900)। 1894 में पेरिस में पॉल गाउगिन के साथ अध्ययन करते समय हेलोनेन की "उत्तरी विदेशीवाद" को चित्रित करने में रुचि पैदा हुई।

आमतौर पर, कलाकार फ़िनिश चित्रकला का स्वर्ण युगशहरी मध्यम वर्ग से आये थे. दूसरी चीज़ पेक्का हेलोनेन हैं, जो प्रबुद्ध किसानों और कारीगरों के परिवार से आते थे। उनका जन्म लापिनलाहटी (पूर्वी फ़िनलैंड) में हुआ था और बहुत पहले ही उन्हें कला में रुचि हो गई थी - न केवल पेंटिंग, बल्कि संगीत में भी (कलाकार की माँ एक प्रतिभाशाली कंटेले कलाकार थीं; उन्होंने अपने बेटे में प्रकृति के प्रति देखभाल करने वाला रवैया और प्यार भी पैदा किया और बाद में यह प्यार लगभग एक धर्म में बदल गया)। युवक ने अपने साथियों की तुलना में थोड़ी देर बाद पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू किया, लेकिन फिनलैंड की आर्ट सोसाइटी के ड्राइंग स्कूल में चार साल के अध्ययन और वहां से उत्कृष्ट स्नातक होने के बाद, हेलोनेन एक छात्रवृत्ति प्राप्त करने में सक्षम हुए जिसने उन्हें उस समय के कलात्मक मक्का में अध्ययन करने के लिए जाने की अनुमति दी। उन्होंने सबसे पहले एकेडेमी जूलियन में अध्ययन किया और फिर 1894 में निजी शिक्षा लेनी शुरू की। पॉल गौगुइनअपने मित्र वायैनो ब्लूमस्टेड के साथ। इस अवधि के दौरान, हेलोनेन प्रतीकवाद, संश्लेषणवाद और यहां तक ​​कि थियोसोफी से परिचित हो गए। हालाँकि, नवीनतम कलात्मक रुझानों से परिचित होने के कारण उन्हें त्याग नहीं करना पड़ा यथार्थवादी ढंग, और उन्होंने गौगुइन के उज्ज्वल पैलेट को उधार नहीं लिया, हालांकि, गौगुइन के प्रभाव में, हेलोनेन एक गहरे पारखी बन गए जापानी कलाऔर जापानी प्रिंटों की प्रतियां एकत्र करना शुरू किया।

उदाहरण के लिए, उनके काम में अक्सर एक घुमावदार देवदार का पेड़ दिखाई देता है, जो जापानी कला में एक लोकप्रिय रूपांकन है। इसके अलावा, कई चित्रों में, हेलोनेन विस्तार, शाखाओं के सजावटी पैटर्न या बर्फ के एक विशेष पैटर्न पर विशेष ध्यान देते हैं, और जापानी कला में शीतकालीन परिदृश्य का विषय असामान्य नहीं है। इसके अलावा, हेलोनेन को ऊर्ध्वाधर संकीर्ण कैनवस जैसे "काकेमोनो", असममित रचनाएं, क्लोज़-अप और असामान्य कोणों के लिए प्राथमिकता की विशेषता है। कई अन्य परिदृश्य चित्रकारों के विपरीत, उन्होंने ऊपर से विशिष्ट मनोरम दृश्यों को चित्रित नहीं किया; उनके परिदृश्य गहरे जंगल में, प्रकृति के करीब चित्रित हैं, जहां पेड़ सचमुच दर्शकों को घेर लेते हैं, उन्हें अपनी मूक दुनिया में आमंत्रित करते हैं। यह गौगुइन ही थे जिन्होंने हेलोनेन को प्रकृति चित्रण में अपनी शैली खोजने के लिए प्रेरित किया और उन्हें राष्ट्रीय जड़ों में अपने विषयों की तलाश करने के लिए प्रोत्साहित किया। गौगुइन की तरह, हेलोनेन ने अपनी कला की मदद से कुछ प्राथमिक, आदिम खोजने की कोशिश की, लेकिन केवल अगर फ्रांसीसी प्रशांत द्वीपों में अपने आदर्श की तलाश कर रहे थे, तो फिनिश कलाकार ने कालेवाला में वर्णित कुंवारी जंगलों, पवित्र जंगलों में फिनिश लोगों के "खोए हुए स्वर्ग" को पुनर्जीवित करने की मांग की।

पेक्का हेलोनेन का काम हमेशा शांति और सद्भाव की खोज से अलग रहा है। कलाकार का मानना ​​था कि "कला को सैंडपेपर की तरह तंत्रिकाओं को परेशान नहीं करना चाहिए - इसे शांति की भावना पैदा करनी चाहिए।" किसान श्रम का चित्रण करते हुए भी, हेलोनेन ने शांत, संतुलित रचनाएँ हासिल कीं। तो, काम में करेलिया में पायनियर» (« करेलिया में सड़क निर्माण”) (1900) उन्होंने फिनिश किसानों को स्वतंत्र, बुद्धिमान श्रमिकों के रूप में प्रस्तुत किया, जिन्हें काम पूरा करने के लिए अत्यधिक प्रयास करने की आवश्यकता नहीं थी। इसके अलावा, कलाकार ने इस बात पर जोर दिया कि वह एक सामान्य सजावटी प्रभाव बनाने का प्रयास कर रहा था। यह उन समकालीनों के प्रति उनकी प्रतिक्रिया थी जिन्होंने तस्वीर के अवास्तविक "शांत रविवार मूड" की आलोचना की थी और श्रमिकों के बहुत साफ कपड़े, जमीन पर छोटी मात्रा में छीलन और जंगल के बीच में नाव की अजीब उपस्थिति से आश्चर्यचकित थे। लेकिन कलाकार का विचार बिल्कुल अलग था। पेक्का हेलोनेन कठिन, थका देने वाले काम की तस्वीर नहीं बनाना चाहते थे, बल्कि किसान श्रम की शांत, मापी गई लय को व्यक्त करना चाहते थे।

हेलोनेन इटली की अपनी यात्राओं (1896-97 और 1904) से भी काफी प्रभावित थे, जिसमें फ्लोरेंस में देखी गई प्रारंभिक पुनर्जागरण उत्कृष्ट कृतियाँ भी शामिल थीं। इसके बाद, पेक्का हेलोनेन अपनी पत्नी और बच्चों (दंपति के कुल आठ बच्चे थे) के साथ तुसुला झील में चले गए, जिसका शांत सुरम्य वातावरण हेलसिंकी से दूर प्रेरणा और फलदायी काम का एक अटूट स्रोत था, "हर चीज़ का स्रोत और बदसूरत।" यहां, झील पर स्कीइंग करते हुए, कलाकार ने अपने भविष्य के घर के लिए जगह की तलाश की, और 1899 में जोड़े ने किनारे पर एक भूखंड खरीदा, जहां कुछ साल बाद पेक्का हेलोनेन का स्टूडियो हाउस बड़ा हुआ - उनके नाम पर एक विला हेलोसेनिमी (हेलोसेन्नीमी) (1902). राष्ट्रीय रोमांटिक भावना में यह आरामदायक लकड़ी का आवास कलाकार द्वारा स्वयं डिजाइन किया गया था। आज, घर में पेक्का हेलोनेन संग्रहालय है।

फ़िनिश प्रतीकवादी

एटेनियम संग्रहालय के संग्रह में सबसे दिलचस्प वर्गों में से एक ह्यूगो सिम्बर्ग और अन्य फिनिश प्रतीकवादियों का अनूठा काम है।

एटेनियम संग्रहालय के एक अलग कमरे में, प्रसिद्ध पेंटिंग " घायल देवदूत» (1903) फ़िनिश कलाकार ह्यूगो सिमबर्ग. यह उदास कैनवास एक अजीब जुलूस को दर्शाता है: दो उदास लड़के एक स्ट्रेचर पर सफेद कपड़े पहने एक लड़की, एक परी, आंखों पर पट्टी बांधे हुए और एक घायल पंख के साथ ले जाते हैं। तस्वीर की पृष्ठभूमि शुरुआती वसंत का एक नग्न परिदृश्य है। देवदूत के हाथ में बर्फ़ की बूंदों का गुलदस्ता, वसंत के पहले फूल, उपचार और नए जीवन का प्रतीक है। . जुलूस का नेतृत्व काले कपड़े पहने एक लड़के द्वारा किया जाता है, जो एक उपक्रमकर्ता (संभवतः मृत्यु का प्रतीक) जैसा दिखता है। दूसरे लड़के की नज़र हमारी ओर होती है, जो सीधे दर्शक की आत्मा में प्रवेश करती है और हमें याद दिलाती है कि जीवन और मृत्यु के विषय हम में से प्रत्येक के लिए प्रासंगिक हैं। गिरी हुई परी, स्वर्ग से निष्कासन, मृत्यु के बारे में विचार - ये सभी विषय कलाकारों के लिए विशेष चिंता का विषय थे - प्रतीकवादी. कलाकार ने स्वयं पेंटिंग की किसी भी तैयार व्याख्या की पेशकश करने से इनकार कर दिया, जिससे दर्शक को अपने निष्कर्ष निकालने पर मजबूर होना पड़ा।

ह्यूगो सिम्बर्ग ने इस पेंटिंग पर लंबे समय तक काम किया: पहला रेखाचित्र 1898 के उनके एल्बमों में पाए जाते हैं। कुछ रेखाचित्र और तस्वीरें रचना के अलग-अलग अंशों को दर्शाते हैं। कभी-कभी एक देवदूत को ठेले में ले जाया जाता है, कभी-कभी लड़कों को नहीं, बल्कि छोटे शैतानों को कुली के रूप में दर्शाया जाता है, साथ ही, एक देवदूत की आकृति हमेशा केंद्रीय रहती है, और पृष्ठभूमि एक वास्तविक परिदृश्य होती है। पेंटिंग पर काम करने की प्रक्रिया तब बाधित हो गई जब सिम्बर्ग गंभीर रूप से बीमार हो गए: 1902 की शरद ऋतु से 1903 के वसंत तक, कलाकार का इलाज हेलसिंकी में डेकोनेस इंस्टीट्यूट के अस्पताल में किया गया ( हेलसिंगिन डायकोनिसलैटोस) कल्लियो क्षेत्र में। उन्हें एक गंभीर तंत्रिका संबंधी बीमारी थी, जो सिफलिस से बढ़ गई थी (जिससे बाद में कलाकार की मृत्यु हो गई)।

यह ज्ञात है कि सिम्बर्ग ने कार्यशाला में और उपरोक्त अस्पताल के बगल में स्थित एलिंटार्चा पार्क में अपने मॉडलों (बच्चों) की तस्वीरें खींची थीं। चित्र में दर्शाया गया मार्ग आज भी मौजूद है - यह टूलोनलाहटी खाड़ी के तट के साथ चलता है। सिम्बर्ग के समय में, एलिंटार्चा पार्क एक लोकप्रिय श्रमिक वर्ग का मनोरंजक क्षेत्र था। इसके अलावा, कई धर्मार्थ संस्थान वहां स्थित थे, जिनमें अंधों के लिए लड़कियों का स्कूल और विकलांगों के लिए एक अनाथालय शामिल था। 1903 के वसंत में गंभीर बीमारी से पीड़ित होने के बाद सिम्बर्ग जब वहां टहल रहे थे तो उन्होंने पार्क के निवासियों को बार-बार देखा। जाहिर है, इन के दौरान लंबी पदयात्राचित्र का विचार आख़िरकार आकार ले लिया। पेंटिंग "द वाउंडेड एंजेल" (स्वर्ग से निष्कासन का प्रतीक, एक बीमार मानव आत्मा, एक व्यक्ति की असहायता, एक टूटा हुआ सपना) की दार्शनिक व्याख्याओं के अलावा, कुछ लोग इसे कलाकार की दर्दनाक स्थिति और यहां तक ​​​​कि विशिष्ट शारीरिक लक्षणों की पहचान के रूप में देखते हैं (कुछ रिपोर्टों के अनुसार, सिम्बर्ग भी मेनिनजाइटिस से पीड़ित थे)।

सिम्बर्ग की पेंटिंग घायल देवदूतइसके पूरा होने के तुरंत बाद यह एक बड़ी सफलता थी। यह प्रस्तुति 1903 में फ़िनलैंड की आर्ट सोसाइटी की शरद प्रदर्शनी में हुई थी। प्रारंभ में, कैनवास को बिना शीर्षक के प्रदर्शित किया गया था (अधिक सटीक रूप से, शीर्षक के बजाय एक डैश था), जो किसी एक व्याख्या की असंभवता का संकेत देता था। इसके लिए गहराई से व्यक्तिगत और भावनात्मक कार्य 1904 में कलाकार को पुरस्कृत किया गया राज्य पुरस्कार. द वाउंडेड एंजल के दूसरे संस्करण को सिम्बर्ग ने आंतरिक भित्तिचित्रों से सजाते हुए निष्पादित किया था। कैथेड्रलटाम्परे जहां उन्होंने मैग्नस एन्केल के साथ संयुक्त रूप से काम किया।

2006 में फ़िनलैंड में किए गए एक सर्वेक्षण के अनुसार, “ घायल देवदूत» को सबसे अधिक मान्यता दी गई लोकप्रिय टुकड़ाएटेनियम संग्रह में, फिनलैंड की सबसे प्रिय "राष्ट्रीय पेंटिंग", देश का कलात्मक प्रतीक।

ह्यूगो सिमबर्ग (ह्यूगो सिमबर्ग) (1873-1917) का जन्म हामिना शहर में हुआ था, फिर वे वहां रहे और पढ़ाई की और फिर वहां उन्होंने फिनलैंड की आर्ट सोसाइटी के स्कूल में पढ़ाई की। वह अक्सर ग्रीष्मकाल फ़िनलैंड की खाड़ी के तट पर नीमेनलॉटा (स्याक्किजेरवी) में पारिवारिक संपत्ति में बिताते थे। सिम्बर्ग ने यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की, लंदन और पेरिस का दौरा किया, इटली और काकेशस का दौरा किया। एक कलाकार के रूप में उनके विकास में एक महत्वपूर्ण चरण उस समय आया जब सिम्बर्ग ने रूढ़िबद्ध शैक्षणिक शिक्षा से निराश होकर रुओवेसी के एक दूरदराज के इलाके में अक्सेली गैलेन-कल्लेला से निजी शिक्षा लेनी शुरू की, जहां गैलेन-कल्लेला ने अपना कार्यशाला घर बनाया। गैलेन-कालेला ने अपने छात्र की प्रतिभा को बहुत महत्व दिया और कला जगत में उनके लिए एक महान भविष्य की भविष्यवाणी की, उन्होंने सिम्बर्ग के काम की तुलना सच्चे और भावुक उपदेशों से की, जिसे हर किसी को सुनना चाहिए। सिम्बर्ग ने 1895 और 1897 के बीच तीन बार रुओवेसी का दौरा किया। यहां, कलात्मक स्वतंत्रता के माहौल में, उन्हें जल्दी ही अपनी भाषा मिल गई। उदाहरण के लिए, रुओवेसी में अपने प्रवास की पहली शरद ऋतु में, उन्होंने प्रसिद्ध रचना " जमना(1895), कुछ-कुछ मंच की द स्क्रीम की याद दिलाता है। में इस मामले मेंएक मौसम की घटना, दुनिया भर के किसानों का डर, ने एक दृश्य अवतार, चेहरा और रूप प्राप्त कर लिया है: यह बड़े कानों वाली एक घातक पीली आकृति है, जो एक पूले के शीर्ष पर बैठी है और अपनी घातक सांसों से चारों ओर सब कुछ जहरीला कर रही है। मंक की द स्क्रीम के विपरीत, जो कुछ साल पहले पूरी हुई थी, सिम्बर्ग की फ्रॉस्ट पूरी तरह से डरावनी और निराशा नहीं पैदा करती है, बल्कि एक ही समय में खतरे और दया की एक अजीब भावना पैदा करती है।

सिम्बर्ग के जीवन का एक महत्वपूर्ण क्षण 1898 की शरद प्रदर्शनी थी, जिसके बाद उन्हें फ़िनिश कलाकारों के संघ में भर्ती कराया गया था। सिम्बर्ग ने यूरोप में बड़े पैमाने पर यात्रा की, पढ़ाया और प्रदर्शनियों में भाग लिया। हालाँकि, कलाकार की प्रतिभा के पैमाने को उसकी मृत्यु के बाद ही सही मायने में सराहा गया। खौफनाक और अलौकिक पर ध्यान उस समय के सभी आलोचकों और दर्शकों की समझ से बहुत दूर था।

ह्यूगो सिमबर्गसबसे बड़े में से एक था फ़िनिश प्रतीकवादी. वह सामान्य रोजमर्रा की स्थितियों से आकर्षित नहीं थे - इसके विपरीत, उन्होंने कुछ ऐसा चित्रित किया जिसने एक और वास्तविकता के द्वार खोल दिए, दर्शकों के मन और आत्मा को छू लिया। उन्होंने कला को "सर्दियों के बीच में एक व्यक्ति को एक खूबसूरत गर्मी की सुबह में स्थानांतरित करने और यह महसूस करने के अवसर के रूप में समझा कि प्रकृति कैसे जागती है और आप स्वयं इसके साथ सामंजस्य बिठाते हैं।" मैं कला के एक काम में यही तलाश रहा हूं। इसे हमसे किसी चीज़ के बारे में बात करनी चाहिए और ज़ोर से बोलना चाहिए, ताकि हम दूसरी दुनिया में चले जाएँ।

सिम्बर्ग को विशेष रूप से वह चित्रित करने का शौक था जो केवल कल्पना में देखा जा सकता है: देवदूत, शैतान, ट्रोल और मृत्यु की छवियां। हालाँकि, इन छवियों में भी उन्होंने कोमलता और मानवता दी। सिम्बर्ग में मृत्यु अक्सर परोपकारी और सहानुभूति से भरी होती है, बिना उत्साह के अपने कर्तव्यों का पालन करती है। यहां वह तीन सफेद फूल लेकर बुढ़िया को लेने आई। हालाँकि, मौत को कोई जल्दी नहीं है, वह वायलिन बजाते लड़के को सुनने का जोखिम उठा सकती है। केवल दीवार पर लगी घड़ी समय बीतने का संकेत देती है (" मौत सुनती है", 1897)।

काम में " मौत का बगीचा”(1896), पेरिस की पहली अध्ययन यात्रा के दौरान बनाई गई, सिम्बर्ग, जैसा कि उन्होंने स्वयं कहा था, उस स्थान को दर्शाया गया है जहां मानव आत्मा मृत्यु के तुरंत बाद, स्वर्ग जाने से पहले जाती है। काले वस्त्र पहने तीन कंकाल पौधों की आत्माओं की उसी प्रेम से देखभाल करते हैं जैसे भिक्षु मठ के बगीचे की देखभाल करते हैं। यह काम कलाकार के लिए बहुत महत्वपूर्ण था। लगभग दस साल बाद, सिम्बर्ग ने इसे टाम्परे कैथेड्रल में एक बड़े भित्तिचित्र के रूप में दोहराया। इस काम का अजीब आकर्षण सुंदर रोजमर्रा के विवरण (एक पानी का डिब्बा, एक हुक से लटका हुआ तौलिया), एक शांतिपूर्ण वातावरण और मृत्यु की एक नम्र छवि में निहित है, जो विनाश की शक्ति नहीं है, बल्कि देखभाल का अवतार है। दिलचस्प बात यह है कि हंस क्रिश्चियन एंडरसन की परी कथा "द स्टोरी ऑफ ए मदर" में भी हमें एक ऐसी ही छवि मिलती है: कहानीकार मौत के एक विशाल ग्रीनहाउस का वर्णन करता है - एक ग्रीनहाउस, जहां प्रत्येक फूल या पेड़ के पीछे एक मानव आत्मा "स्थिर" होती है। मृत्यु स्वयं को ईश्वर का माली कहती है: "मैं उसके फूल और पेड़ लेता हूँ और उन्हें ईडन के महान उद्यान में, एक अज्ञात भूमि में रोपित करता हूँ।"

पहला मृत्यु की छविसिम्बर्ग के काम में दिखाई दिया " मौत और किसान» (1895). एक छोटा काला केप और छोटी पैंट डेथ को एक सौम्य, उदास लुक देती है। यह काम सिम्बर्ग ने रुओवेसी में अक्सेली गैलेन-कल्लेला के साथ अध्ययन के दौरान किया था। उस वसंत में शिक्षक की सबसे छोटी बेटी की डिप्थीरिया से मृत्यु हो गई, और "डेथ एंड द पीजेंट" को एक ऐसे व्यक्ति के प्रति सहानुभूति की अभिव्यक्ति के रूप में देखा जा सकता है जिसने एक बच्चा खो दिया है।

शैतानों की तरह, ह्यूगो सिम्बर्ग के देवदूत भी मानवीय हैं और इसलिए असुरक्षित हैं। वे लोगों को अच्छाई के रास्ते पर ले जाने की कोशिश कर रहे हैं, लेकिन वास्तविकता आदर्श से बहुत दूर है। काम " सपना”(1900) दर्शकों से सवाल उठाता है। जब एक परी अपने पति के साथ नृत्य कर रही है तो एक महिला क्यों रो रही है? शायद पति अपनी पत्नी को छोड़कर दूसरी दुनिया में चला जाता है? इस कार्य का दूसरा नाम "पश्चाताप" था, इसलिए इसकी व्याख्या विभिन्न तरीकों से की जा सकती है।

स्वर्गदूतों की छवियां पहली बार 1895 की शरद ऋतु में सिम्बर्ग के काम में दिखाई दीं (कार्य " शील"). इस शरारती अंश में, प्रार्थना करने वाली देवदूत-लड़की को यह ध्यान नहीं आया कि पड़ोसी देवदूत के मन में कुछ बिल्कुल अलग है। और वास्तव में, इस दूसरे देवदूत के पंख इतने सफ़ेद होने से बहुत दूर हैं। कामुकता और आध्यात्मिकता के बीच संघर्ष है।

नीमनलॉटा क्षेत्र में तटबंध, जहां सिम्बर्ग लगभग हमेशा अपना ग्रीष्मकालीन समय परिवार के घर में बिताते थे, गर्मियों की शाम को युवाओं के लिए एक लोकप्रिय बैठक स्थल था। अकॉर्डियन की आवाज़ से आकर्षित होकर, युवा पुरुष और महिलाएं दूर से भी, नाव से नृत्य करने के लिए यहां आते थे। सिम्बर्ग ने बार-बार नर्तकियों के रेखाचित्र बनाए। लेकिन काम पर तट पर नृत्य"(1899) लड़कियां लड़कों के साथ नहीं, बल्कि मौत की आकृतियों के साथ नृत्य करती हैं, जो अक्सर सिमबर्ग में पाई जाती हैं। हो सकता है कि इस बार मौत भयानक फ़सल के लिए नहीं आई हो, बल्कि केवल सामान्य मनोरंजन में भाग लेना चाहती हो? किसी कारण से अकॉर्डियन नहीं बज रहा है.

जैसा कि आप देख सकते हैं ह्यूगो सिमबर्ग- एक बेहद मौलिक कलाकार, जिसका काम अजीब विडंबना से रहित नहीं है, लेकिन साथ ही रहस्यवाद से भरा हुआ है और अच्छाई और बुराई, जीवन और मृत्यु, कला की विशेषता जैसे विषयों पर केंद्रित है। प्रतीकवादी. सिम्बर्ग की रचनाओं में गहरे दार्शनिक प्रश्न सौम्य हास्य और गहरी सहानुभूति के साथ गुंथे हुए हैं। "गरीब शैतान", "नम्र मौत", ब्राउनी का राजा - ये सभी पात्र सपनों और परियों की कहानियों से उनके काम में आए। कोई सोने का फ्रेम और चमकदार कैनवस नहीं: “केवल प्यार ही कला के कार्यों को वास्तविक बनाता है। यदि प्रसव पीड़ा बिना प्यार के आये तो बच्चा दुखी पैदा होगा।

ह्यूगो सिम्बर्ग के कार्यों के अलावा, एटेनियम संग्रहालय के कार्यों को प्रदर्शित करता है फ़िनिश प्रतीकवादी चित्रकार मैग्नस एन्केल (मैग्नस एन्केल) (1870-1925), सिम्बर्ग की तरह, जिन्होंने टाम्परे कैथेड्रल (1907) के लिए भित्तिचित्रों पर काम किया। एनकेल का जन्म हामिना शहर में एक पुजारी के परिवार में हुआ था, उन्होंने पेंटिंग का अध्ययन किया और 1891 में पेरिस चले गए, जहां उन्होंने जूलियन अकादमी में अपनी शिक्षा जारी रखी। वहां उन्हें रोसिक्रुशियन जे. पेलाडन के प्रतीकवाद और रहस्यमय विचारों में रुचि हो गई। उत्तरार्द्ध से, मैग्नस एन्केल ने सुंदरता के उभयलिंगी आदर्श को अपनाया, जिसे उन्होंने अपने कार्यों में उपयोग करना शुरू किया। एन्केल एक खोए हुए स्वर्ग, मनुष्य की खोई हुई पवित्रता के विचार से मोहित हो गया था, और बहुत छोटे लड़के अपनी उभयलिंगी सुंदरता के साथ कलाकार के लिए मनुष्य के सबसे शुद्ध रूप का प्रतिनिधित्व करते थे। यह भी नहीं भूलना चाहिए कि एन्केल एक समलैंगिक था और अक्सर नग्न लड़कों और पुरुषों को स्पष्ट रूप से कामुक, कामुक रूप में चित्रित करता था। 1894-95 में. कलाकार ने पूरे इटली की यात्रा की और 20वीं सदी की शुरुआत में, शास्त्रीय इतालवी कला के प्रभाव के साथ-साथ उत्तर-प्रभाववाद के तहत, उसका पैलेट बहुत अधिक रंगीन और हल्का हो गया। 1909 में, रंगकर्मी वर्नर थॉमे और अल्फ्रेड फिंच के साथ, उन्होंने समूह की स्थापना की सितंबर.

इसके विपरीत, मैग्नस एन्केल का प्रारंभिक कार्य, एक मौन सीमा, रंग तपस्या द्वारा चिह्नित है। उस समय, कलाकार का पैलेट भूरे, काले और गेरू रंग तक ही सीमित था। इसका एक उदाहरण पेंटिंग है जगाना"(1894), एनकेल द्वारा कलाकार की दूसरी यात्रा के दौरान लिखा गया। कैनवास को रंगीन अतिसूक्ष्मवाद, एक सरलीकृत रचना और ड्राइंग की एक रेखांकित रेखा द्वारा प्रतिष्ठित किया जाता है - यह सब छवि के महत्व पर जोर देने के लिए उपयोग किया जाता है। वह युवक, जो यौवन की अवस्था में पहुँच चुका है, जाग चुका है और बिस्तर पर नग्न अवस्था में बैठा है, उसके चेहरे पर गंभीर भाव हैं और वह अपने विचारों में डूबा हुआ है। उसके शरीर की मुड़ी हुई मुद्रा सिर्फ बिस्तर से बाहर निकलने का एक परिचित इशारा नहीं है; यह रूपांकन, जो अक्सर प्रतीकवादी कलाकारों के बीच पाया जाता है, अधिक जटिल है। यौवन और यौन जागृति/मासूमियत की हानि ऐसे विषय थे जिन्होंने एन्केल के कई समकालीनों को आकर्षित किया (उदाहरण के लिए, मंच की परेशान करने वाली पेंटिंग परिपक्वता (1894/95))। काला और सफेद गामा दमनकारी दुनिया के साथ बैठक की उदास मनोदशा पर जोर देता है।

एक और फ़िनिश प्रतीकवादी चित्रकार, हालांकि सबसे प्रसिद्ध नहीं है, है वेनो ब्लूमस्टेड (ब्लोमस्टेड) (वेनो ब्लोमस्टेड) (1871-1947). ब्लूमस्टेड एक कलाकार और कपड़ा डिजाइनर थे और विशेष रूप से जापानी कला से प्रभावित थे। उन्होंने पहले फ़िनलैंड में अध्ययन किया, और फिर पेक्का हेलोनेन के साथ मिलकर। जैसा कि हम पहले से ही जानते हैं, पेरिस की अपनी यात्रा के दौरान, ये फ़िनिश कलाकार गौगुइन से मिले, जो हाल ही में ताहिती से लौटे थे, और उनसे सबक लेना शुरू किया। आवेगी ब्लूमस्टेड तुरंत गौगुइन और उसके रंग-सांस लेने वाले कैनवस के प्रभाव में आ गया। गौगुइन के काम में खोए हुए स्वर्ग की खोज ब्लूमस्टेड के बहुत करीब थी। केवल अगर गौगुइन विदेशी देशों में इस स्वर्ग की तलाश में था, तो उस समय के कई फिनिश कलाकारों की तरह वेनो ब्लूमस्टेड का उद्देश्य अपनी मातृभूमि, कालेवाला की कुंवारी भूमि की उत्पत्ति की खोज करना था। ब्लूमस्टेड के चित्रों के नायक अक्सर काल्पनिक या पौराणिक पात्र होते हैं।

गौगुइन से मिलने के बाद, ब्लूमस्टेड ने 1890 के दशक के मध्य में यथार्थवादी चित्रकला को छोड़ दिया और इसकी ओर रुख किया प्रतीकोंऔर चमकीला बहुरंगा कृत्रिमपैलेट. प्रतीकवाद की विचारधारा के अनुसार, दृश्य अवलोकन पर आधारित यथार्थवादी कला बहुत सीमित है और किसी व्यक्ति की सबसे महत्वपूर्ण चीज़, उसके भावनात्मक और आध्यात्मिक सार, जीवन के रहस्य को पकड़ने की अनुमति नहीं देती है। रोजमर्रा की वास्तविकता से परे एक और दुनिया है, और प्रतीकवादियों का लक्ष्य इस दुनिया को कला के माध्यम से व्यक्त करना है। वास्तविकता का त्रि-आयामी भ्रम पैदा करने की कोशिश करने के बजाय, प्रतीकवादी कलाकारों ने शैलीकरण, सरलीकरण, सजावटीता का सहारा लिया, कुछ शुद्ध और काव्यात्मक खोजने की कोशिश की। इसलिए उनकी रुचि जल्दी है इतालवी पुनर्जागरण, टेम्पेरा और फ्रेस्को तकनीक का उपयोग। में से एक स्पष्ट उदाहरण फ़िनिश कलाकारों के काम में प्रतीकवादएक तस्वीर है वेनो ब्लूमस्टेड « फ्रांसिस्का"(1897), दर्शकों को नींद और विस्मृति की दुनिया में डुबो देता है, खसखस ​​की मादक गंध के साथ एक स्थिर और जादुई माहौल।

इस पेंटिंग की प्रेरणा थी " द डिवाइन कॉमेडी» दांते, जिसमें कवि नरक में फ्रांसेस्का दा रिमिनी से मिलता है, और वह उसे पाओलो के लिए अपने दुखद प्रेम की कहानी सुनाती है। एक लड़की की छवि मैडोना की याद दिलाती है, गहरे सरू के पेड़ों के साथ "पुनर्जागरण" परिदृश्य और पेंटिंग की पारभासी रंग की सतह (रंगों के माध्यम से कैनवास स्पष्ट रूप से चमकता है) इतालवी चर्चों में पुराने भित्तिचित्रों का सुझाव देता है। इसके अलावा, निष्पादन की विशेष तकनीक के कारण, चित्र आंशिक रूप से एक जर्जर टेपेस्ट्री जैसा दिखता है। यह पेंटिंग ब्लूमस्टेड द्वारा इटली की यात्रा के दौरान बनाई गई थी। इसमें प्री-राफेलाइट्स की कला का प्रभाव भी दिखता है।

कला में महिलाएँ: फ़िनिश कलाकार

एटेनियम संग्रहालययह इस तथ्य के लिए भी उल्लेखनीय है कि उनके संग्रह का एक महत्वपूर्ण हिस्सा कार्यों से बना है महिला कलाकार, जैसे विश्व प्रसिद्ध लोग भी शामिल हैं फ़िनिश कलाकार हेलेना शेजर्फबेक. 2012 में, एटेनियम संग्रहालय ने हेलेना शेजर्फबेक के कार्यों की एक व्यापक प्रदर्शनी की मेजबानी की, जो उनके जन्म की 150वीं वर्षगांठ को समर्पित थी। एटेनियम संग्रहालय में दुनिया में हेलेना शेजर्फबेक के कार्यों का सबसे बड़ा और सबसे संपूर्ण संग्रह है (212 पेंटिंग, चित्र, स्केचबुक)।

हेलेना शेजर्फबेक (हेलेना शेजर्फबेक) (1862-1946) का जन्म हेलसिंकी में हुआ था, उन्होंने जल्दी ही पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू कर दिया था और अपनी युवावस्था में ही उन्होंने उल्लेखनीय कौशल हासिल कर लिया था। हेलेना का जीवन बचपन में सीढ़ियों से गिरने के बाद कूल्हे की गंभीर चोट से प्रभावित था। इस वजह से, लड़की को घर पर ही शिक्षा मिली - वह नियमित स्कूल नहीं गई, लेकिन उसके पास चित्र बनाने के लिए बहुत समय था, और उसे असामान्य रूप से कम उम्र में एक कला विद्यालय में स्वीकार कर लिया गया। (दुर्भाग्य से, कूल्हे की चोट ने उनके शेष जीवन के लिए लंगड़ापन की याद दिला दी)। एडॉल्फ वॉन बेकर की निजी अकादमी सहित फिनलैंड में अध्ययन करने के बाद, शेजर्फबेक को छात्रवृत्ति मिली और वह कोलारोसी अकादमी में अध्ययन करने के लिए रवाना हो गईं। 1881 और 1883-84 में. उन्होंने ब्रिटनी (पेंटिंग) में कलाकारों की कॉलोनियों में भी काम किया लड़का अपनी छोटी बहन को खाना खिला रहा है(1881), फ्रांस के इस क्षेत्र में लिखा गया, अब इसे फिनिश आधुनिकतावाद की शुरुआत भी माना जाता है)। ब्रिटनी में, वह एक अज्ञात अंग्रेजी कलाकार से मिलीं और उससे शादी कर ली, लेकिन 1885 में मंगेतर ने सगाई तोड़ दी (उनके परिवार का मानना ​​था कि हेलेना की कूल्हे की समस्याएं तपेदिक से संबंधित थीं, जिससे उनके पिता की मृत्यु हो गई)। हेलेना शेजर्फबेक ने कभी शादी नहीं की।

1890 के दशक में, शेजर्फबेक ने स्कूल ऑफ़ द आर्ट सोसाइटी में पढ़ाया, जहाँ से उन्होंने खुद स्नातक की उपाधि प्राप्त की थी। 1902 में, स्वास्थ्य समस्याओं के कारण, उन्होंने पढ़ाना छोड़ दिया और अपनी माँ के साथ एक सुदूर प्रांत ह्यविंका में चली गईं। मौन की आवश्यकता के कारण, कलाकार ने एकांतप्रिय जीवन व्यतीत किया, लेकिन प्रदर्शनियों में भाग लेना जारी रखा। जनता के लिए शेजर्फबेक की "खोज" 1917 में हुई: कलाकार की पहली एकल प्रदर्शनी हेलसिंकी में एस्ट स्टेनमैन के कला सैलून में आयोजित की गई थी, जो दर्शकों और आलोचकों के बीच एक बड़ी सफलता थी और उसके एकांत अस्तित्व का उल्लंघन था। अगली बड़ी प्रदर्शनी 1937 में स्टॉकहोम में आयोजित की गई, जिसे समीक्षाएँ मिलीं, इसके बाद पूरे स्वीडन में इसी तरह की प्रदर्शनियों की एक श्रृंखला आयोजित की गई। 1935 में, जब उनकी माँ की मृत्यु हो गई, तो हेलेना तम्मीसारी में रहने चली गईं पिछले साल कास्वीडन में साल्ट्सजॉबडेन के एक सेनेटोरियम में बिताया। फ़िनलैंड में, शजेर्फ़बेक के काम के प्रति रवैया लंबे समय तक विवादास्पद रहा (उनकी प्रतिभा को केवल 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पहचाना गया), जबकि स्वीडन में उनकी कला को बहुत पहले ही बड़े उत्साह के साथ प्राप्त किया गया था। लेकिन शेजर्फबेक को वास्तव में व्यापक अंतरराष्ट्रीय पहचान 2007 में मिली, जब उनके काम की बड़े पैमाने पर पूर्वव्यापी प्रदर्शनियां पेरिस, हैम्बर्ग और द हेग में आयोजित की गईं।

हेलेना शेजर्फबेक की सभी पेंटिंगों में, दुनिया की सबसे प्रसिद्ध कई आत्म-आलोचनात्मक आत्म-चित्र हैं, जो उनकी शैली के विकास और स्वयं कलाकार में बदलाव दोनों का पता लगाना संभव बनाती हैं, जिन्होंने निर्दयतापूर्वक उनके बूढ़े चेहरे को ठीक किया। कुल मिलाकर, शेजर्फबेक ने लगभग 40 स्व-चित्र लिखे, पहला 16 साल की उम्र में, आखिरी 83 साल की उम्र में। उनमें से छह एटेनियम संग्रह में हैं।

लेकिन शायद सबसे ज्यादा प्रसिद्ध पेंटिंग हेलेना शेजर्फबेककैनवास है स्वास्थ्य लाभ"(1888), जिसे अक्सर रत्न कहा जाता है एटेनियम संग्रहालय. जनता द्वारा अत्यधिक सराहना की गई, 26 वर्षीय कलाकार की इस पेंटिंग को 1889 में पेरिस में विश्व प्रदर्शनी में कांस्य पदक से सम्मानित किया गया था (जहां इस कैनवास को "फर्स्ट ग्रीन" शीर्षक के तहत प्रदर्शित किया गया था) प्रीमियर वर्ड्योर) - शेजर्फबेक ने स्वयं मूल रूप से चित्र को इसी प्रकार कहा था)। बीमार बच्चों की बात आम थी कला XIXशताब्दी, लेकिन शेजर्फबेक न केवल एक बीमार, बल्कि एक स्वस्थ होते बच्चे को दर्शाता है। उन्होंने इस चित्र को इंग्लैंड के दक्षिण-पश्चिम में कॉर्नवाल के सुरम्य तटीय शहर सेंट इवेस में चित्रित किया, जहां कलाकार 1887-1888 में और फिर 1889-1890 में अपने ऑस्ट्रियाई मित्र की सलाह पर गए थे।

इस काम को अक्सर शेजर्फबेक के काम में प्राकृतिक प्रकाश चित्रकला का अंतिम उदाहरण कहा जाता है (बाद में वह एक तपस्वी पैलेट के साथ शैलीबद्ध आधुनिकतावाद और लगभग अमूर्त अभिव्यक्तिवाद में चले गए)। यहां कलाकार कुशलतापूर्वक प्रकाश के साथ काम करता है, दर्शकों का ध्यान बिखरे हुए बालों और बुखार से लाल गालों वाली एक ठीक हो रही लड़की के चेहरे की ओर खींचता है, जो अपने हाथों में नाजुक फूलों की टहनी के साथ एक मग रखती है - जो वसंत और नए जीवन का प्रतीक है। बच्चे के होठों पर मुस्कान खेलती है, जो ठीक होने की आशा व्यक्त करती है। यह रोमांचक चित्र दर्शक को आकर्षित करता है, उसे सहानुभूति का अनुभव कराता है। इस तस्वीर को एक तरह से कलाकार का स्व-चित्र कहा जा सकता है, जो उस समय अपनी सगाई टूटने से उबरने की कोशिश कर रही थी। यह भी संभव है कि इस तस्वीर में शेजर्फबेक ने खुद को एक बच्चे के रूप में चित्रित किया है, जो हमें बता रही है कि वह खुद क्या महसूस करती थी, अक्सर बिस्तर पर पड़ी रहती थी और वसंत के पहले संकेतों पर खुशी मनाती थी।

कृपया ध्यान दें कि वर्तमान में सबसे अधिक उल्लेखनीय कार्यहेलेना शेजर्फबेक स्वीडन में "दौरे पर" हैं। एक प्रदर्शनी स्टॉकहोम में आयोजित की जाती है और फरवरी 2013 के अंत तक चलेगी, दूसरी - गोथेनबर्ग में (अगस्त 2013 तक)।

और एक फ़िनिश कलाकार, जिसका काम एटेनियम संग्रहालय में पाया जा सकता है ट्रबल शर्नशैन्ज़ (स्टर्नशैन्ज़)(बेडा स्टजर्नशांट्ज़) (1867-1910)। वैसे, संग्रहालय में 2014 के लिए इस कलाकार के कार्यों की एक बड़े पैमाने पर प्रदर्शनी निर्धारित है। बेदा शर्नशैन्ज़ पीढ़ी के एक महत्वपूर्ण प्रतिनिधि थे फ़िनिश प्रतीकवादी कलाकारपर XIX की बारीऔर XX सदी। उनका जन्म पोर्वू शहर के एक कुलीन परिवार में हुआ था। 1886 में, उनके पिता की मृत्यु हो गई और परिवार को वित्तीय कठिनाइयों का सामना करना पड़ा। अन्य महिला कलाकारों के विपरीत, शर्नशांट्ज़ को जीविकोपार्जन के लिए काम करना पड़ता था। 1891 में, उसी समय एक अन्य प्रसिद्ध फ़िनिश कलाकार, एलेन टेस्लेफ़ के साथ, वह पेरिस आईं और लड़कियों ने कोलारोसी अकादमी में एक साथ दाखिला लिया। बेडे के गुरु मैग्नस एनकेल थे, जिनके प्रभाव में उन्होंने प्रतीकवाद के विचारों को आत्मसात किया। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों का मानना ​​​​था कि कला को प्रकृति की नकल नहीं करनी चाहिए, बल्कि सुंदरता, सूक्ष्म भावनाओं और अनुभवों की अभिव्यक्ति के लिए शुद्ध किया जाना चाहिए। पैसे की कमी के कारण शेरनशैनज़ केवल एक वर्ष के लिए पेरिस में रहे। फ़िनलैंड लौटकर, उसे अपने लिए जगह नहीं मिली और 1895 में वोर्मसी के एस्टोनियाई द्वीप पर चली गई, जहाँ एक पुरानी स्वीडिश बस्ती थी जिसने अपनी भाषा, रीति-रिवाज और कपड़े बरकरार रखे थे। वहां कलाकार ने चित्र बनाया हर जगह हमें एक आवाज से बुलाया जाता है» (1895). पेंटिंग का शीर्षक तत्कालीन प्रसिद्ध "फिनलैंड के गीत" से एक उद्धरण है ( सुओमेन लौलू), ये शब्द कवि एमिल क्वांटन द्वारा लिखे गए थे। जैसा कि आप देख सकते हैं, न केवल करेलिया वह स्थान था जहां फिनिश कलाकार प्राचीन प्रकृति और लोगों की तलाश में गए थे।

इस काव्य कैनवास पर, कलाकार ने स्वीडिश बच्चों के एक समूह को चित्रित किया जो एक विदेशी वातावरण में अपनी राष्ट्रीय परंपराओं और भाषा को संरक्षित करने में कामयाब रहे। इस वजह से, कुछ आलोचकों ने तस्वीर में देशभक्ति का अर्थ देखा, खासकर जब से लड़कियों में से एक द्वारा बजाया जाने वाला कंटेले वाद्ययंत्र रचना में एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। एक और लड़की गाती है, और ये ध्वनियाँ तपस्वी परिदृश्य को पवन चक्कियों से भर देती हैं। पूरी तरह से स्थिर, जमे हुए पोज़ और आसपास के परिदृश्य की शून्यता के कारण, दर्शक भी कैनवास में बजते संगीत को सुनना शुरू कर देता है। ऐसा लगता है जैसे हवा भी ख़त्म हो गयी है, न पत्ते, न पत्ते पवन चक्कियों, मानो हम किसी जादुई साम्राज्य में हों, एक ऐसी जगह जो समय से बाहर हो गई हो। यदि हम चित्र की प्रतीकात्मक व्याख्या से आगे बढ़ते हैं, तो इस रहस्यमय परिदृश्य की पृष्ठभूमि में बच्चों के पवित्र और एकाग्र चेहरे मासूमियत की स्थिति को व्यक्त करने का एक तरीका हैं। इसके अलावा, प्रतीकवादियों के कई अन्य कार्यों की तरह, कला में सबसे अलौकिक और सबसे महान संगीत को एक विशेष भूमिका सौंपी गई है।

1897-98 में. फ़िनिश सरकार से अनुदान प्राप्त करने के बाद बेडा शेरनशैन्ज़ इटली की यात्रा करने चली गईं, लेकिन इस अवधि के बाद उनकी रचनात्मक गतिविधि शून्य हो गई। यद्यपि कलाकार की विरासत छोटी है, यह शोधकर्ताओं की रुचि को आकर्षित करती है, और भविष्य में कई सम्मेलन और प्रकाशन अपेक्षित हैं, जिससे सदी के अंत के अंतरराष्ट्रीय संदर्भ में उनके काम के महत्व के बारे में अधिक जानना संभव हो जाएगा।

इसी अवधि का एक और दिलचस्प फिनिश कलाकार है एलिन डेनियलसन-गैंबोगी (एलिन डेनियलसन-गैंबोगी) (1861-1919). एलिन डेनियलसन-गैंबोगीफिनिश की पहली पीढ़ी के थे महिला कलाकारजिन्होंने व्यावसायिक शिक्षा प्राप्त की। उन्होंने मुख्य रूप से यथार्थवादी चित्र की शैली में काम किया, और जीवन और अपने काम दोनों में वह अपनी मुक्ति और बोहेमियन जीवनशैली में अपने सहयोगियों से भिन्न थीं। उन्होंने समाज में महिलाओं की स्थिति की आलोचना की, पतलून पहनी और धूम्रपान किया, एक गैर-अनुरूपतावादी जीवन व्यतीत किया और नॉर्वेजियन मूर्तिकार गुस्ताव विगलैंड (1895 में उनका अफेयर था) सहित कई कलाकारों के साथ जुड़ीं। रोज़मर्रा की स्थितियों में महिलाओं की उनकी पेंटिंग को कई आलोचकों द्वारा अश्लील और अश्लील माना गया।

« आत्म चित्र» एलिन डेनियलसन-गंबोगी (1900) को उस समय चित्रित किया गया था जब कलाकार को यूरोप में पहचान मिलनी शुरू हो गई थी। कलाकार को उसके स्टूडियो में हाथ में ब्रश और पैलेट के साथ चित्रित किया गया है, और खिड़की के सामने पर्दे के माध्यम से प्रकाश की धाराएँ उसके सिर के चारों ओर एक प्रभामंडल बनाती हैं। कैनवास का बड़ा प्रारूप, कलाकार की मुद्रा और रूप - यह सब एक स्वतंत्र और आत्मविश्वासी स्वभाव को व्यक्त करता है। इस पेंटिंग के लिए डेनियलसन-गंबोगी को 1900 में फ्लोरेंस में रजत पदक से सम्मानित किया गया था।

एलिन डेनियलसन-गम्बोजी का जन्म पोरी शहर के पास एक गाँव में हुआ था। 1871 में, उनका पारिवारिक फार्म दिवालिया हो गया और उनके पिता ने एक साल बाद आत्महत्या कर ली। इसके बावजूद, माँ ने धन जुटाने में कामयाबी हासिल की ताकि 15 साल की उम्र में एलिन चले गए और पेंटिंग का अध्ययन करना शुरू कर दिया। लड़की सख्त सामाजिक वर्जनाओं से बाहर, एक स्वतंत्र माहौल में पली-बढ़ी। 1883 में, डेनियलसन-गैंबोगी चले गए, जहां उन्होंने कोलारोसी अकादमी में अपनी शिक्षा जारी रखी, और गर्मियों में उन्होंने ब्रिटनी में पेंटिंग का अध्ययन किया। फिर कलाकार फिनलैंड लौट आए, जहां उन्होंने अन्य चित्रकारों के साथ संवाद किया और कला स्कूलों में पढ़ाया, और 1895 में छात्रवृत्ति प्राप्त की और फ्लोरेंस चले गए। एक साल बाद वह एंटिग्नानो गांव चली गयी और शादी कर ली इतालवी कलाकारराफेलो गैंबोगी। इस जोड़े ने पूरे यूरोप में कई प्रदर्शनियों में भाग लिया है; उनका काम 1900 में पेरिस के विश्व मेले और 1899 में वेनिस बिएननेल में दिखाया गया था। लेकिन 20वीं सदी की शुरुआत में, पारिवारिक परेशानियां और वित्तीय कठिनाइयां, विश्वासघात और उनके पति की बीमारी शुरू हो गई। एलिन डेनियलसन-गंबोगी की निमोनिया से मृत्यु हो गई और उन्हें लिवोर्नो में दफनाया गया।

अंत में, बीच में फिनिश महिला कलाकारनहीं बुलाया जा सकता एलेन थेस्लेफ़ (एलेन थेस्लेफ़) (1869-1954)। कुछ फिनिश लेखकों को इतनी प्रारंभिक मान्यता मिली है। पहले से ही 1891 में, युवा थेस्लेफ़ ने अपने अद्भुत काम के साथ फ़िनलैंड की आर्ट सोसाइटी की प्रदर्शनी में भाग लिया। गूंज» ( कैकु) (1891) आलोचकों की प्रशंसा के लिए। उस समय, उन्होंने गुन्नार बर्नडसन की निजी अकादमी से स्नातक की उपाधि प्राप्त की थी ( गुन्नारबर्नडसन) और अपनी पहली यात्रा पर जा रही थी, जहां लड़की ने अपनी दोस्त बेडा शेरनशैनज़ के साथ कोलारोसी अकादमी में प्रवेश किया। पेरिस में, वह प्रतीकवाद से परिचित हुईं, लेकिन शुरू से ही उन्होंने कला में अपना स्वतंत्र रास्ता चुना। इस अवधि के दौरान, उन्होंने तपस्वी रंगों में पेंटिंग बनाना शुरू किया।

एलेना टेसलेफ़ के लिए प्रेरणा का सबसे महत्वपूर्ण स्रोत इतालवी कला थी। पहले से ही 1894 में, वह प्रारंभिक पुनर्जागरण की मातृभूमि फ्लोरेंस चली गईं। यहां कलाकार ने धार्मिक चित्रकला की कई खूबसूरत कृतियां देखीं, जिनमें बोटिसेली की कृतियां भी शामिल थीं, जिनके काम की उन्होंने लौवर में प्रशंसा की थी। थेस्लेफ़ ने मठ के भित्तिचित्रों की भी नकल की। आध्यात्मिक प्रभाव इटालियन पेंटिंगकाव्यात्मक, उदात्त कला के प्रति उनकी लालसा को मजबूत किया और बाद के वर्षों में, उनके काम में रंग तपस्या को अधिकतम अभिव्यक्ति मिली। उनके कार्यों के विशिष्ट रूप सख्त, गहरे रंग के परिदृश्य और हैं मानव आकृतियाँ, भूतिया और उदासी।

इस अवधि के कार्यों का एक उदाहरण आकार में मामूली है" आत्म चित्र» (1894-95) एलेन टेस्लेफ़, पेंसिल से चित्रित। फ्लोरेंस में बनाया गया यह स्व-चित्र, दो साल की तैयारी का परिणाम था। अंधेरे से उभरता भावपूर्ण चेहरा हमें उस समय कलाकार और उसके आदर्शों के बारे में बहुत कुछ बताता है। प्रतीकवाद के दर्शन के अनुरूप, उन्होंने अस्तित्व के मूलभूत प्रश्न पूछे और मानवीय भावनाओं का अध्ययन किया। इस सेल्फ-पोर्ट्रेट में लियोनार्डो दा विंची के सवालों और जीवन के रहस्यों के साथ उनकी कला का आधुनिक अवतार देखा जा सकता है। साथ ही, तस्वीर बहुत व्यक्तिगत है: यह अपने प्यारे पिता की मृत्यु पर थेस्लेफ़ के दुःख को दर्शाती है, जो दो साल पहले हुई थी।

थेस्लेफ़ एक संगीत परिवार में पली-बढ़ीं और बचपन से ही उन्हें अपनी बहनों के साथ गाने और संगीत बजाने का शौक था। उनके काम में सबसे आम रूपांकनों में से एक गूंज या चीख थी - संगीत का सबसे आदिम रूप। वह अक्सर वायलिन बजाते हुए भी चित्रित होती थीं - जो सबसे शानदार और जटिल संगीत वाद्ययंत्रों में से एक है। उदाहरण के लिए, पेंटिंग के लिए एक मॉडल " वायलिन बजाना” ("वायलिन वादक") (1896) का प्रदर्शन कलाकार की बहन, टीरा एलिज़ावेता द्वारा किया गया था, जो 1890 के दशक में अक्सर उनके लिए पोज़ देती थीं।

रचना गर्म पारभासी, मदर-ऑफ़-पर्ल-ओपल टोन में कायम है। वायलिन वादक दर्शक से दूर हो गया और अपना ध्यान खेल पर केन्द्रित करने लगा। सबसे आध्यात्मिक, दैवीय कला के रूप में सम्मानित संगीत का विषय, प्रतीकवाद में सबसे आम में से एक था, लेकिन कलाकारों ने शायद ही कभी महिला संगीतकारों को चित्रित किया हो।

अपने दोस्त मैग्नस एनकेल की तरह, अपने काम के शुरुआती चरण में, एलेन थेस्लेफ ने रंग तपस्या को प्राथमिकता दी। लेकिन फिर उनका स्टाइल बदल गया. कैंडिंस्की और उनके म्यूनिख सर्कल के प्रभाव में, कलाकार फिनलैंड में पहली फ़ॉविस्ट बन गईं, और 1912 में उन्हें फ़िनिश एसोसिएशन की प्रदर्शनी में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया गया था। सितंबरजो चमकीले साफ रंगों के लिए खड़े हुए।

हालाँकि, उनकी भागीदारी प्रदर्शनी के दायरे से आगे नहीं बढ़ी: अकेलेपन को एक सामान्य स्थिति मानते हुए, टेस्लेफ़ किसी भी समूह में शामिल नहीं हुए। मजबूत व्यक्तित्व. पुरानी भूरे-भूरे रंग की रेंज से दूर जाते हुए, अधिक परिपक्व उम्र में, थेस्लेफ ने रंगीन और स्तरित रंगीन कल्पनाएँ बनाना शुरू कर दिया। वह अपनी बहन और मां के साथ बार-बार टस्कनी गईं, जहां उन्होंने धूपदार इतालवी परिदृश्य चित्रित किए।

टेस्लेफ़ ने कभी शादी नहीं की, लेकिन उन्होंने एक रचनात्मक व्यक्ति के रूप में अपना स्थान बना लिया। कलाकार रहता था लंबा जीवनऔर पहचान मिली.

एटेनियम में विदेशी कला

एटेनियम संग्रहालय के विदेशी कला के संग्रह में सेज़ेन, वाग गॉग, चागल, मोदिग्लिआनी, मंच, रेपिन, रोडिन, ज़ोर्न जैसे प्रसिद्ध उस्तादों द्वारा बनाई गई 650 से अधिक पेंटिंग, मूर्तियां और चित्र शामिल हैं।

एक विदेशी संग्रह से एटेनियम संग्रहालयचुन लेना वान गाग की "स्ट्रीट इन औवर्स-सुर-ओइस"(1890)। विंसेंट वैन गॉग ने यह पेंटिंग अपनी मृत्यु से कुछ समय पहले, औवर्स-सुर-ओइस के छोटे से शहर में बनाई थी ( Auvers-sur-Oise), सीन की एक सहायक नदी की घाटी में, लगभग 30 किमी उत्तर पश्चिम में स्थित है। मानसिक बीमारी से पीड़ित वान गॉग अपने भाई थियो की सलाह पर डॉ. पॉल गैशेट से इलाज के लिए औवर्स-सुर-ओइस गए। औवर्स-सुर-ओइस में इस डॉक्टर का क्लिनिक था - एक ऐसा व्यक्ति जो कला के प्रति उदासीन नहीं है, कई फ्रांसीसी कलाकारों से परिचित था और जो वान गॉग का मित्र भी बन गया था।

औवर्स-सुर-ओइस शहर अंततः कलाकार की मृत्यु का स्थान बन गया, जो अपने भाई और उसके परिवार पर बोझ जैसा महसूस करता था। वान गाग ने खुद को गोली मार ली और फिर लहूलुहान होकर मर गये। कलाकार अपने जीवन के अंतिम 70 दिन औवर्स-सुर-ओइस में रहे, इस छोटी सी अवधि में उन्होंने 74 पेंटिंग पूरी कीं, जिनमें से एक अब मुख्य है कला संग्रहालयहेलसिंकी. यह संभव है कि पेंटिंग अधूरी छोड़ दी गई हो (कुछ स्थानों पर प्राइमर दिखाई दे रहा है)। आकाश की चमक पृथ्वी के शांत हरे रंग और टाइल वाली छतों की लालिमा को उजागर करती है। ऐसा प्रतीत होता है कि संपूर्ण दृश्य आध्यात्मिक गति में है, बेचैन ऊर्जा से व्याप्त है।

एक बहुत ही दिलचस्प कहानी यह है कि पेंटिंग "स्ट्रीट इन औवर्स-सुर-ओइस" कैसे बनी एटेनियम संग्रहालय. वान गॉग की मृत्यु के बाद कुछ समय तक, यह कलाकार के भाई, थियो और फिर उसकी विधवा का था, जिससे जूलियन लेक्लर ने कैनवास खरीदा था ( जूलियन लेक्लर्क) एक फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक हैं। यह ज्ञात है कि 1900 में लेक्लर ने थियो की विधवा से कम से कम 11 वान गाग पेंटिंग हासिल की थीं। एक साल बाद, उन्होंने वान गाग की पहली पूर्वव्यापी प्रदर्शनी का आयोजन किया, लेकिन जल्द ही अप्रत्याशित रूप से उनकी मृत्यु हो गई। लेक्लर की पत्नी पियानोवादक फैनी फ्लोडिन थीं ( पिछाड़ीफ़्लोडिन), बहन फ़िनिश कलाकारऔर मूर्तिकार हिल्डा फ्लोडिन ( हिल्डा फ्लोडिन). 1903 में, फैनी ने कलेक्टर फ्रिडजॉफ़ एंटेल के प्रतिनिधियों को एक वैन गॉग पेंटिंग बेची, जिसका बार-बार ऊपर उल्लेख किया गया था, 2,500 मार्क्स (आज के पैसे में लगभग 9,500 यूरो) के लिए। यह कैनवास बन गया है वाग गॉग ओल्ड चर्च की पहली पेंटिंग

अल्बर्ट गुस्ताव एरिस्टाइड एडेलफेल्ट (1854-1905)

अल्बर्ट एडेलफेल्ट का जन्म 1854 में फ़िनलैंड में पोर्वो के पास हुआ था। उनके पिता एक वास्तुकार थे। अपने पिता से उन्हें संगीत और चित्रकारी का शौक मिला। हालाँकि, माँ भावी कलाकार की सबसे करीबी व्यक्ति थीं। अल्बर्ट एडेलफेल्ट कई मायनों में उनकी महत्वाकांक्षी माँ की रचना थे।

कलाकार की माँ का चित्र. 1883

लड़के ने अपना पहला पेंटिंग सबक हेलसिंकी में फिनिश आर्ट सोसाइटी के स्कूल में प्राप्त किया। खुद को पेंटिंग के लिए समर्पित करने का निर्णय लेते हुए, वह एंटवर्प में ललित कला अकादमी में प्रवेश करता है, लेकिन एक साल बाद वह पेरिस चला जाता है, जहां वह एल जेरोम से सबक लेता है।

यथार्थवादी प्रतिनिधि. प्रभाववाद के प्रभाव का अनुभव किया। ऐतिहासिक कैनवस के लेखक, लोक जीवन के चित्र, परिदृश्य, चित्र, स्वतंत्रता और अभिव्यक्ति द्वारा चिह्नित कला शैली, प्रकाश-वायु वातावरण का सूक्ष्म संचरण, रंग की उत्सवपूर्ण चमक।

पहले से ही तेईस साल की उम्र में, एडेलफेल्ट फिनिश पेंटिंग में सबसे प्रमुख व्यक्ति बन गए और लड़ाई का नेतृत्व किया युवा पीढ़ीयथार्थवाद और प्रकृति से काम के लिए कलाकार। अल्बर्ट का मूलतः इरादा एक इतिहास चित्रकार बनने का था। उनसे देशभक्तिपूर्ण चित्रों की अपेक्षा थी। इस योजना की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग ड्यूक कार्ल की डिसैक्रेशन ऑफ द रिमेंस ऑफ सी. फ्लेमिंग (1878) थी। यह कहानी फ़िनलैंड में सत्ता के लिए संघर्ष पर प्रकाश डालती है जो 16वीं शताब्दी के अंत में सामने आया था।

के. फ्लेमिंग के अवशेषों पर ड्यूक चार्ल्स का अपमान। 1878

रंगों का अद्भुत खेल और यौवन की ताजगी पेंटिंग "क्वीन ब्लैंका विद ए चाइल्ड" (1877) से आकर्षित होती है।

लेकिन धीरे-धीरे अपनी जन्मभूमि का जीवंत जीवन उन्हें और अधिक आकर्षित करता है। चित्रकार की अगली कृतियाँ पहले से ही लोक जीवन के यथार्थवादी चित्रण की शैली में बनाई गई थीं। घर पर, अल्बर्ट ने मछुआरों के साथ एक से अधिक बार खुले समुद्र की यात्रा की, और फिर हेइको में स्टूडियो में उन्होंने विवरणों के सटीक निष्पादन के लिए विशेष रूप से एक मछली पकड़ने वाली नाव स्थापित की। पेंटिंग "द फ्यूनरल ऑफ ए चाइल्ड" (1879) की सफलता, साथ ही पेंटिंग "एट द सी" (1883) की वास्तविक सफलता ने एडेलफेल्ट को अपनी मातृभूमि में एक मान्यता प्राप्त मास्टर बना दिया।

एक बच्चे का अंतिम संस्कार. 1879

सागर पर। 1883

एक राष्ट्रीय कलाकार के रूप में ए. एडेलफेल्ट की प्रतिष्ठा की सबसे अधिक पुष्टि फिनलैंड में आम लोगों के जीवन से जुड़ी उनकी पेंटिंग्स से हुई: "बॉयज़ बाय द वॉटर" (1884), "गर्ल विद ए रेक" (1886), "वीमेन फ्रॉम रुओहोलहटी" (1887)।

रूसी आलोचक वी.वी. स्टासोव ने लिखा: "निश्चित रूप से, उनके सभी फिन्स में से सर्वश्रेष्ठ, एडेलफेल्ट है, और उनके पास लॉन्ड्रेस (1889) की सबसे उल्लेखनीय तस्वीर है, जो स्वस्थ, ताज़ा यथार्थवाद और जीवन से भरपूर है।" यह तस्वीर रूस में बनी रही और 1930 से यह हर्मिटेज में है।

धोबिन. 1889

दर्शकों का ध्यान हमेशा वास्तव में "पेरिसियन स्पिरिट" पेंटिंग "इन द लक्ज़मबर्ग गार्डन्स" (1887) से आकर्षित होता है। इन वर्षों के प्लेन एयर कार्यों में, ए. एडेलफेल्ट प्रकाश और रंगों की समस्याओं पर अधिक ध्यान देते हैं।

लक्ज़मबर्ग गार्डन में. 1887

यूरोप भर में यात्रा करने के बाद, एडेलफेल्ट लंबे समय तक सेंट पीटर्सबर्ग में रुके। वह पहली बार 1881 में सेंट पीटर्सबर्ग आये। रूसी कलाकारों और समाज ने ए. एडेलफेल्ट का उत्साहपूर्वक स्वागत किया। 1881 में, युवा फिनिश चित्रकार ने सेंट पीटर्सबर्ग अकादमी के दरबार में अपनी कृतियाँ प्रस्तुत कीं। वह एक बड़ी सफलता थी: उन्हें शिक्षाविद की उपाधि से सम्मानित किया गया और सार्सोकेय सेलो में एक एकल प्रदर्शनी का आयोजन किया गया। एडेलफेल्ट का परिचय शाही परिवार से कराया गया। ज़ार अलेक्जेंडर III के अनुरोध पर, उन्होंने पेंटिंग "ऑन द सी" की एक प्रति बनाई, और कई कमीशन कार्य किए। इसी अवधि में, कलाकार ने कई शैली के चित्र बनाए, जिनमें से सबसे लोकप्रिय हेइको में एक कुत्ते के साथ कलाकार की बहन बर्टा का चित्र था।

अच्छे दोस्त हैं। 1881

"गुड फ्रेंड्स" (1881) शीर्षक के तहत, इस पेंटिंग की प्रतियां एटेनियम और गोथेनबर्ग में रखी गई हैं। पेंटिंग "इन द नर्सरी" (1885), जो चरित्र के करीब है, खरीदी गई थी अलेक्जेंडर IIIगैचीना पैलेस के लिए. एथेनियम में इन वर्षों में बनाए गए सोफी मंज़ी का एक चित्र भी प्रदर्शित किया गया है।

सोफी मन्ज़ी का पोर्ट्रेट।

ए. एडेलफेल्ट की लोकप्रियता और अधिकार की बदौलत फिनलैंड की कला को रूस में पहचान मिली। सेंट पीटर्सबर्ग में, एडेलफेल्ट ने नई रूसी कला, सर्गेई डायगिलेव और अलेक्जेंडर बेनोइस के युवा आंकड़ों से मुलाकात की: "हम सचमुच एडेलफेल्ट पर लटके हुए थे, हमारी आंखों में उनका सिर पेरिस की मान्यता के प्रभामंडल से घिरा हुआ था," बेनोइस ने बाद में लिखा। फ़िनिश और रूसी कलाकारों की निकटता को कई संयुक्त प्रदर्शनियों द्वारा चिह्नित किया गया था। उनमें से सबसे बड़ा 1898 में बैरन स्टिग्लिट्ज़ के स्कूल के संग्रहालय में था। उस समय के युवा कलाकारों की कृतियाँ वहाँ प्रस्तुत की गईं: सेरोव, रेपिन, व्रुबेल - रूसी से; और एम. एन्केल, गैलेन-कालेला, यार्नफेल्ड - फिनिश पक्ष से। प्रदर्शनी ने रूसी जनता के बीच फ़िनिश संस्कृति और फ़िनलैंड में बहुत रुचि जगाई।

लेकिन ए. एडेलफेल्ट के लिए रचनात्मकता का मुख्य रूप परिपक्व वर्षचित्रांकन था. एडेलफेल्ट ने चित्र शैली में बड़े पैमाने पर और सफलतापूर्वक काम किया। पीउन्होंने फ्रांस सरकार के आदेश के बारे में लिखालुई पाश्चर द्वारा चित्र (1885)। 1880 और 1890 के दशक में, एडेलफेल्ट ने रूसी शाही अदालत के आदेशों पर बड़े पैमाने पर काम किया। लेकिन आधिकारिक चित्रों के अलावा, उन्होंने सुंदर रचनाएँ बनाईं: "पोर्ट्रेट ऑफ़ ए मदर", "कहानीकार लारिन पारस्के", महान फिनिश अभिनेत्रियों एइन अक्ते और इडा अलबर्ग के चित्र।

एडेलफेल्ट के काम में लैंडस्केप अपेक्षाकृत कम जगह घेरता है। हालाँकि, हर्मिटेज में उनकी रचनाएँ हैं: "पोरवो का दृश्य", जल रंग "कौकोला में झील का दृश्य", नक़्क़ाशी "बर्फ में देवदार का पेड़"। हर्मिटेज में उल्लेखनीय फिनिश मास्टर द्वारा बनाए गए कई चित्र और चित्र भी हैं।

एडेलफेल्ट के काम की रूपरेखा उनके अंतिम काम का उल्लेख किए बिना अधूरी होगी: 1900-1904 में, कलाकार इस विषय पर हेलसिंकी विश्वविद्यालय के असेंबली हॉल में एक स्मारकीय पैनल बनाने में व्यस्त थे: " भव्य उद्घाटन 1640 में तुर्कू में विश्वविद्यालय"। रचना 17वीं शताब्दी की वेशभूषा में परेड जुलूस के रूप में बनाई गई थी।

1640 1902 में तुर्कू में विश्वविद्यालय का भव्य उद्घाटन (क्लिक करने योग्य)

अगस्त 1905 में अल्बर्ट एडेलफेल्ट की पोर्वो के पास एक झोपड़ी में अचानक मृत्यु हो गई। यह फिनिश कला के लिए एक झटका था। लेकिन उनकी पेंटिंग्स भी हमारे लिए दिलचस्प और समझने योग्य हैं, क्योंकि वे उनके समकालीनों के करीब थीं।

व्लादिमीर लोसेव

बॉउडर में युवा महिला. 1879

चैंप्स एलिसीज़ पर। 1886

कलाकार की बहन बर्टा एडेलफेल्ट का चित्र। 1884

कलाकार की माँ का चित्र. 1902

एक छतरी के नीचे औरत. 1886

ज़ार अलेक्जेंडर III के बच्चे

पेरिसियन मॉडल. 1885

मैरी मैग्डलीन. 1891

धिक्कार है. 1894

फिनिश मछुआरे। 1898

क्राइस्ट और मैरी मैग्डलीन। 1890

लुई पाश्चर का पोर्ट्रेट। 1885

लड़के समुद्र तट पर खेल रहे हैं. 1884

छोटी नाव। 1884

एक नाव में औरत. 1886

मास के बाद चर्च के पास बैठे पड़ोसी। 1887

करेलियन महिलाएं. 1887

लड़की मोजा बुन रही है. 1886

स्ट्रॉबेरी।

चर्च में विचारशील महिला. 1893

सॉल्विग

यूसीमा द्वीपसमूह में पूजा करें।

नामकरण से वापसी.

एक युवा महिला का चित्रण. 1891

पेरिसियन पढ़ना. 1880

मैडम वैलेरी राडो का पोर्ट्रेट। 1888

संस्कृति और कला हर राज्य की विरासत और संपत्ति हैं। "हजारों झीलों की भूमि" न केवल यात्रियों और पर्यटकों के लिए स्कीइंग और मछली पकड़ने का स्वर्ग है, बल्कि विभिन्न कला इतिहासकारों और रचनात्मकता के पारखी लोगों के लिए भी एक जगह है। फ़िनलैंड में कला बहुत विकसित है, विशेषकर चित्रकला में। कई कला दीर्घाएँ, संग्रहालय और प्रदर्शनियाँ ललित कला के सबसे परिष्कृत पारखी लोगों को भी प्रसन्न करेंगी।

सुओमी देश के कलाकार, जिन्होंने उन्नीसवीं सदी में यूरोपीय शिक्षा प्राप्त की, फिनलैंड में ललित कला के विकास को गति देने वाले मुख्य और प्रेरित कारक बने। फिनिश पेंटिंग के प्रतिनिधियों से परिचित होना शुरू करने से पहले, आइए "फिनिश कला और पेंटिंग के जनक" रॉबर्ट एकमैन के काम से परिचित हों।

रॉबर्ट विल्हेम एकमैन

1808 में जन्मे, कलाकार ने अपने चित्रों में सामान्य फिनिश किसानों के जीवन, उनके जीवन की सभी कठिनाइयों को दर्शाया, आम लोगों के संबंध में फिनिश राज्य की सामाजिक नीति पर समाज का ध्यान केंद्रित किया। जब रॉबर्ट 16 वर्ष के थे, तब वे स्वीडिश कला अकादमी में अध्ययन करने के लिए स्टॉकहोम गए। एक युवा और शानदार प्रतिभा के रूप में, एकमैन को उनकी प्रतिभा के लिए स्वीडिश छात्रवृत्ति मिली, और बाद में एक कलाकार के रूप में उनके व्यवसाय ने इस तथ्य में योगदान दिया कि वह इटली और फ्रांस और फिर हॉलैंड में अध्ययन करने गए। इन देशों में ब्रश के उस्ताद ने 1837 से 1844 तक पूरे सात साल बिताए।

सुओमी देश में वापस लौटकर, रॉबर्ट विल्हेम तुर्कू शहर में बस गए, जहाँ उन्होंने स्थानीय कैथेड्रल को अपनी दीवार के भित्तिचित्रों और चित्रों से चित्रित करना शुरू किया। उसके बाद, उन्होंने शहर में एक ड्राइंग स्कूल की स्थापना की, जिसका नेतृत्व उन्होंने 1873 तक किया। उन्होंने कुलीनों और किसानों के बीच की खाई को बहुत स्पष्ट रूप से रेखांकित किया। चित्रकार की पेंटिंग्स ने अपने अनूठे और आविष्कार न किए गए यथार्थवाद से सभी को चौंका दिया। "फ़िनिश पेंटिंग और कला के जनक" की मृत्यु 1873 में हुई।

अक्सेली वाल्डेमर गैलेन कालेला (गैलेन-कल्लेला अक्सेली)

अक्सेली गैलेन कालेला का जन्म छोटे फ़िनिश शहर ब्योर्नबोर्ग में हुआ था ( आधुनिक नाम- पोरी) अप्रैल 1863 में। फ़िनलैंड की स्वतंत्रता के लिए एक सेनानी, कलाकार ने अपने काम में राष्ट्र से अपने देश की स्वतंत्रता के लिए लड़ने के आह्वान को चित्रित करने की पूरी कोशिश की। चित्रकार में निहित आधुनिकतावाद ने एक्सल गैलेन कालेला को बहुत कुछ बनाने की अनुमति दी यथार्थवादी पेंटिंग. फ़िनिश गृहयुद्ध (1918) की समाप्ति के बाद, कलाकार हेरलड्री और ध्वज डिज़ाइन में शामिल हो गए। बीसवीं सदी के मध्य में, कलाकार कुछ समय के लिए संयुक्त राज्य अमेरिका में रहे और काम किया, जहाँ उन्होंने सफलतापूर्वक अपने कार्यों की प्रदर्शनियाँ आयोजित कीं। चित्रकार की 1931 में स्टॉकहोम में मृत्यु हो गई, उनकी मृत्यु निमोनिया से हुई।

ऑस्कर क्लेनेह

सबसे प्रसिद्ध फिनिश समुद्री परिदृश्य चित्रकार का जन्म सितंबर 1846 में फिनलैंड की राजधानी में हुआ था। ऑस्कर की जर्मन जड़ें "बचाव के लिए आईं", जिसने उन्हें जर्मनी में, अर्थात् डसेलडोर्फ में अध्ययन करने की अनुमति दी। बाद में, क्लेनेच ने सेंट पीटर्सबर्ग और कार्लज़ूए में अपनी पढ़ाई जारी रखी। समुद्री चित्रकार की सबसे बड़ी लोकप्रियता समुद्री स्थिर जीवन और परिदृश्यों को दर्शाने वाले चित्रों द्वारा लाई गई थी लेखक का कामयहां तक ​​कि सेंट पीटर्सबर्ग हर्मिटेज में भी प्रदर्शित किया गया। कलाकार की मृत्यु 1919 में उनके पैतृक शहर हेलसिंकी में हुई।