Strani umjetnici renesanse. Veliki talijanski renesansni umjetnici

Sandro Botticelli(1. ožujka 1445. -- 17. svibnja 1510.) -- duboko religiozan čovjek, radio je u svim većim crkvama u Firenci i u vatikanskoj Sikstinskoj kapeli, no u povijesti umjetnosti ostao je prvenstveno kao autor poetskih platna velikog formata na teme inspirirane klasičnom antikom – „Proljeće“ i „Rođenje Venera". .

Botticelli je dugo bio u sjeni renesansnih divova koji su djelovali nakon njega, sve dok nije u sredinom devetnaestog stoljeća ponovno su otkrili britanski prerafaeliti, koji su krhku linearnost i proljetnu svježinu njegovih zrelih platna štovali kao najvišu točku u razvoju svjetske umjetnosti.

Rođen u obitelji imućnog građanina Mariana di Vannija Filipepija. Dobio dobro obrazovanje. Slikarstvo je učio kod redovnika Filippa Lippija i od njega je preuzeo onu strast u prikazivanju dirljivih motiva koja odlikuje Lippijevo povijesno slikarstvo. Zatim je radio za poznatog kipara Verrocchia. Godine 1470. organizirao je vlastitu radionicu.

Preuzeo je suptilnost i preciznost linija od svog drugog brata, koji je bio draguljar. Neko je vrijeme učio kod Leonarda da Vincija u Verrocchiovoj radionici. Izvorna značajka Botticellijevog vlastitog talenta je njegova sklonost prema fantastičnom. Među prvima je u umjetnost svoga vremena uveo antički mit i alegoriju, a s posebnom je ljubavlju radio mitološke teme. Posebno je spektakularna njegova Venera koja gola pliva morem u školjci, a bogovi vjetrova obasipaju je kišom ruža i tjeraju školjku na obalu.

Najboljom kreacijom Botticellija smatraju se freske koje je započeo 1474. u Sikstinskoj kapeli u Vatikanu. Dovršio mnoge slike koje su naručili Medici. Posebno je naslikao zastavu Giuliana Medicija, brata Lorenza Veličanstvenog. U 1470-im i 1480-im godinama portret postaje nezavisni žanr u djelu Botticellija ("Čovjek s medaljom", oko 1474; "Mladić", 1480-ih). Botticelli je postao poznat po svom istančanom estetskom ukusu i djelima kao što su Navještenje (1489-1490), Ostavljena žena (1495-1500), itd. posljednjih godina svog života, Botticelli je, očito, napustio slikarstvo ..

Sandro Botticelli pokopan je u obiteljskoj grobnici u crkvi Ognisanti u Firenci. Prema oporuci, pokopan je kraj groba Simonette Vespucci, koja je najviše nadahnula prekrasne slike gospodari.

Leonardo di Ser Piero da Vinci(15. travnja 1452., selo Anchiano, u blizini grada Vinci, blizu Firence - 2. svibnja 1519., - veliki talijanski umjetnik (slikar, kipar, arhitekt) i znanstvenik (anatom, prirodoslovac), izumitelj, pisac, jedan od glavni predstavnici umjetnost visoke renesanse, vrhunski primjer "univerzalnog čovjeka". .

Leonardo je našim suvremenicima prvenstveno poznat kao umjetnik. Osim toga, moguće je da je da Vinci mogao biti kipar: istraživači sa Sveučilišta u Perugi - Giancarlo Gentilini i Carlo Sisi - tvrde da je glava od terakote koju su pronašli 1990. jedino skulpturalno djelo Leonarda da Vincija koje je sačuvano nama. Međutim, sam da Vinci u različitim razdobljima svog života sebe je prvenstveno smatrao inženjerom ili znanstvenikom. Likovnoj umjetnosti nije se mnogo posvećivao i radio je prilično sporo. Zato umjetnička baština Leonardo nije velik, a brojna su njegova djela izgubljena ili teško oštećena. Međutim, njegov doprinos svjet umjetnička kultura iznimno je važan čak i u pozadini kohorte genija koje je dala talijanska renesansa. Zahvaljujući njegovom radu slikarstvo je kvalitativno napredovalo nova pozornica njegovog razvoja. Renesansni umjetnici koji su prethodili Leonardu odlučno su napustili mnoge konvencije srednjovjekovne umjetnosti. Bio je to pokret prema realizmu i već je mnogo postignuto u proučavanju perspektive, anatomije, veće slobode u kompozicijskim odlukama. Ali u pogledu slikovitosti, rada s bojom, umjetnici su još uvijek bili dosta konvencionalni i suzdržani. Crta na slici jasno je ocrtavala subjekt, a slika je imala izgled naslikanog crteža. Najuvjetniji je bio krajolik, koji je igrao manju ulogu. .

Leonardo je spoznao i proveo novu tehnika slikanja. Njegova linija ima pravo da se zamuti, jer mi to tako vidimo. Shvatio je fenomen raspršivanja svjetlosti u zraku i pojavu sfumata - izmaglice između promatrača i prikazanog predmeta, koja ublažava kontraste boja i linije. Kao rezultat toga, realizam u slikarstvu prešao je na kvalitativno novu razinu. . renesansno slikarstvo botticelli renesansa

Rafael Santi(28. ožujka 1483. - 6. travnja 1520.) - veliki talijanski slikar, grafičar i arhitekt, predstavnik umbrske škole ..

Sin slikara Giovannija Santija prošao je početnu umjetničku obuku u Urbinu kod svog oca Giovannija Santija, ali je u mladosti završio u ateljeu izvanredan umjetnik Pietro Perugino. Točno umjetnički jezik a figurativnost Peruginovih slika svojom gravitacijom prema simetričnoj uravnoteženoj kompoziciji, jasnoćom prostornog rješenja i mekoćom u rješavanju boje i rasvjete prvenstveno je utjecala na maniru mladog Rafaela.

Također je potrebno navesti da je kreativni stil Rafaela uključivao sintezu tehnika i nalaza drugih majstora. U početku se Raphael oslanjao na iskustvo Perugina, a kasnije - na nalaze Leonarda da Vincija, Fra Bartolomea, Michelangela. .

Rani radovi(“Madonna Conestabile” 1502.-1503.) prožete su gracioznošću, mekim lirizmom. Zemaljsko postojanje čovjeka, sklad duhovnog i fizička snaga veličan u zidnim slikama prostorija Vatikana (1509.-1517.), postigavši ​​besprijekoran osjećaj za mjeru, ritam, proporcije, eufoniju boja, jedinstvo figura i veličanstvene arhitektonske pozadine..

U Firenci, došavši u dodir s djelima Michelangela i Leonarda, Rafael je od njih naučio anatomski ispravnu sliku ljudskog tijela. U dobi od 25 godina umjetnik odlazi u Rim i od tog trenutka počinje razdoblje najvećeg procvata njegova stvaralaštva: izvodi monumentalne zidne slike u Vatikanskoj palači (1509.-1511.), među kojima je neosporno remek-djelo majstor - freska "Atenska škola", piše oltarne kompozicije i štafelajne slike, odlikuje se skladom dizajna i izvedbe, radi kao arhitekt (neko vrijeme Raphael čak nadzire izgradnju katedrale sv. Petra). U neumornoj potrazi za svojim idealom, utjelovljenim za umjetnika u liku Madone, stvara svoju najsavršeniju kreaciju - "Sikstinsku Madonu" (1513.), simbol majčinstva i samozatajnosti. Rafaelove slike i murale prepoznali su njegovi suvremenici, a Santi je uskoro postao središnja figura u umjetničkom životu Rima. Mnogi talijanski plemići htjeli su se vjenčati s umjetnikom, uključujući i Rafaelova bliskog prijatelja kardinala Bibbienu. Umjetnik je umro u dobi od trideset sedam godina od zatajenja srca. Nedovršene slike Vile Farnesine, Vatikanskih loža i druga djela dovršili su Rafaelovi učenici prema njegovim skicama i crtežima.

Jedan od najvećih predstavnika umjetnosti visoke renesanse, čije se slikarstvo odlikuje naglašenom ravnotežom i skladom cjeline, uravnoteženošću kompozicije, pravilnošću ritma i delikatnim korištenjem mogućnosti boje. Besprijekorno vladanje linijom i sposobnost generaliziranja i isticanja glavne stvari učinili su Raphaela jednim od najistaknutijih majstora crtanja svih vremena. Rafaelova ostavština poslužila je kao jedan od stupova u procesu formiranja europskog akademizma. Pristaše klasicizma - braća Carracci, Poussin, Mengs, David, Ingres, Bryullov i mnogi drugi umjetnici - veličali su Raphaelovu ostavštinu kao najsavršeniju pojavu u svjetskoj umjetnosti.

Tizian Vecellio(1476./1477. ili 1480-ih-1576.) - talijanski renesansni slikar. Ime Tizian je u rangu s takvim renesansnim umjetnicima kao što su Michelangelo, Leonardo da Vinci i Raphael. Tizian je slikao slike na biblijske i mitološke teme, proslavio se kao portretist. Naručivali su ga kraljevi i pape, kardinali, vojvode i prinčevi. Tizian nije imao ni trideset godina kada je bio priznat kao najbolji slikar u Veneciji.

Po mjestu rođenja (Pieve di Cadore u pokrajini Belluno), ponekad se naziva da Cadore; poznat i kao Tizian Božanski.

Tizian je rođen u obitelji Gregorija Vecellija, državnika i vojske. U dobi od deset godina poslan je s bratom u Veneciju da uči kod poznatog mozaičara Sebastiana Zuccata. Nekoliko godina kasnije ušao je u studio Giovannija Bellinija kao šegrt. Učio je kod Lorenza Lotta, Giorgia da Castelfranca (Giorgionea) i niza drugih umjetnika koji su kasnije postali poznati.

Godine 1518. Tizian slika sliku "Uzašašće Majke Božje", 1515. - Salome s glavom Ivana Krstitelja. Od 1519. do 1526. oslikava niz oltara, uključujući i oltar obitelji Pesaro.

Tizian je živio dug život. Prije posljednjih dana nije prestajao raditi. Moj zadnja slika, "Oplakivanje Krista", Tizian je napisao za vlastiti nadgrobni spomenik. Umjetnik je umro od kuge u Veneciji 27. kolovoza 1576. godine, a zarazio se od sina dok se brinuo za njega.

Car Karlo V. pozvao je Tiziana k sebi i okružio ga čašću i poštovanjem i više puta rekao: "Mogu stvoriti vojvodu, ali gdje da dobijem drugog Tiziana." Kad je jednog dana umjetnik ispustio kist, Karlo V. ga je podigao i rekao: "Časno je služiti Tizianu čak i caru." I španjolski i francuski kralj pozvali su Tiziana k sebi, da se smjesti na dvoru, ali se umjetnik, nakon što je izvršio narudžbe, uvijek vraćao u svoju rodnu Veneciju.U čast Tiziana nazvan je krater na Merkuru. .

Italija je zemlja koja je oduvijek bila poznata po svojim umjetnicima. Veliki majstori koji su nekoć živjeli u Italiji proslavili su umjetnost u cijelom svijetu. Sa sigurnošću možemo reći da bi svijet danas izgledao sasvim drugačije da nije bilo talijanskih umjetnika, kipara i arhitekata. Najznačajniji u talijanska umjetnost, naravno, računa se kao . Italija je u doba renesanse ili renesanse dosegla neviđeni uspon i procvat. Talentirani umjetnici, kipari, izumitelji, pravi geniji koji su se pojavili u to vrijeme i dalje su poznati svakom školarcu. Njihova umjetnost, kreativnost, ideje, razvoj danas se smatraju klasicima, jezgrom na kojoj se grade svjetska umjetnost i kultura.

Jedan od naj poznati geniji Talijanska renesansa je, naravno, velika Leonardo da Vinci(1452-1519). Da Vinci je bio toliko nadaren da je postigao veliki uspjeh u mnogim područjima djelovanja, uključujući likovne umjetnosti oh i znanost. Još jedan poznati umjetnik koji je priznati majstor je Sandro Botticelli(1445-1510). Botticellijeve slike pravi su dar čovječanstvu. Danas su njegove gustine u većini slavni muzeji svijeta i zaista su neprocjenjivi. Nije manje poznat od Leonarda da Vincija i Botticellija Rafael Santi(1483-1520), koji je živio 38 godina, i za to vrijeme uspio stvoriti cijeli sloj zapanjujuće slike, koja je postala jedan od najsvjetlijih primjera rane renesanse. Još jedan veliki genije Talijanska renesansa je bez sumnje Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Osim slikarstvom, Michelangelo se bavio kiparstvom, arhitekturom i poezijom, te je u tim umjetnostima postigao velike rezultate. Michelangelov kip nazvan "David" smatra se nenadmašnim remek-djelom, primjerom najvišeg dometa kiparske umjetnosti.

Uz gore navedene umjetnike, najveći umjetnici Italije renesanse bili su majstori kao što su Antonello da Messina, Giovanni Bellini, Giorgione, Tizian, Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Domenico Fetti, Bernardo Strozzi, Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi i drugi.. Svi su bili vrhunski primjer divan venecijanska škola slika. Firentinskoj školi talijansko slikarstvo pripadaju takvim umjetnicima kao što su: Masaccio, Andrea del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Fra Bartolommeo, Andrea del Sarto.

Navesti sve umjetnike koji su djelovali tijekom renesanse, kao i tijekom kasne renesanse, te stoljećima kasnije, koji su postali poznati cijelom svijetu i proslavili umjetnost slikarstva, razvili su temeljna načela i zakonitosti koje stoje u osnovi svih vrsta i žanrova likovne umjetnosti, možda će trebati nekoliko tomova da se napiše, ali ovaj popis je dovoljan da shvatimo da su veliki talijanski umjetnici upravo ona umjetnost koju poznajemo, koju volimo i koju ćemo zauvijek cijeniti!

Slike velikih talijanskih umjetnika

Andrea Mantegna - Freska u Camera degli Sposi

Giorgione - Tri filozofa

Leonardo da Vinci - Mona Lisa

Nicolas Poussin - Scipionova velikodušnost

Paolo Veronese - Bitka kod Lepanta

Renesansa je započela u Italiji. Ime je dobio zbog naglog intelektualnog i umjetničkog procvata koji je započeo u 14. stoljeću i uvelike utjecao na europsko društvo i kulturu. Renesansa nije bila izražena samo u slikama, već iu arhitekturi, kiparstvu i književnosti. Najistaknutiji predstavnici renesanse su Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo i Rafael.

U tim vremenima glavni cilj slikara bio je realna slika ljudskog tijela, pa su uglavnom slikali ljude, prikazivali razne religijske teme. Izmišljeno je i načelo perspektive, što je otvorilo nove mogućnosti umjetnicima.

Firenca je postala središte renesanse, zatim Venecija, a kasnije, bliže 16. stoljeću, Rim.

Leonardo nam je poznat kao talentirani slikar, kipar, znanstvenik, inženjer i arhitekt renesanse. Većinu svog života Leonardo je radio u Firenci, gdje je stvorio mnoga remek-djela poznata u cijelom svijetu. Među njima: "Mona Lisa" (inače - "Gioconda"), "Dama s hermelinom", "Madonna Benois", "Ivan Krstitelj" i "Sv. Ana s Marijom i djetetom Kristom.

Ovaj umjetnik prepoznatljiv je po jedinstvenom stilu koji je razvio tijekom godina. Oslikao je i zidove Sikstinske kapele na osobni zahtjev pape Siksta IV. Botticelli je naslikao poznate slike na mitološke teme. Takve slike uključuju "Proljeće", "Pallas i Kentaur", "Rođenje Venere".

Tizian je bio glava firentinske umjetničke škole. Nakon smrti svog učitelja Bellinija, Tizian postaje službeni, općepriznati umjetnik Mletačke Republike. Ovaj slikar poznat je po svojim portretima na religiozne teme: "Uzašašće Marijino", "Danae", "Ljubav zemaljska i ljubav nebeska".

Talijanski pjesnik, kipar, arhitekt i umjetnik prikazao je mnoga remek-djela, od kojih je čuveni kip "Davida" od mramora. Ovaj je kip postao glavna atrakcija Firence. Michelangelo je oslikao svod Sikstinske kapele u Vatikanu koji je velika narudžba Papa Julije II. U razdoblju svog stvaralaštva posvetio je više pozornosti arhitekturi, ali nam je podario "Raspeće sv. Petra", "Polaganje u grob", "Stvaranje Adama", "Proricatelj".

Njegovo djelo nastalo je pod velikim utjecajem Leonarda da Vincija i Michelangela, zahvaljujući kojima je stekao neprocjenjivo iskustvo i vještinu. Oslikao je svečane dvorane u Vatikanu, predstavljajući ljudska aktivnost te prikazuju razne scene iz Biblije. Među poznate slike Rafael - " Sikstinska Madona”, “Tri gracije”, “Sveti Mihovil i đavo”.

Ivan Sergejevič Ceregorodcev

Narodi Europe nastojali su oživjeti blaga i tradicije izgubljene zbog beskrajnih ratova istrebljenja. Ratovi su skinuli ljude s lica zemlje i velike stvari koje su ljudi stvorili. Ideja oživljavanja visoke civilizacije drevni svijet oživjela je filozofiju, književnost, glazbu, uspon prirodnih znanosti i, ponajviše, procvat umjetnosti. Doba je tražilo jake, obrazovane ljude koji se nisu bojali nikakvog rada. Upravo u njihovoj sredini postala je moguća pojava onih nekoliko genija koji se nazivaju "titanima renesanse". One koje zovemo samo imenom.

Renesansa je prvenstveno bila talijanska. Stoga ne čudi da je upravo u Italiji umjetnost u tom razdoblju doživjela svoj najveći uspon i procvat. Ovdje se nalaze deseci imena titana, genija, velikih i jednostavno talentiranih umjetnika.

GLAZBA LEONARDO.

Kakav sretnik! reći će mnogi za njega. Bio je obdaren rijetkim zdravljem, lijep, visok, plavook. U mladosti je nosio plave uvojke, ponosnog stasa podsjećao je na Donatellina Jurjevca. Posjedovao je nečuvenu i hrabru snagu, muževno junaštvo. Divno je pjevao, pred publikom skladao melodije i pjesme. igrao na bilo kojem glazbeni instrumentŠtoviše, sam ih je stvorio.

Za umjetnost Leonarda da Vincija suvremenici i potomci nikada nisu našli druge definicije osim "briljantno", "božanstveno", "veliko". Iste riječi vrijede i za njegova znanstvena otkrića: izumio je tenk, bager, helikopter, podmornicu, padobran, automatsko oružje, ronilačku kacigu, dizalo, odlučio najteži problemi akustika, botanika, medicina, kozmografija, izradio projekt okruglog teatra, izumio klatno sata stoljeće prije Galileja, nacrtao sadašnje skije za vodu, razvio teoriju mehanike.

Kakav sretnik! - reći će mnogi o njemu i početi se prisjećati njegovih voljenih prinčeva i kraljeva, koji su s njim tražili poznanstva, spektakle i praznike koje je kao umjetnik, dramatičar, glumac, arhitekt izmišljao i s njima se zabavljao poput djeteta.

No, je li bio sretan neumorni dugovječni Leonardo, čiji je svaki dan davao ljudima i svijetu providnost i uvid? Predvidio je strašnu sudbinu svojih kreacija: uništenje "Posljednje večere", pucanje na spomenik Francesci Sforzi, nisku trgovinu i podlu krađu njegovih dnevnika, radnih bilježnica. Ukupno je do danas preživjelo samo šesnaest slika. Nekoliko skulptura. Ali puno crteža, kodiranih crteža: poput junaka moderne znanstvene fantastike, promijenio je detalje u svom dizajnu, kao da ih drugi ne mogu koristiti.

Radio je Leonardo da Vinci različiti tipovi i žanrove umjetnosti, ali najveću slavu donijelo mu je slikarstvo.

Jedna od Leonardovih najranijih slika je Madona s cvijetom ili Benoisova Madona. Već se tu umjetnik pojavljuje kao pravi inovator. On nadilazi granice tradicionalnog sižea i slici daje šire, univerzalno značenje, a to su majčinska radost i ljubav. U ovom su se djelu jasno očitovale mnoge značajke umjetnikove umjetnosti: jasna kompozicija figura i volumen oblika, želja za konciznošću i generalizacijom te psihološka ekspresivnost.

Slika "Madonna Litta" bila je nastavak započete teme, gdje se jasno očitovala još jedna značajka umjetnikova rada - igra kontrasta. Tema je upotpunjena slikom “Madona u špilji”, koja označava idealno kompozicijsko rješenje, zahvaljujući kojem se prikazani likovi Gospe, Krista i anđela stapaju s krajolikom u jedinstvenu cjelinu, obdarenu mirnom ravnotežom i skladom.

Jedan od vrhunaca Leonardovog rada je freska " Posljednja večera»u refektoriju samostana Santa Maria Della Grazie. Ovo djelo impresionira ne samo cjelokupnom kompozicijom, već i svojom preciznošću. Leonardo ne samo da prenosi psihološko stanje apostola, već to čini u trenutku kada ono doseže kritična točka, pretvara se u psihološku eksploziju i sukob. Ovu eksploziju uzrokuju Kristove riječi: "Jedan će me od vas izdati." U ovom je djelu Leonardo u potpunosti iskoristio metodu konkretne jukstapozicije figura, zahvaljujući kojoj se svaki lik pojavljuje kao jedinstvena individualnost i osobnost.

Drugi vrhunac Leonardova rada bio je poznati portret Mona Lisa ili "La Gioconda". Ovo djelo označilo je početak žanra psihološki portret V europska umjetnost. Kad je nastala Veliki majstor briljantno koristio cijeli arsenal sredstava likovna izražajnost: oštri kontrasti i meki prizvuci, zamrznuta nepomičnost i opća fluidnost i promjenjivost, najsuptilnije psihološke nijanse i prijelazi. Cijeli Leonardov genij leži u nevjerojatno živahnom pogledu Mona Lise, njenom tajanstvenom i zagonetan osmijeh, mistična izmaglica prekriva krajolik. Ovo djelo jedno je od najrjeđih remek-djela umjetnosti.

Svi koji su vidjeli Giocondu donesenu iz Louvrea u Moskvi sjećaju se minuta svoje potpune gluhoće u blizini ovog malog platna, napetosti svega najboljeg u sebi. Gioconda je izgledala kao "Marsovka", predstavnica nepoznatog - to mora biti budućnost, a ne prošlost ljudskog plemena, utjelovljenje harmonije, od koje se svijet nije umorio niti će se umoriti sanjati o njoj. .

O njemu se može još mnogo toga reći. Iznenađen što ovo nije fikcija ili fantazija. Ovdje se, na primjer, možemo prisjetiti kako je predložio premještanje katedrale San Giovanni - takvo djelo zadivljuje nas, stanovnike dvadesetog stoljeća.

Leonardo je rekao: dobar umjetnik mora biti u stanju napisati dvije glavne stvari: osobu i prikaz njezine duše. Ili se govori o "Kolumbini" iz peterburškog Ermitaža? Neki istraživači to nazivaju, a ne platno Louvrea, "La Gioconda".

Dječak Nardo, tako se zvao u Vinciju: nezakoniti sin bilježničkog činovnika, koji je ptice i konje smatrao najboljim stvorenjima na Zemlji. Voljen od svih i usamljen, savija čelične mačeve i izvlači obješene. Izumitelj mosta preko Bospora i savršen grad, ljepši od Corbusierovih i Niemeyerovih. Pjeva blagim baritonom i mami osmijeh Mona Lise. U jednoj od posljednjih bilježnica ovaj je sretnik zapisao: “Činilo mi se da učim živjeti, ali sam učio umrijeti”. Međutim, tada je to sažeo: "Dobro proživljen život je dug život."

Je li moguće ne složiti se s Leonardom?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli rođen je u Firenci 1445. godine u obitelji štavljača kože.

Prvim originalnim Botticellijevim djelom smatra se Poklonstvo mudraca (oko 1740.), gdje je već u punoj mjeri došlo do izražaja glavno svojstvo njegova izvornog načina, sanjivost i suptilna poezija. Bio je obdaren urođenim smislom za poeziju, ali jasna nota kontemplativne tuge prožimala ga je doslovno u svemu. Čak ga i sveti Sebastijan, mučen strijelama svojih mučitelja, gleda zamišljeno i odriješeno.

U kasnim 1470-ima Botticelli se zbližio s krugom stvarnog vladara Firence, Lorenza Medicija, zvanog Veličanstveni. U raskošnim vrtovima Lorenza okupljalo se društvo ljudi, vjerojatno najprosvijećenijih i najtalentiranijih u Firenci. Bilo je filozofa, pjesnika, glazbenika. Vladalo je ozračje divljenja ljepoti, a cijenila se ne samo ljepota umjetnosti, već i ljepota života. Antika, pak, sagledana kroz prizmu kasnijih filozofskih naslaga, smatrana je prototipom idealne umjetnosti i idealnog života. Bez sumnje, pod utjecajem ove atmosfere, prvi velika slika Botticelli "Primavera (Proljeće)". Ovo je snovita, profinjena, čudesno lijepa alegorija vječnog ciklusa, stalne obnove prirode. Prožeta je najsloženijim i najhirovitijim glazbenim ritmom. Florin lik, okićen cvijećem, koja graciozno pleše u Edenskom vrtu, bili su slike tada još neviđene ljepote i zato su ostavljali posebno zadivljujući dojam. Mladi Botticelli odmah je zauzeo istaknuto mjesto među majstorima svog vremena.

Upravo veliki ugled mladog slikara priskrbio mu je narudžbu biblijskih freski za vatikansku Sikstinsku kapelu, koje je izradio početkom 1480-ih u Rimu. Naslikao je "Prizore iz Mojsijeva života", "Kažnjavanje Koraha, Datana i Avirona", pokazujući zadivljujuću kompozicijsku vještinu. Klasična smirenost antičkih građevina, naspram kojih je Botticelli razvijao radnju, u oštrom je kontrastu s dramatičnim ritmom prikazanih likova i strasti; kretanje ljudskih tijela je složeno, zamršeno, zasićeno eksplozivnom snagom; stječe se dojam potresne harmonije, bespomoćnosti vidljivog svijeta pred brzim naletom vremena i ljudske volje. Freske Sikstinske kapele po prvi su put izrazile duboku tjeskobu koja je živjela u duši Botticellija, koja je s vremenom postajala sve jača. Nevjerojatan talent Botticellija kao slikara portreta ogledao se u ovim freskama: svako od mnogih naslikanih lica potpuno je originalno, jedinstveno i nezaboravno ...

U 1480-ima, vrativši se u Firencu, Botticelli je nastavio neumorno raditi, ali spokojna jasnoća "Primjera" već je bila daleko iza. Sredinom desetljeća napisao je svoje slavno Rođenje Venere. Istraživači primjećuju u kasnijim djelima majstora moralizam, vjersku egzaltaciju koja mu je prije bila neobična.

Možda značajniji od kasnog slikarstva, Botticellijevi crteži iz 90-ih su ilustracije za " Božanstvena komedija»Dante. Slikao je s očitim i neskrivenim oduševljenjem; vizije velikog pjesnika s ljubavlju su i pomno dočarane savršenstvom proporcija brojnih figura, promišljenom organizacijom prostora, neiscrpnom snalažljivošću u traženju likovnih ekvivalenata pjesničke riječi...

Unatoč svim duševnim olujama i krizama, Botticelli je do samog kraja (umro 1510.) ostao veliki umjetnik, majstor svoje umjetnosti. O tome jasno svjedoči plemenita skulptura lica u „Portretu Mladić”, izražajna karakteristika modela, koja ne ostavlja nikakvu sumnju u njegovu visinu ljudsko dostojanstvo, solidan crtež majstora i njegov dobroćudni pogled.

7. kolovoza 2014

Studenti umjetničkih sveučilišta i ljudi koji se zanimaju za povijest umjetnosti znaju da se na prijelazu iz 14. u 15. stoljeće dogodila oštra prekretnica u slikarstvu - renesansa. Oko 1420-ih svi su odjednom postali puno bolji u crtanju. Zašto su slike odjednom postale tako realistične i detaljne, i zašto su slike imale svjetlo i volumen? O tome dugo vremena nitko nije mislio. Sve dok David Hockney nije uzeo povećalo.

Saznajmo što je pronašao...

Jednog je dana gledao crteže Jeana Augustea Dominiquea Ingresa, vođe francuske akademske škole 19. stoljeća. Hockney se zainteresirao za gledanje svojih malih crteža u većem mjerilu, te ih je povećao na kopirnom stroju. Tako je naletio na tajnu stranu povijesti slikarstva od renesanse.

Nakon što je napravio fotokopije Ingresovih malih (oko 30 centimetara) crteža, Hockney je bio zadivljen koliko su realistični. A činilo mu se i da mu Ingresovi stihovi nešto znače.
podsjetiti. Ispostavilo se da ga podsjećaju na rad Warhola. A Warhol je napravio ovo - projicirao je fotografiju na platno i ocrtao je.

Lijevo: detalj Ingresovog crteža. Desno: crtež Mao Zedonga Warhola

Zanimljivi slučajevi, kaže Hockney. Navodno je Ingres koristio Camera Lucida - uređaj koji je konstrukcija s prizmom, koja je pričvršćena, primjerice, na stalak za tablet. Tako umjetnik, gledajući svoj crtež jednim okom, vidi stvarnu sliku, a drugim - stvarni crtež i svoju ruku. Ispada optička iluzija koja vam omogućuje točan prijenos stvarnih proporcija na papir. A upravo je to "jamstvo" realističnosti slike.

Crtanje portreta lucida kamerom, 1807

Tada se Hockney ozbiljno zainteresirao za ovu "optičku" vrstu crteža i slika. U svom je ateljeu, zajedno sa svojim timom, na zidove objesio stotine reprodukcija slika nastalih kroz stoljeća. Djela koja su izgledala "stvarno" i ona koja nisu. Poredani po vremenu nastanka i regijama - sjever na vrhu, jug na dnu, Hockney i njegov tim uočili su oštru prekretnicu u slikarstvu na prijelazu iz 14. u 15. stoljeće. Uglavnom, svatko tko barem malo poznaje povijest umjetnosti zna – renesansu.

Možda su koristili istu kameru-lucidu? 1807. patentirao ga je William Hyde Wollaston. Iako je, zapravo, takav uređaj opisao Johannes Kepler još 1611. godine u svom djelu Dioptrice. Možda su onda koristili drugu optičku napravu – cameru obscuru? Uostalom, to je poznato još od vremena Aristotela i mračna je soba u koju ulazi svjetlost kroz malu rupicu i tako se u mračnoj sobi dobije projekcija onoga što je ispred rupe, ali naopako. Sve bi bilo u redu, ali slika koja se dobije pri projiciranju camere obscure bez leće, najblaže rečeno, nije kvalitetna, nije jasna, zahtijeva puno jakog svjetla, ao veličini da i ne govorimo. projekcija. Ali visokokvalitetne leće bilo je gotovo nemoguće napraviti sve do 16. stoljeća, jer u to vrijeme nije bilo načina za izradu tako kvalitetnog stakla. Stvari, pomislio je Hockney, koji se tada već borio s problemom s fizičarom Charlesom Falcom.

No, postoji slika Jana van Eycka, majstora iz Brugesa, flamanskog slikara rane renesanse, u kojoj se krije trag. Slika se zove "Portret Cheta Arnolfini".

Jan Van Eyck "Portret Arnolfinija" 1434

Slika jednostavno blista ogromnom količinom detalja, što je vrlo zanimljivo, jer je naslikana tek 1434. godine. A nagovještaj kako je autor uspio napraviti tako veliki iskorak u realističnosti slike je ogledalo. A također i svijećnjak - nevjerojatno složen i realan.

Hockney je bio ispunjen znatiželjom. Dobio je kopiju takvog lustera i pokušao ga nacrtati. Umjetnik se suočio s činjenicom da je tako složenu stvar teško nacrtati u perspektivi. Još važna točka bila je materijalnost slike ovog metalnog predmeta. Kada prikazujete čelični predmet, vrlo je važno istaknute dijelove postaviti što je moguće realističnije, jer to daje ogroman realizam. No, problem s tim svjetlima je što se pomiču kad se pomakne oko gledatelja ili umjetnika, što znači da ih uopće nije lako uhvatiti. Također postoji i realna slika metala i odsjaja Posebnost slike renesanse, prije toga, umjetnici to nisu ni pokušavali učiniti.

Rekreirajući točan 3D model lustera, Hockneyjev tim osigurao je da je luster u The Arnolfini nacrtan u pravoj perspektivi s jednom točkom nestajanja. No problem je bio u tome što su tako precizni optički instrumenti kao što je camera obscura s lećom postojali tek jedno stoljeće nakon što je slika nastala.

Fragment slike Jana van Eycka "Portret para Arnolfini" 1434.

Povećani fragment pokazuje da je zrcalo na slici "Portret Arnolfinija" konveksno. Tako su bila zrcala naprotiv - konkavna. Čak štoviše, u to su se vrijeme takva ogledala izrađivala na ovaj način - uzimala se staklena kugla, a njezino dno je bilo obloženo srebrom, zatim je sve osim dna odrezano. Stražnja strana ogledala nije bila zatamnjena. Dakle, konkavno zrcalo Jana van Eycka moglo bi biti isto zrcalo koje je prikazano na slici, samo sa obrnuta strana. A svaki fizičar zna što je ogledalo, kad se reflektira, projicira sliku reflektiranog. Ovdje je njegov prijatelj, fizičar Charles Falco, pomogao Davidu Hockneyju u izračunima i istraživanju.

Konkavno zrcalo projicira sliku tornja izvan prozora na platno.

Veličina jasnog, fokusiranog dijela projekcije je oko 30 četvornih centimetara - a to je samo veličina glava na mnogim renesansnim portretima.

Hockney skicira projekciju osobe na platnu

To je veličina, na primjer, portreta dužda Leonarda Loredana Giovannija Bellinija (1501.), portreta muškarca Roberta Campina (1430.), vlastitog portreta "čovjeka u crvenom turbanu" Jana van Eycka i mnogih drugi rani nizozemski portreti.

Renesansni portreti

Slikarstvo je bilo visoko plaćen posao, a naravno, sve tajne posla čuvane su u najstrožoj tajnosti. Za umjetnika je bilo korisno što su svi neupućeni ljudi vjerovali da su tajne u rukama majstora i da ih se ne može ukrasti. Posao je bio zatvoren za strance - umjetnici su bili u cehu, također se sastojao od raznih majstora - od onih koji su izrađivali sedla do onih koji su izrađivali ogledala. I u Cehu Svetog Luke, utemeljenom u Antwerpenu i prvi put spomenutom 1382. (tada su slični cehovi otvoreni u mnogim sjevernim gradovima, a jedan od najvećih bio je ceh u Bruggeu – gradu u kojem je živio Van Eyck) postojali su i majstori koji su izrađivali ogledala.

Tako je Hockney rekreirao način na koji možete nacrtati složeni luster sa slike Van Eycka. Nije iznenađujuće da veličina lustera koji je projektirao Hockney točno odgovara veličini lustera na slici "Portret Arnolfinija". I naravno, odsjaji na metalu - na projekciji stoje mirno i ne mijenjaju se kada umjetnik promijeni položaj.

No, problem još uvijek nije u potpunosti riješen, jer do pojave kvalitetne optike, potrebne za korištenje camere obscure, ostalo je 100 godina, a veličina projekcije dobivene uz pomoć zrcala vrlo je mala. . Kako slikati slike veće od 30 četvornih centimetara? Stvoreni su kao kolaž - s različitih gledišta, ispala je takva vrsta sferne vizije s mnogo točaka nestajanja. Hockney je to shvatio jer se i sam bavio takvim slikama - napravio je mnoge foto kolaže koji postižu potpuno isti učinak.

Gotovo stoljeće kasnije, 1500-ih, konačno je postalo moguće dobro dobiti i obraditi staklo – pojavile su se velike leće. I konačno bi ih se moglo umetnuti u cameru obscuru, čiji je princip rada poznat od davnina. Camera obscura s lećom bila je nevjerojatna revolucija u likovnoj umjetnosti jer je sada projekcija mogla biti bilo koje veličine. I još nešto, sada slika nije bila "širokokutna", već otprilike normalnog aspekta - dakle, otprilike kao danas kada se fotografira s objektivom žarišne duljine 35-50 mm.

Međutim, problem s korištenjem camera obscure s lećom je taj što je izravna projekcija iz leće zrcalna. To je dovelo do velikog broja ljevaka u slikanju tijekom ranih faza korištenja optike. Kao na ovoj slici iz 1600-ih iz Muzeja Fransa Halsa, gdje ljevoruki par pleše, ljevoruki starac im prijeti prstom, a ljevoruki majmun viri ispod ženine haljine.

Svi na ovoj slici su ljevoruki.

Problem se rješava ugradnjom zrcala u koje se usmjerava leća čime se dobiva pravilna projekcija. No, očito je dobro, ravnomjerno i veliko ogledalo koštalo mnogo novca, pa ga nisu svi imali.

Drugi problem bio je fokus. Činjenica je da su neki dijelovi slike na jednoj poziciji platna pod zrakama projekcije bili izvan fokusa, nejasni. U djelima Jana Vermeera, gdje je prilično jasno vidljiva upotreba optike, njegovi radovi uglavnom izgledaju kao fotografije, mogu se uočiti i mjesta izvan “fokusa”. Možete čak vidjeti i uzorak koji leća daje - zloglasni "bokeh". Kao na primjer ovdje, na slici "Mljekarica" ​​(1658.) košara, kruh u njoj i plava vaza nisu u fokusu. Ali ljudsko oko ne može vidjeti "izvan fokusa".

Neki detalji slike su izvan fokusa

I u svjetlu svega toga ne čudi da dobar prijatelj Jan Vermeer bio je Anthony Phillips van Leeuwenhoek, znanstvenik i mikrobiolog, također jedinstveni majstor koji je stvorio vlastite mikroskope i leće. Znanstvenik je postao posthumni upravitelj umjetnika. A to sugerira da je Vermeer upravo svog prijatelja prikazao na dva platna - "Geograf" i "Astronom".

Da biste vidjeli bilo koji dio u fokusu, morate promijeniti položaj platna ispod projekcijskih zraka. Ali u ovom slučaju pojavile su se pogreške u proporcijama. Kao što se vidi ovdje: ogromno rame Anthee od Parmigianina (oko 1537.), mala glava Anthonyja van Dycka "Lady Genovese" (1626.), ogromna stopala seljaka na slici Georgesa de La Toura.

Pogreške u proporcijama

Naravno, svi su umjetnici koristili leće na različite načine. Netko za skice, netko našminkan iz različitih dijelova - uostalom, sada je bilo moguće napraviti portret, a sve ostalo završiti drugim modelom, pa čak i lutkom.

Od Velasqueza gotovo da nema crteža. No, ostalo je njegovo remek-djelo - portret pape Inocenta X. (1650.). Na papinom plaštu - očito svilenom - prekrasna je igra svjetla. Odsjaj. A da bi se sve to napisalo s jedne točke gledišta, bilo je potrebno jako se potruditi. Ali ako napravite projekciju, onda sva ta ljepota neće nikuda pobjeći - odsjaj se više ne miče, možete pisati upravo onim širokim i brzim potezima poput Velazquezova.

Hockney reproducira Velasquezovu sliku

Kasnije su si mnogi umjetnici mogli priuštiti cameru obscuru i ona je prestala postojati velika tajna. Canaletto je aktivno koristio kameru za kreiranje svojih pogleda na Veneciju i to nije skrivao. Ove slike, zahvaljujući svojoj točnosti, omogućuju nam da o Canalettu govorimo kao o autoru dokumentarnih filmova. Zahvaljujući Canalettu, možete vidjeti ne samo prekrasna slika ali i sama povijest. Možete vidjeti što je bio prvi Westminsterski most u Londonu 1746.

Canaletto "Westminsterski most" 1746

Britanski umjetnik Sir Joshua Reynolds posjedovao je camera obscuru i očito nije nikome rekao za nju, budući da se njegova kamera sklapa i izgleda poput knjige. Danas se nalazi u Londonskom muzeju znanosti.

Camera obscura prerušena u knjigu

Naposljetku, početkom 19. stoljeća William Henry Fox Talbot, koristeći se lucida kamerom – onom u koju treba gledati jednim okom, a crtati rukama, opsovao je, odlučivši da takvu neugodnost jednom treba riješiti. i za sve, te postao jedan od izumitelja kemijske fotografije, a kasnije i popularizator koji ju je učinio masovnom.

Izumom fotografije nestao je monopol slikarstva na realističnost slike, sada je fotografija postala monopol. I tu se, konačno, slikarstvo oslobodilo objektiva, nastavivši putem s kojeg je skrenulo 1400-ih, a Van Gogh je postao preteča cjelokupne umjetnosti 20. stoljeća.

Lijevo: bizantski mozaik 12. stoljeće. Desno: Vincent van Gogh "Portret gospodina Trabuka" 1889

Izum fotografije nešto je najbolje što se slikarstvu dogodilo u njegovoj cjelokupnoj povijesti. Više nije bilo potrebno stvarati isključivo stvarne slike, umjetnik je postao slobodan. Naravno, javnosti je trebalo stoljeće da sustigne umjetnike u njihovom razumijevanju vizualne glazbe i prestane misliti da su ljudi poput Van Gogha "ludi". U isto vrijeme, umjetnici su počeli aktivno koristiti fotografije kao " referentni materijal". Zatim su tu bili ljudi poput Vasilija Kandinskog, ruske avangarde, Marka Rothka, Jacksona Pollocka. Nakon slikarstva, arhitekture, skulpture i glazbe objavljeni su. Istina, ruska akademska škola slikarstva zapela je u vremenu i danas se na akademijama i školama još uvijek smatra sramotom koristiti se fotografijom kao pomoć, a čisto tehnička sposobnost crtanja što je moguće realističnije golim rukama smatra se najvećim podvigom .

Zahvaljujući članku novinara Lawrencea Weshlera, koji je bio nazočan istraživanju Davida Hockneya i Falca, još jedan zanimljiva činjenica: Van Eyckov portret Arnolfinijevih je portret talijanskog trgovca u Bruggeu. Gospodin Arnolfini je Firentinac, štoviše, predstavnik je banke Medici (praktički majstori renesansne Firence, koji se smatraju pokroviteljima umjetnosti toga doba u Italiji). Što ovo govori? Činjenica da je tajnu ceha svetog Luke – ogledalo – bez problema mogao ponijeti sa sobom u Firencu, u kojoj je, prema tradicionalnoj povijesti, započela renesansa, a umjetnici iz Bruggea (a shodno tome i drugi majstori) smatrati "primitivcima".

Mnogo je kontroverzi oko Hockney-Falco teorije. Ali u tome svakako ima zrnca istine. Što se tiče likovnih kritičara, kritičara i povjesničara, teško je i zamisliti koliko znanstvenih radova o povijesti i umjetnosti, zapravo, pokazalo se kao potpuna besmislica, ali to mijenja cijelu povijest umjetnosti, sve njihove teorije i tekstove.

Činjenice o korištenju optike ni najmanje ne umanjuju talente umjetnika - na kraju krajeva, tehnologija je sredstvo prenošenja onoga što umjetnik želi. I obrnuto, ono što je na ovim slikama je najviše prava stvarnost, samo im daje težinu - uostalom, upravo su tako izgledali tadašnji ljudi, stvari, prostori, gradovi. Ovo su pravi dokumenti.