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La prova di qualsiasi opera d'arte è come il mantenimento del potere. L'arte contemporanea come strumento di influenza sulla politica della Federazione Russa

Argomento: "Influenzare la forza dell'arte. Arte e potere".

In sviluppo cultura umana uno schema curioso è costantemente osservato. L'arte, come manifestazione dei poteri liberi e creativi di una persona, il volo della sua immaginazione e del suo spirito, veniva spesso utilizzata per rafforzare il potere, sia secolare che religioso.

Grazie alle opere d'arte, il potere ha rafforzato la sua autorità e le città e gli stati hanno mantenuto il prestigio. L'arte incarnava in immagini visibili le idee della religione, glorificava e immortalava gli eroi. Scultori, pittori, musicisti tempi differenti ha creato immagini maestose idealizzate di governanti-leader. Hanno ricevuto qualità straordinarie, eroismo e saggezza speciali, che, ovviamente, hanno suscitato rispetto e ammirazione nei cuori persone normali. In queste immagini si manifestano chiaramente tradizioni provenienti dai tempi antichi: l'adorazione degli idoli, divinità che suscitavano soggezione non solo per tutti coloro che si avvicinavano, ma anche per coloro che guardavano da lontano. Il valore di guerrieri e comandanti è perpetuato da opere d'arte monumentale. Si erigono statue equestri, si costruiscono archi e colonne trionfali per commemorare le vittorie ottenute.

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Didascalie delle diapositive:

Il potere dell'arte. Arte e potere. Lezione n. 1 Art Grade 9 Insegnante d'arte Somko E.V.

L'arte, come manifestazione dei poteri liberi e creativi di una persona, il volo della sua immaginazione e del suo spirito, veniva spesso utilizzata per rafforzare il potere, sia secolare che religioso.

"Il cavaliere di bronzo" La statua equestre di Pietro fu realizzata dallo scultore E. Falcone nel 1768-1770.

Il valore di guerrieri e comandanti è perpetuato da opere d'arte monumentale. Si erigono statue equestri, si costruiscono archi e colonne trionfali per commemorare le vittorie ottenute. Arco Trionfale di Costantino, Roma, Italia.

Per decreto di Napoleone I, che voleva immortalare la gloria del suo esercito, fu costruita a Parigi la Porta Trionfale. Sulle pareti dell'arco sono incisi i nomi dei generali che combatterono al fianco dell'imperatore. Francia, Parigi, Arco di Trionfo

Nel 1814, in Russia, per il solenne incontro dell'esercito liberatore russo, di ritorno dall'Europa dopo la vittoria su Napoleone, furono costruite le porte trionfali in legno presso la Tverskaya Zastava. Per più di 100 anni l'arco rimase nel centro di Mosca e nel 1936 fu demolito. Solo negli anni '60. 20 ° secolo L'arco trionfale è stato ricreato in Piazza della Vittoria, vicino Montagna Poklonnaja, nel luogo in cui l'esercito di Napoleone entrò in città.

Arco trionfale di Alessandro. È anche chiamata la "Porta del Re". Originariamente costruito nel 1888 in onore dell'arrivo dell'imperatore a Ekaterinodar Alessandro III con una famiglia. Nel 1928, per decisione delle autorità sovietiche locali, l'arco fu demolito con il pretesto che la costruzione dell'era zarista ostacolava il traffico tranviario, sebbene dal 1900 i tram circolassero con successo proprio sotto l'arco. I disegni non sono stati conservati, sono stati restaurati da fotografie. In precedenza, l'Arco si trovava all'incrocio tra le strade Ekaterininskaya (ora Mira) e Kotlyarevskaya (Sedina). Ricreato nel 2009 all'incrocio tra le strade Krasnaya e Babushkina.

Gli zar di Mosca si consideravano eredi delle tradizioni romane, e questo si rifletteva nelle parole: "Mosca è la Terza Roma, e non ci sarà la quarta".

La Cappella del Coro Glinka è un maestoso monumento della cultura russa, famoso in tutto il mondo. La cappella aiuta a mantenere la connessione dei tempi e la continuità delle tradizioni.

Resurrezione Novo - Monastero di Gerusalemme - un monumento.

Nel ventesimo secolo, nell'era dello stalinismo nel nostro paese, l'architettura pomposa e magnifica ha enfatizzato la forza e il potere dello stato, riducendo la personalità umana a un livello insignificante, ignorando l'identità individuale di ogni persona.

Progetti non realizzati di architetti di Mosca degli anni '30 e '50.

Arte e Potere

Sukhareva Svetlana Viktorovna - insegnante d'arte, scuola secondaria MBOU, villaggio di Nikolskoye

Far conoscere agli studenti le opere d'arte, grazie alle quali le autorità hanno rafforzato la loro autorità e le città e gli stati hanno mantenuto il prestigio.

Nello sviluppo umano

costantemente la cultura

si osserva uno schema interessante. Spesso veniva usata l'arte come manifestazione dei poteri liberi e creativi di una persona, il volo della sua immaginazione e del suo spirito

rafforzare il potere - secolare e religioso.

Agosto da Porto Prima- statua di Augusto di oltre due metri, ritrovata nel 1863 nella villa della moglie dell'imperatore Augusto. La villa è stata scoperta non lontano da Roma sulla via Flaminio nella zona di Prima Porta, che anticamente era chiamata Ad Gallinas Albas. La statua è una copia di un originale in bronzo commissionato dal Senato romano nel 20 a.C. e. Si ritiene che la statua, a differenza della maggior parte delle immagini sopravvissute di Augusto, abbia una somiglianza con un ritratto. È molto probabile che, secondo l'antica tradizione, fosse policroma. Attualmente la statua è conservata nei Musei Vaticani di Chiaramonti.

Francia, Parigi

data di costruzione: 1836

Il più famoso degli archi di trionfo si trova nel cuore di Parigi, sugli Champs Elysees. Ci sono voluti più di 30 anni per costruirlo!

La creazione dell'Arco di Trionfo in onore delle vittorie dell'esercito francese fu ordinata dall'imperatore Napoleone. Tuttavia, non ha mai visto la sua prole.

La costruzione dell'arco fu completata dopo la sua morte.

Russia, Mosca

data di costruzione: 1968

Il principale Arco di Trionfo della Russia è stato ricostruito, smantellato e persino trasportato. Inizialmente, era un arco di legno costruito vicino alla Tverskaya Zastava per incontrare i soldati russi della campagna di liberazione in tutta Europa nel 1814. In epoca sovietica, l'arco è stato nascosto in un museo per 30 anni.

"Ritratto di Caterina II - il legislatore" ha suscitato un'ampia controversia sulla stampa russa. La discussione è stata avviata dal poeta I. F. Bogdanovich. Si rivolse all'artista con un saluto poetico

Levitskij! Dopo aver disegnato la divinità russa,

Presso i quali i sette mari riposano in gioia,

Con il tuo pennello hai rivelato a Petrovgrad

Bellezza immortale e trionfo mortale.

Cattedrale dell'Assunzione del Cremlino di Mosca- una chiesa ortodossa situata nella piazza della cattedrale del Cremlino di Mosca. Fu costruito nel 1475 - 1479 sotto la guida dell'architetto italiano Aristotele Fioravanti. Il tempio principale dello stato di Mosca. Il più antico edificio completamente conservato a Mosca.

Cattedrale della Resurrezione Il Monastero della Nuova Gerusalemme, costruito nel 1658-1685, fu concepito come una copia della Chiesa del Santo Sepolcro di Gerusalemme, ma la costruzione si rivelò non essere un'esatta ripetizione del prototipo, bensì la sua trasformazione artistica. La cattedrale fu eretta secondo le misure portate da Gerusalemme, e nella prima fase di costruzione, fino al 1666. il lavoro era controllato personalmente dal patriarca Nikon. Mandò anche i maestri della corte patriarcale. A causa della disgrazia e dell'esilio di Nikon, la costruzione dell'intero monastero e della cattedrale in particolare fu sospesa e proseguita con decreto dello zar Fyodor Alekseevich nel 1679.

Palazzo dei Soviet- un grandioso progetto di costruzione non realizzato del governo sovietico, i cui lavori furono eseguiti negli anni '30 e '50: un grandioso edificio amministrativo, un luogo per congressi, festeggiamenti, ecc. Doveva essere il culmine di tutta la costruzione di grattacieli in URSS negli anni del dopoguerra, il nono , il grattacielo stalinista centrale e principale

L'amore per il canto e la musica gli è passato da suo padre - Boleslav Shostakovich - un rivoluzionario professionista, esiliato dal governo zarista in un insediamento eterno in Siberia.

I primi seri risultati di Shostakovich nello sviluppo di temi civili nella musica sono la sua Seconda e Terza Sinfonia (1927-1929). Sia nel lavoro del compositore che nella storia musica sovietica occupano un posto speciale, perché erano una delle prime opere sinfoniche, in cui si rifletteva il tema rivoluzionario.

La guerra iniziata nel 1941 ritardò a lungo l'attuazione dei piani in tempo di pace: "Alla nostra lotta contro il fascismo, alla nostra prossima vittoria sul nemico, alla mia città natale - Leningrado - dedico la mia settima sinfonia", ha scritto Shostakovich sulla partitura in l'estate del 1941.

Con straordinario entusiasmo, il compositore iniziò a creare la sua Settima Sinfonia. "La musica è esplosa da me in modo incontrollabile", ha ricordato in seguito. Né la fame, né l'inizio del freddo autunnale e la mancanza di carburante, né i frequenti bombardamenti e bombardamenti potevano interferire con il lavoro ispirato.

Prepara una relazione o una presentazione al computer su un argomento relativo all'instillare determinati sentimenti e pensieri nelle persone attraverso l'arte.
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introduzione

1. Antichità

1.1 Arte e potere dell'antico Egitto

1.2 Arte e potere dell'antichità. Antica Grecia e Antica Roma

1.3 Arte e potere di Bisanzio

2. Medievale

2.1 Arte e potere della Francia (secoli XI-XIV)

3. Periodo rinascimentale

3.1 Arte e potere d'Italia (secoli XIV-XVI)

3.2 L'arte e il potere della Spagna (secoli XV-XVII)

4. Nuovo tempo

4.1 Arte e potere della Francia (XVIII secolo)

4.2 Arte e potere in Russia (secoli XIX)

5. Potere e arte Periodo sovietico Russia (XX secolo)

6. Potere e arte nel nostro tempo

Conclusione

Bibliografia

introduzione

C'è una certa regolarità nello sviluppo dell'arte umana. L'arte era spesso usata per aumentare il potere. Attraverso l'arte, il potere rafforza la sua autorità e gli stati e le città mantengono il loro prestigio.

Le opere d'arte incarnano le idee della religione, la perpetuazione e la glorificazione degli eroi. Musicisti, artisti, scultori e architetti ai loro tempi crearono immagini maestose dei loro sovrani. Hanno dato loro qualità straordinarie, come la saggezza, l'eroismo, il coraggio, che hanno suscitato ammirazione e riverenza nel cuore della gente comune. Tutto questo è una manifestazione delle tradizioni dei tempi antichi: l'adorazione di divinità e idoli.

IN arte monumentale comandanti e guerrieri sono immortalati. Archi e colonne trionfali vengono eretti in onore delle vittorie ottenute. Le nuove idee si riflettono in tutte le forme d'arte e il potere non fa eccezione.

In accordo con questo, nel mio lavoro ho impostato quanto segue obiettiviEcompiti:

Scopo la ricerca è il cambiamento dell'arte sotto l'influenza del potere nel corso dei secoli in diversi paesi del mondo

Compiti:

* analizzare la dipendenza dell'influenza del potere sull'arte;

* esplorare la dipendenza dei cambiamenti nella creatività artistica sotto l'influenza delle autorità in diversi paesi del mondo;

* identificare le principali caratteristiche del potere nelle arti visive;

* analizzare le fasi del cambiamento patrimonio creativo influenzato.

oggetto la ricerca è potere nell'arte.

Articoloricerca- arte dei paesi in diversi periodi di tempo.

metodicobase composto: dipinti di artisti, sculture, affreschi, templi, archi di trionfo, monasteri.

Informativobase- libri sulla storia dell'arte (T.V. Ilyina History, A.N. Benois, F.I. Uspensky), articoli da risorse Internet.

1. Antichità

1.1 ArteEenergiaanticoEgitto

Nel III millennio a.C. e. a seguito dell'unificazione dei due stati del Basso e dell'Alto Egitto, si formò uno degli stati più antichi, che svolse un ruolo importante nella formazione della cultura antica.

L'arte egizia è molto interessante in quanto molte opere create dal popolo egiziano nella storia dell'umanità sono state realizzate per la prima volta. L'Egitto per la prima volta ha dato un'architettura monumentale in pietra, un ritratto scultoreo realistico, Alta qualità prodotti artigianali. Lavoravano in modo eccellente pietre di vario tipo, realizzavano i migliori gioielli, legno e ossa splendidamente scolpiti, vetro colorato e tessuti leggeri trasparenti.

Certo, non si può non dire delle Grandi piramidi egizie, che possono raccontare molto di se stesse. Ci raccontano di una società così chiaramente organizzata che è diventato possibile costruire queste gigantesche colline artificiali, solo durante la vita del sovrano.

casa caratteristica distintiva L'arte egizia sta nel fatto che mira a incarnare i bisogni della religione, in particolare lo stato e il culto funebre del divino faraone. La religione è stata una parte integrante che ha influenzato la cultura egiziana per tutta la sua esistenza.

L'arte egizia è stata creata per la gloria dei re, per la gloria di idee incrollabili e incomprensibili, basate su un dominio dispotico. E questo, a sua volta, è stato rintracciato nelle immagini e nelle forme di queste idee stesse e nel potere di cui era dotato il faraone. L'arte iniziò a servire i vertici del potere, che a loro volta furono chiamati a creare monumenti che glorificassero i re e la nobiltà del dispotismo. Questi lavori dovevano essere eseguiti secondo determinate regole, che successivamente formarono i canoni.

Un esempio di monumento che glorifica il faraone è l'ardesia Namerna, su entrambi i lati della quale è presente un'immagine in rilievo che racconta un evento storico: la vittoria del re dell'Alto Egitto Namerna sul Basso Egitto e l'unificazione della Valle del Nilo in un unico stato. Qui si può vedere chiaramente l'enfasi sulla grandezza e sulla disuguaglianza del sovrano a scapito della proporzionalità, caratteristica di questa prima società di classe. Questo principio può essere rintracciato nell'antica arte egizia per decenni. In vari affreschi, sculture in rilievo, il faraone è raffigurato molte volte più grande di tutti gli altri personaggi. La Sfinge di Khafre del III millennio a.C., che si erge di fronte al tempio funerario del faraone, stupisce per la sua imponenza. Questa Sfinge è la più grande in Egitto. Nonostante le sue enormi dimensioni, il volto della Sfinge ha le fattezze del faraone Khafre. Nei tempi antichi, la Sfinge, insieme alle piramidi, avrebbe dovuto ispirare un'idea del potere sovrumano del sovrano.

Per sottolineare l'origine divina, la grandezza e il potere dei faraoni, gli scultori hanno idealizzato i loro sovrani. Hanno mostrato forza fisica, scartando dettagli minori, ma allo stesso tempo hanno mantenuto una somiglianza con il ritratto. Un esempio di tali opere è la statua di Khafre, il sovrano della IV dinastia. Qui l'immagine del sovrano è piena di calma maestosa, siede con orgoglio sul suo trono. Questa statua ha un carattere di culto, che, secondo gli egizi, è il ricettacolo dell'essenza spirituale del sovrano. Il ritratto di Khafre è molto reale, ma qui lo scultore non mostrava più una somiglianza con il ritratto, ma il carattere del faraone stesso.

Oltre a rilievi, affreschi e sculture, furono eretti anche templi in onore del divino sovrano. Uno dei migliori esempi è la tomba della regina Hatshepsut, costruita alla fine del XVI secolo. AVANTI CRISTO. nella valle di Dray el-Bahri. Questo tempio è dedicato al dio del sole Amon-Ra, Hathor e Anubi, ma la divinità principale è la regina stessa. Ci sono altri monumenti eretti in suo onore, ad esempio due obelischi che si trovano nel santuario del tempio di Karnak, un'iscrizione nella cappella di Stab el Antara. Nonostante il fatto che questa regina abbia governato per soli 12 anni, ha lasciato numerosi monumenti, ma, sfortunatamente, non è stata inclusa negli elenchi ufficiali dei re.

Così, il culto del faraone, che raggiunse il suo apogeo nell'era dell'Antico Regno, divenne la religione di stato e trovò la sua incarnazione nell'arte, influenzando la cerchia delle opere d'arte: ritratti scultorei di faraoni, immagini pittoresche e in rilievo di scene dalla vita delle loro famiglie e, naturalmente, piramidi e templi eretti in onore del sovrano erano di importanza predominante nell'antico Egitto.

1.2 ArteEenergiaAntichità.AnticoGreciaEAnticoRoma

Il concetto di "arte antica" è apparso nel Rinascimento, quando bellissime opere antica Roma E Grecia antica era considerato esemplare. Questa è l'antichità greco-romana che copre il periodo dall'VIII secolo a.C. - VI secolo. ANNO DOMINI In questo momento prevale l'ideale estetico. in pittura, scultura e arti applicate domina l'immagine di un cittadino umano idealmente bello e armoniosamente sviluppato, un valoroso guerriero e un devoto patriota, in cui la bellezza di un corpo atleticamente preparato si unisce alla purezza morale e alla ricchezza spirituale.

I maestri greci hanno studiato la plasticità dei movimenti, le proporzioni e la struttura del corpo umano durante i Giochi Olimpici. Gli artisti cercavano il realismo nella pittura vascolare e nella scultura, come le statue di Myron "Discobolus", Polikleitos "Dorifor" e la statua per l'Acropoli ateniese, Fidia.

Gli antichi architetti greci hanno dato un enorme contributo all'arte. I governanti veneravano molto i loro dei e i greci eressero numerosi templi in loro onore. Hanno creato lo stile maestoso del tempio combinando l'architettura con la scultura.

Per sostituire il periodo classico dalla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO. arriva una comprensione più profonda del mondo, un aumento dell'interesse per il mondo interiore di una persona, il trasferimento di potente energia, dinamica e giustizia dell'immagine, ad esempio, nelle sculture di Skopas, Prassitele, Leochar, Lisippo. Nell'arte di questo tempo c'è anche una passione per le composizioni a più figure e le enormi statue.

Gli ultimi tre secoli della civiltà greca sono chiamati l'era dell'ellenismo. Roma divenne l'erede dell'arte artistica della civiltà ellenica.

I romani apprezzarono molto l'eredità dell'antica Grecia e contribuirono all'ulteriore sviluppo del mondo antico. Costruirono strade, acquedotti e ponti, crearono sistema speciale costruzione di edifici pubblici mediante l'uso di volte, archi e calcestruzzo.

Grande attenzione merita il ritratto scultoreo romano, che si distingue per accuratezza e realismo.

Gli imperatori ordinarono di costruire trionfantearchi che erano dedicati alle loro vittorie. L'imperatore passò sotto l'arco durante il trionfo. I governanti cercarono di rafforzare il loro potere a scapito dell'arte. Nei fori, nelle piazze e nelle strade delle città c'erano statue di sovrani. Gli scultori raffiguravano i loro capi trionfanti sui loro nemici, e talvolta anche l'imperatore poteva sembrare un dio. Ad esempio, l'imperatore Traiano ordinò la costruzione di una colonna in onore delle sue vittorie, la cui altezza era alta quanto un edificio di sette piani.

I romani progettarono perfettamente le città, costruirono le terme imperiali - le terme, l'anfiteatro - il Colosseo, eressero il tempio di tutti gli dei dell'Impero Romano - il Pantheon, tutto questo è un grande patrimonio del mondo.

L'arte antica ha avuto il più forte sviluppo dell'arte delle epoche successive. È difficile sopravvalutare la sua importanza per lo sviluppo della civiltà occidentale.

1.3 ArteEenergiaBisanzio

bizantino cultura artistica associato più alla religione. La chiesa di Bisanzio serviva il potere secolare. L'imperatore era considerato un servitore di Dio sulla terra e faceva affidamento sulla chiesa come sulla burocrazia. In un tale ambiente, l'arte era sotto lo stretto controllo della chiesa e delle classi dirigenti.

Poiché Bisanzio era sotto la pressione di ogni sorta di guerra, il suo lavoro artistico mirava a radunare il popolo. Il patriottismo religioso-di stato ha creato una forma di arte bizantina. Allo stesso tempo, le questioni vitali sono state risolte come quelle spirituali. La loro interpretazione era quella di creare ideali estetici, inclusi principi statali, religiosi e personali.

I templi hanno svolto un importante ruolo ideologico ed educativo, quindi i migliori artigiani hanno lavorato nell'architettura della chiesa, che ha permesso la costruzione più significativa e problemi artistici. In architettura sono stati creati interni complessi che, per così dire, hanno coinvolto una persona.

Non ci fu sviluppo della scultura a Bisanzio in quanto tale, perché la scultura era considerata un idolo. Ma c'era un rilievo, in particolare sull'avorio.

La pittura era sotto la stretta tutela della chiesa-stato. Il suo sviluppo ha seguito tre canali: mosaici e affreschi di chiese, pittura di icone e miniature di libri. Qui erano in vantaggio regole rigide nella raffigurazione di santi ed eventi tratti da "storie sacre". L'artista perde l'opportunità di lavorare dalla natura. Soltanto alto grado artigianato, ha permesso di riempire le immagini canoniche con una ricchezza di sentimenti e idee umane.

Va anche sottolineato che l'arte secolare occupava un posto importante nella cultura artistica di Bisanzio. Furono costruite fortificazioni, edifici residenziali, palazzi. La scultura secolare ha svolto un ruolo importante. Le miniature di contenuto storico e scientifico non sono mai scomparse dalla pittura bizantina. La maggior parte di questi monumenti d'arte non è stata conservata, ma bisogna tener conto del loro significato per la cultura artistica di Bisanzio.

La complessità dello sviluppo stilistico dell'arte bizantina è stata ulteriormente complicata dal fatto che nel tempo sono cambiati anche i limiti della diffusione della cultura bizantina. A seguito delle guerre e delle invasioni dei popoli vicini, i confini dello stato sono cambiati. Aree separate si staccarono da Bisanzio, in esse si formarono nuove scuole d'arte.

2. Medioevo

2.1 ArteEenergiaFrancia(XI- XIVsecoli)

L'arte in questo momento è stata influenzata da chiese e monasteri, che a loro volta erano alleati del potere reale. Molti politici che hanno rafforzato l'autorità e il potere dei re erano allo stesso tempo ministri delle chiese. Ad esempio, l'abate Suger è il costruttore di molte chiese e consigliere di Ludovico VI e Ludovico VII. Pertanto, l'arte, in particolare l'architettura, la pittura e la scultura, è stata influenzata dai monasteri. La costruzione dei monasteri era molto spesso guidata non da cittadini, ma da qualche ordine monastico o vescovo, che era allo stesso tempo il sovrano feudale di questa città.

L'architettura romanica era parte integrante della scultura monumentale e della scultura in pietra. Ha decorato capitelli, portali che riempivano l'intera facciata, ad esempio Notre-Dame-la-Grand a Poitiers. Decorazioni plastiche sono rintracciabili nelle chiese della Borgogna (timpani delle cattedrali di Vezelay e Autun) e della Linguadoca (Saint-Sernin a Tolosa, secoli XI-XIII),

La pittura e la scultura acquisirono un carattere monumentale. La facciata esterna era decorata con capitelli, sculture o rilievi. Le pareti all'interno del tempio erano dipinte con grandi affreschi e, di regola, non erano decorate con sculture. Uno dei primi monumenti di scultura, che si trova sulla facciata del tempio, è il rilievo dell'architrave della chiesa di Saint Jean de Fontaine nel sud-ovest della Francia. I dipinti monumentali erano diffusi nelle chiese di Francia. Ora abbiamo circa 95 cicli di affreschi che ci sono pervenuti. Il monumento principale sono gli affreschi della chiesa di Saint Saven sur Gartan nella regione del Poitou (inizio del XII secolo), l'esempio più raro che ha conservato la decorazione pittoresca della Francia.

Farse secolari e misteri religiosi gareggiavano nelle città. Ovunque c'era una lotta tra il fantastico e il reale, il mistico e il razionale. Ma quasi sempre nella creatività artistica la vita era percepita nel suo equilibrio contraddittorio e mutevole.

Un'immagine dell'arte della seconda metà del XIII secolo è il portale di S. Stefano sul lato sud della cattedrale di Notre Dame (circa 1260-1270). Anche le numerose e innumerevoli statue della Cattedrale di Reims, realizzate durante il XIII secolo, appartengono ai capolavori dell'alto gotico. 30-70 anni Entro la metà del 13 ° secolo. prese forma una miniatura, secondo il principio della decorazione.

I maestri della scultura gotica nella seconda metà del XIV secolo, durante il periodo, riuscirono comunque a mostrare nuove forze, quando le difficoltà della Guerra dei Cent'anni ridussero drasticamente i lavori di costruzione e il numero degli ordini artistici. Nel XIII-XIV secolo. la miniatura del libro e la pittura su vetro colorato erano molto diffuse. I centri principali dell'arte del vetro colorato erano nel XIII secolo. Chartres e Parigi. Nella cattedrale di Chartres è stato conservato un numero relativamente elevato di vetrate colorate. Molto buon esempio passaggio dal romanico al stile goticoè l'immagine della Madre di Dio, seduta con il bambino sulle ginocchia, che è in piedi questo momento si trova nella parte della cattedrale sopravvissuta all'incendio del 1194.

Miniature della fine del XIII-XIV secolo. ora non solo decorano, ma completano e commentano il testo, acquisendo un carattere illustrativo. Opere tipiche della seconda metà del XIV secolo. queste sono le opere del miniaturista Jean Pucel, le cui opere includono la Bibbia di Robert Bilsing (1327) e il famoso Breviario di Belleville (fino al 1343).

L'arte medievale della Francia ha svolto un ruolo enorme nella storia dell'arte della sua gente e dei popoli del tutto Europa occidentale. I suoi echi (soprattutto in architettura) vissero a lungo, recedendo nel passato solo verso la metà del XVI secolo.

arte arte creativa energia

3. PeriodoRinascimento

3.1 Italia(XIV- XVI)

Il Rinascimento italiano è un periodo di grandi conquiste e cambiamenti che iniziò in Italia nel XIV secolo e durò fino al XVI secolo, segnando il passaggio dal Medioevo all'Europa moderna.

Le realizzazioni più famose sono nel campo della pittura e dell'architettura. Inoltre, ci sono stati anche risultati in scienze, filosofia, musica e letteratura. Nel XV secolo, l'Italia diventa leader in tutti questi settori. Il Rinascimento italiano fu accompagnato dal crollo della politica. Pertanto, tutta l'Italia era divisa in piccoli stati separati. Il Rinascimento ebbe una grande influenza su Roma. Nel XVI secolo, il Rinascimento italiano raggiunse il suo apice quando ci furono invasioni straniere che coinvolsero l'Italia in guerre. Nonostante ciò, l'Italia mantenne le idee e gli ideali del Rinascimento e si diffuse in tutta Europa, eclissando il Rinascimento settentrionale.

Nell'arte in questo momento, le immagini dei santi e le scene delle Scritture sono comuni. Gli artisti si allontanano da qualsiasi canone, i santi potrebbero essere raffigurati in abiti moderni per quei tempi. Era popolare ritrarre San Sebastiano, poiché si credeva proteggesse dalla peste. La pittura diventa più realistica, come le opere di Giotto, Masaccio, Leonardo da Vinci, Michelangelo, Botticelli.

Gli artisti inventano nuovi colori, li sperimentano. In questo momento, la professione di artista è molto richiesta e gli ordini costano un sacco di soldi. Il genere del ritratto si sta sviluppando. L'uomo è stato ritratto come calmo, saggio e coraggioso.

In architettura ebbe grande influenza l'architetto Filippo Brunelleschi, secondo i cui progetti furono realizzate la Chiesa di San Lorenzo, il Pallazo Rusellai, la Santissima Annunziata, le facciate delle chiese di Santa Maria Navella, San Francesco, San Sebastiano e Sant'Anrea .

Pertanto, la percezione del mondo diventa più complessa, la dipendenza della vita umana e della natura è più chiaramente realizzata, le idee sulla variabilità della vita si sviluppano, gli ideali di armonia e integrità dell'universo si perdono.

3.2 SpagnaXV- XVIIsecoli

Il Rinascimento spagnolo è strettamente imparentato con quello italiano, ma è arrivato molto più tardi. L '"età d'oro" del Rinascimento spagnolo è considerata dalla fine del XVI alla seconda metà del XVII secolo.

Lo sviluppo del periodo di massimo splendore della cultura spagnola è l'unificazione di un paese precedentemente frammentato, sotto il dominio di Ferdinando d'Aragona e Isabella di Castiglia. La secolare guerra con gli arabi cessò, dopodiché nuove terre erano in possesso della Spagna, che prima non le appartenevano.

Architetti, artisti, scultori stranieri furono attratti dalla corte reale. Per un breve periodo, la Spagna divenne lo stato europeo più potente.

Dopo che Filippo II fondò Madrid, la vita artistica del paese si concentrò lì, dove furono costruiti palazzi. Questi palazzi erano decorati con dipinti artisti spagnoli e grandi pittori - Tiziano, Tintorento, Bassano, Bosch, Brueghel. Il cortile divenne il centro principale per lo sviluppo dell'arte.

In architettura, sotto il dominio dei re cattolici, furono create chiese in cui si propagava il potere e la grandezza del potere reale. Furono realizzati anche edifici dedicati alle vittorie spagnole: ad esempio, la chiesa del monastero di San Juan de los Reyes a Toledo - come monumento alle vittorie sui portoghesi nella battaglia del Toro, Escorial - come monumento alla vittoria su i francesi a San Quenten.

Gli scultori più famosi di quel tempo sono Alonso Berruguete, Juan de Juni, Juan Martinez Montañez, Alonso Cano, Pedro de Mena.

Pertanto, la Spagna ha dato un contributo significativo alla storia mondiale dell'arte, che ha influenzato l'ulteriore atteggiamento delle persone.

4. Nuovotempo

4.1 ArteEenergiaFrancia(XVIIIv.)

Nel XVIII secolo in Francia c'era una lotta contro l'assolutismo, la chiesa, l'aristocrazia, il libero pensiero, questa lotta stava preparando il paese alla rivoluzione borghese.

La cultura artistica francese è in ascesa. Si discosta dai canoni precedentemente utilizzati, la pittura religiosa sta diventando un ricordo del passato e i generi secolari realistici e "galanti" stanno diventando i principali. Gli artisti si rivolgono alle sfere intime della vita umana e alle piccole forme. Il realismo si incarna nella divulgazione dell'immagine di una persona.

Nel XVIII secolo c'erano mostre periodiche della Royal Academy - Salons, che si tenevano al Louvre, così come mostre dell'Accademia di San Luca, che si tenevano direttamente nelle piazze. Una nuova caratteristica caratteristica è stata la nascita dell'estetica e lo sviluppo critica d'arte, che rifletteva la lotta delle correnti nell'arte.

Le persone in questo momento viaggiavano per i paesi e prendevano in prestito la conoscenza l'una dall'altra. Ci sono molte enciclopedie. Le persone analizzano le opere d'arte. Ad esempio, le opere di Diderot "Salons", "Experience on Painting", le opere di Rousseau "Art and Morality", "Discorsi sulle scienze e le arti" e "Emil, o sull'educazione".

Così, il XVIII secolo divenne noto come l'Età dell'Illuminismo. Le idee illuministiche non solo hanno influenzato lo sviluppo dell'arte, ma gli illuministi sono intervenuti attivamente nel suo corso. L'illuminazione è diventata un movimento potente che ha rifratto le precedenti visioni del mondo.

4.2 ArteEenergiaRussia(XIXv.)

Nel 19 ° secolo i primi decenni in Russia ci fu un'impennata a livello nazionale dopo la guerra patriottica del 1812. Gli artisti stanno diventando più richiesti rispetto al XVIII secolo. Possono esprimere nelle loro opere il significato della loro personalità, libertà, dove vengono sollevati problemi sociali e morali.

La Russia ora è più interessata creatività artistica. Vengono pubblicate riviste d'arte: "The Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts" (1801), "Journal belle arti"prima a Mosca (1807), e poi a San Pietroburgo (1823 e 1825), la Società per l'incoraggiamento degli artisti (1820), il Museo russo ..." P. Svinin (1810) e la Galleria russa nel Eremo (1825).

Gli ideali della società russa si riflettono nell'architettura, nella scultura monumentale e decorativa. Dopo un incendio nel 1812, Mosca viene restaurata in un modo nuovo, qui i costruttori si affidano all'architettura dell'antichità. Gli scultori erigono monumenti ai capi militari, ad esempio un monumento a Kutuzov nella cattedrale di Kazan a San Pietroburgo. Il più grande architetto di questo tempo, Andrei Nikiforovich Voronikhin. ha progettato una serie di fontane per la strada Pulkovo, ha terminato l'ufficio "Flashlight" e il vestibolo egiziano nel Palazzo Pavlovsk, il Ponte Viskontiev e il Padiglione Rosa nel parco Pavlovsk. L'idea principale di Voronikhin è la Cattedrale di Kazan (1801-1811). Il colonnato semicircolare del tempio, da lui eretto non dal lato della facciata principale - occidentale, ma da quella laterale - settentrionale, formava una piazza al centro della prospettiva Nevsky, trasformando la cattedrale e gli edifici intorno ad essa nel più importante nodo urbanistico.

Gli artisti raffigurano eventi storici che ha avuto luogo in tempi antichi, ad esempio, K.P. Bryullov "L'ultimo giorno di Pompei", A.A. Ivanov, L'apparizione di Cristo al popolo. Sono raffigurati ritratti di sovrani, ad esempio un ritratto di Elisabetta II, Pietro I. Vengono eretti monumenti in onore dei sovrani, un monumento a Caterina II. Durante questo periodo apparve un gran numero di artisti: Kramskoy, Ge, Myasoedov, Makovsky, Shishkin, Vasiliev, Levitan, Repin, Surikov, ecc.

Processi vitali complessi hanno determinato la varietà delle forme di vita artistica di questi anni. Tutti i tipi di arte - pittura, teatro, musica, architettura - si sono distinti per il rinnovamento del linguaggio artistico, per l'alta professionalità.

5. EnergiaEartesovieticoperiodoRussia(XXv.)

Durante il periodo sovietico in Russia si verificano cataclismi rivoluzionari, queste trasformazioni rivoluzionarie invitano gli artisti a nuovi esperimenti creativi. La vita artistica del paese richiede un'arte acutamente sociale e comprensibile per una massa estetica impreparata. Gli eventi di ottobre che hanno portato alla rivoluzione, gli artisti hanno iniziato a glorificare nel loro lavoro. La vittoria dell'arte al fronte diventa un solido elemento della vittoria bolscevica.

Gli artisti in questo momento occupano una posizione molto attiva e molto popolare. Sono impegnati nella progettazione di città per manifestazioni, gli scultori hanno realizzato il "Piano leninista per la propaganda monumentale", i grafici stanno lavorando attivamente alla progettazione di edizioni classiche di russo e letteratura straniera. Si stanno sviluppando una serie di nuove direzioni artistiche precedentemente non realizzate. Appaiono nuovi nomi e nuove direzioni: "Impressionismo russo" - A. Rylov e K. Yuon; "Blue Bears" P. Kuznetsov e M. Saryan; rappresentanti del "Fante di quadri" P. Konchalovsky e I. Mashkov con la festa di carnevale dei loro dipinti, decorativi per colore e composizione, A. Lentulov, che ha realizzato l'immagine del russo architettura medievale vivere i ritmi intensi della città moderna. Pavel Filonov ha lavorato negli anni '20. Sulla base del metodo che chiamava "analitico", creò in questi anni le sue famose "formule" ("Formula del proletariato di Pietrogrado", "Formula della primavera", ecc.) - immagini simboliche che incarnano il suo ideale di eterno e permanente . K. Malevich ha continuato il suo percorso nella non oggettività e il suprematismo sviluppato dai suoi studenti I. Puni, L. Popova, N. Udaltsova, O. Rozanova ha iniziato a diffondersi nell'arte applicata, nell'architettura, nel design, nella grafica.

Nella scultura, le opere ispirate al "romanticismo rivoluzionario" furono create negli anni '20 da Ivan Dmitrievich Shadr (vero nome Ivanov). Questi sono realizzati per ordine di Goznak (per l'immagine su nuove banconote, francobolli e obbligazioni sovietiche) "Seminatore", "Operaio", "Contadino", "Uomo dell'Armata Rossa" (tutti 1921-1922). Una delle sue opere più famose è l'opera "Cobblestone - l'arma del proletariato, 1905". Questo lavoro è dedicato al decimo anniversario del potere sovietico. Shadr ha cercato di utilizzare le tradizioni dell'arte mondiale e creare un'opera ispirata allo spirito della modernità, così come la intendeva.

Così, pittori, scultori, scrittori e molti altri, dovettero cercare soluzioni pubbliche. I mezzi per creare immagini monumentali sono diventati: araldica sovietica, simboli figurativi, che sono diventati una designazione popolare dell'atomo, spazio esterno. Simboli di amicizia, lavoro, pace... solo le grandi idee possono dare grandi soluzioni.

6. RapportoautoritàEartevè nostrotempo

Dietro tempi recenti tutto è cambiato, ma l'interazione tra potere e arte rimane molto importante e questione di attualità. Il rapporto tra queste due industrie è particolarmente evidente durante i periodi di cambiamento politico e sociale. Ora non c'è censura, il che significa che ogni persona che vuole esprimere i propri pensieri e idee attraverso l'arte può farlo senza paura di essere punita. Questa è una svolta colossale nel campo della libertà di creatività e spirito.

Al momento, in diverse città ci sono numerose mostre in corso argomenti diversi. Periodicamente si tengono mostre che mettono in luce il problema dell'arte e del potere. Queste mostre sono interessanti per chi studia storia e scienze politiche. Di recente, una mostra simile si è tenuta nel Museo svedese, che si chiamava "Arte per i governanti". In questa mostra c'erano più di 100 esposizioni e con la partecipazione di 400 mostre di epoche diverse.

L'arte non si ferma, si sviluppa rapidamente da diverse parti. Al giorno d'oggi, ci sono molte direzioni diverse. Mondo eredità culturale reintegrato e reintegrato, e questo è molto buono per il nostro tempo.

Conclusione

Nel corso del lavoro, abbiamo scoperto che l'arte è cambiata sotto l'influenza del potere nel corso dei secoli in diversi paesi del mondo.

Dopo aver analizzato la situazione, abbiamo scoperto che l'arte dipende dal sistema politico e dal sovrano del paese. L'arte e il potere sono nati e si sono sviluppati contemporaneamente e sono parte integrante della formazione della vita sociale.

Penso che il governo avesse più opportunità di controllare la società e aumentare il suo potere attraverso l'arte di quanto non abbia ora. Decenni dopo, ci siamo finalmente liberati da rigidi canoni e ogni sorta di divieto. Una persona può esprimere la sua individualità, non appena inventa e vuole. Artisti, scultori e musicisti hanno una libertà illimitata, ma è difficile dire se sia un bene o meno. Ma dopo molti anni e secoli, i nostri discendenti ammireranno e saranno orgogliosi.

Elencousatoletteratura:

1. TV Ilin. Storia dell'arte. arte domestica. Mosca. anno 2000

Ospitato su Allbest.ru

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Il potere dell'arte. Arte e potere. In che modo fenomeni come l'arte e il potere sono collegati? L'arte, come manifestazione dei poteri liberi e creativi di una persona, il volo della sua immaginazione e del suo spirito, veniva spesso utilizzata per rafforzare il potere, sia secolare che religioso. "The Bronze Horseman" Grazie alle opere d'arte, le autorità hanno rafforzato la loro autorità e le città e gli stati hanno mantenuto il prestigio. L'arte incarnava in immagini visibili le idee della religione, glorificava e immortalava gli eroi. D. Levitsky. Caterina II «J.-L. David "Napoleone al Passo del San Bernardo" Compito:  Quali qualità sottolineano gli artisti, gli scultori nelle immagini di statisti, sovrani di epoche e paesi diversi?  Quali sono le somiglianze e le differenze tra queste immagini? Quali sono le caratteristiche comuni (tipiche) che simboleggiano il potere. Il valore di guerrieri e comandanti è perpetuato da opere d'arte monumentale. Si erigono statue equestri, si costruiscono archi e colonne trionfali per commemorare le vittorie ottenute. Arco Trionfale di Costantino, Roma, Italia. Per decreto di Napoleone I, che voleva immortalare la gloria del suo esercito, fu costruita a Parigi la Porta Trionfale. Sulle pareti dell'arco sono incisi i nomi dei generali che combatterono al fianco dell'imperatore. Francia, Parigi, Arco di Trionfo Nel 1814 in Russia, per il solenne incontro dell'esercito liberatore russo, di ritorno dall'Europa dopo la vittoria su Napoleone, furono costruite le Porte Trionfali in legno presso la Tverskaya Zastava. Per più di 100 anni l'arco rimase nel centro di Mosca e nel 1936 fu demolito. Solo negli anni '60. 20 ° secolo L'arco trionfale è stato ricreato in Piazza della Vittoria, vicino a Poklonnaya Gora, nel luogo in cui l'esercito di Napoleone entrò in città. Gli zar di Mosca si consideravano eredi delle tradizioni romane, e questo si rifletteva nelle parole: "Mosca è la Terza Roma, e non ci sarà la quarta". Resurrezione Nuovo monastero di Gerusalemme - un monumento. 2 ° piano XVII secolo (il desiderio del patriarca Nikon di creare luoghi santi a immagine della Palestina, dove passò la vita terrena di Gesù Cristo) Nel ventesimo secolo, nell'era dello stalinismo nel nostro paese, l'architettura pomposa e magnifica enfatizzava la forza e il potere dello stato, riducendo la personalità umana a un livello insignificante, ignorando l'individuo l'originalità di ogni persona Progetti non realizzati di architetti moscoviti degli anni '30 e '50. Compiti a casa del Palazzo dei Soviet.  Preparare una relazione o una presentazione al computer su un argomento relativo all'instillare determinati pensieri e sentimenti nelle persone attraverso l'arte. Analizza varie opere d'arte dello stesso tipo d'arte in epoche diverse, oppure seleziona un'epoca e presenta la sua immagine olistica basata su opere di vari tipi d'arte.

Aleksandr Aleksandrovich Vlaskin

Motivi politici dell'art

La creatività artistica, l'autoespressione, così come le attività dei politici, hanno un grande impatto sulla società. Molto è stato detto e scritto sulla stretta connessione tra arte e politica, questa connessione è stata rafforzata in tempi antichi, quando si sono formati scultori e artisti immagini eroiche governanti, riflettevano le loro imprese e vittorie. Tarda arte cominciò non solo a lodare, ma anche a denunciare, denigrare certe figure o ideologie. Quali sono i motivi politici dell'arte, quelli che la creano?

I politici fanno la storia, ci stanno dentro, proprio come artisti e scrittori si sforzano di restarci... Gli autori non solo dipingono il mondo per i posteri, ma contribuiscono anche alla formazione della modernità, danno una valutazione e offrono la loro visione. Allo stesso tempo, entrambi i processi sono politicamente impegnati, perché ciò che suscita interesse pubblico è vantaggioso per coloro che vogliono ottenere il potere.

Cultura di massa, progressi nel campo del trasferimento di informazioni, l'emergere di mezzi di comunicazione globali, nonché il predominio del modello di coscienza a clip: tutto ciò ha influenzato in modo significativo sia l'arte che la politica. Infatti, uomo modernoè difficile nascondersi dalla propaganda, dalle offerte di opinioni diverse e l'arte può rivestire alcuni ideologemi in una forma popolare e alla moda.

Di per sé, l'arte contemporanea si inserisce nel paradigma estetico ed etico, materializza in alcune opere lo spirito del tempo, e quindi non si sottrae all'attualità.

Arte Moderna cerca di plasmare la moda, la moda influenza il modo di vivere e la visione del mondo della società dei consumi. L'autore, a sua volta, può dedicarsi all'etichettatura artistica, demonizzando alcuni ed esaltando altri, e parte del pubblico adotta le sue opinioni, non interessandosi nemmeno alla politica in quanto tale. Poiché l'arte contemporanea è spesso una protesta, una ribellione dell'autore, una risposta a norme stabilite, stereotipi, una prova di moralità pubblica, allora ne è caratteristica anche l'opposizione politica. Personaggi dell'arte contemporanea in diversi periodi della storia sono stati cantanti e artisti di rivoluzioni, anche se alcuni poi hanno compreso la tragedia di un simile percorso. Tuttavia, l'arte contemporanea in Russia è ora in parte utilizzata come strumento politico.

Intervento artistico contemporaneo e Russia post-sovietica

Mayakovsky, che per il suo tempo era un autore provocatorio e progressista, ha parlato di "uno schiaffo al gusto del pubblico". Alla fine del Novecento, gli schiaffi si sono trasformati in una serie di colpi, in una sorta di competizione provocatoria.

Il periodo della perestrojka, e successivamente gli anni '90, è caratterizzato dal fatto che numerosi autori scandalosi hanno ricevuto una sorta di "pass per veicoli fuoristrada" in tutte le sfere della società. La concorrenza del permissivismo ha portato a dozzine di mostre, eventi, spettacoli, in cui l'asticella morale è stata abbassata, c'è stato un attacco ai fondamenti e ai valori tradizionali e conservatori.

L'evento storico di cui parla Vladimir Salnikov è diventato molto caratteristico: “L'arte stessa degli anni '90 è nata il 18 aprile 1991, quando il gruppo di Anatoly Osmolovsky “These” ha esposto la parola delle loro tre lettere con i loro corpi sulla Piazza Rossa. "

Uno dei simboli del rafforzamento e della diffusione di nuovi approcci è stato il nudo Oleg Kulik, che ha ritratto un cane. Anche la preistoria di questo atto, che ha ricevuto riconoscimenti in tutto il mondo, è indicativa: l'artista “è diventato un cane” per la fame. Ha semplicemente dato ai critici ciò che hanno presentato con successo alla società occidentale, ma che è rimasto selvaggio per la Russia.

Nonostante il fatto che la maggior parte dei cittadini aderisse ancora a opinioni conservatrici e fosse lontana dallo studio delle sottigliezze della storia dell'arte, una vasta e vibrante comunità di informali si formò nell'Unione Sovietica morente. Dall'ambiente informale sono emerse dozzine di artisti, poeti e musicisti che, nel periodo di permissività e incoraggiamento ad andare oltre il quadro morale, hanno ricevuto un'opportunità illimitata per esperimenti creativi.

La nuova arte, che ha ricevuto una certa carta bianca ed è stata sostenuta da premi, non ha potuto riformattare la coscienza della vecchia generazione, ma potrebbe avere un impatto molto serio sui giovani, soprattutto in assenza di programmi statali in questo settore.

Come prodotti luminosi, ma artificiali e spesso dannosi, sulla scia della perestrojka, campioni di Arte occidentale, che prima non erano diffusi, ma iniziarono a essere chiamati avanzati e progressisti. Qui c'è l'astrattezza, che cerca di sostituire il realismo, le esperienze esistenziali, la depressione, la negazione dei canoni e gli esperimenti con il corpo invece di esplorare l'anima. E un tale prodotto veniva coltivato, come si coltivava la gomma da masticare o l'alcool.

Tuttavia, ci sono dozzine di esempi di opere e autori che non hanno avuto un impatto distruttivo sulla società, ma alcuni precedenti possono essere considerati al servizio di interessi politici filo-occidentali. Ad esempio, la figura di uno stratega politico professionista Marat Gelman, che divenne direttore d'orchestra dell'arte contemporanea. Ha partecipato attivamente alla vita politica del paese negli anni '90 e nei primi anni 2000, ma dopo una serie di scandali in cui le sue mostre sono state chiamate insulti e violazioni delle fondamenta della società russa, ha annunciato la riduzione del mercato dell'arte contemporanea in Russia e successivamente si è trasferito in Montenegro, criticando attivamente le politiche di Vladimir Putin.

Si definiva un attivista politico e Alexander Brener. Ha guadagnato fama apparendo nudo in certi luoghi, spiegandolo con vari sottotesti. Una delle sue azioni più memorabili è stata uno spettacolo sul campo di esecuzione della Piazza Rossa in guantoni da boxe con una sfida alla lotta dell'allora presidente Boris Eltsin. Vero, dentro questo caso Brener era ancora in mutande.

Nei processi di promozione di una creatività nuova e incomprensibile, vengono in primo piano art manager e galleristi, che possono contribuire allo sviluppo e alla prosperità dell'autore. Inviano anche richieste alle sue attività, portano, se necessario, una componente politica nell'ordine o nella selezione delle opere.

All'inizio del 21 ° secolo, in Russia si era sviluppata una comunità che non si occupava tanto di arte classica quanto di esperimenti provocatori. Questo valeva per le arti visive, il cinema e il teatro. L'arte depressiva che nega l'autorità e disprezza i canoni classici cominciò ad essere elevata alla norma. Ricorda anche "Norma" di Vladimir Sorokin, uno scrittore di culto che ha guadagnato popolarità proprio all'inizio del secolo. Non per niente la sua prosa veniva definita "escrementale", poiché agli escrementi veniva prestata molta attenzione.

Caratteristiche del posizionamento dell'arte contemporanea

Certo, non tutti gli autori e galleristi perseguono obiettivi politici e aumentano la loro popolarità attraverso le provocazioni. Ad esempio, il noto gallerista Sergei Popov ha parlato del taglio di icone e di altre prese in giro alle mostre: “Ho reagito in modo estremamente negativo alla mostra“ Caution, Religion ”- è stata una provocazione nella sua forma più pura. E ha provocato una pessima reazione del pubblico conservatore all'arte contemporanea, stiamo ancora raccogliendo i frutti di tali azioni idiote. Come provocazione, l'arte può essere presentata solo nei paesi in cui sono pronti per questo. Ma gli artisti non hanno il diritto di macellare maiali e mostrare immagini di donne nude nei paesi in cui vige la Sharia: per questo verranno decapitati. E in Russia è impossibile organizzare provocazioni su temi religiosi, per non tener conto del contesto del Paese.

Pertanto, la provocazione non è un prerequisito per l'arte contemporanea. Questa è più una scelta, e una scelta consapevole e motivata. Coloro che hanno fatto questa scelta spesso diventano partecipanti a processi non solo artistici, ma anche politici, uno strumento nelle mani dei tecnologi politici.

L'azionismo è diventato una caratteristica importante del periodo post-sovietico. Uno degli artisti di spicco, Anatoly Osmolovsky, ha descritto questo fenomeno come segue: “In una società che non è sensibile all'arte, l'artista deve colpire la testa con un microscopio, invece di osservare alcuni batteri benefici al suo interno. La società in Russia non è sensibile all'arte, quindi, dagli anni '90, i nostri artisti praticano l'ingresso diretto nella società stessa: si tratta di azioni, interventi.

L'azionismo, essendo una via d'uscita dai soliti spazi artistici, è anche vicino alla politica e una serie di azioni ha sfumature politiche. Questo tipo di attività attira anche i media, che trasmettono attivamente azioni luminose e provocatorie. Con lo sviluppo di Internet, le clip e gli eventi virali stanno diventando un prodotto popolare che raggiunge un vasto pubblico. Questo è l'indubbio vantaggio di utilizzare l'arte contemporanea per promuovere l'ideologia desiderata.

I giornalisti hanno portato l'azionismo, che spesso rientra nell'articolo del codice penale della Federazione Russa sul teppismo, a un nuovo livello di popolarità. È strano di per sé che l'azione del gruppo "Guerra" con il ribaltamento auto della polizia generalmente chiamato un atto artistico. Ma questo gruppo ha anche ricevuto nel 2011 il prestigioso Premio di Stato Kandinsky, istituito dal Ministero della Cultura per un'azione con il disegno di un membro su un ponte levatoio di fronte all'edificio dell'FSB a San Pietroburgo.

Gli attuali "piantagrane" che attuano un messaggio ideologicamente distruttivo sono l'artista Pavlensky ", Rivolta della figa”,“ Blue Rider ”, precedentemente il gruppo artistico“ War ”- tutti si sono formati proprio sotto l'influenza dello stile degli anni '90, incoraggiando il permissivismo, che è diventato sinonimo di libertà. E tali esempi possono essere definiti una delle armi della guerra dell'informazione. Proprio come alla fine degli anni '80, il rock and roll è diventato un'arma contro il comunismo e il "sovietismo". È vero, a differenza degli inni rock, le azioni di disegnare enormi falli o avvolgere il filo spinato non ottengono un numero così elevato di fan.

Le sfumature politiche di Brener o le provocazioni di Ter-Oganyan, che ha tagliato le icone con un'ascia, sono state sostituite da un'orgia del gruppo artistico "Voina" nel museo, che balla nel tempio, ma l'essenza è rimasta la stessa - l'autore guadagna fama (anche se scandalosa) e citazione, e un possibile cliente o mecenate - una metafora politica accessibile alle masse, che può essere utilizzata attivamente in futuro.

Secondo l'artista Nikas Safronov, oggi circa un centinaio di persone decidono la politica di tutta l'arte del mondo, e non importa se sai disegnare o meno. Se hai carisma, se hai fatto parlare di sé, questo può già essere parte dell'arte.

Scontro di provocatori e conservatorismo

Infatti, come hanno affermato molti esperti, tra cui A. Konchalovsky nella sua famosa conferenza sull'arte contemporanea, l'obiettivo di provocare spesso sostituisce l'abilità artistica, come si può vedere dai fiori all'occhiello del genere.

Con il rafforzamento dei sentimenti conservatori, con il rafforzamento patriottismo civico e la statualità in generale, le azioni libere degli artisti-provocatori iniziarono a ricevere sempre più critiche.

All'inizio del nuovo secolo, la moda postmoderna si era rafforzata nel teatro, nella letteratura e nelle arti visive, mentre il corso conservatore scelto dallo stato portava a uno scontro di interessi e preferenze nell'ambiente artistico. Alcuni hanno cercato di mostrare qualcosa che richiedeva una spiegazione aggiuntiva, qualcosa che ripeteva in gran parte la tradizione occidentale di dieci, venti e trent'anni fa. Ma i principi della terapia d'urto nell'arte, resi popolari nello stesso momento in cui la terapia d'urto veniva applicata nell'economia in relazione all'intero paese, non affascinavano la maggioranza dei cittadini. Oltraggioso, arrogante, oscuro, provocatorio, a volte aggressivo e deprimente: tutto questo è rimasto estraneo. Rendendosi conto di ciò, i direttori di tale arte iniziarono a insistere sull'elitarismo del loro prodotto, sul fatto che è solo per l'élite, istruito e altamente sviluppato. Questa divisione divenne uno dei fattori del conflitto. Questa caratteristica si è già manifestata più di una volta nella storia russa, ma non tutti traggono conclusioni. Le persone si chiamano bestiame, massa grigia, giacche trapuntate e così via. Gli epiteti separati vengono assegnati alla comunità ortodossa, che è stata registrata come "oscurantista". Questo approccio piccolo gruppo recinta e taglia anche la possibilità di diffondere popolarità al grande pubblico, definendo il suo prodotto "arte non per le masse". Prendi, ad esempio, la commedia "Boris Godunov" di Bogomolov, dove è in scena teatro accademico la situazione al potere è rappresentata con un pizzico di modernità, e sui grandi schermi continuano i titoli “Il popolo è stupido bestiame”.

Seguire le tradizioni e i principi per una parte della società è descritto come qualcosa di vergognoso e arretrato, e questo è uno dei compiti importanti dell'ideologia liberale russa. L'immagine del "prete ladro" appare nei film ("Leviathan"), nelle canzoni ("Multi-Move" di Vasya Oblomov) e sul palco ("Boris Godunov"). Tutto ciò sembra lo sviluppo di una tendenza, e il rimedio più efficace per questo sembra essere la creazione di un prodotto artistico alternativo di orientamento di massa. Esempi eccellenti in quest'area sono il film "The Island", il libro "Unholy Saints", ecc.

Forse i conflitti più risonanti di provocazione e conservatorismo sono stati la recente situazione con l'opera Tannhäuser, così come gli scandali intorno alla mostra Forbidden Art nel 2006. Qui possiamo già parlare dello scontro di concetti politici, liberalismo e occidentalismo contro la tutela, quando c'è un deliberato effetto distruttivo su oggetti e oggetti di culto religioso.

La Chiesa e l'Ortodossia in generale diventano uno degli obiettivi della provocazione artistica, che può essere definita un modo per influenzare gli archetipi nazionali. Queste sono le famose cattedrali dei clisteri blu, il taglio delle icone e così via.

È vero, l'arte contemporanea può influenzare la politica in modo più diretto. La stessa commedia "Boris Godunov" è una caricatura dell'attuale governo con immagini sia del presidente che del patriarca. Ci sono anche spettacoli al Theatre.doc "indipendente", dove sono apparse le commedie Berlusputin, Bolotnaya Delo, ATO, e ora stanno preparando un'opera teatrale sul regista ucraino Sentsov, condannato per aver preparato atti terroristici in Crimea. Qui c'è una difesa del diritto di giurare sul palco, che si chiama dispositivo artistico integrale.

Allo stesso tempo, quando questo teatro ha iniziato ad avere problemi con i locali, lo hanno difeso attivamente come famoso Figure russe culture così come quelle occidentali. L'inclusione di star della cultura straniera nell'agenda politica è una tecnica popolare. Hanno difeso il "Tannhäuser" e lo stesso Sentsov. Vale la pena ricordare Madonna, che è andata a uno dei concerti con la scritta "Russian Riot" sulla schiena, anche se in realtà non sapeva nulla di questa band. Tali esempi dimostrano l'unità degli obiettivi politici e le linee generali che registi, attori e artisti sono disposti a seguire.

È anche interessante osservare la penetrazione dell'arte contemporanea politicizzata nelle regioni. I liberali avevano tradizionalmente una scarsa popolarità nelle province e l'arte può trasmettere quelle tesi che sono difficili da percepire dalle labbra dei politici in visita. L'esperienza di Perm con la massiccia introduzione di arte moderna e incomprensibile nella regione degli Urali si è rivelata nel modo migliore. L'apoteosi della partecipazione della politica a questo processo è stata la mostra di Vasily Slonov, che ha raffigurato i simboli delle Olimpiadi di Sochi in modo disgustoso e spaventoso. Ma le produzioni teatrali sono più comprensibili, con il loro aiuto è più facile trasmettere la visione del mondo. Pertanto, Theatre.doc è in tournée con piacere, quindi hanno cercato di mettere in scena uno spettacolo scandaloso "The Bath Attendant" a Pskov, quindi "Orthodox Hedgehog" appare a Tomsk.

Numerosi personaggi della cultura si sono uniti alle colonne di manifestanti e manifestanti. Di per sé, questa non è una novità, poiché ci sono sempre stati molti ribelli nell'arte, questa è solo la corrente Situazione russa privo di qualsiasi rivoluzionario romantico, è piuttosto un monotono gioco di dissidenza, a cui si unirono Ulitskaya, Makarevich, Akhedzhakova, Efremov, in parte Grebenshchikov e altri persone di talento per lo più età pensionabile. Sono contenti di vedere i rappresentanti della vecchia intellighenzia, che ricordano ancora la politica della cucina e il samizdat, ma i giovani sono tali "leader opinione pubblica"In qualche modo non impressionato. Delle giovani figure dell'opposizione, oltre a Tolokonnikova e Alyokhina, percepite in modo ambiguo anche dall'opposizione, si possono individuare i musicisti Vasya Oblomov e Noize MC, che però non sono così radicali.

Guardiani nell'arte contemporanea

Insieme alle forze liberali, che vedono nell'arte moderna filo-occidentale e postmoderna il loro ambiente vivificante, nonché l'opportunità di trasmettere un'ideologia a loro vicina, iniziarono ad apparire sempre più autori, così come unioni creative che, usando lo stile d'avanguardia, la pop art, difendono già i valori patriottici.

Le aree d'arte alla moda possono e devono essere un mezzo di autoespressione e trasmissione delle tesi necessarie per i protettori, per coloro che hanno bisogno di una Russia indipendente che onori i valori tradizionali.

Esempi di protezione politica nell'arte si possono vedere non solo nelle sale e nelle gallerie, ma anche per le strade delle nostre città. Sotto si tengono molte mostre di artisti che sostengono le politiche del Cremlino, così come spettacoli tematici cielo aperto, attirando centinaia di spettatori e giornalisti.

Separatamente, si può notare la cultura di strada: l'arte di strada, una delle manifestazioni più popolari di cui sono i graffiti. A Mosca e in un certo numero di altre città cominciarono ad apparire sempre più graffiti patriottici e su larga scala, che coprivano centinaia di metri quadrati di superficie.

Ci sono anche artisti che traggono ispirazione da temi patriottici e immagini dei leader del paese. Quindi, una scoperta in quest'area qualche anno fa è stata l'artista di San Pietroburgo Alexei Sergienko, diventato famoso per una serie di ritratti di Vladimir Putin. Quindi ha creato una serie di dipinti nello stile di Andy Warhol, ma solo con simboli iconici russi, nonché una collezione di abiti "patriottici", in cui l'ornamento proveniva da bambole nidificanti e altri elementi classici della cultura russa.

Nella musica e nella letteratura, attorno al tema del Donbass si è formato un certo strato patriottico. Questi sono Zakhar Prilepin, che in precedenza era considerato un oppositore e collaborava con l'NBP, e Sergey Shargunov, e il gruppo più popolare "25/17" con testi sinceri, e molti altri autori famosi. Queste persone e collettivi, ognuno dei quali ha migliaia o decine di migliaia di fan, costituiscono un serio contrappeso all'ala liberale delle figure creative.

Anche intere associazioni attirano l'attenzione. Pertanto, la Fondazione Art Without Borders ha suscitato un'enorme risonanza con la mostra "At the Bottom", che ha raccolto esempi di scene immorali e talvolta offensive nella moderna teatro russo. Allo stesso tempo, è stata attirata l'attenzione sul fatto che sono stati ricevuti fondi di bilancio per una serie di produzioni scandalose. Questa azione ha provocato una tempesta di indignazione in una parte dell'ambiente teatrale.

Il fondo stesso, tuttavia, è anche noto esibizione artistica, in cui giovani autori dimostrano opere su temi politici attuali nello stile della pop art.

C'erano anche spettacoli teatrali in uno spirito patriottico. Si può ricordare il tentativo del teatro Vladimir di trasferire la storia della "Giovane Guardia" nell'Ucraina moderna: questa performance ha ricevuto molte critiche rabbiose da parte della critica.

C'è anche il progetto SUP, che si è fatto notare non solo per le letture sul conflitto ucraino, ma anche per una piccola performance politica sui sogni di rivoluzioni e l'esperienza storica che nega proprio queste rivoluzioni.

Nella stagione che è iniziata (sia politica che creativa), dovremmo piuttosto aspettarci un rafforzamento del legame protettivo, un rafforzamento e una maggiore diversità artistica. Per lo meno, la prospettiva di attrarre un pubblico dipende dalla qualità di un prodotto artistico, dalla sua originalità e spettacolarità, e questa è, infatti, una lotta per l'intellighenzia, per coloro che possono essere leader dell'opinione pubblica. E il riflesso di opinioni e credenze sui palchi e nelle sale non è meno importante degli spettacoli di strada.

Sulla situazione attuale nel campo dell'arte contemporanea

Nella stagione 2015-2016, la parte liberale della comunità artistica ha continuato a parlare di "stringere le viti" e aumentare la pressione del governo. Lo scandalo con il premio" maschera d'oro”, che hanno deciso di riformattare. Il consiglio di esperti stabilito tra i "loro" è stato cambiato, il che ha fatto arrabbiare molti critici e registi. Kirill Serebrennikov e Konstantin Bogomolov si sono persino rifiutati di partecipare ai prossimi eventi. Ma gli esperti sono semplicemente diventati diversi, con opinioni e punti di vista diversi, e non persone dello stesso campo. Ma anche questo ha fatto arrabbiare i liberali, che hanno visto la politica nel cambiamento. Si scopre che i cosiddetti "liberi professionisti" sono intolleranti alle critiche e ai più prestigiosi premio teatrale fu usurpato per introdurre nel teatro domestico i propri canoni e principi, tutt'altro che classici e accademici. Gli autori degli scandali del palcoscenico principale sono diventati i proprietari di questo premio. La “Maschera d'oro”, a sua volta, ha svolto il ruolo di una certa protezione: “Beh, non puoi rimproverarlo, è il vincitore della“ maschera ”.

Le figure dell'arte contemporanea stanno cercando di presentarsi come speciali, eccezionali, mentre dettano propria opinione prestando attenzione alla politica. I motivi politici non possono che intensificarsi il prossimo anno, che vedrà le elezioni parlamentari e, di conseguenza, un aumento dell'attività politica. Grazie a Internet, numerosi autori e critici hanno accesso a un vasto pubblico e opere brillanti e originali mireranno a diffondere le ideologie necessarie. Non si escludono nemmeno manifestazioni di una nuova ondata di azionismo politico.

Naturalmente, è sia difficile che irrazionale sopprimere una tale ondata con divieti e restrizioni. D'altra parte, la pratica delle risposte simmetriche sembra abbastanza praticabile, cosa che è già stata sperimentata con successo in politica estera. Cioè, nel mondo dell'arte sarà una risposta di creatività a creatività, creatività a creatività, una battaglia per il pubblico, nonostante la maggioranza della popolazione sia ancora incline a valori conservatori e tradizionali, non cerchi modi di intendere l'astratto, non è disposto a sostituire il suo gusto agli artisti "schiaffi". Naturalmente, questa affermazione non si applica a vere e proprie provocazioni e violazioni della legge, per contrastare le quali esistono meccanismi affidabili completamente diversi.

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