Metodi per imparare a suonare lo strumento. Riassunto di una lezione su come insegnare ai bambini a suonare strumenti musicali per bambini

Piano - astratto

lezione di uno strumento speciale: la fisarmonica a bottoni

Soggetto: Formazione delle abilità scientifiche meccaniche nella fase iniziale della formazione nella classe di fisarmonica a bottoni.

Tipo di lezione: assimilazione di nuove conoscenze.

Lo scopo della lezione: formare le capacità di condurre la pelliccia nella fase iniziale dell'apprendimento con cui suonare la fisarmonica a bottoni applicazione pratica loro nell'art.

Obiettivi della lezione:

Insegnare a comprendere schemi semplici per condurre la pelliccia;

Padroneggiare i principali tipi di movimento della pelliccia su materiale musicale (movimento fluido, accelerazione e decelerazione del movimento della pelliccia);

Sviluppare il controllo uditivo, l'attività creativa dello studente attraverso varie attività;

Coltivare un costante interesse e bisogno per l'esecuzione musicale.

Tipo di lezione: lezione basata sul metodo dell'approccio sistema-attività.

Tecnologie educative:

Orientato alla persona;

Tecnologie di sviluppo, apprendimento basato sui problemi;

Tecnologia di gioco;

Tecnologia dell'informazione e della comunicazione;

Risparmio di salute.

Metodi: conversazione, confronto figurativo, metodo dialogico, metodo d'insieme, dimostrazione pratica su uno strumento, metodo problematico, dimostrativo e illustrativo (chiarezza sonora e visiva).

Mezzi di istruzione: complesso interattivo; presentazione video della lezione; libri di testo: G.I. Krylov "L'ABC del piccolo fisarmonicista" (1 parte), "L'ABC del piccolo fisarmonicista" (2 parte), A.F. Denisov, V.V. Ugrinovich "Bayan", una riproduzione del dipinto di Shishkin "Tre orsi").

Struttura della lezione

IO. fase organizzativa.(2 minuti)

1. Saluto musicale.

2. Ascolto: "I giocattoli stanchi dormono" di A. Ostrovsky (illustrazione di un insegnante).

II(3 minuti)

Conversazione, annuncio dell'argomento della lezione.

III. Attualizzazione della conoscenza (5-7 min.)

1. Conversazione sul materiale trattato mediante slide.

2. Lettura orale di spartiti

IV. Assimilazione primaria di nuove conoscenze (20 min.)

1. Lo studio degli schemi di base e dei tipi di movimento della pelliccia.

2. Il gioco degli esercizi "Brezza calma", "Piccola tempesta", "Respiro calmo" con valvola d'aria.

3. Suona l'esercizio "Tre orsi" sulla tastiera sinistra.

v. Verifica iniziale di comprensione (5 min).

Riproduzione di canzoni:

Canzone per bambini "Fiordaliso"

R.n.p. "Come sotto una collina, sotto una montagna";

Audizione: L. Knipper "Polyushko-field", breve analisi comparativa.

VI.Fissaggio primario (7 min.)

1. Il gioco "Immagini sonore".

2.Esecuzione di opere musicali nell'ensemble: E. Tilicheeva "Il cielo è blu", canzone per bambini "Mashenka-Masha".

7. Informazioni su compiti a casa, briefing (2 min.)

1. Disegna un'immagine grafica dei suoni su carta e suoni da qualsiasi tasto: "Corda forte", "Corda spessa e pesante", "L'aeroplano è volato vicino".

8. Riflessione. (1 minuto.)

Analisi delle attività in aula.

La connessione della conoscenza acquisita nella lezione con la vita

La conclusione dello studente sul significato della lezione nella sua vita.

Marcatura per il lavoro.

Durante le lezioni

IO. fase organizzativa. (2 minuti)

1. Saluto musicale

“Ora inizierà la lezione di musica,

Questo ci è stato detto da una chiamata allegra,

Disse, versando fuori, su una nota alta,

Mi congratulo con te per l'inizio della lezione!”

E così inizieremo la nostra lezione su uno strumento speciale: la fisarmonica a bottoni con il suono della musica.

Per favore, siediti comodamente sulla tua sedia. Vi consiglio di ascoltare la canzone. Suona la canzone di A. Ostrovsky "I giocattoli stanchi dormono". ( Eseguito dall'insegnante). ………………………………. scivolo (1)

II. Motivazione, definizione dell'obiettivo della lezione.(3 minuti)

Bella musica? E forse un amico? ( SÌ).

Dove potresti sentirla? ( La mamma ha cantato, in TV).

Dopo aver ascoltato questa canzone, cosa puoi dire del suo carattere? ( Calmo, melodioso, morbido)

Giusto. E il movimento della pelliccia sulla fisarmonica a bottoni ci aiuta a trasmettere questo carattere di questa canzone. Ma come? Quindi ora dobbiamo risolvere la cosa con te. Nei tempi antichi, un uomo di nome Boyan viveva in Rus'. Cantava canzoni, raccontava epopee sulle vittorie e le sconfitte dei soldati russi, si accompagnava all'arpa. Lo strumento, amato dalla gente, è stato chiamato in memoria dell'antico cantastorie con il suo nome: fisarmonica a bottoni. Bayan ha una voce meravigliosa, capace di "cantare" in modo penetrante una canzone piena di sentimento. Ha un suono profondo di "respiro" e "respira" come un uomo, e senza questo respiro suonare la fisarmonica a bottoni è impensabile. Pertanto, la pronuncia espressiva della musica è in gran parte determinata dalla tecnica sviluppata del mantice, che spesso i fisarmonicisti chiamano strumento leggero, dando così vita a questo dettaglio.

E l'argomento della nostra lezione di oggi sarà dedicato alla scienza meccanica. Dobbiamo imparare a comprendere semplici schemi di mantice e padroneggiare i tipi base di movimento e cambio di mantice su materiale musicale.

III. Aggiornamento delle conoscenze. (5 minuti.)

Prova a indovinare l'indovinello:

Lo prenderai tra le mani

Ti allunghi, poi stringi

Giocherà, basta toccare,

Qual'è il suo nome?

(Armonico)

Come già saprai dalla storia della fisarmonica a bottoni, la fisarmonica era il suo predecessore.

Ora prendi un risonatore e prova a emettere un suono soffiando nei fori rotondi, come su un'armonica. Grande! Ben fatto!

- Ricordiamo ora come si chiamano i componenti della fisarmonica a bottoni? (Semiscafo destro, semiscafo sinistro, mech.). Giusto.

Cosa ne pensi: cosa componente la fisarmonica a bottoni lo aiuta a "respirare"? (Pelliccia). Giusto.

Cosa fa suonare la fisarmonica? ( Il suono di una lingua di metallo - "voce").………………………………. scivolo (2)

IV. Assimilazione primaria di nuove conoscenze. (14 minuti)

Prima di iniziare a produrre suoni, ti suggerisco di prendere una matita con la mano sinistra e disegnare una linea orizzontale immaginaria nello spazio, simile alla traiettoria della pelliccia. Fallo lentamente e senza intoppi, cioè senza strappi, e la direzione del movimento della mano dovrebbe corrispondere alla traiettoria della pelliccia.

Hai fatto bene, bravo.

Ora proveremo a estrarre il suono sulla fisarmonica a bottoni, dove è necessario eseguire lo stesso movimento, ma in condizioni più difficili per il controllo del mantice dello strumento. Inizieremo questo lavoro anche con te, con gli esercizi. Quando si eseguono questi esercizi sullo strumento, si dovrebbero sentire i diversi modi (gradi) di tensione del pelo ei risultati sonori ottenuti in funzione di questo.

E così il primo esercizio è “Respirare”: lo studente preme la valvola dell'aria, quindi conduce la pelliccia, aprendola (sbloccandola, indicata dal segno V) e chiudendola (spremendola, indicata dal segno G). La condizione principale per la sua attuazione è la condotta lenta e regolare della pelliccia dopo il tasto precedentemente premuto. La dinamica del suono è fluida e silenziosa, il movimento della pelliccia è anche chiamato liscio.

Ora ti offro vari modi di guidare il mantice con la valvola dell'aria premuta per trasmettere la natura di questo o quell'esercizio: "Brezza calma", "Piccola tempesta", "Respiro calmo", "Dopo aver corso ci riposeremo".

Pensi che sia possibile associare cambiamenti nei livelli sonori dinamici con rappresentazioni spaziali? Ad esempio: ("L'aereo è partito"), ("L'aereo è arrivato") e cosa succede al suono? (È possibile. Il suono si intensifica, quindi si indebolisce). Proviamo a ritrarre questi "aerei". Nell'eseguire questi esercizi cercate di far controllare al vostro udito il graduale cambiamento di volume del suono, misuratelo con il grado di tensione del pelo, concentratevi sui movimenti del pelo (la funzione delle dita si limita a premere il tasti) e confrontare le sensazioni fisiche con il risultato sonoro. Accelerare e rallentare il movimento della pelliccia è usato come mezzo di espressività della frase.

- Ricordiamo con te gli eroi della fiaba "Tre orsi" e proviamo a raffigurare ogni eroe con i suoni sulla tastiera sinistra. Mikhail Potapych: l'insegnante estrae due suoni lunghi: uno per aprire, l'altro per spremere con il secondo dito sulla chiave di sale; Nastasya Petrovna: con il terzo dito sulla chiave a; Mishutka: con il quarto dito sul tasto fa. E troveremo la nostra fine a questa fiaba: Mashenka è riuscita a scappare dalla capanna in tempo, si è nascosta dietro i cespugli e imita gli orsi. Lei capisce così. L'insegnante suona con il quinto dito sul tasto nero. Inoltre, questo esercizio viene appreso dallo studente senza contare ad alta voce, durante il gioco controlla l'uniformità del mantice, la qualità della produzione del suono.

(Schemi di una rappresentazione grafica dei suoni,………………….. Diapositiva (3,4), una riproduzione del dipinto di Shishkin "Tre orsi").

v. Verifica iniziale della comprensione (7 min.)

E ora proviamo a utilizzare le abilità di movimento acquisite e cambiare la direzione della pelliccia durante gli esercizi, da applicare durante la riproduzione di canzoni.

Canzone per bambini "Fiordaliso";

R.n.p. "Come sotto una collina, sotto una montagna." Sorprendente! Hai controllato il movimento e il cambio della pelliccia, non hai permesso urti, sobbalzi della pelliccia.

Ascoltando L. Knipper "Polyushko-field". Eseguito dall'insegnante.

Ora ti offrirò diverse opzioni per l'esecuzione di questo pezzo. Presta attenzione al mio muggito e al suono dell'ultima frase.

Quali cose insolite hai visto e sentito nella mia esibizione? (Spingendo la pelliccia).

Un paragone così figurato è adatto alla mia performance come "L'aereo è volato via" ( NO. "L'aereo è partito" - il suono si attenua, e ho sentito l'ultima frase per amplificare il suono).

- Hai notato correttamente il movimento irregolare della pelliccia e hai notato sottilmente il suono dell'ultima frase. Ben fatto! In futuro, quando analizzeremo Polyushko-Polye, dovrai seguire il gioco di accordi dal suono breve. E perché? Sì, questo porta a tremare il corpo della fisarmonica a bottoni e interrompe il flusso regolare della melodia. ………………………… (Diapositiva 5)

Fizminutka. (3)

I nostri muscoli sono tesi e devono potersi rilassare. Ora faremo una serie di esercizi di rilassamento muscolare:

Esercizio per liberare il corpo e le braccia, rilassamento dei muscoli "Humpty - chat". L'esercizio viene eseguito stando in piedi. Alza entrambe le braccia su e giù attraverso i lati, inclinando leggermente il busto in avanti. Le mani ondeggiano per inerzia, in questo momento vengono pronunciate le parole: "humpty dumpty". L'esercizio viene ripetuto 3-4 volte.

- "Il soldato e il cucciolo d'orso". Viene eseguito stando seduti su una sedia. Al comando "Soldato!" raddrizza la schiena e siediti fermo, come un soldatino di stagno. Al comando "Cucciolo d'orso!" rilassati, dietro la schiena, come un paffuto cucciolo d'orso. Ogni comando ha cinque secondi per essere completato. L'esercizio viene ripetuto più volte.

- "Cigno". Viene eseguito stando seduti su una sedia. Lo studente alza le mani orizzontalmente sul pavimento e le sbatte come ali, quindi le abbassa bruscamente, scuotendole. L'esercizio viene ripetuto più volte.

VI.Fissaggio primario (8 min.)

E così ci siamo riposati, abbiamo rilassato tutti i muscoli, il che significa che possiamo sederci di nuovo allo strumento.

Ora ti suggerisco di giocare al gioco "Sound Pictures". Ti mostrerò immagini raffiguranti oggetti e tu, suonando sulla tastiera destra su qualsiasi tasto usando il suono, cambiandone il volume - ad alta voce, a bassa voce, amplificando, indebolendo, devi rappresentare i contorni degli oggetti disegnati: "Ragnatela", " Corda”, “Corda per nave”, “Tubo largo”, “L'aereo è arrivato”, “L'aereo è volato via”.

Hai fatto tutto bene. - Bene, ora suoniamo con te nell'ensemble. Sai cos'è un ensemble? (E quindi prestazione congiunta). Ora con il tuo gioco mostrerai come hai padroneggiato le principali direzioni di movimento della pelliccia. Eseguiremo con voi la canzone per bambini "Il cielo è blu" di E. Tilicheeva e la canzone per bambini "Mashenka-Masha". Ben fatto! La tua pelliccia fluttuava come un "ruscello" - senza sussulti, senza intoppi, non hai rotto la linea melodica, il suono era morbido, melodioso.

7. Informazioni sui compiti, briefing. (2 minuti.)

La nostra lezione sta per finire e dobbiamo formulare un compito a casa:

1. Disegna un'immagine grafica dei suoni sia su carta che su un suono da qualsiasi tasto: "Corda forte", "Corda spessa e pesante", "L'aeroplano è volato vicino".

2. Dai suoni "mi", "fa" suona gli esercizi "L'aereo è arrivato", "L'aereo è volato via".

3. Correggi il cambio di pelliccia nella canzone "Fiordaliso", "È ora di dormire".

4. Con la mano destra, suona a orecchio la canzone "Il gatto se n'è andato", utilizzando le opzioni: suonare e cantare la melodia con le parole, senza parole.

8. Riflessione. (1 minuto.)

Dimmi, cosa hai imparato nella lezione di oggi? ( sulle direzioni della pelliccia, che il suono quando si suona la fisarmonica a bottoni dipende dalla capacità di possedere la pelliccia).

Come ti è sembrato il materiale della lezione? (comprensibile, utile).

Pensi che queste conoscenze e abilità possano esserti utili ulteriormente per padroneggiare la fisarmonica a bottoni, per trasmettere un'immagine artistica in un brano musicale e poi nella vita? ( SÌ. Imparerò a suonare bene la fisarmonica, suonerò in un ensemble, parteciperò a concerti, a concorsi).

- Come ti senti quando esci dalla classe? ( Sollevato).

Sei un grande cervello! Meraviglioso, attivo e con interesse ha lavorato alla lezione. Con questo ci salutiamo. Non vedo l'ora della tua prossima lezione.

Nella teoria e nella pratica dell'educazione musicale, ci sono diversi approcci per insegnare ai bambini in età prescolare a suonare strumenti.

Esistono diversi modi per imparare a suonare strumenti musicali melodici: per note, per colore e designazioni numeriche, a orecchio.

Insegnare ai bambini a suonare la musica è molto laborioso, anche se a volte viene utilizzato nella pratica. Non tutti i bambini in età prescolare padroneggiano la notazione musicale se non viene svolto un lavoro individuale costante.

È importante che i bambini comprendano la connessione tra la disposizione delle note su un pentagramma e il loro suono in una melodia, escludendo la riproduzione meccanica dei segni musicali.

Il sistema di colori, comune all'estero, è conveniente per i bambini per padroneggiare rapidamente gli strumenti musicali. A ciascun suono viene assegnata una determinata designazione del colore (tasti colorati, piastre metallofoniche). Il bambino ha una registrazione della melodia nella designazione del colore: vengono utilizzati cerchi colorati o un'immagine a colori delle note, con e senza designazione ritmica. È molto facile suonare secondo questo sistema, ma con questo metodo di gioco (vedo una designazione della nota verde - premo il tasto verde), l'orecchio non partecipa alla riproduzione della melodia, il bambino suona meccanicamente.

In modo simile, ai bambini viene insegnato a suonare in base ai numeri incollati accanto a ciascuna piastra di metallofono e a registrare la melodia in notazione digitale. Anche la designazione della durata può essere modellata (bastoncini lunghi e corti, ecc.)

Il sistema digitale proposto negli anni '30. N. A. Metlov, a quel tempo, forse, era giustificato, ma in seguito iniziò ad essere usato meno frequentemente, poiché porta alla riproduzione meccanica della melodia.

Entrambi i metodi di insegnamento ai bambini (usando il colore e le notazioni digitali) rendono facile e veloce ottenere il risultato desiderato, ma non hanno un effetto sullo sviluppo: la proporzione di riproduzione meccanica della melodia è troppo grande in questi metodi.

Il più grande effetto sullo sviluppo dell'apprendimento si ottiene solo quando si suona a orecchio. Questo metodo richiede uno sviluppo costante dell'udito, un serio allenamento uditivo.

A partire dalla tenera età, è importante incoraggiare i bambini ad ascoltare i suoni della melodia, confrontarli e distinguerli per tono. Per accumulare esperienza uditiva, per sviluppare l'attenzione uditiva dei bambini, vengono utilizzati ausili didattici che simulano il movimento della melodia su, giù, sul posto. Questa è una scala musicale, una farfalla che si muove di fiore in fiore (note), ecc. Allo stesso tempo, vengono cantati i suoni della melodia, corrispondenti in altezza ai rapporti simulati dei suoni.

Puoi anche mostrare con la tua mano il movimento dei suoni di una melodia suonandola contemporaneamente (voce o su uno strumento).

Il metodo per insegnare ai bambini a suonare strumenti musicali a orecchio si basa sulla graduale espansione della gamma di canzoni cantate. All'inizio, il bambino suona una melodia costruita su un suono. Prima di suonare la melodia, la ascolta eseguita dal direttore musicale, che prima la canta, richiamando l'attenzione sul fatto che i suoni della melodia non differiscono di tono, poi suona il metallofono e canta contemporaneamente. Cantare melodie consente ai bambini di immaginare meglio la direzione del movimento della melodia, sviluppa idee musicali e uditive.

Ai bambini vengono insegnate le tecniche di estrazione del suono: tenere correttamente il martello (dovrebbe trovarsi liberamente sull'indice, è tenuto solo leggermente dal pollice), dirigere il colpo al centro della piastra metallofonica, non tenere il martello sul piatto, ma rimuoverlo rapidamente (come una palla che rimbalza). Quando si suonano note lunghe. Il martello dovrebbe rimbalzare più in alto, note brevi - più in basso. Quando un bambino suona una melodia su un suono, deve riprodurre accuratamente lo schema ritmico. Per fare questo, cantando una melodia con le parole, puoi concentrarti sul ritmo dei versi. Per comprendere i rapporti delle durate dei suoni di una melodia, vengono modellati con l'ausilio di bastoncini lunghi e corti o designazioni adottate nella notazione musicale (quarto, ottavo).

Pertanto, imparare a suonare strumenti musicali comprende tre fasi: nella prima fase i bambini ascoltano e memorizzano le melodie, le cantano, familiarizzano con le tecniche di esecuzione, nella seconda fase raccolgono melodie, nella terza fase le eseguono a piacimento .

Il metodo per insegnare ai bambini a suonare gli strumenti dipende da:

• o - strumento appartenente a un determinato gruppo e sottogruppo di classificazione;
• o - il principio dell'estrazione del suono;
• o - l'età dell'esecutore e le mansioni a lui assegnate;
• o - il livello di sviluppo fisico, musicale, emotivo dell'esecutore;
• o - disponibilità di condizioni (materiali, temporali, organizzative) per imparare a suonare lo strumento.

La metodologia per imparare a suonare qualsiasi strumento musicale dovrebbe includere i seguenti passaggi:

• 1. Conoscenza dello strumento: storia della creazione, caratteristiche del design, capacità prestazionali;
• 2. Allestimento dell'apparato esecutivo - corpo, braccia, ecc.;
• 3. Padroneggiare le tecniche di base della produzione del suono;
• 4. Sviluppo delle capacità esecutive - lavorare su prestazioni artistiche, espressive, emotive, musicalmente competenti e tecnicamente perfette pezzo di musica;
• 5. Lavora su un brano musicale.

Metodologia per l'insegnamento del gioco strumenti a percussione

Gli strumenti a percussione sono particolarmente attraenti per i giovani musicisti. Imparare a suonare la maggior parte degli strumenti a percussione dell'orchestra (rublo, sonaglio, ciak, ecc.) Non richiede molto tempo e una formazione speciale, mentre lo sviluppo di adeguate capacità di esecuzione consente di padroneggiare facilmente strumenti a percussione più complessi, tecniche di esecuzione , così come strumenti musicali di un altro gruppo dell'orchestra.

Nel processo di conoscenza dello strumento a percussione, i bambini:

• · Conoscere la storia della sua creazione;
• · Studiare le caratteristiche progettuali, le possibilità prestazionali (anche tecniche);
• · Assegnare caratteristiche che determinano le specificità di un particolare strumento;
• Stabilire l'appartenenza a un sottogruppo in base all'elemento generatore di suoni:
  • - corpo utensile - rumore;
  • - membrana, membrana - membranosa;
  • - piatto - lamellare;
  • - la presenza di più elementi sonori - tipo combinato;
• Scopri come viene prodotto il suono
• - dall'urto di dita, palmi, bastoni, martelli, mazze, strumenti (simili e dissimili) o parti di strumenti l'uno contro l'altro;
• - a seguito di agitazione;
• - attrito (scorrimento);
• - altri metodi di formazione del suono, compresi quelli misti;
• · Imparare le proprietà del suono (altezza indefinita o definita, caratteristiche timbriche, possibilità dinamiche, ecc.);
• · Acquisire conoscenze sulle caratteristiche dell'uso degli strumenti a percussione (creazione di un sottofondo ritmico ostinato, effetti sonoro-visivi, imitazioni sonore; suonare da solo, in un ensemble, lo sforzo di sfumature dinamiche, ecc.)

Il processo di apprendimento del gioco dovrebbe iniziare con uno speciale riscaldamento propedeutico delle mani senza strumento. Ciò ti consentirà di preparare l'attrezzo dell'utente per il gioco, formare e riflettere le sensazioni muscolari necessarie per il gioco e sviluppare la coordinazione della mano. Nella fase iniziale, si consiglia di studiare strumenti senza un certo tono (dal sottogruppo di rumore e membranoso).

Pertanto, dopo aver analizzato i metodi per insegnare ai bambini a suonare strumenti musicali, possiamo concludere che il massimo effetto sullo sviluppo si ottiene suonando a orecchio.

Riassunto della lezione di matematica:

Insegnante di strumenti a fiato.

MBOU DOD DSHI P. Berkakit

Gryzhuk Yulia Valerievna

2018

Schema piano

Articolo: classe di strumenti a fiato

Classe: 2

Tipo di lezione: individuale

Argomento della lezione : "Una metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato nella scuola primaria"

Sistema educativo usato (metodologia, tecnologia)

- L'insegnante crea le condizioni per crescita spirituale personalità, i suoi bisogni di auto-miglioramento;

- Un prerequisito per l'apprendimento è creare i presupposti per il passaggio dall'educazione all'autoeducazione;

- Modo attività congiunte nel sistema: insegnante - studente; studente - studente; studente - genitore insegnante - genitore (circuito chiuso).

– L'insegnante sviluppa la creatività nel bambino. È importante determinare le capacità, l'orientamento, il potenziale di ogni studente, la sua vita e gli orientamenti professionali e dirigere il suo sviluppo. L'insegnante usa anche forme attive e metodi di formazione e istruzione, un approccio attivo all'apprendimento, al movimento e allo sviluppo basato sull'esperienza personale per comprendere e accumulare nuove esperienze e conoscenze.

Tecnologia salva-salute;

Tecnologia di gioco;

Tecnologia incentrata sullo studente con un approccio differenziato;- sviluppare l'istruzione;

Artistico.

Materiale didattico:

Gotsdiner G. Psicologia musicale - M., 1987.

Skok G. Come analizzare la propria attività pedagogica - M., 2000.

Kirnarskaya D. Abilità musicali. - "Talenti-XXI secolo".

Berger N. Il concetto moderno ei metodi di insegnamento della musica - S.-P., 2004. Ginzburg L. Sul lavoro su un'opera musicale - M.1977.

Kryukova V. Pedagogia musicale. Rostov sul Don 2002.

Mulberg K. Fondamenti teorici per imparare a suonare strumenti a fiato. Kiev, 1985.

Platonov P. Domande sui metodi di insegnamento per suonare strumenti a fiato. - M., 1978.

Rozanov V. Fondamenti di metodi didattici e suonare strumenti a fiato. - M., 1988.

Kryuchkov A. Fondamenti della respirazione esecutiva quando si suonano strumenti musicali a fiato per studenti dell'istruzione speciale primaria e secondaria. M., 1985

Ausili tecnici per la formazione (se usato in classe)

L'elenco delle registrazioni audio e video utilizzate nella lezione, aiuti visuali eccetera.

Attrezzatura della lezione :

programma della lezione;

due sassofoni (uno per l'insegnante);

pianoforte;

Leggio;

materiale musicale;

materiale didattico (task card, disegni dei bambini).

Obiettivi della lezione :

Educativo :

Formazione delle abilità di base quando si impara a suonare il sassofono:

1. chiusura sicura delle valvole con le dita di entrambe le mani, flessibilità delle dita

per alcune diteggiature;

2. allenamento nella corretta impostazione "libera" dell'apparato labiale

(imboccatura);

3. uso corretto del respiro esecutivo durante il gioco;

Sviluppando:

Sviluppo di capacità lavorative indipendenti e creative fin dalle prime lezioni

musica;

Sviluppo dell'udito, della memoria, del ritmo, del pensiero musicale;

Sviluppo delle abilità di base nella padronanza del sassofono.

Sviluppo di una visione generale, sviluppo della volontà e controllo del proprio comportamento.

Educativo:

Educazione al gusto estetico.

- educazione alla perseveranza e alla diligenza.

Obiettivi della lezione:

preparazione di un musicista sensibile e colto - un esecutore orchestrale e da camera, nonché un solista che conosce bene i mezzi espressivi inerenti al suo strumento ed è in grado di rivelare al pubblico il contenuto delle opere musicali;

impara ad ascoltare e ascoltare te stesso nel processo di esecuzione.

Metodi e tecniche per l'esecuzione dei compiti:

Osservazione;

Udito;

Pratico;

Visivo;

Risultato atteso :

- rafforzare le capacità iniziali di suonare il sassofono in combinazione con

migliorare lo stato fisico e psicologico del corpo.

- imparare a suonare uno strumento liberamente

Padroneggia i compiti principali nella tecnologia del gioco.

Acquisisci esperienza nel lavoro analitico durante l'esecuzione di studi, scale,

esercizi e giochi

Parte principale della lezione:

"Una metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato nella scuola primaria."

1.Introduzione: conoscere lo strumento

Il sassofono è uno strumento relativamente giovane, il cui inventore fu il talentuoso maestro belga Adolf Sax (1814-1894). Dopo una lunga ricerca e sperimentazione, è riuscito a realizzare la prima copia di un insolito strumento musicale, che ha ricevuto il nome del suo inventore. Questo accadde intorno al 1840. Sachs è stato il primo ad esibirsi in concerto davanti al pubblico, dimostrando con il suo modo di suonare tutte le virtù del sassofono.

Saks ha ulteriormente sviluppato la sua idea di design, che lo ha portato a creare un'intera famiglia di sassofoni. Ha realizzato la prima famiglia per l'uso nell'opera e nell'orchestra sinfonica, e la seconda - come parte di banda di ottoni. Allo stesso tempo, ogni varietà del sassofono ha ricevuto il proprio nome in conformità con i nomi accettati. voci cantanti: sopranino, soprano, contralto, tenore, baritono e basso. I sassofoni del primo gruppo non hanno resistito alla prova del tempo e hanno lasciato il posto agli strumenti della seconda famiglia. È su di loro che i sassofonisti suonano oggi sul palco del concerto, nell'orchestra e nell'ensemble.

I primi a sentire la bellezza del timbro del sassofono, principalmente come membro dell'opera e dell'orchestra sinfonica, furono eccezionali compositori francesi XIX secolo G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, K. Saint-Saens, V. d'Andy e altri. Furono loro ad anticipare il futuro del sassofono e la prospettiva della sua partecipazione a varie forme accademiche e generi di arte musicale. Soprattutto nel XX secolo sono state create molte belle composizioni per sassofono. A. Glazunov, C. Debussy, F. Schmitt, J. Iber, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov hanno scritto musica per lui, A. Eshpay e altri. Oltre all'esibizione solista e orchestrale, si è diffusa la forma d'insieme di suonare il sassofono. Oltre alle opere appositamente scritte per il sassofono, il repertorio degli esecutori comprende molti arrangiamenti e trascrizioni di musica classica, che rivelano anche le possibilità naturali dello strumento.

Grandi risultati sono stati raggiunti dai sassofonisti nel campo della musica jazz, dove lo strumento ha assunto per lungo tempo una posizione di primo piano.

Il sassofono appartiene al gruppo degli strumenti a fiato e ha una struttura complessa. Consiste di tre parti principali: un bocchino concanna, tubo e corpo del bocchino con un sistema sviluppato di meccanismo a valvola-leva. L'estremità del tubo dello strumento ha la forma di una campana rivolta verso l'alto.

Una parte importante del sassofono èboccaglio, rappresentando nel suo aspetto un cilindro cavo a forma di becco. È realizzato in gomma, ebanite, plexiglass o una speciale lega metallica. Il bocchino ha in larga misura un impatto sul suono dello strumento, o meglio sulla colorazione del suono. Il bocchino scivola facilmente dentro e fuori dal bocchino

2. Impostazione razionale.

Per padroneggiare con successo la tecnica di suonare il sassofono, soprattutto nella fase iniziale della formazione, il futuro musicista deve prima di tutto comprendere bene le regole di base della messa in scena, seguita dalla loro attuazione nel processo del lavoro individuale.

Il concetto di "messa in scena" indica un insieme di regole per la posizione razionale e l'interazione di tutti i componenti dell'apparato esecutivo del musicista (respiro, labbra, dita, mani, ecc.). L'impostazione razionale aiuta il sassofonista a ottenere risultati di gioco di alta qualità con il minimo sforzo e tempo, per evitare inutili tensioni muscolari aggiuntive. Compito di una corretta impostazione è promuovere un'efficace e disciplinata organizzazione delle lezioni sullo strumento, in cui la scelta delle tecniche, dei metodi e dei ritmi di lavoro sia fatta tenendo conto del livello e della durata della formazione del musicista, nonché della sua capacità individuali.

L'impostazione razionale include i seguenti elementi:

1. Impostazione generale: un modo conveniente per tenere il sassofono tra le mani, la posizione corretta del corpo, della testa, delle mani, delle dita e dei piedi.

2. Messa in scena dell'esecuzione della respirazione - modalità di controllo volontario della respirazione e regole per cambiare respiro durante il gioco.

3. Impostazione dell'imboccatura: la posizione più appropriata del boccaglio sulle labbra, la forma e la natura dell'azione dell'imboccatura e della mascella inferiore.

4. Impostazione dell'articolazione: la posizione della lingua, la forma della cavità orale.

5. Impostazione della diteggiatura: la posizione delle dita sullo strumento, l'organizzazione di azioni riflesse accurate, coordinate, stabili, libere ed economiche dell'apparato delle dita.

Il prerequisito più importante per la formazione delle abilità nella tecnica esecutiva di un sassofonista è il rispetto dei requisiti che garantiscono l'esecuzione complessiva del gioco. Si riducono ai seguenti punti.

Il corpo e la testa del sassofonista devono essere mantenuti uniformi e dritti, senza deviazioni laterali e inclinazioni avanti e indietro. La postura di esecuzione dovrebbe essere naturale, rilassata, indipendentemente dal fatto che il sassofonista eserciti lo strumento stando in piedi o seduto. In questo caso, il petto dovrebbe essere leggermente sollevato e le spalle dovrebbero essere aperte. Ciò darà maggiore libertà al lavoro dei muscoli respiratori.

Un buon appoggio sulle gambe aiuta a mantenere la corretta postura del corpo quando si gioca in piedi. Per fare questo, è meglio spingerli alla larghezza del piede, girare i calzini e spingere leggermente in avanti la gamba sinistra. Quando si gioca da seduti, si consiglia di sedersi dritti, su metà della sedia, senza fare affidamento sullo schienale. È severamente vietato mettere un piede sull'altro. Il sassofono contralto è tenuto tra le mani obliquamente lungo il corpo, appoggiandosi con la curvatura inferiore del tubo sulla coscia destra del suonatore. Per adattarsi alla posizione stabile del sassofono, uno speciale cinturino con moschettone consente di impostare l'altezza desiderata della sospensione dello strumento.

Il comodo adattamento delle labbra del bocchino con l'ancia viene regolato ruotando il bocchino sul bocchino senza cambiare la posizione della testa.

L'impostazione generale del sassofonista è caratterizzata dal ritiro del gomito destro un po' indietro, lontano dal corpo. Le dita sono posizionate sui tasti principali (di madreperla), ad una distanza di circa un centimetro dalla loro superficie. Dovrebbero essere (ad eccezione dei pollici) in uno stato arrotondato, rilassato e nell'area della piega della prima e della seconda falange, avvicinarsi alla posizione verticale. Il tocco dei tasti e delle leve viene effettuato con la punta delle dita senza aumento della pressione, con un certo anticipo dell'attacco sonoro. Quando si premono le valvole laterali con l'indice, i piccoli movimenti delle spazzole dovrebbero essere collegati. La corretta posizione delle dita è facilitata dallo stato naturale dei polsi che, insieme alle mani, formano una linea retta. Quando le dita della mano sinistra toccano le valvole laterali, c'è una certa flessione del polso.

Tecnica di respirazione .

Nel processo di sviluppo coerente della tecnica individuale di suonare il sassofono, la formulazione del respiro professionale, cioè l'esecuzione, è di particolare importanza.

La respirazione professionale di un sassofonista è specifica: oltre alla funzione fisiologica (continuo scambio di gas), svolge la funzione di tempestiva fornitura di aria allo strumento. Questa respirazione si basa sull'abilità di controllare arbitrariamente le fasi di inspirazione ed espirazione da parte del sassofonista. Entrambe le fasi della respirazione sono interconnesse e procedono da sole condizioni speciali: inspirazione rapida e breve ed espirazione lunga e uniforme. La principale difficoltà nell'esecuzione della tecnica respiratoria risiede nel coordinamento di due fasi respiratorie. L'uso sapiente da parte del sassofonista della naturale flessibilità dei muscoli respiratori e l'uso di una respirazione di tipo razionale aiutano a superare questa difficoltà.

Quando si suona il sassofono, il respiro viene preso rapidamente e silenziosamente attraverso gli angoli della bocca e in parte attraverso il naso. Durante l'inalazione, il sassofonista non dovrebbe inspirare troppa aria per evitare un'eccessiva tensione dei muscoli respiratori. È inoltre necessario assicurarsi che le spalle non si sollevino durante l'inalazione. La frequenza inspiratoria dovrebbe corrispondere al tempo assegnato per il cambio di respiro: più breve è la pausa, più veloce è il respiro e viceversa

Esistono due tipi di respirazione: diaframmatica e addominale.

Il tipo di respirazione diaframmatica è caratterizzato dal movimento attivo del diaframma e delle costole inferiori. Di solito viene utilizzato quando si suonano brevi strutture musicali o nei casi in cui il sassofonista ha poco tempo per respirare. E viceversa - quando c'è abbastanza tempo a disposizione per riprodurre il respiro, ricorrono a un tipo profondo di respirazione - toracico-addominale, che consente di eseguire lunghe frasi musicali senza sforzo eccessivo.

Lo sviluppo della tecnica respiratoria può essere effettuato in due modi: senza uno strumento e mentre lo si suona.

Il primo metodo ha un carattere ausiliario. Si basa sull'esecuzione da parte del sassofonista di vari complessi di esercizi fisici generali e speciali di respirazione, che contribuiscono favorevolmente alla vitalità generale del corpo e rafforzano l'apparato respiratorio. Gli esercizi di respirazione sono particolarmente utili per un sassofonista principiante, che gli consentono di acquisire rapidamente l'abilità del controllo cosciente sulla frequenza e la profondità dell'inspirazione, il rapporto tra la durata dell'inspirazione e dell'espirazione e il grado di tensione nella zona di supporto respiratorio.

Il secondo modo in cui si sviluppa la tecnica di respirazione è il principale. È caratterizzato dalla riproduzione sistematica di suoni lunghi in varie sfumature dinamiche, nonché dall'esecuzione di musica lenta e, naturalmente, da vari tipi di esercizi.

Allo stesso modo facendo saltare in aria le note conF SU Pe ritorno. Suonare note lunghe in ottave.

3. Estrazione del suono. La formazione del cuscinetto auricolare.

Quando si suona il sassofono, le azioni più sottili e complesse vengono eseguite in un certo modo da labbra modellate e allenate. La totalità dei muscoli labiali e facciali coinvolti nella produzione del suono, e la loro caratteristica posizione attorno al bocchino con una canna, formano uno speciale complesso fisiologico - imboccatura (dafrancese le parole bouche - bocca e imboccatrice - messe alla bocca. Per la corretta impostazione dell'ambyushura, devono essere soddisfatte le seguenti condizioni:

1. respira profondamente senza alzare le spalle.

2. Piegare leggermente il labbro inferiore sopra i denti inferiori.

3. metti i denti superiori saldamente sul boccaglio al centro, chiudi le mascelle.

4. tenere le labbra in un mezzo sorriso.

5. metti la lingua sotto il bastone e soffia silenziosamente aria, rimuovendo allo stesso tempo la lingua in profondità e in basso, senza gonfiare le guance.

6. tirare il suono, monitorare l'uniformità dell'intonazione.

Il primo suono viene emesso sul bocchino e solo quando l'intonazione diventa stabile iniziano le lezioni sullo strumento. Per allenare l'apparato labiale, di norma, sono adatti esercizi per lo sviluppo delle tecniche di respirazione. Anche nella fase iniziale dell'allenamento, l'elasticità dei muscoli labiali viene allenata su semplici studi:

Poiché le capacità motorie dell'imboccatura sono fisse, nelle labbra compaiono forza e resistenza, è possibile complicare gli esercizi di allenamento, passare alla padronanza dei registri estremi dello strumento.

L'impostazione dell'imboccatura è inseparabile dall'anticipazione uditiva della qualità del suono estratto. La memoria muscolare e l'udito interagiscono simultaneamente, fornendo così il timbro, la dinamica e l'intonazione necessari del sassofono nei diversi registri. L'imboccatura coordina il suo lavoro con altri reparti dell'apparato esecutivo del sassofonista, unendosi con essi in una complessa catena di formazione del suono.

Un sassofonista ha bisogno di monitorare costantemente le condizioni delle sue labbra, proteggerle da varie lesioni, screpolature. Se il labbro inferiore è tagliato con i denti, puoi utilizzare rivestimenti per denti fatti di carta, cotone idrofilo, gomma elastica o ordinare un rivestimento speciale dai protesisti dentali.

Attacco sonoro.

Quando si suona il sassofono, viene eseguito l'inizio dell'estrazione del suono diversi modi associato al movimento simultaneo della lingua e del flusso d'aria espirata. Questo momento iniziale della produzione del suono è chiamato l'attacco del suono. Il sassofonista dovrebbe attribuire particolare importanza all'attacco, in quanto caratterizza il modo individuale di pronunciare il suono.

L'attacco del suono è fornito dal lavoro attivo di un intero gruppo di muscoli della lingua che, quando si contraggono, modificano la configurazione della lingua: la rendono piatta o ispessita, rilassata o densa.

Prima che il suono venga estratto, la lingua è in posizione frontale, toccando la parte interna del "cuscino" muscolare del labbro inferiore, e la parte superiore dell'ancia.

stabilità dell'intonazione e qualità del tono.

Il consolidamento di questa abilità di esecuzione iniziale può essere effettuato sulla base del lavoro su un esercizio speciale, ad esempio:

4. Tecnica del gioco.

Di grande importanza per l'adattamento individuale del sassofonista al suo strumento è lo sviluppo di vari movimenti costantemente interagenti delle dita di entrambe le mani, che forniscono il contatto necessario con il meccanismo a leva del sassofono.

La tecnica delle dita del sassofonista implica la capacità di suonare veloce, chiaro, coordinato e senza stress. Questa qualità viene acquisita in una certa sequenza (dal semplice al complesso) e soggetta a studi lunghi e ponderati. Il lavoro delle dita è coordinato con il funzionamento del respiro, dell'imboccatura, dell'apparato articolatorio e dell'udito.

La formazione delle abilità di gioco dell'apparato delle dita ha i seguenti schemi generali:

1. Nella fase iniziale del lavoro sulle capacità motorie delle dita, si forma progressivamente un'abilità motoria, sulla base di un ciclo ripetuto di esercizi, cioè fissando lo stereotipo riflesso dei movimenti.

2. Nella fase successiva lavoro tecnico c'è una stabilizzazione dell'abilità motoria, il movimento delle dita acquisisce un carattere variabile: quando cambiano l'intonazione, le condizioni dinamiche e timbriche del gioco, possono eseguire azioni con varie combinazioni di diteggiatura, e quando compaiono stimoli esterni estranei, le dita agire in modo stabile senza diteggiatura violazioni e interruzioni.

3. A seconda delle situazioni di gioco, alcuni movimenti di diteggiatura appresi, non importa quanto bene siano automatizzati, possono essere eseguiti inconsciamente o consapevolmente.

4. Il consolidamento riflesso delle abilità si acquisisce al meglio quando si lavora su materiale tecnico a un ritmo lento, attraverso ripetizioni multiple, il cui numero dovrebbe essere ottimale e individuale per ogni sassofonista.

5. Durante il passaggio dalla fase iniziale di automazione dei movimenti all'ulteriore miglioramento della fluidità delle dita, la fissazione delle capacità motorie rallenta leggermente, mentre la crescita della tecnica di esecuzione avviene a passi da gigante - con alti e bassi.

Nel processo di lavoro sulla tecnica delle dita, il sassofonista sviluppa una specifica sensibilità muscoloscheletrica, che gli consente di coordinare con precisione azioni motorie dita nelle relazioni spaziali, temporali e diteggiatura. È necessario sviluppare la tecnica delle dita sui seguenti esercizi:
Quando si gioca vari esercizi, scale ed studi, il compito principale per un sassofonista alle prime armi è impostare liberamente macchina da gioco(mani, dita, cuscinetti auricolari, respirazione).

5. Analisi del risultato della lezione:

Gli obiettivi e gli obiettivi principali della lezione erano insegnare al bambino a suonare correttamente lo strumento. Il bambino ha appreso i principi iniziali per impostare l'intero apparato nel suo insieme: questo e come tenere correttamente lo strumento, come è necessario tenere la testa e il corpo mentre lo si fa, come dovrebbero funzionare l'apparato labiale e le dita. Inoltre, il bambino sa in quale sequenza sarà impegnato, quali esercizi per lo sviluppo di alcuni tipi di tecnologia utilizzerà nel processo delle lezioni. Le abilità acquisite nella lezione iniziale devono essere sviluppate e mantenute durante l'intero processo di apprendimento in una scuola di musica.

Moduli per il controllo dei compiti dello studente:

La casa è data:

1. Suonare suoni lunghi in sequenza diretta - 10 min Suonare la scala analizzata nella lezione.

2. Analisi indipendente dello studio.

3. Lavorare sul lavoro, adempimento dei compiti fissati nella lezione.

Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Ministero della Cultura Federazione Russa FGBOU VPO "Kemerovo State University of Culture and Arts" Institute of Music Department of Orchestral and Instrumental Performance METODOLOGIA DELL'INSEGNAMENTO A SUONARE LO STRUMENTO Complesso didattico e metodologico della disciplina nella direzione della preparazione 53.03.02 (073100.62) "Arte musicale e strumentale ", profilo "Strumenti a corda orchestrali" ( per tipi di strumenti - violino, viola, violoncello, contrabbasso) Qualifica (titolo) del laureato "bachelor" Forma di studio: a tempo pieno, part-time Kemerovo 2015 in conformità con il requisiti dello standard educativo statale federale dell'istruzione professionale superiore nella direzione della preparazione 53.03.02 (073100.62) "Arte musicale e strumentale", profilo "Strumenti a corda orchestrali". Approvato nella riunione del Dipartimento di Esecuzione Orchestrale e Strumentale, 25/03/2015, protocollo n. 8. Raccomandato dal Consiglio Didattico e Metodologico dell'Istituto di Musica del 31/03/2015, protocollo n. insegnare a suonare lo strumento [Testo]: metodo di studio. complesso di discipline in direzione della formazione 53.03.02 (073100.62) "Arte musicale e strumentale", profilo "Strumenti a corda orchestrali" (per tipologia di strumenti - violino, viola, violoncello, contrabbasso), qualifica (laurea) del laureato "scapolo" / autore - comp. I. V. Andrievskaya. – Kemerovo: Kemerovo. stato Università di Cultura e Arti, 2015. - 43 p. 2 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Kniga-Service” INTRODUZIONE Lo scopo della disciplina “Metodi di insegnamento a suonare lo strumento” è quello di studiare le principali disposizioni teoriche della metodologia per insegnare a suonare strumenti ad arco, così come la formazione della capacità di navigare nella letteratura educativa e metodologica del corso . Il posto della disciplina nella struttura della formazione professionale: Il corso di formazione "Metodi di insegnamento dello strumento" fa parte del ciclo professionale delle discipline (B.3) della parte di base (professionale generale). Per padroneggiarlo è necessaria la conoscenza della letteratura musicale e delle discipline teoriche, il possesso di uno strumento speciale nel volume dei corsi di una scuola di musica (college). Competenze formate: come risultato dello studio della disciplina, gli studenti dovrebbero sviluppare le seguenti competenze: - la capacità e la volontà di svolgere attività pedagogiche nelle istituzioni educative della Federazione Russa, istituti di istruzione aggiuntiva, inclusa l'istruzione aggiuntiva per i bambini (PC-20 ); - capacità e disponibilità a studiare e padroneggiare il principale repertorio pedagogico (PC-22); - capacità e volontà di studiare i principi, i metodi e le forme di conduzione delle lezioni nella classe esecutiva, i metodi di preparazione per una lezione, la metodologia per analizzare le situazioni problematiche nel campo dell'attività musicale e pedagogica e le modalità per risolverle (PC-23) ; - la capacità e la volontà di educare gli studenti la necessità di lavoro creativo su un brano musicale (PC-24); - la capacità e la prontezza di analizzare e sottoporre ad analisi critica il processo di esecuzione di un'opera musicale, di condurre un'analisi comparativa di diverse interpretazioni esecutive in aula con gli studenti (PC-26). 3 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” A seguito dello studio della disciplina, lo studente deve: conoscere: - le caratteristiche delle principali scuole nazionali ed estere di esecuzione dello strumento studiato (PC-20 ); - repertorio pedagogico dell'istruzione primaria e secondaria, comprese le opere epoche diverse, generi e stili, composizioni di grande forma, commedie e studi virtuosistici, composizioni di piccole forme, opere di compositori classici, romantici, stranieri e nazionali del 20 ° secolo (PK-20, PK-22, PK-26); - aspetti psicologici, pedagogici, performativi, estetici della professione (PC-20, PC-23); essere in grado di: - analizzare e generalizzare l'esperienza performativa e pedagogica (PC-20, PC-23); - introdurre l'esperienza di insegnanti eccezionali nella propria pratica (PC-20, PC-23, PC-24); - applicare creativamente le loro conoscenze in varie situazioni pedagogiche (PC-23, PC-24, PC-26); - presentare il proprio punto di vista sull'interpretazione dell'opera musicale eseguita (PC-26); possedere: - metodi moderni di lavoro pedagogico in diverse parti dell'educazione musicale (PC-20, PC-22, PC-23); - informazioni sui principali problemi del suonare lo strumento nel tempo attuale e temi di attualità della metodologia didattica (PC-24, PC-26); - conoscenze teoriche complete e abilità pratiche nelle attività di un musicista professionista (insegnante esecutore) (PC-23, PC-26); - capacità di lavorare con la letteratura metodologica, presentazione competente del materiale e comunicazione professionale qualificata nello status di insegnante (PC-23). 4 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Book-Service" 1. STRUTTURA E CONTENUTO DELLA DISCIPLINA 1.1. La struttura della disciplina L'intensità lavorativa complessiva della disciplina è di 144 ore (4 crediti), di cui 72 ore di studio in aula, 36 ore di SIW; la forma del controllo finale è un esame. In forme interattive si tengono 30 ore (40%) di lezioni in aula, in conformità con i requisiti dello Standard educativo statale federale dell'istruzione professionale superiore in questo settore della formazione. 1.1.1. Piano tematico per gli studenti tempo pieno formazione Tipologie di lavoro educativo, incluso SIW, e intensità di lavoro (in ore) Sezioni e argomenti della disciplina Semestre Lezioni frontali. Prakt. Semin. SIW Moduli interattivi Moduli di controllo progressi in corso e certificazione intermedia (per semestri) Sezione 1. Problemi generali di metodologia, pedagogia musicale, psicologia musicale ed esecuzione su strumenti ad arco 1.1. Metodologia come dis2 1 Indagine di controllo ciplin 1.2. Esecuzione musicale 6 3/1* 1 Lettura di un'opera musicale con elementi come processo creativo di discussione 1.3. Forma musicale 3/1* 1* 2 Creatività e contenuto. Compito metodologico per l'esecuzione dell'analisi proposta per un argomento derivato musicale di riferimento 1.4. Udito musicale3/1* 1* 2 Complesso creativo, la sua base psicoanalitica 1.5. 4/2* 1* 2 Sviluppo delle abilità musicali nel corso dell'attività di un musicista professionista Sezione 2. Caratteristiche del processo di esecuzione su uno strumento 2.1. Esecuzione di ap3/1* 2 Situation test parat e metodi del suo sondaggio sul miglioramento dell'analisi del sonno 2.2. Fondamenti di formazione del suono 3/1* 1* 2 Test creativo su archi e strumento di interrogazione del compito 2.3. Psicofisiologico 3/1* 1* 2 Fondamenti rotondi del processo esecutivo 5 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Tipi di lavoro educativo, incluso SIW, e intensità di lavoro (in ore) Sezioni e argomenti della disciplina Semestre Lec. Prakt. Semin. SIW Moduli interattivi Moduli di controllo avanzamento in corso e certificazione intermedia (per semestri) 2.4. Metodi e tecnica 3/1* 2 Lezione sull'esecuzione degli elementi degli strumenti ad arco discussione 2.5. Peculiarità del suono3 1* 2 Estrazione creativa su archi/Strumenti Ana liz Totale per il 6° semestre 30/9* 2/2* 4/4* 18 Sezione 3. Fasi principali dell'apprendimento dello strumento 3.1. Diagnostica della musica4/1* 2 Discussione sulle abilità individuali 3.2. Periodo iniziale 4/1* 1* 3 Apprendimento con giochi di ruolo 3.3. Metodi metodici 4/1 * 3 Creativo abbiamo padronanza del compito didattico / materiale nativo liz 3.4. Caratteristiche generali4 1* 2 Discussione Stick di controllo delle fasi principali Sondaggio del lavoro sul lavoro 3.5. Specificità del metodo 3/1* 1* 2 Situazioni di apprendimento individuale analisi del suonare strumenti ad arco 3.6. Forme di prova 3/1* 1* 2 Attività creative e concertistiche / discussione attività 3.7. Repertorio pedagogico per le istituzioni del sistema di istruzione supplementare 3.8. Fondamenti pedagogici generali per la formazione e l'istruzione di un musicista-archista Totale per il 7° semestre Totale: 144 ore 4/2* 1* - 2 Compito creativo 4/2* - 1* 2 Lezione frontale con elementi di discussione 30/9* 4/4 * 2/2* 60/18* 6/6* 6/6* 18 36 72 di cui 30 ore (40%) di lezione in aula dedicate alle forme interattive di didattica secondo GEF HPE * Ore di lezione nelle forme interattive di didattica . 6 Sondaggio di prova Esame Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 1.1.2. Piano tematico per gli studenti dell'apprendimento a distanza Sezioni e argomenti della disciplina Tipi di lavoro educativo, Moduli, tra cui SIW, intensità attuale e lavorativa (in ore) di controllo e Luogo intermedio di InterSeattestation Lekts. CPC attivo min. (per semestri) moduli Sezione 1. Problemi generali di metodologia, pedagogia musicale, psicologia musicale ed esecuzione su strumenti ad arco 1.1. Metodologia come disciplina 6 1 5 Sondaggio di prova 1.2.–1.5. Performance musicale 1* 26 Il lavoro cerebrale come processo di assalto creativo. Forma e contenuto musicale. Metodi di analisi esecutiva di un'opera musicale. Complesso musicale-uditivo, la sua base psicologica. Sviluppo delle capacità musicali nel processo di attività di un musicista professionista Sezione 2. Caratteristiche del processo di esecuzione sullo strumento 2.1.–2.2. Apparato esecutivo 7 1 10 e metodi del suo miglioramento. Fondamenti di produzione sonora su uno strumento ad arco 2.3. Basi psicofisiologiche 1 5 Controllo processo esecutivo indagine 2.4. Metodi e tecniche 1* 5 Suonare in modo creativo con strumenti a corda compito 2.5. Peculiarità dell'estrazione sonora 1 5 Messaggio sugli strumenti ad arco al seminario Sezione 3. Principali tappe dell'apprendimento dello strumento 3.1. Diagnostica delle abilità musicali 1 5 Indagine sulla capacità di controllo 3.2.–3.3. Periodo iniziale di formazione1 10 niya. Metodi metodici per padroneggiare il materiale didattico 3.4.–3.6. Caratteristiche generali delle principali 15 fasi di lavoro su un'opera. Le specifiche del metodo di apprendimento individuale a suonare gli strumenti ad arco. Moduli di prove e attività concertistiche 7 Copyright JSC "Central Design Bureau" BIBCOM " & LLC "Agency Book-Service" Tipi di lavoro educativo, Moduli inclusi SRS, intensità di lavoro corrente e (in ore) di controllo e Luogo intermedio di attestazione InterSede SRS attivo Letti. min. (per semestri) moduli Sezioni e argomenti disciplinari 3.7.–3.8. Repertorio pedagogico per le istituzioni del sistema di istruzione aggiuntiva. Basi pedagogiche generali della formazione e dell'istruzione di un suonatore di arco Totale: 144 ore 2* 10 Metodo / analisi portfolio 36 10/4* 2 132 di cui 4 ore (40%) di lezioni in aula in forme interattive Esame * Ore in forme interattive di istruzione. 1.2. Il contenuto della disciplina Il contenuto della sezione disciplinare I risultati dello studio della sezione Sezione 1. Problemi generali di metodologia, pedagogia musicale, psicologia musicale ed esecuzione su strumenti ad arco 1. 1. Metodologia come disciplina Di conseguenza, studia Metodologia come disciplina. Unità di metodologia, pedagogia della prima sezione di geek e psicologia. Determinazione dei componenti principali delle parti disciplinari degli studenti della metodologia. Obiettivi del corso, il suo significato e la sua collocazione nel corso devono: ciclo di discipline speciali dipartimentali da conoscere: 1.2. L'esecuzione di un'opera musicale come materiale teorico dei principali argomenti del processo creativo Le principali funzioni dell'esecuzione del pensiero. Sezione importante (PC-20); principali problemi di prestazione e di apprendimento. Fondamenti fisiologici fondamentali psicopedagogici del processo performativo sulla base di vari strumenti speciali. Lo studio delle leggi, dei modelli e dei metodi di insegnamento individuale del gioco delle scuole correnti è addestrato negli strumenti a corda. Caratteristiche dell'esecuzione di suonare le corde del pensiero scettico del musicista-corder. Sviluppo di strumenti di raggio (PC-20, le nostre tradizioni di pedagogia straniera e domestica PC-22); 1.3. Forma e contenuto musicale. La tecnica di is- - analisi domestica e di riempimento di un'opera musicale, pad moderna Il processo di esecuzione dell'analisi della forma musicale della metodologia del contenuto principale e figurativo dell'opera. Lo sviluppo della musa - componenti del pensiero messo in scena. Il contenuto e l'intenzione dell'artista secondo un'opera d'arte speciale. La connessione dell'immaginazione con uno strumento vitale (PC-23); esperienza. Creazione e attuazione del piano di performance 8 Copyright OJSC "Central Design Bureau" BIBCOM " & LLC "Agency Book-Service" Contenuto della disciplina sezione 1.4. Complesso musicale-uditivo, la sua base psicologica L'orecchio musicale come mezzo più importante per organizzare e controllare il processo di esecuzione. Tipi di orecchio musicale: interno, esterno, relativo, assoluto, nonché melodico, armonico, polifonico, timbricodinamico. Metodologia per lo sviluppo dell'orecchio musicale. Problemi di intonazione musicale. Esecuzione dell'intonazione quando si suona uno strumento a corda. Dipendenza dell'intonazione esatta dal lavoro di coordinamento dell'udito, della mano sinistra e della mano destra. Le rappresentazioni musicali e sonore e il loro ruolo nell'individuazione degli aspetti sonori, tecnici, espressivi dell'esecuzione. Psicologia della percezione musicale 1.5. Sviluppo delle capacità musicali nel processo di attività di un musicista professionista Inclinazioni musicali e abilità musicali. Musicalità. Emozioni in musica. Ritmo musicale. L'orecchio musicale come specifica capacità umana. La struttura del talento musicale. Psicomotorio. Sensazioni motorie. Abilità fisiologiche e loro ruolo nell'esecuzione di attività di successo su strumenti ad arco Risultati dello studio della sezione per essere in grado di: - analizzare e generalizzare l'esperienza esecutiva e pedagogica di insegnanti eccezionali, e quindi implementarla nella propria pratica (PC-20, PC-22, PC-23); possedere: - conoscenze teoriche e abilità pratiche su questi argomenti della sezione (PC-26); - metodi moderni di lavoro pedagogico in diverse parti dell'educazione musicale (PC-20, PC-22, PC-23) Sezione 2. Caratteristiche del processo di esecuzione sullo strumento 2.1. Apparecchio esecutivo e metodi del suo miglioramento Come risultato dello studio della seconda sezione Caratteristiche generali dell'apparato esecutivo. studente di disciplina Le caratteristiche della produzione del suono su uno strumento a corda dovrebbero: quelle associate all'uso di componenti da eseguire: l'apparato corporeo (organi dell'udito, dita, ecc.) Teoria delle stringhe Componenti biofisici dell'esecuzione di strumenti di processo. Componenti meccanici: strumento, corde, arte del piede, brutto arco, colofonia. L'unità di tutti i peeling performanti dei suoi componenti scientifici del sistema funzionale quando si gioca sulla fondatezza, uno strumento. Risultato sonoro come Feedback . Tech: le basi dell'immagine sonora e del fraseggio musicale. Dinamica, colpi e colpi (PC-26), tecniche, agogica, ecc. Il valore dell'espressività del suono - i dati fisici del canto e la purezza dell'intonazione e le capacità fisiologiche dello studente 9 Il contenuto della sezione disciplinare 2.2. Fondamenti di formazione del suono su uno strumento ad arco Formazione del suono. A proposito di suono. Fondamenti fisici delle leggi dell'acustica. Caratteristica di qualità del suono. Timbro, intensità, intonazione, durata del suono. La natura e la specificità del suono. Principi generali e specifici della formazione del suono su uno strumento ad arco. L'agente eziologico delle vibrazioni sonore. I componenti principali dello strumento. Influenza degli elementi strutturali sulla qualità del suono: su timbro, dinamica, intonazione 2.3. Fondamenti psicofisiologici del processo esecutivo Il significato degli insegnamenti di IP Pavlov sull'attività nervosa superiore nel convalidare il meccanismo dell'esecuzione musicale. Il ruolo dei riflessi nella formazione delle abilità performative. Fondamenti del cervello umano e loro connessione con il movimento performativo. Pensiero astratto. L'importanza della conoscenza dei fondamenti psicofisiologici del processo esecutivo su uno strumento musicale per ottenere migliori risultati nell'educazione della personalità creativa di un suonatore di arco. Caratteristiche generali dell'apparato esecutivo. Caratteristiche di estrazione del suono associate a caratteristiche prestazionali. L'unità delle componenti fisiologiche e meccaniche del sistema funzionale nel processo prestazionale. Mezzi generali di espressione musicale 2.4. Metodi e tecniche per suonare gli strumenti ad arco Il concetto di "tecnica esecutiva" in senso ampio e stretto. Determinazione della complessità dei singoli episodi, del loro isolamento e metodi di lavoro sulle difficoltà tecniche. Gioco modificato. Rallenta il gioco. Gioco con memoria di imprecisioni. Lavorare sul suono è un momento importante nell'incarnazione artistica della musica eseguita. Il valore della gradualità nel padroneggiare ogni tecnica di gioco. Fondamenti della tecnica del passaggio: chiarezza della linea, intonazione, uniformità dinamica. Peculiarità del lavoro su cantilena e brani virtuosistici. Il concetto di "abilità performante". Esercizi tecnici e loro ruolo nel miglioramento della tecnica esecutiva. Nozioni di base sull'applicazione. Il concetto di diteggiatura, la dipendenza del fraseggio, il tempo, il carattere e la sua influenza sulle componenti della personalità del musicista del discorso musicale (PK-23, PK-26); essere in grado di: - utilizzare correttamente il metodo di visualizzazione uditiva, il metodo di visualizzazione manuale e il metodo di spiegazione nelle lezioni su apposito strumento (PC-23, PC-24, PC-26); possedere: - conoscenza scientifica della pedagogia musicale moderna nel campo del processo esecutivo su strumenti ad arco (PC-22, PC-26) 5. Caratteristiche dell'estrazione del suono su strumenti a corda I principali metodi di estrazione del suono. Condizioni per la formazione delle capacità motorie. Preparazione ideomotoria. Morsetti muscolari. La posizione naturale dei vari componenti dell'apparato performante come base di un allestimento razionale. Il valore del risparmio energetico. Un insieme di regole di messa in scena, il loro significato nell'esecuzione pratica di strumenti a corda. Impostazione della mano destra (produzione del suono, lavoro sui tratti, ecc.). Dichiarazione della mano sinistra (intonazione, cambio di posizione, vibrato). Le carenze più tipiche del processo di stadiazione, le loro cause e i metodi per la loro eliminazione. Tecnica e fraseggio musicale. Dinamica, agogica, colpi, ecc. Significato dell'espressività del suono e purezza dell'intonazione Sezione 3. Le fasi principali dell'apprendimento dello strumento 3.1. Diagnosi delle abilità musicali Come risultato dello studio del Metodo per determinare le abilità musicali, la terza sezione delle cause degli errori nel determinare le capacità dei bambini. disciplina studente Identificazione delle abilità nel processo di insegnamento della musica. dovrebbe: Il rapporto tra sviluppo intellettuale e musica - sapere: abilità cal. - compiti della metodologia Senso del ritmo, metodi per raggiungere la corretta perfezione chic dell'organizzazione ritmica: contare ad alta voce, cronometrare, apprendere la teoria degli archi, suonare il ritmo senza uno strumento. Tipi di memoria strumentale (uditiva, visiva, motoria, ecc.), Il loro uso dell'arte, l'apprendimento nel processo di lavoro. La capacità di approfondire attivamente la sua reazione emotiva scientifica alla musica quando si suona su inst-fondazione (PK-22, rumente. Orecchio musicale: tono, dinamico - PK-23, PK-24), chesky, timbro. Caratteristiche qualitative - fondamenti dell'udito suono-immagine-suono-altezza e metodi per lo sviluppo della conoscenza (PC-26), 3.2. Il periodo iniziale di formazione - dati fisici La stretta relazione tra educazione musicale e formazione fisiologica è la base per il corretto sviluppo musicale delle capacità dell'allievo del bambino. durante l'allenamento sulla selezione di strumenti speciali. Conseguenze negative dell'apprendimento su strumenti che non corrispondono alle caratteristiche delle corde legate all'età degli studenti. Manuali per lo strumento iniziale (PC-23), formazione (scuole, antologie, ecc.), loro valutazione - psicofisiologicamente dal punto di vista dei principali principi didattici: i fondamenti del processo esecutivo di gradualità, accessibilità, visibilità, ecc. strumento, atterraggio, inizio dello sviluppo (PK-23), impostazione dell'apparato di esecuzione. Metodi di utilizzo - metodi di diagnosi dell'uso del canto e dei movimenti ritmici nello sviluppo delle capacità musicali (PC-22, PC-23), giovani musicisti 11 . 3. Metodi metodici per padroneggiare il materiale didattico La sequenza di studio di scale e arpeggi nel processo di apprendimento. Scopi e obiettivi dell'esecuzione delle scale. Significato dell'unificazione della diteggiatura nelle scale. Il valore degli studi nello sviluppo delle prestazioni degli studenti. Tipi e tipi di studi, metodi per lavorare con loro. La dipendenza della natura della performance dal tempo scelto correttamente. Il contenuto della prova tecnica e la sua preparazione 3.4. Caratteristiche generali delle fasi principali del lavoro su un'opera Fasi del lavoro su un'opera: conoscenza iniziale, elaborazione dettagliata, preparazione per un'esecuzione concertistica. La relativa condizionalità di una tale divisione. Il rapporto tra inizi emotivi e razionali nel processo di lavoro su un'opera. L'importanza del lavoro consapevole attivo nello sviluppo corretto e produttivo dell'esecutore nel processo di lavoro su un'opera teatrale. Mezzi di espressività: tempo, agogico, designazioni esecutive nella letteratura musicale. Lo sviluppo della coscienza artistica nel processo di elaborazione di un'opera. Le fasi principali nello studio del lavoro musicale artistico. Introduzione al lavoro. Formazione di un piano di prestazioni. Realizzazione di un progetto esecutivo. Problemi di tradizione e innovazione. Sviluppo dell'udito interno dell'udito di una variante performante. Principi di base del lavoro sul testo. Analisi della forma musicale. Determinazione delle caratteristiche stilistiche dell'opera. Struttura metro-ritmica dell'opera, tempo, metronomo. Lavoro su problemi tecnici e sviluppo artistico dell'opera. episodi tecnici. Cantilena. Lavora sull'intonazione, sul fraseggio. Approvazione dinamica del piano. Agogica. Rubato. Il lato improvvisativo della performance. Imparare a memoria. Implementazione dell'idea e miglioramento dell'espressività dell'esecuzione. L'ultimo periodo di lavoro su un brano musicale. Lo sviluppo del pensiero figurativo attraverso la pittura, la letteratura. Conoscenza del lavoro, dello stile, dell'epoca del compositore. Analisi dettagliata del testo, isolamento e metodi di lavoro su difficoltà tecniche, solide scienze - caratteristiche del periodo iniziale di studio (PK-23), - metodi e tecniche per padroneggiare materiale istruttivo (PK-20, PK-22, PK- 23), - le fasi principali del lavoro su un brano musicale (PK-24), - forme di attività di prova (PK-23, PK-24), - metodi per ottenere risultati elevati nella formazione della personalità creativa di un musicista (PK-24); essere in grado di: - utilizzare correttamente il metodo di visualizzazione uditiva, il metodo di visualizzazione manuale e il metodo di spiegazione nelle lezioni su uno strumento speciale (PK-22, PK-23, PK-24, PK-26); possedere: - una tecnica di lavoro con i principianti; - metodo di lavoro su un brano musicale; - conoscenza scientifica della pedagogia musicale moderna nel campo del processo di esecuzione su strumenti ad arco (PK-20, PK-22, PK-23, PK-24, PK-26) Il contenuto della sezione disciplinare 3. 5. Specificità del metodo di apprendimento individuale a suonare gli strumenti ad arco I principali metodi di apprendimento a suonare gli strumenti ad arco. Metodi didattici di base: chiarificazione, dimostrazione, persuasione, dimostrazione delle capacità artistiche ed espressive degli strumenti. Organizzazione di lezioni individuali e di gruppo in un gruppo musicale. Orari di lavoro, orari delle lezioni, disponibilità delle aule. Metodologia delle lezioni individuali. La lezione è la principale forma di apprendimento individuale. Requisiti moderni per la lezione, tipi di lezioni. La struttura della lezione combinata. Mezzi per sviluppare una reazione emotiva alla musica. Creazione di situazioni di gioco nella lezione (studente nel ruolo di insegnante, ecc.) 3.6. Forme di prove e attività concertistica Le prove sono la principale forma di preparazione per un'esecuzione concertistica. I compiti delle prove: migliorare le capacità di suonare strumenti, leggere le note da un foglio, la formazione di abilità musicali d'insieme, uno studio completo di un brano musicale. La relazione di tutte le forme di apprendimento, la loro combinazione e applicazione nelle diverse fasi del lavoro 3.7. Repertorio pedagogico per le istituzioni del sistema di istruzione aggiuntiva Documentazione su uno strumento speciale. Forme di pianificazione del lavoro del capo. Requisiti per la selezione del repertorio per i sei mesi, tenendo conto delle caratteristiche individuali degli studenti, delle prospettive del loro sviluppo. Accessibilità semantica e tecnica del repertorio didattico: varietà di forme, stili e generi 3.8. Basi pedagogiche generali della formazione e dell'educazione di un suonatore di archi Metodi di influenza pedagogica. Persuasione, esercizio e assuefazione, insegnamento, stimolazione. La comunicazione verbale e vocale nella pedagogia strumentale. Il metodo della dimostrazione pedagogica manuale come caratteristica specifica dell'apprendimento strumentale. Eccezionali educatori in mostra pedagogica. Il valore dell'autorità e della personalità dell'insegnante nel processo di apprendimento. L'abilità della comunicazione pedagogica. La direzione d'orchestra come mezzo per influenzare il sentimento ritmico e la percezione emotiva 13 Risultati dello studio della sezione Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Kniga-Service Agency” 2. MATERIALE DIDATTICO E TEORICO 2.1. Guida alla parte teorica del corso Sezione 1. PROBLEMI GENERALI DI METODOLOGIA, PEDAGOGIA MUSICALE, PSICOLOGIA MUSICALE ED ESECUZIONE SU ARCHI Argomento 1.1. Metodologia come disciplina Scopo: analisi del contenuto del corso e della gamma di questioni e problemi studiati dalla metodologia come disciplina. Compiti: 1. Analisi del sistema delle visioni più razionali e moderne nei metodi di insegnamento. 2. Rassegna della letteratura metodologica di autori nazionali e stranieri moderni. 3. Breve introduzione con la storia dell'arte dell'arco. Abstracts: Copertura dei problemi che la metodologia studia: l'assimilazione di tutti i materiali metodologici, la loro padronanza, la capacità di usarli; ampliare gli orizzonti nel campo della pedagogia dell'archetto, studiando il repertorio moderno adatto all'insegnamento ai bambini nelle scuole di musica e nelle scuole d'arte; connessione tra teoria e pratica; approfondire le conoscenze teoriche che possono aiutare nello svolgimento delle attività, uno studio approfondito del materiale istruttivo e teorico, questioni di formulazione; preparare gli studenti a parlare in pubblico. Letteratura sull'argomento: 1, 4, 5. Argomento 1.2. Esecuzione di un'opera musicale come processo creativo Scopo: analizzare le caratteristiche dell'esecuzione di un'opera musicale e i fattori che influenzano questo processo. Compiti: 1. Studiare le principali funzioni dell'esecuzione del pensiero. 2. Analizzare i problemi più importanti dell'esecuzione e dell'apprendimento degli strumenti a corda. 3. Considerare i problemi della corretta selezione del repertorio. 14 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Abstracts: Selezione corretta del repertorio come base per una performance di successo. La presenza dell'immaginazione creativa ed esecutiva come fattore importante nello sviluppo dello studente e nella sua formazione come musicista-artista. Fondamenti psicofisici del processo esecutivo su uno strumento ad arco. Lo studio dei modelli e dei metodi di apprendimento individuale. Caratteristiche dell'esecuzione pensando a un suonatore di archi. L'importante ruolo della memoria dell'esecuzione musicale nell'esecuzione di un brano musicale. Letteratura sull'argomento: 2, 12, 13. Argomento 1.3. Forma e contenuto musicale. Metodi di analisi dell'esecuzione di un'opera musicale Scopo: considerare i concetti di forma e contenuto musicale. Compiti: 1. Studiare la tecnica dell'analisi delle prestazioni. 2. Designare il ruolo del pensiero musicale nel lavoro sul contenuto musicale del lavoro. 3. Essere in grado di analizzare la forma musicale e il contenuto figurativo di un'opera musicale. Abstracts: Sviluppo del pensiero musicale. Metodi di analisi esecutiva di un'opera musicale, individuazione delle difficoltà. Determinare le cause del loro verificarsi e i modi per superarli. Selezione di materiale istruttivo e tecnico quando si lavora su opere di forme piccole e grandi. Il contenuto e l'intenzione dell'opera musicale. Il processo di esecuzione dell'analisi della forma musicale e del contenuto figurativo dell'opera. Creazione e implementazione del piano di performance. Analisi comparativa di varie interpretazioni di opere musicali eseguite da rappresentanti di spicco di scuole di spettacolo nazionali ed estere. Letteratura sull'argomento: 4, 12, 17. 15 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Argomento 1.4. Complesso musicale-uditivo, la sua base psicologica Scopo: considerare il concetto di complesso musicale-uditivo, studiarne le basi psicologiche. Compiti: 1. Descrivi il concetto di "complesso musicale-uditivo". 2. Impara i tipi di orecchio musicale, analizza la loro importanza per il flusso di successo del processo di esecuzione. 3. Acquisire familiarità con i metodi per sviluppare l'orecchio musicale. Riassunti: Orecchio musicale, suoi tipi (relativo, assoluto, interno, esterno). L'orecchio musicale come mezzo più importante per organizzare e controllare il processo esecutivo. La necessità di un orecchio musicale relativo altamente sviluppato per un suonatore di archi. Metodologia per lo sviluppo dell'orecchio musicale. Sviluppare un orecchio per la musica attraverso esercizi di solfeggio e altri metodi. Sviluppo dell'intonazione, dell'udito dinamico e timbrico, che è il più importante per uno strumentista d'archi. Esecuzione dell'intonazione quando si suona uno strumento a corda (intonazione, udito dinamico e timbrico). Dipendenza dell'intonazione esatta dal lavoro di coordinamento dell'udito, della mano sinistra e della mano destra. Psicologia della percezione musicale. Letteratura sull'argomento: 3, 6, 11, 19. Argomento 1.5. Lo sviluppo delle capacità musicali nel corso dell'attività di un musicista professionista Scopo: considerare le caratteristiche dello sviluppo delle capacità musicali, identificare il loro ruolo di primo piano in attività professionale musicista d'archi. Compiti: 1. Designare il ruolo delle abilità musicali nell'attività di esecuzione di un musicista professionista. 2. Essere in grado di elencare i tipi di abilità musicali, identificarne le caratteristiche. 3. Apprendere i principi metodologici di base per lo sviluppo delle abilità musicali. 16 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Abstracts: Abilità musicali e inclinazioni musicali. Formazione e sviluppo delle abilità musicali basate sulle abilità musicali. Gli aspetti più importanti del talento musicale ed esecutivo (orecchio musicale, ritmo musicale, memoria musicale). Prerequisiti psicologici per il processo musicale-performativo. Attenzione esecutiva. Tipi di attenzione, condizioni per il loro sviluppo. Abilità musicali, loro sviluppo e creazione di condizioni favorevoli per l'istruzione. Abilità fisiologiche e loro ruolo nell'esecuzione di attività di successo su strumenti ad arco. Letteratura sull'argomento: 1, 2, 11. Sezione 2. CARATTERISTICHE DEL PROCESSO DI PERFORMANCE SULLO STRUMENTO Argomento 2.1. L'apparato esecutivo e i metodi del suo miglioramento Scopo: considerare il concetto di apparato esecutivo e conoscere i modi e i metodi del suo miglioramento. Compiti: 1. Considerare le caratteristiche generali dell'apparato esecutivo. 2. Designare le componenti biofisiche e meccaniche del processo di esecuzione. 3. Impara le basi dell'impostazione più razionale di un esecutore su uno strumento a corde. Abstracts: Peculiarità della produzione sonora su uno strumento ad arco associate all'utilizzo dei componenti dell'apparato esecutivo (organi uditivi, dita della mano sinistra, mano destra, ecc.). Caratteristiche generali dell'apparato esecutivo. Padroneggiare le basi dell'impostazione più razionale. Mezzi esecutivi del musicista-corder. Componenti biofisiche e meccaniche del processo esecutivo (strumento, arco, colofonia, archi). L'unità di tutti i componenti performanti del sistema funzionale quando si suona uno strumento ad arco. Il valore dell'espressività del suono. L'intonazione come uno dei mezzi espressivi più importanti quando si suona su strumenti ad arco. Risultato sonoro come feedback. Letteratura sull'argomento: 2, 4, 7, 14.17. 17 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Argomento 2.2. Fondamenti della formazione del suono su uno strumento a corda Scopo: considerare i principi e le caratteristiche della formazione del suono su strumenti a corda. Compiti: 1. Conoscere le basi fisiche delle leggi dell'acustica. 2. Analizzare l'interazione delle mani destra e sinistra nel processo di produzione del suono, la coerenza delle loro azioni. 3. Valutare il ruolo principale della mano destra nella produzione del suono su uno strumento a corde. Abstracts: Le principali caratteristiche (generali e specifiche) dell'estrazione del suono sugli strumenti ad arco. Caratteristica di qualità del suono. L'interazione delle mani destra e sinistra nel processo di produzione del suono. Eliminazione dell'eccessivo stress fisico. Sviluppo della libertà, facilità nel processo di esecuzione. La necessità di un preciso coordinamento dei movimenti. Peculiarità della direzione dell'arco durante l'esecuzione di varie sfumature (forte, pianoforte). Le principali qualità del suono espressivo sono la chiarezza e la purezza, l'assenza di impurità del rumore nel suono. Influenza sulla qualità del suono dei cambi di arco, attacco del suono, giunzione delle corde. Fondamenti fisici delle leggi dell'acustica. L'agente eziologico delle vibrazioni sonore. I componenti principali di uno strumento a corda, il dispositivo dell'arco. Letteratura sull'argomento: 2, 13, 17. Argomento 2.3. Fondamenti psicofisiologici del processo performativo Scopo: considerare il significato dei fondamenti psicofisiologici del processo performativo. Compiti: 1. Descrivere le caratteristiche psico-fisiologiche di un musicista che influenzano il processo esecutivo. 2. Acquisire la conoscenza dei fondamenti psicofisiologici del processo performativo. 3. Analizzare i metodi per padroneggiare l'autocontrollo e la regolazione volitiva. Abstracts: Caratteristiche psicofisiche di un musicista, che influenzano la sua attività musicale ed esecutiva. Il ruolo dei riflessi nella formazione delle abilità performative. 18 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Importanza della conoscenza dei fondamenti psicofisiologici del processo esecutivo su uno strumento musicale per ottenere migliori risultati nell'educazione della personalità creativa di un suonatore di archi. L'unità delle componenti fisiologiche e meccaniche del sistema funzionale nel processo prestazionale. Caratteristiche della preparazione psicologica di un musicista-esecutore per un'esibizione pubblica. Autocontrollo e regolazione volitiva. Metodi per padroneggiare lo stato ottimale del concerto. Letteratura sull'argomento: 2, 3, 7,10. Argomento 2.4. Metodi e tecniche per suonare strumenti a corda Scopo: considerare i metodi e le tecniche per suonare strumenti a corda. Compiti: 1. Studiare la tecnica di lavorare sulla tecnica della mano destra. 2. Impara la tecnica di lavorare sulla tecnica della mano sinistra. 3. Impara i concetti di "abilità esecutiva" e "tecnica esecutiva". Abstracts: Il concetto di "tecnica esecutiva". Lavoro sulla tecnica della mano destra (scienza del suono, tecnica del colpo, cantilena, esecuzione degli accordi). Lavoro sulla tecnica della mano sinistra (fluidità delle dita, tecnica dei passaggi, precisione dell'intonazione, vibrazione, note doppie, accordi). Il concetto di "abilità performante". Materiale didattico: scale, studi, esercizi. Il suo ruolo nel miglioramento della tecnica esecutiva. Nozioni di base sull'applicazione. Il concetto di posizione, disposizione ampia e stretta delle dita. Movimento della tastiera. Modi per eseguire transizioni da una posizione all'altra. Classificazione delle transizioni. Offerta. Esecuzione flageolet. Doppie note, difficoltà nella loro esecuzione e principi per lavorarci sopra. Letteratura sull'argomento: 6, 9, 14, 17. Argomento 2.5. Caratteristiche dell'estrazione del suono su strumenti a corda Scopo: considerare le caratteristiche dell'estrazione del suono quando si suonano strumenti a corda. 19 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Compiti: 1. Impara le regole di base per mettere in scena un suonatore di archi. 2. Acquisire familiarità con i principali metodi di produzione del suono su strumenti a corda. 3. Valutare il valore dell'espressività del suono quando si suonano strumenti ad arco. Abstracts: I principali metodi di produzione del suono su uno strumento ad arco. Ricezione del gioco del pizzicato. Regole di messa in scena e loro significato nella pratica esecutiva. Morsetti muscolari e metodi della loro eliminazione. Il valore della posizione naturale dei vari componenti dell'apparato performante come base di un allestimento razionale. L'importanza del corretto posizionamento della mano destra per ottenere un'esecuzione accurata di vari colpi: liscio (legato, dettaglio, portato), a scatti (martel, staccato), saltellante (staccato, spicato, sotille, rimbalzo), così come misto ( uniforme e irregolare). Posizionamento della mano sinistra, fluidità delle dita, correttezza dei cambi di posizione, modalità di gioco su una puntata, doppie note, vari tipi di transizioni, vibrazione, purezza dell'intonazione. Le carenze più tipiche del processo di stadiazione, le loro cause e i metodi per la loro eliminazione. Dinamica e fraseggio musicale. Il valore dell'espressività del suono e della purezza dell'intonazione quando si suona uno strumento a corda. Letteratura sull'argomento: 2, 4, 13, 17. Sezione 3. FASI PRINCIPALI DELL'APPRENDIMENTO A SUONARE LO STRUMENTO Argomento 3.1. Diagnostica delle abilità musicali Scopo: considerare i metodi per diagnosticare le abilità musicali. Compiti: 1. Studiare i modi e i metodi per determinare le abilità musicali. 2. Impara i tipi di abilità musicali e studia la metodologia per il loro sviluppo. 3. Considera l'influenza delle abilità musicali sul processo di apprendimento di un suonatore di archi, identifica il loro ruolo nel processo di apprendimento. 20 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Abstracts: Metodologia per determinare le abilità musicali, cause di errori nella determinazione delle abilità musicali dei bambini. Metodi per determinare le abilità musicali. L'influenza della formazione e dell'istruzione sui dati musicali dello studente. Orecchio musicale (relativo, assoluto, interno) e metodi del suo sviluppo. Ritmo musicale, modi per raggiungere la corretta organizzazione ritmica. Memoria musicale, suoi tipi e metodi del suo sviluppo. Immaginazione esecutiva musicale e sua connessione inestricabile con lo sviluppo di altre capacità musicali dello studente (orecchio della musica, ritmo, memoria musicale, ecc.). La capacità di una reazione emotiva attiva alla musica quando si suona uno strumento. Letteratura sull'argomento: 1, 3, 4, 8. Argomento 3.2. Periodo iniziale di studio Scopo: analizzare periodo iniziale apprendimento. Obiettivi: 1. Designare le caratteristiche del periodo iniziale di apprendimento come studente d'archi come base per il corretto ulteriore sviluppo di un musicista che si esibisce. 2. Padroneggia la metodologia di lavoro con i principianti. 3. Analizzare i metodi e le tecniche per padroneggiare il materiale didattico. Abstracts: Attivazione e sviluppo della suscettibilità musicale, risveglio e identificazione delle capacità. Metodologia per lo svolgimento delle prime lezioni. La fase iniziale di assimilazione della notazione musicale. Il passaggio dagli studi teorici alla pratica dell'esecuzione sullo strumento. Introduzione allo strumento. Selezione di uno strumento, sua conformità con le caratteristiche di età dello studente. Conseguenze negative della scelta errata dello strumento. Il ruolo degli esercizi preparatori nell'impostazione della mano destra. Posizione della mano sinistra. Sviluppo e consolidamento delle abilità di gioco. Addestramento all'autoaccordatura dello strumento. La scelta dei vari sussidi musicali per l'educazione elementare, le antologie, la loro valutazione in termini di gradualità, accessibilità, chiarezza. Letteratura sull'argomento: 2, 3, 6, 16. 21 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Book-Service" Argomento 3.3. Metodi metodici per padroneggiare il materiale istruttivo Scopo: considerare metodi metodici per padroneggiare il materiale istruttivo nella classe degli archi. Compiti: 1. Impara gli scopi e gli obiettivi dello studio del materiale didattico, analizza il suo significato nel migliorare le capacità di esecuzione di uno studente su uno strumento a corda. 2. Studiare i metodi e le tecniche per padroneggiare il materiale didattico nella classe degli strumenti a corda. 3. Analizzare l'impatto dello studio del materiale didattico sulla performance complessiva e sullo sviluppo artistico dello studente. Abstracts: Finalità e obiettivi dello studio del materiale didattico. La sequenza dello studio delle scale e degli arpeggi nel processo di apprendimento. Padroneggiare una singola diteggiatura di scale e arpeggi. Studi ed esercizi nello sviluppo delle prestazioni dello studente. Tipi di schizzi per lo sviluppo di vari tipi di tecnologia, metodi per lavorarci. Padroneggiare scale, studi, esercizi come miglioramento di tecniche e modi per ottenere un gioco espressivo sullo strumento. Il rapporto del lavoro su materiale tecnico con lo sviluppo musicale e artistico dello studente. La connessione diretta degli studi e degli esercizi raccomandati con tipi di tecnica degli studenti non sufficientemente sviluppati. Requisiti obbligatori per la prova tecnica e preparazione per essa. Letteratura sull'argomento: 6, 9, 14, 17. Argomento 3.4. Caratteristiche generali delle principali fasi del lavoro su un'opera Scopo: considerare le caratteristiche generali delle principali fasi del lavoro su un brano musicale. Compiti: 1. Impara le fasi principali del lavoro su un brano musicale. 2. Studiare la metodologia di lavoro su un brano musicale. 3. Considera la totalità dei mezzi utilizzati per incarnare l'intenzione artistica dell'esecutore su uno strumento a corda. Abstracts: Le fasi principali del lavoro su un'opera d'arte e musica: conoscenza iniziale, formazione di un piano di performance, creazione di un piano di performance, preparazione per un'esecuzione concertistica. Principi di base del lavoro sul testo. Analisi della forma musicale. Determinazione delle caratteristiche stilistiche dell'opera. La sua struttura metro-ritmica. Individuazione delle difficoltà tecniche e ricerca dei metodi per superarle. Lavora sull'intonazione, sul fraseggio. Sviluppo dell'udito interiore della versione esecutiva. Costruzione di un piano di lavoro dinamico. Uso di vari mezzi espressività musicale. Agogica, rubato. Memorizzazione del testo. La fase finale del lavoro su un brano musicale. Letteratura sull'argomento: 6, 12, 13. Argomento 3.5. Le specifiche del metodo di apprendimento individuale a suonare strumenti a corda Scopo: considerare le caratteristiche del metodo di apprendimento individuale a suonare strumenti a corda. Compiti: 1. Studiare le principali modalità di apprendimento individuale per suonare strumenti a corda. 2. Apprendi le basi della metodologia delle lezioni individuali nella lezione di archi. 3. Conoscere le conquiste avanzate della pedagogia moderna, i metodi per ottenere risultati elevati nella formazione della personalità creativa di un suonatore di archi. Abstracts: Metodi didattici di base. Organizzazione e metodologia delle lezioni individuali. Corretta organizzazione dello studio autonomo degli studenti. La connessione delle caratteristiche e delle caratteristiche dello studente con la preparazione di un piano individuale. Metodi di influenza sullo studente. Rispetto delle condizioni per il processo educativo più fruttuoso: ordine di lavoro, orario di lezione, disponibilità di locali. L'importanza del ruolo della comunicazione verbale in classe nella specialità. La lezione è la principale forma di apprendimento individuale. Struttura ottimale della lezione. Diversi tipi lezione (lezioni individuali, lezione aperta, lezione di consultazione, ecc.). Studio e applicazione delle conquiste avanzate della pedagogia moderna. Letteratura sull'argomento: 3, 4, 7. 23 Copyright OJSC "Central Design Bureau" BIBCOM " & LLC "Agency Book-Service" Argomento 3.6. Forme di prove e attività concertistica Scopo: considerare le forme di prove e attività concertistica di un esecutore su uno strumento ad arco. Compiti: 1. Impara le forme base delle attività di prova. 2. Studiare i metodi per ottenere risultati elevati nell'attività esecutiva di un suonatore di archi. 3. Considera l'influenza del processo di prova sul miglioramento delle capacità di suonare uno strumento a corda. Abstracts: Le prove come una delle principali forme di formazione per un musicista d'archi. Le prove sono la principale forma di preparazione per un concerto. I compiti delle prove: migliorare le capacità di suonare lo strumento, leggere spartiti, formare abilità nel suonare musica d'insieme. Nel processo di prova, ha luogo uno studio completo di un'opera musicale, affinando la performance. Esempi della costruzione ottimale del processo di prova. L'importanza della formazione sistematica. Le conseguenze negative della riproduzione sconsiderata di materiale musicale. La necessità di una chiara comprensione e assimilazione consapevole del materiale studiato. Raggiungere gli obiettivi prefissati nel superare le difficoltà tecniche. Analisi delle dinamiche positive con il giusto processo di prova. Un passaggio graduale dal lavoro sulle piccole cose a un'intera interpretazione dell'opera. Letteratura sull'argomento: 5, 7, 12, 13. Argomento 3.7. Repertorio pedagogico per le istituzioni del sistema di istruzione aggiuntiva Scopo: analizzare la selezione del repertorio pedagogico per le istituzioni del sistema di istruzione aggiuntiva. Compiti: 1. Considerare e assimilare il materiale teorico su questo argomento. 2. Comprendere l'importanza della corretta costruzione delle prime lezioni per il successivo periodo di studio. 3. Considera il principio di un approccio individuale quando lavori con uno studente di archi. 24 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Abstracts: Importanza di un'adeguata formazione iniziale dei musicisti. Accuratezza nel pensare attraverso la metodologia delle prime lezioni. Rispetto del principio di un graduale aumento delle difficoltà nell'insegnamento ai principianti. Selezione di materiale didattico accessibile allo studente sia in termini di contenuto artistico che di tecnica esecutiva. Il principio dell'approccio individuale. Aggiornamento del repertorio con opere di autori contemporanei. Diversità obbligatoria del repertorio. Interesse, entusiasmo dello studente nella composizione eseguita. Accessibilità semantica e tecnica del repertorio didattico: varietà di forme, stili e generi. Letteratura sull'argomento: 4, 8, 17. Argomento 3.8. Fondamenti pedagogici generali della formazione e dell'educazione di un suonatore di archi Scopo: considerare il quadro pedagogico generale della formazione e dell'educazione di un suonatore di archi. Compiti: 1. Studiare i metodi di influenza pedagogica su uno studente su uno strumento a corda. 2. Conoscere i principi pedagogici di base di varie scuole metodologiche. 3. Considera vari metodi per ottenere risultati elevati nella formazione delle capacità di esecuzione di un suonatore di archi. Abstracts: L'influenza di un insegnante di archi sulla formazione delle opinioni estetiche e del gusto artistico di uno studente. Il valore dell'autorità dell'insegnante nel processo di apprendimento. Insegnare agli studenti ad essere organizzati e autodisciplinati. L'importanza di identificare correttamente le caratteristiche individuali di ogni studente. La necessità di risvegliare attività, iniziativa, perseveranza e perseveranza in classe da parte dello studente. Metodi di influenza pedagogica, loro diversità (persuasione, insegnamento, stimolazione). Il ruolo della comunicazione vocale nella pedagogia strumentale. Il metodo della dimostrazione pedagogica manuale come caratteristica specifica dell'apprendimento strumentale. Applicazione dei principi guida della metodologia moderna nell'insegnamento agli scolari. Letteratura sull'argomento: 1, 5, 7, 8, 15, 18. 25 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 3. MATERIALE DI FORMAZIONE E PRATICO 3.1. Descrizione dei seminari Seminario n. 1 Sezione 1. Problemi generali della didattica strumentale 1. Attrezzi e mezzi esecutivi. 2. Impostazione durante la riproduzione di strumenti musicali a corda. 3. I prerequisiti più importanti per il processo di esecuzione musicale (capacità e inclinazioni). 4. Organizzazione e progettazione del processo educativo nei licei musicali e nelle scuole d'arte. Riferimenti: 1, 7, 22. Seminario № 2 Sezione 2. Caratteristiche del processo di esecuzione su uno strumento ad arco 1. Il vibrato come mezzo di espressione musicale. 2. Articolazione e colpi nel processo esecutivo. 3. Il ruolo e il significato della tecnica della mano sinistra nel processo di esecuzione su strumenti a corda. 4. Tecnica della mano destra nel processo di esecuzione su strumenti a corda. Riferimenti: 1, 2, 3, 20, 21. Seminario n. 3 Sezione 3. Le fasi principali dell'apprendimento dello strumento 1. Problemi di impostazione dell'apparato esecutivo nella fase iniziale dell'apprendimento. 2. Problemi di estrazione del suono nel periodo iniziale della formazione. 3. Lavorare sulla tecnica dell'esecuzione nelle varie fasi dell'allenamento. Letteratura: 2, 9, 12, 16, 22. 26 Copyright OJSC “Central Design Bureau “BIBCOM” & LLC “Agency Book-Service” 4. MATERIALE DI FORMAZIONE E METODOLOGICO 4.1. Linee guida per gli studenti sull'organizzazione del lavoro indipendente e pratico Il lavoro indipendente di uno studente è la parte più importante della padronanza della disciplina. Implica l'autoconsolidamento del materiale didattico e la preparazione per lezioni pratiche e seminariali. Lo studente deve sviluppare un regime di classe che gli consenta di studiare in modo coerente e sistematico la letteratura metodologica senza rimandare la soluzione di questo problema per una sessione. A questo proposito, lo studente deve scegliere una forma conveniente di fissazione e sistematizzazione del materiale didattico. Un modo può essere quello di lavorare sui media elettronici. Quindi, ad esempio, una chiavetta USB può fornire non solo l'archiviazione di fonti primarie in formato elettronico, ma anche la possibilità di un lavoro approssimativo sugli appunti delle lezioni nella disciplina studiata. Durante lo studio del corso "Metodi di insegnamento del suonare lo strumento", profilo "Strumenti a corda orchestrali", si raccomanda agli studenti quanto segue: risolvere questi problemi. 2. Quando si studia questo corso, è necessario coinvolgere le registrazioni dell'esecuzione delle opere stili diversi con successiva analisi in funzione dell'argomento specifico della lezione. 3. È necessario utilizzare frammenti di registrazioni video di lezioni di insegnanti esperti scuole di musica, scuole e università per osservare il processo di lavoro su suono, tecnologia. 4. Si consiglia di ascoltare e confrontare le registrazioni dei migliori interpreti per individuare le caratteristiche dell'interpretazione. 5. Per prepararsi ai seminari, è possibile utilizzare manuali espressivi educativi e metodologici. 6. Per una più completa divulgazione degli argomenti relativi ai problemi di interpretazione, vengono utilizzate registrazioni di concerti di docenti e studenti del dipartimento (compresi gli esami finali di stato), commenti pedagogici su composizioni musicali, relazioni e lezioni di docenti di primo piano. 27 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" un'ampia gamma informazione. Una delle sue fonti è la sua esperienza di esibizione. Il contenuto del corso è progettato per preparare un insegnante alle prime armi all'attività pedagogica, dotarlo sia di mezzi di comunicazione e conoscenza universali nel campo della psicologia, sia di competenze professionali specifiche. L'allievo deve essere in grado di organizzare l'apprendimento dello strumento tenendo conto della natura, dell'età, delle caratteristiche psicologiche e del livello di formazione dell'allievo della scuola di musica. Per fare questo è necessario imparare a pianificare lo sviluppo delle competenze professionali, padroneggiare perfettamente i metodi di insegnamento e conoscere il repertorio musicale e pedagogico della scuola di musica. La prospettiva e la conoscenza delle basi della pedagogia e della psicologia aiuteranno lo studente come futuro insegnante a scegliere i mezzi e le tecniche giuste quando lavora con studenti di vari talenti, prospettive professionali, età e carattere. La conoscenza del repertorio pedagogico ti consentirà di identificare al meglio i punti di forza di ogni studente e di superare i punti deboli con la minima difficoltà. Inoltre, lo studente deve padroneggiare le capacità di analisi metodologica di un'opera, che viene svolta in autonomia, con successiva analisi in aula pratica. ben compreso e compreso materiale metodico influenza l'attività di esecuzione dello studente. Prendere appunti su tutti gli argomenti del corso aiuterà a prepararsi per l'esame in futuro e servirà come promemoria nelle future attività professionali. Ogni studente a distanza dovrà presentare un elaborato scritto su un argomento scelto autonomamente e liberamente dal corso. Il lavoro scritto indipendente dovrebbe riflettere l'atteggiamento dello studente nei confronti delle questioni discusse, nonché la presentazione delle varie opinioni di insegnanti, musicisti e compositori. Nella citazione è obbligatorio il riferimento alla letteratura indicando il luogo e l'ora di pubblicazione, almeno due o tre titoli. Il compito del lavoro scritto è insegnare agli studenti come lavorare con la letteratura e la sua comprensione creativa e sistematica, per promuovere lo sviluppo dell'abilità di presentazione coerente dei loro pensieri e osservazioni. Oltre a scrivere un lavoro indipendente, agli studenti può essere offerta un'analisi metodologica delle opere del repertorio pedagogico e una revisione della letteratura letta. Il fattore più importante nell'insegnamento dei metodi didattici28 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Kniga-Service" è il rapporto tra il corso teorico e la pratica pedagogica, in cui le conoscenze acquisite dagli studenti nel corso delle lezioni su la metodologia dovrebbe essere applicata. Durante il periodo di studio, lo studente deve acquisire familiarità con tutti i principali tipi di lavoro con gli studenti. Su indicazione dell'insegnante, lo studente può sottoporsi contemporaneamente alla pratica pedagogica nella quantità prevista dal curriculum. Il significato della pratica dell'osservazione sta nel familiarizzare con i metodi di lavoro di insegnanti esperti, padroneggiando alcuni modi di spiegare il materiale da loro sviluppato come risultato di una fruttuosa attività pedagogica. Gli studenti possono osservare dall'esterno come l'insegnante cambia le sue tattiche pedagogiche nella direzione della formazione, lavorando con studenti di scuole di musica che differiscono tra loro per età, carattere, abilità, attitudine alla musica, ecc. Acquisizione di esperienza visiva, studio metodi pedagogici Il lavoro di insegnanti con esperienza può in futuro diventare un supporto affidabile per l'inizio della pratica di insegnamento di un giovane specialista. L'analisi delle lezioni può avere il carattere di un'analisi a due facce: autoanalisi dello studente-tirocinante e valutazione dello svolgimento della lezione da parte del docente-relatore. Di grande beneficio è la discussione congiunta delle prestazioni degli studenti, la definizione di conclusioni appropriate per la continuazione del lavoro, i cambiamenti nella sua natura in relazione al passaggio a nuovi compiti e requisiti. Il programma della lezione dovrebbe includere: - l'argomento della lezione; - i compiti principali e specifici nello studio del materiale; - metodi di lavoro sulle difficoltà tecniche; - caratteristiche artistiche delle opere studiate; - la distribuzione del tempo di lezione per varie sezioni del lavoro. Piano per l'analisi metodologica delle opere del repertorio pedagogico 1. Caratteristiche generali dello stile dell'opera. 2. Storia breve creazione (informazioni sul compositore, il periodo creativo della creazione della composizione, informazioni sul fatto che la composizione sia originale per questo strumento o un arrangiamento, ecc.). 3. Definizione del genere dell'opera. 4. Caratteristica a forma di tempo. 29 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & OOO "Agency Book-Service" 5. Dichiarazione dei compiti artistici. 6. Analisi delle difficoltà tecniche e dei modi per superarle. Importante per la buona riuscita della formazione e la selezione di strumenti metodologici che corrispondano al livello di formazione di ogni singolo studente è la compilazione delle caratteristiche individuali dello studente. L'insegnante di una singola classe deve essere attento e in grado di notare le peculiarità del comportamento di ogni studente in classe, la sua reazione al lavoro svolto, l'adattamento allo strumento. Le caratteristiche individuali dello studente aiutano a impostare e risolvere i problemi per il processo di apprendimento di successo di ogni studente. Caratteristiche approssimative di uno studente 1. Livello generale di sviluppo. Età dello studente. Caratteristiche psicologiche, velocità di reazione, attitudine alla musica e alle attività. 2. Dati musicali speciali. Reattività emotiva. Il livello dei dati musicali: udito, ritmo, memoria. Conformità dell'apparato esecutivo dello studente con un dato strumento musicale, il grado di adattabilità allo strumento. immaginazione creativa. Dati tecnici. 3. Attuazione del piano di lavoro pianificato. 4. Analisi del lavoro a casa e in classe. Compostezza e attenzione, efficienza, interesse per le lezioni. Regolarità, capacità di studiare a casa da soli. Il grado di alfabetizzazione nell'analisi. La velocità di padroneggiare un brano musicale. 5. La presenza di immaginazione artistica, iniziativa creativa e livello di sviluppo tecnico dello studente. 6. Conclusioni. Carenze nello sviluppo e modi per superarle. Compiti per il prossimo periodo di studio. Per l'esame, gli studenti devono preparare un elenco approssimativo di brani di repertorio diversi livelli complessità per diversi tipi di tecnologia. Utilizzando l'analisi del clavicembalo e della parte solista di un brano dall'elenco del repertorio, gli studenti forniscono un piano di lavoro approssimativo e il loro concetto metodologico dettagliato. Una delle forme creative di lavoro indipendente di uno studente nella disciplina "Metodi di insegnamento per suonare lo strumento" è la preparazione del proprio punto di vista sulla divulgazione del contenuto musicale dell'opera e il superamento delle difficoltà tecniche e melodiche, tenendo conto metodi moderni per imparare a suonare gli strumenti a corda. Questa forma è molto efficace, poiché gli studenti non solo padroneggiano tutte le sottigliezze delle possibilità espressive di uno strumento a corda, ma ottengono anche un'ulteriore opportunità per approfondire le proprie conoscenze nel campo dei metodi moderni per suonare uno strumento speciale, migliorando così le proprie capacità e abilità. La divulgazione del potenziale creativo è un potente stimolo per la crescita professionale degli studenti. Il lavoro extrascolastico e individuale di uno studente può essere svolto sotto forma di visite a istituti di istruzione musicale primaria e secondaria, nonché visite a concerti, seguite da analisi e discussione indipendenti delle informazioni ricevute. 4.2. Linee guida per l'implementazione del lavoro scritto indipendente per gli studenti dei corsi per corrispondenza La scrittura di un lavoro scritto indipendente nell'ambito dello studio del corso "Metodi per insegnare a suonare lo strumento" può essere utilizzata come forma di controllo dei confini, nonché nel processo di preparazione all'esame da parte degli studenti dei corsi per corrispondenza. L'esecuzione di lavori indipendenti scritti nell'ambito di questo corso è utile anche perché lo studio di questa disciplina è il primo appello alla teoria nella specialità nel processo di preparazione di un musicista. L'esperienza di scrivere lavori scritti indipendenti nel processo di studio di tutte le discipline teoriche del ciclo professionale è estremamente utile, a condizione che le competenze e le abilità pertinenti vengano acquisite durante l'intero periodo di studio. Questi includono: la capacità di lavorare con la letteratura metodologica, i cataloghi, scegliere la giusta fonte di informazioni, registrare ciò che viene letto, la capacità di comprendere criticamente e applicare in modo creativo determinati concetti, redigere un piano, tesi, riassunti, revisioni come uno dei primi forme di lavoro di ricerca. Inoltre, lo studente dovrebbe essere in grado di caratterizzare il problema, riassumere materiale raccolto, per fare una breve rassegna della letteratura su un determinato argomento, un'analisi delle principali disposizioni sul tema. La struttura di un'opera scritta indipendente dovrebbe contribuire alla corretta divulgazione del suo argomento, ovvero la sequenza di presentazione del materiale dovrebbe essere scelta correttamente. La struttura del lavoro si compone di tre parti: introduzione, parte principale e conclusione. L'introduzione contiene una descrizione generale del lavoro e la conclusione riassume l'argomento in esame. Il volume di lavoro deve essere di almeno 20 pagine di dattilografia al computer (1 foglio stampato - 40.000 caratteri con spazi). Tradizionalmente, gli elementi principali della struttura del testo di un'opera scritta indipendente sono i seguenti: 1. Frontespizio. 2. Contenuto (tabella dei contenuti). 3. Introduzione. 4. La parte principale. 5. conclusione. 6. Elenco della letteratura utilizzata. 4.3. Linee guida per gli insegnanti "Metodi di insegnamento a suonare lo strumento" è una disciplina accademica sui metodi per acquisire le necessarie capacità esecutive e le loro corrispondenti metodi moderni apprendimento. Questo corso occupa uno dei posti di primo piano nella struttura dell'OOP universitario ed è strettamente correlato a discipline del ciclo professionale come "Strumento speciale", "Ensemble", "Strumentazione e strumentazione", "Metodi di lavoro con l'ensemble" , "Storia arti dello spettacolo”, “Classe orchestrale”. Questa disciplina ha connessioni interdisciplinari con la pedagogia, che è caratterizzata come una combinazione di vari metodi nella formazione di conoscenze, abilità e abilità pratiche in una particolare materia accademica. Lo studio del corso di metodologia si svolge nel 6°-7° semestre secondo il curriculum ed è parte integrante della formazione professionale completa di scapoli nel campo dell'esecuzione strumentale, insegnanti ed è condizionato dai requisiti di qualificazione. Nella sua base teorica, la disciplina si basa sul sistema di principi didattici sviluppati in pedagogia. I più importanti sono: carattere scientifico e accessibilità del materiale studiato, visibilità, consapevolezza dell'assimilazione, forza della conoscenza, abilità e abilità, attività dell'attività cognitiva degli studenti, loro indipendenza, connessione dell'apprendimento con la vita e professione futura. L'efficacia del processo educativo dipende dal livello della metodologia e dalla sua conformità con i moderni requisiti della pedagogia. 32 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Disciplina "Metodi di insegnamento a suonare lo strumento", studiato nel programma istruzione superiore, si basa sul livello dell'educazione musicale professionale secondaria, dove si studia la materia "Metodi di insegnamento a suonare gli strumenti ad arco". A questo proposito, questa disciplina riassume le conoscenze acquisite ed è comune a tutti i tipi di strumenti ad arco. Le competenze degli studenti si formano come risultato della padronanza della disciplina condizionatamente in due direzioni: - studiare il processo di esecuzione su uno strumento speciale (teoria dell'esecuzione); - studio dei metodi di insegnamento delle moderne abilità esecutive. I compiti principali dello studio del corso sono: - padroneggiare la teoria del suonare su uno strumento speciale, padroneggiare la metodologia per la formazione delle abilità esecutive di base; - studio dei principi pedagogici delle varie scuole di apprendimento dello strumento ad arco; - analisi della formazione della scuola pedagogica nazionale; - studiare l'esperienza di insegnanti eccezionali; - studio del processo di diventare un musicista-performer; - consapevolezza del ruolo dell'insegnante nell'educazione di un giovane musicista, studio della natura psicologica delle abilità musicali; - padroneggiare la metodologia della lezione, attività di controllo; - studio delle caratteristiche specifiche diversi stadi formazione professionale degli studenti; - educazione alla cultura del lavoro con il testo musicale, alfabetizzazione, significatività del fraseggio, articolazione e altri metodi di estrazione del suono, studio dei metodi di lavoro sull'esecuzione di opere di diversi stili e generi; - acquisizione di abilità nel lavorare su tecniche di diteggiatura, capacità di produzione del suono, possesso di gradazioni dinamiche, tratti e tecniche esecutive; - crescente interesse per l'attività pedagogica e il lavoro scientifico e metodologico. I principi più importanti della pedagogia musicale sono: l'unità dello sviluppo musicale, artistico e tecnico, l'accumulo graduale e coerente di conoscenze, abilità e lo sviluppo dell'indipendenza degli studenti e della loro iniziativa creativa. 33 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" Il lavoro sulla disciplina "Metodi di insegnamento a suonare lo strumento" prevede una forma di lezioni in piccoli gruppi. Durante le lezioni, gli studenti ricevono conoscenze teoriche, che poi implementano in lezioni pratiche. Lezioni pratiche significano l'esecuzione di semplici brani strumentali da parte degli studenti con un'analisi completa delle prestazioni e raccomandazioni metodologiche per lavorare su questo lavoro. L'insegnante propone le opere da lui scelte, tenendo conto delle capacità performative degli studenti, che vengono apprese proprio lì, in classe. L'analisi dei brani selezionati deve essere effettuata prima e dopo la sua esecuzione. Un altro metodo di lavoro prevede un maggior grado di autonomia dello studente. A ogni studente viene offerta un'opera che, utilizzando le conoscenze acquisite durante le lezioni, deve smontare autonomamente. Il risultato di questo lavoro può essere un piccolo concerto, dove ogni allievo mostrerà il suo lavoro creativo, seguito da commenti metodologici sulle difficoltà esecutive di questa composizione. La verifica delle conoscenze teoriche degli studenti avviene sotto forma di esame sui biglietti. Il compito dell'insegnante è controllare la conformità ai requisiti al momento della presentazione del materiale teorico e del lavoro pratico degli studenti. Implica un approccio differenziato allo studente, tenendo conto del suo individuo qualità professionali quando si lavora con un accompagnatore. In pratica, si raccomanda di aderire a un metodo di lavoro non autoritario, ma piuttosto guida, dando allo studente l'opportunità di realizzarsi creativamente nell'attività pedagogica professionale. 4.4. Descrizione delle tecnologie educative Nel processo di attuazione della disciplina "Metodi di insegnamento a suonare lo strumento" nella direzione della formazione 53.03.02 (073100.62) "Arte musicale e strumentale" vengono utilizzate le seguenti tecnologie educative: 1. Tecnologie orientate alla materia : tecnologia di definizione degli obiettivi, tecnologia di apprendimento concentrato, piena assimilazione, tecnologia del processo pedagogico. Il dipartimento dispone di letteratura metodologica, che integra l'elenco generale delle pubblicazioni disponibili nella biblioteca scientifica del KemGUKI, che contribuisce all'organizzazione del lavoro indipendente. 34 Copyright OJSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 2. Tecnologie orientate alla persona: tecnologia dell'apprendimento come ricerca educativa, come esperienza pratica, tecnologia dell'attività collettiva, tecnologia dell'apprendimento euristico. In conformità con i requisiti del Federal State Educational Standard of Higher Professional Education, la percentuale di lezioni condotte in forme interattive è del 40% delle lezioni in aula, tenendo conto delle specificità del BEP, inclusa la conduzione di sessioni di formazione utilizzando: - compiti creativi, - una tavola rotonda, - discussioni, - analisi della situazione, - giochi di ruolo, - metodo del portfolio. Vengono utilizzati anche moderni sussidi didattici multimediali con accesso a Internet. 4.5. Supporto materiale e tecnico della disciplina Per l'attuazione della disciplina “Metodi di insegnamento dello strumento” in direzione della formazione 53.03.02 (073100.62) “Arte musicale e strumentale” si richiede: integrazione in Internet; - una biblioteca dotata di letteratura didattica e musicale; - biblioteca musicale; - strumenti ad arco: violino, viola, violoncello, contrabbasso. Il supporto materiale e tecnico della disciplina per gli studi individuali degli studenti presuppone la presenza di aule con pianoforte e strumenti ad arco necessari per le lezioni. 5. MATERIALI DI CONTROLLO E MISURA 5.1. Forme di controllo corrente: - lavoro scritto indipendente (per il Distretto Federale Ovest), - compiti creativi, - domande per l'autocontrollo. 35 Copyright OJSC Central Design Bureau BIBCOM & LLC Agency Book-Service 5.1.1. Soggetti di lavoro scritto indipendente 1. Finalità e obiettivi del corso "Metodi didattici a suonare lo strumento". 2. Principi metodologici generali. 3. Lezione. Organizzazione e metodologia della sua attuazione. 4. Organizzazione di studi indipendenti dello studente. 5. Estrazione del suono su strumenti ad arco. Posizione della mano destra. 6. I colpi come mezzo di espressione musicale. Lavora sui tratti. 7. Classificazione dei colpi. 8. Impostazione della mano sinistra. Giocare in una posizione. 9. La vibrazione come mezzo espressivo più importante quando si suonano strumenti a corda. 10. Intonazione come fattore importante esecuzioni su strumenti ad arco. 5.1.2. Attività creative 1. Crea un piano dinamico, designa le zone culminanti nell'esempio proposto. 2. Suggerisci diverse opzioni per i tratti e la diteggiatura in questo passaggio. 3. Nell'esempio proposto, denominare il tipo di transizione da una posizione all'altra. 4. Nel brano musicale proposto, determina i suoni che possono essere riprodotti dagli armonici naturali. 5. Determina lo stile dell'opera, disponi i tratti in accordo con esso, costruisci il fraseggio corretto. 6. Traduci termini musicali trovato in questo saggio. 7. Suggerisci una selezione degli esercizi e degli studi preparatori necessari per facilitare lo studio di questo brano musicale. 8. Determinare il tipo di attrezzatura utilizzata nell'esempio proposto. 9. In accordo con lo stile della composizione, denominare le caratteristiche della sua esecuzione (produzione del suono, vibrazione). 10. Indicare il nome delle posizioni nell'esempio musicale proposto. 36 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 5.1.3. Domande per l'autocontrollo 1. Caratteristiche del lavoro su un'opera di grande forma. 2. Mezzi di espressività dell'esecuzione dell'arco. 3. Il problema dell'eccitazione pop in pedagogia e psicologia musicale. 4. Il ruolo attivo del pensiero teorico nel lavorare sul materiale tecnico. 5. Caratteristiche di lavorare con i principianti. Il contenuto delle prime lezioni. 6. Principali problemi di ambientazione. 7. Il ruolo educativo dell'insegnante nella classe nella specialità. 8. L'esposizione pedagogica come uno dei metodi dell'educazione musicale. 9. Le rappresentazioni musicali e sonore e il loro ruolo nell'individuazione degli aspetti sonori, tecnici ed espressivi dell'esecuzione. 10. Sviluppo delle capacità di lettura a prima vista in classe nella specialità. 11. Fattori che stanno alla base di una sana formazione. Scienza del suono, distribuzione dell'arco, assottigliamento del suono. 12. Caratteristiche del lavoro su opere di piccola forma. 13. Caratteristiche del gioco nell'ensemble. Requisiti prestazionali di base. 14. La performance come processo creativo. Sull'immaginario del pensiero musicale. 15. Varietà dell'orecchio musicale e loro ruolo nell'assimilazione del materiale musicale. 16. Alcune disposizioni generali di un lavoro pedagogico di successo sull'insegnamento dello strumento ad arco. 17. La vibrazione come tecnica e come mezzo espressivo. Tipi di vibrazione. 18. Il ruolo e le modalità di studio del materiale didattico. 19. I colpi come mezzo di espressione musicale. Classificazione dell'ictus. 20. Attività musicale e pedagogica. Il suo significato e le sue caratteristiche. 5.2. Forme di controllo di confine e intermedio: - indagine di controllo, - indagine di prova (compiti di prova vedi: EOS KemGUKI - UMKD), - esame. 37 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 5.2.1. Domande per l'esame 1. I principi di base dell'insegnamento nella classe di uno strumento speciale. 2. Abilità musicali e metodi del loro sviluppo. 3. Il ruolo dell'orecchio musicale nel processo esecutivo. 4. Il concetto di ritmo musicale. 5. Memoria musicale, suoi tipi e metodi di sviluppo. 6. Prime lezioni con principianti. 7. Impostazione della mano sinistra. 8. Dichiarazione della mano destra. 9. Tecnica della mano sinistra. 10. Colpi, loro proprietà musicali ed espressive. 11. Classificazione dei colpi. 12. La vibrazione come elemento artistico del gioco e abilità tecnica. Tipi di vibrazione. 13. Mezzi di espressività dell'esecuzione dell'arco. 14. Metodi di lavoro su un brano musicale. 15. La diteggiatura come mezzo più importante per ottenere prestazioni espressive. 16. Studio del materiale didattico. Il valore dello studio di scale, arpeggi, studi in tutte le fasi dell'apprendimento. 17. Scelta del repertorio didattico. 18. Preparare uno studente per una performance. 19. Il ruolo dei compiti nell'apprendimento. 20. Compiti didattici ed educativi di un insegnante di una classe speciale. 6. SUPPORTO DIDATTICO-BIBLIOGRAFICO ED INFORMATIVO DELLA DISCIPLINA 6.1. Riferimenti 6.1.1. Letteratura di base 1. Berkman, T. Lo sviluppo delle capacità artistiche musicali [Testo] / T. Berkman. - Mosca: musica, 2009. - 222 p. 2. Ilyina, E. Laboratorio musicale e pedagogico [Testo]: libro di testo. indennità per le università / E. Ilyina. - Mosca: Accademia. progetto, 2008. - 415 p. 3. Petrushin, N. Problemi di intonazione musicale [Testo] / N. Petrushin. - Mosca: musica, 2010. - 126 p. 38 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 4. Preisman, E. M. Metodi di insegnamento per suonare gli strumenti a corda [Testo] / E. M. Preisman. – Krasnoyarsk: Krasnoyar. GAMT, 2009. - 36 p. 5. Razhnikov, V. Dialoghi sulla pedagogia musicale [Testo] / V. Razhnikov. - Classici - XXI secolo. - Mosca: Classici, 2012. - 156 p. 6. Shulpyakov, O. Esecuzione e pedagogia del violino [Testo] / O. Shulpyakov. - San Pietroburgo: compositore, 2006. - 496 p. 6.1.2. Letture aggiuntive 7. Avratiner, V. Formazione e istruzione di un insegnante-musicista [Testo] / V. Avratiner. - Mosca: GMPI, 1981. - 80 p. 8. Auer, L. La mia scuola di violino [Testo] / L. Auer. - San Pietroburgo: compositore, 2004. -120 p. 9. Agarkov, O. Vibrato come mezzo di espressività musicale nel suonare il violino [Testo] / O. Agarkov. - Mosca: Consiglio. compositore, 1956. - 88 p. 10. Belenky, B. Questioni di esecuzione e pedagogia del violino [Testo] / B. Belenky. - Mosca: musica, 1968. - 126 p. 11. Garbuzov, N. Orecchio intrazonale per la musica e metodi del suo sviluppo [Testo] / N. Garbuzov. - Mosca: Kopozitor, 2002. - 98 p. 12. Garbuzov, N. Lavora su opere musicali moderne di grande forma [Testo] / N. Garbuzov. - Mosca: compositore, 2007. - 138 p. 13. Ginsburg, L. Sul lavoro su un'opera musicale [Testo] / L. Ginsburg. - Mosca: Musica, 2008. – 110 sec. 14. Dikov, B. A proposito di lavoro su scale [risorsa elettronica] / B. Dikov. – Modalità di accesso: http://www.tubastas.narod.ru/book_172.htm 15. Cultura metodologica di un insegnante-musicista [Testo]: libro di testo. indennità per le università. - Mosca: Accademia, 2002. - 268 p. 16. Mostras, K. Il sistema di esercizi domestici del violinista [Testo] / K. Mostras. - Mosca: musica, 1956. - 55 p. 17. Nazarov, I. Fondamenti della tecnica dell'esecuzione musicale e metodi per il suo miglioramento [Testo] / I. Nazarov. - Leningrado: Consiglio. compositore, 1969. - 112 p. 18. Osenneva, M. Metodi di educazione musicale [Testo]: libro di testo. indennità per le università / M. Osenneva. - Mosca: Accademia, 2001. - 366 p. 19. Oskina, S., Parnes, D. Orecchio musicale. Teoria e metodologia dello sviluppo e del miglioramento [Testo] / S. Oskina, D. Parnes. - Mosca: casa editrice AST, 2001. - 80 p. 39 Copyright JSC "Central Design Bureau "BIBCOM" & LLC "Agency Book-Service" 6.1.3. Risorse Internet http://blagaya.ru/skripka/ http://www.cello.org/ http://www.violamusic.me/ http://cello-music.info/redkie-noty-dlya-violonceli . html http://aceofbass.ru/ http://contrabas.borda.ru/ http://contrabass.ru/ http://dneprviolin.ucoz.ua/publ/2 http://dneprviolin.ucoz.ua / publ/3 7. FORMAZIONE E MATERIALI DI RIFERIMENTO 7.1. Elenco delle parole chiave Diteggiatura Parte finale Articolazione Produzione sonora Attacco Improvvisazione Autenticità Strumentazione Vibrato Interpretazione Vibrazione Intonazione Viola Cadenza Parte principale Cantabile Glissando Cantilena Gruppo di strumenti Kapellmeister Groupetto Clavier Staccante Chiave di contralto Diminuendo Chiave di basso Dinamica Chiave di violino 40 Copyright JSC Central Design Bureau BIBCOM & LLC Un'agenzia Libro -Servizio» Chiave di tenore Ripresa della coda Ritornello Colorazione Ricochet Concertmaster Rubato Crescendo Parte di collegamento Climax Sincronicità Legato Solista Legato marcato Spikato Leitmotiv Staccatissimo Markato Staccato Martelet Stile dell'epoca Melisma Scala Modulazione Muto Mordent Sforzando Accordatura Timbro Non legato Tenuto Nuance Tecnica delle dita di Orn mentics Interpretazione Deviazione Trascrizione Partitura Trillo Arrangiamento Tremolo Pizzicato Tutti Lato Flageoletto Posizione Armonici artificiali Ponticello Armonici naturali Portato Abbellimento Portemento Frasaggio Pulsazione Caesura Sviluppo Colpi Registro Esposizione Repertorio 41 ……………………………………………… ... 3 1. Struttura e contenuto della disciplina….…………................ ........……. 5 1.1. La struttura della disciplina. …………………………………………………. . 5 1.1.1. Piano tematico per studenti a tempo pieno…….......... 5 1.1.2. Piano tematico per gli studenti della didattica a distanza ............................. 7 1.2. I contenuti della disciplina……………………………………………................ 8 2. Materiali didattici e teorici…………………… …... ...................... 14 2.1. Guida alla parte teorica del corso……………………………………………………………………………………………………………. .................... 26 3.1. Descrizione dei seminari……………………….. 26 . Linee guida per gli studenti sull'organizzazione del lavoro autonomo e pratico ....................................... ................................................ 27 4.2 . Linee guida per la realizzazione del lavoro autonomo scritto per gli studenti dei corsi per corrispondenza………………………......... 31 4.3. Linee guida per gli insegnanti……………………... 32 4.4. Descrizione delle tecnologie didattiche……................................................... 34 4.5 . Logistica della disciplina................................................. 35 5. Controllo e misurazione dei materiali ……………………… ……...... 35 5.1. Forme di controllo in corso………………………………………………….. 35 5.1.1. Temi del lavoro scritto indipendente…………………... 36 5.1.2. Compiti creativi ……………………………………………… ............ 36 5.1.3. Domande per l'autocontrollo………………………………………………… 37 5.2. Forme di controllo intermedio e intermedio……………………... 37 5.2.1. Domande d'esame……………………………………………................. 38 6. Supporto didattico, bibliografico e informativo della disciplina……… …… …………………………………………………………….. 38 6.1. Riferimenti………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………...…………………… ………………………. La letteratura principale …………………………………………… ............. 38 6.1.2. Ulteriore letteratura ……………………………………… ... ... 39 6.1.3. Risorse Internet………………………………………...…………… 40 7. Materiale didattico e di riferimento………………………………………….. ... 40 7.1. Elenco delle parole chiave ………………………………………………… ... 40 42 Copyright OJSC "Central Design Bureau" BIBCOM "& LLC" Agency Book-Service "Editor O. in Shomshina Computer correzione di bozze di M. B. Sorokina Firmato per la pubblicazione il 24 aprile 2015. Formato 60x841/16. Carta offset. Auricolare "Times". Uch.-ed. l. 1.8. Conv. forno l. 2.5. Tiratura 300 copie. Ordine n. 42. _____________________________________________________________ Casa editrice KemGUKI: 650029, Kemerovo, Vorosilov, 19 anni. 73-45-83. E-mail: [e-mail protetta] 43

tecniche di apprendimento

Diversi gruppi di strumenti richiedono lo sviluppo di tecniche di esecuzione di vari gradi di difficoltà. Pertanto, a coloro che partecipano all'orchestra dovrebbero essere assegnati compiti differenziati, tenendo conto delle loro capacità individuali.
Nella metodologia per imparare a suonare strumenti, è importante stabilire la sequenza di esecuzione di vari compiti musicali. Non ci sono ancora tradizioni pedagogiche lunghe e forti in questa materia. Come in ogni performance, è necessario utilizzare le tecniche di esecuzione corrette quando si imparano i brani. La continuità nel lavoro collettivo e individuale è importante: nelle lezioni generali e nella produzione musicale indipendente, negli spettacoli e nell'intrattenimento durante le vacanze.
L'esecuzione espressiva del lavoro (su vari strumenti) da parte dell'insegnante, la dimostrazione di tecniche, metodi di produzione del suono e spiegazioni - metodi tradizionali ben collaudati - possono ancora essere integrati da altri. Ai bambini viene offerto di “esaminare” gli strumenti da soli, vengono affidati semplici compiti creativi e sono incoraggiati a studiare da soli in autodidatta. Quando la formazione avviene in una combinazione di questi metodi, si può contare sul successo pedagogico.
In pratica, spesso iniziano a imparare a suonare più strumenti contemporaneamente, sebbene ogni strumento richieda tecniche di esecuzione diverse, oppure imparano l'intero brano in una volta. Allo stesso tempo, alcuni bambini devono aspettare mentre altri imparano. Questo stanca i ragazzi e disperde la loro attenzione.
Ovviamente, qualcos'altro potrebbe essere appropriato. Dopo aver introdotto i bambini nelle classi generali, ad esempio, con l'apparizione della cetra, con le tecniche di base per suonarla, dopo aver appreso 2-3 canti nel corso di diverse lezioni, lo strumento viene successivamente trasferito al gruppo. giochi, i bambini continuano di propria iniziativa
familiarizzare con lo strumento, l'insegnante li aiuta. Nel frattempo, nelle lezioni generali, stanno imparando a conoscere un altro strumento. Inoltre, a volte i bambini più capaci sono invitati a ispezionare lo strumento, a trovare il modo di suonarlo, e poi l'insegnante apporta le proprie correzioni.
A poco a poco, i bambini vengono introdotti a strumenti che hanno scale diatoniche o cromatiche: metallofoni, terzine, fisarmoniche, cetre. Il gruppo shock richiede meno tempo per conoscerlo: due o tre strumenti possono essere introdotti contemporaneamente nella lezione, ad esempio un tamburo, un tamburello e nacchere, poiché i bambini riproducono solo il ritmo su di essi.
Considera le caratteristiche della metodologia di insegnamento in termini dei seguenti compiti: padroneggiare i metodi tecnici del gioco; sequenze di compiti per padroneggiare il gioco su singoli strumenti; imparando alcuni pezzi

Tecnica

Le tecniche di esecuzione dipendono dal design di ogni strumento. Innanzitutto è necessario stabilire la corretta posizione iniziale e la collocazione dello strumento rispetto al bambino.
I metallofoni, le cetre sono meglio posizionati su piccoli supporti situati all'altezza delle ginocchia dei suonatori. Se non ci sono supporti, gli strumenti possono essere posizionati sulle ginocchia. strumenti a fiato(prima dell'inizio del gioco) sono anche messi in ginocchio. Il tamburo e il tamburello sono tenuti all'altezza della vita e il triangolo è appeso a un supporto, oppure il bambino lo tiene nella mano sinistra.
È molto importante insegnare le corrette tecniche di produzione del suono. Quando si gioca glockenspiel il martello dovrebbe essere tenuto in modo che poggi sull'indice e il pollice lo tenga sopra. Il colpo dovrebbe cadere al centro del piatto e, soprattutto, essere leggero. Il pennello deve essere libero. Se il bambino tiene il martello stretto nel pugno, lo colpisce forte, lo tiene sul disco, allora il suono risulterà "sporco", sgradevole.
Quando si gioca cetra il mediatore deve essere bloccato tra il pollice e l'indice. Il suono è prodotto da un movimento leggero ed elastico lungo la corda. Allo stesso tempo, ci si dovrebbe sforzare di non toccare stringhe non necessarie.
Nacchere suonano molto forte, quindi vengono presi con la mano destra e colpiti leggermente con "petali" sul palmo della mano sinistra. Il suono è in qualche modo ovattato e il pattern ritmico è chiaramente udibile.
Piatti i bambini si aggrappano alle cinghie e si urtano l'una contro l'altra con un movimento scorrevole. Per interrompere immediatamente il suono, le piastre vengono applicate alle ginocchia. A volte i piatti (appenderli) possono essere colpiti con un bastoncino, la cui estremità è ricoperta da diversi strati di morbida materia o ovatta.
Quando si gioca triangoloè necessario colpire con un bastone al centro della sua parte orizzontale. Il suono dovrebbe essere leggero ed elastico.

e se continua a lungo, dovresti premere il triangolo con la mano: il suono si interromperà immediatamente.
Tamburello emette suoni di carattere diverso, a seconda che colpiscano la sua membrana con le dita, la parte morbida del palmo o un pollice. Se, inoltre, si cambia il punto dell'impatto, più vicino al telaio di legno (dove la risonanza è più forte), verso il centro, si colpisce il telaio stesso o, infine, si alternano questi impatti, allora si può ottenere un'interessante giustapposizione timbrica di suoni.
Continua a giocare triolet E Melodie-26 segue gli stessi passi. Il bambino soffia nel foro del tubo, espirando in modo uniforme. Allo stesso tempo, preme il tasto desiderato. I tasti della triola sono colorati, ognuno ha il proprio colore e nome. Prime chiavi - re, fa#, sale e ulteriore scala sale maggiore. Pertanto, è possibile eseguire melodie sul triolo in Sol maggiore e in parte in altre chiavi, ma in una gamma limitata.
Lo strumento, chiamato Melody-26, è costruito su una scala cromatica (due ottave), e su di esso può essere suonata praticamente qualsiasi melodia entro due ottave.
Quando il bambino avverte le differenze nella qualità del suono, quando lui stesso inizia a navigare nei vari metodi di gioco, svilupperà il controllo uditivo e la capacità di correggere le imprecisioni nelle sue prestazioni.

Sequenza di lavoro

All'inizio della formazione, le tecniche metodologiche del leader sono dirette, naturalmente, a suscitare nel bambino l'interesse per un nuovo tipo di occupazione per lui.
Nella natura del suono di ogni strumento musicale si può trovare un'analogia con qualche fenomeno naturale: le voci di uccelli, animali, linguaggio umano. L'insegnante, ad esempio, attira l'attenzione dei bambini sul fatto che gli uccelli cantano in alto, ad alta voce, dolcemente, e questo può essere raffigurato sulla cetra.

Il metallofono trasmette bene i suoni delle gocce di pioggia che cadono: all'inizio cadono raramente, poi suonano sempre più spesso, più spesso - la pioggia si intensifica.

Il suono della triola è persistente, come se qualcuno stesse gridando nella foresta, chiamando.

E il flauto o Melody-26 dice a tutti i ragazzi: preparatevi per un'escursione.

Sul tamburo, le bacchette colpiscono una frazione, come rimbombi di tuono (l'insegnante fa colpi rapidi alternati con due bacchette).
Il significato di tali tecniche è familiarizzare i bambini con le possibilità espressive di ogni strumento.
In questa fase iniziale è utile anche preparare i bambini ad azioni congiunte coordinate, per sviluppare il senso dell'ensemble, così importante per suonare in orchestra. A tale scopo vengono utilizzate peculiari "orchestre" ritmiche. I bambini battono le mani, battono i piedi, battono con bastoncini di legno, barre, scatole di plastica - vuote o piene di ciottoli, piselli, ecc. E qui le tecniche di estrazione del suono possono essere diverse. Quindi, se colpisci un palmo contro l'altro con le dita piegate a metà, il suono rimbomba e sordo; se colpisci con i palmi "piatti", come nei "piatti", allora il suono è distinto e sonoro.
È possibile battere le dita di una mano contro il palmo dell'altra e il suono differisce notevolmente a seconda che le dita siano tenute tese o libere e semipiegate. Anche il calpestio del piede è diverso: l'intero piede, una punta o un tallone, alternativamente - poi la punta, poi il tallone. I cosiddetti "schiaffi" vengono usati con i palmi o con la punta delle dita sulle cosce.
Gli oggetti in legno, plastica e metallo consentono anche di estrarre suoni diversa natura. Bambini con interesse
ascoltali, eseguendo compiti ritmici, padroneggia le abilità di azioni congiunte o sequenziali. Ai bambini vengono dati, ad esempio, i seguenti esercizi:

eco musicale

I bambini sono divisi in due sottogruppi.
1a riga. L'insegnante batte con i bastoncini.
2a riga. Il primo sottogruppo di bambini batte con le dita dei piedi.
3a riga. Il secondo sottogruppo di bambini batte le dita sul palmo dell'altra mano.


Tali esercizi possono variare nel ritmo e in diversi modi di battere le mani, calpestare, "schiaffeggiare", ecc.
Il movimento del treno è ben imitato, ad esempio, alternando calci con la punta del piede, poi con il tallone, oppure con le mani, poi con le dita, poi con un sordo battito di mani. In questo caso, il tempo può accelerare o rallentare arbitrariamente e il suono si intensifica o si attenua.

1a riga. Colpo di tacco.

2a riga. Calcio in punta.

È utile introdurre i bambini alla percezione e all'esecuzione espressiva delle intonazioni ritmiche recitative della voce. All'inizio, puoi mostrare la loro espressività in semplici frasi ritmiche, intonazioni del discorso e recitativo. Come sai, il recitativo è vicino alla recitazione melodiosa. Contiene naturale discorso colloquiale l'intonazione sale e scende, gli accenti, le pause sono chiaramente udibili.
Si consiglia di attirare l'attenzione dei bambini sul fatto che in varie situazioni di gioco e di vita si possono usare frasi ritmiche e intonazioni musicali e vocali.
Diamo esempi di varie tecniche che portano costantemente i bambini a prestazioni espressive.
L'insegnante invita i bambini a indovinare chi ha chiamato: Tanya o Andryusha. I bambini dovrebbero riconoscerlo con uno schema ritmico eseguito da un adulto battendo le mani o su un metallofono:

I bambini scopriranno come si chiamava la ragazza - Tanya o Tanechka:

Dopodiché, i ragazzi possono chiamarsi a vicenda da soli. Arrivando con un certo ritmo, dispongono le carte su una flanella, usandole dall'appendice al Musical Primer. Le carte larghe rappresentano i quarti, le carte strette rappresentano gli ottavi:

Possono eseguire lo stesso schema ritmico su un metallofono, un triodo o su strumenti a percussione.
Dall'esecuzione di uno schema ritmico, i bambini passano al recitativo. Sono invitati a chiamarsi l'un l'altro, ma in modi diversi: affettuosamente, con rabbia, con curiosità, invitante. I bambini escogitano intonazioni espressive che si avvicinano al discorso cantato. Queste non sono ancora intonazioni vocali con il loro tono preciso e il loro suono melodioso. Si parlano. Alzando o abbassando l'intonazione, i ragazzi cercano contemporaneamente quelli simili che suonano su strumenti musicali, componendo così brevi canti.
L'ulteriore formazione procede nella seguente sequenza: prima si impara a suonare su uno strumento, poi su un altro, ecc. Allo stesso tempo, aumenta il volume delle capacità di esecuzione: prima, schemi ritmici; poi melodie costruite su intervalli ristretti; melodie successive, inclusi segmenti significativi della scala e intervalli più ampi.
Imparando la melodia di brani semplici, canti e canti, i bambini devono far fronte a due difficoltà: riprodurre lo schema ritmico e la linea melodica. Innanzitutto, quando padroneggia le tecniche di corretta estrazione del suono, l'insegnante offre ai bambini un compito più semplice: suonare il ritmo, apprendere le tecniche di corretta estrazione del suono, i brani iniziali del "Musical Primer". Il loro vantaggio artistico è che le battute ritmiche sono date con l'accompagnamento del pianoforte, e questo le rende più espressive.
Dopo l'esibizione dell'insegnante, i bambini imparano facilmente la melodia e cantano, battendo il ritmo. È bene utilizzare le carte dell'applicazione "Music Lotto" ("Music Primer").

Le carte sono disposte su un flannelgraph:

Ai bambini viene offerto di contare la sesta piastra sul metallofono (dall'inizio) - “questa è una nota la", e quindi suona uno schema ritmico: la canzone "Il cielo è blu". L'insegnante accompagna il pianoforte. La performance secondaria è accompagnata da canti collettivi. Il compito è padroneggiato ei ragazzi saranno in grado di suonare la canzone da soli.

Il cielo è blu
Musica di E. Tilicheeva

[Con calma]

Alle seguenti lezioni di musica viene condotto un sondaggio individuale: i bambini eseguono questa canzone su suoni diversi (dischi). Si chiamano note (la loro posizione sui dischi è familiare ai bambini): “Suona la nota mi, su una nota Prima" ecc. Allo stesso tempo, hai bisogno
ma ricorda che i bambini sono in grado di cantare e accompagnarsi al metallofono solo una canzone ben appresa, poiché il suono del metallofono è più alto e non corrisponde alle capacità vocali di un bambino in età prescolare. È facile per un bambino perdersi, poiché la stessa nota sul metallofono suona in un'ottava diversa (più alta).

Dopo aver appreso alcuni canti ritmici, puoi procedere ai compiti successivi: prima impara i canti, costituiti da intervalli ravvicinati, e poi da quelli più ampi. Il metodo di insegnamento rimane lo stesso. Va ricordato che il testo poetico facilita la memorizzazione e consente ai bambini di utilizzare le opere apprese in studi indipendenti. È anche importante complicare costantemente le attività. Più facile da giocare secondi, i loro suoni sono fianco a fianco. Pertanto, dopo gli esercizi su un suono, è consigliabile suonare canti costruiti su questo intervallo (ad esempio, i canti popolari russi "Magpie-magpie", "Accordion" di E. Tilicheeva, ecc.).

gazza-gazza
Canzone popolare russa

Armonico
Musica di E. Tilicheeva
[IN tempo medio, ritmicamente]

L'assimilazione di tecniche esecutive più complesse rende gradualmente possibile la complicazione del repertorio. I movimenti graduali appaiono nei canti all'interno di piccole scale, gli intervalli si espandono. L'accompagnamento al pianoforte, presentato in modo vivido ed espressivo, è di crescente interesse per i bambini ed è importante che i bambini ascoltino i mezzi di espressione musicale e sentano l'atmosfera della musica. Ogni opera d'arte è originale, peculiare a modo suo e i metodi per padroneggiarla dovrebbero essere diversi.
La percezione musicale dei bambini si attiva se, dopo il primo ascolto di un brano, vengono poste loro, ad esempio, domande del genere: “Su quali strumenti è meglio eseguire questo brano?”; “In quale parte del brano dovrebbero essere suonati altri strumenti, e quali?” I bambini di solito scelgono gli strumenti più facilmente se il brano ha un carattere sufficientemente chiaro, ha una forma musicale chiara ed è costruito su parti di carattere contrastante. Naturalmente, i bambini non possono orchestrare un pezzo. Ma è importante utilizzare una tecnica interessante in cui cercano di comporre e prendere la loro "decisione" - quale strumento dovrebbe suonare in una o nell'altra parte del brano. Con un approccio abile e pieno di tatto, puoi influenzare le loro proposte in modo tempestivo e indirizzare le loro risposte.

Tecnica di apprendimento singole opere

Più complesso è il brano, più sviluppato è l'accompagnamento pianistico della canzone, più lento dovrebbe essere il processo di apprendimento. Considera due esempi: "Rain" e "Our Orchestra".
La prima canzone è "Rain". La canzone popolare russa nell'elaborazione di T. Popatenko è costruita sul motivo di due suoni affiancati (seconda maggiore). Questo motivo viene ripetuto molte volte con una piccola variante ritmica: dapprima il canto inizia con un forte ritmo della misura ("Pioggia, più pioggia!"), E poi con un fuori tempo ("Ti diamo più spessore") . Il carattere generale dell'elaborazione del pianoforte è mobile, chiaro e leggero. La trama è trasparente - molte pause, il tratto principale - staccato. C'è un'introduzione e una conclusione. Nell'introduzione suona un motivo semplificato della canzone e la conclusione, per così dire, "disegna" gocce di pioggia.
La natura trasparente della canzone non dovrebbe perdere il suo fascino quando viene strumentata. Nell'introduzione si sente, per così dire, l'appello di due registri. Infine ci sono i triangoli. Riproducono molto bene il carattere delle "goccioline", tanto più che la melodia della conclusione non può essere trasmessa dai suoni dei metallofoni e delle cetre dei bambini. In questo brano è auspicabile l'utilizzo di un numero ristretto di strumenti che si distinguono per un suono leggero, sonoro, brusco.
La sequenza delle lezioni per imparare questa canzone può essere delineata come segue.

Lezione 1. I bambini ascoltano questa canzone familiare eseguita da un adulto. Si richiama l'attenzione sul suono leggero e trasparente della parte del pianoforte. I bambini ricordano la canzone e la cantano. L'insegnante si offre di pensare a quali strumenti sono più adatti al suo suono.
Lezione 2. Dopo che la canzone è stata suonata, inizia la discussione su come strumentarla. Si richiama l'attenzione sulla natura dell'introduzione, della conclusione e di alcune differenze tra la seconda frase e la prima. I suggerimenti dei bambini vengono discussi e testati praticamente. Se l'una o l'altra versione della strumentazione risulta essere buona, allora può essere eseguita nella sua interezza in questa lezione.
Lezione 3. Se l'opzione proposta dall'insegnante viene appresa (supponiamo che le opzioni dei bambini non siano accettate), puoi prima eseguire solo la melodia della canzone (sul metallofono, cetra) e, per il momento, eseguire l'introduzione e la conclusione al pianoforte. Si dovrebbe prestare attenzione all'ingresso tempestivo delle cetre
Lezione 4. Si impara l'intera canzone: dapprima senza cantare, poi alcuni bambini suonano, altri cantano e, infine, tutti suonano e cantano.

Un'altra canzone - "Our Orchestra" di E. Tilicheeva (testi di Y. Ostrovsky) è molto più difficile per un'esibizione d'insieme. La melodia è più varia, la sua portata è già dentro settime, inoltre, ci sono salti, movimenti graduali che vanno su e giù. Anche il ritmo ha difficoltà: ci sono note con un punto. Tutto ciò richiede determinate abilità da parte dei bambini. Nell'accompagnamento pianistico e nella melodia si danno le caratteristiche musicali del suono dei vari gruppi di strumenti. Basta ricordare le misure in cui suonano le parole "Tamburi, tamburi, tamburi, tamburi", in cui viene dato un ritmo chiaro, come se imitasse un tamburo. Quindi appare un regi più alto, quindi la strumentazione è suggerita dal compositore e dal poeta. Ma affinché i bambini possano partecipare essi stessi alla scelta degli strumenti, ovviamente, devono prima eseguire una canzone senza testo che suggerisca una soluzione.
Pertanto, la seguente sequenza di classi è appropriata:

Lezione 1. L'insegnante suona la parte del pianoforte senza cantare. Ai bambini vengono offerti indovinelli musicali: suonano frasi separate che in una certa misura caratterizzano il suono vari strumenti. Indovinano e nominano quali strumenti sono adatti per una particolare frase. Quindi l'insegnante esegue la canzone per la seconda volta, ma già canta e suona. In questo modo i bambini scopriranno se hanno chiamato correttamente gli strumenti.
Lezione 2. Imparare la parte vocale della canzone. I bambini imparano la melodia. Poi lo cantano in lotti: i futuri interpreti su terzine cantano la prima frase, sulla batteria la seconda, ecc. Mentre cantano, i ragazzi imitano i movimenti di suonare l'uno o l'altro strumento.
Lezione 3. Apprendimento delle parti più complesse: triolo (1a 4a battuta) e metallofoni con cetra (3a 4a battuta). Prima tutti i bambini giocano, poi scelgono coloro che eseguiranno queste parti, mostrano loro queste parti, spiegano con quale nota iniziare e si offrono di suonare. Quindi tutti i bambini suonano tamburi immaginari e alcuni bambini suonano strumenti reali.
Lezione 4. Continua l'apprendimento delle parti di trioli e metallofoni. Innanzitutto, l'ultima frase viene appresa dai metallofoni, sui quali viene eseguita la melodia, quindi si unisce a loro un gruppo di percussioni: la batteria. La parte di batteria viene ripetuta. Alla fine della lezione, l'intera partitura nel suo insieme viene eseguita per la prima volta, ma senza cantare.
Lezione 5. L'esecuzione di ciascuna parte viene ripetuta separatamente. Tutto

Piovere
Organizzato da T. Popatenko
[Non molto presto]

partitura, ma allo stesso tempo alcuni bambini cantano, altri giocano. Le introduzioni tempestive di ogni gruppo di strumenti sono controllate e le sfumature dinamiche sono perfezionate.
In ulteriori classi, l'intero gioco viene ripetuto e le abilità acquisite vengono consolidate.

Spesso nella pratica pedagogica esiste una tale tecnica: i bambini eseguono una melodia sui loro strumenti e un adulto suona una melodia e un accompagnamento al pianoforte. Per diversificare il suono, puoi farlo in modo diverso. Ad esempio, l'intera commedia viene eseguita dall'insegnante al pianoforte, ei bambini suonano una melodia sul metallofono, ma, per così dire, un accompagnamento, cioè suoni corrispondenti al primo (I) e al quinto (V) o primo (I), quarto (IV) e quinto (V) gradino.
Ecco, diciamo, tre versioni della melodia popolare ucraina "Oh bursting the hoop" arrangiata da T. Popatenko. I metallofoni nel primo caso duplicano la melodia, nel secondo - voce di basso, nella terza suonano senza accompagnamento di pianoforte.
Un'altra opera è "Squirrel", un estratto dall'opera "The Tale of Tsar Saltan" di N. Rimsky-Korsakov. In questo passaggio viene trasmessa l'immagine di un favoloso scoiattolo. Per caratterizzare l'immagine, il compositore ha utilizzato la melodia della famosa canzone popolare russa "In giardino, in giardino". La melodia della canzone è allegra, vivace, di carattere danzante, ma viene eseguita a un ritmo moderato. Quando si strumenta un brano, è necessario selezionare strumenti musicali con un suono leggero, sonoro e a scatti. Può essere un metallofono e un triangolo.

Quando impari un pezzo, puoi offrire la seguente sequenza di lezioni.
Lezione 1. I bambini ascoltano una commedia eseguita da un adulto. Si richiama l'attenzione sul suono leggero della melodia, il suo carattere vivace e danzante. Puoi leggere un estratto dal lavoro di A. S. Pushkin "The Tale of Tsar Saltan". Dopo che l'insegnante ha ripetuto il brano, ai bambini viene chiesto di pensare a quali strumenti è meglio usare per suonare nell'orchestra in relazione alla natura della musica. Vengono discussi i suggerimenti dei bambini. Una delle opzioni è selezionata. L'insegnante suona una melodia su un metallofono.
Lezione 2. L'insegnante esegue la melodia dell'opera senza accompagnamento di pianoforte. I bambini applaudono lo schema ritmico della melodia. Quindi si apprende la festa del triangolo. Alcuni eseguono uno schema ritmico sui triangoli, altri applaudono. Quindi le azioni dei bambini cambiano. Prima di imparare la parte del metallofono, l'insegnante prima esegue lui stesso la melodia, che viene poi appresa per parti (la 1a quattro battute, poi la 2a quattro battute).
Lezione 3. Continua l'apprendimento della parte metallofonica. I bambini eseguono la prima parte del brano (1a e 2a quattro battute) e viene eseguita l'intera partitura. Quando viene ripetuto, i triangoli vengono attaccati ai metallofoni.
Lezione 4. Ogni parte viene eseguita separatamente senza accompagnamento e con accompagnamento. Quindi viene riprodotta l'intera partitura. L'attenzione dei bambini è attratta dalla chiara esecuzione del modello ritmico.
Lezione 5. Ogni parte viene eseguita separatamente con l'accompagnamento, quindi viene eseguita l'intera partitura. L'attenzione dei bambini è attratta dall'espressività della performance. Se ripetuto, i bambini possono cambiare strumento.

La nostra Orchestra
Parole di Y. Ostrovsky Musica di E. Tilicheeva

[Con calma. Solennemente]

Scoiattolo (estratto)
Dall'opera "Il racconto dello zar Saltan"
Musica di N. Rimsky-Korsakov
[Moderamente]

Imparare a suonare strumenti musicali non può limitarsi al solo apprendimento del repertorio. È importante che queste attività siano creative.
Esercizi in cui si propone di riprodurre (a orecchio) una melodia familiare, suonare un canto ritmico a suoni di diverse altezze (trasposizione), trovare una nuova tecnica per suonare uno strumento, ovviamente, sviluppare indipendenza e rappresentazioni uditive nei bambini. Ma è anche importante creare i prerequisiti per le proprie manifestazioni creative dei bambini. Dare la possibilità di scegliere gli strumenti per l'esecuzione di un determinato brano, incoraggiarli a improvvisare.

Tecniche per lo sviluppo della creatività musicale

La creatività musicale dei bambini inizia con un "esame" delle capacità sonore degli strumenti. Questo è molto prezioso, ma i bambini sono spesso impotenti nella loro ricerca. L'insegnante dirige queste ricerche, proponendo ai bambini di suonare come cantano i cuculi, gli uccelli, come piove, rimbomba il tuono, ecc. Ma puoi anche applicare un metodo interessante di creatività collettiva su metallofoni, xilofoni. Se infili delle note F E si(IV e VII passi) o rimuovi le piastre di questi suoni in modo che i bambini non li suonino, quindi possono improvvisare tutto allo stesso tempo. I bambini giocano su cinque suoni (do, re, mi, sale, la). Si ottengono accostamenti armonici molto interessanti, in continuo ed inaspettato cambiamento, ma sempre molto melodici. Allo stesso tempo, i bambini possono suonare con qualsiasi ritmo, ma a volte viene offerto loro un determinato ritmo, ad esempio un quarto e due ottavi. Il significato di questa tecnica non risiede solo nello sviluppo dell'udito armonico. I bambini iniziano a improvvisare se stessi, a fare i primi tentativi di creare "le proprie composizioni".
Va sottolineato che la metodologia per insegnare a suonare gli strumenti negli asili dovrebbe essere più organizzata e coerente di quanto non avvenga nella pratica. Il successo di questo apprendimento dipende dalla coerenza di tutte le forme di attività musicali dei bambini. In classe ricevono una certa quantità di conoscenze e abilità, accumulano un repertorio.
I bambini usano volentieri, con grande piacere, le canzoni e le interpretazioni apprese nei loro giochi, le eseguono durante le vacanze, l'intrattenimento Conoscenza dei bambini con nuovi strumenti, la loro esibizione compiti interessanti sulla scelta degli strumenti per l'esecuzione di determinate opere e canzoni, la capacità acquisita di valutare (a orecchio) la qualità della propria esecuzione, di improvvisare, l'opportunità di partecipare a vari ensemble - tutto ciò rende gli strumenti interessanti per i bambini e preziosi per il loro sviluppo musicale complessivo.
Prendendosi cura dello sviluppo delle manifestazioni creative dei bambini, l'insegnante offre loro una varietà di compiti, ad esempio valutare l'esecuzione di una melodia familiare, o l'improvvisazione di un amico, o la propria esecuzione su uno strumento musicale; scegli tra lo strumento musicale proposto, sul quale puoi raffigurare il canto degli uccelli, il fruscio delle foglie, l'ululato del vento, ecc.; scegliere strumenti musicali adatti al timbro su cui si può eseguire l'uno o l'altro brano; trasmettere su un tamburo o tamburello il ritmo di una marcia composta dal bambino stesso; provare a comporre una melodia da ballo, ecc.
Il ruolo del direttore musicale e dell'educatore è abbastanza ovvio. Non dovrebbero solo essere competenti nei metodi di insegnamento delle lezioni, ma anche essere in grado di suonare liberamente gli strumenti musicali dei bambini, conoscere il dispositivo e le tecniche per suonarli.
Suonare strumenti è un'attività musicale interessante e utile per i bambini. Giocattoli e strumenti musicali ti permettono di decorare la vita di un bambino, intrattenerlo e suscitare il desiderio di propria creatività. Nel processo di apprendimento a suonare gli strumenti, le rappresentazioni uditive, il senso del ritmo, il timbro e la dinamica sono ben formati. Nelle azioni del bambino sviluppa indipendenza, attenzione e organizzazione.
L'intero complesso di metodi per introdurre i bambini a spettacoli musicali divertenti e complessi li prepara bene per le future lezioni a scuola.

DOMANDE E COMPITI

1. Qual è l'importanza dei giocattoli e degli strumenti musicali nella vita dei bambini in età prescolare?
2. Descrivi i tipi di strumenti per bambini.
3. Parlaci delle caratteristiche dei giocattoli e degli strumenti musicali per bambini.
4. A che età è consigliabile imparare a suonare strumenti musicali? Elenca gli obiettivi di apprendimento.
5. Quale repertorio musicale è opportuno utilizzare per imparare a suonare gli strumenti.
6. Qual è la metodologia per insegnare ai bambini in età prescolare a suonare strumenti musicali per bambini?
7. Sull'esempio di qualsiasi brano musicale, fai un riassunto delle lezioni durante le quali l'insegnante insegna ai bambini a suonare il metallofono.
8. Elenca le forme di apprendimento per suonare gli strumenti dei bambini.

9. Rivela le tecniche per sviluppare la creatività musicale dei bambini nel processo di padronanza del suonare gli strumenti.

LETTERATURA

Programma modello di istruzione e formazione in asilo/Ed. RA. Kurbatova, N. N. Poddyakova - M., 1984.
Il programma di istruzione e formazione c. scuola materna.—M., 1987. Istruzione e formazione nella scuola materna / ed. A. V. Zaporozhets, T. A. Markova - M., 1976.-S. 308-341.
Velugina N.A. Educazione musicale all'asilo. — M., 1981.
Velugina N.A. Creatività musicale e di gioco nei bambini di 5-7 anni. Canzone creatività dei bambini di 5-7 anni // Creatività artistica all'asilo - M., 1974. - P. 107-120.
Dzerzhinskaya I. .L. Educazione musicale dei bambini in età prescolare più giovani - M., 1985.
Kabalevsky D. B. Come insegnare ai bambini la musica? - M., 1982.
Kvitnitskaya E. N. Lo sviluppo dell'orecchio musicale è una condizione per la formazione songwriting// Creatività artistica all'asilo.- M., 1974.-S. 20-28.
Lukyanova M.B. Creatività dei bambini nei balli // Creatività artistica all'asilo - M., 1974. - P. 29-32.
Musica e movimento / Comp. S. I. Bekina, T. P. Lomova, E. N. Sokovnina - M., 1981, 1983, 1984.
Insegna ai bambini a cantare / Comp. TM Orlova, S. I. Bekina - M., 1986, 1987, 1988.
Educazione estetica nella scuola dell'infanzia / Ed. N. A. Vetlugina.—M., 1985.

Collezioni di repertorio musicale e letterario

Velugina N.A. Orke per bambini - M., 1976.
Vetlugin N. A. Primer musicale - M., 1972, 1985.
Musica all'asilo / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, L. N. Komissarova - M., 1985, 1986, 1987.
Musica all'asilo / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, T. P. Lomova.— M., 1975—1980.—Iss. 1-5; .1980-1981.-Emissione. 1-4.
Secchiello solare / Comp. MA Medvedeva - M., 1984.

Metodi di educazione musicale all'asilo: “Doshk. istruzione "/ N.A. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarov e altri; ed. SUL. Velugina. - 3a ed., Rev. e aggiuntivi - M.: Illuminismo, 1989. - 270 p.: note.