Premere sulla performance. Frazione

Igor Golovatenko Diplomato al Conservatorio di Mosca nella classe di direzione d'opera e sinfonica (classe del professor G. N. Rozhdestvensky). Ha studiato canto solista all'Accademia arte corale prende il nome da V. S. Popov (classe del professor D. Yu. Vdovin).

Nel 2006 ha debuttato in "Mess of Life" di F. Delius con l'Orchestra Filarmonica Nazionale della Russia diretta da Vladimir Spivakov. Dal 2007 al 2014 è stato solista al Teatro dell'Opera di Mosca Novaya, dove ha interpretato ruoli da protagonista nelle opere Eugene Onegin e Iolanta di P. Tchaikovsky, La Traviata, Il trovatore e Aida di G. Verdi, L'elisir d'amore » G. Donizetti, Il barbiere di Siviglia di G. Rossini, Onore rurale di P. Mascagni.

Dal 2014 - solista del Teatro Bolshoi della Russia. Ha interpretato Lopakhin (Il giardino dei ciliegi di F. Fenelon), Germont e Rodrigo (La Traviata e Don Carlos di G. Verdi), Marsiglia (La Boheme di G. Puccini), Dottor Malatesta (Don Pasquale di G. Donizetti), Lionel e Robert (The Maid of Orleans e Iolanthe di P. Tchaikovsky).

Vincitore dei concorsi internazionali "Tre secoli di romanticismo classico" a San Pietroburgo e del concorso di cantanti d'opera italiani al Teatro Bolshoi.

Gli impegni all'estero del cantante includono esibizioni all'Opera Nazionale di Parigi, all'Opera di Stato della Baviera, al Teatro San Carlo di Napoli, ai teatri di Palermo, Bergamo, Trieste, Lille, Lussemburgo, al Teatro Colon di Buenos Aires, all'Opera Nazionale di Santiago del Cile, l'Opera Nazionale Greca, l'Opera Nazionale Lettone e ai prestigiosi Festival dell'Opera di Wexford e Glyndebourne.

Igor Golovatenko ha lavorato con direttori famosi, tra cui Mikhail Pletnev, Vladimir Spivakov, Tugan Sokhiev, Vasily Sinaisky, Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, Christophe-Matthias Muller, Enrique Mazzola, Robert Trevigno; tra i registi con cui la cantante ha collaborato ci sono Francesca Zambello, Adrian Noble, Elijah Moshinsky, Rolando Panerai.

Si esibisce spesso con il russo orchestra nazionale sotto la direzione di Mikhail Pletnev (in particolare, ha partecipato a concerti delle opere Carmen di G. Bizet, The Tales of Hoffmann di G. Offenbach ed Eugene Onegin di P. Tchaikovsky, nonché della musica di E. Grieg per G. Il dramma di Ibsen Peer Gynt"). Partecipa al Grand Festival dell'Orchestra Nazionale Russa. Si è esibito con l'Orchestra Filarmonica Nazionale della Russia sotto la direzione di Vladimir Spivakov e l'Orchestra Sinfonica di Stato " Nuova Russia sotto la direzione di Yuri Bashmet.

Laura Claycomb

Laura Claycomb giustamente considerata una delle cantanti più versatili della sua generazione - pubblico mondiale e critica musicale sia la magnifica voce della cantante che l'ampia gamma delle sue capacità di recitazione sono ugualmente ammirate. Vincitrice di numerosi importanti concorsi internazionali (incluso il Concorso Internazionale Tchaikovsky nel 1994, dove le è stato assegnato il II premio e Medaglia d'argento), Laura Claycomb ha attirato l'attenzione su di sé per la prima volta dopo il suo debutto all'Opera di Ginevra in Capuleti e Montecchi di Bellini nel 1994, quando ha dovuto sostituire all'ultimo momento un collega malato. Il ruolo di Giulietta ha portato il suo primo successo di alto profilo - in seguito lo ha eseguito alla Los Angeles Opera, alla Pittsburgh Opera e alla Paris Opera Bastille. Un altro ruolo "corona" della cantante è stato Gilda nel "Rigoletto" di Verdi, che ha cantato all'Opera di Houston, all'Opera Bastille di Parigi, all'Opera di Losanna, a Bilbao, all'Opera di Salerno e alla New Israel Opera. Altri ruoli di belcanto includevano Lucia ("Lucia di Lammermoor" di Donizetti alla New Israel Opera, Houston Grand Opera), Linda ("Linda di Chamouni" di Donizetti alla Scala di Milano), Maria ("Daughter of the Regiment" di Donizetti alla Houston Grand Opera), Adele (Comte Ory di Rossini all'Opera di Losanna) e Ofelia (Amleto di Thomas al Teatro Verdi di Trieste). Nelle passate stagioni Laura Claycomb si è esibita con successo nel ruolo di Zerbinetta (Ariadne auf Naxos di R. Strauss) alla Los Angeles Opera ea Palermo.

Un'altra area di interesse per la cantante è la musica barocca, dove il suo contributo è debitamente apprezzato dai principali direttori specializzati in musica XVIII secolo: Christoph Rousset, Mark Minkowski, Ivor Bolton, Roy Goodman, Harry Bicket. Laura Claycomb ha interpretato i ruoli di Cleopatra (Giulio Cesare di Handel alla Houston Opera, Drottninholm Baroque Theatre in Svezia e al Festival di Montpellier), Morgana (Alcina di Handel alla English National Opera), Drusilla (L'incoronazione di Poppea di Monteverdi alla Netherlands Opera), Ginevra ("Handel's Ariodante" alla Bavarian National Opera e all'Opera Garnier di Parigi), Polissene ("Handel's Radamist" al Santa Fe Opera Festival negli USA), Romilda ("Xerxes" di Handel al Houston Grand Opera), Semele ("Semele di Handel all'Opera fiamminga). Laura Claycomb ha lavorato con illustri registi d'opera come Peter Sellars, Robert Lepage, Robert Carsen, David Poutney, Julie Taymor, Jérôme Savary, David McVicar, Olivier Pi, Nicolas Joel, Pierre Audi, Catharina Thomas, Luca Ronconi e John Cox.

Il repertorio concertistico del cantante copre la musica di quattro secoli. Si trova ugualmente a suo agio nella musica di Mozart, Beethoven, Berlioz, presta molta attenzione al repertorio contemporaneo: il suo debutto al Festival di Salisburgo è avvenuto nell'opera The Great Dead Man di György Ligeti, Esa-Pekka Salonen le ha affidato la prima mondiale del suo ciclo vocale Five Fragments from Sappho ”, nei suoi programmi solisti inserisce spesso le opere di Stravinsky, Copland, Messiaen, Saariaho. Tra i direttori con cui Laura Claycomb ha collaborato ci sono Pierre Boulez, Esa-Pekka Salonen, Richard Hickox, Valery Gergiev, Roger Norrington, Michael Tilson-Thomas, Kent Nagano, Ivan Fischer, Evelino Pido, Carlo Rizzi e molti altri. La discografia del cantante, rappresentata da album su Sony, Virgin Classics, Chandos, comprende composizioni da Handel a Ligeti.

Nelle ultime stagioni, Laura Claycomb si è esibita sui palcoscenici della Houston Grand Opera (“Die Fledermaus” di I. Strauss), del Bolshoi Theatre of Russia (“La Sonnambula” di Bellini), del Glyndebourne Opera Festival (“Ariadne auf Naxos " di R. Strauss), l'Opera di Firenze (" Candide di Bernstein), il Festival di Bregenz (Flauto magico di Mozart), l'Opera di Bergen (Il galletto d'oro di Rimsky-Korsakov), nonché in programmi di concerti diretti da direttori come Michael Tilson-Thomas, Valery Gergiev e Zubin Mehta.

Rafal Shivek

Il cantante ha fatto il suo debutto professionale nel 2002 all'Opera Nazionale di Varsavia come Gremin (Eugene Onegin di Ciajkovskij). Rafal Shivek si esibisce spesso in Italia. In particolare ha cantato Collena (La Boheme di Puccini) all'Arena di Verona e al Maggio Musicale Fiorentino, Conte Rudolph (La Sonnambula di Bellini) al Teatro. G. Verdi a Trieste, Re Marco (Tristano e Isotta di Wagner) all'Opera di Roma, Orovesa (Norma di Bellini) al Teatro Comunale di Bologna, Don Basilio (Il barbiere di Siviglia di Rossini) a Bari, Palermo e Piacenza, Timura (Turandot di Puccini) al Festival Pucciniano di Tore del Lago.

È un riconosciuto interprete dei ruoli verdiani. Ha interpretato il ruolo di Re Filippo (Don Carlos) con la Israel Philharmonic Orchestra diretta da Zubin Mehta, oltre che al Teatro Regio di Torino diretta da Semyon Bychkov; la parte di Ramfis (Aida) a San Paolo (diretta da Lorin Maazel) ea Rio de Janeiro; la parte di Zaccaria (Nabucco) all'Opera Nazionale di Varsavia; Wurma (Louise Miller) a Valencia (direttore Lorin Maazel), Parma e Modena; Padre Guardiana ("Forza del destino") all'Opera di Lodz (Polonia), de Silva ("Ernani") al Teatro. V. Bellini a Catania.

Ha cantato Thibault d'Arc (Maid of Orleans di Ciajkovskij) al Concertgebouw di Amsterdam, l'Arcivescovo Szymanowski (Re Ruggero) al Teatro Chatelet di Parigi, Comandante (Don Giovanni di Mozart) a La Monnaie, l'Opera di Lille e il teatro Bolshoi in Lussemburgo . Altri impegni includono Sir George Walton (Puritani di Bellini) all'Opera di Łódź, Sparafucile (Rigoletto di Verdi) al Savonlinna Festival, Timur (Turandot) alla Bunka Kaikan Hall di Tokyo. A Varsavia, si è esibito come Hunding (Valchiria di Wagner), Seneca (L'incoronazione di Poppea di Monteverdi), Sarastro ( flauto magico Mozart), Raimondo ("Lucia di Lammermoor" di Donizetti), Don Basilio ("Il Barbiere di Siviglia"), Zaccaria ("Nabucco"), Sparafucile ("Rigoletto"), Timur ("Turandot").

Tra gli impegni del 2010/12: Il Grande Inquisitore (Don Carlos) all'Opera di Stato di Berlino, Ramfis (Aida) all'Opera di Roma, Timur (Turandot), Ramfis (Aida), Wurm (Louise Miller) ) e Fafner (Siegfried di Wagner ) all'Opera di Stato della Baviera.

Nella stagione 2012/13, ha interpretato la parte di Vladimir Yaroslavich (Principe Igor Borodin) all'Opera di Stato di Amburgo, il Grande Inquisitore (Don Carlos) e Ramfis (Aida) all'Opera di Stato di Berlino, Re Filippo (Don Carlos) in Opera Nazionale di Varsavia, Comandante (Don Giovanni) all'Opera di Zurigo, Daland (L'olandese volante di Wagner) all'Opera di Stato Bavarese. Nel 2013 ha preso parte a una produzione del Don Carlos di Verdi al Teatro Rossini come Filippo II (direttore Robert Trevigno, regista Adrian Noble).

Si esibisce spesso sul palco del concerto. Ha eseguito il Requiem di Verdi diretto da Lorin Maazel a Milano, Casablanca, Busseto e Gerusalemme, e la Nona Sinfonia di Beethoven a Roma, Milano, Bruxelles e Taormina. Sotto la direzione di Zubin Meta ha cantato all'Accademia Romana di Santa Cecilia (Requiem di Verdi) e al Maggio Musicale Fiorentino (Nona Sinfonia di Beethoven). A Verona ha preso parte all'esecuzione dello Stabat Mater di Rossini (direttore Alberto Zedda). Ha partecipato alle esecuzioni della Messa glagolitica di Janáček al Festival di Primavera di Praga, al Festival di Beethoven a Bonn, nonché a Bratislava, Brno e Linz. Alla Filarmonica di Varsavia ha preso parte alle esecuzioni del Requiem di Verdi, Stabat Mater di Dvořák, Messa solenne di Beethoven, Piccola messa solenne di Rossini, Messa dell'incoronazione e Requiem di Mozart, Messa in si minore di J.S. Bach. A Riga ha cantato Credo di Krzysztof Penderecki sotto la direzione dell'autore.

Doris Lamprecht

Doris Lamprecht Nata a Linz (Austria), ha studiato canto al Conservatorio di Parigi con Jeanne Berbier, dopodiché si è formata all'Opera Nazionale di Parigi. È richiesto nel repertorio più vario: da Monteverdi, Bach, Handel e Rameau alle opere di compositori francesi contemporanei. I suoi impegni più importanti includono Rigoletto di Verdi all'Opera Nazionale del Reno di Strasburgo e La Traviata di Verdi all'Orange Festival, I ladri di Offenbach all'Opera Nazionale di Parigi e Il flauto magico di Mozart ai Festival di Aix-en-Provence e di Lione. La Belle Helena all'Opera di Zurigo, Lulu di Berg all'Opera di Metz e Hansel e Gretel di Humperdinck all'Opera delle Fiandre.

Negli ultimi anni, Doris Lamprecht ha cantato all'Opera di Lille (Faust di Gounod), al Theatre du Chatelet di Parigi (Arabella di R. Strauss, Pollicino di H. W. Henze), all'Opera Nazionale di Parigi (Platea di Ramo, "Figlia del reggimento" di Donizetti, "Hansel e Gretel" di Humperdinck, "Faust" di Gounod, "Electra" di R. Strauss), Opera Avignon ("Eugene Onegin" di Tchaikovsky), Opera Comique parigina ("Fra Diavolo" di Auber), Opera Sainte -Etienne ("Amleto" di Thomas), l'Opera dei Paesi Bassi ("Romeo e Giulietta" di Gounod), l'Opera di Ginevra ("Il cavaliere della rosa" di R. Strauss, "Giulietta" di Martin), il Teatro Liceu di Barcellona (" Cenerentola” di Massenet), l'Opera di Lione (“Comte Ory” di Rossini), così come nei teatri d'opera di Strasburgo, Nantes, Madrid, Marsiglia, Nancy e Tours. Il cantante si è esibito con direttori eccezionali come Nikolaus Harnoncourt, Michel Plasson, Christophe Rousset, Jean-Christophe Spinozi, Jacques Lacombe, Mikhail Yurovsky, Jiri Beloglavek, Alain Altinoglu, William Christie, Marc Minkowski e Stefano Montanari.

Alexey Neklyudov

Alexey NeklyudovÈ vincitore di numerosi concorsi russi e internazionali, tra cui il IV Alexander Pirogov Open Competition for Young Vocalists (I premio, 2007), il XV Bella voce International Vocal Competition (II premio e Hope Prize della Moscow Cultural Foundation, 2007) . Dal 2009 ha studiato alla V. S. Popov Academy of Choral Art nella classe del professor S. G. Nesterenko. Nell'aprile 2010, Alexei ha debuttato sul palco della Sala Grande del Conservatorio con l'Orchestra Filarmonica Nazionale della Russia diretta da Vladimir Spivakov, eseguendo la parte di tenore nel Requiem di C. Saint-Saens.

Nel 2012, Alexei è diventato titolare di una borsa di studio dell'Orchestra Filarmonica Nazionale della Russia, un anno dopo ha ricevuto una borsa di studio dalla Fondazione M. Magomayev. Nel 2013 e nel 2014 partecipato al festival internazionale musica classica V. Spivakov a Colmar (Francia). Il cantante si è esibito con direttori come Vladimir Fedoseev, Mikhail Pletnev, Vladimir Yurovsky, Otto Tausk, Konstantin Orbelian, Peter Neumann, Fabio Mastrangelo, Stefano Montanari, Andreas Shpering. Ha preso parte ai festival "Cherry Forest", "Vladimir Spivakov invita ..." e molti altri.

Nel 2013, Alexei Neklyudov è diventato solista con il Teatro dell'Opera Novaya Municipale di Mosca intitolato a E. V. Kolobov, dove ha interpretato ruoli nelle opere The Snow Maiden di N. A. Rimsky-Korsakov, Salome di R. Strauss, Eugene Onegin di P. I. Tchaikovsky . Dal 2014, Alexey è solista ospite del Teatro Bolshoi della Russia. Sul Nuovo Palcoscenico del Teatro, ha preso parte a una nuova produzione dell'opera di W. A. ​​Mozart “Così fanno tutti...” (Parte di Ferrando; regia Floris Visser, direttore Stefano Montanari), nella produzione de La Neve Maiden di N. A. Rimsky-Korsakov (direttore Alexander Titel; direttore Tugan Sokhiev) e un concerto dell'opera Journey to Reims di G. Rossini (direttore Tugan Sokhiev). Nel maggio 2015, ha interpretato la parte di Lykov nell'opera di N. A. Rimsky-Korsakov sposa reale al Teatro dell'Opera di Tel Aviv (Israele). Nel giugno 2015 ha partecipato al Summer Academy Festival di Aix-en-Provence (Francia). Al Baden Staatstheater di Karlsruhe, il cantante interpreta le parti di Nemorino (L'elisir d'amore di G. Donizetti), Tamino (Il flauto magico di W. A. ​​Mozart), Oronte (Alcina di G. F. Handel) e Lord Percy ( Anna Bolena" di G. Donizetti). Tra le prossime esibizioni del cantante ci sono i debutti alla Komische Oper di Berlino, alla Deutsche Oper am Rhein di Düsseldorf, al Festival di Bregenz e al Teatro di San Gallo.

Dmitry Skorikov

Dmitry Skorikovè nato nel 1974 a Ruza. Diplomato alla Scuola Accademica di Musica del Conservatorio di Mosca con una laurea in direzione di coro (classe del professor Igor Agafonnikov) e al Conservatorio di Mosca istituto statale musica intitolata a Schnittke, specializzata in " canto solista» (classe della professoressa Alevtina Belousova).

Subito dopo la laurea, è diventato solista dell'Helikon-Opera Theatre (2002). Il suo repertorio comprende più di venti ruoli principali, tra cui Don Bartolo e Leporello ("Le nozze di Figaro" e "Don Giovanni" di Mozart), Don Pasquale ("Don Pasquale" di Donizetti), Falstaff ("Falstaff" di Verdi), Timur ("Turandot Puccini), Advocate Kolenatiy (Yanachek's Makropulos Remedy), Boris Godunov e Pimen (Mussorgsky's Boris Godunov), Gremin e Kochubey (Eugene Onegin e Tchaikovsky's Mazepa), Salieri (Rimsky-Rimsky's Mozart e Salieri. Korsakov) e Famusov (Chaadsky di Manotskov).

Dal 2016 è solista ospite del Samara Opera and Ballet Theatre. Candidato alla Nazionale premio teatrale « Maschera d'oro"(2017) per il ruolo di Boris Timofeevich Izmailov nell'opera Lady Macbeth Distretto di Mtsensk» Shostakovich. Sul palcoscenico del Teatro Bolshoi della Russia, ha interpretato i ruoli di Voyevoda Polkan (Il galletto d'oro di Rimsky-Korsakov) e Maga Cheliy (L'amore per le tre arance di Prokofiev). Al Teatro Mikhailovsky di San Pietroburgo si è esibito nelle opere Il barbiere di Siviglia di Rossini (Don Bartolo), La bohème di Puccini (Collin) e La sirena di Dvorak (Vodyanoy). Nel 2014 ha preso parte al 6° Grand Festival dell'Orchestra Nazionale Russa sul palco della Tchaikovsky Concert Hall, dove ha interpretato il ruolo di Pisar nell'opera " Notte di maggio» Rimskij-Korsakov.

Ha effettuato tournée con la compagnia teatrale in Francia, Spagna, Italia, Paesi Bassi, Israele, Libano, Azerbaigian, Cina, Corea del Sud e Tailandia. Svolge un'attiva attività concertistica a Mosca e in altre città della Russia, si esibisce con orchestre sinfoniche e orchestre di strumenti popolari. Ha collaborato con famosi direttori d'orchestra: Gennady Rozhdestvensky, Eri Klas, Mikhail Pletnev, Vasily Sinaisky, Vladimir Ponkin, Yuri Bashmet, Mikhail Tatarnikov e altri. Ha partecipato a progetti congiunti con le star della scena operistica mondiale, tra cui Elena Obraztsova, Dmitry Hvorostovsky, Anna Netrebko, Dmitry Korchak e Laura Claycomb. Partecipa regolarmente al programma "Romance of Romance" sul canale televisivo "Culture".

Igor Morozov

Nato nel 1990 a Ryazan. Diplomato presso la Moscow Choir School intitolata ad A. V. Sveshnikov (2010) e l'Accademia di arte corale intitolata a V. S. Popov (2016) con una laurea in direzione di coro e canto accademico. Vincitore di concorsi internazionali, concorso tutto russo "Giovani talenti della Russia". Vincitore del Premio Elena Obraztsova "Per un brillante inizio nell'arte". Nominato per la nazionale russa premio musicale nella categoria "Vocalist of the Year" (2016).

Nel 2013, ha fatto il suo debutto sul palcoscenico dell'opera, esibendosi in una produzione dell'opera Der Rosenkavalier di Richard Strauss allo Historical Stage del Teatro Bolshoi della Russia diretta da Vasily Sinaisky. Attualmente è solista dell'Helikon-Opera Theatre.

Come artista ospite, ha collaborato con l'Orchestra Nazionale Russa, l'Orchestra di Stato della Russia intitolata a E.F. Svetlanov, l'Orchestra Sinfonica Accademica della Filarmonica di Mosca, direttori Alberto Zedda, Mikhail Pletnev, Vladimir Yurovsky, Marco Zambelli, Alexander Vedernikov. Ha partecipato a rappresentazioni di Aleko di Rachmaninov, Salome di Richard Strauss, Anna Bolena di Donizetti, Hermione di Rossini e Il demone di Rubinstein. Ha cantato parti da solista nei Requiem di Mozart e Saint-Saens, in The Pinezhsky Tale of the Duel and the Death of Pushkin di Leonid Desyatnikov.

Nel 2016 ha fatto il suo debutto all'Estonian National Opera, croata teatro nazionale, il Teatro Comunale di San Paolo, il Teatro Reale de la Monnaie a Bruxelles, nella Sala Concertgebouw di Amsterdam. Nel 2017 si è esibito per la prima volta al Teatro dell'Opera di Nizza e al Teatro Municipale di Santiago (nel 2020 tornerà su questo palco per partecipare alla produzione dell'opera " Angelo di fuoco» Prokofiev). Nella primavera del 2018 ha cantato in The Demon di Rubinstein a Barcellona.

Ha partecipato a registrazioni video di spettacoli di Helikon-Opera per il canale televisivo Kultura: Sadko di Rimsky-Korsakov (il ruolo del titolo) e Eugene Onegin di Tchaikovsky (Lensky).

Alexander Miminoshvili

Alexander Miminoshviliè nato nel territorio di Stavropol. Dopo la laurea scuola di Musica, è entrato nel dipartimento vocale del Moscow Regional College of Arts. Nel 2006 è entrato Accademia Russa arti teatrali (RATI-GITIS) alla facoltà teatro musicale, diretto da D. A. Bertman (insegnante di canto T. V. Bashkirova), diplomatosi nel 2011. Mentre era ancora studente al RATI, ha interpretato con successo ruoli di responsabilità in una serie di spettacoli del teatro educativo RATI-GITIS (Il matrimonio di Mussorgsky, Yu. Teatro musicale "Helikon-Opera". In "Helikon" Alexander Miminoshvili esegue un vasto e variegato repertorio - le parti di Figaro in Le nozze di Figaro di Mozart, Angelo in L'amore proibito di Wagner, Renato in Un ballo in maschera di Verdi, Quarterly in Lady Macbeth del distretto di Mtsensk di Shostakovich, Dankaira nella Carmen di Bizet.

Dal 2011 è solista ospite permanente del Teatro Bolshoi della Russia - al Bolshoi ha eseguito le parti di Papageno (Flauto magico di Mozart), Schonar (La Boheme di Puccini), Gatto nero (Ravel's Child and Magic), Dancair ( Carmen) Bizet), Donald ("Billy Bud" Britten). Ha partecipato alla prima nuova produzione dall'opera "Così lo fanno tutti" di Mozart (parte di Guglielmo) sul Nuovo Palcoscenico del Teatro Bolshoi nel 2013. È anche solista ospite del Musical Theatre. KS Stanislavsky e Vl. I. Nemirovich-Danchenko ("The Blind" L. Auerbach e "Songs at the Well" E. Langer).

Alexander Miminoshvili ha collaborato con direttori come Vladimir Spivakov, Stefano Montanari, Tugan Sokhiev, Vladimir Ponkin, Evgeny Brazhnik, Vasily Sinaisky. Ha preso parte alle tournée del teatro "Helikon-Opera", sia in Russia che all'estero.

all'estero. Ha partecipato all'accademia estiva del festival ad Aix-en-Provence.

Tra gli impegni più importanti del cantante degli ultimi tempi ci sono la partecipazione alla produzione dell'opera "Erismena" di Francesco Cavalli al Festival musicale di Aix-en-Provence, la parte di Figaro nell'opera di Mozart "Le nozze di Figaro" sul palcoscenico di l'Opera di Zurigo, la ripresa delle rappresentazioni di "Così lo fanno tutti" di Mozart diretto da Tugan Sokhiev al Teatro Bolshoi. Il cantante ha in programma di tornare all'Opera di Zurigo per le rappresentazioni de Le nozze di Figaro, debutto in Teatro Reale Versailles ne "La pazza immaginaria" di Francesco Sacrati diretta da Leonardo Garcia Alarcon.

Dmitry Orlov

Dmitry Orlov si è laureato alla V. S. Popov Academy of Choral Art (classe di Dmitry Vdovin), e poi studi post-laurea (classe di Svetlana Nesterenko). Ha effettuato tournée con l'Academy Choir in Messico, USA, Canada, Svizzera, Germania, Francia, Inghilterra. Ha partecipato a concerti di Dmitry Hvorostovsky, Jonas Kaufmann, Rene Fleming. Nel 2007-2008 ha preso parte al progetto " Scuola Internazionale abilità vocale.

Il cantante è un vincitore XIII Internazionale concorso vocale studentesco Bella voce a Mosca (2005, secondo premio), nonché vincitore del diploma del XXIV Concorso vocale internazionale Glinka a Mosca (2011). Nel 2008 Dmitry Orlov ha interpretato la parte di Lord Sydney nell'esecuzione concertistica de Il viaggio di Rossini a Reims presso la Chamber Hall della Moscow International House of Music. Successivamente, ha preso parte alla produzione di quest'opera ad Aix-en-Provence. Nel 2009, il cantante ha interpretato il ruolo principale in una produzione speciale per bambini de L'olandese volante di Wagner al Festival di Bayreuth. Nel 2010, si è esibito come Duca di Verona in un concerto di Romeo e Giulietta di Gounod alla Tchaikovsky Concert Hall. Al Festival Internazionale di Oldenburg ha cantato il ruolo principale in Aleko di Rachmaninov.

Dal 2010, Dmitry Orlov lavora al Teatro dell'Opera Novaya di Mosca intitolato a E. V. Kolobov. Sul palcoscenico del teatro interpreta i ruoli di Vladimir Galitsky (Principe Igor Borodin), Malyuta Skuratov (La sposa dello zar di Rimsky-Korsakov), Alidoro (Cenerentola di Rossini), Figaro (Le nozze di Figaro di Mozart), Kurvenal (Tristano e Isotta " Wagner), Bertrand ("Iolanta" di Ciajkovskij), Zaretsky ("Eugene Onegin" di Ciajkovskij), Moliere, Barone, Insegnante di filosofia ("Scuola delle mogli" di Martynov) e molti altri.

Timofey Dubovitsky

Timofey Dubovitsky Laureato al Novosibirsk College of Music dal nome A. Murova (dipartimento vocale, classe di V. A. Prudnik). Dal 2009 al 2011 ha studiato al Conservatorio statale di Novosibirsk. M. I. Glinka nella classe del professor V. A. Prudnik. Vincitore del primo premio del concorso "Young Voices of Siberia" (2009). Dal 2011 al 2013 ha studiato all'Accademia di Arte Corale. V. S. Popov nella classe del professor D. Yu Vdovin; attualmente è uno studente del quinto anno dell'Accademia nella classe del professor S. G. Nesterenko. Nel marzo 2012, ha fatto il suo debutto sul palcoscenico del Teatro Bolshoi della Russia come Birdseller nell'opera di Richard Strauss The Rosenkavalier (direttore Vasily Sinaisky). Nell'aprile 2013 ha preso parte a un concerto dell'opera Salome di R. Strauss con la State Academic Symphony Orchestra of Russia. E. F. Svetlanov sotto la direzione di Vladimir Yurovsky.

Igor Podoplelov

Nato il 9 aprile 1993 nella città di Kirov. Dal 2009 al 2013 ha studiato presso l'A. N. Scriabin College of Music. Attualmente studente presso la V. S. Popov Academy of Choral Art (classe del professor N. B. Nikulina). Artista del coro del Teatro musicale di Mosca "Helikon-Opera". Vincitore di concorsi internazionali. Nel 2015, al concorso vocale russo "Silver Voice", ha vinto il II premio. Nell'ottobre 2015, il cantante ha preso parte a un concerto dell'opera "Amleto" di Tom nella Concert Hall

Tchaikovsky con l'Orchestra Sinfonica Accademica Filarmonica di Mosca diretta da Benjamin Pyonnier.

Orchestra Sinfonica Accademica della Filarmonica di Mosca

Orchestra Sinfonica Accademica della Filarmonica di Mosca Nel corso della sua storia è stata una delle migliori orchestre nazionali e rappresenta degnamente la cultura musicale russa all'estero.

L'orchestra fu creata nel settembre 1951 sotto il Comitato radiofonico di tutta l'Unione, nel 1953 entrò a far parte dello staff della Filarmonica di Mosca. La sua immagine artistica e il suo stile esecutivo si sono formati sotto la guida di rinomati direttori d'orchestra russi. Primo direttore artistico e il direttore principale dell'ensemble era Samuil Samosud (1951–1957). Nel 1957-1959 l'orchestra, guidata da Natan Rakhlin, si guadagnò la reputazione di una delle migliori dell'URSS. Nel 1958 su I concorrenza internazionale L'Orchestra Tchaikovsky sotto la direzione di Kirill Kondrashin ha accompagnato la trionfante esibizione di Van Clyburn e nel 1960 è stato il primo ensemble sinfonico russo a fare una tournée negli Stati Uniti.

Kirill Kondrashin si diresse Orchestra Sinfonica Filarmonica di Mosca per 16 anni (1960-1976). Questi anni sono diventati pietra miliare nella storia dell'ensemble: il maestro ha tenuto le anteprime della Quarta e Tredicesima Sinfonie di Shostakovich, la sua poesia "L'esecuzione di Stepan Razin", la cantata di Prokofiev "Nel 20 ° anniversario di ottobre", ha eseguito e registrato molte sinfonie di Mahler. Nel 1973 l'orchestra ottenne il titolo di accademico. L'orchestra ha suonato ancora più musica del 20° secolo sotto la direzione di Dmitry Kitayenko (1976–1990), incluse prime di opere di Khrennikov, Denisov, Schnittke, Butsko, Tishchenko. Per la prima volta in URSS sono state eseguite la "Turangalila" di Messiaen, la cantata "Star-faced" e gli "Requiem Hymns" di Stravinsky. In futuro, il team è stato guidato da Vasily Sinaisky (1991-1996) e Mark Ermler (1996-1998).

I più grandi direttori nazionali e stranieri - Andre Kluitans, Igor Markevich, Charles Munsch, Zubin Mehta, George Enescu, Neeme Jarvi, Maris Jansons, Jansug Kakhidze, Kurt Mazur, Evgeny Svetlanov, i compositori Benjamin Britten, Igor Stravinsky, Krzysztof Penderecki - erano presenti al podio dell'orchestra. È con questo gruppo che è collegata l'unica esperienza di direzione di Svyatoslav Richter. Quasi tutti i maggiori solisti della seconda metà del XX secolo hanno suonato con l'orchestra: Isaac Stern, Yehudi Menuhin, Glenn Gould, Emil Gilels, David Oistrakh, Leonid Kogan, Daniil Shafran, Yakov Flier, Nikolai Petrov, Mstislav Rostropovich, Vladimir Krainev , Maurizio Pollini, Eliso Virsaladze , Natalia Gutman e molti altri. L'orchestra ha registrato più di 350 dischi e CD, molti dei quali hanno ricevuto i più alti riconoscimenti internazionali nel campo della registrazione audio e sono ancora richiesti.

Una nuova tappa nella storia dell'Orchestra Filarmonica di Mosca è iniziata nel 1998, quando era guidata dall'artista popolare dell'URSS Yuri Simonov. Sotto la sua guida, il team ha ottenuto risultati eccezionali realizzazioni creative. Oggi l'orchestra è uno dei pilastri della vita filarmonica russa, si esibisce spesso nelle città russe (negli ultimi dieci anni hanno tenuto concerti in più di 40 città), tournée di successo nel Regno Unito, Germania, Spagna, Giappone, Hong Kong Kong, Cina, Corea.

IN ultimi decenni eseguita con l'orchestra musicisti eccezionali presenti: Marc-Andre Hamlen, Valery Afanasiev, Yuri Bashmet, Boris Berezovsky, Yujia Wang, Maxim Vengerov, Stefan Vladar, Khibla Gerzmava, David Geringas, Barry Douglas, Lilia Zilberstein, Sumi Cho, Laura Claycomb, Alexander Knyazev, Sergey Krylov, John Lillo

Nikolai Lugansky, Konstantin Lifshitz, Oleg Mayzenberg, Denis Matsuev, Ekaterina Mechetina, Victoria Mullova, Daniel Pollak, Vadim Repin, Sergei Roldugin, Dmitry Sitkovetsky, Viktor Tretyakov; direttori Luciano Acocella, Semyon Bychkov, Alexander Vedernikov, Michael Güttler, Alexander Dmitriev, Marco Zambelli, Thomas Sanderling, Alexander Lazarev, Andres Mustonen, Vassily Petrenko, Benjamin Pyonnier, Gintaras Rinkevicius, Alexander Sladkovsky, Leonard Slatkin, Saulius Sondeckis, Antonino Fogliani, Maris Janson e molti altri.

Una delle priorità dell'orchestra è lavorare con una nuova generazione di musicisti: nell'ambito del ciclo Stars of the 21st Century, l'orchestra collabora con solisti di talento che stanno iniziando il loro cammino verso grande palcoscenico, invita giovani artisti ai suoi abbonamenti filarmonici. L'orchestra partecipa regolarmente ai corsi di perfezionamento internazionali e interamente russi per giovani direttori di Yuri Simonov, organizzati dalla Filarmonica di Mosca.

Le attività del Maestro Simonov e dell'orchestra sono in gran parte finalizzate all'educazione dei giovani ascoltatori. Il ciclo di abbonamenti "Racconti con un'orchestra", che si svolge a Mosca e in molte città della Russia con la partecipazione di star del teatro e del cinema, ha riscosso un enorme successo. Tra loro ci sono Marina Alexandrova, Maria Aronova, Alena Babenko, Valery Barinov, Sergei Bezrukov, Anna Bolshova, Olga Budina, Valery Garkalin, Sergei Garmash, Nonna Grishaeva, Ekaterina Guseva, Evgenia Dobrovolskaya, Mikhail Efremov, Evgeny Knyazev, Avangard Leontiev, Pavel Lyubimtsev , Dmitry Nazarov, Alexander Oleshko, Irina Pegova, Yulia Peresild, Mikhail Porechenkov, Evgenia Simonova, Grigory Siyatvinda, Daniil Spivakovsky, Yuri Stoyanov, Evgeny Stychkin, Victoria Tolstoganova, Mikhail Trukhin, Gennady Khazanov, Chulpan Khamatova, Sergei Shakurov. Questo progetto ha portato al maestro Simonov il titolo di vincitore del Premio dell'Ufficio del sindaco di Mosca nel campo della letteratura e dell'arte per il 2008. Nel 2010, Yuri Simonov e l'orchestra sono diventati vincitori del Musical Review National Newspaper Award nella nomination di Direttore e Orchestra.

Negli ultimi anni, il team ha presentato una serie di anteprime moscovite, russe e mondiali. Sono state eseguite composizioni di Andrey Eshpay, Boris Tishchenko, Krzysztof Penderetsky, Philip Glass, Alexander Tchaikovsky, Sergei Slonimsky, Valentin Silvestrov, Eduard Artemiev, Gennady Gladkov, Sofia Gubaidulina, Alexei Rybnikov, Ephraim Podgaits, Kuzma Bodrov e altri compositori. Nella stagione 2019/20 l'orchestra è in tournée nel Regno Unito e in Germania, a novembre 2019 accompagna le esibizioni dei concorrenti al III Concorso musicale tutto russo nella specialità "Direzione d'opera e sinfonica", la cui giuria è presieduta di Yuri Simonov, partecipa tradizionalmente all'apertura e alla chiusura del XX Concorso televisivo internazionale per giovani musicisti dello Schiaccianoci.

Coro russo accademico statale intitolato ad A. V. Sveshnikov

La storia della squadra risale al 1936, quando, sulla base di ensemble vocale sotto il Comitato radiofonico dell'URSS, organizzato dal leggendario maestro di cappella Alexander Sveshnikov, per ordine del Comitato per le arti sotto il Consiglio dei commissari del popolo dell'URSS, Coro di Stato L'URSS. Il 26 febbraio 1937 ebbe luogo il primo concerto della banda nella Sala delle Colonne della Casa dei Sindacati. L'artista onorato della RSFSR Alexander Sveshnikov (1936–1937, 1941–1980) e il professore del Conservatorio di Mosca Nikolai Danilin (1937–1939) divennero i primi direttori del Coro di Stato. In futuro, il coro è stato diretto da rinomati direttori: Igor Agafonnikov (1980–1987), Vladimir Minin (1987–1990), Evgeny Tytyanko (1991–1995), Igor Raevsky (1995–2007), Boris Tevlin (2008–2012 ). Attualmente, il direttore artistico del gruppo è uno studente di Boris Tevlin, Evgeny Volkov.

Il coro di stato dell'URSS divenne il fiore all'occhiello dell'arte corale nazionale, che conquistò prestigio internazionale. Un posto speciale tra le numerose registrazioni del Coro di Stato è occupato da All-Night Vegil di Rachmaninov diretta da Alexander Sveshnikov (1965), un capolavoro di esecuzione che ha vinto numerosi premi prestigiosi.

Il repertorio del gruppo comprende classici corali, musica di compositori sovietici e contemporanei, nonché programmi esclusivi dell'autore: "Concerto corale russo", " Musica ortodossa mondo", "Compositori - alunni della scuola Sveshnikov", "Canzoni russe in arrangiamenti classici e moderni", "Classici secolari russi e stranieri", "Canzoni preferite del secolo scorso", "Inni e celebrazioni della Russia", "Canzoni e marce dell'esercito imperiale russo ”, “Musica della rivoluzione del 1917”, ecc.

ruolo significativo in attività creativa Goskhora partecipa a concerti unici e progetti teatrali. Tra questi ci sono un concerto-spettacolo per il 70° anniversario della completa liberazione di Leningrado dal blocco fascista (“Leningraders. 900 giorni in nome della vita”), un concerto-spettacolo “Un eroe del nostro tempo” per il 200° anniversario di la nascita di Mikhail Lermontov e “La musica come destino” al 100° anniversario di Georgy Sviridov e altri Il Coro di Stato partecipa attivamente a festival internazionali. Negli ultimi anni, il gruppo si è esibito nelle principali sedi di concerti in Gran Bretagna, Francia, Giappone, Polonia, Lettonia, Lituania, Moldavia, Georgia.

Nel 2010, il Coro di Stato ha registrato su CD 12 cori di Sergei Taneyev sulle parole di Yakov Polonsky, nel 2013 - Inno Federazione Russa nella versione orchestrale di Jan Frenkel (ASO MGAF, direttore - Yuri Simonov), nel 2016 ha creato una colonna sonora per il concerto finale dei World Choir Games a Sochi ("Inno alla Terra" di Alexei Rybnikov - prima mondiale).

Nell'ambito della collaborazione con la Open Sea Foundation, il Coro di Stato ha eseguito un concerto e una versione teatrale dell'opera Carmen di Bizet (direttore Mikhail Simonyan, regista Yuri Laptev). Con il sostegno della fondazione, si è tenuto un concerto in onore dell'80° anniversario del collettivo sul palcoscenico storico del Teatro Bolshoi. Inoltre, nella Sala delle Colonne si sono svolte le celebrazioni dell'anniversario. Una pagina particolarmente luminosa nella storia del gruppo è stata la sua partecipazione al progetto internazionale "Giornata della Russia nel mondo - Giornata russa": nel giorno della festa nazionale della Federazione Russa, il coro ha tenuto concerti da solista alla Gaveau Hall di Parigi (2015), al London Barbican Centre (2016) e alla Assembly Hall di Gerusalemme (2017).

Nel 2018, con l'antologia della canzone militare Slava Russkaya, il Coro di Stato è diventato il vincitore del concorso per borse di studio del Presidente della Federazione Russa. Le attività di ricerca, didattica e concertistica nell'ambito del progetto sono state sostenute dai plenipotenziari del Presidente in tutti i distretti federali.

Evgeny Volkov è nato a Mosca nel 1975. Laureato presso il dipartimento teorico dell'Accademia scuola di Musica presso il Conservatorio di Mosca, la Facoltà di direzione e coro del Conservatorio di Mosca (con lode) e gli studi post-laurea (classe direzione corale il professor Boris Tevlin; classe di direzione d'opera e sinfonica del professor Igor Dronov). Dal 2000 - docente al Conservatorio di Mosca, dal 2009 - professore associato. Nel 2002-2008 - Direttore principale del coro da camera del Conservatorio di Mosca sotto la direzione di Boris Tevlin, nel 2008-2012. - capo coro Su invito del maestro, nel 2008 ha assunto l'incarico di maestro di cappella del Coro di Stato intitolato ad AV Sveshnikov, nel 2011 è diventato il maestro di cappella principale del gruppo, nel 2012 - direttore artistico. Dal 2013 - Membro del Presidium della All-Russian Choral Society.

Benjamin Pionnier

Benjamin Pionnier nato nel 1977, si è diplomato al Conservatorio Nazionale di Nizza come pianista. Terminati gli studi al Conservatorio, si perfeziona a Parigi con Brigitte Angerer e conduce un'intensa attività concertistica come solista e membro di varie formazioni cameristiche. Ha iniziato la sua carriera di direttore d'orchestra studiando nel Regno Unito con George Hirst ed è diventato un vincitore del prestigioso Manchester Conducting Competition tenuto dal Royal Northern College of Music. In seguito ha assistito molti eminenti direttori d'orchestra nella preparazione di spettacoli d'opera, tra cui James Levine, Michel Plasson, Antonello Allemandi e Paolo Olmi.

Il repertorio operistico di Benjamin Pionnier comprende dozzine di opere, tra cui opere di Gluck, Mozart, Donizetti, Gounod, Offenbach, Bizet, Lehar, Verdi e Puccini; Dal repertorio francese, ha diretto le opere Carmen, Romeo e Giulietta, I cercatori di perle, I racconti di Hoffmann, La vita parigina, Werther, Faust e Lakme. Per tre stagioni - dal 2006 al 2009 - è stato consulente artistico dell'Opera di Nizza e dell'Orchestra Filarmonica di Nizza. Tra i prossimi impegni del direttore ci sono le produzioni di " Vita parigina»Offenbach a Parigi, I racconti di Hoffmann di Offenbach a Singapore, La bellezza di Perth di Bizet a Nizza. Nel febbraio 2010 ha diretto con successo un concerto di Romeo e Giulietta di Gounod a Mosca presso la Tchaikovsky Concert Hall. P. I. Ciajkovskij come parte dell'abbonamento "Capolavori dell'opera". Dal 2011 al 2013 è stato Direttore Principale del Teatro dell'Opera Nazionale Sloveno di Maribor. Tra gli impegni del direttore negli ultimi anni ricordiamo Carmen di Bizet a Hong Kong, Seoul e l'Opera di Shanghai, Faust di Gounod a Buenos Aires, La vedova allegra di Lehár ad Avignone, Orfeo ed Euridice di Gluck a Nizza. Benjamin Pionnier ha lavorato con orchestre come l'Orchestra Filarmonica di Nizza, l'Orchestre National de Montpellier, il Teatro Massimo di Catania, l'Orchestre d'Avignon, l'Orchestre National Opera di Laurens e molte altre.

Mikhail Fikhtengolts

Nessun personaggio principale

Amleto messo in scena alla Novaya Opera

Nella NUOVA STAGIONE Nuova Opera"continua la sua vecchia politica di repertorio e fornisce regolarmente al pubblico rarità operistiche, precedentemente conosciute solo dai libri. "Amleto", scritto dal compositore francese della seconda metà 19esimo secolo Ambroise Thomas è raramente menzionato anche nei libri: per caso, è sfuggito alla vista di musicologi solitamente curiosi, ma ha attirato l'attenzione di Evgeny Kolobov, conoscitore e collezionista di rarità. Dopo Kolobov, che ha dato la colonna sonora al suo giovane collega Dmitry Volosnikov, anche Amleto è stato apprezzato dal pubblico: dolorosamente buona e poetica questa musica, sebbene priva di scala shakespeariana e di un ribollente vortice di passioni, ma, senza dubbio, dotata di un certo gusto.

Tuttavia, qualsiasi uomo di cultura prova ancora a confrontare l'opera di Tom con la sua famosa fonte letteraria. Rispetto a Shakespeare, Toma sembra essere un miniaturista: dimezza il numero dei personaggi (non c'è né Laerte né Polonio, né l'eterna coppia di Rosencrantz e Guildenstern) e mette in risalto la linea amorosa di Amleto e Ofelia. I registi hanno proseguito la riforma e "compresso" la partitura di una volta e mezza, lasciando solo il nucleo della trama e presentando un dramma compatto in due atti della durata di due ore. Evgeny Kolobov, senza apparire sul palco, ha messo mano alla partitura e ha riorchestrato alcuni frammenti (lo fa sempre, indipendentemente dal fatto che il lavoro ne abbia bisogno o meno). Nell'episodio finale è apparso il suo segno di "firma", una sorta di firma del maestro - uno strumento chiamato "scatola" con un suono sordo, progettato per instillare paura nel pubblico e negli eroi. Tutto è stato fatto per garantire che lo spettacolo entrasse facilmente e senza dolore nello stile del teatro e si stabilisse nel repertorio.

È ancora difficile dire quanto successo abbia avuto questo lavoro per il teatro. Un ovvio vantaggio è il fatto stesso di mettere in scena una composizione sconosciuta in Russia e il suo suono abbastanza competente da parte di cantanti e orchestra. Un ovvio svantaggio è la drammatica mancanza di allineamento dell'azione diretta da Valery Racu. Lo spettacolo non ha volto: il personaggio principale che potrebbe guidare l'azione: Amleto (tenore giovane e promettente Ivan Kuzmin) e Ofelia (prima teatro, soprano Marina Zhukova) si trasformano in bambini indecisi, schiacciati dal destino e dai propri complessi. La coppia criminale - Claudio e Gertrude (Vladimir Kudashev ed Elena Svechnikova) - è ancora più senza volto e mediocre. Sembra, ruolo di primo piano nel nuovo "Amleto" interpreta l'oscurità che circonda gli eroi e progettata per rappresentare, apparentemente, i recessi dell'anima umana con le sue passioni nascoste. All'inizio, l'entourage esteriore che vince - l'antico abbigliamento degli eroi e delle comparse con pesanti dorature e velluto nero (i lussuosi costumi di Marina Azizyan) sullo sfondo dell'oscurità totale - è volgarizzato da un equipaggiamento tecnico primitivo: l'intera performance con un terribile scricchiolio guida una piattaforma di legno intorno al palco, diventando la terza ruota nei duetti lirici di Amleto e Ofelia e ululando al culmine.

Musicalmente l'opera si è rivelata più uniforme e solida, anche se è difficile capire perché fosse necessario nascondere l'orchestra in profondità nel palcoscenico - dove è persino difficile vedere, figuriamoci sentire. Anche il bellissimo coro Novoopersky si sente da lontano e solo i personaggi principali appaiono in spaventosa vicinanza all'auditorium. La parte maschile degli interpreti si è mostrata alla prima molto meglio della parte femminile: né la stucchevole Ofelia, né la rumorosa Gertrude (non sembra esserci traccia dell'ex voce di alta qualità di Elena Svechnikova) i colori giusti per i tuoi personaggi Si spera che nella prossima produzione della Novaya Opera, il Rigoletto di Verdi, ci saranno ancora personaggi memorabili: Dmitry Hvorostovsky è stato invitato a interpretare il ruolo del vecchio gobbo, che probabilmente non soccomberà all'arbitrarietà del regista.

MN time, 12 novembre 2000

Giulia Bederova

Amleto non muore

Almeno nel New Opera Theatre

"Tra l'Amleto di Shakespeare e l'Amleto di Ambroise Thomas", osserva Valery Raku, direttore dello spettacolo alla Novaya Opera, "solo somiglianza". C'è anche una somiglianza esteriore tra l '"Amleto" della "Nuova Opera" e il vecchio film con Smoktunovsky nel ruolo del Principe di Danimarca: i colori e la luce sono riconoscibili, la visualità del tipo "figura - sfondo", dietro il corpo - oscurità senza segni di vita Quindi, l'immersione della scena nell'oscurità nera, l'assenza di decorazioni, il tipo di ritratto del pittoresco scenografico sottolinea il pittoresco della rara musica di Ambroise Thomas e ammorbidisce leggermente la leggerezza dell'opera libretto.

Amleto di Ambroise Thomas fu messo in scena per la prima volta alla Grand Opera di Parigi nel 1868. La prima è stata accompagnata dal successo di pubblico e dalla critica simpatica. Alla fine degli anni '60 del XIX secolo, Thomas, in gioventù, era uno studente diligente dei migliori professori francesi, che debuttò con successo sul palcoscenico dell'Opera Comic all'età di 26 anni, proprietario del prestigioso Il Premio Roma, poi ha cessato di essere popolare, ma ha assunto l'incarico di direttore di questo teatro, di nuovo, all'età di 57 anni, diventa uno degli scrittori d'opera più amati di Parigi.

L'Amleto di Tom, nonostante la presenza di un fantasma e l'infusione di veleno nell'orecchio, è prima di tutto una drammatica storia d'amore. Qui Ofelia muore, ma la morte dello stesso Amleto, accecato dal pensiero della vendetta e raffreddato nei confronti della sfortunata ragazza, rimane fuori dalla trama. La musica di Tom è plastica e pittoresca. Questo è in parte merito del compositore stesso, in parte del direttore d'orchestra e direttore artistico del teatro Yevgeny Kolobov, che, come al solito, ha realizzato l'edizione musicale e l'orchestrazione del poco conosciuto testo dell'opera. E alcuni episodi della musica di Tom - come la canzone morente di Ofelia - solo per caso non sono entrati nelle antologie dei successi dell'opera.

L'orchestra, posta nelle profondità del palcoscenico, alle spalle dei personaggi, suona succosa ed espressiva, risultando essere uno dei personaggi della performance (è così che si moltiplica la costruzione "teatro nel teatro", e la rappresentazione nella "Nuova Opera" fa rima con la rappresentazione nel regno danese), e l'unica realtà, distinguibile nell'astratto nero dello sfondo.

Lo stile di regia e scenografia abbastanza tradizionale, in costume, calmando dolcemente il timido pubblico dell'opera, gioca tuttavia sul campo della modernità attuale, inchinandosi a quella parte del pubblico che non è in grado di mangiare il tradizionalismo fossilizzato. Qui, la tecnica principale è un'enorme piattaforma che si muove scricchiolante - "lingua", salendo sulla quale i personaggi partono dolcemente per l'auditorium. Questa versione dell'ingrandimento cinematografico è un altro modo per trasformare il pubblico in soggetti di Claudio e Gertrude, guardando a bocca aperta gli attori di strada che recitano una storia straziante.

Come quei comici, i cantanti della "Nuova Opera" suonano prima di tutto diligentemente "Amleto". Suonano quello che chiedono. Come se cercasse di non distrarre l'attenzione con voci troppo raffinate, recitazione troppo raffinata. Quell'Amleto (Ilya Kuzmin), quell'Ophelia (Marina Zhukova) sono molto dettagliati, ma di scarso interesse. Nella modalità maschera generale della messa in scena, se non cancellata, almeno le tipiche immagini vocali funzionano silenziosamente per se stesse. E qualsiasi malato non può percepirlo come una forte mancanza di bellezza vocale, ma in qualche modo interpretarlo concettualmente e calmarsi. Non c'è da stupirsi che lo spettacolo, con tutta la sua oscura intonazione tragica, e con esso il programma teatrale, sia impostato in modo così calmo: "Ambroise Thomas è morto in silenzio, circondato dalla sua famiglia e dagli studenti riconoscenti ..."

Newstime, 13 novembre 2000

Ekaterina Biryukova

Amleto con uno scricchiolio

Shakespeare alla Nuova Opera

Ambroise Thomas, un francese, decise di mettere in musica il principale capolavoro di Shakespeare nel 1868. Trovandosi di fronte a una grande opera, il compositore non esitò a farne ciò che avrebbe fatto con qualsiasi altra trama adattata a un'opera mediocre. Insieme ai suoi librettisti Carré e Barbier, gli ha rimosso quasi tutti i pensieri, ha ridotto notevolmente il numero di eroi (ad esempio, Rosencrantz e Guildenstern sono andati sotto i ferri), ha fatto di una trama d'amore la trama principale e, di conseguenza, ha gonfiato la protagonista femminile ruolo il più possibile. Questo è comprensibile: se ai tempi di Shakespeare il ruolo di Ofelia era interpretato da un ragazzo senza pretese, allora nella seconda metà dell'Ottocento nessuno metterebbe in scena un'opera in cui non ci sia una parte vincente per la prima donna. Chi, se non Thomas, il direttore dell'Opera Comic parigina, non poteva saperlo. Di conseguenza, il numero più famoso di "Amleto" è l'aria d'addio di Ofelia, inclusa nel repertorio d'oro del soprano di coloratura. Da esso è facile giudicare le preferenze musicali di Tom: Bellini, Donizetti, Gounod.

I librettisti hanno lavorato anche con il finale, famoso per le sue infinite morti. Nella versione dell'opera, abbiamo quasi un lieto fine. È vero, non arriva al matrimonio: Ofelia calpesta, come dovrebbe essere. Ma Amleto, che pugnalò Claudio e mandò Gertrude in un monastero, viene incoronato e gli canta gloria. C'è una cosiddetta "finale per Covent Garden" in cui Thomas ha portato la sua opera in tournée. Per i compatrioti di Shakespeare, Amleto doveva ancora essere messo a morte. Nella versione inglese, il principe danese esclama "Ophelia, muoio con te!" - e cade. Poi gli cantano di nuovo gloria. È diventato ancora più stupido.

Ora i registi d'opera non sono in onore di Amleto (la musica è più popolare di prima opera Tom - "Minion"), sebbene ci sia un eccellente interprete del ruolo principale: Thomas Hampson. Per far fronte al volontarismo dei librettisti e alla musica scadente, è necessaria sia una forte decisione registica che un'alta qualità opera musicale. Entrambi nella Novaya Opera, che da tempo decise di ricostituire il suo repertorio con il raro Amleto, erano inizialmente attesi. Il ruolo del regista non è stato offerto a nessuno, ma ad Alexander Sokurov. Anche se si rivelasse del tutto insostenibile nella sua nuova veste di regista d'opera, almeno la stessa combinazione dei nomi Shakespeare-Thomas-Sokurov potrebbe essere divertente. Ma Sokurov, sconvolto dal fatto che così tante persone cantino nell'opera, ha perso ogni interesse per la produzione. Insieme a lui, il direttore artistico del teatro Yevgeny Kolobov ha perso interesse per Amleto. E impreziosita dall'idea piuttosto assurda di Sokurov - trasferire l'orchestra dalla fossa tradizionale alla tasca posteriore del palcoscenico - l'opera è stata affidata al direttore dello staff della New Opera, Valery Raku, al direttore dello staff Dmitry Volosnikov e al film l'artista Marina Azizyan.

Non ne è venuto fuori niente di buono. Il momento migliore della produzione è la famosa "trappola per topi", in cui giocano bambole divertenti e almeno un po 'di umorismo scivola via. Tutto il resto è oscuro e miserabile. La piattaforma mobile, sulla quale si siedono a turno gli eroi, inizia sempre a scricchiolare esattamente al momento dell'aria. Ciò fa un'impressione particolarmente deprimente, poiché, a causa della lontananza dell'orchestra, il cigolio diventa l'accompagnamento principale delle parti vocali. Amleto (il giovane baritono diligente Ilya Kuzmin) sistema le cose con la coppia reale, con se stesso e con il mondo intero, avvolgendosi in una specie di tenda con fiori nel modo più disordinato. Il fantasma caricaturale del padre assassinato, dipinto e vestito da vampoo, sembra non apparire dall'aldilà, ma da una cerchia di spettacoli amatoriali rurali. Ofelia (Marina Zhukova, esperta e dalla voce tranquilla), avvolta in un enorme sacco rigido e simile a un palo da passeggio, scivola lungo la piattaforma sullo stomaco, si lascia cadere da essa sul polietilene raffigurante l'acqua e giace lì fino alla fine.

La fine però non è lontana, perché l'opera di cinque ore è stata dimezzata. E, come al solito nella "New Opera", riorchestrato. La partitura non è stata trattata in modo più corretto di quanto Tom sia stato trattato con Shakespeare. C'era anche un posto per l'amato strumento a percussione nella Novaya Opera: una scatola che ricorda un metronomo nel suono (anche Boris Godunov non può fare a meno di questa invenzione relativamente recente). C'è anche un vero e proprio assolo di sassofono, che significa, a quanto pare, un amichevole saluto all'omonima performance di Peter Stein. Non è chiaro quale delle versioni disponibili dell'opera - francese o inglese - sia mostrata nella New Opera. Molto probabilmente russo e il più infruttuoso.

Vedomosti, 14 novembre 2000

Vadim Zhuravlev

Frittata da Amleto

Preparato per tre anni alla "Nuova Opera"

Per tre anni al Novaya Opera Theatre di Mosca, il regista Alexander Sokurov e il direttore d'orchestra Yevgeny Kolobov hanno lavorato alla rara, anche per gli standard occidentali, opera Amleto del compositore francese Ambroise Thomas. La prima produzione operistica di Sokurov avrebbe dovuto fare molto rumore e il teatro non ha lesinato sulla promozione. Ma un anno fa, il regista ha abbandonato la produzione e Kolobov non ha avuto altra scelta che consegnare l'orchestra al giovane direttore Dmitry Volosnyakov. Pertanto, alle prime esibizioni, c'era la sensazione che la nuova rappresentazione del teatro fosse stata rilasciata perché non c'era nessun posto dove andare.

Il compositore francese Ambroise Thomas amava rifare i soggetti letterari con passione. La sua prima esperienza di successo fu l'opera "Mignon" di Goethe, e nel 1868 portò l'"Amleto" di Shakespeare all'assurdità. L'opera vampuka basata su Shakespeare si estendeva su cinque atti e si concludeva con l'assassinio dello zio Claudio e l'ascensione al trono di Amleto tra le esclamazioni di approvazione del coro. La Novaya Opera ha immediatamente abbandonato un simile finale, decidendo di interrompere l'opera a metà. Lo stesso Evgeny Kolobov si è occupato della riduzione della partitura e della sua riorchestrazione, e molti la considerano un'impresa. Ma dobbiamo ancora scoprire cosa c'è di più in questo gesto del conduttore: ascetismo o frugalità. Del resto, in questo modo il teatro evita di pagare gli editori per l'utilizzo di una partitura rara. Nella versione di Kolobov, "Amleto" perde il suo unico indubbio vantaggio: l'eleganza dell'opera lirica francese e il fascino delle scatole di legno (come in "Boris Godunov") mettono in dubbio l'opportunità di tali macchinazioni con la partitura. Toma appare come una brutta copia di un'opera italiana dell'epoca di Verdi, e con la scomparsa dello stile si perde il significato di rivolgersi a una rarità.

Dicono che Kolobov non si stanca di scioccare l'impresario occidentale, vantandosi della sua orchestrazione della "Mary Stuart" di Donizetti, realizzata direttamente dalla videocassetta. In Occidente, questo è considerato un oltraggio e nessuno è autorizzato a toccare i punteggi. Ma Kolobov fa quello che vuole nel suo teatro, soprattutto perché il pubblico non ha ancora possibilità di confronto.

Il rifiuto di Sokurov deve essere pagato dal regista a tempo pieno del teatro Valery Rak, che, armato di un approccio tradizionale alle opere di Shakespeare, sta cercando di far rivivere l'opera vampoo.

Un grande regista come Peter Stein è già caduto in questa trappola con Amleto davanti agli occhi del pubblico moscovita. Cosa possiamo dire del regista medio del teatro musicale, le cui produzioni prima erano più simili a concerti splendidamente decorati. Raku è un grande specialista di thriller cupi, quindi "Amleto" si inserisce in una serie di spettacoli del regista nella "Nuova Opera" - "Valli" e "I due Foscari". Inoltre, la compagnia della Novaya Opera semplicemente non ha cantanti con un tale bagaglio di recitazione per incarnare immagini leggendarie. L'orchestra nell'esibizione è finita in fondo al palco, ma non c'è spiegazione per questo. Soffre solo la musica e soffrono i cantanti, allungando il collo verso il backstage, dove sono appesi i televisori con l'immagine del direttore d'orchestra. La scenografa Marina Azizyan è sempre stata conosciuta come una persona di balletto, quindi i costumi dei solisti e del coro sono riccamente decorati con oro e strass in stile balletto. L'elemento principale della scenografia - una gigantesca lingua di legno su cui si svolgono quasi tutte le scene principali - si insinua nella platea, scricchiola e interferisce con la musica. Per due ore, il pubblico cerca momenti felici su un palcoscenico buio, cogliendo dal discorso francese invece del nome del personaggio principale "Amle" (questo è in francese) o "Omelet" (questo è a Nizhny Novgorod). Pertanto, quando Marina Zhukova esegue una serie di involtini virtuosistici nella famosa scena della follia di Ofelia, la sala esplode in un applauso senza precedenti. Il baritono Ilya Kuzmin (Amleto) riceve molti meno applausi per la sua aria sul vino (che sostituisce "Essere o non essere" di Shakespeare), ma il suo lavoro sembra il più serio in questa performance indistinta e non più necessaria.

Izvestia, 15 novembre 2000

Pietro Pospelov

Amleto è vivo

Prima alla New Opera

Sul poster dell'opera di Mosca - un nuovo nome. Il teatro di Evgeny Kolobov, noto per la sua passione per le rarità, ha messo in scena un'opera semidimenticata del compositore francese Ambroise Thomas (1811-1896) "Amleto". Il successo della performance non è stato ostacolato dalla trasformazione della tragedia del grande britannico in un dramma lirico francese e ha contribuito alla decapitazione di un'opera francese in cinque atti in un formato moscovita in due atti.

Con un grande lavoro, puoi fare quello che vuoi: lascia che qualcosa rimanga, hanno deciso Ambroise Thomas e i suoi librettisti. Nel finale dell'opera "Amleto" (prima di successo a Parigi - 1868), tutti i personaggi (ad eccezione dell'annegata Ofelia e dell'ucciso Claudio, ma compresi i vivi e illesi Polonio e Laerte) salgono sul palco e cantano: "Lunga vita ad Amleto, nostro re!" Nell'edizione dell'autore per Londra (presentata per la prima volta al Covent Garden, 1869), fu fatta una concessione al pubblico locale: Amleto viene pugnalato a morte. Nell'edizione di Mosca, Amleto rimane sul palco in una posa dolente. Il regista Valery Raku spiega nel programma: "Quei flussi di sangue che hanno inondato la scena shakespeariana sono impossibili nel mondo lirico di Tom, ma nel linguaggio della musica descrive una tale morte dell'anima, dopo la quale la morte fisica non ha più senso ."

Puoi gestire un'opera poco conosciuta ancora più liberamente, hanno deciso alla Novaya Opera. E hanno combinato in due cinque atti della partitura di Tom, hanno buttato via completamente Laerte, Polonio, i becchini, il balletto ... Questo non era il caso di Eugene Onegin, né di " Boris Godunov", nemmeno con "La Traviata", andando alla "Nuova Opera" nelle edizioni di Yevgeny Kolobov. Si può consolare, in primo luogo, che ciò non danneggia in alcun modo la tradizione russa: l'ascoltatore domestico ricorda dall'opera solo la Canzone bacchica di Amleto - il numero della corona grandi baritoni da dischi di grammofono logori, e in secondo luogo, perché l'opera di Tom è esorbitantemente lunga nell'originale (ma, dopotutto, la mettono in scena a San Francisco e Ginevra?) , non è un capolavoro di prima fila, e i tagli gli fanno solo bene.

Forse dovremmo essere d'accordo con questo. E non criticare i cambiamenti nell'orchestrazione, causati dalla necessità di portare la vecchia partitura alla composizione e alla struttura dell'orchestra moderna. E anche per rallegrarsi di quanto suoni autentico il sassofono nell'orchestra - una novità alla moda inventata in metà del diciannovesimo secolo dal sax belga. A proposito, l'unica registrazione completa (EMI CDS 7 54820-2, con Thomas Hampson nel ruolo del titolo) è stata pubblicata poco prima che Peter Stein mettesse in scena il suo "Amleto": ora è chiaro da dove sia venuta l'idea di inserire il sassofono nel mani dell'attore Yevgeny Mironov .

Il capolavoro di Tom, sebbene non in prima fila, sebbene tagliato e rieditato, integra comunque la familiare storia della musica: ascoltando la canzone morente di Ofelia, puoi intuire la fonte di ispirazione per Verdi, che ha scritto la preghiera morente di Desdemona in Otello. Inoltre, "Amleto" è bellissimo come esempio di puro stile francese. E qui c'è qualcosa per commemorare il giovane direttore d'orchestra Dmitry Volosnikov con una parola gentile.

Di norma, qualsiasi delle nostre squadre d'opera, anche le migliori, è un insieme di voci di diversa natura; il desiderio di un unico principio vocale si manifesta solo in rari casi di esecuzione di opere barocche che lo richiedano approccio speciale suonare (e questa è precisamente l'area di interesse di Volosnikov - ha già messo in scena Dido and Aeneas di Purcell nell'atrio del teatro). Le opere dei giovani cantanti Ilya Kuzmin (Amleto), Lyudmila Kaftaykina (Ophelia) e Vladimir Kudashev (Claudius) mancavano di abilità e precisione. Ma loro, e anche gli interpreti delle parti secondarie (Sergey Sheremet e Maxim Ostroukhov) hanno cercato di portare con il loro canto ciò che il direttore li obbligava a fare: l'eleganza della linea, la mancanza di forza, una ragionevole misura di affettazione (l'onorato l'artista Elena Svechnikova è stata fastidiosamente eliminata dall'ensemble generale). Considerando che due ensemble cantano l'opera, i meriti di Dmitry Volosnikov dovrebbero essere moltiplicati in due: quasi per la prima volta abbiamo ascoltato dal nostro palcoscenico d'opera i risultati del lavoro sistematico del direttore su un certo stile vocale comune a tutti i cantanti - in questo caso, il stile dell'opera lirica francese.

Lo stesso vale per il coro, che, ahimè, per volontà dei tagliatori, ha cantato solo nella prima metà dell'esibizione, e l'orchestra, che esisteva in una posizione speciale: a volte maldestramente sbagliata, ma spesso suonando molto bella, è stato estratto da buca dell'orchestra(al suo posto fu costruito uno stagno in polietilene, che alla fine divenne la tomba di Ofelia) e inviato nella stiva più lontana, dietro il palco - che sconvolse l'equilibrio organico tra l'orchestra e i cantanti. Lo spettacolo di un'orchestra lontana con frac e lampadine ha invece svolto il ruolo di fondale semantico nella scenografia di Marina Azizyan, sottolineando la convenzionalità del "teatro nel teatro" (la scena della "trappola per topi" è stata interpretata in modo divertente da tre grottesche mimi). Avaro strutture in legno, su cui si svolgeva l'azione, somigliava allo stesso tempo all'anfiteatro dell'arena shakespeariana e al sinistro pozzo (e la "scatola", spudoratamente martellante nell'orchestra sulla partitura di Tom, è un pendolo). I principali vantaggi della produzione di Valery Raku, solidamente noiosa (il secondo atto ha aggiunto poco al primo) e talvolta diluito con giochi facoltativi con oggetti di scena (come un sipario attorcigliato in una treccia), come sempre, sono rimasti la musicalità interiore e l'abilità trovare l'opera lirica adatta alle situazioni vocali disegnando pose e messe in scena.

È interessante notare che il primo candidato per il ruolo di regista è stato Alexander Sokurov, uno dei registi più musicali, ma i suoi piani sembravano così radicali che persino l'impavido direttore artistico del teatro, Evgeny Kolobov, non ha osato rischiare. Forse aveva ragione: "Amleto" non è diventato una sensazione, ma ha preso vita e ha cantato in francese e nello spirito francese. Se questa esperienza è destinata a continuare - questa è la domanda.

Club serale, 17-23 novembre 2000

Dmitry Morozov

Principe di Danimarca circonciso

Ambroise Thomas, Amleto. "Opera Nuova"

Durante il viaggio dall'idea alla produzione a lungo promessa, la nave è stata abbandonata prima dal regista Alexander Sokurov, la cui partecipazione pubblicamente annunciata ha posto le basi per una sensazione, e poi dallo stesso Maestro Kolobov. Entrambi, tuttavia, non sono scomparsi senza lasciare traccia. La scenografia ei costumi di Marina Azizyan sono rimasti dal palcoscenico di Sokurov, e questa è forse l'unica cosa che ci permette di parlare di questa performance come di un fenomeno teatrale.

La pista di Kolobov è molto più controversa. Al suo successore in quest'opera, Dmitry Volosnikov, ha lasciato la propria edizione musicale e orchestrazione (quest'ultima è particolarmente dubbia in termini di conformità con lo stile dell'opera lirica francese, nonché gusto elementare, con cui Kolobov l'orchestratore ha costante i problemi). A sua volta, il giovane e indubbiamente dotato direttore d'orchestra, incoraggiato da una così evidente mancanza di rispetto per la partitura dell'autore da parte del suo capo, si spinse ancora oltre, sottoponendo l'opera a un'ulteriore circoncisione. Di conseguenza, parte dei personaggi e quasi la metà della colonna sonora sono rimasti indietro.

Si può obiettare che per il grande pubblico tutti questi dettagli non hanno particolare importanza, per lui il risultato è importantissimo. Ebbene, se ignoriamo l'Amleto di Shakespeare e l'omonima opera di Tom e consideriamo la performance una composizione libera basata su entrambi, allora non si può fare a meno di notare i pregi, tuttavia esistono separatamente e non vogliono formare un quadro coerente.

Tutti sono già abituati al fatto che nella "Nuova Opera" l'orchestra e il coro sono solitamente in prima linea. Questa volta l'allineamento si è rivelato in qualche modo diverso: i cantanti erano al primo posto. Non solo le esperte artigiane Marina Zhukova (Ophelia) ed Elena Svechnikova (Gertrude) meritano il massimo elogio, ma anche la giovanissima Ilya Kuzmin nel ruolo del protagonista. Vladimir Kudashev si è mostrato molto degno nel ruolo di Claudio. La parte del coro (il maestro del coro Andrei Lazarev) ha occupato un posto modesto nell'esibizione e l'orchestra, spinta in profondità nel palco dai registi, si è notevolmente persa nella luminosità del suono. Lo spettacolo ha vinto qualcosa? Sfortunatamente, il regista Valery Racu non è riuscito a battere la presenza dell'orchestra sul palco, per cui è solo un pugno nell'occhio.

In generale, la regia è il lato più vulnerabile della performance. Non si tratta della messa in scena statica. Mentre i personaggi fanno i loro discorsi, quasi immobili in piedi sulla pedana, questo non irrita, tanto più che il regista qui è molto ben "coperto" da uno dei nostri migliori lighting designer Gleb Filshtinsky. Ma non appena il regista, cercando di ravvivare l'azione scenica, fa letteralmente "urtare" Amleto su un palcoscenico in movimento Claudio e Gertrude, o quando i personaggi organizzano periodicamente giochi senza senso attorno a un piccolo sipario interno, si comincia a pensare che un completo l'assenza di regia sarebbe preferibile a tale tipo di "presenza del regista".

Il risultato, quindi, si è rivelato molto ambivalente. L'appello alle rarità merita di per sé gratitudine, ma in questo caso il teatro non è riuscito a giustificare in modo convincente la sua scelta. Se il lavoro di Tom, secondo la direzione della Novaya Opera, richiede vivisezioni così radicali, non sarebbe stato meglio mettere in scena qualcos'altro? Inoltre, anche quella "parte della musica che suonava nella performance non era molto eccitante. La colpa è di Ambroise Thomas? O è ancora la ragione per cui l'opera lirica francese è una questione delicata, che rivela le sue bellezze solo a coloro che sono adatti a lei senza scetticismo, attratti dall'amore, non dal prurito chirurgico?

Personaggi principali:
Amleto (baritono), Ofelia (soprano), Claudius (basso), Gertrude (mezzo), Laertes (tenore), Phantom (basso), Marcellus (tenore), Horatio (basso), Polonius (basso), Two Gravediggers (baritono, tenore), ecc.

L'azione si svolge nella Danimarca medievale.

Complotto:
1 atto.
Nel castello reale di Elsinore è in corso la solenne incoronazione di Claudio, che sta per contrarre matrimonio con l'erede al trono, Gertrude, vedova del re defunto, fratello di Claudio. Tutta la nobiltà riunita, manca solo il figlio del defunto re e Gertrude, il principe Amleto. Al termine della cerimonia, tutti si disperdono. Appare Amleto. Viene accolto dalla figlia di Polonia, Ofelia. Ama il principe, che presto sposerà, ed è allarmata dal fatto che lasci la corte. Amleto le assicura l'immutabilità dei suoi sentimenti per lei. Nel frattempo, gli amici di Amleto, Marcello e Orazio, stanno cercando il principe per riferire che di notte è apparso loro un fantasma, l'ombra del padre morto.
A mezzanotte, Amleto chiama il fantasma. Gli appare e, dopo aver raccontato dell'inganno di Claudio e Gertrude, che hanno ucciso suo padre, chiede vendetta. Amleto deve punire Claudio, ma risparmia sua madre!
2 atto.
Ofelia passeggia nel parco di Elsinore. È triste, le sembra che Amleto si sia raffreddato nei suoi confronti. Volendo essere distratta, la ragazza prende il libro. All'improvviso vede Amleto. Ma il principe non la vede e lei lo osserva di nascosto. Notando, infine, la sua amata, Amleto, tuttavia, se ne va silenziosamente, senza mai avvicinarsi a lei. Entra Gertrude. Guarda la triste Ofelia. La ragazza chiede alla regina il permesso di lasciare la corte e ritirarsi in monastero, perché il principe si è disamorato di lei. Gertrude la convince a restare, sperando di scoprire le ragioni dell'umore cupo del principe e del suo strano comportamento. Appare Claudio. Ofelia se ne va. Gertrude informa il marito delle sue preoccupazioni. Le sembra che Amleto sappia dei loro crimini. Claudio calma la regina, assicurando che il principe è semplicemente pazzo. La loro conversazione è interrotta dall'ingresso di Amleto. In lontananza si sentono i suoni di una musica allegra. Amleto spiega che ha deciso di invitare una troupe di comici a palazzo per l'intrattenimento. La regina spaventata se ne va con Claudio. Marcello entra con gli attori. Amleto spiega loro come dovrebbero recitare una pantomima sull'insidioso assassinio del re Gonzago. Quindi invita tutti a bere vino e canta una canzone da bere.
I cortigiani si radunano nella piazza antistante il castello. Inizia la pantomima. Amleto commenta quanto sta accadendo sul palcoscenico, dove il vecchio re, addormentatosi tra le braccia della regina, viene versato del veleno in un bicchiere da un traditore e si impossessa a tradimento della sua corona. Infuriato, Claudio ordina l'espulsione degli attori e Amleto, fingendosi pazzo, gli strappa la corona, affermando di aver trovato l'assassino.
3 atto.
Amleto è solo nelle camere. Riflette domanda eterna- essere o non essere? Appare Claudio. Non si accorge del principe, è tormentato dalle paure ed è il patto di Polonio. Amleto ascolta da lontano la loro conversazione e si rende conto che anche il padre di Ofelia è coinvolto nella cospirazione. Quindi non ci sarà matrimonio con Ofelia!
Entra OFELIA con la Regina. Amleto convince Ofelia ad andare in un monastero, non si sposerà. Ofelia si toglie diligentemente l'anello nuziale, lo dà al principe e se ne va. Amleto, rimasto solo con la madre, l'accusa di un delitto insidioso e la minaccia con una spada. La regina chiede perdono. Il fantasma apparso all'improvviso chiama Amleto e lui, tornato in sé, libera la regina.
4 atto.
Vacanze in villaggio. Contadini e cacciatori accolgono con gioia l'arrivo della primavera. Iniziano danze divertenti: la danza dei cacciatori, il valzer della mazurka. Ofelia viene alla festa. Indossa un abito bianco con fiori tra le mani. Il suo sguardo è folle. La sfortunata donna canta, come in delirio, poi parla della jeep che trascina i viaggiatori sul fondo. Ofelia è sopraffatta dalle visioni, si getta in acqua.
Atto 5
In un cimitero vicino a Elsinore, due becchini scavano una fossa e bevono. Appare Amleto. Non sa ancora della morte di Ofelia. Viene inseguito da Laerte e, volendo vendicare la sorella, sfida il principe a duello. Il duello iniziato viene interrotto da un corteo funebre. Amleto, rendendosi conto che Ofelia è morta, vuole suicidarsi. Ma lo Spettro che gli è apparso ricorda di nuovo il principe della vendetta, e Amleto, raccolte tutte le sue forze, uccide Claudio con un colpo di spada. Ora la regina deve ritirarsi in un monastero e Amleto sale al trono. Tutti lodano il nuovo monarca!

Secondo più popolare dopo Minion, L'opera di Tom è stata scritta in un genere vicino al francese grande opera (che è evidenziato da scene di massa su larga scala, presenza di balletto, ecc.), “diluito” con elementi stilistici, melodia e intonazioni inerenti a opera lirica. Prendendo come base la grande tragedia di Shakespeare, il compositore ne ha notevolmente semplificato il contenuto, concentrandosi sulla linea dell'amore. In linea di principio, tali metamorfosi sia nell'opera grandiosa che in quella lirica erano del tutto naturali (vediamo la stessa cosa, ad esempio, in Faust). Dobbiamo essere consapevoli che l'arte dell'opera vive secondo le proprie leggi interne, ed è inutile valutarla dal punto di vista della sua corrispondenza con la fonte letteraria. Tuttavia, il compositore è andato molto lontano qui, non solo ha accorciato la trama della tragedia, ma ha cambiato radicalmente l'epilogo: Amleto rimane vivo e diventa re! Ci sono altre differenze significative, comprese quelle relative al destino di altri personaggi. Tuttavia, qui non ha avuto luogo solo il "volontarismo" di Tom. Il punto è che non dobbiamo dimenticare che molte delle trame della letteratura classica a noi familiari (comprese quelle di Shakespeare, lo stesso Goethe o Schiller, ecc.) Risalgono a leggende più antiche. Anche in questo caso il compositore ha utilizzato, insieme alla tragedia shakespeariana, i motivi della saga anticonorrena dell'Amleto con finale “lieto”, che ci è pervenuto nel manoscritto latino “The Acts of the Danes”, scritto dal cronista e sacerdote danese medievale Saxo Grammatik (c. 1140 - tra il 1206 e il 1220), nato a Roskilde.

Come sopra notato, si tratta di un'opera, e un'opera deve essere giudicata unicamente in base ai suoi meriti estetici e musicali e drammatici. Da questo punto di vista, G. è un'opera innegabilmente interessante e significativa nella storia del genere, anche se non priva di contraddizioni inerenti all'opera di Tom nel suo complesso. Brillanti reperti melodici e orchestrali, episodi sinceri sono combinati in esso con musica piuttosto banale e secondaria di una serie di altre scene.

Gli episodi più sorprendenti e impressionanti dell'opera includono una grande scena di follia e morte di Ofelia. A vos jeux, mes amis il loro 4° atto. Libero e, allo stesso tempo, molto organico e convincente nel suo sviluppo drammatico e cambiamento di umore, ricorda episodi simili nelle opere italiane del periodo di massimo splendore del bel canto (Donizetti, Bellini). La somiglianza è accresciuta dal carattere virtuosistico della parte dell'eroina. Il popolare "canto bacchico" di Amleto è molto efficace. O vin, dissipe la tristesse dal 2° atto. Tra le novità originali c'è anche l'uso dei sassofoni nella partitura (la scena sul quadrato del 2° atto), inventata da A. Saks poco prima (1840).

Va notato che il finale pomposo e artificiale dell'opera è diventato oggetto di critiche. Inoltre, sono stati fatti tentativi per tornare almeno in parte all'epilogo shakespeariano. Esiste un'edizione realizzata dall'autore per la prima a Covent Garden, in cui muore Amleto, come si addice a una tragedia shakespeariana. Questa versione non ha ricevuto ulteriore distribuzione, praticamente non è stata eseguita, sebbene ci sia una registrazione fatta dal direttore Disossamento(1983), eseguita dalla Welsh Opera (solisti Milnes, Sutherland), dove l'azione si conclude con la morte di Amleto, trucidato da Laerte, e si interrompe il goffo coro finale di "Vive Hamlet".

L'opera è stata presentata in anteprima alla Grand Opera ed è stata un successo eccezionale. I ruoli principali sono stati interpretati da un eccezionale baritono francese prua, testa(Fu per lui che Toma rifece urgentemente la parte del protagonista originariamente concepita come parte del tenore) e il famoso cantante K. Nilson. Il ruolo del titolo interpretato da Faure fece un'impressione così forte sui suoi contemporanei che il grande Edouard Manet dipinse un ritratto dell'artista in questo ruolo (1877).

Nel 1869 Nilsson cantò anche nella già citata prima inglese dell'opera sul palcoscenico del Covent Garden. Nello stesso anno, la prima tedesca ebbe luogo a Lipsia. Ben presto l'opera fu messa in scena in Italia, tradotta in italiano. Nel 1872 ci fu una prima americana alla New York Academy of Music. La popolarità di G. era altissima. Si possono notare anche spettacoli a Barcellona (1876), Milano (1878). Nel 1883, la sua 200esima esibizione ebbe luogo alla Grand Opera. Nel 1884 l'opera andò in scena al Metropolitan Theatre con Sembrich nella parte del titolo, nel 1889 Opera di Vienna. Nel 1908 nella prima stagione del teatro Colon brillante come Amleto Ruffo. Nel 1914, sul palcoscenico della Grand Opera, cantò la parte di Ofelia Lipkivska. Il ruolo di Ofelia era nel repertorio di molti meravigliosi cantanti, tra cui Nordica, Nevada, Melba e così via.

Sul palcoscenico russo, G. fu rappresentato per la prima volta nel 1892 al Teatro Shelaputin dall'Associazione privata dell'Opera (nel ruolo del titolo Tartakov). Nel 1893 fece il suo debutto in Russia come Amleto. Battistini. Lo ha eseguito nel nostro paese ea Cotogni. Nella Russia pre-rivoluzionaria, l'opera è stata ripetutamente messa in scena in imprese private, ma non è mai apparsa sui palcoscenici imperiali.

Per tutto il XX secolo G. rimase un'opera di repertorio. Tuttavia, la sua popolarità aumentò soprattutto verso la fine del secolo. Tra le produzioni di questo periodo si segnalano le esibizioni alla New York City Opera (1982, Milnes nel ruolo del titolo), Torino e Leeds (1990), Montecarlo (1992, nel ruolo del titolo Hampson) Volksoper di Vienna (1995, Skofhus nel ruolo del protagonista), Ginevra, Copenaghen e San Francisco (1996), Karlsruhe (1998), Parigi (2000), Covent Garden (2003, Kenleyside nel ruolo del protagonista), sempre a Ginevra (2006), al Met (2010, con Keenleyside e Dessay) e così via.

In Russia, in epoca sovietica, G. non appariva sui manifesti. Solo nel 2000 una nuova produzione dell'opera è stata messa in scena alla Novaya Opera di Mosca sotto la direzione di Kolobova. In questo spettacolo in due atti, la partitura dell'opera (come spesso accadeva in lavoro successivo Kolobov) ha subito cambiamenti significativi. Molte scene sono state tagliate, tra cui la festa del paese, la scena del duello e mancano alcuni personaggi (Laerte, Polonio, becchini). La trama ha acquisito un carattere più simbolico e il finale è diventato ambiguo. Amleto, nel cui cuore non c'è più rabbia, saluta semplicemente tutti e se ne va.

Breve discografia:
CD Decca (studio) – dir. R. Boning, solisti S. Milns, D. Sutherland, D. Morris, B. Konrad, G. Vinberg.
EMI (studio) - dir. A.de Almeida, solisti T.Hampson, D.Anderson, S.Rami, D.Graves, G.Kunde.

Illustrazione:
Ambrogio Tommaso.

1 - Di seguito digitato in corsivo la parola rimanda il lettore alla voce corrispondente nel Dizionario dell'Opera. Sfortunatamente, prima della pubblicazione testo intero dizionario, sarà impossibile utilizzare tali riferimenti.

Ambroise Thomas (08/05/1811, Metz - 02/12/1896, Parigi) - compositore francese. Il figlio dell'insegnante di musica. Si è diplomato al Conservatorio di Parigi, dove ha studiato con F. Kalkbrenner, P. Zimmermann (pianoforte) e Lesueur (composizione). Nel 1832 ricevette il Prix de Rome per la cantata Hermann e Ketty. Dopo un soggiorno di tre anni a Roma, Thomas visse a Vienna per circa un anno e tornò a Parigi nel 1836, dove si dedicò alla composizione di opere. Dal 1837, le opere di Thomas furono regolarmente rappresentate sul palcoscenico parigino. La sua prima opera fu "Double Staircase" in un atto basata sulla commedia di E. Scribe (pubblicata nel 1837). La trama della prossima opera di Tom "The Barber of the Regency" (post. 1838) era collegata alla storia russa (l'azione dell'opera si svolge in Russia nel XVIII secolo). Le prime 8 opere di Tom furono un mediocre successo. Ma i suoi prossimi due opere comiche- "Kadi" dalla vita orientale (post. 1849) e "Sogno di una notte di mezza estate" basato sulla commedia di Shakespeare (post. 1850) - hanno reso il nome del compositore ampiamente conosciuto non solo in Francia, ma anche ben oltre i suoi confini. Nel 1851 Thomas fu eletto membro dell'Institut de France, e nel l'anno prossimoè stato invitato come professore di composizione al Conservatorio di Parigi (tra i suoi studenti - Jules Massenet); dal 1871 - direttore del conservatorio.

Thomas continua a scrivere opere comiche nella tradizione della scuola d'opera francese dell'epoca. Nel 1859, l'opera Faust di Gounod andò in scena a Parigi con un successo senza precedenti. Sotto l'impressione di questa performance, Thomas, rivolgendosi anche all'opera di Goethe "Gli anni dell'insegnamento di Wilhelm Meister", creò l'opera lirica "Mignon" (post. 1866). I parigini accettarono con entusiasmo la rappresentazione e presto "Mignon" si affermò nel repertorio di molti teatri d'opera del mondo. Insieme a Faust, quest'opera ha il maggior numero di rappresentazioni a Parigi. Anche la produzione della successiva opera di Tom Amleto (1868) ebbe successo.

"Mignon" e "Hamlet" hanno scavalcato tutte le scene di prima classe in Europa. Thomas ha anche scritto i balletti "La Gipsy" e "Betty", le opere "Raymond", "Le songe d" une nuit d "йty", "Francesca da Rimini", cantate, marce, mottetti, quintetti, quartetti, notturni, cori e altro La musica melodica aggraziata e l'orchestrazione straordinariamente raffinata collocano Tom tra i più importanti compositori francesi.

Dal momento che il libretto non segue esattamente Shakespeare, do una breve descrizione

Amleto e Ofelia - Dante Gabriel Rossetti

Frazione

Opera in cinque atti

Libretto Kare e Barbier

Caratteri

Amleto (baritono)

Claudio, re di Danimarca (baritono)

L'ombra del padre di Amleto (basso)

Marcello, amico di Amleto (tenore)

Orazio, amico di Amleto (baritono)

Polonio, ciambellano (baritono)

Laerte, suo figlio

Regina (soprano)

Ofelia, figlia di Polonio (soprano)

L'azione si svolge a Elsinore (Danimarca) nel XVI secolo.

Azione uno. Foto uno. Sala nel palazzo. I cortigiani salutano re Claudio di Danimarca, che ha appena sposato Gertrude, moglie del suo predecessore. Il re, rivolgendosi a Gertrude, le chiede di dimenticare il dolore e di essere il suo assistente negli affari. Quando tutti se ne vanno, appare il principe danese Amleto, figlio di Gertrude. Piange la morte di suo padre e la volubilità di sua madre: sono passati appena due mesi dalla morte di suo padre, quando sua madre lo dimenticò e diede la mano a Claudio, fratello del defunto re. "Oh, donna!" dice Amleto, "il tuo nome è incostanza e vuoto!" Vedendo la figlia del ciambellano Polonio Ofelia entrare nella sala, Amleto si precipita da lei. Tra loro si svolge una scena tenera. Dopo aver appreso che Amleto ha salutato il re e sta per andarsene, Ofelia esprime il timore che abbia smesso di amarla e quindi voglia lasciare il palazzo. Amleto le dice che non è uno il cui cuore è capace di tradire i sacri voti d'amore, e le assicura che la ama ancora e lascia la corte per altri motivi. Entra Laerte, fratello di Ofelia. È venuto a salutare il principe e la sorella, mentre il re lo manda in Norvegia. Dice che combatterà per l'onore del suo paese natale, e se non è destinato a tornare, lascia che Ofelia sia confortata dall'amore di Amleto, a cui la affida. Amleto giura che proteggerà sempre Ofelia. Laerte lo saluta e se ne va con Ofelia. Amleto li guarda tristemente. Signore e signori si riuniscono per una nuova festa. Gli ufficiali Marcello e Orazio, amici di Amleto, cercano il principe per raccontargli dell'apparizione dell'ombra del re morto sui bastioni.

Figura due. Fortezza vicino al palazzo. Notte. Orazio, Marcello e Amleto stanno aspettando il fantasma del defunto re, apparso in questo luogo la scorsa notte. Dal palazzo si sentono i suoni della musica e il rumore di un'allegra festa. Scocca la mezzanotte. Appare l'ombra del re, il padre di Amleto. Amleto, terribilmente eccitato dalla visione, si rivolge al fantasma chiedendogli di rivelare a lui, figlio affettuoso, il motivo della sua apparizione. L'ombra del re fa cenno a Marcello e Orazio di andarsene. Mentre se ne vanno, Amleto si avvicina all'ombra e le chiede di dirgli cosa vuole che faccia suo padre. L'ombra lascia in eredità la vendetta ad Amleto e gli rivela che suo padre è caduto per mano di suo fratello Claudio, che lo ha avvelenato a tradimento durante il sonno per impossessarsi del trono di Danimarca e Gertrude. L'ombra dice che è giunta l'ora della punizione, il figlio deve vendicare la morte del padre, ma risparmia la regina, sua madre, che Dio stesso punirà per aver partecipato al delitto. Con l'avvicinarsi del mattino, l'ombra scompare. Amleto giura di adempiere alla volontà del fantasma e di vendicarsi degli autori dell'omicidio.

Azione due. Foto uno. Giardino presso il palazzo del re. Ofelia sogna Amleto. È tormentata dal suo aspetto cupo e premuroso. Amleto appare sullo sfondo. Vedendolo, Ofelia cerca di attirarlo a sé con innocente civetteria, ma, con suo grande dispiacere, il preoccupato Amleto non le presta attenzione e se ne va velocemente. Ofelia piange, pensando che Amleto si sia disamorato di lei. Entra la Regina, la madre di Amleto. Ofelia racconta alla regina del suo dolore e chiede di lasciarla andare al monastero, dove potrebbe trovare conforto nel suo dolore. La regina dice di non capire lo strano comportamento e lo stato d'animo di suo figlio ultimamente e assicura a Ofelia che Amleto la ama come prima. Chiede a Ofelia di curare Amleto dal desiderio e di non andare al monastero. Ofelia, commossa dalla supplica della regina, accetta di rimanere nel palazzo. Vedendo entrare il re, la regina ordina a Ofelia di andarsene. La regina avverte Claudio: sembra che Amleto sia venuto a conoscenza del loro delitto. Il re le assicura che suo figlio non sa nulla. Entra Amleto, misterioso e beffardo. Il re gli tende la mano e chiede ad Amleto di chiamarsi padre. Amleto nota che suo padre sta dormendo in una tomba fredda. Il re lo invita quindi a fare un viaggio in Italia per rilassarsi un po'. Amleto si rifiuta di viaggiare e dichiara di aver invitato a palazzo, per divertimento, una troupe di attori che si esibiranno in uno spettacolo interessante. Il re e la regina esprimono la loro disponibilità ad assistere a questo spettacolo e ad andarsene. Amleto, che si prende cura della partenza, dice che l'ora della vendetta è vicina. Appare una troupe di attori. Amleto li accetta, ordina loro la commedia "L'assassinio di Gonzago", beve con loro e con una risata amara loda il vino, che porta l'oblio a una persona nei giorni di dolore e tristezza.

Figura due. Sala nel palazzo. Nelle profondità del palcoscenico teatrale. Alla presenza del re e della regina, Amleto e cortigiani, viene rappresentata in scena la pantomima "L'assassinio di Gonzago". Con questo titolo, Amleto ha organizzato la scena dell'omicidio di suo padre, volendo torturare Claudio e sua madre. Incarica Marcello e Orazio di seguire l'impressione che la rappresentazione produrrà sul re, e il Sami dà una spiegazione di ciò che sta accadendo sulla scena: "Il re Gonzago è accompagnato dalla regina Genoveffa, che gli sussurra dolci parole. Si sente stanco , Gonzago si siede e si addormenta sul petto della regina per la stanchezza "Appare il cattivo, portando tra le mani un calice di veleno. Con l'aiuto di una regina innamorata di lui, versa del veleno nella bocca del re addormentato. Il il re muore e il cattivo prende la sua corona e diventa re"... Questa storia e la pantomima fanno impallidire il re . Il re ordina di scacciare gli attori. Così, Amleto è finalmente convinto della colpevolezza del re. Fingendo di essere pazzo per farla franca, Amleto chiama Claudio un cattivo, l'assassino di suo fratello, e gli strappa la corona dalla testa, dichiarando che l'assassino non può indossarla. Tutti si ritirano inorriditi. Il re e la regina scappano. Amleto cade privo di sensi tra le braccia di Orazio e Marcello.

Azione tre. Stanza della regina. Sullo sfondo c'è un ritratto a figura intera di Claudio e del padre di Amleto. Analogo per la preghiera. Amleto entra e si ferma pensieroso. Il delitto del re è chiaro, e invano lo risparmia, rimandando la vendetta. Ricorda il suo defunto padre e pronuncia un monologo pieno di pessimismo filosofico: "Essere o non essere?" Sentendo l'avvicinarsi del suo patrigno, Amleto si nasconde dietro la tenda. Entra Claudio. È tormentato da rimorsi di coscienza, e prega ai piedi del leggio. Vorrebbe essere al posto del fratello, "aleggiando nei villaggi del paradiso", e non soffrire qui sulla terra. Amleto, comparendo da dietro la tenda, dice che ora sarebbe facile uccidere il re, ma si ferma quando vede che sta pregando. Amleto si ripromette di ucciderlo più tardi, non durante la preghiera, e si nasconde di nuovo. Il re, sentendo i passi di Amleto, salta in piedi e spaventato chiama il suo ciambellano Polonio. Polonio entra e calma il re, che vede il fantasma del padre assassinato di Amleto. Dalle ulteriori parole di Polonio, Amleto apprende che l'astuto cortigiano è complice di Claudio. Polonio conduce via il re. Amleto esce da dietro la tenda. La regina appare con Ofelia e dice ad Amleto che tutto è pronto per la cerimonia del suo matrimonio con Ofelia. Amleto, senza rispondere alla regina, si avvicina a Ofelia e le dice che il loro matrimonio non può aver luogo, poiché il suo cuore è "freddo come il marmo e inaccessibile al santo amore"; deve dimenticarlo e andare in un monastero. Ofelia piange per il suo amore infranto e restituisce ad Amleto il suo anello. La regina convince Amleto a rimanere fedele a Ofelia, ma, colpita dal suo aspetto cupo, si allontana da lui inorridita. Ofelia se ne va disperata. Amleto, rimasto solo con sua madre, con rabbia la espone a un terribile crimine. La regina gli chiede pietà. Amleto dichiara che non la ucciderà, ma la lascerà alla "giustizia del cielo". Indicando i ritratti di entrambi i coniugi di Gertrude, dice che uno di loro è "l'incarnazione della bellezza e della forza, della grandezza e della bontà", l'altro è "pieno di malizia e depravazione", e lei ha dato il suo amore a quest'ultimo, prendendo parte all'omicidio del suo primo marito . La regina cade inorridita ai piedi di Amleto, chiedendo pietà per lei. Amleto giura di vendicare la morte di suo padre e rinuncia a sua madre. All'improvviso appare l'ombra del re, visibile solo ad Amleto; il fantasma dice al figlio di risparmiare sua madre. La regina, vedendo lo sguardo vagante di suo figlio, gli chiede che cosa gli è successo. Amleto indica l'ombra di suo padre. La regina, non vedendo nulla, crede che Amleto abbia perso la testa. Conforta la regina e le consiglia di pentirsi e pregare.

Azione quattro. Paesaggio rurale. Nelle profondità c'è un lago. Un gruppo di contadini danesi si diverte con balli e giochi primaverili. Appare Ofelia, che ha perso la testa per il dolore. Sogna Amleto e ricorda il suo amore infelice. Le contadine la circondano e hanno pietà del malato. Raccoglie fiori, li distribuisce alle ragazze e canta una triste ballata su una sirena che cattura nelle sue reti le persone che dormono sulla riva. Tristi, i contadini si disperdono. Ofelia sente le voci delle sirene che la chiamano e all'improvviso le sembra che Amleto stia arrivando. Per punirlo della sua lunga attesa, decide di nascondersi tra le sirene e si getta tra le onde. L'abito la sostiene per qualche tempo sulla superficie dell'acqua, e lentamente affonda, portata via dalla corrente, ripetendo le parole d'amore che una volta aveva sentito da Amleto.

Azione cinque. Cimitero. Due becchini, scavando una fossa per Ofelia, filosofeggiano sulla fragilità di tutto ciò che è terreno e che "lo scopo dell'essere è il vino". Entra Amleto. È venuto qui, fuggendo dalla persecuzione degli assassini del re, che lo vuole morto. Con profonda tristezza, Amleto ricorda Ofelia e le chiede mentalmente perdono. Amleto si aspetta di incontrare Orazio qui, ma invece appare Laerte, che è tornato dalla Norvegia. Laerte incolpa Amleto per la morte di Ofelia. Combattono con le spade, ma si fermano quando sentono i suoni di una marcia funebre. Viene mostrato il corteo funebre con il corpo di Ofelia. Amleto, alla vista di Ofelia morta, vuole pugnalarsi con un pugnale, ma i suoi amici glielo impediscono. Appare l'ombra del padre di Amleto, che ordina al figlio di portare a termine l'opera di vendetta. Tutti sono sorpresi dall'apparizione del fantasma. Amleto svela il mistero del delitto e uccide Claudio. Il fantasma dice a Gertrude di andare al monastero e scompare. I cortigiani salutano il nuovo re di Danimarca nella persona di Amleto.

frazione: thomas hampson, br;

ophelie: giugno anderson, sopr;

claudius: samuel ramey, bs;

laerte: gregory kunde, dieci;

gertrude: denyce graves, msopr;

lo spettro: jean courtis, bs:

marcello: gerard garino, dieci;

horatio: françois le roux, bs;

polonio: michel trempont, bs;

2 becchini: thierry felix, br; Jean Pierre Furlan, dieci;

london philharmonic orch e

Ambroise Thomas scrisse un'opera intitolata Amleto, che fu presentata per la prima volta dalla Grand Opera di Parigi nel marzo 1868. Le recensioni entusiastiche parlano di un incredibile successo. Il libretto dell'opera in cinque atti è stato creato da Carré e Barbier, basato sull'omonima tragedia di Shakespeare. L'opera è stata il passo successivo del compositore verso la padronanza di un nuovo genere: la Grand Opera francese. Vale la pena notare che il libretto è stato creato nella forma più semplificata, che si rifletteva nell'immagine del protagonista e nel significato dell'opera stessa, che da filosofica si è trasformata in amore e lirica. dramma d'amore costituiva la base del libretto, ma il tragico finale di Shakespeare è cambiato e nell'opera viene presentata solo la morte dell'insidioso Claudio. Amleto riceve il trono, che segna il trionfo della giustizia. Vale la pena notare che questa versione (della storia di Amleto è vicina alla più antica interpretazione ben nota trama nella versione scandinava, creata intorno al 1200. L'autore della saga scandinava era il cronista medievale Saxo Grammatik.

Sul palcoscenico russo, l'opera è stata rappresentata nel teatro di Mosca Shelaputin nel 1892. Nella produzione moderna, la critica celebra lo spettacolo andato in scena a Montecarlo nel 1992. Per tutti gli amanti di questo tipo di arte, oggi c'è un'occasione unica per ascoltare la musica gratuitamente le arie più famose dell'opera Amleto sul sito dell'Orpheus Club. Qui puoi anche guardare il video della performance online. opzioni moderne varie opere.

La trama dell'opera inizia con una scena in primo piano sala del palazzo reale di Elsinore, dove viene incoronato Claudio, che divenne marito di Gertrude, vedova del fratello maggiore. Amleto è assente ed entra in scena al termine della cerimonia, immerso in pensieri di infedeltà femminile. C'è un incontro tra il principe e Ofelia, che è triste per il fatto che Amleto abbia lasciato la corte e pensa che il giovane abbia smesso di amarla. Laerte va in campagna e affida al principe il destino di sua sorella. La gente si diverte, Orazio e Marcello portano notizie del fantasma del padre di Amleto.

Amleto con gli amiciuh spianata del castello, dove tutti si aspettano l'apparizione di un fantasma. A mezzanotte appare un fantasma che dice ad Amleto di uccidere Claudio e risparmiare sua madre. Amleto promette di soddisfare tutto.

Il contenuto dell'opera continua con un'immagine delle stanze del palazzo, l'immagine di Ofelia, che sente la freddezza del principe. Legge un libro sull'infedeltà dell'amore e, vedendo conferma delle sue paure, chiede alla regina di lasciare la corte. Ma la regina pensa che Ofelia aiuterà a scoprire il segreto da suo figlio. Teme che Amleto possa scoprire la verità sulla morte di suo padre. Claudio la consola. Amleto sta per intraprendere un viaggio e alla separazione ha invitato gli attori che dovrebbero esibirsi nello spettacolo assassinio di Gonzago. Prima dello spettacolo, tutti si divertono e bevono vino, in cui Amleto vede la possibilità dell'oblio.

Inoltre, l'autore dell'opera mostra la piazza davanti al palazzo, dove si sta organizzando lo spettacolo. Amleto si è offerto volontario per commentare la recitazione e raccomanda ai suoi amici di tenere d'occhio il re. Descrive la morte di suo padre, Claudio, con l'ordine di scacciare gli attori, impersonando se stesso. Amleto, fingendosi pazzo, gli toglie la corona e lo accusa di omicidio.

Segue un'immagine in cui l'eroe riflette su una questione seria, come riportato dall'aria "essere o non essere" e dall'opera Amleto. Entra Claudio, il quale, fermandosi presso il crocifisso, chiede al fratello di aver pietà di lui. Amleto si ripromette di uccidere il re sul trono che occupa. Claudio è spaventato, chiama Polonio, dalla conversazione di entrambi i Gameti apprende che il padre di Ofelia è stato coinvolto nella morte di suo padre.

Su questa base, Amleto rifiuta di sposare Ofelia, che è già vestita con l'abito della sposa. Gli restituisce l'anello. La regina ha paura, che aumenta con le parole accusatorie di suo figlio. Lascia in vita sua madre, ma solo per l'apparizione dell'ombra di suo padre. Questo episodio convince finalmente la regina della follia di suo figlio.

Il breve contenuto è ulteriormente rivelato dall'immagine di una festa di villaggio in onore dell'arrivo della primavera. Un'Ophelia sconvolta appare sulla riva del fiume, unendosi alla celebrazione e raccontando una storia alle ragazze Velise pallido. Immagina di aver sposato Amleto, offesa dalla lunga attesa, vuole nascondersi da lui tra le canne dove si nascondono i velses. Pronunciando il giuramento di fedeltà ad Amleto, si getta in acqua.

La scena nel cimitero, dove vaga Amleto, nascondendosi dagli assassini del re. Vede becchini che scavano una fossa e bevono vino. Mentalmente si rivolge a Ofelia per chiedere perdono. Non sa che Ofelia è morta, ma appare il fratello della ragazza e lo sfida a duello, interrotto solo dall'avvicinarsi della cerimonia funebre. Ofilia, sdraiata in una bara, fa nascere pensieri suicidi, ma l'ombra di suo padre ferma l'impulso di Amleto. Il fantasma ordina di uccidere Claudio e Amleto lo trafigge con una spada. Gertrude viene mandata in un convento e il trono va ad Amleto. Il giovane è disperato, deve regnare per il bene dei suoi sudditi quando la sua anima sarà sepolta con Ofelia.