19세기 외국문학의 대표자. 19세기 외국문학

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1. 외국문학 19 XIX

낭만주의(다른 이상적인 세계로 도피하려는 욕구);

현실주의(이 세상을 분석하고 변화시키려는 시도).

이러한 전류는 거의 동시에 발생했기 때문에 서로 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 이는 특히 다음과 같은 경우에 적용됩니다. 문학전반 19 세기: 많은 낭만주의 작가들(월터 스콧, 휴고, 조지 상드)의 작품에는 다양한 장르가 있습니다. 현실적인 특징, 사실주의 작가(스탕달, 발자크, 메리미)의 작품은 종종 낭만주의로 물들어 있습니다. 특정 작가의 작품을 낭만주의와 현실주의 중 어디에 분류해야 하는지 결정하는 것이 항상 쉬운 것은 아닙니다. 19세기 후반에 와서야 낭만주의는 마침내 사실주의로 바뀌었습니다.

2. 낭만주의

낭만주의 발전을 위한 사회역사적 전제조건.여러 나라의 문학에서 '낭만주의'라고 불리는 방향의 출현과 발전은 18세기 마지막 10년과 19세기 1/3에 기인합니다. 다양한 예술 분야(문학, 회화, 음악)에서 표현되는 이 복잡하고 독특한 경향은 이 역사적 시기에 일어난 심오한 사회역사적, 정치적 변화와 직접적으로 불가분의 관계를 맺고 고려되고 연구되어야 합니다. 봉건주의 체제의 붕괴와 부르주아 사회의 형성을 표시했습니다. 이 역사적 과정의 가장 완전하고 완전한 표현은 봉건 세계를 전복하고 부르주아지의 지배를 확립한 1789~1794년의 프랑스 대부르주아 혁명이었습니다. 이 혁명은 프랑스뿐만 아니라 다른 유럽 국가들의 역사적 삶에도 중요한 전환점이 되었습니다. 봉건주의 해체와 부르주아 관계 성장의 동일한 과정은 다른 국가(독일, 러시아, 스칸디나비아, 서부 및 남부 슬라브 국가 등)에서도 더 느린 속도로 발생했습니다.

낭만주의는 1789년 프랑스 부르주아 혁명과 이 혁명의 사상과 연관되어 있다. 처음에 낭만주의자들은 혁명을 열정적으로 받아들였으며 새로운 부르주아 사회에 대한 큰 기대를 품었습니다. 따라서 낭만주의 작품의 몽환성과 열정의 특징입니다. 그러나 혁명이 기대에 부응하지 못했다는 것이 곧 명백해졌습니다. 사람들은 자유도 평등도 얻지 못했습니다. 돈은 본질적으로 그들을 노예로 만든 사람들의 운명에 큰 역할을하기 시작했습니다. 부자에게는 모든 길이 열렸지만 가난한 자에게는 슬픔이 남아 있었습니다. 돈에 대한 끔찍한 투쟁과 이익에 대한 갈증이 시작되었습니다. 이 모든 것이 낭만주의자들 사이에 심각한 실망을 안겨주었습니다. 그들은 새로운 이상을 찾기 시작했습니다. 그들 중 일부는 과거로 향하고 이상화하기 시작했으며 가장 진보적 인 다른 사람들은 종종 모호하고 불확실하다고 생각하는 미래로 돌진했습니다. 현재에 대한 불만, 새로운 것에 대한 기대, 사람들 사이의 이상적인 관계를 보여주고 싶은 욕구, 강한 성격-이것이 낭만적인 작가의 전형적인 특징입니다. 인류가 더 나은 사회를 건설할 수 있는 방법을 알지 못한 낭만주의자들은 종종 동화에 눈을 돌렸고(앤더슨), 민속 예술에 열정적인 관심을 갖고 종종 그것을 모방했습니다(Longfellow, Mickiewicz). 예를 들어 바이런과 같은 낭만주의의 최고 대표자들은 투쟁의 지속과 새로운 혁명을 요구했습니다.

3. 사실주의

낭만주의와 달리 현실주의는 주로 현재에 관심을 가졌습니다. 사실주의 작가들은 자신의 작품에 현실을 최대한 반영하기 위해 많은 사건과 등장인물이 등장하는 대형 작품(그들이 가장 좋아하는 장르는 소설)을 만들었습니다. 그들은 그 시대의 특징적인 사건을 작품에 반영하려고 노력했습니다. 낭만주의자들이 매우 개별적인 특성을 부여받은 영웅, 주변 사람들과 크게 다른 영웅을 묘사했다면, 현실주의자는 영웅에게 하나 또는 다른 클래스, 하나 또는 다른 클래스에 속하는 많은 사람들의 전형적인 특성을 부여하려고했습니다. 또 다른 사회 집단. « 현실주의는 전제한다, - F. Engels가 썼습니다. - 디테일의 진실성과 더불어 전형적인 상황에서의 전형적인 인물 묘사의 충실성“현실주의자들은 부르주아 사회의 파괴를 요구하지 않았지만 그것을 무자비한 진실성으로 묘사하고 그 악덕을 날카롭게 비판했기 때문에 19세기 현실주의를 흔히 비판적 현실주의라고 부른다.

독일 문학. 독일의 낭만주의.

독일에서는 18세기 말부터 낭만주의가 형성되기 시작했고 곧 문학과 예술에서 가장 중요한 운동 중 하나가 되었습니다.

낭만주의 이론의 기본 원칙은 다음과 같이 공식화되었습니다. 프리드리히 슐레겔 (그림에서) 작품 "Fragments"에서. 그의 형제 August, Ludwig Tieck, Wilhelm Wackenroder 및 Friedrich von Hardenberg (가명 Novalis)가 그와 함께 일하기 시작했습니다. 철학자 피히테(Fichte)와 셸링(Schelling) 역시 낭만주의 미학의 형성에 중요한 역할을 했습니다.

독일 낭만주의의 두 번째 단계는 창의성이었습니다. 하이델베르그 낭만주의자 . 나폴레옹에 대한 해방 전쟁은 예나 낭만주의자들의 판단과 견해와는 크게 다른 새로운 사상을 형성했습니다. 이제 민족, 국적, 그리고 역사의식. 이는 새로운 낭만주의 운동의 출현으로 이어지며, 하이델베르그 시는 일종의 중심지가 됩니다. 진정한 독일의 모든 것(예술, 문화, 역사)에 매료된 시인과 산문 작가 집단이 형성되었습니다.

독일 문화사에서 그림 형제의 공로는 매우 위대합니다. 그들은 중세 독일 문학, 게르만 민족의 신화(“독일 신화” 1835)를 연구하고 독일 언어학(“독일어 문법” 1819)의 기초를 놓았습니다. 1838년에 그림 형제는 학술 출판물인 “사전”을 출판했습니다. of the German Language”, 첫 번째 호는 1852년에 발행되었습니다. 사전의 최종 제작은 야콥과 빌헬름이 죽은 지 거의 100년이 지난 1961년에야 완료되었습니다.

19세기 영문학의 발전

금세기의 다른 민족 문학과 마찬가지로 19세기 영문학에서도 낭만주의와 사실주의라는 두 방향이 싸우고 있었습니다. 낭만주의는 프랑스에서 영국으로 건너와(1789-1794년 혁명의 영향) 19세기 전반을 정복했지만, 일부 문학 학자들은 진정한 낭만주의가 불과 25년 동안만 존재했다고 믿습니다. 영국에서 낭만주의의 시작은 W. Wordsword와 S. Coleridge가 "Lyrical Ballads"라는 시집을 출판한 1798년과 관련이 있습니다. 이 방향의 쇠퇴는 수많은 분쟁을 야기합니다. 어떤 사람들은 1824년 바이런의 죽음이 낭만주의의 종말을 가져왔다고 믿고, 다른 사람들은 이 현상을 W. Hazlitt, W. Landor 및 T. Carlyle의 작업과 연관시키며, 이것은 이미 세기 중반입니다. 방법으로서의 낭만주의는 시에서 가장 분명하게 드러났고, 산문에는 변함없이 낭만주의의 특징과 사실주의의 특징이 모두 담겨 있었다.

영국 낭만주의에서는 3가지 주요 운동(세대)을 구분할 수 있습니다.

1. "호수 학교"( "루시스트")의 시인 - W. Wordsword, S. Coleridge, R. Southey 낭만주의 문화 이상주의

2. 혁명적 낭만주의 - J. G. 바이런, P.-B. 셸리, J. 키츠

3. “런던 로맨틱스” – C. Lamb, W. Hazlitt, Leigh Hunt

영국 낭만주의의 창시자는 윌리엄 블레이크(1757~1827)이다. 블레이크는 18세기에 그의 주요 작품(“순수의 노래”, “경험의 노래”, “천국과 지옥의 결혼”)을 만들었습니다. 19세기에는 “밀턴”, “아벨의 유령” 등이 있었습니다. 쓴. 블레이크는 우주 세계관의 창시자로 간주됩니다.

개발19세기 프랑스 문학

N오벨리스틱스 프로스페라 메리미

단편 소설에서 Merimee는 아직 부르주아 문명에 의해 훼손되지 않은 국가(예: 스페인 코르시카)와 국민 사이에서 찾고자 하는 긍정적인 이상을 구현하려고 노력합니다. 그러나 낭만주의자와 달리 메리미는 영웅과 그들의 삶의 방식을 이상화하지 않습니다. 그는 영웅을 객관적으로 묘사합니다. 한편으로는 영웅적이고 고상한 성격의 측면을 보여 주지만 다른 한편으로는 숨기지 않습니다. 부정적인 측면, 그들의 잔인 함, 후진성 및 빈곤으로 인해. 따라서 메리미에서는 영웅의 성격이 외부 환경에 의해 결정된다. 그리고 이것에서 작가는 사실주의의 전통을 이어갑니다. 동시에 Merimee는 낭만주의에 경의를 표하며 이는 작가의 단편 소설의 중심에는 항상 유난히 강한 성격이 있다는 사실에서 드러납니다.

메리미는 낭만파와 달리 등장인물의 감정을 세세하게 묘사하지 않는다. 작가는 매우 간결하며 사람의 심리, 몸짓, 표정, 행동과 같은 외부 신호를 통해 그의 경험을 묘사합니다. 화자를 대신해 내레이션을 진행하는데, 화자는 지루한 듯 무심코, 마지못해 내레이션을 진행한다. 즉, 내레이션 방식은 언제나 다소 초연하다.

단편 소설의 구성은 언제나 매우 명확하고 논리적으로 구성되어 있습니다. 사실주의 작가로서 메리미는 클라이맥스를 묘사할 뿐만 아니라 사건의 배경을 이야기하며 등장인물의 특징을 간결하면서도 풍부하게 전달한다. 메리미 단편 소설의 대조는 현실 현실과 이를 배경으로 펼쳐지는 극적이고 기이한 사건의 충돌에서 드러난다. 일반적으로 모든 단편 소설은 한편으로는 인간의 악과 기본 이익, 다른 한편으로는 이타적인 감정, 명예, 자유, 고귀함의 개념을 대조하여 구성됩니다.

아메19세기 리카 문학

오헨리(본명 - 윌리엄 시드니 포터)의 창의력

이 작가의 작품은 90년대 후반부터 구체화되기 시작한다. 19세기~20세기 초. 처음에 O'Henry는 문학과 아무런 관련이 없었습니다. 그는 은행에서 계산원으로 일했지만 이미 그 당시에는 주변 사람들에게 관심이 있었고 사람들은 완전히 달랐습니다. 그러나 점차 미래에 대한 관찰은 점차적으로 이루어졌습니다. 작가와 좋은 유머 감각으로 인해 주간 유머 잡지 롤링 스톤을 발행하기 시작했지만 곧 오헨리의 평온한 삶은 은행 부족으로 인해 뒤집어졌고 작가는 체포를 피하기 위해 여행을 떠나 전문 저널리즘에 참여하기 시작합니다. 결과적으로 이러한 자료는 많은 작품의 플롯의 기초가 될 것입니다. 얼마 후, 아내의 병으로 인해 오헨리는 다시 집으로 돌아오지만, 배심원은 작가에게 유죄를 선고하고 그를 5년 동안 감옥에 가두는데, 그곳에서 오헨리는 야간 근무 시간 동안 소설 쓰기에 적극적으로 참여했습니다.

첫 번째 이야기는 1899년에 "휘파람 부는 사람의 크리스마스 양말"이라는 제목으로 쓰여졌습니다. 전체적으로 O'Henry는 "4 Million"(1906), "The Burning Lamp"(1907), "The Voice of the City"(1908), "Business People"(1908)과 같은 컬렉션에 포함 된 287 편의 이야기를 썼습니다. 1910), “생명의 순환”(1910). 1904년에는 모험적이고 유머러스한 소설 “왕과 양배추”를 썼습니다.

19세기 말은 한 시대의 종말을 느꼈다. 이는 인간 존재의 형태와 방식이 변해 마음의 강력한 발효가 이루어졌기 때문이다. 이 느낌은 사람들의 의식 깊숙이 침투했습니다. 이것은 세계 정치 생활의 변화의 결과였습니다. 정치에서는 사람들을 종속시키는 지속적인 구조와 방법이 형성되었습니다. 전 세계가 영향력의 영역으로 나뉘었고 큰 제국이 형성되었습니다. 정치인들이 결정을 내릴 때 항상 윤리적 기준과 정의의 법칙을 따르는 것은 아니라는 것이 분명해졌습니다. 따라서 19 세기에는 결코 일어나지 않았던 일부 군사 갈등에 대한 부정적인 태도가 대중의 의식 속에 나타났습니다. 사람들의 세계관에 심각한 변화가 일어나기 시작했고 식민주의 정책에 대한 태도도 바뀌었습니다.

Hegel, Schlegel 및 Schelling의 객관적인 이상주의가 아니라 모든 것이 개인에 의해 결정되는 주관적인 이상이 아닌 이상주의의 부활이 있습니다.이 방향의 철학자들은 존재에 대한 비합리적인 지식의 개념에서 시작합니다. 특히 쇼펜하우어는 세상을 이해하는 데 있어서 마음이 장애물로 작용한다고 믿었는데, 젊은 작가들의 작품에 전환점이 찾아온다. 비판적 현실주의 문헌의 일반적인 기초에 대한 개정이 있습니다. 19일 중반수세기 동안 존재했으며 20세기 전반에 걸쳐 존재했습니다.

19세기 문학과정의 주요 특징. 서유럽과 미국에서는 문학과 예술의 두 가지 주요 경향, 즉 낭만주의와 현실주의가 형성되고 승인되었으며 이에 따라 두 가지 창의적인 방법이있었습니다.

사람들의 이익과 도덕이 바뀌었고, 계급적 특권과 제한의 족쇄가 풀렸습니다. 부자가 되라!라는 구호를 버리고 새로운 인생의 주인들이 등장했다. 귀족들의 세련된 문화는 더 이상 그들에게 관심이 없었습니다. 금송아지는 '새 백성'의 신이다.

개발 산업사회동반 극적인 사건- 전쟁, 혁명, 봉기... 변화의 시기였습니다. “세상은 새로운 영광의 천둥소리로 변화되었습니다.”

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문화 시대인 19세기는 18세기에 1789-1793년 프랑스 대혁명 사건과 함께 시작됩니다. 이것은 세계적 규모의 최초의 부르주아 혁명이었습니다(17세기 네덜란드와 영국의 이전 부르주아 혁명은 제한적이며 국가적 중요성을 가졌습니다). 프랑스 혁명은 유럽의 봉건제 몰락과 부르주아 체제의 승리를 의미하며, 부르주아지가 접촉하는 삶의 모든 측면은 가속화되고 강화되며 시장 법칙에 따라 살기 시작하는 경향이 있습니다.

19세기는 유럽의 지도를 다시 그리는 정치적 격변의 시대였습니다. 사회정치적 발전에서 프랑스는 역사적 과정의 최전선에 서 있었습니다. 1796~1815년의 나폴레옹 전쟁, 절대주의를 복원하려는 시도(1815~1830), 그리고 일련의 혁명(1830, 1848, 1871)은 프랑스 혁명의 결과로 간주되어야 합니다.

19세기의 주요 세계 강국은 영국이었는데, 그곳에서 초기 부르주아 혁명, 도시화, 산업화로 인해 대영제국이 부상하고 세계 시장을 장악하게 되었습니다. 영국 사회의 사회 구조에 심오한 변화가 일어났습니다. 농민 계급이 사라지고, 노동자의 대규모 시위와 함께 부자와 가난한 사람의 급격한 양극화가 발생했습니다 (1811-1812 - 기계 파괴자 운동, Luddites; 1819 - 총격 맨체스터 근처 성 베드로 운동장에서 열린 노동자 시위, 역사상 "피터루 전투"로 기록됨; 1830-1840년의 차티스트 운동). 이러한 사건의 압력에 따라 지배 계급은 특정 양보를했습니다 (두 번의 의회 개혁 – 1832년과 1867년, 교육 시스템 개혁 – 1870년).

19세기 독일은 단일민족국가 창설 문제를 뒤늦게나마 고통스럽게 해결했다. 만난 새로운 시대봉건 분열 상태에서 나폴레옹 전쟁 이후 독일은 380개 난쟁이 국가의 재벌에서 처음에는 37개 독립 국가의 연합으로 바뀌었고, 1848년 냉담한 부르주아 혁명 이후 오토 폰 비스마르크 총리는 창설의 길을 세웠습니다. “철과 피로” 통일된 독일. 통일된 독일 국가는 1871년에 선포되었으며 서유럽의 부르주아 국가 중 가장 젊고 공격적인 국가가 되었습니다.

19세기 내내 미국은 북미의 광대한 영토를 탐험했고, 영토가 확장됨에 따라 젊은 미국 국가의 산업 잠재력도 성장했습니다.

19세기 문학에서는 두 가지 주요 방향 - 낭만주의와 현실주의. 낭만주의 시대는 18세기 90년대에 시작되어 세기 전반 전체를 포괄합니다. 그러나 1830년에는 낭만주의 문화의 주요 요소가 완전히 정의되어 잠재적인 발전 가능성이 드러났다. 낭만주의는 봉건 체제에서 자본주의 체제로의 전환을 수반하는 불확실성, 위기의 짧은 역사적 순간에서 태어난 예술입니다. 1830년 자본주의 사회의 윤곽이 결정되자 사실주의 예술이 낭만주의를 대체했습니다. 처음에 리얼리즘 문학은 개인의 문학이었고, '리얼리즘'이라는 용어 자체는 19세기 50년대에야 생겨났습니다. 대중 대중의 의식 속에서 현대 미술은 계속해서 낭만주의였으며 실제로는 이미 그 가능성을 모두 소진했습니다. 따라서 1830년 이후 문학에서는 낭만주의와 현실주의가 복잡한 방식으로 상호 작용하여 다양한 국가 문학에서 끝없이 다양한 현상을 일으켰습니다. 명확하게 분류할 수 없는 것입니다. 본질적으로 낭만주의는 19세기 내내 죽지 않았습니다. 직선은 세기 초의 낭만주의에서 후기 낭만주의를 거쳐 세기말의 상징주의, 퇴폐주의, 신낭만주의로 이어집니다. 가장 저명한 작가와 작품의 예를 사용하여 19세기 문학과 예술 체계를 순차적으로 살펴보겠습니다.

19세기는 세계문학이 형성되는 세기이다., 개별 국가 문학 간의 접촉이 가속화되고 강화될 때. 따라서 19세기 러시아 문학은 바이런과 괴테, 하이네와 휴고, 발자크와 디킨스의 작품에 깊은 관심을 가지고 있었습니다. 그들의 이미지와 모티프 중 상당수는 러시아 문학 고전에 직접 반영되어 있으므로 19세기 외국 문학의 문제를 고려하기 위한 작품 선택은 첫째로 짧은 과정의 틀 내에서 제공이 불가능하다는 점에서 결정됩니다. 다양한 국가 문헌의 다양한 상황을 적절하게 다루고, 둘째, 러시아에서 개별 작가의 인기 정도와 중요성.

문학

1. 19세기 외국문학. 현실주의: 독자. 엠., 1990.
2. Maurois A. Prometheus 또는 Balzac의 삶. 엠., 1978.
3. Reizov B. G. Stendhal. 예술적 창의성. 엘., 1978.
4. Reizov B. G. Flaubert의 창의성. 엘., 1955.
5. 찰스 디킨스의 미스터리. 엠., 1990.

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1. 플로베르와 새커리의 소설에 나타난 현실심리학의 특징과 기법.

플로베르와 새커리는 신심리학을 접목한 후기 사실주의의 대표적인 인물이다. 당시에는 실제 인물을 긍정하고 로맨틱한 영웅의 정체를 폭로하는 것이 필요했다. Flaubert의 감상 교육은 낭만적인 개념 전체를 폭로하는 것입니다. 프랑스어 번역: "EducationSentimentale" - 감각적인 교육. 플로베르는 객관적이고 진실된 책을 썼습니다. 비록 프레드릭 주인공– 구체화 현실적인 영웅, 그는 또한 낭만적인 특성(낙담, 우울)을 가지고 있습니다.

Flaubert의 작업은 전환점이되었습니다. 그의 심리학은 이후의 모든 문학의 뿌리를 제공했습니다. 플로베르는 예술적 문제공통된 성격의 모호함. 우리는 Emma Bovary가 누구인지, 즉 괜찮은 반역자인지 아니면 평범한 간음녀인지에 대한 질문에 답할 수 없습니다. 문학 최초로 비영웅적 영웅(보바리)이 등장한다.

Thackeray의 지배적 심리학: 실생활에서 우리는 평범한 사람들을 다루고 있으며 그들은 단순한 천사나 악당보다 더 복잡합니다. Thackeray는 개인을 자신의 사회적 역할로 축소하는 것에 반대합니다(개인은 이 기준으로 판단할 수 없습니다). Thackeray는 이상적인 영웅에 맞서고 있습니다! (부제: “영웅 없는 소설”). 그는 이상적인 영웅을 창조하고 그를 현실적인 틀(도빈) 안에 넣는다. 하지만, 척 진짜 영웅, Thackeray는 사람들을 묘사하지 않고 중산층 (도시 및 지방)만을 묘사했습니다. 왜냐하면 그 자신이 이러한 계층에서 왔기 때문입니다.

그러나 Flaubert는여 주인공을 그것과 대조함으로써이 세계를 그다지 많이 폭로하는 것이 아니라 겉보기에 반대되는 원칙을 예기치 않게 대담하게 식별함으로써이 세계를 폭로합니다. 비시화와 비영웅화는 부르주아 현실의 표시가되어 부르주아 가족과 찰스와 엠마 모두에게 확장됩니다. 열정, 사랑, 이는 가족을 파괴합니다.

주요 특징:

절정에 대한 설명을 행동과 사실에 대한 설명으로 대체합니다.

캐릭터의 음성 특성이 변경됩니다. 생각되는 내용이 항상 언급되는 것은 아닙니다. SUBTEXT(생각의 간접 표현)가 도입되었습니다.

2. Walter Scott의 역사 소설이 Stendhal과 Balzac의 미적 견해 형성에 미치는 영향.

스탕달 : 이 아이디어는 그의 논문 "Racine and Shakespeare"와 "Walter Scott and the Princess of Cleves"에 표현되어 있습니다.

"월터 스콧과 공주":스탕달은 캐릭터의 느낌을 이야기하고 말하게 만드는 것보다 캐릭터의 복장을 묘사하고 그림으로 묘사하는 것이 훨씬 쉽다고 말합니다.

월터 스콧의 장점은 외모에 대한 설명이 최소한 두 페이지에 달하고 그의 감정적 움직임이 여러 줄로 이루어진다는 점이다. 그의 작품은 역사적 증거로서의 가치를 지닌다.

우리 시대는 더욱 단순하고 진실된 장르를 향해 한발 더 나아갈 것입니다. 나는 월터 스콧의 명성이 절반으로 줄어들려면 10년이면 충분하다고 확신한다.

모든 예술 작품은 아름다운 거짓말이다. 하지만 월터 스콧은 너무 거짓말쟁이였습니다. 스콧의 캐릭터는 숭고한 감정을 표현해야 할수록 용기와 자신감이 부족해진다.

스탕달은 예술이 영원히 동결된 규칙을 용납하지 않는다고 썼습니다.

"라신과 셰익스피어":월터 스콧의 소설은 낭만적인 비극이다. 긴 설명(과거 시대의 삶에 대한 넓은 그림, 사건의 역사주의 및 상세 설명설명되는 시대에 맞는 의상, 소품, 생활용품.

스콧은 과거의 사람들을 거짓된 미화 없이 일상적인 행동과 일상생활과의 생생한 연결 속에서 묘사했습니다. 역사적 상황그들의 시간. 스탕달은 그에게서 그것을 가져갔습니다.

그러나 그의 "선생님"과는 달리 그는 Walter Scott이 당시에 그랬던 것처럼 세부적인 특성이 아니라 오히려 전통적인 특성의 도움을 받아 자신의 캐릭터를 행동, 움직임, 행동으로 표현합니다. 또한 스탕달은 스콧과 달리 역사적 배경을 사용하지 않고 매너소설에 가깝고 등장인물도 이야기에 포함되어 있다.

소설 "Red and Black"은 Scott처럼 광범위한 서사적 그림을 지닌 다중심적입니다. 배경캐릭터가 많아요.

발자크:독자들에게 역사 개념을 제공하는 발자크는 월터 스콧을 주로 따르지만, 과거에서 미래를 위해 위대한 "가르침"을 추출하고 인간 열정의 움직임을 보여줄 수 없다는 점에 대해 그를 비판합니다. 발자크의 역사 소설의 임무는 역사적 사건의 묘사뿐만 아니라 장르의 그림에서도 국가의 과거를 보여주고 시대의 도덕과 관습을 보여주는 것입니다.

그의 "휴먼코미디 서문"그는 Scott이 소설을 역사 철학의 수준으로 끌어 올리고 과거의 정신을 소설에 가져오고 드라마, 대화, 초상화, 풍경, 묘사를 결합하고 진실과 허구를 포함했다고 썼습니다. Balzac은 그의 초기 작품에서 Walter Scott의 전통을 사용했습니다 ( "The Last Chouan", 고딕 양식의 낭만적 인 악당과 폭정으로 고통받는 봉건 영주의 이미지).

3. 스탕달의 낭만주의 영웅들에 등장하는 영웅적 계몽적 인물.

팜플렛에서 " 라신과 셰익스피어

4. 스탕달의 작품에 나타난 이탈리아 인물의 문제.

이탈리아인들은 끊임없이 끓어오르는 피를 지닌 가장 열정적이고 감정적인 사람들로 평생 알려져 왔습니다. 그의 "이탈리아 연대기"와 소설 "파르마 수도원"에서 스탕달은 몇 가지 전형적인 이탈리아 인물을 명확하게 묘사합니다. 좋아 했어요 피에트로 미시릴리, 자유의 포크 가수 페란테 팔라그리고 지나 피에트라네라. 물론 Mosca 백작과 Fabrizio Del Dongo 자신도 이탈리아 캐릭터에 기인할 수 있습니다.

소설의 영웅들 "바니나 바니니" -서로 다른 두 계층의 사람들, 가난한 외과의사의 아들인 젊은 카르보나리는 사고를 계기로 아름다운 귀족과 접촉하게 되었습니다. 어린 시절부터 그녀는 사치스럽게 자랐고 금지와 제한을 알지 못했기 때문에 그녀의 사랑은 무엇보다 중요합니다. 그녀의 애인의 사회적 이상은 그녀의 마음에 아무 것도 말하지 않습니다. 그녀의 이기적인 눈먼 상태에서 그녀는 그녀를 정죄하는 것이 불가능할 정도로 진심으로 행동합니다. 스탕달은 벌거벗은 도덕화와는 거리가 멀다. 그는 자신의여 주인공, 그녀의 아름다움, 그녀의 감정의 힘을 존경합니다. 작가의 판단은 그녀에게 있는 것이 아니라 그녀의 환경, 그녀의 수업에 있다.

어느 날 바니나는 아버지를 따라가다가 피를 흘리는 여인 클레멘타인을 보고 그녀를 돕습니다. 이틀 후 그녀는 매우 아프고 Vanina에게 자신이 카르보나리라는 사실을 밝힙니다. 가난한 외과의사의 아들인 로마뇨 출신의 피에트로 미시릴리(Pietro Missirilli). 그의 통풍구가 열렸고 그는 기적적으로 탈출했습니다. 그는 바니나와 사랑에 빠졌지만 회복된 후 복수하기 위해 돌아간다. 그는 애국심에 대해 너무 열정적이어서 Vanina는 그런 사람들을 좋아하지 않습니다. 그리고 그녀는 그의 아이디어인 Venta를 공개합니다. 이것을 알게 된 그는 그녀를 떠난다. 고국에 대한 의무감은 개인의 의무감보다 높습니다. 그러나 그가 포로로 잡히자 바니나는 약혼자 리비오의 삼촌인 경찰청 장관을 권총으로 위협해 피에트로를 풀어준다. 그러나 그때에도 피에트로는 고국에 가장 충실했습니다. 그래서 그들은 헤어진다.

지나 피에트라네라- 전형적인 밝은 이탈리아 캐릭터: 롬바르드의 아름다움, 불타오르는 열정적인 성격, 어떤 목표, 사랑(Fabrizio의 경우)을 위해 모든 것을 희생할 준비가 되어 있습니다. 지능, 섬세함, 이탈리아식 우아함, 자신을 통제하는 놀라운 능력. 지나는 신부와 함께 노바라에 F.를 숨기고 영향력 있는 사람들을 설득하여 박해를 취소한다. 그녀는 파르마 왕자 Ranuzio dello Ernesto 4의 목사인 Mosca de la Rovere 백작을 만납니다. 모스크바는 결혼했지만 Gina를 사랑하고 돈과 영향력을 갖기 위해 Sanseverin 공작과 가상으로 결혼하도록 그녀를 초대합니다. 그녀는 동의합니다. 영향력과 권력. 그녀는 Mosca의 도움으로 Fabrizio를 돌보기 시작합니다.

페란테 팔라- 자유주의 의사, 급진주의자이자 공화주의자, 공모자로서 조국을 위해 헌신하고 공화국을 위한 자유를 외치며 이탈리아를 떠돌고 있습니다. 그에게는 신자의 확신과 위대함과 열정이 있습니다. 가난 속에서도 그는 피난처의 어둠 속에서 이탈리아를 영화롭게 합니다. 여주인인 다섯 자녀를 위한 빵도 없는 그는 고속도로에서 물건을 털고 그들을 먹여살립니다. 그리고 그는 같은 생각을 가진 사람들이 권력을 잡을 때 공화국 하에서 이러한 강제 대출에 대한 보상을 위해 강탈당한 모든 사람들의 목록을 유지합니다. 그는 성실한 사람들에 속하지만 속고 재능이 풍부하지만 그의 가르침의 해로운 결과를 인식하지 못합니다. 그는 Gina를 사랑하지만 감히 돈을 벌지 않습니다. 왜냐하면 그에게는 이것이 중요한 것이 아니기 때문입니다. 그는 Fabrizio를 구하기 위해 자신을 희생할 준비가 되어 있습니다. 그리고 그는 왕자를 죽여 지나의 뜻을 이루었습니다.

5. 스탕달의 작품에서 나폴레옹을 주제로 한 작품.

Fabrizio와 Julien은 둘 다 나폴레옹을 숭배하며 그를 이상화합니다. 그들은 둘 다 낭만적이고 낭만적인 착취를 열망합니다.

"파르마 수도원":파브리치오는 사랑하는 나폴레옹이 다시 프랑스에 상륙했고(100일 시대) 워털루에서 결전을 치뤄야 한다는 사실을 알게 된다. Fabrizio는 참가하기 위해 현장으로 이동합니다. 그는 현장에 들어가고 싶어하지만 지나갈 때 그의 영웅 나폴레옹조차 알아보지 못합니다. (나폴레옹과 Ney 원수가 그를 지나쳤을 때 그들을 구별하는 신성한 표시가 없었습니다.) 단순한 필사자로부터) . Fabrizio는 나폴레옹을 노예의 해방자로 보았습니다. 고국을 구하는 것에 대해 생각하면서 그는 나폴레옹에게 희망을 걸었습니다. 왜냐하면 그에게는 개인적인 영광뿐만 아니라 무엇보다도 고국의 이익을 목표로 한 업적에 관한 것이기 때문입니다.

"빨간색과 검정색":줄리앙 소렐에게 나폴레옹은 이상이었습니다. Julien은 학교에 가지 않았지만 나폴레옹 캠페인에 참여한 연대 의사로부터 역사와 라틴어를 공부했습니다. 그는 죽기 전에 소년에게 나폴레옹에 대한 사랑과 메달과 수십 권의 책을 물려주었습니다. 어린 시절부터 그는 그를 만나는 꿈을 꾸었습니다. 그는 자신의 미래의 삶을 자신의 삶과 비교했습니다 (훌륭한 Beauharnais 부인이 그를 보았습니다) Julien은 언젠가 행운이 그에게 미소를 짓고 호화로운 여성이 그를 사랑할 것이라고 꿈꿨습니다. 그는 한때 알려지지 않았던 보나파르트 중위가 세계의 통치자가 된 것을 자랑스러워했고 그의 공적을 반복하고 싶었습니다.

매우 흥미로운 에피소드는 Julien이 절벽 꼭대기에 서서 매가 날아가는 것을 지켜보는 것입니다. 새의 비상을 부러워하면서 그는 그 새처럼 되어 주변 세상 위로 솟아오르기를 원합니다. "이것이 나폴레옹의 운명이었고, 어쩌면 나도 마찬가지일지도 모른다." 그러나 나폴레옹이 모든 나라를 정복한 때가 있었습니다. 그러나 점차 Julien은 영광의 시대가 끝났다는 것을 이해하기 시작했으며 이전에 평민에게는 명성과 돈을 얻는 쉬운 길이었습니다. (나폴레옹 아래에서) 군인이 되는 것이 이제는 모든 것이 그렇지 않습니다.

어느 날 Verrières에서 그는 군인의 패션이 지나갔지만 (군인은 나폴레옹의 영광 기간 동안에만 돈을 벌었습니다) 이제는 더 많은 돈을 벌기 위해 교회의 목사가되는 것이 더 낫다는 생각에 압도되었습니다. 돈.

줄리앙에게 나폴레옹이 행복한 출세주의자의 최고의 예라면, 파브리치오에게 그는 혁명의 영웅인 이탈리아의 해방자입니다.

6. 스탕달의 <파르마 수도원>과 발자크의 <베일 연구>.

"파르마 수도원" :이탈리아 왕국. Marquis del Dongo는 나폴레옹의 몰락을 기다리는 오스트리아 스파이입니다. 막내 아들 Fabrizio는 거지 Pietraner 백작 (가족의 적)의 아내이자 Eugene 왕자의 주체이자 프랑스의 열렬한 수호자 인 Gina 이모가 가장 좋아하는 사람입니다. 지나는 가족들 사이에서 미움을 받습니다. Fabrizio는 나폴레옹을 좋아하고 그가 Juan Bay에 상륙했다는 사실을 알고 그를 위해 싸우기 위해 도망칩니다. 백작부인과 그의 어머니는 그에게 다이아몬드를 줍니다. F. 워털루 전투에 참가합니다. 전투에서 패했습니다. 그의 아버지는 그를 저주합니다. 피에트라네라 백작은 자신의 지위를 놓고 결투를 벌이다 사망한다. 지나는 신부와 함께 노바라에 F.를 숨기고 영향력 있는 사람들을 설득하여 박해를 취소한다. 그녀는 파르마 왕자 Ranuzio dello Ernesto 4의 목사인 Mosca de la Rovere 백작을 만납니다. 모스크바는 결혼했지만 Gina를 사랑하고 돈과 영향력을 갖기 위해 Sanseverin 공작과 가상으로 결혼하도록 그녀를 초대합니다. 그녀는 동의합니다. 영향력과 권력. 그녀는 Mosca의 도움으로 Fabrizio를 돌보기 시작합니다. 백작님은 오스트리아에 사면을 구합니다. 그는 파르마의 F. 대주교를 만들고 싶어합니다. 4년 후 F.는 몬시뇰(보라색 스타킹 착용 가능) 계급으로 파르마에 도착합니다. F에 대한 지나의 열정. 왕자는 그들을 의심하고 파헤쳐 자신의 장관 모스카에게 익명의 편지를 쓴다. Fabrizio는 고양이 Giletti에게 의존하고 있는 여배우 Marietta에게 관심이 있습니다. 그녀를 때리고 훔칩니다. F. Marietta와 함께 떠나지만 Giletti와의 결투에서 그를 죽입니다. 방황이 시작됩니다. 그의 고향을 방문합니다. 이때 파르마 왕자는 징역 20년을 선고한다. 공작부인은 그에게 최후통첩을 보낸다. Marchioness Raversi는 공작부인이 Fabrizio에게 보낸 편지를 위조하여 그와의 만남을 주선합니다... F. 그는 가서 붙잡혀 요새에 갇히게 됩니다. 그곳에서 그는 파비오 콘티 장군의 딸인 클레리아 콘티를 만난다. 그는 기억도 없이 그녀와 사랑에 빠진다. 왕자와 재정관리인 라시는 파브리치오를 독살할 준비를 하지만 클레리아는 그가 탈출하도록 도와준다. Mosca와 Rassi는 왕자에 반대하는 합의에 이르렀습니다. Palla Ferrante는 헌신적이고 Gina를 사랑하며 무엇이든 할 준비가 되어 있습니다. 그녀는 그에게 돈을 주지만 그는 받지 않습니다. 그는 Fabrizio를 위해, 그녀를 위해 자신의 삶을 바칩니다. 그들은 파르마의 사카 성에서 불을 준비하고 있습니다. Fabrizio와 공작 부인이 숨어 있습니다. 하지만 그는 클레리아만 생각한다.

혁명. Palla Ferrante가 거의 승리했습니다. 봉기는 모스카 백작에 의해 진압되었습니다. 왕좌에는 어린 왕자 라누지오 에르네스토 5세가 있다. 공작부인이 돌아올 수도 있습니다. Fabrizio는 구원을 받고 대주교가 될 수 있습니다. 그러나 Fabrizio는 부주의하고 Clelia의 요새로 달려갑니다. 하지만 그 사람이 거기 있는 건 위험해요. 지나는 마지막 절망에 빠져 왕자로부터 F.를 석방하라는 명령을 빼앗고 이에 대해 그에게 충실하겠다고 맹세합니다. 사별한 모스카는 지나와 결혼한다. Fabrizio는 이미 대주교입니다. 그런 다음 Clelia에 대한 그들의 사랑이 설명됩니다-드라마 (아이가 죽고 Clelia가 죽고 Fabrizio가 참을 수 없으며 Parma 수도원에서도 죽습니다).

“베일에 대한 연구 ": Balzac은 문학의 세 가지 얼굴, 세 가지 학교, 즉 이미지 문학(자연의 숭고한 이미지 흡수), 아이디어 문학(신속함, 움직임, 간결함, 드라마) 및 문학 절충주의(현상에 대한 완전한 개요, 이전 두 스타일의 혼합). 그러나 어떤 장르의 작품이든 이상과 형식의 법칙을 준수해야만 사람들의 기억 속에 남는다.

베일-스탕달. 사상문학의 뛰어난 대가(Musset, Mérimée, Bérenger 등) 이 학교는 풍부한 사실, 이미지의 절제, 간결함, 명확성을 갖추고 있습니다. 그녀는 인간입니다.

Victor Hugo는 이미지 문학(Chateaubriand, Lamartine, Gaultier)의 뛰어난 대표자입니다. 이 학교는 시적인 풍부한 문구, 풍부한 이미지, 자연과의 내부 연결을 가지고 있습니다. 이 학교는 신이다. 사람보다 자연을 선호합니다.

세 번째 학교는 대중에게 영감을 줄 가능성이 적습니다(Scott, de Stael, Cooper, Sand).

기본적으로이 논문은 Balzac이 우리 시대 아이디어 문학의 걸작으로 간주하는 Stendhal의 "The Parma Monastery"에 전념합니다. Balzac은 외교관, 과학자, 사상가와 같은 지능을 가진 사람들만이 책을 이해할 수 있다는 사실에서 책의 인기에 대한 유일하고 가장 큰 장애물을 봅니다.

Balzac은 "The Monastery"의 줄거리를 자세히 설명하고 의견을 제시합니다.

1. Mosca 백작 소개 - Metternich 왕자는 오스트리아 제국의 대 총리직에서 겸손한 파르마 공국으로 옮겨졌습니다.

2. 파르마 공국과 에르네스토 라우스토 4세 - 모데나 공작과 그의 공국.

3. 지나는 모스카 백작을 이탈리아 최고의 외교관으로 여깁니다.

4. Mosca는 Leikam 부인에 대한 Metternich의 사랑과 마찬가지로 거대하고 영원하고 무한한 사랑인 Gina에 대한 사랑에 압도됩니다.

5. Balzac은 소설에 설명된 행동의 풍경과 색상에 대해 열정의 광범위한 그림에 대해 이야기합니다.

6. 그는 모스카 백작의 질투에 관한 장보다 더 흥미로운 것을 읽은 적이 없다고 말합니다.

7. 지나 공작부인이 왕자에게 작별 인사를 하러 찾아와 최후 통첩을 보내는 장면은 현대 소설에서 가장 아름다운 장면이다. 그녀는 Fabrizio가 사면되는 것을 원하지 않습니다. 왕자는 단순히 이 사건의 불의를 인정하고 그것이 미래에 아무런 결과도 초래하지 않을 것이라고 써야 합니다.

8. Balzac은 줄거리의 선명도, 사건 및 감정의 전환에 감탄합니다. 그는 이렇게 말합니다. “내가 이 책이 걸작이라고 말하지 않았나요?”

9. 그는 공화당원이자 자유의 가수인 팔라 페란테(Palla Ferrante)의 이미지를 존경합니다. 그는 (Michel Chrétien의) 동일한 이미지를 만들고 싶었지만 그렇게 되지 않았다고 말했습니다.

Balzac은 또한 이 책의 단점을 지적합니다.

스탕달은 사건 배열에 실수를 저질렀습니다(자연에서는 사실이지만 예술에서는 믿기지 않는 플롯을 취할 때 흔히 발생하는 실수).

시작과 끝의 연장, 새로운 전환을 암시… 이것은 마이너스입니다.

약한 스타일(엉성한 스타일).

논문이 끝나면 책을 다듬어 완벽하게 빛나게 해야 합니다.

7. 스탕달과 발자크 소설의 구성 원리.

발자크: 그는 소설 구성의 문제에 큰 관심을 기울입니다. Balzac은 낭만적 인 소설의 특징 인 특이한 상황, 복잡한 음모 또는 심각한 상황을 전혀 거부하지 않습니다. 그러나 그는 소설 속의 복잡하고 난해하며 때로는 전혀 기이한 사건들에 현실적인 동기를 부여함으로써 그가 그려내는 부르주아적 삶 자체가 기이한 일들을 많이 담고 있음을 보여준다. 복잡하고 드라마와 역학, 혼란스러운 상황이 많이 있습니다. 따라서 그는 소설의 줄거리에서 복잡한 음모를 포기할 필요가 없다고 생각하지 않고 이러한 다양한 복잡한 사실 속에서 모든 사건을 통제하는 단일 핵심을 탐구하고 싶어합니다. Balzac은 소설을 구성할 때 단일 주인공(한 소설에서 다른 소설로 흐르는 많은 영웅)에서 많은 오래된 전통을 포기합니다.

모든 노선을 하나로 묶는 힘은 금전적 이익입니다. 많은 소설은 다양한 개인의 물질적 이해관계의 충돌을 기반으로 합니다. 사람은 경력을 쌓고 싶어하고, 저항에 직면하고, 투쟁이 일어나는 등의 일을 합니다. 내 작업의 의미는 역사가들이 사람들의 사회 생활에 부여한 것과 마찬가지로 사람들의 삶, 일상적인 사실, 개인 생활에서 일어나는 사건들에 동일한 중요성을 부여하는 것입니다.

과학적 체계화를 위해 발자크는 이 엄청난 수의 소설을 시리즈로 나누었습니다.

스탕달: 스탕달은 발자크와 달리 소설 속에 주인공이 있다. 그리고 줄리앙 소렐(Julien Sorel)과 파브리치오(Fabrizio). 소설은 주인공의 한 성격 형성, 다양한 견해와 입장에 대한 경험에 전념합니다.

스탕달의 거의 모든 소설은 실제 사건에 바탕을 두고 있습니다. ("빨간색과 검은색": 교회에서 살해한 앙투안 베르트의 법정 사건...; "파르마 수도원": 교황 바오로 3세의 추악한 모험에 헌정된 원고) ).

Stendhal은 또한 Balzac과 같은 현대 사회 생활의 모든 영역을 다루려고 노력하지만 이것을 자신의 방식으로 구현합니다. 그의 구성은 영웅의 전기로 구성된 연대기 선형입니다. 줄거리는 영웅의 영적 삶, 환경과의 상호 작용에서 성격의 발전을 기반으로합니다. (레드 앤 블랙의 부제는 '19세기 연대기'입니다.)

8. 스탕달과 새커리의 워털루 주제.

스탕달: 워털루 전투 장면은 “파르마 수도원”에서 특히 중요합니다. 언뜻 보기에 이것은 단지 삽입된 에피소드인 것처럼 보이지만, 이후 소설의 줄거리를 전개하는 데 있어서 매우 중요한 부분이다.

"파르마 수도원"의 전투에 대한 묘사는 진실되고 사실성이 뛰어납니다. Balzac은 군대 생활 장면에서 꿈꿔 왔던 전투에 대한 장엄한 묘사를 높이 평가했습니다.

워털루 전투는 소설 속 액션의 시작이며, 주인공은 즉시 영웅적인 위업을 달성하고 역사적인 전투에 참여하기를 원합니다.
Julien처럼 Fabrizio도 영웅주의는 전장에서만 가능하다고 확신합니다. Julien은 군 경력을 쌓는 데 실패했지만 Fabrizio에게는 그러한 기회가 있습니다.

성취를 갈망하는 낭만적인 영웅은 극심한 실망을 경험한다. 저자는 Fabrizio의 전장에서의 모험을 자세히 설명하면서 그의 환상이 무너지는 과정을 단계별로 보여줍니다. 그는 전선에 등장하자마자 간첩으로 오해를 받아 감옥에 갇히고 그곳에서 탈출했습니다.

실망:

그의 말의 길은 군인의 시체로 막혀 있습니다 (더럽고 끔찍함). 잔인하게 행동하면 그 사람의 눈이 아프다.

나폴레옹을 알아보지 못합니다. 그는 현장으로 달려가지만 지나갈 때 그의 영웅 나폴레옹도 알아보지 못합니다. (나폴레옹과 네 원수는 그를 지나쳤을 때 단순한 필사자와 구별되는 신성한 표시가 없었습니다.) ).

전장에 나가면 Fabrizio는 적이 어디에 있는지, 자신의 백성이 어디에 있는지 아무것도 이해할 수 없습니다. 결국, 그는 말의 뜻에 자신을 굴복시켰고, 말은 그를 어디인지 아시는 하느님께로 달려갑니다. 환상은 현실에 의해 산산조각이 난다.

스탕달이 역사적 전투와 영웅의 경험 사이에 유사점을 그린 것은 우연이 아닙니다. 역사적 사건은 소설에서 상징적 의미를 갖습니다. 워털루 전투는 나폴레옹의 정치적 무덤이자 그의 완전한 패배였습니다. Fabrizio의 "잃어버린 환상"의 메아리, 위대한 영웅적 행위에 대한 그의 모든 꿈의 붕괴.

Fabrizio는 "고국을 해방"하는 데 실패했습니다. 이는 개인적인 희망뿐만 아니라 전체 세대의 "잃어버린 환상"의 붕괴입니다. 전투 후에도 영웅주의, 로맨스, 용기는 Fabrizio의 개인적인 성격 특성으로 남아 있지만 새로운 특성을 얻습니다. 즉, 더 이상 공통 목표 달성을 목표로 하지 않습니다.

새커리: Thackeray의 주요 특징은 전투 자체, 전투 자체를 묘사하지 않고 묘사하지 않는다는 것입니다. 그는 단지 결과, 전투의 메아리만을 보여주었습니다. Thackeray는 나폴레옹의 군대가 Sambre 강을 건널 때 George Osborne이 Emilia에게 작별 인사를 하는 장면을 구체적으로 묘사합니다. 며칠 후 그는 워털루 전투에서 사망했습니다. 그 전에 그는 또한 모든 것이 괜찮다는 편지를 정면에서 Emilia에게 보냅니다. 그런 다음 부상자들은 전장에서 그의 도시로 옮겨지고 Emilia는 남편이 혼자 누워 부상을 입고 현장에 죽어 가고 있다는 사실을 모르고 그들을 돌 봅니다. 따라서 Thackeray는 이벤트 "전후"의 모든 것을 보여 주면서 전투를 대규모로 설명합니다.

9. 발자크의 <휴먼코미디>에서 “환상의 상실”이라는 주제.

루시앙 샤르동. 라스티냐크.

"잃어버린 환상" - 영양을 공급하는 환상은 지방 주민의 운명입니다. 루시앙은 잘생겼고 시인이었습니다. 그는 재능있는 청년에 대한 분명한 선호를 보인 지역 여왕 = Madame de Bargeton에 의해 그의 도시에서 주목을 받았습니다. 그의 연인은 그에게 그가 천재라고 끊임없이 말했습니다. 그녀는 파리에서만 그의 재능을 진정으로 평가할 수 있다고 말했습니다. 그에게 모든 문이 열릴 곳이 바로 그곳입니다. 이것은 그에게 깊은 인상을 남겼습니다. 그러나 그가 파리에 도착했을 때 그의 연인은 그가 사회 멋쟁이들에 비해 가난한 지방 출신처럼 보였기 때문에 그를 거부했습니다. 그는 버려져 홀로 남겨졌으나 그의 앞에는 모든 문이 닫혀 있었다. 그가 지방 도시에서 가졌던 환상(명예, 돈 등에 대한)은 사라졌습니다.

안에 "페레 고리오" 라스티냐크여전히 선함을 믿고 그의 순수함을 자랑스러워합니다. 내 삶은 “백합처럼 순수”합니다. 그는 고귀한 귀족 출신이며 경력을 쌓고 로스쿨에 등록하기 위해 파리로 왔습니다. 그는 마지막 돈을 가지고 Vake 부인의 하숙집에 살고 있습니다. 그는 Viscountess de Beauseant의 살롱을 이용할 수 있습니다. 사회적 지위로 보면 그는 가난하다. Rastignac의 삶의 경험은 두 세계(죄수 Vautrin과 Viscountess)의 충돌로 구성됩니다. Rastignac은 범죄가 사소한 귀족 사회에 대한 Vautrin과 그의 견해를 고려합니다. “아무도 정직이 필요하지 않습니다.”라고 Vautrin은 말합니다. "추울 것이라고 예상할수록 더 멀리 갈 것입니다." 그 당시에는 중간 위치가 일반적이었습니다. 그는 마지막 돈으로 가난한 고리옷의 장례식을 준비한다.

소설에서 "뱅커의 집"

안에 "샤그린 스킨"- Rastignac 진화의 새로운 단계. 여기서 그는 이미 모든 환상에 작별을 고한 경험이 풍부한 전략가입니다. 이것은 노골적인 냉소적이다.

10. 플로베르의 소설 『감성교육』의 주제는 “환상의 상실”이다.

이 소설에서 환멸의 주제는 주인공 프레데릭 모로의 삶과 성격발달과 관련되어 있다. 모든 것은 그가 로스쿨에서 오랜 공부를 마친 후 어머니를 만나기 위해 배를 타고 센 강의 노장에 도착한다는 사실에서 시작됩니다. 어머니는 아들이 큰 사람이 되기를 원하고, 그를 사무실로 데려가고 싶어합니다. 그러나 Frederic은 파리를 위해 노력합니다. 그는 파리로 가서 처음에는 Arnoux 가문을 만나고, 두 번째로는 Dambrez 가문(영향력 있음)을 만났습니다. 그는 그들이 정착하는 데 도움이 되기를 바랍니다. 처음에 그는 친구 Deslauriers와 함께 파리에서 계속 공부하고 예술가 Pellerin, 저널리스트 Husson, Dussardier, Regembard 등 다양한 학생들을 만납니다. 점차적으로 Fredrick은 높은 목표와 좋은 경력에 대한 열망을 잃습니다. 그는 프랑스 사회에서 자신을 발견하고 무도회에 참석하고 가장 무도회를 시작하며 연애를 시작합니다. 평생 동안 그는 한 여성 인 Arnoux 부인에 대한 사랑에 시달렸지만 그녀는 그가 그녀에게 더 가까이 다가가는 것을 허용하지 않았기 때문에 그는 만남을 바라며 살아갑니다. 어느 날 그는 삼촌이 세상을 떠나 자신에게 비교적 큰 재산을 남겼다는 소식을 듣게 됩니다. 그러나 Feredrick은 이미 프랑스 사회에서의 그의 지위가 그에게 가장 중요한 단계에 있습니다. 이제 그는 자신의 경력이 아니라 옷을 입는 방법, 거주지 또는 식사 장소에 관심이 있습니다. 그는 여기저기서 돈을 쓰기 시작하고 그것을 주식에 투자하고 파산 한 다음 어떤 이유로 Arn을 돕고 그에게 갚지 않고 Frederick 자신이 가난하게 살기 시작합니다. 그 사이에 혁명이 준비되고 있습니다. 공화국이 선포됩니다. Frederick의 친구들은 모두 바리케이드 위에 있습니다. 하지만 그는 대중의 시선에는 관심이 없다. 그는 개인 생활과 그 준비로 더 바쁩니다. 그는 지참금이 좋은 잠재적인 신부이면서 시골 소녀인 루이스 로크에게 청혼하게 된다. 그런 다음 Rosanette가 임신하고 아이가 태어나 곧 죽는 전체 이야기입니다. 그런 다음 남편이 죽고 그녀에게 아무것도 남기지 않는 Dambrez 부인과의 관계. 프레드릭은 미안해요. 그는 아르누를 다시 만나고 상황이 더욱 악화되었음을 깨닫는다. 결과적으로 그에게는 아무것도 남지 않게 되었습니다. 어쨌든 그는 경력을 쌓지 않고도 자신의 지위에 대처합니다. 여기 파리의 삶에 빨려들어 그를 완전히 야심 없는 사람으로 만든 한 남자의 잃어버린 환상이 있습니다.

11. 발자크의 소설 Lost Illusions에 등장하는 Etienne Lousteau의 이미지.

에티엔 루스토 -실패한 작가, 부패한 저널리스트는 Lucien을 무원칙하고 활기찬 파리 저널리즘의 세계에 소개하고 "아이디어와 평판의 고용된 살인자"라는 직업을 키우고 있습니다. Lucien은 이 직업을 마스터합니다.

에티엔은 의지가 약하고 부주의합니다. 그 자신도 한때 시인이었지만 실패했습니다. 그는 화가 나서 문학적 추측의 소용돌이에 몸을 던졌습니다.

그의 방은 더럽고 황량하다.

에티엔은 소설에서 매우 중요한 역할을 합니다. 미덕의 길에서 루시앙을 유혹하는 사람은 바로 그 사람입니다. 그는 언론과 극장의 부패를 루시앙에게 폭로합니다. 그는 순응주의자이다. 그에게 세상은 "지옥 같은 고통"이지만 적응할 수 있어야합니다. 그러면 아마도 삶이 좋아질 것입니다. 시대 정신에 따라 행동하는 그는 자신과 영원한 불화 속에 살 운명에 처해 있습니다. 이 영웅의 이중성은 자신의 언론 활동에 대한 객관적인 평가와 현대 미술. Lucien은 Lousteau보다 자신감이 더 많기 때문에 그의 개념을 빨리 파악하고 명성이 빨리 그에게옵니다. 결국 그는 재능이 있습니다.

12. 발자크의 『휴먼코미디』에 나타난 금융가 이미지의 진화.

발자크:

곱섹

펠릭스 그란데

파파 고리옷

데이비드 세차드의 아버지

라스티냐크

13. 유지니아 그란데의 비극 동명의 소설발자크.

자본주의 사회의 삶에서 획득하는 돈, 금, 그리고 그것이 소비하는 모든 권력의 문제는 모든 인간관계, 개인의 운명, 사회적 인물의 형성을 결정한다.

올드 그란데는 현대의 이윤 천재이자 투기를 예술로 승화시킨 백만장자입니다. 그란데는 삶의 모든 기쁨을 포기하고 딸의 영혼을 말리고 사랑하는 모든 사람의 행복을 빼앗았지만 수백만 달러를 벌었습니다.

주제는 가족과 성격의 분해, 도덕성의 쇠퇴, 돈의 힘으로 인간의 모든 친밀한 감정과 관계에 대한 모욕입니다. 불행한 Evgenia가 주변 사람들에게 상당한 자본을 만드는 방법으로 인식 된 것은 바로 아버지의 부 때문이었습니다. Saumur 주민들의 두 반대 진영인 Cruchotins와 Grassenists 사이에는 Eugenie의 손을 놓고 끊임없는 투쟁이있었습니다. 물론 늙은 Grandet은 Grassins와 Cruchots가 자신의 집을 자주 방문하는 것이 늙은 쿠퍼에 대한 진심 어린 존경의 표현이 아니라는 것을 이해했기 때문에 종종 스스로에게 이렇게 말했습니다. “그들은 내 돈을 위해 여기에 있습니다. 그들은 내 딸 때문에 심심해하려고 여기에 온다. ㅋ! 어느 누구도 내 딸을 잡지 못할 것이고 이 신사들은 모두 내 낚싯대의 갈고리일 뿐입니다!”

유지니아 그란데의 운명은 발자크가 그의 소설에서 말한 가장 슬픈 이야기입니다. 비참한 아버지의 집에서 수년 동안 감옥에 갇힌 불행한 소녀는 온 영혼을 다해 사촌 찰스에게 애착을 갖게됩니다. 그녀는 그의 슬픔을 이해하고, 세상 어느 누구도 그를 필요로 하지 않으며, Evgenia가 평생 동안 나쁜 음식과 비참한 옷에 만족해야 하는 것과 같은 이유로 지금 그의 가장 가까운 사람인 그의 삼촌이 그를 돕지 않을 것이라는 것을 이해합니다. 그리고 마음이 순수한 그녀는 아버지의 끔찍한 분노를 용감하게 견디며 저축한 모든 것을 그에게 바칩니다. 그녀는 수년 동안 그의 귀환을 기다리고 있습니다... 그리고 Charles는 그의 구세주를 잊어 버리고 대중 감정의 지배하에 그는 부도덕 한 부의 축적자인 펠릭스 그란데와 동일하게됩니다. 그는 이제 순전히 이기적인 이익에 따라 인도되기 때문에 Eugenia보다 못생긴 여성 Mademoiselle D' Aubrion을 선호합니다. 따라서 Evgenia의 사랑에 대한 믿음, 아름다움에 대한 믿음, 흔들리지 않는 행복과 평화에 대한 믿음이 단축되었습니다.

Evgenia는 마음으로 살고 있습니다. 그녀에게 물질적 가치는 감정에 비하면 아무것도 아닙니다. 감정이 화해한다 진정한 내용그녀의 삶에는 아름다움과 존재의 의미가 있습니다. 그녀의 내면적 완성도는 외모에서도 드러난다. 평생 유일한 기쁨은 아버지가 난로에 불을 켜도록 허용하고 낡은 집과 매일 뜨개질하는 것만 보았던 드문 날이었던 Evgenia와 그녀의 어머니에게 돈은 전혀 의미가 없었습니다.

따라서 주변의 모든 사람들은 어떤 대가를 치르더라도 금을 얻을 준비가 되어 있었지만, 예브게니아에게는 아버지의 죽음 이후 물려받은 1,700만 달러가 큰 부담이 되었습니다. 골드는 찰스를 잃은 그녀의 마음에 형성된 공허함에 대해 그녀에게 보상할 수 없을 것입니다. 그리고 그녀는 돈이 필요하지 않습니다. 그녀는 그것들을 다루는 방법을 전혀 모릅니다. 왜냐하면 그녀에게 그것이 필요하다면 그것은 찰스를 도와서 자신과 그녀의 행복을 돕는 것뿐이었기 때문입니다. 그러나 불행하게도 그녀에게 존재하는 유일한 보물인 가족애와 사랑은 비인간적으로 짓밟혔고, 그녀는 인생의 전성기에 이 유일한 희망을 잃었습니다. 어느 시점에서 Evgenia는 자신의 삶의 구제할 수 없는 불행을 깨달았습니다. 그녀의 아버지에게 그녀는 항상 그의 금의 상속자였습니다. Charles는 사랑, 애정 및 도덕적 의무의 모든 신성한 감정을 무시하고 부유 한 여성을 선호했습니다. Saumur의 사람들은 그녀를 부유한 신부로만 바라보았고 계속해서 바라보았습니다. 그리고 그녀를 수백만 달러가 아니라 실제로 사랑했던 유일한 사람들, 즉 그녀의 어머니와 하녀 나네타는 너무 약하고 무력했고 늙은 그란데가 주머니를 금으로 가득 채운 채 최고를 통치했습니다. 그녀는 어머니를 잃었고, 이제 그녀는 생애 마지막 순간에도 금을 향해 손을 뻗은 아버지를 이미 묻었습니다.

그러한 상황에서 Evgenia와 그녀 주변 세계 사이에는 필연적으로 깊은 소외가 발생했습니다. 그러나 그녀 자신이 자신의 불행의 원인이 정확히 무엇인지 분명히 알고 있었을 것 같지 않습니다. 물론 그 이유를 밝히는 것은 쉽습니다. 부르주아 사회의 수장에 서서 연약한 Evgenia를 무너 뜨린 돈과 화폐 관계의 무자비한 지배입니다. 그녀는 무한한 부자라는 사실에도 불구하고 행복과 번영을 박 탈당합니다.

그리고 그녀의 비극은 그녀와 같은 사람들의 삶이 누구에게도 전혀 쓸모없고 쓸모없는 것으로 판명되었다는 것입니다. 그녀의 깊은 애정 능력은 반응을 얻지 못했습니다.

사랑과 행복에 대한 모든 희망을 잃은 Evgenia는 갑자기 변화하여 이 행운의 순간을 기다리고 있던 Bonfon 회장과 결혼합니다. 하지만 이 이기적인 남자도 결혼식을 올린 지 얼마 되지 않아 세상을 떠났습니다. Evgenia는 고인이 된 남편으로부터 물려받은 더 큰 부를 가지고 다시 혼자 남겨졌습니다. 이것은 아마도 서른여섯 살에 과부가 된 불행한 소녀에게 일종의 사악한 운명이었을 것이다. 그녀는 Evgenia가 수년 동안 살았던 절망적 인 열정 인 아이를 낳지 않았습니다.

그러나 결국 우리는 "돈은 이 천상의 삶에 차가운 색채를 부여하고 모든 감정과 감정에 대한 불신을 가진 여성에게 심어줄 운명이었다"는 것을 알게 됩니다. 결국 Evgenia는 아버지와 거의 똑같아졌습니다. 그녀는 돈이 많지만 가난하게 살고 있습니다. 그녀는 이런 생활에 익숙했기 때문에 이런 식으로 살고 있으며, 다른 삶은 더 이상 그녀의 이해에 도움이 되지 않습니다. 유지니아 그란데(Eugenia Grande)는 인간 비극의 상징으로 베개에 대고 울부짖는 모습으로 표현됩니다. 그녀는 자신의 상태를 받아들였고 더 이상 더 나은 삶을 상상할 수도 없습니다. 그녀가 원하는 유일한 것은 행복과 사랑이었습니다. 그러나 이것을 찾지 못해 그녀는 완전한 침체에 이르렀습니다. 그리고 아니 작은 역할당시 사회를 지배했던 화폐 관계가 여기서 중요한 역할을했습니다. 그들이 그렇게 강하지 않았다면 Charles는 그들의 영향력에 굴복하지 않았을 것이며 Eugenie에 대한 헌신적 인 감정을 유지했을 것입니다. 그러면 소설의 줄거리는 더 낭만적으로 발전했을 것입니다. 그러나 그것은 더 이상 발자크가 아닐 것이다.

14. 발자크 작품의 주제는 '폭력적인 열정'이다.

발자크는 돈에 대한 열렬한 열정을 가지고 있습니다. 이들은 호더이자 대금업자의 이미지입니다. 이 주제는 금융가의 이미지 주제에 가깝습니다. 왜냐하면 그들은 사재기에 대한 광적인 열정을 살아가는 사람들이기 때문입니다.

곱섹주변 세계, 종교 및 사람에 무관심한 육체가없고 냉정한 사람인 것 같습니다. 그는 청구서를 받기 위해 자신에게 오는 사람들의 열정을 끊임없이 관찰하기 때문에 자신의 열정과는 거리가 멀습니다. 그는 그들을 검사하지만 그 자신은 항상 평화를 누리고 있습니다. 과거에 그는 많은 열정을 경험했기 때문에 (인도에서 장사를 했고, 아름다운 여인에게 속았다) 과거에 떠났다. Derville과 대화하면서 그는 샤그린 피부의 공식을 반복합니다. “행복이란 무엇입니까? 이것은 우리의 삶을 훼손하는 강한 흥분이거나 신중한 활동입니다.” 그는 너무 인색해서 결국 죽으면 주인의 인색함 때문에 생긴 물건과 음식, 곰팡이 핀 무더기가 남게 됩니다.

그 안에는 구두쇠와 철학자라는 두 가지 원칙이 있습니다. 돈의 힘으로 그는 돈에 의존하게 됩니다. 그에게 돈은 마법이 됩니다. 그는 벽난로에 금을 숨기고 죽은 후에는 누구에게도 (친척, 타락한 여성) 자신의 재산을 물려주지 않습니다. Gobsek - zhivoglot (번역).

펠릭스 그란데- 약간 다른 유형: 현대의 이윤 천재, 투기를 예술로 바꾼 백만장자. 그란데는 삶의 모든 기쁨을 포기하고 딸의 영혼을 말리고 사랑하는 모든 사람의 행복을 빼앗았지만 수백만 달러를 벌었습니다. 그의 만족은 성공적인 투기, 금융 정복, 무역 승리에 있습니다. 그는 개인적으로 소박하고 수백만 명이 제공하는 혜택에 관심이 없기 때문에 일종의 "예술을위한 예술"의 사심없는 하인입니다. 한계를 모르는 유일한 열정-금에 대한 갈증-은 오래된 쿠퍼의 모든 인간 감정을 죽였습니다. 그의 딸, 아내, 형제, 조카의 운명은 주요 질문, 즉 부와의 관계의 관점에서만 그에게 관심이 있습니다. 그는 딸과 아픈 아내를 굶기고 인색함과 무자비함으로 후자를 무덤으로 데려갑니다. 그는 외동딸의 개인적인 행복을 파괴합니다. 왜냐하면 이 행복을 위해서는 그란데가 축적된 보물의 일부를 포기해야 하기 때문입니다.

15. Balzac의 "Human Comedy"에서 Eugene de Rastignac의 운명.

안에 "페레 고리오"

그는 곧 자신의 상황이 나쁘고 아무데도 이르지 못할 것이며 정직을 희생하고 자존심을 침뱉고 비열한 행동을 취해야 한다는 것을 깨닫습니다.

소설에서 "뱅커의 집" Rastignac의 첫 번째 사업 성공에 대해 알려줍니다. Goriot의 딸인 여주인 Delphine의 남편인 Baron de Nucingen의 도움을 받아 그는 영리한 주식 투자를 통해 재산을 모았습니다. 그는 고전적인 기회주의자이다.

안에 "샤그린 스킨"

16. Balzac의 이야기 "The Banker's House of Nucingen"에서 우리 시대의 가장 시급한 문제를 식별하는 방법으로서의 Diatribe.

당뇨병-도덕적 주제에 대한 추론. 화난 비난 연설 (그리스어에서) 대화는 소설 "The Banker 's House of Nucingen" 전체에 스며 들고 대화의 도움으로 영웅의 부정적인 측면이 드러납니다.

17. 후기 발자크의 예술적 스타일. “가난한 친척”에 관한 이중학.

18. 디킨스 작품에 나타난 긍정적 영웅과 해피엔딩의 역할.

19. 디킨스와 낭만주의.

20. Balzac과 Flaubert의 작품에 등장하는 금융가의 이미지.

발자크:발자크의 목록에 있는 "휴먼 코미디"의 거의 모든 소설에는 금융가의 이미지가 있습니다. 기본적으로 이들은 돈에 대한 열렬한 열정을 가지고 사는 대금업자이자 부르주아지의 다른 대표자들입니다.

대금업자의 이미지를 만들 때 발자크는 이를 매우 복잡한 사회 시대의 맥락에 포함시켰고, 이는 이 이미지의 다양한 측면을 드러내는 데 기여했습니다.

<샤그린스킨>의 골동품 상인처럼 곱섹주변 세계, 종교 및 사람에 무관심한 육체가없고 냉정한 사람인 것 같습니다. 그는 청구서를 받기 위해 자신에게 오는 사람들의 열정을 끊임없이 관찰하기 때문에 자신의 열정과는 거리가 멀습니다. 그는 그들을 검사하지만 그 자신은 항상 평화를 누리고 있습니다. 과거에 그는 많은 열정을 경험했기 때문에 (인도에서 장사를 했고, 아름다운 여인에게 속았다) 과거에 떠났다. Derville과 대화하면서 그는 샤그린 피부의 공식을 반복합니다. “행복이란 무엇입니까? 이것은 우리의 삶을 훼손하는 강한 흥분이거나 신중한 활동입니다.” 그는 너무 인색해서 결국 죽으면 주인의 인색함 때문에 생긴 물건과 음식, 곰팡이 핀 무더기가 남게 됩니다.

그 안에는 구두쇠와 철학자라는 두 가지 원칙이 있습니다. 돈의 힘으로 그는 돈에 의존하게 됩니다. 그에게 돈은 마법이 됩니다. 그는 벽난로에 금을 숨기고 죽은 후에는 누구에게도 (친척, 타락한 여성) 자신의 재산을 물려주지 않습니다. Gobsek - zhivoglot (번역).

펠릭스 그란데- 약간 다른 유형: 현대의 이윤 천재, 투기를 예술로 바꾼 백만장자. 그란데는 삶의 모든 기쁨을 포기하고 딸의 영혼을 말리고 사랑하는 모든 사람의 행복을 빼앗았지만 수백만 달러를 벌었습니다. 그의 만족은 성공적인 투기, 금융 정복, 무역 승리에 있습니다. 그는 개인적으로 소박하고 수백만 명이 제공하는 혜택에 관심이 없기 때문에 일종의 "예술을위한 예술"의 사심없는 하인입니다. 한계를 모르는 유일한 열정-금에 대한 갈증-은 오래된 쿠퍼의 모든 인간 감정을 죽였습니다. 그의 딸, 아내, 형제, 조카의 운명은 주요 질문, 즉 부와의 관계의 관점에서만 그에게 관심이 있습니다. 그는 딸과 아픈 아내를 굶기고 인색함과 무자비함으로 후자를 무덤으로 데려갑니다. 그는 외동딸의 개인적인 행복을 파괴합니다. 왜냐하면 이 행복을 위해서는 그란데가 축적된 보물의 일부를 포기해야 하기 때문입니다.

파파 고리옷- '휴먼코미디'의 한 기둥. 그는 빵 상인이자 전 파스타 제조업자였습니다. 그는 평생 동안 딸들에 대한 사랑만을 이어갔습니다. 그래서 그는 딸들에게 모든 돈을 썼고 딸들은 그것을 이용했습니다. 그래서 그는 파산했습니다. 이것은 펠릭스 그란데(Felix Grande)와 정반대이다. 그는 그들에게 자신에 대한 사랑만을 요구합니다. 왜냐하면 그는 그들에게 모든 것을 줄 준비가되어 있기 때문입니다. 그의 생애 말기에 그는 공식을 내놓았습니다. 모든 사람, 심지어 그의 딸까지도 돈을줍니다.

데이비드 세차드의 아버지: 가난이 시작되는 곳에서 인색함도 시작됩니다. 아버지는 인쇄소가 죽어가자 욕심이 생기기 시작했습니다. 그는 인쇄된 시트의 가격을 눈으로 확인하기까지 했습니다. 그것은 이기적인 이익에 의해서만 통제되었습니다. 그는 후계자를 준비시키기 위해서만 아들을 학교에 보냈습니다. 데이비드가 살아있는 동안 모든 것을 주길 바라는 펠릭스 그란데 유형입니다. 다윗이 망할 위기에 처했을 때 아버지에게 돈을 달라고 했으나 아버지는 한때 그에게 학자금을 주었던 것을 기억하고 아무 것도 주지 않았습니다.

라스티냐크("Bankers' House of Nucingen"에서). 이 소설은 Rastignac의 초기 사업 성공을 기록합니다. Goriot의 딸인 여주인 Delphine의 남편인 Baron de Nucingen의 도움을 받아 그는 영리한 주식 투자를 통해 재산을 모았습니다. 그는 고전적인 기회주의자이다. "내가 더 많은 대출을 받을수록 사람들은 나를 더 많이 믿습니다"라고 그는 "Shagreen"에서 말합니다.

플로베르: <마담 보바리>에서 금융가의 이미지는 용빌의 대금업자 르레씨이다. 그는 직물 상인이고 이 제품의 가격이 비싸기 때문에 그 도움으로 그는 많은 돈을 벌고 도시의 많은 주민들을 빚에 빠뜨립니다. 그는 Bovarys가 Yonville에 도착하는 순간 소설에 등장합니다. 엠마의 개 잘리는 도망가고, 엠마는 실종된 개들과 관련된 자신의 고민을 이야기하며 그녀를 동정한다.

긴장을 풀기 위해 Emma는 Leray에게서 새 옷을 구입합니다. 그는 이것이 소녀의 유일한 기쁨임을 깨닫고 이것을 이용합니다. 그리하여 그녀는 남편에게 아무 말도 하지 않은 채 그의 빚더미에 빠진다. 그리고 Charles는 어느 날 그에게서 1000프랑을 빌렸습니다. Lere는 영리하고 아첨하며 교활한 사업가입니다. 그러나 Balzac의 영웅과는 달리 그는 적극적으로 행동합니다. 그는 돈을 빌려 부를 회전시킵니다.

21. 플로베르의 소설 보바리 부인의 현실적 영웅의 문제.

이 지루한 삶의 산문에서 벗어나고 싶은 욕망은 그녀를 점점 더 끌어당긴다는 사실로 이어집니다. Emma는 대금업자 Leray와 함께 큰 빚을지게됩니다. 이제 모든 생명은 속임수에 달려 있습니다. 그녀는 남편을 속이고, 연인들은 그녀를 속인다. 그녀는 필요하지 않은데도 거짓말을 하기 시작합니다. 점점 더 혼란스러워지고 바닥으로 가라앉습니다.

플로베르는 여주인공을 대조함으로써 이 세계를 드러내는 것이 아니라 겉보기에 반대되는 원칙을 예기치 않게 대담하게 식별함으로써 이 세계를 폭로합니다. 비시화와 비영웅화는 부르주아 현실의 표시가 되어 부르주아 가족이자 열정인 찰스와 엠마에게까지 확장됩니다. 가족을 파괴하는 사랑.

객관적인 서술 방식 - 플로베르는 도시에서의 엠마와 샤를의 삶, 사회의 특정 도덕적 원칙 동안 이 가족에게 수반되는 실패를 놀랍도록 현실적으로 보여줍니다. Flaubert는 Emma가 비소로 독살했을 때의 죽음을 특히 현실적으로 묘사합니다. 신음 소리, 거친 비명, 경련 등 모든 것이 매우 자세하고 현실적으로 설명됩니다.

22. Thackeray의 소설 에 나타난 영국의 사회적 파노라마와 작가의 도덕적 입장.

이중 제목. 영웅이 없는 소설.이를 통해 저자는 그가 묘사하는 일상의 허영심 시장에서 모든 영웅이 똑같이 나쁘다고 말하고 싶었습니다. 모든 사람은 탐욕스럽고 이기적이며 기본적인 인간성이 결여되어 있습니다. 소설에 영웅이 있다면 그는 안티 히어로입니다. 이것은 돈입니다. 이러한 이중성 속에서 제 생각에는 움직임이 보존되었습니다. 작가의 의도: 그는 허구의 이름 뒤에 숨어 잡지에 유머를 쓰는 글을 쓰는 사람으로 태어났고, 성경적 연관성과 Bunyan의 도덕적 비타협성에 대한 기억으로 그의 진지함이 강화되어 작가가 자신을 대신하여 말하도록 요구했습니다.

부제는 아마도 문자 그대로 받아들여야 할 것입니다. 이 소설은 로맨틱한 영웅이 없는 소설입니다. Thackeray 자신은 소설의 첫 번째 중요한 사건에 접근하면서 그 사건에 어떤 차례를 주고 어떤 서술 스타일을 선택할지에 대해 성찰하는 6장에서 그러한 해석을 제안합니다. 그는 독자에게 낭만적인 범죄의 버전이나 세속 소설의 정신에 따른 옵션을 제공합니다. 그러나 작가가 선택한 스타일은 성공을 보장하는 문학적 권장 사항과 일치하지 않고 작가의 삶의 경험을 따릅니다. 사실을 말하자면, 그는 우리의 존경받는 귀족의 궁전과 마찬가지로 뉴게이트 감옥의 관습도 잘 알고 있습니다. 왜냐하면 그는 이 두 가지를 모두 외부에서만 관찰했기 때문입니다.” (W. Thackeray Vanity Fair. M., 1986. P. 124.).

"반낭만적 세부 사항"은 소설 전체에서 볼 수 있습니다. 예를 들어, 여주인공의 머리카락은 무슨 색인가요? 로맨틱한 기준에 따르면 레베카는 갈색 머리(“악랄한 유형”)여야 하고, 에밀리아는 금발(“금발 순진한 유형”)이어야 합니다. 사실 레베카는 황금빛 붉은 머리카락을 갖고 있고 에밀리아는 갈색 머리를 가지고 있습니다.

일반적으로 "...유명한 베키 인형은 관절의 놀라운 유연성을 보여주었고 와이어 위에서 매우 민첩한 것으로 나타났습니다. 에밀리아 인형은 훨씬 더 제한된 팬층을 확보했지만 여전히 아티스트에 의해 장식되었으며 가장 근면하게 옷을 입고..." 인형사 새커레이는 독자를 자신의 연극 무대, 즉 박람회로 안내합니다. 그곳에서 우리는 "피비린내 나는 전투, 장엄하고 장엄한 회전목마, 상류 사회 생활의 장면 등 다양한 광경을 볼 수 있습니다. 매우 겸손한 사람들의 삶, 민감한 마음을 위한 사랑 에피소드, 가벼운 장르의 만화 등 이 모든 것이 작가를 희생하여 적절한 장식으로 장식되고 촛불로 넉넉하게 조명됩니다."

인형극의 모티브.

Thackeray 자신은 자신의 책이 꼭두각시 코미디이며 인형극을 감독하는 인형극임을 반복해서 강조했습니다. 그는 동시에 이 “일상적인 허영심의 시장”에 참여하는 해설자이자 고발자입니다. 이 점은 진실의 상대성, 절대 기준의 부재를 강조합니다.

23. Vanity Fair의 피카레스크와 로맨틱 소설의 전통.

24. Rebecca Sharp와 Emilia Sedley의 대위법.

대위법 -이것은 소설이 줄거리를 번갈아 가며 나타나는 지점입니다. Thackeray의 소설에서는 서로 다른 두 계급, 사회적 환경, 말하자면 Emilia Sedley와 Rebecca Sharp를 대표하는 두여 주인공의 스토리 라인이 교차합니다. 처음부터 Rebecca와 Emilia를 비교하는 것이 좋습니다.

두 소녀 모두 Miss Pinkerton 기숙 학교의 회원이었습니다. 사실, Rebecca도 그곳에서 일하면서 아이들에게 프랑스어를 가르쳤지만 여전히 그녀와 Emilia는 어린 시절 (청소년) "고아원"을 떠난 순간에 동등하다고 간주 될 수 있습니다. Miss Emilia Sedley는 "그들이 선택하고 세련된 집단에서 적절한 위치를 차지하기에 충분한 자격을 갖춘 젊은 여성으로서 그녀의 부모에게 추천됩니다. 고귀한 영국 젊은 여성을 구별하는 모든 미덕, 그녀의 출신과 지위에 걸맞은 모든 완벽함은 친애하는 세들리 양."

반면에 레베카 샤프는 가난한 사람들의 슬픈 특성, 즉 조숙한 성숙함을 갖고 있었습니다. 그리고 물론 불쌍한 학생으로서 자비를 받지 못하고 이 세상에 홀로 남겨진 그녀의 삶은 믿음직한 뒷모습을 가진 부유한 에밀리아의 꿈과 거의 닮지 않았습니다. 그리고 Rebecca와 Miss Pinkerton의 관계는 이 쓰라린 마음 속에 자부심과 야망이라는 두 가지 감정만이 있을 자리가 있다는 것을 보여주었습니다.

그래서 한 하숙인은 온화하고 사랑이 많고 무엇보다도 부유한 부모를 기다리고 있었고, 다른 하숙인은 가정교사로 다른 사람의 가족에게 가기 전에 일주일 동안 사랑하는 에밀리아와 함께 머물도록 초대 받았습니다. 그러므로 Becky가 Emilia의 형제인 이 "뚱뚱한 멋쟁이"와 결혼하기로 결정한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

인생은 "친애하는 친구"를 분리했습니다. 한 명은 집에 있었고, 피아노 앞에 있었고, 신랑과 두 개의 새로운 인도 스카프와 함께 있었고, 다른 한 명은 부자 남편이나 후원자를 잡기 위해 "행복과 순위를 잡기 위해"라고 쓰고 싶습니다. , 부와 독립, 그리고 낡은 인디언 숄을 선물로 드립니다.

레베카 샤프는 성실한 여배우이다. 그 모습에는 연극의 이미지인 연극적 은유가 동반되는 경우가 많습니다. Becky가 자신의 기술과 발톱을 연마하는 동안 오랜 이별 후 Emilia와의 만남은 극장에서 열렸습니다. 그곳에서 "단 한 명의 댄서도 완벽한 무언극 예술을 보여주지 않았고 그녀의 장난에 필적할 수 없었습니다." 그리고 그녀의 사회 경력에서 레베카의 가장 높은 상승은 큰 무대에서 여배우의 작별 인사로서 훌륭하게 수행된 제스처에서 그녀의 역할이었고, 그 후에 그녀는 좀 더 겸손한 지방 무대에서 플레이해야 했습니다.

따라서 더 작거나 약한 사람(예: Emilia)의 경우 완전한 붕괴를 의미하는 붕괴는 Becky에게는 역할의 변화일 뿐입니다. 게다가 이미 지루해진 역할. 결국, 사회적 성공을 거두는 동안 Becky는 Steyne 경에게 자신이 지루하고 "스팽글로 덮인 양복을 입고 박람회 부스 앞에서 춤을 추는 것"이 ​​훨씬 더 재미있을 것이라고 인정합니다. 그리고 The Restless Chapter에서 그녀를 둘러싸고 있는 이 모호한 회사에서 그녀는 정말 더 많은 즐거움을 누리고 있습니다. 아마도 여기에서 그녀는 마침내 자신을 발견하고 마침내 행복할 것입니다.

Becky는 소설의 가장 강한 성격이며 인간의 감정이 한 번 나타나기 전에, 즉 인류 앞에서 포기합니다. 이기주의자인 그녀는 먼저 채권자로부터 Rawdon을 구입 한 다음 그와 그의 아들을 보호하에 데려 간 Lady Jane의 행동을 이해하지 못합니다. 그녀는 또한 흥청거리는 장교와 오만한 남편의 가면을 벗고 아들에 대한 자상한 사랑으로 얼굴을 얻은 로돈을 이해할 수 없으며, 배신당한 신뢰 속에서 그는 한 번 이상 기억하고 후회할 베키보다 우뚝 섰습니다. "그의 정직하고, 어리석고, 끊임없는 사랑과 충실함."

Becky는 전쟁에 나가기 전 Rawdon과의 작별 장면에서보기 흉해 보입니다. 이 바보는 그녀의 미래에 대해 너무나 많은 민감성과 관심을 보였고 심지어 새 유니폼까지 그녀에게 맡기고 "자신이 떠나는 여성을 위해 거의 기도하면서" 캠페인을 벌였습니다.

에밀리아에 대해 그렇게 강렬하고 흥분된 어조로 말할 수는 없을 것 같습니다. 그녀는 일종의 "시큼한"삶을 살고 있으며 항상 울고, 항상 불평하고, 더 이상 자유롭게 숨을 쉬는 방법을 모르는 남편의 팔꿈치에 매달려 있습니다.

Thackeray는 "Emilia가 아직 자신을 보여줄 것"이라고 믿었습니다. 왜냐하면 그녀는 "사랑으로 구원받을 것"이기 때문입니다. Emilia에 대한 일부 페이지, 특히 아들에 대한 사랑에 대한 일부 페이지는 눈물을 흘리는 Dickenian 방식으로 작성되었습니다. 그러나 이것은 아마도 친절, 사랑, 충성심이 가치를 잃을뿐만 아니라 그 자체로 무언가를 잃어 어색함, 약함, 편협함의 동반자가되는 Vanity Fair의 구조일 것입니다. 그리고 헛되고 헛된 이기심: 결국 "부주의한 작은 폭군이 아니었다면" 에밀리아는 누구였습니까? 종이 한 장으로 그녀의 꿈에 대한 불타오르는 '충실한' 사랑을 꺼버릴 수 있었고, 에밀리아가 그녀의 어리석은 '거위' 행복을 찾도록 도와준 사람은 바로 베키였습니다.

그리고 베키는? 어린 시절부터 그녀는 냉소적이고 뻔뻔했습니다. Thackeray는 소설 전반에 걸쳐 자신이 다른 사람보다 나쁘지도 나쁘지도 않으며 불리한 상황이 그녀를 지금의 모습으로 만들었다는 점을 끈질기게 강조합니다. 그녀의 이미지에는 부드러움이 없습니다. 그녀는 자신의 아들에 대한 사랑조차도 큰 사랑을 할 수 없는 것으로 나타났습니다. 그녀는 자신만을 사랑합니다. 그녀의 인생의 길– 과장법 및 상징: 레베카의 이미지는 소설의 전체 아이디어를 이해하는 데 도움이 됩니다. 헛되고, 그녀는 잘못된 방법으로 영광을 구하고, 결국에는 악덕과 불행에 이르게 됩니다.

25. 헤벨의 극 3부작 『니벨룽겐』과 사실주의의 『신화』의 문제.

생애말기에 괴벨은 다음과 같이 썼다. "니벨룽겐".이것은 마지막으로 완성된 주요 드라마 작품이다. 그는 5년 동안(1855년부터 1860년까지) 이 책을 썼습니다. 작가를 위해 현대적인 방식으로 번역된 유명한 중세 서사시 "니벨룽겐의 노래"는 헤벨의 전작인 라우파흐의 드라마 "니벨룽겐"의 연극 제작에 출연했던 그의 아내 크리스티나에게 헌정되었습니다. 일반적으로 이 서사시의 주제는 많은 작가들에 의해 재작업되었다고 말할 수 있습니다. Hebbel 비극의 전임자는 Delamoth Fouquet, Ulat ( "Siegfried"), Geibel ( "Kriemhild"), Raupach였으며 Hebbel 이후 Wagner는 그의 유명한 3 부작 "The Ring of the Nibelungs"를 만들었습니다.

Hebbel의 Nibelungen과 Nibelungenlied의 주요 차이점은 비극의 깊은 심리학, 더 강력한 기독교 주제,보다 현실적인 텍스트 및 새로운 모티프의 출현입니다. 새로운 동기 - 이전 서사시에서는 명확하게 볼 수 없었던 Brunhild와 Siegfried의 사랑, 비극에 새로운 캐릭터 Frigga (Brynhild의 간호사) 도입, 그리고 가장 중요한 것은 저주받은 금 신화에 대한 새로운 해석입니다. , Volker의 노래에서 들렸습니다. “아이들이 놀았습니다 – 한 사람이 다른 사람을 죽였습니다. 돌에서 금이 나왔는데, 그것이 나라들 사이에 다툼을 일으켰습니다.”

26. 1848년 혁명과 '순수예술'의 미학.

혁명은 독일, 이탈리아, 프랑스, ​​헝가리 등 많은 유럽 국가에서 일어났습니다.

루이-필리프 정부는 일련의 외교 정책 실패를 겪었고, 이로 인해 의회와 의회 외의 반대 세력이 강화되었습니다. 1845~46년에는 농작물 흉작과 식량 폭동이 일어났습니다.

1847년: 영국의 전반적인 상업 및 산업 위기의 결과. 프랑스 정부는 개혁을 원하지 않았고 일반 대중은 불만스러운 폭동을 이해했습니다. 1848년 2월 선거 개혁을 지지하는 시위가 일어났고 이는 혁명으로 이어졌다. 전복된 정당은 더 많은 반동세력으로 대체되었습니다. 두 번째 공화국(부르주아)이 탄생했습니다. 노동자들은 비무장 상태였고 노동계급에 대한 어떠한 양보에 대한 이야기도 없었습니다. 그러다가 공화국의 대통령인 나폴레옹이 쿠데타를 일으켜 프랑스(제2제국)의 황제가 되었습니다.

부르주아 혁명의 전체 과정은 혁명의 패배이자 반동세력의 승리였습니다. 혁명 이전 전통의 잔재와 사회적 관계의 결과는 사라졌습니다.

1848년 혁명은 "만세!"로 인식됩니다. 지식인. 모든 지식인이 바리케이드 위에 있습니다. 그러나 혁명은 실패하고 독재적인 쿠데타로 변질된다. 이 혁명을 추구하는 사람들이 예상했던 최악의 일이 일어났습니다. 인본주의적 미래와 진보에 대한 믿음은 혁명의 붕괴와 함께 무너졌습니다. 부르주아 저속함과 전반적인 침체의 정권이 확립되었습니다.

그 순간에는 번영과 성공의 모습을 만들어 내는 것이 필요했습니다. 이것이 순수한 예술이 나타난 방식입니다. 그 뒤에는 타락, Parnassian 그룹 (Gautier, Lisle, Baudelaire)이 있습니다.

– 순수예술이론.

범신론이 발생합니다-많은 신앙, 많은 영웅, 의견, 생각. 역사와 자연과학은 현대의 뮤즈가 됩니다. Flaubert의 범신론은 현대의 폭포입니다. 그는 사회 상태에 따른 정신의 나른함을 설명했습니다. “우리는 고통을 겪은 만큼만 가치가 있습니다.” 엠마 보바리는 시대의 상징이자 저속한 현대성의 상징이다.

27. 보들레르의 시에 나타난 사랑의 주제.

시인 보들레르 자신도 어려운 운명을 안고 있는 사람이다. 그는 가족과 헤어지고(인도의 식민지로 보내졌다가 다시 파리로 도망쳤을 때) 오랫동안 혼자 살았다. 가난하게 살았고, 글(리뷰)로 돈을 벌었습니다. 그는 시에서 여러 번 금지된 주제(역시 충격적인 주제)를 다루었습니다.

프랑스인 중 그의 스승은 Sainte-Beuve와 Théophile Gautier였습니다. 첫 번째는 그에게 시가 거부한 것, 자연 풍경, 교외의 풍경, 평범하고 거친 삶의 현상에서 아름다움을 찾는 법을 가르쳤습니다. 두 번째는 그에게 가장 천박한 재료를 시의 순금으로 바꾸는 능력, 넓고 명확하며 절제된 에너지 문구로 가득 찬 능력, 모든 다양한 어조, 풍부한 비전을 만드는 능력을 부여했습니다.

쿠데타와 혁명은 보들레르의 많은 이상주의적 사고를 약화시켰다.

시인의 삶의 위치는 충격적입니다. 공식적인 것을 끊임없이 거부합니다. 그는 인간의 진보에 관한 생각을 공유하지 않았습니다.

그의 작품에서 사랑이라는 주제는 매우 복잡하다. 이는 다양한 시인들이 이 주제에 대해 이전에 설정한 어떤 틀에도 맞지 않습니다. 이것은 특별한 사랑입니다. 오히려 여성에 대한 사랑보다 자연에 대한 사랑이 더 큽니다. 끝없는 넓이, 그, 바다의 끝없는 거리에 대한 사랑의 동기가 자주 들립니다.

보들레르의 뮤즈는 그의 영혼과 마찬가지로 아프다. 보들레르는 일상 언어로 세상의 천박함에 대해 이야기했습니다. 오히려 싫었다.

그의 아름다움조차도 끔찍합니다. "아름다움에 대한 찬송가"입니다.

그의 주요 주제는 비관주의, 회의주의, 냉소주의, 부패, 죽음, 붕괴된 이상이었다.

"당신은 온 세상을 당신의 침대로 끌어들일 것입니다, 오 여자, 오 생물, 당신은 지루함으로 인해 얼마나 사악한가!" 샀습니다 – 내 소원은 날아갔습니다.

이것이 그의 사랑에 대한 이해이다.

28. 보들레르의 『악의 꽃』에는 반란을 주제로 한 작품이 있다.

1857년에 『악의 꽃』 컬렉션이 출판되었습니다. 이 책은 많은 부정적인 반응을 불러일으켰고, 이 책은 부르주아 프랑스에서 비난을 받았고 받아들여지지 않았습니다. 법원은 “무례하고 공격적인 현실주의”라고 판결했다. 그 이후로 보들레르는 '저주받은 시인'이 되었다.

이번 컬렉션의 반란이라는 주제는 매우 강렬합니다. "반란"또는 "반란"이라는 별도의 부분도 있습니다. 여기에는 "가인과 아벨", "성 베드로의 부인", "사탄에 대한 기도"(O, 천국을 다스리는 세력 중 최고, 운명에 불쾌감을 느끼고 칭찬이 부족함)의 세 시가 포함되어 있습니다. 이주기에서 시인의 반항적이고 반 교회적인 경향이 가장 분명하게 드러났습니다. 그는 사탄과 그리스도를 버리고 그 일을 잘하는 성 베드로를 찬양합니다. 소네트 "가인과 아벨"은 매우 중요합니다. 아벨의 종족은 억압받는 종족이고, 가인의 종족은 억압하는 종족입니다. 그리고 Baudelaire는 Cain의 종족을 숭배합니다. "지옥에서 일어나 전능자를 하늘에서 던져라!"). 그는 본질적으로 무정부주의자였습니다.

그는 하나님을 인류의 고통을 충분히 감당할 수 없는 피비린내 나는 폭군으로 묘사했습니다. 보들레르에게 신은 끔찍한 고통 속에서 죽는 인간이다.

그의 반란은 이뿐만이 아니다. 지루함의 반란은 보들레르의 반란이기도 하다. 그의 모든 시에는 그가 비장이라고 불렀던 낙담과 참을 수 없는 지루함의 분위기가 있습니다. 이 지루함은 끝없는 저속함의 세계에 의해 만들어졌고, 보들레르는 이에 정확하게 반항합니다.

보들레르의 길은 고통스러운 성찰의 길이다. 그의 부정을 통해 그는 시가 한 번도 다루지 않은 문제인 현실에 돌파합니다.

그의 '파리 회화'주기도 일종의 반항이다. 그는 여기서 도시 빈민가, 평범한 사람들, 술 취한 쓰레기 수거꾼, 빨간 머리 거지 여성을 설명합니다. 그는 이 작은 사람들을 불쌍히 여기지 않습니다. 그는 그들을 자신과 동등하게 여기며 불평등한 현실에 반항한다.

29. Edmond와 Jules Goncourt의 소설에 나오는 Germinie 이야기의 사회적 배경.

소설 "Germinie Lacerte"의 서문에서 저자는 독자에게 즉시 다음과 같이 경고했습니다. “이 소설은 사실입니다. 이 책은 거리에서 우리에게 왔습니다. 독자가 여기에서 보는 것은 뚜렷하고 순수합니다. 우리는 사랑에 대한 임상 분석을 제공합니다."

문학에서는 공쿠르 형제가 한 명의 작가입니다. Edmond는 아이디어와 책의 주요 라인을 개발하는 데 더 강했고 Jules는 개별 세부 사항을 찾는 데 더 강했습니다.

그들의 이론은 다음과 같습니다. “역사는 존재했던 소설이고, 소설은 존재할 수 있었던 역사입니다.” 그러므로 로맨스는 그들의 삶의 일이었습니다. 그들에게 소설의 미학은 객관적인 사실에 의해 검증된 삶의 진실을 반영하는 것이다.

Germinie의 이미지를 생성하기 위한 전제 조건:

오랜 투병 끝에 공쿠르의 하녀 로즈는 1864년에 사망했습니다. 그들은 진심으로 그녀를 슬퍼했습니다. 그녀는 그들에게 매우 헌신적이었지만 죽은 후 이중 생활을 했다는 것이 밝혀졌습니다. 그녀는 많은 연애를 했고 비밀리에 방탕과 술취함에 빠졌습니다.

여주인 Germinie의 이미지를 위해 프로토타입은 Goncourt 이모였습니다.

소설의 사회적 배경:

소설은 다큐멘터리의 진정성을 유지했습니다. 줄거리뿐만 아니라 공쿠르 부부는 소설에 묘사된 환경을 "현장에서" 연구하고 파리 외곽을 몇 시간 동안 돌아다니며 민속 무도회, 유제품 상점, 가난한 사람들을 위한 묘지를 방문했습니다. 경전차 Jupillon, 가게 주인 어머니, 매춘부 Adele, 화가 Gautryush가 실제에서 복사되었습니다.

제르미니:비인간적인 사회에 목이 졸린 '작은 남자'. 그녀의 슬픈 운명은 사회 생활의 어려움에 대해 이야기했습니다. 소설은 공식적인 낙관주의에 타격을 입히고 대중의 양심을 자극했습니다.

Germinie의 이야기:

저미니-완전한 쇠퇴, 완전한 무의미함 및 빈곤 상태에서 노파 de Varandeil의 봉사에 들어간 하인 (그녀의 자매는 그녀를 모욕하고 화를 냈고 그녀는 후원자 Joseph에게 강간 당하고 임신했습니다. 그녀의 자매는 이것 때문에 그녀를 때렸습니다. . 그녀는 구타로 사산아를 낳았습니다. 그녀 자신도 살이 빠지고, 병들고, 서서히 배고픔으로 죽어가고 있었습니다. 자매 중 한 명이 그녀를 이 상태에서 마담 드 바랑데유와 함께 살도록 주선했습니다. 그곳에서 그녀는 만족하며 살기 시작했습니다. , 요염한 여자가 되었고, 더러운 일에 연루되었고, 가게 주인의 아들인 주피용을 만났습니다. 사랑. 남자의 사랑은 단지 호기심과 천박한 아이러니와 정욕을 만족시키기 위한 수단이었기 때문에 그들은 딸을 낳았고 마담에게 숨겼습니다. . 곧 소녀는 죽고 Germinie는 완전히 미쳐버렸습니다. 그녀는 배신자 Jupillon을 위해 돈을 훔쳐서 술을 마시기 시작했고, 뇌가 둔해졌고, 마담에게서 물건을 훔치기 시작했습니다. 매일 그녀는 점점 더 황폐해졌습니다. 집은 끊임없이 혼란에 빠졌습니다. , Germinie는 아무것도하지 않았고 Madame은 그녀를 불쌍히 여겼습니다 마지막 희망은 파티에서 만난 Gotrush였습니다 (그녀는 Adele과 함께갔습니다). 그는 쾌활한 사람이었습니다. 그들은 함께 살기 시작했지만 그녀의 절도에 대한 소문이 퍼지기 시작했습니다. 그녀는 자살에 대해 생각하기 시작했고 Gotrbsh에게 이익을 위해서만 그를 사랑한다고 인정했습니다. 그는 그녀를 쫓아 냈습니다. 그녀는 결국 길거리에 나섰습니다. 기분이 나빠지기 시작했어요. 그녀는 41세였습니다. 그녀는 Mme의 품에 안겨 천천히 죽었습니다. 그녀가 죽기 전에 그녀의 빚(과일상, 식료품점, 세탁소)이 그녀에게서 돈을 뽑아내기 위해 병원으로 왔습니다.

곧 그 부인은 진실을 알게 되었습니다. 문지기는 그녀에게 개, 술 취함, 아이 Jupillon, Gautrushe에 관한 모든 것을 말했습니다. 부인은 묘지에 갔지만 그곳에서는 조약돌도, 묘표도 찾지 못했습니다. 그녀는 십자가 없이 묻혔습니다.

마지막에는 " 마치 운명이 그녀의 마음이 땅에 있는 것처럼 고통받는 사람의 몸이 노숙자처럼 지하에 남아 있기를 바라는 것처럼 그녀를 위해 무작위로 기도하는 것이 가능했습니다. ».

30. 플로베르와 공쿠르 형제의 소설에 등장하는 인상파 풍경.

Flaubert의 소설 Madame Bovary와 Goncourts에서는 자연에 대한 호소가 자주 사용됩니다. Flaubert는 자연을 영원한 지혜로 여겼고 때로는 그 안에서 질문에 대한 답을 찾았습니다.

당시 인상주의가 일반적으로 유행했기 때문에 Flaubert는 그것을 매우 좋아했으며 소설 Madame Bovary와 Sentimental Education에서 자신의 풍경을 묘사하기 위해 많은 아이디어를 얻었습니다. 그는 그 시대의 예술가들처럼 흐릿한 색상으로 다채로운 캔버스를 그렸습니다.

"마담 보바리":인상주의적인 풍경이 세 번 명확하게 매우 명확하게 표현됩니다. Charles와 Emma가 Yonville에 도착했을 때 처음 발생했습니다. 초원은 목초지와 함께 하나의 스트립으로 합쳐지고, 밀의 황금빛 귀는 녹지, 숲 및 절벽의 나무 그늘 아래에서 흐려집니다. 길고 고르지 않은 빨간색 선으로 긁혔습니다. 비의 흔적입니다. 풍경은 활기차고 생동감 넘치는 색상으로 묘사되며, 이는 Emma가 자신의 영혼 속에 미래에 대한 새로운 희망을 품는 동안 줄거리에 활력을 불어넣는 역할을 합니다.

인상주의적인 풍경이 두 번째로 생생하게 묘사되는 것은 Emma가 수도원에서 보낸 어린 시절을 기억할 때, 그곳에서 얼마나 고요하고 평화로웠는지 느꼈던 때입니다. 풍경은 조화로우며(저녁 안개, 보라색 안개, 나뭇가지에 걸려 있는 얇은 베일) 부드러운 색상으로 묘사되어 먼 과거로 데려갈 수 있습니다.

세 번째는 Emma가 Rodolphe와 함께 밤에 서 있을 때인데, Emma가 그녀와 함께 가지 않기로 결정했을 때 그는 이 부담을 지고 싶지 않습니다. 진홍색 달, 은빛 하늘의 반사, 폭풍을 예고하는 조용한 밤.

"감정교육": 프레데릭 모로가 연인과 함께 파리 근처 퐁텐블로 성에서 산책하는 모습을 묘사한 것입니다. 플로베르는 성의 꽃과 아름다움을 다채롭게 묘사하면서 자세한 설명을 해준다.

Frederic이 Nogent를 방문한 후 처음으로 파리로 돌아오는 순간(그의 삼촌이 그에게 유산을 남겼다는 사실을 알게 되었을 때) 파리 뒷마당의 인상적인 아침 풍경이 있습니다. 홈 라인의 벌거벗은 정면, 파이프, 안개.

그런 다음 그는 Captain Rosanette의 가장 무도회에 대해 설명합니다. 모든 것이 밝고 마스크가 빛나고 한 지점으로 합쳐집니다.

Férédéric이 Nogent를 두 번째로 방문했을 때 Louise Rocque와 함께 산책할 때 정원에는 인상적인 색상의 나무와 꽃이 표시됩니다. 그들의 설명이 이 색상들 위에 겹쳐지고 모든 것이 생생하고 밝고 따뜻한 빛을 냅니다.

소설 속 공쿠르 형제 '제르미니 라세르트' Germinie의 전 생애는 인상주의적인 풍경으로 제시됩니다. 모두 흐릿하고 불안정하며 어둡고 밝은 기간이 산재되어 있습니다.

Germinie가 남편 Jupillon과 함께한 첫 봄 산책의 풍경은 매우 아름답게 묘사되어 있습니다. 첫 번째 봄 햇살이 비치는 밝은 하늘, 마치 초원으로 열린 문에서 마치 마치 초원으로 이어지는 것처럼 하늘은 공간과 자유를 물씬 풍깁니다. 늦은 오후 안개 속에 반짝이는 들판. 모든 것이 태양의 먼지 속에 떠다니는 것처럼 보였고, 일몰이 되면 녹지가 어두운 톤으로 변하고 집들이 분홍빛으로 변했습니다. 산책이 끝날 무렵 하늘은 위쪽은 회색, 가운데는 파란색, 아래쪽은 분홍색이었습니다. 모네의 그림이 완성되었습니다. Germinie는 풍경을 감상하기 위해 다시 언덕 위에 서달라고 요청했습니다. 이것은 그녀의 아름답고 열린 영혼을 말해줍니다.

Germinie가 친구 Adele과 함께 가고있는 도시 외곽의 공도 인상적인 색상으로 묘사됩니다. 밝은 스커트와 섞인 화이트 칼라 플래시, 이 모든 소용돌이와 반짝임이 하나의 아름다운 색상의 캔버스로 변합니다.

31. 발자크의 작품에 나타난 긍정적인 영웅의 문제.

32. Dickens의 The Posthumous Papers of the Pickwick Club에 등장하는 풍자와 기괴함.

33. 플로베르의 소설 『감성교육』에 나타난 역사심리학.

34. Charles Leconte de Lisle의 가사.

르콘트 드 리슬(1818-1894)

젊었을 때 Lisle은 공화당의 열정으로 불타올랐습니다. 그는 잡지 "Variety"를 편집하여 푸리에주의에 관한 책을 홍보했습니다. 나는 파리의 혁명 중심지 중 한 곳에 도착했습니다. 프랑스 최고의 호머 오디세이 번역가.

1845~50년대: Lisle의 세계관과 창의성이 형성되는 결정적인 시기입니다. (유토피아적 사회주의에 대한 열정, 코뮌의 원인에 대한 오해).

시 주제:민족, 종교, 문명의 폭력적인 충돌; 낡은 세계가 멸망하고 새로운 세계가 탄생하는 혁명. 그는 부르주아 문명과 그 종교의 야만성에 깊은 혐오감을 느꼈습니다. 그는 항상 그의 이미지의 웅장함으로 구별되었습니다. 그의시는 사려 깊고, 경쾌하고, 명확하고, 정확하고, 측정됩니다. 그는 인류가 쇠퇴하고 있으며 인류 역사가 곧 종말을 맞이할 것이라고 믿었습니다. 그래서 그는 동물의 세계(시에서 가장 유명한 동물학자)로 들어갔다. 이것은 그가 현실을 벗어나 다른 세계로 가고 있다는 것을 의미했습니다. 현대를 위한 유일한 시: “돈 속에서 헤엄치다 죽게 놔두세요.”

그는 "Ancient Poems"(1852), "Barbarian Poems"(1862), "Tragic Poems"(1884) 및 "Last Poems"(1895) 등 4개의 대규모 컬렉션을 출판했습니다.

"고대 미술":

시인에게 Hellas는 미래의 사회적 유토피아입니다. 이것은 사회적 조화의 나라입니다. 그리스인들은 국가나 교회에 의해 억압되지 않습니다. 그들의 자유로운 노동은 높은 미적 문화와 결합됩니다.

시 "팔랑크스":진정한 아름다움은 이상과 삶, 하늘과 변화된 땅을 연결하는 이념입니다. 우리는 앞으로 나아가 조화와 아름다움의 보편적인 왕국을 추구해야 합니다.

아이디어: 혁명, 가톨릭 교회의 계시.

제2제정의 억압적인 상황은 컬렉션에 영향을 미쳤습니다. 이는 유토피아적 결론을 보다 제한된 결론으로 ​​변경했습니다. 이 책의 주요 반부르주아적 태도는 가려져 있었다. 이 책은 동시대 사람들에게 "순수 예술 선언문"으로 인식되었습니다.

"야만인":

이 컬렉션은 19세기 중반 프랑스 비난 문학의 전형입니다. !그 시대의 야만성을 폭로합니다: Lisle은 전쟁의 야만성과 탐욕, 즉 사랑을 갈라놓는 금에 대한 무자비한 탐욕을 처형합니다. 그는 "보라색 옷을 입은 짐승"이라는 천주교를 처형합니다.

무성한 열대 자연과 육식 동물의 힘을 묘사합니다.

"재규어":저녁 열대 우림의 사진은 움직이지 않고 숨어 있는 포식자에 대한 묘사로 이어집니다. 가장자리를 헤매던 황소가 두려움에 얼어붙습니다. 재규어와 황소의 격렬한 싸움을 묘사한 작품입니다. 재규어가 승자입니다.

"카인":반항적인 시. 그는 몬스터들의 위협과 저주로 영원한 잠에서 깨어났다. 우울한 가인은 독백을 선언합니다. 이는 하나님에 대한 비난과 하나님에 대한 사람들의 불가피한 승리에 대한 예측입니다.

"비극적"과 "마지막":

수사학과 형식주의의 손길.

시적 힘 - 반종교적인 구절에서( "보라색의 야수")

"번제": 광장 중앙에 화형에 처해가는 인문주의자의 교회 학살 장면이 생생하고 격렬하게 재현되어 있습니다.

"교황님의 주장": 교황이 자신에게 나타난 "목수의 아들"이신 그리스도를 어떻게 오만한 경멸로 거부하고 쫓아냈는지에 대한 이야기("카라마조프 형제의 대심문관의 전설").

"비극적인 시"선하고 비극적인 이유는 투쟁에 대한 명확한 관점을 잃은 시인이 증오받는 질서를 받아들여야 한다고 느꼈지만 실제로는 극복할 수 없는 것처럼 보였기 때문입니다.

비극의 기초는 증오받는 부르주아 질서와의 강제 화해이다.

35. 발자크의 소설 “Père Goriot”에서 갈등을 다룬 드라마.

소설의 주요 갈등은 고리옷 신부와 그의 딸들의 이야기에 있습니다. 파파 고리옷- '휴먼코미디'의 한 기둥. 그는 빵 상인이자 전 파스타 제조업자였습니다. 그는 평생 동안 딸들에 대한 사랑만을 이어갔습니다. 그래서 그는 딸들에게 모든 돈을 썼고 딸들은 그것을 이용했습니다. 그래서 그는 파산했습니다. 이것은 펠릭스 그란데(Felix Grande)와 정반대이다. 그는 그들에게 자신에 대한 사랑만을 요구합니다. 왜냐하면 그는 그들에게 모든 것을 줄 준비가되어 있기 때문입니다. 그의 생애 말기에 그는 공식을 내놓았습니다. 모든 사람, 심지어 그의 딸까지도 돈을줍니다.

안에 "페레 고리오"작은 캐릭터인 Rastignac이 있습니다. 여기서 그는 여전히 선함을 믿고 그의 순수함을 자랑스럽게 생각합니다. 내 삶은 “백합처럼 순수”합니다. 그는 고귀한 귀족 출신이며 경력을 쌓고 로스쿨에 등록하기 위해 파리로 왔습니다. 그는 마지막 돈을 가지고 Vake 부인의 하숙집에 살고 있습니다. 그는 Viscountess de Beauseant의 살롱을 이용할 수 있습니다. 사회적 지위로 보면 그는 가난하다. Rastignac의 삶의 경험은 두 세계(죄수 Vautrin과 Viscountess)의 충돌로 구성됩니다. Rastignac은 범죄가 사소한 귀족 사회에 대한 Vautrin과 그의 견해를 고려합니다. “아무도 정직이 필요하지 않습니다.”라고 Vautrin은 말합니다. "추울 것이라고 예상할수록 더 멀리 갈 것입니다." 그 당시에는 중간 위치가 일반적이었습니다. 그는 마지막 돈으로 가난한 고리옷의 장례식을 준비한다.

그는 곧 자신의 상황이 나쁘고 아무데도 이르지 못할 것이며 정직을 희생하고 자존심을 침뱉고 비열한 행동을 취해야 한다는 것을 깨닫습니다.

“Père Goriot”의 통일성: 소설은 하나의 크로노토프로 연결됩니다. 세 줄거리(Goriot의 아버지-딸, Rastignac, Vautrin)는 모두 Vake 어머니의 하숙집으로 연결되어 있습니다. Rastignac은 사회와 화폐 관계의 알칼리성에 관한 리트머스 테스트입니다.

Goriot 신부에게는 두 딸(Delphine과 Anastasi)이 있습니다. 7월 군주제 기간 동안 귀족들은 기꺼이 부르주아지 소녀들과 결혼했습니다(그들은 성공적으로 결혼했습니다). 그러나 고리오 신부는 이내 환멸을 느끼고 이 두 집에서 쫓겨나 파리 외곽의 바케 하숙집에 살게 된다. 점차적으로 그의 딸들은 그에게서 그의 모든 부를 추출하고 (그들은 모든 지참금을 남편에게주고 더 많은 것을 요구합니다) 그는 가장 비싼 방에서 최악의 방으로 하숙집으로 이사합니다.
Rastignac과의 음모: Mephistopheles Vautrin은 그에게 부자가 될 수 있는 방법을 가르치고 보여줍니다. 전능한 은행가의 딸인 어린 소녀 Victorine이 하숙집에 살고 있습니다. 그런데 그 은행가에게는 전 재산을 주고 싶은 아들이 있었습니다. Vautrin은 Rastignac에게 조합을 제안합니다. Victorine과 결혼한 다음 은행가의 아들에게 결투에 도전하여 그를 죽이는 것입니다. 그 돈은 딸이 다 받을 거예요. 그러나 Rastignac은 또 다른 부유한 백작부인(Delphine de Nucingen)의 연인이 됩니다.

고리옷은 아버지로서의 느낌이 과장되어 있습니다. 그는 방종함으로 딸들을 타락시켰습니다. 드라마투르기: 줄거리는 여러 줄로 구성됩니다. 먼저 넓은 박람회(하숙집)가 있고, 그 다음에는 사건이 빠른 속도로 진행되고, 충돌이 갈등으로 발전하고, 갈등이 화해할 수 없는 모순을 드러내고, 이는 재앙으로 이어집니다.

보트린은 고용된 살인자의 도움을 받아 빅토린 타이유페르(Victorine Taillefer)의 살인을 주선한 경찰에 의해 폭로되고 체포됩니다. Anastasi Resto는 상류층 해적 Maxime de Tray에 의해 강탈당하고 버려졌습니다. 고리옷이 죽고 하숙집은 텅 비게 된다. 이것이 소설의 드라마이다.

36. 사실주의의 새로운 단계(50년대, 60년대)와 문학적 영웅의 문제.

이 시기에는 근본적으로 새로운 심리학으로 서유럽의 사실주의 소설이 풍성해졌습니다.

이 시대의 현실주의는 완전성에 도달했습니다.

남자 자신을 확인하고 낭만적인 영웅의 정체를 폭로하는 것이 필요했습니다.

50년대, 60년대 - 실증주의 철학의 발전(이 철학은 작가들이 현대 과학 지식에 의존하도록 요구했습니다). 따라서 비범한 성격(로맨틱)이라는 개념이 거짓임이 드러났습니다.

Flaubert의 감상 교육은 낭만적인 개념 전체를 폭로하는 것입니다. 프랑스어 번역: "EducationSentimentale" - 감각적인 교육.

발자크, 디킨스, 스탕달은 모두 도덕을 묘사할 때 배경 묘사에 큰 관심을 기울였습니다. 도덕에 대한 폭넓은 그림. Dickens는 주로 영웅을 스케치한 반면, Stendhal과 Balzac은 열정(폭력적인 열정)을 묘사했습니다.

플로베르의 작품은 전환점이다. 그의 심리학은 이후의 모든 문학의 뿌리를 제공했습니다. 플로베르는 일상적인 성격의 모호함에 대한 예술적 문제를 제기합니다. 우리는 Emma Bovary가 누구인지, 즉 괜찮은 반역자인지 아니면 평범한 간음녀인지에 대한 질문에 답할 수 없습니다. 문학 최초로 비영웅적 영웅(보바리)이 등장한다.

성숙한 새커리의 미학은 비영웅적인 성격을 묘사하는 성숙한 사실주의의 기초입니다. 영어 교육자들은 평범한 사람들의 삶에서 숭고함과 기반을 모두 찾습니다. Thackeray 풍자의 대상은 소위 범죄 소설 (시간 엄수)입니다. 캐릭터의 영웅화 방법. 순수하고 긍정적인 영웅이 없듯이 세상에 순수한 악당도 없습니다. Thackeray는 일상생활의 깊은 인간 존엄성을 설명합니다.

클라이맥스는 없습니다(소설에 내재되어 있습니다). 이제 색상 그림자가 있습니다. "화장대".

현실주의의 단순한 남자.

낭만주의는 언제나 인간을 과장했지만 현실주의는 이러한 과장을 받아들이지도 부정하지도 않았다. 현실주의에서는 영웅의 신격화가 부정된다. 그는 적응된 사람의 이미지를 위해 노력합니다. 깊은 열정의 상실은 이미지의 완전성을 상실하는 것이 아니라 인간 성격의 완전성을 확인하는 것입니다.

심리 소설은 놀라움과 규칙성의 조합입니다.

50년대와 60년대 - 사실주의 소설의 유도심리학(Flaubert, Thackeray).

주요 특징:

주인공의 예상치 못한 행동

성격의 자기 개발, 다양한 동기 부여에 대한 설치.

독자에게 자신의 의견을 강요하는 교훈을 거부합니다. 도덕성에서가 아닙니다!

절정에 대한 설명을 행동과 사실에 대한 설명으로 대체합니다.

열정의 폭풍 - 간단한 대화에서

풍경에 대한 설명은 영웅의 내부 독백을 대체합니다.

캐릭터의 음성 특성이 변경됩니다. 항상 자신이 생각하는 것을 말하는 것은 아닙니다. SUBTEXT(생각의 간접 표현)가 도입되었습니다.

가장 비극적인 장면은 가장 간단한 문구로 표현됩니다.

내면 세계에 대한 관심이 정점에 있습니다. 성격은 저절로 발달합니다.

37. 발자크의 잃어버린 환상에 등장하는 데이비드 세차드(David Séchard)의 이미지.

Balzac 작업의 파토스는 창의적인 작업, 인간의 창의적인 활동에 대한 그의 영광입니다.부르주아 사회를 관찰하면서 발자크는 이 사회에서는 창의성이 불가능하다는 것을 인정해야 했습니다. 창조를 원하는 사람은 이것을 할 수 없습니다. Nucingen, Rastignac, Grande와 같은 포식자, 상어만이 활동합니다. 또 부르주아 사회에서는 진정한 창의성이 불가능합니다. 이것이 부르주아 세계에 반대하는 발자크의 가장 강력한 주장이다.

여러 영웅의 예를 사용하여 Balzac은 창의적인 활동에 헌신하려는 사람의 욕구가 종종 어떤 비극적 결과로 이어지는지 보여줍니다. 이 시리즈의 영웅 중 하나는 소설 "U. 그리고.". D에게 헌정된 소설의 세 번째 부분은 "발명가의 슬픔"이라고 불립니다. D. 발명 새로운 길생산에 혁명을 일으켜 비용을 크게 절감하는 종이 가공. D. 그는 자신의 일에 열정적으로 헌신하지만, 즉시 많은 사람들이 그에게 반항한다. 같은 도시에 있는 인쇄소 주인인 쿠엔트 형제는 데이비드가 일하는 것을 막기 위해 온갖 노력을 다합니다. 적극적이고 활력이 넘치는 사람이자 진지한 발견을 한 과학자인 Seshar는 이를 거부하고 자신의 발명품을 팔아야 합니다. 그의 끓어오르는 에너지는 소용이 없습니다. 그는 자신의 부동산에 정착하고 지방 세입자가 됩니다. 창의성을 위해 노력하는 사람은 활동하지 않을 운명에 처해 있습니다. 이것이 이 예에서 Balzac이 주장하는 것입니다.

D.의 시적 성격은 돈에 대한 무관심, 그가 소유한 인쇄소의 산문적인 업무에 대한 무관심, 그리고 Eve에 대한 열정적인 사랑에서 나타났습니다.

38. 사실주의 미학의 형성에 있어서 교육이념의 역할.

계몽주의 시대는 영국 사실주의 소설(그리고 이후 프랑스 사실주의)의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

빅토리아 시대의 교훈주의와 도덕적 범주

풍자적 비난 방향(도덕적이고 묘사적인 풍자 그림의 전통).

기독교와 봉건 사회주의자들 사이에는 극심한 이념적 투쟁이 있었습니다(그리고 계몽주의 시대에도 있었습니다).

현실주의자들은 계몽주의 리얼리즘의 반봉건적, 사회 비판적 경향과 그 미묘한 심리적 기술을 채택했습니다(로렌스 스턴).

계몽주의 시대부터 현실주의자들은 인간 정신의 인지력에 대한 믿음을 받아들였습니다. 현실주의자들을 계몽자들에게 더 가깝게 만드는 것은 예술의 교육적, 시민적 사명을 확인하는 것입니다.
현실 자체의 형태로 현실을 묘사하는 것이 교육 현실주의자의 원칙입니다.

그의 영웅을 묘사하는 스탕달은 주로 예술이 본질적으로 사회적이며 사회적 목적에 봉사한다고 주장한 계몽주의에서 비롯되었습니다.

팜플렛에서 " 라신과 셰익스피어"(1825) 그는 자신의 영웅을 말의 아름다움보다 생각을 추구하는 혁명의 아이들과 일치시키려고 노력했다고 말합니다.

영웅은 스탕달의 미적 관점에서 특별한 위치를 차지했으며 주요 위치는 인간 문제가 차지했습니다. 계몽주의와 마찬가지로 스탕달은 사람이 자신에게 내재된 모든 능력을 조화롭게 발전시켜야 한다는 생각을 확증합니다. 그러나 사람으로서 발전하면서 그는 고국과 국가의 이익을 위해 자신의 강점과 능력을 지휘해야합니다.

능력 좋은 느낌, 영웅주의에-이것은 본격적인 성격을 결정하는 품질입니다. 여기서 스탕달은 디드로(계몽자)의 사상을 따른다.

라신과 셰익스피어의 논문에서 가장 큰 논쟁은 마음을 떨리게 하기 위해 장소와 시간의 두 통일성을 관찰하는 것이 가능한지 여부입니다. 학자와 낭만주의 사이의 분쟁 (시청자는 현자가 아니더라도 장소, 시간, 행동의 제한에 관심이 없습니다). 만화의 두 가지 조건은 명확성과 놀라움입니다(만화는 음악과 같습니다. 그 아름다움은 오래 가지 않습니다).

3장 낭만주의란 무엇인가? 낭만주의는 사람들의 관습과 신념의 현재 상태를 고려하여 사람들에게 가장 큰 즐거움을 줄 수 있는 문학 작품을 제공하는 기술입니다.

Stendhal의 로맨틱 영웅인 Fabrizio Del Dongo, Julien Sorel 및 Gina는 영웅적이고 열정적이지만 일상적인 의미에서 그렇습니다. 그들은 일반 사람들과 가깝고 같은 조건에서 살고 있습니다.

39. 플로베르의 소설 『보바리 부인』에 나타난 낭만적인 꿈과 현실의 대립.

플로베르는 1851년부터 56년까지 보바리 부인을 썼습니다.

Emma는 그 당시 보통 부유한 소녀들이 자라던 수녀원에서 자랐습니다. 그녀는 소설 읽기에 중독되었습니다. 이상적인 영웅이 등장하는 로맨틱 소설이었습니다. 그러한 문헌을 읽은 후 Emma는 자신이 이 소설 중 하나의 여주인공이라고 상상했습니다. 그녀는 멋진 세상을 대표하는 멋진 사람과 함께 행복한 삶을 상상했습니다. 그녀의 꿈 중 하나가 이루어졌습니다. 이미 결혼한 그녀는 보비에사르 후작과 함께 성에서 무도회에 갔습니다. 그녀는 남은 생애 동안 생생한 인상을 받았고, 그녀는 그것을 끊임없이 즐겁게 회상했습니다. (그녀는 우연히 남편을 만났습니다. 의사 Charles Bovary가 Emma의 아버지인 Papa Rouault를 치료하러 왔습니다).

Emma의 실제 생활은 그녀의 꿈과는 완전히 거리가 멀습니다.

이미 결혼식 후 첫날, 그녀는 자신이 꿈꾸던 모든 일이 일어나지 않는다는 것을 알게되었습니다. 그녀 앞에는 비참한 삶이 있습니다. 그러나 처음에 그녀는 찰스가 자신을 사랑하고, 그가 예민하고 온화하며, 뭔가 변화해야 한다는 꿈을 계속 꾸었습니다. 그러나 그녀의 남편은 지루하고 흥미롭지 않았고 연극에 관심이 없었으며 아내에게 열정을 불러 일으키지 않았습니다. 그는 천천히 Emma를 짜증나게 하기 시작했습니다. 그녀는 상황을 바꾸는 것을 좋아했습니다(새로운 장소(수도원, Toast, Vaubiesard, Yonville)에서 네 번째로 잠자리에 들었을 때 그녀는 인생의 새로운 시대가 시작되고 있다고 생각했습니다. 그들이 Yonville에 도착했을 때(홈) , Leray, Leon - 공증인의 조수 - Emma의 연인) 기분이 나아졌고 새로운 것을 찾고 있었지만 모든 것이 빨리 지루한 일상으로 바뀌 었습니다 Leon은 추가 교육을 받기 위해 파리로 갔고 Emma는 다시 절망에 빠졌습니다. 그녀의 유일한 기쁨은 Leray에서 직물을 쇼핑하는 것이었습니다. 그녀의 연인들(Leon, Rodolphe, 34세, 지주)은 저속하고 기만적이었고 그들 중 누구도 그녀의 책에 나오는 낭만적인 영웅들과 공통점이 없었습니다. Rodolphe는 그의 옷을 찾고 있었습니다. 자신의 이익을 찾지 못했지만 그는 평범합니다. 보바리 부인과의 대화는 농업 전시회에서 특징적입니다. 대화는 분뇨(높음과 낮음의 혼합)에 대한 전시회 주최자의 풍자적으로 묘사된 외침과 문구를 통해 혼합됩니다. .Emma는 Rodolphe와 함께 떠나고 싶어하지만 결국 그 자신은 부담을지고 싶지 않습니다 (그녀와 아이-Bertha ).

남편에 대한 엠마의 마지막 인내심은 그가 아픈 신랑을 (발로) 수술하기로 결정하여 그가 훌륭한 의사임을 증명하면서 사라지지만 신랑은 괴저에 걸리고 사망합니다. Emma는 Charles가 아무 쓸모가 없다는 것을 깨닫습니다.

Rouen에서 Emma는 Leon을 만납니다 (그녀는 질병 후 남편과 함께 극장에 갑니다 – 43일). 그와 함께 즐거운 며칠을 보냈습니다.

이 지루한 삶의 산문에서 벗어나고 싶은 욕망은 그녀를 점점 더 끌어당긴다는 사실로 이어집니다. Emma는 대금업자 Leray와 함께 큰 빚을지게됩니다. 이제 모든 생명은 속임수에 달려 있습니다. 그녀는 남편을 속이고, 연인들은 그녀를 속인다. 그녀는 필요하지 않은데도 거짓말을 하기 시작합니다. 점점 더 혼란스러워지고 바닥으로 가라앉습니다. 그녀는 자살합니다(비소 중독). 플로베르가 자신의 죽음을 길고 고통스럽다고 묘사한 것은 우연이 아닙니다. 엠마의 죽음에 대한 그림은 그녀의여 주인공에 대한 작가의 쓰라린 아이러니로 인식됩니다. 그녀는 소설에서여 주인공의 시적 죽음에 대해 많은 것을 읽었지만 그녀의 죽음은 너무 역겨웠습니다.

Emma는 아름다운 사랑의 꿈이 현실이 될 수 있고 이루어질 수 있다고 믿었지만 삶은 그녀를 심각하게 실망시켰습니다. 이것이 그녀의 비극이다.

따라서 플로베르의 소설은 낭만주의에 대한 숨겨진 논쟁이 됩니다.

가장 중요한 것: 낭만적인 꿈의 위기: 여주인공의 꿈의 무의미함(그녀의 꿈은 저속합니다: 반짝이는 쪽모이 세공 마루 바닥, 거울 살롱, 아름다운 드레스에 관한 것). 소설의 비극은 플로베르가 현실에서 자신이 드러낸 꿈에 저항할 수 있는 어떤 것도 발견하지 못한다는 점이다. 그는 현대 상황에서 이 꿈이 얼마나 우스꽝스럽고, 지지할 수 없고, 공허한 것인지 보여줍니다.

40. 스탕달의 "결정화" 이론.

결정화 이론은 스탕달의 논문 "사랑에 관하여"(1822)에 등장합니다. 이 책은 인간의 감정 중 가장 연약하고 이해하기 어려운 감정에 대해 이야기합니다. 정서적 경험에 대한 매우 명확한 분석. 그는 여기에서 두 연인의 매력을 결정화하기 위한 심리적 아이디어의 탄생과 주변의 지배적인 도덕과 시민 제도에 따라 전제 조건에 대해 이야기합니다. 사랑의 성향(Gina의 경우 Fabrizio), 육체적인 사랑(Julien Sorel의 Madame de에 대한 사랑) Renal), 허영심으로부터의 사랑 (Matilda에 대한 Julien의 사랑 - 그는 그에게 그것이 단지 가짜 감정일 뿐이라는 것을 이해했으며 Matilda는 이것에서 많은 영웅주의를 보았습니다. 고귀한 소녀는 목수의 아들을 사랑합니다), 사랑 열정 (Madame de Renal for Fabrizio의 Julien과 Gina).

그럼에도 불구하고 스탕달은 역사가 없는 사랑에 대한 지식은 무력하다는 점을 알아차렸습니다. 이탈리아인의 억제되지 않은 열정은 프랑스인의 세련된 정중함과 유사하지 않습니다. 사회의 여러 계층에는 종종 틈이 있습니다.

이 발견은 나중에 그가 두 편의 소설, 즉 귀족(La Mole)과 지방 여성(Renal)의 사랑, 하층민(Julien)의 사랑, 사교계 멋쟁이의 사랑을 쓸 때 도움이 될 것입니다.

결정화는 주변의 지배적 도덕에 따라 매력에서 사랑이 발전하는 것입니다 (결정화는 외부 조건의 영향을 받아 증기에서 다양한 모양의 결정이 태어나는 경우입니다).

41. Dickens의 소설 Little Dorrit의 장르 특이성.

42. 발자크의 전형적인 문제.

발자크 (1799-1850)

발자크가 세상을 보는 방식은 현실 세계의 완전한 변화입니다. 상상 속에서 절대적으로 실제적인 유형의 사람이 탄생합니다.

활자는 실제 인물의 초상이 아닙니다. 발자크는 유형과 개성을 같은 맥락에서 사용했지만, 그 자체는 서로 반대되는 용어입니다. 유형은 특정 이미지로 구현된 특정 사회적 현상, 열정 또는 도덕적 재산으로 이해됩니다.

개성은 특성이 부여된 일반적인 속성입니다.

상상력과 사고는 발자크 소설의 주인공 형성의 두 가지 구성 요소입니다. 때로는 일부 소설의 배경 인물이 다른 소설의 주인공이 되기도 합니다. (Baron de Nucingen은 "Père Goriot"의 배경 인물이고 "The Banker's House"의 주인공이고 Rastignac은 "The House of Nucingen"의 배경 인물입니다. ?? 그리고 "Père Goriot"의 주인공).

유형의 개념은 일반적이며 처음에는 특정하고 단수적인 개인과 연관되어 일반화됩니다. 그것이 없으면 공통적인 것은 무의미하고 비현실적입니다.

발자크에게 유형 개념은 미완성 개념이다. 그는 “인간 희극 서문”에서 이렇게 말했습니다. “나에게서 인간을 완전한 피조물로 여기려는 의도를 발견하려는 사람들은 큰 착각을 하고 있습니다.” 따라서 캐릭터의 안정적인 전형성을 식별하려는 발자크의 모든 경향과 함께 작가는 처음에 완전한 정적이 아닌 이동성과 가변성을 유형의 본질로 확인합니다.

사물에 대한 발자크의 전형적인 태도. The Human Comedy의 모든 영웅은 물질적입니다. 그들에게 주요 목표는 돈과 사물의 소유, 권력입니다. 물론, 매 순간마다 별도의 소설그들 자신의 특정 유형이지만 원칙적으로 그들에게는 무언가를 하나로 묶는 것이 있습니다. 즉 비축에 대한 광적인 열정입니다.

The Human Comedy의 모든 영웅은 전형적이며 서로 유사합니다. 눈에 띄는 유일한 사람은 Lost Illusions의 영웅 Lucien Chardon으로, 코미디 영웅의 전형과 성격의 극단을 결합하여 개인주의 영웅을 탄생시켰습니다.

Gobsek( 구두쇠 유형)은 Felix Grandet 유형과 Goriot 신부를 모두 낳았습니다.

“유형은 자신과 어느 정도 유사한 모든 사람들의 특징을 일반화하는 캐릭터입니다. 이것은 가족의 표본입니다." 발자크의 개념에서 전형적인 것은 결코 예외적인 것과 반대되는 것이 아니다. 게다가 'Ch.K'의 거의 모든 주인공이 등장한다. -영웅은 예외적이고 개성이 있습니다.

캐릭터의 전형적인 것과 개별적인 것은 변증법적으로 상호 연결되어 있으며 이는 예술가의 단일 창작 과정, 즉 일반화와 구체화를 반영합니다.

43. 소설 '파수꾼'에 등장하는 디킨스의 민주주의.

44. Merimee (Chronicle) 작품의 역사 소설 장르

첫 번째 기간을 종료합니다 문학 활동메리미의 역사 소설 "찰스 통치 연대기 9 » (1829)는 이 시대 작가의 이념적, 예술적 탐구의 독특한 결과이다. 이것은 Mérimée의 첫 서사적 작품입니다.

Mérimée는 서문에서 “역사에서 나는 일화만을 좋아합니다.”라고 선언합니다. 그래서 이 소설의 줄거리는 어느 정도 일화적이다. 삶을 바탕으로 한 것입니다 가상의 인물, 역사적 사건, 주로 가톨릭과 위그노 (개신교 추종자)의 투쟁과 얽혀있는 사적이고 비 역사적 인물입니다. 그리고 물론 전체 소설의 중심 사건은 성 바르톨로메오의 밤으로, 그 비극을 중심으로 행동이 전개됩니다.

연대기의 비문에서 Mérimée는 Charles IX와 동시대인인 François Rabelais의 Gargantua와 Pantagruel의 인용문을 사용합니다.

이미 언급했듯이 Prosper Merimee는 창의적인 경력이 시작될 때 낭만적 인 운동에 합류했습니다. 낭만주의 미학의 영향은 오랫동안 작가의 작품에서 계속 느껴졌습니다. 이는 그의 창작 유산 전체에서 눈에.니다. 그러나 점차 Merimee의 문학 활동은 점점 더 뚜렷하고 현실적인 성격을 띠게 되었습니다. 우리는 Charles IX 통치 연대기에서 이러한 경향의 명확한 구체화를 찾습니다.

먼 과거의 사건을 이해하면서 Merimee는 그것을 현대성에 맞추지 않고 그 안에서 자신이 관심을 갖는 시대의 패턴에 대한 열쇠를 찾고 이를 통해 더 넓은 역사적 일반화를 발견했습니다.

Merimee의 작업에 Walter Scott이 미친 영향은 엄청납니다. 소설 '연대기...'에서는 이것이 분명하게 드러납니다. 첫째, 확실히 과거 시대의 삶에 대한 폭넓은 그림에 관심이 있습니다. 둘째, 이것은 사건의 역사주의이며 설명 된 시대에 해당하는 의상, 작은 세부 사항 및 가정 용품에 대한 자세한 설명입니다 (헝가리 가죽으로 만든 캐미솔과 흉터 인 Dietrich Garnstein에 대한 설명). 셋째, Scott과 마찬가지로 Merimee는 일상적인 행동, 당시의 삶 및 역사적 상황과의 생활 연결에서 거짓 영광없이 과거의 사람들을 묘사합니다. 그러나 Merimee는 Scott보다 더 나아갑니다. 그의 "선생님"과는 달리 그는 Walter Scott이 당시에 그랬던 것처럼 세부적인 특성이 아니라 오히려 전통적인 특성의 도움을 받아 자신의 캐릭터를 행동, 움직임, 행동으로 표현합니다. 또한, 메리미는 스콧과 달리 역사적 배경을 사용하지 않고, 매너의 소설에 가깝고, 등장인물이 스토리에 포함되어 있다. 스캇도 있었어 실제 캐릭터, Merimee는 가상의 영웅과 실제 영웅을 모두 같은 수준에 둡니다.

"연대기"는 메리미의 문학 활동의 첫 번째 단계를 완성합니다.

복원 기간 동안 Merimee는 대규모 사회적 대격변을 묘사하고, 광범위한 사회적 캔버스를 재현하고, 역사적 주제를 개발하는 데 관심이 있었고, 그의 관심은 크고 기념비적인 장르에 끌렸습니다.

45. 발자크의 <휴먼 코미디>에서 개인의 운명을 결정짓는 샤그린 가죽의 공식.

Balzac에 따르면 "Shagreen Skin"(1831)은 현재 세기, 우리 삶, 우리의 이기주의를 형성해야 했습니다.

주인공 Raphael de Valentin의 운명의 예를 사용하여 소설에서 철학적 공식이 드러납니다. 그는 '의지'와 '능력'이라는 세기의 딜레마에 직면해 있다. 처음에는 - 가시밭길과학자-노동자-상류 사회 생활의 영광과 즐거움의 이름으로 이것을 포기합니다. 붕괴, 자금 손실. 그는 자신이 사랑하는 여자에게 거절당한다. 그는 자살 직전입니다.

현재 골동품 상인 (신비한)이 그에게 "가능"과 "욕망"이 연결된 소유자를 위해 전능 한 부적 인 샤그린 가죽을 건네줍니다. 그러나 모든 비용은 즉시 지불됩니다. 소원이 이루어지다- 이것이 바로 라파엘의 삶이며, 멈출 수 없을 정도로 줄어들고 있는 샤그린 가죽 조각과 함께 쇠퇴하고 있습니다. 이 마법의 원에서 벗어나는 방법은 단 하나뿐입니다. 욕망을 억제하는 것입니다.

그러므로 생명에는 두 가지 체계가 있습니다.

과잉으로 사람을 죽이는 열망과 열정으로 가득 찬 삶

수동적인 전지성과 잠재적인 전능함만이 유일한 만족인 금욕적인 삶입니다.

오래된 골동품 수집가의 추론에서 - 두 번째 유형. 첫 번째 사과는 창녀 아퀼리나(Quiz Taillefer의 난교 장면에서)의 열정적인 독백이다.

작품에서 Balzac은 Raphael의 삶에 구현 된 두 원칙의 강점과 약점을 드러냅니다 (처음에는 열정의 흐름에서 거의 자신을 파괴 한 다음 천천히 죽고 모든 욕망과 감정을 박탈당했습니다-식물적 존재). 그가 모든 것을 할 수 있는데 아무것도 하지 않은 이유는 영웅의 이기심 때문이다. 수백만 달러를 받은 그는 즉시 변했고 그의 이기주의가 비난을 받습니다.

46. 테오필 고티에의 시.

테오필 고티에(1811-1872)

첫 번째 시집 - "시" - 1830년(7월 혁명이 한창일 때).

산문 작가 (소설 "Mademoiselle de Maupin")로서 1836 년에야 그에게 명성이 왔습니다.

그의 시집 중 가장 유명한 모음집인 에나멜과 카메오(Enamels and Cameos)는 1852년 초판이 출판되었습니다.

고티에의 문학적, 시적 재능의 핵심은 “명상, 잡담, 종합적 판단이 적다는 것입니다. 당신에게 필요한 것은 하나, 하나, 또 하나뿐입니다.”

그는 물질 세계에 대한 절대적인 감각(경이로운 관찰력과 시각적 기억력)을 받았습니다. 그는 또한 객관성에 대한 타고난 본능을 가지고 있었기 때문에 묘사된 대상에 용해될 수 있었습니다. 표현은 처음부터 정확했다.

고티에 시의 특징:

설명은 눈에 띄고 볼록하며 설득력이 있습니다.

표현의 정확성

테마: 미니어처 인테리어, 작은 풍경(플랑드르 유형), 평원, 언덕, 개울.

그의 시의 모델은 미술이다

Gautier의 목표는 사물의 시각적 이미지를 제공하기 위해 단어로 감각적인 그림을 만드는 것입니다.

틀림없는 컬러감

고티에의 시학의 원리는 일차적 존재의 자연물에 대한 설명이 아니라 조각가, 화가, 조각가, 기성 이미지에 의해 창조된 자연의 이차적 인공 이미지에 대한 설명입니다(마치 그가 묘사하는 것처럼). 그림).

고티에의 시는 유전적으로 헬레니즘 장르로 거슬러 올라갑니다. 에크프라시스(설명하는 내용을 눈에 명확하게 드러내는 설명 연설). 자연은 그것이 예술 작품, 예술적인 것으로 변모될 때만 시인에게 접근 가능합니다.

그는 또한 충격적인 표현을 사용하지만 Baudelaire와 Lecomte de Lisle만큼 많이 사용하지는 않습니다. 충격적인 것은 순수한 것, 회색 세계에 대한 경멸을 표현하는 방법입니다.

시:

"펠라쉬카"(M 공주의 수채화): 여기서 Gautier는 이집트 농부 여성의 실제 모습을 재현하지 않고 수채화로 만든 그림 같은 이미지만을 재현합니다.

『여자의 시』파리의 유명한 미인 마담 사바티에의 매력을 찬미하기 위해 디자인되었습니다. 그러나이 여성의 실제 모습은 잠시 독자에게 공개되지 않고 양식화 된 동부 술탄의 이미지로 클레오메네스 조각의 형태로 나타납니다. (고티에의 실제 주제는 드러나지 않지만 숨겨지지도 않습니다).

시학은 문화적 참조, 회상, 연상의 원리에 기초합니다. "에나멜과 카메오"는 신화적인 암시와 작품 및 그림에 대한 직접적인 언급으로 가득 차 있습니다.

고티에에서 매우 중요한 주제는 '엘도라도'(유토피아)라는 주제이다. " 자연은 예술을 질투한다": 카니발 축하의 동기, 공공 칸막이 파괴.

고티에에게 예술은 삶에 반대하는 것이 아니라 삶을 보완하는 것입니다. 초자연적인 역할을 합니다. 민감성과 취약성은 그의 창의성의 끊임없는 원천입니다.

47. 발자크의 "휴먼 코미디"의 일반적인 개념.

아마도 발자크에 대한 시대의 과학적 정신의 영향은 그의 소설을 하나의 전체로 결합하려는 시도만큼 명확하게 반영되지 않았을 것입니다. 그는 출판된 모든 소설을 수집하고 거기에 여러 가지 새로운 소설을 추가하고 거기에 공통 인물을 도입하고 개인을 가족, 우정 및 기타 연결과 연결하여 장대 한 서사시를 만들었지 만 완성하지는 않았습니다. 휴먼코미디'는 현대사회의 심리학을 연구하기 위한 과학적, 예술적 자료로 활용될 예정이었다.

The Human Comedy의 서문에서 그는 동물 세계의 발전 법칙과 인간 사회 사이의 유사점을 그립니다. 그는 이 거대한 작품을 창조하려는 아이디어가 인간과 동물의 세계를 비교하면서 탄생했다고 스스로 말합니다. 다양한 종의 동물은 환경 조건에 따라 발생하는 일반적인 유형의 변형만을 나타냅니다. 그래서 양육환경에 따라 환경기타 - 당나귀, 소 등과 같은 인간의 변형 - 일반 동물 유형의 종.

그는 사회가 자연과 같다는 것을 깨달았습니다. 사회는 인간이 활동하는 환경에 따라 동물계에 존재하는 다양한 종을 창조합니다. 그러나 많은 차이점이 있습니다. 사회적 상황자연이 결코 허용하지 않는 사고로 표시됩니다. 동물은 내부 갈등이 없으며 단지 서로를 추구합니다. 인간은 더 복잡한 투쟁을 하고 있으며 지능을 가지고 있습니다.

내 작업의 의미는 역사가들이 사람들의 사회 생활에 부여한 것과 마찬가지로 사람들의 삶, 일상적인 사실, 개인 생활에서 일어나는 사건들에 동일한 중요성을 부여하는 것입니다.

내 각 부분(지방, 민간, 파리, 정치, 군대, 농촌의 장면)에는 고유한 색상이 있습니다.

과학적 체계화를 위해 발자크는 이 엄청난 수의 소설을 시리즈로 나누었습니다. 소설 외에도 발자크는 수많은 극적인 작품을 썼습니다. 그러나 그의 드라마와 코미디의 대부분은 무대에서 성공하지 못했습니다.

발자크는 거대한 캔버스를 만들기 시작할 때 자신의 출발 원칙으로 객관성을 선언했습니다. "프랑스 사회 자체가 역사가여야 했지만 나는 그 비서가 될 수 밖에 없었습니다." 서사시의 일부는 스케치입니다(살아있는 유기체를 주의 깊게 연구하는 과학자처럼).

발자크의 "휴먼 코미디"에는 2000명이 넘는 캐릭터가 등장합니다.

48. 보들레르의 『악의 꽃』에 등장하는 성서적 이미지.

49. 발자크의 시학에 나타난 낭만주의의 특징.

발자크는 그가 묘사하는 예술 세계에 참여하고 있습니다. 그는 이 세상의 운명에 대해 열렬한 관심을 보였고 끊임없이 "그 시대의 맥박을 느꼈습니다."

어떤 소설에서도 밝은 성격을 갖고 있어요.

현실적인 기반과 낭만적인 요소를 결합한 "Gobsek". 강하고 뛰어난 성격. Gobsek은 내부적으로 모순적입니다. 철학자와 구두쇠, 사악한 생물과 숭고한 생물입니다.

Gobsek의 과거는 안개가 자욱합니다(로맨틱 특성 - 미스터리, 모호함). 아마도 그는 해적이었을 것입니다. 그의 막대한 부의 출처는 불분명합니다. 그의 삶은 신비로 가득 차 있습니다. 정신은 철학에서 예외적이다. 그는 Derville을 가르치고 현명한 말을 많이합니다.

50. 공쿠르 형제의 소설 Germinie Lacerte에 등장하는 프랑스 대혁명.

51. Lucien de Rubempre의 이미지와 Balzac의 소설 "Lost Illusions"의 구성.

루시앙 Chardon은 소설 세 부분 모두의 주인공입니다. 그는 귀족 출신이다. 그의 어머니는 아버지에 의해 단두대에서 구출되었습니다. 그녀는 드 Rubempre입니다. 그의 아버지는 약사 샤르동(Chardon)이었고, 그의 죽음 이후 그의 어머니는 조산사가 되었습니다. Lucien은 David처럼 비참한 인쇄소에서 식물을 키울 운명 이었지만 그는 재능있는시를 썼고 특별한 아름다움과 억제 할 수없는 야망을 부여 받았습니다. Lucien의 이미지는 명백한 내부 이중성으로 구별됩니다. 진정한 고귀함과 깊은 감정과 함께 그는 불리한 상황의 영향을 받아 자신의 견해와 결정을 빠르고 자연스럽게 바꾸는 위험한 능력을 드러냅니다. 그는 한때 파리에 머물렀던 마담 드 바르게통과 함께 파리로 간다. 그는 가난해 보여 그를 부끄러워한다. 그리고 그녀는 그를 떠난다.

파리에는 대도시 생활의 라이프 스타일이 있습니다. 그는 극장, 공공 도서관, 신문 편집실 뒤에서 파리의 도덕을 알게되고 그에 적응하며 본질적으로 새로운 조건에 매우 빠르게 적응합니다. 그러나 라스티냐크와 마찬가지로 그도 일련의 시련을 겪으며 모순적인 성격이 드러난다. 파리의 이러한 향락적인 분위기(반짝반짝, 부패한 파리)는 루시앙에서 양조되고 있는 전환점을 준비하고 그의 이기심을 드러냅니다.

루시앙은 잘생겼고 시인이었습니다. 그는 재능있는 청년에 대한 분명한 선호를 보인 지역 여왕 = Madame de Bargeton에 의해 그의 도시에서 주목을 받았습니다. 그의 연인은 그에게 그가 천재라고 끊임없이 말했습니다. 그녀는 파리에서만 그의 재능을 진정으로 평가할 수 있다고 말했습니다. 그에게 모든 문이 열릴 곳이 바로 그곳입니다. 이것은 그에게 붙어 있습니다. 그러나 그가 파리에 도착했을 때 그의 연인은 그가 사회 멋쟁이들에 비해 가난한 지방 출신처럼 보였기 때문에 그를 거부했습니다. 그는 버려져 홀로 남겨졌으나 그의 앞에는 모든 문이 닫혀 있었다. 그가 지방 도시에서 가졌던 환상(명예, 돈 등에 대한)은 사라졌습니다.

잃어버린 환상의 중심 주제와 '실패한 천재'의 문제가 여기에 연결되어 있다. 강력한 도덕적 원칙의 부재, 이는 부도덕으로 변한다 = 시인으로서의 루시앙이 몰락한 이유. 실패한 작가 에티엔 루스토(Etienne Lousteau)는 그에게 "아이디어와 평판을 파괴하는 고용된 살인자"라는 직업을 키우면서 무원칙하고 활기찬 파리 저널리즘의 세계를 소개합니다. 저널리즘에 들어가는 것은 Lucien의 영적 붕괴의 시작입니다. 경쟁은 물질적인 목적입니다.

구성: 소설은 선형 구성에 따라 구성됩니다. 세 부분: 첫째, Lucien의 젊음, 그의 친구 David Sechard의 젊음, 젊은이들의 높은 열망에 대해 이야기하는 "두 시인"; 그런 다음 - 파리에서의 Lucien의 모험에 관한 "파리의 지방 유명인"장; 그리고 "발명가의 슬픔"-David Seshar와 그의 아버지의 비극에 관한 것입니다.

52. 낭만주의가 사실주의 미학 형성에 미치는 영향.

프랑스 사실주의 미술의 선구자로서 낭만주의의 중요성은 매우 크다.

부르주아 사회에 대한 최초의 비판은 바로 낭만주의자들이었다. 발견한 것은 바로 그들이다. 새로운 유형사회와 갈등을 겪는 영웅. 그들은 심리적 분석, 개인 성격의 무한한 깊이와 복잡성을 발견했습니다. 이런 식으로 그들은 현실주의자(인간 내면 세계의 새로운 차원을 이해하는 데 있어서)의 길을 열었습니다.

스탕달은 이것을 이용하여 개인의 심리학을 그의 사회적 존재와 연결하고, 환경이 성격에 미치는 적극적인 영향으로 인해 사람의 내면 세계를 역학, 진화로 제시합니다.

역사주의의 원리(낭만주의에서는 미학의 가장 중요한 원리임) - 현실주의자들은 그것을 계승합니다.

이 원칙에는 인간의 삶을 지속적인 과정으로 보는 것이 포함됩니다.

낭만주의자들 사이에서 역사주의 원칙은 이상주의적 기반을 갖고 있었다. 그것은 현실주의자들과 근본적으로 다른 내용, 즉 역사에 대한 유물론적 독해를 획득합니다(역사의 주요 엔진은 계급 투쟁이고, 이 투쟁의 결과를 결정하는 힘은 국민입니다). 이것이 사회의 경제 구조에 대한 관심을 자극한 것입니다. 사회 심리학광범위한 대중.

낭만주의자는 지나간 시대의 삶을 묘사하고, 현실주의자는 현대 부르주아 현실을 묘사합니다.

첫 번째 단계의 사실주의: 발자크, 스탕달: 낭만주의의 특징도 가지고 있습니다(예술가는 그가 묘사하는 예술 세계에 참여합니다).

2단계의 사실주의: 플로베르: 낭만주의 전통과의 마지막 단절. 밝은 개인이 평범한 사람들로 대체되고 있습니다. 예술가들은 현실과의 완전한 분리를 선언하는데, 이는 그들에게 용납될 수 없습니다.

53. Balzac의 작품에서 Rastignac 이미지의 진화.

"C.K."에 나오는 라스티냐크의 이미지 - 개인의 행복을 쟁취하는 청년의 이미지. 그의 길은 가장 일관되고 꾸준한 상승의 길이다. 환상의 상실은 발생하더라도 상대적으로 고통 없이 이루어집니다.

안에 "페레 고리오" Rastignac은 여전히 ​​선함을 믿으며 그의 순수함을 자랑스럽게 생각합니다. 내 삶은 “백합처럼 순수”합니다. 그는 고귀한 귀족 출신이며 경력을 쌓고 로스쿨에 등록하기 위해 파리로 왔습니다. 그는 마지막 돈을 가지고 Vake 부인의 하숙집에 살고 있습니다. 그는 Viscountess de Beauseant의 살롱을 이용할 수 있습니다. 사회적 지위로 보면 그는 가난하다. Rastignac의 삶의 경험은 두 세계(죄수 Vautrin과 Viscountess)의 충돌로 구성됩니다. Rastignac은 범죄가 사소한 귀족 사회에 대한 Vautrin과 그의 견해를 고려합니다. “아무도 정직이 필요하지 않습니다.”라고 Vautrin은 말합니다. "추울 것이라고 예상할수록 더 멀리 갈 것입니다." 그 당시에는 중간 위치가 일반적이었습니다. 그는 마지막 돈으로 가난한 고리옷의 장례식을 준비한다.

그는 곧 자신의 상황이 나쁘고 아무데도 이르지 못할 것이며 정직을 희생하고 자존심을 침뱉고 비열한 행동을 취해야 한다는 것을 깨닫습니다.

소설에서 "뱅커의 집" Rastignac의 첫 번째 사업 성공에 대해 알려줍니다. Goriot의 딸인 여주인 Delphine의 남편인 Baron de Nucingen의 도움을 받아 그는 영리한 주식 투자를 통해 재산을 모았습니다. 그는 고전적인 기회주의자이다.

안에 "샤그린 스킨"- Rastignac 진화의 새로운 단계. 여기서 그는 이미 모든 환상에 작별을 고한 경험이 풍부한 전략가입니다. 이것은 거짓말과 위선자가 되는 법을 배운 노골적인 냉소주의자입니다. 그는 고전적인 기회주의자이다. 그는 번영하려면 앞으로 나아가고 모든 도덕 원칙을 희생해야 한다고 라파엘에게 가르칩니다.

Rastignac은 공개 범죄의 길을 따르지 않고 법적 범죄를 통해 수행되는 적응의 길을 따르는 젊은이들의 대표자입니다. 금융정책은 강도다. 그는 부르주아 왕좌에 적응하려고 노력하고 있습니다.

54. 디킨스의 소설 『파란 집』과 『리틀 도릿』에 나타난 부조리한 사회 현실의 이미지.

55. 발자크와 플로베르의 소설에 등장하는 금융가의 이미지.

56. Dombey와 Son에 나타난 디킨스의 사실주의.

57. 영국 현실주의. 일반적 특성.

일반적으로 사실주의는 특정 역사적 조건과 관련된 현상입니다.

가장 중요한 특징은 개인의 해방, 개인주의 및 인간 성격에 대한 관심입니다.

영국 현실주의의 전신은 셰익스피어였습니다 (역사주의가 우선이었습니다. 과거와 미래 모두 영웅의 미래 운명을 결정했습니다). 르네상스 사실주의의 특징은 국적, 국가적 특성, 광범위한 배경 및 심리학.

사실주의는 세부 사항에 대한 충실도를 갖춘 전형적인 상황의 전형적인 특성입니다(엥겔스).

현실주의의 주요 특징은 사회 분석입니다.

개성의 문제가 제기된 것은 19세기였다. 이것이 사실주의 출현의 주요 전제 조건이었습니다.

그것은 속물주의(자연 모방에 기초한 고전주의-합리주의적 접근 방식)와 낭만주의라는 두 가지 운동으로 구성됩니다. 사실주의는 고전주의로부터 객관성을 차용했습니다.

찰스 디킨스영국 현실주의 학교의 기초를 형성했습니다. 도덕적인 파토스는 그의 작업에서 없어서는 안될 부분입니다. 그는 작품에 낭만적인 특징과 현실적인 특징을 모두 결합했습니다. 여기에 영국의 사회적 파노라마의 폭과 그의 산문의 주관성, 중간음의 부재(선과 악만)가 있습니다. 그는 독자의 동정심을 일깨우려고 노력하며 이는 감상적인 특성입니다. 호수 시인과의 연결 - 작은 사람들이 그의 소설의 영웅입니다. 자본주의 도시(끔찍함)를 주제로 소개하는 것이 바로 디킨스이다. 그는 문명에 대해 비판적이다.

19세기의 두 번째 주요 현실주의자 - 새커리. 성숙한 새커리의 미학은 비영웅적인 성격을 묘사하는 성숙한 사실주의의 기초입니다. 영어 교육자들은 평범한 사람들의 삶에서 숭고함과 기반을 모두 찾습니다. Thackeray 풍자의 대상은 소위 범죄 소설 (시간 엄수)입니다. 캐릭터의 영웅화 방법. 순수하고 긍정적인 영웅이 없듯이 세상에 순수한 악당도 없습니다. Thackeray는 일상생활의 깊은 인간 존엄성을 설명합니다.

클라이맥스는 없습니다(소설에 내재되어 있습니다). 이제 색상 그림자가 있습니다. "화장대".

Thackeray의 지배적 심리학: 실생활에서 우리는 평범한 사람들을 다루고 있으며 그들은 단순한 천사나 악당보다 더 복잡합니다. Thackeray는 개인을 자신의 사회적 역할로 축소하는 것에 반대합니다(개인은 이 기준으로 판단할 수 없습니다). Thackeray는 이상적인 영웅에 맞서고 있습니다! (부제: “영웅 없는 소설”). 그는 이상적인 영웅을 창조하고 그를 현실적인 틀(도빈) 안에 넣는다. 그러나 진정한 영웅을 묘사하는 Thackeray는 사람들을 묘사하지 않고 중산층 (도시 및 지방)만을 묘사했습니다. 왜냐하면 그 자신이 이러한 계층에서 왔기 때문입니다.

그래서, 40대영국: 사회적 고조. 세기의 사상과 사회 운동의 상태, 도덕적 원칙 (경제 관계)이 소설에 반영되었습니다. 그 중심에는 사람이 있습니다. 높은 수준의 타이핑. 현실에 대한 비판적 태도.

50~60대:큰 기대를 대체한 잃어버린 환상의 시대. 나라의 경제 회복, 식민지 확장의 확대. 개인의 영적 삶의 성격은 실증주의 사상에 의해 결정됩니다. 살아있는 자연의 법칙을 사회로 이전 - 사회 영역에서 개인 기능의 분할. 일상의 우세한 발전과 함께 감상적인 일상 소설의 전통에 의존합니다. 유형화 수준은 낮고 심리학적 수준은 높습니다.

58. 플로베르와 보들레르의 범신론과 실증주의.

순수예술이론은 예술의 모든 유용성을 부정한다. “예술을 위한 예술”이라는 원칙을 기념합니다. 예술에는 하나의 목표, 즉 아름다움에 대한 봉사가 있습니다.

예술은 이제 세상을 탈출하는 수단이 되었고, 순수예술은 사회적 관계를 간섭하지 않는다.

진리, 선함, 아름다움의 삼위일체 – 순수예술이론.

순수 예술 이론은 혐오스러운 현실로부터의 탈출의 한 형태로 등장합니다. 순수 예술 이론가들은 또한 충격(자신을 표현하고 충격을 주기 위해)을 위해 노력합니다.

발생 만유신론– 많은 신앙, 많은 영웅, 의견, 생각. 역사와 자연과학은 현대의 뮤즈가 됩니다. Flaubert의 범신론은 현대의 폭포입니다. 그는 사회 상태에 따른 정신의 나른함을 설명했습니다. “우리는 고통을 겪은 만큼만 가치가 있습니다.” 엠마 보바리는 시대의 상징이자 저속한 현대성의 상징이다.

보들레르에서는 범신론이 하나의 체계로 결합된 여러 주제로 표현됩니다. 그는 선과 악을 하나로 묶어 하나가 다른 하나 없이는 존재할 수 없다고 말했습니다. 따라서 높은 것과 낮은 것은 하나의 전체를 이루는 분리할 수 없는 두 개의 입자가 됩니다. 그는 아름다움에 대한 찬가를 부를 때 이 아름다움이 얼마나 끔찍한지 언급하는 것을 잊지 않는다. 그가 사랑을 노래할 때, 그는 그 사랑의 천박함(부패한 유대인, 취하게 만드는 열정)에 대해 말합니다. “사탄이냐, 하나님이냐, 그것이 중요합니까?”라고 그는 말합니다. 시 "알바트로스"에서 이 아이디어는 매우 명확하게 들립니다. 하늘에는 강한 새가 있고, 모든 사람보다 높이 솟아 오르고 땅에서는 무력합니다. 사실, 이 필멸의 세상에 설 자리가 없는 시인은 바로 그 자신입니다.

실증주의- 모든 진정한 지식은 특별한 지식의 누적 결과라는 사실에 기초한 부르주아 철학의 방향. 과학. 실증주의에 따르면 과학은 그 위에 어떤 철학도 필요하지 않습니다.

Flaubert는 자연 과학, 의학 (Bovary의 죽음, Arnoux 부인의 아들의 질병 및 Frederic의 아들 소년의 죽음)과 같은 과학을 가지고 있으며 Baudelaire는 순수한 아름다움에 대한 진정한 지식을 가지고 있습니다. 순수예술이론과 동의어이다.

18세기 초. 이탈리아는 피에몬테와 교황령을 제외하고 외국의 영향을 받은 다양한 봉건 및 반봉건 국가의 대기업이었습니다(프랑스, 스페인, 오스트리아).

18세기 초. 이탈리아는 피에몬테와 교황령을 제외하고 외국의 영향을 받은 다양한 봉건 및 반봉건 국가의 대기업이었습니다(프랑스, 스페인, 오스트리아). 정치적 분열, 지중해에서 대서양으로의 무역로 이동, 이탈리아에서 계속되는 전쟁으로 인해 정치적, 경제적 쇠퇴가 심화되었습니다. 로마 교황이 주도한 반종교 개혁 운동은 진보된 사상의 발전을 방해했습니다.

이러한 역사적 상황은 사회적으로 큰 의미를 갖는 갈등과 강력한 열정을 묘사하고 생생한 이미지를 드러내는 중요한 문학 작품의 창작에 기여하지 못했습니다. 18세기 이탈리아 문학. 17세기 르네상스와 바로크의 전통에 크게 기초를 두고 있다.

바로크 시대의 가장 두드러진 인물은 지암바티스타 마리노 (1569-1625) 17세기 이탈리아 시에 영향을 미쳤다. 그는 시의 주제적 범위를 확장하고, 인간의 감각 세계를 묘사하는 데 새로운 색채를 도입했으며, 시적 기법을 새로운 차원으로 끌어올렸습니다. XV-XVI 세기의 시인. 마리노는 단조롭고 전통적인 방식으로 글을 썼고, 마리노는 세련된 이미지를 만들어 재치 있고 효과적인 은유를 찾았습니다. "황금빛 파도 - 비단 가닥... // 상아로 만든 가벼운 배 // 그 위에 떠서 미끄러지며 틀에 박힌 // 뒤에 완벽하게 똑바로 놓여 있습니다."( "머리를 빗는 여인", V. Solonovich 번역). 마리노의 정신으로 시를 쓴 수많은 추종자들이 마리니즘이라는 용어의 출현에 기여했습니다.

17세기의 두 번째 유명한 시인. - 가브리엘레 치아브레라 (1552-1638)은 그리스 고전을 모방하여 뛰어난 멜로디와 음악성을 지닌 시를 썼습니다. 그의 작품에는 바로크 양식과 고전주의 양식이 결합되어 있다.

알레산드로 타소니 (1565-1635) 이탈리아 시에 눈에 띄는 풍자적 흐름을 도입하여 아이러니한 희극시를 창조했습니다. "훔친 양동이" (1622).

16세기에 발생한 고전비극은 역사적 상황으로 인해 제대로 발전하지 못했다. 그것의 독특한 유사체는 오페라(특히 "오페라 세리아" 또는 "진지한 오페라")였으며, 그 줄거리는 고대 역사와 신화에서 유래되었습니다. 비극 코미디, 스페인 스타일의 "망토와 칼"비극, 민속 예술에 깊은 뿌리를 둔 코미디 "델 아르테"( "가면"코미디)도 이탈리아 무대에서 상연되었습니다. 17~18세기에 급속한 번영을 누렸습니다. 그리고 골도니의 개혁으로 계몽시대 말엽에 현장에서 사라졌다.

코미디 델 아르테(Comedy del arte)는 즉흥 연주를 기반으로 했습니다. 대본의 역할은 대략적으로만 설명되었으며, 배우들이 직접 독백과 대화를 만들고 개별 대사를 교환했습니다. 코미디의 캐릭터는 전형적인 "마스크"였습니다. 하인-명랑하고 무례하고 흥미로운 Brighella, 어색한 Harlequin, 부서지고 날카로운 혀를 가진 Servette, Colombina, Smeraldina의 하인; 조롱의 대상은 일반적으로 탐욕스러운 바보 Pantalone, 수다스러운 바보 박사, 귀족 선장, 겁쟁이 및 팡파르였습니다. 그러나 코미디 델 아르테는 전통적인 프레임워크의 제약을 받고 좁은 범위의 주제를 전개했기 때문에 당시의 문제를 반영할 수 없었습니다.

우리 시대의 복잡한 문제를 반영하고 18세기 이탈리아 문학의 이념적, 예술적 수준을 높이기 위해. 극장 개혁이 필요했습니다. 이 작업을 완료했습니다. 카를로 골도니 (1707-1793)은 처음에 오페라 대본, 비극 희극, 막간, 코미디를 썼으며 무대 변화의 경로를 설명했습니다. 그의 코미디에서는 "사교계 명사 또는 모몰로 - 사회의 영혼"(1738) 한 역할은 이미 완전히 작성되었으며 Momolo 자신이 "마스크"를 Pantalone으로 대체했습니다. 나머지 역할은 여전히 ​​배우의 즉흥 연주에 의존했습니다. 코미디 텍스트 "당신에게 필요한 여자는 무엇입니까"(1743)은 이미 전문이 작성되었습니다. 골도니는 천천히 신중하게 개혁을 수행하여 점차적으로 배우들이 각본 역할에 익숙해지도록 했습니다(예를 들어 그의 최고의 코미디 중 하나). "두 주인의 하인", 1745년에는 처음에는 배우를 위한 대본과 지시 사항이 있었지만 1753년에 작가는 이를 문학 코미디로 개작했습니다.

골도니는 재미있는 오해, 경쾌한 혼란, 모호함, 지역 관습의 코믹한 재현, 온갖 종류의 익살과 재치를 능숙하게 사용하여 코메디아 델라르테의 예술적 기법을 창의적으로 재작업했습니다. 그는 가르치고, 즐겁게 하고, 즐겁게 하고, 교육하기 위해 노력하면서 교육 문제를 해결했습니다.

코미디 델 아르테의 유형은 점차적으로 변화했습니다. 흥미로운 하인의 Brighella는 비즈니스적인 호텔 주인으로 변했습니다. Harlequin은 명랑하고 재치 있는 하인이 됩니다. 판탈론은 멍청한 구두쇠가 아니라 귀족들을 가르치는 적극적이고 정직한 사업가입니다. 골도니의 '민속희극'에는 부자를 말하는 요리사, 장인, 어부, 소상인들이 등장한다. 모국어로 ("여주인", 1755; "교차로", 1756; "교진의 전투", 1761). 그의 코미디의 주인공은 긍정적인 성격을 갖고 있고, 부정적인 성격은 나쁜 행위를 회개하고 점차적으로 그들의 악을 바로잡는다(예를 들어, "여관주인", 1753, 신사 Ripafratta는 여성 혐오자이지만 코미디 전반에 걸쳐 그의 재교육이 이루어집니다. Goldoni는 또한 사랑 주제를 새로운 방식으로 해석합니다. Mirandolina의 연인 ( "The Innkeeper")은 후작, 백작, 신사 및 하인 Fabrizio와 같은 심리학의 특성을 결정하는 다양한 사회적 지위를 가진 사람들입니다. 여 주인공은 귀족 여성이 되려는 헛된 욕망이 그녀에게 낯설기 때문에 후자를 선택합니다. 코미디는 또한 시대의 특징적인 신호였던 풍요에 대한 일반적인 욕구를 언급했습니다.

Goldoni의 코미디에 특징적인 새로운 부르주아 관계의 반영, 평범한 사람들의 이미지 등장, "작은"남자의 운명에 대한 작가의 관심은 날카로운 거부를 불러 일으켰습니다. 문학계이탈리아. 골도니의 상대는 피에트로 키아리 (1711 -1785), 다작의 소설가이자 극작가이자 코미디 델 아르테 장르에서도 활동했습니다.

그러나 골도니의 가장 확신에 찬 문학적 적은 카를로 고지 (1720-1806). Goldoni의 연극에 내재 된 교육적 경향을 부정하는 Gozzi는 새로운 연극 장르의 동화 인 "fiaba"를 만듭니다. 그는 코메디아 델라르테와 민화를 좋아했으며, 14~16세기 이탈리아 문학만을 모델로 삼았습니다. 그리고 현대 이탈리아와 외국 작가들의 업적을 거부합니다. 계몽주의의 교화와 도덕적 특성을 부정하면서 Gozzi는 골도니 희곡의 신뢰성과 진실성이 문학에 재앙이라고 믿었습니다. 그의 생각에 코미디는 유쾌한 시작을 바탕으로 해야 합니다.

1760년부터 1765년까지 Gozzi는 청중의 열광을 불러일으킨 10개의 "피아압"을 씁니다(예: "투란도트 공주", 1762). Gozzi는 이국적이고 다채로우며 독창적인 작품의 도움으로 코미디 델라르테를 부활시켜 경이롭고 재미있는 요소를 줄거리에 도입할 수 있을 것이라고 믿었습니다. 그가 쓴 첫 번째 동화 "오렌지 세 개에 대한 사랑"(1761)은 줄거리와 연기에 대한 자세한 설명이 담긴 대본이었습니다. Goldoni의 기술을 패러디한 Gozzi는 Tartaglia 왕자의 우울함, 그를 웃게 만들려는 시도, 세 개의 오렌지를 찾는 것에 대해 이야기합니다. 연극의 액션은 환상적일 뿐만 아니라 실제 생활과 슬랩스틱 요소도 포함했습니다. Gozzi의 Fiabs에서 특이한 캐릭터와 빠른 액션 전개는 줄거리 전개의 환상적이고 마술적인 우여곡절에 기인하며 이는 세계에 대한 낙관적 이해에 기여했습니다. 왕이 사슴으로 변신( "사슴왕", 1762)은 권력 문제 및 심리적 문제의 해결과 관련이 있습니다. 왕에게 거지 옷을 입히다 ("행복한 거지들", 1764)은 그가 배신하고 악한 사역자들에 대한 실제 진실을 알아내도록 도와줍니다.

Gozzi는 이탈리아 코미디의 개혁을 계속했습니다. 그는 또한 배우를 위한 역할 텍스트를 작성하므로 약간의 즉흥 연주만 허용됩니다. 그러나 Gozzi는 그의 "피아압"이 전통적인 성격으로 인해 현재의 문제를 구현할 수 없다는 것을 이해했습니다. 현대 생활. 그는 스페인 코미디 "망토와 검"을 모델로 한 희곡을 쓰기 시작하며 티르소 데 몰리나, 칼데론 및 기타 17세기 스페인 극작가들의 작품에서 줄거리를 그립니다. 그러나 여기서도 그는 코미디 델 아르테의 "가면" 특성을 사용합니다.

계몽주의 시대에는 이념적으로 풍부한 드라마가 필요했기 때문에 작가와 과학자들은 이론으로 눈을 돌렸습니다. 그들은 오페라와 코메디아 델라르테를 비판하고 고전주의 원칙을 확증하는 미학 논문을 썼습니다(D. V. Gravina). "시학의 기초", 1708; P. Y. 마텔로 "고대와 현대의 비극에 대하여", 1715). 그라비나 코르네유와 라신의 비극을 번역한 작품입니다. 마르텔로 그 자신은 특별한 "Martellian"구절(14음절 쌍운율)로 비극을 썼는데, 이는 나중에 다른 작가들이 예술적 실천에 사용했습니다. Goldoni와 Chiari는 그에게 한 번 이상 연설했지만 Gozzi는 이 구절을 패러디 목적으로 사용했습니다. 18세기 전반기 비극의 가장 중요한 작가. ~이었다 P. 메타스타시오 ("버려진 디도", 1724; "인도의 알렉산더", 1729; 등등.) 그리고 S. 마페이 ("메로페", 1713). 계몽주의 이데올로기와 관련된 민족 고전 비극의 창시자는 비토리오 알피에리 (1749-1803), 그는 사람들이

“용기, 관대함, 자유, 폭력에 대한 증오, 조국에 대한 사랑, 권리에 대한 이해, 진실성과 이타심을 배우기 위해서는 극장에 참석해야 합니다.”

Alfieri는 동료 시민의 제한된 이익과 도덕적 비참함을 알고 미래의 이름으로 글을 썼습니다. 오랫동안 그의 열정적인 비극은 이탈리아 청중들에게 깊은 인상을 주지 못했고, 폭정에 대한 그의 항의는 그들에게 개인적인 반란으로 인식되었습니다. 그러나 나폴레옹 전쟁 이후 봉건-가톨릭 영향력이 약화되고 이탈리아 통일 가능성이 높아지면서 알피에리의 비극은 이탈리아인들 사이에서 용기를 키우고 시민 정서를 일깨우는 데 도움이 되기 시작했습니다. 알피에리가 리소르지멘토(르네상스)의 영적 아버지로 인정받은 것은 당연합니다.

Alfieri 비극의 주요 주제는 정치적 자유와 폭정에 맞서 싸우는 주제입니다. 중앙에는 원칙적으로 정치적 행동을 수행하는 용감하고 사심없는 성격을 부여받은 사람이 있습니다. 비극 속에서 "브루투스 2세"(1787) 브루투스는 로마인들에게 자유를 허락하지 않자 율리우스 카이사르를 살해합니다. 영웅의 행동과 생각은 높은 목표에 종속됩니다. Alfieri는 Brutus가 Caesar의 아들로 간주되었다는 전설을 참조하여 내부 갈등을 심화시킵니다. 비극 속의 카이사르 자신은 비범한 사령관이자 정치인이지만, 브루투스, 카시우스 및 기타 공모자들에 따르면 그는 전제주의의 특징이 있기 때문에 로마에 위험해진다. 폭군의 독재로부터 공화국을 보호한다는 주제는 다음에서 드러납니다. "여자 이름" (1777), "파치 음모"(1779). 작가는 동료 시민들에게 반복적으로 눈을 돌려 그들의 자존심과 저항 능력을 일깨우려고 노력하며 그들을 노예라고 부르지 만 반항 할 수있는 노예입니다. 개인적인 용기와 용기를 키우고 싶어 극작가는 영적 투쟁에서 명예, 자부심, 용기가 승리하는 방식으로 도덕적 갈등을 구축합니다. "미라", 1786; "사울", 1781; "오레스테스", 1781). 그의 창의성, 미학적, 정치적 논문( "폭정에 대하여", 1777; 『국가와 문학에 대하여』, 1778) Alfieri는 어떤 높은 것에 대해 공개적으로 말하는 것은 이미 그것을 부분적으로 성취했다는 것을 의미한다고 주장했습니다.

18세기에 엄청난 발전이 있었습니다. 시가 이탈리아에 도착했습니다. 국가 전통에 따라 시인들은 종종 즉흥 연주에 의지했습니다(청취자가 요청한 모든 주제에 대해 시가 작곡되었습니다). 이 시대 시의 주요 장르는 Horace, Pindar, Anacreon 또는 Petrarch의 정신으로 종교적, 영웅적, 사랑과 희극적 주제에 대한 찬가였습니다. 가장 중요한 시인은 주세페 파리니 (1729-1799), 다수의 서정적이고 쾌락주의적인 시를 쓴 작가. 그는 게으른 귀족, 그들의 도덕 및 오락을 악의적으로 조롱합니다. 그의 송가 "빈곤"(1765)는 교육 철학자 Beccaria의 책 "범죄와 처벌에 관하여"(1764)에서 영감을 받았습니다. 베카리아에 이어 파리니는 범죄는 가난에 의해 발생하며, 합리적이고 공평하게 조직된 사회에서는 범죄가 없을 것임을 증명합니다.

18세기 문학 19세기 이탈리아에서 해방운동을 준비했다.

방법과 문학 운동으로서의 낭만주의의 주요 특징

"낭만주의"라는 단어는 평범함, 일상 생활을 초월한 사람의 마음 상태 인 세계관을 의미하고 특정 시간 (전반기)에 제한된 문학적 방법과 문학 운동을 명명하는 데 모두 사용됩니다. 19세기) 그리고 낭만적인 세계관이다.

낭만주의 방법의 특징은 문학 발전의 다양한시기에 찾을 수 있습니다. 문학 운동으로서의 낭만주의는 19세기 말 독일에서 구체화되기 시작했습니다. 그곳에서 낭만주의의 이론과 미학이 형성되었습니다.

"낭만주의"라는 용어는 소설이라는 단어와 관련이 있습니다. 프랑스의 소설 (12 세기 이후)은 사랑과 군사적 모험, 뛰어난 개인에게 닥친 놀라운 모험에 대한 이야기입니다. 모든 소설은 종교 문헌과 고대 소설의 특징인 라틴어가 아닌 로마네스크(프랑스어) 언어로 작성되었습니다. 무용담과 달리 소설에는 실제 사건에 대한 서술이 포함되어 있지 않습니다. 소설은 작가의 상상의 산물이다. 그러나 1800년 낭만적이고 서정적이라는 두 가지 개념의 조합이 있습니다 (Friedrich Schlegel). "로맨틱"이라는 단어는 "외적으로 특이한" 의미와 서정적인 "감정 전달"이라는 의미를 유지합니다. 슐레겔의 관점에서 볼 때 낭만주의 시는 진보적이고 보편적인 시이다.

낭만주의는 높은 영성을 결합하고, 철학적 깊이, 정서적 풍부함, 복잡한 음모, 자연에 대한 특별한 관심, 그리고 무엇보다도 인간의 무한한 가능성에 대한 확신.

낭만주의의 사회적 기원

프리드리히 슐레겔은 낭만주의가 1789년 프랑스 혁명과 피히테의 철학, 괴테의 『빌헬름 마이스터』에서 탄생했다고 믿었다. 프랑스 혁명은 낭만주의의 사회적 기원이다. 프랑스 혁명은 낭만주의의 사회적 기원이다. 프랑스 혁명은 한편으로는 세상을 변화시킬 수 있다는 희망과 해방 가능성에 대한 믿음을 불러일으켰지만, 다른 한편으로는 불확실성, 절망적인 외로움에 대한 비극적 감정, 현실에 대한 무력감을 불러일으켰습니다. 잔인한 세상은 철학적 유토피아, 이상화된 과거의 재구성, 현실의 아이러니한 재현으로 이어졌습니다.

혁명 이후에는 실망이 컸기 때문에 낭만적인 전망은 항상 비관적이었습니다. 혁명은 천재와 거물을 낳았고, 개인과 우주가 능력면에서 동등해졌을 때 르네상스에 가까운 인간에 대한 생각이 떠올랐습니다.

따라서 반대 경향은 의식의 파열로 이어졌고 존재가 두 구성 요소로 붕괴되었으며 낭만적 인 이중성이 발생했습니다. 이것은 낭만적 인 운동의 범주적인 특징입니다.

결론: 1개의 출처 - 사회적 기원 - 프랑스 혁명.

철학적 기원

1.) 프리드리히 슐레겔(Friedrich Schlegel)은 피히테의 철학을 그의 원천으로 인용했습니다. 그러나 낭만주의의 철학적 기원은 나라마다 다르지만 모두 독일 철학으로 거슬러 올라가는 경우가 많습니다. 이것은 세상을 "사물 자체"와 "우리를위한 것"의 두 부분으로 나누고 "사물 자체"는 합리주의 적 이해를 벗어난 영역으로 이어지는 칸트의 철학입니다. 신비롭고 신비한 것을 가리키는 세상. 이는 Novalis, Ludwig Tieck(독일), Coleridge(영국), George Sand(프랑스), Edgar Allan Poe(미국)에 내재되어 있습니다. 우리는 문헌을 언급할 때 이를 기억해야 합니다. 철학적 사상종종 일부 변형과 단순화가 발생합니다.

인간 "나"의 창의적 가능성에 대한 Fichte의 생각은 종종 특정 작가와 시인의 창의적 가능성과 동일시됩니다. 낭만주의자들은 예술을 통해 세상을 재창조할 수 있다고 믿었고, 창작과 예술가의 '나' 덕분에 현실이 될 황금시대를 꿈꿨다.

3.) 셸링

세상을 이중성으로 본 초월철학(라틴어에서 "교차하다, 넘어서다"로 번역됨)의 창시자 셸링의 사상은 보편적 영성을 확증했습니다. Schelling의 아이디어는 독일인에게만 영향을 미쳤을 뿐만 아니라 Coleridge는 Schelling의 철학을 알기 위해 특별히 독일을 방문했습니다. 프랑스인들은 Germain de Stael의 저서 "On Germany" 덕분에 독일 예술과 철학에 대해 알게 되었습니다. 초월주의는 셸링의 영향으로 미국에서 일어났다.

낭만주의 미학

1. 두 개의 세계.

이중성은 더 일찍 나타 났지만 가장 자주 낭만주의의 범주 적 특징이라고 불립니다. 일부 연구자들은 디드로, 레싱(18세기), 심지어 세르반테스의 소설 돈키호테에서도 이중 세계를 찾을 수 있다고 말합니다.

특히 독일어 버전에서 나타나는 낭만주의의 이중 세계는 Schelling의 이중성 아이디어, 즉 우주를 영적 영역과 물리적 영역으로 나누는 동시에 이 두 가지 반대의 통일성을 인식하는 것에서 비롯됩니다. 미학적 차원에서는 재현과 세계관의 이중세계가 형성되며, 특히 플롯의 구성이 구현된다.

이중 세계(예를 들어 영화 '세인트 조지의 날'과 같은 낭만주의에서만 가능)

2. 로맨스의 주인공은 늘 거대하고 뛰어난 성격을 갖고 있으며, 낭만주의가 환생에 비유되는 것은 우연이 아니다. 영웅의 낭만적인 거대주의는 다양한 형태로 나타날 수 있습니다. 예를 들어 영웅은 특별한 열정, 특별한 힘을 부여받을 수 있으며 파괴할 수 없는 자유에 대한 사랑(“프로메테우스”), 이해할 수 없는 관찰(포)이 특징입니다. , 이타적인 사랑 (Hugo의 "Quasimodo").

영웅을 만드는 주요 기술은 그로테스크와 대비입니다.

3. 감정 숭배.

18세기 감상주의도 인간의 감정적 세계관에 주목했다. 낭만주의 예술은 감정을 분석하기 시작하고(감정의 힘은 분석이다) 감상주의는 이를 진술한다.

감정 중 특별한 자리는 사랑의 감정이 차지합니다. 사랑스러운 눈사람 만. 낭만적인 영웅은 사랑으로 시험받고, 사랑은 사람을 변화시킵니다. 진짜 사랑항상 고통과 연관되어 있으며, 사랑이 모든 것을 포괄한다면 고통은 더욱 강해집니다.

4.자연에 대한 관심.

자연에 대한 묘사는 단지 장식적인 의미만 갖고 있는 것은 아닙니다. 낭만주의자들은 범신론자들이었다(신은 자연이다). 전통적인 기독교를 받아들이지 않고 자연에서 신성한 원리의 구체화를 보았습니다. 그들에게는 사람이 자연(정원이 아니라 숲, 도시가 아니라 마을)과 연결될 때 흥미로울 것이다. 낭만적인 풍경 - 폐허의 풍경, 요소의 풍경 또는 이국적인 풍경.

5. 역사주의적 감각.

독일에서는 문학 연구에 대한 역사적 접근 방식이 Schlegel 형제의 작품에서 나타납니다. 작가들은 고전주의자들처럼 신화화된 역사가 아닌 진실된 역사에 관심을 갖기 시작했습니다. 그러나 과거로의 전환은 종종 중세 시대의 이상화로 이어졌는데, 이는 아틀란티스의 이상적인 상태와 유사하다고 여겨졌습니다. 과거에 대한 관심은 현재를 거부하고 이상을 추구하는 것과 관련이 있었습니다.

6. 낭만주의는 주관성, 즉 창작 과정과 상상력에 대한 관심을 특징으로 하며, 문학 동화 장르는 주관성의 범위를 열었습니다.

영국 낭만주의.

18세기 후반부터 1830년대까지의 기간을 다룬다.

가장 초기의 낭만주의자는 W. Blake였습니다. 낭만주의의 전반부는 "Lake Schools"또는 "Leucists"의 시인 이름 인 Wordsworth, Coleridge, Southey와 관련이 있습니다. 그들은 받아들이지 않는 도시에서 벗어나려고 케직 호수 근처에 정착했습니다.

영국 낭만주의의 두 번째 시기는 바이런과 셸리를 문학에 도입하면서 시작됩니다.

모든 국가적 형태와 마찬가지로 영국 낭만주의는 일반적인 유형학적 사상과 국가적 정체성을 모두 갖고 있습니다. 물론 영국 작가들은 프랑스 혁명에 특별한 관심을 보였지만, 프랑스 혁명의 결과와 경제 위기로 인한 시대적 위기의식은 사회주의자들, 특히 오언의 가르침에 대한 관심을 자극했다. 대중의 불안(러다이트의 연설과 그들에 대한 재판)은 시적인 시와 폭정에 맞서 싸우는 모티프를 탄생시켰습니다. 영국의 낭만주의는 감상주의와 전낭만주의로 대표되는 전통을 갖고 있다. 영국 낭만주의에서 매우 인기 있는 사탄의 이미지는 밀턴의 시 "Paradise Lost"(17세기)에도 고유한 전통을 가지고 있습니다.

철학적 기초영국의 낭만주의는 홉스와 로크의 선정주의와 독일 철학자, 특히 칸트와 셸링의 사상으로 거슬러 올라갑니다. 스피노자의 범신론과 뵈메의 신비주의도 영국 낭만주의의 관심을 끌었습니다. 영국 낭만주의는 경험주의와 이상주의적 현실 개념을 결합하여 객관적인 세계(건물, 옷, 관습)의 묘사에 특별한 관심을 기울였습니다.

영국의 낭만주의는 합리성(바이런과 셸리의 시)으로 구별됩니다. 동시에 영국의 낭만주의는 신비주의와는 거리가 멀다. 영국 낭만주의의 견해 발전에서 중요한 역할은 Burke의 논문 "On the Sublime and the Beautiful"에서 이루어졌으며 De Quincey의 끔찍한 에세이 "Murder as a Form of Fine Art"도 숭고한 범주에 속했습니다. 이 에세이는 (바이런처럼) 소위 괜찮은 사회보다 도덕적으로 훨씬 더 높은 범죄 영웅들을 위한 문학의 길을 열었습니다. De Quincey와 Burke의 작품은 세상에 두 가지 영원한 반대 세력, 즉 선과 악, 악의 ​​무적 및 그 안에 이중성의 존재가 존재한다고 주장했습니다. 왜냐하면 악에는 항상 비대해진 마음이 부여되기 때문입니다. 영국 낭만주의의 등장인물 수에는 다양한 이름과 의인화된 이성을 지닌 사탄(블레이크부터 바이런까지)이 포함되었습니다. 이성의 숭배는 영국 낭만주의의 범주적인 특징 중 하나입니다.

새로운 문제의 세계적인 성격은 창의성과 상징주의의 신화를 불러일으켰습니다. 영국 로맨스의 이미지와 줄거리는 바이런 같은 무신론자들에게도 참고서였던 성경에서 따왔다.

바이런의 시 "Cain"은 성경 이야기를 재해석한 시입니다.

종종 영국의 낭만주의자들은 고대 신화에 눈을 돌려 이를 재해석했습니다(예를 들어 Shelley의 시 "Prometheus Unbound"). 영국의 낭만주의자들은 유명인사를 재해석할 수 있다 문학 과목예를 들어, 바이런의 시 "말프레드"에서는 괴테의 "파우스트"의 줄거리가 재작업되었습니다.

영국의 낭만주의, 우선 시, 서정시는 시인의 개성이 뚜렷하게 표현되어 있어 서정적 영웅의 세계와 작가 자신의 세계를 구별하기가 매우 어렵다.

시의 주제는 개인의 경험을 전달하는 것 외에도 바다나 배의 이미지와도 연관되어 있다. 영국은 해상 강국이다. 영국 낭만주의는 문학적 선언문인 Wordsworth의 "서정적 발라드" 서문, Shelley의 "시의 방어" 및 " 문학 전기» 콜리지. 새로운 단어가 나왔습니다 영어 낭만주의소설 분야에서. 월터 스콧(Walter Scott)은 역사 낭만 소설의 창시자로 간주됩니다.

조지 노엘 고든 바이런

Byron 작업의 첫 번째 기간은 1807-1809년입니다. 이 시기는 "Leisure Hours" 컬렉션과 풍자 "English Bards and Scottish Observers"가 탄생한 시기입니다. 이 시기 시인은 상원 활동을 준비하고 있었기 때문에 이 시집에는 시에 대해 다소 부주의한 태도의 흔적이 눈에 띈다. "Leisure Hours" 컬렉션은 날카로운 비판을 불러일으켰습니다.

이 시기의 특히 중요한 시는 “나는 자유로운 아이가 되고 싶다”라는 시이다. Byron 작품의 모든 주요 주제는 이 컬렉션에서 찾을 수 있습니다.

사회와의 대결

우정에 대한 실망(진정한 친구의 상실),

존재의 기초로서의 사랑,

비극적인 외로움

야생의 자연에 가깝고,

그리고 때로는 죽고 싶은 욕망도 있습니다.

그의 풍자 "English Bards and Scottish Observers"에서 Byron은 "호수 학교"시인들의 작업에 대해 매우 부정적으로 말합니다.

바이런의 두 번째 작품 기간인 1809-1816년에는 "해외 여행"(1809-1811), "귀족 가문의 젊은이들과 영국 생활의 필수품"이 포함됩니다. 여행하는 동안 그는 포르투갈, 스페인, 알바니아, 그리스를 방문했습니다. 1812년에는 "Childe Harold's Pilgrimage" 2곡이 등장했습니다. 이 시의 마지막 2부분은 오랜 공백 끝에 창작된 것으로 시 전체가 일종의 시인의 여행일기이다. 이 시 제목의 전통적인 번역은 완전히 정확하지 않으며 영어 버전에서는 번역이 순례, 여행 및 삶의 길이지만 러시아어 번역에서는 첫 단어만 사용했습니다. 순례는 성지로 이루어지며 시인이 자신의 영웅을 아이러니하게 만들고 있다고 생각하지 않는 한 바이런에는 없습니다. 바이런에서는 그의 영웅과 시인 자신이 여행을 떠나기 때문에 "Childe Harold 's Wanderings"시를 번역하는 것이 더 정확할 것입니다.

시의 시작 부분에는 이 장르에 내재된 서사적 특징이 보존되었습니다(처음에는 이 시가 서사시 장르였습니다).

바이런은 먼저 우리에게 해럴드의 가족과 그의 삶의 시작을 소개합니다. Harold는 19세입니다. 서사적이거나 사건이 많은 요소는 곧 서정적인 요소로 바뀌어 작가 자신의 생각과 분위기를 전달합니다. 따라서 바이런에게 시는 서정적 장르가 되는 반면, 서정적 평면과 서사적 평면은 어떤 식으로든 교차하지 않습니다. 시가 전개되면서 서사시는 배경 속으로 사라지고 끝으로 갈수록 완전히 사라진다. 마지막 4번 곡에서 바이런은 타이틀 캐릭터인 해롤드의 이름을 전혀 언급하지 않고 공개적으로 작품의 주인공이 되어 시 전체를 자신의 경험에 대한 서사로 전환시킨다.

이시는 과거의 사건에 대한 이야기로 당시 문학의 정신으로 구상되었으므로 중세 시대의 제목이었던 Childe라는 단어가 제목에 보존되었습니다. 젊은 귀족아직 기사 작위를 받지 못했습니다. 그러나 곧 시의 개념이 바뀌었고 시의 주인공은 바이런과 동시대인이 되었다. 이 시에는 나중에 '바이로닉(Byronic)'이라고 불리는 새로운 영웅이 등장했습니다.

19세 청년의 재산 목록:

1. 유휴 엔터테인먼트

2. 방탕

3. 명예와 수치심의 부족

4. 짧은 연애

5. 술친구들의 무리

우리는 도덕적 기준을 급격히 깨뜨리는 인물에 대해 이야기하고 있습니다. Harold는 그의 옛 가족을 불명예스럽게 만들었지만 Byron은 "그의 포만감이 말했다"라는 문구로 이미지를 약간 변경합니다. 채도는 낭만적인 개념이다. 낭만주의 영웅은 긴 진화의 길을 거치지 않고, 해롤드가 빛을 보았던 것처럼, 자신의 주변 환경을 진정한 빛으로 보기 시작하면서 빛을 보기 시작합니다. 이러한 인식은 Harold를 새로운 수준, 즉 마치 외부에서 온 것처럼 세상과 자신을 볼 수 있는 사람의 수준으로 끌어올립니다. 바이런의 영웅은 전통에 의해 확립된 규범을 위반하고 이를 따르는 사람들보다 항상 더 많은 자유를 누리고 있습니다. 바이런의 영웅은 확립된 경계를 넘어섰다는 점에서 거의 항상 범죄자입니다. 새로운 지식의 대가는 항상 외로움이며, 이러한 느낌으로 영웅은 여행을 떠납니다.

첫 번째 노래에서는 포르투갈이 독자 앞에 등장하고, 두 번째 노래에서는 알바니아와 그리스, 세 번째 노래에서는 스위스와 워털루 들판이 등장하며, 같은 노래에서는 나폴레옹의 주제가 나타나 모호하게 해결되는 네 번째 노래 이탈리아에 대해 말해줍니다. 3번과 4번 곡은 처음 두 곡보다 훨씬 더 작가의 서정적 일기를 나타냅니다. 바이런은 관습과 도덕에 대해 자세히 설명합니다. 낭만적인 풍경은 폐허, 요소, 이국적인 풍경이 어우러진 풍경입니다.

같은 단계에서 바이런은 소위 “동부 시”라고 불리는 “The Giaour”, “The Corsair”, “Lara” 등을 썼습니다. 이 시들은 영국 동부에서 이루어졌기 때문에 “Eastern”이라고 불렸습니다. 터키 근처 지중해의 이국적인 섬. 이 시들은 모두 강렬하게 발전하는 줄거리를 가지고 있으며 열정의 강렬함을 전달합니다. 열정, 복수, 자유가시의 주요 주제입니다. 모든 시의 주인공은 극대주의자이며, 절반의 척도, 절반의 책, 타협을 받아들이지 않습니다. 승리가 불가능하면 죽음을 선택한다. 영웅들의 과거와 미래는 모두 신비롭습니다. 구성적으로 동양시는 전통과 연관되어 있다. 발라드, 이벤트 표현의 일관성을 인식하지 않고 줄거리 개발에서 가장 강렬한 순간만을 전달했습니다. 사건 연대기 위반의 예는 "The Gyaur"에서 찾을 수 있습니다.

"갸우르"

이 시는 서로 다른 시기에 발생하는 서로 관련되지 않은 다양한 사건의 총합으로 구성됩니다. Gyaur는 "믿지 않는 사람"을 의미합니다. 개별 조각은 피날레에서만 연결됩니다. 수도원에 도착한 Gyaur는 Leila를 사랑한다고 말하면서 그녀와 함께 하렘에서 탈출하려고 준비하고 있었지만 음모가 발견되었고 그녀는 절벽에서 바다로 던져졌고 남편에게 복수했습니다. 사랑하는 여자를 죽여버리라고 명령한다. 그녀가 죽은 후, 화자에게 삶은 그 의미를 잃었습니다.

"해적"

'해적'에서는 사건이 순차적으로 전개되지만, 작가는 등장인물의 과거와 관련된 비밀을 간직하고 명확한 결말을 제시하지 않는다. 주인공은 해적 콘래드, 즉 법을 어긴 해적이자 바다강도이다. 우리는 그에 대해, 그가 왜 해적이 되었는지 아무것도 모르지만, 그가 교육을 받은 것은 분명합니다. 콘래드의 비극은 그가 오직 자신의 의지, 세상에 대한 자신의 생각만을 인식하고 폭정과 여론, 그리고 하나님이 정하신 법과 규칙에 반대하여 자신이 폭군이 된다는 것입니다. 바이런은 그의 영웅이 소수의 악에 대해 모든 사람에게 복수할 권리에 대해 생각하게 만듭니다. 셀림과의 싸움에서 그는 체포되어 처형됩니다. 자유를 박탈당한 그는 후회를 경험합니다. 그래서 바이런은 처음으로 그의 영웅이 자신의 판단의 정확성을 의심하게 만듭니다. 두 번째 실수는 자신을 사랑했던 술탄의 아내에 의해 풀려난 그가 돌아와서 자신을 구하러 달려오는 해적선을 목격했을 때 발생한다. 그는 자신이 이 사람들의 마음 속에 사랑을 창조할 수 있을 것이라고는 결코 상상하지 못했습니다.

이혼 후 아내에게 보낸 가장 비극적이고 서정적인 시 "용서"는 1815년으로 거슬러 올라갑니다. 이혼 후 바이런은 그에 대한 비방이 한창이던 1816년에 영국을 영원히 떠났습니다.

"만프레드"

1816년은 시인의 생애에서 가장 어려운 시기이다. 그는 올해의 일부를 스위스에서 보낸 후 이탈리아에 정착했습니다. 이때 그는 그의 시 "Manfred"를 쓴다. 바이런 자신은 자신의 시를 '극시'라고 부르지만, 세계를 묘사하는 방식에 있어서는 만프레드가 신비주의에 가깝고 철학적 드라마, 생각을 전달하는 주된 원칙은 상징주의입니다. 이 시의 등장인물은 모두 의인화된 사상이다. <만프레드>는 괴테 자신이 인정한 <파우스트>의 영향을 받아 쓴 작품이다. 그러나 바이런 자신은 비록 파우스트로부터 영감을 받았다고 해도 그것과는 거리가 멀었다.

그의 영웅 역시 흑마법사이지만, 영웅의 목표는 아름다운 순간을 찾는 것이 아니다. Manfred는 자신의 기억과 양심이 그를 비난하는 고통에서 벗어나려고 노력합니다. 그는 사랑하는 아스타르테의 죽음의 원인이며, 그의 그림자를 죽음의 세계에서 불러내어 용서를 구하고 싶어합니다.

작품의 주요 주제는 구원받을 수없는 죄책감에 대한 의식, 망각을 찾을 수 없다는 점에서 모든 것을 알고있는 엄청나게 외로운 사람의 고통입니다. 모든 액션은 알프스 정상의 비밀로 가득한 오래된 고딕 양식의 성에서 진행됩니다. 죽기 전에도 아스타르테의 용서를 받지 못한 만프레드는 회개하지 않습니다. "Manfred"는 자신의 마음과 의지의 힘으로 우주에 맞설 자격이 있다고 생각하는 강력하고 외로운 개인에 대한 바이런의 마지막 시입니다.

이것은 인간의 이기심과 개인주의가 범죄를 저지르는 마지막 작품이다.

이탈리아 시대(1816-1824)는 아이러니한 세계관의 출현과 도덕적 대안, 즉 개인주의적 대안을 모색한 시기였습니다.

특히 중요한 것은 "Don Juan"구절의 소설과 미스터리 "Cain"입니다.

미스터리는 성경 본문을 기반으로합니다. 바이런은 줄거리의 근거를 그대로 유지했습니다: 가인의 희생은 하나님께서 받아들이지 않으셨고, 그는 원한을 품고 하나님을 기쁘시게 했던 그의 형제를 죽였습니다.

성서는 가인을 시기심이 많은 최초의 사람이자 하느님께 반역한 살인자로 묘사합니다.

성경은 동기 부여의 심리학을 제공하지 않습니다. 바이런은 이 음모를 깨고 그 안에서 무분별한 순종과 인간 생각의 자존심 사이의 갈등을 봅니다. 바이런은 처음으로 폭군(신)을 개인주의자가 아닌 이타주의자와 대조합니다. 가인은 자신이 하나님의 폭정에 반대할 뿐만 아니라 모든 사람을 죽음으로부터 구원하기 위해 죽음의 신비를 풀려고 노력합니다.

여기서 개인주의는 더 높은 권력의 폭정에 반항하고 패배했지만 폭군에게 복종하지 않은 천사인 루시퍼로 대표됩니다. Lucifer는 여러 개인을 대표하며 그 중 마지막 사람은 Manfred였습니다.

1막 1장부터 바이런은 세계와 이 세계를 지배하는 힘에 대한 다양한 아이디어와 아이디어의 긴장된 결투를 벌입니다. 아담과 하와와 아벨이 하나님을 찬양한 기도에 이어, 공동찬양에 참여하지 못한 아담과 가인의 대화가 이어집니다. 가인은 하나님이 전지하신지, 전능하신지, 선하신지 묻는 질문에 사로잡혀 있습니다. 테스트하기 위해 그는 꽃과 과일을 희생합니다. 하나님께서는 가인의 피 없는 제물은 받지 않으시고, 아벨이 하나님의 이름으로 어린양을 죽인 피의 제물은 받으십니다.

가인은 하나님의 제단을 파괴하고 싶었지만 아벨은 자신에 대한 권력을 잃고 사람들의 눈이 멀었음에 분노하여 자신을 변호했습니다. 그는 모든 사람을 구하고 싶었던 죽음을 가져온 첫 번째 형제를 죽였습니다. .

주로 어머니에게 저주를 받아 아벨을 죽인 그는 집에서 쫓겨나고 알려지지 않은 것이 그와 그의 가족을 기다리고 있습니다.

제일 무거운 처벌그의 범죄를 반복할 수 있는 자신과 사랑하는 사람들에 대한 영원한 의심에 대한 그의 회개이자 운명입니다. 폭군 신은 무적이며, 삶과 죽음의 비밀을 알 수 없으며, 범죄를 저질렀습니다.

새로운 추세가 나타나고 있지만 인간과 더 높은 권력 사이의 갈등은 해결되지 않은 채 남아 있습니다. 더 높은 권력에 대한 반역자는 자신을 위해서만 말한 것이 아닙니다. 가인은 영적으로 자유로운 사람이 되기를 바랄 뿐인데, 범죄로 인해 망가진 가인은 과연 영적으로 자유로워질 수 있을까요?

프랑스 낭만주의.

프랑스 낭만주의는 1789년 프랑스 혁명에서 태어나 두 번의 혁명을 더 겪었습니다.

프랑스 혁명 1단계: 1800-1810.

2단계: 1820-1830

그러나 J. Sant와 V. Hugo와 같은 낭만주의의 창의적인 길은 이러한 틀을 뛰어 넘었습니다. 프랑스 회화낭만주의는 1860년까지 생존했다.

놀라운 격변과 혁명을 겪은 나라에서 낭만주의 1단계에 실질적으로 줄거리 지향성이 없는 작품이 등장한다는 점이 흥미롭다.

분명히 국가는 현실의 재앙에 지쳤습니다. 작가들의 관심은 감정의 영역에 쏠려 있으며 이는 단순한 감정이 아니라 가장 높은 표현은 열정입니다.

1단계에서는 프랑스 낭만주의셰익스피어는 우상이 됩니다. 1790년에 Germain de Smal은 "개인과 국가의 행복에 대한 열정의 영향"이라는 논문을 썼습니다.

르네 샤토브리앙(Rene Chateaubriand)은 그의 저서 "기독교 천재" 섹션에서 "열정의 모호함에 대하여"를 다루고 있습니다.

1위는 사랑의 열정이 차지했다. 사랑은 결코 행복한 것으로 표현되지 않으며 고통의 이미지, 완전한 정신적, 영적 외로움과 결합됩니다.

Chateaubriand의 소설 "René"에는 소위 애도 영웅들이 등장하며 영국과 러시아의 문학을 통과하여 불필요한 사람들이라는 이름을 받게됩니다.

외로움과 무의미한 에너지 낭비라는 주제는 Senancourt와 Musset의 소설에서 주요 주제가 될 것입니다.

현실과 화해하는 방법으로서의 종교라는 주제는 Chateaubriand의 작품에 등장합니다. 독일 낭만주의 사상을 프랑스인과 아는 것이 중요한 역할을 했습니다. 독일뿐만 아니라 미국과 동양에서도 큰 관심이 있습니다. 프랑스 낭만주의의 영웅은 종종 예술과 관련된 사람들이었습니다.

Germaine de Staël의 소설 "Karinna"에서 음악은여 주인공의 주요 취미였습니다. 또 다른 주제의 출현은 여성 해방이라는 주제인 Germaine de Staël의 작업과 관련이 있습니다. 작가가 자신의 소설에 여성의 이름(“Karinna”, “Delphine”)을 붙인 것은 우연이 아닙니다.

프랑스 낭만주의의 두 번째 단계에서는 앞서 설명한 경향이 발전하지만 주제와 구현 방법에 변화가 발생합니다.

이 단계에서 드라마가 발전한다. 대부분의 로맨틱 드라마에 내재된 멜로드라마는 최고조에 이르고, 열정은 동기를 상실하며, 줄거리 전개는 우연에 좌우됩니다. 이 모든 것은 인간의 생명이 그 가치를 잃고 언제든지 죽음이 모든 사람을 기다리고 있던 혁명의 이전 역사적 단계의 세부 사항에서 태어났습니다.

역사소설과 드라마가 문학에 등장한다.

빅토르 위고 <노트르담>, <레미제라블>, <93>, <웃는 남자>.

역사 드라마의 작가는 Hugo와 Musset이지만, 역사 소설과 역사 드라마의 주요 관심은 항상 일어나고 있는 일의 도덕적 의미에 맞춰져 왔습니다. 국가 역사보다 사람의 영적 내면 생활이 더 중요하다는 것이 밝혀졌습니다.

프랑스의 역사 장르는 W. Scott의 영향을 받아 발전하고 있습니다. 그러나 역사적 인물을 소설 제목으로 삼지 않았던 그와는 달리, 프랑스 작가들은 역사적 인물을 주인공으로 소개한다. 프랑스인들은 민중의 주제와 역사에서의 그들의 역할에 관심을 돌렸습니다. 혁명 이전에도 발생한 사회 생활의 해결되지 않은 많은 문제는 문학에서 사회주의자 피에르 메루, 성 시몬의 가르침에 대한 관심을 불러일으켰습니다.

V. Hugo와 J. Sant는 소설에서 과거뿐 아니라 현재에 대한 자신의 생각을 반복적으로 언급합니다. 여기서 낭만적 시학은 사실주의 시학으로 풍성해집니다.

1830년 이후 프랑스 로맨스분석하는 경향이 있습니다. 소위 격렬한 문학이 등장합니다 (V. Hugo는 "사형 선고를받은 남자의 마지막 날"이라는 이야기를 씁니다). 이 문헌의 특이성은 일상생활의 극한 상황에 대한 설명에 있습니다. 단두대, 혁명, 테러, 사형이라는 주제가 이 작품의 주요 주제입니다.

빅토르 위고

유럽 ​​낭만주의의 가장 중요한 작가. 그는 세계와 그 속에서 시인의 위치에 대한 인식이 낭만주의자였습니다. 휴고는 시인으로서 창의적인 경력을 시작합니다.

1개 컬렉션: “송시”(1822)

2 컬렉션 "송시와 발라드"(1829)

첫 번째 컬렉션의 이름은 야심 찬 시인과 고전주의의 관계를 나타냅니다. 1단계에서 휴고는 사랑과 집 사이의 갈등을 묘사하는 데 몰두하는데, 그의 스타일은 매우 한심하다.

세 번째 컬렉션("Eastern")의 소재는 동양의 이국성과 그림 같은 느낌으로 프랑스에서 큰 인기를 끌었습니다.

'크롬웰'은 V. 휴고의 첫 드라마다. 주제를 선택한 것은 이 영국 정치인의 특이한 성격 때문이었습니다. 가장 중요한 것은 드라마 자체가 아니라 드라마의 서문이었다. 서문의 아이디어는 전체 낭만주의 운동에 중요하며, 역사주의의 종말, 그로테스크의 문제, 현실 반영의 원리, 일종의 예외로서의 드라마의 특수성과 관련이 있습니다. 낭만주의 역사주의와 낭만주의 변증법은 사회와 문화 발전에 대한 휴고의 생각의 기초가 됩니다. 전체적으로 휴고의 시대화는 의식의 발달만큼 사회적 관계의 변화에 ​​크게 영향을 받지 않습니다.

Hugo에 따르면 3개 시대:

1) 원시

2)골동품

그의 의견으로는 1단계에서는 의식이 아니라 감정이 깨어나고, 이와 함께 시가 생겨난다고 생각합니다. 사람은 자신의 기쁨만을 표현할 수 있고, 찬송가와 송가를 짓는데, 이것이 바로 성경이 탄생한 방식입니다. 여기서 신은 여전히 ​​미스터리이며, 종교에는 교리가 없습니다.

고대 단계에서 종교는 특정 형태를 취하고 민족의 이동과 국가의 출현은 서사시를 낳으며 그 정점은 호머의 작품입니다. 이 단계에서는 배우가 서사시의 내용을 무대에서 다시 이야기하기 때문에 비극조차도 윤리적입니다.

조야하고 피상적인 이교가 인간의 이중적 본성을 보여주는 영성 종교로 대체되면서 새로운 시대가 시작됩니다. 육체는 죽고 영은 영원합니다. 기독교의 출현과 함께 발생한 이중성 개념은 윤리학 및 미학 분야 모두에서 휴고의 전체 견해 체계를 관통하게 될 것입니다.

따라서 문화를 강조함으로써 Hugo는 신념과 예술의 형태로 나타나는 의식을 포착합니다. 세계의 이중성에 대한 생각은 두 가지 경향, 즉 갈등의 투쟁이 지배하는 새로운 종류의 예외적인 드라마를 만들어냅니다. 이중성이라는 아이디어는 Hugo의 모든 미적 구성의 기초가됩니다. 이 드라마는 비극과 코미디를 결합한 작품이다. 셰익스피어의 작품은 드라마의 정점으로 간주됩니다.

휴고는 그로테스크 문제에 특별한 관심을 기울인다. Hugo에서는 그로테스크에 대한 그의 논문에서 대조가 나타납니다. 그는 그로테스크한 ​​것과 추한 것을 결합하지 않고, 그것을 숭고한 것과 대조시킨다.

Hugo에 따르면, 그로테스크한 ​​것(심지어 고대의 것까지도)은 추악함을 전달할 뿐만 아니라 이미지를 "위대함이나 신성함의 안개"로 둘러쌉니다. 휴고에 따르면, 세상의 모든 다양성을 포함하여 그로테스크는 숭고함 다음으로 중요합니다. 드라마 <크롬웰>의 주인공마저도 기괴한 인물로 드러나는데, 그의 캐릭터는 양립할 수 없는 특성들을 결합하여 로맨틱하고 파격적인 캐릭터를 만들어낸다. 휴고의 영웅들(콰지모도, 장 볼장, 드 피엔느)은 그의 낭만적 이해가 기괴하다.

휴고는 드라마의 기본법칙이 담겨 있는 행위의 단위만이 존재할 권리가 있다고 믿고 3단위의 문제에 상당한 관심을 기울였다.

"에르나니"

"에르나니"는 휴고의 중요한 작품 중 하나입니다.

Ernani에서 행동 기간은 하루 이상으로 상당히 길어지고 행동 장면은 끊임없이 변화하지만 그는 열정적으로 행동의 통일성을 고수합니다. 사랑과 명예의 갈등은 모든 캐릭터를 연결하고 음모의 엔진입니다. 젊은 Dona de Sol에 대한 사랑은 Hernani, King Carlos, Duke de Silva를 무너 뜨리고 사랑의 경쟁을 불러 일으킬뿐만 아니라 명예와도 관련이 있습니다. Hernani의 명예 (왕으로부터 권리를 박탈당한 그는 아라곤의 왕자 임)는 그가 Carlos 왕에게 복수하고 그의 생명을 구한 de Silva에게 복종하도록 요구합니다. De Silva는 가족의 명예를 위해서는 박해받는 사람들에게 피난처를 제공해야하기 때문에 그를 미워하면서 라이벌을 배신하지 않습니다. 황제가 된 카를로스 왕은 적들을 용서해야 한다고 믿습니다. Doña de Sol은 단검으로 자신의 명예를 지켜야 했습니다.

명예의 문제는 모든 장면에서 끊임없이 나타나며 심지어 결혼식의 피날레에서도 드 실바는 에르나니에게 명예의 의무를 다하고 목숨을 바칠 것을 요구합니다. 드라마는 Hernani와 Doña Sol의 죽음에 관한 것입니다. 하지만 드 실바도 사랑의 승리를 이해하고 자살하기도 한다.

따라서 열정의 힘이 각 영웅의 행동을 결정합니다. 그러나 고전주의의 비극에서 왕이 최고의 정의를 지닌 사람이라면 Hugo에서는 강도 Hernani입니다.

"노트르담 대성당"

도덕적 문제와 행동의 극적인 긴장은 역사 소설 노트르담 드 파리의 중심에 있습니다. 이것은 휴고의 첫 번째 중요한 소설이다. 이 사건은 1482년으로 거슬러 올라갑니다. 거의 모든 캐릭터는 허구입니다. 루이 11세는 사건의 전개에 영향을 미치지 않으며 서문에서 그는 대성당 벽에 붙은 신비한 비문에서 소설을 창작하려는 아이디어가 촉발되었다고 썼습니다. 그것은 바위를 뜻하는 그리스어였습니다. 휴고는 운명의 3가지 형태, 즉 법의 반석, 교리의 반석, 자연의 반석을 보았습니다. 휴고는 이 소설에서 교리의 운명에 대해 씁니다. 그는 소설 <레미제라블>에서 법의 운명에 대해 글을 쓸 예정이며, <바다의 토일러스>에서는 자연의 운명이 반영될 예정이다.

노트르담 드 파리에는 클로드 프롤로, 종치기 콰지모도, 거리의 무용수 에스메랄다 세 명의 주인공이 있습니다. 그들 각각은 인간의 본성을 왜곡하고 아름다운 것 속에서 죄악만을 보게 만드는 운명, 즉 종교적 교리나 미신의 희생자입니다.

Claude Frollo는 소르본느의 4개 학부를 졸업한 고등 교육을 받은 사람입니다. 그는 사원 근처에서 콰지모도를 발견했습니다. 프롤로는 그 못생긴 아이에게서 불행한 사람을 본다. 그에게는 중세의 미신(즉, 당시의 미신)이 없습니다. 그러나 신학을 공부하면서 그는 추악한 운명에 처하게되었고 여성의 악덕과 예술의 악마적인 세력만을 보도록 가르쳤습니다. 스트리트 댄서에 대한 사랑은 증오로 나타납니다. 그 때문에 에스메랄다는 교수대에서 죽었습니다. 꺼지지 않는 열정의 힘이 그를 불태운다. 외모가 역겨운 콰지모도는 미신을 믿는 군중이 악마의 자식이라고 생각하며 자신을 두려워하고 조롱하는 사람들을 미워하는 데 익숙합니다.

집시들 사이에서 자라서 그들의 관습에 익숙해진 에스메랄다는 영적인 깊이가 결여되어 있다. 대비와 그로테스크의 기술은 이미지 시스템 생성의 기초가 됩니다.

그녀는 아름다운 군복을 입은 하찮은 군인을 사랑하지만, 추악한 콰지모도 자신을 위한 희생적인 사랑을 감사하지 못한다.

캐릭터도 그로테스크할 뿐 아니라 대성당 자체도 그로테스크하다. 대성당은 성취한다 이념적 구성, 연대순 기능. 대성당은 또한 철학이며 사람들의 역사가 반영됩니다. 모든 작업은 대성당 내부 또는 근처에서 이루어집니다. 모든 것이 대성당과 연결되어 있습니다.

<레 미제라블>, <바다의 노동자들>, <웃는 남자>, <93>

중요한 작품으로는 1860~70년에 창작된 소설이 있습니다. <레 미제라블>, <바다의 노동자들>, <웃는 남자>, <93>.

"Les Miserables"는 시간이 지남에 따라 확장된 대형 서사시 캔버스로, 다양한 계층의 삶의 장면을 포함하여 10년에 걸쳐 이벤트가 워털루 필드 근처 지방 도시의 여러 장소로 침투합니다.

소설은 주인공 Jean Voljean의 이야기에 초점을 맞추고 있습니다. 배고픔에 빵 한 개를 훔쳐 19년 동안의 노역을 했다는 사실에서 시작된다. 그가 고된 노동으로 영적으로 망가진 사람이 되었다면 그는 모든 것과 모든 사람을 미워하며 그 형벌이 죄의 몇 배나 더 크다는 것을 깨달았습니다.

선과 악의 갈등이 이 소설의 핵심이다.

미리엘 주교를 만난 후, 전 죄수는 다시 태어나 선한 일만 하기 시작했습니다. 보편적 평등과 번영이라는 생각에 사로잡힌 그는 마들렌 씨라는 이름으로 한 도시에 가난한 사람이 없어야 하고 도덕성이 모든 것에서 승리해야 하는 일종의 사회적 유토피아를 만듭니다. 그러나 그는 심지어 가장 높은 사상의 절대화도 고통을 초래할 수 있다는 것을 인정해야 합니다. 카제타의 어머니 판틴은 이렇게 죽는다. 사생아의 어머니이자 넘어진 사람인 그녀는 부도덕이 엄중하게 처벌되는 시장 공장에 자리가 없기 때문이다. 그녀는 다시 거리로 나가 그곳에서 죽는다. 그는 모든 사람의 행복을 창조하는 데 실패했기 때문에 Kazeta의 아버지가 되기로 결정했습니다.

소설의 주요 의미는 법의 교리 인 Jean Voljean과 Jover (경찰관)의 대결입니다. Jover는 처음에는 열심히 일하기 시작했고 그 다음에는 경찰관으로 일했습니다. 그는 항상 모든 일에서 법의 조항을 따릅니다. 다시 범죄를 저지른 전과자(다른 이름)로 볼잔을 추적함으로써 그는 전과자가 변한 지 오래되었기 때문에 정의를 위반한다. 그러나 경찰관은 범죄자가 자신과 법보다 도덕적으로 우월할 수 있다는 생각을 이해할 수 없습니다.

Jean Voljean이 바리케이드에서 Jover를 풀어주고 부상당한 Marios(Cazeta의 연인)를 구하고 경찰의 손에 자신을 넘겨준 후 Jover의 영혼에 전환점이 일어납니다.

Hugo는 Jover가 평생 정의의 노예였다고 썼습니다. 법을 이행하면서 Jover는 자신이 옳고 그른지 논의하지 않습니다. Jover는 자살하고 Jean Voljean을 석방합니다.

소설의 결말은 신성한 정의의 승리와 존재를 분명하게 확인하지 않습니다. 신성한 정의는 이상적으로만 존재합니다. Jover는 Jean Voljean을 구하고 죽지만 이것이 Jean Voljean을 행복하게 만들지는 않습니다. 카제타와 마리오스의 행복을 창조한 그는 그들에게 버림받았다. 그가 죽기 전에야 그들은 이 사람의 모든 일에 대해 알게 됩니다. 장 볼장(Jean Voljean)과 조버(Jover)는 대비의 원리를 바탕으로 만들어진 기괴한 인물입니다. 위험한 범죄자로 여겨졌던 사람이 알고보니 고귀한 사람. 평생을 법대로 사는 사람은 모두 범죄자입니다. 이 두 인물 모두 도덕적 붕괴를 겪고 있습니다.

"웃는 남자"

작가는 자신과 관련된 문제를 가장 일반화된 형태로 해결하며, 이는 그가 등장인물에게 부여하는 이름에 반영됩니다. 사람은 Ursus라고 불리며 곰이지만 늑대는 Homo (남자)라고 불립니다. 소설의 사건은 이러한 이름의 타당성을 확인합니다.

이국적인 것에 대한 낭만적인 욕망은 중세 시대에 대중을 즐겁게 하기 위해 어린이들을 절단한 소위 comprachicos의 행동 이야기에서와 같이 지난 세기 영국의 관습에 대한 설명에서 나타납니다. 부스.

“93년”(1874)

마지막 소설. 프랑스 혁명의 비극적인 사건을 기리는 작품입니다. 러시아어 번역에서는 제목에 "연도"라는 단어가 나타 났지만 프랑스어의 경우 숫자 93이 그 자체를 나타냅니다.

소설에서는 인물을 단순화하고 상징을 통해 자신의 생각을 표현하려는 작가의 욕구가 보존되고 솟아난다.

이 사건은 공화당 군대가 왕족파에 맞서 싸우는 방데(Vendée)의 자코뱅 테러(Jacobin Terror) 중에 발생합니다. 군대의 수장은 군인들의 사랑을 받는 젊고 재능 있는 고빈입니다.

왕실주의자 중에서 Lantenac 후작은 똑똑하고 공정하며 엄청나게 잔인합니다. 상황의 복잡성은 Gauvin이 출생 시 Lantenac의 조카라는 것입니다. Gauvin은 그를 영적인 아들로 여기는 공화당 Cimourdain에 의해 자랐습니다.

Cimourdain은 Gauvin을 감시하기 위해 파견되며 그가 민사 의무를 위반하면 그를 처형해야 합니다. 피날레에서 지역 전체에 피를 쏟은 Lantenac은 한 가지 선행을합니다. 그는 다른 사람들의 아이들을 불 속에서 죽음으로부터 구하고 이로 인해 Gauvin의 손에 붙잡 힙니다. 고빈은 아이들을 구하다 붙잡힌 남자를 처형하지 못하고 그에게 탈출할 기회를 준다.

이를 위해 Simurden은 제자를 처형해야 하지만 가장 가까운 사람의 죽음에서 살아남지 못하고 자살합니다.

사회적인 것이 개인적인 것과 얽혀 있기 때문에 상황은 풀리지 않는 것 같습니다.

소설은 단두대와 어머니라는 두 인물이 지배합니다. 모든 이벤트는 단두대와 란테낙에게 빼앗긴 아이들을 찾는 어머니를 배경으로 진행됩니다. 어머니와 길로틴이 결승전에서 만납니다. Simurdain과 Gauvin은 단두대에 희생되어 정의의 이름으로 죽습니다. Cimourdain의 자살은 Jover의 죽음과 유사합니다. 둘 다 인류를 제외하고 집에 대한 생각을 스스로 극복할 수 없었습니다.

독일 낭만주의

예나 무대

독일 낭만주의는 발전 과정에서 여러 단계를 거쳤습니다.

1) Jensky (전통적으로 1797-1804년)

2) 하이데일베르크(1804년)

Friedrich 형제와 August Wilhelm Schlegegli, Novalis, Ludwig Tieck, Friedrich Wilhelm Schilling, Friedrich Schleielmarcher, Herderlin. Jena Romanticism의 주요 프로그램 문서는 F. Schlegel의 "Critical Fragments", Schlegel 및 Novalis의 "Fragments"였습니다.

낭만주의자들은 정신과 물질의 본질, 일반과 특수 사이의 연결, 변증법, 세계를 이해하고 이상에 접근할 수 있는 가능성에 관심이 있습니다. 그들은 우주 체계에서 자연, 종교, 신, 도덕의 위치는 물론 지식 체계에서 논리와 상상력의 역할을 이해하고 싶었습니다. 그리고 철학, 과학, 예술의 결과로서의 연관성을 확인합니다.

지식(실링)의 가장 높은 형태는 철학과 예술이다.

예술적 창의성의 무한한 가능성에 주목한 실링은 창작 과정에서 의식과 무의식의 통일성을 처음으로 본 사람이었습니다. 그는 모든 예술 작품에는 무한한 해석이 가능하다고 말했습니다. 따라서 철학은 예술의 중요한 속성, 즉 다의성을 드러냅니다. 실링은 예술이 사람을 자연과 원래의 정체성으로 되돌려준다고 말했습니다.

낭만주의의 새로운 특성은 역사에 대한 관심, 사고의 역사주의입니다. 그러나 역사적 낭만주의는 구체적이다.

Jents는 종종 사회 발전의 3단계에 대해 이야기했습니다.

1) 황금시대는 인간이 의식의 저개발로 인해 자연으로부터 고립되지 않았을 때 존재했습니다.

2) 의식이 발달함에 따라 사람은 자연과 분리되어 자연을 정복하려고 시도하며 적대적이됩니다.

3) 새로운 황금시대는 (미래에) 가능하다. 영적 발전사람은 자연의 아름다움과 위대함을 알게 될 것이고, 그녀는 그의 친구가 될 것이고, 조화가 일어날 것이지만, 새로운 조건에서, 즉 자연적으로 사람은 자연으로 내려 가지 않고 높은 발전을 통해 자연으로 올라갈 것입니다. 사랑하는 능력은 사람을 고양시키고 그를 자연에 더 가깝게 만듭니다. 음악은 독일 낭만주의에서 특별한 의미를 가지며, 종종 음악가가 영웅이 되거나 낭만주의자들이 소리 그림을 만듭니다.

2단계: 하이델베르그 단계

19세기의 첫 10년은 독일 낭만주의에 변화를 가져왔습니다. 노발리스와 바켄로더가 죽고, 헤르덜린은 광기에 빠지고, 슐레겔 형제의 철학과 셸링은 변화합니다. 노발리스의 '푸른 꽃'은 꿈으로 남겠지만, 꿈 자체를 대하는 태도가 달라졌다. 예나 낭만주의 철학자들의 자리는 민속 예술을 수집하고 출판하는 데 관심을 돌린 하이델베르그 철학자들이 차지했습니다. 이 단계에서 민속으로의 전환은 현실로부터의 도피가 아니라 국민적 자의식을 일깨우는 도구였다.

일반적으로 하이델베르그 서클의 활동 시작은 1804년으로 간주되지만 이 시기의 작가들은 자신의 존재를 더 일찍 알렸습니다.

예나 낭만주의자들이 아름답고 보편적인 것을 향한 꿈을 가지고 있다면, 하이델베르그 사람들은 처음부터 구별할 수 없는 세상의 모순을 느낍니다.

비극은 나폴레옹 캠페인이 독일에 가져온 전쟁과 파괴로 인해 더욱 심화되었습니다. 이 시대 예술에 죽음, 피, 가족의 죽음, 좋은 감정의 파괴, 깨진 성격, 인간 관계의 부자연스러움 등 바로크적인 특징이 나타나는 것은 우연이 아닙니다. 이 운동은 Achim von Arnim과 Clemens Brentano가 주도했습니다. 하인리히 폰 클라이스트(Heinrich von Kleist)와 요제프 폰 아이헨도르프(Joseph von Eichendorff)가 같은 그룹에 합류했습니다. 그림 형제(야곱과 빌헬름)는 특별한 위치를 차지합니다. 호프만은 어떤 협회에도 가입하지 않았으며 독일에서 낭만주의 발전을 완성했습니다. 그의 작품은 독일 낭만주의의 위기를 반영한다.

새로운 단계에서는 Arthur Schopenhauer의 새로운 철학이 등장하고 있으며, 그의 중심 작품 "의지와 이념으로서의 세계"에서 인간은 무자비하고 무의식적이며 무작위로 발생하는 세계에 존재한다고 주장합니다.

사랑의 느낌은 쇼펜하우어의 동정심으로 대체됩니다. 사랑은 종의 번식을 촉진하기 위해 자연이 만들어내는 신기루이기 때문입니다.

노발리스에게 새로운 삶, 새로운 완전함으로의 전환이었던 죽음은 쇼펜하우어의 작품에서 생명을 주는 힘을 잃고 죽음에 대한 고통스러운 그리움의 끝입니다. 쇼펜하우어에 따르면 세계 자체는 인간이 상상할 수 있기 때문에 존재한다. "세상은 내 생각이다." 모든 낭만주의자들과 마찬가지로 Schopenhauer는 사람에게 세상의 본질에 대해 알려주는 음악을 높이 평가했습니다.

Schopenhauer는 천재의 교리를 개발했지만 Jensen 사람들이 천재에서 가장 높은 창의적 원리 인 조화의 구체화를 본다면 Schopenhauer는 천재의 기초가 병리라고 주장했습니다.

Schopenhauer의 철학은 Arnim, Kleist 및 Hoffmann의 작품에 반영되었습니다.

안에 후기 낭만주의실제 현실과 실제 사람들이 나타납니다. 영웅들은 평범한 물질적 환경에서 일상의 고민을 안고 교사, 학생, 상인이 됩니다. 이것은 마법사, 환상의 영지와 인접해 있습니다.

따라서 Biedermeier 스타일의 출현은 이때로 거슬러 올라갑니다. 이 스타일의 본질은 평범한 환경에서 평범한 사람들을 묘사하는 것입니다.

1806년 이후 하이델베르그는 예나 낭만주의 이미지를 새로운 방식으로 해석하기 시작했습니다.

예술은 낭만주의자들에 의해 영적, 물질적 원리의 종합으로 인식되었습니다. 예술가 자신이 신화를 창조한다. 예술가는 낭만주의의 이 단계에서 결실을 맺는 것으로 인식되는 초기 혼란을 조직할 권리가 있습니다(Schilling).

신화 만들기의 특징은 Novalis와 Heidelbergers에 내재되어 있습니다. Schelling은 합성 아이디어를 확인하고 낭만적 아이러니 이론을 발전시킵니다. 낭만주의자들은 이성의 도움만으로는 세상을 이해하는 것이 불가능하다고 말했습니다.

Schilling은 Fichte를 따라 인지의 주요 도구를 지능, 직관 및 생산적 묵상으로 명명합니다(초월이라는 개념은 국경을 넘는 전환입니다. 직관과 묵상은 진실에 더 가까워질 가능성을 만듭니다). 낭만주의 영웅들은 항상 외부 사건을 통해서가 아니라 강렬한 영적 삶을 통해 자신의 삶을 성찰합니다.

유치한 순진함으로만 세상을 생각할 수 있습니다. 낭만주의에 대한 아이들의 인식이 시적인 것과 유사하다는 것은 우연이 아닙니다. 묵상은 과학적 논리적 지식에 반대됩니다. 묵상은 자연, 개인의 내면 "나"에서 나오는 충동에 대한 감정적 인식과 관련이 있습니다.

묵상은 별도의 행위로 나뉩니다.

Schlegel: 각각은 그 자체로 고립되어 있고 서로 연결되지 않은 단일 감각입니다.

이것이 새로운 장르, 즉 단편을 위한 철학적 전제조건이 발생하는 방식입니다.

인식의 단편화라는 관념은 낭만주의 세계관과 낭만주의 미학의 기본 원리가 될 것이다. 노발리스와 슐레겔의 철학적, 미학적 작품을 '조각'이라고 부르는 것은 우연이 아닙니다. 예나 사람들은 조각의 사슬로 예술 작품을 구성합니다. 묵상과 통찰의 개념은 철학자(Schleielmacher 및 Schelling)의 아이디어를 기반으로 합니다.

그들은 엄격한 논리 법칙에 의해 제한되지 않고 사물과 현상의 자유로운 연결을 기반으로 하며 현실과 관련되지 않은 사건과 상상의 사건을 통합할 수 있습니다.

정치적 상상력은 예술을 규범, 금지, 낡은 형식으로부터 해방시킵니다. 따라서 고전주의에 의해 금지되었던 창의성의 자유, 장르와 예술의 통합이 가능해졌습니다.

에른스트 호프만

성격은 보편적입니다. 그는 자신을 음악가로 인식했으며 재능 있는 작곡가, 연주자, 지휘자였습니다. 그는 음악 선생님이었습니다. 그는 작가로서 세계적인 명성을 얻었고, 법학을 공부하고 한동안 변호사로 일했으며 예술가, 화가, 장식가로서의 재능을 갖고 있었습니다. 동시대 사람들은 그의 놀라운 스토리텔링 능력에 주목했습니다.

첫 번째 단편소설(동화 'Cavalier Gluck')은 그가 특히 존경했던 작곡가의 개성을 다룬 작품입니다. 이 이야기는 "칼롯 방식의 환상" 컬렉션에 포함되어 있습니다. Callot는 프랑스의 그래픽 아티스트이자 기발한 판타지 그림의 작가입니다. Callot의 대담한 상상력은 그의 작품이 낯선 것과 친숙한 것을 결합했기 때문에 Hoffmann을 매료시켰습니다.

"Callot 방식의 환상"에는 작가의 두 번째 "나"인 작곡가 Kreisler의 삶의 단편 일뿐만 아니라 음악과 음악가에 관한 기사 인 동화와 2 개의 "Kreislerians"라는 단편 소설이 포함됩니다.

동화 "Cavalier Gluck"(1809)는 작가의 "영혼의 유령 왕국"을 독특하게 재현한 동시에 두 갈래로 갈라진 세계의 통일성을 환상적인 형태로 전달합니다. 주인공은 자신을 작곡가라고 부릅니다. Gluck은 최고의 예술인 음악이 좋은 저녁 식사 후에 필요한 디저트와 같은 것으로 변하는 현실 세계에 급격히 반대합니다.

실제 Gluck은 1787년에 사망했지만 Hoffmann은 그와의 만남을 재현하고, 그가 피아노로 연주하는 것을 듣고, 과거와 현재의 음악에 대해 이야기합니다. 독자는 그것이 정말로 Gluck인지, 아니면 묘사된 모든 것이 단지 화자의 상상에 불과한 것인지에 대해 여전히 의구심을 갖고 있습니다. 놀라운 현상에 대한 이중 설명의 원리는 호프만 시학의 가장 특징적인 특징 중 하나가 될 것입니다.

Novalis를 따르고 동시에 그와 논쟁을 벌이는 Hoffmann은 음악가와 음악의 본질을 드러내는 해바라기라는 자신의 상징을 만듭니다. 하지만 해바라기는 식용으로 재배되는 식물입니다. 노발리스에게 푸른 꽃은 철학적 추상입니다.

해바라기는 항상 태양을 향하지만, 호프만의 글루크는 최고의 작품을 만들 때 태양을 향합니다. 독일어로 번역하면 해바라기는 "맑은 꽃"을 의미합니다. 창의적 원리로서의 태양이라는 주제는 Novalis에게 창의성의 기초였던 밤, 황혼의 주제와 반대됩니다. Hoffman은 밝은 색상, 일광을 좋아하며 밤은 그에게 위험과 파괴로 가득 차 있습니다. Hoffman이 어둠의 세력의 승리에 대해 이야기하는 컬렉션을 "Night Stories"라고 부르는 것은 우연이 아닙니다.

동화 "황금 냄비"(1814)는 작가의 걸작 중 하나이며 그의 세계관과 가장 중요한 미학적 원칙을 모두 표현합니다. 호프만에 관해 말하면서 그의 모든 영웅은 음악가(매니아)와 비음악가(간단히 좋은 사람)로 구분된다는 점에 유의할 필요가 있습니다.

캐릭터는 두 가지 세계관을 나타내며 두 ​​그룹으로 나눌 수 있습니다. 열정적인 음악가 중에는 상상의 세계에 살고 있는 학생 안셀름도 있다. 그는 다른 사람들이 듣거나 보지 못하는 것을 듣고 본다. 큰 나무에서 그는 소녀들의 목소리를 듣고 놀랍도록 파란 눈을 가진 녹색 뱀을 봅니다. 호프만은 그를 현실에서 떼어내지는 않지만 그에게 적대적입니다. 그는 새 연미복에 얼룩을 묻거나 찢어지고, 안셀름의 샌드위치는 얼룩진 면이 땅에 떨어지며, 사과와 파이 바구니에 들어가 도발합니다. 상인의 분노와 꾸짖음.

1) 타이틀 레벨, 주인공이 밤병을 선물로 받았을 때;

2) 이야기는 장이 아닌 vegilia(“night vigil”, “insomnia”)로 나누어집니다. 1805년에 소설 "Night Vigils"가 출판되었는데, 작가의 이름은 아직 알려지지 않았지만 예나 낭만주의자들의 아이디어와 이미지를 패러디한 이 패러디는 Schelling에 의해 만들어졌을 가능성이 더 높습니다. 이에 작가는 밤(예나 사람들에게 가장 풍요로운 시간)에 자신의 이야기를 쓴다는 사실에 주목한다. 가장 놀라운 사건이 작품에서 발생하며, 그 영웅은 첫 번째 단계의 낭만주의와는 달리 결코 정신의 힘으로 세상을 변화시키지 않을 것입니다. "베질리아"라는 단어 자체는 호프만의 원리에 따라 사람이 자신의 행동과 생각에 전적으로 책임을 지지 않는 야간 불면증의 시간으로 이해될 수 있습니다.

걸작 중에는 "Zinnober라는 별명을 가진 Little Tsakhes"(1819)가 있는데, 여기서 그로테스크는 주인공 이미지의 구성과 구성의 기초입니다. 주인공의 이미지와 갈등의 근간은 본질과 겉모습의 대립에 있으며, 겉모습이 본질보다 강하다는 것이 드러난다.

가난한 농민 여성의 아들인 작은 Tsakhes는 극도로 못생겼습니다. 그는 포크에 꼬치에 꽂힌 사과에 비유됩니다. 그는 심지어 명확하게 말할 수도 없습니다. 그와 그의 어머니를 불쌍히 여기는 요정 Rosabelverde는 괴물에게 3 개의 불 같은 머리카락을 부여했으며 그 덕분에 그들은 그 옆에 있던 사람의 놀라운 속성을 그에게 돌리기 시작했습니다.

저자는 부조리를 쌓아 인상을 강화합니다. Tsakhes는 25 개의 다이아몬드 단추로 장관 직위와 녹색 점박이 훈장을 받았습니다. Tsakhes는 피날레에서 왕자가 특별한 호의의 표시로 그에게 준 "고급스러운 은색 냄비"에 익사하여 사망합니다.

이 이야기에서 작가의 아이러니는 이전보다 더욱 씁쓸해진다. 피날레에서 학생 발타사르의 행복은 더 이상 Anselm이 모든 꽃, 나무, 새 및 개울의 목소리를 이해하는 아틀란티스가 아니라 Prospero Alpanus의 마법의 땅에서 가능한 것으로 밝혀졌습니다. 세탁하면 음식이 타지 않으며 아름다운 칸디다 자신도 마법 목걸이를 벗지 않으면 좋은 기분을 잃지 않을 것입니다. 발타자르는 그의 사랑하는 사람이 평범한 부르주아라는 사실을 알지 못합니다.

이전에 영웅 음악가에게 적대적이었던 객관적인 세계는 그러한 캐릭터의 본질과 모순되지만 그를 섬기기 시작합니다. 게다가 빛의 원리를 지닌 요정 로사벨베르데도 착각하고 있다. 불행한 "자연의 의붓 아들"에게 이익을 줄 생각으로 그녀는 그에게 마법의 선물을 부여하고 그렇게함으로써 그의 영혼의 내적 특성을 깨울 수 있다고 가정합니다. 그러나 그녀의 뜻에 반하여 그는 사악한 원리의 전달자로 변하여 진정으로 높은 영적 자질을 가진 사람들에게 많은 고통을 안겨줍니다.

이중 세계는 특히 생생하게 표현됩니다. 한쪽 극에는 학생 Balthazar, 그의 친구 Fabian과 Pulcher가 있고, 다른 쪽 극에는 Tsakhes가 그의 전 하인이었던 "과학자" Mosch의 조언에 따라 깨달음을 소개하는 왕자가 있습니다. 빛이 부족하면 어둠이 생긴다는 결론에 도달한 테르핀은 녹색점호랑이의 명령을 받으면 딸 칸디다를 차케스에게 아내로 팔 준비가 되어 있다. 아름다운 칸디다 자신도 속물적인 성향이 없는 것은 아닙니다.

그로테스크는 여전히 캐릭터 창작의 기본이다. 호프만은 "사탄의 비약"과 "고양이 무르의 세속적 견해"라는 두 권의 소설을 소유하고 있습니다.

마지막 소설은 끝나지 않았습니다. 여기에는 호프만 고유의 이전에 등장한 아이디어와 형태가 많이 포함되어 있으며 특정 구성 형태와 이중 세계에 대한 새로운 해석으로 실현됩니다. 호프만은 동화에서 시작된 동화와 현실의 화해의 흐름을 이어가고 있다. 이 소설의 현실은 그에 적합한 형태를 얻기 위해 점점 더 노력하고 있으며, 따라서 한편으로는 일종의 환상의 치환이 존재하고, 다른 한편으로는 현실 세계는 동시에 여러 층위로 층화된다. 현실은 패러디로 바뀌는데, 과장법은 동화 속 소설만큼 표현력이 뛰어납니다.

소설의 한 층위는 줄리아와 작곡가 요한 크라이슬러의 관계를 묘사하지만, 호프만은 주된 이야기가 고양이 무르의 이야기임을 보여준다. 고양이의 일대기와 그의 생각에는 별개의 독립적인 역할이 부여됩니다.

무리아나는 사람들의 세계를 반영하는 왜곡된 거울로 변합니다. 현실, 추악한 현실을 전달하는 이중왜곡이 나타난다.

동시에, 고양이가 만든 텍스트가 주요 텍스트이고 Kreisler(그의 소유자)의 전기는 마치 우연히 마치 인쇄된 것처럼 끝납니다. 고양이는 이를 사용하여 자신의 설명을 그들에게 전달합니다.

저자는 작곡가의 이력이 폐지에서만 발견된다는 사실을 통해 이 텍스트의 우선성을 확인합니다. 고양이가 쓴 장은 문구 중간에서 끊어지고 다음 단편에서만 완성됩니다. "정크 종이 시트"는 순차적인 이벤트 표시로 연결되지 않은 조각입니다.

모호함과 완전성을 배제한 일반적인 낭만적인 단편화 원칙이 작품의 기초가 됩니다.

구성의 특이성은 때때로 고양이가 쓴 내용이 "재활용 종이 시트"에서 다른 해석으로 부분적으로 반복된다는 것입니다. 마에스트로 아브라함의 집에 나타난 고양이의 기억은 합성적이고 주제적인 톤으로 표현됩니다. 아브라함 자신은 반쯤 죽은 고양이에 대해 안타까움을 느꼈다가 주머니에 잊어 버린 것에 대해 이야기합니다.

더블링 스트리트 자신을 예외적 인 사람이라고 생각하는 고양이 고유의 파토스. 고양이 무르는 자신을 창의적인 사람이라고 상상하는 속물의 패러디로 저자에 의해 잉태되었습니다. 고양이는 자신을 세계 시민이라고 부르며 교육의 원리에 대해 이야기합니다. 그는 플루타르코스, 셰익스피어, 괴테의 작품을 반성합니다. 할데론 고양이 자신은 정치 논문 "쥐덫과 고양이의 사고와 능력에 미치는 영향"의 저자이자 합성 소설 "생각과 재능 또는 고양이와 개"와 비극 "쥐"의 저자입니다. 카브달로르의 왕.”

고양이는 자신의 영혼의 서정적 상태, 사랑에 대해 이야기합니다.

미국의 낭만주의

국가 발전의 특성과 관련하여 발생한 특정 기능. 오직 국가의 역사만이 독립선언문이 채택된 해인 1776년에 시작됩니다. "미국인"이라는 용어에는 프랑스인, 네덜란드인, 영국인, 스페인인 및 인도인이 포함됩니다.

미국인들은 일련의 모험가 출신입니다. 머지않아 자신과 국가의 탁월한 능력에 대한 깊은 믿음으로 구별되는 국가 유형의 사람들이 나타났습니다. 조국에 대한 사랑은 때로 국가적 자랑으로 발전하기도 합니다. 동화는 매우 빠르게 이루어졌습니다. 미국은 고국의 모든 것을 잃었고, 황량한 땅이라고 생각했던 곳에서 실현하고 싶었던 거대한 에너지를 소유한 유럽인들, 그리고 모든 사람이 자유로울 수 있는 새로운 국가를 조직하려는 이상주의자들을 매료시켰습니다.

기본적으로는 미술과 문학에 종사할 시간이 없는 실무자라는 점에서 모두가 뭉쳤지만 모두 활기가 넘쳤다. 나중에 미국 문학이 에너지 문학으로 불리기 시작한 것은 우연이 아닙니다. 기껏해야 그들은 "오늘의 주제에 관한" 짧은 메시지, 에세이, 팜플렛에 관심이 있는 신문을 읽었습니다. 팜플렛은 300년 동안 가장 사랑받는 장르였습니다.

F. Cooper는 미국에 대해 인쇄술이 처음 등장한 다음 작가들이 등장했다고 말했습니다. 공인 존 아담스(John Adams): "예술은 우리의 첫 번째 필수품이 아닙니다. 우리나라에는 공예가 필요합니다." 이 나라에는 이상적인 국가를 꿈꾸는 정치인 인 조지 워싱턴과 토마스 제퍼슨이라는 철학자가있었습니다. 후자는 독립 선언문의 작성자였으며 1787년 헌법 초안 작성에 참여했습니다. 이것이 나중에 실현되지 않은 "아메리칸 드림"이라고 불리는 것이 발전한 방식입니다.

국가는 주로 영어를 사용하며 북미는 문화와 문학 분야에서 영국에 끌립니다. 자체 문학이 없었기 때문에 Richardson, Swift 및 Fleading의 소설은 18세기 말까지 미국에서 출판되었습니다. 유럽 ​​문학에 대한 태도는 두 가지였습니다.

1) 국가 독립을 수호할 필요성;

2) 구세계의 더욱 발전된 문학의 경험을 최대한 활용해야 할 필요성.

18세기 말은 우리 자신의 미국 문학이 탄생하는 시기이며, 이는 낭만주의 이전 문학으로 분류되어야 합니다. 찰스 브라운(Charles Brown)은 최초의 전문 작가이다.

미국 문학에도 다르게 발전하는 국가가 있는데, 남부 문학은 북부 문학과 매우 다릅니다. 우리가 미국 로맨스라고 부르는 것(그리고 이것이 미국 민족 문학의 탄생입니다)은 주로 중부 주(뉴욕과 펜실베이니아)에서 발전했습니다. 두 번째 단계에서만 뉴잉글랜드에서 낭만주의 운동이 강해졌고 보스턴은 새로운 민족 문학의 중심지가 되었습니다. 미국 낭만주의의 발전에는 세 가지 기간이 있습니다.

1) 1820-183 – 페니모어 쿠퍼(Fenimore Cooper)와 존 어빙(John Irving)의 산문 등장.

2) 사기. 1830년부터 1840년까지 (성숙한) - 롱펠로우.

3) 1850년 – 남북전쟁의 시작.

거명된 사람들은 모두 작가지만 심각한 위기를 겪었다.

성공이 무엇보다 중요하게 여겨지는 국가에서는 문학이 유휴 오락으로 간주되기 때문에 초기 단계에서 작가의 작업에 대한 태도는 다소 관대 한 것으로 나타났습니다. 이는 때때로 작품의 품질이 낮은 이유를 설명합니다(F. Cooper).

2단계에서는 심층심리학에 관심을 갖고 롱펠로우와 에드가 앨런 포가 등장한다. 새로운 시대는 새로운 갈등을 낳습니다. 자본가들은 더욱 냉소적이 되고, 민주적 이상과 현실은 점점 더 다양해집니다. 2단계 낭만주의자들은 그 사람 자신이 변하고 있다고 생각합니다. 에머슨의 자기 교육 아이디어가 더욱 관련성이 높아졌습니다.

이 단계에서 전문적인 비평이 발생합니다(E.A.Po 기사).