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19세기 후반 예술 문화의 인물들. 19세기 후반 미술

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Academician I.P.의 이름을 딴 상트 페테르부르크 주립 의과 대학. 파블로바

규율: 조국의 역사

주제: "XIX 세기 러시아 문화의 유명한 인물."

수행:

학생 gr.125

Goncharenko D.A.

확인:

지민 I.V.

상트페테르부르크 2012

소개

2.1 아키텍처

2.2 시각 예술

3.1 건축과 조각

3.2 페인팅

3.3 방랑자

4. 19세기 말~20세기 초의 예술

결론

사용 문헌 목록

소개

19세기 첫 10년 1812 년 애국 전쟁과 관련된 전국적인 급증 분위기 속에서 러시아에서 일어났습니다. 이 시대의 이상은 젊은 A. S. 푸쉬킨의 시에서 표현되었습니다. 1812년 전쟁과 러시아 귀족의 젊은 세대, 특히 나폴레옹 전쟁을 겪고 해방자로 파리에 입성한 대표자들의 자유를 사랑하는 희망은 1/3에서 러시아 문화의 성격을 크게 결정했습니다. 세기의. 문화 예술 휴머니즘

에 대한 관심 증가 예술적인 삶이 기간 동안 러시아는 예술 사회의 창설과 "문학, 과학 및 예술 애호가의 자유 사회"(1801), "미술 저널"(처음에는 모스크바에서, 그 다음에는 Petersburg), "예술가 격려를위한 사회"( 1820), "러시아 박물관"P. P. Svinin (1810s) 및 Hermitage의 "Russian Gallery"(1825); Arzamas의 A. V. Stupin 학교 또는 St. Petersburg의 A. G. Venetsianov 학교와 같은 지방 예술 학교의 형성.

1. 러시아 문화 발전의 요인

그 당시 남아 있던 농노, 서유럽 국가에 비해 러시아의 전반적인 경제적 후진성은 문화적 진보를 방해했습니다. 그럼에도 불구하고 이러한 불리한 조건에도 불구하고 19 세기 러시아는 문화 발전에 엄청난 도약을 이루었습니다. 세계 문화. 러시아 문화의 이러한 상승은 www.ru.wikipedia.org의 여러 가지 요인에 기인합니다.

봉건제에서 자본주의로 이행하는 결정적인 시기에 러시아 국가가 형성되는 과정

러시아 혁명 해방 운동의 시작

다른 문화와의 긴밀한 의사 소통 및 상호 작용

19세기 문화에 대한 Muscovite Rus' 유산의 영향: 오래된 전통의 동화는 문학, 시, 그림 및 기타 문화 영역에서 창의성의 새로운 싹을 싹트게 했습니다.

2. 19세기 전반 미술

XIX 세기의 러시아 예술에서. 18세기 이후로 많은 것이 변했습니다. 서양에서와 마찬가지로 예술가의 사회적 역할, 성격의 중요성, 사회적 및 도덕적 문제가 점점 더 심각 해지는 창작의 자유에 대한 권리가 증가했습니다.

러시아 예술사에서 조건부 분수령은 전반부와 후반부의 두 단계로 정의되었으며, 이 마지막 단계에서는 19세기 말부터 20세기 초까지를 구분하는 것이 매우 자연스럽게 보입니다. 자체 의미 및 문체 기능을 가진 기간으로.

세기 중반까지는 유럽과 러시아 문화의 유사성이 있었지만 세기 중반 이후에는 발전 경로가 예술 문화다소 엇갈립니다. 프랑스 예술가들이 이끄는 유럽 예술가들은 인상파와 후기 인상파가 훌륭하게 해낸 것처럼 새로운 예술적 기법을 찾고 발견하면서 형식 문제에 점점 더 몰두하고 있습니다. 반면에 러시아 예술가들은 무엇보다도 예술을 "현재의 아픈 문제"를 해결하는 트리뷴으로 인식합니다.Ilyina T.V. 러시아 미술사 5판, 2010.

2.1 아키텍처

러시아 사회의 인본주의적 이상은 건축과 기념비적이고 장식적인 조각의 고도로 시민적인 사례에 반영되었습니다. 장식 그림응용 예술, 종종 건축가 자신의 창작물. 이 시대의 지배적인 스타일은 성숙하거나 높은 고전주의입니다. 과학 문헌, 종종 "러시아 제국"이라고합니다. 실제로 1820~1830년대만 제국 스타일로 간주될 수 있으며 첫 10년은 더 정확하게 "알렉산더의 고전주의"라고 할 수 있습니다.

19세기 1/3의 건축은 무엇보다도 대규모 도시 계획 문제의 해결책입니다. 상트페테르부르크에서는 수도의 주요 광장인 궁전과 상원의 계획이 완료되고 있습니다. 만들어진 최고의 앙상블도시. 특히 1812년 화재 이후 강렬했습니다. 모스크바는 건설 중입니다. 건축적 이미지는 웅장함과 기념비적인 면모를 보여줍니다. 건물의 전반적인 외관에서 큰 역할은 특정 의미 론적 의미를 지닌 조각품에 의해 수행됩니다. 건물 중 주요 장소는 극장, 부서, 교육 시설, 궁전과 사원은 훨씬 덜 자주 지어집니다 (막사의 연대 대성당 제외).

이 시대의 가장 큰 건축가인 Andrei Nikiforovich Voronikhin(1759-1814)은 1790년대에 독립적인 경로를 시작했습니다. St. Petersburg (1793, Mineral Cabinet, Art Gallery, Corner Hall)의 Moika (건축가 F. B. Rastrelli)에있는 Stroganov Palace의 내부 구조 조정.

Voronikhin의 주요 아이디어는 Kazan Cathedral (1801-1811)입니다. 그가 메인 (서쪽) 측면이 아니라 북쪽 정면 측면에서 세운 사원의 반원형 콜로 네이드는 Nevsky 중앙에 사각형을 형성했습니다. Voronikhin은 Mining Cadet Corps (1806-1811, 현재 Mining Institute)에 훨씬 더 엄격하고 활성화 된 캐릭터를 부여했으며 모든 것이 Neva를 향한 12 개의 기둥으로 구성된 강력한 Doric portico에 종속되었습니다.

고전주의의 건축가 A.N. Voronikhin은 도시 앙상블의 창조, 건축과 조각의 합성, 크고 작은 구조에서 조각 요소와 건축 부문의 유기적 결합에 많은 에너지를 바쳤습니다.

19세기 초반 페테르부르크의 대표적인 건축가. ( "러시아 제국")은 Karl Ivanovich Rossi G.G. Grimm - Rossi Ensembles - L., 1947(1775-1849). Rossi는 VF Brenna 워크숍에서 초기 건축 교육을 받은 후 이탈리아로 여행하여 고대의 기념물을 연구했습니다. 그의 독립 작업은 모스크바에서 시작하여 Tver에서 계속됩니다. 상트페테르부르크의 첫 작품 중 하나는 엘라긴 섬(1818년, 1822년 완공)의 궁전과 공원 단지입니다. Rossi에 대해 그가 "앙상블에서 생각"했다고 말할 수 있습니다. 궁전이나 극장은 광장과 새로운 거리의 도시 계획 허브로 바뀌 었습니다. 따라서 Mikhailovsky Palace (1819-1825)를 만들면서 그는 궁전 앞 광장을 조직하고 Nevsky Prospekt에 거리를 포장하면서 Mikhailovsky Castle 및 Field of Mars 공간과 같은 다른 인근 건물과 계획을 비교했습니다. Palace Square (1819-1829)의 디자인에서 Rossi는 Rastrelli의 바로크 궁전과 참모 및 사역 건물의 단조로운 고전주의 외관을 하나의 전체로 결합하는 가장 어려운 작업에 직면했습니다. 건축가는 Bolshaya Morskaya Street, Nevsky Prospekt로가는 길을 여는 Triumphal Arch가 중심 인 General Staff Building의 거대한 아치로이 단조 로움을 대담하게 깨뜨 렸습니다.

새로운 세기는 상트 페테르부르크에서 가장 중요한 앙상블의 창설로 표시되었습니다. 그래서 Andrey Dmitrievich Zakharov GG Grimm - 건축가 Andrey Zakharov. 삶과 일-M., 1940 (1761-1811) 상트 페테르부르크 예술 아카데미 학생이자 파리 건축가 Zh.F. 샬그렌, 1805년. 해군성 건물 건설 시작(1806~1823).

Zakharov의 구성 솔루션은 매우 간단합니다. 두 볼륨의 구성과 한 볼륨은 그대로 다른 볼륨에 중첩되어 있으며 그 중 외부 U 자형은 평면에서 L 자형 두 개의 내부 별채에서 채널로 분리됩니다. . 내부 볼륨은 선박 및 도면 작업장, 창고, 외부 볼륨은 부서, 행정 기관, 박물관, 도서관 등입니다. 해군성의 정면은 406m에 걸쳐 뻗어 있으며 측면 정면-날개는 Neva를 내려다보고 중앙 정면은 첨탑이있는 개선문 아치로 중앙에서 끝납니다. . Zakharov는 첨탑에 대한 Korobov의 독창적인 디자인을 유지하여 전통에 대한 재치와 존중을 보여주고 건물 전체의 새로운 고전주의 이미지로 변환하도록 관리했습니다. 거의 0.5km에 달하는 외관의 단조로움은 균일한 간격의 포르티코에 의해 깨집니다.

지옥. Zakharov는 완성 된 형태의 해군성을 보지 않고 사망했습니다. 이 건물은 도심의 건축과 밀접한 관련이 있습니다. 여기에서 3개의 도로가 시작됩니다: Voznesensky, Gorokhovaya Street, Nevsky Prospekt(이 빔 시스템은 Peter I에 의해 고안되었습니다)

2.2 시각 예술

고전주의는 19세기 초 1/3의 건축과 조각의 주요 경향이었습니다. 회화에서 그것은 우선 역사적 장르, 즉 학술 예술가들에 의해 개발되었습니다. 경전 이야기, 고대 신화실제로 역사적입니다. 그러나 회화의 진정한 성공은 다른 방향에 있었습니다. 인간의 영혼, 정신의 기복은 당시의 낭만적 인 그림을 표현했습니다.

그러나 낭만주의는 초상화 장르의 러시아 땅에서 가장 미묘하게 나타 났으며 여기서 선두 자리는 Orest Adamovich Kiprensky I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. 시대와 영웅 - M., 1982 (1782-- 1836). 지주 A. S. Dyakonov와 농노의 아들인 Kiprensky는 상트페테르부르크 지방에서 태어났습니다. 1788년부터 1803년까지 그는 예술 아카데미에서 (교육 학교부터 시작하여) 공부했으며, 그곳에서 G. I. Ugryumov 교수와 프랑스 화가 G. F. Doyen과 함께 역사화 수업에서 공부했습니다. 1805 년에 그는 "Dmitry Donskoy on 승리의 Mamai"라는 그림으로 Big Gold Medal을 받았습니다.

복잡하고 사려 깊고 분위기가 변할 수 있습니다. Kiprensky“E. P. Rostopchin”(1809, State Tretyakov 갤러리), “D. N. Khvostov"(1814, State Tretyakov Gallery), 소년 "L. A. Chelishchev”(1809, State Tretyakov Gallery). 돌새에 자연스럽게 기대어 옆을 멍하니 바라 보는 자유로운 자세로 Life Hussars“E.V. Davydov (1809, 러시아 박물관). 이 초상화는 1812년 전쟁 영웅의 집단적 이미지로 인식되지만 매우 구체적입니다.

Alexei Gavrilovich Venetsianov(1780-1847)는 일상 장르의 조상이었습니다. 교육 측량사 인 Venetsianov는 그림을 그리기 위해 서비스를 떠나 상트 페테르부르크로 이사했습니다. Borovitsky의 학생이되었습니다. 그는 초상화 장르의 "예술"에서 첫 발을 내디뎠으며 놀랍도록 시적이고 서정적이며 때로는 낭만적 인 분위기 이미지 ( "Portrait of V. S. Putyatina")로 파스텔, 연필 및 오일을 사용했습니다.

1810-1820년대 초. Venetsianov는 Tver 지방으로 상트 페테르부르크를 떠나 작은 부동산을 구입했습니다. 여기에서 그는 농민의 삶을 묘사하는 데 전념하는 그의 주요 주제를 찾았습니다.

Venetsianov는 훌륭한 교사였습니다. Venetsianov 학교 인 Venetians는 상트 페테르부르크와 그의 Safonkovo 부동산에서 그와 함께 일한 1820-1840 년대 예술가들의 은하계 전체입니다. 베네치아 학교의 대표자는 A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.L. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N. S. Krylov 및 기타 다수.

3. 19세기 후반 미술

3.1 건축과 조각

이 기간 동안 이전보다 덜 빠르게 조각과 건축이 발전했습니다. 이미 언급했듯이 1830 년대 말. 고전주의가 죽어 가고 있습니다. 그것을 의미 예술적 표현력 19세기 후반의 건축이 제기하는 새로운 과제와 모순된다. 일반적으로 그것은 "회고적 양식화"또는 절충주의라고 불렸지만 지금은 건축가가 고딕, 르네상스, 바로크, 로코코 등 과거 시대의 건축 양식의 모티프와 패턴을 사용하기 시작했기 때문에 지금은 역사주의라고 더 자주 불립니다. D.E. Arkin - 건축 이미지 - M., 1941.

그 당시의 주요 문제 중 하나는 아파트 건물 (임대 주택) 건설이었습니다.

마찬가지로 기념비적 장식 조각의 번영은 세기 전반기에 남아있었습니다.

이 시대의 가장 유명한 거장은 Mark Matveyevich Antokolsky (1843--1902)로, 연구원들이 올바르게 지적한 바와 같이 "기념물 성격"의 이미지로 기념비적 인 표현 수단의 부족을 보완합니다. 이에 대한 증거는 다음과 같습니다. "Ivan the Terrible"(1870), "Peter I"(1872), The Dying Socrates (1875), Spinoza (1882), Mephistopheles (1883), Yermak (1888). 주어진 프로그램에 따라 실행되는 이러한 이미지에서 포즈, 제스처, 얼굴 표정은 항상 성공적으로 발견되지만 조각 수단의 진정한 표현력은 이러한 자연 주의적 세부 사항으로 대체되었습니다.

3.2 페인팅

19세기 후반에는 회화의 모든 미술, 그리고 무엇보다도 풍속화에 있어서 그 무게감 있는 단어를 말할 필요가 있었습니다. 현실에 대한 비판적 태도, 뚜렷한 시민 및 도덕적 입장, 예리한 사회적 지향은 특히 소위 비판적 사실주의로 표현되는 새로운 예술적 비전 시스템이 형성되는 회화의 특징이됩니다. 당시 살았던 심각한 사회 문제를 줄거리의 기초로 가장 자주 사용합니다. 러시아 사회, 사실 예술가들은 이러한 아이디어의 대변인이 아니라 직접적인 삽화가, 솔직한 해석자로서 행동했습니다. 사회적 측면은 순전히 회화적이고 조형적인 작업에서 그들을 가리고 형식 문화는 필연적으로 떨어졌습니다. 올바르게 언급했듯이 "삽화가 그들의 그림을 망쳤습니다."

초기의 진정한 영혼 중요한 방향그림에서 Vasily Grigorievich Perov V.A. Lenyashin-V.G. Perov-M., 1987 (1834-1882), 그의 손에서 직접 Fedotov의 사건을 집어 들고 단순한 일상 생활의 여러 측면을 보여주기 위해 비난적인 파토스를 관리했습니다. 일부 성직자의보기 흉한 모습 ( "부활절 농촌 행렬", 1861; "Mytishchi에서 마시는 차", 1862), 러시아 농민의 절망적인 삶("죽은 사람을 보다", 1865; "전초기지의 마지막 선술집", 1868), 도시 빈민의 삶("트로이카") , 1866) 그리고 "돈 가방"( "상인의 집에 집사 도착", 1866)에서 하드 머니를 찾도록 강요받은 지식인. 그의 작품은 줄거리는 단순하지만 그들의 슬픔은 가슴 아프다.

3.3 방랑자

1870년대 진보적 인 민주주의 회화가 대중의 인정을 얻습니다. 그녀는 자신의 비평가-I. N. Kramskoy 및 V. V., Stasov 및 자신의 수집가-P. M. Tretyakov가 있습니다. 19세기 후반 러시아 민주적 현실주의가 꽃피울 때가 왔다. 이때 공식 학교의 중심 인 상트 페테르부르크 예술 아카데미에서 예술이 실제 생활로 전환 할 권리를위한 투쟁도 벌어졌고 소위 "14의 반란"이 발생했습니다. 1863년. 많은 아카데미 졸업생들이 흥미로운 현대 문제가 너무 많을 때 스칸디나비아 서사시의 한 주제에 대한 프로그래밍 방식의 그림 작성을 거부하고 주제를 자유롭게 선택할 수 있는 권한을 받지 못한 채 아카데미를 떠나 "Petersburg Artel"을 설립했습니다. 아티스트".

"Artel"은 오래 가지 않았고 곧 모스크바와 상트 페테르부르크는 여행 예술 전시회 협회 (1870)에서 통합 된 예술 세력을 발전 시켰습니다.

방랑자의 예술은 19세기 후반 국내 예술 문화에서 민주적 사상의 표현이었다.

"방랑자"의 구성에는 더 많은 "선배"가 포함되었습니다. 이들은 Ivan Nikolaevich Kramskoy, Nikolai Nikolaevich Ge, Vasily Vasilyevich Vereshchagin, Konstantin Apollonovich Savitsky 및 "젊은"- "영웅의 본질"이라고 불리는 Ivan Ivanovich Shishkin입니다. 사람들", Arkhip Ivanovich Kuindzhi, 눈에 띄는 조명 효과("Ukrainian Night", 1876; " 버치 그로브", 1879), Isaac Ilyich Levitan.

Ilya Efimovich Repin에 주목할 가치가 있습니다. 그는 Kharkov 지방의 우크라이나에서 태어 났으며 우크라이나 아이콘 화가의 장인 정신에 대한 첫 번째 기술을 알게되었습니다. Repin은 Kramskoy를 그의 첫 번째 교사로 간주했습니다. 대중의 강한 반응을 불러 일으킨 첫 번째 작품은 "볼가의 바지선 운반선"이라는 그림이었습니다.

1873 년 Repin은 프랑스로 "연금 수급자"여행을 떠났고 Polenov와 함께 야외 연구를 그렸고 빛과 공기의 문제에 대해 많은 것을 배웠습니다.

돌아온 Repin은 결실을 맺기 시작합니다. 그가 자신을 선언하지 않을 장르는없는 것 같습니다. 매우 개별적인 특성과 초상화 유형, 초상화 그림의 초상화입니다.

거의 모든 장르가 Repin (그는 전투 장면 만 쓰지 않음), 모든 유형-그림, 그래픽, 조각; 그는 훌륭한 화가 학교를 만들었고 자신을 미술 이론가이자 뛰어난 작가라고 선언했습니다. 레핀의 작품은 19세기 후반 러시아 회화의 전형적인 현상이었다. D. V. Sarabyanov가 "Wandering realism"이라고 부르는 것을 구현하고 연구원에 따르면 다른 장르와 성격으로 "흩어질"모든 특징을 흡수했습니다. 그리고 이것이 예술가의 보편성, 백과사전적 성격이다. 그의 "적절한 구현"에서 그의 시간과 완전히 일치하는 것은 Repin의 재능의 규모와 강점에 대한 증거입니다. 참조: Sarabyanov, D.V. Repin 및 19세기 후반 러시아 회화 - M., 1978

4. 19세기 말~20세기 초의 예술

1890년대 포퓰리즘 운동의 위기의 시작과 관련하여 러시아 과학에서 부르는 "19 세기 리얼리즘의 분석 방법"도 구식이되고 있습니다. 이 기간 동안 많은 방랑자들이 경험했습니다. 창조적 위기, 재미있는 장르 그림의 사소함으로 들어갔습니다. 그러나 V. G. Perov의 최고의 전통은 S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov 등과 같은 예술가의 교육 활동 덕분에 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에서 가장 많이 보존되었습니다.

회화, 연극, 음악, 건축 등 모든 종류의 예술이 예술적 언어의 갱신을 위해 나왔다. 높은 전문성. 사소한 주제에 대한 갈망과 함께 Wanderers의 위기는 이데올로기와 국적 선언으로 표현되었지만 어떤 미적 프로그램에서도 지원되지 않았습니다. 세기 전환기의 화가들에게는 방랑자보다 다른 표현 방식이 특징적입니다. 예술적 창의성-- 모순되고 복잡한 이미지로, 설명성과 내러티브가 없는 현대성을 반영합니다. 조화와 아름다움이 근본적으로 이질적인 세상에서 예술가들은 고통스럽게 조화와 아름다움을 추구한다. 그렇기 때문에 그들 중 많은 사람들이 미의식을 기르는 것이 그들의 사명이라고 생각합니다. 그러나 그것은 또한 V. A. Serov와 M. A. Vrubel의 작품이 그 예인 "고전적인" Wanderers 이후에 온 모든 세대의 예술가들의 보편주의를 불러 일으켰습니다.

국내 미술과 서유럽 미술의 대중화, 거장들의 전시회 유치에 큰 역할 서유럽"World of Art"(1898-1924) 협회의 예술가들이 연주했습니다. 상트 페테르부르크에서 최고의 예술 세력을 모아 자체 잡지를 발행 한 "예술의 세계"는 존재 자체로 모스크바의 예술 세력 통합, "러시아 예술가 연합"(1903-1323)의 창설에 기여했습니다. ) Ilyina T.V. 러시아 미술사 5판, 2010.

결론

당시의 진보적 사상이 깃든 러시아 미술은 인간 해방을위한 투쟁, 사회 전체의 사회적 재편이라는 위대한 인도적 목표에 기여했습니다.

일반적으로 19세기 전반에 러시아는 문화 분야에서 인상적인 성공을 거두었습니다. 세계 기금에는 많은 러시아 예술가들의 작품이 영원히 포함되었습니다. 민족문화 형성과정이 완성되었다.

~에 XIX-XX의 차례세기 모더니스트 검색으로 인해 잡지 "World of Art"(A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich, Z. Grabar 등)를 중심으로 연합한 예술가 그룹이 형성되었습니다. World of Artisans는 새로운 예술적, 미적 원칙을 선포했습니다. 그들은 개인주의, 사회적 정치적 문제로부터 예술의 자유를 장려했습니다. 그들에게 가장 중요한 것은 "방랑자"에 대해 말할 수없는 러시아 민족 문화의 아름다움과 전통입니다.

XX 세기 초. "러시아 아방가르드"가 일어났습니다. 대표 K.S. 말레비치, P.P. 포크, M.Z. 샤갈과 다른 사람들은 "순수한" 형식과 외적인 비객관성의 예술을 설파했습니다. 그들은 추상주의의 선구자였으며 세계 예술의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다.

서지

1. www.ru.wikipedia.org

2. 일리나 T.V. 러시아 미술사 5판, 2010

3. 지.지. 그림 - 로시의 앙상블 - L., 1947

4. GG Grimm - 건축가 Andrey Zakharov. 삶과 일 - M., 1940

5. I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. 시대와 영웅 - M., 1982

6. 데.이. Arkin - 건축 이미지 - M., 1941

7. VA Lenyashin-V.G. 페로프-M., 1987

8. 참조: Sarabyanov, D.V. Repin 및 19세기 후반 러시아 회화 - M., 1978

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19세기 후반부터 20세기 초까지 러시아 경제의 특징, 발전을 위한 전제 조건. 20세기 전반기 국가의 경제 정책: 산업화의 시작, 첫 5개년 계획; 국가 경제 40년대 초 소련.

19세기 후반 - 러시아 문화 발전의 특별한 기간. 준 알렉산더 2 세의 통치 기간 큰 중요성"인민 정신의 자주"의 문화 생활에서 예술과 날카로운 화제의 사회적 주제에서 국가 경로를 찾는 시간이었습니다. 60 년대에 러시아에는 raznochintsy, 민주주의 계층의 사람들, 혁명적 사고를 가진 지식인과 같은 새로운 사회 정치적 세력이 등장했습니다. A.I.의 혁명적 민주주의 사상. 헤르젠, N.P. 오가레바, A.F. Pisemsky, 온. Nekrasova, M.E. Saltykov-Shchedrin, N. G. Chernyshevsky, NA. 사회적 악덕에 낙인 찍힌 Dobrolyubov는 미술에 큰 영향을 미쳤습니다. 주변 현실에 대한 비판적 분석과 그 사실적 표현은 러시아 선진 문학의 방법이 되었고, 그 다음에는 순수 예술이 되었습니다. Chernyshevsky는 그의 작품으로 미학의 토대를 마련했습니다. 그의 논문 "현실에 대한 예술의 미학적 관계"에서 "아름다운 것은 삶이다"라고 직접적으로 언급되어 있습니다. 최고의 아름다움예술이 만들어낸 아름다움이 아니라 현실 세계에서 인간이 마주한 아름다움이다. 그들은 예술가에게 "내용", "삶에 대한 설명", 심지어 "묘사된 현상에 대한 문장"까지 요구하기 시작했습니다. 러시아어 수석 그림예술보다 도덕적, 사회적 원칙이 우세했습니다. 이 특징은 민주적 사고를 가진 예술가들의 작품에서 가장 극명하게 드러난다.

1863년 예술 아카데미는 스칸디나비아 신화의 음모로 금메달 프로그램을 세웠습니다. I.N. 이 프로그램과 일반적으로 프로그램에 동의하지 않은 Kramskoy, K. G. Makovsky, A. D. Litovchenko는 대회 참가를 거부하고 아카데미를 떠났습니다. 도전적으로 아카데미를 떠난 반란군은 Artel of Artists를 조직했으며 1870 년에는 모스크바 화가들과 함께 여행 미술 전시회 협회를 조직했습니다. Perov에서 시작하여 Levitan으로 끝나는 러시아 회화의 모든 뛰어난 대표자는이 전시회에 참여했습니다. 방랑자.

러시아 대중에게 Wanderers의 중요성은 엄청났습니다. 그들은 그녀에게 관심을 보였고 그녀에게 그림 앞에서 멈추도록 가르쳤습니다. 외모로 러시아 사회와 러시아 예술가 간의 연결 만 시작되었습니다. 리얼리즘의 기본 원칙을 고수하는 그들의 창의성은 러시아 대중에게 예술의 삶을 보고 그 안에 있는 진실과 거짓을 구별하도록 가르쳤습니다. 여기서 우리는 Wanderers가 그들의 성공과 영향력을 빚지고 있는 두 명의 러시아인을 언급해야 합니다. 오후. Tretyakov와 V.V. Stasov. Tretyakov는 동지를 지원했습니다.

구매와 주문을 통해 세계 유일의 국립 미술관을 만듭니다. 러시아 예술의 국가 운동을 이끈 "모든 것을 파괴하는 거상"Stasov는 방랑자의 미적 견해의 전령자였으며 많은 예술가들이 그에게 창의적인 조언, 그림에 대한 음모 선택 및 그들의 활동에 대한 열정적 인 선전을 빚지고 있습니다. 언론.

60년대 진보적인 언론의 정신에 따라 그들의 그림을 채찍질하는 설교로 바꾼 최초의 러시아 예술가들 중에는 바실리 그리고리예비치 페로프(1834-1882). 농민 해방의 해에 나온 그의 첫 번째 그림 마을 설교에는 이미 Fedotov의 무해한 조롱의 흔적이 없었습니다. 의자; 그의 젊은 아내는 순간을 포착하고 그녀의 추종자와 속삭이며 "깨달은"사회의 영적 가치에 대한 경멸을 보여줍니다. 다음 그림 "부활절을위한 종교 행렬"은 그 당시 가장 어두운 비난 소설과 선명하고 자음이 상당히 "Bazarov"였습니다.

배너와 아이콘이있는 완전한 행렬이 tselovalnik을 떠나 방금 그곳에서 영광을 얻었습니다. 술취한 순례자들은 무질서한 상태로 선술집에서 떨어지고 봄 진창을 때립니다. 간신히 발을 디딘 사제는 큰 어려움을 겪고 현관에서 내려옵니다. 향로를 든 집사는 비틀거리며 넘어졌습니다.

19세기 예술 운동의 다양성은 근대화 과정의 결과였다. 사회의 예술적 삶은 이제 교회의 지시와 궁정계의 유행에 의해서만 결정되는 것이 아닙니다. 변화 사회 구조사회에서 예술에 대한 인식의 변화로 이어졌습니다. 예술 작품을 독립적으로 평가할 수 있는 부유하고 교육받은 사람들의 새로운 사회 계층이 있으며 취향의 요구 사항에만 초점을 맞춥니다. 19세기에 형성되었다. 대중문화; 재미있는 줄거리가 있는 장편 소설을 인쇄한 신문과 잡지는 20세기 예술에서 텔레비전 연재물의 원형이 되었습니다.

19세기 전반에 유럽에서는 전례 없는 규모의 도시 계획이 전개되었습니다. 대부분의 유럽 수도인 파리, 상트페테르부르크, 베를린은 특유의 모습을 갖추었습니다. 건축 앙상블에서 공공 건물의 역할이 증가했습니다. 1889년 만국박람회 개막을 기념해 세운 유명한 에펠탑은 파리의 상징이 됐다. 에펠탑은 신소재인 금속의 기술적 능력을 보여주었다. 그러나 원래의 예술적 솔루션은 즉시 인식되지 않았으며 타워는 괴물이라고 불리는 철거를 요구했습니다.

XIX 세기 상반기의 신고전주의. 늦은 전성기를 경험했으며 이제는 제국 (프랑스 "제국"에서 유래)이라는 이름을 얻었습니다. 이 스타일은 나폴레옹이 만든 제국의 위대함을 표현했습니다. 세기 중반까지 유럽 건축의 주요 문제는 스타일을 찾는 것이었습니다. 고대에 대한 낭만적 인 매력으로 인해 많은 거장들이 과거 건축의 전통을 되살리려 고 노력했습니다. 이것이 바로 네오 고딕, 네오 르네상스, 네오 바로크가 발생한 방식입니다. 건축가의 노력은 종종 절충주의로 이어졌습니다. 즉, 오래된 것과 새로운 스타일의 요소를 기계적으로 결합한 것입니다.

19세기 전반의 예술 생활에서는 계몽주의 이데올로기에 대한 실망을 반영하여 낭만주의가 만연했습니다. 낭만주의는 특별한 세계관이자 삶의 방식이 되었습니다. 사회가 이해하지 못하는 사람의 낭만적 이상은 그 상류층의 행동 방식을 형성합니다. 낭만주의는 현실과 상상의 두 세계가 대립하는 것이 특징입니다. 현실은 영혼이없고 비인간적이며 사람에게 합당하지 않고 그를 반대하는 것으로 간주됩니다. 현실 세계의 '삶의 산문'은 이상과 꿈과 희망의 세계인 '시적 현실'의 세계와 대립한다. 동시대의 현실에서 악덕의 세계를 바라보며 낭만주의는 인간을 위한 탈출구를 찾으려 한다. 이 출구는 동시에 사회로부터의 이탈이다. 다른 옵션: 영웅은 현실 공간의 한계를 넘어 자신의 내면 세계로 들어가 다른 시간으로 떠납니다. 낭만주의는 과거, 특히 중세 시대를 이상화하기 시작하여 현실, 문화 및 가치를 서리로 간주합니다.

외젠 들라크루아(Eugene Delacroix, 1798-1863)는 회화에서 프랑스 낭만주의의 머리가 될 운명이었습니다. 이 작가의 지칠 줄 모르는 상상력은 강렬하고 투쟁과 열정으로 가득 찬 삶으로 여전히 캔버스에 살아있는 이미지의 전 세계를 창조했습니다. Delacroix는 종종 William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott의 작품에서 모티브를 얻었으며 프랑스 혁명의 사건, 기타 에피소드로 전환되었습니다. 민족사( "푸아티에 전투"). Delacroix는 주로 알제리인과 모로코인을 중심으로 아프리카 여행 중에 본 동양인의 수많은 이미지를 포착했습니다. The Massacre on the Island of Chios (1824)에서 Delacroix는 당시 유럽 전체를 걱정했던 터키 통치에 대한 그리스인의 투쟁을 반영했습니다. 고통받는 포로 그리스인의 그룹 전경그림 중에는 슬픔에 휩싸인 여성과 죽은 어머니의 가슴으로 기어가는 아이가 있으며, 작가는 오만하고 잔인한 처벌 자의 모습을 대조했습니다. 멀리 불타는 폐허가 된 도시가 보입니다. 이 그림은 인간 고통의 숨막히는 힘과 비정상적으로 대담하고 경쾌한 색채로 동시대 사람들을 강타했습니다.

혁명의 패배와 왕정복고로 끝난 1830년 7월 혁명의 사건들은 들라크루아에게 영감을 주어 유명한 그림"바리케이드 위의 자유"(1830). 프랑스 공화국의 삼색 깃발을 든 여성은 자유를 상징합니다. 바리케이드 위의 자유의 이미지 0 투쟁의 의인화.

스페인 화가 프란시스코 고야(Francisco Goya, 1746-1828)는 세계적으로 유명한 낭만주의의 대표자였으며, 고야는 비교적 늦게 주요 화가로 발전했습니다. 첫 번째 중요한 성공은 그에게 마드리드의 산타 바바라 왕립 제조소를 위해 제작된 수많은 태피스트리의 두 시리즈(1776-1791)를 가져왔습니다("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " 혼례"). 90년대. Goya의 작업에서 XVIII 세기, 비극의 특징, "오래된 질서"의 봉건-성직 스페인에 대한 적대감이 커지고 있습니다. 도덕적, 영적, 정치적 기반의 추악함 Goya는 민속 자료를 제공하는 기괴하고 비극적 인 형태로 "Caprichos"(작가의 의견이 포함 된 80 장) 에칭 시리즈에서 드러납니다. 예술적 언어의 대담한 참신함, 선과 획의 날카로운 표현력, 빛과 그림자의 대비, 그로테스크와 현실의 결합, 알레고리와 환상, 사회적 풍자와 현실에 대한 냉정한 분석은 새로운 발전의 길을 열었습니다. 조각의 집합입니다. 1790년대에서 1800년대 초에 Goya의 초상화 작업은 놀라운 외로움(Senora Bermudez의 초상화), 용감한 대결과 환경에 대한 도전(F. Guimardet의 초상화), 신비의 향기와 숨겨진 관능미 ( "옷을 입은 마자"및 "누드 마하"). 황실의 오만함과 육체적 정신적 비열함을 작가는 놀라운 신념으로 포착했다. 그룹 초상화"카를로스 4세의 가족". 깊은 역사주의, 열정적 인 항의는 프랑스 개입에 대한 투쟁에 전념하는 Goya의 큰 그림 ( "마드리드에서 1808 년 5 월 2 일 봉기", "1808 년 5 월 3 일 밤 반군 총격"), 철학적으로 일련의 에칭에 스며 듭니다. "전쟁의 재난"( 82 시트, 1810-1820) 사람들의 운명을 이해합니다.

프란시스코 고야 "카프리초스"

문학에서 예술가 인식의 주관성이 상징주의에 의해 발견된다면 회화에서도 인상주의에 의해 유사한 발견이 이루어진다. 인상주의 (프랑스 인상 - 인상에서) - 방향 유럽 회화 19세기 중반 프랑스에서 시작되었습니다. 인상파 화가들은 그림의 세부 사항을 피하고 특정 순간에 눈이 보는 것의 일반적인 인상을 포착하려고 노력했습니다. 그들은 색상과 질감의 도움으로 이 효과를 달성했습니다. 인상주의의 예술적 개념은 자연스럽고 자연스럽게 포착하려는 욕구에 기반을 두었습니다. 세계가변성으로 덧없는 인상을 전달합니다. Barbizon 학교의 예술가들은 인상주의 발전을위한 비옥 한 땅을 마련했습니다. 그들은 자연에서 스케치를 처음으로 그렸습니다. "빛과 공기의 한가운데에서 본 것을 그린다"는 원칙은 인상파의 외광 회화의 기초를 형성했습니다.

1860년대에 젊은 장르 화가 E. Manet, O. Renoir, E. Degas는 프랑스 회화삶에 대한 관찰의 신선함과 직접성, 순간적인 상황의 묘사, 형태와 구도의 불안정함과 불균형, 특이한 각도와 시점. 야외 작업은 캔버스에 반짝이는 눈의 느낌, 자연 색상의 풍부함, 환경에서 물체의 용해, 빛과 공기의 진동을 만드는 데 도움이 되었습니다. 인상주의 예술가들은 사물과 환경의 관계, 변화하는 환경에서 사물의 색상과 색조 변화에 대한 연구에 특별한 관심을 기울였습니다. 낭만주의자와 현실주의자와 달리 그들은 더 이상 역사적 과거를 묘사하는 경향이 없었습니다. 현대성은 그들의 관심 분야였습니다. 작은 파리 카페의 삶, 시끄러운 거리, 그림 같은 세느 강둑, 기차역, 다리, 눈에 띄지 않는 시골 풍경의 아름다움. 예술가들은 더 이상 첨예한 사회 문제에 손을 대려 하지 않는다.

Edouard Manet (1832-1883)의 작업은 회화의 새로운 방향 인 인상주의를 예상했지만 작가 자신은 인상파의 영향으로 창의적인 스타일을 다소 변경했지만이 운동에 참여하지 않았습니다. Manet은 자신의 프로그램을 다음과 같이 선언했습니다. 동시에 대부분의 Manet 작품에는 최소한의 줄거리도 포함하여 조치가 없었습니다. 파리는 도시 군중, 카페와 극장, 수도의 거리와 같은 Manet의 작업에 대한 끊임없는 동기가 됩니다.

에두아르 마네 "폴리 베르제르의 바"

에두르 마네 '튈르리의 음악'

인상주의라는 이름은 Claude Monet(1840-1926)의 “인상. 해돋이".

모네의 작품에서 빛의 요소가 주역을 맡았다. 70년대까지. 19 세기 놀라운 "Boulevard des Capucines"는 그 중 하나입니다. 캔버스에 던진 붓놀림은 먼 거리로 향하는 바쁜 거리의 관점, 그것을 따라 움직이는 끝없는 마차의 흐름, 쾌활한 축제 군중을 모두 전달합니다. 그는 동일하지만 다르게 조명된 관찰 대상으로 많은 그림을 그렸습니다. 예를 들어 아침, 정오, 저녁, 달빛, 비 등의 건초 더미.

인상주의의 많은 업적은 "행복의 화가"로 미술사에 입문한 Pierre-Auguste Renoir(1841-1919)의 작품과 관련이 있습니다. 그는 자신의 그림에서 매혹적인 여성과 고요한 아이들, 즐거운 자연과 아름다운 꽃의 특별한 세계를 정말로 창조했습니다. 르누아르는 평생 동안 풍경을 그렸지만 그의 직업은 여전히 한 남자의 이미지였습니다. 그는 장르 그림을 그리는 것을 좋아했는데, 놀라운 활기로 파리 거리와대로의 번잡함, 카페와 극장의 게으름, 시골 산책의 활기와 야외 휴가를 재현했습니다. 야외에서 그린이 모든 그림은 색채의 울림으로 구별됩니다. 그림 "Moulin de la Galette"(몽마르뜨 댄스홀 정원의 포크 무도회)는 르누아르 인상주의의 걸작입니다. 춤의 활기찬 리듬, 젊은 얼굴의 번쩍임을 추측합니다. 구도에 급격한 움직임이 없고, 색점의 리듬감으로 생동감이 생긴다. 그림의 공간 구성은 흥미 롭습니다. 전경은 위에서 주어지고 앉은 인물은 댄서를 가리지 않습니다. 수많은 초상화는 어린이와 어린 소녀들이 지배하고 있으며, 이 초상화에서 "고양이를 든 소년", "팬을 든 소녀"와 같은 그의 기술이 드러났습니다.

모든 전시회에 적극적으로 참여한 Edgar Degas (1834-1917)는 인상파의 모든 원칙과는 거리가 멀었습니다. 자연의. Degas의 작업에서 중요한 위치는 벌거 벗은 여성의 몸을 묘사하는 일련의 그림으로 가득 차 있습니다. 그의 많은 그림들 최근 몇 년"화장실 뒤의 여자"에게 헌정되었습니다. 많은 작품에서 Degas는 삶의 특성에 의해 생성 된 사람들의 행동과 외모의 특이성을 보여주고 전문적인 제스처, 자세, 사람의 움직임, 그의 플라스틱 아름다움 ( "Ironers", "Laundresses with 리넨"). 사람들의 삶, 일상 활동의 미학적 중요성을 확인하는 데 Degas 작업의 독특한 휴머니즘이 반영됩니다. Degas의 예술은 아름답고 때로는 환상적이며 평범한 것의 조합에 내재되어 있습니다. 많은 발레 장면 ( "Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson")에서 극장의 축제 정신을 전달합니다.

후기인상주의는 신인상주의의 첫 작품을 선보인 마지막 인상주의전이 열렸던 1886년부터 입체파와 야수파의 형태로 완전히 새로운 미술의 탄생을 예고한 1910년대까지를 아우른다. 후기인상주의라는 용어는 1910년 런던에서 반 고흐, 툴루즈 로트렉, 쇠라, 세잔 등의 작품을 선보인 프랑스 근대 미술 전시회에 대한 전반적인 인상을 표현한 영국 비평가 로저 프라이에 의해 소개되었습니다. 예술가.

이전에 인상주의에 합류한 많은 후기 인상주의자들은 순간적이고 일시적일 뿐만 아니라 매 순간 주변 세계의 장기적인 상태를 이해하기 시작하는 방법을 찾기 시작했습니다. 후기 인상주의는 순수 예술의 후속 발전에 영향을 준 다양한 창작 시스템과 기법을 특징으로 합니다. 반 고흐의 작품은 표현주의의 도래를 예고했고, 고갱은 아르누보의 길을 열었습니다.

빈센트 반 고흐(1853-1890)는 가장 인상적인 예술적 이미지패턴과 색상을 합성(결합)하여 반 고흐의 기법은 점, 쉼표, 수직선, 실선입니다. 도로, 침대 및 고랑은 실제로 멀리 떨어져 있으며 덤불은 불처럼 땅에서 타 오릅니다. 그는 하나의 포착된 순간이 아니라 순간의 연속성을 묘사했다. 그는 바람에 구부러진 나무의 효과가 아니라 땅에서 나무가 자라는 모습을 묘사했습니다. 반 고흐는 모든 것을 무작위로 우주로 바꾸는 방법을 알고있었습니다. 반 고흐의 영혼은 밝은 색상을 요구했고, 그는 자신이 가장 좋아하는 밝은 노란색조차도 힘이 부족하다고 동생에게 끊임없이 불평했습니다.

별이 빛나는 밤은 반 고흐가 밤하늘을 묘사한 첫 번째 시도가 아닙니다. 1888년 Arles에서 그는 Rhone 강의 별이 빛나는 밤을 그렸습니다. 반 고흐는 별이 빛나는 밤을 우리가 현실 세계를 볼 때 인지할 수 있는 것보다 더 놀라운 자연을 창조할 수 있는 상상력의 힘의 예로 묘사하고 싶었습니다.

고조된 현실 인식과 정신적 불균형이 반 고흐를 정신 질환. 고갱은 아를에 머물게 되지만, 창의적 차이로 말다툼이 일어난다. 반 고흐는 예술가의 머리에 유리잔을 던진 다음 고갱이 떠날 의사를 선언한 후 면도칼로 그에게 몸을 던집니다. 같은 날 저녁 미친 듯이 작가는 자신의 귀를 자른다(“귀에 붕대를 감은 자화상”).

폴 고갱(1848-1903)의 작품은 그의 비극적인 운명과 뗄래야 뗄 수 없는 관계입니다. 고갱의 문체개념에서 가장 중요한 것은 색채에 대한 이해였다. 에 대해. 작가가 1891년에 떠난 타히티는 폴리네시아 예술의 원시적 형태의 영향을 받아 장식성, 평면 형태 및 매우 순수한 색상으로 구별되는 그림을 그렸습니다. 고갱의 "이국적인" 그림 - "질투하세요?", "그녀의 이름은 Vairaumati입니다", "태아를 안고 있는 여자" - 사물의 자연적 특성이 아니라 예술가의 감정 상태와 상징적 의미를 반영합니다. 그가 구상한 이미지. 고갱의 그림 스타일의 특징은 뚜렷한 장식 효과, 캔버스의 큰 평면을 한 가지 색상으로 칠하려는 욕구, 옷감, 카펫 및 풍경 배경에 존재하는 장식에 대한 사랑입니다.

폴 고갱 "결혼할 때" "과일을 들고 있는 여자"

XIX 세기 문화의 가장 중요한 업적. 사진과 디자인의 예술의 출현입니다. 세계 최초의 카메라는 1839년 Louis Jacques Mande Daguerre에 의해 만들어졌습니다.

작동 가능한 카메라를 만들려는 Daguerre의 초기 시도는 실패했습니다. 1827년에 그는 또한 카메라를 발명하려고 노력하고 있던(그때쯤에는 약간 더 성공을 거두었던) Joseph Niépce를 만났습니다. 2년 후 그들은 파트너가 되었습니다. Niépce는 1833년에 사망했지만 Daguerre는 계속해서 열심히 일했습니다. 1837년에 그는 마침내 실용적인 시스템 daguerreotype이라고 불리는 사진. 이미지(daguerreotype)는 요오드 증기로 처리된 은판에서 얻어졌습니다. 3-4시간 동안 노출시킨 후, 플레이트를 수은 증기에서 현상하고 일반 염 또는 하이포아황산염의 뜨거운 용액으로 고정했습니다. daguerreotypes는 이미지 품질이 매우 높았지만 한 장만 촬영할 수 있었습니다.

1839년 Daguerre는 자신의 발명품을 발표했지만 특허를 신청하지는 않았습니다. 이에 대한 응답으로 프랑스 정부는 그와 Niépce의 아들에게 평생 연금을 수여했습니다. Daguerre의 발명 발표는 큰 센세이션을 일으켰습니다. Daguerre는 그날의 영웅이되었고 명성이 그에게 떨어졌고 daguerreotype 방법은 빠르게 널리 적용되었습니다.

사진의 발달은 수정을 가져왔다 예술적 원리그래픽, 회화, 조각, 결합 예술 및 다큐멘터리, 다른 예술 형식에서는 달성할 수 없습니다. 디자인의 기틀은 1850년 런던에서 열린 국제 산업 박람회에서 마련되었습니다. 그 디자인은 예술과 기술의 융합을 표시하고 새로운 종류의 창의성의 토대를 마련했습니다.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce 및 Niepce의 카메라 옵스큐라

조셉 니세포르 니에프스. 주석과 납의 합금으로 찍은 세계 최초의 사진, 1826년.

Daguerre의 "화가의 작업실", 1837

1870년대에 엘리샤 그레이와 알렉산더 그레이엄 벨이라는 두 명의 발명가가 전기를 통해 음성을 전달할 수 있는 장치를 독립적으로 개발했으며 나중에 이를 전화라고 불렀습니다. 둘 다 특허청에 각각의 특허를 보냈고, 출원의 차이는 불과 몇 시간이었습니다. 그러나 Alexander Graham Bell)이 먼저 특허를 받았다.

전화와 전신은 전선을 기반으로 하는 전기 시스템입니다. Alexander Bell 또는 그의 발명품의 성공은 전화기를 발명하면서 전신을 개선하려고 시도했기 때문에 매우 자연스러운 일이었습니다. Bell이 전기 신호로 실험을 시작했을 때 전신은 이미 약 30년 동안 통신 수단으로 사용되었습니다. 전신은 점과 대시를 사용하여 문자를 표시하는 모스 부호를 기반으로 한 상당히 성공적인 통신 시스템이었지만, 전신의 가장 큰 단점은 정보가 한 번에 하나의 메시지만 주고받을 수 있다는 점이었습니다.

Alexander Bell은 첫 번째 전화 모델에서 말합니다.

Alexander Graham Bell이 만든 최초의 전화기는 전기를 사용하여 인간의 말소리를 전달하는 장치였습니다(1875). 1875년 6월 2일 알렉산더 그레이엄 벨은 자신이 "조화 전신기"라고 부르는 기술을 실험하던 중 전선을 통해 소리를 들을 수 있다는 사실을 발견했습니다. 시계소리였다.

Bell의 가장 큰 성공은 1876년 3월 10일에 달성되었습니다. 벨은 옆방에 있던 그의 조수인 토마스 왓슨과 튜브를 통해 오늘날 모두가 알고 있는 말을 했습니다. Watson-이리와-보고 싶어요.”(Mr. Watson-이리와-보고 싶어요). 이때 전화가 탄생했을 뿐만 아니라 다중전신도 죽었다. 전기를 통해 대화가 가능함을 입증하는 의사소통의 잠재력은 점과 대시를 사용하여 정보를 전송하는 시스템으로 전신이 제공할 수 있는 것과는 매우 달랐습니다.

영화의 개념은 Louis Jean과 Auguste Lumiere 형제가 개발한 영화 제작 및 상영 시스템을 나타내는 프랑스어 버전인 "시네마"에서 처음 등장했습니다. 첫 번째 영화는 1888년 11월 영국에서 프랑스인 Louis Aimé Augustin Le Prinecy(1842–1890)가 무비 카메라로 촬영했으며 두 개의 단편으로 구성되었습니다. 초당 사진. 그러나 공식적으로 영화는 1895년 12월 28일에 시작되었다고 믿어집니다. 이날 프랑스 파리 카푸신 대로(Boulevard des Capucines) 인도 살롱 '그랑 카페(Grand Cafe)'에서는 '뤼미에르 형제의 시네마토그래프' 공개 상영회가 열렸다. 1896년에 형제들은 자신들의 발명품으로 런던, 뉴욕, 봄베이를 방문하는 세계 여행을 했습니다.

Louis Jean Lumiere는 산업 학교를 졸업하고 사진 작가였으며 아버지가 소유한 사진 공장에서 일했습니다. 1895년 뤼미에르는 "움직이는 사진"을 촬영하고 투사하기 위한 영화 카메라를 발명했습니다. 그의 형제 Auguste Lumiere는 영화 발명에 대한 그의 작업에 적극적으로 참여했습니다. 이 장치는 특허를 받았으며 영화라고 불 렸습니다. Lumiere의 첫 번째 영화 프로그램은 "Lumiere 공장에서 일하는 노동자의 출구", "기차 도착", "Child 's breakfast", "Sprinkled waterer"등 현장에서 촬영 된 장면을 보여주었습니다. 흥미롭게도 프랑스어로 뤼미에르라는 단어는 "빛"을 의미합니다. 우연일 수도 있고 영화 제작자의 운명이 미리 결정되었을 수도 있습니다.

안트로포프 알렉세이 페트로비치(1716-1795) - 러시아 화가. Antropov의 초상화는 parsuna 전통과의 연결, 특성의 진실성, 회화 기법바로크.

아르구노프 이반 페트로비치(1729-1802) - 러시아 농노 초상화 화가. 대표적인 의식 및 실내 초상화의 저자.

아르구노프 니콜라이 이바노비치(1771-1829) - 그의 작품에서 고전주의의 영향을 경험한 러시아 농노 초상화 화가. P. I. Kovaleva-Zhemchugova의 유명한 초상화 작가.

바제노프 바실리 이바노비치(1737-1799) - 러시아 고전주의의 창시자 중 한 명인 러시아 최대의 건축가. Tsaritsyn의 낭만적인 궁전과 공원 앙상블, 모스크바의 Pashkov House, 상트페테르부르크의 Mikhailovsky 성, 크렘린 재건 프로젝트의 저자. 그의 프로젝트는 대담한 구성, 다양한 아이디어, 창의적인 사용 및 세계 고전 및 고대 러시아 건축 전통의 조합으로 구별되었습니다.

베링 비투스 요나센(이반 이바노비치)(1681-1741) - 네비게이터, 러시아 함대 사령관 (1730). 제1차(1725~1730) 및 제2차(1733~1741) 캄차카 탐험의 지도자. 그는 축치 반도와 알래스카(이들 사이의 해협은 이제 그의 이름을 가짐) 사이를 통과하여 북아메리카에 도달했으며 알류산 능선에서 여러 섬을 발견했습니다. 북태평양의 바다, 해협, 섬은 베링의 이름을 따서 명명되었습니다.

보로비코프스키 블라디미르 루키치(1757-1825) - 러시아 초상화 화가. 그의 작품은 감상주의의 특징, 장식적인 미묘함과 리듬의 우아함과 진정한 성격의 전달 (M. I. Lopukhina 등의 초상화)이 특징입니다.

볼코프 표도르 그리고리예비치(1729-1763) - 러시아 배우이자 연극 인물. 1750 년에 그는 Yaroslavl (배우-I. A. Dmitrevsky, Ya. D. Shumsky)에서 아마추어 극단을 조직했으며이를 기반으로 1756 년 상트 페테르부르크에서 최초의 영구 전문 러시아 공공 극장이 만들어졌습니다. 그는 자신이 Sumarokov의 여러 비극에서 연주했습니다.

더자빈 가브릴라 Romanovich (1743-1816) - 러시아 시인. 러시아 고전주의의 대표. 귀족에 대한 풍자, 풍경 및 가정 스케치, 철학적 반성 - "Felitsa", "Velmozha", "Waterfall"을 포함하여 강력한 러시아 국가라는 아이디어로 가득 찬 엄숙한 노래의 저자. 많은 서정시의 저자.

카자코프 마트베이 표도로비치(1738-1812)-러시아 고전주의의 창시자 중 한 명인 뛰어난 러시아 건축가. 모스크바에서 그는 대규모 도시 공간을 구성하는 도시 주거용 건물과 공공 건물 유형을 개발했습니다. 모스크바 대학교(1786–1793); Golitsynskaya (1st Gradskaya) 병원 (1796–1801); Demidov의 집 재산 (1779-1791); Petrovsky Palace (1775-1782) 등 그는 인테리어 디자인 (모스크바의 귀족 의회 건물)에 특별한 재능을 보였습니다. 모스크바의 마스터 플랜 작성을 감독했습니다. 건축 학교를 만들었습니다.

칸테미르 안티오크 드미트리예비치(1708-1744) - 러시아 시인, 외교관. 합리주의 교육자. 시적 풍자 장르에서 러시아 고전주의의 창시자 중 한 명.

콰렝기 자코모(1744-1817) - 고전주의를 대표하는 이탈리아 출신의 러시아 건축가. 그는 1780년부터 러시아에서 일했습니다. 파빌리온 " 콘서트홀"(1786) 및 Tsarskoye Selo의 Alexander Palace (1792-1800), Assignment Bank (1783-1790), Hermitage Theatre (1783-1787), St. Petersburg의 Smolny Institute (1806-1808).

크라세닌니코프 스테판 페트로비치(1711-1755) -러시아 여행자, Kamchatka 탐험가, St. Petersburg Academy of Sciences (1750)의 학자. 제2차 캄차카 원정대(1733~1743)의 일원. 첫 번째 "캄차카 땅에 대한 설명"(1756)을 편집했습니다.

쿨리빈 이반 페트로비치(1735-1818)-뛰어난 러시아 독학 기계공. 많은 독특한 메커니즘의 저자. 광학 기기용 연마 유리를 개선했습니다. 그는 프로젝트를 개발하여 강을 가로지르는 단일 아치 다리 모델을 만들었습니다. 298m의 스팬을 가진 Neva 그는 탐조등 ( "거울 램프"), 세마포어 전신, 궁전 엘리베이터 등의 프로토 타입을 만들었습니다.

랍테프 카리톤 프로코피예비치(1700-1763) - 1급 대위. 1739~1742년에 조사됨. 강에서 해안 레나를 강으로. Khatanga와 Taimyr 반도.

레비츠키 드미트리 그리고리예비치(1735-1822) - 러시아 화가. 구성적으로 화려한 의식 초상화에서 엄숙함은 이미지의 활력, 다채로운 부와 결합됩니다 ( "Kokorinov", 1769–1770, Smolny Institute 학생 초상화 시리즈, 1773–1776). 친밀한 초상화는 그 특성이 매우 개별적이며 색상이 제한되어 있습니다 ( "M. A. Dyakova", 1778). 안에 후기부분적으로 고전주의의 영향을 받았습니다 (Catherine II의 초상화, 1783).

로모노소프 미하일 바실리에비치(1711-1765) - 러시아 최초의 세계적 수준의 과학자 백과사전, 시인. 현대 러시아 문학 언어의 창시자. 아티스트. 역사가. 공교육과 과학의 모습. 그는 1742년부터 모스크바의 슬라브-그리스-라틴 아카데미(1731년 이후), 상트페테르부르크의 아카데믹 대학교(1735년 이후), 독일(1736-1741년)에서 공부했습니다. - 1745년부터 겸임 - 상트페테르부르크 과학 아카데미의 러시아 최초 학자. 예술 아카데미 회원 (1763).

마이코프 바실리 이바노비치(1728-1778) - 러시아 시인. 시 The Ombre Player (1763), Elisha, or the Irritated Bacchus (1771), Prayerful Fables (1766–1767)의 저자.

폴주노프 이반 Ivanovich (1728-1766) - 열 엔진 발명가 중 한 명인 러시아 난방 엔지니어. 1763년에 그는 범용 증기 기관 프로젝트를 개발했습니다. 1765년에 그는 43일 동안 작동하는 공장 요구 사항을 위해 러시아 최초의 증기 및 열 발전소를 만들었습니다. 그녀의 시운전 전에 사망했습니다.

포포프스키 니콜라이 니키티치(1730-1760) - 러시아 교육자, 철학자 및 시인. 모스크바 대학교 교수(1755년부터). 계몽 절대주의의 지지자이자 이데올로기 중 한 명.

라스트렐리 바르톨로메오 카를로(1675-1744) - 조각가. 이탈리아 사람. 1716년부터 -상트 페테르부르크의 서비스에서 그의 작품은 바로크 양식의 화려 함과 화려 함, 묘사 된 재료의 질감을 전달하는 능력이 특징입니다 ( "흑인 아이를 가진 황후 Anna Ioannovna", 1733-1741).

라스트렐리 바르폴로메이 바르폴로메비치(1700-1771) - 바로크를 대표하는 뛰어난 러시아 건축가. B. K. 라스트렐리의 아들. 그의 작품은 거대한 공간 범위, 볼륨의 선명도, 직선 계획의 엄격함, 질량의 가소성, 조각 장식 및 색상의 풍부함, 기발한 장식과 결합된 것이 특징입니다. 가장 큰 작품스몰니 수도원(1748~1754)과 상트페테르부르크의 겨울 궁전(1754~1762), 그랜드 팰리스 Peterhof (1747–1752), Tsarskoye Selo (1752–1757)의 Catherine Palace.

로코토프 표도르 스테파노비치(1735-1808) - 러시아 화가. 그림에서 섬세하고 깊다 시적 초상화사람의 영적, 육체적 아름다움에 대한 인식으로 가득 차 있습니다 ( "Unknown in a pink dress", 1775; "VE Novosiltsova", 1780 등).

수마로코프 알렉산더 페트로비치(1717-1777) - 고전주의의 저명한 대표자 중 한 명인 러시아 작가. 비극 "Khorev"(1747), "Sinav and Truvor"(1750) 등에서 그는 시민의 의무 문제를 제기했습니다. 많은 코미디, 우화, 서정적 노래의 저자.

Tatishchev 바실리 Nikitich(1686-1750) - 러시아 역사가, 정치가. 우랄의 관리 국유 공장은 아스트라한 주지사였습니다. 민족 지학, 역사, 지리학에 관한 많은 작품의 저자. 가장 크고 가장 유명한 작품은 "고대부터 러시아 역사"입니다.

트레디아코프스키 바실리 키릴로비치(1703-1768)-러시아 시인, 문헌 학자, 상트 페테르부르크 과학 아카데미 학자 (1745-1759). "러시아시를 작곡하는 새롭고 간단한 방법"(1735) 작품에서 그는 러시아 음절 음절 검증의 원칙을 공식화했습니다. 시 "Tilemakhida"(1766).

트레치니 도메니코(1670-1734) - 초기 바로크를 대표하는 러시아 건축가. 국적에 따라 스위스. 1703년부터 러시아에서 (상트페테르부르크 건설에 참여하도록 초대됨). 그는 표트르 1세(1710~1714)의 여름 궁전과 성 베드로 대성당을 지었다. Peter and Paul Fortress (1712–1733), 상트 페테르부르크에 12 개의 대학 건물 (1722–1734)의 Peter and Paul.

Felten Yuri Matveevich(1730-1801) - 초기 고전주의를 대표하는 러시아 건축가. Old Hermitage (1771–1787)의 저자, St. Petersburg의 Summer Garden (1771–1784) 울타리. Neva의 화강암 제방 건설에 참여했습니다(1769년 이후).

케라스코프 미하일 마트베예비치(1733-1807) - 러시아 작가. 고전주의 정신으로 쓰여진 유명한 서사시 "Rossiyada"(1779)의 저자.

Shelikhov (Shelekhov) Grigory Ivanovich(1747-1795) - 러시아 상인, 개척자. 1775년에 그는 모피 및 모피 무역 회사를 설립했습니다. 북부 섬태평양과 알래스카. 그는 러시아 아메리카에 최초의 러시아 정착촌을 세웠습니다. 중요한 지리적 연구를 수행했습니다. Shelikhov가 만든 회사를 기반으로 1799년에 Russian-American Company가 설립되었습니다.

슈빈 페도트 이바노비치(1740-1805) - 뛰어난 러시아 조각가. 고전주의의 대표. 그는 심리적으로 표현적인 조각 초상화 갤러리를 만들었습니다 (A. M. Golitsyn의 흉상, 1775; M. R. Panina, 1775; I. G. Orlova, 1778; M. V. Lomonosov, 1792 등).

야콘토프 니콜라이 파블로비치(1764-1840) - 러시아 작곡가. 러시아 최초의 오페라 "Sylph 또는 젊은 여성의 꿈"중 하나의 저자.

상반기 러시아 예술 XIX 세기. 1812년 애국 전쟁과 관련된 국가적 고양 세기의 1/3에 러시아 문화에서 전쟁과 Decembrist 봉기 40년대의 급격한 시간 모순. 문학과 예술의 낭만적인 모티프는 100년 이상 범유럽 문화 과정에 관여해 온 러시아에게는 자연스러운 일입니다. 고전주의에서 낭만주의를 통한 비판적 사실주의로의 길.

예술가의 사회적 역할 증가, 그의 성격의 중요성, 사회적 및 도덕적 문제가 점점 더 제기되는 창의성의 자유에 대한 권리; 예술 사회 및 특별 잡지 ( "문학, 과학 및 예술 애호가의 자유 사회", "미술 저널", "예술가 격려를위한 사회", "러시아 박물관", "러시아 갤러리")의 창설, 지방 예술 학교 이 시대의 지배적 인 스타일은 성숙하거나 높은 고전주의 (러시아 제국)입니다.

세기의 1/3의 건축은 대규모 도시 문제의 해결책입니다. 상트페테르부르크에서는 수도의 주요 광장인 궁전과 상원의 레이아웃이 완성되고 있습니다. 모스크바는 1812년 화재 이후 특히 집중적으로 건설되었습니다. 그리스(심지어 고풍) 버전의 고대가 이상적이 됩니다. Doric (또는 Tuscan) 주문이 엄격하고 간결하게 사용됩니다. 건물의 전반적인 외관에서 큰 역할은 특정 의미 론적 의미를 지닌 조각품에 의해 수행됩니다. 색상이 많이 결정되며 일반적으로 높은 고전주의 건축은 투톤입니다. 기둥과 치장 벽토 조각상은 흰색이고 배경은 노란색 또는 귀걸이입니다. 건물 중 주요 장소는 공공 건물이 차지합니다. 극장, 부서, 교육 기관, 궁전 및 사원은 훨씬 덜 지어집니다.

A. 보로니힌 -이 시대의 가장 큰 건축가 (카잔 대성당). A.자하로프 1805 년부터- "해군의 수석 건축가"(상트 페테르부르크의 주요 앙상블 인 해군). C.로시 - 19세기 1/3의 대표적인 상트페테르부르크 건축가. (“러시아 제국”), “앙상블로 생각하기”: 광장과 새로운 거리에서 도시 계획의 허브로 변모한 궁전이나 극장(현재 러시아 박물관인 미하일로프스키 궁전, 건물 알렉산드리아 극장; 유명한 상원 광장에 상원 건물). 후기 고전주의의 모든 건축가 중 "가장 엄격한" V. 스타소 V(화성 필드의 Pavlovsky 막사, Moika 제방의 "안정 부서", Izmailovsky 연대의 연대 대성당, 승리의 나르바 및 모스크바 문, 인테리어 겨울궁전화재 후), 모든 곳에서 질량, 소성 무거움, 정적, 인상적 및 무거움을 강조합니다. 상트페테르부르크의 성 이삭 성당(O.Montferrand)은 19세기 유럽에서 마지막으로 뛰어난 종교 건축 기념물 중 하나입니다. 최고의 힘건축가, 조각가, 화가, 석공 및 캐스터, 조화, 가중치, 복잡성을 잃는 고전주의의 예.

세기 전반기 조각과 건축 발전 사이의 연결 : 카잔 대성당 (B. Orlovsky)의 Barclay de Tolly와 Kutuzov 동상은 영웅적인 저항의 상징에 아름다운 건축 프레임을 부여했습니다. (N. Pimenov의 "Guy Playing Money", A. Loganovsky의 "Guy Playing Pile"). 다른 하나는 현실을보다 직접적이고 다각적으로 반영하려는 욕구를 나타내며 세기 후반에 널리 퍼지지만 두 방향 모두 기념비적 스타일의 특징을 점차 잃어 가고 있습니다.

낭만주의 회화의 진정한 성공. 초상화 장르에서 선두 자리는 다음과 같습니다. O. 키프렌스키 (연금 수급자의 해외 여행에 대한 권리를 부여한 그림 "Dmitry Donskoy on the 승리 Mamai"; E. Rostopchin, D. Khvostov, 소년 Chelishchev, Life Hussars E. Davydov 대령의 초상화-집단적 이미지 1812년 전쟁의 영웅).

낭만주의는 풍경에서 그 표현을 찾습니다. S. 슈체드린 (“달밤에 나폴리의 전망”)은 러시아를 위해 처음으로 야외 그림을 공개했습니다. 그는 야외에서 스케치를 그렸고 스튜디오에서 그림을 완성했습니다 (“장식”). 안에 최근 작품 chiaroscuro 효과에 대한 Shchedrin의 관심은 점점 더 뚜렷해졌습니다. 초상화가 Kiprensky와 전투 화가 Orlovsky처럼 풍경화가 Shchedrin은 종종 장르 장면을 그렸습니다.

초상화에서 일상 장르의 굴절 V. 트로피니나 (그의 아들 Arseny의 초상화, Bulakhov의 초상화), 45 세에 농노에서 해방 된 예술가. Tropinin의 초상화 중 최고는 숙련 된 조명으로 강조되는 높은 예술적 완성도, 이미지의 성실성, 생동감 및 즉시 성이 특징입니다.

Tropinin은 초상화에 장르 요소 만 도입했습니다. "러시아 가정 장르의 아버지"- A. 베네치아노프 ( "Reapers", "Spring. On arable land", "Peasant woman with cornflowers", "Morning of the landowner"), 고전주의, 낭만주의, 감상주의 및 자연주의의 요소를 작품에 결합했습니다. 19 세기 초 모든 "살아있는"예술 운동의 그는 농민 생활의 날카로운 충돌을 밝히지 않았고 우리 시대의 "병든 질문"을 제기하지 않았습니다. 그는 가부장적 삶의 방식을 그렸지만 외부에서시를 도입하지 않았고 발명하지도 않았지만 사람들의 삶 자체에서 끌어 냈습니다.

낭만주의의 기미 아래 1930~40년대 러시아 역사회화의 발전. 고전주의의 이상과 낭만주의의 혁신 사이의 "타협의 천재" - K. 브륄로프 ("수선화"는 그림으로 변한 스케치이며, "폼페이의 마지막 날"은 작가의 주요 작품으로 죽음 앞에서 인간의 위대함과 존엄성을 보여줍니다.) 세기 중반은 A. 이바노프 (사람의 도덕적 변화, 자유와 진리를 추구하는 사람의 완성에 대한 작가의 열렬한 믿음을 반영한 그림 "사람에게 그리스도의 모습").

세기 후반의 풍속화의 주요 출처는 다음과 같은 작업에 있습니다. P. 페도토바 , 40 년대 러시아의 정신을 표현한 간단한 일상적인 글쓰기에서 러시아 생활 문제의 이미지 구현까지의 길 : "소령의 중매"(상인 "돈 가방"과 가난한 귀족의 결혼 노출) , "까다로운 신부"(정리 결혼 풍자), "귀족의 아침 식사"(눈에 먼지를 던지는 세속적 인 친구의 공허함 비난), "앵커, 더 많은 앵커!" (존재의 무의미함에 대한 비극적 인 느낌), "The Fresh Cavalier"... Fedotov의 예술은 19 세기 전반기 회화의 발전을 완성합니다. 비판적 (민주적) 리얼리즘의 예술이라는 새로운 단계를 엽니 다.

후반의 러시아 미술 XIX 세기 . 이 기간 동안 조각과 건축은 덜 빠르게 발전했습니다. 고전주의의 예술적 표현 수단은 19세기 후반 건축이 정한 과제와 모순된다. 고전적인 스타일의 정식성에 대한 반응으로서의 역사주의(회고적 양식화, 절충주의). 자본주의 시대의 새로운 유형의 건물에는 새롭고 다양한 구성 솔루션이 필요했으며 건축가는 고딕, 르네상스, 바로크 및 로코코 모티프를 사용하여 과거의 장식 형태에서 찾기 시작했습니다.

1840년대: 르네상스, 바로크, 로코코에 매료됨. 네오 바로크와 네오 르네상스의 정신으로 일부 인테리어 인 Nikolaevsky Palace가 실행됩니다. 1970년대와 1980년대에 건축의 고전적 전통은 사라졌다. 금속 코팅, 금속 프레임 구조의 도입은 새로운 기능적이고 건설적인 개념으로 합리적인 건축에 생명을 불어넣었습니다. 산업 및 관리, 역, 통로, 시장, 병원, 은행, 교량, 극장 및 엔터테인먼트 시설과 같은 새로운 유형의 건물 건설에 대한 기술 및 기능적 편의.

기념비주의의 위기는 기념비적 조각의 발전에도 영향을 미쳤다. 기념비는 너무 한심하고 실루엣이 부분적이며 상세 (상트 페테르부르크의 캐서린 2 세 기념비) 또는 정신의 방 (모스크바의 푸쉬킨 기념비)이됩니다.. 19 세기 후반. 이젤 조각은 주로 장르, 내러티브로 발전하며 조각으로 번역 된 장르 그림처럼 보입니다 (M. Chizhov "A Peasant in Trouble", V. Beklemishev "Village Love"). 동물주의 장르가 발전하고 있으며 (E. Lensere 및 A. Aubert) 러시아의 작은 형태의 사실적인 조각품 개발에 큰 역할을했습니다.

19세기 후반에는 현실에 대한 비판적 태도, 뚜렷한 시민적, 도덕적 입장, 예리한 사회적 성향도 회화의 특징이었으며, 비판적 리얼리즘으로 표현된 새로운 예술적 시각 체계가 형성되고 있었습니다. 회화와 문학의 밀접한 관계. 삽화가로서의 예술가, 러시아 사회의 심각한 사회 문제에 대한 직접적인 해석자.

회화에서 중요한 방향의 영혼 V. 페로프 , Fedotov의 사건을 집어 들고 단순한 일상 생활의 측면을 간단하고 날카롭게 보여주었습니다. 성직자의보기 흉한 모습 ( "부활절의 시골 행렬"), 러시아 농민의 절망적 인 삶 ( "죽은 자보기"), 도시 빈민("트로이카")과 지식인( "상인의 집에 도착한 거버니스")의 삶.

예술의 권리를 위한 투쟁이 상트페테르부르크 예술 아카데미("14의 반란")에서 현실적이고 실제적인 삶으로 전환되었습니다. 스칸디나비아 서사시의 한 주제에 대해 프로그래밍 방식의 그림 작성을 거부한 아카데미 졸업생 협회(현대적인 문제가 너무 많습니다!), 여행 미술 전시회 협회 (1870-1923). 이 전시회는 상트 페테르부르크, 모스크바, 지방 ( "사람들에게가는 것")에서 조직 되었기 때문에 모바일이라고 불 렸습니다. "방랑자"의 각 전시회는 거대한 이벤트와 같습니다. 파트너십의 이데올로기 프로그램: 모든 시급한 사회 문제와 함께 삶의 반영, 모든 화제성 19세기 후반의 예술 문화에서 혁명적 민주주의 사상의 표현으로서 방랑자의 예술 파트너십 Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, Makovsky 형제가 지원하는 Myasoedov의 주도로 만들어졌습니다. 나중에 그들은 젊은 예술가들과 합류했습니다. 레핀, 수리코프, 바스네초프, 야로셴코. Serov, Levitan, Polenov는 80년대 중반부터 전시회에 참여해 왔습니다. Wanderers I. Kramskoy의 리더이자 이론가.

70-80년대 배틀 장르. V.Vereshchagin (“The Apotheosis of War”)는 Wanderers와 가깝습니다 (조직적으로 그는 그들에게 속하지 않았습니다). 그는 세계 여러 곳에서 전시회를 열었고 매우 광범위하게 방황한다는 아이디어를 실행했습니다.

풍경 장르의 민주주의. 화가의 주요 주제로 외부에 약간의 중앙 러시아 풍경, 가혹한 북부 자연. A.사브라소프 ( "Rooks Have Arrived", "Rye", "Country Road") - "공기의 왕", 가장 단순한 것에서 깊은 가슴 아픈 특징을 찾는 방법을 알고있는 "공기의 왕" 거부할 수 없을 정도로 영혼에 영향을 미칩니다.... 예술의 또 다른 개념 풍경 F. 바실리예바 ( "After the Rain", "Thaw", "Wet Meadow") - 풍경화의 "살아있는 하늘"을 발견 한 "훌륭한 소년", 그의 "모차르트 식"운명으로 인생이 몇 년 동안 계산되지 않았는지, 하지만 얼마나 준비가 남자 참조, 창조하고, 사랑하고, 궁금해합니다. V. 폴레노프 ( "Moscow Yard", "Christ and the Sinner")는 풍경이 큰 역할을 한 국내 및 역사적 장르를 많이 다루었습니다. Polenov는 plein airism의 길을 따라 그것을 발전시킨 러시아 회화의 진정한 개혁가입니다. 스케치를 독립적인 예술 작품으로 이해한 그의 이해는 이후의 화가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. I. 레비탄 Savrasov와 Vasilyev ( "Birch Grove", "Evening Ringing", "At the Pool", "March", "Golden Autumn") 전통의 계승자로서 "거대하고 독창적이며 독창적 인 재능", "최고 러시아 풍경화가”.

19세기 후반 러시아 회화에서 민주적 리얼리즘의 정점. 각자 자신의 방식으로 사람들의 기념비적 인 영웅적 이미지를 만든 Repin과 Surikov의 작업을 올바르게 고려했습니다. I. 레핀 (“볼가의 바지선 운반선”, “종교 행렬 쿠르스크 지방», « 선전가의 체포", "고백 거부", "그들은 기대하지 않았다")-민속에서 초상화에 이르기까지 다양한 장르에서 작업 한 "위대한 현실 주의자"로 러시아 생활의 국가적 특성을 다른 화가보다 밝게 표현했습니다. . 그의 예술계전체, 하나의 생각, 하나의 사랑-러시아에 대한 사랑으로 "반투명"하기 때문입니다. V. 수리코프 ( "Streltsy Execution의 아침", "Berezov의 Menshikov", "Boyar Morozova", "Ermak의 시베리아 정복", "Snow Town의 점령"), 역사적인 그림은 자체적으로 발견되었습니다. 현대적 이해. "과거의 증인"인 Surikov는 "과거의 끔찍한 일을 그의 이미지로 인류에게 제시하여 그의 국민의 영웅적인 영혼"을 보여주었습니다. 19세기. 다른 아티스트들도 작업했습니다. 창의성에서 V.Vasnetsova 동화, 민속 또는 전설적인 이미지가 우세합니다 ( "Alyonushka", "The Knight at the Crossroads", "Bogatyrs").

종말의 러시아 예술 XIX -시작 더블 엑스 세기 . 1990년대 포퓰리즘 운동의 위기와 함께 '19세기 리얼리즘의 분석적 방법'은 무용지물이 되었다. 재미있는 장르 그림의 "작은 주제"에 들어간 Wanderers의 창의적인 쇠퇴. Perov의 전통은 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에서 보존되었습니다. 회화, 연극, 음악, 건축 등 모든 유형의 예술은 높은 전문성을 위해 예술적 언어의 갱신을 의미합니다.

세기 전환기의 화가들에게는 방랑자들의 표현 방식이 아닌 다른 표현 방식, 즉 모순적이고 복잡하며 설명과 내러티브 없이 현대성을 반영하는 이미지에서 예술적 창의성의 다른 형태가 특징적입니다. 조화와 아름다움이 근본적으로 이질적인 세상에서 예술가들은 고통스럽게 조화와 아름다움을 추구한다. 그렇기 때문에 많은 사람들이 미적 감각을 기르는 것이 그들의 사명이라고 생각했습니다. 공공 생활의 변화에 대한 기대인 이번 "이브"의 시간은 많은 운동, 협회, 그룹화를 일으켰습니다.

협회 예술가의 역할 "예술의 세계" 국내 및 서유럽 미술의 대중화에 "예술의 세계"(Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin)는 예술적 힘의 통합에 기여했습니다. "러시아 예술가 연합"의 창설. 디아길레프, 후원자, 전시회 주최자, 러시아 발레 공연 및 해외 오페라 투어 ( "러시아 시즌")의 성격 통일 형성의 중요성. 주요 조항 "예술의 세계": 예술의 자율성, 예술 형식의 문제, 예술의 주된 임무는 세계 예술 작품에 대한 지식을 통해 러시아 사회의 미적 취향을 교육하는 것입니다.

건축에서 그래픽에 이르기까지 모든 조형 예술에 영향을 미친 아르누보 스타일의 탄생은 모호하지 않은 현상이 아니라 퇴폐적 인 허세, 부르주아 취향을 위해 설계된 허세도 포함하지만 스타일의 통일성에 대한 열망도 있습니다. 그 자체로 중요합니다. 아르누보의 특징: 조각에서 - 형태의 유동성, 실루엣의 특별한 표현력, 구성의 역동성; 그림에서-이미지의 상징주의, 우화에 대한 중독.

아르누보의 출현은 다르게 발전하는 방랑 아이디어의 붕괴를 의미하지 않았습니다. 농민 주제가 새로운 방식으로 드러납니다 (S. Korovin, A. Arkhipov). 고대 루스'무승부 M. 네스테로프 , 그러나 Rus의 이미지는 그의 그림에서 자연과 조화를 이루는 이상적이고 매혹적인 세계로 나타나지만 전설적인 도시인 Kitezh ( "Vision to the youth Bartholomew")처럼 사라졌습니다.

세상을 보는 또 다른 시선 K. 코로비나 일찍부터 야외에서 글을 쓰기 시작한 그의 프랑스 풍경화("Parisian Lights")는 이미 상당히 인상주의적인 글입니다. 대도시 생활의 날카롭고 즉각적인 인상: 조용한 거리 다른 시간일, 가벼운 공기 매체에 용해 된 물체 - Manet, Pissarro의 풍경을 연상시키는 기능. 인상파 에튜드, 그림 같은 마에스트리, 예술성은 초상화와 정물, 장식 패널, 연극 풍경에서 코로빈을 보존합니다.

세기의 전환기 러시아 회화의 혁신가 V.세로프 ( "The Girl with Peaches", "The Girl Illuminated by the Sun")는 러시아 회화의 전체 무대입니다. 초상화, 풍경화, 정물화, 국내화, 역사화; 오일, 구 아슈, 템페라, 숯 - Serov가 작동하지 않는 장르를 찾기가 어렵습니다. 그의 작품의 특별한 주제는 순회하는 사회적 선명도가 없지만 아름다움과 조화의 감각이있는 농민입니다. 농민 생활, 러시아 국민의 건강한 아름다움에 대한 감탄.

"다른 세계의 전령" M.브루벨 , 사람으로서의 당혹감과 예술가로서의 분노를 불러 일으켰습니다 ( "Pan", "The Swan Princess", " 악마 앉아","점쟁이", "라일락"). 첫 번째 상징 주의자 (?), "예술의 보편적 인", Leonardo da Vinci의 방법과 비교되는 검색 인 Vrubel은 "전통적인"회화에서 매우 빠르게 "빠져 나가"고 원본과 충돌하고 신비로 가득 차 있으며 거의 20 세기의 새로운 예술적 방향에 대한 예언으로 밝혀진 회화 방식의 악마의 힘 ...

"미리스크스니크" N. 로리히 . 동양의 철학과 민족 지학에 대한 감정가 인 고고학자이자 과학자 인 Roerich는 회고, 이교도 슬라브 및 스칸디나비아 고대에 대한 사랑 ( "메신저", "The Elders Converge", "Sinister")에 대한 "예술의 세계"와 공통점이 있습니다. ). Roerich는 러시아 상징주의의 철학과 미학과 가장 밀접한 관련이 있었지만 그의 예술은 예술가의 세계관에 따라 모든 인류에게 호소력을 발휘했기 때문에 기존 트렌드의 틀에 맞지 않았습니다. 우호적인 조합모든 민족. 나중에 역사적 주제는 종교적 전설("천상의 전투")로 대체됩니다. 그의 장식 패널 "The Battle of Kerzhents"는 파리의 "Russian Seasons"에서 Rimsky-Korsakov의 오페라 "보이지 않는 도시 Kitezh와 Maiden Fevronia의 전설"에서 같은 이름의 단편 공연 중에 전시되었습니다.

"예술의 세계" 2세대에서 가장 재능 있는 예술가 중 한 명은 B. 쿠스토디예프 , 양식화가 특징 인 Repin의 학생이지만 이것은 인기있는 인기 인쇄물 ( "Fairs", "Shrovetide", "Balagany", "Merchant for Tea")의 양식화입니다.

1903년 협회 결성 "러시아 예술가 연합" , "예술의 세계"-Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov의 인물을 포함하며 첫 번째 전시회 참가자는 Vrubel, Borisov-Musatov였습니다. 협회 창설의 창시자는 " 예술의 세계”, 그러나 Petersburgers의 프로그래밍 방식 미학에 의해 무게가 가중되었습니다. K. Korovin은 "Union"의 리더로 간주되었습니다.

1910년 협회 설립 "다이아몬드 잭" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), 모호함, 번역 불가능, "Blue Rose"의 상징적 언어의 뉘앙스 및 "World of 미술". "Knaves of Diamonds"는 그림의 명확한 구성을 공언하고 형태의 객관성, 강도, 풍부한 색상을 강조했습니다. "잭"의 가장 좋아하는 장르로서의 정물.

"외롭고 독특한" 창의력 P.필로노바 , 그림을 통해 우주의 형이상학을 이해하고 우주의 기본 요소로 수정과 같은 형태를 만드는 목표를 설정했습니다 ( "왕의 향연", "성가") 국가 전통의 활력, 위대한 고대 러시아 창의력으로 그림 그리기 K. 페트로바-보드키나 , 예술가 사상가 (그림 은유로서의 "붉은 말 입욕", "볼가의 소녀들"-러시아 예술 전통에 대한 오리엔테이션).

고도로 발전된 산업 자본주의 시대와 도시 건축의 변화. 새로운 유형의 건물: 공장, 역, 상점, 은행, 영화관. 새로운 건축 자재 - 철근 콘크리트 및 금속 구조물로 거대한 공간을 덮고 거대한 매장을 만들 수 있습니다.

러시아의 혁명 이전 시대의 예술은 예술적 검색의 비정상적인 복잡성과 불일치로 표시되므로 그룹이 서로를 자체 프로그램 설정과 문체 동정으로 대체합니다. 그러나 당시 러시아 예술의 추상 형식 분야의 실험가들과 함께 "세계 예술"과 "블루 베어러", "동맹국", "다이아몬드의 악당", 신고전주의 경향의 예술가들은 동시에 작업을 계속했습니다. .