Londono teatrai. pirmasis teatras Londone nacionaliniame teatre JK tapo gastroliuojančiais anglų aktoriais

Londonas garsėja savo muziejais, istoriniais pastatais ir pažangiausiais restoranais. Tačiau iš kitų miestų jį išskiria tik mieste vyraujantis teatrinis gyvenimas. Jei spektaklis buvo sėkmingas Londone, jis pakartos savo sėkmę kitur.

Niujorkas su Brodvėjumi gali tapti vieninteliu Londono konkurentu, tačiau net ir jis negali pasigirti teatro pastatais, turinčiais ilgą ir turtingą istoriją. Centrinė miesto dalis, West End, South Bank ir Viktorijos rajonai stebina ypatinga teatrų koncentracija – nuo ​​mažų 100 žiūrovų talpinančių studijų iki didelių Melpomenės šventyklų. Siūlome dešimties labiausiai paplitusių apžvalgą dideli teatrai Londonas.

Netoli Holborn gatvės esantis Shaftesbury teatras yra įtrauktas į britų architektūrinės ir istorinės vertės pastatų sąrašą. Dėl nedidelės avarijos, įvykusios su pastato stogu 1973 m., jie atkreipė į tai dėmesį. Nuo 1968 metų garsusis miuziklas „Plaukai“ jo scenoje buvo rodomas 1998 kartus. Vėliau hipių judėjimą propaguojanti laida buvo uždaryta. Kai miuziklas pirmą kartą buvo parodytas nuo Vest Endo teatro scenos, teatro cenzorius lordas Cameronas Fromantil „Kim“, baronas Cobboldas jį uždraudė. Prodiuseriai kreipėsi pagalbos į parlamentą, kuris davė leidimą išleisdamas įstatymo projektą, kuriuo visiškai panaikintas barono draudimas. Šis teatro istorijoje precedento neturintis įvykis Didžiojoje Britanijoje nutraukė teatro cenzūrą – neblogai 1400 žiūrovų talpinančiam teatrui.

Vos už kelių kvartalų nuo Shaftesbury yra rūmų teatras, kuriame taip pat telpa 1400 žiūrovų. Jo specialybė – miuziklai, tokie kaip „Singing in the Rain“ ar „Spamalot“. Teatras buvo atidarytas 1891 m. ir tapo žinomas kaip Karališkoji anglų opera, globojama Richardo d "Oyley Kart. Pastaruoju metu scenoje be operų buvo rodomi miuziklai, filmai ir kiti šou. 1960-aisiais buvo rodomas miuziklas "Garsas". Muzika teatre buvo pastatyta 2385 kartus Teatras buvo įtrauktas į architektūrinės ir istorinės vertės pastatą Didžiojoje Britanijoje kartu su kitais pastatais šioje srityje.

Adelfio teatras neseniai atšventė 200 metų jubiliejų. Nepaisant kuklaus pastato dydžio, teatras talpina 1500 žiūrovų. Jis žinomas dėl tokių kūrinių kaip „Čikaga“ ir „Joseph and His Amazing, Multicolored Dreamcoat“. Prie viešbučio „Strand Palace“ yra 1930 m. Art Deco stiliaus pastatas. Tai jau ketvirtas pastatas per visą teatro istoriją nuo 1809 m. Atminimo lenta ant šalia esančio baro sienos kaltina teatrą dėl aktoriaus, kurį kadaise palaikė didysis Terrisas, žūties. Tačiau iš tikrųjų princas Richardas Archeris, nesėkmingas aktorius, praradęs populiarumą ir padorumą dėl priklausomybės nuo alkoholizmo, pripažino kaltu dėl Terriss mentoriaus nužudymo, būdamas pamišęs, ir buvo išsiųstas priverstiniam gydymui į psichiatrinę ligoninę, kur vadovavo. kalėjimo orkestras iki mirties. Kalbama, kad teatro pastate naktimis vis dar klaidžioja neatkeršytojo Terriso vaiduoklis, kurį nuliūdino jo globotiniui ir žmogžudžiui paskirta švelni bausmė.

Kai kurie pasirodymai Londono Vest Endo teatruose rodomi dešimtmečius, o Viktorijos rūmai nuolat siūlo naują repertuarą, pavyzdžiui, miuziklą Billy Elliott. Nors scenoje jis jau nuo 2005 m., o tai, pasak nuolatinių žiūrovų, yra labai daug. Teatras turi ilgą istoriją, kuri prasidėjo 1832 m., kai jis buvo tik mažas koncertų salė. Šiandien 1911 metais pastatytame pastate telpa 1517 žiūrovų. Jame įrengtas pakeliamas stogas, kuris per pertraukas atidaromas, kad būtų galima vėdinti salę. Teatro scenoje buvo daug įsimintinų pasirodymų, tačiau labiausiai įsiminė 1934-ųjų patriotinė pjesė „Jaunoji Anglija“, sulaukusi daug neigiamų atsiliepimų. Ji atlaikė tik 278 pasirodymus.

Princo Edvardo teatras yra pačioje Soho rajono širdyje, jame telpa 1618 žmonių. Jis pavadintas Didžiosios Britanijos karūnos sosto įpėdinio Edvardo VIII – karaliaus, kuris soste išbuvo vos kelis mėnesius ir jo apleido vardan meilės, vardu. Tradiciškai scena yra romantiški šou ir tokius spektaklius kaip „Show Boat“, „Mamma Mia“, „West Side Story“, „Mis Saigon“. Teatras turi ilgą istoriją, kuri prasidėjo 1930 m., kai tai buvo tik kinas ir šokių salė. Tik 1978 metais teatras buvo atidarytas, sutampa su jo atidarymu – miuziklo „Evita“ apie pasaulį premjera. žinoma moteris Argentinos prezidento žmona. Spektaklis suvaidino 3000 spektaklių, o Evitą suvaidinusi aktorė Elaine Paige puikiai pradėjo karjerą teatro scenoje ir tapo žvaigžde.

Nepaisant to, kad Londono Tottenham Court Road buvo atnaujintas siekiant sudaryti geresnę sankryžą, vienas dalykas išlieka nepakitęs – milžiniška Fredžio Merkurio statula, pakelta ranka dainuojant „We Will Rock You“ priešais Dominion teatrą. Spektaklis buvo rodomas teatro scenoje nuo 2002 m. ir, nepaisant neigiamų kritikų atsiliepimų, buvo sėkmingas tarp žiūrovų. 1929 metais senos Londono alaus daryklos vietoje pastatytame teatre telpa 2000 žiūrovų. Pastate taip pat yra Australijos sekmadienio bažnyčia, kuri mišių metu naudoja teatro sceną ir apšvietimą.

Tai vienas didžiausių Londono teatrų. Pagrindinį įėjimą puošiančios kolonos datuojamos 1834 m., o pats pastatas 1904 m. buvo rekonstruotas rokoko stiliumi. Per visą gyvavimo istoriją, pradedant 1765 m., buvo viskas, išskyrus teatrą, pavyzdžiui, 50 metų čia vyko vakarienės. slapta draugija jautienos kepsnys. 1939 m. pastatą norėta uždaryti, tačiau pradėjus tiesti kelią, jis buvo išgelbėtas. 14 metų „Liūtas karalius“ buvo vaidinamas teatro scenoje, o „Disney“ dramatizacija, regis, čia įsitvirtino ilgam ir atneša gerą kasos grąžą.

2196 žiūrovus talpinantis Karališkasis teatras, kuris laikomas pirmaujančiu Londono teatru, – ne dėl šios priežasties. Nuo 1663 m. šioje svetainėje buvo keli teatrai, o pati Drury Lane laikoma teatrališka. Kaip ir daugelis kitų teatrų, „Royal“ dirbo vadovaujant Andrew Lloydui Webberiui, miuziklų „Evita“ ir „Katės“ autoriui. Kiti scenoje rodomi kūriniai yra to paties pavadinimo muzikinis filmas „Oliveris“ „Prodiuseriai, Šrekas“ ir „Charlie and the Chocolate Factory“, kuris rodomas ir šiandien. Be miuziklų ir aktorių, teatras garsėja savo vaiduokliais, pavyzdžiui, pilku kostiumu ir skrybėle apsirengusio vyro vaiduokliu. Pasak legendos, jis buvo nužudytas teatro pastate XVIII–XIX a. Kitas vaiduoklis pavadintas Joseph Grimaldi, klounas, kuris, kaip teigiama, padeda nervingiems aktoriams scenoje.

Londono Paladium teatras žinomas ne tik Londone, bet ir visame pasaulyje. Jis yra už kelių žingsnių nuo Oksfordo gatvės. Jis išpopuliarėjo dėl naktinio šou „Sekmadienio vakaras Londono Palladiume“, kuris vyko nuo 1955 iki 1967 m. Milijonai žiūrovų susipažino su spiningo scena ir sceniniai veiksmai kitoks planas. 1966 m. pastato savininkai bandė jį parduoti tolesnei rekonstrukcijai, tačiau teatro investuotojų dėka ir dėl to, kad 1973 m., be teatro, jame buvo atidaryta koncertų salė, kurioje koncertavo roko grupė „Slade“. “. Nuolatos pilnos salės ir aktyvūs grupės gerbėjų veiksmai vos nesugriuvo salėje esančio balkono. 2014 metais teatro salėje atidarytas talentų šou „X Faktorius: miuziklas“.

Jei „Apollo Victoria“ teatras nėra pats populiariausias Londone, tuomet jį galima drąsiai pripažinti aukščiausiu. Jis yra už kelių metrų nuo Viktorijos rūmų ir talpina 2500 žiūrovų. Netoliese įsikūrę keli pristatomos apžvalgos teatrai ir sukuria savotišką „teatrišką šalį“. „Appollo Victoria“ buvo atidaryta 1930 m. Pastatas suprojektuotas art deco stiliumi jūrine tema, su fontanais ir kriauklėmis kaip dekoras. 18 metų prireikė suprojektuoti geležinkelį miuziklui „Starlight Express“, kad traukinys pagal scenarijų pajudėjo žiūrovų salės perimetru. Kitas populiarus miuziklas, pastatytas teatre, yra „Wicked“. Kasa iš premjeros siekė 761 000 svarų sterlingų, o 7 metų pajamos iš spektaklio vertinamos 150 mln. Kino mėgėjai tvirtina, kad teatras artimiausiu metu išmirs, tačiau statistika, susijusi su kiekvieno miuziklo žiūrovų skaičiumi, kasų skaičiumi, byloja ką kita. Raudonos ir baltos spalvos kvapas, salės triukšmas niekada neišnyks.
Tačiau moderni architektūra jokiu būdu nenusileidžia grožiui ir elegancijai istoriniai pastatai teatrai.

Anglų teatras

XIX amžiuje teatras, kaip ir visos kitos Anglijos kultūros sferos, sulaukė naujos raidos. Talentingiausias tragiškas aktorius Edmundas Keanas (1787-1833) įkūnijo romantišką teatro meno kryptį.

Edmundas Keinas ( ryžių. 58) gimė aktorių šeimoje. Jo tėvai mirė, kai jis dar buvo vaikas. Priverstas užsidirbti pragyvenimui, jaunuolis su klajojančia trupe keliavo po Anglijos miestelius ir kaimus. Šios klajonės tapo gera mokykla jaunam menininkui, kuris iki dvidešimties buvo aplankęs daugelį Anglijos vietų. Paklaustas apie tai, ko reikia norint tapti puikiu aktoriumi, jau išgarsėjęs Keane'as atsakė: „Žinokite, kaip badauti“.

Ryžiai. 58. Keane'as kaip Shylockas

Keliaudamas su keliaujančiu teatru, Edmundas išbandė save įvairiausiuose vaidmenyse ir įvairaus žanro pjesėse.

Skurde užaugęs aktorius paniekino dykinėjančius aristokratus ir valdovus, kurie mažai rūpinosi savo žmonėmis. Jaunojo Keane'o gyvenimo kredo buvo išreikštas žodžiais: „Nekenčiu visų lordų, išskyrus lordą Baironą“. Aukštoji visuomenė negalėjo atleisti tokio požiūrio į save ir nuolat persekiojo Keane'ą, vadindama jį minios veikėju.

Provincijos scenoje išgarsėjęs aktorius 1914 metais gavo kvietimą pasirodyti Londone Drury Lane teatre, kuris tais metais išgyveno sunkius laikus. Jo debiutas sostinės teatre buvo Shylocko vaidmuo Šekspyro filme „Venecijos pirklys“. Drury Lane'o vadovybė, pasikliaudama provincijos aktoriumi, neapsiriko: savo nuostabiu pasirodymu Keane'as tiesiog užkariavo išlepintą Londono publiką.

Šekspyras tapo mėgstamiausiu Keene dramaturgu. Aktorius patraukė tomis savybėmis, kurias jis pats turėjo: tragiškas požiūris, sustiprėjęs neteisybės jausmas, atmetimas pasaulio, kuriame vieni išgyvena apgailėtiną gyvenimą, o kiti maudosi prabangoje.

Šekspyras atnešė Edmundui šlovę. Aktorius įkūnijo Shylocko, Ričardo III, Romeo, Makbeto, Hamleto, Otelo, Iago, Learo įvaizdžius. Kritikai jam paskambino puikus zaidimas geriausias komentaras apie garsaus dramaturgo kūrybą, o poetas Coleridge'as įrodinėjo: „Žiūrėti Keane'o pjesę – tai lyg skaityti Šekspyrą žaibui“.

Shylocko įvaizdis, sukurtas Keane'o Shakespeare'o filme „Venecijos pirklys“, Anglijos publikai padarė didžiulį įspūdį. Jo herojus stebėtinai sujungia ironišką požiūrį į aplinkinius ir karčių vienišumo jausmą, gilų ilgesį ir sielą draskončią neapykantą, slypinčią už išorinio nuolankumo. Drury Lane pastatytas Venecijos pirklys atnešė vakarykštės provincijos šlovę kaip geriausias Anglijos aktorius.

Keane'as reikšmingiausiais savo darbais laikė Hamleto ir Otelo vaidmenis. Jo liūdnas ir melancholiškas Danijos princas supranta, kad neįmanoma kovoti su pasaulyje viešpataujančiu blogiu. Neįprastai pasitikintis, nuoširdus ir vientisas, Otelas meilę iškelia aukščiau už viską, todėl jos mirtis jam reiškia visišką visų jo siekių žlugimą.

Didelė Keane'o sėkmė atnešė pinigų skolintojo Overricho vaidmenį F. Messingerio spektaklyje „Naujas būdas sumokėti senas skolas“. Aktoriaus pasirodymo pakerėta publika nesulaikė ašarų. Teigiama, kad spektaklyje dalyvavęs Byronas buvo taip sukrėstas, kad nualpo.

Kad suprastų žiūrovą, Keane'as kruopščiai ir ilgai dirbo su kiekvienu vaidmeniu. Visus judesius ir veido išraiškas jis lavino prieš veidrodį, vėl ir vėl grįžo prie sunkiausių epizodų, nušlifavo smulkiausias savo vaidmens detales. Sportavimas padėjo jam pasiekti nepaprastą plastiškumą (Kane'as tuo metu buvo laikomas vienu geriausių fechtuotojų Anglijoje).

Paskutinis didžiojo aktoriaus darbas buvo Otelo vaidmuo. Ištaręs frazę: „Otelo darbas baigtas“, keturiasdešimt šešerių metų aktorius prarado sąmonę ir pargriuvo. Po trijų savaičių jo nebeliko. Keane'o mirtis baigėsi romantiška kryptis anglų teatre.

Edmundo Keane'o sūnus Charlesas Keane'as (1811-1868), daugiausia vaidinęs melodramose, taip pat buvo aktorius.

Viktorijos era atnešė savų pokyčių Anglijos kultūriniame gyvenime. Literatūrai šie metai buvo kritinio realizmo formavimosi laikas (George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Rašytojo Charleso Dickenso (1812-1870) vardas siejamas su anglų teatro perėjimu nuo klasicizmo prie šiuolaikinės dramos. Teatrui buvo parašytos melodramatiškos pjesės („Country Coquettes“, 1836 m.; „Šviestuvas“, pirmą kartą išleista 1879 m. ir kt.).

Dickensui dramaturgui didžiulę sėkmę atnešė ekscentriška komedija „Keistas džentelmenas“, parašyta pagal vieną iš esė Bozo esė siužetų. Visos Dickenso pjesės, išskyrus „Lempų kūrėją“, buvo pastatytos Šv. Jokūbo teatre 1836–1837 m. sezonu. Be jų, rašytojas sukūrė savo romano „Didieji lūkesčiai“ dramatizaciją, tačiau pjesė nebuvo pastatyta.

Dickenso pjesės buvo populiarios ne tik Anglijoje, bet ir užsienyje. Kelių jo romanų siužetai sudaro daugelio operų pagrindą.

1951 metais rašytojas atidarė mėgėjų teatrą, kurio repertuare buvo klasikinės ir šiuolaikiniai kūriniai. Šiame teatre savo kūrybinę karjerą pradėjo daug jaunų anglų dramaturgų. Dickensas, pasižymėjęs puikiais aktoriniais sugebėjimais, savo teatre atliko Seklio vaidmenį filme „Linksmosios Vindzoro žmonos“. Rašytojas taip pat sulaukė didelio populiarumo kaip puikus skaitytojas, iš scenos atliekantis savo kūrinius.

Tokio pat amžiaus kaip ir Dickensas, anglų poetas ir dramaturgas Robertas Browningas (1812–1889) pradėjo dirbti teatre būdamas dvidešimt dvejų. Jo pirmoji pjesė „Paracelsius“ buvo išleista 1835 m. Tada pasirodė istorinės dramos „Strafordas“ (1837), „Drusų sugrįžimas“ (1839), „Karalius Viktoras ir karalius Čarlzas“ (1842), parašytos Kovent Gardeno teatrui. Pagrindinius vaidmenis šiuose pastatymuose atliko aktorius W. Macready.

1843 m. Covent Garden pastatė Browningo „Dėmę herbe“. O 1853 metais jo scenoje buvo pastatyta dar viena šio autoriaus pjesė – Kolumbo gimtadienis.

Romantiški Browningo kūriniai, kaip ir jo istorinės pjesės, atitinka J. G. Byrono ir P. B. Shelley poetinės dramos tradiciją. Tuo metu, kai Anglijos scenoje dominavo melodrama, Browningas siekė atkreipti visuomenės dėmesį į rimtą, prasmingą pasirodymą. Amžininkų nesuprastas rašytojas pamažu nuo sceninės dramos perėjo prie vadinamojo skaitymo pjesės žanro.

Taip pat garsaus anglų rašytojo ir dramaturgo Edwardo Bulwer-Lyttono (1803-1873) kūrinys. politikas. Mėgstamiausi jo žanrai buvo romanai ir dramos istorinėmis temomis. Kartu melodramatiški motyvai ir išorinio efektingumo metodai atėmė iš Bulwer-Lytton kūrinių tikro istorizmo.

Dramos „Liono gražuolė“ (1838) ir Rišeljė (1839) atnešė dramaturgui šlovę. Politiškai paklausios ir kartu linksmos, vaizdingos ir kupinos dinamikos šios pjesės iškart patraukė didžiųjų to meto anglų režisierių dėmesį. „Rišeljė“, kurį režisavo Henry Irvingas ilgam laikui nepaliko sostinės teatro „Licėjus“ scenos. O 1840 – 1860 metais rusų publika galėjo pamatyti Bulwer-Litton dramą (pagrindinius veikėjus vaidino aktoriai V.V. Samoilovas ir N.K. Miloslavskis).

Edwardą Bulwer-Lyttoną patraukė ne tik istorinės pjesės, bet ir Viktorijos laikų visuomenės papročius pašiepiančios komedijos – „Mes ne tokie blogi, kaip atrodo“ ir „Pinigai“ (1840). Nors dramaturgas nesigilino į socialinę kritiką, jo kūrinių tikroviškumas patraukė žiūrovų dėmesį. Bulwer-Lytton komedijos daugelį metų buvo Anglijos teatrų repertuaruose.

Istorinis Bulwer-Lytton romanas „Rienzi“ sudomino garsųjį vokiečių kompozitorių Richardą Wagnerį, kurio siužetą grindė to paties pavadinimo opera, publikai pristatyta 1840 m.

pabaigoje savo kūrybinę veiklą pradėjo žymus anglų rašytojas, prozininkas ir dramaturgas Džordžas Bernardas Šo (1856-1950) ( ryžių. 59). Jis gimė Dubline, neturtingo darbuotojo šeimoje. Būdamas dvidešimties, Shaw persikėlė į Londoną, kur tapo vienu iš Fabiano draugijos įkūrėjų. Darbas muzikos ir teatro kritikas, Bernardas parašė keletą neaiškių romanų. Jo pirmoji pjesė „Našlių namai“ pasirodė 1892 m. Spektaklis palietė svarbias socialines ir etines problemas, aštriai kritikavo būstus lūšnynuose nuomojančius šeimininkus. Dramaturgas ragino savo skaitytojus tobulėti ir keisti juos supantį pasaulį. Nepriklausomame teatre pastatytą spektaklį „Našlių namai“ publika pasitiko šauniai, o po dviejų spektaklių jis buvo nukeltas nuo scenos.

Ryžiai. 59. Džordžas Bernardas Šo

Per ateinančius šešerius metus dramaturgas parašė devynias pjeses (įskaitant vieną vienaveiksmį). Liūdnos dramos „Širdies laužytojas“ (1893), pasakojančios apie pelningą santuoką, pasibaigusią visišku žlugimu, statyti nepriėmė nė vienas sostinės teatras. 1894 metais pasirodė drama „Žmogus ir ginklas“, atskleidžianti karo nežmoniškumą ir žiaurumą. 1897 metais buvo sukurtas spektaklis „Velnio mokinys“, o 1898 metais išleistas dviejų tomų rinkinys „Malonus ir nemalonus“, kuriame buvo įvairių metų pjesės („Ponia Warren profesija“, 1894; „Žmogus ir ginklas“). , „Candida“, 1897; „Likimo išrinktasis“, 1897; „Palauk ir pamatysi“, 1899 ir kt.). Prostitucijos temą keliantį spektaklį „Ponia Voren profesija“ cenzoriai uždraudė, tačiau vėliau, kai vis dėlto buvo leista statyti, iš teatro scenų jis nepasitraukė iki 1902 m. Candida buvo didžiulis hitas Niujorke 1903 m. O tėvynėje Shaw vis dar nepasidžiaugė populiarumu. Tikrasis Anglijos visuomenės pripažinimas sulaukė 1904 m., kai jis kartu su žmona, taip pat su aktoriumi ir režisieriumi Harley Grenville-Barker išsinuomojo Karališkojo teismo teatro pastatą. Shaw pjeses režisavo Grenville-Barker ir John Vedrenn. Iš 988 Karališkojo rūmų scenoje 1904–1907 metais vaidintų spektaklių daugiau nei septyni šimtai buvo pastatyti pagal Shaw kūrinius.

Tarp geriausių dramaturgo darbų yra pjesė „Žmogus ir supermenas“ (1905) – filosofinė komedija, pristatanti žiūrovą. autoriaus požiūris religija, santuoka, šeima. Evoliucija žmonių visuomenė parodyta per Don Žuano, kuris atsidūrė požemyje, ginčus su velniu.

Garsiausia Shaw pjesė buvo „Pigmalionas“ (1913) – antiromantinė komedija, parašyta specialiai aktorei Patrickui Campbellui. Po dramaturgo mirties Frederickas Lowe'as ir Alanas Jay'us Lerneris pagal jos motyvus sukūrė miuziklą „My Fair Lady“.

Tarp vėlesnių Shaw pjesių galima paminėti „Širdies skausmus namus“ (1919), „Atgal į Metušalą“ (1922), istorinę dramą „Šventoji Joana“ (1923), „Obuolių vežimėlis“ (1930) ir kt.

Spektaklis, tapęs angliško sąmojingumo įkūnijimu, teatrui sukūrė daugiau nei 50 kūrinių. Kai didysis dramaturgas mirė, teatrai daugelyje pasaulio šalių gedėdami užgesino šviesas.

Didelį indėlį į anglų teatro raidą įnešė rašytojas Oscaras Wilde'as (1854-1900). Kaip ir Shaw, jis gimė Dubline, garsaus chirurgo sūnus. Išsilavinimą įgijo Oksfordo universitete. Pirmieji Wilde'o kūriniai buvo poema „Ravenna“ (1878) ir rinkinys „Eilėraščiai“ (1881).

Šlovė rašytojui atnešė lyrines istorijas ir pasakas („Žvaigždžių berniukas“ ir kt.), filosofinis romanas„Doriano Grėjaus paveikslas“. Teatrui Wilde'as sukūrė daugybę pjesių su socialiai kritiniu akcentu (Ledy Windermere gerbėjas, 1892; Idealus vyras, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Pjesė „Salomėja“ parašyta prancūzų kalba, išleista Anglijoje 1894 m., išversta Alfredo Douglaso su dailininko Aubrey Beardsley iliustracijomis. Ši pjesė sudarė pagrindą garsiajai Richardo Strausso operai tuo pačiu pavadinimu (1904).

XIX amžiaus pabaigoje teatrui pradėjo rašyti anglų dramaturgas Henris Arthuras Jonesas (1851-1929). Kilęs iš neturtingos valstiečių šeimos, pragyvenimui užsidirbdavo vaidindamas.

Negavęs šlovės kaip aktorius, Jonesas pasuko į pjesių kūrimą, tačiau pirmosios jo pjesės taip pat neatnešė norimos sėkmės. Teatrai atsisakė priimti jo kūrinius ir tik 1878 m. viename provincijos teatre buvo priimta statyti Joneso pjesė „Tai visai šalia“.

Ilgai laukta sėkmė dramaturgą pasiekė po to, kai „Princesės“ teatre buvo pastatytas jo filmas „Sidabrinis karalius“. Tarp labiausiai reikšmingas darbas Joną galima pavadinti pjesėmis „Šventieji ir nusidėjėliai“, „Šokėja“, „Maištingoji Siuzana“, „Hipnotų triumfas“, „Michaelis ir jo pasiklydęs angelas“, „Ponia Dane apsauga“. Daugelis Joneso dramų smerkia šventą Viktorijos laikų visuomenės moralę (The Liars, 1897; The Lies, 1914), nors susižavėjimas melodramatinėmis technikomis šiek tiek sumažina jų reikšmę. Tačiau, nepaisant to, galima drąsiai teigti, kad Joneso kūryba turėjo įtakos tikroviškos tendencijos formavimuisi Anglijos teatro mene XIX amžiaus pabaigoje. Jonesas bendradarbiavo su Bernardu Shaw, o pastarasis labai vertino jo darbus.

XIX amžiaus pabaigos Anglijos scenos menas siejamas su aktoriaus ir verslininko Arthuro Voucher (1863-1927) vardu. 1884 m. jaunasis aktorius, mokęsis Etone, o vėliau ir Oksforde, tapo vienu iš Oksfordo universiteto dramos draugijos įkūrėjų. Savo scenoje jis vaidino Šekspyro pjesėse („Henris IV“, „Dvyliktoji naktis“, „Linksmosios Vindzoro žmonos“, „Julius Cezaris“).

Vaučerio debiutas buvo Žako vaidmuo Šekspyro komedijoje „Kaip tau patinka“, 1889 m. atlikta profesionalioje scenoje Vulverhamptone. Spektaklis aktoriui atnešė šlovę, 1889-1894 metais jis vaidino įvairiuose Anglijos ir Amerikos teatruose.

1895–1896 metais Voucheris vadovavo Karališkajam teatrui, o jo žmona E. Vanbrugh buvo pagrindinė aktorė, atlikusi pagrindinius vaidmenis komedijose ir farsuose. 1900–1906 m. Vaučeris ėjo šias pareigas meno vadovas„Garrick tietra“. Šiuo metu jis atliko daugybę vaidmenų Šekspyro (Šeilokas, Makbetas), A. Pinero, J. Gilberto, G. A. Joneso pjesėse. 1910 m. aktorius prisijungė prie Beerbom Tree (Hiz majestis tietr) trupės, kurioje įkūnijo Henriko VIII ir Fondo įvaizdžius Šekspyro pjesėse „Henrikas VIII“ ir „Vasarvidžio nakties sapnas“. Labai temperamentingas ir emocingas menininkas, Voucher ypač sėkmingai atliko ryškius, charakteringus vaidmenis (Džonas Silveris „Lobių saloje“ pagal R. L. Stevenson romaną).

XIX amžiaus pabaigoje teatre karjerą pradėjo aktorius ir verslininkas Geraldas Hubertas Edouardas Bussonas Du Maurier (1873-1934). Jis debiutavo kaip Fritzas Grnadi spektaklyje „Senasis žydas“, pastatytame 1895 m. Garricko teatre. Tais pačiais metais jis prisijungė prie Beerbom Three trupės ir su ja išvyko į turą JAV. 1899–1901 m. jis vėl lankėsi Amerikoje, šį kartą kartu su garsia anglų aktore Patrick Campbell.

Šiuo metu reikšmingiausias aktoriaus darbas scenoje buvo Sandford Cleave vaidmuo filme „Įžymioji ponia Ebbsmith“ ir kapitono Ardale'o vaidmuo Pinero filme „Antroji ponia Tankerė“. 1902 m. Du Maurier tapo Ch. Fromano (Jorko kunigaikščio teatro) trupės verslininku, kur su dideliu pasisekimu kūrė Ernesto Woolerio (J. Barry „Puikusis Crichtonas“), Kablys ir Darlingo (Piteris Penas) įvaizdžius. tas pats autorius).

Labiausiai Du Maurier pavyko atlikti komiškus vaidmenis. Sugebėjimas elgtis natūraliai, nuoširdžiai ir paprastai padėjo aktoriui pelnyti žiūrovų meilę. Geriausi jo darbai buvo Montgomery Brewster atvaizdai McCachon filme „Brewster's Millions“ ir Hugh Drummond „Bulldog Drummond“ – McNeilo romano dramatizacija.

1910–1925 metais Du Maurier kartu su F. Curzonu vadovavo Wyndhams teatrui, o 1925–1929 m. kartu su G. Milleriu – Šv. Jokūbo teatrui. Sceninis Lonsdeilo pjesės „Paskutinės ponios Cheney dienos“ (1925) pastatymas atnešė didžiulę sėkmę teatrui. Ateityje Du Maurier pastatė dar kelis spektaklius įvairiuose teatruose (Wallace'o varpų skambutis, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Mortono alibi pagal Christie romaną, 1928, Prince of Wells tietr "; "D" Owen, 1932, „Playhouse tietr“ ir kt.).

Žymi XIX amžiaus pabaigos – XX amžiaus pradžios anglų teatro veikėja buvo aktorius, režisierius ir garsus mokytojas Frankas Robertas Bensonas (1858–1939). Nuo mažens jis aktyviai dalyvavo visokiuose mėgėjų pasirodymuose. Pirmoji profesionali jo scena buvo Londono teatras „Lyceum“, kuriam vadovavo G. Irvingas. Po metų jaunasis aktorius atidarė savo mobilųjį teatrą, kuris vaidino ne tik Londone, bet ir Stratforde bei kituose provincijos miestuose.

Bensono mėgstamiausias dramaturgas buvo Šekspyras. Vos per kelerius metus režisierius pastatė beveik visas didžiojo dramaturgo pjeses, išskyrus Titą Androniką ir Troilą ir Kresidą. 1886–1919 metais Bensono vadovaujama kompanija vaidino Šekspyro memorialiniame teatre Stratforde prie Eivono. Šekspyro tėvynėje, jai dalyvaujant, buvo rengiami kasmetiniai Šekspyro pjesių festivaliai.

Nuostabus aktorius ir režisierius Bensonas taip pat buvo talentingas mokytojas, išugdęs daugybę nuostabių menininkų. Jo plunksna priklauso aktorystės darbui. Parašė Bensoną ir atsiminimų knygą. Paskutiniais savo gyvenimo metais jis užsiėmė filmų kūrimu.

Kaip aktorius, garsus anglų aktorius, režisierius ir dramaturgas Harley Grenville-Barker (1877-1946) pradėjo savo teatro karjerą. 1891 metais įstojo į S. Thorne'o trupę Marget mieste. Kitais metais Grenville-Barker jau vaidino Londono komedijos teatre.

1904–1907 m. kartu su dramaturgu Bernardu Shaw Grenville-Barker vadovavo Karališkajam rūmų teatrui, laisvojo teatro judėjimo daliai, kurio pagrindinis dėmesys buvo skiriamas rimtai realistinei dramai.

Grenville-Barker, propagavęs sceninį realizmą, svajojo atidaryti nacionalinį teatrą su nuolatiniu repertuaru, bet, deja, jo bandymas jį sukurti nebuvo sėkmingas.

Tarp Grenville-Barker kūrinių svarbią vietą užima spektakliai pagal Šekspyro pjeses. Režisierius išleido 5 tomų kūrinį „Šekspyro pratarmė“, kuriame detaliai išanalizavo sunkiausias sceniniam įgyvendinimui skirtas Šekspyro pjeses ir davė praktinių patarimų savo pastatyme šiuolaikiniame teatre. Plačiai žinomos buvo Grenville-Barker pjesės „Anos Leith vedybos“ (1902), „Voisey's Inheritance“ (1905), „Madras House“ (1910), „Orai Khene“ ir kt.

Po Pirmojo pasaulinio karo Anglija gavo nemažai vokiečių kolonijų ir dalį Artimųjų Rytų žemių, kurios priklausė Turkijai. Karo pakirsta Didžiosios Britanijos ekonomika ėmė atgimti, tačiau tai truko neilgai. Jau 1921 metais prasidėjo infliacinis augimas ir gyventojų gyvenimo lygio kritimas.

1924 metais į valdžią atėjo leiboristų valdžia, tačiau, nepaisant visų jos pastangų, ekonominė ir politinė padėtis šalyje nepasikeitė, o leiboristus pakeitę konservatoriai situaciją dar labiau pablogino. 1924 metų gegužę Anglijoje prasidėjo visuotinis streikas. Gamyklos ir gamyklos visiškai sustojo, geležinkeliai ir kasyklos nustojo veikti. Vyriausybei kurį laiką pavyko numalšinti įtampą šalyje, tačiau jau 1929 m. prasidėjo sunki ekonominė krizė.

1930-ieji taip pat buvo varginantys. Hitleris atėjo į valdžią Vokietijoje, o Anglijoje, pritarus Baldwinui ir jį pakeitusiems Chamberlainui, savo veiklą pradėjo Didžiosios Britanijos fašistų sąjunga.

Prasidėjus Antrajam pasauliniam karui, paaiškėjo, kad Anglija jam visiškai nepasirengusi. Po pralaimėjimo Diunkerke britų ekspedicinės pajėgos paliko žemyną. Užėmę Prancūziją naciai jau ruošėsi pradėti invaziją į Britų salas, tačiau jiems sutrukdė mūšis dėl Britanijos, kurį laimėjo britų lėktuvai, o tada prasidėjo karo veiksmai prieš SSRS.

1942 m. gegužės 26 d. Anglija ir SSRS pasirašė susitarimą dėl karinio sąjungos ir bendradarbiavimo taikos metu, tačiau kurį laiką Churchillis atidėjo antrojo fronto atidarymą. Pasibaigus Antrajam pasauliniam karui, konservatorių politika galutinai nuvylė žmones, o 1945 metų rinkimuose triuškinamą pergalę iškovojo Darbo partija.

Socialinė padėtis šalyje neatsispindėjo XX amžiaus pirmosios pusės anglų dramoje. Per šiuos metus šalyje dirbo tokie garsūs rašytojai kaip Somersetas Maughamas ir Johnas Boyntonas Priestley.

Ryžiai. 60. Somersetas Maughamas

Anglų rašytojas Williamas Somersetas Maughamas (1874–1965) ( ryžių. 60) gimė Paryžiuje, Anglijos ambasados ​​patarėjo teisės klausimais šeimoje. Būdamas dešimties liko be tėvų, giminaičių užaugino Anglijoje. Susirgęs tuberkulioze Maughamas apsigyveno pietų Prancūzijoje, o vėliau persikėlė į Vokietiją, kur tapo savanoriu Heidelbergo universitete. Vokietijoje būsimasis rašytojas suartėjo su Ibsenu

ir Vagneris. Būtent Ibseno pjesės Maughame pažadino norą tapti dramaturgu.

Grįžęs į Angliją, Maughamas pradėjo mokytis medicinos mokykloje. Trejus metus jis dirbo paramediku greitosios pagalbos automobilyje, o tai suteikė jam žinių apie paprastų žmonių gyvenimą (kaip savo profesijos dalis, Somersetas lankėsi skurdžiausiuose Londono kvartaluose). Jo romanas „Liza iš Lambeto“, parašytas 1897 m., pasakoja apie Londono lūšnynus. Jis atnešė jaunam rašytojui pirmąją šlovę. Vėliau Maughamas sukūrė daugybę romanų, kurie suteikia plačią Anglijos visuomenės gyvenimo panoramą (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Teatras visada traukė Maughamą, tačiau pasiekti sėkmės šioje srityje nebuvo lengva. Realaus tikrovės atspindžio troškimas kartais atbaidė verslininkus nuo rašytojo. Neprisidėjo prie rašytojo populiarumo komerciniame mene ir jo pjesės „Garbės žmogus“ (1903) pastatymo.

Galiausiai 1907 metais Maugham pavyko pastatyti komediją „Ledi Frederick“, kurią publika sutiko entuziastingai. Po to dramaturgui duris atvėrė Londono teatrai, o tais pačiais 1907 metais pagal jo pjeses pasirodė dar trys spektakliai.

Dramaturgas sukūrė pjesės tipą, kurį pavadino „protingu“. Šiuolaikinė jo kūrybos realybė parodoma per veikėjų susidūrimą, o veiksmas dažnai pertraukiamas, kad veikėjai galėtų aptarti situaciją. Kurdamas savo pjeses Maughamas dažnai naudoja Shaw ir Ibseno kūrybai būdingas technikas, tačiau dažniausiai atsigręžia į anglišką restauravimo epochos komediją. Tai iš antrosios dramaturgijos pusės XVI a- XVIII amžiaus pradžia yra charakterio ir intrigų menas, esantis Maughamo darbuose. Daugelyje jo pjesių taip pat domimasi prancūzų teatro tradicijomis.

1907 metais Londono teatruose pastatytos ankstyvosios Maugham pjesės „Ledi Frederick“, „Ponia taškytė“, „Džekas Strau“ buvo parašytos saloninės komedijos stiliumi. Ateityje dramaturgas nutolo nuo lengvos satyros ir pasuko į rimtas realistines dramas apie „žmones, kurie viską žino“. 1913 metais pasirodė „Pažadėtoji žemė“, pasakojanti apie vargšės mergaitės Noros likimą. Užaugusi buržuazinėje Anglijos aplinkoje, ji atsiduria Kanadoje, pas savo brolį ūkininką. Netinkama darbui ir bandanti elgtis kaip dama, ji piktina brolio žmoną. Tačiau, tapusi kaimyninio ūkininko žmona, Nora pamažu keičiasi ir, gavusi galimybę grįžti į buvusį gyvenimą Londone, atsisako, suprasdama, kad nebegalės gyventi tarp dykinių ir nieko verta.

Tema pokaris Angliškas gyvenimas skirta pjesė „Židinys ir gražioji žmona“ (1919). Pirmasis pasaulinis karas baigėsi, o majoras grįžo namo, kurį visi laiko mirusiais. Jo žmona Viktorija ištekėjo už jo draugo, taip pat majoro. Draugai konkuruoja kilnumu, suteikdami vienas kitam teisę likti su gražuole Viktorija, tačiau ji abi išsiskiria ir tampa spekulianto, kuris iš karinių reikmenų užsidirbo turtus, žmona. Šis iš priekio pabėgęs pinigų maišas vairuoja Cadillac ir turi galimybę gauti bet kokio maisto. Abu buvęs vyras neprilygstama Viktorija tvirtina, kad jie visada spėliojo apie jos niekšiškumą ir godumą. Tai židinys, dėl kurio britai kovojo kare.

Santuokos temą buržuazinėje visuomenėje tęsia garsioji Maughamo pjesė „Ratas“ (1919). Jauno politiko žmona Elžbieta nusivylusi vyru ir žavisi jo mama, kurios niekad nematė: jaunystėje ji pabėgo nuo savo vyro su draugu lordu Proteusu, kandidatavusiu į premjero postą. Tačiau po tokio poelgio įsimylėjėliams įėjimas į visuomenę buvo uždarytas, ir tik Elžbieta juos slapta pakvietė pas save. Koks buvo jos nusivylimas, kai vietoj romantiškos poros ji pamatė jaunėjančią senutę ir netinkamo būdo, piktą senuką. Jaunai moteriai daug kas tapo aišku, tačiau ji neatsisakė savo meilės ir paliko klestinčio vyro namus, kad kartu su jaunu kolonijiniu valdininku vyktų į tolimą Malają.

1928–1933 metais pasirodė dar keturios Maughamo pjesės: „Šventoji liepsna“ (1928), „Duonos laimėtojas“ (1930), „Kariniai nuopelnai“ (1932) ir „Sheppey“ (1933). Provincijos teisininkas dramoje „Už karinius nuopelnus“ mano, kad visuomenėje viešpatauja teisingumas ir gerovė, nors jo paties šeima miršta spaudžiant aplinkybėms.

Sūnus Sidnėjus grįžo iš karo aklas, o viena iš seserų juo rūpinasi, nors tai ją sveria ir kankina. Ji svajoja prisijungti prie savo likimo su vyru, kuris taip pat neseniai grįžo iš fronto, tačiau jos sužadėtinis, negalėdamas atsidurti šioje visuomenėje, nusižudo, o nelaimingoji mergina pameta galvą. Jos sesuo tampa demobilizuoto karininko žmona – arogantiško ir netvarkingo žmogaus. Trečios dukros likimas taip pat tragiškas. Bandydama pabėgti iš niūrios situacijos, ji pabėga iš namų su turtingu spekuliantu, kuris savo turtą susikrovė nešvariais sandoriais. Karas sulaužė visų šeimos narių likimus. Sidnėjaus žodžiai kupini kartėlio: „Žinau, kad visi buvome marionetės vidutinių kvailių, kurie valdė mūsų šalis, rankose. Žinau, kad mes visi buvome paaukoti jų tuštybei, godumui ir kvailumui. O blogiausia, kad, kiek suprantu, jie nieko neišmoko“.

Pagrindinės veikėjos iš dramos „Sheppy“ istorija liūdna. Sheppey, vidutinio amžiaus kirpėja, tapo didžiuojasi didelio laimėjimo savininke.

Jis svajoja padėti tiems, kuriems reikia pagalbos, tačiau jo dukra ir jos sužadėtinis tiki, kad šie pinigai padės jiems patekti į didžiąją politiką, ir siekia, kad Sheppey būtų pripažinta beprotiška.

Nekomercinis Sheppey meno kūrinys žlugo, ir Maughamas nusprendė mesti dramaturgiją ir niekada nebegrįžti dirbti į teatrą.

Ryžiai. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894–1984) ( ryžių. 61) gimė Bradfordo mieste (Jorkšyras), mokytojo šeimoje. 1914 m. jis tapo Kembridžo universiteto studentu, bet prasidėjus Pirmajam pasauliniam karui savanoriu išstojo į frontą. Priestley baigė studijas universitete pasibaigus karui. Netrukus jis išgarsėjo kaip esė rašytojas, taip pat literatūrologas ir kritikas. 1929 m. parašytas romanas „Gerieji palydovai“, supažindinantis skaitytoją su keliaujančių aktorių gyvenimu, atnešė Priestley didžiulę sėkmę. Pirmoji ir neįprastai sėkminga rašytojo patirtis dramoje buvo pjesė „Pavojingas posūkis“, pastatytas 1932 m.

Kaip ir Maughamas, Priestley sugebėjo tiksliai perteikti žmonių tipus ir sukurti intrigą. Tuo pačiu metu jo pjesės yra problemiškesnės nei Maughamo ir Shaw kūriniai.

„Pavojingame posūkyje“ Priestley, kaip ir Maughamas, atskleidžia, kas slypi už išorinės gyvenimo gerovės. Tai, kas atsiranda už melo ir apgaulės sluoksnių, yra tikrai baisu. Dramaturgas stato pjeses „uždaro kambario detektyvo“ principu. Siaurame artimų pažįstamų rate įvykdyta žmogžudystė, įtarimai keliami visiems, o kartu visi tampa detektyvai-mėgėjais.

Palaipsniui išsiskleidžia apreiškimų grandinė, prasidėjusi netyčia iškritusiais žodžiais per vakarėlį pas leidyklą Robertą Kaplaną, kuris sužino, kad jo mylimas brolis Martinas buvo sekso maniakas ir nenusižudė, kaip buvo oficialiai tikima, o nužudė moteris. . Beveik visi jo artimieji buvo susiję su jo mirtimi. Sužinojęs siaubingą tiesą, Robertas nusinešė gyvybę. Tačiau tai tik hipotetinė įvykių versija. Užklupusi tamsa išsisklaido, ir prieš žiūrovo akis vėl iškyla pirmojo veiksmo atmosfera. Veikėjai tęsia tą patį pokalbį, o frazė, kuri buvo ekspozicijos pradžia, nėra išplėtota. „Pavojingas posūkis“ saugiai praėjo, vakarėlis tęsiasi. Tačiau tai, kas iš tikrųjų slypi po ramia gyvenimo eiga, žiūrovui jau žinoma.

1937 metais pasirodė Priestley pjesė „Time and the Conway Family“, kurioje autorius naudoja įvykių posūkio techniką. Veiksmas prasideda 1919 m. nuo šeimos atostogų. Draugiška ir turtinga šeima švenčia Kate gimtadienį. Merginai dvidešimt vieneri, ji kupina laimingos ateities vilčių ir svajoja tapti rašytoja.

Antrasis veiksmas susijęs su 1937 m. Veikėjai tie patys, bet visi nelaimingi. Prieš daugelį metų įvykęs vakarėlis buvo įvykis, kuris pasuko šeimos gyvenimą ta linkme, kuri visus jos narius atvedė į liūdną rezultatą.

Trečiasis veiksmas vėl susiję su 1919 m., tačiau dabar žiūrovui, sužinojusiam, kas nutiko po daugelio metų, šeimos vakarėlis neatrodo linksmas ir linksmas.

Priestley taip pat nagrinėjo laiko motyvus tolimesnėse pjesėse: „Aš buvau čia anksčiau“ (1937), „Muzika naktį“ (1938), „Džonsonas anapus Jordano“ (1939). Siekdamas gilinti savo personažų charakteristikas, rašytojas juos patalpina į neįprastą aplinką, kuri atskleidžia tai, kas anksčiau buvo slepiama ne tik nuo kitų, bet ir nuo jų pačių.

Daugelyje pjesių Priestley naudoja drąsius eksperimentus. Taigi daugelio Europos šalių teatrų scenose vykusioje dramoje „Iš rojaus laikų“ (1939) aktoriai į personažą patenka tiesiog žiūrovų akyse ir netgi keičiasi vaidmenimis.

Anglų dramaturgas labai vertino Čechovo kūrybą. Jo įtaka ryškiausia spektaklyje „Eden End“ (1934). Eden Endas, primenantis Čechovo „Vyšnių sodą“, pasakoja istoriją apie moterį, kuri prieš daugelį metų pabėgo iš savo tėvų namų, kad taptų aktore. Dabar ji grįžo į ramius ir patogius tėvo namus, svajodama vėl jaustis laiminga. Tačiau praeities negalima grąžinti, o pjesės veikėjai, kad ir kaip to norėtų, negali pradėti naujo gyvenimo.

Komedija Priestley dramaturgijoje užima svarbią vietą. Šiame žanre rašytoja sukūrė nemažai neįprastai šmaikščių kūrinių, kritikuojančių visuomenės gyvenimą. Jo komedijos buvo itin populiarios Europos šalyse, tačiau didelės sėkmės dramaturgui tėvynėje neatnešė.

Komedija „The Rocket Grove“ (1933) buvo plačiai žinoma. Nepaprastas ir kuklus nedidelio kanceliarinių prekių sandėlio savininkas netikėtai savo šeimai prisipažįsta, kad iš tikrųjų vadovauja klastotojų gaujai. Giminaičiai, išgirdę apie tai, rodo jam visą pagarbą, nors anksčiau elgėsi su juo panieka. Visi jie tiki, kad jis ne ką prastesnis už didžiuosius finansų magnatus, kurie per ekonomikos krizę jį bankrutavo ir pavertė nusikaltėliu.

Kai kurios komedijos liudija Priestley domėjimąsi tam tikrų profesijų atstovų gyvenimu (Meilė Jupiterio šviesoje, 1936; Labanakt, Vaikai, 1941).

Šiek tiek išsiskiria pjesė „Bitės laive“ (1936), kurią pats autorius pavadino „farsine tragedija dviem veiksmais“ ir „politine satyra farso pavidalu“. Įgula, palikta vandenyno laineryje, kurį savininkai likimo valiai paliko per ekonominę krizę, bando išgelbėti savo laivą nuo įvairiausių bandymų nužudyti. Finale laivas žūsta nuo bendrovės – lainerio savininkės – surengto sprogimo.

Neįprasta ir Priestley drama-utopija „Jie atėjo į miestą“ (1943), įkvėpta utopinio romano. Anglų menininkas ir rašytojo Williamo Morriso „Naujienos iš niekur, arba laimės amžius“ (1891). Priestley pjesės herojai gyvena mieste, kuriame nėra privačios nuosavybės, yra linksmi ir linksmi. Naudodamas „poslinkio laike“ techniką, autorius į pjesę įveda įvairių šiuolaikinės Anglijos visuomenės sluoksnių veikėjus, skirtingai suvokusius neįprastą miestą ir jo gyventojus.

Dar dvi Priestley pjesės buvo sutiktos su didžiuliu susidomėjimu: „Atėjo inspektorius“ (1945) ir „The Linden Family“ (1947).

Pirmojoje pjesėje dramaturgas vėl naudoja savo mėgstamą „perslinkimo laike“ techniką. Pramonininko Berlingo šeima ruošiasi švęsti dukters sužadėtuves. Staiga namuose pasirodo policijos inspektorius, tiriantis merginos, vardu Eva Smith, savižudybę. Pasirodo, dėl jos mirties kalti visi šeimos nariai. Beurlingas ją atleido iš savo įmonės, dukra pasirūpino, kad Eva būtų išvaryta iš parduotuvės, o jos sužadėtinis suviliojo ir paliko nelaimingąjį. Be to, Burlingo žmona, turėjusi įtakos labdarai, pasirūpino, kad merginai pagalbos būtų atsisakyta.

Viską sužinojęs inspektorius išeina, o Berlingų šeima, nustebusi, kad jų veiksmai susiję su ta pačia mergina, ima skambinti į ligoninę ir policiją. Jie sužino, kad savižudybių atvejų nebuvo, o inspektorius tokiu vardu policijoje nedirba. Berlingai nurimo, bet, kaip paaiškėjo, per anksti. Staiga suskambo telefonas, šeimos galvai pranešta, kad ligoninėje mirė anksčiau jo gamykloje dirbusi mergina, o mirties aplinkybių aiškintis atvyksta policijos inspektorius.

1950-aisiais Priestley ir toliau dirbo pjesių kūrimo srityje, tačiau nieko reikšmingo parašyti nebegalėjo.

Didelį indėlį į anglų dramos raidą įnešė poetas Thomas Stearns Eliot (1888-1965). (62 pav), kuris svajojo sukurti naują poetinę dramą, paremtą senovės ir viduramžių meno tradicijomis.

Ryžiai. 62. Thomas Stearns Eliotas

Eliotas gimė JAV. 1910 m. atvyko į Europą studijuoti Sorbonoje. Jo, kaip rašytojo, formavimasis vyko šimtmečio pradžioje pasirodžiusių modernistinių krypčių įtakoje. Šiuolaikine buržuazine kultūra nepatenkintas Eliotas ieškodamas pasuko į neoklasicizmą, paremtą antikos ir viduramžių tradicijomis.

Elioto perėjimas nuo dainų tekstų prie dramos yra susijęs su jo karštu noru perteikti „tikrąjį dvasingumą“, humanizmo idealus daugiau žmonių. Šio tikslo siekia visos jo pjesės, pasirodžiusios XX amžiaus ketvirtajame ir šeštajame dešimtmetyje (Žmogžudystė katedroje, 1935 m.; Šeimos susibūrimas, 1938 m.; Kokteilių vakarėlis, 1949; privatus sekretorius), 1953 m. , 1958).

Asmeninės žmogaus atsakomybės už viską, kas vyksta pasaulyje, klausimą kelia pjesė „Žmogžudystė katedroje“, kuri buvo ryškus poetinės Elioto tragedijos pavyzdys. Kurdamas savo kūrybą taikos metu, dramaturgas tarsi numatė artėjantį pasaulinį karą, iki kurio dar buvo likę penkeri metai.

„Žmogžudystę katedroje“ ketinta rodyti Kenterberio festivalyje, kur buvo pristatyti ir kiti kūriniai, pasakojantys apie Kenterberio arkivyskupo Thomo Beketo, gyvenusio XII amžiuje, likimą. Beketas padėjo Henrikui II kovoti už centralizuotą monarchiją, bet vėliau tapo karaliaus priešininku, už ką sumokėjo gyvybe. Po mirties arkivyskupą bažnyčia paskelbė šventuoju. Becket asmenybė vis dar kelia istorikų ir rašytojų ginčus. Eliotas pristatė savo herojų kaip žmogų, kurio veiksmus lėmė aukšto dvasingumo troškimas, todėl jis kovojo prieš žemiškus monarcho ir jo parankinių interesus. Priimdamas kankinystę, Beketas prisiėmė žmonijos nuodėmes ir atvėrė žmonėms kelią į humanizmą ir tiesą.

Pjesė, kurioje poetinė kalba derinama su proza, remiasi ne tik istorine medžiaga, bet ir 1930-ųjų realijomis. Taigi arkivyskupą nužudžiusių riterių kalbos labai panašios į kraštutinių dešiniųjų kalbas su grasinimais „ilgų peilių naktimi“ visiems, kurie nesutinka su jų idėjomis.

Didžiausi anglų kairiosios dramaturgijos atstovai buvo poetas Whistonas Hughas Audenas (1907-1973) ir romanistas Christopheris Isherwoodas (g. 1904 m.), kurie bandė sukurti modernią poetinę dramą, paremtą anglų muzikos salės tradicijomis. .

1933 metais Audenas parašė pjesę „Mirties šokis“, kuri pranašavo šiuolaikinės buržuazinės visuomenės pabaigą. 1936 m. jį pastatė režisierius Rupertas Doone'as Londono grupės teatro scenoje. Ateityje dramaturgas dirbo bendradarbiaudamas su Isherwood.

Audeno ir Isherwoodo pjesė „Šuo po oda“ (1935), pastatyta 1936 m., sulaukė susidomėjimo. Šis kūrinys, kuriame buvo parodijos, aukštosios poezijos, agitpropo, pasakų, ekspresionizmo elementų, tuo pat metu turėjo stiliaus vienovę.

Kiekvienais metais Pressen Embo kaimo gyventojai siunčia vieną iš jaunuolių ieškoti staiga dingusio dvaro paveldėtojo sero Pranciškaus. Eilė atėjo Alanui Normanui, sąžiningam ir paprastam žmogui. Kartu su juo pakeliui sveiksta vienoje ar kitoje šeimoje gyvenantis šuo Pranciškus. Keliautojai aplankė daugybę šalių, susipažino su įvairiais žmonėmis, tačiau įpėdinio taip ir nepavyko rasti. Alanas jau nusprendė atsisakyti tolesnių paieškų, kai sužinojo, kad jo šuo yra ieškomas seras Pranciškus. Šuns oda padėjo jam daug ko išmokti, suprasti, kokie supuvę socialiniai pamatai. Grįžęs į savo kaimą Pranciškus pamatė, kad fašizmo idėjos jame vyrauja prieš visas kitas. Kartu su grupe jaunuolių įpėdinis išvyksta kovoti su neteisybe ir blogiu.

Didelio susidomėjimo kelia Audeno ir Isherwoodo pjesė Ant sienos (1938), kupina simbolikos, pasakojanti apie dvi šeimas, gyvenančias viename kambaryje. Tarp jų driekiasi nematoma linija, pavertusi juos dviem kariaujančiomis šalimis. Tarp pjesės personažų – šioms šeimoms priklausantys jaunieji įsimylėjėliai, susijungę tik po mirties, fašizmo prigimtį aiškinantis cinikas (plieninio tresto vadovas) ir Vadovas, demagogas, kurį maitina Cinikas.

Vėliau Audenas ir Isherwoodas nukrypo nuo savo ankstesnių idėjų. 1966 m. į miuziklą „Kabaretas“ buvo pastatytas Isherwoodo romanas „Atsisveikinimas su Berlynu“ (1939), pasakojantis apie Vokietiją iki nacių atėjimo į valdžią, o 1972 m. – garsusis filmas tuo pačiu pavadinimu.

Pirmasis pasaulinis karas ir laikas prieš jį sugriovė dar XIX amžiuje susikūrusią teatro įmonių sistemą, kuriai vadovavo aktoriai G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander. Anglijos teatriniame gyvenime išryškėjo komercinis Vest Endo teatras, siūlantis nuo karo pavargusiems žmonėms linksmus ir įspūdingus reginius. Labai populiarūs buvo farsai, melodramos, lengvos komedijos, taip pat muzikiniai šou.

Situacija į teatro pasaulis nepasikeitė pokario metais. Scenoje vis dar karaliavo lengvi žanrai, o rimtas Strindbergo, Ibseno, Čechovo pjeses buvo galima pamatyti tik mažųjų Londono teatrų (Evryman, Barnes) ir teatro klubų scenose. Amerikiečių kritikas T. Dickinsonas apie to meto anglų teatrą rašė: „Britų salos yra politiškai izoliuotos. Anglų teatras yra panašiai izoliuotas. Dešimtajame dešimtmetyje Didžiosios Britanijos teatras pasirodė esąs nepajėgus reaguoti į gilius impulsus, kuriais vadovavo teatras žemyne.

Viktorijos epochos tradicijas atmetusiam ir amerikonizuoto gyvenimo būdo siekusiam Anglijos jaunimui nusibodo Šekspyras, kurio dramos dingo iš Vest Endo scenos.

Kembridžo festivalio teatro, kuriam 1926-1933 metais vadovavo Terence'as Gray'us, spektakliai tapo tikromis didžiojo Šekspyro parodijomis. Taigi „Venecijos pirklys“ savo garsųjį monologą apie gailestingumą Portia skaitė nuobodžiaujančiu žvilgsniu, visiškai beraišku balsu, o priešais sėdintys teisėjai žiovojo. Grėjaus pastatytame Henriko VIII didikai yra pasipuošę kortų lizdų ir karalienių kostiumais, o vietoj kai kurių personažų žiūrovai išvydo žaidimo kortų maketus.

Įdomu tai, kad, neigdami klasiką, to meto anglų režisieriai dažnai atsigręždavo į Restauravimo epochos komediją. Tarp jų buvo garsus aktorius, Londono Lyric Theatre režisierius ir savininkas Nigelas Playfairas, pastatęs nemažai senų komedijų. Lyricos scenoje taip pat buvo statomi spektakliai pagal XVIII amžiaus komikų pjeses, interpretuotas laikmečio dvasia. Pavyzdžiui, trejus metus nuo Lyric scenos nepalikusi Johno Gėjaus „Ubagų opera“ neteko satyrinio dėmesio ir virto lengvu, linksmu reginiu. Playfair interpretacijoje Gėjaus pjesė reprezentavo nerūpestingą ir linksmą amžių, kurio atmosferą padėjo perteikti žiūrovų salės sietynuose uždegtos žvakės, teatro orkestro muzikantų perukai, taip pat Hendelio ir Purcello muzika. . N. Marshallas labai tiksliai apibūdino Playfairo, kaip režisieriaus, stilistinį įgūdį: „To meto bestile anglų teatre jis pateikė elegantiško ir holistinio sceninio stiliaus pavyzdį“.

Lyrinio teatro žvaigždė buvo aktorė Edith Evans (1888-1976), kuri atkūrimo metu pradėjo nuo jaunų komedijų herojų vaidmenų. Didžiulė sėkmė 1924 m. atnešė jai Milliment įvaizdį spektaklyje „Taip jie daro pasaulyje“ pagal Congreve pjesę. Milimentas, kaip ir Sallenas Farkerio „Gudriajame Dandijų plane“, yra neįprastai linksmas ir grakštus padaras, siekiantis pažinti visus gyvenimo džiaugsmus.

Bernardo Shaw pjesės, vaidintos Vest Endo scenose ir eksperimentiniuose mažuosiuose teatruose, susilaukė didelio pasisekimo XX a. 2 dešimtmečio Anglijos publikoje. Naujajame teatre pastatyta Šv.Joana kūrėjams atnešė didžiulę komercinę sėkmę. Spektaklis ilgai nenulipo nuo scenos, atlaikęs daugiau nei du šimtus keturiasdešimt pasirodymų. Žanos vaidmenį atliko garsioji tragiška aktorė Sybil Thorndike (1886-1976).

Žanos vaidmenį Sybil Thorndike numatė pats Bernardas Shaw. Jis repetavo su ja ir kitais aktoriais, bandydamas įspūdį, kad jie vaidina šiuolaikinį spektaklį, o ne kostiuminę dramą, skirtą praeičiai. Sybil Thorndike vaidino heroję, kurios pagrindiniai bruožai buvo ne romantika, o blaivus protas ir moralinė stiprybė. Žvelgdami į Žaną, publika suprato, kad ši paprasta valstietė, pasitvirtinusi seniai pasibaigusiose kovose, gali tapti šiuolaikinio Pirmojo pasaulinio karo heroje.

1920-ųjų pabaigoje m teatro būreliai gimė idėja mažame Malverno miestelyje kasmet rengti Bernardo Šo pjesių festivalius. Pirmasis Malverno festivalis įvyko 1929 m. pradžioje ir buvo atidarytas Shaw pjese „Apple Cart“. Vaidmuo Pagrindinis veikėjasšiame spektaklyje vaidino aktorė Edith Evans. Festivalis tęsėsi iki Antrojo pasaulinio karo pradžios.

Barry Jacksonas (1879-1961), vadovavęs Birmingamo repertuaro teatrui, atliko svarbų vaidmenį organizuojant Malverno festivalį. Šis teatras buvo atidarytas 1913 m., maždaug tuo pačiu metu kaip ir Bristolio, Mančesterio, Liverpulio repertuariniai teatrai. Skirtingai nuo komercinių, jie turėjo nuolatinę trupę ir statė rimtus, probleminius spektaklius. Scenoje Birmingeme repertuarinis teatras vyko spektakliai pagal D. Galsworthy, A. Strindbergo, B. Franko, G. Kaiserio ir, žinoma, B. Shaw kūrinius. 1923 metais Barry'is Jacksonas pastatė savo pentalogiją „Atgal į Metušalą“, kurioje garsūs Londono aktoriai, tarp jų Edith Evans, vaidino kartu su Birmingamo teatro trupės atstovais. Shaw taip pat dalyvavo repeticijose.

1925 metais Londone Barry Jacksono trupė parodė „Hamletą“ (režisierius – G. Eilif). Londono publika dar niekada nebuvo taip nustebusi: Hamletas buvo apsirengęs sportiniu kostiumu, Laertesas su Oksfordo kelnėmis į sceną lipo su lagaminu su ryškiu lipduku: „Keleivis į Paryžių“. Polonijus vilkėjo fraką, o Klaudijus vilkėjo raudono šilko chalatą. Karaliaus dvariškiai žaidė bridžą ir gėrė viskį. Danijos karalystė virto šiuolaikine Anglija su savo nusistovėjusiomis tradicijomis. Į šį seną veidmainišką pasaulį įžengė Hamletas su savo tiesa, atsinešta iš Pirmojo pasaulinio karo apkasų.

1920-aisiais Čechovo pjesės pasirodė Anglijos teatrų repertuare. Didelį vaidmenį supažindinant anglų publiką su Čechovo kūryba atliko režisierius Fiodoras Komissarževskis (1882-1954), 1925 metais verslininko Philipo Ridgway pakviestas į Barneso teatrą. Pirmasis rusų režisieriaus pastatytas spektaklis Barneso scenoje buvo Ivanovas ( Pagrindinis vaidmuo jį atliko R. Farkersonas). Tada buvo pastatyta „Trys seserys“ (1926), kurią Komissaževskis interpretavo kaip romantiškai pakylėtą ir nepaprastą poetinį reginį. Režisierius naudojo ryškų apšvietimą ir spalvinius efektus, neįprastus Čechovo stiliui. Tais pačiais 1926 metais „Barneso“ žiūrovai išvydo dar dvi Čechovo dramas – „Dėdė Vania“ ir „Vyšnių sodas“.

Tais metais Čechovo pjesės buvo statomi tik mažuose teatruose ir tik praėjusio amžiaus ketvirtajame dešimtmetyje juose buvo galima pamatyti beveik visą Anglijos publiką. Tuo pačiu metu šalyje pasirodė visa galaktika talentingi aktoriai. Kartu su 1920-ųjų žvaigždėmis (Sybil Thorndike, Edith Evans ir kt.) Anglijos scenoje sužibėjo Laurence'as Olivier, Johnas Gielgudas, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alecas Guinnessas. Galite pamatyti juos daugiausia vaidinančius „Old Vic“ ir „Gielgud“ įmonėje „New“ ir „Queens“ teatruose.

Waterloo Road gatvėje įsikūręs Old Vic buvo atidarytas XIX amžiuje, tačiau plačiai žinomas prieš Pirmąjį pasaulinį karą. 1918–1923 metais jos scenoje buvo vaidinamos Šekspyro pjesės, kuriose vaidino geriausi anglų aktoriai, kurie dėl tikro meno atsisakė didelių Vest Endo honorarų. Edith Evans buvo pakviesta į visus Vest Endo teatrus, tačiau ji pirmenybę teikė nedideliam atlyginimui Old Vic. Šekspyro pjesėse ji atliko daugybę vaidmenų, tarp jų – Katarina, Viola, Rozalinda.

Šklovskis Viktoras Borisovičius

autorius Vasiljevas, (meno kritikas) Aleksandras Aleksandrovičius

Iš knygos Kasdienybė Maskvos valdovai XVII a autorius Černaja Liudmila Aleksejevna

Anglų kalbos vertėjo pratarmė Istoriniai dokumentai, paaiškinantys pagrindines su bušido susijusias sąvokas (sąvoka "bushido", kaip ir "samurajus", į Vakarų kalbas pateko kaip skolinys, reiškiantis "nacionalinę, ypač karinę, Japonijos dvasią; tradicinė".

Iš Levo Tolstojaus knygos Maskvos adresai. 1812 m. Tėvynės karo 200-osioms metinėms autorius

Anglų klasikinis romanas apie tai, kaip Fieldingas pasinaudojo pripažinimu, kad sėkmingai užbaigtų savo romaną. Kuo šis pripažinimas skiriasi nuo antikinės dramos pripažinimo?Žmonės pasaulyje nėra lygūs – vieni buvo turtingi, kiti vargšai, visi prie to buvo pripratę. Ji egzistavo m

Iš knygos Maskva prie Romanovų. Romanovų dinastijos 400 metų jubiliejui autorius Vaskinas Aleksandras Anatoljevičius

Anglų melanžas Pirmą kartą į Londoną atvykau 1983 m. Anuomet Kings Road Čelsyje klajojo stulbinantys pankai, rudens lapai, susimaišę su lietumi, dainavo mums kažką iš Britteno, dviaukščiai raudoni autobusai aidėjo klasikiniu nuobodu raudonu telefonu.

Iš knygos „Kinijos liaudies tradicijos“. autorius Martyanova Liudmila Michailovna

Teatras Pirmąjį dvaro teatrą, gyvavusį 1672–1676 m., pats caras Aleksejus Michailovičius ir jo amžininkai apibrėžė kaip savotišką „linksmybę“ ir „vėsumą“ Europos monarchų teatrų įvaizdyje ir panašumu. Teatras karališkajame teisme pasirodė ne iš karto. rusai

Iš knygos 5 valanda ir kitų Anglijos tradicijų autorius Pavlovskaja Anna Valentinovna

Iš autorės knygos

Pilietinės visuomenės daigas: anglų klubas „Concordia et laetitia“ Kotrynos laikais Maskvoje atsirado anglų klubas, tai įvyko 1772 m. Kadangi klubai kaip socialinio gyvenimo reiškinys Rusijoje buvo išskirtinai Vakarų įtakos rezultatas, tai gana

Pirmąjį teatrą Londone, kuris vadinosi Teatras, 1577 m. atidarė aktorius Jamesas Burbage'as Shoreditch mieste. Po kelių mėnesių netoliese buvo atidarytas antrasis teatras, vadinamas Uždanga. Netrukus Burbage'as ir jo sūnus Thomas, kuris išgarsėjo už savo tėvą, surengė Juodųjų brolių teatrą - vienuoliško dominikonų ordino garbei, nes scena buvo pastatyta senojo vienuolyno valgykloje. Tačiau visus teatrus nuolat puldinėjo Londono valdžia, prakeikdama šias įstaigas kaip pragaro velnią ir nelaimių šaltinį, dykinėjimo ir ištvirkimo vietą, piktų žmonių susibūrimą, susijaudinusius dėl moteriškais drabužiais vilkinčių berniukų žvilgsnio. - kitaip tariant, vieta tiems, kurie skambant trimitui skuba pažiūrėti spektaklio, nei išgirsti pamokslą skambant varpui.

Sautvarke aktoriai turėjo daugiau valios nei mieste, kur teatrų gyvenimas buvo smarkiai apribotas valdžios nustatytų taisyklių. Be to, Tulą buvo galima lengvai pasiekti laivu arba tiltu. Vienuolynų uždarymo metu dalis Sautvarko, anksčiau priklausiusi Bermondsio ir Švč. Mergelės Marijos vienuolynams, tapo karaliaus nuosavybe. 1550 metais jis buvo parduotas miestui už maždaug tūkstantį svarų. Neparduoti liko tik du sklypai, kurie liko už miesto jurisdikcijos ribų. Ant vienos stovėjo kalėjimas, kitas vadinosi („Paryžiaus sodas“); būtent šiose dviejose svetainėse karalienės Elžbietos laikais atsirado teatrai, laisvi nuo Londono draudimų ir cenzūros. Rožių teatre, pastatytame 1587 m., Marlowe pjesės buvo pastatytos pirmą kartą, čia suklestėjo Edwardo Alleyno talentas. Tada atėjo teatrai „Gulbė“ (1596 m.), „Gubliukas“ (1599 m.; dešimtadalis jo priklausė Šekspyrui) ir 1613 m. – „Viltis“.

Londoniečius į šiuos ir kitus teatrus viliojo garsūs trimitai ir plevėsuojančios vėliavėlės. Pinigai iš lankytojų buvo renkami tiesiog teatre ir dedami į specialią dėžutę, kuri vėliau buvo užrakinta mažoje patalpoje – kasoje („kasų spintoje“). Žiūrovai sėdėjo ant fotelių, išdėstytų pakopomis aplink sceną, arba ant suolų tiesiai ant scenos, o spektaklis prasidėjo nuo jų garsių šūksnių. Aktoriai atliko savo vaidmenis, o publika juos pertraukė pasipiktinusiais ar pritariamais šūksniais, įžeidinėjimais ar pagyrimais. Tai tęsėsi iki pat veiksmo pabaigos, o po to scena prisipildė šokėjų, žonglierių ir akrobatų; koteliai su padėklais ir krepšeliais, suspausti palei praėjimus tarp žiūrovų sėdynių, parduodantys pyragus, vaisius, vaistažoles, bukletus; vyrai buvo malonūs moterims. Teatro darbuotojai dažnai rūkydavo, oras prisipildytų tabako dūmų, dažnai užsidegdavo medinės kėdės, publika veržėsi prie durų. sudegė tais pačiais metais, kai atidarė Nadežda; šio proceso metu buvo sužalotas tik vienas žmogus – užsidegė kelnės, tačiau jis greitai jas užgesino išpilstęs iš butelio alaus.

Prie teatrų buvo sodai su meškomis, arenos pririštam jaučiui su šunimis kibti, gaidžių peštynių aikštelės, kurios pritraukdavo įvairiausią publiką – turtingus ir vargšus, kilmingus ir paprastus žmones. Pasimėgavę Otelo ar Edvardo II pasirodymu, kitą dieną publika ėjo stebėti, kaip Paryžiaus sode šunys kimba lokys, kovojantys gaidžiai, kurie, paleidę spyglius, arenos smėlį apliejo krauju ir plunksnomis, šunys, skraidantys toli nuo pašėlusių bulių smūgių (šunys buvo gaudomi į pintus spąstus, kad krisdami nesužalotų ir galėtų toliau kovoti), ant žmonių, besilaužančių kardais, nupjaunant vienas kitam ausis ir pirštus garsiai pritariant minios.

Vest Endo teatrai

Vest Endo gatvių veidas smarkiai pasikeitė. Daug pastatų XVIII a. buvo rekonstruoti tiek išorėje, tiek viduje pagal epochos skonį. Taip Grafton gatvėje (dabar Helenos Rubinstein salonas) ponia Arthur James pademonstravo savo turtus įspūdinga 1750-aisiais suprojektuoto namo renovacija. Seras Robertas Teiloras.

Daugelis pastatų, pastatytų gruzinų, Regency ir Viktorijos laikų stiliai, pagimdė naujus teatrus, tokius kaip Jorko kunigaikščio teatras, Naujas teatras, The Rock, Palladium, Gaiety, Jos Highness Theatre, Londono paviljonas, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe ”, „Queens“ ir „Coliseum“. Visi jie buvo pastatyti per pastaruosius dešimt karalienės Viktorijos valdymo metų ir devynerius paties Edvardo valdymo metus.

Šimtai senų pastatų buvo nugriauti, kad atsirastų vietos parduotuvės, didingos prekybos pasažai su prabangiais stiklo paketais ir žalvariu inkrustuotomis raudonmedžio durimis. 1901 metais Brompton Road gatvėje esančios Harrods generalinės parduotuvės terakotinės sienos pradėjo kilti. Greitai po to buvo pastatytos naujos perdėto baroko stiliaus gatvės parduotuvės, tokios kaip „Wearing and Gillows“ (1906 m.), milžiniško dydžio, ypač didingas pastatas, kurį pirklys pradėjo statyti 1909 m. Harry Selfridge iš Viskonsino.

Tuo metu, kai Selfridge parduotuvė buvo baigta, Regent Street visiškai pasikeitė; Aldwych kilpa kirto gatvių labirintą į šiaurę nuo Strand, priešais Somerseto namą, buvo išklota monumentaliais pastatais, o Kingsway gatvė nusidriekė į šiaurę iki Holborno.

Dramos menas JK atsirado seniai. Jis kilęs iš gatvės pasirodymų, kurie vykdavo per bažnytines šventes ir tarnavo kaip savotiškas moralizavimas. Renesanso epochoje visos meno sritys įgauna pasaulietiškesnį pobūdį ir nutolsta nuo religinės temos. Būtent tuo metu atsirado tuo metu revoliucinis teatras, kuriame dabar visam pasauliui žinomas W. Shakespeare'as statė pjeses.

Šiuolaikinė teatro raida siekia didžiausio tikroviškumo visose jo sferose, permąstant net klasikinius siužetus. Dabar Anglijos teatrai stebina ne tik įdomiais spektakliais, bet ir originalia architektūra, taip pat neįprastais režisieriaus sprendimais.

Jei planuojate kelionę į Londoną, būtinai apsilankykite Piccadilly teatre. Jis gyvuoja jau daugiau nei aštuonis dešimtmečius ir džiugina teatro meno žinovus ne tik moderniais, bet ir tradiciniais klasikiniais pastatymais.

Vienas iš seniausių Londono teatrų yra Aldwych teatras, kuris daugiau nei šimtmetį buria aplink save visą miestą. Jos scenoje kadaise pasirodė tokie iškilūs aktoriai kaip Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone ir kiti.

Ryškių spalvų gerbėjai muzikiniai pasirodymai Verta aplankyti Naująjį Londono teatrą. Būtent miuziklai praėjusio amžiaus 70–80-aisiais gana jaunam teatrui atnešė tikrą šlovę tarp jaunimo. Iki šiol jis publiką džiugina pasaulinio lygio pasirodymais, ryškiais sceniniais pasirodymais ir gera muzika.

Kitas Londono teatras, žinomas dėl miuziklų ir komedijų stiliaus spektaklių, yra Shaftesbury teatras. Ne taip seniai jis atšventė šimtmetį – teatro darbas nenutrūko net per Antrąjį pasaulinį karą. Šio teatro pastatas nusipelno ypatingo dėmesio dėl neįprasto seno dizaino.

Tarp šiuolaikiniai teatrai Londonas išsiskiria Pinkock teatru. Dėl naujoviško požiūrio į klasikinę dramaturgiją jis pakankamai atlaiko konkurenciją su senaisiais teatrais. Scenoje dažnai naudojami modernumo elementai gatvės šokiai ir net akrobatinius skaičius, kad sustiprintų pjesės efektą.

Didžiosios operos pastatas Belfaste žavi savo grožiu. Pastatytas dar XIX amžiuje, tai ne tik rytietiško stiliaus architektūros paminklas, bet ir džiugina teatro gerbėjus klasikiniu repertuaru bei puikia akustika.

Pagrindinis dramos meno centras Didžiojoje Britanijoje vadinamas karališkasis teatras Drury Lane. Jis įsikūręs Londone ir vaidino svarbų vaidmenį plėtojant teatrą šalyje. Per savo egzistavimą jos scenoje spėjo apsilankyti daug iškilių aktorių.

Kitas Didžiosios Britanijos architektūros paminklas yra Jos Didenybės teatras. Teatras buvo sukurtas XVIII amžiaus pradžioje, o XIX amžiaus pabaigoje persikėlė į didelį naują pastatą, kuriame yra iki šiol. Jis turi didelę istorinę ir kultūrinę vertę, o klasikinis repertuaras patiks visiems šios meno formos mylėtojams. Šis teatras yra Londone, Vestminsterio vakaruose.

Polisaevo administracijos miesto švietimo skyrius

Informacinis ir metodinis centras

savivaldybės švietimo įstaiga

„Vidurinė mokykla Nr. 35“

Teatro istorija JK

Mokslinių tyrimų projektas

Polysaevo 2007

Polisaevo administracijos miesto švietimo skyrius

Informacinis ir metodinis centras

Savivaldybės švietimo įstaiga

„Vidurinė mokykla Nr. 35“

Teatro istorija JK

Daria Putinceva,

Siūloma tyrimai yra Didžiosios Britanijos teatro istorijos aprašymas. Tyrimo projektas apibūdina anglų teatrą nuo viduramžių iki šių dienų, jo kryptis ir tendencijas. Kūrinyje atsekamas pagrindinių teatro krypčių formavimasis ir raida, teatro kovos originalumas įvairiais istorinės raidos etapais. Ypatingas dėmesys skiriamas anglų teatro nacionalinės specifikos klausimui.

Teatro istorija JK: tyrimas / . - Polysaevo: Informacijos ir metodinis centras, 2007 m.

Aiškinamasis raštas

Darbo tikslas: susipažinimas su svetima kultūra.

Darbo užduotys: kultūrinių žinių apie JK plėtimas.

Anglų teatras yra neatsiejama pasaulio kultūros dalis. Geriausios nacionalinės Anglijos meno tradicijos praturtino pasaulinį teatro procesą. Anglų aktorių, režisierių ir dramaturgų kūryba pelnė meilę ir pripažinimą toli už Anglijos sienų.

Didžiosios Britanijos aktorių, režisierių, dramaturgų kūryba jau seniai sulaukė pripažinimo ir meilės Rusijoje.

Teatro istorija nuo seno siejama su žmonijos istorija. Iš to pradinio istorijos puslapio, kaip save prisimena žmonija, ji prisimena ir teatrą, kuris tapo jos amžinuoju palydovu.

Ar jums patinka teatras taip pat, kaip aš jį myliu? - mūsų didysis tautietis Vissarionas Belinskis paklausė savo amžininkų, giliai įsitikinęs, kad žmogus negali nemylėti teatro.

Ar mėgsti teatrą? Su tuo pačiu klausimu daugiau nei prieš 20 šimtmečių į savo žiūrovus galėjo kreiptis didieji antikinio teatro tėvai Aischilas ir Sofoklis, Euripidas ir Aristofanas, užpildžiusius didžiulių amfiteatrų akmeninius suolus Helos po atviru dangumi.

Po jų jau kitais šimtmečiais, kitos istorinės epochos, panašiai patraukusios savo amžininkus, Šekspyras ir Benas Jonsonas Anglijoje galėtų pasukti. Ir visi jie klausia savo laikmečio žmonių: "Ar jums patinka teatras?" – turėtų teisę tikėtis teigiamo atsakymo.

Anglų teatras, literatūra, muzika yra neatsiejama pasaulio kultūros dalis. Geriausios anglų kultūros tradicijos praturtino pasaulio kultūros procesą, pelnė meilę ir pripažinimą toli už Anglijos sienų.

Anglų dramaturgų kūryba jau seniai sulaukė pripažinimo ir meilės Rusijoje. Šekspyro tragedijose vaidino didžiausi rusų teatro aktoriai.

Anglų kultūros istorijoje išskiriami šie pagrindiniai laikotarpiai: viduramžiai, Renesansas, XVII amžius, XVIII amžius (Švietimas), XIX amžius (romantizmas, kritinis realizmas), XIX amžiaus pabaigos laikotarpis - pradžios (1871–1917 m.) ir XX a., kuriuose išskiriami du laikotarpiai: 1917–1945 m. ir 1945–dabar.

Ankstyvieji viduramžiai ( V – XI šimtmečius)

VI amžiuje prieš Kristų Britų salas užpuolė keltai. 1-ajame mūsų eros amžiuje Britaniją užkariavo romėnai. Romos imperijos valdžia tęsėsi iki V a., kai į Britanijos teritoriją įsiveržė anglosaksai ir džiutai. Anglosaksų gentys atnešė savo kalbą, kultūrą ir gyvenimo būdą į Britų salas.

Viduramžių teatro istorija – tai idealistinių, religinių pažiūrų į gyvenimą kovos su liaudies realistine pasaulėžiūra istorija.

Daugelį amžių feodalinės Europos žmonių gyvenime buvo išsaugomos pagoniškų ritualinių švenčių tradicijos, turinčios teatralizacijos elementų: žiemos ir vasaros susidūrimas, gegužės žaidynės, kuriose buvo atliekami filmai, dalyvaujant karaliui ir karaliui. Gegužės karalienė ir kt. tt Trupės klajojo po Europą liaudies pramogos – istrionai. Jie mokėjo daryti viską: dainuoti, šokti, žongliruoti, vaidinti. Žaisdami komiškas scenas jie dažnai ne tik linksmindavo publiką, bet ir išjuokdavo tuos, kurie engė ir engė paprastus žmones. Todėl bažnyčia draudė ritualinius žaidimus, persekiojo istorijas, bet buvo bejėgė sunaikinti žmonių meilę teatro pasirodymams.

Stengdamiesi, kad bažnytinė tarnystė – liturgija – būtų veiksmingesnė, patys dvasininkai ima naudoti teatralizuotas formas. Atsiranda pirmasis viduramžių teatro žanras – liturginė drama (IX-XIII a.). Liturgijos metu kunigai vaidino pasakojimus iš Šventojo Rašto. Laikui bėgant, liturginių dramų spektakliai išnešami iš bažnyčios į prieangį ir šventorių.

XI – XV amžiaus

XI amžiuje Britų salas užkariavo normanai. Tai prisidėjo prie prancūzų įtakos šalies kultūriniam gyvenimui.

XIII-XIV a. pasirodo ir naujas žanras viduramžių teatro spektaklis – mirakl („stebuklas“). Stebuklų siužetai pasiskolinti iš legendų apie šventuosius ir mergelę Mariją.

Viduramžių teatro viršūnė – paslaptis . Jis vystosi XIV-XV amžiuje, viduramžių miestų klestėjimo laikais. Miesto aikštėse žaidžiamos paslaptys. Paslapties vaizdavimas buvo masinis – ir pagal dalyvių skaičių Alegorija" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> alegorinė. Moralės veikėjai dažniausiai įasmenindavo įvairias žmogaus savybes, jo ydas ir dorybes. .

Moralės herojus apskritai yra žmogus. „Kiekvienas žmogus“ – taip buvo pavadinta XV amžiaus pabaigos anglų moralė. Šiame spektaklyje kiekvienam žmogui pasirodė Mirtis ir pakvietė į „ilgą kelionę“, leisdama pasiimti su savimi bet kurį palydovą. Žmogus kreipėsi į draugystę, giminystę, turtus, bet visur buvo atsisakyta. Jėga, Grožis, Protas, Penki pojūčiai sutiko lydėti žmogų, bet kapo pakraštyje visi jį paliko. Su juo į kapą šoko tik Geri darbai. Moralitas atsisakė biblinių dalykų, bet išlaikė religinį ugdymą.

Farsas – pirmasis viduramžių teatro žanras, laužęs religinę moralę. Farsas, linksmas ir satyrinis žanras, išjuokė socialines, politines ir moralines feodalinės visuomenės sampratas. Kvaili riteriai, godūs pirkliai, aistringi vienuoliai veikia farsu. Tačiau tikrasis šio žanro, visų ne itin padorių, bet visada juokingų, farsiškų siužetų herojus yra linksmas paprastų žmonių nesąžiningas. Farse teisus tas, kuris visus pergudravo.

Farso spektaklių patirtį plačiai panaudojo vėlesnių epochų teatras. Šekspyro komedijose buvo perimti ne tik šmaikštūs farso metodai, bet ir jį užpildžiusi populiaraus laisvo mąstymo dvasia.

renesansas

XV metais - XVI a V Europos šalys vyksta „progresuojantis didžiausias perversmas, kurį žmonija patyrė iki tol“, – perėjimas iš feodalinių viduramžių į naujus laikus, pažymėtas pradinis laikotarpis kapitalizmo raida. Ši pereinamoji era buvo vadinama Renesansu arba Renesansu.

Tai buvo naujos kultūros, laužymo su religinėmis dogmomis, epocha, sparčios meno ir literatūros raidos era, atgaivinusi antikos idealus. Puikios galimybės aktyviai veikti kūrybinė veikla. Šioje epochoje vyksta nacionalinės kultūros formavimasis.

XVI amžius Anglijoje buvo dramos klestėjimo laikotarpis. Anglų teatras atsiliepė į populiarius interesus ir buvo neįprastai populiarus nacionalinio pakilimo atmosferoje. Iki XVI amžiaus pabaigos Londone buvo apie dvidešimt teatrų; tarp jų ypač garsėjo Jameso Burbage'o teatras ir Philipo Hensloe teatras. Teatro kultūros raida neapsiėjo be sunkumų, pagrindine kliūtimi tapo puritonų veiksmai, kurie teatrą laikė „demonišku“ reikalu.

To meto dramaturgai buvo Robertas Greene'as, Thomasas Kiddas, Christopheris Marlowe'as ir kt.

Beaumont (1584-1616) ir Fletcher (1579-1625) pjesės apibūdina dar vieną anglų teatro istorijos erą. Jie siekė aristokratizuoti teatrą, įnešti į sceninius spektaklius tam tikro rafinuotumo ir padorumo. Kilnios, monarchistinės idėjos Bomonto ir Fletcherio teatre tampa ypatingo dėmesio objektu. Nuo scenos nuolat girdimi raginimai nesavanaudiškai tarnauti karaliui.

Viljamas Šekspyras

Anglų renesanso teatras savo klestėjimo laikus pirmiausia skolingas Williamui Shakespeare'ui. Šekspyro dramaturgija yra visos ankstesnės dramos raidos rezultatas, teatro viršūnė.

„Tragedija gimė aikštėje“, – rašė jis, turėdamas omenyje tolimas Šekspyro kūrybos ištakas – viduramžių paslapčių liaudies teatrą. Aikščių teatro tradicijas – platų įvykių aprėptį, komiškų ir tragiškų epizodų kaitą, veiksmo dinamiką – išsaugojo Šekspyro pirmtakai – dramaturgai R. Greenas, K. Marlo ir kt. Jie į sceną įnešė laisvę mėgstančias idėjas, parodė naujus herojus, pasižyminčius stipria valia ir visu charakteriu.

Pirmuoju, „optimistiniu“ savo kūrybos periodu Šekspyras rašė komedijas, perteiktas šviesiomis, džiugiomis nuotaikomis. Tačiau kai prieš skvarbų poeto žvilgsnį atsivėrė „nelaimių jūra“, kai nenumaldoma istorijos eiga vis aštriau atskleidė feodalizmo ir besiformuojančio kapitalizmo prieštaravimus, idealų herojų jo kūriniuose pakeitė valdžios ištroškęs, egoistas ir savanaudiškas žmogus, o kartais net nusikaltėlis.

Pirmą kartą šis posūkis buvo atskleistas tragedijoje „Hamletas“. Tačiau Šekspyro herojai nenusilenkė blogio pasauliui. Įstoję į kovą ir tapę visagalių oponentų aukomis, Šekspyro tragedijų herojai net savo mirtimi patvirtino tikėjimą žmogumi ir jo šviesiu likimu. Būtent tame Šekspyro tragedijų nemirtingumas ir modernus jų skambesys.

„Shakespeare's Globe“ teatras buvo įsikūręs tarp kitų teatrų – pietiniame Temzės krante, už Londono, nes valdžia uždraudė rengti spektaklius m.

Viljamas Šekspyras

„Globus“ teatras“. Išvaizda.

pats miestas. Pastatą vainikavo nedidelis bokštelis, kuriame spektaklio metu plevėsavo vėliava.

Veiksmas vyko po atviru dangumi – priešais sceną stovėjo masė žmonių, turtingi miestiečiai įsikūrė galerijose, kurios trimis pakopomis juosė apvalias teatro sienas. Scena buvo padalinta į 3 dalis: priekinė - proscenija, galinė, atskirta dviem šoninėmis kolonomis ir dengta šiaudiniu stogeliu, o viršuje - balkono formos. Scena buvo papuošta kilimais ir kilimėliais, o iš viršaus pakabinta pano: juoda – tragedijose ir mėlyna – komedijose. Veiksmo vietą nurodė viena detalė (medis rodė, kad veiksmas vyksta miške, o sostas – kad rūmuose).

Trupės sudėtis buvo nedidelė – tik 8-12 žmonių. Kartais kiekvienam aktoriui spektaklyje tekdavo atlikti iki trijų ar daugiau vaidmenų. Herojus vaidino gražūs, trapūs jaunuoliai. Pagrindiniai tragiški aktoriai buvo Edwardas Aleinas, ypač sėkmingai suvaidinęs K. Marlowe pjesėse, ir Richardas Burbage'as – geriausias Hamleto, Lyro, Otelo ir Makbeto vaidmenų atlikėjas. Richardas Tarltonas ir Williamas Kempas vaidino komiškuose vaidmenyse.

XVII amžiaus

Jei Anglijoje Renesanso laikais dramaturgija ir teatras gyveno savo klestėjimo laikus, tais laikais teatro papročiai Londone buvo gana laisvi, visiškas lengvumas viešpatavo tiek scenoje, tiek žiūrovų salėje, o aktoriai ir žiūrovai negailėjo išraiškų, tai teatre. XVII amžiuje juos persekiojo puritonai.

Renesanso epochoje scenoje buvo galima pamatyti magą su šunimi, kuriame buvo pavaizduotas „ir Anglijos karalius, Velso princas, o kai atsisėda ant nugaros, tada popiežius ir Ispanijos karalius“. Kažkokia ponia komedijoje iš scenos galėjo pasakyti, kad galima atspėti pagal šlapimą, arba džentelmenas – užsirašyk, kur šlapinasi. „Mūsų scenoje kartais tvyro toks pat nešvarumas ir smarvė kaip Smithfielde (Londono priemiestyje, kur vykdavo mugės ir kartais degindavo eretikus“, – sako Benas Jonsonas. „Viskas ten vadinama tinkamu vardu“, – apie anglų sceną Volteras rašė jau XVIII a.

Teatro moralę galima numanyti iš anoniminio „Aktorių protestas arba skundas prieš jų profesijos slopinimą ir pašalinimą iš kelių teatrų“ (1643). „Pažadame ateičiai į savo šešių centų namelius niekada neįleisti ištvirkėlių moterų, kurios ten ateina tik tam, kad jas išsivežtų teisininkų pameistriai ir tarnautojai, ir jokių kitų tokių moterų, išskyrus tas, kurios ateina su savo vyrais ar artimi giminaičiai. Pasikeis ir požiūris į tabaką: jis nebus parduodamas... dėl nešvankių kalbų ir panašių niekšybių, kurios gali skandalinti padorius žmones, o blogus žmones pastūmėti į ištvirkimą, tai mes juos visiškai išvarysime kartu su amoraliais ir grubiais autoriais - poetais. .

Pjesių kūrimas ir vaidinimas buvo paskelbtas nuodėminga veikla; lankymasis teatre buvo ryžtingai pasmerktas ir laikomas žalingu bei žalingu veiksmu. Į valdžią atėjus puritonams, Anglijoje buvo uždrausti teatro pasirodymai. 1642 m. rugsėjo 2 d. Anglijos parlamentas uždarė teatrus ir uždraudė visus spektaklius, teigdamas, kad reginiai „dažnai išreiškia nežabotą linksmumą ir lengvabūdiškumą“, o mintis reikia nukreipti į „atgailą, susitaikymą ir atsigręžimą į Dievą“. Po penkerių metų Parlamentas patvirtino šią rezoliuciją, dabar griežtesnėmis sąlygomis ir liepia nepaklusnius asmenis (aktorius) pasodinti į kalėjimą kaip nusikaltėlius. Kultūra išgyveno ūmią krizę. Bažnyčia ilgai ir stipriai kovojo su teatriniais reginiais. „Teatrai pilni, bet bažnyčios tuščios“, – skundžiasi puritonų kunigai. Teatre „viešpatauja laisvi gestai, palaidos kalbos, juokas ir pašaipa, bučiniai, apkabinimai ir nekuklūs žvilgsniai“, – piktinasi dvasininkai. „Ten pažeidžiamas Dievo žodis ir išniekinama mūsų valstybėje įsitvirtinusi dieviškoji religija“, – sako meras.

XVII amžiaus teatras Anglijos puritonų buržuazijai buvo pristatytas kaip palaidumo ir ištvirkimo teatras, teatras, tenkinantis aristokratų skonį ir gadinantis paprastus žmones.

Buvo ir gynėjų. Dramaturgas Thomas Nashas 1592 m. rašė, kad pjesių siužetai yra pasiskolinti iš anglų kronikų, didieji protėvių darbai iškeliami iš „užmaršties kapo“, ir taip paskelbiamas „išsigimusio ir išlepinto modernumo“ pasmerkimas. kad pjesėse „išardomas išoriniu šventumu paauksuotas melas“.

Kultūros bruožus lėmė buržuazinės revoliucijos įvykiai. Klasiniai prieštaravimai tarp buržuazijos ir stambių žemvaldžių paaštrėjo, buržuazinės respublikos vyriausybei vadovavo Oliveris Kromvelis, tada buvo atkurta Stiuartų monarchija.

Į valdžią grįžę Stiuartai vėl atidarė teatrus 1660 m., o puiki, bet amorali Atkūrimo epochos komedija, tarytum, patvirtino Cromwello bendražygių neigiamą teatro vertinimą.

Po perversmo į valdžią atėjo Viljamas III iš Oranžo. Populiarus judėjimas išaugo.

Vilhelmas III teatrų neuždarė, tačiau 2001-01-01 dekretu griežtai įspėjo aktorius, kad „jei jie ir toliau vaidins pjeses, kuriose yra religijai ir padorumui prieštaraujančių posakių, o scenoje leidžiama piktžodžiauti ir amoralumą, tada už tai jie turi atsakyti savo galva.

Tais pačiais 1698 metais labai spalvingu pavadinimu buvo paskelbtas traktatas, kurio autorius buvo puritonų teologas Jeremy Collier. Trumpa apžvalga angliškos scenos amoralumas ir nepadorumas. Teologas griežtai pasmerkė egzistuojančią teatro praktiką. Jis rašė, kad scenoje buvo pyktis ir pyktis. „Kraujas ir barbarizmas beveik sudievinti“, kad „iškreipta garbės samprata, žeminami krikščioniški principai“, kad „velniai ir herojai iš to paties metalo“, reikalavo radikalios teatrų pertvarkos, paverčiant juos į dorybės, gerų manierų ir padorumo mokykla: „Pjesių tikslas – skatinti dorybę ir atskleisti ydas, parodyti žmogaus didybės trapumą, staigias likimo peripetijas ir žalingas smurto bei neteisybės pasekmes.

Anglijos buržuazija nebenorėjo teatrų uždarymo, kaip buvo anksčiau, o jų pritaikymo klasės poreikiams. Nors 1688 m. „šlovingoji revoliucija“ atnešė buržuazijos ir naujosios bajorijos sąjungą, priešiškumas vis tiek išliko. Dvarininkų pozicijos tebebuvo tvirtos, nors aristokratai ir pakluso reikalų būklei, jie anaiptol nebuvo visiškai susitaikę. Išpuolių prieš aristokratiją pasigirsdavo ir teatro pasirodymuose.

1713 m. Džozefas Addisonas (1672-1719) Anglijos scenoje bandė įtvirtinti klasikinę tragediją.

Šiuo metu pasirodė naujas žanras - drama, tačiau komedija nenorėjo užleisti savo pozicijų. Gausiai ašaras „The London Merchant“ pasirodymuose braukusiems ir siaubo niūriame spektaklio finale apimtiems žiūrovams karts nuo karto norėjosi nusijuokti. Tokią galimybę jiems suteikė Fieldingas, vėliau – Oliveris Goldsmithas ir Richardas Brinsley Sheridanas.

Goldsmithas norėjo atgaivinti Šekspyro ir Beno Jonsono „gėjų komediją“. Savo traktate „Esė apie teatrą, arba Jolly ir palyginimas“. sentimentali komedija“(1733) apie tai kalbėjo tiesiai ir nemoralizuodamas, be didelio tendencingumo parašė keletą komedijų, linksmai tyčiodamasis iš lengvai apgaunamų jaunuolių nepatyrimo. Pjesėse gausu juokingų klaidų, veikėjai pavaizduoti gana natūraliai.

Tačiau didžiausią pėdsaką šio laikotarpio anglų dramos istorijoje paliko Richardas Brinsley Sheridanas (1751-1816). Jis rašė trumpai. Visos jo geriausios pjesės buvo sukurtos per penkerius metus. Jo teatro gaisras Drury Lane davė paskutinį smūgį rašytojui.

Klasicizmas savo klasikine forma Anglijoje negalėjo rasti tvirto pagrindo. Tam buvo dvi priežastys: politinė šalies būklė ir Šekspyro teatro autoritetas.

Kalbant apie Šekspyrą, jis taip nustelbė antikinės dramos laimėjimus, kad po jo buvo tiesiog neįsivaizduojama visiškai pasikliauti senovės graikų autorių pavyzdžiu. Teatre dirbę anglų dramaturgai negalėjo taip besąlygiškai sekti Aischilu, Sofokliu ir Euripidu, kaip tai darė jų kolegos prancūzai. Prieš juos buvo Šekspyro pavyzdys, kuris dirbo pagal visiškai kitokią sistemą ir pasiekė precedento neturinčių rezultatų.

1644 m. buvo nugriautas Shakespeare'o Globe teatras, atstatytas po 1613 m. gaisro, 1649 m. - Fortūnos ir Phoenix teatrai, 1655 m. - Blackfriars. Pasak anoniminio XVII a. autoriaus (Historia histrionica), aktoriai išsibarstė po šalį, pateko į kareivius, dingo be žinios.

1643 m. aktoriai surašė jaudinantį anoniminį dokumentą: skundą dėl jų profesijos slopinimo. „Mes kreipiamės į tave, didysis Febai, ir į tave, devynias seseris – mūzas, proto globėjas ir mūsų gynėjus, vargšus pažemintus veikėjus“, – rašė jie. „Jei jūsų visagalio įsikišimo pagalba galėtume vėl būti įrengti savo buvusiuose teatruose ir vėl grįžti prie savo profesijos...“ Aktoriai rašė, kad jų vaidinamos komedijos ir tragedijos buvo“ gyva žmonių veiksmų atgaminimas “, kad už ydą juose buvo baudžiama, o už dorybę buvo atlyginta, kad „angliška kalba buvo išreikšta teisingiausiai ir natūraliausiai“. Febas ir devynios seserys – mūzos, meno globėjos, neatsakė. Teatras patyrė nepataisomą žalą.

Didžiausias XVII amžiaus anglų poetas Johnas Miltonas nepritarė neigiamam puritonų požiūriui į teatro pasirodymus. Miltonas ypač ryžtingai pasisakė prieš dramaturgus ir atkūrimo epochos teatrą, kuris turėjo pabrėžtinai linksmą charakterį. Miltonas laikė tragediją pagrindiniu dramos meno dalyku, klasikiniai raštai senovės graikų menas. Juos mėgdžiodamas įvedė chorą, komentuojantį tai, kas vyksta, ir nustatė laiko vienybę: tragedijos įvykių trukmė neviršija 24 valandų. Griežtai išlaikoma vietos ir veiksmo vienovė.

Atkūrimo laikotarpis

Netrukus po Kromvelio mirties Anglijoje prasidėjo atkūrimo laikotarpis.

Buvo panaikinti puritonų įvesti draudimai teatro pasirodymams ir įvairioms pramogoms. Teatrai buvo vėl atidaryti, tačiau jie labai skyrėsi nuo XVI–XVII a. pradžios anglų teatro. išorinis dizainas, ir pjesių pobūdį. Scenoje buvo panaudotos turtingos dekoracijos ir nuostabūs kostiumai.

Ypatingo pasisekimo sulaukė Williamo Wycherley (1640-1716) ir Williamo Congreve'o (1670-1729) komedijos.

Anglijos teatrai „Drury Lane“ ir „Covent Garden“

Dabar aplankykime Londono teatrus. 1663 m. Londone buvo pastatytas Drury Lane teatras, kuris gavo teisę į monopolį renkantis repertuarą. 1732 m. pasirodė kitas didelis teatras - Covent Garden. Londono teatruose buvo mažai tvarkos. Į žiūrovų salę įsiveržusi publika puolė tiesiai į priekį prekystalių suoliukais, kad įsitaisytų vietas arčiau scenos. Kartkartėmis kildavo savotiškos „teatrinės riaušės“ – publika, nepatenkinta pasirodymu, kainų kilimu, bet kuris atlikėjas, užgoždavo aktorių balsus, mėtydavo juos vaisiais, kartais išlėkdavo į sceną.

Šiame siautulingame XVIII amžiaus Londone aktoriai stengėsi elgtis dorai ir kalbėti saikingu balsu. Tačiau anglų klasicizmas nebuvo išbaigtas, vientisas – jį nuolat „koregavo“ iš Šekspyro atėjusi realistinė tradicija.

Aktorius Thomas Bettertonas (1635–1710) atliko Hamleto vaidmenį taip, kaip kadaise jį vaidino Burbage'as, gavęs nurodymus iš paties Šekspyro. Aktorius Jamesas Quinnas (1693 - 1766), britams atrodęs pernelyg klasicistinis, Falstafo vaidmenį atliko gana tikroviškai. 1741 m. Charlesas Macleanas (1697-1797) realistiškai suvaidino Shylocką Šekspyro filme „Venecijos pirklys“. Tais pačiais metais Ričardo III vaidmenį atliko Davidas Garrickas (1717 - 1779), tapęs svarbiausiu XVIII amžiaus aktoriumi realistu. Garrickas vienodai gerai atliko komiškus ir tragiškus vaidmenis. Kaip mimikas Garrickas nežinojo lygių. Jo veidas galėjo nuosekliai vaizduoti visus jausmų atspalvius ir perėjimus. Jis mokėjo būti juokingas, apgailėtinas, didingas, baisus. Garrickas buvo labai protingas aktorius, turintis gausiai išvystytą ir tikslią techniką, o kartu ir jausmų aktorius. Kartą, vaidindamas karalių Lyrą Šekspyro tragedijoje, Garrickas taip susižavėjo, kad nusiplėšė peruką ir numetė jį į šalį.

Garrickas daugelį metų vadovavo Drury Lane teatrui, kur subūrė nuostabią kompaniją ir pastatė 25 Šekspyro pjeses. Iki jo niekas taip sąžiningai ir atkakliai nedirbo statydamas Šekspyro pjeses. Po Garricko jie išmoko vertinti Šekspyrą daug labiau nei anksčiau. Šio aktoriaus šlovė griaudėjo visoje Europoje.

Kūrybiškumas Garrickas apibendrino XVIII amžiaus teatro raidą - nuo klasicizmo iki realizmo.

18-ojo amžiaus

Apšvietos amžius

XVIII amžiuje prasidėjo pereinamasis laikotarpis, kurio kulminacija buvo Prancūzijos buržuazinė revoliucija. Vystosi išsivadavimo judėjimas, reikėjo sugriauti feodalizmą ir pakeisti jį kapitalizmu.

Anglų literatūra

Audringa era atgaivino demokratinės kultūros suklestėjimą, įskaitant teatro kūryba.

DIV_ADBLOCK660">

20 amžiaus

1945 – dabar

Po Antrojo pasaulinio karo, susiformavus pasaulinei socialistinės santvarkai ir augant tautų nacionaliniam išsivadavimo karui, Britų imperijos žlugimas tapo neišvengiamas ir natūralus. Teatrai reprezentuoja audringus, vandens takoskyros įvykius ir socialinius sukrėtimus.

Pirmaisiais metais po Antrojo pasaulinio karo populiariausias Anglijos rašytojas buvo Johnas Boyntonas Priestley. Jis parašė daugiau nei keturiasdešimt pjesių. Reikšmingiausi iš jų – „Pavojingas kampas“ (Dangerous Corner, 1932), „Laikas ir Conway šeima“ („Laikas“). ir Conways, 1937).

Priestley pjesėse apčiuopiama Čechovo dramaturgijos įtaka. Priestley stengiasi perteikti kasdienybės dramą, parodyti gyvenimą su visais pustoniais, atskleisti ne tik pagrindinių, bet ir antraeilių veikėjų charakterius.

Johno Osborne'o (1929) pjesės suvaidino svarbų vaidmenį anglų kultūroje. Johno Osborne'o pjesės šeštajame dešimtmetyje paskatino anglų dramos raidos pakilimą.

1956 metais Karališkajame rūmų teatre buvo pastatyta Johno Osborne'o pjesė „Žvilgsnis atgal į pyktį“, kuri sulaukė didžiulės sėkmės. Dramaturgas labai taikliai perteikė to meto Anglijos jaunimo nuotaikas. Į sceną įžengė Jimmy Porteris – jaunasis „piktas“ herojus, kaip jį vadino kritikai. Šis jaunuolis iš apačios, kuris padarė savo kelią į priešišką socialinė aplinka, menkai įsivaizdavo, kas yra vertas egzistavimas. Jis paėmė ginklus, negailėdamas jėgų, prieš esamą moralinės vertybės, tradicinis visuomenės gyvenimo būdas, iš dalies prieš socialinius įstatymus. Tie patys bruožai išskiria kai kuriuos šiuolaikinius ir istorinius veikėjus Johno Ardeno, Sheilos Delaney ir kitų pjesėse.

Progresyvių aktorių ir režisierių gebėjimai kai kuriose šalyse tobulinami remiantis klasikine dramos medžiaga, geriausiais realistinės literatūros pavyzdžiais. Jie naudoja klasiką, kad iškeltų aktualias šiuolaikines problemas. Anglų aktorius Laurence'as Olivier Otelo pavidalu perteikė piktą protestą prieš besiformuojančią buržuazinę civilizaciją. Hamletas padėjo Paului Scofieldui išreikšti liūdnas ir sunkias jaunos pokario Europos intelektualų kartos mintis, kurios jautė atsakomybę už nusikaltimus pasaulyje.

Anglų režisieriaus Peterio Brooko Šekspyro pjesių pastatymai sulaukia pelnytos publikos sėkmės.

Pastarųjų laikų teatro menas pasižymi daugybe mažų profesionalių, pusiau profesionalių ir neprofesionalių trupių, klaidžiojančių iš vienos vietovės į kitą; studentų teatrų atgaivinimas; stiprėjantis aktorių ir režisierių protestas prieš meno komerciją. Jaunimas dažnai naudoja sceną aštrioms politinėms diskusijoms. Teatras išeina į gatves, kur vaidinami pusiau improvizaciniai spektakliai.

Beveik kiekvienas teatrinės kūrybos reiškinys Anglijoje yra persmelktas žiaurių vidinių prieštaravimų, kupinas priešingų ideologinių ir estetinių tendencijų susidūrimo.

Johnas Osborne'as yra teatro, kritikuojančio socialinę santvarką kapitalistiniame pasaulyje, šalininkas, o tai yra įtikinamiausias to meto ginklas.

Johno Osborne'o pjesės nulėmė anglų dramos raidą septintajame dešimtmetyje.

Išskirtinio anglo-airių dramaturgo Seano O'Casey dramaturgijos originalumą lemia ryšys su airių folkloro tradicija. Jo pjesėms būdingas keistas tragiško ir

Laurence'as Olivier kaip Richardas III

„Ričardas III“ W. Shakespeare'as

komiška, tikra ir fantastiška, kasdieniška ir apgailėtina. O'Casey dramose naudojami ekspresionistinio teatro susitarimai.

Liaudies teatrų judėjimas, siekiantis daugiausia švietėjiškų tikslų, apėmė visą Europą. Anglijoje „Workshop Theatre“ iškilo ir pelnė didelę šlovę vadovaujant Joan Littlewood.