Pasaulio teatrų baleto trupių pavadinimas. Trumpa baleto istorija
Leidinių skyrius Teatrai
Įžymūs rusų baletai. Top 5
Klasikinis baletas – nuostabi meno forma, gimusi Italijoje brandžiojo Renesanso laikotarpiu, „persikėlusi“ į Prancūziją, kur jos plėtros nuopelnas, įskaitant Šokio akademijos įkūrimą ir daugelio judesių kodifikavimą, priklausė karaliui Liudvikui XIV. . Prancūzija eksportavo teatro šokio meną į visas Europos šalis, įskaitant Rusiją. XIX amžiaus viduryje Europos baleto sostine tapo nebe Paryžius, pasauliui padovanojęs romantizmo šedevrus La Sylphide ir Žizel, o Peterburgas. Būtent Šiaurės sostinėje beveik 60 metų dirbo puikus choreografas Marius Petipa, klasikinio šokio sistemos kūrėjas ir iki šiol scenos nepaliekančių šedevrų autorius. Po Spalio revoliucijos baletą norėjosi išmesti iš modernumo laivo, bet pavyko jį apginti. sovietinis laikas buvo pažymėta daugybės šedevrų sukūrimu. Pristatome penkis geriausius šalies baletus – chronologine tvarka.
"Don Kichotas"
Scena iš baleto „Don Kichotas“. Vienas pirmųjų Mariaus Petipos pastatymų
L.F. baleto premjera. Minkaus „Don Kichotas“ Didžiajame teatre. 1869 m Iš architekto Alberto Kavoso albumo
Scenos iš baleto „Don Kichotas“. Kitri - Lyubov Roslavleva (centre). Pastatymas A.A. Gorskis. Maskva, Didysis teatras. 1900 m
Muzika L. Minkaus, libretas M. Petipa. Pirmasis pastatymas: Maskva, Didysis teatras, 1869 m., choreografija M. Petipa. Vėlesni pastatymai: Sankt Peterburgas, Mariinskio teatras, 1871, M. Petipos choreografija; Maskva, Didysis teatras, 1900, Sankt Peterburgas, Mariinskio teatras, 1902, Maskva, Didysis teatras, 1906, visi - A. Gorskio choreografija.
Baletas „Don Kichotas“ – tai gyvybės ir džiūgavimo kupinas teatralizuotas spektaklis, amžina šokio šventė, kuri nepavargina suaugusiųjų ir į kurią su malonumu tėvai veda savo vaikus. Nors jis vadinamas herojaus vardu garsus romanas Cervantesas, bet atstumtas iš vieno iš savo epizodų „Kviterijos ir Bazilijo vestuvės“ ir pasakoja apie jaunų herojų nuotykius, kurių meilė galiausiai laimi, nepaisant herojės užsispyrusio tėvo, norėjusio ją išvesti už turtuolio, pasipriešinimo. Gamache.
Taigi Don Kichotas beveik neturi nieko bendra su juo. Visą spektaklį aukštas, lieknas artistas, lydimas žemo ūgio, pilvo turinčio kolegos, vaizduojančio Sančą Panzą, žingsniuoja aplink sceną, kartais apsunkindamas žiūrėti gražius Petipos ir Gorskio šokius. Baletas iš esmės yra kostiumų koncertas, klasikinio ir charakteringojo šokio šventė, kurioje visi bet kurios baleto trupės artistai turi ką veikti.
Pirmasis baleto pastatymas įvyko Maskvoje, kur Petipa retkarčiais keliaudavo, kad pakeltų vietinės trupės lygį, kurio negalima palyginti su nuostabia Mariinskio teatro trupe. Tačiau Maskvoje buvo lengviau kvėpuoti, todėl choreografas iš esmės pastatė baleto prisiminimus apie nuostabių metų jaunystė praleido saulėtoje šalyje.
Baletas buvo sėkmingas, o po dvejų metų Petipa perkėlė jį į Sankt Peterburgą, todėl reikėjo perdirbti. Ten charakteriniai šokiai domėjosi daug mažiau nei gryna klasika. Petipa išplėtė „Don Kichotą“ iki penkių veiksmų, sukūrė „baltąjį aktą“, vadinamąjį „Don Kichoto sapną“, tikrą rojų balerinų mylėtojams, gražių kojų savininkams. Kupidonų skaičius „Sapne“ pasiekė penkiasdešimt du...
„Don Kichotas“ pas mus atkeliavo Maskvos choreografo Aleksandro Gorskio perdirbinyje, kuris pamėgo Konstantino Stanislavskio idėjas ir norėjo, kad senasis baletas būtų logiškesnis ir dramatiškai įtikinamesnis. Gorskis sunaikino simetriškas Petipos kompozicijas, atšaukė tutus „Svajonės“ scenoje ir primygtinai reikalavo, kad ispanų šokėjams būtų naudojamas blankus makiažas. Petipa pavadino jį „kiauliu“, tačiau jau pirmajame Gorskio pakeitime baletas Didžiojo teatro scenoje buvo rodomas 225 kartus.
"Gulbių ežeras"
Pirmojo spektaklio dekoracijos. Didelis teatras. Maskva. 1877 m
Scena iš baleto Gulbių ežeras» P.I. Čaikovskis (choreografai Marius Petipa ir Levas Ivanovas). 1895 m
P. Čaikovskio muzika, V. Begičevo ir V. Geltserio libretas. Pirmasis pastatymas: Maskva, Didysis teatras, 1877, V. Reisingerio choreografija. Tolesnis pastatymas: Sankt Peterburgas, Mariinsky teatras, 1895, choreografija M. Petipa, L. Ivanovas.
Visų mėgstamas baletas, kurio klasikinė versija buvo pastatyta 1895 m., iš tikrųjų gimė aštuoniolika metų anksčiau Maskvos Didžiajame teatre. Čaikovskio, kurio pasaulinė šlovė dar laukė, partitūra buvo savotiškas „dainų be žodžių“ rinkinys ir tuo metu atrodė pernelyg sudėtingas. Baletas vyko apie 40 kartų ir nugrimzdo į užmarštį.
Po Čaikovskio mirties „Gulbių ežeras“ buvo pastatytas Mariinskio teatre, o visi vėlesni baleto pastatymai buvo sukurti pagal šią klasika tapusią versiją. Veiksmui buvo suteiktas didžiulis aiškumas ir logika: baletas pasakojo apie gražuolės princesės Odetos, piktojo genijaus Rotbarto valia paverstos gulbe, likimą, apie tai, kaip Rotbartas apgavo ją įsimylėjusį princą Siegfriedą, griebiasi savo dukters Odilės kerų ir apie herojų mirtį. P. Čaikovskio partitūrą maždaug trečdaliu sumažino dirigentas Ricardo Drigo ir reorkestravo. Petipa kūrė choreografiją pirmajam ir trečiajam veiksmui, Levas Ivanovas – antram ir ketvirtam. Šis išsiskyrimas idealiai atitiko abiejų genialių choreografų, kurių antrasis turėjo gyventi ir mirti pirmojo šešėlyje, pašaukimą. Petipa – klasikinio baleto tėvas, nepriekaištingai darnių kompozicijų kūrėjas ir moters-fėjos, moters-žaislo dainininkas. Ivanovas yra novatoriškas choreografas, neįprastai jautrus muzikai. Odette-Odile vaidmenį atliko Pierina Legnani, „Milano balerinų karalienė“, ji taip pat yra pirmoji Raymonda ir 32 „fouette“ išradėja – sunkiausias sukimosi būdas ant puantų batų.
Galbūt jūs nieko nežinote apie baletą, bet „Gulbių ežeras“ yra žinomas visiems. Paskutiniais gyvavimo metais Sovietų Sąjunga, kai senyvo amžiaus lyderiai gana dažnai keisdavo vienas kitą, liūdną įvykį skelbė nuoširdi pagrindinių baleto veikėjų „balto“ dueto melodija ir sparnų pliūpsniai iš televizoriaus ekrano. Japonai taip mėgsta „Gulbių ežerą“, kad yra pasiruošę jį žiūrėti ryte ir vakare, atliekamą bet kurios trupės. Nei viena gastroliuojanti trupė, kurių Rusijoje, o ypač Maskvoje, yra daug, neapsieina be Lebedinojaus.
"Spragtukas"
Scena iš baleto „Spragtukas“. Pirmas pastatymas. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasilijus Stukolkinas. Mariinskio operos teatras. 1892 m
Scena iš baleto „Spragtukas“. Pirmas pastatymas. Mariinskio operos teatras. 1892 m
Muzika P. Čaikovskio, libretas M. Petipa. Pirmasis pastatymas: Sankt Peterburgas, Mariinskio teatras, 1892, choreografija L. Ivanovas.
Iš knygų ir interneto svetainių vis dar sklando klaidinga informacija, kad „Spragtuką“ pastatė klasikinio baleto tėvas Marius Petipa. Tiesą sakant, Petipa parašė tik scenarijų, o pirmąjį baleto pastatymą atliko jo pavaldinys Levas Ivanovas. Ivanovui teko neįgyvendinama užduotis: scenarijus, sukurtas tuo metu madingo baleto ekstravagancijos stiliumi, būtinai dalyvaujant italų kviestiniam atlikėjui, akivaizdžiai prieštaravo Čaikovskio muzikai, kuri, nors ir parašyta griežtai laikantis Petipos nurodymų, pasižymėjo puikiu jausmu, dramatišku turtingumu ir sudėtinga simfonine raida. Be to, baleto herojė buvo paauglė, o balerina-žvaigždė buvo paruošta tik finaliniam pas de deux (duetui su partneriu, kurį sudaro adagio - lėta dalis, variacijos - solo šokiai ir coda (virtuozinis finalas)). Pirmasis „Spragtuko“ pastatymas, kur pirmasis, daugiausia pantomimos veiksmas, smarkiai skyrėsi nuo antrojo, divertismento, nebuvo labai sėkmingas, kritikai atkreipė dėmesį tik į „Snaigių valsą“ (jame dalyvavo 64 šokėjai) ir „Pas de“. „Deux of the Dragee Fairy“ ir „Kokliušo princas“, kurį įkvėpė Ivanovo „Adagio su rože iš Miegančiosios gražuolės“, kur Aurora šoka su keturiais džentelmenais.
Tačiau XX amžiuje, kuris sugebėjo prasiskverbti į Čaikovskio muzikos gelmes, Spragtukui buvo lemta išties fantastiška ateitis. Sovietų Sąjungoje, Europos šalyse ir JAV vyksta begalė baleto spektaklių. Rusijoje ypač populiarūs Vasilijaus Vainoneno pastatymai Leningrado valstybiniame akademiniame operos ir baleto teatre (dabar – Sankt Peterburgo Mariinskio teatras) ir Jurijaus Grigorovičiaus pastatymai Maskvos Didžiajame teatre.
"Romeo Ir Džiulieta"
Baletas Romeo ir Džuljeta. Džuljeta – Galina Ulanova, Romeo – Konstantinas Sergejevas. 1939 m
Ponia Patrick Campbeple kaip Džuljeta Šekspyro „Romeo ir Džuljetoje“. 1895 m
„Romeo ir Džuljetos“ finalas. 1940 m
Muzika S. Prokofjevo, libretas S. Radlovo, A. Piotrovskio, L. Lavrovskio. Pirmasis pastatymas: Brno, Operos ir baleto teatras, 1938, choreografija V. Psota. Tolesnis pastatymas: Leningradas, Valstybinis akademinis operos ir baleto teatras. S. Kirovas, 1940, L. Lavrovskio choreografija.
Jei Šekspyro frazė gerai žinomame rusų kalbos vertime skamba „Pasaulyje nėra liūdnesnės istorijos už Romeo ir Džuljetos istoriją“, tada jie pasakė apie didžiojo Sergejaus Prokofjevo baletą, parašytą šiame siužete: „Pasaulyje nėra liūdnesnės istorijos už Prokofjevo muziką balete“. Išties nuostabaus grožio, spalvų turtingumo ir išraiškingumo „Romeo ir Džuljetos“ partitūra savo pasirodymo metu atrodė pernelyg sudėtinga ir netinkama baletui. Baleto šokėjai tiesiog atsisakė jai šokti.
Prokofjevas parašė partitūrą 1934 m. ir iš pradžių ji buvo skirta ne teatrui, o garsiajai Leningrado akademinei choreografinei mokyklai švęsti 200 metų jubiliejų. Projektas nebuvo įgyvendintas dėl Sergejaus Kirovo nužudymo Leningrade 1934 m., o pokyčiai įvyko pirmaujančiame antrosios sostinės muzikiniame teatre. Taip pat nebuvo įgyvendintas planas pastatyti „Romeo ir Džuljetą“ Maskvos Didžiajame teatre. 1938 metais premjerą parodė Brno teatras, o tik po dvejų metų Prokofjevo baletas pagaliau buvo pastatytas autoriaus tėvynėje – tuometiniame Kirovo teatre.
Choreografas Leonidas Lavrovskis „drambaleto“ žanro (XX amžiaus 3–50-ųjų baletui būdingos choreografinės dramos formos), itin sutikto sovietų valdžios, rėmuose sukūrė įspūdingą, jaudinantį reginį su kruopščiai išraižytomis masinėmis scenomis ir dailiai. apibrėžtos psichologinės veikėjų savybės. Jo žinioje buvo Galina Ulanova, labiausiai rafinuota balerina-aktorė, kuri liko nepralenkiama Džuljetos vaidmenyje.
Prokofjevo partitūra greitai buvo įvertinta Vakarų choreografų. Pirmosios baleto versijos pasirodė jau 1940 m. Jų kūrėjos buvo Birgit Kuhlberg (Stokholmas, 1944) ir Margarita Froman (Zagrebas, 1949). Garsūs „Romeo ir Džuljetos“ pastatymai priklauso Frederickui Ashtonui (Kopenhaga, 1955), Johnui Cranko (Milanas, 1958), Kennethui MacMillanui (Londonas, 1965), Johnui Neumeieriui (Frankfurtas, 1971, Hamburgas, 1973).I. Moisejevas, 1958, choreografija Y. Grigorovich, 1968 m.
Be „Spartako“ „sovietinio baleto“ koncepcija neįsivaizduojama. Tai tikras hitas, eros simbolis. sovietinis laikotarpis plėtojo kitas temas ir įvaizdžius, stipriai besiskiriančius nuo tradicinio klasikinio baleto, paveldėto iš Mariaus Petipos bei Maskvos ir Sankt Peterburgo imperatoriškųjų teatrų. Pasakos su laiminga pabaiga buvo archyvuojami, o juos pakeitė herojiškos istorijos.
Jau 1941 m. vienas žymiausių sovietų kompozitorių Aramas Chačaturianas kalbėjo apie savo ketinimą parašyti muziką monumentaliam, herojiškam spektakliui, kuris bus pastatytas Didžiajame teatre. Jo tema buvo epizodas iš senovės Romos istorijos, Spartako vadovaujamo vergų sukilimo. Chačaturianas sukūrė spalvingą partitūrą naudodamas armėnų, gruzinų, rusų motyvus, kupiną gražių melodijų ir ugningų ritmų. Pastatymą turėjo pastatyti Igoris Moisejevas.
Prireikė daug metų, kol jo kūryba pasirodė žiūrovams, ir ji pasirodė ne Didžiajame, o teatre. Kirovas. Choreografas Leonidas Yakobsonas sukūrė stulbinantį ir novatorišką spektaklį, atsisakęs tradicinių klasikinio baleto atributų, įskaitant puantų šokius, naudodamas laisvą plastiką ir balerinas su basutėmis.
Tačiau baletas „Spartakas“ choreografo Jurijaus Grigorovičiaus rankose 1968 metais tapo hitu ir eros simboliu. Grigorovičius sužavėjo žiūrovą visiškai pastatyta dramaturgija, subtiliu pagrindinių veikėjų personažų vaizdavimu, sumaniu minios scenų inscenizavimu, lyrinių adagio grynumu ir grožiu. Savo kūrinį jis pavadino „spektakliu keturiems solistams su corps de balet“ (corps de balet – artistai, dalyvaujantys masinio šokio epizoduose). Vladimiras Vasiljevas atliko Spartako vaidmenį, Crassus - Maris Liepa, Frygia - Jekaterina Maksimova ir Aegina - Nina Timofejeva. Card de balet daugiausia buvo vyriškos lyties, todėl baletas „Spartakas“ yra unikalus.
Be gerai žinomų Jakobsono ir Grigorovičiaus „Spartako“ skaitymų, yra dar apie 20 baleto pastatymų. Tarp jų – Jiri Blazeko versija Prahos baletui, Laszlo Serega Budapešto baletui (1968), Jüri Vamos Veronos arenai (1999), Renato Zanella Vienos valstybinės operos baletui (2002), Natalijos Kasatkinos ir Vladimiro versija. Vassiljevas Valstybiniam akademiniam teatrui režisuoja klasikinį baletą Maskvoje (2002).
Bilietus į pasaulinio garso teatro spektaklius reikia užsisakyti gerokai iš anksto. Pabandykime išsiaiškinti, kaip šios atrakcijos pritraukia teatro lankytojus iš viso pasaulio ir kiek kainuoja bilietas geriausias teatras ramybė.
Žinoma, šiame sąraše aiškiai trūksta Didžiojo ar Mariinskio teatrų, tačiau nusprendėme atskirą straipsnį skirti garsiausiems Rusijos teatrams.
Žymiausi pasaulio teatrai
Europos sostinėse gyvenimas verda. Paryžius, Londonas, Milanas – čia plūsta ne tik fashionistai ir turistai su fotoaparatais. Taip pat nudžiugins intelektualai – architektūros, teatro, operos, baleto ir muzikos žinovai.Kovent Gardeno teatras
LondonasDidžiosios Britanijos sostinėje gausu istoriją turinčių teatrų. Būtent Londono gaublio scenoje pirmą kartą buvo pastatytos Šekspyro pjesės. Tačiau nors dvi rekonstrukcijas išgyvenęs gaublys veikia ir šiandien, Karališkoji operos teatras Kovent Gardene, Karališkojo baleto ir Karališkosios operos namų scena, turi garsiausio Londono teatro statusą.
Modernus pastatas – jau trečias. 1732 m. teatras pirmą kartą atvėrė duris žiūrovams, atėjusiems pažiūrėti spektaklio „Svietiniai papročiai“ pagal Williamo Congreve'o pjesę. Po 76 metų Covent Garden pastatą sunaikino gaisras. Atsigauti prireikė 9 mėnesių. Vėl atidarytas teatras žiūrovus pradžiugino Makbetu. 1856 m. teatras vėl sudegė, bet po dvejų metų atgimė iš pelenų, kaip matome dabar.
Didelės apimties rekonstrukcija teatras vyko 1990 m. Dabar jos 4 aukštų salė talpina 2268 lankytojus. Bilietų kainos į Covent Garden teatrą svyruoja nuo £15 iki £135.
didžioji opera
ParyžiusGarsiausias Paryžiaus teatras yra Didžioji opera. 1669 m. Liudvikas XIV „davė leidimą“ įkurti operos teatrą poetui Pierre'ui Perrinui ir kompozitoriui Robertui Kamberiui. Bėgant amžiams teatras kelis kartus keitė pavadinimą ir vietą, kol 1862 metais atsidūrė IX Paryžiaus rajone, Charleso Garnier suprojektuotame pastate, kurį 1875 metais pastatė architektas Charlesas Garnier.
Teatro fasadas prabangus – jį puošia keturios skulptūros (dramos, muzikos, poezijos ir šokio personifikacijos), taip pat septynios arkos. Pastatą vainikuoja didingai šviečiantis kupolas.
Didžiosios operos scena matė vokiečių, italų ir prancūzų kompozitoriai. Būtent čia įvyko Stravinskio operos „Mavra“ premjera. Dabartinis jo pavadinimas yra Palais Garnier ir tai bene labiausiai lankomas teatras pasaulyje.
VenaAustrija yra daugelio klasikų gimtinė: Haydnas, Mocartas, Bethovenas, kurių muzika sudarė Vienos klasikinės muzikos mokyklos pagrindą. Galbūt todėl Vienos operą galima drąsiai vadinti garsiausiu operos teatru pasaulyje.
Operos teatras buvo pastatytas 1869 m. Atidarymą pažymėjo Mocarto opera „Don Džovanis“.
Kadangi teatro pastatas buvo pastatytas itin įprasto neorenesanso stiliumi, jis ne kartą sulaukė negailestingos kritikos – pastato fasadas Vienos gyventojams atrodė nuobodus, niekuo neišsiskiriantis.
Antra pasaulinis karas teatras buvo iš dalies sunaikintas, bet 1955 metais iškilmingai vėl atidarytas su Bethoveno opera „Fidelio“. Pagal spektaklių skaičių nė vienas kitas operos teatras negali lygintis su Vienos opera. Šiame Ringstrasse gatvėje esančiame pastate 285 dienas per metus statoma apie 60 operų. Kiekvienais metais, likus savaitei iki pirmosios gavėnios dienos, čia vyksta Vienos balius – renginys, įtrauktas į UNESCO saugomų nematerialių kultūros vertybių sąrašą.
La Scala
Milanas>Renesanso Italijoje gimė moderni opera. 1776 m. Milano architektui Giuseppe Piermarini patiko sklypas sunaikintos Santa Lucia della Scala bažnyčios vietoje. Ant jo buvo nuspręsta pastatyti operos teatrą, kuris galiausiai gavo pavadinimą iš savo „protėvio“.
Statydami pamatą po žeme jie rado marmurinę plokštę su senovės romėnų aktoriaus Pilado atvaizdu, kurį statybininkai paėmė kaip ženklą iš viršaus.
Pirmoji „La Scala“ opera buvo kompozitoriaus Antonio Salieri „Pripažinta Europa“. Būtent šiose sienose pirmą kartą suskambėjo Gavazzeni Gianandrea, Arturo Toscanini ir Riccardo Muti orkestrai.
Šiandien „La Scala“ teisėtai skaito vienas garsiausių pasaulio teatrų. Tai pirmasis po Milano katedros, kurį apžiūri į Milaną atvykę turistai.
Paskutinį kartą teatras buvo rekonstruotas 2000-ųjų pradžioje. Atidarymas įvyko 2004 m., o atnaujintoje scenoje vėl buvo parodyta Salieri opera „Atnaujinta Europa“.
Katalonijos muzikos rūmai
BarselonaGana jaunas (palyginti su ankstesniu) teatras – Katalonijos muzikos rūmai Barselonoje muzikos estetams duris atvėrė 1908 m. Barselona mėgsta Gaudi ispanišką Art Nouveau, todėl ir buvo nuspręsta pagrindinę šalies koncertų salę pastatyti tokiu pat stiliumi – bangos ir spiralės čia vyrauja virš tiesių linijų.
Rūmų fasadas primena, kad Ispanijoje Europos ir arabų kultūros kaip niekur kitur yra glaudžiai susipynusios.
Bet Pagrindinis bruožas koncertų salė- jo apšvietimas. Šviesa visiškai natūrali. Katalonų muzikos rūmų kupolas pagamintas iš spalvoto stiklo mozaikų. Lūžę saulės spinduliai sukuria neapsakomą efektą!
Sidnėjaus operos teatras
SidnėjusSidnėjaus operos teatras galbūt nėra pats lankomiausias pasaulyje, tačiau tai tikrai labiausiai atpažįstamas ir neįprastas teatras. Jos baltos bures primenančios sienos tapo vienu iš šiuolaikinių pasaulio stebuklų.
Iškilminga atidarymo ceremonija įvyko 1973 m. spalį, dalyvaujant karalienei Elžbietai II.
Visi žino, kaip Sidnėjaus teatras atrodo iš išorės, dabar pažiūrėkite, kaip jis atrodo viduje – koks žavus futurizmo ir gotikos derinys!
Bendras pastato plotas viršija du hektarus. Viduje rasite beveik tūkstantį kambarių, nes pastatas yra Australijos operos „būstinė“, Sidnėjus. simfoninis orkestras, Nacionalinis baletas ir Sidnėjaus teatro trupė.
Teatro apšvietimas sunaudoja energiją, palyginti su mažo Australijos miestelio elektros sąnaudomis.
Kabukiza
TokijasMes daug žinome apie Europos teatrus, bet kaip su teatru Rytuose? Kokios yra japonų savybės teatro kultūra?
Klasikinis japonų teatras scenoje sujungia dramą, muziką, šokį ir poeziją. Dekoracijos spektakliuose nesudėtingos, ko negalima pasakyti apie aktorių kaukes ir kimono. Spektaklio prasmė – kietas riešutėlis nepasiruošusiam žiūrovui, nepažįstančiam Japonijos kultūros ir nesugebančiam suprasti daugybės subtilių nuorodų į mitologiją, literatūrą ir istoriją.
Nepaisant to, Tokijo Kabuki-za teatrą dievina ne tik japonai, bet ir turistai – nė viena iš 1964-ųjų salėje dažniausiai nebūna tuščia. Bilietų kainos prasideda nuo 15 000 jenų (apie 8 000 rublių), o už papildomą mokestį žiūrovai gali įsigyti garso gidą, kuriame bus paaiškintos visos smulkmenos, kas vyksta.
„Radio City“ muzikos salė
NY1932 m. Manheteno širdyje pastatyta „Radio City Music Hall“ tapo viena mėgstamiausių niujorkiečių pramogų vietų. Spektakliai, miuziklai, spektakliai džiazo orkestrai, šviežių filmų premjeros – visa tai buvo galima pamatyti čia. Era pasikeitė, tačiau XX amžiaus Brodvėjaus miuziklų prašmatnumas ir spindesys vis tiek sužavės amerikiečius ir turistus.
Tradicinis kalėdinis miuziklas ypač populiarus.
„Radio City“ vienu metu gali priimti 6000 žmonių, todėl jo scenoje dažnai vyksta nacionaliniai renginiai, pavyzdžiui, „Grammy“ muzikos apdovanojimai.
Radijo rotušės pasididžiavimas – didžiuliai 4410 vamzdžių vargonai.
Semperio opera
DrezdenasJi yra Drezdeno nacionalinė opera arba Semperoper architekto Gottfriedo Semperio garbei. Pirmą kartą didingas neorenesansinis pastatas lankytojų sulaukė 1841 m. balandžio 12 d. Pirmasis iš šios scenos nuskambėjęs kūrinys buvo Gėtės pjesė „Ifigenija Tauryje“. Vėliau čia įvyko daugelio Richardo Wagnerio operų premjeros.
Atsiuntė copypaster, trečiadienį, 2007-08-15 - 01:11
Baletas yra gana jaunas menas. Jai kiek daugiau nei keturi šimtai metų, nors šokis žmogaus gyvenimą puošia nuo seno.
Baletas gimė Šiaurės Italijoje Renesanso laikais. Italijos kunigaikščiai mėgo didingas rūmų šventes, kuriose šokis užėmė svarbią vietą. Kaimo šokiai teismo damoms ir ponams netiko. Jų chalatai, kaip ir salės, kuriose jie šoko, neleido neorganizuotai judėti. Rūmų šokiuose tvarką stengėsi sutvarkyti specialūs mokytojai – šokių meistrai. Jie iš anksto su bajorais repetavo atskiras šokio figūras ir judesius, vadovavo šokėjų grupėms. Pamažu šokis tapo vis teatrališkesnis.Terminas „baletas“ atsirado XVI amžiaus pabaigoje (iš italų baleto – šokti). Bet tada tai reiškė ne spektaklį, o tik tam tikrą nuotaiką perteikiantį šokio epizodą. Tokie „baletai“ dažniausiai susideda iš mažai susijusių personažų – dažniausiai herojų – „išėjimų“. Graikų mitai. Po tokių „išėjimų“ prasidėjo bendras šokis – „didysis baletas“.
Pirmasis baleto spektaklis buvo Karalienės komedija, Prancūzijoje 1581 m. pastatyta italų choreografo Baltazarini di Belgiojoso. Tai buvo Prancūzijoje tolimesnis vystymas baletas. Iš pradžių tai buvo kaukių baletai, o vėliau pompastiški melodramatiški baletai riteriškais ir fantastiškais siužetais, kur šokio epizodus keitė vokalinės arijos ir eilėraščių deklamavimas. Nenustebkite, tuo metu baletas buvo ne tik šokio spektaklis.
Liudviko XIV valdymo metais kiemo baleto pasirodymai pasiekė ypatingą spindesį. Pats Luisas mėgo dalyvauti baletuose, o garsiąją „Saulės karaliaus“ pravardę gavo atlikęs Saulės vaidmenį „Nakties balete“.
1661 m. jis įkūrė Karališkąją muzikos ir šokių akademiją, kurioje dalyvavo 13 pirmaujančių šokių meistrų. Jų pareiga buvo išsaugoti šokio tradicijas. Akademijos direktorius, karališkųjų šokių mokytojas Pierre'as Beauchampas, išskyrė penkias pagrindines klasikinio šokio pozicijas.
Netrukus buvo atidaryta Paryžiaus opera, kurios choreografas buvo tas pats Beauchamp. Jam vadovaujant buvo suformuota baleto trupė. Iš pradžių ją sudarė tik vyrai. Moterys Paryžiaus operos scenoje pasirodė tik 1681 m.
Teatras statė kompozitoriaus Lully operas-baletus ir dramaturgo Molière'o komedijas-baletus. Iš pradžių juose dalyvaudavo dvariškiai, pasirodymai beveik nesiskyrė nuo rūmų spektaklių. Buvo šokami jau minėti lėtieji menuetai, gavotai, pavanai. Kaukės, sunkios suknelės ir aukštakulniai batai apsunkino moterims atlikti sudėtingus judesius. Todėl vyriški šokiai tuomet pasižymėjo didesne grakštumu ir grakštumu.
Iki XVIII amžiaus vidurio baletas įgijo didelį populiarumą Europoje. Visi aristokratiški Europos rūmai siekė imituoti Prancūzijos karališkojo dvaro prabangą. Miestuose atsidarė operos teatrai. Daugybė šokėjų ir šokių mokytojų nesunkiai susirado darbą.
Netrukus paveikė mados moteris baleto kostiumas tapo daug lengvesnis ir laisvesnis, po juo buvo spėjamos kūno linijos. Šokėjai atsisakė batų su kulnais, pakeisdami juos į lengvus batus be kulno. Vyriškas kostiumas taip pat tapo ne toks griozdiškas: iki kelių prigludę kelnaitės ir kojinės leido įžvelgti šokėjos figūrą.
Kiekviena naujovė šokius įprasmino, o šokio techniką – aukštesnę. Pamažu baletas atsiskyrė nuo operos ir virto savarankišku menu.
Nors prancūzų baleto mokykla garsėjo grakštumu ir plastika, tačiau pasižymėjo tam tikru šaltumu ir atlikimo formalumu. Todėl choreografai ir menininkai ieškojo kitų išraiškos priemonių.
XVIII amžiaus pabaigoje gimė nauja meno kryptis – romantizmas, turėjęs didelę įtaką baletui. Romantiškame balete šokėja stovėjo ant puantų batų. Pirmoji tai padarė Maria Taglioni, visiškai pakeitusi ankstesnes idėjas apie baletą. Balete „La Sylphide“ ji pasirodė kaip trapi būtybė iš požemio pasaulis. Sėkmė buvo stulbinanti.
Tuo metu pasirodė daug nuostabių baletų, bet, deja, romantiškasis baletas buvo paskutinis klestėjimo laikotarpis. šokio menas vakaruose. Nuo antrojo pusė XIX amžiaus baletas, praradęs ankstesnę prasmę, tapo operos priedu. Tik praėjusio amžiaus ketvirtajame dešimtmetyje, Rusijos baleto įtakoje, Europoje prasidėjo šios meno formos atgimimas.
Rusijoje pirmasis baleto spektaklis – „Orfėjo ir Euridikės baletas“ – buvo pastatytas 1673 metų vasario 8 dieną caro Aleksejaus Michailovičiaus dvare. Apeiginius ir lėtus šokius sudarė grakščių pozų, pasilenkimų ir judesių kaitaliojimas su dainavimu ir kalba. Nr reikšmingas vaidmuo jis negrojo sceninio šokio raidoje. Tai tebuvo eilinės karališkos „linksmybės“, kurios traukė savo neįprastumu ir naujumu.
Tik po ketvirčio amžiaus Petro I reformų dėka muzika ir šokis pateko į Rusijos visuomenės gyvenimą. Bajorų mokyklose buvo įvestas privalomas šokių mokymas. Teisme pradėjo koncertuoti iš užsienio paleisti muzikantai, operos artistai ir baleto trupės.
1738 m. buvo atidaryta pirmoji Rusijoje baleto mokykla, o po trejų metų 12 berniukų ir 12 mergaičių iš rūmų tarnų tapo pirmaisiais profesionaliais šokėjais Rusijoje. Iš pradžių jie vaidindavo užsienio meistrų baletuose kaip figūrantai (taip buvo vadinamas baleto šokėjų korpusas), vėliau – pagrindinėse partijose. Nepaprastas to meto šokėjas Timofejus Bublikovas sužibėjo ne tik Sankt Peterburge, bet ir Vienoje.
XIX amžiaus pradžioje rusų baleto menas pasiekė kūrybinę brandą. Rusų šokėjai į šokį įnešė išraiškingumo ir dvasingumo. Labai tiksliai tai jausdamas A. S. Puškinas savo amžininkės Avdotijos Istominos šokį pavadino „sielos kupinu skrydžiu“.
Tuo metu baletas užėmė privilegijuotą vietą tarp kitų teatro meno rūšių. Valdžia skyrė tam didelį dėmesį, teikė valstybės subsidijas. Maskvos ir Sankt Peterburgo baleto trupės vaidindavo puikiai įrengtuose teatruose, o teatro mokyklų absolventai kasmet papildydavo šokėjų, muzikantų ir dekoratorių kolektyvą.
Artūras Šv. Leonas
Mūsų baleto teatro istorijoje dažnai tenka susidurti su užsienio meistrų, suvaidinusių reikšmingą vaidmenį Rusijos baleto raidoje, pavardėmis. Visų pirma, tai Charlesas Didelotas, Arthuras Saint-Leonas ir Marius Petipa. Jie padėjo sukurti rusų baleto mokyklą. Tačiau talentingi rusų menininkai leido atskleisti ir savo mokytojų gabumus. Tai nuolat pritraukė didžiausius Europos choreografus į Maskvą ir Sankt Peterburgą. Niekur pasaulyje jie negalėjo sutikti tokios didelės, talentingos ir gerai apmokytos trupės kaip Rusijoje.
XIX amžiaus viduryje realizmas atėjo į rusų literatūrą ir meną. Choreografai karštligiškai, bet nesėkmingai stengėsi kurti realistiškus spektaklius. Jie neatsižvelgė į tai, kad baletas yra sąlyginis menas, o realizmas balete labai skiriasi nuo realizmo tapyboje ir literatūroje. Prasidėjo baleto meno krizė.
Naujas etapas rusų baleto istorijoje prasidėjo, kai didysis rusų kompozitorius P. Čaikovskis pirmą kartą sukūrė muziką baletui. Tai buvo Gulbių ežeras. Prieš tai baleto muzika nebuvo vertinama rimtai. Ji buvo laikoma prastesnis vaizdas muzikinė kūryba, tik šokių akompanimentas.
Čaikovskio dėka baleto muzika tapo rimtu menu kartu su opera ir simfonine muzika. Anksčiau muzika buvo visiškai priklausoma nuo šokio, dabar šokis turėjo paklusti muzikai. Reikėjo naujų išraiškos priemonių ir naujo požiūrio kuriant spektaklį.
Tolimesnė rusų baleto raida siejama su Maskvos choreografo A. Gorskio vardu, kuris, atsisakęs pasenusių pantomimos technikų, baleto spektaklyje panaudojo šiuolaikinės režisūros techniką. Dovanojimas didelę reikšmę vaizdingas spektaklio dizainas, jis pritraukė dirbti geriausius menininkus.
Tačiau tikrasis baleto meno reformatorius yra Michailas Fokinas, maištavęs prieš tradicinę statybą baleto spektaklis. Jis teigė, kad spektaklio tema, jo muzika, epocha, kurioje vyksta veiksmas, kiekvieną kartą reikalauja skirtingų šokio judesių, kitokio šokio modelio. Statydamas baletą „Egipto naktys“ Fokiną įkvėpė V. Bryusovo poezija ir senovės egiptiečių piešiniai, o baleto „Petruška“ įvaizdžius – A. Bloko poezija. Balete Daphnis ir Chloe jis atsisakė puantų šokių ir laisvais plastiniais judesiais atgaivino antikvarines freskas. Jo „Chopiniana“ atgaivino romantiško baleto atmosferą. Fokinas rašė, kad „svajoja sukurti baleto dramą iš baleto linksmybių, iš šokio – suprantamos, kalbančios kalbos“. Ir jam pavyko.
Anna Pavlova
1908 metais Paryžiuje prasidėjo kasmetiniai rusų baleto šokėjų pasirodymai, kuriuos organizavo teatro veikėjas S. P. Diaghilevas. Šokėjų iš Rusijos pavardės – Vaslavas Nijinskis, Tamara Karsavina, Adolfas Bolmas – išgarsėjo visame pasaulyje. Tačiau pirmoji šioje eilėje yra neprilygstamos Anos Pavlovos vardas.
Pavlova – lyriška, trapi, pailgomis kūno linijomis, didžiulėmis akimis – žadino graviūras, vaizduojančias romantiškas balerinas. Jos herojės perteikė grynai rusišką svajonę apie harmoningą, dvasingą gyvenimą arba ilgesį ir liūdesį dėl neišsipildžiusio. Didžiosios balerinos Pavlovos sukurta mirštanti gulbė yra poetinis XX amžiaus pradžios rusų baleto simbolis.
Būtent tada, Rusijos menininkų įtakoje, Vakarų baletas supurtė save ir įgavo antrą vėją.
Po 1917 m. spalio revoliucijos daugelis baleto teatro veikėjų paliko Rusiją, tačiau nepaisant to, rusų baleto mokykla išliko. Judėjimo naujo gyvenimo patosas, revoliucinės temos, o svarbiausia – kūrybinio eksperimento galimybės įkvėpė baletmeisterius. Jų užduotis buvo priartinti choreografinį meną prie žmonių, padaryti jį gyvybingesnį ir prieinamesnį.
Taip atsirado draminio baleto žanras. Tai buvo spektakliai, dažniausiai paremti žinomų siužetais literatūros kūriniai, kurios buvo pastatytos pagal dramos spektaklio dėsnius. Turinys juose buvo pateiktas pantomimos ir vaizdingo šokio pagalba. XX amžiaus viduryje dramatiškasis baletas ištiko krizę. Choreografai bandė išsaugoti šį baleto žanrą, sustiprindami spektaklių reginį pasitelkdami sceninius efektus, bet, deja, veltui.
1950-ųjų pabaigoje įvyko lūžis. Naujos kartos choreografai ir šokėjai atgaivino pamirštus žanrus – vieno veiksmo baletas, baleto simfonija, choreografinė miniatiūra. O nuo 1970-ųjų atsirado nepriklausomos baleto trupės, nepriklausomos nuo operos ir baleto teatrų. Jų nuolat daugėja, tarp jų yra laisvojo šokio ir šiuolaikinio šokio studijos.
XVI amžiuje ji nuėjo ilgą kelią ir iki mūsų laikų išpopuliarėjo visame pasaulyje. Daugybė baleto mokyklų ir teatro trupių, kurių kasmet daugėja, yra ir klasikinės, ir modernios.
Bet jei garsių šou baletų yra dešimtys, o iš tikrųjų jie skiriasi nuo kitų šokių ansamblių tik įgūdžių lygiu, tai ilgą istoriją turinčius nacionalinius baleto teatrus galima suskaičiuoti ant pirštų.
Rusų baletas: Didieji ir Mariinskio teatrai
Jūs ir aš turime kuo didžiuotis, nes rusų baletas yra vienas geriausių pasaulyje. pradžioje mūsų šalyje pasirodę garsieji plastikiniai baletai padarė Rusiją antraisiais šio meno namais ir suteikė mūsų teatrams begalinį srautą dėkingų žiūrovų iš viso pasaulio.
Šiandien dėl geriausiųjų vardo varžosi Didžiojo ir Mariinskio teatrų trupės, kurių įgūdžiai tobulinami kiekvieną dieną. Abiejų trupių šokėjai atrenkami tarp A. Ya. Vaganovos vardo Sankt Peterburgo akademijos auklėtinių, o nuo pirmųjų mokymo dienų visi jos studentai svajoja vieną dieną atlikti solo partiją pagrindinėje šalies scenoje. .
Prancūzų baletas: Didžioji opera
Pasaulio baleto lopšys, kurio požiūris į spektaklius nesikeičia jau tris šimtmečius ir kuriame egzistuoja tik klasikinis akademinis šokis, o visa kita vertinama kaip nusikaltimas menui, yra didžiausia visų pasaulio šokėjų svajonė.
Kiekvienais metais jos nariai pasipildo tik trimis šokėjais, praėjusiais tiek atrankų, konkursų ir išbandymų, apie kuriuos net astronautai net nesvajojo. Bilietai į Paryžiaus operą nėra pigūs, juos gali sau leisti tik turtingiausi meno žinovai, tačiau salė būna pilna kiekvieno spektaklio metu, nes be pačių prancūzų čia atvyksta visi europiečiai, svajojantys pasigrožėti klasikiniu baletu.
JAV: Amerikos baleto teatras
Plačiojo populiarumo įgijo po „Juodosios gulbės“ pasirodymo, Amerikos baleto teatrą įkūrė Rusijos Didžiojo teatro solistas.
Turėdamas savo mokyklą, baletas nesamdo pašalinių šokėjų ir pasižymi savitu rusiškai amerikietišku stiliumi. Pastatymai egzistuoja kartu su klasikinėmis istorijomis, tokiomis kaip garsusis Spragtukas, ir naujos šokių kryptys. Daugelis baleto žinovų tvirtina, kad ABT kanonus pamiršo, tačiau šio teatro populiarumas kasmet auga.
JK: Birmingamo karališkasis baletas
Pačios karalienės kuruojamas Londono baletas yra nedidelis pagal šokėjų skaičių, tačiau išsiskiria griežta dalyvių atranka ir repertuaru. Čia nesutiksite šiuolaikinių tendencijų ir žanrinių nukrypimų. Galbūt todėl, neatlaikę atšiaurių tradicijų, daugelis jaunų žvaigždžiųšio baleto palieka jį ir pradeda kurti savo trupes.
Patekti į karališkojo baleto spektaklį nelengva, tuo pagerbiami tik kilniausi ir turtingiausi pasaulio žmonės, tačiau kartą per tris mėnesius čia rengiami labdaros vakarai su atviru įėjimu.
Austrijos baletas: Vienos opera
Vienos operos istorija siekia pusantro šimtmečio ir visą šį laiką Rusijos šokėjai buvo pirmieji trupės solistai. Vienos operos teatras, žinomas dėl kasmetinių balių, kurie nevykdavo iki Antrojo pasaulinio karo, yra labiausiai lankoma Austrijos atrakcija. Žmonės čia ateina pasigrožėti talentingais šokėjais ir, žiūrėdami į tautiečius scenoje, išdidžiai kalba gimtąja kalba.
Bilietus čia įsigyti labai paprasta: dėl didžiulės salės ir perpardavinėtojų nebuvimo tai galite padaryti baleto dieną, išimtis bus tik premjerų ir sezono atidarymo dienos.
Taigi, jei norite pamatyti talentingiausių šokėjų atliekamą klasikinį baletą, eikite į vieną iš šių teatrų ir mėgaukitės senoviniu menu.
Didžioji Britanija. Prieš Diaghilevo ir Anos Pavlovos trupės gastroles Londone 1910-aisiais ir 1920-aisiais baletas Anglijoje buvo pristatomas daugiausia per individualius pasirodymus. garsios balerinos muzikos salių scenose, pavyzdžiui, danė Adeline Genet (1878-1970). Anglų baletas yra skolingas dviem moterims, dirbusioms Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982), kilusiai iš Lenkijos, ir Ninette de Valois (g. 1898), gimusiai Airijoje, bet baigusiai Londone. Muzikanto ir ritminės gimnastikos sistemos kūrėjo Emile'o Jacqueso-Dalcroze'o mokinį Rambertą Diaghilevas pakvietė padėti Nižinskiui, kai jam teko dirbti su Stravinskio „Pavasario apeigų“ partitūra, kuri buvo labai sunki ritmo prasme. . Keletą metų ji šoko Rusų baleto trupės korpuse, vėliau grįžo į Angliją ir 1920 m. atidarė savo mokyklą. Jos mokiniai koncertavo, iš pradžių vadinami Marie Rambert Dancers, o vėliau kaip baleto klubo dalis, mažame Mercury teatre, įsikūrusiame Nottinhill Gate, Londone. Būtent Rambert'e savo karjerą pradėjo daug garsių anglų menininkų, tarp jų choreografai Frederickas Ashtonas ir Anthony Tudoras. Abu šokti pasuko jau suaugę, bet labai greitai pas Rambertą pradėjo statyti mažus baletus. 1930-aisiais jų pastatymuose užaugo visa jaunų anglų šokėjų karta. De Valois, taip pat šokusi Diaghilevo trupėje, palikusi jį Londone atidarė mokyklą, kuri netrukus tapo Sadler's Wells teatro dalimi, o 1931 metais iš jos mokinių susikūrė Vic Wells baletas; 1948 m. jis buvo pavadintas "Sadler's Wells Balle". Ashton suvienijo jėgas su Ninette de Valois kurdamas baletus, kurie išryškino jaunų menininkų, kuriuos išugdė de Valois, Margot Fontaine (1919-1991), Beryl Gray (g. 1927), Robertas Helpmanas (1909-1986), Moira Shearer, talentus. (g. 1926 m.). Jiems dalyvaujant per ateinančius keturiasdešimt metų buvo sukurtas specifinis angliškas baleto atlikimo ir atlikimo stilius, pasižymintis virtuoziškumu, dramatiškumu ir gryna klasikine lyrika. Ashton kūriniai yra kupini humoro (Facade, 1931, muzika William Walton; Vain Precaution, 1960, muzika Ferdinando Herold, aranžuota John Lunchbury) ir tragiški (Ondine, 1958, muzika H. W. Henze; Mėnuo Kantri, 1976 m. pagal F. Šopeno muziką, be siužeto (Simfoninės variacijos, 1946, pagal S. Franko muziką; Monotonija 1 ir Monotonija 2, 1965, 1966, pagal E. Satie muziką) ir pasakojimas (Pelenė, 1948 m. Prokofjevo muzika; „Sapnas“, 1964 m., apie F. Mendelsono muziką apdorojant „Lanchbury“). Ashtonas noriai kūrė baletus pagal literatūros kūrinius: pavyzdžiui, jo „Sapnas“ sukurtas pagal Shakespeare'o pjesę „Vasarvidžio nakties sapnas“, o „Mėnulis kaime“ – pagal to paties pavadinimo Turgenevo pjesę. Ashton mūza buvo Margot Fonteyn, kurios balerinos talentas vystėsi kartu su choreografiniais eksperimentais. Paskutinį savo baletą jis sukūrė jai 1963 m.: tai Marguerite ir Armand (pagal Aleksandro Dumas sūnaus „Ponia su kamelijomis“ ir pagal F. Liszto muziką). Tuo metu Fonteynas, kuriam jau per keturiasdešimt, išgyveno tarsi antrojo etapo jaunystę, susirasdamas naują partnerį iš Sovietų Sąjungos emigravusio šokėjo Rudolfo Nurejevo asmenyje. Ashtoną įkvėpė daugiausia talentų skirtingi atlikėjai: Lynn Seymour (g. 1939) ar Christopherio Gable'o (1940-1998) drama būdinga, geniali technika ir kartu emocionalumas, pasireiškiantis Anthony Dowell (g. 1943) ir Antoniet Sibley (g. 1939) duete. Deja, po Ashton mirties (1988 m.) jo kūriniai nėra išsaugomi taip rūpestingai, kaip Amerikoje saugomi Balanchine ar Tudor baletai. Ketvirtajame dešimtmetyje Ninette de Valois pakvietė iš Rusijos emigravusį Mariinskio teatro direktorių Nikolajų Sergejevą (1876-1951) statyti XIX amžiaus klasikinių baletų, kad praturtintų repertuarą ir suteiktų menininkams galimybę meistrauti. anksčiau neįpratusios šokio formos. Iki 1956 m. Sadlerio Velso baletas tapo Karališkuoju baletu ir pasirodė Karališkajame operos teatre, Covent Garden. Jo repertuare 1960–1970 m., kartu su tradiciniais klasikinių kūrinių pasirodė Fredericko Ashtono pastatymai, dramatiški Kennetho Macmillano baletai. Jo pasirodymai išsiskiria pabrėžta dramatizmu, kupini akrobatinių žingsnelių ir atramų, išreiškiančių intensyvias emocijas. Sėkmingiausi Macmillano pasirodymai buvo daugiaveiksmiai „Romeo ir Džuljeta“ (muzika – Prokofjevo, 1965) ir „Manon“ (1974 m. pagal J. Massenet muziką, aranžuotas Leightono Lucaso), kurie statomi daugelyje šalių. Ashton, kuris Karališkajam baletui vadovavo nuo 1963 m., išėjo į pensiją 1970 m., kai išėjo de Valois. Iki 1977 m. kompanija dirbo vadovaujant Macmillanui, paskui Normanui Morrisui (g. šokėja ir choreografė Martha Graham (1894-1991). 1986 m. kartu su Ashtonu dirbęs šokėjas Dowellas pradėjo vadovauti kuopai, o Macmillanas liko vienu iš grupės choreografų iki savo mirties 1992 m. Jį pakeitė Davidas Bintley (g. 1957), kurio baletai kartais dramatiška, kartais be siužeto, labai įvairaus stiliaus ir žanro. Dowellas į repertuarą įtraukė Balanchine'o ir Robbinso pastatymus, taip pat W. Forsyth ir kai kurių trupės šokėjų kūrinius. Į svečius jis pasikvietė šokėjus iš Rusijos, Prancūzijos, JAV, bet kartu atkreipė dėmesį ir į savuosius menininkus: jam vadovaujant klestėjo Darcy Bussel (g. 1969) Viviana Durante (g. 1967) talentai. Reaguodamas į kritiką, rodančią, kad Ashton palikimui trūksta dėmesio, Dowellas surengė Karališkąjį baleto festivalį 1994–1995 m. sezonui. 1940-aisiais ir 1940-aisiais Balle Rambert trupė ir toliau statė naujus baletus, savo repertuare išlaikydama originalius klasikinius baletus, skirtus nedideliam kolektyvui. 1966 metais trupė buvo reorganizuota, visiškai atsisakant tradicinių pasirodymų ir išlaikant tik modernaus šokio stiliaus kūrinius. 1987 m. jos lyderiu tapo Richardas Alstonas (g. 1948 m.), kuriam daugiausia įtakos turėjo amerikiečių choreografo Merce'o Cunninghamo (g. 1919 m.) stilius. 1994 m. šias pareigas užėmė Christopheris Bruce'as (g. 1945), buvęs pagrindinis trupės šokėjas ir choreografas. Tarp kitų Anglijos įmonių galima paminėti Anglijos nacionalinį baletą, kurio tiesioginis pirmtakas yra 1949 metais buvusių Diaghilevo šokėjų Alicia Markova ir Anton Dolin (1904-1983) įkurtoje kompanijoje, kuri daugelį metų vadinosi „London Festival Balle“. 1984 m. trupei vadovavęs danas Peteris Schaufusas (g. 1949 m.) atgaivino Ashton baletą „Romeo ir Džuljeta“, kuris iki tol buvo beveik užmirštas. 1990 metais trupės vadovu tapo Ivanas Nagy. Karališkasis baletas visada išlaikė antrą, nedidelę mobilią trupę. Ji apsigyveno Birmingame 1990-aisiais ir dabar žinoma kaip Birmingamo karališkasis baletas.
Sovietų Rusija ir kitos šalys. Rusijoje baletas neprarado savo svarbos po Pirmojo pasaulinio karo ir valdant sovietų valdžiai, net kai atrodė, kad politinė ir ekonominė padėtis kėlė grėsmę Bolšojaus ir Mariinskio (pavadinto Spalio revoliucijos vardu) egzistavimui. Valstybės teatras operos ir baleto, GOTOB, o nuo 1934 m. – S.M. Kirovo) teatrų pavadinimas. XX amžiaus 20-asis dešimtmetis – intensyvių eksperimentų tiek baleto spektaklio forma, tiek turiniu laikotarpiu. Taip pat yra „Proletkulto“ pastatymų politinėmis ir socialinėmis temomis, o Maskvoje – Kasjano Goleizovskio (1892–1970), o Petrograde (1924 m. pervadintas į Leningradą) – įvairūs Fiodoro Lopuchovo (1886–1973) pastatymai, įskaitant jo „Didybę“ Visata (1922) pagal Bethoveno ketvirtosios simfonijos muziką. Vasilijaus Tichomirovo (1876–1956) ir Levo Laščilino (1888–1955) Maskvoje 1927 m. pastatytas baletas „Raudonoji aguona“ pagal R. M. Glier muziką buvo daugelio vėlesnių sovietinių baletų prototipas: tai daugiaveiksmis. spektaklis, kurio tema – kilnios aistros ir herojiškus darbus, o specialiai parašyta muzika yra simfoninio pobūdžio. Tokie baletai kaip 1932 m. Vasilijaus Vainoneno „Paryžiaus liepsnos“ (1901-1964), o 1934 m. Rostislavo Zacharovo (1907-1984) „Bachčisarėjaus fontanas“ – abu su Boriso Asafjevo muzika, kaip ir 1939 m. – Aleksandro K. Laurencijos ) Vakhtang Chabukiani (1910-1992 ) ir 1940 m. Leonido Lavrovskio Romeo ir Džuljeta (1905-1967) (muzika Prokofjevo), gali būti pavyzdys tų estetinių principų, kurių laikėsi ne tik pagrindinės trupės - teatras. . S. M. Kirovas Leningrade ir Didysis teatras Maskvoje, bet ir visi apie 50 teatrų, dirbusių šalyje. Nors buvo išsaugoti pavieniai XX amžiaus 2 dešimtmečio radiniai, vyravo į sovietinę politinę ideologiją orientuoti spektakliai, o atlikimo maniera išsiskyrė judesių atlikimo konsoliškumu ir lankstumu (rankų ir nugaros bruožai), kartu lavinant šuolius į aukštį, akrobatinius keltuvus. (pavyzdžiui, aukštas kėlimas ant vienos džentelmeno rankos) ir greitas sukimasis, suteikęs sovietiniams baletams ypatingą dramatišką išraišką. Viena iš mokytojų, prisidėjusių prie šio stiliaus kūrimo, buvo Agrippina Vaganova (1879-1951). Buvusi Mariinsky teatro šokėja, baigusi atlikėjos karjerą pradėjo mokytojauti. Tapusi Leningrado choreografijos mokyklos mokytoja, Vaganova parengė klasikinio šokio programą ir vadovėlį bei parengė savo mokinius, kad jie virtuoziška technika atliktų ir didžiuosius praeities romantinius, ir naujus sovietinius baletus. Visoje Sovietų Sąjungoje, taip pat Rytų Europoje, Vaganovos sistema buvo mokymo pagrindas. Žiūrovai į Vakarų Europa ir JAV sovietinio baleto praktiškai nebuvo susipažinę iki šeštojo dešimtmečio vidurio, kai teatro baleto trupės. Kirovas ir Didysis teatras pirmą kartą išvyko į turą į Vakarus. Susidomėjimas juo sužadino nuostabų meistriškumą didžiosios balerinos Galinos Ulanovos (1910-1998), kuri skvarbiu lyrika perteikė Žizel ir Džiuljetos jausmus, ir Maya Plisetskaya (g. 1925), kuri stulbino savo puikia technika atlikdama vaidmens vaidmenį. Odetė-Odilė Gulbių ežere. Nors Didysis teatras įkūnijo įspūdingiausius sovietinio stiliaus bruožus, Kirovo teatro šokėjų klasikinis tyrumas išryškėjo tokiuose artistuose kaip Natalija Dudinskaja (g. 1912) ir Konstantinas Sergejevas (1910-1992), prisidėję prie Petipa tradicijos atgaivinimas. Pasiekė didžiulę sėkmę ateinančios kartos dailininkai: Jekaterina Maksimova (g. 1939 m.), Vladimiras Vasiljevas (g. 1940 m.), Natalija Bessmertnova (g. 1941 m.) ir Viačeslavas Gordejevas (g. 1948 m.) Didžiajame teatre, Irina Kolpakova (g. 1933 m.), Alla Sizova (gim. 1939) ir Jurijus Solovjovas (1940-1977) Kirovo teatre. 1961 m. Nurejevas, vienas pagrindinių Kirovo teatro šokėjų, trupės gastrolių Prancūzijoje metu liko Vakaruose. Tą patį padarė ir kiti du žymūs to paties teatro menininkai – Natalija Makarova ir Michailas Baryšnikovas (Makarova – 1970 m. Londone, Barišnikovas – 1974 m. Kanadoje). Devintajame dešimtmetyje administracinis ir politinis spaudimas menui Sovietų Sąjungoje atslūgo, Teatro baleto trupei vadovavo Olegas Vinogradovas (g. 1937 m.). Kirovas nuo 1977 m. į repertuarą pradėjo diegti Balanchine, Tudor, Maurice Béjart (g. 1927) ir Robbins baletus. Mažiau į naujoves buvo linkęs Jurijus Grigorovičius (g. 1927 m.), kuris nuo 1964 m. vadovavo Didžiajam baletui. Jo ankstyvieji kūriniai – Akmens gėlė (muzika Prokofjevo, 1957) ir Spartakas (muzika A.I. Chačaturianas, 1968) – yra tipiški. sovietiniai spektakliai. Grigorovičius remiasi įspūdingais efektais, užtikrintai valdo didelę masę energingai judančių šokėjų, plačiai naudoja Liaudies šokiai teikia pirmenybę herojiškoms istorijoms. Daugelį metų Didžiojo teatro scenoje buvo beveik vien tik Grigorovičiaus baletai arba jo senų pjesių, tokių kaip „Gulbių ežeras“, adaptacijos. Devintojo dešimtmečio pabaigoje Irekas Mukhamedovas (g. 1960 m.) ir Nina Ananiašvili (g. 1963 m.) iš Didžiojo teatro, taip pat Altynai Asylmuratova (g. 1961 m.) ir Farukhas Ruzimatovas (g. 1963 m.) iš teatro. Kirovas gavo leidimą koncertuoti su vadovaujančiomis Vakarų baleto trupėmis, tada tapo šių grupių dalimi. Net Vinogradovas ir Grigorovičius pradėjo ieškoti galimybių parodyti savo talentus už Rusijos ribų, kur po SSRS žlugimo 1991 m. valstybės finansavimas teatrams buvo gerokai sumažintas. 1995 m. Grigorovičių Bolšojaus baleto direktoriaus pareigas pakeitė Vladimiras Vasiljevas. Kitos Sankt Peterburgo trupės yra Malio operos ir baleto teatro baletas. M. P. Musorgskis (iki 1991 m. vadinosi Malio operos ir baleto teatras), Sankt Peterburgo „Boriso Eifmano baleto teatras“, kuriam vadovauja choreografas Borisas Eifmanas (g. 1946 m.), Leonido Jakobsono sukurta choreografinių miniatiūrų trupė ( 1904-1975), dirbęs teatre. Kirovas 1942–1969 m., kurio kūryba išgarsėjo Vakaruose. Trupė Maskvoje muzikinis teatras juos. K.S. Stanislavskis ir Vl.I. Nemirovičius-Dančenko, Klasikinio baleto teatras. Permėje Jevgenijaus Panfilovo (g. 1956 m.) sukurta trupė „Eksperimentas“ nusipelno dėmesio. Sovietų Sąjungos žlugimas ir kilusi ekonominė krizė atnešė didžiulius sunkumus baleto trupėms, kurios iki tol buvo dosniai subsidijuojamos valstybės. Daugelis šokėjų ir mokytojų išvyko iš šalies apsigyventi JAV, Anglijoje, Vokietijoje ir kitose Vakarų šalyse. Šaltojo karo metais daugelis šalių Rytų Europos, kurie buvo sovietinio bloko dalis, laikėsi sovietinių principų tiek rengdami šokėjus, tiek statydami spektaklius. Atsivėrus sienoms daugelis šių šalių menininkų, ypač iš Vengrijos ir Lenkijos, prisijungė prie pas juos atvykusių Vakarų trupių choreografijos pasiekimų ir patys pradėjo keliauti už savo šalių ribų.
Prancūzija. Prancūzų baletas XX amžiaus pradžioje buvo krizės būsenoje. Rusų menininkai, pakviesti į Paryžiaus operą, ypač iš Diaghilevo trupės, buvo daug stipresni prancūzų atlikėjai. Po Diaghilevo mirties pagrindinis jo trupės šokėjas Sergejus Lifaras (1905-1986), kažkada atvykęs į Prancūziją iš Ukrainos, vadovavo Paryžiaus operos baletui ir liko šiose pareigose 1929-1945 m., vėliau 1947-1958 m. . Jam vadovaujant išaugo puikūs šokėjai, ypač nuostabi lyriška balerina Yvette Chauvire (g. 1917 m.), išgarsėjusi atlikusi Žizel vaidmenį. Įdomiausius choreografijos eksperimentus atliko už Paryžiaus operos ribų, ypač Rolando Petito ir Maurice'o Béjarto. Petit (g. 1924) paliko operą 1944 m. ir sukūrė „Elysées laukų baletą“, kuriame, be kitų spektaklių, jaunam ir dinamiškam šokėjui pastatė baletą „Jaunystė ir mirtis“ (1946 m. pagal J. S. Bacho muziką). Jean Babilé (g. 1923 m.). Tada trupei „Paryžiaus baletas“ sukūrė vieną garsiausių savo ir ilgas gyvenimas pastatymai - Carmen (1949, pagal J. Bizet muziką) su Rene (Zizi) Jeanmer (g. 1924). Teatriškumo jausmas Petitui leido jam dirbti įvairiuose žanruose ir dalyvauti komerciniuose renginiuose. 1972–1998 metais jis vadovavo trupei. Nacionalinis baletas Marselis", kur pastatė daug stilingų ir aštrių teatro spektaklių. Po Lifaro Paryžiaus operos trupei vienas po kito vadovavo tokie žinomi meistrai kaip Haraldas Landeris (1905-1971), Georgesas Skibinas (1920-1981), Violetta Verdi ir Rosella Hightower (g. 1920). Repertuarą praturtino Petit ir Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glenn Tetley, taip pat amerikiečių modernaus šokio atstovų Paul Taylor (g. 1930) ir Merce Cunningham kūriniai. 1983 metais į vadovo pareigas buvo paskirtas Rudolfas Nurejevas. Ypatingą dėmesį jis skyrė tokių balerinų kaip Sylvie Guillaume (g. 1965 m.) ir Isabelle Guerin (g. 1961 m.) tobulėjimui, suteikė kompanijai galimybę išbandyti savo jėgas įvairių krypčių choreografiniuose kūriniuose, išlaikant klasiką. Nurejevui pasitraukus (1989), į trupę grįžo buvęs pagrindinis šokėjas, „žvaigždės“ titulą turėjęs Patrickas Dupontas (g. 1959 m.), dabar – kaip vadovas. Aštuntajame ir devintajame dešimtmečiuose Prancūzijos provincijų trupės pradėjo gauti valstybės paramą ir pelnė tarptautinę šlovę. Ypač verta dėmesio kompanija „Reino baleto departamentai“, kuri, vadovaujant Jeanui Pauliui Gravier, parodė keletą XVIII amžiaus spektaklių rekonstrukcijų, atliktų kruopštaus darbo pagrindu. istoriniai tyrimaiėmėsi švedų choreografas Ivo Krameris (g. 1921 m.), ypač baletai Daubervalio tuščias atsargumas ir Medėja bei Jasonas Noverre (muzika Jean Joseph Rodolphe). Liono operos baletas atlieka stilizuotus dramatiškus šokio spektaklius, kurių choreografija yra Magy Marin (g. 1947).
Danija. Baletas Danijoje į XX amžių įžengė sustingęs. Čia Hanso Becko dėka buvo išsaugotas Augusto Bournonville palikimas, tačiau iniciatyvos trūkumas lėmė, kad Karališkojo baleto plėtra Kopenhagoje sustojo. Tam tikras jo veiklos atgimimas įvyko 1932–1951 m., kai trupei vadovavo Becko mokinys Haraldas Landeris (Lanneris). Landeris išlaikė Bournonville kūrinius, jei įmanoma, originalų variantą, bet pastatė ir savo baletus: garsiausi iš jų – Etiudai (1948, pagal K. Czerny muziką, aranžavo Knudoge Risager), kur pagrindiniai baleto treniruočių komponentai. klasė buvo iškelta į sceną ir teatralizuota. 1951-aisiais Landeris trupės menine konsultante paskyrė Verą Volkovą (1904-1975), tuo metu autoritetingiausią Vaganovos sistemos ekspertę Vakaruose. Jos pastangomis Danijos šokėjai įvaldė nauja technologija, kuri jiems atvėrė naujas galimybes atliekant darbus skirtingų stilių. Trupė išėjo iš izoliacijos, gastroliavo Europoje, Rusijoje ir Amerikos žemyne. Palankiausią įspūdį paliko Bournonville stiliui būdinga grakštumas ir džiaugsminga animacija, taip pat šokio bravūra, kuri išskyrė danų šokėjų, ypač Erico Bruno, pasirodymą. Vyrų šokėjų rengimas buvo pripažintas vienu iš pagrindinių Danijos mokyklos laimėjimų. Septintajame ir aštuntajame dešimtmečiuose nepaprastai išaugo susidomėjimas baleto istorija, o Burnonvilio spektakliai pradėti tyrinėti kaip autentiškiausias išlikusių romantiškų baleto kūrinių pavyzdys, paskatinęs Danijos karališkąjį baletą surengti Bournonville baleto festivalius 1979 m. 1992 m. Po Landerio komanda dirbo vadovaujama daugelio menininkų, įskaitant Flemmingą Flindtą (g. 1936 m.), Henningą Kronshtamą (g. 1934 m.) ir Franką Anderseną (g. 1954 m.). 1994 metais trupei vadovavo Peteris Schaufusas, 1996-1999 metais – anglė Maina Gielgud (g. 1945). Danijos karališkojo baleto repertuaras pamažu plėtėsi su užsienio choreografų kūryba, tuo pat metu į repertuarą pradėti įtraukti ir Burnonvilio baletai. šokių kolektyvai Visame pasaulyje. 1982 m. Kanados nacionalinis baletas pastatė visą baletą „Neapolis“ (muzika – Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli ir Hans Christian Lumby), o 1985 m. „Balle West“ Amerikos mieste Solt Leik Sityje (Juta). . ), režisavo Bruce'as Marksas ir Tony Landeris, parodė baleto „Abdalla“ (muzika Holgerio Simono Paulli) rekonstrukciją, kuri anksčiau nebuvo vaidinama 125 metus.
Vokietija. Pirmoje XX amžiaus pusėje Vokietijoje reikšmingiausias reiškinys buvo laisvojo šokio raida, čia gavusi „ekspresyvaus“ pavadinimą – Ausdruckstanz. Po Antrojo pasaulinio karo VFR ir VDR vyriausybės daug dėmesio skyrė baleto trupėms remti. Visuose pagrindiniuose Vakarų Vokietijos miestuose operos teatruose buvo kuriamos nepriklausomos baleto grupės, kurios savo pasirodymus statė dalyvaudamos operose. Johnas Cranko iš Anglijos (1927–1973), vaidinęs ir pastatęs daugybę spektaklių anglų trupėje „Sadler's Wells Theatre Balle“, 1961 m. vadovavo Štutgarto baletui ir sudarė platų savo paties daugiaveiksmių spektaklių repertuarą. pagarbos, savo stiliumi primenančios sovietinius baletus, turtingos dramatizuotų šokių. Tai Romeo ir Džuljeta (Prokofjevo muzika, 1962). Oneginas (1965, pagal P. Čaikovskio muziką, aranž. K. Kh. Stolze) ir „Schrew sutramdymas“ (1969, pagal A. Scarlatti muziką, aranž. K.-H. Stolze), baletai, kurių sėkmė daugiausiai priklausė nuo to, ar juose dalyvaus nuostabi šokėja Marcia Heide (g. 1939 m.), gimusi brazilė, ir jos partneris amerikietis Richardas Craghanas (g. 1944 m.). Netrukus trupė pelnė pasaulinę šlovę; po ankstyvos Cranko mirties jai vadovavo Glenas Tetley, vargonais Cranko atminimui pastatęs baletą „Solo“ („Savanoriai“, 1973 m. pagal F. Poulenc muziką). Tarp pagrindinių Cranko laimėjimų buvo jo sukurtos kūrybinės dirbtuvės, kuriose jaunieji choreografai galėjo eksperimentuoti. Čia pradėjo dirbti amerikiečiai Williamas Forsythe'as ir Johnas Neumeieris (g. 1942 m.), taip pat čekas Jiri Kilianas (g. 1947 m.). Visi jie tapo pagrindiniais choreografais baleto teatrai Europa vėlesniais dešimtmečiais. 1973 m. Neumeieris perėmė baleto vadovavimą Hamburge ir sukūrė turtingą repertuarą – tiek iš savo išleistų klasikinių spektaklių, tiek iš originalių pastatymų religinėmis ir filosofinėmis temomis, kur panaudojo Mahlerio, Stravinskio ir Bacho muziką. Jo baleto aistra Šv. Matthew (1981) truko keturias valandas. Forsythe'as prisijungė prie Štutgarto baleto prieš pat Cranko mirtį ir čia šoko statydamas spektaklius iki 1984 m., kai buvo pakviestas vadovauti Frankfurto baletui. Paveiktas šiuolaikinėje literatūroje paplitusių idėjų, Forsythas jas pritaikė baletui. Jo choreografijoje yra ta pati fragmentacija, kuri išskiria postmodernizmo epochos literatūrą, į šokį dažnai įtraukiamos žodinės ištraukos, naudojamos su kitomis meno formomis susijusios technikos. Šokio technika paremta ekstremalia energija, natūralios pusiausvyros pažeidimu, o jos tikslas – perteikti romantiškus santykius akimirkoje. aukščiausia įtampa. Tokie yra baletai Meilės dainos (1979, liaudies muzika) ir Viduryje, kiek pakylėtas (Leslie Stuck ir Tomo Wilemso muzika), kuriuos Nurejevo kvietimu pastatė Forsythe m. Paryžiaus opera 1988 m. Forsyth savo kūriniuose noriai naudojo aštrų skambesį Elektroninė muzika olandas Tomas Willemsas, prisidėjęs prie susvetimėjimo ir neaiškaus nerimo atmosferos kūrimo.
Nyderlandai. Prieš Antrąjį pasaulinį karą vokiečių laisvojo šokio įtaka buvo stipriausia Nyderlanduose. Po karo žiūrovų susidomėjimas baletu išaugo ir Amsterdame susikūrė trupė „Olandų nacionalinis baletas“. 1959 metais nemažai šokėjų ir choreografų, palikę šią trupę, įkūrė „Nyderlandų šokio teatrą“, kuris įsikūrė Hagoje ir atsidėjo tik šiuolaikinė choreografija. Abi trupės dažnai keisdavosi ir artistais, ir spektakliais. Hansas van Manenas (g. 1932) ir Rudy van Dantzigas (g. 1933), Nyderlandų nacionalinio baleto meno vadovas, kartu su Glenu Tetley sudarė olandų repertuarą. šokio teatras Tetley kūrybos centre – įvairios įtakos: tai Chania Holm (1898-1992) ir Martha Graham, ir Jerome'as Robbinsas, ir American Balle Theatre; ne veltui jis savo pastatymuose naudoja ir pirštų techniką, baletas, ir šiuolaikiniam šokiui būdingi kūno pertekliai ir pabrėžtinai išraiškingos rankos, tačiau nenaudojami klasikiniame šokyje išvystyti šuoliai ir slydimai. Van Dantzigo ir van Maneno baletai yra panašūs į Tetley baletus, nes juose yra mišinys įvairiomis technikomis. 1965 m., Jano Bermano muzika) atliko daugybė baleto kompanijų visame pasaulyje. 1978 m. Jiri Kilianas, kuris dažnai lyginamas su Tudor, tapo Nyderlandų šokio teatro vadovu, nes abu jie liečia temomis, kurios rūpi žmonėms ir nori naudoti kompozitorių muziką Vidurio Europa. Kilianas papildė mišrų savo pirmtakų stilių naujomis savybėmis: plačiai naudojami gulint ant grindų atliekami judesiai, dramatiški skulptūriniai efektai, aukšti pakėlimai ir sukimai. Jo baletai „Sugrįžimas į svetimą žemę“ (1974 ir 1975 m. – du leidimai) ir „Sinfonietta“ (1978), sukurti pagal L. Janačeko muziką ir atlikti daugelyje šalių, demonstruoja galimybes, kurios atsiveria, kai šokio raštas statomas ant šokėjų. arti vienas kito. Domina kultūra Australijos aborigenai, choreografas 1983 m. sukūrė baletus „Vaiduoklių vieta“ („Stamping Ground“, muzika Carloso Chavezo) ir „Miego laikas“ („Dreamtime“, muzika Takemitsu). Dešimtojo dešimtmečio pradžioje Kilianas prisijungė prie pagrindinės trupės su kita trupe – „Netherlands Theatre 3“. „Scapino Ballet“, įsikūręs Roterdame, vadovaujamas Nielso Kriste (g. 1946 m.), yra dar viena olandų kompanija, kuri patraukė dėmesį savo moderniais pastatymais.
Baleto menas visame pasaulyje. Kaip XX amžiaus vidurys išaugo baleto vaidmuo, trupės buvo pradėtos kurti beveik visose Amerikos, Europos, Azijos šalyse, įskaitant kai kurias sritis Centrine Azija ir Afrikoje, taip pat Australijoje ir Naujojoje Zelandijoje. Baletas rado sau vietą net ir turtingas šokio tradicijas turinčiose šalyse, tokiose kaip Ispanija, Kinija, Japonija ir Mažoji Azija. Maurice'as Béjart'as, užaugęs pokario Prancūzijoje, 1960 metais Briuselyje įkūrė XX amžiaus baletą. Ši trupė, kaip ir prie jos organizuota labai neįprasta mokykla „Mudra“, turėjo tikslą propaguoti baleto meną, demonstruoti šokio dramas, paremtas psichologija ir šiuolaikinėmis filosofinėmis idėjomis. Daug pasirodymų vyko stadionuose, kad juos pamatytų kuo daugiau žiūrovų. Béjartas paneigė dažnai cituojamą Balanchine'o teiginį, kad „baletas yra moteris“ ir daugiausia dėmesio skyrė šokėjams vyrams: pavyzdžiui, balete „Ugninis paukštis“ (pagal Stravinskio siuitos muziką, 1970 m.) jis pagrindinės partijos atlikėją pakeitė jaunuoliu. žmogus, vaizduojantis partizaną. Nepaisant to, pagrindinė Balanchine balerina Susan Farrell, kuri ištekėjusi laikinai paliko Niujorko trupę, jo trupėje šoko penkerius metus. 1987 m. Briuselio teatro „Théâtre de la Monnaie“, kuriame dirbo XX amžiaus baletas, direktorius Gerardas Mortier pasiūlė Bejart sumažinti išlaidas ir sumažinti trupės sudėtį. Bejartas, nesutikęs su šiais reikalavimais, ėmė ieškoti kitos vietos, kur galėtų tęsti savo darbą. Jam buvo pateikta daugybė pasiūlymų iš įvairių Europos šalių ir jis pasirinko Lozaną Šveicarijoje. Dabar jo trupė vadinasi „Béjarto baletas“. Paskutiniaisiais XX amžiaus dešimtmečiais italų balerina Carla Fracci, Alessandra Ferri (g. 1963 m.) ir Anglijos karališkojo baleto pagrindinė šokėja Viviana Durante su dideliu pasisekimu koncertavo už Italijos ribų, tačiau jų gimtinėje nebuvo teatro, kuriame galėtų rasti vertą pritaikymą. savo talentus. Ispanijoje, kur tautinio šokio tradicijos vis dar stipresnės už bet kokias naujoves, vis dėlto atsirado klasikiniam baletui atsidavęs vietinis choreografas – Nacho Duato (g. 1957 m.), vadovaujantis „Balet Lirico Nacional“. Buvęs Olandijos šokio teatro šokėjas Duato kuria šokius, kuriuose Kiliano konsistencija derinama su nuožma aistra. 1920-aisiais švedų impresarijus Rolfas de Mare (1898-1964) Paryžiuje įkūrė Švedijos baleto trupę, kurios choreografiją sukūrė Jeanas Berlinas (1893-1930). Ši grupė atliko drąsius eksperimentus ir keletą gyvavimo metų, nuo 1920 iki 1925 m., varžėsi su Diaghilevo Rusų baletu. Karališkajam Švedijos baletui, nuo 1773 m. įsikūrusiam Stokholmo karališkosios operos pastate, 1950–1953 m. vadovavo Anthony Tudoras. 1950 m. čia įvyko Birgit Kulberg (g. 1908 m.) Freken Julia (muzika Thure Rangström) premjera, kurią iki šiol atlieka daugybė trupių visame pasaulyje. 1963 m. Tudoras, vėl pakviestas į Karališkąjį baletą, pastatė „Trimitų aidą“ (pagal Bohuslavo Martinu muziką). Birgit Kulberg, studijavusi pas Kurtą Joosą ir Martą Graham, 1967 metais įkūrė savo trupę ir viename spektaklyje eksperimentavo sujungdama klasikinę choreografiją ir šiuolaikinį šokį. Jos sūnus Matsas Ekas (g. 1945 m.), Kulbergo baliui vadovaujantis nuo 1990 m., atliko visiškai naujus baletų „Žizel“ ir „Gulbių ežeras“ pastatymus, kurie nė kiek neprimena tradicinių baletų „Žizel“ ir „Gulbių ežeras“ pastatymų. XX amžiuje iškilo trys reikšmingos Kanados trupės: Karališkasis Vinipego baletas, įkurtas 1938 m. pavadinimu Winnipeg Ballet Club ir 1949 m. tapo profesionalia trupe; „Kanados nacionalinis baletas“, sukurtas Toronte 1951 m.; ir Didysis Kanados baletas, pradėjęs veiklą Monrealyje 1957 m. Kanados nacionalinį baletą įkūrė Celia Franca (g. 1921 m.), koncertavusi su Anglijos kompanijomis Balle Rambert ir Sadler's Wells Ballet. Remdamasi Sadler's Wells Balle patirtimi, ji pradėjo statydama klasikinius XIX a. baletus. Franca trupei vadovavo iki 1974 m., kai ją pakeitė Aleksandras Grantas (g. 1925 m.). Reidas Andersonas (g. 1949 m.) trupei vadovavo 1994-1996 m., o 1996 m. į šias pareigas buvo paskirtas Jamesas Kudelka (g. 1955 m.). Baletas Kuboje sparčiai vystėsi. Viena garsiausių JAV balerinų JAV Alicia Alonso po Fidelio Castro revoliucijos 1959 metais grįžo į tėvynę ir sukūrė trupę „Nacionalinis Kubos baletas“. Pačios Alonso sceninis gyvenimas buvo labai ilgas, ji nustojo koncertuoti tik sulaukusi daugiau nei šešiasdešimties metų. Buenos Airėse įvairiais laikais dirbo daug puikių šokėjų ir choreografų, ypač Nijinska ir Balanchine. Buenos Airėse šokio mokytis pradėjo argentiniečiai Julio Bocca ir Paloma Herrera (g. 1975 m.), tapę pagrindiniais „American balle tietr“ šokėjais. Daugelis rusų šokėjų po 1917 m. revoliucijos paliko šalį per Azijos sieną. Dalis jų laikinai arba visam laikui apsigyveno Kinijoje. Po Antrojo pasaulinio karo Kinijoje dirbo mokytojai ir choreografai iš SSRS. Kinų laikotarpiu kultūrinė revoliucija 1960 m. Sovietų Sąjungos įtaka susilpnėjo, pradėti kurti tautiniai kūriniai, tokie kaip „Raudonųjų moterų batalionas“ ar „Žiliaplaukė“ (abu 1964 m.). Šie spektakliai yra krypties, neigiančios lyrizmą balete kaip dekadansą, pavyzdžiai, jų išskirtinis bruožas – geležinė disciplina ir aiškumas masiniuose šokiuose, atliekamuose corps de ballet ant pirštų. Aštuntajame ir devintajame dešimtmečiuose didėjant užsienio įtakai, daugelyje Kinijos miestų atsirado naujų baleto trupių. Jos kuriamos ir daugelio kitų Azijos šalių pagrindiniuose miestuose.
Išvada. Iki XX amžiaus pabaigos vis labiau ryškėjo problemos, su kuriomis susiduria baleto menas. Devintajame dešimtmetyje, kai Balanchine'as, Ashtonas ir Tudoras mirė (devintajame dešimtmetyje), o Robbinsas pasitraukė iš energinga veikla, atsirado kūrybinis vakuumas. Dauguma jaunųjų choreografų, dirbusių XX amžiaus pabaigoje, nebuvo labai suinteresuoti plėtoti klasikinio šokio išteklius. Jie pirmenybę teikė skirtingų šokių sistemų mišiniui: klasikinis šokis atrodė išsekęs, o šiuolaikinis šokis stokoja originalumo atskleisdamas kūno galimybes. Siekdami perteikti tai, kas sudaro šiuolaikinio gyvenimo esmę, choreografai pirštų technika tarsi akcentuoja mintis, tačiau nepaiso tradicinių rankų judesių (port de bras). Palaikymo menas buvo redukuotas iki savotiškos sąveikos tarp partnerių, kai moteris tempiama per grindis, mėtoma, apjuosiama, bet beveik niekada su ja nepalaikoma ir nešokama. Dauguma trupių kuria savo repertuarą, įtraukdami XIX amžiaus klasiką. („Silfidas“, „Žizel“, „Gulbių ežeras“, „Miegančioji gražuolė“), žymiausi XX a. meistrų baletai. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor ir Ashton), populiarūs Macmillano, Cranko, Tetley ir Kiliano kūriniai bei naujos kartos choreografų, tokių kaip Forsyth, Duato, James Koudelka, darbai. Tuo pačiu metu šokėjai geriau treniruojasi, kaip yra daugiau išmanančių mokytojų. Palyginti nauja šokių medicinos sritis suteikė šokėjams galimybę naudotis technikomis, padedančiomis išvengti traumų. Iškyla šokėjų supažindinimo su muzika problema. Plačiai paplitusi populiarioji muzika nepažįsta stilių įvairovės, daugelyje šalių muzikinio raštingumo mokymas yra žemo lygio, statant šokius nuolat naudojamos fonogramos – visa tai trukdo šokėjų muzikalumui vystytis. naujas reiškinys pastaraisiais dešimtmečiais prasidėjo baleto konkursai, kurių pirmasis vyko Varnoje (Bulgarija) 1964 metais. Jie traukia ne tik prizus, bet ir galimybę parodyti save prestižiškiausias organizacijas atstovaujantiems teisėjams. Pamažu atsirado daugiau konkursų, bent dešimt skirtingose šalyse; kai kurie kartu siūlo pinigines stipendijas. Ryšium su choreografų poreikiu, atsirado ir choreografų konkursai.
- – Pirmąjį spektaklį Maskvoje – „Orfėjo ir Euridikės baletą“ 1673 metais pastatė švedas N. Limas. 1773 m. Maskvos vaikų globos namuose atidarytas skyrius...
Maskva (enciklopedija)
- - klasika pirmą kartą pasirodė Japonijoje 1912 m., Kai ten atvyko italų choreografas Giovanni Roshi, kuris trejus metus mokė šokį Teikoku Gekijo teatre ...
Visa Japonija
- - baletas, vaizdas scenos menai: muzikinis ir choreografinis teatro spektaklis, kuriame visi veikėjų įvykiai, charakteriai ir jausmai perteikiami per šokį ...
Meno enciklopedija
- - - scenos vaizdas. ieškinys; spektaklis, kurio turinys įkūnytas muzikinėje-choreografinėje. vaizdai. Remdamasi bendra dramaturgija. planas B. sujungia muziką, choreografiją ir vaizduojamąjį meną...
- - Atidarykime Puškino tomą: Teatras jau pilnas; nameliai spindi; Parteris ir kėdės – viskas pačiame įkarštyje; Rojuje nekantriai purslai, o uždanga, kylanti aukštyn, ošia...
- - teatro meno rūšis, kur pagrindinis išraiškos priemones aptarnauja vadinamąjį „klasikinį“ šokį; sceninis kūrinys, priklausantis šiai meno rūšiai...
Collier enciklopedija
