Hva er navnet på japansk kunst? Japanske spillefilmer

Dannelsen av teseremonien (chanyu) som et av de største fenomenene i japansk kultur fant sted i en svært vanskelig, urolig tid for landet, da innbyrdes blodige kriger og feider mellom føydale klaner gjorde folks liv uutholdelige. Te-seremonien oppsto under påvirkning av zen-buddhismens estetikk og filosofi og forsøkte å motvirke stemningen av håpløshet med tilbedelsen av skjønnheten.

På den tiden benyttet herskere fra militærklassen og velstående kjøpmenn, som samlet seg for politiske og handelsmessige diskusjoner, ofte anledningen til å servere te. Det ble ansett som en utsøkt nytelse å sitte i ro og mak i et stille terom, løsrevet fra livets bekymringer og bekymringer, og lytte til lyden av vann som koker på ovnen. Den store læreren Sen no Rikyu opphøyde tedrikking til en kunst. Han var i stand til å utvikle kunsten med teseremonien på den måten han gjorde, delvis på grunn av den nevnte sosiale bakgrunnen som fantes.

Terommet bygget av Sen no Rikyu virket veldig enkelt og til og med for lite ved første øyekast. Men det var planlagt på den mest omhyggelige måte, med utsøkt lesbarhet, ned til minste detalj. Den var dekorert med skyvedører dekket med snøhvitt gjennomskinnelig japansk papir. Taket var foret med bambus eller stokk, og den åpne teksturen på veggene ble høyt verdsatt. Støttene var for det meste av tre, og beholdt sin naturlige bark. For å skape effekten av en eremittbolig, ble alle unødvendige dekorasjoner og overdreven dekorasjoner kastet når man dekorerte terommet.

I dag er te-seremonien den mest originale, unik kunst. Det spiller en viktig rolle i åndelig og offentlig liv japansk i flere århundrer. Over tid ble ritualet til teseremonien kanonisert, og rekkefølgen av handlinger og oppførsel ble forhåndsbestemt. Etter å ha gått inn i de enkle treportene, ble gjestene fordypet i en spesiell verden, og etterlot alt verdslig og i stille konsentrasjon og bare adlyste handlingens lover.

Klassisk chanoyu er et strengt planlagt ritual som involverer temesteren (personen som brygger og skjenker teen) og andre deltakere i seremonien. I hovedsak er temesteren presten som utfører tehandlingen, og resten er de som deltar i den. Hver har sin egen spesifikke oppførselsstil, inkludert både sittestilling og hver bevegelse, helt ned til ansiktsuttrykk og talemåte.

Under tedrikking holdes kloke taler, leses dikt og undersøkes kunstverk. For hver anledning velges buketter med blomster og spesielle redskaper for å brygge drinken med spesiell forsiktighet.

Den passende stemningen skapes av selve innredningen, som er overraskende enkel og beskjeden: en kobbertekanne, kopper, en bambusrører, en boks for oppbevaring av te osv. Japanerne liker ikke lyse, skinnende gjenstander, de er imponert over matthet. D. Tanizaki skriver om dette: «Europeere bruker servise laget av sølv, stål eller nikkel, og polerer det til en blendende glans, men vi tåler ikke slik glans. Vi bruker også sølvprodukter... men vi polerer dem aldri til en glans. Tvert i mot gleder vi oss når denne glansen forsvinner fra overflaten av gjenstander, når de får en alderspatina, når de mørkner med tiden... Vi elsker ting som bærer spor av menneskekjøtt, oljesot, forvitring og regn som svulmer opp. ” Alle gjenstander til teseremonien bærer preg av tid, men alt er ulastelig rent. Skumring, stillhet, den enkleste tekanne, en treskje for å skjenke te, en grov keramikkkopp - alt dette fascinerer de tilstedeværende.

Det viktigste elementet i interiøret i et tehus anses å være en nisje - tokonoma. Den inneholder vanligvis en rulle med et maleri eller en kalligrafisk inskripsjon, en blomsterbukett og en røkelsesbrenner med røkelse. Tokonoma ligger rett overfor inngangen og tiltrekker seg umiddelbart gjestenes oppmerksomhet. Rullen til tokonama er valgt med spesiell forsiktighet og er et uunnværlig diskusjonsemne under seremonien. Den er skrevet i en zenbuddhistisk stil og i en så arkaisk kalligrafi at få kan skjønne og forstå betydningen av det som står, for eksempel: «Bambus er grønt og blomstene er røde», «Ting er ting, og det er vakkert! ” eller "Vann er vann." Betydningen av disse ordtakene blir forklart for de tilstedeværende, ytre enkelt, men samtidig veldig dypt i filosofiske termer. Noen ganger uttrykkes disse tankene i den poetiske formen til en haiku, noen ganger reflektert i en gammel mesters maleri, vanligvis i samsvar med prinsippet om "wabi".

Det er mange former for teseremoni i Japan, men bare noen få er strengt etablert: nattte, soloppgangste, morgente, ettermiddagste, kveldste, spesiell te.

Natt-te begynner under månen. Gjestene kommer rundt halv tolv og drar rundt klokken fire om morgenen. Vanligvis brygges pulverisert te, som tilberedes foran gjestene: bladene frigjøres fra årer og males til pulver i en morter. Denne teen kan være veldig sterk og bør ikke serveres på tom mage. Derfor trakteres først gjestene med litt annerledes mat. Te drikkes ved soloppgang rundt klokken tre eller fire om morgenen. Gjester bor i opptil seks timer. Morgente praktiseres i varmt vær, med gjester som ankommer klokken seks om morgenen. Ettermiddagste serveres vanligvis med kaker først etter ca. 13.00. Kveldste starter rundt klokken seks om kvelden. Et spesielt teselskap (rinjitya-noyu) arrangeres for en spesiell anledning: møte med venner, ferier, sesongskifte osv.

I følge japanerne fremmer teseremonien enkelhet, naturlighet og ryddighet. Dette er selvfølgelig sant, men det er noe mer i teseremonien. Ved å introdusere folk til et nøyaktig etablert ritual, tilvenner den dem til streng orden og ubetinget overholdelse av sosiale regler. Te-seremonien er et av de viktigste grunnlagene for å dyrke nasjonale følelser.

Himeji er et av de eldste slottene i Japan

Gammel japansk kunst
Japansk kultur tok form og utviklet seg under spesielle naturlige og historiske forhold. Japan ligger på fire store og mange små øyer omgitt av hav. Ligger helt i utkanten av øst, opplevde det periodisk økende, for så igjen falmende innflytelse fra slike fastlandskulturer som Kina og Korea. Perioder med interaksjon med verden utenfor ble erstattet i japansk historie av lange århundrer med kulturell isolasjon (perioder fra det 10. til det 14. og fra det 17. til midten av 1800-tallet). Sistnevnte omstendighet bidro til utviklingen og konsolideringen av mange unike trekk ved japansk kultur generelt og kunst spesielt. Bekjentskap med kulturen i Vesten skjedde på 1500-tallet, da hovedtrekkene i den opprinnelige japanske sivilisasjonen allerede var dannet. Fram til 1854 handlet Japan med Kina og Holland gjennom bare én havn.

Fra de gamle innbyggerne på de japanske øyene - jegere og fiskere - kom det som ble oppdaget som et resultat av arkeologiske utgravninger Steinøkser, harpuner, pilspisser og håndskulpturerte keramiske kar, oppkalt etter "Jomon"-mønsteret, som betyr "taumerke", stemplet på dem. Derfor kalles også den neolittiske kulturen i Japan Jomon. Når de kom fra Sibir, fra Polynesia og senere fra Korea og Kina, sto nybyggere på forskjellige nivåer kulturell utvikling. Dette forklarer det faktum at det i enkelte kulturlag finnes monumenter fra både yngre steinalder og bronsealder. Det japanske språket er nært språkene til Altai-gruppen. Når, som følge av kontakter med kinesisk kultur Siden japanerne ble kjent med kinesisk hieroglyf, viste det seg å være svært vanskelig å tilpasse kinesiske hieroglyfer for å formidle muntlig japansk tale.

Den første perioden med japansk kultur, som pålitelige data er bevart om, kalles kofuns (hauger) epoke - begravelser, hvis bakkedel var en jordhaug med karakteristisk form - en forbindelse av en sirkel og en trapes, minner om et nøkkelhull, som symboliserte foreningen av jord og vann. De var av betydelig størrelse, de var omgitt av en dobbel vollgrav med vann, gress vokste på toppen av haugen, og langs den indre omkretsen av haugen var det hule leirfigurer av mennesker, dyr, modeller av båter og hus fra 30 cm. til en og en halv meter høy. De ble kalt "haniwa". Inne i begravelseskammeret var det kister med avdøde representanter for adelen, hvor rituelle gjenstander ble plassert: et speil, en "dotaku" -klokke, hvis lyd skulle skremme bort onde ånder og tiltrekke gudene - bøndenes beskyttere. Begravelsene til kongene av Yamato inneholdt nødvendigvis slike rituelle symboler på makt som jade-anheng og sverd. For å opphøye kongene av Yamato-klanen, ble historiens begynnelse etablert, gudenes hierarki ble bestemt, og guddommen Amaterasu ("Skinner fra himmelen") ble identifisert, som overførte makt over japanske øyer konger fra Yamato-klanen. Navnet "Nippon" eller "Nihon", som betyr "land med den stigende solen", dukket opp på 700-tallet. I 608 begynte studiereiser til Kina, som fortsatte i mer enn to århundrer.

Dotaku - rituelle bronseklokker - sylindre innsnevret mot toppen, toppet med brede løkker med figurerte fremspring, hvis vegger er delt inn i firkanter fylt med grafiske bilder

Japanernes heterogene tro, som har mange trekk ved primitiv animisme og fetisjisme, gjenspeiles i shinto. Shinto ("gudenes vei") reflekterer iboende de japanske ideene om naturens universelle spiritualitet. Utallige antall såkalte "kami" (ånder) eksisterer både i mirakuløse landskapsobjekter, som Lake Biwa og Mount Fuji, og i gjenstander skapt av mennesker - sverd, speil, som derfor er utstyrt med magiske egenskaper. Shinto-tempelet ble preget av enkelheten i trestrukturen: et enkeltrom ble plassert på stylter, omgitt på alle sider av en veranda. Inne i Shinto-helligdommen var det mørkt og tomt. Troende gikk ikke inn i templet.

Para-periode (645–794 e.Kr.)

Nara er navnet på den første hovedstaden og den eneste byen i Japan på den tiden. Dette var tidspunktet for etableringen av japansk statsskap, innføringen av buddhismen og opprettelsen av monumenter av buddhistisk kunst - templer, pagoder og forskjellige statuer av buddhistiske guder. Buddhismen i denne perioden var ikke så mye folkets tro som en fortsettelse av domstolens politikk. Ulike sekter av buddhismen spilte en svært betydelig rolle ved hoffet, landbeholdningen til buddhistiske klostre vokste, og munkene hadde enorm innflytelse ved hoffet. Buddhistiske klostre dukker opp, som er grupper av trebygninger som ligger på et rektangulært område omgitt av murer. Spesielt viktig var det brede smuget som fører til porten foran, plassen foran tempelet og den flerlagede pagoden som er synlig langveisfra. Tretemplene var malt med rød lakk, reist på steinfundamenter, og hadde brede buede doble tak - irimoya.

Blant de tidlige buddhistiske templene er Asukadera, Horyuji, byggingen av sistnevnte begynte i 607 etter ordre fra den da regjerende kronprins Shotoku Taishi. Klosteret besto av 53 bygninger plassert på et område på 90 tusen kvadratmeter. m. Fasaden til tempelet vender mot sør, hovedbygningene ligger på nord-sør-aksen, den hellige sonen er nord, det var en sal for prekener - en kodo, en leilighet og en fem-lags pagode. Det var 265 statuer i Horyuji, det viktigste skulpturelle bildet var Shakyamuni-treenigheten, representert av en skulptur av troens grunnlegger, ledsaget av to bodhisattvaer. På 800-tallet Store klostre hadde allerede billedhuggerverksteder. Kulten til bodhisattvaen Kannon, hvis navn var en oversettelse av sanskritnavnet Avalokiteshvara (Hører av verdens lyder), spredte seg. Fylt med medfølelse for levende vesener, er Bodhisattvaen i stand til å lytte til lydene til de som lider, uansett hvor de er. Kulten av Avalokiteshvara oppsto i det nordvestlige India og spredte seg til Kina. I Lotus Sutraen ble det sagt at bodhisattvaen tok form av de vesenene som påkalte ham. I Japan førte spredningen av Kannon-kulten til at et stort antall av bildene hennes dukket opp - Saint Kannon hjelper i helvete, Kannon med hodet til en hest sprer barmhjertighet til storfe og onde ånder - asuraer blir reddet av tusen- bevæpnet Kannon, Kannon med fiskesnøre redder folk.

Heian-perioden (794–1185)

I 794 ble hovedstaden i staten flyttet til byen Heian (nå Kyoto). Under Heian-perioden blomstret en sofistikert hoffkultur. En japansk pensum ble opprettet - kana (japansk - lånt hieroglyf). Til å begynne med var det bare kvinner som brukte dette manuset, mens det offisielle manuset fortsatte å være kinesisk. Gjennom hele 900-tallet. Kvinners forfatterskap begynte å bli brukt i privat praksis. På 1000-tallet Den japanske klassiske litteraturens storhetstid begynte, et strålende eksempel på dette er romanen "Genji Monogatari", skapt av hoffdamen Murasaki Shikibu.

I Heian-kunsten er hovedplassen okkupert av buddhistiske bilder av de esoteriske Tendai- og Shingon-sektene som kom fra Kina på den tiden, som lærte at alle levende vesener besitter essensen av Buddha. Ved å trene ånden og kroppen, oppfylle løftene, er alle i stand til å tilegne seg essensen av Buddha i prosessen med flere gjenfødsler. Templene til disse sektene ble bygget på fjelltopper og steinete avsatser, og bedehusene i dem ble delt i to deler. Vanlige troende ble ikke sluppet inn i den indre, der det hellige bildet var plassert.

Heian-tiden er en tid med luksus for de regjerende sirkler. På dette tidspunktet ble Shinden-typen bolig dannet. Selv i varmt klima var ikke veggene kapital og hadde ingen støtteverdi. De kan lett flyttes fra hverandre, erstattes med mer holdbare i kaldt vær, eller fjernes helt i varmt vær. Det var heller ingen vinduer. I stedet for glass ble det strukket opp på en gitterramme hvitt papir, sender svakt diffust lys inn i rommet. Den brede takfoten beskyttet veggene mot fuktighet og sollys. Interiøret, blottet for permanente møbler, hadde skyve skillevegger, takket være hvilke det var mulig å lage enten en hall eller flere små isolerte rom etter ønske; gulvet var dekket med stråmatter - tatami, av samme størrelse (180 x 90 cm).

Konfucianske og buddhistiske tekster ble hentet fra Kina under Heian-perioden. De var ofte dekorert med bilder. Opprinnelig kopierte japanske kunstnere kinesiske "kjente steder", men fra 1000-tallet. vend deg til skildringen av landskap og skikker hjemland. Yamato-e maleri ble dannet, som skilte seg fra kinesisk maleri ved å bruke temaer fra japansk poesi, noveller, romaner eller fra folkelegender. Maleriet fikk navnet sitt fra navnet på Yamato-regionen - den sørvestlige delen av øya Honshu, der staten Japan ble dannet.
Bildet representerte ofte en rulle med illustrasjoner med tilhørende tekst, som ble tatt for hånd og vridd fra høyre til venstre; når man leste den tilsvarende delen, ble følgende illustrasjon undersøkt.

Yamato-e-maleriet blomstret i slutten av Heian-perioden. På dette tidspunktet dukket det opp profesjonelle kunstnere som malte bilder av sekulære emner på skjermer, skyvepartisjoner (shoji) og ruller - emakimono. Den eldste av rullene er Genji Monogatari. Emakimano-ruller var malerier-historie. Rullen "Genji-monogatari-emaki", den berømte romanen av Murasaki Shikibu, har overlevd til i dag, og skildrer aristokratiets ledige liv i lyse farger; det er en syntese av kalligrafi, litteratur og maleri. I de overlevende 19 av de 54 kapitlene i romanen i illustrasjoner, er det ingen enkelt plot og kontinuerlig handling. De fleste av de avbildede scenene finner sted i interiører, alt synlig vises ovenfra, det er ikke noe enkelt forsvinningspunkt for linjer, storstilt korrespondanse av figurer og arkitektur, ansiktene til alle karakterer er like, bare frisyrer og klær er forskjellige . Hovedfokuset for kunstnerens oppmerksomhet er å formidle det emosjonelle innholdet i hendelsene som fant sted i romanen, som var godt kjent for alle. Hovedteknikkene er å bygge plass og bruke fargens muligheter. For å formidle den interne tilstanden til karakterene og atmosfæren til hver scene, er det viktig for kunstneren i hvilken vinkel i forhold til den nedre kanten av rullen de diagonale linjene er rettet, noe som indikerer enten bjelkene til strukturene, eller gardinen stenger, eller kanten av verandaen. Avhengig av graden av følelsesmessig spenning varierer denne vinkelen fra 30 til 54 grader.

Bodhisattva - Kannon vises i Kina, Korea og Japan hovedsakelig i kvinnelig form, i hendene med en kanne, en pilegren og en lasso

Det var ingen skillevegger i husene til aristokrater; de beste kunstnerne malte Yamato-e-malerier på skjermer og gardiner. Yamato-e malerier var i enhet med bokstavelig talt virker, som også ble plassert på skjermer og gardiner. I poesiantologier fra X-XIII århundrer. Dikt skrevet på skjermer fra 900-1000-tallet er ikke uvanlig. Det største antallet slike dikt er inneholdt i antologien "Suixu". Akkurat som poesi var temaet for de fire årstidene, var det også maling for skjermer. I tråd med folkesangskriving utviklet det seg et visst system av poetiske formler som deretter ble grunnlaget for japansk klassisk poetikk. Så vårens tegn var en tåkete dis, et piletre, sommerens tegn - gjøken, sikader, høstens tegn - skarlagenrøde lønneblader, hjort, månen, vinteren - snø og plommeblomster.

Kyoto er den eldgamle perlen i Japan.

Overfloden av homonymer i språket gjorde det mulig å gi dikt mange betydninger. Temaer og plott gjorde det mulig, gjennom en detalj eller hint i en ekstremt lakonisk poetisk form (det er 31 stavelser i en tanka), å uttrykke mangfoldet av alle nyanser av følelsesmessige tilstander. Fra skjermer med tekst var det en gradvis overgang til skjermer uten tekst. Slik oppsto de faktiske billedlige sjangerinndelingene - shiki-e («bilder av de fire årstidene») og meise-e («malerier av kjente steder»).
Sammensetningen av slike malerier samsvarte ikke med noen av kategoriene kinesisk maleri. Den største sammensmeltingen av natur og menneske vil bli karakteristisk for ulike sjangere av japansk kunst.

Kamakura-perioden (1185–1333) og Muromachi (1333–1568)

På slutten av 1100-tallet ble hovedstaden flyttet igjen; makten i landet, som et resultat av en blodig feide, ble grepet av Minamoto-klanen, hvis hode flyttet hovedstaden til hans bosetning Kamakura, hvis navn ble navnet på det neste stadiet i Japans historie. Den militære klassen av samuraier kom til makten i landet, blant dem kom shogunene - de faktiske militære herskerne i Japan; keiseren, som forble i Nara, beholdt bare nominelle maktattributter. Samuraiene foretrakk enkelhet fremfor hoffkulturens sofistikerte. Klostrene til Zen-sekten inkluderte ikke lenger pagoder; templene lignet landlige hytter. Fra slutten av 1200-tallet. under påvirkning av de panteistiske ideene til Zen-sekten, begynte landskapet å legemliggjøre ideen om tilstedeværelsen av buddhistiske guder i alle landskapsobjekter. I klostrene i Kamakura utviklet det seg en ikonografi av portretter av Minsk-patriarken: sittende og i en rolig positur med en fremhevet ansiktskarakteristikk og den hypnotiske kraften i blikket hans. Under påvirkning av Zen-sekten blir skulpturen henvist til bakgrunnen; maleri, spesielt landskapsmaleri, uttrykker verdensbildet til menneskene i denne epoken.

Muromachi-perioden begynner med hendelsene i 1333, da føydalherrene i de sørøstlige regionene på øya Honshu fanget og brente Kamakura, og returnerte hovedstaden til Heian. Det var en tid med interne stridigheter og kriger mellom føydale klaner. Den ledende tingen for de urolige tidene var læren fra tilhengerne av Zen-sekten om at man, etter å ha oppnådd enhet med naturen, kan komme overens med livets vanskeligheter og oppnå enhet med verden. Landskapsmaleriet kommer i forgrunnen i japansk kunst, under påvirkning av Zen-læren om at "kroppen" til Buddha er naturen. I andre halvdel av 1100-tallet. Maling med svart blekk kom til Japan fra Kina. Japanerne, som først og fremst drev med slikt maleri, var medlemmer av Zen-sekten. De lagde en ny stil, som forklarte den nye trosbekjennelsen (shigaku - en kombinasjon av maleri og poesi). XV og XVI århundrer - tiden for maksimal blomstring av blekkmaleri, den ledende mesteren var Sesshu Toyo (1420-1506). Parallelt med denne stilen var det også Yamato-e-stilen.

Endringer i sosiopolitiske forhold, som brakte militærklassen i forgrunnen, bestemte også utseendet på 1500-tallet. Sein arkitektonisk stil. Det tidligere enkeltvolumet av huset er nå delt ved hjelp av skyvedører (shoji) og skyvedører (fusuma). Et spesielt sted for studier dukket opp i rommene - en hylle for bøker og et vindu med en bred vinduskarm og en nisje (tokonoma), hvor en bukett eller en finurlig formet stein ble plassert og en vertikal rulle ble hengt.

På 1500-tallet I historien til japansk arkitektur dukker tepaviljonger opp i forbindelse med behovet for å gjennomføre teseremonien på riktig måte. Te ble brakt til Japan i Kamakura-perioden av buddhistiske munker som medisin. Te-ritualet (cha-no-yu) ble introdusert på initiativ av Zen-munken Murata Shuko og krevde en spesiell metode for implementeringen. Slik oppsto en ny type arkitektonisk struktur - chashitsu (paviljong for teseremonien), i sin strukturelle basis var den nær en boligbygning, og i sin funksjon - til et buddhistisk tempel. Støttene til tepaviljongen var laget av tre, og taket var foret med bambus eller siv. Inne i en hytte på 1,5 eller 2 tatami dekket med matter, med adobevegger, små flernivåvinduer, en tokonoma-nisje med et hengende monokromt landskap og en blomst i en vase, var det en ildsted og en hylle for redskaper.

Kunsten å lage hager blomstret i Muromachi-perioden. Japanske hager er forskjellige. Små hager er oftest plassert ved templer eller assosiert med et tradisjonelt hus, de er ment for å bli sett. Stor anlagte hager designet for å bli oppfattet fra innsiden.

Kondo - (japansk gylden hall) - hovedtempelet til det buddhistiske komplekset, som inneholder ikoner, statuer, veggmalerier

Zen-tempelhagen ble bygget etter prinsippet om en monokrom landskapsrulle. I stedet for et papirark brukte kunstneren overflaten av en innsjø eller en plattform dekket med småstein, og i stedet for flekker og utvaskinger, tykke steiner, moser, løvverk av trær og busker. Gradvis forsvant blomster fra hagen, de ble erstattet av moser og busker, og steiner begynte å bli brukt i stedet for broer. Noen hager var anlagte og kuperte (tsukiyama). Tsukiyama-hagene var en kombinasjon av naturlige elementer som steiner, moser, trær, dammer, med den obligatoriske paviljongen på kysten. Den eldste landskapshagen ligger i Kyoto og tilhører Sohoji-klosteret. Tørre hager ble kalt "hiraniwa", dvs. flat. Hiraniva er en "filosofisk" hage, fordi den krevde en utviklet fantasi fra betrakteren. Hiraniwa-hagen "var laget av steiner, sand og småstein. Hagen var lukket på tre sider av en mur som omringet den, og var kun ment for kontemplasjon. På slutten av 1400-tallet. en av de mest kjente tørre hagene ble opprettet ved Reanji-klosteret. Den inkluderer 15 steiner som ligger på et rektangulært grusområde. I Hiraniwa-hagen til Daitokuji-klosteret, opprettet i 1509, er naturen representert av sammensetninger av steiner og småstein. En av delene av hagen kalles "tomhetens hav" og består av to lave rullesteinsbakker i et rektangulært område. Hagene kunne utfylle hverandre.

På slutten av 1400-tallet. Kano domstolskole for dekorativt maleri ble dannet. Grunnleggeren av skolen, Kano Masanobu (1434-1530), kom fra militærklassen og ble en anerkjent profesjonell hoffkunstner. Hans landskap hadde bare forgrunnen, alt annet ble skjult av en tåkete dis. Vektleggingen av ett spesifikt emne i bildet vil bli karakteristisk for Kano-skolen. Hovedplassen i arbeidet til kunstnere fra Kano-skolen ble okkupert av dekorative veggmalerier og skjermer med sjangermaleri. Veggmalerier har blitt hovedkomponenten i syntese med arkitektonisk form og et middel til å påvirke den figurative betydningen av arkitektonisk rom. På sin side krevde trekkene til den arkitektoniske formen visse stilistiske kvaliteter ved maleriene, og derfor dannet det seg gradvis en ny stilkanon, som ble bevart i Japansk maleri frem til 1800-tallet.

Shinden er en type boligbygg. Hovedbygningen, rektangulær i plan, har én hall, vendt mot torget med sin sørlige fasade og innrammet av gallerier i øst og vest

Momoyama-perioden (1X73-1614)

Og denne gangen tok æraen med føydale kriger slutt, makten i landet gikk over til påfølgende militærdiktatorer - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi og Iyaesu Tokugawa. Det var en tid med byvekst, sekularisering og demokratisering av kultur, og inntrengning av nye verdiorienteringer. Kultarkitektur har mistet sin tidligere betydning. De nye herskerne i Japan erklærte sin makt ved å bygge grandiose slott, hvis konstruksjon ble forårsaket av utseendet til skytevåpen i Japan og en tilsvarende endring i kamp- og forsvarstaktikk. Slottet ble en fundamentalt ny type japansk arkitektur. Det asymmetrisk plasserte territoriet til slottet, omgitt av en vollgrav og vakttårn og hjørnetårn, inkluderte et sentralt torg og mange gårdsrom og rom, underjordiske tilfluktsrom og passasjer. Boligkvarteret var plassert i en trebygning plassert på slottsområdet med et strengt hierarki av indre rom som reflekterte det sosiale hierarkiet. Dekorative veggmalerier, grandiose i størrelse, malt med lyse farger på en gylden bakgrunn, var best egnet for interiøret i slott nedsenket i skumring.

Kano Eitoku (1543-1590). Skaperen av en ny stil med malerier designet for å glorifisere militære diktatorer. Han var den første som utviklet prinsippet om en enkelt komposisjon på store horisontale flater, forstørret formene, forlot små delerå formidle ikke bare silhuetter, men også dynamikken i deres former. Eitoku er preget av et ønske om å øke flatheten i maleriet og forbedre dets dekorative kvaliteter. Således, på steder som symboliserer tomt rom, plasseres flekker med en blanding av gullpulver. Rommet i komposisjonen utfoldet seg ikke i dybden, men langs utsikten.
I 1576 ble et enestående slott med et kolossalt syv-etasjers tårn reist ved bredden av innsjøen Biwa, som skulle demonstrere makten til diktatoren Oda Nobunaga. Et spesielt trekk ved slottet var tilstedeværelsen av ikke bare offisielle, men også private kamre. Hoveddekorasjonen av rommene var veggmaleriene, som ble betrodd til Kano Eitok, som jobbet med dem i tre år med en stor gruppe assistenter. Kano Eitoku, som diktatoren skyndte seg å fullføre ordren, begynte å forstørre skjemaene ved å bruke en tykk børste laget av rishalm, og ty til et lakonisk kunstnerisk språk. Hovedplassen var okkupert av bildet av trær, blomster, fugler og dyr. Fargevalget var lyst, det var ingen fargenyanse.

Endringen i den sosiale situasjonen i landet etter at Tokugawa-shogunene kom til makten førte til et forbud mot bygging av slott.
I verkene til kunstnere fra den første tredjedelen av 1600-tallet. nye funksjoner begynner å dominere. I maleri ble ønsket om balanserte, rolige komposisjoner, økningen i dekorative former og interesse for kulturen fra Heian-tiden og verkene til Yamato-e mer merkbar. Særpreget trekk Kano-skoler av denne tiden - ornamentikk og økt dekorativitet. Da i andre kvartal av 1600-tallet. Bygging av slott ble forbudt, og skjermen ble hovedformen for dekorativt maleri. Monumentaliteten til Kano Eitoku har forsvunnet fra dekorativt maleri. Kunsten fikk et personlig preg, som også påvirket dens stilistiske kvaliteter. Dekorativt maleri XVII århundre var oftest inspirert av heltene og temaene i klassisk litteratur, som gjenspeiler spekteret av interesser til stammearistokratiet, så vel som den fremvoksende borgerlige eliten. Dekorativt maleri utviklet i den gamle hovedstaden Kyoto.

Ogata Korin ble en eksponent for smaken til nye forbrukere av kunst - byboere, handelsmenn og håndverkere. ny representant Kano skoler.

Emakimano - en horisontal rulle av papir eller silke limt til en base innrammet med en brokadekant med en trerull på enden

Ogata Korin (1658-1716) levde som en rik rake og besøkte stadig «homokvarterene». Først etter ruin, møtt med det alvorlige behovet for å tjene til livets opphold, begynte han å engasjere seg i tekstilmaling og maling. Ogata Korin tok for seg både keramikk og lakk, og malte kimonoer og vifter. Hvordan
mester startet han med å møte med tradisjonelt maleri og hennes teknikker. Korin strebet alltid etter kompakthet, balanse mellom former, et karakteristisk trekk kreativ måte- konsentrasjon om utviklingen av flere plotmotiver, deres gjentatte repetisjon og variasjon. For første gang i Ogata Korins verk dukket verk fra livet opp. I maleriet av skjermen "Rødt og hvitt plommetre" går plottmotivet tatt av Korin tilbake til klassisk poesi med sine bilder av tidlig vår og våknende natur. På begge sider av bekken er blomstrende trær skrevet på en gyllen bakgrunn: et tettsittende rødt plommetre med en tykk buet stamme og nesten vertikalt stigende greiner, og et annet, kun indikert ved foten av stammen og en skarpt buet gren, som hvis faller til vannet, og derfor plutselig kastet opp, strødd med hvite blomster.

Kano Eitoku-hauk på et furutre. Skjerm. Detalj fra slutten av 1500-tallet.

Ogata Kenzan (1663-1743), i motsetning til sin eldre bror Ogata Korin, gravitert mot åndelige verdier fra ungdommen, var en tilhenger av Zen-buddhismen, kjente kinesisk og japansk klassisk litteratur, Noh-teater og te-ritualer. På territoriet som tilhørte Ninnaji-tempelet fikk Kenzan tillatelse til å bygge sin egen keramikkovn, som produserte produkter i 13 år frem til 1712. Han strebet ikke etter lønnsomhet, han ble ledet av ideen om å lage svært kunstneriske produkter . For første gang brukte han tradisjonelle blekkmaleteknikker i tredimensjonalt maleri. Kenzan begynte å bruke farger, han skrev på et fuktig skår, den porøse leiren absorberte malingen, som papir i blekkmaling. I likhet med sin store samtid, poeten Basho, som gjorde den populære lavsjangeren haiku til en åpenbaring, viste Ogata Kenzan at vanlige keramiske tallerkener, kopper og vaser kan være både bruksgjenstander og samtidig poetiske kunstmesterverk.

Edo-perioden (1614–1868)

I 1615 ble samuraier gjenbosatt fra Kyoto til Edo. Betydningen av klassen av kjøpmenn, handelsmenn og pengeutlånere, konsentrert i Mara, Kyoto og Osaka, økte i betydning. For representanter for disse sosiale grupper Den var preget av en verdslig oppfatning av livet, et ønske om å frigjøre seg fra påvirkningen fra den føydale moralen. For første gang vender kunsten seg til temaer i hverdagen, inkludert livet til de såkalte. muntre nabolag - en verden av tehus, Kabuki-teater, sumobrytere. Utseendet til tregravering var assosiert med demokratisering av kultur, siden gravering er preget av sirkulasjon, billighet og tilgjengelighet. Etter husholdningsmaling Graveringen begynte å bli kalt ukiyo-e (bokstavelig talt - den dødelige, foranderlige verden).

Produksjonen av graveringer fikk et stort omfang. Den tidlige utviklingsperioden for ukiyo-e-grafikk er assosiert med navnet til Hashikawa Moronobu (1618-1694), som skildret enkle scener fra livet til innbyggerne i tehus og håndverkere, og kombinert i én gravering hendelser fra forskjellige tider, uten slekt. til hverandre. Bakgrunnen til graveringene forble hvit, linjene var klare. Gradvis utvidet spekteret av temaer i graveringene, og interessen ikke bare for den ytre, men også for den indre verden til karakterene ble dypere. Japansk gravering i 1780-1790. går inn i sin storhetstid. Suzuki Haranobu (1725-1770) begynte først å avsløre heltenes indre verden i slike graveringer som «Skjønnheter som plukker en plommegren» og «Lovers in a Snowy Garden». Han var den første som brukte teknikken med å rulle, skapte en overgang fra mørk til lys tone, og varierte tykkelsen og teksturen på linjene. Han brydde seg aldri om faktiske farger, havet i graveringene hans er rosa, himmelen er sand, gresset er blått, alt avhenger av det generelle emosjonell stemning scener. En av hans beste fungerer"Elskere som spiller den samme shamisen" ble opprettet med temaet til det japanske ordtaket - "Hvis musikk fremmer kjærlighet, spill."

Tokonoma - en nisje i det indre av et tehus

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - en fremragende mester i ukiyo-e. Arbeidet hans begynte med albumene "The Book of Insects" og "Songs of Shells". I sine halv- og full-lengde portretter av kvinner er Utamaro den første som bruker glimmerpulver, som skaper en glitrende bakgrunn. Skjønnheten Utamaro er ideell med sin grasiøse form og hodesett,
tynn hals, liten munn, korte svarte øyenbryn. I episodene "Ten" kvinnelige karakterer" og "Days and Hours of Women" forsøkte han å identifisere forskjellige typer utseende og karakter av kvinner. På slutten av 90-tallet. i Utamaro tar han opp temaet morskap i slike trykk som "Mother with Child" og "Ball Game", samtidig lager han triptyker og polyptyker om historiske temaer, og tyr til indirekte betegnelse (landets helter er avbildet som skjønnheter ). Teshusai Sharaku laget en serie portretter av Kabuki-skuespillere og sumobrytere. Han forlot allment aksepterte tradisjoner, og gjorde det groteske til hans hovedteknikk. Den tredje utviklingsperioden for ukiyo-e-gravering faller på 1800-1868. På dette tidspunktet er innflytelsen på japansk kunst nederlandske og tyske etsninger. Kreativiteten til det kunstneriske dynastiet i Utagawa ble preget av en avvisning av søket etter individualitet og et ønske om formell nåde. Oppblomstringen av landskapssjangeren i gravering er assosiert med navnet Katsushika Hokusai (1760-1849). Hokusai studerte den gamle og moderne trender Japansk kunst, kjente kunsten til Kina og ble kjent med europeiske graveringer. Inntil nesten 50 år gammel jobbet Hokusai på den tradisjonelle måten som ukiyo-e-artister. Det var først i Manga-albumene (skissebok), hvorav det første bindet ble utgitt i 1812, at Hokusai fant sitt kunstfelt. Nå malte han hverdagsscener, landskap, folkemengder.

landskapshager i japan

I en alder av 70 skapte Hokusai sin serie "36 Views of Mount Fuji", i hvert av trykkene kunstneren skildrer Mount Fuji. Kombinasjonen av et sjangertema med et landskap er et trekk ved Hokusai. I motsetning til gamle landskapsmalere viser Hokusai jorden nedenfra. Samtidig lager han serien «Reise gjennom landets fosser», «Broer», «Store blomster», «100 utsikt over Fuji». Hokusai kunne overføre ting fra uventet side. I graveringene «100 utsikt over Fuji» kommer fjellene enten ut av nattens mørke som et syn, eller er synlige bak bambusstilkene, eller reflekteres i innsjøen. En tilhenger av Hokusai, Ando Hiroshige (1797-1858), malte naturen mye mer realistisk. Som elveagent av yrke, reiste han mye rundt i landet, og skapte serien "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido". Hiroshiges kunst nærmer seg europeisk maleri, og avslutter ukiyo-e-trykkenes to hundre år lange storhetstid.

Japan? Hvordan utviklet det seg? Vi vil svare på disse og andre spørsmål i artikkelen. Japansk kultur ble dannet som et resultat historisk bevegelse, som begynte da japanerne flyttet fra fastlandet til skjærgården og sivilisasjonen fra Jomon-perioden ble født.

Den nåværende opplysningen til dette folket ble sterkt påvirket av Europa, Asia (spesielt Korea og Kina) og Nord Amerika. Et av tegnene på japansk kultur er dens lange utvikling i en tid med fullstendig isolasjon av staten (sakoku-politikk) fra alle andre land under regjeringen til Tokugawa Shogunatet, som varte til midten av 1800-tallet - begynnelsen av Meiji æra.

Innflytelse

Hvordan utviklet japansk kunstnerisk kultur seg? Sivilisasjonen ble betydelig påvirket av den isolerte regionale plasseringen av landet, klimatiske og geografiske trekk, samt naturfenomener (tyfoner og hyppige jordskjelv). Dette kom til uttrykk i befolkningens ekstraordinære holdning til naturen som et levende vesen. Et trekk ved den japanske nasjonale karakteren er evnen til å beundre den flytende skjønnheten i universet, som kommer til uttrykk i mange typer kunst i et lite land.

Den kunstneriske kulturen i Japan ble skapt under påvirkning av buddhisme, shintoisme og konfucianisme. De samme retningene påvirket den videre utviklingen.

Gamle dager

Enig, Japans kunstneriske kultur er fantastisk. Shintoismen har sine røtter i antikken. Buddhismen, selv om den dukket opp før vår tid, begynte å spre seg først fra det femte århundre. Heian-perioden (8.-12. århundre) regnes som den gyldne æraen for japansk statsskap. I samme periode nådde billedkulturen i dette landet sitt høyeste punkt.

Konfucianismen dukket opp på 1200-tallet. På dette stadiet skjedde separasjonen av filosofien til Konfucius og buddhismen.

Hieroglyfer

Bildet av japansk kunstnerisk kultur er nedfelt i et unikt vers kalt Dette landet har også en høyt utviklet kalligrafikunst, som ifølge legenden oppsto fra himmelske guddommelige bilder. Det var de som blåste liv i skrivingen, så befolkningen er følsomme for hvert tegn i stavemåten.

Det er rykter om at japansk kultur ble gitt av hieroglyfer, siden bildene rundt inskripsjonen dukket opp fra dem. Litt senere begynte en sterk kombinasjon av elementer av maleri og poesi i ett verk å bli observert.

Studerer du en japansk rulle, vil du finne at verket inneholder to typer symboler. Dette er tegn på skrift - segl, dikt, kolofener, så vel som malerier. Samtidig fikk Kabuki-teateret stor popularitet. En annen type teater - Nei - foretrekkes hovedsakelig av militært personell. deres alvorlighet og grusomhet hadde en sterk innflytelse på Noh.

Maleri

Kunstnerisk kultur har blitt studert av mange spesialister. Kaiga-maleri, som på japansk betyr tegning eller maleri, spilte en stor rolle i utviklingen. Denne kunsten blir sett på som den eldste typen maleri i staten, som bestemmes av et stort antall løsninger og former.

I den inntar naturen en spesiell plass, som definerer det hellige prinsippet. Oppdelingen av maleri i sumi-e og yamato-e har eksistert siden det tiende århundre. Den første stilen utviklet seg nærmere det fjortende århundre. Det er en slags monokrom akvarell. Yamato-e er horisontalt brettede ruller som ofte ble brukt i utformingen av litteraturverk.

Litt senere, på 1600-tallet, dukket det opp trykk på nettbrett - ukiyo-e - i landet. Mestere avbildet landskap, geishaer, kjente skuespillere Kabuki teater. Denne typen maleri hadde en sterk innflytelse på Europas kunst på 1700-tallet. Den nye trenden ble kalt "japanisme". I middelalderen gikk japansk kultur utover landets grenser - den begynte å bli brukt i utformingen av stilig og fasjonabelt interiør rundt om i verden.

Kalligrafi

Å, så vakker den kunstneriske kulturen i Japan er! Oppnåelsen av harmoni med naturen kan sees i hvert segment av den. Hva er moderne japansk kalligrafi? Det kalles shodo ("varslingsveien"). Kalligrafi, som skriving, er en obligatorisk disiplin. Forskere har funnet ut at denne kunsten kom dit samtidig med kinesisk skrift.

Forresten, i eldgamle tider ble en persons kultur bedømt etter hans nivå av kalligrafi. I dag finnes det et stort antall skrivestiler, og de er utviklet av buddhistiske munker.

Skulptur

Hvordan oppsto japansk kultur? Vi vil studere utviklingen og typene av dette området for menneskelig aktivitet så detaljert som mulig. Skulptur er den eldste typen kunst i Japan. I gamle tider laget folket i dette landet figurer av idoler og retter fra keramikk. Så begynte folk å installere haniwa-skulpturer laget av bakt leire på gravene.

Utviklingen av skulpturelt håndverk i moderne japansk kultur er assosiert med spredningen av buddhismen i staten. En av de eldste representantene for japanske monumenter er trestatuen av Amitabha Buddha som ligger i Zenko-ji-tempelet.

Skulpturene ble veldig ofte laget av bjelker, men de så veldig rike ut: håndverkerne dekket dem med lakk, gull og lyse farger.

Origami

Liker du japansk kunstnerisk kultur? Å forstå harmoni med naturen vil gi uforglemmelige inntrykk. Karakteristisk trekk Japansk kultur har blitt kilden til fantastiske origami ("foldet papir") produkter. Denne ferdigheten skylder sin opprinnelse til Kina, hvor pergament faktisk ble oppfunnet.

Til å begynne med ble "brettet papir" brukt i religiøse ritualer. Denne kunsten kunne bare studeres av overklassen. Men etter andre verdenskrig forlot origami hjemmene til adelsmenn og fant sine beundrere over hele jorden.

Ikebana

Hver person bør vite hva den kunstneriske kulturen i østlandene er. Japan har lagt ned mye arbeid i utviklingen. En annen komponent i denne kulturen fantastisk land er ikebana ("levende blomster", " nytt liv farger"). Japanerne er fans av estetikk og enkelhet. Disse to egenskapene settes i verk. Sofistikeringen av bildene oppnås gjennom fordelaktig bruk av vegetasjonens naturlige skjønnhet. Ikebana, som origami, fungerte også som en del av en religiøs seremoni.

Miniatyrer

Sannsynligvis har mange allerede innsett den kunstneriske kulturen Det gamle Kina og Japan er tett sammenvevd. Hva er bonsai? Dette er en unik japansk evne til å dyrke en nesten nøyaktig miniatyrkopi av et ekte tre.

I Japan er det også vanlig å lage netsuke – små skulpturer som er en slags nøkkelring. Ofte ble slike figurer festet i denne egenskapen til japanske klær, som ikke hadde lommer. De dekorerte det ikke bare, men fungerte også som en unik motvekt. Nøkkelringer ble laget i form av en nøkkel, pose eller flettet kurv.

Maleriets historie

Kunstkultur Det gamle Japan interesserer mange mennesker. Maleri i dette landet oppsto under den japanske paleolittiske perioden og utviklet seg som følger:

• Yamato-perioden. I løpet av Asuka og Kofuns tid (IV-VII århundrer), samtidig med introduksjonen av hieroglyfer, opprettelsen av et statsregime basert på kinesisk modell og populariseringen av buddhismen, ble mange kunstverk brakt til Japan fra det himmelske riket . Etter dette begynte malerier i kinesisk stil å bli reprodusert i Land of the Rising Sun.
• Nara tid. I VI og VII århundrer. Buddhismen fortsatte å utvikle seg i Japan. I denne forbindelse begynte religiøst maleri å blomstre, brukt til å dekorere en rekke templer bygget av aristokratiet. Generelt bidro Nara-tiden mer til utviklingen av skulptur og kunst enn til maleri. Tidlige malerier Denne serien inkluderer malerier på innerveggene til Horyu-ji-tempelet i Nara Prefecture, som forteller historien om livet til Buddha Shakyamuni.
• Heian-tiden. I japansk maleri, fra 1000-tallet, har Yamato-e-trenden blitt skilt ut, som vi skrev om ovenfor. Slike malerier er horisontale ruller som ble brukt til å illustrere bøker.
• Muromachi-epoken. På 1300-tallet dukket supi-e-stilen (monokrom akvarell) opp, og i første halvdel av 1600-tallet. kunstnere begynte å trykke graveringer på nettbrett - ukiyo-e.
• Maleriet fra Azuchi-Momoyama-perioden står i skarp kontrast til maleriet fra Muromachi-perioden. Den er preget av en polykrom stil med utstrakt bruk av sølv og I denne perioden nøt Kano utdanningsinstitusjon stor prestisje og berømmelse. Grunnleggeren var Kano Eitoku, som malte tak og skyvedører til separate rom. Slike tegninger dekorerte slottene og palassene til den militære adelen.
• Maiji-tiden. Siden andre halvdel av 1800-tallet har kunst vært delt inn i konkurrerende tradisjonelle og europeiske stiler. Under Maiji-tiden gjennomgikk Japan store sosiale og politiske endringer gjennom moderniserings- og europeiseringsprosessen orkestrert av myndighetene. Lovende unge kunstnere ble sendt til utlandet for å studere, og utenlandske malere kom til Japan for å lage skolekunstprogrammer. Det være seg, etter den første bølgen av nysgjerrighet om kunstnerisk stil I Vesten svingte pendelen i motsatt retning, og den japanske tradisjonelle stilen ble gjenopplivet. I 1880 ble vestlig kunstpraksis forbudt fra offisielle utstillinger og ble sterkt kritisert.

Poesi

Den kunstneriske kulturen i det gamle Japan studeres fortsatt. Dens særegenhet er dens allsidighet, noe syntetisk, siden den ble dannet under påvirkning av forskjellige religioner. Det er kjent at japansk klassisk poesi dukket opp fra hverdagslivet, handlet innenfor det, og denne jordnære ble til en viss grad bevart i de tradisjonelle formene for moderne poesi - den trelinjede haikuen og den femlinjede tankaen, som er kjennetegnet ved en uttalt massekarakter. Forresten, det er nettopp denne egenskapen som skiller dem fra det "frie verset" som tenderer mot elitisme, som dukket opp på begynnelsen av 1900-tallet i Japan under påvirkning av europeisk poesi.

Har du lagt merke til at utviklingsstadiene for japansk kunstnerisk kultur er mangefasetterte? Poesi spilte en spesiell rolle i samfunnet i dette landet. En av de mest kjente sjangrene er haiku; du kan bare forstå den ved å gjøre deg kjent med historien.

Først dukket det opp i Heian-tiden, og liknet renga-stilen, som var et slags utløp for diktere som ønsket å ta en pause fra de gjennomtenkte waha-diktene. Haikai utviklet seg til sin egen sjanger på 1500-tallet da renga ble for seriøs og haiku var avhengig av talespråk og var fortsatt humoristisk.

Selvfølgelig er den kunstneriske kulturen i Japan kort beskrevet i mange verk, men vi vil prøve å snakke om det mer detaljert. Det er kjent at en av de mest kjente japanske litterære sjangrene i middelalderen var tanka ("lakonisk sang"). I de fleste tilfeller er dette en pentavers, bestående av et strofepar med et fast antall stavelser: 5-7-5 stavelser i tre linjer i den første strofen, og 7-7 i to linjer i den andre. Når det gjelder innholdet, bruker tanken følgende skjema: den første strofen representerer et spesifikt naturlig bilde, og den andre gjenspeiler den menneskelige følelsen som gjenspeiler dette bildet:

• I de fjerne fjerne fjellene
  Langhalefasan døser -
  Denne lange, lange natten
  Bør jeg sove alene? ( Kakinomoto no Hitowaro, tidlig på 800-tallet, oversettelse av Sanovich.)

Japansk drama

Mange hevder at den kunstneriske kulturen i Kina og Japan er fascinerende. Liker du scenekunst? Den tradisjonelle dramaturgien til Land of the Rising Sun er delt inn i joruri (dukketeater), Noh-dramaturgi (kyogen og yokyouku), Kabuki-teater og Shingeki. Skikkene for denne kunsten inkluderer fem grunnleggende teatralske sjangere: kyogen, no, bugaku, kabuki og bunraku. Alle disse fem tradisjonene er fortsatt til stede i dag. Til tross for deres enorme forskjeller, er de forbundet med felles estetiske prinsipper som ligger til grunn for japansk kunst. Japansk drama oppsto forresten på scenen til Noh.

Kabuki-teateret dukket opp på 1600-tallet og nådde sitt høydepunkt mot slutten av det 18. Formen for forestillinger som utviklet seg i denne perioden er bevart på den moderne scenen til Kabuki. Produksjonene til dette teatret, i motsetning til Noh-scenene, som er rettet mot en smal krets av fans av gammel kunst, er designet for massepublikum. Røttene til Kabuki-ferdigheter stammer fra forestillingene til komikere - utøvere av små farser, sketsjer som besto av dans og sang. Den teatralske ferdigheten til Kabuki absorberte elementer fra Joruri og Noh.

Utseendet til Kabuki-teateret er assosiert med navnet på en arbeider ved den buddhistiske helligdommen O-Kuni i Kyoto (1603). O-Kuni opptrådte på scenen med religiøse danser, som inkluderte bevegelsene til Nembutsu-odori folkedansene. Forestillingene hennes ble ispedd komiske skuespill. På dette stadiet ble produksjoner kalt yujo-kabuki (kabuki av kurtisaner), O-Kuni-kabuki eller onna-kabuki (dames kabuki).

Graveringer

I forrige århundre møtte europeere, og deretter russere, fenomenet japansk kunst gjennom gravering. I mellomtiden, i Land of the Rising Sun, ble tegning på tre først ikke ansett som en ferdighet i det hele tatt, selv om det hadde alle egenskapene til massekultur - billighet, tilgjengelighet, sirkulasjon. Ukiyo-e-eksperter visste hvordan de skulle oppnå den høyeste klarhet og enkelhet både i legemliggjøringen av tomter og i deres valg.

Ukiyo-e var en spesiell kunstskole, så den var i stand til å produsere en rekke fremragende kunstnere. Dermed er den innledende fasen av utviklingen av tomtegravering assosiert med navnet Hishikawa Moronobu (1618-1694). På midten av 1700-tallet jobbet den første eksperten på flerfargegravering, Suzuki Harunobu. Hovedmotivene for arbeidet hans var lyriske scener, der oppmerksomhet ikke ble rettet mot handling, men til overføring av stemninger og følelser: kjærlighet, ømhet, tristhet. Som utsøkt eldgammel kunst Under Heian-tiden gjenopplivet ukiyo-e-virtuoser den ekstraordinære kulten av den raffinerte skjønnheten til kvinner i et fornyet urbant miljø.

Den eneste forskjellen var at i stedet for de stolte Heian-aristokratene, viste graveringene grasiøse geishaer fra underholdningsdistriktene i Edo. Kunstneren Utamaro (1753-1806) er kanskje et unikt eksempel i maleriets historie til en profesjonell som fullstendig viet sin skapelse til å skildre damer i forskjellige positurer og antrekk, i forskjellige livssituasjoner. Et av hans beste verk er graveringen "Geisha Osama", som oppbevares i Moskva, i A. S. Pushkin Museum of Painting. Kunstneren formidlet utrolig subtilt enheten av gest og stemning, ansiktsuttrykk.

Manga og anime

Mange kunstnere prøver å studere japansk maleri. Hva er anime (japansk animasjon)? Den skiller seg fra andre animasjonssjangre ved sitt større fokus på den voksne seeren. Her er det en duplikatinndeling i stiler for entydig målgruppe. Målet på fragmentering er kjønn, alder eller psykologisk portrett av filmseeren. Svært ofte er anime en filmatisering av en japansk manga-tegneserie, som også har fått stor berømmelse.

Den grunnleggende delen av mangaen er beregnet på en voksen seer. Fra 2002 var omtrent 20 % av det totale japanske bokmarkedet okkupert av manga-tegneserier.

Japan er nær oss geografisk, men til tross for dette forble det i lang tid uforståelig og utilgjengelig for hele verden. I dag vet vi mye om dette landet. Lang frivillig isolasjon har ført til at kulturen er helt forskjellig fra kulturene i andre stater.

Detaljer Kategori: Kunst og arkitektur fra det 19. århundre Publisert 14.08.2017 18:30 Visninger: 1604

I første halvdel av 1800-tallet. Ukiyo-e-stilen var fortsatt dominerende i japansk maleri. I 1868, etter Meiji-revolusjonen og åpningen av grenser, ble prestasjonene til den vestlige sivilisasjonen mer tilgjengelige i Japan, og ukiyo-e gikk gradvis av moten, og ble erstattet av fotografering.
Men først ting først.

Ukiyo-e-stil

Ukiyo-e(Japanske malerier (bilder) av den skiftende verden) - en retning i den fine kunsten i Japan. Opprinnelig ble dette buddhistiske uttrykket brukt til å bety «den dødelige verden, sorgens dal». Men i Edo-tiden, med fremkomsten av spesielt utpekte bykvarterer der Kabuki-teatret blomstret og husene til geishaer og kurtisaner var lokalisert, ble begrepet omtolket, og det ble forstått som "verdenen av flyktige gleder, kjærlighetens verden."
Ukiyo-e-trykk er hovedtypen tresnitt i Japan. Denne kunstformen ble populær i urban kultur i andre halvdel av 1600-tallet. Grunnleggeren av ukiyo-e er en japansk maler og grafiker. Hishikawa Moronobu.

H. Moronobu «Høst i Asakusa. Kirsebærblomstrer i Ueno-parken." Skjermmaling. Freer Gallery (Washington)
Opprinnelig var graveringene svart og hvitt, laget med blekk. Fra begynnelsen av 1700-tallet. noen arbeider ble malt for hånd med en pensel.
Ukiyo-e-trykk var hovedsakelig beregnet på urbane innbyggere som ikke hadde råd til dyrere malerier.
Temaene til ukiyo-e er bilder av hverdagen: vakre geishaer, sumobrytere, populære kabuki-skuespillere og senere landskapstrykk.

Katsushika Hokusai "Den store bølgen utenfor Kanagawa" (1823-1831)
I løpet av XVIII-XIX århundrer. kjente artister inkluderte Utamaro, Hokusai, Hiroshige og Toshusai Sharaku.
I en tid da ukiyo-e-stilen begynte å gå av moten i Japan, ble den populær i Vest-Europa og Amerika, og kunstkritikere begynte å kjøpe graveringer i massevis.
Japanske trykk inspirerte mange europeiske kunstnere som arbeidet i stil med kubisme, impresjonisme, postimpresjonisme: Vincent van Gogh, Claude Monet, etc. Denne påvirkningen ble kalt "japanisme".

Vincent van Gogh "Portrett av far Tanguy" (1887-1888). Lerret, olje. Rodin-museet (Paris)

Kjente Ukiyo-e-artister:

Hishikawa Moronobu (XVII århundre)
Kitagawa Utamaro (XVIII århundre)
Kawanabe Kyosai (1800-tallet)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX århundrer)
Utagawa Hiroshige (1800-tallet)
Utagawa Kunisada (1800-tallet)
Utagawa Kuniyoshi (1800-tallet)
Keisai Eisen (1800-tallet)
Suzuki Harunobu (XIX århundre)
Toyohara Kunitika (1800-tallet)
Tsukioka Yoshitoshi (1800-tallet)
Ogata Gekko (XIX-XX århundrer)
Hasui Kawase (XX århundre)

La oss se på kreativiteten til noen av dem.

Katsushika Hokusai (1760–1849)

Katsushika Hokusai. Selvportrett
Berømt japansk ukiyo-e kunstner, illustratør, gravør. Han jobbet under mange pseudonymer (minst 30). Han ble født inn i en familie av håndverkere, og begynte å tegne i en alder av 6. Mens han jobbet i en bokhandel, lærte han å lese og skrive. Så jobbet han på et graververksted – gravering var veldig populært i Japan på den tiden.
I 1793-1794. begynner selvstendig liv kunstner, ganske tung i materielle termer, men full av kunst - han studerer forskjellige malerskoler: Kano-skolen (landskap, bilder av fugler og dyr, hverdagsscener; de dekorerte dørene til skyveskjermer med mønstre); Sotatsu skole (bilde Hverdagen japansk og Japanske landskap på skyvedører). Kunstneren begynner gradvis å utvikle sin egen stil.
I 1796 begynte kunstneren å bruke det som senere ble mye brukt kjent pseudonym Hokusai. I 1800, i en alder av 41, begynte kunstneren å kalle seg Gakejin Hokusai ("Mad Hokusai of Painting").
Kunstneren forstår verdensbildet gjennom bevisstheten om betydningen og den spesielle verdien av menneskers hverdagsliv, deres arbeid og bekymringer. Naturens liv, dets mening og skjønnhet i landskapene til Hokusai blir forståelig bare takket være tilstedeværelsen av mennesker i dem, opptatt med sine vanlige saker. Hokusai brukte mesteparten av livet på å reise rundt i landet og skissere alt han så. Hokusai var kjent ikke bare som gravør, men også som forfatter, poet og maler.
Han var den første av de japanske graveringskunstnerne hvis arbeidslandskap fikk betydning. uavhengig sjanger. Hokusais landskap fanget det levende og majestetiske utseendet til japansk natur.
For min lange kunstnerisk virksomhet han laget rundt 30 tusen tegninger og graveringer og illustrerte rundt 500 bøker.
Storhetstiden til Hokusais arbeid går tilbake til 1820-tallet og begynnelsen av 1830-tallet. På dette tidspunktet skapte han sin beste landskapsserie. Disse seriene forbløffer med dybden og rikdommen i Hokusais kunstneriske visjon - fra en bred filosofisk forståelse av bildet av verden i serien "36 Views of Mount Fuji" (1823-1829), som viser naturens episke storhet i serien " Bridges" (1823-1829), som beundrer dens elementære kraft i "Waterfalls" (1827-1830) til den subtile lyriske opplevelsen av naturen i serien "Poets of China and Japan" (1830).

Katsushika Hokusai “South Wind. Klar dag". Fargetresnitt (1823-1831) fra serien "Thirty-six views of Mount Fuji"
En av de mest betydelig arbeid Hokusai, der originaliteten til hans arbeid som kunstner-tenker ble mest fullstendig avslørt, er serien "36 Views of Fuji". Et stort antall ark i denne serien representerer ulike sjangerscener: en fisker som kaster garn; sagbruksarbeidere som jobber i et trelager; en bødker som lager et badekar osv. Alle disse scenene er satt i et landskap med Fuji-fjellet i bakgrunnen.
Hokusais arbeid fremkalte mange imitasjoner; antallet studenter hans var veldig stort. Men nesten alle kunstnerens tilhengere er preget av å assimilere kun den ytre siden av hans kreative metode.

Surimono

Surimono er en type tradisjonell japansk kunst, fargetresnitt, som tjente som en gave blant den japanske urbane intelligentsiaen. Årsaken til en slik gave kan være jubileer, fødselen av en sønn, begynnelsen av kirsebærblomstsesongen, det kommende nyttåret, etc. Sjangrene til surimono var varierte: skildringer av figurer, skildringer av dyr, blomster og fugler, landskap.
Bildet skapt med visuelle, poetiske og tekniske virkemidler måtte ha integritet. Surimono er en kunst, et spill, en underholdningsmåte og en del av byfolkets liv.

Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Hokusai sitt bidrag til økningen i popularitet til surimono er stort: ​​han gjør det til den viktigste typen japansk tresnitt.
Folk i Hokusais surimono "levende". Avbildet mot bakgrunnen av et landskap, samhandler de aktivt med det: de dekker øynene fra solen med hendene, peker på skyene, kikker inn i de endeløse vidder, noen ganger snur de til og med ryggen til betrakteren.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

"Manga" (japansk bokstavelig talt "tegninger av Hokusai") er et av de viktigste verkene i kunstnerens kreative arv, skapt av ham på toppen av hans berømmelse. "Manga" er et uttrykk for Hokusais syn på kreativitet, hans filosofi, og avslører mesterens hemmeligheter; det er verdifullt ikke bare som en milepæl i Hokusai sitt liv, men også som en viktig kilde til informasjon om kulturen og kunsten i det senføydale Japan. Hokusai's Manga kalles ofte «det japanske folks leksikon». De fleste tegningene skildret scener fra bylivet og inneholdt mange skisser av mennesker. Samlingen var en dagbok der mesteren nedtegnet alt han så i livet i form av tegninger (ikke tekst).

Katsushika Hokusai "Contemplation of Mount Fuji" (1814) Manga
Hokusai, som japansk kunst generelt, hadde en betydelig innflytelse på europeisk kunst XIXårhundre, inkludert fransk impresjonisme. Temaene til Hokusais trykk er til stede i verkene til Claude Monet, Pierre Auguste Renoir og andre.
Den siste betydelige representanten for japanske trykk fra første halvdel av 1800-tallet. var landskapsmaleren Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige er en japansk grafiker, en representant for ukiyo-e-bevegelsen, og en mester i fargetresnitt. Forfatter av ikke mindre enn 5400 graveringer. I lyriske landskap med sjangermotiver formidlet han naturens ustabile tilstander, de atmosfæriske effektene av snø og tåke. Han jobbet under pseudonymet Ando Hiroshige.
Jeg mistet min far og mor tidlig. Fine kunster begynte å studere etter å ha sett Hokusai sitt arbeid.
Hiroshige var elev av gravøren Utagawa Toyohiro (1763-1828). Det første verket som brakte Hiroshige berømmelse var serien med trykk "53 Tokaido Stations", utgitt i 1834. I fortsettelsen av Hokusais landskapssjanger utviklet Hiroshige den på sin egen måte.
Tokaido var en av fem veier som koblet Edo med andre deler av Japan. Den løp langs den østlige kysten av Honshu. Langs den lå 53 poststasjoner, hvor reisende ble tilbudt overnatting, mat og stall.
I 1832 reiste Hiroshige gjennom Tokaido som en del av en offisiell delegasjon som fraktet hester for det keiserlige hoffet. Landskapene gjorde sterkt inntrykk på kunstneren, og han laget mange skisser. Da han kom hjem, skapte han en syklus på 53 verk. Suksessen til denne serien gjorde Hiroshige til en av de mest betydningsfulle og anerkjente mesterne innen trykking.

A. Hiroshige. 1. stasjon: Shinogawa

A. Hiroshige. Stasjon 30: Maisaka

A. Hiroshige. 32. stasjon: Shirasuka
I naturlig skjønnhet Hiroshiges natur trekkes til uttrykksfullhet.
Hiroshiges verk avslutter perioden med strålende oppblomstring av japanske fargetresnitt på 1700- og første halvdel av 1800-tallet. Gravering 1850-1860. stilte ikke frem en eneste stor kunstner, stilisering og eklektisisme kommer tydeligere og tydeligere frem i den.
Japan opplevde en borgerlig revolusjon i 1868 og ble et monarki på 1880-tallet. Disse hendelsene markerte begynnelsen på et nytt stadium i japansk kunsthistorie, fordi... Japan gikk inn i verdenssystemet av kapitalistiske land. Tallrike skoler og grupper dukket opp i kunsten til Japan i denne perioden. Noen av dem tok veien til å mestre europeisk kunst, andre japanske kunstnere (for eksempel Kuroda Kiyoteri (1866-1924) dro for å studere i Europa. Men det var også de som forsøkte å bevare renheten i nasjonale tradisjoner.
Slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. i Japans kunst var det en tid med revisjon av den gamle kunstneriske tradisjonen, assimilering av europeisk kunst, søken etter en ny, så vel som for ens egen utviklingsvei.

Japans brukskunst

Oppblomstringen av japansk brukskunst begynte på slutten av 1500-tallet. På 1800-tallet Treskjæring, beinskjæring, keramikk og porselen ble utbredt.
Det skal også sies om netsuke– miniatyrskulptur, et verk av japansk dekorativ og brukskunst. En netsuke er en liten utskåret nøkkelring som ble brukt på tradisjonelle japanske klær, kimono og kosode.

Netsuke som skildrer Hotei (guden for kommunikasjon, moro og velstand). Elfenben, moderne arbeid
Den første netsuken dukket opp i Japan i andre halvdel av 1500- og begynnelsen av 1600-tallet. Siden slutten av 1800-tallet. og hele det 20. århundre. netsuke ble laget for eksport. De lages fortsatt i dag. Dette er suvenirprodukter produsert på en transportør måte, ikke veldig Høy kvalitet. Men kunsten å netsuke forsvant ikke. Selv i dag er det håndverkere som spesialiserer seg på netsuke-utskjæring.

Netsuke med en hemmelighet

Japan er et fantastisk østland som ligger på øyer. Et annet navn for Japan er Country Rising Sun. Det milde, varme, fuktige klimaet, fjellkjedene av vulkaner og sjøvann skaper praktfulle landskap som unge japanere vokser opp blant, noe som utvilsomt setter et avtrykk på kunsten til denne lille staten. Det er folk her med tidlige år De blir vant til skjønnhet, og friske blomster, prydplanter og små hager med en innsjø er en egenskap ved hjemmene deres. Alle prøver å organisere et stykke vill natur for seg selv. Som alle østlige nasjonaliteter har japanerne opprettholdt en forbindelse med naturen, som de har hedret og respektert gjennom århundrene av sivilisasjonen.

Luftfukting: luftvaskeren "WINIX WSC-500" genererer små vannpartikler. Driftsmoduser for Winix WSC-500-vaskeren: Luftvaskeren "WINIX WSC-500" har en praktisk automatisk driftsmodus. Samtidig opprettholdes den mest optimale og komfortable luftfuktigheten i rommet - 50-60% og plasmaluftrensing og ioniseringsmodus ("Plasma Wave™") er slått på som standard.

Japans arkitektur

I lang tid Japan ble ansett som et lukket land; kontaktene var bare med Kina og Korea. Derfor fulgte deres utvikling sin egen spesielle vei. Senere, da forskjellige innovasjoner begynte å trenge inn i øyenes territorium, tilpasset japanerne dem raskt for seg selv og gjenskapte dem på sin egen måte. Den japanske arkitektoniske stilen har hus med massive buede tak for å beskytte dem mot konstant kraftig regn. Et ekte kunstverk er keiserlige palasser med hager og paviljonger.

Blant de religiøse bygningene som finnes i Japan kan vi fremheve shintotempler i tre som har overlevd til i dag, buddhistiske pagoder og buddhistiske tempelkomplekser som dukket opp i nyere tid. sen periode historie, da buddhismen kom inn i landet fra fastlandet og ble erklært som statsreligion. Trebygninger er som kjent ikke holdbare og sårbare, men i Japan er det vanlig å gjenskape bygninger i sin opprinnelige form, så selv etter branner blir de gjenoppbygd i samme form som de ble bygget i den gangen.

Japansk skulptur

Buddhismen hadde en sterk innflytelse på utviklingen av japansk kunst. Mange verk representerer bildet av Buddha, så mange statuer og skulpturer av Buddha ble laget i templer. De var laget av metall, tre og stein. Først etter en tid dukket det opp mestere som begynte å lage sekulære portrettskulpturer, men over tid forsvant behovet for dem, så skulpturelle relieffer med dype utskjæringer begynte å bli brukt mer og oftere for å dekorere bygninger.

Miniatyr netsuke-skulptur regnes som den nasjonale kunstformen i Japan. Opprinnelig spilte slike figurer rollen som en nøkkelring som var festet til beltet. Hver figur hadde et hull for en snor som de nødvendige gjenstandene ble hengt på, siden klær på den tiden ikke hadde lommer. Netsuke-figurer avbildet sekulære karakterer, guder, demoner eller ulike gjenstander, som hadde en spesiell hemmelig betydning, for eksempel et ønske om familielykke. Netsuke er laget av tre, elfenben, keramikk eller metall.

Japans dekorative kunst

Produksjonen av kantede våpen ble hevet til nivået av kunst i Japan, noe som brakte produksjonen av samurai-sverdet til perfeksjon. Sverd, dolker, rammer for sverd, elementer av kampammunisjon fungerte som en slags menns smykker, som indikerer tilhørighet til klassen, så de ble laget dyktige håndverkere, dekorert med edelstener og utskjæringer. Japansk folkehåndverk inkluderer også keramikk, lakk, veving og tregravering. Tradisjonelle keramiske produkter er malt av japanske keramikere med ulike mønstre og glasurer.

Japansk maleri

I japansk maleri var det først den monokrome typen malerier som var nært sammenvevd med kalligrafikunsten. Begge ble skapt etter de samme prinsippene. Kunsten å lage maling, blekk og papir kom til Japan fra fastlandet. I denne forbindelse begynte en ny runde med utvikling av malerkunsten. På den tiden var en av typene japansk maleri lange horisontale ruller av emakinomo, som skildret scener fra Buddhas liv. Landskapsmaleriet i Japan begynte å utvikle seg mye senere, hvoretter kunstnere som spesialiserer seg på emner fra sosialt liv, maling av portretter og krigsscener.

I Japan malte de vanligvis på sammenleggbare skjermer, shoji, husvegger og klær. For japanerne er en skjerm ikke bare et funksjonelt element i hjemmet, men også et kunstverk for kontemplasjon, som definerer den generelle stemningen i rommet. Nasjonale klær, kimono, er også et stykke japansk kunst, med en spesiell orientalsk smak. Dekorative paneler på gullfolie med lyse farger kan også klassifiseres som verk av japansk maleri. Japanerne har oppnådd stor dyktighet i å lage ukiyo-e, den såkalte tregraveringen. Emnet for slike malerier var episoder fra livene til vanlige byfolk, kunstnere og geishaer, samt praktfulle landskap, som ble resultatet av utviklingen av malerkunsten i Japan.