Renessansemaleri. Italiensk renessansemaleri Malerier av renessansekunstnere

Renessansen er en av de lyseste i verdens kunsthistorie. Den dekker XIV-XVI århundrer. i Italia, XV-XVI århundrer. i land nord for Alpene. Denne perioden i utviklingen av kultur fikk navnet sitt - renessanse (eller renessanse) - i forbindelse med gjenopplivingen av interessen for gammel kunst, og vendte seg til det som et vakkert ideal, en modell. Men den nye kunsten går selvsagt langt utover etterligningen av fortiden.

Donatello. David. 1430-tallet. Bronse. Nasjonalt museum. Firenze.



Giotto. Klagesang for Kristus. OK. 1305 Fresco av Arena-kapellet. Padova.



S. Botticelli. Vår. OK. 1477-1478 Lerret, olje. Uffizi-galleriet. Firenze.



A. Mantegna. Møte mellom Ludovico og Francesco Gonzaga. Mellom 1471-1474 Fresco på den vestlige veggen av Camera degli Sposi (detalj). Mantova.



Leonardo da Vinci. Portrett av Mona Lisa (den såkalte "La Gioconda"). OK. 1503 Olje på tre. Louvre. Paris.



Leonardo da Vinci. Det siste måltid. 1495-1497 Maleri i olje og tempera på veggen i spisesalen til klosteret Santa Maria delle Grazie (detalj). Milan.



Raphael. Athen skole. 1509-1511 Fresco i Stanza della Senyatura. Vatikanet.



Michelangelo. Delphic Sibyll. 1508-1512 Takfreskomaleri av Det sixtinske kapell (detalj). Vatikanet.





Jan van Eyck. Portrett av ekteparet Arnolfini. 1434 Olje på tre. Nasjonalgalleriet. London.



Hugo van der Goes. Tilbedelse av gjeterne. 1474-1475 Tre, olje. Uffizi-galleriet. Firenze.



A. Durer. Tilbedelse av magiene. 1504 Olje på lerret. Uffizi-galleriet. Firenze.



L. Cranach den eldste. Madonna under epletreet. Etter 1525 Olje på lerret. State Eremitage. Saint Petersburg.



A. Durer. Fire ryttere. 1498 Tresnitt. Fra Apocalypse-serien.

Den kunstneriske kulturen i renessansen tok form i perioden med kulturell oppgang, rask økonomisk vekst, fremveksten av et nytt sosialt system - nedbrytningen av den gamle middelalderske livsstilen og fremveksten av kapitalistiske relasjoner. F. Engels skrev om renessansen: «Det var den største progressive omveltningen av alt menneskeheten har opplevd frem til den tiden, en epoke som trengte titaner og som fødte titaner i form av tankens, lidenskapens og karakterens kraft, av allsidighet og vitenskap.»

Urfolk økonomiske og sosial endring førte til fremveksten av et nytt progressivt verdensbilde - humanisme (fra det latinske ordet humanus - "menneske"). Alle humanister ble inspirert av troen på menneskets skapende krefter, menneskesinnets grenseløse kraft.

På dette tidspunktet blir idealet om en aktiv, viljesterk person dannet og manifestert på forskjellige måter. Han er nysgjerrig, full av begjær etter det ukjente, han har en utviklet sans for skjønnhet.

Renessansen reiste forestillingen om menneskesinnet, hans evne til å kjenne verden. Den raske utviklingen av vitenskap - karakteristisk denne perioden. På jakt etter et ideal, ga humanister spesiell oppmerksomhet til menneskehetens historie. Antikkens kultur viste seg å være nærmest deres ambisjoner.

Mange av datidens utdannede mennesker viste likegyldighet til religion. Og selv om kunstnerne hovedsakelig malte på religiøse temaer, så de i religiøse bilder et poetisk uttrykk for menneskers livserfaring samlet opp gjennom århundrene. De fylte de gamle kristne mytene med nytt livsinnhold.

Av alle kulturområder inntok kunsten førsteplassen i Italia. Det var et naturlig kreativt uttrykk for datidens folk.

Renessansens kunst, i likhet med tidligere tidsepoker, hadde som mål å gi en ide om verdens struktur, jordisk og himmelsk. Det nye var at ideene om guddom og himmelske krefter ikke lenger tolkes som et uforståelig skremmende mysterium og, viktigst av alt, er denne kunsten gjennomsyret av tro på mennesket, i kraft av hans sinn, kreative evner.

Renessansens liv var nært forbundet med kunst. Det var dens uatskillelige del, ikke bare som et objekt for kontemplasjon, men som arbeid og kreativitet. Kunsten søkte så å si ikke bare å fylle kirker og palasser, men også å finne et sted for seg selv på bytorg, gatekryss, på husfasadene og i deres interiør. Det var vanskelig å finne en person likegyldig til kunst. Prinser, kjøpmenn, håndverkere, geistlige, munker var ofte folk som var kunnskapsrike innen kunst, kunder og beskyttere av kunstnere. Lånenes generøsitet ble drevet av en tørst etter selvforhøyelse.

Utviklingen av kunst ble i stor grad lettet av det faktum at i store byer raskt akkumulert rikdom. Men enkel suksess ødela ikke selv de mest ivrige artistene for berømmelse og profitt, siden det strenge grunnlaget for laugsorganisasjonen kunstnerisk arbeid var fortsatt sterke. Unge mennesker ble opplært ved å jobbe som assistent for en moden mester. Mange kunstnere kunne derfor kunsthåndverket så godt. Kunstverk fra det XV århundre. gjort med omsorg og kjærlighet. Selv i tilfeller der de ikke bærer preg av talent eller genialitet, blir vi alltid beundret av godt håndverk.

Av all kunst tilhørte det første stedet kunst og arkitektur. Ikke rart navnene på de store malerne på XV-tallet. kjent for enhver utdannet person.

Renessansen strakte seg over flere århundrer. Dens tidlige fase i Italia går tilbake til første halvdel av 1400-tallet, men den ble forberedt av hele utviklingen av kunst i andre halvdel av 1200-1300-tallet.

Firenze ble fødestedet til renessansen. Renessansens "fedre" kalles maleren Masaccio, billedhuggeren Donatello, arkitekten F. Brunelleschi. Hver på sin måte, men sammen legger de grunnlaget for en ny kunst. Masaccio, i en alder av rundt 25 år, begynte å male Brancacci-kapellet i kirken Santa Maria del Carmine i Firenze. Bildene han skapte er fulle av menneskeverd, utstyrt med fysisk styrke og skjønnhet. Det viktigste kunstneriske middelet til Masaccio er en kraftig chiaroscuro, en utviklet forståelse av volum. Kunstneren døde før han fylte 30 år, men hans elever og tilhengere fortsatte å søke etter noe nytt innen monumentalt maleri, perspektiv, farger.

I italiensk kunst fra XV århundre. en særegen forståelse av kunstnerisk sannhet utvikles. Malere fortsetter å tegne motivene sine fra kirkelegender, kirkenes vegger er dekorert utelukkende med bibelske scener, men disse scenene overføres til torgene og gatene i italienske byer, og foregår som foran øynene til samtidige, og takket være dette, hverdagen i seg selv får en forhøyet historisk karakter. Artister inkluderer portretter av klienter og til og med selvportretter i legendariske scener. Noen ganger kommer gater med tilfeldige forbipasserende, torg med støyende folkemengder, mennesker i moderne kostymer ved siden av hellige mennesker inn i den pittoreske komposisjonen.

Det viktigste kjennetegnet ved maleri har blitt et vitenskapelig basert perspektiv. Kunstnerne var stolte av henne som en oppdagelse og foraktet sine forgjengere som ikke kjente henne. De kunne bygge komplekse, flerfigurede komposisjoner i tredimensjonalt rom med matematisk presisjon. Riktignok begrenset florentinske malere seg til lineært perspektiv og la knapt merke til luftmiljøets rolle. Imidlertid var den historiske betydningen av oppdagelsen av perspektiv enorm. I hendene på de store malerne ble det et kraftig kunstnerisk verktøy, bidro til å utvide spekteret av fenomener som er gjenstand for kunstnerisk legemliggjøring, til å inkludere rom, landskap og arkitektur i maleriet.

Italiensk maleri fra 1400-tallet - stort sett monumentalt. Det ble utført på veggene ved hjelp av freskomaleriteknikken og, i sin natur, designet for persepsjon på lang avstand. Italienske mestere var i stand til å gi bildene sine en generelt betydelig karakter. De forkastet bagateller og detaljer og så på verden gjennom øynene til mennesker som kan se essensen av en person i hans gest, kroppsbevegelse, holdning.

Grunnleggeren av renessanseskulpturen var Donatello. En av hans viktigste fordeler er gjenopplivingen av den såkalte runde statuen, som la grunnlaget for utviklingen av skulpturen i den påfølgende tiden. Mest modent arbeid Donatello - statue av David (Firenze).

Brunelleschi spilte en avgjørende rolle i utviklingen av renessansearkitektur. Han gjenoppliver den eldgamle forståelsen av arkitektur, uten å forlate middelalderarven samtidig.

Brunelleschi gjenopplivet ordenen, hevet betydningen av proporsjoner og gjorde dem til grunnlaget for ny arkitektur. For å oppnå alt dette ble han hjulpet av studiet av romerske ruiner, som han nøye målte og kjærlig kopierte. Men dette var ikke en blind etterligning av antikken. I bygningene bygget av Brunelleschi (Barnehjemmet, Pazzi-kapellet i Firenze, etc.), er arkitekturen fylt med den spiritualiteten som var ukjent for de gamle.

Italienerne hadde stor interesse for proporsjoner i kunst, først og fremst innen arkitektur. Kreasjonene deres gleder betrakteren med proporsjonaliteten til skjemaene. Den gotiske katedralen er allerede vanskelig å se på grunn av sin gigantiske størrelse; Renessansebygninger ser ut til å bli omfavnet av et enkelt blikk, noe som gjør det mulig å sette pris på den fantastiske proporsjonaliteten til delene deres.

Masaccio, Donatello, Brunelleschi var langt fra alene i sin søken. Samtidig jobbet mange utmerkede artister med dem. Neste generasjon Renessansekunstnere i andre halvdel av 1400-tallet. beriker den nye kunsten og fremmer dens utbredte spredning. I tillegg til Firenze, hvor S. Botticelli var datidens viktigste mester, oppsto nye kunstsentre og lokale skoler i Umbria, Nord-Italia og Venezia. Slike store mestere som Antonello da Messina, A. Mantegna, Giovanni Bellini og mange andre jobbet her.

Monumentene som ble opprettet i Italia på begynnelsen av 1400- og 1500-tallet utmerker seg ved perfeksjon og modenhet. Denne perioden med den høyeste blomstringen av italiensk kunst kalles ofte høyrenessansen. Blant den tallrike hæren av begavede mestere på denne tiden, er det de som med rette kalles genier. Disse er Leonardo da Vinci, Rafael Santi, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, Giorgione, Titian, A. Palladio handler noe senere. Historien til denne perioden er i stor grad historien til arbeidet til disse mestrene.

De to siste tredjedeler av 1500-tallet kalt senrenessansen. Dette er en periode med økt føydal reaksjon. Den katolske kirke kunngjør en kampanje mot humanisme i alle dens manifestasjoner. Krisen slukte også kunsten. Kunstnere begrenser seg som regel til å låne motivene og teknikkene til de store mestrene. Det er mye raffinement, skarphet, ynde i verkene deres, men noen ganger kommer bitterhet, likegyldighet gjennom, de mangler varme og naturlighet. På slutten av XVI århundre. krisen forsterkes. Kunsten blir mer regulert, hoffmann. Og på den tiden jobbet store kunstnere - Titian, Tintoretto, men de var bare store ensomme.

Krisen i renessansekulturen betydde selvsagt ikke at renessansens arv gikk tapt; den fortsatte å tjene som et eksempel og målestokk for kultur. Påvirkningen fra italiensk renessansekunst er enorm. Den finner et svar i Frankrike, Spania, Tyskland, England, Russland.

I Nederland, Frankrike og Tyskland var også 1400- og 1500-tallet preget av fremveksten av kunst, spesielt maleri. Dette er perioden for den såkalte nordrenessansen.

Allerede i XIII-XIV århundrer. frihandel og håndverksbyer har utviklet seg her, handelen utvikler seg. På slutten av XV århundre. kultursentrene i nord styrker sine bånd med Italia. Her fant artister forbilder. Men selv i Italia jobbet nederlandske mestere og ble høyt verdsatt. Italienerne ble spesielt tiltrukket av det nye oljemaleriet og tresnittene.

Gjensidig påvirkning utelukker ikke originaliteten som kjennetegner kunsten fra den nordlige renessansen. Her er de gamle tradisjonene for gotisk kunst mer fast bevart. Kampen for humanistiske idealer i disse landene var mer skarp karakter. Bondekrigen i Tyskland på begynnelsen av 1500-tallet, som hisset opp hele Vest-Europa, bidro til at kunsten i nord fikk et mer merkbart preg av folket. Den italienske og nordlige renessansen, med alle sine forskjeller, er som det var to kanaler av samme bekk.

Den største nederlandske maleren på XV-tallet. - Jan van Eyck. Virkelig talentfulle mestere var Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes, Memling, Luke av Leiden. Arbeidet til Pieter Brueghel den eldre er toppen av kunsten fra den nordlige renessansen på midten av 1500-tallet.

I Tyskland var den største eksponenten for den tyske renessansen Albrecht Dürer. Men ikke den eneste. Slike bemerkelsesverdige kunstnere som Mathis Nithardt, Lucas Cranach den eldre, Hans Holbein den yngre og andre jobbet her.

Revolusjonen som ble gjort i renessansen innen åndelig kultur og kunst var av stor historisk betydning. Aldri før i Vest-Europa har kunsten inntatt en så fremtredende plass i samfunnet. I løpet av de neste tre århundrene utviklet europeisk kunst seg på grunnlag av prinsippene vedtatt og legitimert av renessansens kunstnere. Renessansens kunst beholder sin attraktive kraft også i dag.

I vanskelige tider for Italia begynner den korte "gullalderen" til den italienske renessansen - den såkalte høyrenessansen, høyeste punkt blomstrende italiensk kunst. Høyrenessansen falt dermed sammen med perioden med den harde kampen til de italienske byene for uavhengighet. Kunsten på denne tiden var gjennomsyret av humanisme, tro på menneskets skapende krefter, på dets ubegrensede muligheter, på verdens rasjonelle ordning, på fremskritts triumf. I kunsten, problemene med borgerplikt, høye moralske egenskaper, heltemot, bildet av det vakre, harmonisk utviklet, sterk i ånden og kroppen til en menneskelig helt som klarte å heve seg over hverdagens nivå. Jakten på et slikt ideal førte kunsten til syntese, generalisering, til avsløringen av de generelle mønstrene av fenomener, til identifiseringen av deres logiske sammenkobling. Høyrenessansens kunst gir avkall på detaljer, mindre detaljer i navnet til et generalisert bilde, i navnet til å strebe etter en harmonisk syntese av livets vakre aspekter. Dette er en av hovedforskjellene Høyrenessanse fra tidlig.

Leonardo da Vinci (1452-1519) var den første kunstneren som visuelt legemliggjorde denne forskjellen. Leonardos første lærer var Andrea Verrocchio. Figuren av en engel på bildet av læreren "Dåp" demonstrerer allerede tydelig forskjellen i oppfatningen av verden av kunstneren fra den siste tiden og ny tid: ingen frontal flathet av Verrocchio, den fineste lys- og skyggemodelleringen av volum og ekstraordinær spiritualitet i bildet. . Da de forlot verkstedet til Verrocchio, tilskriver forskere "Madonna med en blomst" ("Madonna Benois", som det ble kalt før, ved navn på eierne). I løpet av denne perioden ble Leonardo utvilsomt påvirket av Botticelli i noen tid. Fra 80-tallet av XV-tallet. to uferdige komposisjoner av Leonardo er bevart: "The Adoration of the Magi" og "St. Jerome." Sannsynligvis, på midten av 80-tallet, ble Madonna Litta også skapt i den gamle temperateknikken, i bildet som typen Leonards kvinnelig skjønnhet: tunge halvt hengende øyelokk og et knapt merkbart smil gir ansiktet til Madonna en spesiell spiritualitet.

Kombinere vitenskapelige og kreative prinsipper, inneha både logiske og kunstnerisk tenkning, Leonardo var engasjert i vitenskapelig forskning hele livet sammen med kunst; distrahert virket han treg og etterlot seg få kunstverk. Ved domstolen i Milan jobbet Leonardo som kunstner, vitenskapelig tekniker, oppfinner, matematiker og anatom. Det første store verket han fremførte i Milano var Madonna of the Rocks (eller Madonna in the Grotto). Dette er den første monumentale altersammensetning Høyrenessanse, interessant også fordi den fullt ut uttrykte funksjonene i Leonard-skrivestilen.

mest flott jobb Leonardo i Milano, den høyeste prestasjonen av hans kunst var å male veggen til spisesalen til klosteret Santa Maria della Grazie på tomten til Nattverden (1495-1498). Kristus inn sist møter til middag med elevene sine for å kunngjøre for dem om sviket til en av dem. For Leonardo eksisterte kunst og vitenskap uatskillelig. Han var engasjert i kunst, gjorde vitenskapelige undersøkelser, eksperimenter, observasjoner, han gikk gjennom perspektivet inn i feltet optikk og fysikk, gjennom problemene med proporsjoner - inn i anatomi og matematikk osv. Nattverden fullfører et helt stadium i kunstnerens Vitenskapelig forskning. Det er også et nytt stadium i kunsten.

Fra å studere anatomi, geometri, befestning, melioration, lingvistikk, versifisering, musikk, brøt Leonardo bort for å jobbe med "Hest" - ryttermonumentet til Francesco Sforza, som han først og fremst kom til Milano og som han opptrådte for i full størrelse tidlig på 90-tallet i leire. Monumentet var ikke bestemt til å bli legemliggjort i bronse: i 1499 invaderte franskmennene Milano og armbrøstskytterne fra Gascon skjøt ned ryttermonumentet. Fra 1499 begynte årene med Leonardos vandringer: Mantua, Venezia og til slutt kunstnerens hjemby - Firenze, hvor han malte pappen "St. Anna med Maria på knærne", ifølge hvilken han lager et oljemaleri i Milano (hvor han kom tilbake i 1506)

I Firenze begynte Leonardo med et annet maleri: et portrett av kona til kjøpmannen del Giocondo Mona Lisa, som ble en av de mest kjente malerier i verden.

Portrett av Mona Lisa Gioconda er et avgjørende skritt i utviklingen av renessansekunst

For første gang kom portrettsjangeren på samme nivå med komposisjoner om religiøse og mytologiske temaer. Med alle de udiskutable fysiognomiske likhetene, ble portrettene av Quattrocento preget, om ikke av ytre, så av indre begrensninger. Majesteten til Monet Lisa er allerede kommunisert ved en sammenligning av hennes sterkt avanserte til kanten av lerretet, fremhevet tredimensjonal figur med et landskap med steiner og bekker synlige som fra avstand, smeltende, forlokkende, unnvikende og derfor med alle realiteten til motivet, fantastisk.

Leonardo i 1515, etter forslag fra den franske kongen Frans I, drar til Frankrike for alltid.

Leonardo var den største kunstneren i sin tid, et geni som åpnet nye kunsthorisonter. Han etterlot seg få verk, men hvert av dem var en scene i kulturhistorien. Leonardo er også kjent som en allsidig vitenskapsmann. Hans vitenskapelige oppdagelser, for eksempel hans forskning innen fly, er av interesse i vår tidsalder for astronautikk. Tusenvis av sider av Leonardos manuskripter, som dekker bokstavelig talt alle kunnskapsområder, vitner om universaliteten til hans geni.

Ideene til renessansens monumentale kunst, der antikkens tradisjoner og kristendommens ånd smeltet sammen, fant sitt mest levende uttrykk i Rafaels verk (1483-1520). I hans kunst fant to hovedoppgaver en moden løsning: den plastiske perfeksjonen av menneskekroppen, som uttrykker den indre harmonien til en omfattende utviklet personlighet, der Raphael fulgte antikken, og en kompleks flerfigurskomposisjon som formidler hele mangfoldet av verden. Raphael beriket disse mulighetene, og oppnådde fantastisk frihet i å skildre rom og bevegelse i det. menneskelig skikkelse, upåklagelig harmoni mellom miljøet og mennesket.

Ingen av renessansens mestere oppfattet antikkens hedenske essens så dypt og naturlig som Rafael; ikke uten grunn regnes han som den kunstneren som best koblet de gamle tradisjonene med den nye tidens vesteuropeiske kunst.

Raphael Santi ble født i 1483 i byen Urbino, et av sentrene kunstnerisk kultur Italia, ved hoffet til hertugen av Urbino, i familien til en hoffmaler og poet, som var den første læreren til den fremtidige mesteren

Den tidlige perioden av Raphaels arbeid karakteriserer perfekt ikke stort bilde i form av Conestabile Madonna-tondo, med sin enkelhet og konsise av strengt utvalgte detaljer (for all komposisjonens skyhet) og det spesielle, som ligger i alle Raphaels verk, subtile lyrikk og en følelse av fred. I 1500 forlot Raphael Urbino til Perugia for å studere i studioet til den berømte umbriske kunstneren Perugino, under hvis innflytelse The Trolovelse of Mary (1504) ble skrevet. En følelse av rytme, proporsjonalitet av plastmasser, romlige intervaller, forholdet mellom figurer og bakgrunn, koordineringen av hovedtonene (i "Forlovelsen" er disse gylne, røde og grønne i kombinasjon med en blekblå bakgrunn av himmelen ) og skape harmonien som allerede vises i de tidlige verkene til Raphael og skiller ham fra kunstnerne fra forrige gang.

Gjennom hele livet leter Raphael etter dette bildet i Madonnaen, hans mange verk, som tolker bildet av Madonnaen, har gitt ham verdensomspennende berømmelse. Fortjenesten til artisten er først og fremst at han klarte å legemliggjøre alle de mest subtile nyanser av følelser i ideen om morskap, for å kombinere lyrikk og dyp emosjonalitet med monumental storhet. Dette kan sees i alle hans Madonnaer, og starter med den ungdommelig sjenerte Conestabile Madonna: i Madonna i det grønne, Madonna med gullfink, Madonna i stolen, og spesielt på høyden av Raphael-ånden og dyktigheten - i sixtinske madonna.

"Den sixtinske madonna" er et av de mest perfekte verkene til Raphael når det gjelder språk: Maria-figuren med babyen, strengt tatt mot himmelen, forenes av en felles bevegelsesrytme med figurene til St. Barbarians og pave Sixtus II, hvis bevegelser er vendt til Madonnaen, samt synspunktene til to engler (mer som putti, som er så karakteristisk for renessansen), er nederst i komposisjonen. Figurene er forent av en felles gylden farge, som om de personifiserer den guddommelige utstrålingen. Men det viktigste er typen av ansiktet til Madonna, som legemliggjør syntesen av det eldgamle skjønnhetsidealet med spiritualiteten til det kristne idealet, som er så karakteristisk for høyrenessansens verdensbilde.

Den sixtinske madonna er et senere verk av Raphael.

På begynnelsen av XVI århundre. Roma tar over kultursenter Italia. Høyrenessansens kunst når sitt høydepunkt i denne byen, hvor kunstnere som Bramante, Michelangelo og Raphael arbeider samtidig.

Rafael maler de to første strofene. I Stanza della Senyatura (rommet med signaturer, segl) malte han fire allegorifresker av hovedområdene for menneskelig åndelig aktivitet: filosofi, poesi, teologi og rettsvitenskap. ("The School of Athens", "Parnassus", "Disputation". ", "Mål, visdom og styrke ". I det andre rommet, kalt "strofen til Eliodor", malte Raphael fresker om historiske og legendariske emner som glorifiserer pavene i Roma: "Utdrivelsen av Eliodor"

For kunsten i middelalderen og den tidlige renessansen var det vanlig å skildre vitenskaper og kunst i form av individuelle allegoriske figurer. Raphael løste disse temaene i form av flerfigurskomposisjoner, noen ganger representerte ekte gruppeportretter, interessante både for deres individualisering og typiske.

Studentene hjalp også Raphael med å male loggiaene til Vatikanet ved siden av pavens rom, malt i henhold til skissene hans og under hans tilsyn med motiver av antikke ornamenter, hovedsakelig hentet fra de nylig oppdagede gamle grottene (derav navnet "grotesker") .

Rafael fremførte verk av forskjellige sjangre. Hans talent som dekoratør, så vel som regissør, historieforteller, manifesterte seg fullt ut i en serie på åtte papptepper for Det sixtinske kapell på scener fra apostlene Peter og Paulus (“The Miraculous Catch of Fish”, for eksempel). Disse maleriene i løpet av XVI-XVIII århundrer. fungerte som en slags standard for klassisistene.

Raphael var også den største portrettmaleren i sin tid. ("Pave Julius II", "Leo X", kunstnerens venn forfatteren Castiglione, den vakre "Donna Velata", etc.). Og i hans portrettbilder dominerer som regel indre balanse og harmoni.

På slutten av livet ble Raphael overbelastet med en rekke verk og ordre. Det er til og med vanskelig å forestille seg at alt dette kan gjøres av én person. Han var den sentrale figuren kunstnerisk liv Roma ble etter Bramantes død (1514) hovedarkitekten for katedralen St. Peter, var ansvarlig for arkeologiske utgravninger i Roma og omegn og beskyttelse av gamle monumenter.

Rafael døde i 1520; hans for tidlige død var uventet for hans samtidige. Asken hans er gravlagt i Pantheon.

Høyrenessansens tredje største mester - Michelangelo - overlevde langt Leonardo og Raphael. Den første halvdelen av det kreativ måte faller på storhetstiden til kunsten fra høyrenessansen, og den andre - på tidspunktet for motreformasjonen og begynnelsen av dannelsen av barokkkunst. Av den strålende konstellasjonen av kunstnere fra høyrenessansen, overgikk Michelangelo dem alle med rikdommen til sine bilder, samfunnspatos og følsomhet for endringer i offentlig stemning. Derav den kreative legemliggjørelsen av sammenbruddet av renessanseideer.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) I 1488, i Firenze, begynte han å studere gammel plast nøye. Hans relieff "Battle of the Centaurs" er allerede et produkt av høyrenessansen når det gjelder indre harmoni. I 1496 drar den unge kunstneren til Roma, hvor han lager sine første verk som brakte ham berømmelse: "Bacchus" og "Pieta". Bokstavelig talt fanget av antikkens bilder. "Pieta" - åpner en rekke verk av mesteren om dette emnet og setter ham blant de første skulptørene i Italia.

Da han kom tilbake til Firenze i 1501, påtok Michelangelo på vegne av Signoria å skulpturere Davidsfiguren fra en marmorblokk som ble bortskjemt foran ham av en uheldig billedhugger. I 1504 fullførte Michelangelo den berømte statuen, kalt "kjempen" av florentinerne og plassert av dem foran Palazzo Vecchia, rådhuset. Åpningen av monumentet ble til en nasjonal feiring. Bildet av David inspirerte mange Quattrocento-artister. Men Michelangelo skildrer ham ikke som en gutt, som i Donatello og Verrocchio, men som en ung mann i livets beste alder, og ikke etter slaget, med hodet til en kjempe ved føttene, men før slaget, i øyeblikket av høyeste spenning. I vakkert bilde David, i sitt strenge ansikt, formidlet skulptøren den titaniske kraften til lidenskap, ufleksibel vilje, sivilmot, den grenseløse kraften til en fri mann.

I 1504 begynner Michelangelo (som allerede nevnt i forbindelse med Leonardo) å jobbe med maleriet av "Hall of Five Hundred" i Palazzo Signoria

I 1505 inviterte pave Julius II Michelangelo til Roma for å bygge sin egen grav, men avslo deretter ordren og beordret et mindre grandiost maleri av taket i Det sixtinske kapell ved Vatikanpalasset.

Michelangelo jobbet alene med å male taket til Det sixtinske kapell, fra 1508 til 1512, og malte et område på rundt 600 kvadratmeter. m (48x13 m) i en høyde på 18 m.

Michelangelo viet den sentrale delen av taket til scenene i hellig historie, fra verdens skapelse. Disse komposisjonene er innrammet av en gesims malt på samme måte, men skaper en illusjon av arkitektur, og er adskilt, også av pittoreske, stenger. Pittoreske rektangler understreker og beriker den virkelige arkitekturen til taket. Under den pittoreske gesimsen malte Michelangelo profetene og sibyllene (hver figur er omtrent tre meter), i lunettene (buene over vinduene) skildret han episoder fra Bibelen og Kristi forfedre som vanlige folk opptatt med daglige aktiviteter.

De ni sentrale komposisjonene utfolder hendelsene i de første dagene av skapelsen, historien om Adam og Eva, den globale vannflommen, og alle disse scenene er faktisk en hymne til mennesket, innebygd i ham. Julius II døde kort tid etter at arbeidet var ferdig i Sixtina, og arvingene hans vendte tilbake til ideen om en gravstein. I 1513-1516. Michelangelo fremfører figuren til Moses og slaver (fanger) for denne gravsteinen. Bildet av Moses er et av de sterkeste i arbeidet til en moden mester. Han investerte i ham drømmen om en klok, modig leder, full av titanisk styrke, uttrykk, viljekvaliteter, så nødvendig for foreningen av hjemlandet hans. Figurene til slaver ble ikke inkludert i den endelige versjonen av graven.

Fra 1520 til 1534 arbeider Michelangelo med et av de mest betydningsfulle og mest tragiske skulpturverkene - på graven til Medici (den florentinske kirken San Lorenzo), som uttrykker alle opplevelsene som i denne perioden falt til del av både mestre seg selv og sine hjemby og hele landet som helhet. Siden slutten av 1920-tallet har Italia bokstavelig talt blitt revet i stykker av både ytre og indre fiender. I 1527 beseiret innleide soldater Roma, protestanter plyndret katolske helligdommer evig stad. Det florentinske borgerskapet styrter Medici, som regjerte igjen fra 1510.

I en stemning av alvorlig pessimisme, i en tilstand av økende dyp religiøsitet, jobber Michelangelo med graven til Medici. Han bygger selv en utvidelse til den florentinske kirken San Lorenzo - et lite, men veldig høyt rom, dekket med en kuppel, og dekorerer to vegger i sakristiet (dets indre) med skulpturelle gravsteiner. Den ene veggen er dekorert med figuren til Lorenzo, den motsatte - Giuliano, og nederst ved føttene deres er det plassert sarkofager, dekorert med allegoriske skulpturelle bilder - symboler på den flyktige tiden: "Morgen" og "Kveld" - i gravsteinen til Lorenzo, "Netter og dag" - i gravsteinen til Giuliano .

Begge bildene - Lorenzo og Giuliano - har ingen portrettlikhet, og det er derfor de skiller seg fra de tradisjonelle beslutningene på 1400-tallet.

Umiddelbart etter valget begynte Paul III insisterende å kreve av Michelangelo oppfyllelsen av denne planen, og i 1534, og avbrøt arbeidet med graven, som han fullførte først i 1545, dro Michelangelo til Roma, hvor han begynte sitt andre arbeid i det sixtinske Kapell - til maleriet "Den siste dommen" (1535-1541) - en storslått skapelse som uttrykte menneskehetens tragedie. Funksjoner av den nye kunst system dukket opp i dette arbeidet til Michelangelo enda lysere. Den skapende dommen, den straffende Kristus, er plassert i sentrum av komposisjonen, og rundt den, i en roterende sirkelbevegelse, avbildes syndere som faller i helvete, de rettferdige farer opp til paradiset, de døde står opp fra gravene sine for Guds dom. Alt er fullt av redsel, fortvilelse, sinne, forvirring.

Maler, skulptør, poet, Michelangelo var også en strålende arkitekt. Han henrettet trappene til det florentinske biblioteket i Laurenziana, rammet inn Capitol-plassen i Roma, reiste portene til Pius (Porta Pia), siden 1546 har han jobbet på katedralen St. Peter, startet av Bramante. Michelangelo eier tegningen og tegningen av kuppelen, som ble utført etter mesterens død og fortsatt er en av de viktigste dominantene i panoramaet av byen.

Michelangelo døde i Roma i en alder av 89. Liket hans ble ført ut om natten til Firenze og gravlagt i den eldste kirken i hjembyen Santa Croce. Den historiske betydningen av Michelangelos kunst, dens innvirkning på samtid og påfølgende epoker kan neppe overvurderes. Noen utenlandske forskere tolker ham som barokkens første kunstner og arkitekt. Men mest av alt er han interessant som bærer av renessansens store realistiske tradisjoner.

George Barbarelli da Castelfranco, med kallenavnet Giorgione (1477-1510), er en direkte etterfølger av sin lærer og en typisk kunstner fra høyrenessansen. Han var den første på venetiansk jord som vendte seg til litterære temaer, til mytologiske emner. Landskap, natur og den vakre nakne menneskekroppen ble for ham et kunstobjekt og et tilbedelsesobjekt.

Allerede i det første kjente verket, «Madonnaen av Castelfranco» (ca. 1505), fremstår Giorgione som en veletablert kunstner; bildet av Madonnaen er fullt av poesi, gjennomtenkt drømmer, gjennomsyret av den stemningen av tristhet som er karakteristisk for alle kvinnelige bilder av Giorgione. I løpet av de siste fem årene av sitt liv skapte kunstneren sine beste verk, utført i oljeteknikk, de viktigste venetiansk skole i den perioden. . I maleriet "Tordenvær" fra 1506 skildrer Giorgione mennesket som en del av naturen. En kvinne som mater et barn, en ung mann med en stav (som kan forveksles med en kriger med en hellebard) er ikke forent av noen handling, men er forent i dette majestetiske landskapet av en felles stemning, en felles sinnstilstand. Spiritualitet og poesi gjennomsyrer bildet av den "sovende Venus" (ca. 1508-1510). Kroppen hennes er skrevet lett, fritt, grasiøst, og det er ikke for ingenting at forskere snakker om «musikaliteten» i Giorgiones rytmer; den er ikke blottet for sensuell sjarm. "Landskonsert" (1508-1510)

Titian Vecellio (1477–1576) - den største artisten Venetiansk renessanse. Han skapte verk om både mytologiske og kristne emner, arbeidet i portrettsjangeren, hans koloristiske talent er eksepsjonelt, hans kompositoriske oppfinnsomhet er uuttømmelig, og hans lykkelige levetid tillot ham å etterlate seg en rik kreativ arv som hadde en enorm innvirkning på ettertiden.

Allerede i 1516 ble han den første maleren i republikken, fra 20-tallet - den mest kjente kunstneren i Venezia

Rundt 1520 bestilte hertugen av Ferrara ham en serie malerier der Titian fremstår som en antikkens sanger som klarte å føle og, viktigst av alt, legemliggjøre hedenskapets ånd (Bacchanal, Venusfest, Bacchus og Ariadne).

Velstående venetianske patrisiere bestiller altertavler fra Titian, og han lager enorme ikoner: «Marias himmelfart», «Madonna Pesaro»

"Å gå inn i Maria i tempelet" (ca. 1538), "Venus" (ca. 1538)

(gruppeportrett av pave Paul III med nevøene Ottavio og Alexander Farnese, 1545-1546)

Han skriver fortsatt mye om eldgamle emner («Venus og Adonis», «Hyrden og nymfen», «Diana og Actaeon», «Jupiter og Antiope»), men oftere og oftere henvender han seg til kristne temaer, til scener med martyrium, der hedensk munterhet, antikk harmoni erstattes av et tragisk verdensbilde ("Flagellation of Christ", "Penitent Mary Magdalene", "St. Sebastian", "Lamentation"),

Men på slutten av århundret er trekkene til en forestående ny æra i kunsten, en ny kunstnerisk retning, allerede åpenbare her. Dette kan sees i arbeidet til to store kunstnere fra andre halvdel av dette århundre - Paolo Veronese og Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, med kallenavnet Veronese (han var fra Verona, 1528-1588), var bestemt til å bli den siste sangeren i det festlige, jublende Venezia på 1500-tallet.

: "Feast in the House of Levi" "Marriage in Cana of Galilea" for refektoriet til klosteret San George Maggiore

Jacopo Robusti, kjent i kunsten som Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto"-farger: kunstnerens far var en silkefarger). "The Miracle of Saint Mark" (1548)

("Salvation of Arsinoe", 1555), "Inngang til tempelet" (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro i Piombino, Villa Rotonda i Vicenza, fullført etter hans død av studenter i henhold til prosjektet hans, mange bygninger i Vicenza). Resultatet av hans studie av antikken var boken "Roman Antiquities" (1554), "Fire bøker om arkitektur" (1570-1581), men antikken var for ham en "levende organisme", ifølge forskerens rettferdige observasjon.

Den nederlandske renessansen i maleri begynner med "Ghent-altertavlen" av brødrene Hubert (død 1426) og Jan (ca. 1390-1441) van Eyck, fullført av Jan van Eyck i 1432. Van Eyck forbedret oljeteknologi: olje gjorde det mulig å mer allsidig formidle glansen, dybden, rikdommen til den objektive verden, tiltrekke seg oppmerksomheten til nederlandske artister, dens fargerike klang.

Av de mange Madonnaene til Jan van Eyck, er den mest kjente Madonnaen til kansler Rollin (ca. 1435)

("Mann med en nellike"; "Mann i en turban", 1433; portrett av kunstnerens kone Marguerite van Eyck, 1439

Ved å løse slike problemer skylder nederlandsk kunst mye til Rogier van der Weyden (1400?-1464). Nedstigningen fra korset er et typisk verk av Weyden.

I andre halvdel av XV århundre. redegjør for arbeidet til mesteren av eksepsjonelt talent Hugo van der Goes (ca. 1435-1482) "The Death of Mary").

Hieronymus Bosch (1450-1516), skaperen av dystre mystiske visjoner, der han også refererer til middelalderens allegori, "Gledens hage"

Høydepunktet i den nederlandske renessansen var utvilsomt arbeidet til Pieter Brueghel den eldre, med kallenavnet Muzhitsky (1525 / 30-1569) ("Kjøkken til de magre", "Kjøkken til overvektige"), "Vinterlandskapet" fra syklusen " Årstidene" (annen tittel - "Hunters in the Snow", 1565), "Battle of Carnival and Lent" (1559).

Albrecht Dürer (1471-1528).

"Rosekransens fest" (et annet navn er "Madonna med rosenkransen", 1506), "Rytteren, døden og djevelen", 1513; "St. Jerome" og "Melankoli",

Hans Holbein den yngre (1497-1543), "Dødens triumf" ("Dødsdansen") portrett av Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480–1538)

Renessanse Lucas Cranach (1472-1553),

Jean Fouquet (cirka 1420-1481), Portrett av Charles VII

Jean Clouet (ca. 1485/88-1541), sønn av Francois Clouet (ca. 1516-1572) er den viktigste franske maleren på 1500-tallet. portrett av Elisabeth av Østerrike, rundt 1571, (portrett av Henry II, Mary Stuart, etc.)

Renessansemaleri

Begynnelsen av renessansemaleriet regnes som Ducentos æra, dvs. XIII århundre. Proto-renessansen er fortsatt nært knyttet til middelalderens romanske, gotiske og bysantinske tradisjoner. Kunstnere fra slutten av XIII - tidlig XIV århundrer. er fortsatt langt fra den vitenskapelige studien av den omkringliggende virkeligheten. De uttrykker ideene sine om det, og bruker fortsatt de betingede bildene av det bysantinske visuelle systemet - steinete åser, symbolske trær, betingede tårn. Men noen ganger blikket arkitektoniske strukturer så nøyaktig gjengitt at det indikerer eksistensen av skisser fra naturen. Tradisjonelle religiøse karakterer begynner å bli avbildet i en verden utstyrt med virkelighetens egenskaper - volum, romlig dybde, materiell materialitet. Jakten på overføringsmetoder på volumplanet og tredimensjonalt rom begynner. Mesterne i denne tiden gjenoppliver det velkjente antikkens prinsipp om chiaroscuro-modellering av former. Takket være det får figurer og bygninger tetthet og volum.

Tilsynelatende var den første som brukte det eldgamle perspektivet den florentinske Cenny di Pepo (data fra 1272 til 1302), med kallenavnet Cimabue. Dessverre mest betydelig arbeid- en serie malerier om temaene Apokalypsen, livet til Maria og apostelen Peter i kirken San Francesco i Assisi har kommet ned til oss nesten i en ødelagt tilstand. Hans alterkomposisjoner, som er i Firenze og i Louvre-museet, er bedre bevart. De går også tilbake til bysantinske prototyper, men de viser tydelig trekkene til en ny tilnærming til religiøst maleri. Cimabue kommer tilbake fra italiensk maleri

XIII århundre, som adopterte de bysantinske tradisjonene, til deres umiddelbare opprinnelse. Han følte i dem det som forble utilgjengelig for hans samtidige - den harmoniske begynnelsen på bildenes sublime hellenske skjønnhet.

Stivhet og skjematikk viker for den musikalske jevnheten i linjene. Madonnaens skikkelse virker ikke lenger ukroppslig. I middelaldermaleri ble engler tolket som tegn, som attributter til Guds mor, de ble avbildet som små symbolske figurer. Fra Cimabue skaffer de seg absolutt ny mening, er inkludert i scenen, er dette vakre unge skapninger, som venter på de grasiøse englene som vil dukke opp sammen med mesterne på 1400-tallet.

Arbeidet til Cimabue var utgangspunktet for de nye prosessene som bestemte videre utvikling maleri. Men kunsthistorien kan ikke forklares i evolusjonære termer alene. Noen ganger er det skarpe hopp i den. Store kunstnere fremstår som dristige innovatører som avviser det tradisjonelle systemet. Giotto di Bondone (1266-1337) bør anerkjennes som en slik reformator i italiensk maleri fra det fjortende århundre. Dette er et geni som hever seg høyt over sine samtidige og mange av sine tilhengere.

Florentinsk av fødsel, jobbet han i mange italienske byer. Det mest kjente av verkene til Giotto som har kommet ned til oss er syklusen av veggmalerier i kapellet del Arena i Padua, dedikert til evangeliets historier om Kristi liv. Dette unike billedensemblet er et av milepælsverkene i historien til Europeisk kunst. I stedet for forskjellige individuelle scener og figurer som er karakteristiske for middelaldermaleri, skapte Giotto en enkelt episk syklus. 38 scener fra Kristi og Marias liv ("Møte mellom Maria og Elizabeth", "Kyss av Judas", "Klagesang", etc.) er forbundet med malerspråket til en enkelt fortelling. I stedet for den vanlige gylne bysantinske bakgrunnen, introduserer Giotto en landskapsbakgrunn. Figurene svever ikke lenger i verdensrommet, men får fast grunn under føttene. Og selv om de fortsatt er inaktive, viser de et ønske om å formidle anatomien til menneskekroppen og bevegelsens naturlighet. Giotto gir formene en nesten skulpturell oppfattbarhet, tyngde, tetthet. Den modellerer relieffet, og fremhever gradvis den viktigste fargerike bakgrunnen. Dette prinsippet om lys- og skyggemodellering, som gjorde det mulig å jobbe med rene, lyse farger uten mørke skygger, ble dominerende i italiensk maleri frem til 1500-tallet.

Reformen som ble gjort i Giottos maleri gjorde et dypt inntrykk på alle hans samtidige.

Giottos innflytelse fikk sin styrke og fruktbarhet først etter et århundre. Kunstnerne i Quattrocento utførte oppgavene som ble satt av Giotto. Stadiet av den tidlige renessansen kalles en triumfperiode i kunsthistorien. Generøsiteten og omfanget av kunstnerisk kreativitet i Italia på 1400-tallet gir inntrykk av en enestående kreativ aktivitet av skulptører og malere.

Herligheten til grunnleggeren av maleriet Quattrocento tilhører den florentinske kunstneren Masaccio, som døde veldig ung (1401-1428). På freskene hans er figurene, malt etter anatomiens lover, forbundet med hverandre og med landskapet. Dens åser og trær går i det fjerne, og danner et naturlig luftmiljø. Menneskenes og naturens liv henger sammen til én helhet, til én enkelt dramatisk handling. Dette er et nytt ord i verdens malerkunst.

Den florentinske skolen forble i lang tid ledende innen kunsten i Italia. Den hadde også en mer konservativ trend. Kunstnerne av denne trenden var munker, så i kunsthistorien ble de kalt kloster. En av de mest kjente blant dem var broren til Giovanni Beato Angelico da Fiesole (1387-1455).

Et karakteristisk trekk ved maleriet til avdøde Quattrocento er mangfoldet av skoler og trender. På dette tidspunktet ble de florentinske, umbiske (Piero dela Francesca, Pinturicchio, Perugino), norditalienske (Mantegni), venetianske (Giovanni Bellini) skoler dannet.

En av de mest fremragende artister Quattrocento - Sandro Botticelli (1445-1510) - en eksponent for de estetiske idealene til hoffet til den berømte tyrannen, politikeren, filantropen, poeten og filosofen Lorenzo de' Medici, med kallenavnet The Magnificent. Retten til denne ukronede suverenen var sentrum for kunstnerisk kultur, og samlet kjente filosofer, vitenskapsmenn og kunstnere.

I kunsten til Botticelli, en slags syntese av middelaldermystikk med den gamle tradisjonen, finner idealene fra gotikken og renessansen sted. I hans mytologiske bilder det er en gjenoppliving av symbolikken. Han skildrer vakre eldgamle gudinner ikke i sensuelle former for jordisk skjønnhet, men i romantiske, spirituelle, sublime bilder. Maleriet som glorifiserte ham er Venus' fødsel. Her ser vi et særegent kvinnebilde av Botticelli, som ikke kan forveksles med verkene til andre kunstnere. Botticelli kombinerte utrolig hedensk sensualitet og økt spiritualitet, skulpturell femininitet og delikat skjørhet, raffinement, lineær nøyaktighet og emosjonalitet, variasjon. Han er en av de mest poetiske kunstnerne i kunsthistorien. Han foretrekker symbolske, allegoriske temaer, liker å drømme, for å uttrykke seg i et hint.

Den tidlige renessansen varte i omtrent et århundre. Den fullføres av perioden med høyrenessansen, som bare utgjør omtrent 30 år. Roma ble hovedsenteret for kunstnerisk liv på denne tiden.

Hvis kunsten til Quattrocento er analyse, søk, oppdagelser, friskheten til et ungdommelig verdensbilde, så er kunsten til høyrenessansen et resultat, en syntese, en klok modenhet. Jakten på et kunstnerisk ideal under Quattrocento-perioden førte kunst til en generalisering, til avsløring av generelle mønstre. Hovedforskjellen mellom høyrenessansens kunst er at den gir avkall på detaljer, detaljer, detaljer i navnet til et generalisert bilde. All erfaring, alle søk etter forgjengere er komprimert av de store mesterne i Cinquecento i en grandiose generalisering.

Bildet av en vakker, viljesterk person er hovedinnholdet i datidens kunst. I motsetning til kunsten på 1400-tallet, er den preget av ønsket om å forstå og legemliggjøre den generelle regelmessigheten til livets fenomener.

Det var epoken med titanene fra renessansen, som ga verdenskulturen arbeidet til Leonardo, Raphael, Michelangelo. I verdenskulturens historie personifiserer disse tre geniene, til tross for all deres ulikhet, kreativ individualitet hovedverdien til den italienske renessansen - harmonien mellom skjønnhet, kraft og intellekt. Livene deres er bevis på endringen i samfunnets holdning til kunstnerens kreative personlighet, som er karakteristisk for renessansen. Mestere i kunst ble fremtredende og verdifulle skikkelser i samfunnet, de ble med rette ansett som de mest utdannede menneskene i sin tid.

Denne egenskapen, kanskje mer enn andre skikkelser fra renessansen, passer for Leonardo da Vinci (1452 - 1519). Han kombinerte kunstnerisk og vitenskapelig genialitet. Leonardo var en vitenskapsmann som studerte naturen ikke for kunstens skyld, men for vitenskapens skyld. Derfor har så få ferdige verker av Leonardo kommet ned til oss. Han startet bilder og forlot dem så snart problemet syntes han var artikulert. Mange av hans observasjoner forutser utviklingen av europeisk vitenskap og maleri i århundrer. Moderne vitenskapelige oppdagelser gir interesse for hans sci-fi-tekniske tegninger.

Hans "Madonna i grotten" er den første monumentale altertavlen fra høyrenessansen. Dette er et stort maleri av et format som er vanlig i renessansemaleri, som ligner et vindu avrundet på toppen.

Et nytt stadium i kunsten var malingen av veggen til refektoriet til klosteret Santa Maria del Grazie på tomten til Nattverden, som ble malt av mange Quattrocento-kunstnere. "Nattverden" - hjørnesteinen klassisk kunst, gjennomførte den programmet for høyrenessansen. Leonardo jobbet med dette stykket i 16 år. Den enorme fresken, hvor figurene er malt halvannen ganger deres naturlige størrelse, har blitt et eksempel på en klok forståelse av lovene for monumentalt maleri knyttet til det virkelige rommet i interiøret. Det legemliggjorde kunstnerens vitenskapelige forskning innen fysikk, optikk, matematikk, anatomi, nødvendig for å løse problemene med proporsjoner og perspektiver i et stort billedrom. Viktigst av alt, det strålende arbeidet til Leonardo har en enorm psykologisk kraft. Ingen av artistene som skildrer Nattverden før Leonardo satte en så vanskelig oppgave – gjennom reaksjonen forskjellige folk, personligheter, temperamenter, emosjonelle reaksjoner viser en enkelt betydning av dette store øyeblikket. 12 apostler, 12 forskjellige karakterer manifesterer seg på forskjellige måter i øyeblikket av åndelig omveltning. Gjennom deres følelsesmessige reaksjoner, uttrykt i bevegelsen, avsløres menneskets evige spørsmål: om kjærlighet og hat, hengivenhet og svik, adel og ondskap.

Et av de mest kjente maleriene i verden var verket til Leonardo "La Gioconda". Dette portrettet av kona til kjøpmannen del Giocondo har vakt oppmerksomhet i århundrer, hundrevis av sider med kommentarer har blitt skrevet om ham, han ble kidnappet, forfalsket, kopiert, han ble kreditert med trolldomskraft. Det unnvikende ansiktsuttrykket til Mona Lisa trosser nøyaktig beskrivelse og gjengivelse. Dette portrettet har blitt et mesterverk innen renessansekunst.

For første gang i verdenskunstens historie har portrettsjangeren steget til samme nivå som komposisjoner over et religiøst tema.

Ideene til renessansens monumentale kunst fant et levende uttrykk i arbeidet til Raphael Santi (1483-1520). Leonardo opprettet klassisk stil, Raphael godkjente og populariserte den. Raphaels kunst blir ofte definert som den "gyldne middelvei".

Raphaels arbeid kjennetegnes av klassikernes kvaliteter - klarhet, edel enkelhet, harmoni. Med all sin essens er den forbundet med renessansens åndelige kultur. Han var 30 år yngre enn Leonardo, og døde nesten samtidig med ham, etter å ha gjort så mye i kunsthistorien at det er vanskelig å forestille seg at én person kunne gjøre alt dette. En allsidig kunstner, arkitekt, veggmaler, mester i portretter og komposisjon med flere figurer, en talentfull dekoratør, han var en sentral skikkelse i Romas kunstneriske liv. Høydepunktet for hans dyktighet var "den sixtinske madonna", skrevet i 1516 for benediktinerklosteret i Piacenza (nå er bildet i Dresden). For mange er det et mål på det vakreste kunst kan skape.

Denne alterkomposisjonen har i århundrer blitt oppfattet som en formel for skjønnhet og harmoni. En tragisk følelse kommer fra de utrolig åndelige ansiktene til Madonnaen og babyguden, som hun gir som soning for menneskelige synder. Madonnas blikk rettes så å si gjennom betrakteren, det er fullt av sørgmodig framsyn. Dette bildet legemliggjør syntesen av det eldgamle skjønnhetsidealet med spiritualiteten til det kristne idealet.

Den historiske fordelen ved Rafaels kunst er at han koblet to verdener til en helhet – den kristne verden og den hedenske verden. Siden den gang har det nye kunstneriske idealet vært godt etablert i religiøs kunst Vest-Europa.

Renessanseskulptur

Det lyse geniet til Raphael var langt fra psykologisk dybde indre verden menneskelig, som Leonardo, men enda mer fremmed for det tragiske verdensbildet til Michelangelo. Michelangelo Buonarroti (1475-1564) levde et langt, vanskelig og heroisk liv. Hans geni manifesterte seg i arkitektur, maleri, poesi, men tydeligst i skulptur. Han oppfattet verden plastisk, på alle kunstens områder er han først og fremst en skulptør. Menneskekroppen virker for ham som det mest verdige motivet i bildet. Men dette er en mann av en spesiell, mektig, heroisk rase. Kunsten til Michelangelo er dedikert til glorifiseringen av den menneskelige fighter, hans heroiske aktivitet og lidelse. Hans kunst er preget av gigantomania, en titanisk begynnelse. Dette er kunsten til torg, offentlige bygninger, og ikke palasshaller, kunst for folket, og ikke for hoffaristokrater.

1400-tallet er storhetstiden for monumental skulptur i Italia. Det etterlater interiøret på fasadene til kirker og sivile bygninger, på torget i byen blir en del av byens ensemble.

En av de tidligste og mest kjente verk Michelangelo - en fem meter lang statue av David på torget i Firenze, som symboliserer den unge Davids seier over den gigantiske Goliat. Åpningen av monumentet ble til en nasjonal feiring, fordi florentinerne så i David en helt nær dem, en borger og forsvarer av republikken.

Renessanseskulptører vendte seg ikke bare til tradisjonelle Kristne bilder men også til levende mennesker, samtidige. Med dette ønsket om å forevige bildet av en ekte samtid, er utviklingen av sjangeren skulpturelt portrett, gravstein, portrettmedalje, rytterstatue forbundet. Disse skulpturene prydet torgene i byer, og endret utseendet deres.

Renessanseskulptur vender tilbake til de gamle tradisjonene innen plastisk kunst. monumenter antikk skulptur bli et studieobjekt, en modell av plastisk språk. Skulptur før maling avviker fra middelalderens kanoner og begir seg ut på en ny utviklingsvei. Kanskje dette skyldes stedet hun okkuperte i middelaldertempler. Under byggingen av store katedraler ble det opprettet verksteder som trente skulptørene-dekoratørene som fant sted her god trening. Verkstedene til skulptører var de ledende sentrene for kunstnerisk liv og spilte en viktig rolle i studiet av antikken og menneskekroppens anatomi. Prestasjonene til skulptur fra den tidlige renessansen hadde stor innflytelse på malere som oppfattet en levende person gjennom plastisitetens prisme. Renessansens skulptører oppnår den fulle betydningen av menneskekroppen, de frigjør den fra under massen av klær der figurene var skjult av middelaldersk gotikk. Veien som Hellas tok på tre århundrer ble fullført av tre generasjoner mestere i renessansen.

Renessansemaleri er det gyldne fondet for ikke bare europeisk, men også verdenskunst. Renessanseperioden erstattet den mørke middelalderen, underordnet margen av bein til kirkens kanoner, og gikk forut for den påfølgende opplysningstiden og den nye tiden.

Beregn varigheten av perioden er avhengig av landet. Tiden med kulturell oppblomstring, som den vanligvis kalles, begynte i Italia på 1300-tallet, og først da spredte den seg over hele Europa og nådde sitt klimaks mot slutten av 1400-tallet. Historikere deler denne perioden i kunst inn i fire stadier: Proto-renessanse, tidlig, høy og senere renessansen. Av spesiell verdi og interesse er selvfølgelig italiensk renessansemaleri, men franske, tyske og nederlandske mestere bør ikke overses. Det er om dem i sammenheng med renessansens tidsperioder artikkelen vil diskutere videre.

Proto-renessanse

Proto-renessansen varte fra andre halvdel av 1200-tallet. på 1300-tallet Det er nært knyttet til middelalderen, i det sene stadiet som det oppsto. Proto-renessansen er forløperen til renessansen og kombinerer bysantinske, romanske og gotiske tradisjoner. Først av alt dukket trendene i den nye tiden opp i skulptur, og først da i maleri. Sistnevnte var representert av to skoler i Siena og Firenze.

Periodens hovedfigur var maleren og arkitekten Giotto di Bondone. Representanten for den florentinske malerskolen ble en reformator. Han skisserte veien den videre utviklet seg langs. Egenskaper ved renessansemaleri har sin opprinnelse nettopp i denne perioden. Det er generelt akseptert at Giotto lyktes i å overvinne i sine arbeider stilen til ikonmaleri som er vanlig for Bysants og Italia. Han gjorde rommet ikke todimensjonalt, men tredimensjonalt, ved å bruke chiaroscuro for å skape en illusjon av dybde. På bildet er maleriet "Kiss of Judas".

Representanter for den florentinske skolen sto ved opprinnelsen til renessansen og gjorde alt for å bringe maleriet ut av den lange middelalderske stagnasjonen.

Proto-renessansen ble delt inn i to deler: før og etter hans død. Fram til 1337 jobber de lyseste mesterne og de viktigste oppdagelsene finner sted. Etter at Italia dekker pestepidemien.

Renessansemaleri: Kort om den tidlige perioden

Den tidlige renessansen dekker en periode på 80 år: fra 1420 til 1500. På dette tidspunktet avviker den fortsatt ikke helt fra tidligere tradisjoner og er fortsatt assosiert med middelalderens kunst. Imidlertid er pusten av nye trender allerede følt, mesterne begynner å vende seg til elementene i den klassiske antikken oftere. Til syvende og sist forlater kunstnere middelalderstilen fullstendig og begynner dristig å bruke de beste eksemplene på gammel kultur. Legg merke til at prosessen var ganske treg, steg for steg.

Fremragende representanter for den tidlige renessansen

Arbeidet til den italienske kunstneren Piero dela Francesca tilhører helt og holdent perioden av den tidlige renessansen. Hans verk er preget av adel, majestetisk skjønnhet og harmoni, nøyaktighet av perspektiv, myke farger fylt med lys. I de siste årene av sitt liv, i tillegg til å male, studerte han matematikk i dybden og skrev til og med to av sine egne avhandlinger. En annen student var kjent maler, Luca Signorelli, og stilen ble reflektert i arbeidet til mange umbriske mestere. På bildet ovenfor, et fragment av en freskomaleri i kirken San Francesco i Arezzo "The History of the Queen of Sheba."

Domenico Ghirlandaio er en annen fremtredende representant for den florentinske skolen for renessansemaleri. tidlig periode. Han var grunnleggeren av et kjent kunstnerisk dynasti og leder av verkstedet der den unge Michelangelo startet. Ghirlandaio var en berømt og vellykket mester, som ikke bare var engasjert i freskomalerier (Tornabuoni-kapellet, Sixtinsk), men også i staffelimaleri ("Adoration of the Magi", "Nativity", "Old Man with his Grandson", "Portrait" av Giovanna Tornabuoni" - på bildet nedenfor).

Høyrenessanse

Denne perioden, hvor det var en storslått stilutvikling, faller på årene 1500-1527. På denne tiden flyttet senteret for italiensk kunst til Roma fra Firenze. Dette skyldes oppstigningen til den pavelige trone til den ambisiøse, driftige Julius II, som tiltrakk seg de beste kunstnerne i Italia til hoffet sitt. Roma ble noe sånt som Athen på Perikles tid og opplevde en utrolig vekst og byggeboom. Samtidig er det harmoni mellom kunstens grener: skulptur, arkitektur og maleri. Renessansen førte dem sammen. De ser ut til å gå hånd i hånd, utfylle hverandre og samhandle.

Antikken blir studert grundigere under høyrenessansen og gjengitt med maksimal nøyaktighet, strenghet og konsistens. Verdighet og ro erstatter kokett skjønnhet, og middelaldertradisjoner er helt glemt. Renessansens høydepunkt markerer arbeidet til de tre største italienske mestere: Raphael Santi (maleri "Donna Velata" på bildet over), Michelangelo og Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - på det første bildet).

Sen renessanse

Senrenessansen dekker perioden i Italia fra 1530-tallet til 1590-1620-tallet. Kunstkritikere og historikere reduserer denne tids verk til en fellesnevner med høy grad av konvensjonalitet. Sør Europa var under påvirkning av motreformasjonen som triumferte i den, som med stor frykt oppfattet enhver fritenking, inkludert gjenoppstandelsen av antikkens idealer.

Florence så dominansen til mannerismen, preget av konstruerte farger og brutte linjer. Men i Parma, hvor Correggio jobbet, fikk han først etter mesterens død. hadde sin egen utviklingsvei Venetiansk maleri sen renessanseperiode. Palladio og Titian, som jobbet der til 1570-tallet, er dens lyseste representanter. Arbeidet deres hadde ingenting å gjøre med de nye trendene i Roma og Firenze.

Nordrenessansen

Dette begrepet brukes for å karakterisere renessansen i hele Europa, som var utenfor Italia generelt og spesielt i de germanske landene. Den har en rekke funksjoner. Den nordlige renessansen var ikke homogen og var i hvert land preget av spesifikke trekk. Kunstkritikere deler det inn i flere områder: fransk, tysk, nederlandsk, spansk, polsk, engelsk, etc.

Oppvåkningen av Europa gikk på to måter: utvikling og spredning av et humanistisk sekulært verdensbilde, og utvikling av ideer for fornyelse av religiøse tradisjoner. Begge rørte, noen ganger smeltet sammen, men var samtidig antagonister. Italia valgte den første veien, og Nord-Europa den andre.

Nordens kunst, inkludert maleri, ble praktisk talt ikke påvirket av renessansen før i 1450. Fra 1500 spredte den seg over hele kontinentet, men noen steder ble innflytelsen fra sengotikken bevart helt til barokkens begynnelse.

Den nordlige renessansen er preget av en betydelig innflytelse fra den gotiske stilen, mindre nøye oppmerksomhet til studiet av antikken og menneskets anatomi, med en detaljert og nitid skriveteknikk. Reformasjonen hadde en viktig ideologisk innflytelse på ham.

Fransk nordrenessanse

Nærmest italiensk er fransk maleri. Renessansen for kulturen i Frankrike ble milepæl. På denne tiden styrket monarkiet og de borgerlige forholdene aktivt, middelalderens religiøse ideer forsvinner i bakgrunnen, og viker for humanistiske tendenser. Representanter: Francois Quesnel, Jean Fouquet (bildet er et fragment av mesterens Melun-diptyk), Jean Cluz, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

tysk og nederlandsk nordrenessanse

Fremragende verk fra den nordlige renessansen ble skapt av tyske og flamsk-nederlandske mestere. Religion spilte fortsatt en betydelig rolle i disse landene, og den påvirket maleriet sterkt. Renessansen gikk i Nederland og Tyskland på en annen måte. I motsetning til arbeidet til de italienske mestrene, satte ikke kunstnerne i disse landene mennesket i sentrum av universet. Gjennom nesten hele XV århundre. de fremstilte ham i gotisk stil: lett og eterisk. De mest fremtredende representantene for den nederlandske renessansen er Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, tysk - Albert Dürer, Lucas Cranach den eldre, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

På bildet, A. Dürers selvportrett, 1498

Til tross for at verkene til de nordlige mestrene skiller seg betydelig fra verkene til italienske malere, er de uansett anerkjent som uvurderlige utstillinger av kunst.

Renessansemaleriet er, som all kultur for øvrig, preget av en sekulær karakter, humanisme og såkalt antroposentrisme, eller med andre ord en overordnet interesse for mennesket og dets virksomhet. I denne perioden var det ekte storhetstid interesse for gammel kunst, og det ble en gjenopplivning av den. Tiden ga verden en hel galakse av strålende skulptører, arkitekter, forfattere, poeter og kunstnere. Aldri før eller siden har kulturell oppblomstring vært så utbredt.

Under renessansen skjer det mange endringer og oppdagelser. Nye kontinenter utforskes, handel utvikles, viktige ting blir funnet opp, som papir, et marint kompass, krutt og mange andre. Endringer i maleriet var også av stor betydning. Renessansemalerier fikk enorm popularitet.

De viktigste stilene og trendene i mesters verk

Perioden var en av de mest fruktbare i kunsthistorien. Mesterverk av et stort antall fremragende mestere finnes i dag i forskjellige kunstsentre. Innovatører dukket opp i Firenze i første halvdel av det femtende århundre. Deres renessansemalerier var preget av begynnelsen ny æra i kunsthistorien.

På denne tiden blir vitenskap og kunst veldig nært knyttet. Kunstnere forskere søkte å mestre den fysiske verden. Malere prøvde å bruke mer nøyaktige ideer om menneskekroppen. Mange kunstnere strebet etter realisme. Stilen begynner med Leonardo da Vincis The Last Supper, som han malte i løpet av nesten fire år.

Et av de mest kjente verkene

Det ble malt i 1490 for refektoriet til klosteret Santa Maria delle Grazie i Milano. Lerretet representerer Jesu siste måltid med disiplene før han ble tatt til fange og drept. Samtidige som så på kunstnerens arbeid i denne perioden, la merke til hvordan han kunne male fra morgen til kveld uten engang å stoppe for å spise. Og så kunne han forlate maleriet sitt i flere dager og ikke nærme seg det i det hele tatt.

Kunstneren var veldig bekymret for bildet av Kristus selv og forræderen Judas. Da bildet endelig var ferdig, ble det med rette anerkjent som et mesterverk. «The Last Supper» er en av de mest populære den dag i dag. Renessansereproduksjoner har alltid vært etterspurt, men dette mesterverket er preget av utallige kopier.

Et anerkjent mesterverk, eller det mystiske smilet til en kvinne

Blant verkene skapt av Leonardo i det sekstende århundre er et portrett kalt "Mona Lisa", eller "La Gioconda". I moderne tid er dette kanskje det mest kjente maleriet i verden. Hun ble populær hovedsakelig på grunn av det unnvikende smilet i ansiktet til kvinnen avbildet på lerretet. Hva førte til et slikt mysterium? Mesterens dyktige arbeid, evnen til å skygge hjørnene av øynene og munnen så dyktig? Den nøyaktige naturen til dette smilet kan ikke bestemmes før nå.

Ute av konkurranse og andre detaljer i dette bildet. Det er verdt å ta hensyn til hendene og øynene til en kvinne: med hvilken nøyaktighet reagerte kunstneren på de minste detaljene på lerretet når han skrev det. Ikke mindre interessant er det dramatiske landskapet i bakgrunnen av bildet, en verden der alt ser ut til å være i endring.

En annen kjent representant for maleri

Ikke mindre enn kjent representant Renessanse - Sandro Botticelli. Dette er en stor italiensk maler. Hans renessansemalerier er også enormt populære blant et stort spekter tilskuere. "Adoration of the Magi", "Madonna and Child on the Throne", "Annunciation" - disse verkene av Botticelli, dedikert til religiøse temaer, har blitt kunstnerens store prestasjoner.

Et annet kjent verk av mesteren er Madonna Magnificat. Hun ble berømt i løpet av Sandros liv, noe som fremgår av en rekke reproduksjoner. Lignende malerier i form av en sirkel var ganske etterspurt i Firenze på det femtende århundre.

En ny vending i malerens arbeid

Fra og med 1490 endret Sandro stilen sin. Det blir mer asketisk, kombinasjonen av farger er nå mye mer behersket, mørke toner råder ofte. Den nye tilnærmingen til skaperen for å skrive verkene hans er perfekt merkbar i "Kroneringen av Maria", "Kristi klagesang" og andre lerreter som skildrer Madonnaen og barnet.

Mesterverkene malt av Sandro Botticelli på den tiden, for eksempel portrettet av Dante, er blottet for landskap og interiørbakgrunn. En av kunstnerens ikke mindre betydningsfulle kreasjoner er «Mystical Christmas». Bildet ble malt under påvirkning av problemene som fant sted på slutten av 1500 i Italia. Mange malerier av renessansekunstnere ble ikke bare populære, de ble et eksempel for neste generasjon malere.

En kunstner hvis lerreter er omgitt av en aura av beundring

Rafael Santi da Urbino var ikke bare, men også en arkitekt. Hans renessansemalerier er beundret for deres klarhet i form, enkelhet i komposisjon og visuell oppnåelse av idealet om menneskelig storhet. Sammen med Michelangelo og Leonardo da Vinci er han en av de tradisjonelle treenighetene til de største mestrene i denne perioden.

Han levde et relativt kort liv, bare 37 år gammel. Men i løpet av denne tiden skapte han et stort antall av sine mesterverk. Noen av verkene hans er i Vatikanpalasset i Roma. Ikke alle seere kan se maleriene til renessansekunstnere med egne øyne. Bilder av disse mesterverkene er tilgjengelige for alle (noen av dem er presentert i denne artikkelen).

De mest kjente verkene til Raphael

Fra 1504 til 1507 skapte Raphael en hel serie med madonnaer. Maleriene utmerker seg ved fortryllende skjønnhet, visdom og samtidig en slags opplyst tristhet. Hans mest kjente maleri var den sixtinske madonna. Hun er avbildet svevende på himmelen og sakte ned til folket med babyen i armene. Det var denne bevegelsen kunstneren var i stand til å skildre veldig dyktig.

Dette verket har blitt høyt anerkjent av mange kjente kritikere, og de kom alle til den samme konklusjonen at det faktisk er sjeldent og uvanlig. Alle renessansemalerier har en lang historie. Men den har blitt mest populær på grunn av dens endeløse vandringer siden starten. Etter å ha gått gjennom en rekke rettssaker, tok hun endelig sin rettmessige plass blant utstillingene til Dresden-museet.

Renessansemalerier. Bilder av kjente malerier

Og en annen kjent italiensk maler, skulptør og også en arkitekt som hadde stor innvirkning på utviklingen av vestlig kunst er Michelangelo di Simoni. Til tross for at han hovedsakelig er kjent som skulptør, er det også vakre verk av maleriet hans. Og den mest betydningsfulle av dem er taket i Det sixtinske kapell.

Dette arbeidet ble utført i fire år. Plassen dekker rundt fem hundre kvadratmeter og inneholder mer enn tre hundre figurer. Helt i sentrum er ni episoder fra 1. Mosebok, delt inn i flere grupper. Jordens skapelse, menneskets skapelse og dets fall. Blant de mest kjente maleriene i taket er "Skapelsen av Adam" og "Adam og Eva".

Hans mest kjente verk er The Last Judgment. Den ble laget på alterveggen til Det sixtinske kapell. Fresken viser Jesu Kristi andre komme. Her ignorerer Michelangelo de vanlige kunstneriske konvensjonene når han skriver Jesus. Han avbildet ham med en massiv muskuløs kroppsstruktur, ung og skjeggløs.

Betydningen av religion, eller renessansens kunst

Italienske renessansemalerier ble grunnlaget for utviklingen av vestlig kunst. Mange av de populære verkene til denne generasjonen skapere har en enorm innvirkning på kunstnere som fortsetter til i dag. De store kunstnerne i perioden fokuserte på religiøse temaer, ofte på oppdrag fra velstående beskyttere, inkludert paven selv.

Religion gjennomsyret bokstavelig talt hverdagen mennesker fra denne epoken, dypt innebygd i hodet til artister. Nesten alle religiøse lerreter er i museer og kunstlagre, men reproduksjoner av renessansemalerier knyttet ikke bare til dette emnet kan finnes i mange institusjoner og til og med vanlige hus. Folk vil uendelig beundre arbeidet kjente mestere av den perioden.