ขลุ่ย: ประวัติศาสตร์ วิดีโอ ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ ฟัง ครอสฟลุต ออกแบบฟลุตพร้อมฟังก์ชั่นการใช้งานแต่ละส่วน

ในที่สุดฟลุตก็ชนะใจนักประพันธ์เพลงสำคัญ ประเทศต่างๆและรูปแบบผลงานชิ้นเอกของเพลงฟลุตปรากฏขึ้นทีละเพลง: โซนาตาสำหรับฟลุตและเปียโนโดย Sergei Prokofiev และ Paul Hindemith คอนแชร์โตสำหรับฟลุตและวงออเคสตราโดย Carl Nielsen และ Jacques Ibert รวมถึงงานอื่น ๆ ของนักแต่งเพลง Bohuslav Martin, Frank Martin โอลิวิเยร์ เมสเซียเอน. งานฟลุตหลายชิ้นเขียนโดยนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย Edison Denisov และ Sofia Gubaidulina

ขลุ่ยแห่งตะวันออก

ดิ(จากเหิงชุยจีนโบราณ, ขลุ่ยขวาง - ขลุ่ยขวาง) - เครื่องดนตรีลมจีนโบราณ, ขลุ่ยขวางที่มี 6 รู

ในกรณีส่วนใหญ่ ก้าน di ทำจากไม้ไผ่หรือกก แต่ก็มี di ที่ทำจากไม้ชนิดอื่นและแม้แต่จากหิน ซึ่งส่วนใหญ่มักเป็นหยก ใกล้กับปลายกระบอกปิดมีรูสำหรับเป่าลมถัดจากนั้นเป็นรูที่หุ้มด้วยกกหรือฟิล์มกกที่บางที่สุด มีการใช้รูเพิ่มเติม 4 รูที่อยู่ใกล้กับปลายเปิดของถังสำหรับการปรับ กระบอกขลุ่ยมักผูกด้วยด้ายสีดำ วิธีการเล่นเหมือนกับขลุ่ยขวาง

ในตอนแรกเชื่อกันว่าขลุ่ยถูกนำไปยังประเทศจีน เอเชียกลางในช่วงระหว่าง 140 ถึง 87 ปีก่อนคริสตกาล อี อย่างไรก็ตาม ในระหว่างการขุดค้นทางโบราณคดีเมื่อเร็วๆ นี้ พบขลุ่ยตามขวางของกระดูกที่มีอายุย้อนหลังไปประมาณ 8,000 ปี ซึ่งมีการออกแบบที่คล้ายกันมากกับ di สมัยใหม่ (แม้ว่าจะไม่มีรูปิดที่มีลักษณะเฉพาะก็ตาม) ซึ่งเป็นพยานสนับสนุนสมมติฐานต้นกำเนิดของ di ของจีน ตำนานเล่าว่าจักรพรรดิเหลืองสั่งให้บุคคลสำคัญของเขาทำขลุ่ยไม้ไผ่อันแรก

มีดิสองประเภท: คูดี (ในวงคองคูละครเพลง) และบันดี (ในวงดุริยางค์ละครเพลงบางซีในจังหวัดทางภาคเหนือ) รูปแบบของขลุ่ยที่ไม่มีรูปิดเรียกว่ามันดิ

ชาคุฮาจิ(chi-ba จีน) - ขลุ่ยไม้ไผ่แนวยาวที่มาถึงญี่ปุ่นจากจีนในช่วงสมัยนารา (710-784) มีชาคุฮาจิประมาณ 20 ชนิด ความยาวมาตรฐาน - 1.8 ฟุตญี่ปุ่น (54.5 ซม.) - กำหนดชื่อของเครื่องดนตรี เนื่องจาก "shaku" หมายถึง "เท้า" และ "hachi" หมายถึง "แปด" นักวิจัยบางคนกล่าวว่า shakuhachi มีต้นกำเนิดมาจากเครื่องดนตรีของชาวอียิปต์ sabi ซึ่งเดินทางไกลไปยังประเทศจีนผ่านตะวันออกกลางและอินเดีย ในขั้นต้นเครื่องมือมี 6 รู (ด้านหน้า 5 รูและด้านหลัง 1 รู) ต่อมาเห็นได้ชัดว่าเป็นแบบจำลองของขลุ่ยเซียวแนวยาวซึ่งมาจากประเทศจีนในช่วงสมัยมูโรมาจิ ดัดแปลงในญี่ปุ่นและกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ ฮิโตโยกิริ (ตามตัวอักษร - “เข่าเดียวของไม้ไผ่”) มันดูทันสมัยด้วย 5 นิ้ว หลุม Shakuhachi ทำจากก้นไม้ไผ่มาดาเกะ (Phyllostachys bambusoides) เส้นผ่านศูนย์กลางเฉลี่ยของท่อคือ 4-5 ซม. และด้านในของท่อเกือบเป็นทรงกระบอก ความยาวแตกต่างกันไปขึ้นอยู่กับการปรับแต่งวงดนตรีโคโตะและชามิเซ็น ความแตกต่าง 3 ซม. ทำให้เกิดความแตกต่างของระดับเสียงโดยเซมิโทน ความยาวมาตรฐาน 54.5 ซม. ใช้สำหรับ shakuhachi ที่เล่นเพลงเดี่ยว เพื่อปรับปรุงคุณภาพเสียง ช่างฝีมือจะเคลือบด้านในของท่อไม้ไผ่อย่างระมัดระวังด้วยแล็คเกอร์ เช่นเดียวกับขลุ่ยที่ใช้ใน gagaku ในโรงละคร Noh บทละครสไตล์ฮงเกียวคุของนิกายฟุเกะ (เหลืออยู่ 30-40 ชิ้น) มีแนวคิดของพุทธศาสนานิกายเซน Honkyoku ของโรงเรียน Kinko ใช้ละครของ fuke shakuhachi แต่ให้ศิลปะมากขึ้นในลักษณะที่แสดง

พี เกือบจะพร้อมกันกับการปรากฏตัวของ shakuhachi ในญี่ปุ่น ความคิดเรื่องความศักดิ์สิทธิ์ของดนตรีที่เล่นบนขลุ่ยจึงถือกำเนิดขึ้น ประเพณีเชื่อมโยงพลังอันน่าอัศจรรย์ของเธอเข้ากับพระนามของเจ้าชาย Shotoku Taishi (548-622) รัฐบุรุษที่โดดเด่น รัชทายาทแห่งราชบัลลังก์ นักเทศน์สอนศาสนาพุทธ ผู้ประพันธ์งานเขียนทางประวัติศาสตร์และผู้ให้ข้อคิดเกี่ยวกับพระสูตรเป็นครั้งแรก เขากลายเป็นบุคคลผู้มีอำนาจมากที่สุดคนหนึ่งในประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น ดังนั้น ในแหล่งข้อมูลที่เป็นลายลักษณ์อักษรของยุคกลางตอนต้น กล่าวกันว่าเมื่อเจ้าชายโชโตกุเล่นชาคุฮาจิระหว่างทางไปวัดบนไหล่เขา นางฟ้าบนสวรรค์ลงมาตามเสียงขลุ่ยและเต้นรำ Shakuhachi จากวัด Horyuji จัดแสดงถาวรที่โตเกียว พิพิธภัณฑ์แห่งชาติ, ถือว่าเป็น เครื่องมือที่ไม่ซ้ำใครเจ้าชายโชโตกุ ผู้ซึ่งเริ่มต้นเส้นทางแห่งขลุ่ยศักดิ์สิทธิ์ในญี่ปุ่น ชาคุฮาจิยังถูกกล่าวถึงโดยเชื่อมโยงกับชื่อของพระสงฆ์เอนนิน (794-864) ซึ่งศึกษาพุทธศาสนาในถังจีน เขาแนะนำการคลอของ shakuhachi ในระหว่างการท่องพระสูตรของ Amida Buddha ในความคิดของเขา เสียงขลุ่ยไม่เพียงประดับคำอธิษฐานเท่านั้น แต่ยังแสดงแก่นแท้ของการแทรกซึมและความบริสุทธิ์ที่มากกว่า จูโคอาย นางฟ้าเป่าขลุ่ยสีแดง

ขั้นตอนใหม่ในการก่อตัวของประเพณีขลุ่ยอันศักดิ์สิทธิ์มีความเกี่ยวข้องกับบุคคลที่โดดเด่นที่สุดคนหนึ่งของสมัยมุโระมาจิ อิคคิว โซจุน (1394-1481) กวี, จิตรกร, นักประดิษฐ์ตัวอักษร, นักปฏิรูปศาสนา, นักปรัชญานอกรีตและนักเทศน์, บั้นปลายชีวิตของเขาเป็นเจ้าอาวาสวัดไดโทคุจิที่ใหญ่ที่สุดในเมืองหลวง, เขามีอิทธิพลต่อชีวิตทางวัฒนธรรมเกือบทั้งหมดในยุคสมัยของเขา: จากพิธีชงชาและ สวนเซนไปจนถึงโนเธียเตอร์และดนตรีชาคุฮาจิ ในความคิดของเขา เสียงมีบทบาทสำคัญในพิธีชงชา: เสียงของน้ำเดือดในกา, เสียงเคาะไม้ตีขณะตีชา, เสียงน้ำไหล - ทุกอย่างได้รับการออกแบบมาเพื่อสร้างความรู้สึกที่กลมกลืน บริสุทธิ์ ความเคารพความเงียบ บรรยากาศเดียวกันนั้นมาพร้อมกับการเล่นชาคุฮาจิ เมื่อลมหายใจของมนุษย์จากส่วนลึกของจิตวิญญาณผ่านกระบอกไม้ไผ่ธรรมดา กลายเป็นลมหายใจแห่งชีวิต ในคอลเลกชั่นบทกวีที่เขียนในสไตล์จีนคลาสสิก "Kyounshu" ("การรวบรวมเมฆที่บ้าคลั่ง") เต็มไปด้วยภาพของเสียงและดนตรีของชาคุฮาจิ ปรัชญาของเสียงเป็นเครื่องมือในการปลุกจิตสำนึก Ikkyu เขียนเกี่ยวกับชาคุฮาจิ เป็นเสียงที่บริสุทธิ์ของจักรวาล: "เล่น shakuhachi คุณเห็นทรงกลมที่มองไม่เห็น มีเพียงเพลงเดียวในจักรวาลทั้งหมด"

ตั้งแต่ประมาณ ต้น XVIIวี. เรื่องราวต่างๆเกี่ยวกับสาธุคุณอิคคิวและขลุ่ยชะคุฮาจิแพร่สะพัดไปทั่ว หนึ่งในนั้นเล่าว่าอิคคิวพร้อมกับพระอีกรูปหนึ่ง อิจิโรโซ ออกจากเกียวโตและตั้งรกรากอยู่ในกระท่อมในอุจิได้อย่างไร พวกเขาตัดไม้ไผ่ทำชาคุฮาจิและเล่นที่นั่น ตามเวอร์ชั่นอื่น พระรูปหนึ่งชื่อ Roan อาศัยอยู่อย่างสันโดษ แต่เป็นเพื่อนและสื่อสารกับ Ikkyu บูชาชาคุฮาจิ ระบายเสียงด้วยการหายใจเพียงครั้งเดียว เขาบรรลุความรู้แจ้งและตั้งพระนามว่า ฟุเคโดะยะ หรือ ฟุเคะสึโดะชะ (ตามทางลมและรู) และเป็นโคมูโซองค์แรก (แปลว่า "พระแห่งความว่างเปล่าและความว่างเปล่า") ขลุ่ยซึ่งตามตำนานเล่นโดยปรมาจารย์ ได้กลายเป็นของที่ระลึกของชาติและตั้งอยู่ในวัด Hosun'in ในเกียวโต ข้อมูลแรกเกี่ยวกับพระสงฆ์ที่พเนจรเล่นขลุ่ยย้อนกลับไปในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 16 พวกเขาถูกเรียกว่าพระโคโมะ (โคโมโมะ) นั่นคือ "พระแห่งเสื่อฟาง" ในงานกวีของศตวรรษที่ 16 ท่วงทำนองของคนพเนจรที่แยกออกจากขลุ่ยนั้นเปรียบได้กับสายลมท่ามกลางดอกไม้ในฤดูใบไม้ผลิ ระลึกถึงความเปราะบางของชีวิต และชื่อเล่นโคโมโมะเริ่มเขียนด้วยอักษรอียิปต์โบราณ "โก" - ความว่างเปล่า การไม่มีอยู่ "โม" - อัน ภาพลวงตา, ​​"ร่วม" - พระภิกษุสงฆ์. ศตวรรษที่ 17 ในประวัติศาสตร์ วัฒนธรรมญี่ปุ่นกลายเป็นเวทีใหม่ในประวัติศาสตร์ของขลุ่ยศักดิ์สิทธิ์ กิจวัตรประจำวันของพระโคมุโสะมุ่งเน้นไปที่การเล่นชะคุฮาจิ ในตอนเช้าเจ้าอาวาสจะเล่นเพลง "Kakureisei" มันเป็นการเล่นที่ตื่นขึ้นเพื่อเริ่มต้นวันใหม่ พระสงฆ์รวมตัวกันรอบแท่นและร้องเพลง "เทคา" ("เพลงยามเช้า") หลังจากนั้นก็เริ่มพิธีประจำวัน ในระหว่างวัน พวกเขาสลับกันเล่นชาคุฮาจิ นั่งสมาธิแบบซาเซ็น ศิลปะการต่อสู้ และสคีมาขอทาน ในตอนเย็นก่อนที่จะเริ่มซาเซ็นอีกครั้ง มีการเล่นเพลง "Banka" ("เพลงยามเย็น") พระทุกรูปต้องไปขอทานอย่างน้อยเดือนละสามวัน ในช่วงสุดท้ายของการเชื่อฟัง - เดินบิณฑบาต - ท่วงทำนองเช่น "Tori" ("ทางเดิน"), "Kadozuke" ("ทางแยก") และ "Hachigaeshi" ("การกลับมาของชาม" - ในที่นี้หมายถึงชามขอทาน) ถูกเล่น.) เมื่อโคมูโซสองตัวพบกันระหว่างทาง พวกเขาต้องเล่น "โยบิทาเกะ" เป็นการเรียกชนิดหนึ่งที่ทำบนชาคุฮาจิ ซึ่งหมายถึง "เสียงเรียกของต้นไผ่" ในการตอบรับคำทักทายนั้น จะต้องเล่น "อุเคะทาเกะ" ซึ่งมีความหมายว่า "รับและหยิบไม้ไผ่" ระหว่างทาง อยากจะแวะที่วัดแห่งหนึ่งตามคำสั่งของพวกเขาที่กระจายอยู่ทั่วประเทศ พวกเขาจึงเล่นละคร "ฮิรากิมอน" ("เปิดประตู") เพื่อให้พวกเขาเข้าไปค้างคืน การแสดงพิธีกรรมทั้งหมด การใส่บาตรบนชะคุฮาจิ แม้กระทั่งชิ้นส่วนที่ดูเหมือนเป็นความบันเทิงของพระสงฆ์ ล้วนเป็นส่วนหนึ่งของการปฏิบัติของเซนที่เรียกว่า ซุยเซ็น (ซุย - "เป่า, เล่นเครื่องเป่า")

ในบรรดาปรากฏการณ์สำคัญของดนตรีญี่ปุ่นที่มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของระบบโทนเสียงฮงเกียวคุ เราควรตั้งชื่อทฤษฎีและแนวปฏิบัติทางดนตรีของบทสวดในศาสนาพุทธ โชเมียว ทฤษฎีและแนวปฏิบัติของกากาคุ และต่อมาคือประเพณีของจิอุตะ โซเกียวกุ ศตวรรษที่ XVII-XVIII - ช่วงเวลาแห่งความนิยมที่เพิ่มขึ้นของชาคุฮาจิในสภาพแวดล้อมของเมือง การพัฒนาเทคโนโลยีการเล่นเกมทำให้สามารถเล่นเพลงได้เกือบทุกประเภทบนชาคุฮาจิ มันเริ่มถูกใช้สำหรับการแสดงเพลงพื้นบ้าน (มินโย) ในการทำดนตรีแบบวงฆราวาสในศตวรรษที่ 19 ในที่สุดก็เข้ามาแทนที่ เครื่องมือโค้งคำนับโคคิวจากวงซังเกียวกุที่พบมากที่สุดในยุคนั้น (โคโตะ ชามิเซ็น ชาคุฮาจิ) Shakuhachi มีพันธุ์:

Gagaku shakuhachi เป็นเครื่องดนตรีประเภทแรกสุด เทมปุกุ - จาก shakuhachi แบบคลาสสิกนั้นแตกต่างจากการเปิดปากที่มีรูปร่างแตกต่างกันเล็กน้อย Hitoyogiri shakuhachi (หรือเพียงแค่ hitoyogiri) - ตามชื่อที่ระบุ มันทำจากไม้ไผ่หนึ่งเข่า (hito - หนึ่ง, yo - เข่า, giri - เปล่งเสียง kiri, ตัด) Fuke shakuhachi เป็นบรรพบุรุษของ shakuhachi สมัยใหม่ Bansuri, bansri (Bansuri) - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องลมของอินเดีย มี 2 ชนิด คือ ขลุ่ยขวางและขลุ่ยตามยาวแบบคลาสสิก ใช้ในอินเดียเหนือ ทำจากไม้ไผ่หรืออ้อย. โดยปกติจะมีหกรู แต่มีแนวโน้มว่าจะใช้เจ็ดรู - เพื่อเพิ่มความยืดหยุ่นและแก้ไขน้ำเสียงสูงในรีจิสเตอร์ ก่อนหน้านี้ bansuri พบได้เฉพาะในดนตรีพื้นบ้าน แต่ปัจจุบันได้แพร่หลายในดนตรีคลาสสิกของอินเดีย เครื่องดนตรีที่คล้ายกันซึ่งพบได้ทั่วไปในอินเดียใต้คือ Venu ว
ขลุ่ยของฉัน(Serpent Flut) - เครื่องดนตรีกกของอินเดียสองท่อ (หนึ่ง - เบอร์ดอน, อีกอัน - มีรูเล่น 5-6 รู) พร้อมตัวสะท้อนที่ทำจากไม้หรือน้ำเต้าแห้ง

ขลุ่ยงูเล่นในอินเดียโดย fakirs พเนจรและหมอดูงู เมื่อเล่นจะใช้การหายใจแบบต่อเนื่องที่เรียกว่าถาวร (ลูกโซ่)

แบลร์หรือกัมบู- ขลุ่ยยาวอินโดนีเซียพร้อมอุปกรณ์เป่านกหวีด มักทำจากไม้มะเกลือ ตกแต่งด้วยงานแกะสลัก (ใน กรณีนี้เป็นรูปมังกร) มี 6 หลุม ใช้เป็นเครื่องดนตรีประเภทเดี่ยวและรวมวง

ขลุ่ยมาเลเซีย- ขลุ่ยยาวในรูปแบบของมังกรพร้อมอุปกรณ์เป่านกหวีด ทำจากไม้แดง. มันถูกใช้ในพิธีกรรมทางศาสนาเพื่อสงบวิญญาณของมังกร - สิ่งมีชีวิตศักดิ์สิทธิ์ที่เคารพในมาเลเซีย

ขลุ่ยขวาง- เครื่องดนตรีที่ทำจากไม้ มันเป็นของทองเหลืองและเป็นของการลงทะเบียนเสียงโซปราโน ถูกเปลี่ยนโดยการเป่าซ้ำ นอกจากนี้ในระหว่างเกมจะมีการเปิดและปิดรูด้วยวาล์ว

ข้อมูลทั่วไป

ขลุ่ยขวางไม้ไผ่เป็นสิ่งที่พบได้ยากในปัจจุบัน เนื่องจากเครื่องดนตรีสมัยใหม่ประเภทนี้มักทำจากโลหะ (ทองคำขาว ทอง เงิน นิกเกิล) บางครั้งก็ทำด้วยแก้ว พลาสติก หรือวัสดุผสมอื่นๆ ช่วงมากกว่าสามอ็อกเทฟ หมายเหตุสำหรับขลุ่ยขวางจะเขียนขึ้นตามเสียงจริง เสียงต่ำนั้นโปร่งใสและชัดเจนในการลงทะเบียนตรงกลางในอันล่าง - หูหนวกในอันบน - ค่อนข้างแหลม ขลุ่ยมีให้เลือกหลายเทคนิค บ่อยครั้งที่เธอแสดงเดี่ยวของวงดนตรี ใช้ในวงดุริยางค์เครื่องเป่าและซิมโฟนี นอกจากนี้ยังใช้ในวงดนตรี วงดุริยางค์ซิมโฟนีใช้ฟลุตตั้งแต่ 1 ถึง 5 ขลุ่ย บ่อยครั้งที่จำนวนของพวกเขาคือสองถึงสาม

ประวัติเครื่องดนตรี

มนุษย์รู้จักขลุ่ยขวางมานานแล้ว ภาพแรกสุดของเธอถูกพบบนภาพนูนแบบอิทรุสกัน มันถูกสร้างขึ้นใน 100 หรือ 200 ปีก่อนคริสตกาล จากนั้นจึงนำเครื่องมือไปทางซ้าย เฉพาะในภาพประกอบสำหรับบทกวีในศตวรรษที่ 16 เท่านั้นที่จัดไว้ทางด้านขวา

วัยกลางคน

ขลุ่ยขวางยังพบในการขุดค้นทางโบราณคดี ครั้งแรกที่พบใน ยุโรปตะวันตกเป็นของศตวรรษที่สิบสอง - สิบสี่ โฆษณา หนึ่งในภาพที่เก่าแก่ที่สุดจากเวลานั้นมีอยู่ในหน้าของสารานุกรมที่ชื่อว่า Hortus Deliciarum นักวิจัยแนะนำว่าเครื่องมือนี้ถูกเลิกใช้ชั่วคราวในยุโรป แล้วกลับมาที่นั่นโดยมาจากเอเชีย จักรวรรดิไบแซนไทน์. ในยุคกลาง การก่อสร้างประกอบด้วยองค์ประกอบเดียว บางครั้งก็มีสององค์ประกอบ เครื่องมือนี้มีรูปทรงกระบอกและมีรูหกรูที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางเท่ากัน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาและบาร็อค

ขลุ่ยขวางไม่ได้เปลี่ยนการออกแบบมากเกินไปในช่วงเวลาต่อมา เครื่องดนตรีมีช่วงเสียง 2.5 อ็อกเทฟ เขาอนุญาตให้จดบันทึกทั้งหมดของมาตราส่วนสีด้วยคำสั่งนิ้วที่ดี อันสุดท้ายยากมาก เสียงทะเบียนกลางฟังดูดีที่สุด เครื่องดนตรีดั้งเดิมที่เป็นที่รู้จักประเภทนี้ถูกเก็บรักษาในเวโรนาในพิพิธภัณฑ์ชื่อ Castel Vecchio การเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญครั้งแรกในการออกแบบเครื่องดนตรีเกิดขึ้นโดยตระกูล Otteter Jacques Martin ตัวแทนของมันแบ่งฟลุตออกเป็น 3 ส่วน ต่อจากนั้นมี 4 คน ตามกฎแล้วร่างกายของเครื่องดนตรีถูกแบ่งครึ่ง นากเปลี่ยนการเจาะเป็นรูปกรวย ดังนั้น น้ำเสียงระหว่างอ็อกเทฟจึงได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้น

ในศตวรรษที่ 18 มีการเพิ่มวาล์วจำนวนมากในเครื่องดนตรี ตามกฎแล้วมี 4 - 6 รายการ นวัตกรรมที่สำคัญสร้างโดย Johann Joachim Quantz และ Georg Tromlitz ในช่วงชีวิตของ Mozart มักใช้ขลุ่ยขวางซึ่งมีวาล์วเดียว ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 จำนวนขององค์ประกอบเหล่านี้เริ่มเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว ดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้มีความไพเราะมากกว่า ในทางกลับกันวาล์วเพิ่มเติมช่วยอำนวยความสะดวกในการปฏิบัติงานของทางเดินที่ยากที่สุด

มีตัวเลือกการออกแบบมากมาย ในฝรั่งเศส ขลุ่ยห้าวาล์วเป็นที่นิยม ในอังกฤษมี 7 หรือ 8 ระบบ ในอิตาลี ออสเตรีย และเยอรมนี มีระบบต่างๆ มากมาย ที่นี่จำนวนวาล์วอาจถึง 14 หรือมากกว่านั้น เครื่องมือได้รับชื่อของนักประดิษฐ์: Ziegler, Schwedler, Meyer มีระบบวาล์วที่ทำขึ้นโดยเฉพาะเพื่ออำนวยความสะดวกในทางเดินนี้หรือทางเดินนั้น ในศตวรรษที่ 19 ฟลุตแบบเวียนนาก็ถูกสร้างขึ้นเช่นกัน โดยรวมเสียง G ไว้ในอ็อกเทฟขนาดเล็ก

โซปราโนลงทะเบียน ระดับเสียงของขลุ่ยเปลี่ยนโดยการเป่า (ดึงความสอดคล้องกลมกลืนกับริมฝีปาก) รวมทั้งการเปิดและปิดรูด้วยวาล์ว ฟลุตสมัยใหม่มักทำจากโลหะ (นิกเกิล เงิน ทอง แพลทินัม) น้อยกว่า - จากไม้ บางครั้ง - จากแก้ว พลาสติก และวัสดุผสมอื่นๆ

ช่วงฟลุต - มากกว่าสามอ็อกเทฟ: จาก ชม.หรือ ค 1 (si อ็อกเทฟขนาดเล็กหรือถึงตัวแรก) ถึง ค 4 (ถึงสี่) ขึ้นไป บันทึกเป็นลายลักษณ์อักษร กุญแจเสียงแหลมตามเสียงจริง. เสียงต่ำนั้นชัดเจนและโปร่งแสงในเสียงกลาง เสียงฟู่ในเสียงต่ำและค่อนข้างแหลมในเสียงบน ฟลุตมีเทคนิคหลากหลาย และมักจะใช้กับวงออเครสตร้าโซโล มันถูกใช้ในวงซิมโฟนีและแตรวง และร่วมกับคลาริเน็ต บ่อยกว่าเครื่องลมไม้อื่นๆ ในวงแชมเบอร์ ใน วงดุริยางค์ซิมโฟนีหนึ่งถึงห้าฟลุตถูกใช้ ส่วนใหญ่มักจะสองหรือสาม และหนึ่งในนั้น (โดยปกติจะเป็นจำนวนสุดท้าย) สามารถเปลี่ยนระหว่างการแสดงเป็นฟลุตขนาดเล็กหรืออัลโตได้

ประวัติของเครื่องดนตรี

ภาพยุคกลางของนักเป่าขลุ่ยถือเครื่องดนตรีทางด้านซ้าย

การพรรณนาถึงขลุ่ยตามขวางในยุคแรกพบบนภาพนูนแบบอิทรุสกัน ซึ่งมีอายุย้อนไปถึงหนึ่งร้อยหรือสองร้อยปีก่อนคริสต์ศักราช ในเวลานั้น ขลุ่ยขวางถูกถือไว้ทางด้านซ้าย มีเพียงภาพประกอบบทกวีจากศตวรรษที่ 11 เท่านั้นที่แสดงให้เห็นลักษณะการถือเครื่องดนตรีไปทางด้านขวาเป็นครั้งแรก

วัยกลางคน

การค้นพบทางโบราณคดีครั้งแรกของขลุ่ยตามขวางของ Occident ย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 12-14 ภาพแรกสุดในยุคนั้นมีอยู่ในสารานุกรม Hortus Deliciarum นอกเหนือจากภาพประกอบในศตวรรษที่ 11 ที่กล่าวมาข้างต้นแล้ว ภาพวาดของยุโรปและเอเชียในยุคกลางทั้งหมดแสดงให้เห็นผู้เล่นที่ถือขลุ่ยขวางไปทางซ้าย ในขณะที่ภาพวาดของยุโรปโบราณแสดงผู้เล่นขลุ่ยที่ถือเครื่องดนตรีไปทางขวา ดังนั้นจึงสันนิษฐานว่าขลุ่ยขวางถูกเลิกใช้ชั่วคราวในยุโรปจากนั้นกลับมาจากเอเชียผ่านจักรวรรดิไบแซนไทน์

ในยุคกลาง ขลุ่ยขวางประกอบด้วยหนึ่งส่วน บางครั้งสองส่วนสำหรับฟลุต "เบส" ใน G (ปัจจุบันคือช่วงของอัลโตฟลุต) เครื่องมือนี้มีรูปทรงกระบอกและมีรู 6 รูที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางเท่ากัน

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

"Five Landsknechts", Daniel Hopfer, ศตวรรษที่ 16, คนที่สองจากซ้ายที่มีขลุ่ยขวาง

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาการออกแบบขลุ่ยขวางเปลี่ยนไปเล็กน้อย เครื่องดนตรีมีช่วงตั้งแต่สองอ็อกเทฟครึ่งขึ้นไป ซึ่งเกินช่วงของเครื่องบันทึกส่วนใหญ่ในสมัยนั้นหนึ่งอ็อกเทฟ เครื่องดนตรีนี้ทำให้สามารถเล่นโน้ตทั้งหมดของสเกลสีได้ โดยขึ้นอยู่กับการใช้นิ้วที่ดี ซึ่งค่อนข้างซับซ้อน เสียงทะเบียนกลางดีที่สุด ขลุ่ยขวางแบบดั้งเดิมที่โดดเด่นจากยุคเรอเนซองส์ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ Castel Vecchio ในเมืองเวโรนา

ยุคบาโรก

การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ครั้งแรกในการออกแบบขลุ่ยขวางนั้นเกิดขึ้นโดยตระกูล Otteter Jacques Martin Otteter แบ่งเครื่องดนตรีออกเป็นสามส่วน: ส่วนหัว ส่วนลำตัว (มีรูที่นิ้วปิดได้โดยตรง) และส่วนเข่า (ซึ่งปกติจะมีหนึ่งวาล์ว บางครั้งอาจมีมากกว่านั้น) ต่อจากนั้น ขลุ่ยขวางส่วนใหญ่ในศตวรรษที่ 18 ประกอบด้วยสี่ส่วน - ลำตัวของเครื่องดนตรีถูกแบ่งออกเป็นครึ่ง ตัวนากยังเปลี่ยนการเจาะเครื่องดนตรีให้เรียวขึ้นเพื่อปรับปรุงเสียงระหว่างอ็อกเทฟ

ในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 มีการเพิ่มวาล์วมากขึ้นในขลุ่ยขวาง - โดยปกติจะมีตั้งแต่ 4 ถึง 6 หรือมากกว่านั้น ในเครื่องมือบางอย่างก็เป็นไปได้ที่จะใช้ ค 1 (จนถึงอ็อกเทฟแรก) ด้วยความช่วยเหลือของเข่าที่ยาวขึ้นและวาล์วเพิ่มเติมอีกสองตัว Johann Joachim Quantz และ Johann Georg Tromlitz เป็นผู้คิดค้นนวัตกรรมที่สำคัญในการออกแบบขลุ่ยแนวขวาง

ยุคคลาสสิกและโรแมนติก

ในสมัยของโมสาร์ท ฟลุตแนวขวางวาล์วเดี่ยวยังคงเป็นการออกแบบเครื่องดนตรีที่ใช้กันมากที่สุด ใน ต้น XIXหลายศตวรรษ มีการเพิ่มวาล์วมากขึ้นเรื่อยๆ ในการออกแบบขลุ่ยแนวขวาง เนื่องจากดนตรีสำหรับเครื่องดนตรีมีความไพเราะมากขึ้น และวาล์วเพิ่มเติมทำให้เล่นท่อนยากๆ ได้ง่ายขึ้น มีตัวเลือกวาล์วจำนวนมาก ในฝรั่งเศส ฟลุตแนวขวางที่มี 5 วาล์วเป็นที่นิยมมากที่สุดในอังกฤษ - มี 7 หรือ 8 วาล์ว ในเยอรมนี ออสเตรีย และอิตาลี มีระบบต่างๆ จำนวนมากในเวลาเดียวกัน ซึ่งจำนวนวาล์วอาจสูงถึง 14 หรือมากกว่านั้น และระบบถูกเรียกตามชื่อของผู้ประดิษฐ์: "Meyer", "Schwedler flute", "Ziegler system" และอื่นๆ มีระบบวาล์วที่ทำขึ้นเป็นพิเศษเพื่ออำนวยความสะดวกในการผ่านโดยเฉพาะ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีขลุ่ยที่เรียกว่า ประเภทเวียนนากับเสียงของเกลือของอ็อกเทฟขนาดเล็ก ในโอเปร่า La Traviata เขียนโดย Giuseppe Verdi ในปี 1853 ในฉากสุดท้าย ขลุ่ยที่ 2 ได้รับความไว้วางใจด้วยวลีที่ประกอบด้วยเสียงรีจิสเตอร์ต่ำจากบนลงล่าง - si, si-flat, la, la-flat และ salt of a อ็อกเทฟขนาดเล็ก ปัจจุบันฟลุตนี้ถูกแทนที่ด้วยอัลโตฟลุต

ศูนย์กลางที่สำคัญการพัฒนาโรงเรียนขลุ่ยในเวลานั้นคือเบอร์ลินซึ่งในศาลของ Frederick II ซึ่งตัวเองเป็นนักเป่าขลุ่ยและนักแต่งเพลงที่โดดเด่นได้รับขลุ่ยขวาง ความหมายพิเศษ. ด้วยความสนใจที่ไม่มีวันสิ้นสุดของพระมหากษัตริย์ในเครื่องดนตรีโปรดของเขา ผลงานมากมายสำหรับขลุ่ยขวางจึงเกิดขึ้นโดย Joachim Quantz (นักแต่งเพลงในราชสำนักและอาจารย์ของ Friedrich), C. F. E. Bach (นักฮาร์ปซิคอร์ดในราชสำนัก), Franz และลูกชายของเขา Friedrich Benda, Carl ฟรีดริช ฟาสช์ และอื่นๆ

ในบรรดาผลงานชิ้นเอกของละครแนวบาโรก ได้แก่ Partita ใน A minor สำหรับฟลุตโซโล และ 7 โซนาตาสำหรับฟลุตและเบสโดย J.S. Bach (3 ในนั้นอาจเขียนโดย C.F.E. Bach ลูกชายของเขา) 12 จินตนาการสำหรับโซโลฟลุต G F. Telemann , โซนาตาสำหรับโซโลฟลุตใน A minor โดย C. F. E. Bach

เพลงฟลุตในศตวรรษที่ 19 ถูกครอบงำด้วยผลงานซาลอนฝีมือดีของนักแต่งเพลงฟลุต - Jean-Louis Tulu, Giulio Bricchaldi, Wilhelm Popp, Jules Demerssmann, Franz Doppler, Cesare Ciardi, Anton Furstenau, Theobald Böhm, Joachim Andersen, Ernesto Köhler และคนอื่นๆ - เขียนโดยผู้แต่งเพื่อการแสดงของตนเองเป็นหลัก มีคอนแชร์โตอัจฉริยะมากมายสำหรับฟลุตและวงออเคสตรา - Willem Blodek, Saverio Mercadante, Bernard Romberg, Franz Danzi, Bernard Molik และคนอื่นๆ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 นักแต่งเพลงหลายคนเขียนงานเพลงเดี่ยวโดยไม่มีเสียงประกอบ มักใช้ ช่างสมัยใหม่เล่นเครื่องดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งมักจะแสดง Sequence of Luciano Berio, Etudes โดย Isan Yun, "Voice" โดย Toru Takemitsu, "Debla" โดย K. Halfter และผลงานอื่นๆ สำหรับโซโล่ฟลุตโดยนักแต่งเพลง Heinz Holliger, Robert Aitken, Elliot Carter, Gilbert Ami, Kazuo Fukishima, Brian Ferneyก็เป็นที่นิยมเช่นกัน , Franco Donatoni และคนอื่นๆ

แจ๊สและสไตล์อื่นๆ

เนื่องจากเสียงที่เงียบขลุ่ยจึงไม่หยั่งรากทันที ดนตรีแจส. การแทรกซึมของฟลุตในฐานะเครื่องดนตรีเดี่ยวในดนตรีแจ๊สนั้นสัมพันธ์กับชื่อของนักดนตรีเช่น Herbie Mann, Jeremy Stig, Hubert Lowes หนึ่งในผู้ริเริ่มการแสดงขลุ่ยแจ๊สคือนักเป่าแซ็กโซโฟนและนักเป่าขลุ่ย Roland Kirk ซึ่งใช้เทคนิคการเป่าและเล่นด้วยเสียงของเขาอย่างแข็งขัน นักเป่าแซ็กโซโฟน Erik Dolfi และ Józef Lateef ก็เล่นฟลุตเช่นกัน

ในบรรดาจุดติดต่อระหว่างแจ๊สและ เพลงคลาสสิครวมถึงห้องชุดแจ๊สสำหรับฟลุตฝรั่งเศส นักเปียโนแจ๊ส Claude Bolling ซึ่งแสดงทั้งด้านวิชาการ (Jean-Pierre Rampal, James Galway) และ นักดนตรีแจ๊ส.

ในเพลงยอดนิยม

นักเป่าฟลอปร็อคและป๊อปที่มีชื่อเสียงคนหนึ่งคือ Ian Anderson จากวง Jethro Tull

การพัฒนาโรงเรียนเป่าขลุ่ยในรัสเซีย

ช่วงต้น

นักเล่นฟลุตมืออาชีพคนแรกในรัสเซียส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีรับเชิญที่มาจากต่างประเทศ หลายคนยังคงอยู่ในรัสเซียจวบจนวาระสุดท้ายของชีวิต ดังนั้นที่ศาลของ Catherine II ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2335 ถึง พ.ศ. 2341 ฟรีดริชดูลอนนักเป่าขลุ่ยและนักแต่งเพลงตาบอดที่มีชื่อเสียง ต่อจากนั้นนักเป่าขลุ่ยชาวเยอรมันและอิตาลีที่มีชื่อเสียง - Heinrich Susman (ตั้งแต่ปี 1822 ถึง 1838), Ernst Wilhelm Heinemeier (ตั้งแต่ปี 1847 ถึง 1859), Cesare Ciardi (จากปี 1855) เป็นศิลปินเดี่ยวของ Imperial Theatre ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก จากปี 1831 Joseph Guillou ศาสตราจารย์แห่ง Paris Conservatory ตั้งรกรากในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก นอกจากนี้ยังมีการอ้างอิงถึงนักเป่าขลุ่ยชาวรัสเซียในยุคแรก ๆ ดังนั้นตั้งแต่ปี พ.ศ. 2370 ถึง พ.ศ. 2393 ศิลปินเดี่ยว โรงละครบอลชอย Dmitry Papkov อยู่ในมอสโก - ข้ารับใช้ที่ได้รับอิสรภาพ

ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19

นักเป่าขลุ่ยยุโรปที่ใหญ่ที่สุดมาทัวร์รัสเซีย - ในปี 1880 Adolf Tershak นักเป่าขลุ่ยชาวเช็กเดินทางไปทั่วรัสเซียพร้อมคอนเสิร์ตในปี พ.ศ. 2430 และ พ.ศ. 2432 Paul Taffanel นักเป่าขลุ่ยชาวฝรั่งเศสผู้โด่งดังไปเยี่ยมชมมอสโกวและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ศตวรรษที่ 20

ศาสตราจารย์ชาวรัสเซียคนแรกที่ St. Petersburg Conservatory คือศิลปินเดี่ยวของ Fyodor Stepanov ของ Imperial Theatre ในปี 1905 ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 Max Berg และ Karl Schwab ชาวเยอรมันรวมถึง Julius Federgans ของเช็กได้ทำงานร่วมกับนักแสดงชาวรัสเซียในโรงละครอิมพีเรียลแห่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลังจากการเสียชีวิตของ Stepanov ในปี พ.ศ. 2457 ชั้นเรียนของเขาได้ส่งต่อไปยังนักเป่าขลุ่ยและนักแต่งเพลง Vladimir Tsybin ผู้มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาการแสดงขลุ่ยในประเทศในรัสเซีย Vladimir Tsybin ได้รับการพิจารณาอย่างถูกต้องว่าเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนขลุ่ยรัสเซีย

งานสอนของ Tsybin ยังคงดำเนินต่อไปโดยนักศึกษาอาจารย์ของ Moscow Conservatory - Nikolai Platonov และ Yuli Yagudin ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 P. Ya. Fedotov และ Robert Lambert สอนที่ St. Petersburg Conservatory และต่อมาเป็นนักเรียนรุ่นหลัง - Boris Trizno และ Joseph Janus

ในปี 1950 Alexander Korneev นักเป่าขลุ่ยโซเวียตชื่อดัง Valentin Zverev ได้รับรางวัลระดับนานาชาติที่สำคัญ

ในปี 1960 Gleb Nikitin ศาสตราจารย์ที่ Leningrad Conservatory นักเรียนของ Boris Trizno และศาสตราจารย์ที่ Moscow Conservatory ซึ่งเป็นนักเรียนของ Nikolai Platonov, Yuri Dolzhikov มีส่วนสำคัญในการพัฒนาโรงเรียนขลุ่ยรัสเซีย

ในบรรดาศิลปินเดี่ยวของวงออเคสตราใหญ่ในมอสโกวและเลนินกราดในทศวรรษที่ 1960 และ 1970 ได้แก่ Albert Hoffman, Alexander Golyshev, Albert Ratsbaum, Eduard Shcherbachev, Alexandra Vavilina และคนอื่น ๆ และรุ่นน้อง - Sergei Bubnov, Marina Vorozhtsova และคนอื่น ๆ

ปัจจุบันอาจารย์และรองศาสตราจารย์ของ Moscow Conservatory ได้แก่ Alexander Golyshev, Oleg Khudyakov, Olga Ivusheykova, Leonid Lebedev; เรือนกระจกเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - Valentin Cherenkov, Alexandra Vavilina, Olga Chernyadieva นักเป่าขลุ่ยหนุ่มชาวรัสเซียมากกว่า 50 คน รวมถึง Denis Lupachev, Nikolai Popov, Nikolai Mokhov, Denis Buryakov, Alexandra Grot, Grigory Mordashov และคนอื่นๆ ก็ได้รับหรือ ช่วงเวลานี้ศึกษาต่อในต่างประเทศ

โครงสร้างขลุ่ย

ขลุ่ยขวางเป็นท่อทรงกระบอกยาวที่มีระบบวาล์วปิดที่ปลายด้านหนึ่ง ใกล้กับที่มีรูด้านข้างพิเศษสำหรับใช้ปากและเป่าลม ขลุ่ยสมัยใหม่แบ่งออกเป็นสามส่วน: หัว ลำตัว และเข่า

ศีรษะ

ไฟล์:Flute Head.JPG

ฟองน้ำบนหัวขลุ่ย

ขลุ่ยใหญ่มีหัวตรง แต่ก็มีหัวโค้งด้วย - สำหรับเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก เช่นเดียวกับอัลโตและฟลุตเบส เพื่อให้ถือเครื่องดนตรีได้สบายขึ้น หัวสามารถทำจาก วัสดุต่างๆและการผสมผสานของพวกเขา - นิกเกิล, ไม้, เงิน, ทอง, แพลทินัม หัวของขลุ่ยสมัยใหม่ไม่เหมือนกับลำตัวของเครื่องดนตรี ไม่ได้เป็นทรงกระบอก แต่เป็นรูปทรงกรวย-พาราโบลา ที่ปลายด้านซ้ายด้านในหัวมีปลั๊ก ซึ่งเป็นตำแหน่งที่ส่งผลต่อการทำงานโดยรวมของเครื่องมือและควรตรวจสอบอย่างสม่ำเสมอ (โดยปกติจะใช้ปลายด้านหลังของแท่งทำความสะอาดเครื่องมือ - ก้านกระทุ้ง) รูปร่างของรูส่วนหัว รูปร่าง และความโค้งของขากรรไกรมีอิทธิพลอย่างมากต่อเสียงของเครื่องดนตรีทั้งหมด บ่อยครั้งที่นักแสดงใช้หัวไม้จากผู้ผลิตรายอื่นที่ไม่ใช่ผู้ผลิตเครื่องดนตรีหลัก ช่างทำฟลุตบางราย เช่น Lafin หรือ Faulisi เชี่ยวชาญเฉพาะด้านการทำหัว

ร่างกายขลุ่ย

โครงสร้างตัวของฟลุตสามารถมีได้สองประเภท: "อินไลน์" ("อินไลน์") - เมื่อวาล์วทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งบรรทัดและ "ออฟเซ็ต" - เมื่อวาล์วเกลือยื่นออกมา นอกจากนี้ยังมีวาล์วสองประเภท - ปิด (ไม่มีตัวสะท้อนเสียง) และเปิด (พร้อมตัวสะท้อนเสียง) วาล์วเปิดเป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุด เนื่องจากมีข้อดีหลายประการเมื่อเทียบกับวาล์วปิด: นักเป่าสามารถสัมผัสได้ถึงความเร็วของไอพ่นอากาศและเสียงสะท้อนของเสียงใต้นิ้ว ด้วยความช่วยเหลือของวาล์วเปิด คุณสามารถแก้ไขน้ำเสียงและเมื่อ กำลังเล่น เพลงร่วมสมัยขาดไม่ได้จริง ๆ หากไม่มีพวกเขา สำหรับมือเด็กหรือมือเล็กๆ จะมีปลั๊กพลาสติกที่สามารถปิดวาล์วทั้งหมดหรือบางส่วนบนเครื่องดนตรีได้ชั่วคราว หากจำเป็น

เข่า

เข่าขลุ่ย (C)

สามารถใช้เข่าสองประเภทกับเกรตฟลุตได้: เข่า C หรือเข่า B บนฟลุตที่มีเข่าถึงเสียงที่ต่ำกว่านั้นขึ้นอยู่กับอ็อกเทฟแรก บนฟลุตที่มีหัวเข่าของ si - si ของอ็อกเทฟขนาดเล็กตามลำดับ เข่า si ส่งผลต่อเสียงของอ็อกเทฟที่สามของเครื่องดนตรี และทำให้เครื่องดนตรีมีน้ำหนักค่อนข้างหนัก มีคันโยก "gizmo" ที่หัวเข่า B ซึ่งควรใช้เพิ่มเติมในการเพิ่มนิ้วจนถึงระดับเสียงคู่ที่สี่

mi-กลศาสตร์

ฟลุตจำนวนมากมีสิ่งที่เรียกว่า mi-mechanics Mi-mechanics ถูกประดิษฐ์ขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 พร้อมๆ กัน โดยเป็นอิสระจากกัน โดย Emil von Rittershausen ปรมาจารย์ชาวเยอรมัน และ Jalma Julio ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศส เพื่อให้ง่ายต่อการจับและปรับปรุงน้ำเสียงของโน้ตเสียงคู่ที่สาม mi . นักเป่าฟลุตมืออาชีพหลายคนไม่ใช้ E-mechanics เนื่องจากทักษะการบรรเลงที่ดีช่วยให้เลือกเสียงนี้ได้ง่ายโดยไม่ต้องใช้ความช่วยเหลือ นอกจากนี้ยังมีทางเลือกสำหรับกลไก mi-mechanics - แผ่นปิดครึ่งหนึ่งของรูด้านในของวาล์วเกลือ (คู่ที่สอง) ที่พัฒนาโดย Powell เช่นเดียวกับเกลือวาล์วคู่ขนาดลดลงที่พัฒนาโดย Sankyo (ไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลายเนื่องจากสาเหตุหลักมาจาก เพื่อความสวยงาม)

ฟลุตสมัยใหม่ของระบบ Boehm พร้อมวาล์วปิดนอกแนว พร้อมกลไก mi-mechanics และ up-knee

อะคูสติกขลุ่ย

ตามวิธีการผลิตเสียง ขลุ่ยเป็นของเครื่องดนตรีเกี่ยวกับริมฝีปาก นักเป่าขลุ่ยจะเป่าไอพ่นของอากาศไปที่ขอบด้านหน้าของช่องระบายน้ำ การไหลของอากาศจากริมฝีปากของนักดนตรีจะข้ามช่องเปิดออกและกระทบขอบด้านนอก ดังนั้น กระแสอากาศจะถูกแบ่งครึ่งโดยประมาณ: ภายในเครื่องมือและภายนอก ส่วนหนึ่งของอากาศที่ติดอยู่ภายในเครื่องดนตรีจะสร้างคลื่นเสียง (คลื่นอัด) ภายในฟลุต แพร่กระจายไปยังวาล์วที่เปิดอยู่และบางส่วนย้อนกลับ ทำให้ท่อส่งเสียงสะท้อน อากาศบางส่วนที่เข้าสู่ภายนอกเครื่องดนตรีทำให้เกิดเสียงหวือหวาเล็กน้อย เช่น เสียงลม ซึ่งเมื่อ การแสดงละครที่ถูกต้องได้ยินเฉพาะผู้แสดงเอง แต่แยกไม่ออกในระยะหลายเมตร ระดับเสียงเปลี่ยนไปโดยการเปลี่ยนความเร็วและทิศทางของการจ่ายอากาศโดยส่วนรองรับ (กล้ามเนื้อหน้าท้อง) และริมฝีปาก เช่นเดียวกับการใช้นิ้ว

ชื่อ "ฟลุต" รวมเอาเครื่องลมดีรายันทั้งกลุ่มเข้าด้วยกัน เครื่องดนตรี. จริงอยู่ ฟลุตในปัจจุบันยังทำจากวัสดุอื่นๆ เช่น พลาสติก นิกเกิล เงิน ชื่อของเครื่องดนตรีมาจากคำภาษาละติน "Flatus" ซึ่งแปลว่า "ลมหายใจ" ในการแปล ขลุ่ยถือเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก แทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะระบุวันที่เจาะจงสำหรับการประดิษฐ์ขลุ่ย แต่เมื่อพิจารณาจากการค้นพบของนักโบราณคดีแล้ว ขลุ่ยชนิดแรกมีอยู่ตั้งแต่ 35-40,000 ปีก่อนคริสตกาล

ช่วงและรีจิสเตอร์ของขลุ่ย

การลงทะเบียนด้านล่างมีเสียงดังกังวานเต็มและค่อนข้างเย็น

รีจิสเตอร์กลางมีลักษณะเสียงที่นุ่มนวลและเบากว่ารีจิสเตอร์อื่น

ทะเบียนด้านบนมีอักขระที่ชัดเจน สว่างและสดใส

ฟลุตมีหลายชนิด แต่ส่วนใหญ่จะแตกต่างกันในแนวยาวและแนวขวาง ที่ ขลุ่ยยาวปลายสุดมีรูลม เวลาเล่น นักดนตรีถือขลุ่ยยาวตั้งฉากกับแนวริมฝีปาก

ตามขวาง รูอยู่ด้านข้าง ดังนั้นคุณต้องให้มันขนานกับแนวริมฝีปาก
ฟลุตแนวยาวชนิดหนึ่งที่พบมากที่สุดคือรีคอร์เดอร์ มันคล้ายกับขลุ่ยและนกหวีด ความแตกต่างพื้นฐานที่สำคัญระหว่างเครื่องบันทึกและเครื่องดนตรีเหล่านี้คือนอกเหนือจากรูนิ้วเจ็ดรูที่ด้านหน้าแล้วยังมีอีกอันหนึ่ง - วาล์วอ็อกเทฟซึ่งอยู่ด้านหลัง
เครื่องบันทึกเริ่มใช้งานอย่างแข็งขันในงานของพวกเขา นักแต่งเพลงชาวยุโรปย้อนกลับไปในศตวรรษที่ 16 Bach, Vivaldi, Gendal และอีกหลายคนมักจะรวมเครื่องบันทึกไว้ในผลงานของพวกเขา ด้วยการกำเนิดของขลุ่ยขวางเครื่องบันทึกลบอย่างร้ายแรงจึงสังเกตเห็นได้ชัดเจน - ไม่ดังพอ แต่ถึงกระนั้นก็ตาม เครื่องดนตรีนี้ก็ยังปรากฏอยู่ในวงออเคสตราอยู่บ่อยครั้ง
แม้จะมีข้อเท็จจริงที่ว่าขลุ่ยตามขวางปรากฏขึ้นมานานก่อนยุคของเราในประเทศจีน แต่ความนิยมของขลุ่ยตามยาว เป็นเวลานานไม่อนุญาตให้แพร่หลาย หลังจากการออกแบบขลุ่ยขวางได้รับการปรับปรุงในปี พ.ศ. 2375 โดยปรมาจารย์จากเยอรมนี Theobald Behm มันเริ่มปรากฏในวงออเคสตร้าไม่น้อยไปกว่าแบบยาว ขลุ่ยขวางช่วยให้คุณเล่นเสียงจากอ็อกเทฟที่หนึ่งถึงสี่

ฟลุตมีอยู่สี่ประเภทหลักที่ก่อตัวเป็นตระกูล: ฟลุตที่เหมาะสม (หรือเกรตฟลุต), พิคโคโล (พิคโคโล), อัลโตฟลุต และเบสฟลุต ก็มีอยู่เช่นกัน แต่ใช้น้อยกว่ามาก - ฟลุตยอดเยี่ยมใน E-flat ( เพลงคิวบา, แจ๊สละตินอเมริกา) ฟลุต octobass (ดนตรีสมัยใหม่และฟลุตออร์เคสตร้า) และฟลุตไฮเปอร์เบส มีฟลุตของช่วงล่างเป็นต้นแบบด้วย

ขลุ่ยใหญ่มีหัวตรง แต่ก็มีหัวโค้งด้วย - สำหรับเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก เช่นเดียวกับอัลโตและฟลุตเบส เพื่อให้ถือเครื่องดนตรีได้สบายขึ้น หัวสามารถทำจากวัสดุต่าง ๆ และการรวมกัน - นิกเกิล, ไม้, เงิน, ทอง, ทองคำขาว หัวของขลุ่ยสมัยใหม่ไม่เหมือนกับลำตัวของเครื่องดนตรี ไม่ได้เป็นทรงกระบอก แต่เป็นรูปทรงกรวย-พาราโบลา ที่ปลายด้านซ้ายด้านในหัวมีปลั๊ก ซึ่งเป็นตำแหน่งที่ส่งผลต่อการทำงานโดยรวมของเครื่องมือและควรตรวจสอบอย่างสม่ำเสมอ (โดยปกติจะใช้ปลายด้านหลังของแท่งทำความสะอาดเครื่องมือ - ก้านกระทุ้ง) รูปร่างของรูส่วนหัว รูปร่าง และความโค้งของขากรรไกรมีอิทธิพลอย่างมากต่อเสียงของเครื่องดนตรีทั้งหมด บ่อยครั้งที่นักแสดงใช้หัวไม้จากผู้ผลิตรายอื่นที่ไม่ใช่ผู้ผลิตเครื่องดนตรีหลัก ช่างทำฟลุตบางราย เช่น Lafin หรือ Faulisi เชี่ยวชาญเฉพาะด้านการทำหัว

ช่วงของฟลุต (ฟลุตขนาดใหญ่) มากกว่าสามอ็อกเทฟ: จาก ชม.หรือ ค 1 (si อ็อกเทฟขนาดเล็กหรือถึงตัวแรก) ถึง ค 4 (ถึงสี่) ขึ้นไป เล่นมากขึ้น โน้ตสูงดูเหมือนยาก แต่มีงานที่เกี่ยวข้องกับโน้ต "re" และ "mi" ของอ็อกเทฟที่สี่ โน๊ตเขียนด้วยโน๊ตเสียงแหลมตามเสียงจริง เสียงต่ำนั้นชัดเจนและโปร่งแสงในเสียงกลาง เสียงฟู่ในเสียงต่ำและค่อนข้างแหลมในเสียงบน ฟลุตมีเทคนิคหลากหลาย และมักจะใช้กับวงออเครสตร้าโซโล มันถูกใช้ในวงซิมโฟนีและแตรวง และร่วมกับคลาริเน็ต บ่อยกว่าเครื่องลมไม้อื่นๆ ในวงแชมเบอร์ ในวงดุริยางค์ซิมโฟนี จะใช้ฟลุตตั้งแต่หนึ่งถึงห้าฟลุต ส่วนใหญ่มักจะใช้สองหรือสามฟลุต และหนึ่งในนั้น (โดยปกติจะเป็นฟลุตสุดท้าย) สามารถเปลี่ยนระหว่างการแสดงเป็นฟลุตขนาดเล็กหรืออัลโตได้

โครงสร้างของตัวฟลุตสามารถเป็นได้สองประเภท: "อินไลน์" ("อินไลน์") - เมื่อวาล์วทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งบรรทัดและ "ออฟเซ็ต" - เมื่อวาล์วเกลือยื่นออกมา นอกจากนี้ยังมีวาล์วสองประเภท - ปิด (ไม่มีตัวสะท้อนเสียง) และเปิด (พร้อมตัวสะท้อนเสียง) วาล์วเปิดเป็นสิ่งที่พบได้บ่อยที่สุด เนื่องจากมีข้อดีหลายประการเมื่อเทียบกับวาล์วปิด: นักเป่าขลุ่ยสามารถสัมผัสความเร็วของกระแสลมและเสียงสะท้อนภายใต้นิ้วของเขาได้ ด้วยความช่วยเหลือของวาล์วเปิด คุณสามารถแก้ไขน้ำเสียงและเมื่อเล่น ดนตรีสมัยใหม่เป็นสิ่งที่ขาดไม่ได้

สำหรับมือเด็กหรือมือเล็กๆ จะมีปลั๊กพลาสติกที่สามารถปิดวาล์วทั้งหมดหรือบางส่วนบนเครื่องดนตรีได้ชั่วคราว หากจำเป็น

สามารถใช้เข่าสองประเภทกับเกรตฟลุตได้: เข่า C หรือเข่า B บนฟลุตที่มีเข่าถึงเสียงที่ต่ำกว่าจะขึ้นอยู่กับอ็อกเทฟแรกบนฟลุตที่มีเข่าของ si - si ของอ็อกเทฟขนาดเล็กตามลำดับ เข่า si ส่งผลต่อเสียงของอ็อกเทฟที่สามของเครื่องดนตรี และทำให้เครื่องดนตรีมีน้ำหนักค่อนข้างหนัก มีคันโยก "gizmo" อยู่ที่หัวเข่า B ซึ่งควรใช้เพิ่มเติมในการดีดนิ้วจนถึงระดับอ็อกเทฟที่สี่

ฟลุตจำนวนมากมีสิ่งที่เรียกว่า mi-mechanics มันถูกประดิษฐ์ขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 พร้อมกันโดยเป็นอิสระจากกันโดย Emil von Rittershausen ปรมาจารย์ชาวเยอรมันและ Jalma Julio ปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศสเพื่อให้ง่ายต่อการใช้และปรับปรุงเสียงสูงต่ำของโน้ต E ของอ็อกเทฟที่สาม . นักเป่าฟลุตมืออาชีพหลายคนไม่ใช้ E-mechanics เนื่องจากทักษะการบรรเลงที่ดีช่วยให้เลือกเสียงนี้ได้ง่ายโดยไม่ต้องใช้ความช่วยเหลือ นอกจากนี้ยังมีทางเลือกสำหรับกลไก mi-mechanics - แผ่นปิดครึ่งหนึ่งของรูด้านในของวาล์วเกลือ (คู่ที่สอง) ที่พัฒนาโดย Powell เช่นเดียวกับเกลือวาล์วคู่ขนาดลดลงที่พัฒนาโดย Sankyo (ไม่ได้ใช้กันอย่างแพร่หลายเนื่องจากสาเหตุหลักมาจาก เพื่อความสวยงาม) สำหรับฟลุตของระบบเยอรมัน ไม่จำเป็นต้องใช้กลไกแบบ mi (วาล์วคู่ G จะถูกแยกออกจากกันในขั้นต้น)

ตามวิธีการผลิตเสียง ขลุ่ยเป็นของเครื่องดนตรีเกี่ยวกับริมฝีปาก นักเป่าขลุ่ยจะเป่าไอพ่นของอากาศไปที่ขอบด้านหน้าของช่องระบายน้ำ การไหลของอากาศจากริมฝีปากของนักดนตรีจะข้ามช่องเปิดออกและกระทบขอบด้านนอก ดังนั้น กระแสอากาศจะถูกแบ่งครึ่งโดยประมาณ: ภายในเครื่องมือและภายนอก ส่วนหนึ่งของอากาศที่ติดอยู่ภายในเครื่องดนตรีจะสร้างคลื่นเสียง (คลื่นอัด) ภายในฟลุต แพร่กระจายไปยังวาล์วที่เปิดอยู่และบางส่วนย้อนกลับ ทำให้ท่อส่งเสียงสะท้อน อากาศบางส่วนที่เล็ดลอดออกไปนอกเครื่องดนตรีทำให้เกิดเสียงหวือหวาเล็กน้อย เช่น เสียงลม ซึ่งเมื่อตั้งค่าอย่างเหมาะสมแล้ว จะได้ยินเฉพาะตัวผู้แสดงเท่านั้น แต่จะแยกไม่ออกในระยะหลายเมตร ระดับเสียงเปลี่ยนไปโดยการเปลี่ยนความเร็วและทิศทางของการจ่ายอากาศโดยส่วนรองรับ (กล้ามเนื้อหน้าท้อง) และริมฝีปาก เช่นเดียวกับการใช้นิ้ว

เนื่องจากลักษณะทางเสียงของฟลุต จึงมีแนวโน้มที่จะลดระดับเสียงลงเมื่อเล่นเปียโน (โดยเฉพาะในรีจิสเตอร์ล่าง) และสูงขึ้นเมื่อเล่นฟอร์เต้ (โดยเฉพาะในรีจิสเตอร์บน) อุณหภูมิของห้องยังมีอิทธิพลต่อน้ำเสียง - มากกว่า อุณหภูมิต่ำลดระดับเสียงของเครื่องดนตรี ระดับเสียงที่สูงขึ้นตามลำดับ เพิ่มระดับเสียง

เครื่องมือได้รับการปรับแต่งโดยการเลื่อนหัวออกจากตัวเครื่องมือ (ยิ่งดึงหัวออกมามากเท่าไหร่ เครื่องมือก็จะยิ่งยาวขึ้นและตามด้วย) วิธีการปรับแต่งนี้มีข้อเสียเมื่อเทียบกับสตริงหรือ เครื่องดนตรีคีย์บอร์ด- เมื่อดึงหัวออกมาความสัมพันธ์ระหว่างรูของเครื่องดนตรีจะไม่พอใจและอ็อกเทฟจะหยุดสร้างซึ่งกันและกัน เมื่อส่วนหัวขยายออกไปมากกว่าหนึ่งเซนติเมตร (ซึ่งลดระดับเสียงของเครื่องดนตรีลงเกือบครึ่งเสียง) เสียงของฟลุตจะเปลี่ยนเสียงต่ำและคล้ายกับเสียงของเครื่องดนตรีไม้สไตล์บาโรก

ฟลุตเป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีประเภทเป่าที่เก่งกาจและเคลื่อนที่ได้ทางเทคนิคมากที่สุด การแสดงของเธอเป็นแบบฉบับของสเกลใน ก้าวเร็ว, arpeggios กระโดดเป็นช่วงกว้าง บ่อยครั้งที่ฟลุตถูกกำหนดให้ใช้กับแคนทิลีนาเอพที่ยาว เนื่องจากการหายใจบนฟลุตถูกใช้เร็วกว่าเครื่องลมไม้อื่นๆ Trills ให้เสียงที่ดีตลอดทั้งช่วง (ยกเว้นการ Trills เล็กน้อยที่เสียงต่ำสุด) จุดอ่อนเครื่องดนตรีมีช่วงไดนามิกที่ค่อนข้างเล็ก - ความแตกต่างระหว่างเปียโนและมือขวาในอ็อกเทฟที่หนึ่งและสองคือประมาณ 25 เดซิเบลในรีจิสเตอร์บนไม่เกิน 10 เดซิเบล นักเป่าขลุ่ยชดเชยข้อบกพร่องนี้ด้วยการเปลี่ยนสีของเสียงต่ำรวมถึงวิธีอื่น การแสดงออกทางดนตรี. ช่วงของเครื่องดนตรีแบ่งออกเป็นสามรีจิสเตอร์: ล่าง กลาง และบน เปียโนและเลกาโตค่อนข้างเล่นง่ายในระดับล่าง แต่มือขวาและสแตคกาโตต้องใช้ทักษะที่เป็นผู้ใหญ่ รีจิสเตอร์ตรงกลางมีเสียงหวือหวาน้อยที่สุด มักจะฟังดูทึมๆ ดังนั้นจึงไม่ค่อยมีใครใช้สำหรับเมโลดี้ Cantilena ในรีจิสเตอร์ด้านบนนั้นง่ายต่อการเล่นมือขวา การเล่นเปียโนให้เชี่ยวชาญในอ็อกเทฟที่สามนั้นต้องอาศัยการฝึกฝนเครื่องดนตรีเป็นเวลาหลายปี การเริ่มต้นจากอ็อกเทฟที่สี่ไปจนถึงการสกัดเสียงที่คมชัดและเงียบนั้นเป็นไปไม่ได้

สีของเสียงต่ำและความงามของเสียงบนขลุ่ยขึ้นอยู่กับหลายปัจจัยในการผลิตและทักษะของนักแสดง - มีบทบาทสำคัญในการเล่นโดยคอเปิดซึ่งเป็นรูที่ค่อนข้างเปิดในหัวเครื่องดนตรี (ปกติ 2/3 ), ตำแหน่งที่ถูกต้องของหัวเครื่องดนตรีที่สัมพันธ์กับริมฝีปาก, ทิศทางที่แน่นอนของกระแสลม, รวมถึงการควบคุมปริมาณและความเร็วของการจ่ายลมอย่างชำนาญโดยใช้ "การรองรับ" (ชุดของกล้ามเนื้อหน้าท้อง, ส่วนหนึ่งของ กล้ามเนื้อระหว่างซี่โครงและกล้ามเนื้อหลังบางส่วนที่ส่งผลต่อการทำงานของกะบังลม)

ขลุ่ยมีเทคนิคการเล่นที่หลากหลาย สอง (พยางค์ tou-ku) และสาม (พยางค์ tou-ku-tu tou-ku-tu) staccato ใช้ทุกที่ เริ่มต้นด้วย XIX ปลาย- ต้นศตวรรษที่ 20 ใช้เทคนิค frulato สำหรับเอฟเฟกต์พิเศษ - เล่นเครื่องดนตรีพร้อมกันกับการออกเสียงเสียงเช่น "trr" โดยใช้ปลายลิ้นหรือลำคอ Richard Strauss ใช้เทคนิค frulato เป็นครั้งแรกใน บทกวีไพเราะ"ดอนกิโฆเต้" (2439-2440)

ในศตวรรษที่ 20 มีการคิดค้นเทคนิคและเทคนิคเพิ่มเติมมากมาย:

Multiphonics คือการแยกเสียงสองเสียงขึ้นไปพร้อมกันโดยใช้นิ้วพิเศษ มีตารางมัลติโฟนิกพิเศษเพื่อช่วยนักแต่งเพลงและนักแสดง เช่น ในหนังสือของ Pierre Yves Artaud หรือ Robert Dick

เสียงนกหวีด - ชวนให้นึกถึงเสียงนกหวีดที่เงียบสงบ ดึงออกมาโดยที่ฟองน้ำรองหูฟังผ่อนคลายเต็มที่และลำแสงพุ่งตรงไปยังตำแหน่งที่ปกติแล้วเสียงที่ต้องการจะอยู่

"Tangram" เป็นเสียงสั้น ๆ คล้ายกับการตบมือ มันถูกเอาออกโดยที่ฟองน้ำรองหูของเครื่องดนตรีปิดสนิทโดยริมฝีปากด้วยความช่วยเหลือของลิ้นที่ขยับอย่างรวดเร็ว ฟังดูสำคัญเป็นอันดับที่เจ็ดรองจากนิ้วที่นักแสดงใช้

"Jet whistle" - เสียงไอพ่นของอากาศ (ไม่มีเสียง) เปลี่ยนระดับเสียงอย่างรวดเร็วจากบนลงล่างหรือจากล่างขึ้นบน ขึ้นอยู่กับคำสั่งของผู้แต่ง มันถูกดึงออกมาโดยที่ฟองน้ำรองหูของเครื่องดนตรีปิดสนิทด้วยริมฝีปาก พร้อมกับการหายใจออกอย่างแรงและออกเสียงพยางค์ที่คล้ายกับ "fuit"

มีวิธีการอื่น ๆ ของเทคนิคสมัยใหม่ - เคาะด้วยวาล์ว, เล่นด้วยเดือยเดียวโดยไม่มีเสียง, ร้องเพลงพร้อมกับแยกเสียงและอื่น ๆ