UdSSR die besten Illustrationen für Kinder. Unvergesslich: Illustratoren von Kindermärchen

1.3 Berühmte Illustratoren

Eine Illustration ist nicht nur eine Ergänzung zum Text, sondern ein Kunstwerk seiner Zeit. Die Illustration von Kinderbüchern dient vielen Zwecken. Es verkörpert Fantasien, belebt Erinnerungen, hilft, an Abenteuern teilzunehmen, entwickelt den Geist, das Herz und die Seele eines Kindes. Große Verantwortung dafür edle Sache fällt auf die Schultern des Illustrators. Ich möchte an berühmte in- und ausländische Illustratoren erinnern, die einen bedeutenden Beitrag zur Kunst der Kinder geleistet haben Buchillustration.

Der Illustrator des russischen Märchens war der bemerkenswerte Künstler Ivan Yakovlevich Bilibin (1876-1942). Er gilt als einer der eigenwilligsten und ursprüngliche Meister Grafiker, Schöpfer einer besonderen Art von Bildband. Dies ist ein großformatiges dünnes Buch-Notizbuch, das mit großen Farbzeichnungen ausgestattet ist. Der Künstler war hier nicht nur der Autor der Zeichnungen, sondern auch aller dekorativen Elemente des Buches - Cover, Initialen, besondere Art Schrift und ornamentale Dekorationen. In den Jahren 1901-1903 schuf Bilibin Illustrationen für die Märchen "Die Froschprinzessin", "Wassilissa die Schöne", "Marya Morevna", "Weiße Ente" usw. Seine Werke sind bekannt für die Märchen von A. S. Puschkin "The Tale". von Zar Saltan“, „Das Märchen vom goldenen Hahn“, „Das Märchen vom Fischer und dem Fisch“. Eines der Merkmale von Bilibins Illustrationen ist Humor und jene gnadenlose und scharfe Ironie, die so charakteristisch für russische Volksmärchen ist. Bilibin arbeitet mit Begeisterung an Skizzen für die Erstinszenierung von Rimsky-Korsakovs „Der goldene Hahn“. Märchenfiguren – gut und böse, schön und hässlich – haben uns seit unserer Kindheit begeistert, uns gelehrt, das Gute und das Schöne zu lieben, das Böse, die Feigheit und die Ungerechtigkeit zu hassen.

Viktor Michailowitsch Wasnezow (1848-1926) ist einer der ersten russischen Künstler, der die Grenzen der üblichen Genres sprengte und zeigte Märchenwelt, erleuchtet von der poetischen Vorstellungskraft der Menschen. Vasnetsov, einer der ersten russischen Künstler, wandte sich der malerischen Nachbildung der Bilder von Volksmärchen und Epen zu. Sein Schicksal gestaltete sich, als wäre er von vornherein dazu bestimmt, ein russischer Märchensänger zu werden. Seine Kindheit verging in der rauen malerischen Region Wjatka. Ein gesprächiger Koch, der Kindern Märchen erzählt, die Geschichten von wandernden Menschen, die in ihrem Leben viel gesehen haben, so der Künstler selbst, "hat mich dazu gebracht, die Vergangenheit und Gegenwart meines Volkes lebenslang zu lieben, hat meinen Weg maßgeblich bestimmt." Bereits zu Beginn seiner Arbeit schuf er eine Reihe von Illustrationen für das kleine bucklige Pferd und den Feuervogel. Neben Märchen hat er Werke gewidmet heroische Bilder Epen. "Der Ritter am Scheideweg", "Drei Helden". Das berühmte Gemälde „Ivan Tsarevich on grauer Wolf"Geschrieben über die Handlung eines der berühmtesten und am weitesten verbreiteten Märchen, das in populären Drucken des 18.

Yuri Alekseevich Vasnetsov (1900-1973) - illustrierte und gestaltete russische Volksmärchen, Lieder, Kinderreime sowie Bücher berühmter Kinderautoren: V. Bianki, K. Chukovsky, S. Marshak usw. Er wird zu Recht als Künstler bezeichnet der russischen Märchen. "Drei Bären", "Buckelpferd", "Teremok" und viele andere. Fantastische, fabelhafte Landschaften basieren auf den Eindrücken echter russischer Natur. Die Vögel und Tiere des Künstlers nehmen die Gewohnheiten an, die ihm in der Realität aufgefallen sind. Neben einheimischen Meistern gibt es wunderbare ausländische Künstler der viele erstaunliche und schöne Illustrationen von Märchen geschaffen hat.

Moritz von Schwyz (1804-1871) berühmter deutscher Maler und Illustrator. Er schuf die sogenannten „monumentalen Illustrationen“ nach Märchen. Das sind große Kunstleinwände, die in den Sälen der Münchner Alten Pinakothek zu sehen sind. Schwitz' elf Aquarelle sind weithin bekannt, dies sind die Zyklen "Aschenputtel", "Sieben Krähen und eine treue Schwester", "Schöne Melusina". Er schuf die berühmten, mehrfach reproduzierten Grafikblätter zu den Märchen „Sieben Schwaben“, „Der gestiefelte Kater“, zur Sammlung „Alte und neue Kinderlieder, Rätsel und Fabeln“, „Fabeln“ von La Fontaine. Ungewöhnlich emotional ausdrucksstark sind seine Illustrationen für das Märchen „Der Wacholder“, die Legende von Ryubetsal und das gutmütige patriarchalische „Die Geschichte von der schönen Meerjungfrau“ von E. Mörik.

Der grafische Stil des berühmten französischen Künstlers und Bildhauers Gustave Dore (1833-1883), der die Leichtigkeit eines Strichs mit einer gespannten Linie kombiniert, die Fähigkeit, die Essenz eines illustrierten Werks mit unzähligen Originalfunden zu bereichern, fand eine begeisterte Resonanz bei der Französisches Publikum. Dore ist einer der berühmtesten und produktivsten Illustratoren der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Er ist vor allem für seine Buchillustrationen bekannt. literarische Werke: „Illustrierte Rabelais“ (1854), „Don Quijote“ von Cervantes (1862), „ Die Göttliche Komödie„Dante (1861-1868), sowie Illustrationen für Balzac, Milton. Dorés Illustrationen zu den Märchen von Charles Perrault gelten als Klassiker.

Jon Bauer (1882-1917) wurde weithin bekannt durch seine Illustrationen für das Buch Unter Zwergen und Trollen (schwedisch: Bland tomtar och troll), das jährlich zu Weihnachten in Schweden veröffentlicht wurde. Er war es, der die Tradition nach dem Bild des fabelhaften Waldes und seiner Bewohner geschaffen hat. magische Charaktere. Bauer spezialisierte sich auf Illustrationen für skandinavische Legenden.

Eine ganze Galerie fabelhafter Bilder vermenschlichter Tiere wurde von Granville (sein richtiger Name ist Gerard Jean-Iñas Isidore) (1803-1847) geschaffen - französischer Künstler, Grafiker, Karikaturist und Illustrator. Er hatte großen Einfluss auf den Stil von Kinderbilderbüchern. Er illustrierte die Fabeln von Lafontaine (1837), „Die Abenteuer von Gulliver“ von J. Swift (1839-1843).

Um die Jahrhundertwende tauchten in Großbritannien neue talentierte Autoren auf. Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts wurden einige der besten Bücher von F.Kh. Burnett, E. Nesbit und R. Kipling. Hervorragender Dichter und der Romanautor Joseph Rudyard Kipling steht allein in der englischen Literatur dieser Zeit. Er ist eine Kombination aus einer zutiefst konservativen Einstellung und einem strahlenden, originellen Talent. In seinen Märchen für Kinder triumphieren gute Laune und reiche Fantasie. Für einige Märchen fertigte Kipling als Künstler Illustrationen an.

Kate Greenaway (1846-1901) war eine englische Künstlerin, die für ihre Illustrationen von Kinderbüchern, darunter Märchen, berühmt wurde. Greenways erstes Buch Under the Window war ein großer Erfolg. Einer der meisten Berühmte Werke die Künstler wurden zu Illustrationen für „The Tales of Mother Goose“ und die Legende vom Rattenfänger von Hameln.

Eine bedeutende Spur in der Geschichte der Kinderillustration hinterließen Disney, Jonaitis, Kittelsen, Tuvi Janson (illustriert von eigene Märchenüber Mumien-Trolle), O. Balovintseva, die durch ihre wunderbaren Illustrationen zu arabischen Märchen weithin bekannt wurde.

Kapitel II. Computergrafik in der Buchillustration

Geschrieben von Goethe. Diese Probleme haben nur indirekt mit unserer Arbeit zu tun. Allerdings gibt es auch hier einen Zusammenhang. Ziel unserer Arbeit ist die Automatisierung und Erprobung psychodiagnostischer Methoden in der Berufsberatungsarbeit mit älteren Studierenden. Wörtlich übersetzt bedeutet das Wort Ökologie die Wissenschaft, die sich mit dem Haus, der Wohnung beschäftigt. Mit anderen Worten, eine bestimmte Umgebung. Betrachten Sie in unserem Fall ...

Als Versuchsstandort wurde die Klasse 9 A gewählt. Es gibt 29 Schüler in dieser Klasse: 17 Jungen und 12 Mädchen. Ziel des Experiments: Ermittlung der psychologischen und pädagogischen Voraussetzungen für die berufliche Selbstbestimmung von Studierenden im Biologieunterricht; sowie die Ausbildung einer stabilen positiven Motivation zum Studium des Studiengangs Biologie und die Entwicklung der beruflichen Selbstbestimmung der Studierenden beim Studium des Studiengangs „Allgemeines ...

17.01.2012 Bewertung: 0 Stimmen: 0 Kommentare: 23

Was nützt ein Buch, dachte Alice.
- wenn keine Bilder oder Gespräche darin sind?
"Alice im Wunderland"

Überraschenderweise ist die Kinderillustration von Russland (UdSSR)
Es gibt genaues Jahr Geburt - 1925. Dieses Jahr
In Leningrad wurde eine Abteilung für Kinderliteratur eingerichtet
Staatsverlag (GIZ). Vor diesem Buch
mit Illustrationen speziell für Kinder wurden nicht veröffentlicht.

Wer sind sie - die Autoren der beliebtesten, schönsten Illustrationen, an die man sich seit seiner Kindheit erinnert und die unsere Kinder mögen?
Lernen Sie, erinnern Sie sich, teilen Sie Ihre Meinung.
Der Artikel wurde unter Verwendung der Geschichten der Eltern heutiger Kinder und Buchrezensionen auf den Websites von Online-Buchhandlungen geschrieben.

Vladimir Grigorievich Suteev(1903-1993, Moskau) - Kinderbuchautor, Illustrator und Animator. Seine freundlichen, lustigen Bilder sehen aus wie Rahmen aus einem Zeichentrickfilm. Suteevs Zeichnungen haben viele Märchen in Meisterwerke verwandelt.
So halten zum Beispiel nicht alle Eltern die Werke von Korney Chukovsky für einen notwendigen Klassiker, und die meisten von ihnen halten seine Werke nicht für talentiert. Aber Tschukowskis Märchen, illustriert von Vladimir Suteev, möchte ich in meinen Händen halten und Kindern vorlesen.

Boris Alexandrowitsch Dechterew(1908-1993, Kaluga, Moskau) - Volkskünstler, sowjetischer Grafiker (es wird angenommen, dass die "Schule von Dechterew" die Entwicklung bestimmt hat Buchgrafik Länder), Illustrator. Er arbeitete hauptsächlich in der Technik der Bleistiftzeichnung und des Aquarells. alt freundliche Illustrationen Dekhterev ist eine ganze Ära in der Geschichte der Kinderillustration, viele Illustratoren nennen Boris Aleksandrovich ihren Lehrer.

Dekhterev illustrierte Kindermärchen von Alexander Sergeevich Puschkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault und Hans Christian Andersen. Sowie Werke anderer russischer Schriftsteller und Weltklassiker wie Mikhail Lermontov, Ivan Turgenev, William Shakespeare.

Nikolai Alexandrowitsch Ustinow(1937, Moskau) war Dekhterev sein Lehrer, und viele moderne Illustratoren betrachten Ustinov bereits als ihren Lehrer.

Nikolai Ustinov - Volkskünstler, Illustrator. Geschichten mit seinen Illustrationen wurden nicht nur in Russland (UdSSR), sondern auch in Japan, Deutschland, Korea und anderen Ländern veröffentlicht. Fast dreihundert Werke illustriert berühmter Künstler für Verlage: "Kinderliteratur", "Kid", "Künstler der RSFSR", Verlage von Tula, Voronezh, St. Petersburg und anderen. Er arbeitete in der Zeitschrift Murzilka.
Ustinovs Illustrationen für russische Volksmärchen sind nach wie vor die beliebtesten bei Kindern: Drei Bären, Mascha und der Bär, Schwester Pfifferling, Froschprinzessin, Gänse, Schwäne und viele andere.

Juri Alexejewitsch Wasnezow(1900-1973, Vyatka, Leningrad) - Volkskünstler und Illustrator. Alle Kinder mögen seine Bilder für Volkslieder, Kinderreime und Witze (Ladushki, Regenbogenbogen). Er illustrierte Volksmärchen, Erzählungen von Leo Tolstoi, Pjotr ​​Erschow, Samuil Marschak, Witali Bianchi und andere Klassiker der russischen Literatur.

Achten Sie beim Kauf von Kinderbüchern mit Illustrationen von Yuri Vasnetsov darauf, dass die Zeichnungen klar und mäßig hell sind. Verwendung des Namens berühmter Künstler, in letzter Zeit werden Bücher oft mit unscharfen Scans von Zeichnungen oder mit erhöhter unnatürlicher Helligkeit und Kontrast veröffentlicht, was für Kinderaugen nicht sehr gut ist.

Leonid Wiktorowitsch Wladimirski(geboren 1920 in Moskau) ist ein russischer Grafiker und der beliebteste Illustrator von Büchern über A. N. Tolstois Pinocchio und A. M. Volkovs Smaragdstadt, dank denen er in Russland und den Ländern der ehemaligen UdSSR weithin bekannt wurde. Ich habe mit Wasserfarben gemalt. Es sind Vladimirskys Illustrationen, die viele als Klassiker für Volkovs Werke erkennen. Nun, Pinocchio in der Form, in der er von mehreren Generationen von Kindern gekannt und geliebt wurde, ist zweifellos sein Verdienst.

Viktor Alexandrowitsch Tschischikow(geb. 1935, Moskau) - Volkskünstler Russlands, Autor des Bildes des Bärenjungen Mischka, dem Maskottchen der Olympischen Sommerspiele 1980 in Moskau. Der Illustrator der Zeitschrift „Crocodile“, „Funny Pictures“, „Murzilka“, zeichnete viele Jahre für die Zeitschrift „Around the World“.
Chizhikov illustrierte die Werke von Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev in der Schule und zu Hause), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich und der Buchstabe "A"), Alexander Volkov (Der Zauberer Smaragd Stadt), Gedichte von Andrey Usachev, Korney Chukovsky und Agnia Barto und andere Bücher.

Fairerweise sollte angemerkt werden, dass Chizhikovs Illustrationen ziemlich spezifisch und karikaturistisch sind. Daher ziehen es nicht alle Eltern vor, Bücher mit seinen Illustrationen zu kaufen, wenn es eine Alternative gibt. Zum Beispiel werden die Bücher "Der Zauberer der Smaragdstadt" von vielen mit Illustrationen von Leonid Vladimirsky bevorzugt.

Nikolai Ernestowitsch Radlow(1889-1942, St. Petersburg) - Russischer Künstler, Kunstkritiker, Lehrer. Illustrator von Kinderbüchern: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov hat mit großer Freude für Kinder gemalt. Die meisten sein berühmtes Buch- Comics für Kinder "Geschichten in Bildern". Dies ist ein Buch-Album mit lustigen Geschichten über Tiere und Vögel. Jahre sind vergangen, aber die Sammlung ist immer noch sehr beliebt. Geschichten in Bildern wurden nicht nur in Russland, sondern auch in anderen Ländern immer wieder nachgedruckt. An Internationaler Wettbewerb Kinderbuch in Amerika im Jahr 1938 gewann das Buch den zweiten Preis.

Alexej Michailowitsch Laptew(1905-1965, Moskau) - Grafiker, Buchillustrator, Dichter. Die Werke des Künstlers befinden sich in vielen regionalen Museen sowie in privaten Sammlungen in Russland und im Ausland. Illustriert „Die Abenteuer von Dunno und seinen Freunden“ von Nikolai Nosov, „Fables“ von Ivan Krylov, Zeitschrift „Funny Pictures“. Das Buch mit seinen Gedichten und Bildern „Pik, Pak, Pok“ wird bereits von jeder Generation von Kindern und Eltern sehr geliebt (Briff, ein gieriger Bär, Fohlen Chernysh und Ryzhik, fünfzig Hasen und andere).

Iwan Jakowlewitsch Bilibin(1876-1942, Leningrad) - Russischer Künstler, Buchillustrator und Theatergestalter. Bilibin illustrierte eine Vielzahl von Märchen, darunter die von Alexander Sergejewitsch Puschkin. Er entwickelte seinen eigenen Stil - "Bilibino" - eine grafische Darstellung, die die Traditionen der alten russischen und Volkskunst berücksichtigt, eine sorgfältig nachgezeichnete und detailliert gemusterte Konturzeichnung, die mit Wasserfarben koloriert ist. Bilibins Stil wurde populär und begann nachgeahmt zu werden.

Märchen, Epen und Bilder der alten Rus sind für viele seit langem untrennbar mit Bilibins Illustrationen verbunden.

Wladimir Michailowitsch Konaschewitsch(1888-1963, Nowotscherkassk, Leningrad) - Russischer Künstler, Grafiker, Illustrator. Ich habe durch Zufall angefangen, Kinderbücher zu illustrieren. 1918 war seine Tochter drei Jahre alt. Konashevich zeichnete für sie Bilder für jeden Buchstaben des Alphabets. Einer meiner Freunde hat diese Zeichnungen gesehen, er mochte sie. So wurde das „ABC in Bildern“ gedruckt - das erste Buch von V. M. Konashevich. Seitdem ist der Künstler ein Illustrator von Kinderbüchern.
Ab den 1930er Jahren wurde das Illustrieren von Kinderliteratur zum Hauptgeschäft seines Lebens. Konashevich illustrierte auch Erwachsenenliteratur, beschäftigte sich mit Malerei, malte Bilder in einer bestimmten Technik, die er mochte - Tusche oder Aquarell auf chinesischem Papier.

Die Hauptwerke von Vladimir Konashevich:
- Illustration von Märchen und Liedern verschiedene Völker, teilweise mehrfach abgebildet;
- Märchen von G.Kh. Andersen, Brüder Grimm und Charles Perrault;
- „The Old Man-Year-Old“ von V. I. Dahl;
- Werke von Korney Chukovsky und Samuil Marshak.
Die letzte Arbeit des Künstlers bestand darin, alle Märchen von A. S. Puschkin zu illustrieren.

Anatoli Michailowitsch Sawtschenko(1924-2011, Nowotscherkassk, Moskau) - Karikaturist und Illustrator von Kinderbüchern. Anatoly Savchenko war Produktionsdesigner für die Cartoons „Kid and Carlson“ und „Carlson return“ und Autor von Illustrationen für Bücher von Astrid Lindgren. Der berühmteste Cartoon arbeitet mit seiner direkten Beteiligung: Moidodyr, die Abenteuer von Murzilka, Petya und Little Red Riding Hood, Vovka in Far Far Away, The Nutcracker, Fly-Tsokotukha, Keshas Papagei und andere.
Kinder kennen die Illustrationen von Savchenko aus den Büchern: „Piggy ist beleidigt“ von Vladimir Orlov, „Kuzya Brownie“ von Tatjana Alexandrova, „Geschichten für die Kleinsten“ von Gennady Tsyferov, „Little Baba Yaga“ von Preysler Otfried sowie Bücher mit karikaturähnlichen Werken.

Oleg Wladimirowitsch Wassiljew(geb. 1931, Moskau). Seine Werke befinden sich in den Sammlungen vieler Kunstmuseen in Russland und den USA, inkl. im Staat Tretjakow-Galerie in Moskau. Seit den 60er Jahren gestaltet er seit mehr als dreißig Jahren Kinderbücher in Zusammenarbeit mit Erik Wladimirowitsch Bulatow(Geboren 1933, Swerdlowsk, Moskau).
Am bekanntesten sind die Illustrationen der Künstler zu Märchen von Charles Perrault und Hans Andersen, Gedichten von Valentin Berestov und Märchen von Gennady Tsyferov.

Boris Arkadjewitsch Diodorov(geboren 1934, Moskau) - Volkskünstler. Lieblingstechnik - Farbradierung. Autor von Illustrationen für viele Werke der russischen und ausländische Klassiker. Seine bekanntesten Märchenillustrationen sind:

Jan Ekholm „Tutta Karlsson der Erste und Einzige, Ludwig der Vierzehnte und andere“;
- Selma Lagerlöf "Niels' erstaunliche Reise mit Wildgänse»;
- Sergey Aksakov "Die Scharlachrote Blume";
- Werke von Hans Christian Andersen.

Diodorov hat mehr als 300 Bücher illustriert. Seine Werke wurden in den USA, Frankreich, Spanien, Finnland, Japan, Südkorea und anderen Ländern veröffentlicht. Er arbeitete als Chefzeichner des Verlags „Kinderliteratur“.

Jewgeni Iwanowitsch Charushin(1901-1965, Vyatka, Leningrad) - Grafiker, Bildhauer, Prosaautor und Kindertierautor. Grundsätzlich sind die Illustrationen nach Art einer freien ausgeführt Aquarellzeichnung mit ein bisschen Humor. Kinder lieben es, sogar Kleinkinder. Bekannt für Illustrationen von Tieren, die er für seine eigenen Geschichten zeichnete: „Über Tomka“, „Volchishko und andere“, „Nikitka und seine Freunde“ und viele andere. Er illustrierte auch andere Autoren: Chukovsky, Prishvin, Bianki. Das bekannteste Buch mit seinen Illustrationen ist „Children in a Cage“ von Samuil Yakovlevich Marshak.

Jewgeni Michailowitsch Rachev(1906-1997, Tomsk) - Tiermaler, Grafiker, Illustrator. Er illustrierte hauptsächlich russische Volksmärchen, Fabeln und Märchen der Klassiker der russischen Literatur. Er illustrierte hauptsächlich Werke, in denen die Hauptfiguren Tiere sind: russische Märchen über Tiere, Fabeln.

Iwan Maksimowitsch Semjonow(1906-1982, Rostow am Don, Moskau) - Volkskünstler, Grafiker, Karikaturist. Semenov arbeitete in den Zeitungen " TVNZ“, „Pionerskaya Pravda“, die Zeitschriften „Change“, „Crocodile“ und andere. Bereits 1956 entstand auf seine Initiative die erste humorvolle Zeitschrift für Kleinkinder in der UdSSR, „Funny Pictures“.
Seine berühmtesten Illustrationen: zu den Geschichten von Nikolai Nosov über Kolya und Mishka (Dreamers, lebender Hut und andere) und Zeichnungen "Bobik besucht Barbos".

Die Namen einiger anderer berühmter zeitgenössischer russischer Kinderbuchillustratoren:

- Wjatscheslaw Michailowitsch Nazaruk(geboren 1941, Moskau) - Produktionsdesigner von Dutzenden Animationsfilme: Kleiner Waschbär, Abenteuer von Leopold der Katze, Mama für ein Mammut, Geschichten von Bazhov und Illustrator der gleichnamigen Bücher.

- Nadeschda Bugoslawskaja(der Autor des Artikels hat keine biografischen Informationen gefunden) - der Autor guter, schöner Illustrationen für viele Kinderbücher: Gedichte und Lieder von Mother Goose, Gedichte von Boris Zakhoder, Werke von Sergei Mikhalkov, Werke von Daniil Charms, Geschichten von Mikhail Zoshchenko , „Pipi langer Strumpf» Astrid Lindgren und andere.

- Igor Egunov(der Autor des Artikels hat keine biografischen Informationen gefunden) - ein zeitgenössischer Künstler, Autor von hellen, gut gezeichneten Illustrationen für Bücher: "Die Abenteuer des Baron Münchhausen" von Rudolf Raspe, "Das kleine bucklige Pferd" von Pyotr Ershov, Fee Märchen der Gebrüder Grimm und Hoffmann, Märchen über russische Helden.

- Jewgeni Antonenkow(geboren 1956, Moskau) - Illustratorin, Lieblingstechnik ist Aquarell, Stift und Papier, Mischtechnik. Die Illustrationen sind modern, ungewöhnlich, fallen unter anderem auf. Manche betrachten sie mit Gleichgültigkeit, andere verlieben sich auf den ersten Blick in lustige Bilder.
Die berühmtesten Illustrationen: zu den Märchen von Winnie the Pooh (Alan Alexander Milne), "Russische Kindermärchen", Gedichte und Märchen von Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari, Yunna Moritz. Stupid Horse von Vladimir Levin (englische alte Volksballaden), illustriert von Antonenkov, ist eines der bekanntesten beliebte Bücher ausgehend 2011.
Evgeny Antonenkov arbeitet mit Verlagen in Deutschland, Frankreich, Belgien, den USA, Korea und Japan zusammen und nimmt regelmäßig an renommierten Verlagen teil Internationale Ausstellungen, Preisträger des Wettbewerbs „White Crow“ (Bologna, 2004), Gewinner des Diploms „Buch des Jahres“ (2008).

- Igor Julijewitsch Oleinikow(geboren 1953, Moskau) - Animator, arbeitet hauptsächlich in handgezeichneter Animation, Buchillustrator. Überraschenderweise hat ein so talentierter zeitgenössischer Künstler keine spezielle Kunstausbildung.
In der Animation ist Igor Oleinikov für seine Filme bekannt: „Das Geheimnis des dritten Planeten“, „Die Geschichte des Zaren Saltan“, „Sherlock Holmes und ich“ und andere. Zusammenarbeit mit Kinderzeitschriften „Tram“, „Sesamstraße“ Gute Nacht, Kinder! und andere.
Igor Oleinikov arbeitet mit Verlagen in Kanada, den USA, Belgien, der Schweiz, Italien, Korea, Taiwan und Japan zusammen und nimmt an renommierten internationalen Ausstellungen teil.
Die bekanntesten Illustrationen des Künstlers für Bücher: „Der Hobbit oder Hin und zurück“ von John Tolkien, „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ von Erich Raspe, „Die Abenteuer der Despero Maus“ von Kate DiCamillo, „Peter Pan“ von JamesBarry. Neue Bücher mit Illustrationen von Oleinikov: Gedichte von Daniil Charms, Joseph Brodsky, Andrey Usachev.

Anna Agrowa

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Illustratoren von Kinderbüchern. Wer sind die Autoren der beliebtesten Bilder? Was nützt ein Buch, dachte Alice, wenn es keine Bilder oder Gespräche darin gibt? „Alices Abenteuer im Wunderland“

Vladimir Grigoryevich Suteev (1903-1993, Moskau) - Kinderbuchautor, Illustrator und Animationsregisseur. Seine freundlichen, lustigen Bilder sehen aus wie Rahmen aus einem Zeichentrickfilm. Suteevs Zeichnungen haben viele Märchen in Meisterwerke verwandelt.

Wer hat Miau gesagt?

Boris Alexandrovich Dekhterev (1908-1993, Kaluga, Moskau) - Volkskünstler, sowjetischer Grafiker, Illustrator. Er arbeitete hauptsächlich in der Technik der Bleistiftzeichnung und des Aquarells. Die guten alten Illustrationen von Dekhterev sind eine ganze Ära in der Geschichte der Kinderillustration, viele Illustratoren nennen Boris Aleksandrovich ihren Lehrer. Dekhterev illustrierte Kindermärchen von A. S. Puschkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault, Hans Christian Andersen, M. Lermontov, Ivan Turgenev und William Shakespeare.

Yuri Alekseevich Vasnetsov (1900-1973, Vyatka, Leningrad) - Volkskünstler und Illustrator. Alle Kinder mögen seine Bilder für Volkslieder, Kinderreime und Witze (Ladushki, Regenbogenbogen). Er illustrierte Volksmärchen, Erzählungen von Leo Tolstoi, Pjotr ​​Erschow, Samuil Marschak, Witali Bianchi und andere Klassiker der russischen Literatur.

Leonid Viktorovich Vladimirsky (geboren 1920 in Moskau) ist ein russischer Grafiker und der beliebteste Illustrator von Büchern über A. N. Tolstois Pinocchio und A. M. Volkovs Smaragdstadt, wodurch er weithin bekannt wurde. Ich habe mit Wasserfarben gemalt. Pinocchio in der Form, in der er von mehreren Generationen von Kindern gekannt und geliebt wurde, ist zweifellos sein Verdienst.

Viktor Alexandrovich Chizhikov (geboren 1935, Moskau) ist ein Volkskünstler Russlands, der Autor des Bildes des Bärenjungen Mischka, dem Maskottchen der Olympischen Sommerspiele 1980 in Moskau. Der Illustrator der Zeitschrift „Crocodile“, „Funny Pictures“, „Murzilka“, zeichnete viele Jahre für die Zeitschrift „Around the World“. Chizhikov illustrierte die Werke von Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev in der Schule und zu Hause), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich und der Buchstabe "A"), Alexander Volkov (Der Zauberer von Oz), Gedichte von Andrey Usachev, Korney Chukovsky und Agnia Barto und andere Bücher.

Nikolai Ernestovich Radlov (1889-1942, St. Petersburg) - Russischer Künstler, Kunstkritiker, Lehrer. Illustrator von Kinderbüchern: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov hat mit großer Freude für Kinder gemalt. Sein bekanntestes Buch sind Zeichentrickfilme für Kinder „Geschichten in Bildern“. Dies ist ein Buch-Album mit lustigen Geschichten über Tiere und Vögel. Jahre sind vergangen, aber die Sammlung ist immer noch sehr beliebt. Geschichten in Bildern wurden nicht nur in Russland, sondern auch in anderen Ländern immer wieder nachgedruckt. Beim internationalen Kinderbuchwettbewerb in Amerika 1938 gewann das Buch den zweiten Preis.

Alexei Mikhailovich Laptev (1905-1965, Moskau) - Grafiker, Buchillustrator, Dichter. Die Werke des Künstlers befinden sich in vielen regionalen Museen sowie in privaten Sammlungen in Russland und im Ausland. Illustriert „Die Abenteuer von Dunno und seinen Freunden“ von Nikolai Nosov, „Fables“ von Ivan Krylov, Zeitschrift „Funny Pictures“. Das Buch mit seinen Gedichten und Bildern „Pik, Pak, Pok“ wird bereits von jeder Generation von Kindern und Eltern sehr geliebt (Briff, ein gieriger Bär, Fohlen Chernysh und Ryzhik, fünfzig Hasen und andere).

Ivan Yakovlevich Bilibin (1876-1942, Leningrad) - Russischer Künstler, Buchillustrator und Theaterdesigner. Bilibin illustrierte eine Vielzahl von Märchen, darunter Puschkin u. Er entwickelte seinen eigenen Stil - "Bilibino" - eine grafische Darstellung, die die Traditionen der alten russischen und Volkskunst berücksichtigt, eine sorgfältig nachgezeichnete und detailliert gemusterte Konturzeichnung, die mit Wasserfarben koloriert ist. Geschichten, Epen und Bilder der alten Rus sind für viele seit langem untrennbar mit Bilibins Illustrationen verbunden.

Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963, Nowotscherkassk, Leningrad) - Russischer Künstler, Grafiker, Illustrator. Ich habe durch Zufall angefangen, Kinderbücher zu illustrieren. 1918 war seine Tochter drei Jahre alt. Konashevich zeichnete für sie Bilder für jeden Buchstaben des Alphabets. So wurde das „ABC in Bildern“ gedruckt - das erste Buch von V. M. Konashevich. Seitdem ist der Künstler ein Illustrator von Kinderbüchern. Die Hauptwerke von Vladimir Konashevich: - Illustration von Märchen und Liedern verschiedener Nationen, von denen einige mehrfach illustriert wurden; Märchen von G.Kh. Andersen, die Brüder Grimm und Charles Perrault - „The Old Man-Year-Old Man“ von V. I. Dahl; - Werke von Korney Chukovsky und Samuil Marshak Das letzte Werk des Künstlers war die Illustration aller Märchen von A. S. Puschkin u.

Anatoly Mikhailovich Savchenko (1924-2011, Nowotscherkassk, Moskau) - Karikaturist und Illustrator von Kinderbüchern. Anatoly Savchenko war Produktionsdesigner für die Cartoons „Kid and Carlson“ und „Carlson return“ und Autor von Illustrationen für Bücher von Astrid Lindgren. Der berühmteste Cartoon arbeitet mit seiner direkten Beteiligung: Moidodyr, die Abenteuer von Murzilka, Petya und Little Red Riding Hood, Vovka in Far Far Away, The Nutcracker, Fly-Tsokotukha, Keshas Papagei und andere. Kinder kennen die Illustrationen von Savchenko aus den Büchern: „Piggy ist beleidigt“ von Vladimir Orlov, „Kuzya Brownie“ von Tatjana Alexandrova, „Geschichten für die Kleinsten“ von Gennady Tsyferov, „Little Baba Yaga“ von Preysler Otfried sowie Bücher mit karikaturähnlichen Werken.

Oleg Vladimirovich Vasiliev (geb. 1931, Moskau) Seine Werke befinden sich in den Sammlungen vieler Kunstmuseen in Russland und den USA, u. a. in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau. Seit den 1960er Jahren gestaltet er seit mehr als dreißig Jahren Kinderbücher. Am bekanntesten sind die Illustrationen der Künstler zu Märchen von Charles Perrault und Hans Andersen, Gedichten von Valentin Berestov und Märchen von Gennady Tsyferov.

Boris Arkadjewitsch Diodorov (geb. 1934, Moskau) - Volkskünstler. Lieblingstechnik - Farbradierung. Autor von Illustrationen für viele Werke russischer und ausländischer Klassiker. Am bekanntesten sind seine Illustrationen für Märchen: - Jan Ekholm „Tutta Karlsson der Erste und Einzige, Ludwig der Vierzehnte und andere“; - Selma Lagerlöf „Niels' erstaunliche Reise mit Wildgänsen“; - Sergei Aksakov „Die scharlachrote Blume“; - Werke von Hans Christian Andersen. Diodorov hat mehr als 300 Bücher illustriert. Seine Werke wurden in den USA, Frankreich, Spanien, Finnland, Japan, Südkorea und anderen Ländern veröffentlicht. Er arbeitete als Chefzeichner des Verlags „Kinderliteratur“.

Evgeny Ivanovich Charushin (1901-1965, Vyatka, Leningrad) - Grafiker, Bildhauer, Prosaautor und Kinderbuchautor-Tiermaler. Grundsätzlich sind die Illustrationen in der Art einer freien Aquarellzeichnung mit etwas Humor ausgeführt. Kinder lieben es, sogar Kleinkinder. Bekannt für Illustrationen von Tieren, die er für seine eigenen Geschichten zeichnete: „Über Tomka“, „Volchishko und andere“, „Nikitka und seine Freunde“ und viele andere. Er illustrierte auch andere Autoren: Chukovsky, Prishvin, Bianki. Das bekannteste Buch mit seinen Illustrationen ist „Children in a Cage“ von Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeny Mikhailovich Rachev (1906-1997, Tomsk) - Tiermaler, Grafiker, Illustrator. Er illustrierte hauptsächlich russische Volksmärchen, Fabeln und Märchen der Klassiker der russischen Literatur. Er illustrierte hauptsächlich Werke, in denen die Hauptfiguren Tiere sind: russische Märchen über Tiere, Fabeln.

Illustratoren von Kinderbüchern. Wer sind die Autoren der beliebtesten Bilder?

Was nützt ein Buch, dachte Alice.
- wenn keine Bilder oder Gespräche darin sind?
"Alice im Wunderland"

Überraschenderweise ist die Kinderillustration von Russland (UdSSR)
es gibt ein genaues Geburtsjahr - 1925. Dieses Jahr
In Leningrad wurde eine Abteilung für Kinderliteratur eingerichtet
Staatsverlag (GIZ). Vor diesem Buch
mit Illustrationen speziell für Kinder wurden nicht veröffentlicht.

Wer sind sie - die Autoren der beliebtesten, schönsten Illustrationen, an die man sich seit seiner Kindheit erinnert und die unsere Kinder mögen?
Lernen Sie, erinnern Sie sich, teilen Sie Ihre Meinung.
Der Artikel wurde unter Verwendung der Geschichten der Eltern heutiger Kinder und Buchrezensionen auf den Websites von Online-Buchhandlungen geschrieben.

Vladimir Grigorievich Suteev(1903-1993, Moskau) - Kinderbuchautor, Illustrator und Animationsregisseur. Seine freundlichen, lustigen Bilder sehen aus wie Rahmen aus einem Zeichentrickfilm. Suteevs Zeichnungen haben viele Märchen in Meisterwerke verwandelt.
So halten zum Beispiel nicht alle Eltern die Werke von Korney Chukovsky für einen notwendigen Klassiker, und die meisten von ihnen halten seine Werke nicht für talentiert. Aber Tschukowskis Märchen, illustriert von Vladimir Suteev, möchte ich in meinen Händen halten und Kindern vorlesen.

Boris Alexandrowitsch Dechterew(1908-1993, Kaluga, Moskau) - Volkskünstler, sowjetischer Grafiker (es wird angenommen, dass die Dechterew-Schule die Entwicklung der Buchgrafik des Landes bestimmt hat), Illustrator. Er arbeitete hauptsächlich in der Technik der Bleistiftzeichnung und des Aquarells. Die guten alten Illustrationen von Dekhterev sind eine ganze Ära in der Geschichte der Kinderillustration, viele Illustratoren nennen Boris Aleksandrovich ihren Lehrer.

Dekhterev illustrierte Kindermärchen von Alexander Sergeevich Puschkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault und Hans Christian Andersen. Sowie Werke anderer russischer Schriftsteller und Weltklassiker wie Mikhail Lermontov, Ivan Turgenev, William Shakespeare.

Nikolai Alexandrowitsch Ustinow(1937, Moskau) war Dekhterev sein Lehrer, und viele moderne Illustratoren betrachten Ustinov bereits als ihren Lehrer.

Nikolai Ustinov - Volkskünstler, Illustrator. Geschichten mit seinen Illustrationen wurden nicht nur in Russland (UdSSR), sondern auch in Japan, Deutschland, Korea und anderen Ländern veröffentlicht. Fast dreihundert Werke wurden von dem berühmten Künstler für Verlage illustriert: "Kinderliteratur", "Kid", "Künstler der RSFSR", Verlage von Tula, Woronesch, St. Petersburg und anderen. Er arbeitete in der Zeitschrift Murzilka.
Ustinovs Illustrationen für russische Volksmärchen sind nach wie vor die beliebtesten bei Kindern: Drei Bären, Mascha und der Bär, Schwester Pfifferling, Froschprinzessin, Gänse, Schwäne und viele andere.

Juri Alexejewitsch Wasnezow(1900-1973, Vyatka, Leningrad) - Volkskünstler und Illustrator. Alle Kinder mögen seine Bilder für Volkslieder, Kinderreime und Witze (Ladushki, Regenbogenbogen). Er illustrierte Volksmärchen, Erzählungen von Leo Tolstoi, Pjotr ​​Erschow, Samuil Marschak, Witali Bianchi und andere Klassiker der russischen Literatur.

Achten Sie beim Kauf von Kinderbüchern mit Illustrationen von Yuri Vasnetsov darauf, dass die Zeichnungen klar und mäßig hell sind. Unter dem Namen eines berühmten Künstlers werden in letzter Zeit oft Bücher mit unscharfen Scans von Zeichnungen oder mit erhöhter unnatürlicher Helligkeit und Kontrast veröffentlicht, was für Kinderaugen nicht sehr gut ist.

Leonid Wiktorowitsch Wladimirski(geboren 1920 in Moskau) ist ein russischer Grafiker und der beliebteste Illustrator von Büchern über A. N. Tolstois Pinocchio und A. M. Volkovs Smaragdstadt, dank denen er in Russland und den Ländern der ehemaligen UdSSR weithin bekannt wurde. Ich habe mit Wasserfarben gemalt. Es sind Vladimirskys Illustrationen, die viele als Klassiker für Volkovs Werke erkennen. Nun, Pinocchio in der Form, in der er von mehreren Generationen von Kindern gekannt und geliebt wurde, ist zweifellos sein Verdienst.

Viktor Alexandrowitsch Tschischikow(geb. 1935, Moskau) - Volkskünstler Russlands, Autor des Bildes des Bärenjungen Mischka, dem Maskottchen der Olympischen Sommerspiele 1980 in Moskau. Der Illustrator der Zeitschrift „Crocodile“, „Funny Pictures“, „Murzilka“, zeichnete viele Jahre für die Zeitschrift „Around the World“.
Chizhikov illustrierte die Werke von Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev in der Schule und zu Hause), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich und der Buchstabe "A"), Alexander Volkov (Der Zauberer von Oz), Gedichte von Andrey Usachev, Korney Chukovsky und Agnia Barto und andere Bücher.

Fairerweise sollte angemerkt werden, dass Chizhikovs Illustrationen ziemlich spezifisch und karikaturistisch sind. Daher ziehen es nicht alle Eltern vor, Bücher mit seinen Illustrationen zu kaufen, wenn es eine Alternative gibt. Beispielsweise werden die Bücher „Der Zauberer der Smaragdstadt“ von vielen mit Illustrationen bevorzugt. Leonid Wladimirski.

Nikolai Ernestowitsch Radlow(1889-1942, St. Petersburg) - Russischer Künstler, Kunstkritiker, Lehrer. Illustrator von Kinderbüchern: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov hat mit großer Freude für Kinder gemalt. Sein bekanntestes Buch sind Zeichentrickfilme für Kinder „Geschichten in Bildern“. Dies ist ein Buch-Album mit lustigen Geschichten über Tiere und Vögel. Jahre sind vergangen, aber die Sammlung ist immer noch sehr beliebt. Geschichten in Bildern wurden nicht nur in Russland, sondern auch in anderen Ländern immer wieder nachgedruckt. Beim internationalen Kinderbuchwettbewerb in Amerika 1938 gewann das Buch den zweiten Preis.

Alexej Michailowitsch Laptew(1905-1965, Moskau) - Grafiker, Buchillustrator, Dichter. Die Werke des Künstlers befinden sich in vielen regionalen Museen sowie in privaten Sammlungen in Russland und im Ausland. Illustriert „Die Abenteuer von Dunno und seinen Freunden“ von Nikolai Nosov, „Fables“ von Ivan Krylov, Zeitschrift „Funny Pictures“. Das Buch mit seinen Gedichten und Bildern „Pik, Pak, Pok“ wird bereits von jeder Generation von Kindern und Eltern sehr geliebt (Briff, ein gieriger Bär, Fohlen Chernysh und Ryzhik, fünfzig Hasen und andere).

Iwan Jakowlewitsch Bilibin(1876-1942, Leningrad) - Russischer Künstler, Buchillustrator und Theatergestalter. Bilibin illustrierte eine Vielzahl von Märchen, darunter die von Alexander Sergejewitsch Puschkin. Er entwickelte seinen eigenen Stil - "Bilibino" - eine grafische Darstellung, die die Traditionen der alten russischen und Volkskunst berücksichtigt, eine sorgfältig nachgezeichnete und detailliert gemusterte Konturzeichnung, die mit Wasserfarben koloriert ist. Bilibins Stil wurde populär und begann nachgeahmt zu werden.

Märchen, Epen und Bilder der alten Rus sind für viele seit langem untrennbar mit Bilibins Illustrationen verbunden.

Wladimir Michailowitsch Konaschewitsch(1888-1963, Nowotscherkassk, Leningrad) - Russischer Künstler, Grafiker, Illustrator. Ich habe durch Zufall angefangen, Kinderbücher zu illustrieren. 1918 war seine Tochter drei Jahre alt. Konashevich zeichnete für sie Bilder für jeden Buchstaben des Alphabets. Einer meiner Freunde hat diese Zeichnungen gesehen, er mochte sie. So wurde das „ABC in Bildern“ gedruckt - das erste Buch von V. M. Konashevich. Seitdem ist der Künstler ein Illustrator von Kinderbüchern.
Ab den 1930er Jahren wurde das Illustrieren von Kinderliteratur zum Hauptgeschäft seines Lebens. Konashevich illustrierte auch Erwachsenenliteratur, beschäftigte sich mit Malerei, malte Bilder in einer bestimmten Technik, die er mochte - Tusche oder Aquarell auf chinesischem Papier.

Die Hauptwerke von Vladimir Konashevich:
- Illustration von Märchen und Liedern verschiedener Nationen, die teilweise mehrfach illustriert wurden;
- Märchen von G.Kh. Andersen, Brüder Grimm und Charles Perrault;
- „The Old Man-Year-Old“ von V. I. Dahl;
- Werke von Korney Chukovsky und Samuil Marshak.
Die letzte Arbeit des Künstlers bestand darin, alle Märchen von A. S. Puschkin zu illustrieren.

Anatoli Michailowitsch Sawtschenko(1924-2011, Nowotscherkassk, Moskau) - Karikaturist und Illustrator von Kinderbüchern. Anatoly Savchenko war Produktionsdesigner für die Cartoons „Kid and Carlson“ und „Carlson return“ und Autor von Illustrationen für Bücher von Astrid Lindgren. Der berühmteste Cartoon arbeitet mit seiner direkten Beteiligung: Moidodyr, die Abenteuer von Murzilka, Petya und Little Red Riding Hood, Vovka in Far Far Away, The Nutcracker, Fly-Tsokotukha, Keshas Papagei und andere.
Kinder kennen die Illustrationen von Savchenko aus den Büchern: „Piggy ist beleidigt“ von Vladimir Orlov, „Kuzya Brownie“ von Tatjana Alexandrova, „Geschichten für die Kleinsten“ von Gennady Tsyferov, „Little Baba Yaga“ von Preysler Otfried sowie Bücher mit karikaturähnlichen Werken.

Oleg Wladimirowitsch Wassiljew(geb. 1931, Moskau). Seine Werke befinden sich in den Sammlungen vieler Kunstmuseen in Russland und den USA, inkl. in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau. Seit den 1960er Jahren gestaltet er seit mehr als dreißig Jahren Kinderbücher in Zusammenarbeit mit Erik Vladimirovich Bulatov (geb. 1933, Swerdlowsk, Moskau).
Am bekanntesten sind die Illustrationen der Künstler zu Märchen von Charles Perrault und Hans Andersen, Gedichten von Valentin Berestov und Märchen von Gennady Tsyferov.

Boris Arkadjewitsch Diodorov(geboren 1934, Moskau) - Volkskünstler. Lieblingstechnik - Farbradierung. Autor von Illustrationen für viele Werke russischer und ausländischer Klassiker. Seine bekanntesten Märchenillustrationen sind:

- Jan Ekholm "Tutta Karlsson der Erste und Einzige, Ludwig der Vierzehnte und andere";
- Selma Lagerlöf "Niels' erstaunliche Reise mit Wildgänsen";
- Sergey Aksakov "Die Scharlachrote Blume";
- Werke von Hans Christian Andersen.

Diodorov hat mehr als 300 Bücher illustriert. Seine Werke wurden in den USA, Frankreich, Spanien, Finnland, Japan, Südkorea und anderen Ländern veröffentlicht. Er arbeitete als Chefzeichner des Verlags „Kinderliteratur“.

Jewgeni Iwanowitsch Charushin(1901-1965, Vyatka, Leningrad) - Grafiker, Bildhauer, Prosaautor und Kinderbuchautor-Tiermaler. Grundsätzlich sind die Illustrationen in der Art einer freien Aquarellzeichnung mit etwas Humor ausgeführt. Kinder lieben es, sogar Kleinkinder. Bekannt für Illustrationen von Tieren, die er für seine eigenen Geschichten zeichnete: „Über Tomka“, „Volchishko und andere“, „Nikitka und seine Freunde“ und viele andere. Er illustrierte auch andere Autoren: Chukovsky, Prishvin, Bianki. Das bekannteste Buch mit seinen Illustrationen ist „Children in a Cage“ von Samuil Yakovlevich Marshak.

Jewgeni Michailowitsch Rachev(1906-1997, Tomsk) - Tiermaler, Grafiker, Illustrator. Er illustrierte hauptsächlich russische Volksmärchen, Fabeln und Märchen der Klassiker der russischen Literatur. Er illustrierte hauptsächlich Werke, in denen die Hauptfiguren Tiere sind: russische Märchen über Tiere, Fabeln.

Iwan Maksimowitsch Semjonow(1906-1982, Rostow am Don, Moskau) - Volkskünstler, Grafiker, Karikaturist. Semenov arbeitete in den Zeitungen Komsomolskaya Pravda, Pionerskaya Pravda, den Zeitschriften Smena, Krokodil und anderen. Bereits 1956 entstand auf seine Initiative die erste humorvolle Zeitschrift für Kleinkinder in der UdSSR, „Funny Pictures“.
Seine bekanntesten Illustrationen sind Nikolai Nosovs Geschichten über Kolya und Mishka (Dreamers, Living Hat und andere) und Zeichnungen „Bobik visit Barbos“.

Die Namen einiger anderer berühmter zeitgenössischer russischer Kinderbuchillustratoren:

- Wjatscheslaw Michailowitsch Nazaruk(geboren 1941 in Moskau) ist Produktionsdesigner für Dutzende von Animationsfilmen: „Der kleine Waschbär“, „Die Abenteuer von Leopold der Katze“, „Mama für ein Mammut“, „Bazhovs Märchen“ und Illustrator der gleichnamigen Bücher.

- Nadeschda Bugoslawskaja(der Autor des Artikels hat keine biografischen Informationen gefunden) - der Autor guter, schöner Illustrationen für viele Kinderbücher: Gedichte und Lieder von Mother Goose, Gedichte von Boris Zakhoder, Werke von Sergei Mikhalkov, Werke von Daniil Charms, Geschichten von Mikhail Zoshchenko , „Pippi Langstrumpf“ von Astrid Lindgren und anderen.

- Igor Egunov (der Autor des Artikels fand keine biografischen Informationen) - ein zeitgenössischer Künstler, Autor von hellen, gut gezeichneten Illustrationen für Bücher: "Die Abenteuer des Baron Münchhausen" von Rudolf Raspe, "Das kleine bucklige Pferd" von Pyotr Ershov, Märchen der Brüder Grimm und Hoffmann, Märchen über russische Helden

- Evgeny Antonenkov(geboren 1956, Moskau) - Illustratorin, Lieblingstechnik ist Aquarell, Stift und Papier, Mischtechnik. Die Illustrationen sind modern, ungewöhnlich, fallen unter anderem auf. Manche betrachten sie mit Gleichgültigkeit, andere verlieben sich auf den ersten Blick in lustige Bilder.
Die bekanntesten Illustrationen: zu den Märchen über Winnie Puuh (Alan Alexander Milne), „Russische Kindermärchen“, Gedichte und Märchen von Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari, Yunna Moritz. Stupid Horse von Vladimir Levin (englische alte Volksballaden), illustriert von Antonenkov, ist eines der beliebtesten Bücher des Jahres 2011.
Evgeny Antonenkov arbeitet mit Verlagen in Deutschland, Frankreich, Belgien, den USA, Korea und Japan zusammen, ist regelmäßiger Teilnehmer an renommierten internationalen Ausstellungen, Preisträger des Wettbewerbs „White Crow“ (Bologna, 2004), Inhaber des Diploms „Buch des Jahres“ (2008 ).

- Igor Yulievich Oleinikov (geboren 1953, Moskau) - Animator, arbeitet hauptsächlich in handgezeichneter Animation, Buchillustrator. Überraschenderweise hat ein so talentierter zeitgenössischer Künstler keine spezielle Kunstausbildung.
In der Animation ist Igor Oleinikov für seine Filme bekannt: „Das Geheimnis des dritten Planeten“, „Die Geschichte des Zaren Saltan“, „Sherlock Holmes und ich“ und andere. Er arbeitete mit Kinderzeitschriften "Tram", "Sesamstraße", "Gute Nacht, Kinder!" und andere.
Igor Oleinikov arbeitet mit Verlagen in Kanada, den USA, Belgien, der Schweiz, Italien, Korea, Taiwan und Japan zusammen und nimmt an renommierten internationalen Ausstellungen teil.
Die bekanntesten Illustrationen des Künstlers für Bücher: „Der Hobbit oder Hin und zurück“ von John Tolkien, „Die Abenteuer des Baron Münchhausen“ von Erich Raspe, „Die Abenteuer der Despero Maus“ von Kate DiCamillo, „Peter Pan“ von JamesBarry. Neue Bücher mit Illustrationen von Oleinikov: Gedichte von Daniil Charms, Joseph Brodsky, Andrey Usachev.
Bin Ich wollte dir eigentlich keine Illustratoren vorstellen, dich an unsere Kindheit mit dir erinnern und es jungen Eltern empfehlen.

(Text) Anna Agrova

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Künstlerin Varvara Boldina

Das künstlerische Erbe des Meisters beschränkt sich nicht auf die Buchgrafik. A. F. Pakhomov ist Autor von monumentalen Wandgemälden, Gemälden, Staffeleigrafiken: Zeichnungen, Aquarellen, zahlreichen Drucken, darunter die aufregenden Blätter des Leningrad in den Tagen der Blockadeserie. Es kam jedoch vor, dass in der Literatur über den Künstler eine ungenaue Vorstellung davon vorhanden war wahrer Maßstab und die Dauer seiner Tätigkeit. Manchmal begann die Berichterstattung über sein Werk erst mit den Werken Mitte der 30er Jahre, manchmal sogar noch später - mit einer Reihe von Lithografien der Kriegsjahre. Ein solch begrenzter Ansatz verengte und beschnitt nicht nur die Idee des ursprünglichen und lebendigen Erbes von A. F. Pakhomov, das im Laufe eines halben Jahrhunderts geschaffen wurde, sondern verarmte auch die sowjetische Kunst insgesamt.

Die Notwendigkeit, die Arbeit von A. F. Pakhomov zu studieren, ist längst überfällig. Die erste Monographie über ihn erschien Mitte der 1930er Jahre. Dabei wurde natürlich nur ein Teil der Werke berücksichtigt. Trotz dessen und einiger Einschränkungen beim Verständnis der damaligen Traditionen behielt die Arbeit der ersten Biografin V. P. Anikieva ihren Wert von der sachlichen Seite und auch (mit notwendigen Anpassungen) konzeptionell. In den in den 1950er Jahren erschienenen Essays über den Künstler fiel der Umfang des Materials aus den 1920er und 1930er Jahren enger aus, und die Berichterstattung über das Werk der nachfolgenden Perioden war selektiver. Heute scheint die beschreibende und bewertende Seite der Arbeiten über A. F. Pakhomov, zwei Jahrzehnte von uns entfernt, in vielerlei Hinsicht ihre Glaubwürdigkeit verloren zu haben.

In den 60er Jahren schrieb A. F. Pakhomov das Originalbuch "Über seine Arbeit". Das Buch zeigte deutlich den Irrtum einer Reihe allgemeiner Vorstellungen über seine Arbeit. Die Gedanken des Künstlers über Zeit und Kunst, die in dieser Arbeit zum Ausdruck kommen, sowie das umfangreiche Material der Aufzeichnungen von Gesprächen mit Alexei Fedorovich Pakhomov, die der Autor dieser Zeilen gemacht hat, haben zur Erstellung der den Lesern angebotenen Monographie beigetragen.

A. F. Pakhomov besitzt eine außerordentlich große Anzahl von Gemälden und Zeichnungen. Ohne Anspruch auf Vollständigkeit zu erheben, sah es der Autor der Monographie als seine Aufgabe an, einen Überblick über die wesentlichen Aspekte zu geben Kreative Aktivitäten Meister, über ihren Reichtum und ihre Originalität, über Lehrer und Kollegen, die zur Entstehung der Kunst von A. F. Pakhomov beigetragen haben. Staatsbürgerschaft, tiefe Vitalität, Realismus, die für die Werke des Künstlers charakteristisch sind, ermöglichten es, die Entwicklung seiner Arbeit in ständiger und enger Verbindung mit dem Leben des sowjetischen Volkes zu zeigen.

Als einer der größten Meister Sowjetische Kunst, A. F. Pakhomov, trug während seines langen Lebens und seines kreativen Weges eine leidenschaftliche Liebe zum Mutterland, zu seinen Menschen. Hoher Humanismus, Wahrhaftigkeit, figurativer Reichtum machen seine Werke so seelenvoll, aufrichtig, voller Wärme und Optimismus.

In der Region Wologda, in der Nähe der Stadt Kadnikov, am Ufer des Flusses Kubena, liegt das Dorf Varlamov. Dort wurde am 19. September (2. Oktober) 1900 ein Junge von einer Bäuerin, Efimiya Petrovna Pakhomova, geboren, die Alexei hieß. Sein Vater, Fjodor Dmitriewitsch, stammte von „bestimmten“ Bauern, die die Schrecken der Leibeigenschaft in der Vergangenheit nicht kannten. Dieser Umstand spielte eine wichtige Rolle in der Lebensweise und den vorherrschenden Charaktereigenschaften, entwickelte die Fähigkeit, sich einfach, ruhig und würdevoll zu verhalten. Auch die Eigenschaften von besonderem Optimismus, Weitblick, spiritueller Direktheit und Reaktionsfähigkeit waren hier verwurzelt. Alexei wuchs in einem Arbeitsumfeld auf. Sie lebten schlecht. Da es im ganzen Dorf bis zum Frühjahr nicht genug eigenes Brot gab, mussten sie es kaufen. Es war ein zusätzliches Einkommen erforderlich, das von erwachsenen Familienmitgliedern erbracht wurde. Einer der Brüder war Steinmetz. Viele der Dorfbewohner waren Zimmerleute. Und doch erinnerte man sich an die frühe Zeit des Lebens junger Alexej als am fröhlichsten. Nach einem zweijährigen Studium an einer Pfarrschule und zwei weiteren Jahren an einer Semstwo-Schule in einem Nachbardorf wurde er "auf Staatskosten und mit staatlicher Kost" auf eine höhere Grundschule in der Stadt Kadnikow geschickt. Die Unterrichtszeit dort blieb A. F. Pakhomov als sehr schwierig und hungrig in Erinnerung. "Seitdem meine unbeschwerte Kindheit in Vaters Haus, - sagte er, - begann mir für immer als die glücklichste und poetischste Zeit zu erscheinen, und diese Poetisierung der Kindheit wurde später zum Hauptmotiv meiner Arbeit. Künstlerische Fähigkeit Alexei erschien früh, obwohl es dort, wo er lebte, keine Bedingungen für ihre Entwicklung gab. Aber auch in Abwesenheit von Lehrern erzielte der Junge bestimmte Ergebnisse. Der benachbarte Gutsbesitzer V. Zubov machte auf sein Talent aufmerksam und schenkte Aljoscha Bleistifte, Papier und Reproduktionen von Gemälden russischer Künstler. Pakhomovs frühe Zeichnungen, die bis heute erhalten sind, zeigen, was später, bereichert durch professionelles Können, charakteristisch für sein Werk werden wird. Den kleinen Künstler faszinierte das Bild eines Menschen und vor allem eines Kindes. Er zeichnet Brüder, Schwestern, Nachbarskinder. Es ist interessant, dass der Rhythmus der Linien dieser schlichten Bleistiftporträts die Zeichnungen seiner reifen Poren widerspiegelt.

Als er 1915 die Schule der Stadt Kadnikov abschloss, kündigten lokale Kunstliebhaber auf Vorschlag des Bezirksmarschalls des Adels Yu Zubov ein Abonnement an und schickten Pakhomov nach Petrograd an die Schule von A. L. Stieglitz mit der Geld gesammelt. Mit der Revolution kam es auch im Leben von Alexei Pakhomov zu Veränderungen. Unter dem Einfluss neuer Lehrer, die an der Schule auftauchten - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - bemüht er sich, die Aufgaben der Kunst besser zu verstehen. Eine kurze Ausbildung unter der Anleitung eines großen Meisters des Zeichnens Shukhaev gab ihm viel Wert. Diese Lektionen legten den Grundstein für das Verständnis der Struktur menschlicher Körper. Er strebte nach einem tiefen Studium der Anatomie. Pakhomov war von der Notwendigkeit überzeugt, die Umwelt nicht zu kopieren, sondern sinnvoll darzustellen. Beim Zeichnen gewöhnte er sich daran, nicht von Licht- und Schattenverhältnissen abhängig zu sein, sondern die Natur sozusagen mit seinem eigenen Auge zu „beleuchten“, indem er das Licht nahe Teile des Volumens ließ und die entfernteren verdunkelte. „Stimmt“, bemerkte der Künstler gleichzeitig, „ich bin kein treuer Shukhaevit geworden, das heißt, ich habe nicht angefangen, mit Rötel zu zeichnen und es mit einem Gummiband zu beschmieren, damit der menschliche Körper spektakulär aussah.“ Pachomov gab zu, dass die Lehren der bekanntesten Buchkünstler, Dobuzhinsky und Chekhonin, nützlich waren. Besonders der Rat des Letzteren ist ihm in Erinnerung geblieben: Schriften sofort mit dem Pinsel, ohne vorheriges Heften mit dem Bleistift, auf einen Buchdeckel schreiben zu können, „wie eine Adresse auf einen Briefumschlag“. Nach Aussage des Künstlers half eine solche Entwicklung des nötigen Auges später bei Skizzen aus der Natur, wo er, beginnend mit einigen Details, alles Dargestellte auf dem Blatt platzieren konnte.

1918, als ich im kalten und hungrigen Petrograd ohne lebte dauerhaftes Einkommen unmöglich wurde, ging Pakhomov in seine Heimat und schrieb sich als Kunstlehrer an einer Schule in Kadnikovo ein. Diese Monate waren für den Abschluss seiner Ausbildung von großem Nutzen. Nach dem Unterricht in den Klassen der ersten und zweiten Stufe las er eifrig, solange es die Beleuchtung zuließ und seine Augen nicht ermüdeten. „Die ganze Zeit, in der ich in einem aufgeregten Zustand war, erfasste mich ein Fieber des Wissens. Die ganze Welt öffnete sich vor mir, was ich, wie sich herausstellte, kaum wusste, - erinnerte sich Pakhomov diesmal. - Februar und Oktoberrevolution Ich nahm mit Freude an, wie die meisten Menschen um mich herum, aber erst jetzt, als ich Bücher über Soziologie, politische Ökonomie, historischen Materialismus und Geschichte las, begann ich, die Essenz der Ereignisse, die stattfanden, wirklich zu verstehen.

Die Schätze der Wissenschaft und Literatur taten sich vor dem jungen Mann auf; ganz natürlich war seine Absicht, sein unterbrochenes Studium in Petrograd fortzusetzen. In einem vertrauten Gebäude in der Salt Lane begann er bei N. A. Tyrsa zu lernen, der damals Kommissar der ehemaligen Stieglitz-Schule war. „Wir, die Schüler von Nikolai Andreevich, waren sehr überrascht von seinem Kostüm“, sagte Pakhomov. - Die Kommissare jener Jahre trugen Ledermützen und Jacken mit einem Gürtel und einem Revolver in einem Holster, und Tyrsa ging mit einem Stock und einer Melone. Aber seine Vorträge über Kunst wurden mit angehaltenem Atem angehört. Witzig widerlegte der Werkstattleiter überholte Ansichten über Malerei, machte Studierende mit den Errungenschaften der Impressionisten bekannt, mit den Erfahrungen des Postimpressionismus, machte unaufdringlich auf die Suchen aufmerksam, die in den Werken Van Goghs und vor allem Cezannes sichtbar sind. Tyrsa hat kein klares Programm für die Zukunft der Kunst aufgestellt, er forderte von den Mitarbeitern seiner Werkstatt Spontaneität: schreibe wie du fühlst. 1919 wurde Pachomov in die Rote Armee eingezogen. Er hat die zuvor ungewohnte militärische Umgebung genau erkannt, wirklich verstanden volkstümlicher Charakter Armee des Landes der Sowjets, was später die Interpretation dieses Themas in seiner Arbeit beeinflusste. Im Frühjahr des folgenden Jahres kam Pakhomov, der nach einer Krankheit demobilisiert wurde, in Petrograd an, wechselte von der Werkstatt von N. A. Tyrsa zu V. V. Lebedev und beschloss, sich ein Bild von den Prinzipien des Kubismus zu machen, die sich in a widerspiegelten Reihe von Werken von Lebedew und seinen Schülern. Von den Werken von Pakhomov, die zu dieser Zeit entstanden, ist nur wenig erhalten. So zum Beispiel „Still Life“ (1921), das sich durch einen subtilen Sinn für Textur auszeichnet. Darin erkennt man den von Lebedev erlernten Wunsch, in den Werken „Madeness“ zu erreichen, nicht nach oberflächlicher Vollständigkeit zu suchen, sondern nach einer konstruktiven Bildorganisation der Leinwand, ohne die plastischen Qualitäten des Dargestellten zu vergessen.

Die Idee eines Neuen Gute Arbeit Pakhomov - Gemälde "Heuernte" - stammt aus seinem Heimatdorf Varlamov. Dort wurde Material dafür gesammelt. Der Künstler stellte keine gewöhnliche Alltagsszene beim Mähen dar, sondern die Hilfe junger Bauern für ihre Nachbarn. Obwohl der Übergang zur kollektiven, kollektivwirtschaftlichen Arbeit damals noch Zukunftsmusik war, war die Veranstaltung selbst, die den Enthusiasmus der Jugend und die Begeisterung für die Arbeit zeigte, bereits in gewisser Weise neuen Trends verwandt. Etüden und Skizzen von Mäherfiguren, Fragmente der Landschaft: Gräser, Büsche, Stoppeln zeugen von der erstaunlichen Konsequenz und Ernsthaftigkeit des künstlerischen Konzepts, in dem sich kühne Struktursuche mit der Lösung plastischer Probleme verbindet. Pakhomovs Fähigkeit, den Rhythmus von Bewegungen einzufangen, trug zur Dynamik der Komposition bei. Für dieses Bild hat der Künstler mehrere Jahre gearbeitet und viele Vorarbeiten geleistet. In einigen von ihnen entwickelte er Handlungen, die dem Hauptthema nahe standen oder es begleiteten.

Die Zeichnung „Killing the Scythes“ (1924) zeigt zwei junge Bauern bei der Arbeit. Sie wurden von Pakhomov nach der Natur entworfen. Dann ging er mit einem Pinsel durch dieses Blatt und verallgemeinerte das Bild, ohne seine Modelle zu beachten. Gute plastische Qualitäten, kombiniert mit der Übertragung starker Bewegung und der allgemeinen Bildhaftigkeit der Verwendung von Tinte, sind in der früheren Arbeit "Two Mowers" von 1923 sichtbar. Mit einer tiefen Wahrhaftigkeit, man könnte sagen, der Strenge der Zeichnung interessierte sich der Künstler hier für den Wechsel von Fläche und Volumen. Das Blatt hat gekonnt eingesetzte Tintenwaschung. Landschaftliche Umgebung wird angedeutet. Die Textur von geschnittenem und stehendem Gras ist fühlbar, was der Zeichnung rhythmische Vielfalt verleiht.

Unter den zahlreichen Farbentwicklungen der Handlung "Heuernte" ist das Aquarell "Mäher im rosa Hemd" zu erwähnen. Darin wurde neben malerischen Lavierungen mit dem Pinsel auch das Kratzen auf einer nassen Farbschicht verwendet, was dem Bild eine besondere Schärfe verlieh und in einer anderen Technik (in der Ölmalerei) ins Bild eingebracht wurde. bunt großes Blatt"Heuernte", in Aquarell gemalt. Darin scheint die Szene von einem hohen Standpunkt aus gesehen zu werden. Dadurch war es möglich, alle Figuren der Mähwerke hintereinander zu zeigen und eine besondere Dynamik in der Übertragung ihrer Bewegungen zu erreichen, was durch die diagonale Anordnung der Figuren ermöglicht wird. Nachdem der Künstler diese Technik geschätzt hatte, baute er das Bild auf die gleiche Weise und vergaß es dann in Zukunft nicht. Pakhomov erreichte die malerische Wirkung der allgemeinen Reichweite und vermittelte den Eindruck eines vom Sonnenlicht durchdrungenen Morgendunstes. Das gleiche Thema wird in dem Ölgemälde „Auf dem Mähen“ anders gelöst, das arbeitende Mäher und ein Pferd zeigt, das neben dem Wagen grast. Die Landschaft ist hier anders als in anderen Skizzen, Varianten und im Bild selbst. Anstelle eines Feldes gibt es ein Ufer eines schnellen Flusses, der durch die Jets der Strömung und ein Boot mit Ruderer betont wird. Die Farbigkeit der Landschaft ist ausdrucksstark, aufgebaut auf verschiedenen kalten Grüntönen, nur wärmere Töne werden in den Vordergrund gestellt. In der Kombination der Figuren mit der Umgebung wurde eine gewisse dekorative Wirkung gefunden, die den gesamten Farbklang verstärkte.

Eines von Pakhomovs Gemälden über Sport in den 1920er Jahren ist Boys Skating. Der Künstler baute die Komposition auf dem Bild des längsten und damit fruchtbarsten Moments der Bewegung auf und gab eine Vorstellung davon, was vergangen ist und was sein wird. Im Gegensatz dazu wird in der Ferne eine weitere Figur gezeigt, die rhythmische Vielfalt einführt und die kompositorische Idee vervollständigt. In diesem Bild kann man neben seinem Interesse für Sport Pakhomovs Appell an das wichtigste Thema seiner Arbeit sehen - das Leben von Kindern. Zuvor spiegelte sich dieser Trend in den Grafiken des Künstlers wider. Ab Mitte der 1920er Jahre war Pakhomovs tiefes Verständnis und die Schaffung von Bildern der Kinder des Landes der Sowjets Pakhomovs herausragender Beitrag zur Kunst. Der Künstler studierte große bildnerische und plastische Probleme und löste sie auch in Arbeiten zu diesem neuen wichtigen Thema. Auf der Ausstellung von 1927 wurde das Gemälde "Bauernmädchen" gezeigt, das zwar einige Gemeinsamkeiten mit den oben besprochenen Porträts hatte, aber auch von eigenständigem Interesse war. Die Aufmerksamkeit des Künstlers konzentrierte sich auf das Bild des Kopfes und der Hände des Mädchens, das mit großem plastischem Gefühl gemalt wurde. Der Typus eines jungen Gesichts wird auf originelle Weise eingefangen. Dieser Leinwand in puncto Unmittelbarkeit der Empfindung nahe kommt „Girl Behind Her Hair“, das erstmals 1929 ausgestellt wurde. Es unterschied sich vom Brustbild von 1927 durch eine neue, detailliertere Komposition, die fast die gesamte Figur in vollem Wachstum umfasste, übertragen in eine komplexere Bewegung. Die Künstlerin zeigte die entspannte Pose eines Mädchens, das sich die Haare zurechtmacht und in einen kleinen Spiegel blickt, der auf ihrem Knie liegt. Tonkombinationen aus goldenem Gesicht und Händen, blauem Kleid und roter Bank, scharlachrotem Pullover und ockergrünen Blockwänden der Hütte tragen zur Emotionalität des Bildes bei. Pakhomov fing subtil den naiven Ausdruck eines Kindergesichts, die berührende Körperhaltung ein. Helle, ungewöhnliche Bilder hielten das Publikum an. Beide Werke waren Teil ausländischer Ausstellungen sowjetischer Kunst.

Während seiner 50-jährigen schöpferischen Tätigkeit war A. F. Pakhomov in engem Kontakt mit dem Leben des Sowjetlandes, und dies erfüllte seine Werke mit inspirierter Überzeugung und der Kraft einer lebendigen Wahrheit. Seine künstlerische Persönlichkeit entwickelte sich früh. Die Bekanntschaft mit seiner Arbeit zeigt, dass sie sich bereits in den 20er Jahren durch Tiefe und Gründlichkeit auszeichnete, bereichert durch die Erfahrung des Studiums der Weltkultur. In ihrer Entstehung ist die Rolle der Kunst von Giotto und der Proto-Renaissance offensichtlich, aber der Einfluss der altrussischen Malerei war nicht weniger tiefgreifend. A. F. Pakhomov gehörte zu den Meistern, die sich innovativ den Reichen näherten klassisches Erbe. Seine Werke zeichnen sich durch ein modernes Gespür bei der Lösung sowohl bildnerischer als auch graphischer Aufgabenstellungen aus.

Pakhomovs Bewältigung neuer Themen in den Gemälden „1905 im Dorf“, „Reiter“, „Spartakowka“ in einem Bilderzyklus über Kinder ist wichtig für die Entwicklung der sowjetischen Kunst. Der Künstler spielte eine herausragende Rolle bei der Schaffung des Bildes eines Zeitgenossen, seine Porträtserie ist ein klarer Beweis dafür. Zum ersten Mal führte er so lebendige und lebendige Bilder junger Bürger des Sowjetlandes in die Kunst ein. Diese Seite seines Talents ist außerordentlich wertvoll. Seine Werke bereichern und erweitern die Vorstellungen über die Geschichte der russischen Malerei. Seit den 20er Jahren große Museen Länder erwarben Pakhomovs Leinwände. Seine Arbeit fand internationale Anerkennung in große Ausstellungen in Europa, Amerika, Asien.

A. F. Pakhomov wurde von der sozialistischen Realität inspiriert. Seine Aufmerksamkeit wurde auf das Testen von Turbinen, die Arbeit von Webereien und neue Dinge im Leben gelenkt. Landwirtschaft. Seine Arbeiten enthüllen Themen im Zusammenhang mit der Kollektivierung, der Einführung von Ausrüstung auf den Feldern, dem Einsatz von Mähdreschern, der nächtlichen Arbeit von Traktoren und dem Leben der Armee und der Marine. Wir betonen den besonderen Wert dieser Leistungen von Pakhomov, denn all dies zeigte der Künstler bereits in den 20er und frühen 30er Jahren. Sein Gemälde „Pioniere beim souveränen Bauern“, eine Serie über die Kommune „Der Sämann“ und Porträts aus „Schöne Schwerter“ gehören zu den tiefgründigsten Werken unserer Künstler über Veränderungen auf dem Land, über Kollektivierung.

Die Werke von A. F. Pakhomov zeichnen sich durch ihre monumentalen Lösungen aus. In der frühen sowjetischen Wandmalerei gehören die Werke des Künstlers zu den markantesten und interessantesten. In den Kartons des Roten Eids, Gemälden und Skizzen des Reigentanzes der Kinder aller Nationen, Gemälden über Schnitter sowie in den besten Kreationen von Pakhomovs Malerei im Allgemeinen besteht eine greifbare Verbindung mit den großen Traditionen des alten nationalen Erbes , die Teil der Schatzkammer der Weltkunst ist. Die koloristische, figurative Seite seiner Wandmalereien, Gemälde, Porträts sowie Staffeleien und Buchgrafiken ist zutiefst originell. Die glänzenden Erfolge der Freilichtmalerei demonstriert die Serie „In the Sun“ – eine Art Hymne an die Jugend des Sowjetlandes. Hier, in der Darstellung des nackten Körpers, agierte der Künstler als einer der großen Meister, die zur Entwicklung dieser Gattung in Sowjetische Malerei. Pakhomovs Farbsuche wurde mit der Lösung schwerwiegender Kunststoffprobleme kombiniert.

Es muss gesagt werden, dass die Kunst in der Person von A. F. Pakhomov einen der größten Zeichner unserer Zeit hatte. Meisterhaft besessen Verschiedene Materialien. Werke in Tusche und Aquarell, Feder und Pinsel Seite an Seite mit brillanten Zeichnungen Graphitstift. Seine Leistungen gehen darüber hinaus heimische Kunst und werde zu einer der herausragenden Schöpfungen der Weltgrafik. Es ist nicht schwer, Beispiele dafür in einer Reihe von Zeichnungen zu finden, die in den 1920er Jahren zu Hause angefertigt wurden, und unter Blättern, die im nächsten Jahrzehnt auf Reisen im ganzen Land und in Zyklen über Pionierlager entstanden.

Der Beitrag von A. F. Pakhomov zur Grafik ist enorm. Seine den Kindern gewidmeten Staffelei- und Bucharbeiten gehören zu den herausragenden Erfolgen auf diesem Gebiet. Als einer der Begründer der sowjetischen illustrierten Literatur führte er ein tiefes und individuelles Bild des Kindes ein. Seine Zeichnungen fesselten den Leser mit Lebendigkeit und Ausdruckskraft. Ohne Unterricht, anschaulich und klar, vermittelte der Künstler Gedanken an Kinder, weckte ihre Gefühle. Und wichtige Themen der Bildung u Schulleben! Keiner der Künstler hat sie so gründlich und wahrheitsgemäß gelöst wie Pakhomov. Zum ersten Mal illustrierte er auf so figurative und realistische Weise die Gedichte von V. V. Mayakovsky. Eine künstlerische Entdeckung waren seine Zeichnungen zu den Werken von Leo Tolstoi für Kinder. Das betrachtete Bildmaterial zeigte deutlich, dass die Arbeit von Pakhomov, einem Illustrator moderner und klassische Literatur Es ist falsch, es nur auf den Bereich eines Kinderbuchs zu beschränken. Die hervorragenden Zeichnungen des Künstlers zu den Werken von Puschkin, Nekrasov, Soshchenko zeugen vom großen Erfolg der russischen Grafik in den 1930er Jahren. Seine Werke trugen zur Etablierung der Methode des sozialistischen Realismus bei.

Die Kunst von A. F. Pakhomov zeichnet sich durch Staatsbürgerschaft, Modernität und Relevanz aus. Während der schwierigsten Prüfungen der Leningrader Blockade unterbrach der Künstler seine Arbeit nicht. Gemeinsam mit den Kunstmeistern der Stadt an der Newa arbeitete er, wie einst in seiner Jugend im Bürgerkrieg, an Fronteinsätzen. Pakhomovs Lithografieserie „Leningrad in den Tagen der Belagerung“, eines der bedeutendsten Kunstwerke der Kriegsjahre, offenbart die beispiellose Tapferkeit und den Mut des sowjetischen Volkes.

Der Autor von Hunderten von Lithografien, A. F. Pakhomov, sollte unter den begeisterten Künstlern genannt werden, die zur Entwicklung und Verbreitung dieser Art von Druckgrafik beigetragen haben. Die Möglichkeit, ein breites Spektrum von Zuschauern anzusprechen, der Massencharakter der Adresse des Umlaufdrucks erregte seine Aufmerksamkeit.

Seine Arbeit zeichnet sich durch klassische Klarheit und Prägnanz aus. visuelle Mittel. Das Bild einer Person ist sein Hauptziel. Eine überaus wichtige Seite im Werk des Künstlers, die ihn mit klassischen Traditionen in Verbindung bringt, ist der Wunsch nach plastischer Ausdruckskraft, der in seinen Gemälden, Zeichnungen, Illustrationen, Drucken bis hin zu seinen jüngsten Arbeiten deutlich sichtbar ist. Er tat dies ständig und konsequent.

A. F. Pakhomov ist „ein zutiefst origineller, großer russischer Künstler, der vollständig in die Reflexion des Lebens seines Volkes eingetaucht ist, aber gleichzeitig die Errungenschaften der Weltkunst in sich aufgenommen hat. Das Werk des Malers und Grafikers A. F. Pakhomov ist ein bedeutender Beitrag zur Entwicklung der sowjetischen Kunstkultur. /VS. Matafonov/

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Wladimir Wassiljewitsch Lebedew

14 (26) 05.1891, St. Petersburg - 21.11.1967, Leningrad

Volkskünstler der RSFSR. Korrespondierendes Mitglied der Akademie der Künste der UdSSR

Er arbeitete in St. Petersburg im Atelier von F. A. Roubaud und besuchte die Zeichen-, Mal- und Bildhauerschule von M. D. Bernstein und L. V. Sherwood (1910-1914), studierte in St. Petersburg an der Akademie der Künste (1912-1914). Mitglied der Four Arts Society. Mitarbeit in den Zeitschriften "Satyricon", "New Satyricon". Einer der Organisatoren Windows ROSTA" in Petrograd.

1928 wurde im Russischen Museum in Leningrad eine persönliche Ausstellung von Vladimir Vasilyevich Lebedev, einem der brillantesten Grafiker der 1920er Jahre, arrangiert. Anschließend wurde er vor dem Hintergrund seiner Werke fotografiert. Ein tadelloser weißer Kragen und eine Krawatte, ein bis über die Augenbrauen gezogener Hut, ein ernster und leicht arroganter Ausdruck im Gesicht, ein korrekter Blick und kein Herankommenlassen, und gleichzeitig seine Jacke abgelegt, und das Ärmel seines Hemdes, die über den Ellbogen hochgekrempelt sind, zeigen muskulöse große Arme mit Bürsten "klug" und "nervös". Alles zusammen hinterlässt den Eindruck von Gelassenheit, Arbeitsbereitschaft und vor allem - entspricht dem Wesen der in der Ausstellung gezeigten Grafiken, innerlich angespannt, fast spielerisch, manchmal ironisch und wie gepanzert von einer leicht kühlenden Grafiktechnik. Mit Plakaten für die ROSTA-Fenster trat der Künstler in die Zeit nach der Revolution ein. Wie bei den gleichzeitig entstandenen „Bügelmaschinen“ (1920) ahmten sie den Stil einer farbigen Collage nach. Auf den Plakaten erhielt diese aus dem Kubismus stammende Technik jedoch eine völlig neue Bedeutung, indem sie mit der Lapidarität des Zeichens und dem Pathos der Verteidigung der Revolution (" Auf der Hut für Oktober ", 1920) und der Wille zur dynamischen Arbeit ("Demonstration", 1920). Eines der Plakate ("Sie müssen arbeiten - ein Gewehr ist in der Nähe“, 1921) stellt einen Arbeiter mit einer Säge dar und wird gleichzeitig selbst als eine Art fest zusammengeklopftes Objekt wahrgenommen. Die orange, gelben und blauen Streifen, aus denen sich die Figur zusammensetzt, sind äußerst fest miteinander verbunden Block Buchstaben, die im Gegensatz zu kubistischen Inschriften eine spezifische semantische Bedeutung haben. Mit welcher Ausdruckskraft schneiden sich die Diagonale aus dem Wort „Arbeit“, dem Sägeblatt und dem Wort „Muss“ und der scharfe Bogen der Worte „Gewehr in der Nähe“ und die Schulterlinien des Arbeiters! Dieselbe Atmosphäre des unmittelbaren Eintretens der Zeichnung in die Wirklichkeit kennzeichnete damals Lebedews Zeichnungen für Kinderbücher. In Leningrad entstand in den 1920er Jahren ein ganzer Trend zur Illustration von Kinderbüchern. V. Ermolaeva, N. Tyrsa arbeiteten mit Lebedev zusammen , N. Lapshin, und der literarische Teil wurde von S. Marshak geleitet, der damals der Gruppe der Leningrader Dichter nahe stand - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Charms, A. Vvedensky. In jenen Jahren wurde ein ganz besonderes Bild des Buches behauptet, das sich von dem unterscheidet, das in jenen Jahren von den Moskauern gepflegt wurde Abbildung unter der Leitung von V. Favorsky. Während in der Gruppe der Moskauer Holzfäller oder Bibliophilen eine fast romantische Wahrnehmung des Buches herrschte und die Arbeit daran etwas „streng Asketisches“ enthielt, schufen die Leningrader Illustratoren eine Art „Spielzeugbuch“, gaben es direkt in die Hände das Kind, für das es bestimmt war. Die Bewegung der Phantasie „in die Tiefen der Kultur“ wurde hier durch fröhliche Effektivität ersetzt, wenn ein farbiges Buch in Händen gedreht oder zumindest um es herumgekrabbelt werden konnte, umgeben von Spielzeugelefanten und -würfeln auf dem Boden liegend. Schließlich wichen Favorskys "Allerheiligsten"-Holzschnitte von Favorsky - die Gravitation von schwarzen und weißen Bildelementen in die Tiefe oder aus der Tiefe des Blattes - hier einem offen gesagt flachen Fingersatz, wenn die Zeichnung wie "unter dem Kinderhände" aus mit einer Schere beschnittenen Papierstücken. Das berühmte Cover für „The Baby Elephant“ von R. Kipling (1926) besteht wie aus einem Haufen zufällig über die Papieroberfläche verstreuter Flicken. Es scheint, dass der Künstler (und vielleicht sogar das Kind selbst!) diese Stücke über das Papier bewegt hat, bis eine fertige Komposition entstanden ist, in der alles „wie am Schnürchen läuft“ und wo sich währenddessen nichts auch nur einen Millimeter bewegen lässt: nach innen In der Mitte - ein Elefantenbaby mit gebogener langer Nase, drumherum - Pyramiden und Palmen, oben - eine große Inschrift "Elefant" und darunter ein Krokodil, das eine vollständige Niederlage erlitten hat.

Aber noch mehr rücksichtslos mit einem Buch gefüllt"Zirkus"(1925) u "Wie das Flugzeug das Flugzeug gemacht hat", in der Lebedevs Zeichnungen von S. Marshaks Gedichten begleitet wurden. Auf Doppelseiten, auf denen sich die Hände schüttelnde Clowns oder ein dicker Clown auf einem Esel zeigen, ist die Arbeit des Schneidens und Klebens von grünen, roten oder schwarzen Stücken buchstäblich „kochend“. Hier ist alles "getrennt" - schwarze Schuhe oder rote Nasen von Clowns, grüne Hosen oder eine gelbe Gitarre eines Dicken mit Karausche - aber mit welch unvergleichlicher Brillanz wird all dies verbunden und "geklebt", durchdrungen vom Geist des Lebendigen und fröhliche Eigeninitiative.

All diese Lebedev-Bilder, die sich an gewöhnliche Kinderleser richten, darunter solche Meisterwerke wie Lithographien für das Buch "Die Jagd" (1925), waren einerseits das Produkt einer raffinierten grafischen Kultur, die in der Lage ist, das anspruchsvollste Auge zu befriedigen, und auf der anderen Seite die Kunst, die sich in der lebendigen Realität offenbart. Die vorrevolutionäre Grafik nicht nur von Lebedev, sondern auch von vielen anderen Künstlern kannte noch keinen so offenen Kontakt mit dem Leben (trotz der Tatsache, dass Lebedev in den 1910er Jahren für das Satyricon-Magazin malte) - diese „Vitamine“ oder, vielmehr jene "Hefe der Vitalität", auf denen die russische Realität selbst in den 1920er Jahren "wanderte". Lebedevs Alltagszeichnungen offenbarten diesen Kontakt mit ungewöhnlicher Klarheit, die nicht so sehr in das Leben eindrangen wie Illustrationen oder Plakate, sondern es in ihre figurative Sphäre nahmen. Dahinter steht ein überaus gieriges Interesse an all den neuen Gesellschaftstypen, die ständig neu entstanden. Die Zeichnungen von 1922-1927 ließen sich mit dem Namen „Tafel der Revolution“ verbinden, mit dem Lebedew nur eine Serie von 1922 betitelte, die eine Figurenkette einer nachrevolutionären Straße darstellte, und das Wort „Tafel“ deutete darauf hin Dies war höchstwahrscheinlich Schaum, der aufgewirbelt wurde, als er durch den Fluss der Ereignisse durch diese Straßen rollte. Der Künstler zeichnet Matrosen mit Mädchen an der Petrograder Kreuzung, Kaufleute mit Ständen oder in der Mode jener Jahre verkleidete Dandys und vor allem Nepmen – diese komischen und zugleich grotesken Vertreter der neuen „Straßenfauna“, die er mit Begeisterung malte in denselben Jahren und V. Konashevich und eine Reihe anderer Meister. Die beiden Nepmen auf der Zeichnung „Couple“ aus der Serie „New Life“ (1924) könnten für dieselben Clowns durchgehen, die Lebedev bald auf den Seiten von „Circus“ porträtierte, wäre da nicht die schärfere Haltung des Künstlers selbst ihnen gegenüber. Lebedevs Haltung gegenüber solchen Charakteren kann weder als "stigmatisierend" noch noch mehr als "geißelnd" bezeichnet werden. Vor diesen Lebedev-Zeichnungen war es kein Zufall, dass P. Fedotov mit seinen nicht weniger charakteristischen Skizzen von Straßentypen des 19. Jahrhunderts in Erinnerung blieb. Dies bedeutete die lebendige Untrennbarkeit der ironischen und poetischen Prinzipien, für die beide Künstler bekannt waren und die für beide den besonderen Reiz der Bilder ausmachten. Man erinnere sich auch an Lebedevs Zeitgenossen, die Schriftsteller M. Soshchenko und Yu. Olesha. Sie haben die gleiche Untrennbarkeit von Ironie und Lächeln, Spott und Bewunderung. Anscheinend war Lebedev irgendwie beeindruckt von dem billigen Chic eines echten Matrosenspaziergangs ("The Girl and the Sailor") und der trotzigen Schneidigkeit des Mädchens, mit dem Schuh, der auf der Putzbox genehmigt wurde ("The Girl and the Bootstrapper"). , seine sogar etwas Ich war auch angezogen von jener zoologischen oder rein pflanzlichen Unschuld, mit der alle diese neuen Charaktere wie eine Klette unter einem Zaun emporklettern und Wunder der Anpassungsfähigkeit demonstrieren, wie z. B. sich unterhaltende Damen in Pelzen an einem Schaufenster (People of Society, 1926) oder ein Haufen Nepmen auf der Abendstraße ("Nepmen", 1926). Besonders der poetische Beginn in der berühmtesten Lebedev-Serie „Love of the Punks“ (1926-1927) fällt auf. Was für eine Faszination Lebenskraft Atmend in der Zeichnung "Auf der Eisbahn" sind die Gestalten eines Mannes mit einem auf der Brust offenen Schaffellmantel und eines Mädchens mit einer Haube mit Schleife und flaschenförmigen Beinen, die in hohe Stiefel gesteckt sind und auf einer Bank kauern. Wenn man in der Serie "New Life" vielleicht auch von Satire sprechen kann, dann ist es hier kaum wahrnehmbar. Auf dem Bild "Rash, Semyonovna, bestreuen, Semyonovna!" - die Höhe der Spree. In der Mitte des Blattes steht ein heißes, junges Tanzpaar, und der Betrachter scheint zu hören, wie seine Handflächen platschen oder die Stiefel des Typen im Takt abknallen, er spürt die schlangenartige Flexibilität seines nackten Rückens, die Leichtigkeit der Bewegung seines Partners. Von der Serie "Panel of Revolution" bis zu den Zeichnungen "Love of the Punks" hat Lebedevs Stil selbst eine bemerkenswerte Entwicklung durchlaufen. Die Figuren des Matrosen und des Mädchens in der Zeichnung von 1922 bestehen immer noch aus unabhängigen Flecken – Kadaverflecken unterschiedlicher Textur, ähnlich denen in The Ironers, aber allgemeiner und eingängiger. In "New Life" wurden hier Aufkleber hinzugefügt, wodurch die Zeichnung nicht mehr zu einer imitierten Collage, sondern zu einer echten Collage wurde. Das Bild wurde vollständig vom Flugzeug dominiert, zumal laut Lebedev selbst schöne Zeichnung sollte vor allem "gut ins Papier passen". In den Blättern von 1926-1927 wurde der Papierflieger jedoch zunehmend durch den abgebildeten Raum mit seinem Hell-Dunkel ersetzt Thema Hintergrund. Vor uns liegen keine Flecken mehr, sondern allmähliche Abstufungen von Licht und Schatten. Dabei bestand die Bewegung der Zeichnung nicht im „Schneiden und Kleben“ wie bei „Nep“ und „Circus“, sondern im Gleiten eines weichen Pinsels oder im Fließen schwarzer Wasserfarben. Mitte der 1920er-Jahre beschritten auch viele andere Zeichner den Weg zu einer immer freieren oder, wie man allgemein sagt, bildnerischen Zeichnung. Es gab auch N. Kupreyanov mit seinen Dorf-"Herden" und L. Bruni und N. Tyrsa. Die Zeichnung beschränkte sich nicht mehr nur auf die Wirkung des „Mitgenommenen“, gezielten Greifens „an der Spitze der Feder“ immer neuer Charakteristika, sondern gleichsam selbst eingebunden in den lebendigen Strom der Wirklichkeit mit all ihren Veränderungen und Emotionalitäten. Mitte der 1920er Jahre fegte diese erfrischende Strömung nicht nur über die Sphäre von „Straßen-“, sondern auch über „Heimat“-Themen und sogar über so traditionelle Zeichnungsebenen wie das Zeichnen in einem Studio von einer nackten menschlichen Figur. Und was für eine neue Zeichnung war es in seiner ganzen Atmosphäre, besonders wenn wir es mit der asketisch strengen Zeichnung des vorrevolutionären Jahrzehnts vergleichen. Vergleicht man zum Beispiel die hervorragenden Zeichnungen des Aktmodells von N. Tyrsa aus dem Jahr 1915 mit den Zeichnungen von Lebedev aus den Jahren 1926-1927, fällt einem die Unmittelbarkeit von Lebedevs Blättern auf, die Stärke ihrer Gefühle.

Diese Unmittelbarkeit von Lebedevs Skizzen vom Modell ließ andere Kunsthistoriker an die Techniken des Impressionismus erinnern. Lebedev selbst interessierte sich sehr für die Impressionisten. In einer seiner besten Zeichnungen der Serie "Acrobat" (1926) scheint der mit schwarzer Aquarellfarbe gesättigte Pinsel die kraftvolle Bewegung des Modells selbst zu erzeugen. Ein selbstbewusster Pinselstrich reicht für einen Künstler aus, um ihn beiseite zu legen linke Hand, oder eine gleitende Berührung, um in Richtung des Ellbogens nach vorne zu schieben. Auch in der Serie "Dancer" (1927), in der Lichtkontraste abgeschwächt werden, wecken die bewegten Lichtelemente Assoziationen zum Impressionismus. „Aus dem lichtdurchfluteten Raum“, schreibt V. Petrov, „erscheinen wie in einer Vision die Umrisse einer tanzenden Figur“, sie „wird kaum von leicht verschwimmenden schwarzen Aquarellflecken umrissen“, wenn „sich die Form ins Malerische verwandelt Masse und verschmilzt unauffällig mit der Licht-Luft-Umgebung."

Es versteht sich von selbst, dass dieser Lebedev-Impressionismus dem klassischen Impressionismus nicht mehr gleichkommt. Hinter ihm spürt man immer das vom Meister kürzlich vollendete „Lernen der Konstruktivität“. Sowohl Lebedev als auch die Leningrader Zeichenrichtung selbst blieben sich selbst erhalten und vergaßen weder die konstruierte Fläche noch die Bildtextur. Tatsächlich hat der Künstler bei der Erstellung einer Zeichnungskomposition den Raum nicht wie Degas mit einer Figur reproduziert, sondern diese eine Figur, als würde er ihre Form mit dem Format der Zeichnung verschmelzen. Es schneidet kaum merklich den Scheitel und die Fußspitze ab, wodurch die Figur nicht auf dem Boden aufliegt, sondern am unteren und oberen Blattrand „eingehakt“ wird. Der Künstler ist bestrebt, den "Figurenplan" und die Bildebene so nah wie möglich zu bringen. Perlenstrich seiner nassen Bürste hinein gleichermaßen gehört also sowohl zur Figur als auch zur Ebene. Diese verschwindenden Lichtstriche, die sowohl die Figur selbst als auch gleichsam die Wärme der um den Körper gewärmten Luft vermitteln, werden gleichzeitig als einheitliche Textur der Zeichnung wahrgenommen, die mit Strichen chinesischer Tuschezeichnungen assoziiert wird und dem Bild erscheint Auge als die zartesten "Blütenblätter", fein an die Oberfläche des Blattes geglättet. Darüber hinaus gibt es in Lebedevs "Acrobats" oder "Dancers" immerhin die gleiche Kühle einer selbstbewussten künstlerischen und leicht distanzierten Herangehensweise an das Modell, die von den Charakteren der Serien "New Life" und "Nep" bemerkt wurde. In all diesen Zeichnungen ist eine verallgemeinernde klassische Basis stark, die sie so scharf von Degas' Skizzen mit ihrer Poesie des Charakters oder des Alltags unterscheidet. Auf einem der glänzenden Blätter, wo die Ballerina mit dem Rücken zum Betrachter steht und ihren rechten Fuß hinter ihrem linken auf die Zehe stellt (1927), ähnelt ihre Figur einer Porzellanfigur mit Halbschatten und Licht, das über die Oberfläche gleitet . Laut N. Lunin fand der Künstler in der Ballerina "einen perfekten und entwickelten Ausdruck des menschlichen Körpers". "Hier ist er - dieser dünne und plastische Organismus - er ist entwickelt, vielleicht ein wenig künstlich, aber er ist verifiziert und präzise in der Bewegung, fähig, mehr als jeder andere "über das Leben zu sagen", weil er am wenigsten formlos, ungemacht, schwankender Zufall." Der Künstler interessierte sich wirklich nicht für das Ballett selbst, sondern für die ausdrucksstärkste Art, "das Leben zu erzählen". Denn jedes dieser BLÄTTER ist sozusagen ein lyrisches Gedicht, das einer poetisch wertvollen Bewegung gewidmet ist. Die Ballerina N. Nadezhdina, die für beide Serien dem Meister posierte, half ihm offensichtlich sehr, indem sie in den von ihr gut studierten "Positionen" Halt machte, in denen sich die vitale Plastizität des Körpers am eindrucksvollsten offenbarte.

Die Erregung des Künstlers scheint die künstlerische Korrektheit des souveränen Handwerks zu durchbrechen und sich dann unwillkürlich auf den Betrachter zu übertragen. In der gleichen großartigen Skizze einer Ballerina von hinten beobachtet der Betrachter mit Begeisterung, wie ein virtuoser Pinsel eine Figur nicht nur abbildet, sondern augenblicklich auf den Zehenspitzen erstarrt. Ihre Beine, gezeichnet von zwei "Blütenblättern aus Strichen", erheben sich leicht über den Drehpunkt, höher - wie ein verschwindender Halbschatten - eine vorsichtige Ausdehnung eines schneeweißen Rudels, noch höher - nach mehreren Lücken, was dem Bild eine aphoristische Kürze verleiht - an ungewöhnlich sensible oder "sehr hörende", Rückentänzerin und nicht weniger "hörende" Drehung ihres kleinen Kopfes über die breite Spannweite ihrer Schultern.

Als Lebedev 1928 auf der Ausstellung fotografiert wurde, schien er einen vielversprechenden Weg vor sich zu haben. Mehrere Jahre harter Arbeit scheinen ihn an die Spitze gebracht zu haben. Grafik-Design. Gleichzeitig wurde sowohl in den Kinderbüchern der 1920er Jahre als auch in den Tänzern vielleicht ein solcher Grad an vollkommener Perfektion erreicht, dass es von diesen Punkten aus vielleicht keinen Weg mehr zur Entwicklung gab. Und tatsächlich, Lebedevs Zeichnung und darüber hinaus Lebedevs Kunst erreichten hier ihren absoluten Höhepunkt. In den folgenden Jahren beschäftigte sich der Künstler sehr aktiv mit Malerei, viel und illustrierte viele Jahre Kinderbücher. Und gleichzeitig war alles, was er in den 1930-1950er Jahren tat, nicht mehr mit den Meisterwerken von 1922-1927 zu vergleichen, und natürlich versuchte der Meister nicht, seine hinterlassenen Funde zu wiederholen. Lebedevs Zeichnungen mit weibliche Figur. Wenn die Folgezeit nicht auf den Rückgang des Zeichnens nach dem Aktmodell zurückzuführen war, dann nur, weil sie sich für diese Themen überhaupt nicht interessierte. Nur für letzten Jahren als ob ein Wendepunkt in Bezug auf diese poetischste und schöpferisch edelste Sphäre des Zeichnens geplant wäre, und wenn dem so ist, dann ist V. Lebedev unter den Zeichnern der neuen Generation vielleicht für einen weiteren neuen Ruhm bestimmt.