Definition von Stillleben in der Malerei. Stillleben in der Malerei: Typen und Beschreibung
Stilleben Stilleben
(Französisch nature morte, italienisch natura morta, wörtlich - tote Natur; niederländisch stilleven, deutsch Stilleben, englisch still life, wörtlich - ruhiges oder bewegungsloses Leben), Genre bildende Kunst(hauptsächlich Staffeleimalerei), die dem Bild der Dinge gewidmet ist, die eine Person umgeben, in der Regel in einer realen häuslichen Umgebung platziert und kompositorisch in einer einzigen Gruppe organisiert. Die besondere Gestaltung des Motivs (die sogenannte Inszenierung) ist einer der Hauptbestandteile figuratives System Stillleben-Genre. Neben unbelebten Gegenständen (z. B. Haushaltsgegenständen) stellt das Stillleben Gegenstände der Tierwelt dar, die von natürlichen Zusammenhängen isoliert und dadurch zu einem Ding geworden sind - Fische auf dem Tisch, Blumen in einem Blumenstrauß usw. Ergänzend zum Hauptmotiv, der Destille Das Leben kann Bilder von Menschen, Tieren, Vögeln und Insekten enthalten. Das Bild der Dinge in einem Stillleben hat sein eigenes künstlerischer Wert, obwohl es im Entwicklungsprozess oft dazu diente, symbolische Inhalte auszudrücken, dekorative Probleme zu lösen oder die objektive Welt in der Naturwissenschaft genau zu fixieren usw. Gleichzeitig kann das Stillleben nicht nur Dinge an sich, sondern auch den sozialen Status charakterisieren , Inhalt und Lebensstil ihres Besitzers erzeugen zahlreiche Assoziationen und gesellschaftliche Analogien.
Stilllebenmotive als Details von Kompositionen finden sich bereits in der Kunst des Alten Orients und der Antike, einige Phänomene in der mittelalterlichen Kunst des Fernen Ostens sind teilweise mit Stillleben vergleichbar (z. B. die sogenannte Gattung „Blumen-Vögel“. ), aber die Geburt des Stilllebens als eigenständiges Genre findet in der Neuzeit statt, wo sich im Werk der italienischen und besonders der holländischen Meister der Renaissance die Aufmerksamkeit auf die materielle Welt, auf ihr konkret-sinnliches Abbild entwickelt. Die Geschichte des Stilllebens als Gattung der Staffeleimalerei und insbesondere ihres Typus „trompe l“ oeil (der sogenannte Haken) wird eröffnet durch das „Stillleben“ des Italieners Jacopo de Barbari (1504), das illusionistisch stellt Objekte genau wieder her. Hälfte des XVI- der Beginn des 17. Jahrhunderts, der durch die für diese Epoche charakteristischen naturwissenschaftlichen Neigungen das Interesse der Kunst am Alltag u Privatsphäre Menschen, sowie die Entwicklung von Methoden für die künstlerische Entwicklung der Welt (die Werke des Niederländers P. Aartsen, des Flamen J. Brueghel Velvet usw.).
Die Blütezeit des Stilllebens - XVII Jahrhundert. Die damalige Vielfalt ihrer Typen und Formen ist mit der Entwicklung nationaler realistischer Malschulen verbunden. In Italien und Spanien wurde der Aufstieg des Stilllebens durch die Arbeit von Caravaggio und seinen Anhängern stark erleichtert ( cm. Caravaggismus). Die Lieblingsthemen des Stilllebens waren Blumen, Gemüse und Früchte, Meeresfrüchte, Küchenutensilien usw. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis usw.). Das spanische Stillleben zeichnet sich durch erhabene Strenge und besondere Bedeutung des Bildes der Dinge aus (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda etc.). Interesse an der Alltäglichkeit der Dinge, Intimität, oft Demokratismus der Bilder manifestierten sich deutlich im holländischen Stillleben. Es zeichnet sich durch besonderes Augenmerk auf die Übertragung der Lichtumgebung, die vielfältige Textur der Materialien, die Subtilität der Tonverhältnisse und Farbgebung aus - von der exquisit zurückhaltenden Farbgebung der "monochromen Frühstücke" von V. Kheda und P. Klas bis hin zum kontrastreiche, koloristisch spektakuläre Kompositionen von V. Kalf ("Desserts"). Das niederländische Stillleben zeichnet sich durch die Fülle verschiedener Arten dieser Gattung aus: „Fisch“ (A. Beyeren), „Blumen und Früchte“ (J. D. de Hem), „Schlagwild“ (J. Venike, M. Hondekuter), allegorisches Stillleben "Vanitas" ("Eitelkeit der Eitelkeiten") usw. Das flämische Stillleben (hauptsächlich "Märkte", "Geschäfte", "Blumen und Früchte") zeichnet sich durch seinen Umfang und gleichzeitig dekorative Kompositionen aus: diese sind Hymnen an Fruchtbarkeit und Fülle (F. Snyders, J. Feit) , im 17. Jahrhundert. Auch deutsche (G. Flegel, K. Paudis) und französische (L. Bozhen) Stillleben entwickeln sich. MIT spätes XVII v. im französischen Stillleben triumphierten die dekorativen Strömungen der Hofkunst (Blumen von J. B. Monnoyer und seiner Schule, Jagdstillleben von A. F. Deport und J. B. Oudry). Vor diesem Hintergrund zeichnen sich die Werke eines der bedeutendsten Meister des französischen Stilllebens - J. B. S. Chardin, die sich durch Strenge und Freiheit der Komposition sowie durch subtile Farblösungen auszeichnen, durch echte Menschlichkeit und Demokratie aus. Mitte des 18. Jahrhunderts. in der zeit der endgültigen bildung der akademischen gattungshierarchie entstand der begriff "nature morte", der die verächtliche haltung dieser gattung von anhängern des akademismus widerspiegelte, die gattungen bevorzugten, deren bereich "lebendige natur" war ( historische Gattung, Porträt usw.).
Im 19. Jahrhundert das Schicksal des Stilllebens wurde von den führenden Meistern der Malerei bestimmt, die in vielen Gattungen arbeiteten und das Stillleben in den Kampf miteinbezogen ästhetische Ansichten Und künstlerische Ideen(F. Goya in Spanien, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet in Frankreich). Unter den Meistern des 19. Jahrhunderts, die sich auf dieses Genre spezialisiert haben, ragen auch A. Fantin-Latour (Frankreich) und W. Harnet (USA) heraus. Das neue Aufkommen des Stilllebens war mit den Auftritten der Meister des Postimpressionismus verbunden, für die die Welt der Dinge zu einem der Hauptthemen wurde (P. Cezanne, V. van Gogh). Seit Anfang des 20. Jahrhunderts. Stillleben ist eine Art kreatives Labor der Malerei. In Frankreich gehen die Meister des Fauvismus (A. Matisse und andere) den Weg der gesteigerten Identifizierung der emotionalen und dekorativ-ausdrucksvollen Möglichkeiten von Farbe und Textur, und die Vertreter des Kubismus (J. Braque, P. Picasso, X. Gris und andere), die die Besonderheiten des Stilllebens künstlerischer und analytischer Möglichkeiten nutzen, versuchen, neue Wege der Vermittlung von Raum und Form zu finden. Das Stillleben zieht auch Meister anderer Richtungen an (A. Kanoldt in Deutschland, G. Morandi in Italien, S. Lukyan in Rumänien, B. Kubista und E. Filla in der Tschechischen Republik usw.). Gesellschaftliche Strömungen im Stillleben des 20. Jahrhunderts sind vertreten durch die Arbeiten von D. Rivera und D. Siqueiros in Mexiko, R. Guttuso in Italien.
Stillleben tauchten im 18. Jahrhundert in der russischen Kunst auf. zusammen mit der Bekräftigung der weltlichen Malerei, die das kognitive Pathos der Epoche und den Wunsch widerspiegelt, die objektive Welt wahrheitsgemäß und genau zu vermitteln ("Tricks" von G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov usw.). Die Weiterentwicklung des russischen Stilllebens war lange Zeit episodisch. Sein einiger Aufstieg in der ersten Hälfte des XIX Jahrhunderts. (F. P. Tolstoi, Schule von A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) ist mit dem Wunsch verbunden, Schönheit im Kleinen und Gewöhnlichen zu sehen. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan wandten sich nur gelegentlich dem Stillleben skizzenhafter Natur zu; Hilfswert des Stilllebens in Kunstsystem Die Wanderers folgten ihrer Vorstellung von der dominanten Rolle des handlungsthematischen Bildes. Der eigenständige Wert der Stillleben-Studie steigt um Wende des XIX und XX Jahrhunderten. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Die Blütezeit des russischen Stilllebens fällt auf den Beginn des 20. Jahrhunderts. Zu seinen besten Beispielen gehören die impressionistischen Werke von K. A. Korovin, I. E. Grabar; die Werke der Künstler der „Welt der Kunst“ (A. Ya. Golovin und andere), die subtil mit dem historischen und alltäglichen Charakter der Dinge spielen; scharf dekorative Bilder von P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan und anderen Malern des Kreises der Blauen Rose; helle Stillleben, erfüllt von der Fülle des Seins der Meister des "Karobuben" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sowjetisches Stillleben, das sich im Einklang mit der Kunst entwickelt Sozialistischer Realismus mit neuen Inhalten angereichert. In den 20-30er Jahren. es beinhaltet und philosophische Reflexion Modernität in kompositorisch geschärften Werken (K. S. Petrov-Vodkin) und thematisch „revolutionäre“ Stillleben (F. S. Bogorodsky u von Farbe und Textur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman) und eine vollblütige Nachbildung des farbenfrohen Reichtums und der Vielfalt der objektiven Welt (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin und andere. ), as sowie die Suche nach subtiler Farbharmonie, die Poetisierung der Welt der Dinge (V. V. Lebedev, N. A. Tyrsa usw.). In den 40-50er Jahren. P. V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu, Nikich arbeiten aktiv im Stillleben. Unter den Meistern des Stilllebens in den Unionsrepubliken stechen A. Akopyan in Armenien, T. F. Narimanbekov in Aserbaidschan, L. Svemp und L. Endzelina in Lettland, N. I. Kormashov in Estland hervor. Der Reiz der gesteigerten „Objektivität“ des Bildes, die Ästhetisierung der den Menschen umgebenden Dingwelt bestimmt das Interesse junger Künstler der 70er und frühen 80er Jahre am Stillleben. (Ja. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis usw.).
V. Kheda. "Frühstück mit Brombeerkuchen." 1631. Bildergalerie. Dresden.
P. Cézanne. "Pfirsiche und Birnen" Ende der 1880er Jahre Museum der Schönen Künste, benannt nach A. S. Puschkin. Moskau.
K. S. Petrov-Wodkin. "Morgenstillleben". 1918. Russisches Museum. Leningrad.
I. I. Maschkow. "Snedd Moskau: Brot". 1924. Tretjakow-Galerie. Moskau.
Quelle: Beliebt Lexikon der Kunst." Ed. Feld V.M.; M.: Verlag " Sowjetische Enzyklopädie", 1986.)
Stillleben(Französisch nature morte - tote Natur), eine der Gattungen der Malerei. Stillleben zeigen die Gaben der Natur (Früchte, Blumen, Fische, Wild) sowie von Menschenhand geschaffene Dinge (Geschirr, Vasen, Uhren usw.). Manchmal koexistieren unbelebte Objekte mit Lebewesen - Insekten, Vögeln, Tieren und Menschen.
Stillleben enthalten Handlungskompositionen, schon in der Malerei zu finden antike Welt(Wandmalereien in Pompeji). Es gibt eine Legende, dass der antike griechische Künstler Apelles Weintrauben so geschickt darstellte, dass die Vögel ihn für einen echten hielten und zu picken begannen. Als eigenständige Gattung entwickelte sich das Stillleben im 17. Jahrhundert. und erlebte dann seine glänzende Blütezeit im Werk der holländischen, flämischen und spanischen Meister.
In Holland gab es mehrere Arten von Stillleben. Die Künstler malten „Frühstück“ und „Desserts“ so, dass es schien, als ob eine Person irgendwo in der Nähe wäre und bald zurückkehren würde. Eine Pfeife raucht auf dem Tisch, eine Serviette wird zerknittert, Wein in einem Glas wird nicht ausgetrunken, eine Zitrone wird angeschnitten, Brot wird gebrochen (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Beliebt waren auch Bilder von Küchenutensilien, Blumenvasen und schließlich „Vanitas“ („Eitelkeit der Eitelkeiten“), Stillleben zum Thema der Zerbrechlichkeit des Lebens und seiner kurzfristigen Freuden, die zum Erinnern aufrufen wahre Werte und sorge für das Heil der Seele. Lieblingsattribute von „Vanitas“ sind ein Totenschädel und eine Uhr (J. van Strek. „Eitelkeit der Eitelkeiten“). Niederländische Stillleben sowie Stillleben des 17. Jahrhunderts im Allgemeinen zeichnen sich durch das Vorhandensein verborgener philosophischer Obertöne, komplexer christlicher oder Liebessymbolik aus (die Zitrone war ein Symbol der Mäßigung, der Hund war Treue usw.). Damals stellten Künstler in Stillleben mit Liebe und Begeisterung die Vielfalt der Welt nach (Spiele aus Seide und Samt, schwere Teppichtischdecken, schimmerndes Silber, saftige Beeren und edle Weine). Die Komposition von Stillleben ist einfach und stabil, abhängig von der Diagonale oder der Form einer Pyramide. Darin wird immer der Hauptheld hervorgehoben, zum Beispiel ein Glas, ein Krug. Meister bauen auf subtile Weise Beziehungen zwischen Objekten auf, indem sie ihre Farbe, Form und Oberflächenstruktur gegeneinander abstimmen oder umgekehrt aufeinander abstimmen. Die kleinsten Details sind sorgfältig ausgeschrieben. Diese Gemälde sind klein und für eine genaue Betrachtung, lange Betrachtung und das Verständnis ihrer verborgenen Bedeutung konzipiert.
Die Flamen hingegen malten große, manchmal riesige Leinwände, die die Palastsäle schmücken sollten. Sie zeichnen sich durch eine festliche Mehrfarbigkeit, eine Fülle von Objekten und die Komplexität der Komposition aus. Solche Stillleben wurden „Läden“ genannt (J. Feit, F. Snyders). Sie stellten Tische dar, die mit Wild, Meeresfrüchten und Brot übersät waren, und daneben boten die Besitzer ihre Waren an. Reichlich Essen, als ob es nicht auf die Tische passen würde, hing herunter und fiel direkt auf das Publikum.
Spanische Künstler beschränkten sich lieber auf eine kleine Auswahl an Artikeln und arbeiteten diskret Farbschema. Gerichte, Früchte oder Muscheln in den Gemälden von F. Zurbarana und A. Die Fronten werden ruhig auf den Tisch gelegt. Ihre Formen sind einfach und edel; sie sind sorgfältig mit Hell-Dunkel geformt, fast greifbar, die Komposition streng ausgewogen (F. Zurbaran. "Stillleben mit Orangen und Zitronen", 1633; A. Pereda. "Stillleben mit Uhr").
Im 18. Jahrhundert der französische Meister J.-B. MIT. Chardin. Seine Bilder, die einfache, solide Utensilien (Schüsseln, einen Kupferkessel), Gemüse, einfache Speisen darstellen, sind erfüllt vom Atem des Lebens, erwärmt von der Poesie des Herdes und bekräftigen die Schönheit des Alltags. Chardin malte auch allegorische Stillleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
In Russland tauchten die ersten Stillleben im 18. Jahrhundert auf. in dekorativen Gemälden an den Wänden von Palästen und „Dummy“ -Gemälden, in denen Objekte so genau reproduziert wurden, dass sie echt wirkten (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). Im 19. Jahrhundert Tricktraditionen wurden neu gedacht. Stillleben erlebt im Erdgeschoss einen Aufschwung. 19. Jahrhundert im Werk von F.P. Tolstoi, der die Traditionen von "Tricks" ("Beeren von roten und weißen Johannisbeeren", 1818), Künstlern, überdachte Venezianische Schule, I. T. Chrutsky. In Alltagsgegenständen suchten Künstler Schönheit und Perfektion zu sehen.
Am Ende steht eine neue Blütezeit des Genres. 19 - bitten. 20. Jahrhundert, wenn das Stillleben zu einem Laboratorium für kreative Experimente wird, ein Mittel, um die Individualität des Künstlers auszudrücken. Das Stillleben nimmt einen bedeutenden Platz in der Arbeit der Postimpressionisten ein - V. Van Gogh, P. Gauguin und vor allem p. Cézanne. Die Monumentalität der Komposition, die knappen Linien, die elementaren, starren Formen in Cezannes Gemälden sollen die Struktur, die Basis der Dinge offenbaren und an die unerschütterlichen Gesetze der Weltordnung erinnern. Der Künstler modelliert die Form mit Farbe und betont ihre Materialität. Gleichzeitig verleihen flüchtige Farbspiele, insbesondere kaltes Blau, seinen Stillleben ein Gefühl von Luft und Weite. Die Linie des Cezanne-Stillebens wurde in Russland von den Meistern fortgesetzt " Der Karobube„(I.I. Maschkow, P. P. Konschalowski usw.), die es mit den Traditionen der Russen verbindet Volkskunst. Künstler "Blaue Rose"(N. N. Sapunow, S. Ju. Sudeikin) schuf nostalgische Kompositionen im antiken Stil. Philosophische Verallgemeinerungen durchziehen die Stillleben von K. S. Petrova-Wodkina. Im 20. Jahrhundert im Genre Stillleben, P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi. In Russland waren die größten Meister dieses Genres M.S. Sarjan, PV Kusnezow, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov und andere.
Roger Fenton. Früchte. 1860 Graham Clarke. Der Fotograf. Oxford, 1997
Die fotografische Enzyklopädie von Fred und Gloria McDurr definiert das Wort „Stillleben“ wie folgt: Allgemeiner Begriff für Fotografien von unbelebten Gegenständen, Produkten und Waren, oft für Werbezwecke. Wenn kleine Objekte auf der Oberfläche eines Tisches platziert werden, wird die Stilllebenfotografie manchmal als „Tischplatten“-Fotografie bezeichnet. Mit Ausnahme der letzten Klarstellung, diese Definition entspricht voll und ganz dem, was in Bezug auf die Malerei verwendet wird. Interessanterweise tauchte der Begriff selbst viel später als das Bild auf und bezieht sich auf den Beginn des 19. Jahrhunderts. Die französische Kombination nature morte (tote oder beschämte Natur) unterscheidet sich vom englischen still life und deutschen stilleben (ruhige, ruhiges Leben) nicht nur in der Rechtschreibung, sondern auch in der Bedeutung. In Holland gab es überhaupt keinen einheitlichen Begriff: Jede Spezialisierung (Frühstück, Blumensträuße, Fischstillleben) hatte einen eigenen Namen.
Unbelebte Objekte sind seit der Altsteinzeit in Kunstwerken präsent. Zu unterschiedlichen Zeiten erhalten sie ihre eigene Rolle und Bedeutung. Die Werke von Hans Holbein, Caravaggio oder Jan Vermeer sind keine Stillleben, aber in ihren Werken wird ihm sowohl künstlerisch als auch inhaltlich ein besonderer Platz eingeräumt. Als eigenständige Gattung entwickelte sich das Stillleben erst im 17. Jahrhundert.
Die Fotografie, die fast alle Gattungen der Malerei entlehnte, machte auch beim Stillleben keine Ausnahme. Wie die Geschichte der Fotografie zeigt, war es das Stillleben, das in der Fotokunst am wenigsten vertreten war, obwohl diese Geschichte eigentlich damit begann. Zu den frühen heliografischen Experimenten von Nicephore Niepce gehörte ein Stillleben, bestehend aus einer Flasche, einem Messer, einem Löffel, einer Schüssel und einem auf einem Tisch liegenden Brotlaib. Hippolyte Bayard fertigte 1839 eine Komposition aus Gipsabgüssen an, Jacques-Louis Daguerre fertigte mehrere Stillleben mit Gipsabgüssen, kleinen Skulpturen, Gemälden und Fragmenten antiker Friesen an, Henry Fox Talbot – mit Muscheln und Fossilien. Es ist erwähnenswert, dass Stillleben mit Kunstattributen auch in der Malerei von Jean Baptiste Chardin gefunden wurden.
Fotografen wiederholten oft die Komposition und verwendeten dieselben Motive wie die Künstler. Henry Fox Talbots Aussage, dass „die niederländische Malschule als unsere maßgebliche Quelle für die Darstellung von Gegenständen des alltäglichen, alltäglichen Lebens dient“, scheint nicht unbeachtet geblieben zu sein, wie beispielsweise die Werke von Roger Fenton, William Lake belegen Preis und Drew Diamond. Die Hauptobjekte solcher Stilleben waren Blumen, Früchte oder totes Wild. In Frankreich ähnelte die Arbeit von Adolphe Braun der fotografischen Version der Arbeit von Jean-Baptiste Oudry, einem beliebten Hofmaler des 19. Jahrhunderts der königlichen Jagd von Ludwig XV.
Stillleben wurden normalerweise in Innenräumen gedreht, aber es gab Ausnahmen. Aufgrund der geringen Lichtempfindlichkeit früher fotografischer Materialien arbeiteten manche Fotografen bevorzugt im Garten oder Vorgarten. Es wurden beliebige improvisierte Materialien (Leitern, Rechen, Schubkarren, Eimer usw.) verwendet, die oft mit mitgebrachten Haushaltsgegenständen, frischen Blumen, Bäumen neben unbelebten Gegenständen vermischt wurden. Das sind zum Beispiel die Stillleben von Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard und Richard Jones.
Fotografische Stillleben zum Thema Vanitas (lat. „Geist“, „Eitelkeit“), deren wesentliches Attribut der Schädel ist, erscheinen Mitte des 19. Jahrhunderts beispielsweise von Louis Jules Duboc-Soleil und ab tauchen im 20. Jahrhundert von Zeit zu Zeit auf - Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe und andere.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts suchte die Fotografie nach neuen Wegen und Objekten, um das Genre des Stilllebens zu verkörpern. Das bloße Erfassen der aneinandergereiht angeordneten Objekte reicht nicht mehr aus. Komplizierte Winkel, Nahaufnahmen, Fotogramme, Leidenschaft für die Form und Textur des Objekts - all dies verleiht dem alten Genre einen neuen Look. Die Palette der Objekte erweitert sich: Neben so banalen Alltagsgegenständen wie einer Gabel oder einer Brille tauchen Industrieobjekte (Werkzeuge, Maschinenteile und Werkzeugmaschinen) auf. Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus-Fotografen, Edward Weston, William Underhill und andere waren mit ähnlichen Suchen beschäftigt.
Mit den Stillleben von Josef Sudek erblüht Mitte des Jahrhunderts die Welt der gewöhnlichen Dinge neu. Weiches, diffuses Licht verleiht einer gewöhnlichen Blume in einem Glas eine lyrisch-melancholische Stimmung.
In der zweiten Hälfte des letzten Jahrhunderts sind Stillleben in der Werbebranche zunehmend gefragt. Die glückliche Vereinigung von Handel und Kunst wird in den Stillleben von Irwin Pena verkörpert. Klassisch, stylish, ironisch, aber immer schlicht und raffiniert. Dank dieses Meisters wurde 1944 zum ersten Mal das Cover einer Modezeitschrift mit einem fotografischen Stillleben verziert.
Unter den russischen Fotografen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die in diesem Genre arbeiteten, nimmt Boris Smelov einen besonderen Platz ein. Seine klassischen Stillleben des alten Petersburger Alltags zeichneten sich durch perfekte Komposition und tadellose Technik aus. Joel-Peter Witkin ist ein unübertroffener Meister des „schockierenden“ Stilllebens. Übersetzung aus dem Französischen "tote Natur" in dieser Fall spiegelt genau die Leidenschaften des Autors wider - verschiedene Teile menschlicher Körper allein („Torso“) oder umrahmt von Blumen und Früchten („Frauenkopf“, „Narrenfest“, etc.).
Das fotografische Stillleben ist anderen Gattungen quantitativ weit unterlegen und taucht nur vereinzelt im Werk des einen oder anderen Autors auf. Blättern in Geschichtsbüchern und Sammlungskatalogen der Fotografie große Museen, ist die Chance, einen eigenen Abschnitt zu finden, der dem Stillleben gewidmet ist, fast gleich null.
Diplomarbeit
1. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens
In der bildenden Kunst wird ein Stillleben (aus dem Französischen natur morte - „tote Natur“) üblicherweise als Bild unbelebter Objekte bezeichnet, die zu einer einzigen Kompositionsgruppe zusammengefasst sind. Für viele Deutsche bzw englische Version Bezeichnungen still life und still leben. Auf Niederländisch klingt die Bezeichnung dieses Genres wie stilleven, das heißt „stilles Leben“, nach Meinung vieler Künstler und Kunsthistoriker ist dies der genaueste Ausdruck der Essenz des Genres, aber das ist die Stärke der Tradition dass „Stillleben“ ein bekannter und verwurzelter Name ist. Ein Stillleben kann sowohl eine eigenständige Bedeutung haben als auch sein Bestandteil Kompositionen Genremalerei. Stilleben drücken die Beziehung des Menschen zu seiner Umwelt aus. Sie offenbart das Verständnis des Schönen, das dem Künstler als Mensch seiner Zeit innewohnt.
Das Stillleben als eigenständiges Genre entstand um die Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Flandern und Holland und erreichte schnell eine außergewöhnliche Perfektion in der Vermittlung der Vielfalt der Gegenstände der materiellen Welt. Der Prozess zum Stillleben verlief in vielen Ländern mehr oder weniger gleich. Westeuropa. Aber nehmen wir die Kunstgeschichte zusammen, dann bezieht sich die erste Stufe in der Entwicklung des Stilllebens auf die Altsteinzeit. Es gibt zwei Haupttechniken, die von alten Künstlern verwendet werden: Naturalismus und Ornamentalität. Dann konvergieren diese beiden Strömungen immer mehr, und es erscheint ein „halbbewusstes“ Stillleben, ein Bild einzelner Teile eines Objekts. Ein echtes ganzes Objekt findet man nur in der Bronzezeit. Diese zweite Stufe in der Entwicklung des Stilllebens erlebt ihre Blütezeit in der ägyptischen Kunst. Objekte werden immer isoliert voneinander dargestellt. Erstmals wird das Motiv einer Blume, das Thema Schnittpflanzen, eingeführt. Die Korrelation der Proportionen erscheint in den Werken der ägäischen Kunst. Die Objekte sind zu drei Vierteln in Gruppen angeordnet dargestellt. Die Traditionen der ägäischen Malerei fanden ihre Fortsetzung in der griechischen Kultur. Wir können dieses Genre der bildenden Kunst anhand der Vasen beurteilen. Gegenstände hängen nicht mehr in der Luft, sondern haben ihren eigenen " echter Ort"im Weltraum: ein an einen Baum gelehnter Schild, ein über einen Ast geworfener Mantel - das sogenannte "hängende" Stillleben. auch in Schulszenen oft wird ein "musikalisches" Stillleben dargestellt. Eine weitere Art von griechischem Stillleben kann unterschieden werden - „antik“. Künstler schaffen Bilder von Werkstätten: Statuenstücke, eine Säge, ein Hammer, Zeichenplatten. Es ist fast unmöglich, Bilder von Blumen und Tieren auf griechischen Vasen zu finden.
In der mittelalterlichen Kunst wird das Subjekt durch die Fragmentierung der Komposition, die Aufteilung der Bildleinwand in besondere Register, zu einem Attribut und nicht zu einem Objekt des Bildes. Ornamente spielen auch weiterhin eine wichtige Rolle, besonders aktiv in den Buntglasfenstern katholischer Kathedralen. Die strenge, intensiv asketische Kunst von Byzanz, die unsterbliche, monumental verallgemeinerte, erhaben heroische Bilder schuf, verwendete Bilder von einzelnen Objekten mit außergewöhnlicher Ausdruckskraft.
Auch in der altrussischen Ikonenmalerei spielten jene wenigen Objekte, die der Künstler in seine streng kanonischen Werke einführte, eine wichtige Rolle. Sie brachten Spontanität, Vitalität und schienen manchmal ein offener Ausdruck von Gefühlen in einem Werk zu sein, das einer abstrakten mythologischen Handlung gewidmet war.
Eine noch größere Rolle spielten Stillleben in den Gemälden der Künstler des 15.-16. Jahrhunderts während der Renaissance. Der Maler, der zuerst zeichnete Aufmerksamkeit auf die ihn umgebende Welt, suchte den Ort anzuzeigen, den Wert von allem zu bestimmen, was einem Menschen dient. Haushaltsgegenstände erlangten den Adel und die stolze Bedeutung ihres Besitzers, dem sie dienten. Auf großen Leinwänden nahmen Stillleben meist einen sehr bescheidenen Platz ein: ein Glasgefäß mit Wasser, eine elegante Silbervase oder zarte weiße Lilien an dünnen Stielen, die sich oft in die Ecke des Bildes drängten. Doch in der Darstellung dieser Dinge steckt so viel poetische Liebe zur Natur, ihre Bedeutung ist so stark vergeistigt, dass man hier schon alle später bestimmenden Züge erkennen kann eigenständige Entwicklung das ganze Genre.
Gegenstände, ein materielles Element, erhielten in der Malerei des 17. Jahrhunderts – in der Ära der entwickelten Stillleben-Gattung – eine neue Bedeutung. In komplexen Kompositionen mit literarischer Handlung nahmen sie ihren Platz zusammen mit anderen Helden des Werks ein. Analysiert man die Werke dieser Zeit, sieht man, welch wichtige Rolle das Stillleben im Bild zu spielen begann. In diesen Werken tauchten Dinge als Hauptfiguren auf, die zeigten, was ein Künstler erreichen kann, wenn er sein Können dieser Art von Kunst widmet.
Gegenstände, die von geschickten, fleißigen und weisen Händen hergestellt wurden, tragen den Abdruck der Gedanken, Wünsche und Neigungen einer Person. Sie dienen ihm, erfreuen ihn, wecken berechtigten Stolz. Kein Wunder, dass wir aus jenen Scherben von Geschirr, Haushaltsgeräten und Ritualgegenständen, die für Archäologen zu verstreuten Seiten der Menschheitsgeschichte werden, etwas über Epochen erfahren, die längst vom Erdboden verschwunden sind.
hineinschauen die Umwelt, mit neugierigem Geist in seine Gesetzmäßigkeiten eindringt, die faszinierenden Geheimnisse des Lebens enträtselt, spiegelt der Künstler es immer umfassender und vielseitiger in seiner Kunst wider. Er bildet nicht nur die Welt um sich herum ab, sondern vermittelt auch sein Verständnis, seine Einstellung zur Realität.
Die Geschichte der Entstehung und Entwicklung verschiedener Gattungen der Malerei ist ein lebendiges Zeugnis unermüdlicher Arbeit menschliches Bewusstsein das Streben, die unendliche Vielfalt der Aktivitäten zu umfassen, sie ästhetisch zu erfassen. Das Genre des Stilllebens war besonders ausgeprägt in Niederländische Malerei Proto-Renaissance. Es ist immer noch Teil der Einrichtung, aber gleichzeitig entstehen durch die Liebe der Künstler zum Detail erstaunliche kleine Stillleben: Geschirr, ein Arbeitstisch, Schuhe, die auf dem Boden stehen. All dies ist mit der gleichen Liebe dargestellt wie die Figuren von Menschen und Heiligen. In Italien taucht das Stillleben aus der Landschaft auf. In Zukunft erhält das Objekt eine Art eigenständige Aktivität, wird zum Teilnehmer der Aktion. Seit der Proto-Renaissance ist die objektive Welt immer realistischer geworden, manchmal sogar fast greifbar. Es ist kein Schein mehr, sondern wird Alltag. Im 16. Jahrhundert begannen die Künstler der nördlichen Renaissance, Objekte freizulegen und ihre Hüllen abzureißen (z. B. die Haut von Tieren).
Stillleben ist ein relativ junges Genre. Eigenständige Bedeutung in Europa erlangte es erst im 17. Jahrhundert. Die Entwicklungsgeschichte des Stilllebens ist interessant und lehrreich. Besonders reich und lebhaft blühte das Stillleben in Flandern und den Niederlanden auf. Endlich formiert sich das Stillleben als eigenständige Gattung der Malerei. Seine Entstehung hängt mit jenen revolutionären historischen Ereignissen zusammen, durch die diese Länder, nachdem sie zu Beginn des 17. Jahrhunderts ihre Unabhängigkeit erlangt hatten, den Weg der bürgerlichen Entwicklung einschlugen. Für das damalige Europa war dies ein wichtiges und fortschrittliches Phänomen. Vor der Kunst eröffneten sich neue Horizonte. Historische Bedingungen, neue soziale Beziehungen gelenkt und bestimmte kreative Anforderungen, Veränderungen bei der Lösung der Probleme, denen sich der Maler gegenübersieht. ohne direkt darzustellen historische Ereignisse Ihre Künstler haben die Welt neu betrachtet, neue Werte im Menschen gefunden. Das Leben erschien routinemäßig vor ihnen mit bisher unbekannter Bedeutung und Fülle. Sie wurden von den Besonderheiten des nationalen Lebens angezogen, heimische Natur, Dinge, die den Abdruck von Mühen und Tagen bewahren gewöhnliche Menschen. Von hier aus, aus einem bewussten, tiefen, durch das System selbst angeregten Interesse am Leben der Menschen, wurden separate und unabhängige Genres geboren. Haushaltsmalerei, Landschaft, aufgetaucht und Stillleben.
Die sich im 17. Jahrhundert entwickelnde Kunst des Stilllebens bestimmte die Hauptqualitäten dieser Gattung. Malen, der Welt gewidmet Dinge, sprachen über die grundlegenden Eigenschaften, die Objekten innewohnen, die eine Person umgeben, offenbarten die Haltung des Künstlers und Zeitgenossen zu dem Dargestellten, drückten die Natur und Vollständigkeit des Wissens über die Realität aus. Der Maler vermittelte die materielle Existenz der Dinge, ihr Volumen, Gewicht, Textur, Farbe, Gebrauchswert von Haushaltsgegenständen, ihre lebendige Verbindung mit menschlicher Aktivität. Die Schönheit und Vollkommenheit von Haushaltsgeräten wurde nicht nur von ihrer Notwendigkeit, sondern auch von der Kunstfertigkeit ihres Schöpfers bestimmt. Das Stilleben der revolutionären Ära des siegreichen Bürgertums spiegelt den Respekt des Künstlers für neue Formen wider nationales Leben Landsleute, Respekt vor der Arbeit.
Die im 17. Jahrhundert formulierten Aufgaben der Gattung in allgemein gesagt bestand in der Europäischen Schule bis zu Mitte des neunzehnten Jahrhundert. Dies bedeutet jedoch nicht, dass sich die Künstler nicht neuen Aufgaben gestellt und vorgefertigte Lösungen mechanisch wiederholt haben.
Im Laufe der Epochen änderten sich nicht nur die Methoden und Malweisen eines Stilllebens, sondern es sammelten sich künstlerische Erfahrungen, im Entstehungsprozess entwickelte sich ein komplexeres und sich ständig bereicherndes Weltbild.
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Anweisung
Stillleben als Genre stach nicht sofort hervor, lange Zeit Gemälde mit Blumen und Haushaltsgegenständen wurden als Rahmen für andere Leinwände sowie als Dekoration für Möbeltüren verwendet. Die ersten eigenständigen Gemälde erschienen um das 17. Jahrhundert. Dann wurden die Bilder von Objekten als Allegorien verwendet, und jedes Objekt hatte eine zusätzliche symbolische Bedeutung. Später wurde das Stillleben unter Künstlern populär, galt jedoch als minderwertiges Genre.
Es gibt verschiedene Arten von Stillleben, eine der frühesten und häufigsten ist das Blumenstillleben, die zweitbeliebteste ist das Stillleben des gedeckten Tisches. Das symbolische Stillleben besteht weiter. Eine andere Ansicht, die vor relativ kurzer Zeit aufgetaucht ist, ist ein abstraktes Stillleben, in diesem Stil werden Objekte nicht realistisch dargestellt, die Formen sind skizzenhaft und die Farben weisen keine fließenden Übergänge auf.
Wenn Sie gerne zeichnen, haben Sie wahrscheinlich viele Zeichnungen und Gemälde in diesem Genre gemacht. Um ein Stillleben zu zeichnen, müssen Sie keine Zeit und Mühe aufwenden, um nach interessanten Objekten zum Zeichnen zu suchen, Sie können immer zeichnen gute komposition Gegenstände, die immer griffbereit sind. Verwenden Sie Vorhänge als Hintergrund, ein kleines Stück Stoff ist in Ordnung. Ordnen Sie die Objekte so an, dass Sie mehrere Pläne erhalten, denken Sie daran, dass die Objekte große Größe sollten im Hintergrund sein und diejenigen sein, die kleiner sind. Setzen Sie eine zusätzliche seitliche Farbquelle ein, dies verleiht den Objekten Volumen. Regelmäßige Übungen mit solchen Produktionen ermöglichen es Ihnen, Ihre zeichnerischen Fähigkeiten zu verbessern.
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Quellen:
- Komposition im Stillleben
- Was ist Stillleben
Gut Stillleben wird geboren, lange bevor Sie Farbe und Pinsel in die Hand nehmen. Der Erfolg hängt davon ab, wie Sie die zu zeichnenden Objekte auswählen und wie Sie sie im Raum anordnen.
Anweisung
Denken Sie an ein Stilleben-Thema. Natürlich können Sie alle Gegenstände auf einmal auf den Tisch legen, aber die durch eine Geschichte vereinten Komponenten, die von der Persönlichkeit ihres Besitzers erraten werden, oder zumindest stilistisch, werden viel logischer aussehen.
Sortieren Sie alle Komponenten nach Form. Es ist wünschenswert, dass es abwechslungsreich ist - finden Sie Objekte hoch und niedrig, breit und schmal. Andernfalls führt die Monotonie der Formen im Bild dazu, dass sich alles zu einer Masse vermischt und die Objekte einfach aus dem Sichtfeld „fallen“.
Achten Sie darauf, dass es sich nicht um Produkte und Dinge handelt, die farblich nicht zusammenpassen. Wenn Sie es schwierig finden, dies mit dem Auge zu bestimmen, verwenden Sie das Farbrad. Geben Sie ein gleichseitiges Dreieck ein. Seine Winkel zeigen drei Grundfarben an, die gut zueinander passen. Als zusätzliche Farben können Sie Farbtöne nehmen, die sich an den Seiten der Hauptfarben befinden.
Wählen Sie den richtigen Hintergrund. Sie können ein Stillleben auf einem Vorhang oder einer unbedeckten Oberfläche auslegen. Es ist wichtig, dass es farbneutral ist (wenn die Schattierungen von Objekten gesättigt sind) oder mit der gesamten Komposition kombiniert wird. Auf jeden Fall sollte der Hintergrund nicht den Löwenanteil der Aufmerksamkeit des Betrachters einnehmen.
Was ist Stillleben?
Stillleben ist ein Genre der Malerei, das die unbelebte Natur darstellt. Das Genre entstand im 17. Jahrhundert.
Überraschend und interessant ist das Stillleben vor allem deshalb, weil es die Menschen Schönheit und Harmonie in alltäglichen, langweiligen Dingen sehen lässt, die uns ständig umgeben, aber unsere Aufmerksamkeit nicht auf sich ziehen.
Das Genre ist nicht so einfach, wie es auf den ersten Blick scheint: In den meisten dieser Gemälde verwenden Künstler Allegorien – sie versuchen, den Menschen etwas Wichtiges durch eine bestimmte Reihe von Objekten, ihre Anordnung, gewählte Farben, die Gesamtkomposition zu sagen, was zu vermitteln sie beunruhigt, von ihren Gefühlen und Gedanken zu erzählen.
Trotz der düsteren Übersetzung „tote Natur“, Leinwände sind oft voller leuchtender Farben, erfreuen den Betrachter mit ihrer Originalität und Skurrilität, wecken den Wunsch zu leben und die Welt um sie herum zu bewundern, die Schönheit darin zu sehen.
Es gibt viele Arten und Unterarten von Stillleben, zum Beispiel thematisch, kreativ, pädagogisch und kreativ, pädagogisch. Sie sind auch nach verwendeten Farben, Beleuchtung, Farbe, Aufführungszeit, Ort usw. unterteilt.
Die Begründer des Stilllebens als eigenständige Gattung waren die Holländer u Flämische Künstler. Zunächst erschienen die Gemälde im religiösen Gebrauch. Auch in der Ära der Entstehung des Genres verbreiteten sich Gemälde düsterer Natur mit tiefer philosophischer Bedeutung und dunklen Tönen im Zentrum der Komposition, bei denen es sich um Schädel, Kerzen und einige andere Attribute handelte. Dann nahm das Genre, sich allmählich entwickelnd, immer neue Richtungen auf und verbreitete sich immer wieder in allen Kreisen der Gesellschaft. Blumen, Bücher, Gemüse und Obst, Meeresfrüchte, Geschirr und andere Haushaltsgegenstände – alles spiegelt sich in der Kunst wider. Einige der berühmtesten Stilllebenmaler waren Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.
Cézanne, Paul. Stillleben mit Granatapfel und Birnen. 1885-1890 
Cézanne, Paul. Stilleben mit Äpfeln und Orangen. 1895-1900
In Russland entstand das Genre zu Beginn des 18. Jahrhunderts, aber niemand beschäftigte sich ernsthaft damit, es galt als „niederes“ Genre. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erreichte die Stilllebenmalerei ihren Höhepunkt; Künstler schufen ihre Meisterwerke, stellten sich neuen Aufgaben und erreichten unsagbare Höhen der Meisterschaft, verwendeten ungewöhnliche Techniken, wählten neue Bilder. Das russische Stillleben entwickelte sich im Gegensatz zum westlichen nicht allmählich, sondern beschleunigt. Schaffen in diesem Genre solche russischen Künstler wie K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S. I. Osipov und viele andere.
I. Levitan 
I. Levitan
In der modernen Malerei erlebt das Stillleben einen neuen Aufschwung und nimmt mittlerweile einen festen Platz neben anderen Gattungen der bildenden Kunst ein. Jetzt ist es eine der gefragtesten Richtungen in der Malerei. Künstler haben eine Vielzahl von Möglichkeiten zur Selbstverwirklichung in der Kreativität und malen eine Vielzahl von Stillleben. Und die Betrachter wiederum kaufen Gemälde, schmücken ihre Innenräume damit, beleben ihr Zuhause und bringen Komfort und Freude hinein. Museen werden ständig mit Stillleben aufgefüllt, immer mehr neue Ausstellungen eröffnen in verschiedenen Städten und Ländern, zu denen Massen von kunstinteressierten Zuschauern kommen. Mehrere Jahrhunderte später, nachdem es einen langen, vollwertigen Entwicklungsweg durchlaufen hat, ist das Stillleben immer noch relevant und hat seine Bedeutung in der Weltmalerei nicht verloren.
